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세계에서 가장 유명한 오페라. 장르의 역사 19세기 러시아 작곡가들의 오페라 작품

에세이의 저자는 N. V. Tumanina입니다.

러시아 오페라는 세계 뮤지컬 극장의 재무부에 가장 귀중한 공헌입니다. 19세기 이탈리아, 프랑스, 독일 오페라, 러시아 오페라의 고전적 전성기 시대에 태어났다. 다른 국립 오페라 학교를 따라잡았을 뿐만 아니라 능가하기도 했습니다. 19세기 러시아 오페라 극장 발전의 다자간 성격. 세계 사실주의 예술의 풍요로움에 기여했습니다. 러시아 작곡가의 작품은 오페라 창의성의 새로운 영역을 열었고, 새로운 내용을 도입했으며, 뮤지컬 극작술을 구성하는 새로운 원칙을 도입하여 오페라 예술을 다른 유형의 음악적 창의성, 주로 교향곡에 더 가깝게 가져왔습니다.

러시아 고전 오페라의 역사는 선진 러시아 사상의 발전과 함께 러시아 사회 생활의 발전과 불가분의 관계가 있습니다. 오페라는 이미 18세기에 러시아 계몽주의가 발달한 70년대에 국가적 현상으로 등장한 이러한 연결로 구별되었습니다. 러시아 오페라 학교의 형성은 사람들의 삶을 진실되게 묘사하려는 열망으로 표현 된 계몽 사상의 영향을 받았습니다.

따라서 러시아 오페라는 첫 단계부터 민주적 예술로 구체화됩니다. 러시아 최초의 오페라의 줄거리는 종종 반 농노 아이디어를 제시했으며 이는 18 세기 말 러시아 드라마 극장과 러시아 문학의 특징이기도했습니다. 그러나 이러한 경향은 아직 통합 시스템으로 발전하지 않았으며 귀족에 대한 풍자적 묘사에서 지주에 의한 억압을 보여주는 농민의 삶의 장면에서 경험적으로 표현되었습니다. V. A. Pashkevich (c. 1742-1797)의 "Misfortune from the Carriage", Ya. B. Kniazhnin의 대본 (post, 1779); "준비 중인 코치맨" E. I. Fomina(1761-1800). A. O. Ablesimov의 텍스트와 M. M. Sokolovsky (두 번째 버전 - E. I. Fomina)의 음악이있는 오페라 "밀러 - 마법사, 사기꾼 및 중매인"에서 작품의 귀족에 대한 아이디어 농부가 표현되고 고귀한 스웨거가 조롱됩니다. M. A. Matinsky-V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor"의 오페라에서 고리 대금업자와 뇌물 수취인은 풍자적 인 형태로 묘사됩니다.

최초의 러시아 오페라는 행동 과정에서 뮤지컬 에피소드가 포함된 연극이었습니다. 대화 장면은 그들에게 매우 중요했습니다. 첫 번째 오페라의 음악은 러시아 민요와 밀접한 관련이 있습니다. 작곡가는 기존 민요의 멜로디를 광범위하게 사용하여 재 작업하여 오페라의 기초로 삼았습니다. 예를 들어 "Melnik"에서 캐릭터의 모든 특성은 다른 성격의 민요의 도움으로 제공됩니다. 오페라 "St. Petersburg Gostiny Dvor"에서는 민속 결혼식이 매우 정확하게 재현됩니다. "프레임 위의 마부"에서 Fomin은 민속 합창 오페라의 첫 번째 예를 만들어 후기 러시아 오페라의 전형적인 전통 중 하나를 세웠습니다.

러시아 오페라는 국가 정체성을 위한 투쟁 속에서 발전했다. 외국 극단을 후원하는 왕실과 귀족 사회의 정책은 러시아 예술의 민주주의에 반대했습니다. 러시아 오페라의 인물들은 서유럽 오페라 샘플에서 오페라 기술을 배우고 동시에 국가 방향의 독립성을 방어해야했습니다. 수년 동안의 이러한 투쟁은 새로운 단계에서 새로운 형태를 취하는 러시아 오페라의 존재 조건이 되었습니다.

XVIII 세기의 오페라 코미디와 함께. 다른 오페라 장르도 등장했습니다. 1790년에 "Oleg's Initial Administration"이라는 제목으로 궁정에서 공연이 열렸는데, 텍스트는 여제 캐서린 2세가 썼고 음악은 작곡가 K. Canobbio, J. Sarti 및 V. A. Pashkevich가 공동으로 작곡했습니다. 공연은 본질적으로 오라토리오만큼 오페라가 아니었고 어느 정도는 19세기에 널리 퍼진 음악-역사적 장르의 첫 번째 사례로 간주될 수 있습니다. 러시아의 뛰어난 작곡가 D. S. Bortnyansky(1751-1825)의 작품에서 오페라 장르는 서정적 오페라인 The Falcon과 The Rival Son으로 대표되며, 그의 음악은 오페라 형식과 기술의 발전 측면에서 볼 수 있습니다. 서유럽 오페라의 현대 예와 동등합니다.

오페라 하우스는 18세기에 사용되었습니다. 큰 인기. 점차 수도의 오페라가 부동산 극장에 침투했습니다. 18세기와 19세기 초의 요새 극장. 오페라 공연 및 개인 역할에 대한 개별적인 고도로 예술적인 예를 제공합니다. 예를 들어 수도 무대에서 공연 한 가수 E. Sandunova 또는 Sheremetev Theatre P. Zhemchugova의 농노 배우와 같은 재능있는 러시아 가수와 배우가 지명됩니다.

18세기 러시아 오페라의 예술적 성취. 19 세기 1/4 분기 러시아 뮤지컬 극장의 급속한 발전에 박차를가했습니다.

러시아 뮤지컬 극장과 시대의 영적 삶을 결정한 아이디어와의 연결은 특히 1812 년 애국 전쟁과 Decembrist 운동 기간 동안 강화되었습니다. 역사 및 현대 플롯에 반영된 애국심의 주제는 많은 드라마 및 음악 공연의 기초가 됩니다. 사회적 불평등에 대한 항의 인본주의의 아이디어는 연극 예술에 영감을주고 비옥하게합니다.

XIX 세기 초. 아직 오페라에 대해 온전한 의미로 말할 수는 없습니다. 혼합 장르는 러시아 뮤지컬 극장에서 중요한 역할을합니다 : 음악이있는 비극, 보드빌, 코믹 오페라, 오페라 발레. Glinka 이전에 러시아 오페라는 대사 없이 음악에만 의존하는 극작술을 가진 작품을 알지 못했습니다.

Ozerov, Katenin, Shakhovsky의 비극을 위해 음악을 만든 O. A. Kozlovsky (1757-1831)는 "음악에 대한 비극"의 뛰어난 작곡가였습니다. 작곡가 A. A. Alyabyev (1787-1851) 및 A. N. Verstovsky (1799-1862)는 유머러스하고 풍자적 인 내용의 여러 보드빌을 위해 음악을 작곡 한 보드빌 장르에서 성공적으로 작업했습니다.

19세기 초 오페라 이전 시대의 전통을 발전시켰다. 특징적인 현상은 민요와 함께하는 일상 공연이었습니다. 이러한 종류의 예는 아마추어 작곡가 A.N. Titov(1769-1827)가 작곡한 "Yam", "Gatherings", "Girlfriend" 등의 공연입니다. 그러나 이것은 그 시대의 풍부한 연극 생활을 소진시키는 것과는 거리가 멀다. 그 시대의 전형적인 낭만적 경향에 대한 성향은 동화 같은 환상적인 공연에 대한 사회의 열정으로 표현되었습니다. 여러 부분으로 구성된 Dnieper Mermaid (Lesta)는 특별한 성공을 거두었습니다. 소설의 장을 구성한이 오페라의 음악은 작곡가 S. I. Davydov, K. A. Kavos가 썼습니다. 오스트리아 작곡가 Cauer의 음악이 부분적으로 사용되었습니다. "The Dnieper Mermaid"는 호화로운 제작 덕분에 Pushkin의 "Mermaid"의 줄거리를 주요 기능으로 예상하는 재미있는 음모로 인해 오랫동안 무대를 떠나지 않았습니다. 선율적이고 단순하며 접근하기 쉬운 음악.

어려서부터 러시아에서 활동하며 러시아 오페라 공연의 발전에 많은 노력을 기울인 이탈리아의 작곡가 카보스(K. A. Kavos, 1775-1840)는 역사-영웅 오페라 창작에 첫 시도를 했다. 1815 년에 그는 상트 페테르부르크에서 오페라 Ivan Susanin을 상연했으며, 17 세기 초 폴란드 침공에 대한 러시아 국민의 투쟁 에피소드 중 하나를 바탕으로 국가 애국심을 만들려고했습니다. 성능. 이 오페라는 나폴레옹에 대한 해방 전쟁에서 살아남은 사회 분위기에 부응했습니다. Kavos의 오페라는 전문 음악가의 기술, 러시아 민속에 대한 의존, 생생한 행동으로 현대 작품 중에서 유리하게 구별됩니다. 그럼에도 불구하고 그것은 같은 무대에서 행진하는 프랑스 작곡가들의 수많은 "구조 오페라"수준을 넘어서지 않습니다. Kavos는 Glinka가 20년 후에 동일한 플롯을 사용하여 만든 민속 비극적 서사시를 만들 수 없었습니다.

XIX 세기의 1/3의 가장 큰 작곡가. vaudeville의 음악 작가로 언급 된 A. N. Verstovsky는 인정 받아야합니다. 그의 오페라 "Pan Tvardovsky"(1828년 게시), "Askold's Grave"(1835년 게시), "Vadim"(1832년 게시) 등은 Glinka 이전 러시아 오페라 발전의 새로운 단계를 구성했습니다. 러시아 낭만주의의 특징은 Verstovsky의 작업에 반영되었습니다. 러시아 고대, Kievan Rus의 시적 전통, 동화 및 전설이 그의 오페라의 기초를 형성합니다. 그들에게 중요한 역할은 마법의 요소입니다. 민요 예술을 기반으로 한 뿌리 깊은 Verstovsky의 음악은 가장 넓은 의미에서 민속 기원을 흡수했습니다. 그의 캐릭터는 민속 예술의 전형입니다. 오페라 극작술의 대가인 Verstovsky는 환상적인 콘텐츠로 낭만적으로 다채로운 장면을 만들었습니다. 그의 스타일의 예는 오늘날까지 레퍼토리에 남아있는 오페라 "Askold 's Grave"입니다. Verstovsky의 최고의 기능인 멜로디 선물, 뛰어난 극적인 감각, 캐릭터의 생생하고 특징적인 이미지를 만드는 능력을 보여주었습니다.

Verstovsky의 작품은 역사적 중요성이 매우 크지만 러시아 오페라의 전 고전 시대에 속합니다. 그들은 러시아 오페라 음악 발전에서 이전 및 현대 시대의 모든 최고의 특성을 요약하고 개발합니다.

30대부터. 19 세기 러시아 오페라는 고전 시대에 들어갑니다. 러시아 오페라 고전 M. I. Glinka (1804-1857)의 창시자는 역사적이고 비극적 인 오페라 "Ivan Susanin"(1830)과 멋진 서사시 "Ruslan and Lyudmila"(1842)를 만들었습니다. 이 오페라는 러시아 뮤지컬 극장에서 가장 중요한 두 가지 경향인 역사적 오페라와 마법 서사시의 토대를 마련했습니다. Glinka의 창작 원칙은 차세대 러시아 작곡가에 의해 구현되고 개발되었습니다.

Glinka는 Decembrism의 아이디어에 가려진 시대에 예술가로 발전하여 오페라의 이념적, 예술적 내용을 새롭고 중요한 수준으로 끌어 올릴 수있었습니다. 그는 일반화되고 깊은 사람들의 이미지가 전체 작업의 중심이 된 최초의 러시아 작곡가였습니다. 그의 작품에서 애국심이라는 주제는 독립을위한 인민의 투쟁이라는 주제와 불가분의 관계가 있습니다.

이전 러시아 오페라는 글린카 오페라의 등장을 준비했지만 초기 러시아 오페라와의 질적 차이는 매우 크다. Glinka의 오페라에서 예술적 사고의 사실주의는 사적인 측면에서 드러나지 않고 오페라의 아이디어, 주제 및 음모를 음악적이고 극적으로 일반화할 수 있는 전체론적 창작 방법으로 작용합니다. Glinka는 국적의 문제를 새로운 방식으로 이해했습니다. 그에게 그것은 민요의 음악적 발전뿐만 아니라 삶의 음악, 사람들의 감정 및 생각, 특징적인 특징의 공개에 대한 깊고다면적인 반영을 의미했습니다. 그 영적인 모습의. 작곡가는 민속 생활을 반영하는 데 자신을 국한시키지 않고 민속 세계관의 전형적인 특징을 음악으로 구현했습니다. Glinka의 오페라는 통합 음악 및 드라마 작품입니다. 대화가 없으며 내용은 음악을 통해 표현됩니다. 코믹 오페라의 분리되고 미개발된 솔로 및 합창 곡 대신에 Glinka는 크고 상세한 오페라 형식을 만들어 진정한 교향곡 기술로 개발합니다.

"Ivan Susanin"에서 Glinka는 러시아의 영웅적인 과거를 불렀습니다. 훌륭한 예술적 진실로 러시아 사람들의 전형적인 이미지가 오페라에 구현됩니다. 뮤지컬 드라마의 발전은 다양한 국가 음악계의 대립에 기반을 두고 있다.

"Ruslan and Lyudmila"는 민속 서사시 러시아 오페라의 시작을 알리는 오페라입니다. 러시아 음악에서 "Ruslan"의 의미는 매우 큽니다. 오페라는 연극 장르뿐만 아니라 교향곡에도 영향을 미쳤습니다. "Ruslan"의 화려한 동양 이미지뿐만 아니라 장엄한 영웅적이고 신비한 마법은 오랫동안 러시아 음악에 영양을 공급했습니다.

Glinka는 40-50 년대의 전형적인 예술가 인 A. S. Dargomyzhsky (1813-1869)가 이어졌습니다. 19 세기 Glinka는 Dargomyzhsky에 큰 영향을 미쳤지 만 동시에 후자의 작업에는 새로운 사회적 조건, 러시아 예술에 온 새로운 주제에서 태어난 새로운 특성이 나타났습니다. 굴욕적인 사람에 대한 따뜻한 동정, 사회적 불평등의 유해성에 대한 인식, 사회 질서에 대한 비판적 태도는 문학의 비판적 사실주의 아이디어와 관련된 Dargomyzhsky의 작업에 반영됩니다.

Dargomyzhsky의 오페라 작곡가로서의 길은 V. Hugo (1847 년 게시) 이후 오페라 "Esmeralda"의 창작으로 시작되었으며 작곡가의 중앙 오페라 작업은 "인어"(A. S. Pushkin의 드라마 기반)로 간주되어야합니다. 1856년 이 오페라에서 Dargomyzhsky의 재능이 완전히 드러났고 그의 작품의 방향이 결정되었습니다. 밀러 나타샤의 사랑하는 딸과 왕자 사이의 사회적 불평등 드라마는 주제의 관련성으로 작곡가를 매료 시켰습니다. Dargomyzhsky는 환상적인 요소를 경시하여 플롯의 극적인 측면을 강화했습니다. Rusalka는 러시아 최초의 일상 가사-심리 오페라입니다. 그녀의 음악은 매우 포크적입니다. 노래 기반으로 작곡가는 영웅의 살아있는 이미지를 만들고 주인공 부분에서 선언적인 스타일을 개발하고 앙상블 장면을 개발하여 크게 각색했습니다.

Dargomyzhsky의 마지막 오페라인 The Stone Guest는 Pushkin(작곡가가 사망한 후 1872년에 게시됨) 이후 러시아 오페라 발전의 다른 시기에 속합니다. Dargomyzhsky는 음성 억양을 반영하는 사실적인 음악 언어를 만드는 작업을 설정했습니다. 작곡가는 아리아, 앙상블, 합창단과 같은 전통적인 오페라 형식을 여기에서 버렸습니다. 오페라의 보컬 부분이 오케스트라 부분보다 우세하며 The Stone Guest는 나중에 Rimsky-Korsakov의 Mozart와 Salieri, Rachmaninov의 Salieri가 발표 한 소위 실내 암송 오페라 인 러시아 오페라의 후속 기간의 방향 중 하나의 토대를 마련했습니다. 인색한 기사 등. 이 오페라의 특징은 모두 푸쉬킨의 "작은 비극"의 변경되지 않은 전체 텍스트를 기반으로한다는 것입니다.

60년대. 러시아 오페라는 새로운 발전 단계에 접어 들었습니다. Balakirev 서클 ( "The Mighty Handful") 작곡가와 차이코프스키의 작품이 러시아 무대에 등장합니다. 같은 해에 A. N. Serov와 A. G. Rubinshtein의 작업이 펼쳐졌습니다.

음악 평론가로 유명해진 A. N. Serov (1820-1871)의 오페라 작품은 러시아 극장의 매우 중요한 현상에 속할 수 없습니다. 그러나 한때 그의 오페라는 긍정적인 역할을 했다. 오페라 "Judith"(post, 1863)에서 Serov는 성경 이야기를 바탕으로 영웅적이고 애국적인 성격의 작품을 만들었습니다. 오페라 Rogneda (1865 년 작곡 및 상연)에서 그는 Ruslan의 계보를 계속하기를 원하면서 Kievan Rus 시대로 향했습니다. 그러나 오페라는 충분히 깊지 않았습니다. 큰 관심은 A. N. Ostrovsky의 드라마 Do n't Live As You Want (1871 년 게시)를 기반으로 한 Serov의 세 번째 오페라 The Enemy Force입니다. 작곡가는 음악이 기본 소스를 기반으로해야하는 노래 오페라를 만들기로 결정했습니다. 그러나 오페라에는 하나의 극적인 개념이 없으며 그 음악은 사실적인 일반화의 높이까지 올라가지 않습니다.

오페라 작곡가인 A. G. Rubinshtein(1829-1894)은 역사적인 오페라 The Battle of Kulikovo(1850)를 작곡하는 것으로 시작했습니다. 그는 가사 오페라 Theramors와 로맨틱 오페라 Children of the Steppes를 만들었습니다. 루빈스타인의 최고의 오페라인 레르몬토프 이후의 악마(1871)는 레퍼토리에서 살아 남았습니다. 이 오페라는 등장 인물의 감정을 표현하는 데 가장 재능있는 페이지를 할애하는 러시아 서정 오페라의 한 예입니다. 작곡가가 Transcaucasia의 민속 음악을 사용한 The Demon의 장르 장면은 현지 풍미를 불러옵니다. 오페라 The Demon은 주인공에서 1940 년대와 1950 년대 남자의 이미지를 본 동시대 사람들 사이에서 성공했습니다.

The Mighty Handful과 Tchaikovsky 작곡가의 오페라 작품은 1960 년대의 새로운 미학과 밀접하게 연결되었습니다. 새로운 사회적 조건은 러시아 예술가들에게 새로운 과제를 제시합니다. 시대의 주요 문제는 모든 복잡성과 불일치로 인해 민속 생활 예술 작품에 반영되는 문제였습니다. 혁명적 민주주의자들(대부분 체르니셰프스키)의 사상의 영향은 보편적으로 중요한 주제와 줄거리에 대한 매력, 작품의 인본주의적 지향, 높은 영적 힘에 대한 찬양으로 음악적 창의성 분야에 반영되었습니다. 사람들. 현재 특히 중요한 것은 역사적 주제입니다.

그해 사람들의 역사에 대한 관심은 작곡가에게만 해당되는 것이 아닙니다. 역사 과학 자체가 널리 발전하고 있습니다. 작가, 시인 및 극작가는 역사적 주제로 전환합니다. 역사화의 발전. 쿠데타, 농민 봉기, 대중 운동의 시대가 가장 큰 관심사입니다. 국민과 왕권의 관계 문제가 중요한 자리를 차지하고 있습니다. M. P. Mussorgsky와 N. A. Rimsky-Korsakov의 역사적인 오페라는이 주제에 전념합니다.

M. P. Mussorgsky(1839-1881), Boris Godunov(1872), Khovanshchina(1882년 Rimsky-Korsakov가 완성)의 오페라는 러시아 고전 오페라의 역사적이고 비극적인 분야에 속합니다. 두 작품의 중심에는 민중이 있기 때문에 작곡가는 이를 '민속 뮤지컬 드라마'라고 불렀다. "Boris Godunov"(Pushkin의 같은 이름의 비극을 기반으로 함)의 주요 아이디어는 갈등입니다 : 차르-사람. 이 아이디어는 개혁 이후 시대에 가장 중요하고 예리한 아이디어 중 하나였습니다. Mussorgsky는 Rus의 과거 사건에서 현재와의 유추를 찾고 싶었습니다. 민중의 이익과 독재권력의 모순은 민중운동이 노골적인 봉기로 변질되는 장면에서 드러난다. 동시에 작곡가는 Tsar Boris가 경험 한 "양심의 비극"에 큰 관심을 기울입니다. Boris Godunov의다면적인 이미지는 세계 오페라의 가장 높은 업적 중 하나입니다.

Mussorgsky의 두 번째 뮤지컬 드라마인 Khovanshchina는 17세기 말 Streltsy 반란에 헌정되었습니다. 민요의 예술에 대한 창의적 사고를 바탕으로 한 오페라 음악은 활기 넘치는 민중 운동의 요소를 훌륭하게 표현합니다. "Khovanshchina"의 음악은 "Boris Godunov"의 음악과 마찬가지로 높은 비극이 특징입니다. 두 오페라의 멜로디 마일의 기본은 노래와 선언적인 시작의 합성입니다. 그의 개념의 참신함에서 탄생한 무소르그스키의 혁신과 음악 극작술의 문제에 대한 매우 독창적인 해결책으로 인해 우리는 그의 두 오페라를 뮤지컬 극장의 최고 업적으로 평가합니다.

A. P. Borodin (1833-1887)의 오페라 "Prince Igor"는 또한 역사적인 음악 작품 그룹에 인접합니다 (그 줄거리는 "이고르의 캠페인 이야기"였습니다). 조국에 대한 사랑의 아이디어, 적의 얼굴에 단합한다는 아이디어는 훌륭한 드라마 (Putivl의 장면)로 작곡가에 의해 드러납니다. 작곡가는 그의 오페라에서 서사적 장르의 기념비와 서정적 시작을 결합했습니다. Polovtsian 캠프의 시적 구체화에서 Glinka의 계율이 구현됩니다. 차례로 Borodin의 동양 음악 사진은 많은 러시아와 소련 작곡가에게 영감을 주어 동양 이미지를 만들었습니다. Borodin의 놀라운 멜로디 선물은 오페라의 폭 넓은 노래 스타일로 나타났습니다. Borodin은 오페라를 끝낼 시간이 없었습니다. Prince Igor는 Rimsky-Korsakov와 Glazunov에 의해 완성되었으며 1890년에 그들의 버전으로 상연되었습니다.

역사 뮤지컬 드라마의 장르도 N. A. Rimsky-Korsakov(1844-1908)에 의해 개발되었습니다. Ivan the Terrible (오페라 The Woman of Pskov, 1872)에 반항하는 프 스코프의 자유인은 서사시적인 장엄함으로 작곡가에 의해 묘사됩니다. 왕의 이미지는 진정한 드라마로 가득 차 있습니다. 여 주인공 올가와 관련된 오페라의 서정적 요소는 장엄한 비극적 개념에 숭고한 부드러움과 부드러움의 특징을 도입하여 음악을 풍부하게합니다.

P. I. 차이콥스키(1840-1893)는 그의 서정적 심리 오페라로 가장 유명하며 세 편의 역사적인 오페라를 저술했습니다. Oprichnik (1872) 및 Mazepa (1883) 오페라는 러시아 역사의 극적인 사건에 전념합니다. 오페라 The Maid of Orleans (1879)에서 작곡가는 프랑스 역사로 전환하여 프랑스 국민여 주인공 Joan of Arc의 이미지를 만들었습니다.

차이코프스키의 역사적인 오페라의 특징은 그의 서정적 오페라와의 친족 관계입니다. 작곡가는 개인의 운명을 통해 묘사 된 시대의 특징을 드러낸다. 그의 영웅 이미지는 사람의 복잡한 내면 세계 전달의 깊이와 진실성으로 구별됩니다.

XIX 세기 러시아 오페라의 민속 역사 뮤지컬 드라마 외에도. N. A. Rimsky-Korsakov의 작품에서 널리 알려진 민속 동화 오페라가 중요한 장소를 차지합니다. Rimsky-Korsakov의 최고의 동화 오페라는 The Snow Maiden (1881), Sadko (1896), Kashchei the Immortal (1902) 및 The Golden Cockerel (1907)입니다. 타타르-몽골 침공에 대한 민속 전설을 바탕으로 한 오페라 The Tale of the Invisible City Kitezh와 Maiden Fevronia (1904)가 특별한 장소를 차지하고 있습니다.

Rimsky-Korsakov의 오페라는 민화 장르의 다양한 해석에 놀라움을 금치 못합니다. 이것은 Snow Maiden에 대한 멋진 동화, 고대 Novgorod의 강력한 그림 또는 20 세기 초 러시아의 이미지로 표현 된 자연에 대한 고대 민속 아이디어의 시적 해석입니다. 차가운 Kashcheev 왕국의 우화 적 이미지에서 동화 속 인기 이미지 ( "The Golden Cockerel")의 썩은 독재 체제에 대한 진정한 풍자. 경우에 따라 등장인물의 음악적 묘사 방식과 림스키-코르사코프의 음악 극작술의 기법이 다르다. 그러나 그의 모든 오페라에서 작곡가가 민속 사상, 민속 신념의 세계, 사람들의 세계관에 깊이 창의적으로 침투하는 것을 느낄 수 있습니다. 그의 오페라 음악의 기초는 민요의 언어입니다. 민속 예술에 대한 의존, 다양한 민속 장르의 사용을 통한 배우의 특성화는 Rimsky-Korsakov의 전형적인 특징입니다.

Rimsky-Korsakov 작품의 정점은 오페라 The Legend of the Invisible City Kitezh와 Maiden Fevronia에서 Rus 사람들의 애국심에 대한 장엄한 서사시입니다. 주제.

다른 종류의 러시아 고전 오페라 중에서 주요 장소 중 하나는 Dargomyzhsky의 Rusalka가 시작한 서정 심리학 오페라에 속합니다. 러시아 음악에서 이 장르의 가장 위대한 대표자는 차이코프스키로, 세계 오페라 레퍼토리에 포함된 뛰어난 작품인 Eugene Onegin(1877-1878), The Enchantress(1887), The Queen of Spades(1890), Iolanta(1891)의 저자입니다. ). 차이코프스키의 혁신은 인본주의 사상, 인간의 굴욕에 대한 항의, 인류의 더 나은 미래에 대한 믿음에 전념하는 그의 작업 방향과 관련이 있습니다. 사람들의 내면 세계, 관계, 감정은 차이코프스키의 오페라에서 연극 적 효과와 일관된 교향곡 발전을 결합하여 드러납니다. 차이코프스키의 오페라 작품은 19세기 세계 음악 및 연극 예술의 가장 위대한 현상 중 하나입니다.

러시아 작곡가 코미디 오페라의 오페라 작품에는 더 적은 수의 작품이 있습니다. 그러나 이 소수의 샘플은 국가 정체성으로 구별됩니다. 재미있는 가벼움, 코미디가 없습니다. 그들 대부분은 Dikanka 근처 농장의 저녁에 나오는 Gogol의 이야기를 기반으로했습니다. 각 오페라 코미디는 작가의 개별적인 특성을 반영했습니다. Tchaikovsky의 오페라 "Cherevichki"(1885; 첫 번째 버전- "Blacksmith Vakula", 1874)에서 서정적 요소가 우세합니다. Rimsky-Korsakov (1878)의 "May Night"에서-환상적이고 의식적입니다. Mussorgsky의 Sorochinskaya Fair (70 년대, 미완성)-순전히 코미디. 이 오페라는 캐릭터 코미디 장르에서 사람들의 삶을 사실적으로 반영하는 기술의 예입니다.

러시아 뮤지컬 극장의 소위 병렬 현상은 러시아 오페라 클래식에 인접해 있습니다. 우리는 러시아 오페라 발전에 기여했지만 지속적인 중요성을 지닌 작품을 만들지 않은 작곡가들의 작품을 염두에 두고 있습니다. 여기에서 60-70 년대의 저명한 음악 평론가 인 Balakirev 서클의 일원 인 Ts.A. Cui (1835-1918)의 오페라 이름을 지정할 필요가 있습니다. 기존의 낭만적 인 스타일을 떠나지 않는 Cui의 오페라 "William Ratcliffe"와 "Angelo"는 드라마가없고 때로는 밝은 음악이 없습니다. Cui의 이후 지원은 덜 중요합니다 ( "The Captain 's Daughter", "Mademoiselle Fifi"등). 클래식 오페라와 함께 뛰어난 지휘자이자 상트 페테르부르크 오페라 음악 감독 E. F. Napravnik (1839-1916)의 작품이 함께했습니다. 가장 유명한 것은 그의 오페라 "Dubrovsky"로, 차이코프스키의 서정적 오페라의 전통으로 구성되었습니다.

19세기 말에 연주한 작곡가들. 오페라 무대에서 우리는 Volga, Raphael, Nal 및 Damayanti의 오페라 Dream의 저자 인 A. S. Arensky (1861-1906)와 M. M. Ippolitov-Ivanov (1859-1935)를 지명해야합니다. I. S. Turgenev는 차이코프스키의 서정적인 방식으로 쓰여졌습니다. Aeschylus에 따르면 S. I. Taneyev (1856-1915)의 러시아 오페라 "Oresteia"의 역사에서 두드러지며 연극 오라토리오로 설명 될 수 있습니다.

동시에 S. V. Rachmaninov (1873-1943)는 오페라 작곡가로 활동하여 음악원이 끝날 무렵 (1892) 차이코프스키의 전통에서 유지되는 단막 원 "Aleko"를 작곡했습니다. 라흐마니노프의 후기 오페라인 Francesca da Rimini(1904)와 The Miserly Knight(1904)는 오페라 칸타타 형식으로 작곡되었습니다. 그 안에서 무대 동작은 최대한 압축되고 음악적 및 교향곡의 시작은 매우 발전됩니다. 재능 있고 밝은이 오페라의 음악은 작가의 창작 스타일의 독창성을 각인합니다.

20세기 초 오페라 예술의 덜 중요한 현상. A. T. Grechaninov (1864-1956) "Dobrynya Nikitich"의 오페라 이름을 지정합시다. 멋진 서사시 클래식 오페라의 특징이 로맨스 가사로 바뀌었고 A. D. Kastalsky (1856-1926) "Clara Milic "는 진정성 있는 감동적인 서정성과 자연주의적 요소가 어우러진 곡이다.

XIX 세기 - 러시아 오페라 고전의 시대. 러시아 작곡가들은 드라마, 서사시, 영웅적 비극, 희극 등 다양한 장르의 오페라에서 걸작을 창작했습니다. 이들은 오페라라는 혁신적인 콘텐츠와 긴밀하게 연결되어 탄생한 혁신적인 뮤지컬 드라마를 탄생시켰다. 대중 민속 장면의 중요하고 정의적인 역할, 등장 인물의 다면적 특성화, 전통 오페라 형식의 새로운 해석 및 전체 작품의 음악적 통합에 대한 새로운 원칙의 창조는 러시아 오페라 고전의 특징입니다.

진보적인 철학적, 미적 사상과 공적 생활의 영향을 받아 발전한 러시아 고전 오페라는 19세기 러시아 민족 문화의 두드러진 측면 중 하나가 되었습니다. 지난 세기 러시아 오페라의 전체 발전 경로는 러시아 인민의 위대한 해방 운동과 평행을 이루었습니다. 작곡가들은 휴머니즘과 민주적 계몽의 고상한 사상에서 영감을 얻었고 그들의 작품은 우리에게 진정으로 사실적인 예술의 훌륭한 예입니다.

그러나 우리나라 오페라의 역사는 서구에서 건너온 뮤지컬과 극적 장르로서 1836년 11월 27일 초연된 러시아 최초의 고전 오페라인 글린카의 차르를 위한 삶(이반 수산인)이 제작되기 훨씬 이전부터 시작되었다.

시도해 보면 러시아 오페라의 시작은 고대에서 찾을 수 있습니다. 음악적 및 극적인 요소는 결혼식, 라운드 댄스, 중세 Rus의 교회 공연과 같은 러시아 민속 의식에 내재되어 있기 때문입니다. 러시아 오페라 출현의 전제 조건으로 간주됩니다. 더 큰 이유는 성경적 주제에 대한 키예프와 모스크바 아카데미의 학교 드라마에서 16 세기와 17 세기의 민속 영적 공연에서 러시아 오페라의 탄생을 볼 수 있기 때문입니다. 이 모든 음악적, 역사적 요소는 미래의 러시아 오페라 작곡가들의 작품에 반영될 것입니다.

1672년 10월 17일, 요한 고트프리트 그레고리(Johann Gottfried Gregory)의 "에스더"("아르타크세르크세스의 행위") 초연이 아침까지 10시간 동안 진행되었습니다. "오르간, 비올 및 기타 악기"를 연주하는 독일인과 안뜰 사람들의 오케스트라, 아마도 "주권 노래 사무원"의 합창단도 연극에 참여했을 것입니다. 차르는 매료되었고 공연의 모든 참가자는 친절하게 대우 받고 관대 한 보상을 받았으며 심지어 차르의 손에 키스 할 수도있었습니다. "그들은 위대한 주권자의 손에있었습니다", 일부는 계급과 급여를 받았으며 Gregory 자신은 40 세이블을 받았습니다. 백 루블 (모피 재무부 측정).

Gregory의 다음 연극은 이미 모스크바의 크렘린 방에서 상영되었으며 청중은 왕과 가까웠습니다 : 보 야르, 로터리, 귀족, 사무원; 대중에게 보이지 않도록 빈번한 술집으로 울타리가 쳐진 여왕과 공주를위한 특별한 장소가있었습니다. 공연은 오후 10시에 시작하여 아침까지 계속되었습니다. "Artaxerxes의 행위"에서 음악의 참여가 다소 우연이라면 1673 년에 오페라와 매우 유사한 연극이 무대에 나타났습니다. 아마도 그것은 최초의 오페라 중 하나였으며 수많은 각색으로 유럽 전역에 널리 배포 된 Rinuccini의 오페라 "Eurydice"의 대본을 재 작업 한 것 같습니다.

Johann Gregory는 1673년에 연극 학교를 설립하여 26명의 속물 어린이들이 "코미디"를 공부했습니다. 그러나 1675년에 그레고리는 병에 걸려 치료를 위해 독일 땅으로 갔지만 곧 그가 묻힌 메르저부르크 시에서 사망했고 극장 학교는 문을 닫았습니다. 1676 년 Tsar Alexei Mikhailovich가 사망 한 후 새로운 Tsar Fyodor Alekseevich는 극장에 관심을 보이지 않았고 주요 후원자 Artamon Matveev는 Pustozersk에서 망명했으며 극장은 해체되었습니다. 안경은 멈췄지만 주권자 자신이 이것에 즐거워했기 때문에 허용된다는 생각이 남아있었습니다.

러시아에서 대부분의 삶을 살았던 Gregory는 현대 연극 경향에 뒤처졌고 그가 상연 한 코미디는 구식이지만 러시아에서 극 및 오페라 예술의 시작이 마련되었습니다. 극장에 대한 다음 호소와 그 부흥은 25년 후인 Peter I 시대에 일어났습니다.

그로부터 4세기가 지났지만 오페라는 여전히 가장 인기 있는 음악 장르 중 하나로 여겨진다. 오페라 음악에 대한 이해는 모든 사람이 접근할 수 있으며, 이것은 말과 무대 동작의 도움을 받으며, 음악은 때때로 말로 전달하기 어려운 것을 본질적인 간결함으로 표현하여 드라마의 인상을 향상시킵니다.

현재 러시아 대중은 S. M. Slonimsky, R. K. Shchedrin, L. A. Desyatnikov, V. A. Kobekin, A. V. Tchaikovsky의 오페라에 관심이 있습니다. 어렵지만 볼쇼이 극장 티켓을 구매하면 볼 수 있습니다. 물론 우리나라에서 가장 유명하고 인기있는 극장은 우리 주와 그 문화의 주요 상징 중 하나 인 볼쇼이 극장입니다. 일단 볼쇼이를 방문하면 음악과 드라마의 결합을 충분히 경험할 수 있습니다.

1836년 12월 9일(구식 11월 27일) 미하일 이바노비치 글린카(Mikhail Ivanovich Glinka)의 오페라 차르를 위한 삶(A Life for the Tsar)의 초연이 러시아 오페라 음악의 새로운 시대의 서막을 알린 상트페테르부르크 볼쇼이 극장 무대에서 열렸습니다. .

이 오페라로 러시아 최초의 고전 작곡가의 선구적인 길이 시작되어 그를 세계 수준으로 끌어 올렸습니다. Glinka의 가장 중요한 음악적 발견에 대해 이야기하겠습니다.

퍼스트 내셔널 오페라

M. I. Glinka는 유럽을 여행하는 동안 그의 진정한 목적을 완전히 깨달았습니다. 작곡가가 실제 러시아 오페라를 만들기로 결정하고 그에 적합한 음모를 찾기 시작한 것은 고향에서 멀리 떨어져있었습니다. Zhukovsky의 조언에 따라 Glinka는 고국을 구하기 위해 목숨을 바친 Ivan Susanin의 위업에 대한 전설 인 애국적인 이야기에 정착했습니다.

세계 오페라 음악에서 처음으로 단순한 기원과 국가적 성격의 최고의 특징을 가진 그러한 영웅이 나타났습니다. 이 규모의 음악 작품에서 처음으로 국가 민속의 가장 풍부한 전통 인 러시아 작곡이 들렸습니다. 청중은 강타로 오페라를 받아 들였고 작곡가는 인정과 명성을 얻었습니다. 그의 어머니에게 보낸 편지에서 Glinka는 다음과 같이 썼습니다.

“어젯밤에 마침내 내 소원이 이루어졌고 내 오랜 노동이 가장 눈부신 성공을 거두었습니다. 관객들은 남다른 열정으로 내 오페라를 받아들였고, 배우들은 열성적으로 화를 냈다…

이 오페라는 비평가들과 문화계 인사들로부터 높은 평가를 받았습니다. Odoevsky는 그것을 "예술의 새로운 요소의 시작-러시아 음악의 시대"라고 불렀습니다.

동화 서사시가 음악에 온다

1837년 글린카는 새로운 오페라 작업을 시작했는데, 이번에는 A. S. 푸쉬킨의 시 루슬란과 류드밀라로 바뀌었다. 동화 서사시를 음악에 넣는 아이디어는 대본으로 그를 도와야했던 시인의 생애 동안 Glinka에 왔지만 푸쉬킨의 죽음은 이러한 계획을 방해했습니다.

오페라의 초연은 Susanin 이후 정확히 6 년 후인 12 월 9 일 1842 년에 열렸지만 아쉽게도 같은 성공을 거두지 못했습니다. 황실이 이끄는 귀족 사회는 적개심으로 생산을 맞이했습니다. 비평가들과 Glinka의 지지자들조차도 오페라에 모호하게 반응했습니다.

“5막 마지막에 황실이 극장을 나갔어요. 막이 내려오자 그들은 나를 부르기 시작했지만 매우 비우호적으로 박수를 치는 한편 그들은 주로 무대와 오케스트라에서 열렬히 쉿쉿 소리를 냈다.”

작곡가는 회상했다.

이 반응의 이유는 그가 Ruslan과 Lyudmila의 창조에 접근한 Glinka의 혁신이었습니다. 이 작품에서 작곡가는 서정, 서사, 민속, 동양 및 환상과 같이 이전에 러시아 청취자와 호환되지 않는 것처럼 보였던 완전히 다른 동기와 이미지를 결합했습니다. 또한 Glinka는 시청자에게 친숙한 이탈리아 및 프랑스 오페라 학교의 형태를 남겼습니다.

이 멋진 서사시는 Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky, Borodin의 작품에서 강화되었습니다. 그러나 그 당시 대중은 오페라 음악에서 이런 종류의 혁명에 대한 준비가 되어 있지 않았습니다. Glinka의 오페라는 오랫동안 무대 작업이 아닌 것으로 간주되었습니다. 그녀의 수비수 중 한 명인 비평가 V. Stasov는 그녀를 "우리 시대의 순교자"라고 불렀습니다.

러시아 교향곡의 시작

Ruslan과 Lyudmila의 실패 후 Glinka는 해외로 나가서 계속 창작했습니다. 1848 년에 유명한 "Kamarinskaya"가 등장했습니다. 두 러시아 노래 인 결혼식과 춤을 주제로 한 환상입니다. 러시아 교향곡은 Kamarinskaya에서 시작됩니다. 작곡가가 회상했듯이 그는 그것을 매우 빨리 썼기 때문에 그것을 환상이라고 불렀습니다.

"이 작품을 작곡할 때 나는 결혼식에서 일어나는 일, 우리 정교회 사람들이 걷는 방식에 대해 생각하지 않고 유일한 내면의 음악적 느낌에 이끌렸다고 확신할 수 있습니다.",

Glinka는 나중에 말했습니다. Alexandra Feodorovna 황후와 가까운 "전문가"가 그녀에게 작업의 한 곳에서 "술 취한 남자가 오두막 문을 두드리는 방법"을 분명히들을 수 있다고 설명했다는 것은 흥미 롭습니다.

그래서 글린카는 러시아에서 가장 인기 있는 두 곡을 통해 새로운 유형의 교향곡을 승인하고 더 발전할 수 있는 기반을 마련했습니다. 차이콥스키는 이 작품에 대해 다음과 같이 평했다.

"뱃속의 전체 참나무처럼 전체 러시아 교향악 학교는 교향곡 환상 "Kamarinskaya"에 포함되어 있습니다.

기사의 내용

러시아 오페라.러시아 오페라 학교는 이탈리아, 독일, 프랑스와 함께 세계적으로 중요합니다. 이것은 주로 19세기 후반에 만들어진 여러 오페라와 20세기의 여러 작품에 관한 것입니다. 20세기 말 세계 무대에서 가장 인기 있는 오페라 중 하나. - 보리스 고두노프 M.P. Mussorgsky, 종종 스페이드의 여왕 P.I. Tchaikovsky (드물게 그의 다른 오페라, 주로 유진 오네긴); 큰 명성을 누리다 이고르 왕자 A.P. 보로딘; N. A.의 15개 오페라 중 Rimsky-Korsakov가 정기적으로 출연합니다. 황금 수평아리. 20세기 오페라 중에서. 가장 많은 레퍼토리 파이어 엔젤 SS 프로코피예프와 므첸스크 지구의 레이디 맥베스 D. D. Shostakovich. 물론 이것은 국립 오페라 학교의 부를 소진하지 않습니다.

러시아 오페라의 등장(18세기).

오페라는 러시아 땅에 뿌리를 내린 최초의 서유럽 장르 중 하나였습니다. 이미 1730 년대에 이탈리아 궁정 오페라가 만들어졌고, 세기 후반에 러시아에서 일했던 외국 음악가들이 썼고 대중 오페라 공연이 나타났습니다. 오페라는 요새 극장에서도 상연됩니다. 최초의 러시아 오페라가 고려됩니다. Melnik - 마법사, 사기꾼 및 중매인 A.O. Ablesimov (1779)의 텍스트에 대한 Mikhail Matveyevich Sokolovsky는이 장르의 여러 인기 작품 인 초기 코믹 오페라의 토대를 마련한 노래 성격의 음악 번호가 포함 된 일상 코미디입니다. 그중에서도 Vasily Alekseevich Pashkevich(c. 1742–1797)의 오페라가 눈에 띕니다. 적은, 1782; 상트페테르부르크 고스티니 드보르, 1792; 마차의 문제, 1779) 및 Evstigney Ipatovich Fomin (1761–1800) ( 기지에 마부, 1787; 미국인, 1788). 오페라 세리아 장르에서 이 시대의 가장 위대한 작곡가인 드미트리 스테파노비치 보르트냔스키(1751-1825)의 두 작품은 프랑스 대본으로 쓰여졌습니다. 매(1786) 및 라이벌 아들, 또는 모던 스트라토닉스(1787); 드라마틱한 퍼포먼스를 위해 멜로드라마와 음악의 장르에 대한 흥미로운 실험들이 있다.

글린카 이전의 오페라(19세기).

다음 세기에는 러시아에서 오페라 장르의 인기가 더욱 높아집니다. 오페라는 19 세기 러시아 작곡가들의 열망의 정점이었으며,이 장르 (예 : M.A. Balakirev, A.K. Lyadov)에서 단 하나의 작품을 남기지 않은 사람들조차도 수년 동안 특정 오페라 프로젝트를 숙고했습니다. 그 이유는 분명합니다. 첫째, 차이코프스키가 지적했듯이 오페라는 "대중의 언어로 말하는" 것을 가능하게 하는 장르였습니다. 둘째, 이 오페라는 19세기 러시아 사람들의 마음을 사로잡았던 주요 이데올로기적, 역사적, 심리적 및 기타 문제를 예술적으로 조명하는 것을 가능하게 했습니다. 마지막으로, 젊은 직업 문화에는 음악과 함께 단어, 무대 움직임, 그림 등을 포함하는 장르에 대한 강한 매력이 있었습니다. 또한 18 세기 뮤지컬 및 연극 장르에 남겨진 유산 인 특정 전통이 이미 발전했습니다.

19세기 초반 10년 동안 법원과 개인 극장은 시들고 독점권은 국가의 손에 집중되었습니다. 두 수도의 음악 및 연극 생활은 매우 활기차게 진행되었습니다. 세기의 1/4 분기는 러시아 발레의 전성기였습니다. 1800년대에 상트페테르부르크에는 러시아, 프랑스, 독일, 이탈리아 등 4개의 극단이 있었는데, 그 중 처음 3개 극단은 드라마와 오페라를 모두 상연했으며 마지막은 유일한 오페라였습니다. 여러 극단도 모스크바에서 일했습니다. 이탈리아 기업가는 가장 안정적인 것으로 판명되었습니다. 1870 년대 초반에도 중요한 분야에서 활동 한 젊은 차이코프스키는 이탈리아 오페라와 비교하여 모스크바 러시아 오페라의 적절한 위치를 놓고 싸워야했습니다. 라엑유명한 이탈리아 가수에 대한 상트 페테르부르크 대중과 비평가의 열정을 조롱하는 에피소드 중 하나에서 Mussorgsky도 1870 년대에 작성되었습니다.

Boildieu와 Cavos.

이 시기에 상트페테르부르크에 초청된 외국 작곡가들 가운데 프랑스의 유명한 작가 아드리앙 보일디외(Adrien Boildieu)의 이름이 눈에 띈다. 센티미터. BUALDIEU, FRANCOIS ADRIENE) 및 이탈리아 Caterino Cavos(1775–1840) , 1803년에 러시아와 이탈리아 오페라의 지휘자가 된 그는 1834-1840년에 러시아 오페라만을 이끌었습니다. 왕을 위한 삶 Glinka는 1815 년에 같은 음모로 자신의 오페라를 작곡했지만 상당한 성공을 거두었습니다.) 제국 극장의 모든 오케스트라의 검사관이자 감독이었으며 동화와 같은 러시아 음모에 많은 글을 썼습니다. 보이지 않는 왕자그리고 영웅 일리아 I.A. Krylov의 대본에, 스베틀라나 V. A. Zhukovsky 등의 대본에), 애국적인 ( 이반 수잔인 A.A. Shakhovsky의 대본에, 코사크 시인같은 저자의 대본으로). 세기의 1/4분기에 가장 인기 있었던 오페라, 세기의 1/4분기에 가장 인기 있었던 오페라 Lesta 또는 Dnieper 인어카보스와 스테판 이바노비치 다비도프(1777~1825). 1803년에는 비엔나 징슈필이 상트페테르부르크에서 상연되었습니다. 다뉴브 인어 Ferdinand Cauer(1751-1831)와 Davydov의 추가 뮤지컬 번호 - 번역 드니프르 인어; 1804년에 같은 노래의 두 번째 부분이 Kavos 번호가 삽입된 상트페테르부르크에 나타났습니다. 그런 다음 Davydov 단독으로 러시아 속편을 구성했습니다. 환상적이고 실제 국가적이며 우스꽝스러운 계획의 혼합은 러시아 뮤지컬 극장에서 오랫동안 남아있었습니다 (서유럽 음악에서는 K.M. Weber의 초기 낭만적 인 오페라가 유추 역할을 할 수 있습니다. 무료 사수그리고 오베론, 같은 유형의 동화 singspiel에 속함).

19세기 첫 10년 동안 오페라 창작의 두 번째 선구자로서. "민속"생활의 가정용 코미디가 눈에 띕니다. 또한 지난 세기부터 알려진 장르입니다. 예를 들어 단막 오페라가 포함됩니다. 참마 또는 우체국(1805), 모임 또는 Yam의 결과 (1808), Devishnik 또는 Filatkin의 결혼식(1809) Alexei Nikolaevich Titov (1769–1827)가 A.Ya의 대본으로. 오페라는 오랫동안 레퍼토리에 보관되었습니다. 고대 크리스마스 시간민속 의식을 기반으로 한 역사가 A.F. Malinovsky의 텍스트에 대한 Czech Franz Blima; Daniil Nikitich Kashin(1770–1841)의 "노래" 오페라는 성공적이었습니다. 보야르의 딸 나탈리아(1803) N. M. Karamzin의 소설을 기반으로 S.N. Glinka가 수정하고 아름다운 올가(1809) 같은 저자의 대본에. 이 라인은 특히 1812년 전쟁 중에 번성했습니다. 서둘러 구성되고 매우 단순한 "시제" 줄거리 기반을 춤, 노래 및 대화와 결합한 음악 및 애국 공연(이름은 일반적입니다. 민병대, 또는 조국에 대한 사랑, 런던의 코사크, 몽마르트 연합군 캠프에서의 휴가, 독일의 코사크와 프로이센 자원 봉사, 민병대의 귀환), 특별한 뮤지컬 및 연극 장르로 다양화의 시작을 알 렸습니다.

Verstovsky.

Glinka 이전의 가장 위대한 러시아 오페라 작곡가는 A.N. Verstovsky(1799–1862)였습니다. 센티미터. VERSTOVSKY, ALEXEY NIKOLAEVICH). 연대순으로 Verstovsky의 시대는 Glinka의 시대와 일치합니다. 모스크바 작곡가의 첫 번째 오페라는 판 트바르도프스키(1828) 더 일찍 등장 왕을 위한 삶, 가장 인기있는 아스콜드의 무덤- 글린카의 오페라이자 베르스토프스키의 마지막 오페라와 같은 해에, 벼락(1857), Glinka의 죽음 이후. Verstovsky 오페라의 위대한 (대부분 순전히 모스크바이지만) 성공과 가장 성공적인 오페라의 "생존 가능성"- 아스콜드의 무덤- "가장 오래된 러시아-슬라브 전설"(물론 매우 조건부로 해석됨)을 모티브로 한 음모와 러시아, 서부 슬라브 및 몰다비아-집시가 국가적 구조로 된 음악의 동시대 사람들에 대한 매력으로 인해 일상 억양은 다양합니다. Verstovsky가 그랜드 오페라 형식을 마스터하지 않았다는 것은 분명합니다. 그의 거의 모든 오페라에서 뮤지컬 "숫자"는 긴 대화 장면과 번갈아 나타납니다 (작곡가의 후기 작품에서 암송을 쓰려는 시도는 변경되지 않음). 그럼에도 불구하고 흥미롭지 않고 그림 같지는 않지만이 작곡가의 오페라는 현대인의 말로 "익숙한 소리가 들렸다", "기분 좋게 네이티브"입니다. 이 "전설적인"오페라가 일깨우는 "조국에 대한 고귀한 사랑의 감정"은 작곡가의 영구 librettist 인 Zagoskin의 소설에 대한 대중의 인상과 비교할 수 있습니다.

글린카.

Glinka 이전 시대의 음악이 이제 충분히 자세히 연구되었지만 Mikhail Ivanovich Glinka (1804–1857)의 등장은 결코 기적처럼 보이지 않습니다. 그의 재능의 근본적인 자질은 깊은 지성주의와 미묘한 예술성입니다. Glinka는 곧 고상하고 비극적 인 장르의 작품을 의미하는 "위대한 러시아 오페라"를 쓰는 아이디어를 내놓았습니다. 처음에 (1834 년) V. A. Zhukovsky가 작곡가에게 표시 한 Ivan Susanin의 위업 주제는 Susanin 마을, 폴란드와의 충돌, 승리의 세 그림으로 구성된 무대 오라토리오의 형태를 취했습니다. 그러나 그때 왕을 위한 삶(1836)은 국가 문화의 전통에 부합하고 러시아 오페라의 미래 경로를 크게 미리 결정한 강력한 합창 시작으로 진정한 오페라가되었습니다. Glinka는 무대 뮤지컬 연설의 문제를 해결 한 최초의 러시아 작가였으며 뮤지컬 "숫자"는 전통적인 솔로, 앙상블, 합창 형식으로 쓰여진 새로운 억양 콘텐츠로 가득 차 있음이 밝혀졌습니다. 이탈리아 또는 다른 모델이 극복되었습니다. 게다가, 왕을 위한 삶이전 러시아 오페라의 문체 적 다양성은 장르 장면이 "러시아어로", 서정적 아리아가 "이탈리아어로", 극적인 순간이 "프랑스어"또는 "독일어"로 작성되었을 때 극복되었습니다. 그러나이 영웅적인 드라마에 경의를 표하는 다음 세대의 많은 러시아 음악가들은 여전히 Glinka의 두 번째 오페라를 선호했습니다. 루슬란과 루드밀라(Pushkin에 따르면, 1842), 이 작업에서 완전히 새로운 방향을 봅니다(N.A. Rimsky-Korsakov와 A.P. Borodin이 계속했습니다). 오페라의 임무 루슬라나-푸쉬킨의 작품과는 완전히 다릅니다. 음악에서 고대 러시아 정신의 첫 번째 재창조; 다양한 모습의 "진정한"동부- "나른함"과 "무장"; 판타지 (Naina, Chernomor Castle)는 완전히 독창적이며 Glinka의 가장 진보 된 동시대 인 Berlioz와 Wagner의 판타지보다 결코 열등하지 않습니다.

Dargomyzhsky.

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky(1813–1869)는 1830년대 후반 초연에서 영감을 받아 아주 어린 나이에 오페라 작곡가로서의 경력을 시작했습니다. 왕을 위한 삶, V. Hugo의 프랑스 대본에 음악을 쓰기 시작했습니다. 에스메랄다.

다음 오페라의 음모는 제작 전에도 일어났습니다. 에스메랄다(1841), 그리고 그것은 푸쉬킨의 인어, 그러나 1856 년에야 무대에 등장했습니다. 인어들또한 현대 음악 생활에 가까운 것으로 밝혀졌습니다. Glinka의 거장 악기와 달리 Dargomyzhsky의 오케스트라는 겸손하고 아름다운 민속 합창단입니다. 인어들본질적으로 매우 전통적이며 주요 극적인 내용은 솔로 파트, 특히 웅장한 앙상블에 집중되어 있으며 멜로디 색상에는 적절한 러시아 요소가 Slavic-Little Russian 및 Polish와 결합됩니다. Dargomyzhsky의 마지막 오페라, 스톤 게스트(Pushkin에 따르면, 1869, 1872 년 상연) "대화 오페라"(오페라 대화) 장르의 완전히 혁신적이고 실험적인 작품. 작곡가는 교향악단 없이 아리아(로라의 노래 중 두 곡만 예외임)와 같은 발달된 발성 형식 없이 여기에서 관리했으며, 그 결과 가장 짧은 멜로디 프레이즈 또는 하나의 협화음까지 가능한 비정상적으로 세련된 작품이 등장했습니다. 위대하고 독립적인 표현력을 얻습니다.

Serov.

Dargomyzhsky보다 늦었지만 Kuchkists와 Tchaikovsky보다 먼저 Alexander Nikolaevich Serov (1820–1871)는 오페라 장르에서 자신을 알 렸습니다. 그의 첫 번째 오페라 주디스(1863)은 작가가 이미 40 세가 넘었을 때 등장했습니다 (그 전에 Serov는 음악 평론가로서 상당한 명성을 얻었지만 작곡가로서 주목할만한 것을 만들지 않았습니다). P. Giacometti의 연극 (특히이 역할에서 상트 페테르부르크와 모스크바에서 큰 인기를 얻은 유명한 비극 배우 Adelaide Ristori를 위해 작성됨)는 그녀의 백성을 노예 제도에서 구하는여 주인공에 대한 성서적 이야기를 바탕으로 흥분된 1860년대 초 러시아 사회의 모습. 혹독한 유대와 사치에 몰두한 앗시리아의 다채로운 대비도 매력적이었다. 주디스러시아 무대에서도 새로운 Meyerbeer 유형의 "그랜드 오페라"장르에 속합니다. 그것은 강력한 오라토리오 시작(성서 전설의 정신과 가장 잘 일치하고 헨델 유형의 고전적인 오라토리오 스타일에서 지원되는 상세한 합창 장면)과 동시에 연극적이고 장식적(춤과 함께 다양성)을 가지고 있습니다. 무소르그스키 주디스 Glinka 이후 첫 번째 러시아 무대에서 "진지하게 해석 된"오페라. 따뜻한 환대에 힘입어 Serov는 즉시 새로운 오페라 작업에 착수했습니다. 로그네드. 연대기에 따르면 "역사적 대본"은 믿기지 않음, 사실 왜곡, "스탬핑", 추정되는 공통 언어의 허위 등에 대한 많은 비난을 불러 일으켰습니다. 많은 "공통 장소"에도 불구하고 음악에는 화려한 조각이 포함되어 있습니다 (물론 그 중 첫 번째 장소는 Rogneda의 Varangian 발라드가 차지합니다. 여전히 콘서트 레퍼토리에서 발견됩니다). 후에 로그네디(1865) Serov는 A.N. Ostrovsky의 연극인 현대 생활의 드라마로 전환하여 매우 급격하게 전환했습니다. 네 맘대로 살지 마그리하여 감히 "현대에서 온 오페라"를 작곡한 최초의 작곡가가 되었습니다. 적군 (1871).

"마이티 번치".

Dargomyzhsky와 Serov의 최신 오페라 등장은 The Mighty Handful 작곡가의 첫 번째 오페라 제작 시간보다 약간 앞서 있습니다. Kuchkist 오페라에는 Mussorgsky, Rimsky-Korsakov 및 Borodin과 같은 다양한 예술가에서 나타나는 몇 가지 "일반적인"기능이 있습니다. 러시아 테마, 특히 역사 및 동화 신화에 대한 선호; 음모의 "신뢰할 수있는"개발뿐만 아니라 단어의 음성학 및 의미론, 일반적으로 매우 발전된 오케스트라의 경우에도 항상 전경에있는 보컬 라인에 큰 관심을 기울입니다. 합창 (대부분 - "민속") 장면의 매우 중요한 역할; "통해"가 아닌 "번호 매기기" 유형의 뮤지컬 드라마투르기.

무소르그스키.

보컬 인토네이션과 관련된 다른 장르와 마찬가지로 오페라는 Modest Petrovich Mussorgsky(1839–1881)의 유산의 주요 부분을 형성합니다. 간 아이슬란드어 V. Hugo에 따르면) 두 개의 오페라를 미완성으로 남겨두고 세상을 떠났습니다. 호반시치나그리고 소로친스카야 박람회(첫 번째는 clavier에서 완전히 완성되었지만 거의 악기가 없었습니다. 두 번째는 주요 장면이 구성되었습니다).

1860년대 후반 젊은 무소르그스키의 첫 주요 작품은 오페라였다. 살람보(G. Flaubert, 1866에 따르면; 미완성 상태로 남아 있음; 이후의 자서전 문서에서 이 작품은 "오페라"가 아니라 "장면"으로 지정되었으며, 오늘날 공연되고 있는 것은 바로 이 능력입니다). 회화 (Alexander Ivanov의 "성경 스케치")와시 (예 : Alexei Khomyakov)에서 유사점이있는 러시아-성서만큼 이국적인 "카르타고 인"이 아닙니다. 반대의 "반낭만적" 방향은 무소르그스키의 두 번째 미완성 초기 오페라로 표현됩니다. 결혼(고골에 따르면, 1868). 저자의 정의에 따르면 "챔버 테스트를 위한 연구"는 다음 라인을 계속합니다. 스톤 게스트 Dargomyzhsky는 시 대신 산문을 선택하여 가능한 한 날카롭게 만듭니다. 플롯은 완전히 "실제"이고 더욱이 "현대적"이므로 오페라 장르의 규모를 확대하여 "로맨스 단계"의 실험을 수행합니다. Dargomyzhsky는 ( 직함 고문, 벌레등) 및 Mussorgsky 자신.

보리스 고두노프

(1 판 - 1868-1869; 2 판 - 1872, 1874 년 상연) "푸쉬킨과 카람진에 따르면"이라는 부제가 있으며 푸쉬킨의 비극을 기반으로하지만 작곡가가 많이 삽입했습니다. 이미 첫 번째, 더 많은 챔버 버전의 오페라에서 "범죄와 처벌"의 드라마로 성격의 드라마에 중점을 두었습니다. 보리스 고두노프- 현대의 범죄와 처벌 F. M. Dostoevsky), Mussorgsky는 극작의 강도와 언어의 선명도, 역사적 음모의 해석 측면에서 오페라 대포에서 아주 멀리 떨어져 있습니다. 두 번째 판에서 작업 보리스 고두노프다소 더 전통적인 "폴란드 행위"와 오페라("Under the Kromy")에서 매우 특이한 대중 봉기 장면을 모두 포함하는 Mussorgsky는 이미 Time of Troubles 선례의 추가 발전을 염두에 두었을 수 있습니다. Razin 봉기, Streltsy 폭동, 분할, Pugachevshchina , 즉. 러시아의 음악 역사 연대기 인 미래 오페라의 가능하고 부분적으로 구체화 된 음모. 이 프로그램에서 이별의 드라마만 진행되었습니다~ 호반시치나, Mussorgsky는 두 번째 판이 완료된 직후에 시작되었습니다. 보리스 고두노프, 완료와 동시에; 동시에 "Volga Cossacks가 참여하는 뮤지컬 드라마"라는 아이디어가 문서에 나타나고 나중에 Mussorgsky는 민요 녹음을 "마지막 오페라를 위해"표시합니다. 푸가체프시나».

보리스 고두노프, 특히 초판에서는 뮤지컬 액션의 전개를 통한 일종의 오페라로 무대 상황(찬양의 합창, 공주의 탄식, 무도회의 폴로네즈 궁전 등에서). 안에 호반시치나 Mussorgsky는 "의미 있고 정당한" 멜로디를 만드는 작업을 설정했으며 노래는 그 기초가되었습니다. 본질적으로 악기가 아니라 (고전 아리아에서와 같이) 유절적이고 자유롭게 가변적 인 구조입니다. "순수한"형식이나 암송 요소와 결합 된 것입니다. 이 상황은 동작의 연속성과 유동성을 유지하면서 훨씬 더 "완성된", "둥근" 숫자 및 합창을 포함하는 오페라의 형식을 크게 결정했습니다. 호반시치나보다 훨씬 더 보리스 고두노프, 합창 오페라- "민속 뮤지컬 드라마") 및 솔로.

같지 않은 보리스 고두노프, 몇 년 동안 마린스키 극장 무대에 올랐고 작가의 생애 동안 출판되었습니다. 호반시치나저자가 사망한 지 10년 반 후인 1890년대 후반에 S.I.가 모스크바 개인 러시아 오페라에서 상연했습니다. 마린스키 극장에서 호반시치나같은 Chaliapin의 노력 덕분에 1911 년 Diaghilev 기업가의 파리와 런던 오페라 공연과 거의 동시에 나타났습니다 (3 년 전 Diaghilev의 파리 프로덕션은 놀라운 성공을 거두었습니다. 보리스 고두노프). 20세기에 부활과 완성을 위한 반복적인 시도 결혼그리고 소로친스카야 박람회다른 판에서; 두 번째는 V.Ya.Shebalin의 재건이었습니다.

림스키-코르사코프.

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov(1844–1908)의 유산은 많은 주요 음악 장르를 대표했지만 Mussorgsky와 마찬가지로 그의 가장 위대한 업적은 오페라와 관련이 있습니다. 그것은 작곡가의 전 생애를 거칩니다: 1868년부터 첫 번째 오페라 작곡의 시작( 프스코비얀카), 1907년까지 마지막 15번째 오페라( 황금 수평아리). Rimsky-Korsakov는 1890년대 중반부터 이 장르에서 특히 강렬하게 작업했습니다. 다음 15년 동안 그는 11개의 오페라를 만들었습니다. 1890년대 중반까지 림스키-코르사코프 오페라의 모든 초연은 마린스키 극장에서 열렸습니다. 나중에 1890년대 중반부터 S.I. Mamontov의 Moscow Private Russian Opera와 작곡가의 공동 작업을 시작으로 Korsakov의 후기 오페라 대부분이 삿코. 이 협력은 새로운 유형의 디자인 형성 및 뮤지컬 공연의 감독 결정에 특별한 역할을했습니다 (K.A. Korovin, V.M. Vasnetsov, M.A. Vrubel과 같은 매머드 서클 아티스트의 창의적인 개발에도 포함).

Rimsky-Korsakov의 편집 활동은 절대적으로 독특합니다. 호반시치나그리고 이고르 왕자, Mussorgsky와 Borodin의 죽음 이후 미완성 상태로 남아 있습니다 (Borodino 오페라 버전은 A.K. Glazunov와 함께 제작되었습니다). 그는 악기 스톤 게스트 Dargomyzhsky (및 두 번 : 1870 년 초연 및 1897-1902 년 초연) 및 출판 결혼무소르그스키; 그의 에디션에서 세계적인 명성을 얻었습니다. 보리스 고두노프 Mussorgsky (저자의 버전이 점점 더 선호되고 있지만 Korsakov 버전은 계속해서 많은 극장에서 상영됩니다); 마지막으로 Rimsky-Korsakov (Balakirev, Lyadov 및 Glazunov와 함께)는 출판을 위해 Glinka의 오페라 악보를 두 번 준비했습니다. 따라서 오페라 장르와 관련하여 (다른 여러 측면에서) Rimsky-Korsakov의 작품은 20 세기의 Glinka와 Dargomyzhsky 시대를 연결하는 일종의 러시아 클래식 음악의 핵심을 구성합니다.

Rimsky-Korsakov의 15개 오페라 중 같은 유형의 장르는 없습니다. 그의 동화 오페라조차도 여러면에서 서로 다릅니다. 스노우 메이든(1882) - "봄 이야기", 차르 살탄 이야기(1900) - "단지 동화", 불멸의 코셰이(1902) - "가을 이야기", 황금 수평아리(1907) - "얼굴의 허구." 이 목록은 계속될 수 있습니다. 프스코비얀카(1873) - 오페라 연대기, 믈라다(1892) - 오페라 발레, 크리스마스 이브(1895) - 저자의 정의에 따르면 "캐롤 이야기", 삿코(1897) - 서사시 오페라, 모차르트와 살리에리(1898) - 챔버 "극적인 장면", 보이지 않는 도시 Kitezh와 처녀 Fevronia의 전설(1904) - 오페라 이야기 (또는 "전례 드라마"). 보다 전통적인 오페라 유형에는 서정적 코미디가 포함됩니다. 메이 나이트(Gogol, 1880 이후), 러시아 역사적 음모에 대한 서정적 드라마 왕실의 신부(1899년 5월 L.A. 및 이 오페라의 프롤로그에 따르면 보야리나 베라 쉘로가, 1898) 그리고 19세기와 20세기로 접어드는 2개의 덜 유명한(실제로 덜 성공적인) 오페라. - 팬 거버너(1904) 폴란드 모티프 및 세르빌리아(1902)는 서기 1세기 로마를 배경으로 한 5월의 희곡을 바탕으로 합니다.

본질적으로 Rimsky-Korsakov는 이론적 슬로건을 선포하지 않고 자신의 창의성 규모에 따라 오페라 장르를 개혁했습니다. 이 개혁은 이미 확립된 러시아 학교의 패턴에 대한 의존과 관련이 있습니다. 루슬라나와 류드밀라 Glinka 및 Kuchkism의 미적 원칙), 가장 다양한 표현의 민속 예술 및 가장 고대 형태의 인간 사고-신화, 서사시, 동화 (후자의 상황은 의심 할 여지없이 러시아 작곡가를 그의 오래된 동시대 인 Richard Wagner에 더 가깝게 만듭니다. 자신의 주요 매개 변수에 대해 Rimsky-Korsakov는 4 부작과 Wagner의 후기 오페라에 익숙해지기 전에 스스로 오페라 개념에 도달했습니다. 슬라브 태양 숭배와 관련된 림스키-코르사코프의 "신화" 오페라의 전형적인 특징( 메이 나이트, 크리스마스 이브, 믈라다, 동화 오페라)는 "다중 세계"입니다. 행동은 둘 이상의 "세계"(사람, 자연 요소 및 의인화, 이교도 신)에서 발생하며 각 "세계"는 고유한 언어를 사용합니다. "객관적인" 창고의 작곡가로서 Rimsky-Korsakov의 자체 평가에 해당합니다. 중기 오페라의 경우 메이 나이트~ 전에 크리스마스 전날 밤, 의식 및 의식 장면으로 음악적 행동의 포화 (고대 농민 달력의 휴일과 관련됨-일반적으로 전체 이교도 연도는 Rimsky-Korsakov의 오페라에 반영됨); 후기 작품에서 의식주의, "법령"(기독교 정교회, 종종 "구"와 "신" 민속 신앙의 종합 포함)은 더 간접적이고 세련된 형태로 나타납니다. 작곡가의 오페라는 19세기에 정기적으로 공연되었지만 진정한 평가를 받은 것은 19세기와 20세기가 되어서야였습니다. 그리고 나중에 이 스승이 가장 조화를 이룬 은 시대에.

보로딘.

의도 이고르 왕자 Alexander Porfiryevich Borodin (1833-1877)은 계획과 같은 시대에 속합니다. 보리스 고두노프, 호반시치나그리고 프스코비테스, 즉. 1860 년대 말-1870 년대 초 그러나 다양한 상황으로 인해 1886 년 작가가 사망하고 초연 (Rimsky-Korsakov 및 Glazunov에 의해 수정 됨)까지 오페라가 완전히 완성되지 않았습니다. 와 거의 동시에 일어났다. 스페이드의 여왕차이콥스키(1890). 역사적인 오페라 음모를 위해 Ivan the Terrible, Boris Godunov 및 Peter the Great 통치의 극적인 사건으로 전환 한 동시대 사람들과 달리 Borodin은 가장 오래된 서사적 기념물을 기본으로 삼았습니다. 이고르 연대에 대한 한마디. 저명한 자연과학자인 그는 오페라 대본에 과학적인 접근 방식을 적용하여 기념물의 어려운 장소에 대한 해석을 취하고 행동 시대를 연구하며 단어. 보로딘은 오페라 형식의 문제에 대해 균형 잡히고 현실적인 관점을 가지고 있었고 그것을 완전히 변형시키려 하지 않았습니다. 그 결과 작품은 전반적으로나 디테일하게 아름다울 뿐만 아니라 한편으로는 가늘고 균형 잡혀 있고 다른 한편으로는 비정상적으로 독창적인 작품이 탄생했습니다. 19세기 러시아 음악에서. Poselyan Choir 또는 Yaroslavna의 Lament보다 농민 민속의 "진정한"재현을 찾기가 어렵습니다. Glinka의 고대 러시아 장면의 "skazka"억양이있는 오페라의 합창 프롤로그 루슬라나, 중세 프레스코와 비슷합니다. 동양적 동기 이고르 왕자( "Polovtsian 섹션") "스텝"색채의 강도와 진정성 측면에서 세계 예술에서 타의 추종을 불허합니다 (최근 연구에 따르면 Borodin이 음악 민족 지학의 관점에서도 동양 민속에 얼마나 민감한 것으로 나타났습니다). 그리고이 진정성은 영웅 (Igor, Konchak, Yaroslavna, Vladimir Galitsky, Konchakovna), 듀엣 (Vladimir 및 Konchakovna, Igor 및 Yaroslavna)의 특성과 같은 매우 전통적인 형태의 큰 아리아를 사용하여 가장 자연스러운 방식으로 결합됩니다. ) 및 기타, 서유럽 음악에서 Borodin의 스타일에 도입된 요소(예: 적어도 Yaroslavna의 동일한 아리아에서 "Schumanisms").

큐이.

Kuchkist 오페라에 대한 리뷰에서 Caesar Antonovich Cui(1835–1918)의 이름은 다양한 주제에 대한 거의 24개의 오페라의 저자로 언급되어야 합니다. 백인 죄수푸쉬킨의 시를 바탕으로 안젤로전에 휴고에 의해 마드모아젤 피피 G. de Maupassant에 따르면) 반세기 동안 무대에 등장하고 상연되었습니다. 지금까지 Cui의 모든 오페라는 확실히 잊혀졌지만 이 장르에서 그의 첫 번째 성숙한 작품은 예외로 만들어야 합니다. 윌리엄 래트클리프 G. 하이네에 따르면. 래트클리프 Balakirev 서클의 첫 번째 오페라가 무대 (1869)를 보았고 여기에서 처음으로 새로운 세대의 오페라 드라마에 대한 꿈이 구체화되었습니다.

차이코프스키.

Rimsky-Korsakov 및 Mussorgsky와 마찬가지로 Pyotr Ilyich Tchaikovsky(1840–1893)는 평생 동안 오페라(또한 Kuchkists와 달리 발레) 장르에 강한 매력을 느꼈습니다. 지사(A.N. Ostrovsky, 1869에 따르면) 독립적인 창작 활동의 시작을 의미합니다. 마지막 프리미어 이올란테, 작곡가의 갑작스런 죽음보다 1 년이 채 안되어 발생했습니다.

차이콥스키의 오페라는 역사적( 오프리치니크, 1872; 오를레앙의 하녀, 1879; 마제파, 1883), 만화( 대장장이 바쿨라, 1874, 그리고 이 오페라의 두 번째 저자 버전 - 체레비치키, 1885), 가사( 유진 오네긴, 1878; 이올란타, 1891), 서정적 비극( 여자 요술쟁이, 1887; 스페이드의 여왕, 1890) 주제에 따라 다른 모습을 보입니다. 그러나 차이코프스키의 이해에서 그가 선택한 모든 플롯은 개인적이고 심리적인 색채를 획득했습니다. 그는 지역 색상, 행동 장소 및 시간 묘사에 상대적으로 거의 관심이 없었습니다. 차이코프스키는 주로 서정적 뮤지컬 드라마의 창작자로 러시아 예술의 역사에 들어갔습니다. Kuchkists와 마찬가지로 Tchaikovsky는 단일하고 보편적 인 오페라 개념을 가지고 있지 않았으며 알려진 모든 형식을 자유롭게 사용했습니다. 스타일이지만 스톤 게스트그는 항상 그에게 "과도한" 것처럼 보였고, 그는 오페라 대화의 아이디어에 어느 정도 영향을 받았는데, 이는 "공식적인" 레치타티보(여기서는 차이코프스키, 그러나 Dargomyzhsky뿐만 아니라 Glinka, 특히 그가 깊이 존경하는 사람들에게서 왔습니다. 왕을 위한 삶). 동시에 Tchaikovsky는 Petersburgers (Borodin 제외)보다 훨씬 더 음악적 행동의 연속성과 각 장면의 내부 형식의 명확성 및 해부의 조합이 특징입니다. 전통적인 아리아, 듀엣 및 기타 것들을 포기하고 복잡한 "최종"앙상블의 형태를 능숙하게 소유합니다 (일반적으로 모차르트 예술과 특히 그의 오페라에 대한 차이코프스키의 열정에 반영됨). Wagnerian 음모를 받아들이지 않고 그에게 터무니없는 것처럼 보였던 Wagnerian 오페라 형식 앞에서 당혹스러워하는 차이코프스키는 오페라 오케스트라의 해석에서 독일 작곡가와 더 가까워집니다. 악기 부분은 강력하고 효과적인 교향곡 개발로 가득 차 있습니다. 이런 의미에서 후기 오페라는 특히 주목할 만합니다. 스페이드의 여왕).

생애 마지막 10년 동안 차이코프스키는 러시아 최대 오페라 작곡가의 명성을 누렸으며 그의 오페라 중 일부는 외국 극장에서 상연되었습니다. 차이코프스키의 후기 발레도 성공적인 초연을 가졌습니다. 그러나 뮤지컬 극장에서의 성공은 기악 장르보다 즉시 작곡가에게 오지 않았습니다. 일반적으로 차이코프스키의 음악 및 연극 유산에서 초기, 모스크바(1868-1877) - 지사, 오프리치니크, 대장장이 바쿨라, 유진 오네긴그리고 백조의 호수; 중간, 1880년대 말까지 - 3개의 큰 비극 오페라: 오를레앙의 하녀, 마제파그리고 여자 요술쟁이(또한 수정 대장장이 바쿨라 V 체레비치키, 이 초기 오페라의 모습을 크게 바 꾸었습니다); 늦은 - 스페이드의 여왕, 이올란타(차이코프스키의 유일한 "작은" 단막, 실내 오페라) 및 발레 잠자는 숲속의 미녀그리고 호두 까는 기구. 첫 번째 실제 주요 성공은 모스크바 시사회와 함께했습니다. 유진 오네긴 1879 년 3 월 음악원 학생들에 의해 1884 년이 오페라의 상트 페테르부르크 초연은 작곡가의 창작 경로의 정점 중 하나이자이 작품의 엄청난 인기의 시작이되었습니다. 두 번째이자 더 높은 절정은 초연이었습니다. 스페이드의 여왕 1890년.

안톤 루빈스타인.

19 세기 러시아 뮤지컬 극장 발전의 주요 방향에 맞지 않는 현상 중에는 Anton Grigorievich Rubinstein (1829-1894)의 오페라 이름을 지정할 수 있습니다 : 13 개의 오페라와 5 개의 신성한 오페라 오라토리오. 작곡가의 최고의 뮤지컬 및 연극 작품은 기념비적 장식, 오라토리오 오페라 인 "동부"주제와 관련이 있습니다. 마카베오(1874, 1875년 상연), 가사 악마(1871년, 1875년 인도) 및 술라미트 (1883). 악마(Lermontov에 따르면)는 루빈스타인의 오페라 유산의 절대적인 정점이자 최고의 러시아이자 가장 인기 있는 서정 오페라 중 하나입니다.

Blaramberg 및 Napravnik.

같은 시대의 다른 오페라 작가들 중에서 모스크바 작곡가 Pavel Ivanovich Blaramberg(1841–1907)와 St. Petersburg 작곡가 Eduard Frantsevich Napravnik(1839–1916)은 마린스키 극장 러시아 오페라의 유명하고 대체할 수 없는 지휘자입니다. 반세기 동안. Blaramberg는 독학했으며 적어도 주제 선택에서 주로 러시아어 (그의 역사적 멜로 드라마가 가장 큰 성공을 거두었습니다)에서 Balakirev 서클의 교훈을 따르려고 노력했습니다. 투신치고난의 시대, 1895). Blaramberg와 달리 Napravnik은 고급 전문가였으며 의심 할 여지없이 작곡 기술을 마스터했습니다. 그의 첫 번째 오페라 니즈니 노브고로드애국적인 주제로(1868) 첫 번째 쿠치키스트 역사 오페라보다 조금 더 일찍 무대에 등장했습니다. 보리스 고두노프그리고 프스코비테스그들의 시사회가 약간의 성공을 거두기 전에; Napravnik의 다음 오페라, 해럴드(1885), Wagner의 분명한 영향을 받아 제작되었으며, 이 작가의 오페라의 연극 레퍼토리에서 가장 성공적이며 여전히 가끔 발견됩니다. 두브로브스키(Pushkin 이후, 1894)는 Napravnik이 가장 좋아하는 러시아 작곡가인 Tchaikovsky의 작품에서 영감을 받았습니다(그는 Tchaikovsky의 오페라와 교향곡 초연을 여러 번 지휘했습니다).

Taneev.

19세기 말 세르게이 이바노비치 타네예프(Sergei Ivanovich Taneyev, 1856-1915)의 유일한 오페라(오페라 3부작)가 탄생했습니다. 오레스테아(Aeschylus의 음모, 1895). 일반적으로 오페라의 대본은 중앙 여성 이미지에 대한 낭만적 인 해석에서 고대에 특이한 "심리학"이라는 의미에서 고대 출처에서 멀리 떨어져 있습니다. 그럼에도 불구하고 이 오페라 스타일의 주요 특징은 고전주의 전통, 특히 Gluck의 서정적 음악 비극과 관련이 있습니다. 새로운 세기의 문턱에서 만들어진 Taneyev 작품의 엄격하고 절제된 어조는 그를 신고전주의 방향의 후기 표현 (예 : 오페라 오라토리오)에 더 가깝게 만듭니다. 오이디푸스 렉스 I. F. Stravinsky).

19~20세기의 전환기

19세기의 지난 10년 반 동안. 그리고 다음 세기의 첫 10년 동안, 즉 Mussorgsky, Borodin, Tchaikovsky가 죽은 후 (그리고 동시에 Rimsky-Korsakov의 오페라 작품의 전성기) 모스크바에서 주로 새로운 오페라 작곡가 M.M. Ippolitov-Ivanov (1859– 1935) ( 룻성경의 전설에 따르면 1887년; 아샤 Turgenev, 1900에 따르면; 반역, 1910; Nordland의 올레; 1916), A.S. 아렌스키(1861–1906)( 볼가에서 자다 Ostrovsky, 1888에 따르면; 라파엘, 1894; 날과 다마얀티, 1903), V.I. Rebikov (1866–1920) ( 뇌우 속에서, 1893; 크리스마스 트리, 1900 및 기타), S.V. Rakhmaninov (1873–1943) ( 알레코푸쉬킨에 따르면, 1892; 인색한 기사푸쉬킨에 따르면 프란체스카 다 리미니단테에 따르면, 1904), A.T. 그레차니노프(1864–1956)( 니키티치, 1901; 베아트리체 자매 M. Maeterlinck, 1910에 따르면); 오페라 장르에도 도전해 보십시오. Vas. S. Kalinnikov(1866–1900/1901)(오페라 프롤로그 1812년, 1899) 및 A.D. Kastalsky(1856–1926)( 클라라 밀리크 Turgenev, 1907에 따르면). 이 작가들의 작업은 종종 모스크바 민간 기업의 활동과 관련이 있습니다. 먼저 S. Mamontov의 모스크바 개인 러시아 오페라와 S.I. Zimin의 오페라입니다. 새로운 오페라는 주로 실내 서정적 장르에 속했습니다 (그 중 다수는 단막입니다). 위에 나열된 작품 중 일부는 Kuchkist 전통에 인접해 있습니다(예: 서사시 니키티치그레차니노프도 어느 정도 룻오리엔탈 풍미의 독창성이 특징 인 Ippolitova-Ivanov와 일상 생활의 음악적 스케치가 가장 성공적인 Kastalsky의 오페라), 그러나 훨씬 더 새로운 세대의 작가들은 서정적 인 오페라 스타일의 영향을 받았습니다. Tchaikovsky (Arensky, Rebikov, Rachmaninov의 첫 번째 오페라)와 당시 유럽 오페라 하우스의 새로운 경향.

스트라빈스키의 첫 번째 오페라 나이팅게일(H.K. Andersen의 동화에 따르면, 1914) Diaghilev 기업의 명령에 따라 만들어졌으며 The World of Art의 미학과 양식적으로 연결되어 있으며 펠레아스와 멜리장드 C. 드뷔시. 그의 두 번째 오페라 마우라(에 의해 콜롬나의 집 Pushkina, 1922)는 한편으로는 재치 있는 음악적 일화(또는 패러디)이고 다른 한편으로는 푸쉬킨 시대의 러시아 도시 로맨스를 양식화한 것이다. 세 번째 오페라, 오이디푸스 렉스(1927)은 사실 신고전주의 무대 오라토리오만큼 오페라가 아닙니다 (여기서는 이탈리아 오페라 세리아의 구성 원칙과 성악 스타일이 사용되지만). 작곡가의 마지막 오페라 갈퀴의 모험, 훨씬 나중에 (1951) 작성되었으며 러시아 오페라 현상과 관련이 없습니다.

쇼스타코비치.

Dmitri Dmitrievich Shostakovich(1906–1975)가 1920년대 말과 1930년대 초에 작곡한 두 편의 오페라도 어려운 운명을 겪었습니다. 코(Gogol, 1929에 따르면) 및 므첸스크 지구의 레이디 맥베스(Leskov, 1932, 2판 1962에 따름). 코, 매우 밝고 날카로운 작품, 20 세기 말. 러시아와 서양에서 큰 인기를 얻었으며 표현주의 연극과 문체 적으로 연관되어 있으며 가장 날카로운 패러디 원칙을 기반으로 파괴적이고 악의적 인 풍자에 도달했습니다. 초판 레이디 맥베스어떤 의미에서 스타일의 연속이었습니다. 코, 그리고 이 오페라의 주인공은 마리아와 같은 캐릭터와의 연관성을 불러일으켰습니다. 보체케 A. Berg와 R. Strauss의 같은 이름의 오페라에서 Salome까지. 알려진 바와 같이, 그것은 레이디 맥베스시사회에서 큰 성공을 거둔 는 Pravda 신문 프로그램 기사의 "대상"이되었습니다. 음악 대신 머들(1934)는 Shostakovich의 운명과 당시 소련 음악의 상황에 큰 영향을 미쳤습니다. 두 번째, 훨씬 이후 버전의 오페라에서 저자는 극적 및 음악적 스타일 모두에서 상당한 완화를 수행했으며 그 결과 작업은 러시아 오페라 극장의 고전적인 형식에 다소 가까운 형식을 취했지만 무결성을 잃었습니다.

일반적으로 오페라의 문제는 러시아 음악 문화의 소비에트 시대 전체에 걸쳐 상당히 심각했습니다. 이 장르는 가장 "민주적"인 동시에 가장 "이념적"인 것으로 간주되었으므로 예술을 감독하는 당국은 일반적으로 작곡가에게이 분야에서 작업하도록 권장했지만 동시에 엄격하게 통제했습니다. 1920년대와 1930년대 초 러시아의 오페라 문화는 눈부신 상태였습니다. 고전 레퍼토리의 훌륭한 작품이 모스크바와 레닌그라드에서 등장했고 최신 서양 작품이 널리 상연되었습니다. 뮤지컬 극장 분야에서의 실험은 K.S. Stanislavsky와 V.E. Meyerhold 등을 시작으로 가장 큰 감독들에 의해 수행되었지만 결과적으로 이러한 이득은 크게 손실되었습니다. 오페라 하우스에서의 실험 시간은 1930년대 초에 끝났습니다. Pashchenko (1883–1972) 및 기타, 이제 모두 망각에 빠졌습니다). 1930년대 중반에 소위 "노래 오페라"라는 개념이 "대중이 접근할 수 있는" 것으로 대두되었습니다. 조용한 돈(M. Sholokhov, 1935에 따르면) I.I. Dzerzhinsky (1909-1978); T. N. Khrennikov (b. 1913)의 오페라는 그 당시 인기가 있었고 같은 품종에 속합니다. 폭풍 속으로(1939) 및 D.B.Kabalevsky(1904–1987) 타라스 가족(1950). 사실, 다소 성공적인 "정상적인"오페라가 같은 기간에 나타났습니다. 예를 들어 말괄량이 길들이기(1957) V.Ya.Shebalin(1902–1963), Decembrists(1953) 유아 샤포리나(1887-1966). 1960년대 이후로 오페라 하우스에서 어느 정도 부흥의 시기가 있었습니다. 이번에는 다양한 종류의 "하이브리드"장르(오페라-발레, 오페라-오라토리오 등)의 출현이 특징입니다. 실내 오페라 장르, 특히 지난 수십 년 동안 잊혀진 모노 오페라가 널리 개발되었습니다. 1960년대-1990년대에 많은 작가들이 재능 있는 작가들을 포함하여 오페라로 전환했습니다. Slonimsky (b. 1932), N. N. Karetnikov (1930-1994) 및 E. V. Denisov (1929-1996), Yu. ), G.I. Banshchikov (b. 1943) 등이 흥미로운 오페라를 만들었습니다. 이 장르는 러시아 음악 문화의 선도 장르로 복원되지 않았으며 현대 작품(국내 및 해외 모두)은 주요 오페라 하우스의 포스터에 간헐적으로만 등장합니다. , 그러나 그들은 거의 오랫동안 레퍼토리에 머 무르지 않습니다.

러시아 오페라-세계 뮤지컬 극장의 재무부에 가장 귀중한 기여. 19세기 이탈리아, 프랑스, 독일 오페라, 러시아 오페라의 고전적 전성기 시대에 태어났다. 다른 국립 오페라 학교를 따라잡았을 뿐만 아니라 능가하기도 했습니다. 19세기 러시아 오페라 극장 발전의 다자간 성격. 세계 사실주의 예술의 풍요로움에 기여했습니다. 러시아 작곡가의 작품은 오페라 창의성의 새로운 영역을 열었고, 새로운 내용을 도입했으며, 뮤지컬 극작술을 구성하는 새로운 원칙을 도입하여 오페라 예술을 다른 유형의 음악적 창의성, 주로 교향곡에 더 가깝게 가져왔습니다.

그림 11

러시아 고전 오페라의 역사는 선진 러시아 사상의 발전과 함께 러시아 사회 생활의 발전과 불가분의 관계가 있습니다. 오페라는 이미 18세기에 러시아 계몽주의가 발달한 70년대에 국가적 현상으로 등장한 이러한 연결로 구별되었습니다. 러시아 오페라 학교의 형성은 사람들의 삶을 진실되게 묘사하려는 열망으로 표현 된 계몽 사상의 영향을 받았습니다. Neyasova, I.Yu. 19세기 러시아 역사 오페라. P.85.

따라서 러시아 오페라는 첫 단계부터 민주적 예술로 구체화됩니다. 러시아 최초의 오페라의 줄거리는 종종 반 농노 아이디어를 제시했으며 이는 18 세기 말 러시아 드라마 극장과 러시아 문학의 특징이기도했습니다. 그러나 이러한 경향은 아직 통합 시스템으로 발전하지 않았으며 귀족에 대한 풍자적 묘사에서 지주에 의한 억압을 보여주는 농민의 삶의 장면에서 경험적으로 표현되었습니다. V. A. Pashkevich의 "Misfortune from the Carriage", E. I. Fomin의 "Coachmen on a Setup"은 러시아 최초의 오페라의 줄거리입니다. A. O. Ablesimov의 텍스트와 M. M. Sokolovsky (두 번째 버전 - E. I. Fomina)의 음악이있는 오페라 "밀러 - 마법사, 사기꾼 및 중매인"에서 농부 노동의 귀족에 대한 아이디어 표현되고 고귀한 오만함이 조롱됩니다. M. A. Matinsky-V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor"의 오페라에서 약탈자와 뇌물 수취인은 풍자적 인 형태로 묘사됩니다.

러시아 오페라는 국가 정체성을 위한 투쟁 속에서 발전했다. 외국 극단을 후원하는 왕실과 귀족 사회의 정책은 러시아 예술의 민주주의에 반대했습니다. 러시아 오페라의 인물들은 서유럽 오페라를 모델로 오페라 기술을 익히는 동시에 민족적 경향의 자주성을 지켜야 했다. 수년 동안의 이러한 투쟁은 새로운 단계에서 새로운 형태를 취하는 러시아 오페라의 존재 조건이 되었습니다.

XVIII 세기의 오페라 코미디와 함께. 다른 오페라 장르도 등장했습니다. 1790년에 "Oleg's Initial Administration"이라는 제목으로 궁정에서 공연이 열렸는데, 텍스트는 여제 캐서린 2세가 썼고 음악은 작곡가 K. Canobbio, J. Sarti 및 V. A. Pashkevich가 공동으로 작곡했습니다. 공연은 본질적으로 오라토리오만큼 오페라가 아니었고 어느 정도는 19세기에 널리 퍼진 음악-역사적 장르의 첫 번째 사례로 간주될 수 있습니다. 뛰어난 러시아 작곡가 D. S. Bortnyansky의 작품에서 오페라 장르는 가사 오페라 The Falcon과 The Rival Son으로 대표되며, 그의 음악은 오페라 형식과 기술의 발전 측면에서 현대의 예와 동등할 수 있습니다. 서유럽 오페라의

18세기 러시아 오페라의 예술적 성취. 19 세기 1/4 분기 러시아 뮤지컬 극장의 급속한 발전에 박차를가했습니다.

Mussorgsky의 뮤지컬 드라마 "Khovanshchina"(그림 12)는 17 세기 말 양궁 봉기에 전념합니다. 활기 넘치는 대중 운동의 요소는 민요 예술에 대한 창의적 사고를 바탕으로 한 오페라 음악으로 현저하게 표현됩니다. "Khovanshchina"의 음악은 "Boris Godunov"의 음악과 마찬가지로 높은 비극이 특징입니다. 두 오페라의 멜로디 마일의 기본은 노래와 선언적인 시작의 합성입니다. 그의 개념의 참신함에서 탄생한 무소르그스키의 혁신과 음악 극작술의 문제에 대한 매우 독창적인 해결책으로 인해 우리는 그의 두 오페라를 뮤지컬 극장의 최고 업적으로 평가합니다.

그림 12

19세기는 러시아 오페라 고전의 시대다. 러시아 작곡가들은 드라마, 서사시, 영웅적 비극, 희극 등 다양한 장르의 오페라에서 걸작을 창작했습니다. 이들은 오페라라는 혁신적인 콘텐츠와 긴밀하게 연결되어 탄생한 혁신적인 뮤지컬 드라마를 탄생시켰다. 대중 민속 장면의 중요하고 정의적인 역할, 등장 인물의 다면적 특성화, 전통 오페라 형식의 새로운 해석 및 전체 작품의 음악적 통합에 대한 새로운 원칙의 창조는 러시아 오페라 고전의 특징입니다. Neyasova, I.Yu. 19세기 러시아 역사 오페라. P.63.

3.1 겸손한 페트로비치 무소르그스키

Modest Petrovich Mussorgsky - "Mighty Handful"의 일원 인 19 세기의 가장 뛰어난 러시아 작곡가 중 한 명. Mussorgsky의 혁신적인 작업은 시대를 훨씬 앞서 있었습니다.

프 스코프 지방에서 태어났습니다. 많은 재능있는 사람들과 마찬가지로 그는 어린 시절부터 음악에 재능을 보였고 상트 페테르부르크에서 공부했으며 가족 전통에 따르면 군인이었습니다. Mussorgsky가 병역이 아니라 음악을 위해 태어났다는 것을 결정한 결정적인 사건은 M.A. Balakirev와의 만남과 "Mighty Handful"에 합류했습니다. Mussorgsky는 그의 장대 한 작품 인 오페라 "Boris Godunov"와 "Khovanshchina"(그림 13)에서 러시아 음악이 그 전에는 알지 못했던 급진적 참신함으로 러시아 역사의 극적인 이정표를 음악으로 포착했다는 점에서 훌륭합니다. 그것들은 대중 민속 장면과 다양한 유형의 조합, 러시아 사람들의 독특한 성격입니다. 이 오페라는 저자와 다른 작곡가 모두에 의해 수많은 에디션으로 제공되며 세계에서 가장 인기 있는 러시아 오페라 중 하나입니다. Danilova, G.I. 미술. P.96.

3.2 무소르그스키 오페라 "호반시치나"의 특징

"호밤쉬치나"(민속 뮤지컬 드라마)-러시아 작곡가 M. P. Mussorgsky가 몇 년 동안 자신의 대본에 따라 제작했으며 저자가 완성하지 않은 5 막의 오페라입니다. 작업은 N. A. Rimsky-Korsakov가 완료했습니다.

Khovanshchina는 오페라 그 이상입니다. Mussorgsky는 러시아 역사의 비극적 인 법칙, 영원한 분열, 고통과 피의 근원, 내전의 영원한 선구자, 무릎에서 영원한 상승, 평소 자세로 돌아가려는 똑같이 본능적 인 욕망에 관심이있었습니다.

Mussorgsky는 "Khovanshchina"라는 아이디어를 부화시키고 곧 자료 수집을 시작합니다. 이 모든 것은 70 년대 V. Stasov의 적극적인 참여로 수행되었습니다. Mussorgsky와 가까워졌고 작곡가의 창의적 의도의 심각성을 진정으로 이해한 몇 안 되는 사람 중 한 명이었습니다. V. V. Stasov는 1872년부터 생애가 거의 끝날 때까지 작업한 이 오페라를 창작하는 과정에서 Mussorgsky의 영감이자 가장 가까운 조수가 되었습니다. Mussorgsky는 1872 년 7 월 15 일 Stasov에 "Khovanshchina가 만들어 질 때 내 인생의 전체 기간을 당신에게 바칩니다.

그림 13

작곡가는 러시아 역사의 전환점에서 러시아 국민의 운명에 다시 매료되었습니다. 17 세기 말의 반항적 인 사건, 늙은 소년 Rus '와 Peter I의 새로운 젊은 러시아 사이의 날카로운 투쟁, 궁수의 폭동 및 분열 운동은 Mussorgsky에게 새로운 민속 뮤지컬 드라마를 만들 기회를주었습니다. 저자는 V. V. Stasov에게 "Khovanshchina"를 헌정했습니다. Danilova, G.I. 미술. P.100.

"Khovanshchina"에 대한 작업은 어려웠습니다. Mussorgsky는 오페라 공연의 범위를 훨씬 넘어서는 자료로 전환했습니다. 그러나 그는 여러 가지 이유로 오랫동안 중단되었지만 집중적으로 썼습니다 ( "작업이 본격화되었습니다!"). 이때 Mussorgsky는 Balakirev 서클의 붕괴, Cui 및 Rimsky-Korsakov와의 관계 냉각, Balakirev의 음악 및 사회 활동 이탈을 겪고있었습니다. 그는 그들 각자가 독립적인 예술가가 되었고 이미 자신의 길을 갔다고 느꼈다. 관료적 서비스는 작곡을 위해 저녁과 밤에만 남겨 두었고 이로 인해 극심한 과로와 점점 더 오래 지속되는 우울증이 발생했습니다. 그러나 모든 것에도 불구하고이 기간 동안 작곡가의 창의력은 예술적 아이디어의 강점과 풍부함이 놀랍습니다.

“Khovanshchina는 복잡한 러시아 오페라로, 러시아 영혼만큼이나 복잡합니다. 그러나 Mussorgsky는 그의 오페라 중 두 개가 거의 매년 전 세계의 다른 오페라에서 상연될 정도로 놀라운 작곡가입니다.” Abdrazakov, RIA Novosti.

오페라는 민속 생활의 모든 층을 드러내고 전통적인 역사와 삶의 방식의 전환점에서 러시아 사람들의 영적 비극을 보여줍니다.

3.3 극장의 오페라 무소르그스키 "Khovanshchina"

서사시의 장대 한 규모-Sergei Prokofiev의 "전쟁과 평화", Mussorgsky의 "Boris Godunov", 그리고 마지막으로 거대한 역사적 캔버스 인 "Khovanshchina"를 상연 한 Alexander Titel이 최근 몇 년 동안 말하기를 선호하는 형식입니다. . "러시아인"의 모든 비극적 충돌, 즉 권력과 국민의 파열, 종교적 분열, 정치적 음모, 광신적 이상주의, " 길", 유라시아 갈림길. 관련성은 표면에 있으며 지난 시즌 "샤프트"의 "Khovanshchina"가 비엔나, 슈투트가르트, 앤트워프, 버밍엄과 같은 유럽 무대에 있다는 것은 우연이 아닙니다. 거의 괴로워하는 Titel의 공연은 그의 동포들을 Mussorgsky의 이러한 주제로 되돌립니다.

극장이 특별한 강도로 "역사적"진술에 접근했다는 사실은 Khovanshchina 프로토 타입의 문서 및 실제 전기에서 발췌 한 초연을 위해 준비된 소책자와 "Khovanshchina "시대의 고고 학적 발견 물이 전시 된 극장의 아트리움-극장 건물 아래에서 발견 된 무기 조각. 당연히 이러한 수행원과 함께하는 공연의 분위기는 더욱 '정통'해졌어야 했다. 그러나 청중은 무대 위의 탑과 크렘린 탑이 아니라 러시아 생활의 우울한 서사시가 3 시간 이상 펼쳐지는 단순한 헛간 모양의 판자 상자로 맞이했습니다. Alexander Lazarev는 금속성 배음으로 가득 찬 Dmitri Shostakovich의 오케스트레이션을 선택하여 음악적 톤을 설정했습니다. -서정적인 노래. 어떤 순간에 오케스트라가 사라지고 합창단이 "밖"으로 나왔습니다: 그 유명한 "아빠, 아빠, 우리에게 나오세요! 마솔, 엘.엠., 아리스토바 엘.에스. 음악 예술. P.135.

그림 14

거친 오케스트라 배경은 무대 위의 어둡고 열광적인 액션과 잘 어울렸습니다. 거대한 엑스트라 - 통일 된 방식으로 옷을 입은 수백 명의 사람들, 스칼렛 - streltsy (그림 14) 또는 흰색 - "민속". 왕자들은 평범한 모피와 귀중한 자수가없는 작은 단추가 달린 단순한 카프 탄을 가지고 있습니다. 이 엑스트라는 긴 나무 테이블에서 식사에 참여하고, 아이콘이있는 군중 속으로 나오고, Bati Khovansky 주변에서 어깨를 움켜 쥐고 형제애를 나눕니다. 그러나 무대의 군중은 "살아있는"것이 아니라 오히려 줄거리를 설명했습니다.

그림 15

그러나 주요 음모는 음모를 짜고 비난을 지시하고 권력을 위해 싸우는 왕자와 보 야르 사이에서 "위"로 펼쳐졌습니다. 첫째, Shaklovity (Anton Zaraev)는 Podyachy (Valery Mikitsky)에게 격렬하게 지시하여 고문과 괴롭힘으로 그를 놀라게하고 Khovansky의 아버지와 아들에 대한 차르 Peter와 Ivan에게 보고서를 보낸 다음 Golitsyn 왕자 (Nazhmiddin Mavlyanov)는 음모를 엮습니다. Khovansky (Dmitry Ulyanov) 및 Dosifey (Denis Makarov)의 당국-광적으로 싸움 직전. 여기에서 똑같은 열광을 가진 젊은 Khovansky (Nikolai Erokhin)는 독일 여성 Emma (Elena Guseva)와 분열주의적인 Martha (Ksenia Dudnikova)를 성적으로 추구합니다. 무소르그스키의 영웅들은 그들의 말 한 마디가 세상을 뒤집어 놓을 것처럼 연극에 존재합니다. 그들은 쉰 목소리가 될 때까지 아리아로 비명을 지르고 테이블에 주먹을 두드립니다. Marfa는 아연 양동이에서 살아있는 것을 짜내는 것처럼 주먹을 물에 두드리며 끔찍하게 추측합니다. 궁수들은 처형을 위해 진홍색 카프 탄에 머리를 얹고 Khovansky Sr.는 페르시아인의 치마를 들어 올립니다. 무대에서 아르메니아 두둑은 우울하게 들립니다. 공연에 삽입 된 숫자입니다. 사실, 일반적인 페르시아 춤보다 더 관련성이 높은 이유는 완전히 명확하지 않습니다. 또한 아아, 공연이 무엇에 관한 것인지 명확하지 않습니다. 서있는 분열적인 군중이 어둠 속으로 뛰어드는 사진으로 끝납니다. 행, 우울한 Rus의 사진을 제외하고는 그들의 경험에서 정확히 전달하고 싶었던 것. 포함하여 공연의 단어를 거의 구별 할 수 없기 때문입니다. 러닝 라인의 캡션은 영어로되어 있으며 홀에는 대본 감정가가 거의 없습니다. 한편 Mussorgsky 자신이 모든 단어를 철자하는 것은 우연이 아닙니다. 그는 현재의 정치 드라마로 "Khovanshchina"를 만들었고 아마도 이 이야기의 경험이 현재의 무언가를 바꾸는 데 도움이 되기를 바랐을 것입니다.