셰익스피어의 선구자 중 한 명인 영국의 극작가. 윌리엄 셰익스피어 - 뛰어난 극작가

워크숍 1 주제: “Adrazhennia 시대의 영국 극장. W. Shakespeare의 창의성” 1. Adragen 시대 영국 연극 예술 발전의 민첩한 특성. 2. 창의력 W. 셰익스피어. Periyadyzatsyya 창작 극작가 (aptymystychny, 비극적, 낭만적). 3. 셰익스피어의 드라마는 가장 대담하고 대담한 예술입니다. 유럽 ​​극장 무대에서 Pastanov의 셰익스피어 연극. 4. 실제 연극 기술에서 셰익스피어의 현상. ab aўtarstvo creatў 시도 중. 5. 극장 "글로브": 역사와 현재. Pabudova 장면, 무대 장비, 연기 마스터.

르네상스 극장. 영어 극장

영국 르네상스의 극장은 영국의 풍미와 민주주의를 결정짓는 시장 광장에서 태어나고 발전했습니다. 지역 무대에서 가장 인기 있는 장르는 도덕과 희극이었다. Elizabeth Tudor의 통치 기간 동안 미스터리는 금지되었습니다. 16 세기 초부터 영국 연극 예술은 왕권과 가톨릭 교회 간의 정치적 투쟁을 배경으로 형성되기 시작한 인본주의 드라마 발전의 시작 인 새로운 단계에 접근했습니다.

새로운 인본주의적 이데올로기에 대한 날카로운 비판과 선전이 습관적인 막간과 도덕의 옷을 입고 무대에서 울려 퍼졌다. 인본주의 자 John Rastell "4 가지 요소의 본질에 대한 막간"(1519)의 연극에는 도덕성에 대한 전통적인 인물 외에도 지식에 대한 갈증, 자연의 여인, 경험 및 반대되는 캐릭터가 있습니다. 그들에게-악마 무지와 쾌락에 대한 갈증의 창녀. 극중 이들 인물들의 화해할 수 없는 투쟁은 몽매주의와 무지에 대한 계몽주의의 승리로 끝난다.

John Bale - 영국 종교 개혁의 저명한 인물이자 유명한 작가이자 연극 "King John"의 저자. 도덕성에 사회적 주제를 더함으로써 그는 역사 ​​연대기 장르의 극작술의 토대를 마련했다.

새로운 극장은 중세 희극에서 태어났습니다. 궁정 시인이자 음악가이자 화려한 안경을 조직한 존 게이우드는 풍자적인 막간을 써서 희극을 발전시켰습니다. 그들에서 그는 승려의 사기와 면죄부 판매자, 성직자의 음모, 이익에 대한 탐욕, 과시적인 경건으로 죄를 덮은 사제의 교활한 속임수를 조롱했습니다. 주인공-도적-과 부정적인 캐릭터-성직자-단순하고 선량한 평민 외에도 짧은 일상 장면에 참여했습니다. 16세기 초의 풍자적 막간극은 중세 희극극과 신흥 극극을 연결하는 고리가 되었다.

이탈리아 문화와 예술에 대한 영국인의 소개는 고대 문화에 대한 적극적인 인식과 대중화, 고대 문명의 성취에 기여했습니다. 라틴어에 대한 집중적인 연구와 Seneca와 Plautus의 작업으로 인해 고대 비극과 희극이 영어로 번역되었습니다. 이러한 번역을 기반으로 한 공연은 귀족과 대학 환경에서 매우 인기를 얻었습니다.

동시에 귀족과 깨달은 대중은 Petrarch의 소네트와 Ariosto의시를 존경했습니다. Boccaccio와 Bandello의 소설은 raznochin 사회에서 알려졌습니다. 왕실에서는 가장 무도회가 재미있는 오락 행사로 소개되어 이탈리아 목가적 인 장면이 펼쳐졌습니다.

국가 코미디와 비극의 첫 번째 예는 16 세기 중반에 무대에 나타났습니다. 최초의 영국 희극인 Ralph Royster Doyster(c. 1551)의 저자인 Nicholas Udol은 교육받은 궁정 엔터테인먼트 조직가였으며 그의 작품을 통해 사람들에게 "좋은 삶의 규칙"을 가르치려고 했습니다.

Thomas Norton과 Thomas Sequile의 Gorboduk 연극(1562)은 엘리자베스 여왕의 궁정에서 초연되었으며 최초의 영국 비극으로 간주됩니다. 그것은 로마 비극의 모방을 분명히 보여줍니다 : 연극을 5 막으로 나누고, 합창과 메신저의 독백, 유혈 범죄, 그러나 줄거리는 중세 역사의 역사적 사실을 기반으로합니다. 비극의 교훈은 우화적인 판토마임과 배우들이 연기하는 막간에 예상치 못한 줄거리 왜곡을 설명하는 막간이었습니다.

익살스러운 미스터리와 원시적 익살 이후 고대와 이탈리아의 극작술을 기반으로 구성의 기초, 부분의 비례성, 행동과 캐릭터의 발전 논리가 존재하는 새로운 영어 극작술이 탄생했습니다.

신세대 극작가들은 거의 모두가 대학 교육을 받았고 민주적인 환경에서 태어났다. "University Minds"라는 크리에이티브 그룹에 합류하여 그들의 작품에서 그들은 귀족의 높은 인본주의 문화와 민속 지혜를 민속과 합성하려고 노력했습니다.

W. 셰익스피어의 전임자 - 유명한 영국 극작가 John Lily (c. 1554-1606) - 궁정 시인이었습니다. 그리스 역사가 Pliny의 이야기에 따라 쓰여진 그의 가장 흥미로운 코미디 "Alexander and Campaspe"(1584)에서 그는 포로에 대한 친구 인 예술가 Apelles의 사랑을 본 Alexander the Great의 관대함을 보여주었습니다. Campaspe, 그녀의 친구에게 양보. 따라서 의무와 감정 사이의 투쟁에서 의무가 승리했습니다. 연극에서 알렉산더의 이상화 된 이미지는 군주와 그의 측근의 자신감과 오만함을 압도하는 민속 지혜와 상식이 승리하는 철학자 디오게네스의 회의적인 인물과 반대됩니다.

John Lily는 소위 로맨틱 코미디의 토대를 마련했습니다. 그는 서정적 요소를 극적인 행동에 도입하여 산문 연설에 밝은 시적 풍미를 부여했습니다. 그는 코미디의 두 장르인 로맨틱 코미디와 익살 코미디의 미래 융합을 위한 길을 제시했습니다.

영국 르네상스 드라마의 진정한 조상은 유명한 극작가이자 철학적이고 무신론적인 내용의 작가인 크리스토퍼 말로(Christopher Marlowe, 1564-1593)였습니다. 끈기로 이학석사 학위를 취득한 제화공의 아들인 그는 용기와 자유사상으로 두각을 나타냈다. K. Marlo는 케임브리지 대학교를 졸업한 후 자신보다 먼저 열린 신부의 경력보다 극단에서 배우의 일을 선호했습니다. 그의 첫 번째 극작인 Tamerlane the Great는 무신론적 사상으로 가득 차 있었습니다. 이 기념비적인 작품은 2년에 걸쳐 두 부분으로 작성되었습니다(1587년 1부, 1588년 2부). "Tamerlane the Great"는 XIV 세기 후반의 유명한 동양 정복자 Timur의 각색 전기입니다. Marlo는 그의 영웅에게 전설적인 영웅의 힘과 모습을 부여했습니다. 그리고 특히 중요한 것은 그가 진정한 티무르였던 고귀한 봉건 영주를 자신의 의지, 에너지 및 정신의 힘으로 만 합법적 인 통치자보다 높은 "천한 목자"로 만들었다는 것입니다.

K. Marlo의 연극 "닥터 파우스트의 비극적 이야기"(1588)는 인간 삶의 이면을 드러냅니다. 지식에 대한 갈증과 삶의 기쁨을 위해 금욕주의 원칙을 거부하고 최고 권위에 무조건 복종하는 것은 무신론자 파우스트 박사의 이미지로 그에게 입혔습니다. 파우스트 박사의 해방된 의식과 그에 따른 고독의 드라마는 그를 회개로 이끄는 동시에 사상의 자유를 위한 투쟁의 엄청난 에너지를 부각시킨다.

K. Marlo "Edward II"의 마지막 비극은 역사적 연대기를 소재로 작성되었으며 W. Shakespeare가 그의 작품에서 성공적으로 개발 한 영국 드라마의 기초가되었습니다.

K. Marlowe의 연극과 동시에 University Minds 그룹의 다른 극작가의 연극이 무대에서 상연되었습니다. Thomas Kyd - "The Spain Tragedy"(1587) 및 Robert Greene - "Monk Bacon and Monk Bongay", "James IV " 및 "George Green, Weckfield 필드 파수꾼 "(1592).

University Minds 그룹의 창의적인 극작가 커뮤니티는 르네상스 비극과 코미디의 탄생이라는 국가 드라마 발전의 새로운 단계에 앞서 있습니다. 점차적으로 인본주의 적 이상에 전념하는 대담하고 용감한 새로운 영웅의 이미지가 나타났습니다.

16 세기 말 영국 민속 극장은 모든 혁명적 사상을 흡수하고 투쟁에서 인간의 존엄성을 옹호 한 용감한 영웅을 모방하여 공연을 위해 수많은 사람들을 모았습니다. 극단의 수는 꾸준히 증가했고 호텔 마당과 도시 광장의 공연은 이를 위해 특별히 지어진 극장으로 옮겨졌습니다.

1576년 런던에서 James Burbage는 "The Theatre"라고 불리는 최초의 극장을 세웠습니다. 그 후 "Curtain", "Blackfriars", "Rose"및 "Swan"과 같은 여러 극장 건물이 한 번에 건설되었습니다. 시의회가 명령에 따라 1576년 런던 자체에서 연극 공연을 금지했다는 사실에도 불구하고 극장은 시의회의 권한을 벗어난 지역인 템스 강 남쪽 제방에 위치했습니다.

귀족의 후원을 즐겼던 유명인을 제외하고 대부분 런던 극장의 배우들은 저소득층과 소외된 사람들이었습니다. 왕실 법령은 예술가를 노숙자 방랑자와 동일시하고 부유한 후원자가 없는 극단을 처벌하도록 규정했습니다. 당국의 극장에 대한 강인한 태도에도 불구하고 해마다 인기가 높아지고 그 수가 증가했습니다.

당시 극단 조직의 형태는 배우와 자치단체가 공동으로 운영하는 형태와 소품을 소유하고 극작가로부터 연극 상연권을 사들인 기업가가 운영하는 민간기업 형태로 나뉜다. 개인 기업가는 극단을 고용하여 배우를 자신의 변덕에 속박할 수 있습니다.

극단의 양적 구성은 10-14 명을 넘지 않았으며 극장 레퍼토리에서 여러 역할을 수행해야했습니다. 여성 역할은 예쁜 청년들이 연기했으며 움직임의 가소성과 목소리의 서정성으로 안정적인 연기를 달성했습니다. 배우들의 일반적인 연기 방식은 서사적 스타일과 숭고한 파토스에서 절제된 내적 드라마로 전환되는 단계를 거치고 있었다. W. 셰익스피어 시대 비극 장르의 주역은 Richard Burbage와 Edward Alleyn이었다.

William Shakespeare는 1564년 4월 23일 Stratford-upon-Avon(영어 Stratford-upon-Avon)이라는 작은 마을에서 태어났습니다. 그의 아버지 존 셰익스피어는 장갑 제조업자였으며 1568년에 시의 시장으로 선출되었습니다. 그의 어머니 Arden 가족의 Mary Shakespeare는 가장 오래된 영국 가족 중 하나에 속했습니다. 셰익스피어는 Stratford "문법 학교"에서 공부하여 그리스어의 기초 인 라틴어를 공부하고 그의 작품에 반영된 고대 신화, 역사 및 문학에 대한 지식을 받았다고 믿어집니다. 셰익스피어는 18세에 앤 해서웨이와 결혼하여 딸 수잔나와 쌍둥이 햄넷, 주디스를 낳았습니다. 1579년에서 1588년 사이 일반적으로 "잃어버린 해"라고 부르기 때문입니다. 셰익스피어가 한 일에 대한 정확한 정보는 없습니다. 1587년경 셰익스피어는 가족을 떠나 런던으로 이주하여 연극 활동을 시작했습니다.

우리는 1592년 극작가 로버트 그린(Robert Greene)의 죽어가는 팜플렛에서 작가로서의 셰익스피어에 대한 첫 번째 언급을 발견합니다. 깃털을 과시하는 까마귀). 1594년 셰익스피어는 Richard Burbage "Servants of the Lord Chamberlain"(ChamberlainЂs Men) 극단의 주주 중 한 명으로 등재되었으며, 1599년 셰익스피어는 새로운 Globe Theatre의 공동 소유자 중 한 명이 되었습니다. 이때까지 셰익스피어는 상당히 부유한 사람이 되어 스트랫퍼드에서 두 번째로 큰 집을 사고 가문의 문장에 대한 권리와 신사라는 귀족 칭호를 받습니다. 수년 동안 셰익스피어는 고리대금업에 종사했으며 1605년에는 교회 십일조를 내는 농부가 되었습니다. 1612년 셰익스피어는 런던을 떠나 고향인 스트랫퍼드로 돌아갔다. 1616년 3월 25일 공증인이 유언장을 작성하고 1616년 4월 23일 그의 생일에 셰익스피어가 사망합니다.

전기 정보의 부족과 설명할 수 없는 많은 사실로 인해 셰익스피어 작품의 저자 역할에 상당히 많은 사람들이 지명되었습니다. 지금까지 셰익스피어의 희곡이 완전히 다른 사람에 의해 쓰여졌다는 많은 가설(18세기 말에 처음 제시됨)이 있습니다. 이 버전이 존재한 지 2 세기가 넘도록 Francis Bacon과 Christopher Marlo에서 해적 Francis Drake와 Queen Elizabeth에 이르기까지이 연극 작가의 "역할"에 다양한 지원자가 제시되었습니다. 전체 작가 팀이 셰익스피어라는 이름으로 숨긴 버전이 있습니다. 현재 저자 후보에는 이미 77명이 있습니다. 그러나 그가 누구이든 위대한 극작가이자 시인의 성격에 대한 수많은 논쟁에서 요점은 곧 나오지 않을 것입니다. 오늘날 르네상스 천재의 창조물은 여전히 ​​전 세계의 감독과 배우에게 영감을줍니다.

셰익스피어의 전체 경력 - 1590년에서 1612년까지의 기간. 일반적으로 3~4개의 기간으로 나뉩니다.

16세기 80년대 말부터 영국 르네상스의 극작술은 성숙한 기교의 시대에 접어들었습니다. 모든 새로운 작가, 거의 모든 새로운 작품은 새로운 아이디어와 예술적 형식으로 드라마를 풍요롭게 합니다.

극적인 창의성은 전문적이 됩니다. '대학생 마인드'라는 별명을 가진 극작가 은하계가 등장한다. 별명에서 알 수 있듯이 이들은 대학 교육과 고급 학위를 가진 사람들이었습니다. 그들은 고전 교양 교육을 받았고 그리스와 로마 문학을 잘 읽었으며 이탈리아와 프랑스 인문주의자들의 글을 알고 있었습니다. Robert Greene과 Christopher Marlo는 캠브리지에서 학사 및 석사 학위를 받았습니다. John Lily, Thomas Lodge, George Peel은 옥스포드에서 학위를 받았습니다. Thomas Kidd만이 대학을 마치지 못했지만 최고의 런던 학교 중 한 곳에서 공부했습니다. 이때까지 인본주의는 완전히 형성된 교리였으며 그들은 그것을 받아들이기만 하면 되었다.

그러나 옥스퍼드와 케임브리지는 사제직을 위해서만 학생들을 준비시켰습니다. 기껏해야 교사가 될 수 있습니다. 그러나 그것은 그들이 플라우투스와 세네카, 보카치오와

이 길을 따라가는 Ariosto. 졸업장을 받은 후 그들은 런던으로 달려갔다. 그들 각각은 새로운 아이디어와 창의적인 열망으로 가득 차 있었습니다. 곧 수도의 인쇄기가 인쇄 작업을 시작했습니다. 하지만 문학수입으로 살기는 어려웠다. 시, 소설, 팜플렛은 돈보다 더 많은 명성을 가져왔습니다. 문학과 연극의 새로운 지평을 열었던 그 시대의 "폭풍의 천재들"은 런던의 맨 아래에서 굶주리고 술집 단골과 도둑들과 얽히고 여관에 옹기종기 모여 주인에게 지불 할 것이 없을 때 그곳에서 도망 쳤습니다. . 그들은 또한 우연히 고귀하고 부유 한시의 후원자의 살롱에 들어 갔지만 여기서는 뿌리를 내리지 못했습니다.

그들은 예술에 대한 사랑과 구직 활동으로 극장에 오게 되었습니다. 예를 들어, Robert Green에게는 이런 일이 일어났습니다. 어느 날 그는 주머니에 한 푼도 넣지 않은 채 거리를 배회하다가 부자 양복으로 그를 때리는 옛 지인을 만났습니다. 친구가 어디서 그렇게 부자가 되었는지 궁금한 그린은 그가 배우가 되었다는 소식을 들었다. Green이시를 쓴다는 사실을 알게 된 배우는 극장에 글을 쓰도록 그를 초대했습니다.

Lily는 다른 방식으로 극작을 시작했습니다. 그는 합창단 소년들에게 라틴어를 가르쳤습니다. 또 다른 합창단에서 소년 배우들의 연기가 대성공을 거두자 그는 학생들과 함께 희곡을 써서 연기하기로 결심했다.

그러나 "대학 마음"을 극장으로 끌어들이는 이유가 아무리 우연이더라도 그들의 도착은 본질적으로 자연 스럽습니다. 극장은 그들의 예술적 재능을 보여줄 수 있는 그들의 아이디어를 위한 최고의 플랫폼으로 판명되었습니다.

대부분의 "대학 마음"은 민속 극장을 위해 썼습니다. 처음부터 Lily만이 "선택된"궁정 귀족 대중의 안내를 받았습니다.

페루 존 릴리(1553-1606)는 "Alexander and Campaspe"(1584), "Sappho and Phaon"(1584), "Galatea"(1588), "Endymion or Man in the Moon"(1588), " Midas"(1589-1590), "Mother Bomby"(c. 1590), "Metamorphoses of Love"(c. 1590), "Woman in the Moon"(c. 1594).

릴리가 고대 작가들을 연구한 것은 괜한 일이 아니었습니다. 그는 고대 이야기와 신화에 중독되었습니다. 그러나 그의 연극은 결코 고대 작가를 모방한 학문적 연습이 아니었다. Lili의 드라마는 영웅과여 주인공의 그리스 이름에도 불구하고 상당히 현대적이었습니다. 고대 역사와 신화의 줄거리를 차용하여 이탈리아 인본주의 정신의 목가적 요소로 채운 릴리는 코미디에서 엘리자베스 궁정 사회를 우화적으로 묘사했습니다. 거의 모든 그의 희극에서 이런저런 이름으로 엘리자베스 여왕이 등장하고 모든 미덕의 모범으로 미화됩니다. Lily's Athens는 런던을 연상시키며 Arcadian 초원은 영국의 자연입니다.

Lily의 코미디는 사랑 테마가 지배적이며 "Midas"에만 스페인 왕 Philip II와 "Mother Bombie"에 대한 정치적 풍자 요소가 있습니다. 일반적으로 Lily의 작업은 조건부 설정에서 발생합니다. 캐릭터는 절반은 허구이고 절반은 실제입니다. 그들은 매우 특이한 세속 전문 용어로 말합니다.

Lily는 Lily의 소설 "Euphues 또는 Anatomy of wit"(1579)에서 이름을 얻은 특별한 스타일의 "eufuism"을 창시했습니다. Lili가 개발한 연설 스타일은 그의 모든 작업에 깔려 있는 이데올로기적 개념과 밀접하게 연결되어 있습니다.

릴리는 궁정 귀족 휴머니즘의 대표자였습니다. 기존 시스템을 전적으로 지원하면서 인본주의는 외부 및 내부 문화를 부여받은 이상적인 신사를 교육하는 작업으로 제한되어야한다고 믿었습니다. 이탈리아 작가 Castiglione "The Courtier"의 논문을 바탕으로 Lily는 그의 소설 Eufues의 영웅 이미지에서 그의 이상의 구체적인 구체화를 제시하려고했습니다. 높은 지능과 섬세한 감수성은 세련된 매너와 함께 가야 합니다. 그의 소설을 통해 릴리는 엘리자베스 시대의 귀족들에게 용감함의 예를 보여주고 싶었습니다. 사실 그의 소설은 영국 땅에서 그 "정확한" 스타일의 초기 사례 중 하나였으며 이후 프랑스어로 상당한 발전을 이루었습니다. 17세기의 고귀한 문학 작품으로 몰리에르의 잔인한 조롱을 받았습니다.

완곡한 스타일의 특징: 수사학, 풍부한 은유와 비교, 대조, 평행법, 고대 신화에 대한 언급. Lily의 소설뿐만 아니라 그의 연극도 비슷한 언어로 쓰여졌습니다. Lily의 코미디 Endymion에서 주인공은 사랑하는 사람에 대해 다음과 같이 말합니다. 태어날 때부터 한 순간도 방향을 바꾸지 않고 항상 자기 길을 가는 불안정한 사람을 부를 수 있겠습니까? 씨앗에서 새싹이 나고, 새싹에서 새싹이 나고, 새싹에서 꽃이 나오기 때문에 변할 수 있습니다."

완곡어법은 극작품의 언어를 비롯한 당대의 문학적 언어에 지대한 영향을 미쳤다. 특정 단계에서 그는 긍정적인 역할을 하여 언어의 풍부함과 고상함에 기여했습니다. 그러나이 스타일의 강조된 귀족과 인공 성은 살아있는 민속 언어의 인도를받은 작가들의 반응을 불러 일으킬 수밖에 없었습니다. 완곡주의에 처음으로 경의를 표한 셰익스피어는 이 스타일을 반복적으로 패러디했습니다. 팔스타프와 헨리 왕자(헨리 4세, 1부)가 왕과 왕자의 만남을 연출할 때, 이 장면 내내 당대의 여러 극작을 패러디한 뚱뚱한 기사는 다음과 같이 완곡한 표현을 흉내낸다.

"해리, 나는 당신의 오락뿐만 아니라 당신이 살고 있는 사회에도 놀랐습니다. 카모마일은 짓밟힐수록 빨리 자라지만 젊음은 학대받을수록 빨리 닳습니다. 당신이 내 아들이라는 것을 , 이것은 부분적으로 나는 당신 어머니의 확신, 부분적으로는 내 의견에 의해 확신하지만 특히 당신의 눈에 비열한 표정과 어리석은 처진 아랫 입술 ... 당신의 회사는 사람을 더럽 힙니다. 술에 취한 눈에 눈물이 고이고, 농담이 아니라 애통하고, 말로만이 아니라 애타는 마음으로." Hamlet에서 Polonius의 연설도 완곡합니다. 그러나 여기서 그것은 캐릭터의 패러디이자 특성화입니다. 법원 환경의 취향이었습니다.

하지만 릴리의 희극에는 인위성과 함께 생생한 위트가 있었다. 예를 들어 "Alexander and Campaspe"의 Plato, Aristotle 및 Diogenes의 대화, 다른 코미디의 하인 대화입니다. 여기에서 셰익스피어 희극의 위트까지는 단 한 걸음입니다.

Lily는 "하이"코미디의 제작자였습니다. 그는 소극 이상의 코미디를 가져온 최초의 사람이었습니다. 소극적인 요소가있는 "Mother Bombie"를 제외하고 그는 모든 곳에서 낭만적 인 상황을 그려 높은 열정의 충돌에 대한 행동을 구축합니다. 이 점에서도 그는 셰익스피어의 직계 전임자입니다. 그러나 그의 코미디에 담긴 도덕성은 셰익스피어와 일반적으로 민속 드라마의 윤리적 원칙과 완전히 반대입니다. Lily의 코미디에서는 두 사람이 한 여성을 사랑한다는 사실 ( "Alexander and Campaspe", "Sappho and Faon"등)에서 발생하는 갈등이 매우 빈번합니다. 그들 중 하나는 그의 사랑을 포기해야 합니다. Lily는 엄격한 도덕적 규율을 주장하고 그녀의 열정을 억제해야 할 필요성을 주장하며 이런 의미에서 청교도는 그에게 외계인이 아닙니다. 민속극은 결코 격정, 감정, 욕망을 금욕적으로 억압하지 않았다. 반대로, 그 전체 파토스는 강력한 열정의 힘과 아름다움을 묘사하고, 인간 본성의 좋은 원칙과 나쁜 원칙의 투쟁에서 자신의 열망을 충족시킬 사람의 권리의 정당성을 확인하는 데있었습니다.

셰익스피어 이전의 민속극의 주요 대표자는 그린(Green), 키드(Kid), 마를로(Marlo)였다.

Robert Green(1558 - 1592)은 Norwich 출신입니다. 케임브리지 대학교에서 공부하여 1578년에 학사 학위를, 1583년에 석사 학위를 받았습니다. 학사로서 그는 스페인과 이탈리아를 여행했습니다. 그린의 문학활동은 케임브리지에서 시작되어 1583년 런던에 정착한 이후 그의 생계의 주요 원천이 되었다. Green이 수도에서 살았던 89년은 그의 인생에서 가장 폭풍우가 몰아치고 결실을 맺은 시기였습니다. Green은 시, 시, 소설, 풍자 팜플렛, 드라마 등 다양한 장르로 글을 썼습니다. 강렬하고 저임금 작업, 완전한 필요 기간, Green이 말 그대로 굶주 렸을 때, 그리고 계속되는 번영의 달, 그가 부절제하게 흥청 거리고 비용을 낭비했을 때-이 모든 것이 그의 건강을 해쳤습니다. 그는 병에 걸려 어떤 여관에서 주인에게 빚을 지고 장례비도 남기지 않고 죽었습니다.

Greene의 첫 번째 극적 경험 인 "Alphonse, King of Aragon"(1587)은 아름다운 소녀의 왕관과 사랑을 쟁취하는 영웅의 비범 한 업적과 웅장한 승리를 그린 연극입니다. "Furious Roland"(1588)의 각색도 낭만적인 기반을 가지고 있습니다. Ariosto의 시 줄거리는 Green에게 밝고 재미있는 행동에 대한 대중의 사랑을 만족시키고 큰 열정을 가진 영웅을 끌어낼 기회를 제공했습니다.

Monk Bacon과 Monk Bongay (1589)는 Marlowe의 Faust와 마찬가지로 자연의 비밀을 알고 과학의 도움으로 정복하려는 시대의 특징적인 현상을 반영합니다. Marlo와 마찬가지로 Green은 과학과 마법을 분리하지 않습니다. 그의 영웅인 수도사 베이컨은 기적을 행할 수 있는 능력을 가진 흑마법사입니다. 그러나 Greene의 연극은 Marlowe의 연극이 가지고 있는 비극적 감각이 전혀 없다. Green의 캐릭터에는 거대주의가 없으며 전체 플롯에 낭만적인 색채가 부여됩니다. 웨일스 왕자와 그의 신하인 레이시는 숲 관리인의 딸인 아름다운 마거리트의 사랑을 구합니다. 두 마술사 베이컨과 봉게이의 경쟁은 말하자면 이 러브 스토리의 희극적 배경이다.

연극의 필수 요소는 민속과의 연결입니다. 그 음모는 안경을 발명하고 망원경 구성 원리를 입증 한 중세 과학자 Roger Bacon (XIII 세기)에 대한 영국 민속 전설에 뿌리를두고 있습니다. 극중 그는 먼 곳을 볼 수 있는 '마법의 유리'를 가지고 있다. 일부 장면은 베이컨이 이 유리를 통해 본다는 사실과 그가 보는 것을 관객이 본다는 사실에 기반합니다.

Monk Bacon과 Monk Bongay는 민속 극장에서 가장 인기있는 연극 중 하나입니다. 그것은 부인할 수없는 민주주의로 가득 차 있습니다. 연극 마가리타의여 주인공은 자유로운 감정의 전달자로서 아름다움, 충실 함, 사랑의 이상을 구현하는 사람들의 소녀입니다. "영국의 왕도 전 유럽의 통치자도 내가 사랑하는 사람을 사랑하지 않게 만들지 않을 것"이라고 그녀는 선언합니다.

과학에 대한 Green의 태도는 또한 민주주의로 가득 차 있습니다. Monk Bacon은 개인적인 목적이 아니라 사람들을 돕기 위해 마법의 힘을 사용합니다. 연극의 끝에서 그는 전쟁의 도가니를 통과하여 평화로운 삶에 도달할 영국의 미래에 대한 예언을 합니다.

먼저 화성이 들판을 점령하고 군사적 폭풍이 끝날 것입니다. ...

"James IV"(1591)에서 Green은 그 시대의 다른 극작가와 마찬가지로 정치적 문제를 해석하기 위해 역사적 플롯을 사용했습니다. Green은 "깨달은 군주제"의 지지자입니다. 나중에 셰익스피어처럼 그는 정부가 정의로운지 부당한지 여부에 달려 있다고 믿으며 왕의 인격에 대한 질문을 제기합니다. 극중 스코틀랜드 왕 제임스 4세는 군주적 자의성의 전형적인 화신으로 묘사된다. Arran 백작 부인의 딸인 Ida에 대한 그의 사랑 때문에 James IV는 위험한 궁정 Atekin의 선동으로 영국 왕의 딸인 그의 아내 Dorothea를 살해하도록 명령합니다. 음모에 대한 경고를 받은 여왕은 은신처로 들어간다. 그녀의 죽음에 대한 소식은 군대를 이끌고 스코틀랜드를 침공하는 아버지 헨리 7세에게 전해집니다. Dorothea는 숨어 나타납니다. James IV는 회개하고 모든 것이 평화롭게 끝납니다.

이 연극은 그린의 다른 작품들과 마찬가지로 사회정치적 주제와 개인적인 갈등이 결합된 것이 특징이다. 사악한 제임스 왕은 정의와 합법성의 수호자 역할을 하는 영국 왕 헨리 7세와 대립합니다. 이 극의 전체적인 정신을 이해하기 위해서는 변호사, 상인, 사제가 사회적 재난의 원인에 대해 대화를 나누는 에피소드가 매우 중요하다. 그린은 사제를 가장 정당한 견해를 대변하는 대변인으로 만듭니다. "가난한 사람들이 아무리 공평해도 항상 소송에서 패소하는 명령의 이름은 무엇입니까?" 사제는 분개합니다. 그들은 당신의 도움에 의지할 것입니다. 당신은 그들에게서 마지막 실을 제거하고 그들이 아이들과 함께 세계를 돌아다녀라 이제 전쟁이 시작되었다 약탈당한 사람들이 걱정한다 우리는 적 없이도 약탈당한다 우리 자신이 우리를 파멸시키고 동시에 선고한다 평시에는 법이 우리를 아끼지 않았다 이제 우리는 차례로 그것을 파괴할 것이다."

연극 "George Greene, Weckfield Field Watchman"(1592)의 주인공은 평민임을 자랑스럽게 생각하고 왕이 받기를 원하는 귀족의 칭호를 거부하는 인민의 남자이자 여만입니다. George Green은 봉건 영주에게 적대적이며 Edward III에 반항하는 반항적 인 영주를 붙잡습니다. 연극의 정치적 방향은 절대 군주제의 강화에서 봉건 남작의 자기 의지를 억압하는 수단으로 본 부르주아 인본주의 자의 입장과 일치했습니다. 봉건 영주와의 투쟁에서 국민과 왕의 단결에 대한 생각은 연극 전체를 관통합니다. 물론 Greene에 대한 그러한 견해는 절대 군주제가 봉건 영주에 대한 투쟁에서 부르주아지와 국민의 지원에 의존했을 때 영국의 사회 발전 단계에서 발생한 환상이었습니다.

"The Monk Bacon"에서와 같이 "Weckfield Field Watchman"에서도 Greene의 극작술과 민속학 사이의 연관성을 분명히 느낄 수 있습니다. 연극의 캐릭터 중 하나가 포크 발라드 Robin Hood의 영웅이라는 사실은 말할 것도없고 George Green의 이미지도 작가가 민요에서 빌린 것입니다. 작가의 민주적 공감은 Weckfield 마을 사람들의 이미지, 평범한 사람들의 삶에 대한 사랑스러운 묘사, 연극의 여러 에피소드를 장식하는 민속 유머에도 반영됩니다.

미소는 비극적 인 파토스의 특징이 전혀 없었습니다. 원칙적으로 그의 연극은 해피엔딩이다. 그들의 만화 요소는 매우 중요하며 Green은 줄거리의 주요 라인과 유기적으로 연결됩니다. Green은 복잡한 음모를 꾸미고 병렬 행동을 이끄는 것을 좋아했습니다.

Green의 극작술의 이러한 특징은 영국 르네상스 연극의 관행에 확고하게 들어갔습니다.

Thomas Kidd는 가장 흥미롭고 동시에 영국 르네상스의 가장 신비한 인물 중 하나입니다. 생년월일과 사망일자조차 정확하게 알려지지 않고 있어 1557년에 태어나 1595년에 사망한 것으로 추정된다. 우리는 그가 극작가가 되기 전에 서기관이었다는 것만 알고 있습니다. 그의 연극 중 일부는 저자의 이름 없이 출판되었고 다른 일부는 이니셜만 표시되었습니다. Kid의 저자를 결정하는 주요 출처는 연극 작가에게 로열티 지불을 언급 한 극장 기업가 Philip Genslo의 장부였습니다.

연구자들에 따르면 Kid는 5개의 희곡을 쓴 작가였습니다. 첫 번째는 "스페인 비극"이었는데, 그 인기는 10년 동안 4번 출판되었다는 사실로 판단할 수 있습니다(1판 - 날짜 없음, 2판 - 1594, 3판 - 1599, 4판 - 1602). 저자의 이름은 어떤 에디션에도 표시되어 있지 않지만 모든 연구원은 이 연극이 Kid와 관련이 있다는 것을 부인할 수 없는 것으로 간주합니다. 키드는 "스페인 비극" 이전의 사건을 묘사하는 비극 "제로니모"의 첫 번째 부분을 썼다고 가정합니다.

Kid는 "사랑의 불변성, 운명의 불일치 및 죽음의 협상이 묘사 된 Soliman과 Persis의 비극"이라는 긴 제목의 연극의 저자로 인정됩니다. 그의 이름이 제목 페이지에 표시되어 있기 때문에 비극 "위대한 폼페이와 아름다운 코넬리아"와 관련하여 키드의 저자임을 확실하게 말할 수 있습니다. 또한 이 연극은 프랑스 시인 로베르 가르니에의 비극을 번역한 것이라고 명시되어 있습니다. 마지막으로 Kyd는 1587-1588 년에 무대에서 공연 된 것으로 알려진 Hamlet의 셰익스피어 이전 비극의 저자라고 믿어집니다.

이 모든 드라마 중 가장 주목할만한 것은 "피의 드라마"장르의 시작을 알린 "스페인 비극"이었습니다. 그것은 포르투갈 Balthazar의 손에 그의 죽음에 대한 복수를 외치는 Andrea의 유령의 모습으로 시작됩니다. 이 임무는 발타자르를 붙잡아 스페인으로 데려온 고인의 친구 호레이쇼가 맡는다. 그러나 여기서 Balthazar는 Castile 공작의 아들 Lorenzo와 친구를 사귈 수 있습니다. 그의 도움으로 Balthazar는 아름다운 Belimperia 인 고 Andrea의 신부와 결혼 할 것입니다. 그러나 Belimperia는 Horatio를 사랑합니다. 라이벌을 제거하기 위해 Balthazar와 그의 친구 Lorenzo는 Horatio를 죽입니다. 그들은 살해된 남자의 시신을 그의 집 앞 나무에 매단다. Horatio의 아버지 Hieronimo는 시체를 발견하고 복수를 위해 살인자를 찾겠다고 맹세합니다. 슬픔에 잠긴 어머니 호레이쇼는 자살한다. 모든 불행의 원인이 누구인지 알게 된 제로니모는 복수 계획을 세웁니다. 그는 Balthazar와 Belimperia의 결혼을 계기로 결혼식 축하 행사에서 연극 공연에 아들의 살인자들을 초대합니다. 이 연극에는 모든 주인공이 참여합니다. 이 연극이 진행되는 동안 Hieronimo는 Lorenzo와 Balthazar를 죽여야만 합니다. Belimperia는 자살하고 아버지 Lorenzo는 사망하여 Jeronimo의 복수가 수행됩니다. 왕이 히에로니모를 체포하라고 명령하자 그는 자신의 비밀을 밝히지 않기 위해 혀를 깨물고 뱉어낸다. Hieronimo는 단검으로 자신을 찌릅니다.

법정 음모와 잔인한 복수의 드라마 인 "스페인 비극"은 예술적 특징과 이데올로기 적 방향 모두에서 상당한 관심을 끌고 있습니다.

고대 또는 중세 기원의 기성품 음모를 거부하면서 Kid 자신은 16 세기 80 년대 현대 스페인에서 일어난 비극의 음모를 발명했습니다. 그는 폭력적인 열정, 빠르게 발전하는 사건 및 한심한 연설로 연극을 채 웁니다. 능숙하게 행동을 구축하면서 그는 동시에 여러 병렬 음모를 이끌고 예기치 않은 우연의 일치와 캐릭터의 운명에 대한 날카로운 전환으로 시청자를 강타합니다. 캐릭터는 날카롭고 표현력이 풍부한 획으로 윤곽이 그려져 있습니다. 기질은 의지가 강한 압박감과 함께 결단력과 결합됩니다. 그는기만과 잔인함에 한계를 모르는 악당의 이미지를 만듭니다. 복수에 대한 제로니모의 갈증은 광기에 가까운 집착으로 변한다.

비극의 전체 색상과 여성 이미지, 특히 열정, 에너지, 결단력이 남성보다 열등하지 않은 연극 Belimperiya의여 주인공을 일치시키기 위해. 키드의 캐릭터들은 강렬한 감성, 폭풍 같은 감탄사, 대담한 과장법으로 가득 찬 연설로 감정을 쏟아낸다. 이 점에서 키드의 비극은 그 시대의 다른 많은 극작들과 유사합니다. 그러나 "스페인 비극"에는 이 연극을 현대 연극의 대량 제작과 구별하는 특징이 있습니다. 이것은 그녀의 뛰어난 연극성과 무대 존재감입니다. 대부분의 행동이 무대 밖에서 이루어지는 많은 연극과 달리 Kid에서는 모든 것이 청중 앞에서 무대에서 이루어집니다. 문학적 '학술적' 드라마의 도식성을 극복한 <키드>는 말하자면 미스터리 극장의 특징인 시각화 요소와 효과적인 스펙타클 요소를 새롭게 부활시켰다. 어린이 놀이는 흥미 진진한 광경을 만들고 그 안에 제시된 사건은 연민과 연민 또는 두려움과 공포를 유발합니다. "스페인 비극"의 행동 전반에 걸쳐 8 건의 살인과 자살이 있으며 각각은 고유 한 방식으로 수행됩니다. 또한 청중은 교수형, 광기, 혀 깨물기 및 기타 끔찍한 일을 보여줍니다. Kid의 영웅들은 연설뿐만 아니라 다양한 행동을 수행했으며이 모든 것은 당시의 새로운 연기 기술, 표정의 발달, 몸짓 및 무대 움직임이 필요했습니다. 키드의 드라마투르기의 혁신적 요소 중 하나는 그가 "무대 위의 무대"를 도입한 것에 주목해야 합니다. 이 장치는 풍부한 무대 가능성을 포함하고 이후 셰익스피어가 반복적으로 사용했습니다.

키드의 극적인 혁신은 그 자체로 끝이 아니었습니다. 그것들은 그의 작업의 이데올로기적 방향과 불가분의 관계가 있습니다. "스페인 비극"에 풍부하게 등장하는 공포와 악당은 현실에 대한 Kidu의 특징적인 비극적 인식을 반영했습니다.

피비린내 나는 드라마의 공포와 잔학 행위는 신흥 부르주아 사회의 상황에서 개인 주의적 자기 의지의 향연과 모든 봉건적 유대의 붕괴를 반영했습니다. 오래된 도덕 규범의 파괴는 억제 원칙의 상실로 표현되었습니다. 피비린내 나는 드라마에 포착된 분노, 기만, 배신, 포식, 폭력, 살인 등 유사한 현상은 극작가의 창작물이 아니라 현실의 사실을 반영한 것이었다. 빌린 문학이나 역사적 음모가 아닌 현대적인 소재를 바탕으로 상당수의 작품이 창작 된 것은 피비린내 나는 드라마 장르였다.

대부분의 피비린내 나는 비극은 사회의 상류층, 법원 및 귀족의 삶을 묘사했습니다. 장르의 민주적 지향은 본질적으로 피비린내 나는 드라마가 항상 상류 사회의 부도덕과 잔인 함을 비난한다는 사실에 반영되었습니다.

피비린내 나는 드라마 중 특별한 장소는 알려지지 않은 작가 "Arden from Feversham"(c. 1590)의 작품이 차지하고 있습니다. 이 장르의 다른 작품과이 연극의 본질적인 차이점은 그 행동이 궁중이나 귀족이 아니라 단순한 계급의 사람들의 삶에서 일어난다는 것입니다. 이것은 영국 극장의 첫 번째 부르주아 가족 드라마입니다. 음모의 출처는 1551년에 발생한 실제 사건이었습니다.

연극은 그의 아내 Alice와 그녀의 연인 Mosby가 Arden의 burgess를 살해하는 이야기를 묘사합니다. 그녀의 열정을 억제할 수 없는 Alice는 사랑하지 않는 남편을 제거하기로 결정하지만 그녀의 계획 실행에는 항상 장애물이 있으며 Arden은 그를 위해 준비된 함정을 반복해서 피합니다.

훌륭한 기술로 행동을 이끄는 극작가는 중산층, 노동자, 사회 쓰레기의 지방 및 대도시 생활 사진을 시청자 앞에 펼칩니다. 이야기가 전개되는 극적인 기술로 인해 연구자들은 셰익스피어 또는 키드가 이 익명의 연극의 저자일 수 있다고 추측했습니다. 그러나 이러한 가정에는 심각한 근거가 없습니다.

셰익스피어의 가장 위대한 전임자는 Christopher Marlowe(1564-1593)였습니다. 캔터베리 제화공의 아들로 케임브리지 대학교에서 과학 전체 과정을 마친 Marlow는 1587년 교양 석사 학위를 받았습니다. 런던에 정착한 후 그는 공공극장에서 연극을 상연하는 시적이고 극적인 활동에 종사했다.

런던에 사는 동안 Marlowe는 영국 르네상스의 가장 뛰어난 인물 중 한 명인 Walter Raleigh가 이끄는 자유 사상가 그룹에 합류했습니다. Raleigh는 전사, 항해사, 시인, 철학자, 역사가였습니다. 롤리와 사상적으로 연결된 Marlo는 공개적으로 무신론과 공화주의적 견해를 공언했습니다. 비밀 경찰 요원이 제출 한 Marlo에 대한 수많은 비난이 보존되었습니다. 그의 자유사상에 대한 조사가 이루어졌다. 그러나 당국은 일반적인 법적 절차없이하기로 결정했습니다. Marlo는 Deptford시의 여관에서 정부 요원에 의해 살해 된 후 시인의 사망 원인이 선술집 소녀와의 싸움이라는 버전이 구성되었습니다. 사실, 연구원들이 지금 문서화한 것처럼 극작가는 엘리자베스 정부의 경찰 테러의 희생양이 되었습니다.

Marlo의 첫 희곡은 1587년에 등장했으며 5년 후 그는 이미 사망했습니다. 짧은 활동 기간에도 불구하고 Marlo는 매우 중요한 극적인 유산을 남겼습니다.

Marlowe의 첫 번째 비극은 말 그대로 동시대 사람들에게 충격을주었습니다. 그때까지 "Tamerlane"(1 부 - 1587, 2 부 - 1588)에 빠진 것과 같은 성공을 거둔 장면의 단일 작품은 없었습니다. 비극의 주인공은 사령관이되어 동방의 수많은 왕국을 정복하는 단순한 목자입니다.

Tamerlane은 거대한 성격입니다. 그는 전 세계를 무제한으로 지배하기 위해 노력합니다. 이것은 큰 야망, 권력에 대한 지칠 줄 모르는 갈증, 불굴의 에너지를 가진 사람입니다. 그는 운명과 신을 믿지 않고 자신의 운명이자 자신의 신입니다. 그는 원하는 모든 것이 달성 가능하다고 흔들리지 않고 확신하며 실제로 원하고 달성하기 만하면됩니다.

인간의 마음과 의지의 힘에 대한 믿음은 Tamerlane의 독백에서 Marlo에 의해 표현됩니다.

우리는 네 가지 요소로 만들어졌으며 그들 사이에서 완고하게 전쟁을 벌입니다. 자연은 우리의 마음이 솟아 오르고 만족할 줄 모르는 영혼으로 세상의 경이로운 건축물을 인식하고 천체의 복잡한 경로를 측정하고 무한한 지식을 위해 노력하도록 가르칩니다...

그의 첫 번째 군사적 승리 중 하나를 달성한 Tamerlane은 이집트 술탄의 딸인 아름다운 Zenocrate를 포착합니다. 그는 자신의 본성에 내재된 모든 열정의 힘으로 그녀와 사랑에 빠진다. Zenocrate는 처음에는 Tamerlane의 불굴을 두려워했지만 그의 영웅적인 에너지에 굴복하여 그에게 마음을 바쳤습니다. Tamerlane은 사랑하는 여자의 발 앞에 온 세상을 놓고 싶어 정복합니다. 첫 번째 부분이 끝나면 Tamerlane은 이집트 술탄 인 Zenocrates의 아버지와 전투를 시작합니다. Zenocrate는 Tamerlane과 그의 아버지에 대한 사랑 사이에서 감정의 분열을 경험하고 있습니다. Tamerlane은 술탄을 사로 잡았지만 그의 자유를 되찾고 Zenocrates와의 결혼을 축복합니다.

첫 번째 부분이 Tamerlane의 동부 정복을 묘사한다면 두 번째 부분에서는 Tamerlane이 그의 정복을 서부로 퍼뜨리는 것을 볼 수 있습니다. 그는 헝가리 왕 Sigismund를 물리칩니다.

Tamerlane에게 세 아들을 준 Zenocrate는 죽습니다. Tamerlane의 슬픔은 끝이 없습니다. 그는 Zenocrate가 죽은 도시를 불태운다. 그의 세 아들과 함께 Tamerlane은 죽음의 회오리 바람처럼 그가 정복하는 모든 새로운 국가를 군대와 함께 휩쓸고 있습니다. 그는 바빌론과 터키를 정복합니다. 여기서 그는 꾸란을 불태우라고 명령합니다. 이 에피소드는 무신론자 Marlo 종교에 대한 도전이며 동시대 사람들이 그가 기독교의 경전을 언급한다고 추측하는 것은 어렵지 않았습니다. Tamerlane은 Zenocrates 옆에 묻히고 새로운 땅을 계속 정복하기 위해 그의 아들들에게 물려 주도록 명령하면서 죽습니다.

Marlo의 "Tamerlane"은 인간 에너지에 대한 찬송가 인 강한 성격의 신격화입니다. 비극의 주인공은 봉건적 족쇄에서 개인의 해방이 일어난 시대의 정신을 구현합니다. Tamerlane은 의심 할 여지없이 부르주아 개인주의의 특징을 가지고 있습니다. 그의 가장 큰 열망은 세상과 사람들에 대한 무한한 권력입니다. 그는 낡은 도덕 원칙을 버리고 유일한 법은 자신의 의지라고 믿습니다.

그러나 Tamerlane의 이미지에는 깊은 민주적 기반도있었습니다. Marlo는 맨 아래에서 권력과 힘의 정점으로 올라가는 남자를 드라마의 주인공으로 선택했습니다. 왕들을 물리치고 섬기게 만드는 이 목동의 모습은 당시 백성들을 감동시켰을 것이다. Tamerlane은 포로로 잡힌 왕 중 한 명에게 왕좌 아래의 발걸음을 묘사하도록 강요하고, 그는 다른 왕을 마차에 묶고 타고 다니며, 다른 왕을 새장에 가두고 그를 뒤로 데려가 그의 힘을 보여줍니다.

물론 민주적 관중은 단순한 양치기에게 패배한 수많은 폐위된 왕들의 이 광경에 기뻐서 박수를 보냈다. "Tamerlane"은 통치자 인 구세계에 대한 도전이었습니다. Marlowe는 자신의 연극에서 세계의 새로운 통치자가 올 것이라고 선언했습니다. 그는 직함이나 조상이 없지만 강력하고 똑똑하며 활력이 넘치며 그의 뜻이 있기 전에 왕좌와 제단이 먼지로 떨어질 것입니다. 본질적으로 연극의 아이디어 였고 이것이 동시대 사람들을 사로 잡은 파토스였습니다.

동일한 도전이 파우스트 박사의 비극적 역사(1588-1589)에 포함되어 있습니다. 여기서 영웅은 또한 거대한 성격입니다. 그러나 Tamerlane이 군사적 공적을 통해 전 세계에 대한 무한한 권력을 달성하기를 원했다면 Faust는 지식을 통해 동일한 목표를 위해 노력합니다. 흑 마법사 파우스트 박사에 관한 독일 민속 책에서 줄거리를 차용하여 Marlo는 시대의 가장 중요한 특징 인 새로운 과학의 출현을 반영한 전형적인 르네상스 작품을 만들었습니다.

파우스트는 자연을 이해하고 그 법칙을 발견하는 데 무력한 중세 스콜라주의와 신학을 거부합니다. 그들은 단지 사람을 묶습니다. 중세 신학에 대한 반항과 종교에 대한 거부는 파우스트가 악마와 맺는 동맹으로 구현된다. 여기에서 무신론자이자 무신론자인 말로는 종교에 대한 그의 증오를 완전히 표출합니다. 그의 영웅은 종교적 교리에 순종하는 것보다 악마 Mephistopheles와의 교제에서 자신에게 더 많은 이점을 찾습니다.

Marlowe의 비극에서 우리는 지식에 대한 강력한 충동, 자연을 정복하고 자연이 인간에게 봉사하게 하려는 열정적인 열망을 감지합니다. 파우스트에는 이러한 지식에 대한 열망이 구체화되어 있습니다. 과학의 새로운 길을 찾는 사람들은 중세의 종교적 편견에 영웅적으로 반항하고, 위대한 목표를 달성한다는 이름으로 목숨을 걸었던 교회의 박해와 모호한 자들의 박해를 용감하게 견뎌낸 용감한 사람들이었습니다.

그러한 영웅적인 사람은 자연의 비밀을 습득하고 정복하기 위해 자신의 영혼을 악마에게 팔기로 동의하는 파우스트입니다. 파우스트는 지식에 대한 열정적인 찬송가를 작곡합니다.

오, 지혜와 이익의 세계, 명예와 전능과 힘의 세계가 과학에 자신을 바친 사람들에게 열려 있습니다! 침묵의 기둥 사이에 있는 모든 것은 나에게 복종한다.

파우스트에게 지식은 그 자체로 끝이 아닙니다. 그것은 Tamerlane에게 그의 검이었던 자신을 위해 전 세계를 정복하는 것과 동일한 수단입니다. 과학은 그에게 부와 권력을 주어야 합니다.

그러나 Faust와 Tamerlane에는 차이가 있습니다. Tamerlane은 완전한 사람입니다. 그는 의심과 망설임을 모릅니다. 실제로 그에 관한 연극은 비극이 아니라 오히려 영웅적인 드라마입니다. 시청자는 처음부터 끝까지 영웅의 확고한 승리를 볼 수 있기 때문입니다. 파우스트는 다릅니다. 여기에서 처음부터 우리는 영웅의 이중성을 느낍니다. 그는 두 개의 영혼을 가지고 있습니다. 파우스트는 단기적이지만 여전히 전 세계에 대한 진정한 힘을 갈망하며 이를 위해 그의 "불멸의"영혼을 희생할 준비가 되어 있습니다. 그러나 두려움도 그 안에 살고 있습니다. 그의 "영혼"에 대한 두려움은 결국 사물의 영원한 질서를 위반하는 대가를 치러야 할 것입니다.

비극의 끝에서 파우스트는 "그의 책을 태우기 위해"자신을 포기할 준비가되어 있습니다. 그것은 무엇입니까-그의 영웅의 패배에 대한 작가의 인식? 세계에 대한 무한한 자유와 권력에 대한 욕망의 거부, 파우스트가 처음 포기한 모든 것과의 화해?

비극을 만들면서 Marlowe는 자신의 출처에 의존했으며 Faust의 전설에 나오는 사건의 과정을 따라야 했다는 사실을 잊어서는 안 됩니다. 또한 Marlowe는 지배적 인 관점을 고려해야했으며 Faust가 종교 포기로 처벌받지 않았다면 연극을 상연 할 수 없었습니다. 그러나 이러한 역할을 한 외부 환경 외에도 Marlo가 비극에 대한 결말을 쓰도록 자극 한 내부 이유도 있습니다. Faust는 Marlowe가 노력한 자유인의 이상의 이중성을 반영합니다. 그의 주인공은 신의 권세와 봉건국가로부터 해방된 강자이지만 사회제도와 도덕법을 짓밟는 자기중심적 인물이기도 하다.

"Faust"는 Marlowe의 작품 중 가장 비극적입니다. 자유를 위해 노력하는 모든 도덕적 규범을 거부하면서 사람이 들어가는 교착 상태를 드러내기 때문입니다.

"The Maltese Jew"(1592)는 Marlo의 세계관 발전의 새로운 단계를 나타냅니다. 개인을 미화한 앞선 두 드라마와 달리 여기서 말로는 개인주의를 비판한다.

비극은 몰타에서 발생합니다. 터키 술탄이 몰타 기사단에게 조공을 요구하자 기사단의 사령관은 쉬운 탈출구를 찾습니다. 그는 섬에 사는 유대인들로부터 돈을 받고 터키인들에게 갚습니다. 이 자의성은 돈을 주기를 거부하고 그것을 집에 숨기는 부유한 유대인 바라바스를 화나게 합니다. 그런 다음 그들은 그의 재산을 박탈하고 그의 집을 수녀원으로 바꿉니다. 바라바스는 그곳에 숨은 돈을 아끼기 위해 딸에게 기독교 개종을 선언하고 수녀가 되라고 강요한다. 그러나 바라바의 딸 아비가일은 아버지를 돕지 않고 신실한 그리스도인이 됩니다. 그런 다음 Barabas는 그녀를 독살합니다. 한편 몰타는 투르크족에게 포위당한다. Barabas는 그들의 편으로 가서 그들이 요새를 점령하도록 돕습니다. 이에 대한 보상으로 터키인들은 그를 주지사로 임명하고 미워하는 기사들을 그의 손에 넘겼습니다. 총독직을 유지하고 싶지만 이를 위해서는 주민들의 지원이 필요하다는 것을 깨달은 Barabas는 포로로 잡힌 기사들에게 자유를 제공하고 기사들이 섬의 관리를 그의 손에 맡기고 그에게 십만 파운드를 지불하십시오. Barabas는 해치를 마련하고 그 아래에 끓는 수지가 담긴 가마솥을 놓습니다. 그가 초청한 터키군 지도자들은 이 승강구에 빠질 것이다. 그러나 문제에 전념 한 섬의 전 총독은 Barabas가 끓는 타르에 타는 해치에 떨어지도록 준비합니다.

Barabas의 이미지에서 Marlo는 인본주의 자로서 부르주아지의 탐욕과 탐욕을 낙인 찍었습니다. Marlowe는 영국 르네상스 드라마에서 약탈적인 부르주아 유형을 처음으로 창조했습니다.

그의 극 중 처음 두 편에서 Marlo가 부를 인간의 필요를 충족시키는 수단 중 하나로 묘사했다면 The Maltese Jew에서 극작가는 부가 끝이 될 때 금이 성격에 미치는 해로운 영향을 보여줍니다. 바라바스의 이미지는 자본의 원시적 축적 시대 부르주아지의 전형적인 특징을 구현한다. 그는 고리대금으로 재산을 모았다. 이제 그는 상품과 함께 배를 다른 나라로 보내는 상인입니다. 그는 수익금을 보석으로 바꾼다. 보물 사냥꾼의 열정으로 그는 기쁨으로 숨이 막힐 정도로 자신의 보물에 대해 말합니다.

오팔, 사파이어, 자수정, 토파즈, 에메랄드, 히아신스, 루비, 반짝이는 다이아몬드, 큰 보석, 그리고 각각 무게가 많은 캐럿의 가방. 필요한 경우 그들을 위해 나는 포로 상태에서 위대한 왕들을 구속할 수 있을 것입니다. - 이것이 나의 부로 구성되어 있는 것입니다. 그들의 가격은 항상 인상될 것이며 작은 상자에 무한한 수의 보물을 저장할 것입니다.

Barabas에 따르면 모든 자연은 "사람은 부에 대해서만 가치가 있습니다."라고 말했듯이 최고의 선을 보는 부를 늘리는 목적에 기여해야합니다. 양심과 명예에 관해서 Barabas는 이 문제에 대해 자신의 의견을 가지고 있습니다.

양심이 있는 불행한 사람들은 영원히 가난하게 살 운명입니다.

그리하여 그의 재산이 바라바스로부터 몰수당하자 필사적으로 그는 격정에 찬 독백을 한다.

나는 모든 금과 재물을 잃었습니다! 오 하늘이여, 내가 이럴 자격이 있었나요? 왜 별들아, 너는 나를 절망과 가난에 빠뜨리기로 결정했느냐?

주지사가 된 후 Barabas는 권력을 자신에게 유리하게 사용하려고 합니다. 동시에 그는 권력에 대한 전형적인 부르주아적 태도를 표현한다.

반역으로 얻은 권력을 굳건한 손으로 지키겠습니다. 이익이 없으면 나는 그녀와 헤어지지 않을 것입니다. 권력을 가지고 있지만 친구나 금으로 가득 찬 자루를 얻지 못한 자는 이솝 우화에 나오는 당나귀와 같습니다. 그는 빵과 포도주가 든 짐을 버리고 마른 엉겅퀴를 갉아먹기 시작했습니다.

그럼에도 불구하고 무신론자 Marlo는 Barabas의 잔인한 약탈을 비난하면서 위선적 인 기독교 종교를 폭로하는 말을 입에 담았습니다.

내가 아는 그들의 믿음의 열매는 속임수와 악의, 측량할 수 없는 교만입니다. 그리고 이것은 그들의 가르침과 일치하지 않습니다.

바라바스는 몰타의 통치자인 파르네세에 의해 긍정적인 성격으로 반대된다. 그의 연설에서 우리는 고리대금과 기타 부르주아적 축적 방법에 대한 비난을 듣습니다. Barabas가 통치자가 그에게 부과한 금전적 공물을 절도라고 부르자 Farnese는 반대합니다.

아니, 우리는 당신의 재산을 빼앗고 있습니다. 이것으로 많은 사람들을 구하려고요. 모든 사람의 유익을 위해 다른 모든 사람이 한 사람을 위해 견디는 것보다 한 사람이 고통을 받도록 하십시오.

따라서 Marlo는 공동선의 원칙을 개인주의에 반대합니다.

사회적 통찰의 깊이 면에서 "몰타의 유대인" 말로는 셰익스피어의 "베니스의 상인"과 "아테네의 티몬"에 접근한다.

"Edward II"(1593)는 정치적 내용으로 가득 찬 역사적 연대기입니다. Edward II는 의지가 약하고 애지중지하는 왕이며 그의 열정, 변덕, 변덕의 노예입니다. 권력은 자신의 변덕을 만족시키는 수단으로만 그에게 봉사합니다. 의지가 약하고 몸이 연약한 그는 그의 하수인, 특히 그들 중 한 명인 Gaveston의 무례한 행동이 일반적인 분노를 유발하는 것에 순종합니다.

나약한 왕은 자신의 손으로 권력을 장악하기 위해 반란을 일으키는 활기차고 야심 찬 모티머에 의해 반대됩니다. 그는 공동 이익의 수호자인 척합니다. 본질적으로 그는 자신의 이기심의 만족만을 권력에서 봅니다. 왕을 죽이고 사실상의 통치자가 된 그는 자신의 통치에 불만을 품고 고귀한 반란의 희생양이 된다.

"Edward II"는 반 군주제와 반 귀족 연극입니다. 말로는 왕권의 신성을 부정하고 자의와 폭력이 지배하는 국가의 모습을 보여준다. 이 연극은 The Maltese Jew에서 일어났던 개인주의에 대한 비판을 이어간다. 에드워드의 약점과 모티머의 강점은 이기심의 양면처럼 서로 대립한다. Epicurean Edward와 야심 찬 Mortimer는 개인주의의 양면에 불과합니다.

The Massacre of Paris (1593)는 Bartholomew 's Night의 사건을 플롯으로 가지고 있습니다. Marlo는 여기에서 종교적 불관용의 결과를 보여주고 이것을 그의 끊임없는 종교 비판에 사용합니다. Marlo의 마지막 작품 인 "카르타고의 여왕 디도의 비극"(1593)은 미완성 상태로 남아 있습니다. 토마스 내쉬가 쓴.

Marlowe의 극작술은 영국 르네상스 드라마의 발전에서 가장 중요한 발전 중 하나입니다. 셰익스피어의 모든 전임자 중에서 그는 가장 재능이 있었습니다. 이른 죽음으로 그의 전성기 활동이 중단되었지만 Marlowe가 간신히 한 일은 그의 시대의 극장을 풍요롭게 했습니다.

비극에서 Marlo는 중세 봉건적 유대와 제한에서 벗어난 성격을 주장하는 파토스를 표현했습니다. 인간의 힘에 대한 찬미, 세계에 대한 지식과 권력에 대한 열망, 종교에 대한 거부, 가부장적 도덕성은 Marlowe의 영웅에서 윤리적 기반을 거부하는 것과 결합됩니다. 그의 강력한 영웅들의 개인주의는 무정부주의적 성격을 지녔다.

Tamerlane의 성격을 확인한다는 아이디어로 시작하여 이미 Faust에있는 Marlo는 개인주의의 모순에 대한 부분적인 이해에 도달하며 그 비판은 The Maltese Jew의 주요 동기가됩니다. 물론 동시에 영웅 목표의 차이도 고려해야합니다. Tamerlane의 경우-이것은 힘, Faust의 경우 지식, Barabas의 경우 부입니다. 따라서 파우스트는 그의 모든 개인주의에 대한 진정으로 긍정적인 열망을 가진 영웅으로 두드러집니다. Marlo의 연극에는 긍정적 인 캐릭터 (Tamerlane의 Zenocrates, The Maltese Jew의 Farnese)를 만들려는 시도가 있지만 그럼에도 불구하고 Marlo는 이념적으로나 예술적으로 그의 개인주의 영웅에 완전히 저항 할 수있는 이미지를 만들지 않았습니다. 따라서 Marlowe의 극작술의 특징인 불일치와 일부 일방성입니다. 긍정적인 사회적 열망을 지닌 거대한 캐릭터를 만드는 작업은 전임자에게 많은 빚을 진 Marlo를 대신한 셰익스피어가 수행했습니다.

Marlo는 드라마의 예술적 형식을 크게 높이면서 드라마 발전에 크게 기여했습니다. 그는 극적 행동의 보다 완벽한 구성의 예를 들었고, 여기에 내적 통일성을 부여하여 중심 인물의 성격과 운명을 중심으로 플롯의 전개를 구축했습니다. 그의 작품에서 비극의 개념도 더욱 심화되었다. Marlowe 이전에 비극은 모든 종류의 악당의 이미지로 외부 적으로 이해되어 공포와 공포를 불러 일으켰습니다. Marlo 자신이이 위치에 서서 "Tamerlane"과 "Maltese Jew"를 만들었습니다. Marlowe의 "Faust"는 극의 피날레에서 절정에 달하는 영웅의 영혼의 내부 갈등만큼 외부에서 표현되는 비극에 대한 더 깊은 이해에서이 두 드라마를 능가합니다. 비극에 대한 아리스토텔레스의 이해에 따라 파우스트의 이미지는 두려움과 연민을 불러일으킨다. 동시에 Marlowe의 사실주의는 연극에서 연극으로 깊어져 Edward II에서 가장 큰 심리적 진실에 도달했습니다.

마를로의 장점은 드라마에 무언의 도입부이기도 했다. 흰 운문은 등장인물의 말에 자연스러움을 부여하는 데 필요한 자유로움을 가지고 있었다. 모든 셰익스피어의 전임자 중에서 Marlowe는 가장 재능 있는 시인이었습니다. 그의 스타일은 파토스, 대담한 비교, 생생한 은유, 풍부한 과장으로 구별되었으며 가장 좋은 방법은 Marlowe의 거대한 영웅의 감정과 일치했습니다. Marlowe의 극적인 연설의 에너지와 큰 감정적 힘은 이후 Ben Jonson이 Marlowe의 "강력한 구절"에 대해 말할 완전한 이유를 제공했습니다.

주요 기사:엘리자베스 시대 드라마

셰익스피어 시대에는 런던의 성공적인 글로브 극장과 함께 서로 경쟁하는 몇 가지 주목할만한 극장이있었습니다. 사업가 Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616)가 지은 극장 "Rose"(The Rose, 1587-1605). 보석상이자 상인인 Francis Langley(Francis Langley, 1548-1602)가 지은 Swan Theatre(The Swan, 1595-1632), 1600년에 공사가 시작된 Fortune Theatre 등이 있습니다. 셰익스피어의 가장 유명한 극작가 중 한 명은 재능 있는 시인 크리스토퍼 말로(Christopher Marlowe, 1564-1593)였는데, 셰익스피어는 의심할 여지 없이 그의 작품 초기에 영향을 받았고 그의 모든 연극은 로즈 극장에서 상연되었습니다. 그는 Robert Greene(Robert Greene, 1558-1592), John Lyly(John Lyly, 1554-1606), Thomas Nashe(Thomas Nashe, 1567-1567- 1601 ), George Peele(1556-1596) 및 Thomas Lodge(Thomas Lodge, 1558-1625). 그들과 함께 대학 교육을받지 못한 다른 작가들이 일했으며 그의 글은 어떤 식 으로든 셰익스피어의 작업에 영향을 미쳤습니다. 이것은 Hamlet, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (Henry Porter, d. 1599)에 대한 초기 연극을 쓴 Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594)입니다. 셰익스피어의 코미디 "윈저의 메리 아내"(윈저의 메리 아내, 1597-1602)가 만들어졌습니다.

[편집하다] 윌리엄 셰익스피어 시대의 연극 기법

주요 기사:셰익스피어 시대의 연극 기법

셰익스피어 시대의 연극 기법 - 셰익스피어 극장은 의심할 여지 없이 원래 여관과 호텔 마당에서 순회 코미디언 그룹이 상연했던 연극 시스템과 일치합니다. 이 호텔 야드는 일반적으로 객실과 입구가 위치한 개방형 발코니로 2 층에 둘러싸인 건물로 구성되었습니다. 그런 안뜰에 들어간 방황하는 극단은 벽의 직사각형 중 하나 근처에서 장면을 연출했습니다. 관중들은 안뜰과 발코니에 앉았습니다. 무대는 염소 위에 나무 플랫폼 형태로 배치되었으며 일부는 열린 안뜰로 나가고 다른 하나는 발코니 아래에 남아있었습니다. 발코니에서 커튼이 떨어졌습니다. 따라서 세 개의 플랫폼이 즉시 형성되었습니다. 전면-발코니 앞, 후면-커튼 뒤 발코니 아래, 상단-무대 위의 발코니. 같은 원칙이 16세기와 17세기 초 영국 연극의 과도기적 형태의 기초가 됩니다. 최초의 공공 고정식 극장은 1576년 Burbage 연기 가족에 의해 런던(또는 도시 내에서 극장이 허용되지 않았기 때문에 런던 외부, 도시 경계 외부)에 지어졌습니다. 1599년에 셰익스피어의 작품 대부분이 관련된 글로브 극장이 만들어졌습니다. 셰익스피어의 극장은 아직 강당을 알지 못하지만 마당은 호텔 마당의 추억으로 알고 있다. 이렇게 지붕이 없는 열린 강당은 갤러리 한두 개로 둘러싸여 있었다. 무대는 지붕으로 덮여 있었고 호텔 마당의 동일한 세 플랫폼을 나타냈습니다. 무대의 앞부분은 강당에 거의 1/3을 고정했습니다. 즉, 서 있는 parterre(따라서 문자 그대로 "par terre"라는 이름을 지상에서 수행함)입니다. 파르테르를 가득 채운 객석의 민주파도 무대를 빽빽한 고리로 에워쌌다. 청중의 더 특권적이고 귀족적인 부분은 가장자리를 따라 무대 자체에 누워서 의자에 앉았습니다. 이 시대 극장의 역사는 이 두 관객 그룹 사이의 끊임없는 적개심과 말다툼, 때로는 싸움으로 번지는 것을 기록합니다. 귀족에 대한 장인과 노동자의 계급 적 적대감은 여기에서 다소 시끄러운 영향을 미쳤습니다. 일반적으로 우리 강당이 아는 그 침묵은 셰익스피어 극장에 없었습니다. 무대 뒤쪽은 슬라이딩 커튼으로 분리되었습니다. 친밀한 장면은 일반적으로 그곳에서 (예 : Desdemona의 침실에서) 수행되었으며 액션을 다른 장소로 빠르게 전송하고 캐릭터를 새로운 위치에 표시해야 할 때도 그곳에서 재생되었습니다 (예 : Marlo의 드라마 "Tamerlane"에서) 메모: "커튼이 뒤로 젖혀지고 Zenocrate가 침대에 누워 있고 Tamerlane은 그녀 옆에 앉아 있습니다." ). 전면 플랫폼은 메인 무대 였고 행렬에도 사용되었고 당시 극장에서 가장 인기가 많았던 펜싱을 보여주기 위해 사용되었습니다 (햄릿의 마지막 장면 장면). 광대, 요술쟁이, 곡예사도 여기에서 공연하여 메인 연극 장면 사이에 청중을 즐겁게했습니다 (셰익스피어 극장에는 중단이 없었습니다). 그 후 셰익스피어 드라마의 후기 문학적 처리 과정에서 이러한 어릿광대 막간과 어릿광대 발언 중 일부가 인쇄된 텍스트에 포함되었습니다. 각 공연은 반드시 광대가 춤을 추는 특별한 종류의 노래 인 "jiga"로 끝났습니다. 셰익스피어 시대 햄릿의 무덤 파는 장면은 어릿광대였으며 나중에 파토스로 가득 찼습니다. 셰익스피어 연극에서는 극적인 배우와 곡예사, 광대 사이에 여전히 뚜렷한 차이가 없습니다. 사실, 이 차이점은 이미 개발되고 있고 느껴지며 만들어지고 있습니다. 그러나 가장자리는 아직 지워지지 않았습니다. 셰익스피어의 배우와 어릿광대, 히스트리온, 저글러, 중세 미스터리의 익살스러운 "악마"와 희극적인 어릿광대를 연결하는 연결 고리는 아직 끊어지지 않았습니다. "Comedy"라는 단어에서 "The Taming of the Shrew"의 보일러 제작자가 먼저 요술쟁이의 속임수를 회상하는 이유를 이해할 수 있습니다. 상단 장면은 예를 들어 요새의 벽 ( "Coriolanus"), Juliet의 발코니 ( "Romeo and Juliet")와 같이 위의 이벤트 논리로 행동을 묘사해야 할 때 사용되었습니다. 이러한 경우 스크립트에는 "위"라는 설명이 있습니다. 예를 들어, 이러한 레이아웃이 실행되었습니다. 상단은 요새 벽을 묘사하고 후면 플랫폼의 커튼은 하단에서 뒤로 당겨짐과 동시에 승자 앞에서 성문이 열리는 것을 의미했습니다. 이러한 연극 시스템은 또한 정확한 역사주의도 그림 적 사실주의도 아닌 행위로의 구분을 아직 알지 못하는 셰익스피어 드라마의 구조를 설명합니다 (이 구분은 셰익스피어 사망 후 1623 판에서 이루어졌습니다). 엘리자베스 시대 극작가의 특징인 하나의 동일한 극에서 플롯의 평행성은 최근 3면에서 관객에게 개방된 무대의 독특한 구조로 설명되었습니다. 소위 "시간적 연속성"의 법칙이 이 장면을 지배합니다. 한 플롯의 개발로 인해 다른 플롯이 계속해서 "뒤에서"이 플롯의 세그먼트 사이에 해당하는 "연극 시간"간격을 채울 수있었습니다. 짧은 활성 재생 에피소드를 기반으로 동작이 상대적 속도로 장소에서 장소로 전송됩니다. 이것은 미스터리 장면의 전통에도 반영됩니다. 그래서 같은 사람의 새로운 퇴장, 또는 해당 텍스트 설명과 함께 무대를 따라 몇 걸음만 나아가도 이미 새로운 장소를 가리켰습니다. 예를 들어, Much Ado About Nothing에서 Benedict는 소년에게 "내 방 창문에 책이 있는데 여기 정원으로 가져 오세요"라고 말합니다. 때때로 셰익스피어의 작품에서 장소나 시간은 그렇게 간단하지 않고 전체 시적 설명으로 표시됩니다. 이것은 그가 가장 좋아하는 트릭 중 하나입니다. 예를 들어, "로미오와 줄리엣"에서 달밤의 장면을 따라가는 그림에서 Lorenzo는 다음과 같이 말합니다. 빛의 ..."또는 "Henry V"의 첫 번째 막에 대한 프롤로그의 말 : " ... 두 왕국의 평원이 여기에서 넓게 뻗어 있다고 상상해보십시오. 좁지만 위험한 마이티 오션. 친구들과 몇 걸음 떨어진 로미오는 그가 거리에서 집으로 이사했음을 의미했습니다. 장소를 지정하기 위해 비문이있는 태블릿 인 "제목"도 사용되었습니다. 때때로 장면은 한 번에 여러 도시를 묘사했으며 이름이 적힌 비문은 시청자를 행동으로 안내하기에 충분했습니다. 장면이 끝나면 캐릭터는 무대를 떠났고 때로는 남아있었습니다. 예를 들어 Capulet의 집 ( "Romeo and Juliet")으로 길을 걸어가는 변장 한 손님은 무대를 떠나지 않았고 냅킨이있는 부족한 모습 그들은 이미 도착했고 Capulets의 방에 있음을 의미했습니다. 이때 드라마는 '문학'으로 보이지 않았다. 극작가는 저자를 추구하지 않았으며 항상 가능한 것은 아닙니다. 무명극의 전통은 중세시대부터 순회극단을 통해 전해져 계속 이어져 왔다. 따라서 셰익스피어라는 이름은 1593년에만 그의 연극 제목 아래에 나타납니다. 연극 극작가가 쓴 내용은 출판을 의도한 것이 아니라 극장만을 염두에 두었습니다. Elizabethan 시대 극작가의 상당 부분이 특정 극장에 소속되어이 극장에 레퍼토리를 전달했습니다. 극단의 경쟁에는 엄청난 수의 연극이 필요했습니다. 1558년부터 1643년까지 영국에서 그들의 이름은 2,000개 이상으로 추정됩니다. 매우 자주 동일한 연극이 여러 극단에서 사용되며 각각 고유한 방식으로 재작업되어 극단에 맞게 조정됩니다. 익명의 저자는 문학 표절을 배제했으며 대략적인 녹음 등에 따라 연극이 귀로 도난 당했을 때 경쟁의 "해적"방법에 대해서만 이야기 할 수있었습니다. 그리고 셰익스피어의 작품에서 우리는 사용 된 여러 연극을 알고 있습니다 기존 드라마의 줄거리. 예를 들어 Hamlet, King Lear 등이 있습니다. 대중은 연극 작가의 이름을 요구하지 않았습니다. 이것은 차례로 서면 연극이 공연의 "기초"일 뿐이라는 사실로 이어졌고 작가의 텍스트는 어떤 식 으로든 리허설 중에 변경되었습니다. 광대의 공연은 종종 "광대가 말한다"라는 발언으로 표시되어 광대 장면의 내용을 극장에 제공하거나 광대 자신의 즉흥 연주를 제공합니다. 저자는 자신의 원고를 극장에 팔았고 이후에 그것에 대한 저작권 주장이나 권리를 주장하지 않았습니다. 한 연극에서 여러 작가의 공동 작업 및 매우 빠른 작업은 매우 일반적이었습니다. 예를 들어 일부는 극적인 음모를 발전 시켰고 다른 일부는 만화 부분, 광대의 장난, 다른 일부는 모든 종류의 "끔찍한"효과를 묘사했습니다. e. 시대가 끝날 무렵, 17 세기 초에 문학 드라마가 이미 무대에 오르기 시작했습니다. "배운" 작가, 세속적 "아마추어" 및 전문 극작가 사이의 소외는 점점 줄어들고 있습니다. 문학 작가 (예 : Ben Jonson)는 극장에서 일하기 시작하고 연극 극작가는 점점 더 출판되기 시작합니다.

[편집하다] 주기화의 문제

19세기 말~20세기 초 셰익스피어의 작품 연구자(덴마크 문학 평론가 G. Brandes, 셰익스피어 S. A. 벤게로프의 러시아 전집 발행인)는 작품의 연대기를 바탕으로 19세기 말부터 20세기 초까지 "쾌활한 분위기", 정의의 승리에 대한 믿음 , 실망의 길 시작 부분의 인본주의 적 이상과 마지막에 모든 환상의 파괴. 그러나 최근 몇 년 동안 그의 작품을 바탕으로 작가의 성격에 대한 결론이 잘못되었다는 의견이 있습니다.

1930년에 셰익스피어 학자 E. K. 챔버스는 장르별로 셰익스피어 작품의 연대기를 제안했고 나중에 J. 맥맨웨이에 의해 수정되었습니다. 네 가지 기간이있었습니다 : 첫 번째 (1590-1594)-초기 : 연대기, 르네상스 코미디, "공포의 비극"( "Titus Andronicus"), 두 편의시; 두 번째 (1594-1600)-르네상스 코미디, 최초의 성숙한 비극 ( "로미오와 줄리엣"), 비극 요소가있는 연대기, 고대 비극 ( "Julius Caesar"), 소네트; 세 번째 (1601-1608) - 위대한 비극, 고대 비극, "다크 코미디"; 네 번째 (1609-1613) - 비극적 인 시작과 해피 엔딩이있는 동화 드라마. A. A. Smirnov를 포함한 일부 셰익스피어 학자들은 첫 번째 기간과 두 번째 기간을 하나의 초기 기간으로 결합했습니다.

[편집하다] 제1기(1590-1594)

첫 번째 기간은 대략 1590-1594 연령.

문학적 방법에 따르면모방의 시대라고 할 수 있습니다. 셰익스피어는 여전히 전임자들의 자비에 완전히 맡겨져 있습니다. 기분으로이 기간은 셰익스피어의 작품 연구에 대한 전기적 접근 방식의 지지자들에 의해 삶의 가장 좋은 측면에 대한 이상주의적 믿음의 기간으로 정의되었습니다. , 자기 희생, 특히 사랑"(Vengerov) .

비극 속에서 티투스 안드로니쿠스» 셰익스피어는 열정, 잔인함, 자연주의를 강요하여 청중의 관심을 유지하기 위해 동시대 극작가의 전통에 전적으로 경의를 표했습니다. "Titus Andronicus"의 공포는 Kid와 Marlowe의 연극 공포를 직접적이고 즉각적으로 반영합니다.

아마도 셰익스피어의 첫 희곡은 헨리 6세의 세 부분이었을 것입니다. Holinshed의 연대기는 이 연대기 및 후속 역사 연대기의 출처 역할을 했습니다. 모든 셰익스피어 연대기를 통합하는 주제는 튜더 왕조의 가입으로 국가를 내전과 내전으로 이끈 약하고 무능한 통치자의 변화와 질서 회복입니다. Edward II의 Marlowe와 마찬가지로 셰익스피어는 단순히 역사적 사건을 설명하는 것이 아니라 등장인물의 행동 이면에 있는 동기를 탐구합니다.

« 오류의 희극"-초기 "학생"코미디, 위치 코미디. 당시의 관습에 따르면 현대 영국 작가의 연극 재 작업으로 쌍둥이 형제의 모험을 묘사하는 Plautus의 코미디 Menechmas가 출처입니다. 이 작업은 고대 그리스 도시와 거의 닮지 않은 에베소에서 이루어집니다. 저자는 현대 영국의 징후를 골동품 환경으로 옮깁니다. 셰익스피어는 이중 하인 스토리를 추가하여 행동을 더욱 혼란스럽게 만듭니다. 이미이 작품에는 셰익스피어에게 흔한 만화와 비극이 혼합되어 있다는 것이 특징입니다. 무의식적으로 에베소 법을 위반 한 노인 Egeon은 처형 위협을 받고 있으며 놀라운 우연의 사슬을 통해서만 가능합니다. , 터무니없는 실수, 피날레에서 구원이 그에게옵니다. 셰익스피어의 가장 어두운 작품에서도 비극적 줄거리를 코믹한 장면으로 방해하는 것은 중세 전통에 뿌리를 둔 죽음의 근접성과 동시에 끊임없는 삶의 흐름과 끊임없는 갱신을 일깨워줍니다.

연극 " 말괄량이 길들이기”, 희극 코미디의 전통에서 만들어졌습니다. 이것은 1590년대 런던 극장에서 인기 있었던 줄거리의 변형으로, 남편이 아내를 진정시키는 내용입니다. 흥미진진한 결투에서 뛰어난 성격의 두 사람이 수렴하고 여자는 패배합니다. 저자는 가족의 머리가 남자인 기존 질서의 불가침성을 선언합니다.

후속 연극에서 셰익스피어는 외부 코미디 장치에서 멀어집니다. " 사랑의 헛된 노력"-왕실의 가면 극장과 귀족 집에서 상연하기 위해 쓴 Lily의 연극의 영향으로 만들어진 코미디. 상당히 단순한 줄거리로 연극은 지속적인 토너먼트, 재치있는 대화의 등장 인물 경쟁, 복잡한 언어 연극,시 및 소네트 작곡 (이때까지 셰익스피어는 이미 어려운 시적 형식을 마스터했습니다)입니다. "Love's Labour's Lost"의 언어 - 소박하고 화려하며 소위 완곡한 표현 -은 Lily의 소설 "Euphues, or the Anatomy of Wit"의 출판 이후 인기를 얻은 당시 영국 귀족 엘리트의 언어입니다.

[편집하다] 제2기(1594-1600)

로미오와 줄리엣. F. Dixie의 그림(1884)

1595년경 셰익스피어는 그의 가장 유명한 비극 중 하나를 만듭니다. "로미오와 줄리엣",-사랑할 권리를 위해 외부 환경과의 투쟁에서 인간 성격 발달의 역사. "그의 로미오와 줄리엣 버전을 위해 셰익스피어는 '아카데믹'(대학 학위를 가진 극작가 집단)이 남긴 오래된 텍스트를 재작업했을 수 있습니다." 로미오와 줄리엣(1524)의 비참한 운명에 대해 다른 이탈리아 작가들(Bandello, Bolderi, Groto)에 의해 시작되었고 유럽 문학에 더욱 퍼졌습니다. 영국에서는 Arthur Brooke가 "로미오와 줄리엣의 비극적인 이야기"(Arthur Brooke) . 로미오와 줄리엣의 비극적 역사, 1562)." 아마도 Brooke의 작업은 셰익스피어의 소스 역할을했을 것입니다. 그는 액션의 서정과 드라마를 강화하고 캐릭터의 캐릭터를 재고하고 풍부하게했으며 주인공의 내면 경험을 드러내는 시적 독백을 만들어 평범한 작품을 르네상스로 변모 시켰습니다. 사랑의 시. 이것은 피날레에서 주인공의 죽음에도 불구하고 서정적이고 낙관적인 특별한 유형의 비극입니다. 그들의 이름은 최고의 열정시의 가명이 되었습니다.

대략 1596년, 셰익스피어의 또 다른 가장 유명한 작품은 거슬러 올라갑니다. "베니스의 상인". Shylock은 Elizabethan 드라마의 또 다른 유명한 유대인 인 Barabbas (Marlo의 "Jew of Malta")와 마찬가지로 복수를 갈망합니다. 하지만 부정적인 성격으로 남아있는 샤일록은 바라바와 달리 훨씬 더 어렵다. 한편으로 이것은 탐욕스럽고 교활하며 잔인한 약탈자이고 다른 한편으로는 공격이 동정을 불러 일으키는 불쾌한 사람입니다. 유대인과 다른 사람의 정체성에 대한 샤일록의 유명한 독백 "그런데 유태인은 눈이 없나?.."(3 막, 장면 1)은 일부 비평가들에 의해 모든 문학에서 유대인 평등을 옹호하는 최고의 연설로 간주됩니다. 연극은 사람에 대한 돈의 힘과 삶의 조화의 필수적인 부분 인 우정 숭배를 대조합니다.

연극의 '문제'와 안토니오와 샤일록의 스토리 라인 드라마에도 불구하고 '베니스의 상인'은 분위기가 '동화극'에 가깝다. 여름밤에 잠들다"(1596). 마술극은 아마도 엘리자베스 시대 귀족 중 한 사람의 결혼식을 축하하기 위해 쓰여졌을 것입니다. 문학에서 처음으로 셰익스피어는 환상적인 생물에게 인간의 약점과 모순을 부여하여 캐릭터를 만듭니다. 늘 그렇듯이 그는 극적인 장면에 코믹한 장면을 겹칩니다. 영국 노동자들과 매우 유사한 아테네의 장인들이 테세우스와 히폴리타의 결혼식을 부지런하고 서투르게 준비합니다. 패러디 형식. 연구원들은 "결혼식"극의 음모 선택에 놀랐습니다. 외부 음모-두 쌍의 연인 사이의 오해, Oberon의 호의와 마법 덕분에 해결, 여성 변덕의 조롱 (Titania의 재단에 대한 갑작스런 열정 )-사랑에 대한 매우 회의적인 견해를 표현합니다. 그러나이 "가장 시적인 작품 중 하나"는 도덕적 근거가있는 진지한 감정의 고양이라는 심각한 의미를 가지고 있습니다.

큰 와인병과 잔이 있는 팔스타프. E. von Grützner의 그림(1896)

S. A. Vengerov는 "에서 두 번째 기간으로의 전환을 보았습니다. 결석장난감 청춘의 시, 이것은 첫 번째 기간의 특징입니다. 영웅들은 아직 어리지만 이미 괜찮은 삶을 살았고 인생에서 그들에게 가장 중요한 것은 즐거움입니다. 그 부분은 활기차고 활기차지만 이미 Two Veronians의 소녀들의 부드러운 매력, 그리고 훨씬 더 Juliet은 전혀 없습니다.

동시에 셰익스피어는 지금까지 세계 문학에서 유사점이 없었던 불멸의 가장 흥미로운 유형 인 John Falstaff 경을 만듭니다. 두 부분의 성공 헨리 4세무엇보다도 즉시 인기를 얻은이 연대기에서 가장 눈에 띄는 캐릭터의 장점입니다. 캐릭터는 의심 할 여지없이 부정적이지만 복잡한 성격을 가지고 있습니다. 유물론자, 이기주의자, 이상이 없는 사람: 관찰력 있고 통찰력 있는 회의론자인 그에게 명예는 아무것도 아닙니다. 그는 명예, 권력, 부를 부인합니다. 그는 음식, 와인, 여성을 얻는 수단으로만 돈이 필요합니다. 그러나 만화의 본질, Falstaff 이미지의 곡물은 그의 재치 일뿐만 아니라 자신과 주변 세계에 대한 쾌활한 웃음입니다. 그의 힘은 인간 본성에 대한 지식에 있으며 사람을 묶는 모든 것은 그에게 역겹고 그는 정신의 자유와 파렴치함의 의인화입니다. 지나가는 시대의 남자, 그는 국가가 강력한 곳에서는 필요하지 않습니다. 이상적인 통치자를 소재로 한 드라마에 그런 캐릭터가 어울리지 않는다는 것을 깨닫고, " 헨리 5세셰익스피어는 그것을 제거합니다. 청중은 단순히 Falstaff의 죽음에 대해 알립니다. 전통에 따르면 Falstaff를 다시 무대에서보고 싶었던 엘리자베스 여왕의 요청에 따라 셰익스피어가 " 윈저의 명랑한 아내들". 그러나 이것은 이전 Falstaff의 창백한 사본에 불과합니다. 그는 주변 세계에 대한 지식을 잃었고 더 이상 건강한 아이러니가 없으며 자신을 비웃습니다. 자기 만족하는 도적 만 남았습니다.

훨씬 더 성공적인 것은 두 번째 기간의 마지막 플레이에서 Falstaff 유형으로 돌아가려는 시도입니다. "열 두번째 밤". 여기에서 Toby 경과 그의 측근의 사람으로 John 경의 두 번째 판이 있습니다. 그것은 또한 "Falstaffian"시대의 틀에 완벽하게 들어 맞습니다. 대부분의 경우 여성에 대한 무례한 조롱입니다. "말괄량이 길들이기".

[편집하다] 제3기(1600-1609)

묘지의 햄릿과 호레이쇼. E. Delacroix의 그림(1839)

대략적인 그의 예술 활동의 세 번째 기간 1600-1609 몇 년 동안 셰익스피어의 작품에 대한 주관주의 전기적 접근 방식을 지지하는 사람들은 코미디에서 우울한 캐릭터 자크의 등장을 변화된 세계관의 신호로 간주하여 "깊은 영적 어둠"의 기간이라고 부릅니다. "좋아하는대로"그를 거의 Hamlet의 전임자라고 부릅니다. 그러나 일부 연구자들은 셰익스피어가 Jacques의 이미지에서 우울함을 조롱했을 뿐이며 인생에서 실망했다고 주장되는 기간 (전기 방법 지지자들에 따르면)은 셰익스피어의 전기 사실에 의해 실제로 확인되지 않는다고 믿습니다. 극작가가 가장 큰 비극을 만든시기는 그의 창작력이 꽃을 피우고 물질적 어려움이 해결되고 사회에서 높은 지위에 도달하는 것과 일치합니다.

1600년경 셰익스피어가 창작 "작은 촌락", 많은 비평가들에 따르면 그의 가장 깊은 작품입니다. 셰익스피어는 잘 알려진 복수의 비극의 음모를 유지했지만 모든 관심을 주인공의 내면 드라마인 영적 불화로 옮겼습니다. 정통 복수극에 새로운 영웅이 등장했다. 셰익스피어는 시대를 앞서갔습니다. 햄릿은 신성한 정의를 위해 복수하는 일반적인 비극적 영웅이 아닙니다. 한 방에 조화를 회복하는 것은 불가능하다는 결론에 도달한 그는 세상과 소외되는 비극을 경험하고 고독에 처한다. L. E. Pinsky의 정의에 따르면 햄릿은 세계 문학의 첫 번째 "반성적" 영웅입니다.

코델리아. William F. Yemens의 그림(1888)

셰익스피어의 "위대한 비극"의 영웅들은 선과 악이 뒤섞인 뛰어난 사람들입니다. 주변 세계의 부조화에 직면하여 그들은 어려운 선택을합니다. 그 안에 존재하는 방법, 자신의 운명을 만들고 그에 대한 전적인 책임을집니다.

동시에 셰익스피어는 드라마 " 측정을 위한 측정". 1623년의 첫 번째 Folio에서 코미디로 분류된다는 사실에도 불구하고 이 진지한 작품에는 부당한 판사에 대한 만화가 거의 없습니다. 그 이름은 자비에 대한 그리스도의 가르침을 말하며 행동 과정에서 영웅 중 한 명이 치명적인 위험에 처해 있으며 결말은 조건부로 행복한 것으로 간주 될 수 있습니다. 이 문제적 작품은 특정 장르에 속하지 않고 장르의 경계에 존재한다. 도덕성으로 돌아가서 희비극을 지향한다.

진정한 인간 혐오는 다음에서만 나타납니다. "아테네의 티몬"- 관대하고 착한 남자가 도와준 사람들에게 망가지고 염세주의자가 된 이야기. Timon이 죽은 후 배은망덕 한 아테네가 처벌을 받는다는 사실에도 불구하고 연극은 고통스러운 인상을 남깁니다. 연구원에 따르면 셰익스피어는 실패했습니다. 연극은 고르지 않은 언어로 작성되었으며 장점과 함께 훨씬 더 큰 단점이 있습니다. 둘 이상의 셰익스피어가 작업했다는 것은 제외되지 않습니다. Timon 자신의 캐릭터는 실패했으며 때로는 캐리커처의 인상을주고 다른 캐릭터는 단순히 창백합니다. 셰익스피어 창의성의 새로운 스트립으로의 전환을 고려할 수 있습니다. "안토니와 클레오파트라". 재능이 있지만 도덕적 기반이없는 "Antony and Cleopatra"에서 "Julius Caesar"의 포식자는 진정한 시적 후광으로 둘러싸여 있으며 반 반역자 Cleopatra는 영웅적인 죽음으로 그녀의 죄를 크게 속죄합니다.

[편집하다] 제4기(1609-1612)

프로스페로와 아리엘. 윌리엄 해밀턴의 그림(1797)

연극 "Henry VIII"(일부 연구자들은 John Fletcher와 공동으로 작성되었다고 생각함)를 제외한 네 번째 기간에는 소위 "로맨틱 드라마"또는 비극 코미디 인 3 ~ 4 년 4 회만 포함됩니다. 말기 연극에서는 고난의 시련이 재난에서 구원받는 기쁨을 강조한다. 중상 모략이 잡히고, 순결이 정당화되고, 충성심이 보상을 받고, 질투의 광기는 비극적인 결과를 가져오지 않으며, 연인들은 행복한 결혼 생활로 결합됩니다. 이 작품의 낙관주의는 비평가들에게 저자의 화해의 표시로 인식됩니다. 이전에 쓰여진 모든 것과 크게 다른 희곡 "페리클레스"는 새로운 작품의 출현을 알립니다. 원시성에 접한 순진함, 복잡한 캐릭터 및 문제의 부재, 초기 영국 르네상스 드라마의 특징적인 액션 구성으로의 복귀-모두 셰익스피어가 새로운 형식을 찾고 있었음을 나타냅니다. "Winter 's Tale"은 기발한 판타지, "모든 것이 가능한 놀라운 이야기"입니다. 악에 굴복하여 정신적 고통을 겪고 회개를 통해 용서받을 자격이 있는 질투하는 남자의 이야기. 결국 일부 연구자들에 따르면 선은 악을 정복하고 다른 연구자들에 따르면 기독교 도덕의 승리 인 인본주의 적 이상에 대한 믿음을 확인합니다. The Tempest는 마지막 연극 중 가장 성공적인 작품이며 어떤 의미에서는 셰익스피어 작품의 피날레입니다. 투쟁 대신 인류애와 용서의 정신이 이곳을 지배합니다. 지금 만들어진 시적인 소녀들- "Pericles"의 Marina, "The Winter 's Tale"의 Loss, "The Tempest"의 Miranda-이들은 미덕이 아름다운 딸의 이미지입니다. 연구원들은 프로스페로가 자신의 마법을 포기하고 은퇴하는 The Tempest의 마지막 장면에서 셰익스피어가 연극계에 작별을 고하는 것을 보는 경향이 있습니다.

[편집하다] 시와 시

주요 기사:윌리엄 셰익스피어의 시와 시

소네트 초판(1609)

일반적으로 셰익스피어의시는 물론 그의 화려한 드라마와 비교할 수 없습니다. 그러나 그 자체로 그들은 뛰어난 재능의 흔적을 지니고 있으며, 그들이 극작가 셰익스피어의 영광에 빠져들지 않았다면 작가에게 큰 명성을 가져다줄 수 있었고 실제로 그 작가에게 큰 명성을 가져다주었습니다. 시인 셰익스피어에서 두 번째 오비디우스. 그러나 또한 가장 큰 열정으로 "새로운 Catullus"에 대해 말하는 다른 동시대 사람들에 대한 많은 리뷰가 있습니다.

[편집하다] 시

시 "비너스와 아도니스"는 셰익스피어가 이미 극작가로 알려진 1593년에 출판되었지만 작가 자신이 그것을 그의 문학적 맏아들이라고 부르기 때문에 그것이 구상되었거나 부분적으로 다시 쓰여졌을 가능성이 매우 높습니다. 스트렛포드에서. 또한 셰익스피어는 (공공 극장용 연극과 달리) 시를 고귀한 후원자의 주목을 받을 가치가 있는 장르이자 수준 높은 예술 작품으로 여겼다는 제안도 있습니다. 고향의 메아리가 분명히 느껴집니다. 현지 중세 영국의 풍미가 풍경에서 생생하게 느껴지고, 플롯에서 요구하는 대로 남쪽에는 아무것도 없으며, 시인의 영적 시선 이전에는 의심할 여지없이 부드러운 색조와 차분한 Warwickshire의 평화로운 들판의 원주민 사진이 있었습니다. 아름다움. 시에서 뛰어난 말 감정가와 뛰어난 사냥꾼을 느낄 수 있습니다. 줄거리는 주로 Ovid의 Metamorphoses에서 가져온 것입니다. 또한 Lodge의 Scillaes Metamorphosis에서 많은 것을 차용했습니다. 이시는 르네상스의 모든 오만함으로 발전되었지만 여전히 경솔함이 없습니다. 그리고 이것은 시가 경쾌하고 그림 같은 구절로 쓰여졌다는 사실 외에도 젊은 작가의 재능에 주로 영향을 미쳤습니다. Adonis에서 욕망을 불러 일으키려는 Venus의 노력이 솔직함으로 후기 독자를 놀라게한다면 동시에 그들은 냉소적이며 예술적 설명에 합당하지 않은 인상을주지 않습니다. 우리 앞에는 밝고 강한 모든 것과 마찬가지로 열정, 현실, 열광, 마음이 어두워 지므로 시적으로 합법적입니다.

이듬해(1594)에 출판되어 첫 번째 시와 마찬가지로 사우샘프턴 백작에게 헌정된 두 번째 시 Lucretia는 훨씬 더 정중합니다. 새로운시에는 구속되지 않은 것이 없을뿐만 아니라 고대 전설에서와 같이 모든 것이 완전히 전통적인 여성 명예 개념에 대한 가장 세련된 이해를 기반으로합니다. Sextus Tarquinius에게 모욕을당한 Lucretia는 결혼 명예를 납치 한 후에도 살 수 없다고 생각하고 가장 긴 독백으로 자신의 감정을 표현합니다. 훌륭하지만 다소 긴장된 은유, 우화 및 대조는 이러한 독백에서 실제 감정을 박탈하고 전체시를 수사적으로 만듭니다. 그러나 시를 쓰는 동안 이런 종류의 고상함은 대중에게 매우 인기가 있었고 Lucretia는 Venus와 Adonis만큼 성공했습니다. 작가를 위한 문학적 재산이 존재하지 않았기 때문에 그 당시에는 문학적 성공으로 이익을 얻은 서적상만이 판본을 인쇄했습니다. 셰익스피어의 생애 동안 "Venus and Adonis"는 7판, "Lucretia"는 5판을 거쳤습니다.

셰익스피어의 시가 두 편 더 있는데, 그 중 하나인 "연인의 불평"은 셰익스피어가 젊었을 때 쓴 것일 수 있습니다. "The Passionate Pilgrim"이라는 시는 셰익스피어가 이미 알려진 1599년에 출판되었습니다. 그 저자에 의문이 제기되었습니다. 19편의 시 중 13편은 셰익스피어가 쓴 것이 아닐 가능성이 있습니다. 1601년, 잘 알려지지 않은 시인 로버트 체스터의 지시에 따라 준비된 "사랑의 순교자 또는 로잘린드의 불평" 컬렉션에서 셰익스피어의 우화시 "불사조와 비둘기"가 출판되었습니다. 같은 캐릭터를 가진 다른 시인.

[편집하다] 소네트

주요 기사:윌리엄 셰익스피어의 소네트

셰익스피어가 전통적으로 보이는 알려지지 않은 사람의 소위 "Chandos 초상화"

소네트는 14행으로 이루어진 시이다. 셰익스피어의 소네트에는 abab cdcd efef gg, 즉 교차 운율을 위한 3개의 4행시와 1개의 2행시(Henry VIII에 의해 처형된 시인 Earl of Surrey가 소개한 유형)가 채택되었습니다.

전체적으로 셰익스피어는 154개의 소네트를 썼고 대부분은 1592-1599년에 만들어졌습니다. 그들은 1609년에 저자 모르게 처음으로 인쇄되었습니다. 그중 두 개는 The Passionate Pilgrim 컬렉션으로 1599년 초에 출판되었습니다. 이들은 소네트입니다 138 그리고 144 .

소네트의 전체주기는 별도의 주제 그룹으로 나뉩니다.

친구에게 바치는 소네트: 1 -126

친구에게 노래하기: 1 -26

우정 시험: 27 -99

분리의 괴로움: 27 -32

친구의 첫 번째 실망: 33 -42

그리움과 두려움: 43 -55

커져가는 소외와 우울: 56 -75

다른 시인에 대한 경쟁과 질투: 76 -96

분리의 "겨울": 97 -99

새로운 우정의 축하: 100 -126

거무스름한 연인에게 바치는 소네트: 127 -152

결론 - 사랑의 기쁨과 아름다움: 153 -154

소네트 126 정경을 위반합니다-단 12 줄과 다른 운율 패턴이 있습니다. 때때로 그것은 우정에 전념하는 소네트 (1-126)와 "어두운 여인"(127-154)에게 전달되는주기의 두 조건부 부분 사이의 섹션으로 간주됩니다. 소네트 145 5보격 대신 약강 4보격으로 작성되었으며 스타일이 다른 것들과 다릅니다. 때때로 그것은 초기에 기인하고 그 여주인공은 셰익스피어의 아내 Anna Hathaway (그의 성이 아마도 소네트에 "hate away"라는 말장난으로 표시됨)와 동일시됩니다.

첫 번째 간행물

셰익스피어 희곡의 절반(18)은 극작가의 생애 동안 어떤 식으로든 출판된 것으로 추정됩니다. 셰익스피어 유산의 가장 중요한 출판물은 Edward Blount와 William Jaggard가 소위 "First Folio"의 일부로 출판한 1623년 Folio(소위 "First Folio")로 간주됩니다. "체스터 컬렉션"; 프린터 Worrall 및 Col. 이 에디션에는 "페리클레스"와 "두 고귀한 친척"을 제외한 36개의 셰익스피어 희곡이 포함되어 있습니다. 셰익스피어 분야의 모든 연구의 기초가 되는 것은 바로 이 에디션입니다.

이 프로젝트는 셰익스피어의 친구이자 동료인 John Heminge와 Henry Condell(1556-1630 및 Henry Condell, d.1627)의 노력으로 가능했습니다. 이 책은 Heminge와 Condell을 대신하여 독자들에게 보내는 메시지와 셰익스피어에 대한 시적 헌신으로 시작됩니다. 저자는 극작가 Ben Jonson(Benjamin Jonson, 1572-1637)입니다. 동시에 First Folio의 출판에 기여한 그의 문학적 반대자, 비평가 및 친구였으며 "The Great Folio"(The Great Folio of 1623)라고도 불립니다.

VIII. 전구체

미스터리, 우화 적 도덕성 및 원시적 민속극과 같은 중세 극장을 대체 한 새로운 극작이 점차 발전했습니다.

16세기 30년대에 열렬한 프로테스탄트인 베일 주교는 천주교에 반대하는 연극을 썼습니다. 그는 영국 역사의 예를 들어 자신의 생각을 설명했습니다. 교황에 대한 Landless 왕 John (1199에서 1216까지 통치)의 투쟁입니다. 사실 이 왕은 보잘것없는 사람이었지만, 교황과 적대 관계에 있었기 때문에 개신교 주교의 마음에는 귀한 존재였습니다. Bayle은 의인화 된 미덕과 악이 작용하는 도덕성을 썼습니다. 연극의 중심 인물은 Virtue였습니다. 그러나 동시에 John 왕이라고 불 렸습니다. 악을 의인화하는 우울한 인물 중 한 사람의 이름은 불법적으로 압수 된 권력이었고 그녀는 또한 교황입니다. 다른 사람의 이름은 반란 선동이며 그녀는 또한 교황의 사절입니다. Bayle의 "King John"은 오래된 중세 도덕의 우화가 나중에 셰익스피어의 역사 연극에서 번성했던 새로운 역사 장르와 결합 된 일종의 연극입니다. Bayle의 "King John"은 문학 역사가들에 의해 고치와 비교되었습니다. 그것은 더 이상 애벌레가 아니지만 아직 나비는 아닙니다.

동시에 16세기 30년대 영국에서는 소위 "학교" 드라마가 발전하기 시작했습니다. 그것은 대학과 학교의 벽 안에서 만들어 졌기 때문에 그렇게 불립니다. 연극은 교수와 교사가 썼고 학생과 학생이 공연했습니다. 하지만 스스로 창작한 극작가들이 여전히 고대 작가들을 연구하고 모방하며 희곡을 쓰는 법을 배우고 있었다는 점에서 '학원' 드라마라고도 할 수 있다. 16세기 30년대에 영어로 된 최초의 코미디인 Ralph Royster-Deuster가 쓰여졌습니다. 그 저자는 당시 잘 알려진 교사이자 Eton School의 교장인 Nicholas Youdl이었습니다. 50 년대에 학식있는 변호사 Sackville과 Norton은 영어로 된 첫 번째 비극인 Gorboduk을 썼습니다.

그러나이 모든 것은 "학교"였습니다. 실제적이고 생생한 극적인 작품은 "대학 마음"인 대학 사람들이 전문 배우에게 연극을 제공하기 시작했을 때만 나타났습니다. 이것은 XVI 세기의 80 년대에 일어났습니다.

1586년에는 특히 주목해야 할 두 개의 희곡이 등장한다. 첫 번째 저자는 Thomas Kidd입니다 (불행히도 우리에게 오지 않은 Hamlet에 대한 첫 번째 연극도 썼습니다).

어린이 놀이는 당시 그들이 말했듯이 전형적인 "천둥과 피의 비극"입니다. 제목 자체는 "스페인 비극"이라는 설득력이 있습니다. 이것은 인간의 감정의 힘을 묘사하려는 여전히 원시적인 시도입니다. 옛 도덕의 이미지를 연상시키는 끔찍한 복수의 모습이 무대에 등장한다. 즉시 살해당한 Andrea의 정신이 나오고 사악한 살인자에 대해 불평하며 그의 끔찍한 동반자를 부릅니다. 작업이 시작됩니다. 청년 Horatio는 아름다운 소녀 Belimperia를 사랑하고 그녀는 그를 사랑합니다. 그러나 Belimperia는 포르투갈 왕의 아들 Balthazar에게도 사랑 받았습니다. Balthasar는 범죄자 Lorenzo 인 Belimperia의 형제를 돕기 위해 데려갑니다. 달밤, 정원에 앉아 서로에게 사랑을 고백하는 젊은이들, 가면을 쓴 킬러들이 무대에 올라와 단검으로 호레이쇼를 죽인다. 그 당시 영국 무대에서 그들은 살인과 다른 "공포"를 묘사하는 것을 좋아했습니다. 배우가 흰 망토 아래에 붉은 식초 한 병을 넣었습니다. 단검이 거품을 뚫고 흰 망토에 붉은 반점이 나타났습니다. 단검으로 Horatio를 찔린 살인자들은 그의 시체를 나무에 걸었습니다. 분명히 청중에게 피로 얼룩진 시체를 더 명확하게 보여주기 위해. 그런 다음 암살자들은 Belimperia를 강제로 제거합니다. Horatio의 아버지 인 Jeronimo는 손에 칼을 들고 셔츠 한 장을 입고 비명을 지르며 달려갑니다. 나무에 매달린 아들의 시체를보고 그는 복수를 요구하는 천둥 같은 독백을합니다 ... 무대에서 일어나는 모든 일은 복수와 기뻐하며 복수를 기다리고있는 살해당한 안드레아의 정신이 관찰합니다. Horatio의 살인자도 그의 살인자이기 때문입니다. 그러나 늙은 Jeronimo는 주저합니다. 왕의 아들에게 복수하는 것은 쉽지 않습니다. 불행한 노인은 삶에 대해 그리워합니다. "세상이여! 그는 외쳤다. "아니, 세상이 아니라 범죄의 집합체!" 그는 자신을 눈 내리는 밤에 길을 잃은 외로운 여행자에 비유합니다. 안드레아의 영혼은 불안에 사로잡혀 있습니다. 그는 Vengeance로 향했지만 그녀가 자고있는 것을 봅니다. "일어나, 리벤지!" 그는 절망적으로 외친다. 복수가 깨어나고 있습니다. 그때 한 가지 생각이 늙은 제로니모를 덮친다. 그의 목표를 달성하기 위해 그는 법원에서 연극을 할 계획입니다 (독자는 이미이 비극과 셰익스피어의 햄릿 사이에 몇 가지 유사점을 발견했습니다. Kidd가 Hamlet에 대한 첫 번째 연극의 저자임을 다시 한 번 기억합니다). 제로니모가 펼치는 공연에는 벨림페리아가 그의 계획을 시작했고, 발타자르와 로렌초도 참여한다. 플레이 중에 캐릭터는 서로를 죽여야 합니다. Old Jeronimo는 "연극"살인 대신 실제 살인이 발생하도록 만듭니다. 공연은 끝났지만 배우들은 자리에서 일어나지 않는다. 스페인 왕은 제로니모에게 설명을 요구합니다. Hieronimo는 대답을 거부하고 거절을 확인하면서 자신의 혀를 깨물고 뱉습니다. 그런 다음 왕은 설명을 쓸 수 있도록 그에게 펜을 주라고 명령합니다. Hieronimo는 펜을 갈기 위해 칼을달라고 손짓으로 요청하고이 칼로 자신을 찌릅니다. 기뻐하는 복수가 피 묻은 시체 더미 위에 나타납니다. 이는 진정한 보복이 아직 오지 않았음을 시사합니다. 그것은 지옥에서 시작됩니다.

이 연극의 모든 것은 연극적이고 조건부이며 멜로 드라마틱합니다. Thomas Kidd의 "Spanish Tragedy"는 예를 들어 "The White Devil"또는 "The Duchess of Malfi"와 같은 비극을 일으킨 셰익스피어 시대 극작의 "로맨틱"경향의 조상입니다. 웹스터.

같은 해인 1586년에 완전히 다른 종류의 희곡이 쓰여졌다. 제목은 "Feversham 시의 Arden"입니다(저자는 우리에게 알려지지 않았습니다). 이것은 가족 드라마입니다. 그것은 젊은 여성 앨리스 아덴과 그녀의 연인 모세비가 어떻게 앨리스의 남편을 죽였는지를 알려줍니다. 살인 자체는 앨리스가 피의 얼룩을 씻어내려고 헛되이 시도할 때 엄청난 힘으로 묘사됩니다(이 모티프는 레이디 맥베스가 기억에 휩싸여 반쯤 잠들어 방황하는 유명한 장면에서 셰익스피어가 장대한 힘으로 발전시켰습니다). 이 연극의 모든 것은 중요하고 현실적입니다. 그리고 줄거리 자체는 저자가 실생활에서 빌린 것입니다. 에필로그에서 작가는 연극에 '장식'이 없다는 사실을 관객들에게 용서해달라고 부탁한다. 저자에 따르면 예술은 '단순한 진실'이면 충분하다. 이 연극은 토머스 헤이우드의 멋진 드라마 '친절에 죽임을 당한 여자'처럼 일상을 그리려 했던 셰익스피어 시대의 극작술에서 그런 경향의 시조라고 할 수 있다. 셰익스피어의 작품은 낭만적이고 현실적인 두 흐름을 결합합니다.

프롤로그였습니다. 실제 이벤트는 Christopher Marlowe 연극의 런던 무대에 등장하는 것으로 시작됩니다. Marlowe는 셰익스피어처럼 1564년에 태어났으며 그보다 겨우 두 달 더 많았습니다. Marlo의 고향은 고대 도시인 캔터베리였습니다. Christopher Marlo의 아버지는 신발 가게를 운영했습니다. 부모는 아들을 사제가 되기를 바라며 케임브리지 대학교에 보냈습니다. 그러나 대학을 졸업하고 교회 제단 대신 말로는 결국 런던 무대에 올랐다. 그러나 그는 배우가 될 운명이 아니었다. 전설에 따르면 그는 다리가 부러져 연기를 그만둬야 했다. 그런 다음 그는 연극 쓰기를 시작했습니다. 1587-1588 년에 두 부분으로 된 그의 장대 한 서사시와 10 막 "Tamerlane the Great"가 등장했습니다. 이 서사시에서 Marlo는 XIV 세기의 유명한 사령관의 삶, 전쟁 및 죽음에 대해 이야기합니다.

"Scythian sheep", "Volga의 강도"는 Marlo의 연극에서 그가 왕좌에서 전복하여 왕국을 점령 한 동부 왕의 Tamerlane이라고 불립니다. Marlo에 따르면 Tamerlane의 군대는 "단순한 시골 소년"으로 구성됩니다. Marlo는 Tamerlane을 근육질의 거인으로 묘사합니다. 이것은 경이로운 체력, 파괴 불가능한 의지 및 원소 기질을 가진 사람입니다. 그것은 미켈란젤로의 끌로 만든 거대한 인물과 비슷합니다. 르네상스의 전형인 세속적 삶의 미화라는 모티프는 이 웅장한 극적인 서사시에서 크게 울려 퍼집니다. 무대에서 "하늘의 즐거움은 지상의 왕의 기쁨과 비교할 수 없다고 생각합니다!"

Marlo 자신과 마찬가지로 Tamerlane은 열정적 인 자유 사상가입니다. 그의 격렬한 천둥 같은 독백 중 하나에서 그는 인간의 목표는 "휴식을 모르는 천구처럼 무한한 지식으로 영원히 올라가고 영원히 움직이는 것"이라고 말합니다. 이 멋진 영웅은 과도한 힘으로 가득 차 있습니다. 그는 포로로 잡은 왕들이 말 대신에 마차를 타고 무대에 올라갑니다. "이봐 아시아 잔소리를 버릇없게 만들었어!" 그는 채찍으로 그들을 재촉하며 소리친다.

Marlo의 다음 연극은 The Tragic History of Doctor Faust였습니다. 유명한 전설의 첫 번째 극적 각색이었습니다. Marlo의 희곡은 르네상스의 특징인 자연의 힘을 정복하려는 인간의 욕망을 반영했습니다. Faust는 "지식의 황금 선물을 받고" "자연의보고를 관통"하기 위해 Mephistopheles에게 자신의 영혼을 팔았습니다. 그는 고향을 구리 벽으로 둘러싸고 적이 접근 할 수 없도록 만들고 강의 흐름을 바꾸고 대서양을 가로 지르는 다리를 던지고 지브롤터를 채우고 유럽과 아프리카를 단일 대륙으로 연결하는 것을 꿈꿉니다 ... "얼마나 웅장합니까? 모든 것은!" -파우스트에 Marlo의 비극의 일부 기능을 사용한 Goethe가 말했습니다.

거대한 환상의 범위, 힘의 강력한 압력은 어려움을 겪는 것처럼 Marlo의 작업을 특징 짓습니다. Ben Jonson은 "Marlo의 강력한 구절"이라고 썼습니다. 셰익스피어는 또한 Marlowe의 "강력한 말"에 대해 이야기합니다.

새로운 부르주아 도덕의 규범을 만든 청교도들은 자신의 견해를 공개적으로 설교하는 열정적 인 자유 사상가에게 분개했습니다. 차례로 여왕의 추밀원에 비난이 왔습니다. 그리고 평범한 사람들조차도 Marlowe의 연극이 그들 사이에서 큰 성공을 거두었지만 때때로 미신적 인 두려움 없이는 무대에서 일어나는 일을 보았습니다. 런던에도 그런 소문이 있었다. 한때 Faust 공연 후 Mephistopheles 역을 맡은 배우가 아파서 극장에 가지 않았다는 것이 밝혀졌습니다. 그렇다면 그날 누가 메피스토펠레스를 연기했습니까? 배우들은 탈의실로 달려 갔고 그제서야 유황 냄새로 그날 런던 무대에서 악마 자신이 공연하고 있다고 추측했습니다.

Marlo는 몇 가지 희곡을 더 썼습니다(그가 만든 인간 초상화의 생동감 측면에서 그의 최고의 희곡은 역사적 연대기 "King Edward II"입니다). 그러나 그의 놀라운 재능은 완전히 발휘될 운명이 아니었습니다. 1593년 5월 30일, 30세의 크리스토퍼 말로는 선술집에서 살해당했습니다. 청교도들은 기뻐했습니다. 그들 중 한 사람은 “주님께서 이 짖는 개를 복수의 갈고리에 심으셨습니다”라고 썼습니다.

Marlo의 죽음을 중심으로 많은 전설이 발전했습니다. 일부 전설에 따르면 Marlo는 매춘부 때문에 살인자와 다투다가 술취한 싸움에서 사망했습니다. 그가 무고한 소녀의 명예를 지키기 위해 쓰러진 다른 사람들. 이 전설은 최근까지 진지하게 들었습니다. 그리고 1925 년에야 미국 교수 Leslie Hotson은 Marlo의 죽음 상황에 대해 새로운 시각을 제시하는 문서를 영국 기록 보관소에서 찾을 수있었습니다 (Hotson의 발견은 Leslie Hotson. The Death of Cristopher Marlowe, 1925 책에 설명되어 있습니다). 그리고 Marlo의 살인은 Elizabeth 여왕의 Privy Council의 작업이었습니다. Marlo 살해 당시 Privy Council의 대리인 인 특정 Field가 참석했습니다.

그리하여 "영국 드라마의 아버지" 크리스토퍼 말로는 자신의 창작력을 충분히 드러내지 못한 채 세상을 떠났다. 그리고 바로 그해에 밝고 열정적이며 고르지 않은 광채로 타오르는 그의 별이 졌을 때 윌리엄 셰익스피어의 별이 런던의 연극 하늘에서 떠오르기 시작했습니다. 대학 교육을 받은 전임자들과 달리 이 새로운 극작가는 단순한 배우였습니다.

우리는 셰익스피어의 전임자 중 몇 명만 언급했습니다. 실제로 셰익스피어는 고국의 전체 문학적 과거를 광범위하게 사용했습니다. 그는 Chaucer에서 많은 것을 빌 렸습니다 (예를 들어, 줄거리 뿌리가있는 Shakespeare의시 "Lucretia"는 Chaucer의 "Legends of Good Women"으로 안내합니다. 코미디 "A Midsummer Night 's Dream"의 테세우스와 히폴리 타 이미지는 아마도 " Chaucer의 유명한 Canterbury Tales에 나오는 The Knight's Tale', Chaucer의 시 Troilus와 Cressida가 셰익스피어의 동명 희극에 영향을 미쳤습니다. 셰익스피어는 The Faerie Queene의 저자인 Edmund Spenser와 그의 학파의 다른 시인들에게 많은 빚을 졌습니다. Philip Sidney의 "Arcadia"에서 셰익스피어는 그의 아들 Edmund ( "King Lear")에게 배신당한 Gloucester의 이미지로 구현 한 음모를 빌 렸습니다. 셰익스피어는 또한 완곡에 경의를 표했습니다. 마지막으로 셰익스피어의 전임자 중에서 영국 포크 발라드의 무명 화자를 언급해야 한다. 셰익스피어와 그의 동시대 작품의 전형적인 비극적 행동 드라마가 탄생한 것은 영국 민속 발라드에서입니다. 오랫동안 사람들 사이에 존재하고 포크 발라드와 노래에 반영된 많은 생각과 감정은 셰익스피어의 작품에서 뛰어난 예술적 구현을 ​​발견했습니다. 이 창의성의 뿌리는 민속 토양 깊숙이 들어갑니다.

외국 문학 작품 중에서 셰익스피어는 주로 이탈리아 단편 소설인 보카치오와 반델로의 영향을 받았는데, 셰익스피어는 그의 연극을 위해 여러 줄거리를 빌렸습니다. The Hall of Delights라는 제목의 영어로 번역된 이탈리아 및 프랑스 단편 소설집은 셰익스피어의 핸드북이었습니다. 그의 "로마 비극"("Julius Caesar", "Coriolanus", "Antony and Cleopatra")을 위해 셰익스피어는 Plutarch의 Lives of Famous People에서 줄거리를 가져와 North의 영어 번역에서 읽었습니다. 그가 가장 좋아하는 책 중에는 Golding이 영어로 번역한 Ovid의 Metamorphoses도 있습니다.

셰익스피어의 작품은 많은 시인, 작가 및 번역가에 의해 준비되었습니다.

샤를마뉴의 책에서 작가 레반도프스키 아나톨리 페트로비치

첫 장. 전임자 "야만인"의 맹공격 아래 ​​멀리서 시작해야하며 9 세기 황제에 접근하려면 훨씬 더 오래된 또 다른 제국을 기억해야합니다 .12 세기 이상 동안 고대 로마가 처음에는 지배했습니다 작은 안에

농노 러시아의 주인의 책에서 작가 사포노프 바딤 안드레비치

FORECESSORS AND FROLOV Kuzma Frolov는 Zmeinogorsk 광산에서 평생을 보냈습니다. 기계공으로서의 그의 깊은 재능이 온전히 드러난 곳이 바로 여기였습니다. 인간의 노동을 물의 에너지로 광범위하게 대체하도록 상황에 의해 강요됨

William Harvey의 책에서. 그의 생애와 과학적 활동 작가 엥겔가르트 미하일 알렉산드로비치

2장. 하비의 전신인 고대인의 생리학. - 에라지스트라트. - 갈렌. - 고대 생리학의 최종 결론. - 이교도 과학의 몰락. - "세계의 거짓 과학"과 그 영향에 대한 교리. - 중세. - 과학의 부흥. - 이전 유럽 과학의 비굴함

제임스 와트의 책에서. 그의 생애와 과학적, 실천적 활동 작가 카멘스키 안드레이 바실리에비치

제4장. WATT'S PRECURSORS 사람들은 아주 오랫동안 증기의 힘을 알고 있었습니다. 책에서도 고대에 그것에 대해 썼습니다. 이미 기원전 120년의 알렉산드리아 과학자 헤론은 수평축에서 가열될 때 회전하는 소위 Aeolian 공을 설명했습니다.

Nechaev : 파괴의 창조자 책에서 작가 루리 펠릭스 모이세비치

선구자 Nechaev가 바다와 먼 나라를 건너는 동안 잠시 우리의 영웅을 떠나 혁명 운동에서 그를 위해 길을 닦은 사람들에게로 향합시다. Nechaev는 처음부터 나타나지 않았습니다-전임자와 친해지 자 F. M. Dostoevsky의 소설

차이코프스키에 대한 열정 책에서. 조지 발란신과의 대화 작가 볼코프 솔로몬 모이세비치

전임자 및 동시대 Balanchine : Tchaikovsky는 숭배했습니다. 모차르트. 사람들

헤로도토스의 책에서 작가 Surikov Igor Evgenievich

전임자 모든 고대인이 역사 과학을 가지고 있었던 것은 아니지만 (그리스인은 분명히 여기에서 손바닥을 잡고 있음) 그럼에도 불구하고 그들은 모두 어떤 형태의 역사적 의식, 역사적 기억을 소유했습니다. 결국 현재의 삶은 불가능하다.

책에서 알렉산더 대왕 저자 포트 폴

그리스인-알렉산더의 전임 페르시아 제국의 침공이 비교적 쉬운 문제로 판명 되었다면 적어도 여행자, 외교관, 의사 및 상인이

마티스 책에서 작가 알파토프 미하일 블라디미로비치

얀 후스의 책에서 작가 크라토츠빌 밀로스 바츨라프

4장 후스의 전임자와 스승 우리는 15세기 초 체코와 프라하 사회의 모습을 독자의 눈에 보여주려고 노력했고, 그 구성 요소에 대해 알게 되었고, 그들의 이익과 경제력을 결정했습니다. 그리고 우리 앞에 모순이 드러났고

아라파트의 책에서 작가 콘젤만 게르하르트

10. PLO 지도부의 아라파트 전임자들

한센 사건 책에서. 미국의 "두더지" 작가 콜파키디 알렉산더 이바노비치

5장 Hanssen의 전임자 NSA, CIA, 그리고 미육군과 해군의 특별 서비스 요원을 모집하면서 소련 정보부는 미국에서 가장 오래된 특별 서비스인 연방 수사국을 결코 잊지 않았습니다. 내부를 담당했던 FBI에 잠입

루터 버뱅크에서 작가 Molodchikov A.I.

I. PAGES FROM THE PAST (버뱅크의 선구자) 1. Konrad Sprengel Man의 "자연의 비밀"은 옛날부터 식물을 재배해 왔습니다. 그리고 의심할 여지 없이, 까맣게 탄 가지가 모든 농기구를 대체한 원시 농부조차도

만델스탐 코드 책에서 작가 Lifshits Galina Markovna

전임자 예술 작품에는 창작자의 성격과 활동이 각인되어 있다는 것은 의심의 여지가 없으며, 각각의 경우에 고유한 방식으로 전임 시인의 영향도 시 작품 구성에 참여합니다.

책에서 세계 최초의 일주 제임스 쿡

미국 과학자 및 발명가 책에서 윌슨 미첼

라이트 형제의 선조 공기보다 무거운 비행의 진정한 선구자는 조지 케일리 경(Sir George Cayley, 1773–1857)이었습니다. 그의 후계자로서." ". 그 중

윌리엄 셰익스피어는 영국뿐만 아니라 전 세계적으로 뛰어난 시인이자 극작가로 여겨집니다. 그의 작품은 인간 관계에 대한 일종의 백과 사전이라는 것이 일반적으로 인정되며, 위대하고 사소한 사람들이 본질적으로 제시되는 거울과 같습니다. 그는 희극 17편, 비극 11편, 연대기 10편, 시 5편, 소네트 154편을 썼다. 그들은 학교, 고등 교육 기관에서 공부합니다. 어떤 극작가도 셰익스피어가 사후에 수상한 것과 같은 위대함을 달성할 수 없었습니다. 지금까지 여러 나라의 과학자들은 400년이 지난 후에도 여전히 관련성이 있는 작품이 16세기에 어떻게 나타날 수 있었는지에 대한 문제를 해결하려고 노력하고 있습니다.

셰익스피어의 기원에 대한 합의가 없습니다. 그의 정확한 생년월일은 알려져 있지 않습니다. 일반적으로 통용되는 정보에 따르면 그는 버밍엄 근처의 스트랫퍼드어폰에이번에서 태어나 1564년 4월 26일에 그곳에서 세례를 받았습니다. 그의 아버지는 육류 상인이었고 두 집이 있었고 시장으로 선출되었습니다. 그러나 셰익스피어의 가족에서는 아무도 문학, 역사 문제를 다루지 않았으며 더욱이 극장을 좋아하지 않았습니다. Stratford에는 미래의 극작가를 키울 수 있는 환경이 없었습니다.

Young William은 무료로 가르친 그다지 부유하지 않은 아이들을위한 학교에 다녔습니다. 14 세에 졸업했고 18 세에 부유 한 농민의 딸과 강제로 결혼했습니다. 그의 가족은 재정 상황이 어려웠습니다. 그의 아내 앤 해서웨이는 윌리엄보다 8살 연상이었다.

셰익스피어는 분명히 그의 결혼 생활에 실망했고 일하러 런던으로 갔다. 그가 순회 배우 그룹에 합류했다는 증거가 있습니다. 그가시를 쓰기 시작하여 영향력있는 사람들에게 바친 것은 런던에서였습니다. 그렇게 함으로써 그는 부자들의 관심을 끌었을 것이다. 그는 극장에 가라고 권유받았다. 사실, 그는 배우로 받아 들여지지 않았지만 방문자의 말을 섬기도록 제안되었습니다. 그는 동의했다. 그런 다음 그는 프롬프터로 자신을 시도했습니다. 그는 문학적 능력을 보였고 드라마, 코미디 등 다양한 연극을 수정하기 시작했습니다. 이 작품들과 친분을 쌓고 무대 위의 배우들의 연기로 작가로서 자신을 시험해보고 싶었을 가능성이있다. 그리고 25세에 두 왕조 사이의 전쟁에 관한 첫 희곡을 썼다. 그녀 뒤에, 또 다른. 일부는 제작 승인을 받았고 대중에게 성공적이었습니다.

셰익스피어는 1599년에 셰익스피어를 비롯한 배우들을 희생하여 지어진 글로브 극장을 위해 글을 썼습니다. 건물의 페디먼트에는 로마 작가 심판자 페트로니우스의 말이 있습니다. "전 세계는 극장이고 그 안의 모든 사람들은 배우입니다." 건물은 1613년 6월 29일 화재로 소실되었습니다.

셰익스피어의 연극은 깊은 내용에서 전통적인 연극과 달랐습니다. 그는 이전의 누구와도 달리 흥미로운 음모를 소개하고 변화된 상황이 사람들을 어떻게 변화시키는지 보여주었습니다. 그는 새로운 상황에서 위대한 사람이 낮게 행동할 수 있고, 반대로 보잘 것 없는 사람이 큰일을 할 수 있음을 보여주었다. 그는 줄거리가 전개됨에 따라 캐릭터의 도덕적 본질을 드러내고 각자 자신의 성격을 보여 주었고 청중은 무대에서 일어나는 일에 공감했습니다. 셰익스피어의 극적인 작품은 높은 도덕적 파토스로 밝혀졌습니다.

그러나 그는 어려움 없이는 할 수 없었습니다. 그의 연극으로 그는 다른 작가의 수입을 박탈했고 대중은 셰익스피어를 원했고 그의 드라마에갔습니다. 그는 고대 작가의 이야기를 빌리고 역사 연대기를 사용했습니다. 이러한 차용으로 인해 그는 "다른 사람의 깃털 속의 까마귀"라는 별명을 얻었습니다.

연극은 극장에 좋은 수입을 가져다 주었고 셰익스피어 자신도 부자가 되었습니다. 그는 Stratford에있는 고향에서 집을 샀고 런던에서 집을 사서이자를주었습니다. 그는 번영하는 작가였으며 창을 든 매를 묘사하는 귀족의 문장을 수상했습니다.

셰익스피어는 쾌락을 위해 살았고 친구들과의 즐거운 잔치 후에 죽었다고 믿어집니다.

그의 동시대 인 셰익스피어와 가까운 사람들은 자신이 가장 좋아하는 작품을 높이 평가했습니다. 그들은 연극계에서 그의 영생을 예측했습니다. 그래서 일어났습니다. 셰익스피어의 천재성은 그의 연극이 세계 최고의 극장의 레퍼토리에 들어갔을 때 그의 죽음 이후 몇 년 동안도 언급되었습니다.

그의 영웅은 비극적 인 삶의 상황의 상징이되었습니다 : 로미오와 줄리엣 - 사심없는 사랑, 레이디 맥베스 - 범죄, 이아고와 오델로 - 속임수와 속임수, Falstaff - 비겁함과 자랑, 햄릿 - 느낌과 의무 사이에서 던지기.

셰익스피어는 타고난 극작가였으며 시청자가 자신과 세상을 새롭게 바라볼 수 있도록 도와줍니다.