낭만주의 낭만파의 예술가들. 낭만주의란? 낭만주의 시대

1.1 낭만주의의 주요 특징

낭만주의 - (프랑스 낭만주의, 중세 프랑스 낭만주의 - 소설에서) - 18-19세기 전환기에 일반적인 문학 운동 내에서 형성된 예술의 방향. 독일에서. 그것은 유럽과 미국의 모든 국가에서 널리 퍼졌습니다. 낭만주의의 절정은 19세기 1/4분기에 해당합니다.

프랑스어 단어 romantisme은 18 세기로 변한 영국 낭만주의 인 스페인 로맨스 (중세 시대에는 스페인 로맨스가 그렇게 불렸고 기사도 로맨스라고 불림)로 거슬러 올라갑니다. 낭만적이고 "이상한", "환상적인", "그림 같은"을 의미합니다. XIX 세기 초. 낭만주의는 고전주의와 반대되는 새로운 방향의 지정이 된다.

"고전주의"- "낭만주의"라는 대조에 들어가면서 방향은 규칙으로부터의 낭만적 인 자유에 대한 규칙의 고전 주의적 요구 사항의 반대를 가정했습니다. 낭만주의 예술 체계의 중심은 개인이며, 주요 갈등은 개인과 사회 간의 갈등이다. 낭만주의 발전의 결정적인 전제 조건은 프랑스 혁명의 사건이었습니다. 낭만주의의 출현은 반 계몽 운동과 관련이 있으며 그 원인은 문명에 대한 실망, 사회적, 산업적, 정치적 및 과학적 진보로 인해 새로운 대조와 모순, 평준화 및 개인의 영적 황폐화를 초래했습니다.

계몽주의는 새로운 사회를 가장 "자연스럽고" "합리적"이라고 설교했습니다. 유럽 ​​최고의 정신은이 미래 사회를 구체화하고 예표했지만 현실은 "이성"의 통제를 넘어선 것으로 판명되었고 미래는 예측할 수없고 비합리적이며 현대 사회 질서는 인간의 본성과 그의 본성을 위협하기 시작했습니다. 개인의 자유. 이 사회에 대한 거부, 영성의 결핍과 이기심에 대한 항의는 이미 감상주의와 전낭만주의에 반영되어 있다. 낭만주의는 이러한 거부를 가장 날카롭게 표현한다. 낭만주의는 또한 언어적 수준에서 계몽주의에 반대했습니다. 자연스럽고 "단순"하며 모든 독자가 접근할 수 있도록 노력하는 낭만적인 작품의 언어는 예를 들어 전형적인 고상하고 "숭고한" 주제를 가진 고전과 반대되는 것이었습니다. 고전 비극을 위해.

후기 서유럽 낭만 주의자들 사이에서 사회와 관련된 비관주의는 우주적 비율을 획득하고 "세기의 질병"이됩니다. 많은 낭만적 인 작품의 영웅은 절망감, 절망감이 특징이며 보편적 성격을 얻습니다. 완벽함은 영원히 사라지고, 세상은 악에 의해 지배되며, 고대의 혼돈이 되살아나고 있습니다. 모든 낭만주의 문학의 특징 인 "끔찍한 세계"의 주제는 소위 "흑인 장르"(사전 낭만주의 "고딕 소설"-A. Radcliffe, C. Maturin, " 록의 드라마" 또는 "록의 비극", - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe 및 N. Hawthorne의 작품.

동시에 낭만주의는 "끔찍한 세계"에 도전하는 아이디어, 주로 자유에 대한 아이디어를 기반으로합니다. 낭만주의의 실망은 현실의 실망이지만 진보와 문명은 그 한 면일 뿐이다. 이쪽의 거부, 문명의 가능성에 대한 믿음의 부족은 또 다른 길, 이상, 영원, 절대에 이르는 길을 제공합니다. 이 길은 모든 모순을 해결하고 인생을 완전히 바꿔야 합니다. 이것은 완벽에 이르는 길이며, "목표에 대한 설명은 보이는 것의 반대편에서 찾아야 합니다"(A. De Vigny). 일부 낭만주의의 경우 이해할 수없고 신비한 힘이 세상을 지배하며 순종해야하며 운명을 바꾸려고 시도하지 않아야합니다 (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). 다른 사람들에게 "글로벌 악"은 항의를 불러 일으켰고 복수와 투쟁을 요구했습니다 (초기 A.S. 푸쉬킨). 공통점은 그들 모두가 인간에게서 하나의 실체를 보았다는 것입니다. 그 임무는 평범한 문제를 해결하는 것으로 전혀 축소되지 않았습니다. 반대로 낭만주의자들은 일상을 부정하지 않고 인간 존재의 신비를 풀고자 했으며, 자연에 귀의하고 종교적이고 시적인 감정을 신뢰했다.

낭만적 인 영웅은 내면 세계가 비정상적으로 깊고 끝이없는 복잡하고 열정적 인 사람입니다. 그것은 모순으로 가득 찬 온 우주입니다. 낭만주의자들은 서로 반대되는 높고 낮은 모든 열정에 관심을 가졌습니다. 높은 열정 - 모든 표현의 사랑, 낮은 욕심, 야망, 부러움. 로맨스의 비천한 물질적 실천은 정신의 삶, 특히 종교, 예술, 철학에 반대되었습니다. 강하고 생생한 감정에 대한 관심, 모든 것을 소비하는 열정, 영혼의 은밀한 움직임은 낭만주의의 특징입니다.

일상 세계와 양립 할 수없는 강한 열정과 높은 열망을 가진 특별한 유형의 성격으로 로맨스에 대해 이야기 할 수 있습니다. 이러한 성격에는 예외적인 상황이 수반됩니다. 판타지, 민속 음악,시, 전설은 낭만적 인 사람들에게 매력적입니다. 한 세기 반 동안 주목할 가치가없는 작은 장르로 간주되었던 모든 것입니다. 낭만주의는 자유의 주장, 개인의 주권, 개인에 대한 관심 증가, 인간 고유의 개인 숭배가 특징입니다. 사람의 자존감에 대한 자신감은 역사의 운명에 대한 항의로 바뀝니다. 종종 낭만적인 작품의 주인공은 현실을 창의적으로 인식할 수 있는 예술가가 된다. 고전적인 "자연의 모방"은 현실을 변형시키는 예술가의 창조적 에너지에 반대됩니다. 경험적으로 인식되는 현실보다 더 아름답고 실제적인 자신 만의 특별한 세계를 만듭니다. 존재의 의미인 창조성이며, 우주의 최고 가치를 나타냅니다. 낭만 주의자들은 예술가의 천재성이 규칙을 따르지 않고 창조한다고 믿으며 예술가의 창의적 자유, 그의 상상력을 열정적으로 옹호했습니다.

낭만 주의자들은 다른 역사적 시대로 바뀌었고 독창성에 매료되었고 이국적이고 신비한 국가와 상황에 매료되었습니다. 역사에 대한 관심은 낭만주의 예술 체계의 지속적인 정복 중 하나가 되었습니다. 그는 창시자가 W. Scott 인 역사 소설 장르와 일반적으로 고려중인 시대의 선두 자리를 차지한 소설 장르를 만들면서 자신을 표현했습니다. 낭만주의는 역사적 세부 사항, 배경, 특정 시대의 색상을 정확하고 정확하게 재현하지만 낭만적 인 인물은 역사 외부에 주어지며 일반적으로 상황보다 높으며 의존하지 않습니다. 동시에 낭만 주의자들은 소설을 역사를 이해하는 수단으로 인식하고 역사에서 심리학의 비밀과 그에 따른 근대성에 침투했습니다. 역사에 대한 관심은 프랑스 낭만주의 학교의 역사가들 (O. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier)의 작품에도 반영되었습니다.

중세 문화의 발견이 일어나고 과거 시대의 특징 인 고대에 대한 감탄도 XVIII-시작의 끝에서 약화되지 않는 것은 낭만주의 시대입니다. 19 세기 국가적, 역사적, 개인적 특성의 다양성은 또한 철학적 의미를 가졌습니다. 단일 세계 전체의 부는 이러한 개별적 특성의 총체로 구성되며 각 민족의 역사를 개별적으로 연구하면 다음과 같이 추적할 수 있습니다. Burke의 끊임없는 삶을 통해 새로운 세대가 차례로 이어집니다.

낭만주의 시대는 문학의 번영으로 특징지어졌으며, 문학의 특징 중 하나는 사회 및 정치적 문제에 대한 열정이었습니다. 진행중인 역사적 사건에서 인간의 역할을 이해하려고 노력하면서 낭만주의 작가들은 정확성, 구체성 및 신뢰성에 끌렸습니다. 동시에 그들의 작업은 종종 유럽인에게는 특이한 환경, 예를 들어 동양과 미국, 러시아인, 코카서스 또는 크림에서 펼쳐집니다. 따라서 낭만적 인 시인은 주로 서정 시인이자 자연의 시인이므로 그들의 작업에서 (그러나 많은 산문 작가와 마찬가지로) 중요한 장소는 풍경이 차지합니다. 우선 바다, 산, 하늘, 폭풍우가 치는 요소 , 영웅은 복잡한 관계와 관련이 있습니다. 자연은 낭만적인 영웅의 열정적인 본성과 유사할 수 있지만, 그를 저항할 수도 있고 그가 싸워야 하는 적대적인 힘으로 판명될 수도 있습니다.

먼 나라와 민족의 자연, 삶, 생활, 관습에 대한 독특하고 생생한 사진도 낭만주의에 영감을주었습니다. 그들은 민족 정신의 근본적인 기반을 구성하는 특징을 찾고 있었습니다. 국가 정체성은 주로 구전 민속 예술에서 나타납니다. 따라서 민속에 대한 관심, 민속 작품 가공, 민속 예술을 기반으로 한 자신의 작품 제작.

역사소설, 판타지소설, 서정시, 발라드 장르의 발전은 낭만주의의 장점이다. 그들의 혁신은 가사, 특히 단어의 다의어 사용, 연관성, 은유의 발전, 검증 분야의 발견, 운율 및 리듬에서도 나타납니다.

낭만주의는 속과 장르의 합성, 상호 침투가 특징입니다. 낭만주의 예술 시스템은 예술, 철학 및 종교의 종합에 기반을 두고 있습니다. 예를 들어 Herder와 같은 사상가에게 언어 연구, 철학적 교리 및 여행 노트는 문화의 혁명적 갱신 방법을 찾는 역할을 합니다. 19세기 사실주의는 낭만주의의 성취를 상당 부분 물려받았다. -환상, 그로테스크, 높음과 낮음, 비극과 코믹의 혼합, "주관적 인간"의 발견에 대한 선호.

낭만주의 시대에는 문학뿐만 아니라 사회학, 역사학, 정치학, 화학, 생물학, 진화론, 철학 (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, 자연 철학, 이것은 자연이 하나님의 옷 중 하나, "신의 살아있는 옷"이라는 사실로 귀결됩니다.

낭만주의는 유럽과 미국의 문화 현상입니다. 다른 나라에서 그의 운명에는 고유 한 특성이 있습니다.

1.2 러시아의 낭만주의

19세기의 두 번째 10년이 시작될 무렵, 낭만주의는 러시아 예술의 핵심 위치를 차지하여 국가적 정체성을 어느 정도 완전히 드러냅니다. 이 독창성을 일부 기능 또는 기능의 합계로 줄이는 것은 매우 위험합니다. 우리가 러시아 낭만주의를 유럽 문학의 오래된 "낭만주의"와 비교한다면 우리 앞에 있는 것은 과정의 방향, 속도, 강인함입니다.

우리는 이미 18세기의 마지막 10년 동안 러시아 낭만주의의 선사시대에서 이러한 강제적인 발전을 관찰했습니다. -19 세기 초, 낭만주의 이전 경향과 감상적 경향이 고전주의 경향과 비정상적으로 밀접하게 얽혀 있던 때.

이성의 과대 평가, 감수성의 비대, 자연과 자연인의 숭배, elegiac 우울과 서사시주의는 특히 시학 분야에서 분명한 체계주의와 합리성의 요소와 결합되었습니다. 스타일과 장르가 간소화되었고(주로 Karamzin과 그의 추종자들의 노력에 의해) "조화의 정확성"(Zhukovsky가 설립한 학교의 독특한 특징에 대한 푸쉬킨의 정의)을 위해 과도한 은유와 연설의 화려함에 대한 투쟁이 있었습니다. 및 Batyushkov).

개발의 신속성은 러시아 낭만주의의 더 성숙한 단계에 그 흔적을 남겼습니다. 예술적 진화의 밀도는 또한 러시아 낭만주의에서 명확한 연대기 단계를 인식하기 어렵다는 사실을 설명합니다. 문학사가들은 러시아 낭만주의를 초기(1801~1815), 성숙기(1816~1825), 10월 이후 발전기로 나눈다. 이것은 모범적인 계획이기 때문입니다. 이 기간 중 적어도 두 기간(첫 번째와 세 번째)은 질적으로 이질적이며 예를 들어 독일의 예나와 하이델베르크 낭만주의 기간을 구별하는 원칙의 상대적 통일성을 최소한 가지고 있지 않습니다.

서유럽, 특히 독일 문학에서의 낭만주의 운동은 완전성과 온전함의 표식 아래 시작되었습니다. 분리 된 모든 것은 합성을 위해 노력했습니다. 자연 철학, 사회학, 지식 이론, 심리학-개인 및 사회, 그리고 물론 예술적 사고에서 이러한 모든 충동을 통합했습니다. , 그들에게 새 생명을 주었다.

인간은 자연과 하나가 되고자 했습니다. 성격, 개인 - 전체, 사람들과 함께; 직관적 지식 - 논리적으로; 인간 정신의 잠재 의식 요소-반성과 이성의 가장 높은 영역. 반대 순간의 비율이 때때로 상충되는 것처럼 보였지만 통일 경향은 밝고 장엄한 톤이 우세한 낭만주의, 다채롭고 잡색의 특별한 감정 스펙트럼을 불러 일으켰습니다.

점차적으로 요소의 갈등 특성이 이율배반으로 성장했습니다. 원하는 합성에 대한 아이디어는 소외와 대결의 아이디어에 녹아 들었고 낙관적 인 주요 분위기는 실망과 비관에 빠졌습니다.

러시아 낭만주의는 초기 및 최종 프로세스의 두 단계 모두에 익숙합니다. 그러나 그렇게 함으로써 그는 일반적인 움직임을 강요했다. 초기 형태가 번성하기 전에 최종 형태가 나타났습니다. 중간 것이 구겨지거나 떨어졌습니다. 서유럽 문학의 배경에 비해 러시아 낭만주의는 동시에 덜 낭만적으로 보였습니다. 전체 그림의 풍부함, 분기, 폭에서 열등했지만 일부 최종 결과의 확실성에서 능가했습니다.

낭만주의 형성에 영향을 미친 가장 중요한 사회정치적 요인은 Decembrism이다. Decembrist 이데올로기를 예술적 창조의 차원으로 굴절시키는 것은 매우 복잡하고 긴 과정입니다. 그러나 그것이 정확히 예술적 표현을 획득했다는 사실을 간과하지 맙시다. Decembrist 충동은 매우 구체적인 문학 형식으로 옷을 입었습니다.

종종 "문학 Decembrism"은 모든 예술적 수단이 Decembrist 이데올로기에서 비롯된 외적 목표에 종속되는 예술적 창의성 외부의 특정 명령으로 식별되었습니다. 이 목표, 이 "작업"은 "음절 기호 또는 장르 기호"에 의해 평준화되거나 심지어 밀려났다고 합니다. 실제로 모든 것이 훨씬 더 복잡했습니다.

러시아 낭만주의의 특수성은 이번 가사에서 분명하게 드러납니다. 세계와의 서정적 관계, 작가 입장의 주요 어조와 관점, 일반적으로 "작가의 이미지"라고 불리는 것. 다양성과 통일성에 대한 피상적 인 아이디어를 형성하기 위해 이러한 관점에서 러시아시를 살펴 보겠습니다.

러시아 낭만주의시는 때로는 접근하고 때로는 반대로 서로 논쟁하고 대조하는 상당히 광범위한 "작가의 이미지"를 드러 냈습니다. 그러나 항상 "작가의 이미지"는 감정, 기분, 생각 또는 일상 및 전기 세부 사항의 응축입니다 (시에서 더 완벽하게 표현되는 작가의 소외 라인의 "스크랩"은 서정적 작업에 들어갑니다) , 환경에 대한 반대에서 따릅니다. 개인과 전체의 연결이 끊어졌습니다. 대립과 부조화의 정신은 그 자체로 복잡하지 않고 명확하고 온전해 보일 때에도 작가의 외모에 스며든다.

전낭만주의는 기본적으로 가사에서 갈등을 표현하는 두 가지 형식을 알고 있었는데, 이는 서정적 대립이라고 할 수 있습니다. 낭만주의 시는 그것들을 좀 더 복잡하고 깊고 개별적으로 차별화된 일련의 것으로 발전시켰습니다.

그러나 위에서 언급 한 형식이 그 자체로 아무리 중요하더라도 물론 러시아 낭만주의의 모든 부를 소진하지는 않습니다.

시각 예술의 낭만주의는 주로 철학자와 작가의 아이디어에 기반을 두었습니다. 회화에서 다른 형태의 예술과 마찬가지로 낭만주의자들은 이국적인 관습과 의상(Delacroix)이 있는 먼 나라, 신비로운 비전의 세계(Blake, Friedrich, Pre-Raphaelites) 및 마법과 같은 이상하고 알려지지 않은 모든 것에 매료되었습니다. 꿈 (Runge) 또는 잠재 의식의 우울한 깊이 (Goya, Fusli). 많은 예술가들에게 영감의 원천은 고대 동양, 중세, 원시 르네상스(나사렛, 라파엘 전파)와 같은 과거의 예술적 유산이었습니다.

맑은 마음의 힘을 미화하는 고전주의와 달리 낭만주의는 사람 전체를 사로 잡는 열정적이고 폭풍우 같은 감정을 노래했습니다. 새로운 트렌드에 대한 가장 초기의 반응은 초상화와 풍경이었는데, 이는 낭만적인 그림의 가장 좋아하는 장르가 되고 있습니다.

전성기 초상화 장르 그녀의 영적 세계의 밝은 인간 개성, 아름다움 및 풍요 로움에 대한 낭만주의의 관심과 관련이 있습니다. 인간 정신의 삶은 육체적 아름다움에 대한 관심, 이미지의 관능적 가소성에 대한 관심보다 낭만적 인 초상화에서 우세합니다.

낭만적 인 초상화 (Delacroix, Géricault, Runge, Goya)에는 항상 각 사람의 독특함이 드러나고 역 동성, 내면의 강렬한 박동, 반항적 인 열정이 전달됩니다.

낭만적 인 사람들은 또한 부서진 영혼의 비극에 관심이 있습니다. 정신 질환이있는 사람들은 종종 작품의 영웅이됩니다 (Gericault "도박에 중독 된 미친", "어린이 도둑", "미친, 자신을 사령관이라고 상상").

경치 우주의 영혼의 구체화로 낭만주의에 의해 생각; 인간의 영혼과 마찬가지로 자연은 역동성, 끊임없는 변동성으로 나타납니다. 고전주의의 특징 인 질서 있고 고상한 풍경은 낭만적 인 영웅의 혼란스러운 감정에 해당하는 자발적이고 반항적이며 강력하고 끊임없이 변화하는 자연의 이미지로 대체되었습니다. 낭만주의자들은 특히 보는 사람에게 강한 감정적 영향을 미칠 수 있는 폭풍, 뇌우, 화산 폭발, 지진, 난파선을 쓰는 것을 좋아했습니다(Gericault, Friedrich, Turner).

자체 법칙에 따라 사는 이상하고 초현실적 인 세계인 낭만주의의 특징 인 밤의 시화는 특히 독일 예술가들 사이에서 낭만적 인 그림에서 가장 좋아하는 "밤 장르"의 번성으로 이어졌습니다.

시각 예술에서 낭만주의가 발전한 최초의 국가 중 하나는독일 .

낭만적인 풍경 장르의 발전에 눈에 띄는 영향은 독창성을 가졌습니다.카스파 다비드 프리드리히 (1774-1840). 그의 예술적 유산은 산봉우리, 숲, 바다, 해안, 오래된 대성당의 폐허, 버려진 수도원, 수도원 ( "산의 십자가", "성당", "참나무 사이의 수도원"을 묘사 한 풍경이 지배합니다. ”). 그들은 보통 세상에서 한 사람의 비극적 상실에 대한 의식에서 변하지 않는 슬픔을 느낍니다.

작가는 이른 아침, 저녁 노을, 월출(“달을 바라보는 두 사람”, “수도원 공동묘지”, “무지개가 있는 풍경”, “바다 위의 문라이즈”, “ Rügen 섬의 분필 바위”, “범선 위에서”, “밤의 항구”).

그의 작품의 변함없는 캐릭터는 자연에 대한 사색에 잠긴 외로운 몽상가입니다. 광대한 거리와 끝없는 높이를 바라보며 우주의 영원한 비밀에 합류하고 아름다운 꿈의 세계로 끌려갑니다. 프리드리히는 마법처럼 빛나는 빛의 도움으로 이 멋진 세계를 전달합니다.- 빛나는 태양 또는 신비한 달.

Friedrich의 작품은 I를 포함한 그의 동시대 사람들에게 찬사를 받았습니다. W. 괴테와 W. A. Zhukovsky 덕분에 그의 그림 중 많은 부분이 러시아에 인수되었습니다.

화가, 그래픽 아티스트, 시인 및 예술 이론가필립 오토 런지 (1777-1810), 주로 초상화 장르에 전념했습니다. 그의 작품에서 그는 평범한 사람들, 종종 그의 사랑하는 사람들의 이미지를 시화했습니다 ( "우리 셋"-신부와 형제가있는 자화상은 보존되지 않았습니다. "Hülzenbeck 가족의 아이들", "초상화 작가의 부모”, “자화상”). Runge의 깊은 종교성은 "Tiberias 호수 기슭의 그리스도"와 "이집트로 피난 중 휴식"(미완성)과 같은 그림에서 표현되었습니다. 작가는 이론 논문 "The Color Sphere"에서 예술에 대한 자신의 생각을 요약했습니다.

독일 예술의 종교적, 도덕적 기반을 되살리려는 열망은 예술가의 창작 활동과 관련이 있습니다. 나사렛 학교 (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sütter,P. 폰 코르넬리우스). 일종의 종교적 형제애(“성 루카 연합”)로 연합한 “나사렛 사람들”은 수도원 공동체의 모델로 로마에 살았고 종교적 주제에 대한 그림을 그렸습니다. 그들은 이탈리아와 독일의 그림을 창의적인 탐색의 모델로 여겼습니다.14세 - 15세세기(페루지노, 초기 라파엘로, A.뒤러, H. 젊은 홀바인, L.크라나흐). 그림 "예술에서의 종교의 승리"에서 Overbeck은 Raphael의 "Athenian School"과 "The Horsemen of the Apocalypse"의 Cornelius를 직접 모방합니다.

형제단원들은 "성경만이 라파엘을 천재로 만들었다"고 믿으며 영적 순결과 성실한 믿음을 예술가의 주된 덕목으로 여겼다. 버려진 수도원의 감방에서 고독한 삶을 영위하면서 그들은 예술에 대한 봉사를 영적 봉사의 범주로 끌어 올렸습니다.

"Nazarenes"는 새로 부활 한 프레스코 기법의 도움으로 높은 이상을 구현하려고 시도한 대형 기념비적 형태에 끌 렸습니다. 그림 중 일부는 함께 실행되었습니다.

1820년대와 30년대에 형제회 회원들은 독일 전역에 흩어져 다양한 미술 아카데미에서 지도적인 위치를 차지했습니다. Overbeck만이 그의 예술적 원칙을 바꾸지 않고 죽을 때까지 이탈리아에서 살았습니다. "Nazarenes"의 최고의 전통은 오랫동안 역사적인 그림으로 보존되었습니다. 그들의 이데올로기 및 도덕적 탐구는 Schwind 및 Spitzweg와 같은 거장들의 작업뿐만 아니라 영국의 Pre-Raphaelites에 영향을 미쳤습니다.

모리츠 슈빈트 (1804-1871), 오스트리아 출생으로 뮌헨에서 일했습니다. 이젤 작품에서 그는 주로 주민들과 함께 고대 독일 지방 도시의 모습과 삶을 묘사합니다. 그것은 캐릭터에 대한 사랑으로 훌륭한 시와 서정으로 이루어집니다.

칼 스피츠베그 (1808-1885)-뮌헨의 화가, 그래픽 아티스트, 뛰어난 기안가, 만화가도 감상적이지 않지만 유머러스하게 도시 생활에 대해 이야기합니다 ( "Poor Poet", "Morning Coffee").

Schwind와 Spitzweg는 일반적으로 Biedermeier로 알려진 독일 문화의 경향과 관련이 있습니다.비더마이어 - 이것은 시대의 가장 인기있는 스타일 중 하나입니다 (주로 일상 생활 분야뿐만 아니라 예술 분야에서도) . 그는 거리의 평범한 사람인 burghers를 전면에 내세웠습니다. Biedermeier 그림의 중심 주제는 가정과 가족과 밀접하게 연결되어 흐르는 사람의 일상 생활이었습니다. 과거가 아닌 현재, 위대한 것이 아닌 작은 것에 대한 비더마이어의 관심은 회화의 현실적인 경향 형성에 기여했다.

프랑스 낭만주의 학교

회화에서 가장 일관된 낭만주의 학교는 프랑스에서 발전했습니다. 그것은 고전주의에 대한 반대자로 생겨나 냉정하고 합리적인 학문주의로 퇴보했으며 19세기 전체에 걸쳐 프랑스 학파의 지배적 영향력을 결정한 위대한 거장들을 내세웠다.

프랑스 낭만주의 예술가들은 "어두운 일상"과는 거리가 먼 드라마와 파토스, 내적 긴장으로 가득 찬 음모에 끌렸다. 그것들을 구현하면서 그들은 회화적이고 표현적인 수단을 개혁했습니다.

프랑스 회화에서 낭만주의의 첫 번째 화려한 성공은 이름과 관련이 있습니다.테오도라 제리코 (1791-1824) 남들보다 일찍 세상의 갈등에 대한 순전히 낭만적 인 느낌을 표현할 수 있었던 사람. 이미 그의 첫 작품에서 우리 시대의 극적인 사건을 보여주고자 하는 열망을 볼 수 있다. 예를 들어, "공격하는 기마 소총 병의 장교"와 "부상당한 흉갑 기병"이라는 그림은 나폴레옹 시대의 로맨스를 반영했습니다.

해운 회사의 잘못으로 여객선이 사망 한 현대 생활의 최근 사건을 다룬 Gericault의 그림 "메두사의 뗏목"은 큰 반향을 불러 일으켰습니다. . Géricault는 죽음의 위기에 처한 사람들이 수평선에서 구조하는 배를 본 순간을 묘사하는 거대한 7×5m 캔버스를 만들었습니다. 극도의 긴장감은 거칠고 우울한 색 구성표, 대각선 구성으로 강조됩니다. 이 그림은 난파선에서 도망치는 사람들처럼 희망과 절망을 동시에 경험한 현대 제리코 프랑스의 상징이 되었습니다.

그의 마지막 큰 그림의 주제 - "Race at Epsom"- 예술가는 영국에서 찾았습니다. 그것은 새처럼 날아가는 말을 묘사합니다(10대 때 뛰어난 라이더가 된 Géricault가 가장 좋아하는 이미지). 신속함의 인상은 특정 기술에 의해 강화됩니다. 말과 기수는 매우 조심스럽게 쓰여지고 배경은 넓습니다.

Géricault가 사망한 후(그는 인생과 재능의 전성기에 비극적으로 사망했습니다) 그의 젊은 친구는 프랑스 낭만주의의 인정받는 우두머리가 되었습니다.유진 들라크루아 (1798-1863). 들라크루아는 종합적으로 재능이 있었고 음악적, 문학적 재능을 소유했습니다. 그의 일기, 예술가에 관한 기사는 그 시대의 가장 흥미로운 문서입니다. 색채 법칙에 대한 그의 이론적 연구는 미래의 인상파, 특히 W. 반 고흐에게 큰 영향을 미쳤습니다.

Delacroix의 명성을 얻은 첫 번째 그림은 "신곡"의 음모에 쓰여진 "Dante and Virgil"( "Dante 's Boat")이었습니다. 그녀는 우울한 색의 힘인 열정적 인 파토스로 동시대 사람들을 강타했습니다.

작가 작품의 정점은 "바리케이드 위의 자유"( "인민을 이끄는 자유")였습니다. 실제 사실의 신뢰성(그림은 프랑스에서 1830년 7월 혁명 중에 만들어졌습니다)은 여기에서 자유에 대한 낭만적인 꿈과 이미지의 상징성과 합쳐집니다. 아름다운 젊은 여성은 혁명적 프랑스의 상징이 됩니다.

현대 사건에 대한 반응은 터키 통치에 대한 그리스 사람들의 투쟁에 전념하는 초기 그림 "Massacre on Chios"였습니다. .

모로코를 방문한 Delacroix는 아랍 동부의 이국적인 세계를 발견하여 많은 그림과 스케치를 바쳤습니다. "Algeria의 여성"에서 무슬림 하렘의 세계가 처음으로 유럽 청중에게 소개되었습니다.

작가는 또한 그의 친구였던 창의적인 지식인 대표의 일련의 초상화를 만들었습니다 (N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz 등의 초상화).

창작 작업의 후기에 Delacroix는 역사적인 주제에 매료되어 벽화가(상원 하원의 벽화) 및 그래픽 아티스트(셰익스피어, 괴테, 바이런의 작품 삽화)로 활동했습니다.

낭만주의 시대의 영국 화가 인 R. Benington, J. Constable, W. Turner의 이름은 풍경 장르와 관련이 있습니다. 이 영역에서 그들은 진정으로 새로운 페이지를 열었습니다. 그들의 작업에서 당시 다른 나라에서는 알지 못했던 광범위하고 사랑스러운 성찰을 발견한 자연 그대로의 모습이었습니다.

존 컨스터블 (1776-1837) 유럽 풍경 역사상 처음으로 자연에서 완전히 스케치를 그리기 시작하여 자연을 직접 관찰했습니다. 그의 그림은 동기가 단순합니다 : 마을, 농장, 교회, 강가 또는 바다 해변 : Haycart, Detham Valley, Bishop 's Garden의 Salisbury Cathedral. Constable의 작품은 프랑스에서 사실적인 풍경을 발전시키는 원동력이되었습니다.

윌리엄 터너 (1775-1851) - 해양 화가 . 그는 폭풍우가 치는 바다, 폭우, 뇌우, 홍수, 토네이도에 매료되었습니다. "배의 마지막 항해"용감한 ","피아제타의 뇌우. 대담한 색채 검색, 드문 조명 효과는 때때로 그의 그림을 "런던 의회의 불", "눈보라"와 같은 빛나는 환상적인 광경으로 바꿉니다. 배는 항구를 떠나 조난 신호를 보내 얕은 바다에 부딪친다. .

Turner는 산업화의 상징인 레일 위를 달리는 증기 기관차의 첫 번째 그림 이미지를 소유하고 있습니다. Rain, Steam and Speed에서 증기 기관차는 안개가 자욱한 비 연무를 통해 템스 강을 따라 질주합니다. 모든 물질적 사물은 속도감을 완벽하게 전달하는 신기루 이미지로 합쳐지는 것처럼 보입니다.

빛과 색상 효과에 대한 Turner의 독특한 연구는 여러 면에서 프랑스 인상파 화가들의 발견을 예견했습니다.

1848년 영국에서 일어난라파엘 이전의 형제애 (라틴어 prae - "before"와 Raphael에서), 현대 사회와 학업 학교의 예술을 받아들이지 않는 예술가들을 통합했습니다. 그들은 중세와 초기 르네상스(따라서 이름)의 예술에서 그들의 이상을 보았습니다. 형제애의 주요 구성원 -윌리엄 홀먼 헌트, 존 에버렛 밀레이, 단테 가브리엘 로세티 초기 작품에서 이 예술가들은 서명 대신 약어 RV를 사용했습니다. .

Pre-Raphaelites의 낭만주의와 함께 고대에 대한 사랑이 관련되었습니다. 그들은 성경적 주제(W. H. Hunt의 "The Light of the World" 및 "The Unfaithful Shepherd", D. G. Rossetti의 "The Childhood of Mary" 및 "The Annunciation"), 중세 역사의 플롯, W. 셰익스피어(Millais의 "Ophelia").

인간의 모습과 사물을 자연스러운 크기로 그리기 위해 Pre-Raphaelites는 캔버스의 크기를 늘리고 자연에서 풍경 스케치를 만들었습니다. 그들의 그림 속 인물들은 실제 사람들 사이에서 원형을 가지고 있었습니다. 예를 들어, D. G. Rossetti는 그의 거의 모든 작품에서 사랑하는 엘리자베스 시달을 중세 기사처럼 계속해서 그녀의 불시의 죽음 이후에도 사랑하는 사람에게 충실하게 묘사했습니다(“Blue Silk Dress”, 1866).

Pre-Raphaelites의 이데올로기는존 러스킨 (1819-1900)-영국 작가, 미술 평론가 및 미술 이론가, 유명한 "Modern Artists"시리즈의 저자.

Pre-Raphaelites의 작업은 많은 예술가에게 큰 영향을 미쳤으며 문학 (W. Pater, O. Wilde) 및 미술 (O. Beardsley, G. Moreau 등)에서 상징주의의 선구자가되었습니다.

"Nazarenes"라는 별명은 예수 그리스도가 태어난 갈릴리의 나사렛 도시 이름에서 유래했을 수 있습니다. 다른 버전에 따르면 그것은 나실인의 고대 유대인 종교 공동체의 이름과 유추하여 발생했습니다. 그룹의 이름이 중세 시대에 일반적이고 A. Dürer의 자화상에서 알려진 헤어 스타일 "Alla Nazarena"의 전통적인 이름에서 유래했을 수도 있습니다. 중간, Overbeck에 의해 다시 도입되었습니다.

비더마이어(독일어 "용감한 마이어", 속물)-독일 시인 Ludwig Eichrodt의 시집에 나오는 가상 인물의 성. Eichrodt는 순진한시를 쓴 옛 교사 인 Samuel Friedrich Sauter라는 실존 인물의 패러디를 만들었습니다. Eichrodt는 그의 캐리커처에서 시대의 일종의 패러디 상징이 된 Biedermeier 사고의 속물적인 원시성을 강조했습니다.검은색, 갈색 및 녹색을 띤 색상의 전면적인 선은 폭풍의 분노를 전달합니다. 보는 사람의 시선은 소용돌이의 중심에 있는 것 같고, 배는 파도와 바람의 장난감인 것 같다.

XIX 세기의 시작 - 러시아의 문화적, 영적 고조의 시간. 경제 및 사회 정치적 발전에서 러시아가 선진 유럽 국가보다 뒤처지면 문화적 성취에서 그들과 보조를 맞출뿐만 아니라 종종 그들을 능가했습니다. 19세기 전반기 러시아 문화의 발전은 이전 시대의 변혁에 기반을 두고 있었다. 자본주의 관계의 요소가 경제에 침투하면서 글을 읽고 교육받은 사람들의 필요성이 높아졌습니다. 도시는 주요 문화 센터가되었습니다.

새로운 사회 계층이 사회적 과정으로 유입되었습니다. 문화는 러시아 국민의 날로 증가하는 민족적 자의식을 배경으로 발전했으며 이와 관련하여 뚜렷한 민족적 성격을 가졌습니다. 문학, 연극, 음악, 시각 예술에 지대한 영향을 끼쳤다. 1812년 애국 전쟁전례없는 정도로 러시아 국민의 국가적 자의식의 성장, 통합을 가속화했습니다. 러시아의 다른 민족의 러시아 국민과의 화해가있었습니다.

19세기 초는 러시아 회화의 황금기라고 해도 과언이 아니다. 그때 러시아 예술가들이 그들의 작품을 유럽 예술의 가장 좋은 예와 동등하게 만드는 기술 수준에 도달했습니다.

세 이름은 19세기 러시아 회화를 엽니다 - 키프렌스키 , 트로피닌 , 베네치아노프. 모든 사람은 사생아 지주, 농노, 상인의 후손 등 기원이 다릅니다. 모든 사람은 낭만적이고 현실 주의자이며 "마을 작사가"라는 자신의 창조적 열망을 가지고 있습니다.

역사적인 그림에 대한 그의 초기 열정에도 불구하고 Kiprensky는 주로 뛰어난 초상화 화가로 알려져 있습니다. XIX 세기 초에 그렇게 말할 수 있습니다. 그는 러시아 최초의 초상화가가 되었습니다. 18세기에 유명해진 옛 거장들은 더 이상 그와 경쟁할 수 없었다. 봉기 ​​Decembrists 몇 달 전에 거의 일하지 않았습니다.

Kiprensky는 그의 시대의 예술적 연대기가 될만큼 운이 좋았습니다. "얼굴의 역사"는 그가 동시대였던 역사적 사건의 많은 참가자를 묘사하는 그의 초상화로 간주 될 수 있습니다. 1812 년 전쟁의 영웅, Decembrist 운동의 대표자. 연필 드로잉 기술이 유용했으며 예술 아카데미에서 교육에 진지한 관심을 기울였습니다. Kiprensky는 본질적으로 그림 초상화라는 새로운 장르를 만들었습니다.

Kiprensky는 러시아 문화 인물의 초상화를 많이 만들었으며 물론 그중 가장 유명한 것은 Pushkin의 것입니다. 의뢰되었습니다 델비가, 시인의 lyceum 친구, 1827 년. 동시대 사람들은 초상화와 원본의 놀라운 유사성에 주목했습니다. 시인의 이미지는 같은 해에 그려진 Tropinin의 Pushkin 초상화에 내재 된 일상적인 특징에서 예술가에 의해 해방됩니다. Alexander Sergeevich는 시적 뮤즈가 방문했을 때 영감을 얻은 순간 예술가에게 포착되었습니다.

이탈리아로의 두 번째 여행 중에 죽음이 예술가를 추월했습니다. 최근 몇 년 동안 유명한 화가와 잘 지내지 못했습니다. 크리에이티브 슬럼프가 시작됐다. 그의 죽음 직전에 그의 삶은 비극적 인 사건으로 가려졌습니다. 동시대 사람들에 따르면 예술가는 살인 혐의로 거짓 비난을 받았으며 집을 떠나는 것을 두려워했습니다. 이탈리아 제자와 결혼해도 그의 말년은 밝지 않았다.

외국 땅에서 죽은 러시아 화가를 애도하는 사람은 거의 없었습니다. 민족 문화가 어떤 주인을 잃었는지 진정으로 이해한 소수의 사람들 중에는 당시 이탈리아에 있던 예술가 알렉산드르 이바노프가 있었다. 그 슬픈 날에 그는 Kiprensky가 "유럽에서 러시아 이름을 처음으로 알린 사람"이라고 썼습니다.

Tropinin은 뛰어난 초상화 화가로 러시아 미술사에 입문했습니다. 그는 "한 사람의 초상화는 그를 사랑하는 가까운 사람들의 기억을 위해 그려졌다"고 말했다. 동시대 사람들에 따르면 Tropinin은 약 3,000점의 초상화를 그렸습니다. 이것이 사실인지 여부는 말하기 어렵습니다. 예술가에 관한 책 중 하나에는 Tropinin이 묘사한 212개의 정확하게 식별된 얼굴 목록이 있습니다. 그는 또한 "미지의 초상 (Unknown)"이라는 많은 작품을 가지고 있습니다. Tropinin은 국가 고위 인사, 귀족, 전사, 사업가, 하급 관리, 농노, 지식인 및 러시아 문화 인물에 의해 포즈를 취했습니다. 그중에는 역사가 Karamzin, 작가 Zagoskin, 미술 평론가 Odoevsky, 화가 Bryullov 및 Aivazovsky, 조각가 Vitali, 건축가 Gilardi, 작곡가 Alyabyev, 배우 Shchepkin 및 Mo-chalov, 극작가 Sukhovo-Kobylin이 있습니다.

Tropinin의 최고의 작품 중 하나는 그의 아들의 초상화입니다.. XIX 세기 러시아 예술의 "발견"중 하나라고 말해야합니다. 아이의 초상화가 있었다. 중세 시대에 아이는 아직 성장하지 않은 작은 성인으로 여겨졌습니다. 18세기 중반에는 아이들도 어른과 다를 바 없는 옷을 입었습니다. 소녀들은 fijma와 함께 단단한 코르셋과 넓은 치마를 입었습니다. XIX 세기 초에만. 그들은 아이에게서 아이를 보았다. 예술가들은 이것을 처음으로 수행했습니다. Tropinin의 초상화에는 단순함과 자연 스러움이 많이 있습니다. 소년은 포즈를 취하고 있지 않습니다. 무언가에 관심을 갖고 잠시 돌아섰습니다. 입이 벌어지고 눈이 빛났습니다. 아이의 모습은 놀랍도록 매력적이고 시적입니다. 황금빛 헝클어진 머리, 개방적이고 유치하게 통통한 얼굴, 지적인 눈의 생기 넘치는 모습. 작가가 아들의 초상화를 그린 사랑이 무엇인지 느낄 수 있습니다.

Tropinin은 자화상을 두 번 썼습니다. 1846년의 나중 작품에서 작가는 70세입니다. 그는 화가가 사용하는 특수 막대기 인 마스타 블에 기대어 손에 팔레트와 붓으로 자신을 묘사했습니다. 그 뒤에는 크렘린의 장엄한 파노라마가 있습니다. 어린 시절에 Tropinin은 영웅적인 힘과 좋은 정신을 가졌습니다. 자화상으로 보아 노년에도 탄탄한 몸매를 유지했다. 안경을 쓴 동그란 얼굴은 선한 본성을 발산한다. 예술가는 10 년 후 사망했지만 그의 이미지는 그의 재능으로 러시아 예술을 풍요롭게 한 위대하고 친절한 사람인 그의 후손들의 기억 속에 남아있었습니다.

Venetsianov는 러시아 회화에서 농민 주제를 발견했습니다. 그는 캔버스에 자신의 자연의 아름다움을 보여준 러시아 예술가 중 처음이었습니다. 풍경 장르는 예술 아카데미에서 선호되지 않았습니다. 그는 중요성에서 두 번째 자리를 차지했으며 매일 더 비열한 일을 남겼습니다. 소수의 거장만이 자연을 그렸으며 이탈리아나 상상의 풍경을 선호했습니다.

Venetsianov의 많은 작품에서 자연과 인간은 분리할 수 없습니다. 그들은 농부처럼 땅과 땅의 선물과 밀접하게 연결되어 있습니다. 그의 가장 유명한 작품 - "Haymaking", "경작지에서. 봄", "추수에서. 여름"-작가는 20 대에 만듭니다. 그의 창의력의 절정이었습니다. 러시아 예술계에서 Venetsianov만큼 시적으로 사랑으로 농민의 삶과 작품을 보여줄 수 있는 사람은 아무도 없습니다. 그림 "경작지에서. 봄"에서 한 여성이 들판을 괴롭히고 있습니다. 이 힘들고 지친 작업은 Venetsianov의 캔버스에서 숭고해 보입니다. 우아한 sundress와 kokoshnik을 입은 농부 여성입니다. 아름다운 얼굴과 유연한 몸매로 고대 여신을 닮았다. 써레에 묶인 두 마리의 순종적인 말을 굴레로 이끄는 그녀는 걷지 않고 들판 위를 맴도는 것 같습니다. 주변의 삶은 침착하고 측정 가능하며 평화롭게 흐릅니다. 희귀한 나무는 녹색으로 변하고, 흰 구름은 하늘을 가로질러 떠다니고, 들판은 끝이 없어 보이며, 그 가장자리에는 아기가 엄마를 기다리고 있습니다.

그림 "In the Harvest. Summer"는 이전 그림을 계속하는 것 같습니다. 추수가 익었고 들판은 황금 그루터기 이삭입니다. 추수 할 때입니다. 전경에서 낫을 치우고 농부 여성이 아이에게 모유를 먹이고 있습니다. 하늘, 들판, 그 안에서 일하는 사람들은 작가에게 뗄래야 뗄 수 없는 관계다. 그러나 여전히 그의 관심의 주요 대상은 항상 사람입니다.

베네치아노프농민 초상화의 전체 갤러리를 만들었습니다. 이것은 러시아 회화의 새로운 것입니다. XVIII 세기에. 사람들의 사람들, 그리고 훨씬 더 농노들은 예술가들에게 거의 관심이 없었습니다. 미술사 학자에 따르면 Venetsianov는 러시아 회화 역사상 처음으로 "러시아 민속 유형을 포착하고 재현"했습니다. "Reapers", "수레 국화 소녀", "송아지 소녀", "Sleeping Shepherd"는 Venetsianov가 불멸의 농민의 멋진 이미지입니다. 작가의 작품에서 특별한 장소는 농민 아이들의 초상화가 차지했습니다. 어깨에 도끼를 얹은 눈이 크고 코가 크고 입술이 큰 소년 "Zakharka"는 얼마나 좋은가요! Zakharka는 어린 시절부터 일하는 데 익숙한 활기찬 농민 본성을 의인화하는 것 같습니다.

Alexey Gavrilovich는 예술가뿐만 아니라 뛰어난 교사로서 좋은 기억을 남겼습니다. 상트 페테르부르크를 방문하는 동안 그는 초보 예술가를 학생으로 데려 간 다음 다른 예술가를 세 번째로 데려갔습니다. 따라서 Venetian이라는 이름으로 예술사에 들어간 전체 미술 학교가 생겼습니다. 사반세기 동안 약 70명의 재능 있는 청년들이 그곳을 통과했습니다. Venetsianov는 농노 예술가를 포로에서 구하려고 시도했지만 이것이 해결되지 않으면 매우 걱정했습니다. 그의 가장 재능있는 학생 인 Grigory Soroka는 지주로부터 자유를 얻지 못했습니다. 그는 농노의 폐지를 보기 위해 살았지만 전 주인의 전능함에 절망에 빠져 자살했다.

Venetsianov의 많은 학생들은 전액을 받고 그의 집에서 살았습니다. 그들은 베네치아 회화의 비밀, 즉 원근법에 대한 확고한 고수, 자연에 대한 세심한 관심을 이해했습니다. 그의 제자 중에는 Grigory Soroka, Alexei Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov와 같이 러시아 예술에서 눈에 띄는 흔적을 남긴 재능있는 대가가 많이있었습니다. "Venetianians"- 그의 애완 동물을 사랑스럽게 불렀습니다.

따라서 19세기 초 3분의 1에 러시아의 문화 발전이 급격히 증가했으며 이 시기를 러시아 회화의 황금기라고 할 수 있습니다.

러시아 예술가들은 그들의 작품을 유럽 예술의 가장 좋은 예와 동등한 수준에 도달했습니다.

사람들의 위업에 대한 찬미, 그들의 영적 각성에 대한 생각, 봉건 러시아의 전염병에 대한 비난-이것이 19 세기 미술의 주요 주제입니다.

초상화에서 낭만주의의 특징, 즉 인간 성격의 독립성, 개성, 감정 표현의 자유는 특히 두드러집니다.

러시아 문화 인물의 많은 초상화, 어린이 초상화가 만들어졌습니다. 토착 자연의 아름다움을 보여준 농민 테마 풍경이 유행한다.

시험 초록

주제: "예술의 경향으로서의 낭만주의".

수행 학생 11 "B" 클래스 중학교 3 번

보이프라브 안나

세계 미술 교사

문화 Butsu T.N.

2002년 브레스트

1. 소개

2. 낭만주의의 원인

3. 낭만주의의 주요 특징

4. 낭만적인 영웅

5. 러시아의 낭만주의

가) 문학

b) 회화

c) 음악

6. 서유럽 낭만주의

그림

b) 음악

7. 결론

8. 참고문헌

1. 소개

러시아어 설명 사전을 살펴보면 "낭만주의"라는 단어의 몇 가지 의미를 찾을 수 있습니다. 1. 과거의 이상화, 고립을 특징으로하는 19 세기 1/4 분기 문학 및 예술 경향 현실에서, 성격과 인간의 숭배. 2. 낙천주의와 인간의 높은 목적을 생생한 이미지로 보여주고자 하는 열망으로 가득 찬 문학과 예술의 방향. 3. 현실의 이상화, 몽환적 사색으로 가득 찬 마음의 상태.

정의에서 알 수 있듯이 낭만주의는 예술뿐만 아니라 행동, 의복, 라이프 스타일, 사람들의 심리에서도 나타나고 삶의 중요한 순간에 발생하는 현상이므로 낭만주의 주제는 오늘날에도 여전히 관련이 있습니다. . 우리는 세기의 전환기에 살고 있으며 과도기적 단계에 있습니다. 이와 관련하여 사회에는 미래에 대한 불신, 이상에 대한 불신, 주변 현실에서 자신의 경험 세계로 탈출하고 동시에 그것을 이해하려는 욕구가 있습니다. 낭만주의 예술의 특징은 바로 이러한 특징들입니다. 그래서 연구 주제로 '예술의 경향으로서의 낭만주의'를 선택했습니다.

낭만주의는 다양한 유형의 예술의 매우 큰 층입니다. 내 작업의 목적은 여러 나라에서 낭만주의의 출현 조건과 원인을 추적하고 문학, 회화, 음악과 같은 예술 형식에서 낭만주의의 발전을 조사하고 비교하는 것입니다. 저에게 주된 임무는 모든 유형의 예술의 특징 인 낭만주의의 주요 특징을 강조하여 낭만주의가 다른 예술 경향의 발전에 어떤 영향을 미쳤는지 결정하는 것이 었습니다.

테마를 개발할 때 Filimonova, Vorotnikov 등과 같은 작가, 백과 사전 출판물, 낭만주의 시대의 다양한 작가에게 헌정 된 논문, Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova 등과 같은 작가의 전기 자료를 사용했습니다.

2. 낭만주의의 기원에 대한 이유

우리가 근대성에 가까울수록 하나 또는 다른 스타일의 지배 기간이 짧아집니다. 18세기 말 ~ 19세기 1/3의 시기. 낭만주의 시대로 간주됨

새로운 스타일의 출현에 영향을 준 것은 무엇입니까?

프랑스 대혁명, 나폴레옹 전쟁, 유럽에서 민족해방운동의 발흥이라는 세 가지 주요 사건이 있습니다.

파리의 천둥은 유럽 전역에 울려 퍼졌습니다. "자유, 평등, 박애!"라는 슬로건은 모든 유럽인에게 엄청난 매력을 주었습니다. 부르주아 사회가 형성되면서 노동계급은 독립적인 세력으로서 봉건제도에 대항하기 시작했다. 귀족, 부르주아지, 프롤레타리아트의 세 계급의 대립 투쟁은 19세기 역사 발전의 기초를 형성했습니다.

1796년부터 1815년까지 20년 동안 나폴레옹의 운명과 유럽 역사에서 그의 역할은 동시대 사람들의 마음을 사로잡았습니다. "생각의 지배자"-A.S. 그에 대해 말했습니다. 푸쉬킨.

프랑스에게 이 시기는 비록 수천 명의 프랑스인의 생명을 앗아갔지만 위대함과 영광의 해였습니다. 이탈리아는 나폴레옹을 해방자로 보았다. 폴란드인들은 그에게 큰 기대를 걸고 있었습니다.

나폴레옹은 프랑스 부르주아지의 이익을 위해 행동하는 정복자 역할을 했습니다. 유럽 ​​군주에게 그는 군사적 상대 일뿐만 아니라 부르주아지의 외계 세계를 대표했습니다. 그들은 그를 미워했습니다. 나폴레옹 전쟁이 시작될 때 그의 "대군"에는 혁명에 직접 참여한 많은 사람들이있었습니다.

나폴레옹 자신의 성격도 경이 롭습니다. 청년 Lermontov는 나폴레옹 사망 10주기에 다음과 같이 응답했습니다.

그는 세상에 대해 낯선 사람입니다. 그에 관한 모든 것이 미스터리였습니다.

승영의 날 - 그리고 시간의 가을!

이 미스터리는 특히 낭만주의의 관심을 끌었습니다.

나폴레옹 전쟁과 민족적 자의식의 성숙과 관련하여 이 시기는 민족해방운동의 발흥으로 특징지어진다. 독일, 오스트리아, 스페인은 나폴레옹 점령, 이탈리아-오스트리아 멍에, 그리스-터키, 폴란드에서는 러시아 짜르주의, 아일랜드-영국에 맞서 싸웠습니다.

한 세대의 눈앞에서 놀라운 변화가 일어났습니다.

프랑스는 프랑스 혁명 5주년 격동, 로베스피에르의 흥망성쇠, 나폴레옹 캠페인, 나폴레옹의 첫 번째 퇴위, 엘바 섬에서 돌아온 그의 귀환("백 일"), 그리고 마지막

워털루 패배, 암울한 복고체제 15주년, 1860년 7월 혁명, 1848년 파리 2월 혁명 등 다른 나라에 혁명의 물결을 일으켰다.

영국에서는 XIX 세기 후반 산업 혁명의 결과로. 기계 생산과 자본주의 관계가 수립되었습니다. 1832년 의회 개혁은 부르주아지가 국가 권력을 장악할 수 있는 길을 열어주었다.

독일과 오스트리아 땅에서는 봉건 통치자가 권력을 유지했습니다. 나폴레옹이 몰락한 후, 그들은 야당을 가혹하게 다루었습니다. 그러나 독일 땅에서도 1831년에 영국에서 가져온 증기 기관차는 부르주아 진보의 요인이 되었습니다.

산업 혁명, 정치 혁명은 유럽의 모습을 바꿔 놓았습니다. 1848년 독일 학자 ​​마르크스와 엥겔스는 "부르주아지는 100년이 채 안 되는 동안 계급 지배를 통해 이전의 모든 세대를 합친 것보다 더 많고 거대한 생산력을 창출했다"고 썼다.

따라서 프랑스 대혁명(1789-1794)은 새 시대와 계몽주의 시대를 구분하는 특별한 이정표가 되었습니다. 국가의 형태뿐만 아니라 사회의 사회적 구조, 계급의 정렬도 변했습니다. 수세기 동안 밝혀진 전체 아이디어 시스템이 흔들 렸습니다. 계몽주의자들은 혁명을 사상적으로 준비했다. 그러나 그들은 그 모든 결과를 예측할 수 없었습니다. "이성의 왕국"은 일어나지 않았습니다. 개인의 자유를 선포한 혁명은 부르주아 질서, 탐욕과 이기주의 정신을 낳았다. 이것이 낭만주의라는 새로운 방향을 제시하는 예술 문화 발전의 역사적 기반이었습니다.

3. 낭만주의의 주요 특징

예술 문화의 방법과 방향으로서의 낭만주의는 복잡하고 논쟁적인 현상이었습니다. 모든 나라에서 그는 밝은 국민적 표현을 가지고 있었습니다. Chateaubriand와 Delacroix, Mickiewicz와 Chopin, Lermontov와 Kiprensky를 하나로 묶는 특징을 문학, 음악, 회화, 연극에서 찾기란 쉽지 않습니다.

낭만주의자들은 사회에서 다양한 사회적, 정치적 지위를 차지했습니다. 그들은 모두 부르주아 혁명의 결과에 반항했지만 각자 자신의 이상이 있었기 때문에 서로 다른 방식으로 반항했습니다. 하지만 로맨티시즘은 그 많은 얼굴과 다양성으로 인해 안정적인 특징을 가지고 있다.

현대의 실망은 특별한 과거에 대한 관심: 부르주아 이전의 사회 구조, 가부장적 고대까지. 많은 낭만주의는 이탈리아, 스페인, 그리스, 터키와 같은 남동부 국가의 그림 같은 이국주의가 지루한 부르주아 일상 생활과 시적인 대조를 이룬다는 생각이 특징입니다. 당시 문명의 영향을 거의 받지 않았던 이 나라들에서 낭만주의자들은 밝고 강한 캐릭터, 독창적이고 다채로운 삶의 방식을 찾고 있었습니다. 국가적 과거에 대한 관심으로 인해 많은 역사적 작품이 탄생했습니다.

어떻게든 존재의 산문을 뛰어넘고, 개인의 다양한 능력을 해방하고, 궁극적으로 창의성으로 자아실현하려는 노력의 일환으로 낭만주의자들은 예술의 형식화와 고전주의의 특징인 직설적이고 현명한 접근에 반대했습니다. 그들은 모두 출신 계몽주의와 고전주의의 합리주의적 규범에 대한 부정,예술가의 창조적 이니셔티브를 묶었습니다 그리고 고전주의가 모든 것을 선과 악, 흑백으로 직선으로 나눈다면 낭만주의는 아무것도 직선으로 나누지 않습니다. 고전주의는 체계이지만 낭만주의는 그렇지 않다. 낭만주의는 근대를 고전주의에서 감상주의로 발전시켰고, 광활한 세계와 조화를 이루는 인간의 내면을 보여준다. 그리고 낭만주의는 내면 세계와의 조화에 반대합니다. 진정한 심리학이 나타나기 시작하는 것은 낭만주의와 함께입니다.

낭만주의의 주된 임무는 내면 세계의 이미지, 영적 삶, 그리고 이것은 이야기, 신비주의 등의 자료로 이루어질 수 있습니다. 이 내면의 역설, 그 비합리성을 보여줄 필요가 있었다.

낭만주의자들은 그들의 상상 속에서 매력적이지 않은 현실을 변형시키거나 그들의 경험의 세계로 들어갔다. 꿈과 현실 사이의 간극, 객관적 현실에 대한 아름다운 허구의 대립은 전체 낭만주의 운동의 핵심이었습니다.

낭만주의는 처음으로 예술 언어의 문제를 제기합니다. “예술은 자연과는 매우 다른 종류의 언어입니다. 그러나 그것은 또한 인간의 영혼에 은밀하고 이해할 수 없을 정도로 영향을 미치는 것과 동일한 기적적인 힘을 포함합니다.”(Wackenroder and Tieck). 예술가는 자연의 언어를 해석하는 자이며, 영혼의 세계와 사람 사이의 중개자이다. “예술가들 덕분에 인류는 온전한 개성으로 떠오릅니다. 예술가들은 현대성을 통해 과거의 세계와 미래의 세계를 통합합니다. 그들은 외부 인간성의 생명력이 서로 만나고 내부 인간성이 무엇보다 먼저 나타나는 가장 높은 영적 기관입니다”(F. Schlegel).

그러나 낭만주의는 동질적인 경향이 아니었습니다. 그 이데올로기적 발전은 서로 다른 방향으로 진행되었습니다. 낭만주의자들 중에는 봉건 군주제와 기독교를 노래한 구 정권 지지자들인 반동 작가들이 있었다. 반면에 진보적 전망을 가진 낭만주의자들은 봉건제와 온갖 억압에 대한 민주적 항거를 표명하고 더 나은 미래를 위한 인민의 혁명적 충동을 구현했다.

낭만주의는 세계 예술 문화의 전체 시대를 떠났고 그 대표자는 문학 V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz 등이었습니다. E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky 등의 미술 분야; F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin 등의 음악에서 그들은 새로운 장르를 발견하고 개발했으며 인간 성격의 운명에 세심한주의를 기울였습니다. 선과 악의 변증법, 능숙하게 드러난 인간의 열정 등

낭만주의자들은 예술의 사다리에서 음악을 우선시했지만, 예술 형식은 의미 면에서 어느 정도 균형을 이루었고 훌륭한 예술 작품을 만들어 냈습니다.

4. 로맨틱 히어로

낭만적인 영웅은 누구이며 그는 어떤 사람입니까?

이것은 개인 주의자입니다. 두 단계를 거친 슈퍼맨. 현실과 충돌하기 전 '분홍' 상태로 살며, 성취욕, 세상의 변화에 ​​사로잡혀 있다. 현실과의 충돌 후에도 그는이 세상을 저속하고 지루하다고 계속 생각하지만 회의론자, 비관론자는되지 않습니다. 아무것도 바꿀 수 없다는 명확한 이해와 함께, 위업에 대한 욕망은 위험에 대한 욕망으로 변질됩니다.

낭만주의자들은 모든 사소한 것, 모든 구체적인 사실, 모든 특이한 것에 영원하고 지속적인 가치를 부여할 수 있습니다. Joseph de Maistre는 그것을 "섭리의 길", Germaine de Stael - "불멸의 우주의 유익한 가슴"이라고 부릅니다. 역사에 관한 책에서 "기독교의 천재"에 나오는 Chateaubriand는 역사적 시간의 시작으로서 신을 직접적으로 지적합니다. 사회는 "우리를 조상과 연결하고 후손에게까지 이어져야 하는 생명의 끈"인 흔들리지 않는 유대로 나타납니다. 사람의 머리가 아닌 마음만이 자연의 아름다움과 깊은 감정을 통해 창조주의 음성을 이해하고 들을 수 있습니다. 자연은 신성하고 조화와 창조력의 원천이며 그 은유는 종종 낭만주의에 의해 정치 어휘로 옮겨집니다. 낭만주의의 경우 나무는 가족의 상징, 자발적인 발전, 조국의 주스에 대한 인식, 국가 통합의 상징이됩니다. 사람의 본성이 순진하고 예민할수록 하나님의 음성을 더 쉽게 듣습니다. 어린이, 여성, 고귀한 청년은 다른 사람들보다 더 자주 영혼의 불멸과 영생의 가치를 봅니다. 행복에 대한 낭만주의의 갈증은 죽음 이후의 신의 왕국에 대한 이상주의적 욕망에 국한되지 않습니다.

하나님에 대한 신비로운 사랑 외에도 사람에게는 실제적이고 지상적인 사랑이 필요합니다. 그의 열정의 대상을 소유 할 수 없었던 낭만적 인 영웅은 영원한 순교자가되어 내세에서 사랑하는 사람과의 만남을 기다릴 운명에 처했습니다. "큰 사랑은 사람의 생명을 앗아 갈 때 불멸에 합당하기 때문입니다."

낭만주의 작업의 특별한 위치는 개인의 발달과 교육 문제로 가득 차 있습니다. 어린 시절에는 법이 없으며 순간적인 충동은 유치한 놀이 규칙에 따라 공공 도덕을 위반합니다. 성인의 경우 유사한 반응이 죽음과 영혼의 정죄로 이어집니다. 천국을 찾기 위해서는 도리와 도덕의 법칙을 깨달아야 영생을 소망할 수 있습니다. 의무는 영원한 생명을 얻고자 하는 욕망에 의해 낭만주의자에게 지시되기 때문에 의무의 이행은 가장 깊고 가장 강력한 표현으로 개인의 행복을 줍니다. 도덕적 의무에 깊은 감정과 높은 관심의 의무가 추가됩니다. 남녀의 장점을 섞지 않고 낭만주의는 남녀의 영적 발전의 평등을 옹호합니다. 마찬가지로 하나님과 그분의 제도에 대한 사랑은 시민의 의무를 규정합니다. 개인의 노력은 공동의 목적, 전 민족, 전 인류, 전 세계의 노력에서 완성됩니다.

모든 문화에는 고유한 낭만적인 영웅이 있지만 Byron은 그의 작품 Charld Harold에서 낭만적인 영웅의 전형적인 표현을 제시했습니다. 그는 영웅의 가면을 쓰고 (영웅과 작가 사이에 거리가 없다고 말함) 낭만적 인 정경을 준수했습니다.

모든 낭만적인 작품은 다음과 같은 특징이 있습니다.

첫째, 모든 낭만적인 작품에는 주인공과 작가 사이에 거리가 없습니다.

둘째, 영웅의 저자는 판단하지 않지만 그에 대해 나쁜 말을하더라도 영웅이 비난하지 않는 방식으로 줄거리가 구성됩니다. 낭만적인 작품의 줄거리는 대개 낭만적입니다. 낭만주의는 또한 자연과 특별한 관계를 구축하고 폭풍, 뇌우, 대격변을 좋아합니다.

5. 러시아의 낭만주의.

러시아의 낭만주의는 다른 역사적 배경과 문화적 전통을 선호한다는 점에서 서유럽과 달랐습니다. 프랑스 혁명은 그 발생 원인 중 하나로 간주 될 수 없으며 매우 좁은 범위의 사람들이 그 과정에서 변화에 대한 희망을 가졌습니다. 그리고 혁명의 결과는 완전히 실망스러웠다. 19세기 초 러시아의 자본주의 문제. 서 있지 않았다. 그러므로 그런 이유가 없었습니다. 진짜 이유는 1812년 조국전쟁으로 인민주도권의 모든 힘이 발휘되었다. 그러나 전쟁이 끝난 후 사람들은 의지를 얻지 못했습니다. 현실에 불만을 품은 최고의 귀족들은 1825년 12월 원로원 광장으로 갔다. 이 행위는 창조적 지식인에게도 흔적을 남겼다. 격동의 전후 시기는 러시아 낭만주의가 형성되는 환경이 되었다.

낭만주의, 그리고 우리의 러시아인은 우리의 원래 형태로 발전하고 성형되었습니다. 낭만주의는 단순한 문학이 아니라 삶의 현상, 도덕 발전의 전체 시대, 고유 한 색을 가진 시대, 특별한 것을 수행했습니다. 삶의 전망 ... 낭만적 인 경향이 외부, 서양 생활 및 서양 문학에서 나오게하십시오. 러시아 자연에서 인식 할 준비가 된 토양을 발견했기 때문에 시인이자 비평가 인 Apollon Grigoriev와 같이 완전히 독창적 인 현상에 반영되었습니다. 평가-이것은 독특한 문화적 현상이며 그 특성화는 낭만주의의 본질적인 복잡성을 보여줍니다. , 젊은 고골이 나왔고 그의 글쓰기 경력 초기뿐만 아니라 평생 동안 관련된 창자에서.

Apollon Grigoriev는 당시의 산문을 포함하여 낭만적 인 학교가 문학과 삶에 미치는 영향의 본질을 정확하게 결정했습니다. 단순한 영향이나 차용이 아니라 젊은 러시아 문학에서 완전히 독창적 인 현상을 제공하는 특징적이고 강력한 삶과 문학적 경향입니다.

가) 문학

러시아 낭만주의는 일반적으로 초기 (1801-1815), 성숙기 (1815-1825) 및 Decembrist 이후 개발 기간의 여러 기간으로 나뉩니다. 그러나 초기 기간과 관련하여 이 계획의 관습성은 놀랍습니다. 러시아 낭만주의의 새벽에는 작품과 세계관을 같은 기간에 나란히 놓고 비교하기 어려운 시인 Zhukovsky와 Batyushkov의 이름과 관련이 있으며 그들의 목표, 열망 및 기질은 매우 다릅니다. 두 시인의시에서 감상주의 시대 인 과거의 오만한 영향은 여전히 ​​\u200b\u200b느껴지지만 Zhukovsky가 여전히 그것에 깊이 뿌리 내리고 있다면 Batyushkov는 새로운 경향에 훨씬 더 가깝습니다.

Belinsky는 Zhukovsky의 작업이 "이름이없는 불완전한 희망에 대한 불만, 잃어버린 행복에 대한 슬픔, 그것이 무엇으로 구성되어 있는지 하나님이 아시는 것"이 ​​특징이라고 올바르게 지적했습니다. 사실, Zhukovsky의 사람에게서 낭만주의는 여전히 첫 번째 소심한 발걸음을 내디뎠으며 감상적이고 우울한 갈망, 모호하고 거의 알아볼 수없는 마음의 갈망, 한마디로 러시아 비판에서 그 복잡한 일련의 감정에 경의를 표했습니다. "중세의 낭만주의"라고합니다.

Batyushkov의시에는 완전히 다른 분위기가 지배합니다. 존재의 기쁨, 솔직한 관능, 즐거움에 대한 찬송가입니다.

Zhukovsky는 당연히 러시아 미적 휴머니즘의 저명한 대표자로 간주됩니다. 강한 열정에 외계인, 안주하고 온유 한 Zhukovsky는 Rousseau와 독일 낭만주의 아이디어의 눈에 띄는 영향을 받았습니다. 그들을 따라 그는 종교, 도덕, 사회 관계에서 미적 측면을 중시했다. 예술은 Zhukovsky로부터 종교적 의미를 얻었고 예술에서 더 높은 진리의 "계시"를 보려고 노력했으며 그에게 "신성"했습니다. 독일 낭만주의자들이 시와 종교를 동일시하는 것은 전형적인 일이다. Zhukovsky는 "시는 지구의 거룩한 꿈에서 신이다"라고 썼습니다. 독일 낭만주의에서 그는 특히 "영혼의 밤 쪽", 자연과 인간의 "표현할 수 없는" 너머의 모든 것에 대한 매력에 가까웠습니다. Zhukovsky시의 자연은 신비로 둘러싸여 있으며 그의 풍경은 물에 반사되는 것처럼 유령 같고 거의 비현실적입니다.

향은 식물의 차가움과 어떻게 합쳐지는가!

제트기가 튀는 기슭의 침묵 속에서 얼마나 달콤한가!

물 위의 마시멜로 바람은 얼마나 조용한가

그리고 유연한 버드나무 설레임!

Zhukovsky의 민감하고 부드럽고 꿈꾸는 영혼은 "이 신비한 빛"의 문턱에서 달콤하게 얼어 붙는 것 같습니다. 벨린스키의 적절한 표현에 따르면 시인은 “그의 고통을 사랑하고 비둘기”라고 하지만, 이 고통은 잔인한 상처로 그의 마음을 찌르지 않습니다. 따라서 "행복과 재미의 아들"인 Batyushkov에게 보내는 메시지에서 그는 Epicurean 시인을 "Muse에 상대적"이라고 부르면이 관계를 믿기 어렵습니다. 오히려 우리는 가수에게 지상의 즐거움을 친절하게 조언하는 고결한 Zhukovsky를 믿습니다. "풍만함을 거부하십시오. 꿈은 치명적입니다!"

Batyushkov는 Zhukovsky와 반대되는 모든 인물입니다. 그는 강한 열정을 가진 사람이었고 그의 창조적인 삶은 그의 육체적 존재보다 35년 일찍 단절되었습니다. 그는 기쁨과 슬픔 모두에 동등한 힘과 열정으로 자신을 바쳤습니다. 삶과 시적 이해에서 그는 Zhukovsky와 달리 "황금 평균"에 외계인이었습니다. 그의시는 또한 순수한 우정에 대한 칭찬, "겸손한 구석"의 기쁨이 특징이지만 그의 짧은 서사시는 결코 겸손하고 조용하지 않습니다. 왜냐하면 Batiushkov는 열정적 인 쾌락과 삶에 대한 중독의 나른한 행복 없이는 그것을 상상할 수 없기 때문입니다. 때때로 시인은 감각적 기쁨에 사로잡혀 과학의 억압적인 지혜를 무모하게 거부할 준비가 되어 있습니다.

그것은 슬픈 진실에 있습니까

우울한 금욕주의와 지루한 현자,

장례식복 차림으로 앉아

잔해와 관 사이

삶의 달콤함을 찾아볼까요?

그들에게서 나는 기쁨을 본다

가시덤불에서 나비처럼 날아갑니다.

그들에게는 자연의 매력에는 매력이 없고,

처녀들은 그들에게 노래를 부르지 않고 둥근 춤을 추며 얽혀 있습니다.

그들에게는 맹인과 같이

기쁨이 없는 봄과 꽃이 없는 여름.

진정한 비극은 그의시에서 거의 들리지 않습니다. 그의 창조적 인 삶이 끝날 무렵, 그가 정신 질환의 징후를 보이기 시작했을 때만 받아쓰기로 녹음 된 그의 마지막시 중 하나가 있었는데, 여기에는 지상 존재의 무익함의 모티프가 분명히 들립니다.

네가 한 말을 기억하니?

백발의 멜기세덱이여, 삶에 작별을 고하는 것입니까?

인간은 노예로 태어났다

무덤에 노예로 누울 것이며,

그리고 죽음은 그에게 거의 말하지 않을 것입니다

왜 그는 기묘한 눈물의 골짜기를 걸어갔으며,

고생하고, 울고, 견디고,

러시아에서는 문학적 경향으로서의 낭만주의가 19세기 20년대에 발전했습니다. 그 기원은 시인, 산문 작가, 작가였으며 그들은 국가적이고 독창적 인 성격에서 "서유럽"과 다른 러시아 낭만주의를 만들었습니다. 러시아 낭만주의는 19세기 전반의 시인들에 의해 발전했으며 각 시인은 새로운 것을 가져왔습니다. 러시아 낭만주의는 널리 발전하고 특징을 얻었으며 문학의 독립적 인 경향이되었습니다. "Ruslan and Lyudmila"에서 A.S. 푸쉬킨에는 "러시아 정신이 있고 거기에서 러시아 냄새가납니다. "라는 대사가 있습니다. 러시아 낭만주의에 대해서도 마찬가지입니다. 낭만적 인 작품의 주인공은 "높음"과 아름다움을 위해 노력하는 시적 영혼입니다. 그러나 이 영혼들을 이해할 수 없게 만드는 자유를 느끼지 못하게 하는 적대적인 세계가 있습니다. 이 세상은 거칠기 때문에 시적 영혼은 이상이있는 다른 곳으로 도망쳐 "영원"을 위해 노력합니다. 낭만주의는 이러한 갈등에 기반을 두고 있다. 그러나 시인들은 이런 상황에 다르게 반응했다. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov는 한 가지에서 진행하여 영웅과 주변 세계의 관계를 다른 방식으로 구축하므로 영웅은 이상에 대한 경로가 다릅니다.

현실은 끔찍하고 무례하며 뻔뻔스럽고 이기적이며 시인, 그의 영웅의 감정, 꿈 및 욕망을위한 자리가 없습니다. "참"과 영원한 - 다른 세계에서. 따라서 두 세계의 개념, 시인은 이상을 찾기 위해 이러한 세계 중 하나를 위해 노력합니다.

Zhukovsky의 입장은 그에게 도전 한 외부 세계와 투쟁에 들어간 사람의 입장이 아니 었습니다. 영원하고 아름다운 세계에서 자연과 합일하는 길, 자연과 조화를 이루는 길이었습니다. 많은 연구자들(Yu.V. Mann 포함)의 의견에 따르면 Zhukovsky는 The Inexpressible에서 이러한 통일 과정에 대한 이해를 표현합니다. 단결은 영혼의 비행입니다. 당신을 둘러싼 아름다움은 당신의 영혼을 채우고 당신 안에 있고 당신은 그 안에 있고 영혼은 날아가고 시간도 공간도 존재하지 않지만 당신은 자연에 존재하며 당신이 사는 지금 이 아름다움에 대해 노래하고 싶습니다 ,하지만 당신의 상태를 표현할 말이없고 조화로운 느낌 만 있습니다. 당신은 당신 주변의 사람들, 평범한 영혼에 의해 방해받지 않고 더 많은 것이 당신에게 열려 있고 당신은 자유 롭습니다.

Pushkin과 Lermontov는이 낭만주의 문제에 다르게 접근했습니다. Zhukovsky가 Pushkin에 미치는 영향이 후자의 작업에 반영 될 수밖에 없다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 푸쉬킨의 초기 작품은 "시민적" 낭만주의가 특징입니다. "러시아 전사 캠프의 가수"Zhukovsky와 Griboyedov의 작품의 영향으로 Pushkin은 "Liberty", "To Chaadaev"에 대한 찬사를 씁니다. 후자에서 그는 다음과 같이 부릅니다.

"내 친구! 멋진 충동으로 조국에 영혼을 바치자 ...". 이것은 Zhukovsky가 가진 이상에 대한 동일한 열망이며 Pushkin만이 이상을 자신의 방식으로 이해하므로 이상에 대한 경로는 시인에게 다릅니다. 그는 이상만을 원하지 않고 노력할 수 없으며 시인은 그를 요구합니다. 푸쉬킨은 현실과 이상을 다르게 보았다. 반란이라고 부를 수는 없습니다. 이것은 반항적 요소에 대한 반성입니다. 이것은 ode "Sea"에 반영되었습니다. 이것이 바다의 힘과 힘이고 바다는 자유롭고 이상에 도달했습니다. 인간도 자유로워져야 하고, 영혼도 자유로워야 합니다.

이상을 찾는 것은 낭만주의의 주요 특징입니다. 그것은 Zhukovsky, Pushkin 및 Lermontov의 작업에서 나타났습니다. 세 시인 모두 자유를 찾고 있었지만 서로 다른 방식으로 자유를 찾았고 다르게 이해했습니다. Zhukovsky는 "창조자"가 보낸 자유를 찾고있었습니다. 조화를 찾은 사람은 자유로워집니다. 푸쉬킨에게는 정신의 자유가 중요했으며 이는 사람에게 나타나야합니다. Lermontov에게는 반항적 인 영웅 만이 무료입니다. 자유를 위한 반란, 이보다 더 아름다운 것이 어디 있겠는가? 이상에 대한 이러한 태도는 시인의 사랑 가사에 보존되었습니다. 제 생각에는 이 관계는 시간 때문입니다. 그들은 모두 거의 같은 기간에 일했지만 일하는 시간은 달랐고 사건은 놀라운 속도로 발전했습니다. 시인의 성격도 그들의 관계에 큰 영향을 미쳤습니다. 차분한 Zhukovsky와 반항적 인 Lermontov는 완전히 반대입니다. 그러나 러시아 낭만주의는 바로 이 시인들의 본성이 다르기 때문에 발전했습니다. 그들은 새로운 개념, 새로운 캐릭터, 새로운 이상을 소개하고 자유가 무엇인지, 실제 삶이 무엇인지에 대한 완전한 그림을 제공했습니다. 그들 각각은 이상에 대한 자신의 길을 나타내며 이것은 각 개인의 선택권입니다.

낭만주의의 출현은 매우 충격적이었습니다. 인간의 개성은 이제 전 세계의 중심에 섰습니다. 인간의 '나'는 모든 존재의 근거이자 의미로 해석되기 시작했다. 인간의 삶은 예술 작품, 예술로 간주되기 시작했습니다. 낭만주의는 19세기에 매우 널리 퍼졌습니다. 그러나 자신을 낭만주의자라고 부르는 모든 시인이 이러한 경향의 본질을 전달한 것은 아닙니다.

이제 20세기 말에 우리는 이미 지난 세기의 낭만주의자들을 두 그룹으로 분류할 수 있습니다. 하나이자 아마도 가장 광범위한 그룹은 "공식적인" 낭만주의를 통합한 그룹일 것입니다. 성실함을 의심하기는 어렵고 반대로 감정을 매우 정확하게 전달합니다. 그중에는 Dmitry Venevitinov(1805-1827)와 Alexander Polezhaev(1804-1838)가 있습니다. 이 시인들은 예술적 목표를 달성하는 데 가장 적합하다고 생각하여 낭만적인 형식을 사용했습니다. 따라서 D. Venevitinov는 다음과 같이 씁니다.

내 안에 불타오르는 걸 느껴

영감의 성스러운 불꽃

하지만 영혼은 어둠의 목표를 향해 날아오른다...

든든한 절벽을 찾을 수 있을까,

굳은 발을 어디에 둘 수 있습니까?

이것은 전형적인 낭만주의 시입니다. 그것은 전통적인 낭만적인 어휘를 사용합니다. 이것은 "영감의 불꽃"과 "급상승하는 정신"입니다. 따라서 시인은 자신의 감정을 묘사합니다. 하지만 더 이상. 시인은 낭만주의의 틀인 "언어적 모습"에 묶여 있습니다. 모든 것이 일부 우표로 단순화됩니다.

물론 19 세기의 또 다른 낭만주의 그룹의 대표자는 A.S. Pushkin과 M. Lermontov였습니다. 반대로 이 시인들은 자신의 내용으로 낭만적인 형식을 채웠습니다. A. Pushkin의 낭만적 인 기간은 짧았으므로 낭만적 인 작품이 거의 없습니다. "코카서스의 죄수"(1820-1821)는 A.S. 푸쉬킨. 우리 앞에는 낭만적인 작품의 고전적인 버전이 있습니다. 저자는 그의 영웅의 초상화를 제공하지 않으며 그의 이름조차 모릅니다. 그리고 이것은 놀라운 일이 아닙니다. 모든 낭만적 인 영웅은 서로 비슷합니다. 그들은 젊고, 아름답고... 그리고 불행합니다. 작품의 줄거리도 고전적으로 낭만적입니다. Circassians와 함께 러시아 죄수 인 젊은 Circassian 여성이 그를 사랑하고 탈출을 돕습니다. 그러나 그는 절망적으로 다른 사람을 사랑합니다... 시는 비극적으로 끝납니다. 키르케 스 여성은 물에 몸을 던지고 죽고 "육체적"포로에서 해방 된 러시아인은 또 다른 더 고통스러운 포로, 즉 영혼의 포로에 빠집니다. 영웅의 과거에 대해 무엇을 알고 있습니까?

머나먼 길은 러시아로 통한다...

.....................................

그가 끔찍한 고통을 품은 곳,

바쁜 일상이 망가진 곳

희망, 기쁨, 욕망.

그는 자유를 찾아 대초원에 왔고 과거의 삶에서 벗어나려고 노력했습니다. 그리고 지금, 행복이 너무 가까워 보였을 때 그는 다시 달려야 했습니다. 하지만 어디? 그가 "끔찍한 고통을 품은" 세상으로 돌아가십시오.

빛의 변절자, 자연의 친구,

그는 고향을 떠났습니다.

그리고 머나먼 땅으로 날아갔다

쾌활한 자유의 유령과 함께.

그러나 "자유의 유령"은 유령에 불과했습니다. 그는 낭만적인 영웅을 영원히 괴롭힐 것입니다. 또 다른 낭만적인 시는 "집시"입니다. 그 안에서 저자는 다시 독자에게 영웅의 초상화를 제공하지 않으며 우리는 그의 이름 인 Aleko 만 알고 있습니다. 그는 진정한 즐거움, 진정한 자유를 알기 위해 수용소에 왔습니다. 그녀를 위해 그는 그를 둘러싼 모든 것을 버렸습니다. 그는 자유롭고 행복했는가? Aleko가 사랑하는 것처럼 보이지만이 느낌으로 불행과 경멸 만이 그에게옵니다. 그토록 자유를 갈망하던 알레코는 타인의 의지를 알아보지 못했다. 이시에서 낭만적 인 영웅의 세계관의 또 다른 매우 특징적인 특징 인 이기심과 외부 세계와의 완전한 비 호환성이 나타났습니다. Aleko는 죽음으로 처벌되지 않지만 외로움과 논쟁으로 더 나빠집니다. 그는 자신이 도망친 세상에서 혼자였지만, 너무나 바람직한 또 다른 세상에서는 다시 혼자 남겨졌습니다.

푸쉬킨은 코카서스의 죄수를 쓰기 전에 "나는 낭만적인 시의 주인공이 되기에 적합하지 않다"고 말한 적이 있습니다. 그러나 동시에 1820 년 푸쉬킨은 "낮의 빛이 꺼졌다 ..."라는시를 썼습니다. 그것에서 당신은 낭만주의 고유의 모든 어휘를 찾을 수 있습니다. 작가를 괴롭히는 '외딴 해안', '우울한 바다', '흥분과 그리움'이다. 후렴구는시 전체에 걸쳐 있습니다.

침침한 바다여, 내 밑에서 파도를 치십시오.

그것은 자연에 대한 묘사뿐만 아니라 영웅의 감정에 대한 묘사에도 존재합니다.

... 그러나 이전의 심장 상처,

사랑의 깊은 상처, 치유되지 않는 것…

소음, 소음, 순종적인 항해,

내 밑에서 걱정해라, 우울한 바다여...

즉, 자연은 시의 또 다른 인물, 또 다른 서정적 영웅이 된다. 나중에 1824 년에 푸쉬킨은 "바다로"라는시를 썼습니다. "오늘의 빛이 나갔다 ..."에서와 같이 낭만적 인 영웅은 다시 작가 자신이되었습니다. 여기서 푸쉬킨은 바다를 전통적인 자유의 상징으로 언급합니다. 바다는 자유와 행복을 의미하는 요소입니다. 그러나 푸쉬킨은 이 시를 예상치 못하게 구성합니다.

당신은 기다렸고, 당신은 전화했습니다... 나는 사슬에 묶여 있었습니다.

여기 내 영혼이 찢어졌습니다.

강한 열정에 매료되어

나는 해안에 머물렀다. . .

이 시는 푸쉬킨 생애의 낭만적인 시기를 완성한다고 말할 수 있습니다. 소위 "신체적" 자유를 얻은 후에는 낭만적인 영웅이 행복해지지 않는다는 것을 아는 남자가 쓴 것입니다.

숲에서, 사막에서 침묵

널 가득 채울게

당신의 바위, 당신의 만...

이때 푸쉬킨은 진정한 자유는 사람 안에만 존재할 수 있고 그것만이 그를 진정으로 행복하게 할 수 있다는 결론에 도달한다.

Byron의 낭만주의의 변형은 그의 작품에서 처음으로 러시아 문화 Pushkin과 Lermontov에서 살았고 느꼈습니다. 푸쉬킨은 사람들에게 관심을 기울이는 재능이 있었지만 위대한 시인이자 산문 작가의 작품에서 가장 낭만적인 시는 의심할 여지없이 바흐치사라이의 분수입니다.

"Bakhchisaray의 분수"라는시는 여전히 낭만적 인시 장르에서 푸쉬킨의 검색을 계속할뿐입니다. 그리고 위대한 러시아 작가의 죽음이 이것을 막았다는 것은 확실합니다.

푸쉬킨의 작품에서 낭만적인 주제는 두 가지 다른 옵션을 받았습니다. 강한 의지로 구별되는 영웅적인 낭만적인 영웅("포로", "강도", "도망자")이 있고 폭력적인 열정의 잔인한 시험을 통과한 사람이 있습니다. 미묘한 감정적 경험이 외부 세계의 잔인 함과 양립 할 수없는 고통받는 영웅 ( "추방", "수감자"). 낭만적 인 캐릭터의 수동적 시작은 이제 푸쉬킨에서 여성스러운 모습을 얻었습니다. Bakhchisaray의 분수는 낭만적인 영웅의 이러한 측면을 정확하게 발전시킵니다.

"코카서스의 죄수"에서 모든 관심은 "죄수"에게 지불되었고 "Circassian"에는 거의 관심이 없었습니다. 이제 반대로 Khan Girey는 극적인 인물에 지나지 않으며 실제로 주인공은 여성입니다. 두 명 - Zarema와 Maria. 이전시에서 발견 된 영웅의 이중성에 대한 해결책 (체인 형제의 이미지를 통해)은 여기에서 Pushkin에서도 사용됩니다. 수동적 시작은 질투심 많고 열정적으로 사랑에 빠진 Zarema와 슬픈 두 캐릭터의 얼굴에 묘사됩니다. , 잃어버린 희망과 사랑 Mary. 둘 다 낭만적 인 성격의 두 가지 상충되는 열정입니다 : 실망, 낙담, 절망, 동시에 영적 열정, 감정의 강도; 모순은시에서 비극적으로 해결됩니다. Mary의 죽음은 신비한 유대로 연결되어 있기 때문에 Zarema에게도 행복을 가져다주지 못했습니다. 그래서 The Robber Brothers에서 형제 중 한 사람의 죽음은 다른 형제의 삶을 영원히 가렸습니다.

그러나 B.V. Tomashevsky는 "시의 서정적 고립도 내용의 일부 부족을 결정했습니다 ... Zarema에 대한 도덕적 승리는 더 이상의 결론과 반성으로 이어지지 않습니다 ... "Caucasus의 죄수"는 푸쉬킨의 작품 : Aleko와 Eugene Onegin은 모두 첫 번째 남부시에서 제기 된 질문을 허용합니다. "Bakhchisarai의 분수"는 그런 연속이 없습니다 ... "

푸쉬킨은 사람의 낭만적인 위치에서 가장 취약한 부분을 모색하고 식별했습니다. 그는 자신을 위해서만 모든 것을 원합니다.

Lermontov의시 "Mtsyri"도 낭만주의의 특징을 완전히 반영하지 않습니다.

이시에는 두 명의 낭만적 인 영웅이 있으므로 이것이 낭만적 인시라면 매우 독특합니다. 첫째, 두 번째 영웅은 서문을 통해 작가가 전달합니다. 둘째, 저자는 Mtsyri와 연결하지 않고 영웅은 자신의 방식으로 자기 의지 문제를 해결하며시 전체에서 Lermontov는이 문제 해결에 대해서만 생각합니다. 그는 자신의 영웅을 판단하지 않지만 그것을 정당화하지는 않지만 이해라는 특정 입장을 취합니다. 러시아 문화의 낭만주의가 성찰로 바뀌는 것으로 밝혀졌습니다. 사실주의 측면에서 낭만주의로 밝혀졌습니다.

푸쉬킨과 레르몬토프는 낭만적인 사람이 되지 못했다고 말할 수 있습니다(레르몬토프는 한때 드라마 '가면무도회'에서 낭만적인 법을 준수했지만). 그들의 실험을 통해 시인들은 영국에서는 개인 주의자의 지위가 유익 할 수 있지만 러시아에서는 그렇지 않다는 것을 보여주었습니다. 푸슈킨과 레르몬토프는 낭만주의자가 되는 데는 실패했지만 사실주의 발전의 길을 닦았다. 1825 년에 "Boris Godunov", "The Captain 's Daughter", "Eugene Onegin", "A Hero of Our Time"등의 최초의 사실적인 작품이 출판되었습니다.

b) 회화

시각 예술에서 낭만주의는 회화와 그래픽에서 가장 분명하게 나타났고 조각과 건축에서는 덜 표현되었습니다. 러시아 낭만주의 화가들은 시각 예술에서 낭만주의를 대표하는 저명한 대표자였습니다. 그들의 캔버스에서 그들은 자유에 대한 사랑의 정신, 적극적인 행동을 표현했으며 열정적이고 기질적으로 인본주의의 표현에 호소했습니다. 러시아 화가의 일상적인 캔버스는 관련성과 심리학, 전례없는 표현으로 구별됩니다. 영적이고 우울한 풍경은 인간 세계에 침투하여 사람이 달 아래 세계에서 어떻게 살고 꿈꾸는지를 보여주기 위해 다시 한 번 낭만주의의 동일한 시도입니다. 러시아 낭만주의 회화는 외국과 달랐다. 이것은 역사적 상황과 전통에 의해 결정되었습니다.

러시아 낭만주의 회화의 특징:

계몽사상은 약해졌지만 유럽처럼 무너지지는 않았다. 따라서 낭만주의는 발음되지 않았습니다.

낭만주의는 고전주의와 병행하여 발전했으며 종종 고전주의와 얽혀 있습니다.

러시아의 학술 회화는 아직 소진되지 않았습니다.

러시아의 낭만주의는 안정적인 현상이 아니었고 낭만주의는 학문에 끌렸다. XIX 세기 중반까지. 낭만적인 전통은 거의 사라졌다.

낭만주의와 관련된 작품은 이미 1790 년대에 러시아에 등장하기 시작했습니다 (Feodosy Yanenko "Travelers Caught in a Storm"(1796), "Self-Portrait in a Helmet"(1792). 원형은 그들에서 분명합니다-Salvator Rosa는 18세기와 19세기 초에 매우 인기가 있었습니다. 나중에 이 원시 낭만주의 예술가의 영향은 Alexander Orlovsky의 작품에서 두드러질 것입니다. 강도, 모닥불 장면, 전투는 그의 전체 경력을 동반했습니다. 다른 나라에서와 마찬가지로 , 러시아 낭만주의에 속하는 예술가들은 초상화, 풍경 및 장르 장면을 완전히 새로운 감정적 분위기로 도입했습니다.

러시아에서는 낭만주의가 처음으로 나타나기 시작했습니다. 초상화 그림. 19세기 초반에 그녀는 대부분 고위 귀족들과 연락이 끊겼습니다. 시인, 예술가, 예술 후원자의 초상화, 평범한 농민의 이미지가 중요한 장소를 차지하기 시작했습니다. 이러한 추세는 O.A.의 작업에서 특히 두드러졌습니다. Kiprensky (1782-1836) 및 V.A. 트로피닌(1776~1857).

Vasily Andreevich Tropinin은 그의 초상화를 통해 표현되는 사람의 생생하고 여유로운 특성화를 위해 노력했습니다. 아들의 초상화 (1818), "A.S. 푸쉬킨의 초상화"(1827), "자화상"(1846)은 원본과 닮은 초상화가 아니라 사람의 내면에 비정상적으로 미묘하게 침투하여 놀라움을 금치 못합니다.

아들의 초상- Arsenia Tropinina는 마스터의 작업에서 최고 중 하나입니다. XVIII 세기의 발레리 그림을 연상시키는 정교하고 부드러운 황금색. 그러나 XVIII 세기 낭만주의의 전형적인 어린이 초상화와 비교했습니다. 여기에서 편견없는 디자인이 인상적입니다. 이 아이는 아주 작은 정도로 포즈를 취합니다. Arseny의 시선은 시청자를 지나쳐 미끄러지 듯 옷을 입고 우연히 문이 열린 것 같습니다. 대표성의 부족은 구성의 비범한 단편화에 있습니다. 머리가 캔버스의 거의 전체 표면을 채우고 이미지가 쇄골까지 잘려서 소년의 얼굴이 자동으로 보는 사람을 향해 움직입니다.

놀랍도록 흥미로운 창조의 역사 "푸쉬킨의 초상화".평소와 같이 Pushkin과의 첫 만남을 위해 Tropinin은 시인이 살았던 개 놀이터에있는 Sobolevsky의 집에 왔습니다. 작가는 그의 사무실에서 강아지를 만지작거리고 있는 그를 발견했다. 동시에 Tropinin이 그토록 높이 평가 한 작은 스케치 인 첫인상에 따라 작성된 것 같습니다. 오랫동안 그는 추적자들의 눈에 띄지 않았습니다. 거의 100년 후인 1914년에 P.M. Alexander Sergeevich의 모든 초상화를 쓴 Shchekotov는“그의 특징을 가장 잘 전달합니다 ... 여기에서 시인의 파란 눈은 특별한 광채로 가득 차 있고 머리의 회전은 빠르며 얼굴 특징은 표현력이 풍부하고 움직입니다. . 의심 할 여지없이 여기에 우리에게 내려온 초상화 중 하나 또는 다른 초상화에서 개별적으로 만나는 푸쉬킨 얼굴의 진정한 특징이 있습니다. Shchekotov는 "이 매력적인 스케치가 출판사와 시인 감정가로부터 적절한 관심을받지 못한 이유는 여전히 의아해합니다. "라고 덧붙였습니다. 이것은 작은 스케치의 특성에 의해 설명됩니다. 색상의 광채도, 붓놀림의 아름다움도, 훌륭하게 쓰여진 "로터리"도 없었습니다. 그리고 여기 푸쉬킨은 "천재"가 아니라 인기있는 "vitia"가 아니라 무엇보다도 남자입니다. 그리고 거의 설명이없는 에튜드의 브러시의 무작위 스트로크처럼 단색의 회록색 올리브 스케일에 그러한 엄청난 인간 콘텐츠가 포함 된 이유를 분석하기가 거의 불가능합니다. 푸쉬킨의 모든 생애와 이후의 초상화를 기억하면서 인류의 힘이라는 측면에서이 연구는 소련 조각가 A. Matveev가 조각 한 푸쉬킨의 모습 옆에만 놓을 수 있습니다. 그러나 이것은 Tropinin이 설정 한 작업이 아니었고 그의 친구가 시인을 단순하고 가정적인 형태로 묘사하도록 명령했지만 이것은 그의 친구가보고 싶어했던 종류의 Pushkin이 아니 었습니다.

예술가의 평가에서 푸쉬킨은 "차르 시인"이었습니다. 그러나 그는 또한 민속 시인이었고 자신의 사람이었고 모든 사람과 가깝습니다. Polevoy는 끝 부분에 "초상화와 원본의 유사성이 놀랍습니다. "라고 말했지만 새로운 인상을 줄 때마다 푸쉬킨을 변화시키고 되살리는 "빠른 시력"과 "얼굴의 생생한 표현"이 부족하다고 지적했습니다. .

초상화에서는 모든 것이 가장 작은 세부 사항까지 생각되고 검증되며 동시에 고의적 인 것도없고 작가가 소개 한 것도 없습니다. 시인의 손가락을 장식하는 반지조차도 푸쉬킨 자신이 인생에서 중요성을 부여한 정도로 강조됩니다. Tropinin의 그림 같은 계시 중에서 Pushkin의 초상화는 그 범위의 음파에 부딪칩니다.

트로피닌의 낭만주의는 감상주의적 기원을 뚜렷이 표현하고 있다. 장르의 창시자 인 Tropinin은 다소 이상화 된 사람들의 초상화 ( "The Lacemaker"(1823))였습니다. Svinin은 "감정가와 감정가 모두"라고 썼습니다. "레이스메이커" --그림 예술의 모든 아름다움을 진정으로 연결하는 이 그림을 보고 감탄하게 됩니다. 붓의 유쾌함, 적절하고 행복한 조명, 색상이 선명하고 자연스러우며 더욱이 이 초상화는 아름다움의 영혼을 드러내며 그 순간 들어온 사람에게 던지는 교활한 호기심의 눈빛. 팔꿈치에 드러난 그녀의 팔은 그녀의 시선으로 멈추고 작업이 멈추고 모슬린 스카프로 덮인 처녀 가슴에서 한숨이 날아갔습니다. 이 모든 것은이 그림이 매우 쉽게 착각 될 수있는 진실과 단순함으로 묘사됩니다 영광스러운 꿈의 가장 성공적인 작업을 위해. 레이스 베개와 수건과 같은 보조 품목은 훌륭한 예술로 배열되고 최종적으로 해결됩니다 ... "

19세기 초에 트베리는 러시아의 중요한 문화 중심지였습니다. 모스크바의 모든 저명한 사람들이 문학의 밤을 위해 이곳에 왔습니다. 여기에서 젊은 Orest Kiprensky는 나중에 그린 초상화가 세계 초상화 예술의 진주가 된 A.S. Pushkin을 만났고 A.S. Pushkin은 그에게시를 바치고 그를 "가장 좋아하는 빛 날개 패션"이라고 부를 것입니다. 푸쉬킨의 초상 O. Kiprensky의 붓은 시적 천재의 살아있는 의인화입니다. 단호한 고개 돌리기, 가슴에 힘차게 교차하는 팔에서 시인의 전체적인 모습은 독립과 자유를 드러냅니다. 푸쉬킨이 말한 것은 그에 관한 것입니다. "나는 거울처럼 보이지만이 거울은 나를 아첨합니다." Pushkin의 초상화 작업에서 Tropinin과 Kiprensky는 마지막으로 만납니다. 이 회의는 개인적으로 열리지는 않지만 일반적으로 가장 위대한 러시아 시인의 두 초상화가있는 예술사에서 수년 후입니다. 비교되고 동시에 생성되지만 다른 장소에서-모스크바에 있습니다. 또 다른 상트페테르부르크. 이제 이것은 러시아 예술에 대한 중요성에서 똑같이 위대한 거장들의 모임입니다. Kiprensky의 추종자들은 시인이 자신의 생각에 몰입하여 뮤즈와 함께 제시되는 그의 낭만적 인 초상화 측면에 예술적 이점이 있다고 주장하지만 이미지의 국적과 민주주의는 확실히 Tropininsky의 Pushkin 측면에 있습니다.

따라서 두 초상화는 두 수도에 집중된 러시아 예술의 두 영역을 반영했습니다. 그리고 나중에 비평가들은 Kiprensky가 상트 페테르부르크에 대해 Tropinin이 모스크바에 대해 썼다고 쓸 것입니다.

Kiprensky 초상화의 특징은 사람의 영적 매력과 내면의 고귀함을 보여준다는 것입니다. 용감하고 강한 느낌의 영웅의 초상화는 선진 러시아인의 자유를 사랑하고 애국적인 분위기의 파토스를 구현해야했습니다.

앞에 "E.V. Davydov의 초상화"(1809)는 그 당시의 낭만주의에 매우 전형적이었던 강하고 용감한 성격의 숭배를 직접적으로 표현한 장교의 모습을 보여줍니다. 한줄기 빛이 어둠과 싸우는 단편적으로 보여지는 풍경은 영웅의 정신적 고뇌를 암시하지만, 그의 얼굴에는 몽환적인 감수성이 반영되어 있다. Kiprensky는 사람에게서 "인간"을 찾고 있었고 이상은 그에게서 모델 성격의 개인적 특성을 가리지 않았습니다.

Kiprensky의 초상화는 마음의 눈으로 보면 사람의 영적, 자연적 부와 지적 힘을 보여줍니다. 예, 그는 동시대 사람들이 말했듯이 조화로운 성격의 이상을 가지고 있었지만 Kiprensky는 문자 그대로이 이상을 예술적 이미지에 투영하려고하지 않았습니다. 예술적인 이미지를 창조함에 있어서 그는 그러한 이상과 얼마나 멀고 가까운지를 측정하듯이 자연으로부터 출발하였다. 사실, 그가 묘사 한 많은 사람들은 이상 직전에 있으며 이상을 향한 반면 낭만적 인 미학의 아이디어에 따르면 이상 자체는 거의 달성 할 수 없으며 모든 낭만적 인 예술은 그에 대한 길일뿐입니다.

그의 영웅의 영혼의 모순에 주목하고 삶의 불안한 순간, 운명이 바뀌고 오래된 생각이 무너지고 청년이 떠나는 등 Kiprensky는 그의 모델과 함께 경험하는 것 같습니다. 따라서 예술적 이미지의 해석에 초상화 화가의 특별한 참여는 초상화에 친밀감을 부여합니다.

Kiprensky의 창의성 초기에는 회의론에 감염된 얼굴, 영혼을 부식시키는 분석을 볼 수 없습니다. 조화로운 성격의 이상의 승리에 대한 희망이 무너질 때 낭만적 인 시간이 가을을 견디고 다른 기분과 감정에 자리를 내줄 때 이것은 나중에 올 것입니다. 1800년대의 모든 초상화와 트베리에서 실행된 초상화에서 Kiprensky는 대담한 붓을 사용하여 쉽고 자유롭게 형태를 구축합니다. 기술의 복잡성, 그림의 특성은 작업마다 변경되었습니다.

그의 영웅의 얼굴에서 영웅적인 기쁨을 볼 수 없다는 점은 주목할 만합니다. 반대로 대부분의 얼굴은 다소 슬프고 반사에 빠져 있습니다. 이 사람들은 러시아의 운명에 대해 걱정하는 것 같고 현재보다 미래에 대해 생각합니다. 아내, 중요한 행사 참가자의 자매를 나타내는 여성 이미지에서 Kiprensky는 고의적 인 영웅적 기쁨을 위해 노력하지 않았습니다. 가벼움, 자연 스러움이 우선합니다. 동시에 모든 초상화에는 영혼의 진정한 고귀함이 있습니다. 여성의 이미지는 겸손한 존엄성, 자연의 완전성으로 매력을 느낍니다. 사람들의 얼굴에서 호기심 많은 생각, 금욕주의에 대한 준비를 짐작할 수 있습니다. 이러한 이미지는 Decembrists의 성숙한 윤리적 및 미학적 아이디어와 일치했습니다. 그들의 생각과 열망은 많은 사람들이 공유했으며 (특정 사회 및 정치 프로그램을 가진 비밀 사회의 창설은 1816-1821 기간에 해당) 예술가는 그들에 대해 알고 있었기 때문에 그의 행사 참가자 초상화는 다음과 같이 말할 수 있습니다. 1812-1814, 같은 해에 만들어진 농민의 이미지 - Decembrism의 새로운 개념과 일종의 예술적 유사점.

낭만적인 이상의 밝은 봉인이 표시되어 있습니다. "VA Zhukovsky의 초상화"(1816). S.S. Uvarov의 의뢰로 초상화를 만든 예술가는 문학계에서 잘 알려진 시인의 이미지뿐만 아니라 낭만적 인 시인의 성격에 대한 특정 이해를 보여주기로 동시대 사람들에게 보여 주기로 결정했습니다. 우리 앞에는 러시아 낭만주의의 철학적이고 몽환적인 경향을 표현한 일종의 시인이 있다. Kiprensky는 창의적인 영감의 순간에 Zhukovsky를 소개했습니다. 바람이 시인의 머리카락을 휘젓고 나무는 밤에 가지를 불안하게 튀기고 고대 건물의 폐허는 거의 보이지 않습니다. 이것이 로맨틱 발라드 제작자의 모습입니다. 어두운 색상은 신비한 분위기를 더욱 악화시킵니다. Uvarov의 조언에 따라 Kiprensky는 초상화의 개별 조각을 그리는 것을 끝내지 않으므로 "과도한 완전성"이 정신, 기질 및 감정을 소멸시키지 않습니다.

많은 초상화는 Tver의 Kiprensky가 그렸습니다. 또한 그가 Tver의 지주 인 Ivan Petrovich Vulf를 그렸을 때 그는 가장 매혹적인 서정적 작품 중 하나 인 A.S. Pushkin의 시 “놀라운 순간을 기억합니다… 시인, 예술가, 음악가의 이러한 협회는 예술의 새로운 경향 인 낭만주의의 표현이되었습니다.

Kiprensky의 "Young Gardener"(1817), Bryullov의 "Italian Noon"(1827), Venetsianov의 "Reapers" 또는 "Reaper"(1820s)는 동일한 유형적 시리즈의 작품입니다. 그들은 자연에 초점을 맞추고 다음을 사용하여 명확하게 작성되었습니다. 그러나 단순한 자연의 미적 완성도를 구현하기 위한 각 작가의 과제는 이미지-은유를 만들기 위한 외모, 의복, 상황의 특정 이상화로 이어졌습니다. , 눈에 보이는 것을 시화하다 고대와 르네상스 거장들의 경험과 자연과 상상력의 질적으로 새로운 조합에서 이전에는 예술에 알려지지 않은 이미지를 낳았으며 19세기 전반 낭만주의의 특징 중 하나입니다. Venetsianov와 Bryullov의 작품에 일반적으로 나타나는 은유적 특성은 러시아 예술가들이 서유럽의 낭만적인 초상화에 대해 잘 알지 못했을 때 낭만적인 작품의 가장 중요한 특징 중 하나였습니다. "아버지의 초상(A. K. Schwalbe)"(1804)는 예술과 특히 초상화 장르의 Orest Kiprensky가 썼습니다.

러시아 낭만주의의 가장 중요한 업적은 초상화 장르의 작품입니다. 낭만주의의 가장 밝고 가장 좋은 예는 초기부터입니다. 이탈리아로 여행을 떠나기 오래 전인 1816년에 내면적으로 낭만적인 환생을 준비하고 있던 키프렌스키는 옛 거장들의 그림을 새로운 눈으로 보았습니다. 어두운 색, 빛으로 강조된 인물, 불타는 색, 강렬한 극작술은 그에게 강한 영향을 미쳤습니다. "아버지의 초상"은 의심할 여지 없이 렘브란트의 인상 아래 만들어졌습니다. 그러나 러시아 예술가는 위대한 네덜란드인에게서 외부 기술만을 취했습니다. "아버지의 초상"은 자신의 내적 에너지와 예술적 표현력을 지닌 절대적으로 독립적인 작품입니다. 풍경 초상화의 특징은 연기의 생동감입니다. 여기에는 그림 같은 것이 없습니다. 그가 본 것을 즉시 종이로 옮기면 그래픽 표현의 독특한 신선함이 만들어집니다. 따라서 그림에 묘사된 사람들은 우리에게 가깝고 이해하기 쉬운 것 같습니다.

Kiprensky the Russian Van Dyck라고 불리는 외국인은 그의 초상화가 전 세계 많은 박물관에 있습니다. Kiprensky의 L. Ivanov와 K. Bryullov의 전임자 인 Levitsky와 Borovikovsky의 작품의 후계자는 그의 작품으로 러시아 미술 학교에 유럽의 명성을주었습니다. Alexander Ivanov의 말에 따르면 "그는 러시아 이름을 유럽에 처음으로 가져온 사람이었습니다 ...".

낭만주의의 특징 인 사람의 성격에 대한 관심 증가는 자화상이 지배적 인 특징이 된 19 세기 전반에 초상화 장르의 개화를 미리 결정했습니다. 일반적으로 자화상을 만드는 것은 임의의 에피소드가 아닙니다. 작가들은 자신의 글과 그림을 반복했고, 이 작품들은 다양한 마음의 상태와 삶의 단계를 반영하는 일종의 일기이자 동시에 동시대인들에게 보내는 선언문이기도 했다. 자화상맞춤 장르가 아니었고 작가는 자신을 위해 썼고 여기에서 이전과는 달리 자기 표현이 자유 로워졌습니다. 18세기에 러시아 예술가들은 독창적인 이미지를 거의 그리지 않았고, 예외적인 개인을 숭배하는 낭만주의만이 이 장르의 부상에 기여했습니다. 다양한 자화상 유형은 자신을 풍부하고 다면적인 성격으로 인식하는 예술가의 인식을 반영합니다. 그들은 제작자의 평범하고 자연스러운 역할 (A. G. Varnek, 1810s의 "벨벳 베레모의 자화상")에 등장한 다음 마치 스스로 시도하는 것처럼 과거로 뛰어 듭니다 ( "헬멧의 자화상") and armor” by F. I. Yanenko , 1792), 또는 대부분 전문적인 속성 없이 나타나며, 예를 들어 F. A. Bruni와 O. A. Orlovsky의 자화상 1810년대. 1810-1820 년대 작품의 비 유적 솔루션의 특징 인 대화 및 개방성에 대한 준비는 점차 피로와 실망, 몰입, 자신에 대한 철수로 대체됩니다 (M. I. Terebenev의 "자화상"). 이러한 경향은 초상화 장르 전체의 발전에 반영되었다.

주목할 가치가있는 Kiprensky의 자화상이 삶의 중요한 순간에 나타 났으며 정신력의 상승 또는 하락을 증언했습니다. 작가는 작품을 통해 자신을 바라보았다. 그러나 그는 대부분의 화가들처럼 거울을 사용하지 않았다. 그는 주로 자신의 생각에 따라 자신을 그렸고 자신의 정신을 표현하고 싶었지만 외모는 표현하지 않았습니다.

“귀 뒤에 붓을 든 자화상”이미지의 외부 미화, 고전적 규범 성 및 이상적인 구성에서 거부 및 명확하게 입증 된 것 위에 구축되었습니다. 얼굴 특징은 일반적으로 대략적으로 설명됩니다. 측면 조명이 얼굴에 비추어 측면 특징만 강조합니다. 초상화의 배경을 나타내는 간신히 보이는 휘장에서 꺼진 예술가의 모습에 별도의 빛 반사가 떨어집니다. 여기의 모든 것은 삶, 감정, 기분의 표현에 종속됩니다. 이것은 자화상 예술을 통해 낭만주의 예술을 보는 것입니다. 창작의 비밀에 대한 작가의 참여는 신비한 낭만적 인 "19 세기 스푸마토"로 표현됩니다. 독특한 초록빛 톤은 작가 자신이 중심에있는 예술계의 특별한 분위기를 조성합니다.

이 자화상과 거의 동시에 “분홍색 목도리를 두른 자화상”, 다른 이미지가 구현되는 곳. 화가의 직업에 대한 직접적인 표시가 없습니다. 청년의 이미지는 편안하고 자연스럽고 자유롭게 재현됩니다. 캔버스의 화면은 치밀하게 구성되어 있다. 작가의 붓은 자신있게 물감을 칠한다. 크고 작은 스트로크를 남깁니다. 색상이 훌륭하게 개발되고 색상이 밝지 않으며 서로 조화롭게 결합되며 조명이 차분합니다. 빛이 청년의 얼굴에 부드럽게 쏟아져 불필요한 표현과 변형없이 그의 특징을 설명합니다.

또 다른 뛰어난 화가는 Venetsianov였습니다. 1811 년에 그는 "자화상"과 "예술 아카데미의 세 학생과 함께 K.I. Golovachevsky의 초상화"로 임명 된 아카데미에서 학자라는 칭호를 받았습니다. 범상치 않은 작품들입니다.

Venetsianov는 자신이 진정한 숙달이라고 선언했습니다. "자화상" 1811. A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek 및 농노 V. Tropinin과 같이 그 당시 자신을 그린 다른 예술가들과는 다르게 작성되었습니다. 그들 모두가 낭만적 인 후광에서 자신을 상상하는 것이 일반적이었고, 그들의 자화상은 환경과 관련하여 일종의 시적 대결이었습니다. 예술적 본성의 배타성은 특별히 고안된 의상의 비범함에서 포즈, 제스처에서 나타났습니다. Venetsianov의 "Self-portrait"에서 연구자들은 우선 바쁜 사람의 엄격하고 강렬한 표현에 주목합니다 ... 드레싱 가운이나 요염하게 표시되는 그 과장된 "예술적 과실"과는 다른 올바른 효율성 다른 아티스트의 모자를 옮겼습니다. Venitsianov는 자신을 냉정하게 바라 봅니다. 그에게 예술은 영감을 받은 충동이 아니라 무엇보다 집중과 주의가 필요한 문제다. 크기가 작고 올리브 색조의 색상이 거의 단색이며 매우 정확하게 작성되었으며 동시에 단순하고 복잡합니다. 그는 그림의 외면에 끌리지 않고 시선으로 멈춘다. 안경의 얇은 금색 프레임의 이상적으로 얇은 테두리는 숨기지 않고 오히려 자연에 초점을 맞추지 않고 눈의 예리한 선명도를 강조합니다 (작가는 손에 팔레트와 브러시로 자신을 묘사했습니다). 자신의 생각의 깊이. 크고 넓은 이마, 직사광선이 비추는 얼굴의 오른쪽, 흰색 셔츠 앞부분이 밝은 삼각형을 형성하여 우선 다음 순간 오른쪽의 움직임을 따라가는 시청자의 시선을 사로 잡습니다. 얇은 브러시를 손에 들고 팔레트로 미끄러집니다. 물결 모양의 머리카락, 반짝이는 프레임, 칼라의 느슨한 넥타이, 어깨의 부드러운 라인, 마지막으로 팔레트의 넓은 반원은 부드럽고 흐르는 라인의 움직이는 시스템을 형성하며 내부에는 세 가지 주요 포인트가 있습니다. : 동공의 작은 눈부심과 셔츠 앞면의 날카로운 끝, 팔레트와 브러시로 거의 닫힙니다. 초상화 구성의 구성에서 이러한 거의 수학적 계산은 이미지에 부분적인 내부 평정을 제공하고 저자가 과학적 사고에 취약한 분석 정신을 가지고 있다고 가정하는 이유를 제공합니다. "자화상"에는 낭만주의의 흔적이 없으며, 이는 예술가 자신을 묘사하는 데 너무 자주 사용되었습니다. 이것은 예술가 연구자, 예술가 사상가, 열심히 일하는 사람의 자화상입니다.

기타 작업 - 골로체프스키의 초상-일종의 음모 구성으로 생각됨 : 이전 검사관의 사람인 아카데미의 이전 세대 마스터는 성장하는 재능에 대한 지침을 제공합니다 : 화가 (그림 폴더 포함. 건축가 및 조각가. 그러나 Venetsianov는 그렇지 않았습니다. 이 그림에서 인위적이거나 교훈적인 그림자조차 허용하십시오: 좋은 노인 Golovachevsky는 책에서 읽은 페이지를 십대들에게 친절하게 해석합니다. 표현의 진정성은 그림의 그림 같은 구조에서 지원을 찾습니다. 다채로운 색조는 평화와 진지함의 인상을 만듭니다.얼굴은 아름답게 칠해져 내면의 의미가 가득합니다.초상화는 러시아 초상화 그림의 가장 높은 업적 중 하나였습니다.

그리고 1800년대 오를로프스키의 작품에는 주로 드로잉의 형태로 초상화 작품이 등장한다. 1809년까지 감정적으로 풍부한 초상화 시트는 다음과 같습니다. "자화상". 다혈질과 목탄(분필 강조 표시 포함)의 수분이 많은 자유로운 스트로크로 실행되는 Orlovsky의 "자화상"은 예술적 무결성, 이미지의 특성 및 공연의 예술성으로 매료됩니다. 동시에 Orlovsky 예술의 독특한 측면을 식별할 수 있습니다. 물론 "자화상"Orlovsky는 그해 예술가의 전형적인 모습을 정확하게 재현하는 것을 목표로하지 않습니다. 우리 앞에 - 여러면에서 고의적입니다. 자신의 "I"를 주변 현실에 반대하는 "예술가"의 과장된 모습은 외모의 "품위"에 대해 걱정하지 않습니다. 빗과 브러시는 그의 무성한 머리카락에 닿지 않았고 그의 어깨에는 오픈 칼라 홈 셔츠 바로 위에 체크 무늬 비옷. 이동 된 눈썹 아래에서 "우울한"모습으로 머리를 날카롭게 돌리고 얼굴이 클로즈업으로 묘사되는 초상화의 클로즈업 컷, 빛의 대비-이 모든 것이 반대의 주요 효과를 달성하는 것을 목표로합니다. 묘사된 사람을 환경(따라서 보는 사람)에게.

당시 예술에서 가장 진보적 인 특징 중 하나 인 개성을 주장하는 파토스는 초상화의 주요 이데올로기 적, 정서적 톤을 형성하지만 당시 러시아 예술에서는 거의 볼 수없는 독특한 측면으로 나타납니다. 성격의 긍정은 내면 세계의 풍부함을 드러내는 것이 아니라 주변의 모든 것을 거부하는 더 외적인 방식으로 이루어집니다. 물론 동시에 이미지는 고갈되고 제한적으로 보입니다.

그러한 해결책은 이미 18 세기 중반에 시민 적 및 인본주의 적 동기가 크게 들리고 그 사람의 성격이 환경과의 강한 유대를 결코 끊지 않은 당시 러시아 초상화 예술에서 찾기가 어렵습니다. 더 나은 민주적 사회 질서를 꿈꾸며 그 시대의 러시아 최고의 사람들은 결코 현실과 동떨어져 있지 않았고 부르주아 혁명으로 느슨해진 서유럽의 땅에서 번성했던 "개인의 자유"라는 개인주의 숭배를 의식적으로 거부했습니다. . 이것은 러시아 초상화 예술의 실제 요소를 반영한 ​​것으로 분명히 나타났습니다. Orlovsky의 "자화상"을 동시와 비교하기 만하면됩니다. "자화상" Kiprensky (예 : 1809), 두 초상화 화가의 심각한 내부 차이가 즉시 눈에 띕니다.

Kiprensky는 또한 사람의 성격을 "영웅"하지만 진정한 내면의 가치를 보여줍니다. 작가의 얼굴에서 시청자는 강한 마음, 성격, 도덕적 순결의 특징을 구별합니다.

Kiprensky의 전체 모습은 놀라운 귀족과 인류로 덮여 있습니다. 그는 주변 세계에서 "선"과 "악"을 구별 할 수 있으며 두 번째를 거부하고 첫 번째를 사랑하고 감사하며 같은 생각을 가진 사람들을 사랑하고 감사합니다. 동시에 우리는 의심 할 여지없이 자신의 개인적인 자질의 가치에 대한 의식을 자랑스럽게 여기는 강한 개성을 가지고 있습니다. Kiprensky의 D. Davydov의 잘 알려진 영웅적 초상화는 초상화 이미지와 정확히 동일한 개념을 기반으로 합니다.

Orlovsky는 Kiprensky 및 당시의 다른 러시아 초상화 화가와 비교할 때 "강한 성격"의 이미지를 더 제한적이고 더 간단하고 외적으로 해결하면서 부르주아 프랑스의 예술에 분명히 초점을 맞춥니다. 그의 "자화상"을 보면 무심코 A. Gro, Gericault의 초상화가 떠오릅니다. 그러나 개인주의적 "내면의 힘"을 숭배하는 1810년의 오를로프스키의 프로필 "자화상"은 이미 1809년의 "자화상"의 예리한 "스케치" 형식이 없습니다. "뒤포르의 초상".후자에서 Orlovsky는 Self-Portrait에서와 마찬가지로 머리와 어깨의 날카 롭고 거의 십자형 움직임으로 화려한 "영웅적인"포즈를 사용합니다. 그는 뒤포르의 불규칙한 얼굴 구조, 흐트러진 머리를 강조하여 독특하고 무작위적인 성격으로 자급자족하는 초상화 이미지를 만들어내고자 했다.

K. N. Batyushkov는 "풍경은 초상화 여야합니다. "라고 썼습니다. 장르로 전환한 대부분의 예술가들은 작업에서 이러한 설정을 고수했습니다. 풍경.환상적인 풍경에 끌리는 명백한 예외 중에는 A. O. Orlovsky ( "Sea View", 1809); A. G. Varnek ( "로마 주변의 전망", 1809); P. V. Basin ( "로마 외곽의 일몰 하늘", "저녁 풍경", 둘 다-1820 년대). 특정 유형을 만들면서 감각의 직접성, 정서적 풍부함을 유지하고 구성 기술로 기념비적 인 사운드를 달성했습니다.

Young Orlrovsky는 자연에서 인간의 의지에 종속되지 않고 재앙과 재앙을 일으킬 수있는 거대한 힘만을 보았습니다. 격렬한 바다 ​​요소를 가진 남자의 투쟁은 그의 "반항적 인"낭만주의 시대의 예술가가 가장 좋아하는 주제 중 하나입니다. 그것은 1809-1810년의 그의 드로잉, 수채화, 유화의 내용이 되었다. 비극적 인 장면이 그림에 표시됩니다 "난파선"(1809(?)). 땅에 떨어진 칠흑 같은 어둠 속에서 거센 파도가 몰아치는 가운데 익사하는 어부들은 배가 추락한 해안 암벽을 미친 듯이 올라갑니다. 강렬한 레드톤이 지속되면서 불안한 느낌을 증폭시킨다. 폭풍을 예고하는 강력한 파도의 습격과 또 다른 그림에서 끔찍합니다. "바다로"(1809). 또한 구도의 대부분을 차지하는 폭풍우가 치는 하늘에서 큰 감정적 역할을 합니다. Orlovsky는 공중 원근법 기술을 마스터하지 않았지만 계획의 점진적인 전환이 여기에서 더 조화롭고 부드럽게 해결됩니다. 색이 옅어졌습니다. 어부의 옷의 붉은 반점 인 적갈색 배경에 아름답게 재생됩니다. 불안하고 불안한 수채화의 바다 요소 "요트"(c.1812). 그리고 바람이 돛을 흔들지 않고 수채화처럼 수면에 잔물결을 일으키지 않아도 “배가 있는 바다 풍경”(c. 1810), 시청자는 폭풍이 고요함을 따를 것이라는 예감을 떠나지 않습니다.

모든 드라마와 감정의 감정으로 Orlovsky의 바다 풍경은 대기 현상에 대한 그의 관찰 결과가 아니라 예술 고전을 직접 모방 한 결과입니다. 특히 J. Vernet.

S. F. Shchedrin의 풍경은 다른 성격을 가졌습니다. 그들은 인간과 자연의 공존의 조화로 가득 차 있습니다 ( "Terrace on the seashore. Cappuccini near Sorrento", 1827). 나폴리와 그의 붓 주변에 대한 수많은 견해는 엄청난 성공과 인기를 누렸다.

러시아 회화에서 상트 페테르부르크의 낭만적 인 이미지 생성은 M. N. Vorobyov의 작업과 관련이 있습니다. 그의 캔버스에서 도시는 신비한 상트 페테르부르크 안개, 하얀 밤의 부드러운 안개, 건물의 윤곽이 지워지고 달빛이 성찬을 완성하는 바다 습기로 가득 찬 분위기에 가려져 나타났습니다. 동일한 서정적 시작은 그가 수행 한 상트 페테르부르크 주변의 견해를 구별합니다 ( "St. Petersburg 외곽의 일몰", 1832). 그러나 예술가들은 북부 수도를 자연 요소의 충돌과 투쟁을 위한 경기장으로 보기도 했습니다(V. E. Raev, Alexander Column during a Thunderstorm, 1834).

I. K. Aivazovsky의 화려한 그림은 투쟁과 자연의 힘, 인간 정신의 체력, 끝까지 싸울 수있는 능력으로 중독의 낭만적 인 이상을 생생하게 구현했습니다. 그럼에도 불구하고 주인의 유산의 큰 장소는 폭풍우가 밤의 마법에 굴복하는 특정 장소에 바쳐진 밤 바다 풍경으로 가득 차 있습니다. 그리고 예술가의 그림 검색은 특별한 조명 효과를 추출하는 방향으로 향합니다 ( "달밤의 오데사 전망", "달빛의 콘스탄티노플 전망", 둘 다-1846).

낭만주의 예술에서 즐겨 사용하는 자연적 요소와 놀란 남자라는 주제는 1800-1850년대 예술가들에 의해 다르게 해석되었다. 작품은 실제 사건을 기반으로 하지만 이미지의 의미는 객관적인 재연에 있지 않습니다. 전형적인 예는 Pyotr Basin의 그림입니다. "로마 근처 로카 디 파파의 지진"(1830). 요소의 발현에 직면 한 사람의 두려움과 공포를 묘사하는 것만 큼 특정 사건에 대한 설명에 전념하지 않습니다.

이 시대 러시아 회화의 유명인은 K.P. Bryullov (1799-1852)와 A.A. 이바노프(1806~1858). 러시아 화가이자 기안가 K.P. Bryullov는 여전히 예술 아카데미 학생이었을 때 비교할 수없는 그림 기술을 습득했습니다. Bryullov의 작업은 일반적으로 "폼페이의 마지막 날" 이전과 이후로 나뉩니다. 이전에 만들어진 것은 ....?!

Torquatto Tasso "The Liberation of Jerusalem", "Italian Noon"( "Italian Woman Harvesting Grapes", 1827), "Horsewoman"( 1830), "Bathsheba"(1832) -이 모든 그림에는 밝고 변장하지 않은 삶의 기쁨이 가득합니다. 이러한 작품은 Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig의 초기 서사시와 조화를 이룹니다. 거장들의 모방을 바탕으로 한 옛 방식은 Bryullov를 만족시키지 못했고 그는 야외에서 "Italian Morning", "Italian Noon", "Bathsheba"를 썼습니다.

초상화 작업을 하는 동안 Bryullov는 자연에서 머리만 그렸습니다. 다른 모든 것은 종종 그의 상상력에 의해 그에게 지시되었습니다. 이러한 자유로운 창작 즉흥 연주의 결실은 "타는 사람".초상화에서 가장 중요한 것은 부은 콧 구멍과 반짝이는 눈을 가진 가열되고 급상승하는 동물과 말의 열광적 인 에너지를 침착하게 억제하는 우아한 여성 승마자의 대조입니다 (동물 길들이기는 고전 조각가가 가장 좋아하는 주제이며 Bryullov는 그림에서 해결했습니다) .

안에 "밧세바"작가는 야외에서 벌거 벗은 몸을 보여주고 고운 피부에 빛과 반사 작용을 전달하기위한 구실로 성경 이야기를 사용합니다. "Bathsheba"에서 그는 기쁨과 행복으로 가득 찬 젊은 여성의 이미지를 만들었습니다. 알몸은 올리브 그린, 체리 옷, 투명한 저수지로 둘러싸여 빛나고 빛납니다. 몸의 부드럽고 탄력있는 형태는 미백 원단과 Bathsheba를 섬기는 아랍 여성의 초콜릿 색상과 아름답게 결합됩니다. 몸과 연못, 직물의 흐르는 듯한 선은 그림의 구도에 부드러운 리듬을 부여한다.

회화는 회화의 신조어가 되었다 "폼페이 최후의 날"(1827-1833). 그녀는 그의 생애 동안 예술가의 이름을 불멸하고 매우 유명하게 만들었습니다.

그 음모는 분명히 폼페이 유적을 집중적으로 연구 한 그의 형제 알렉산더의 영향으로 선택되었습니다. 그러나 그림을 쓰는 이유는 더 깊습니다. Gogol은 이것을 알아 차렸고 Herzen은 The Last Day of Pompeii에서 아마도 러시아에서 Decembrist 봉기의 패배로 인해 예술가의 생각과 감정을 무의식적으로 반영하여 자신의 자리를 찾았다 고 직접 말했습니다. Bryullov는 죽어가는 Pompeii의 분노한 요소의 희생자들 사이에서 자화상을 배치하고 러시아 지인의 특징을 그림의 다른 캐릭터에게 제공했습니다.

Bryullov의 이탈리아 측근은 또한 반응 기간 동안 Carbonari의 슬픈 운명에 대해 지난 몇 년 동안 이탈리아 땅을 휩쓸었던 혁명적 폭풍에 대해 그에게 말할 수있는 역할을했습니다.

폼페이의 죽음에 대한 장대 한 그림은 역사주의 정신으로 가득 차 있으며 한 역사적 시대가 다른 시대로의 변화, 고대 이교도의 억압 및 새로운 기독교 신앙의 시작을 보여줍니다.

작가는 역사의 흐름, 시대의 변화를 인류에게 충격으로 인식한다. 구성의 중심에는 전차에서 떨어져 박살 난 여성이 분명히 고대 세계의 죽음을 의인화했습니다. 그러나 어머니의 몸 근처에 작가는 살아있는 아기를 두었습니다. 작가는 자식과 부모, 청년과 노모, 아들과 노쇠한 아버지를 그리며 역사속으로 사라져가는 구세대와 그 자리를 대신할 새로운 세대를 보여주었다. 오래되고 무너져가는 세계의 폐허에서 새로운 시대의 탄생이 Bryullov 그림의 진정한 주제입니다. 역사가 어떤 변화를 가져오든 인류의 존재는 멈추지 않고 삶에 대한 갈증도 식지 않는다. 이것이 폼페이의 마지막 날의 주요 아이디어입니다. 이 그림은 역사의 모든 주기에서 불멸로 남아 있는 인류의 아름다움에 대한 찬가입니다.

이 캔버스는 1833년 밀라노 미술 전시회에 전시되어 열광적인 반응을 불러일으켰습니다. 풍화 된 이탈리아가 정복되었습니다. Bryullov의 학생 G. G. Gagarin은 다음과 같이 증언합니다. “이 위대한 작품은 이탈리아에서 무한한 열정을 불러 일으켰습니다. 그림이 전시 된 도시는 예술가를위한 엄숙한 리셉션을 마련했고,시는 그에게 헌정되었으며, 그는 음악, 꽃, 횃불과 함께 거리를 통과했습니다 ... 어디에서나 그는 잘 알려진 승리의 천재로 영예를 얻었습니다. 모든 사람이 이해할 수 있고 감사합니다.

영국 작가 Walter Scott (그의 역사 소설로 유명한 낭만적 인 문학의 대표자)은 Bryullov의 스튜디오에서 한 시간을 보냈으며 이것은 그림이 아니라 전체시라고 말했습니다. 밀라노, 피렌체, 볼로냐, 파르마의 예술 아카데미는 러시아 화가를 명예 회원으로 선출했습니다.

Bryullov의 캔버스는 Pushkin과 Gogol의 열광적 인 반응을 불러 일으켰습니다.

Vesuvius zev 열림 - 클럽 불꽃에 연기가 분출됨

전투 배너처럼 널리 개발되었습니다.

지구가 걱정됩니다 - 비틀 거리는 기둥에서

아이돌이 쓰러진다!..

푸쉬킨은 그림의 인상을 받아 썼습니다.

Bryullov를 시작으로 역사의 전환점은 러시아 역사 그림의 주요 주제가되어 각 사람이 주요 및 보조가없는 역사 드라마에 참여하는 장대 한 민속 장면을 묘사합니다.

"폼페이"는 일반적으로 고전주의에 속합니다. 작가는 인체의 가소성을 캔버스에 능숙하게 드러냈다. 사람들의 모든 영적 움직임은 주로 소성의 언어로 Bryullov에 의해 전달되었습니다. 격렬한 움직임으로 제공되는 별도의 수치는 균형 잡힌 고정 그룹으로 수집됩니다. 빛의 섬광은 신체의 형태를 강조할 뿐 강한 회화적 효과를 내지는 않는다. 그러나 폼페이의 삶에서 비일상적인 사건을 묘사하면서 깊이 있는 중심에 강한 돌파구가 있는 그림의 구성은 낭만주의에서 영감을 얻었다.

세계관으로서의 낭만주의는 18세기 말부터 1850년대까지 러시아에서 첫 번째 물결에 존재했습니다. 러시아 예술의 낭만주의 라인은 1850년대에 멈추지 않았습니다. 낭만주의가 예술을 위해 발견한 존재 상태의 주제는 나중에 Blue Rose의 예술가들에 의해 개발되었습니다. 낭만파의 직계 후계자는 의심할 여지 없이 상징파였다. 낭만적 인 주제, 모티프, 표현 장치는 다양한 스타일, 방향, 창의적 연관성의 예술에 포함되었습니다. 낭만적인 세계관이나 세계관은 가장 생생하고 끈기 있고 유익한 것으로 밝혀졌습니다.

이상적이고 창조적 인 자유에 대한 열망으로서 주로 젊은이들의 특징 인 일반적인 태도로서의 낭만주의는 여전히 세계 예술에 끊임없이 살고 있습니다.

c) 음악

가장 순수한 형태의 낭만주의는 서유럽 예술의 현상입니다. 19세기 러시아 음악. Glinka에서 Tchaikovsky에 이르기까지 고전주의의 특징은 낭만주의의 특징과 결합되었으며 주요 요소는 밝고 독창적 인 국가 원칙이었습니다. 러시아의 낭만주의는 이러한 경향이 과거의 일처럼 보였을 때 예상치 못한 상승을 가져왔습니다. 20세기의 두 작곡가인 스크리아빈과 라흐마니노프는 자유분방한 환상의 비행과 가사의 충만함과 같은 낭만주의의 특징을 부활시켰습니다. 따라서 19세기 클래식 음악의 시대라고 불리는

시간(1812년 데카브리스트 봉기, 그에 따른 반응)은 음악에 흔적을 남겼습니다. 로맨스, 오페라, 발레, 실내악 등 우리가 취하는 장르가 무엇이든 러시아 작곡가들이 새로운 단어를 말한 모든 곳에서.

모든 살롱의 우아함과 소나타 교향곡 작문을 포함한 전문 기악 작문의 전통을 엄격히 준수하는 러시아 음악은 러시아 민속의 독특한 모달 색상과 리듬 구조를 기반으로합니다. 일부는 일상적인 노래에 광범위하게 의존하고, 다른 일부는 독창적인 음악 제작 형식에 의존하며, 다른 일부는 고대 러시아 농민 모드의 고대 양식에 의존합니다.

19세기 초 - 이것은 로맨스 장르의 첫 번째 밝은 개화의 해입니다. 겸손하고 진솔한 가사는 여전히 들리고 듣는 이들을 즐겁게 한다. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851).그는 많은 시인의 시에 로망스를 썼지만 불멸자는 "나이팅게일" Delvig의 구절에, "겨울길", "사랑해"푸쉬킨의시에.

알렉산드르 에고로비치 바라모프(1801-1848)극적인 공연을 위해 음악을 썼지만 우리는 그를 유명한 로맨스에서 더 많이 알고 있습니다. "빨간 선 드레스", "새벽에 깨우지 마십시오", "외로운 돛이 하얗게 변합니다".

알렉산드르 르보비치 구릴레프(1803-1858)- 작곡가, 피아니스트, 바이올리니스트 및 교사인 그는 다음과 같은 로맨스를 소유하고 있습니다. "단조롭게 종소리가 울린다", "안개 낀 청춘의 새벽에"등

여기에서 가장 눈에 띄는 장소는 Glinka의 로맨스가 차지하고 있습니다. 다른 누구도 푸쉬킨, 주코프스키의 시와 음악의 자연스러운 융합을 아직 달성하지 못했습니다.

미하일 이바노비치 글린카(1804-1857)- 러시아 문학의 고전인 푸슈킨(Alexander Sergeevich보다 5세 어린)의 동시대인이 뮤지컬 고전의 창시자가 되었습니다. 그의 작품은 러시아와 세계 음악 문화의 정점 중 하나입니다. 그것은 포크 음악의 풍부함과 작곡가의 기술의 최고 성취를 조화롭게 결합합니다. Glinka의 깊은 민속 사실주의 작품은 1812년 애국 전쟁 및 Decembrist 운동과 관련된 19세기 전반 러시아 문화의 강력한 개화를 반영했습니다. 가볍고 삶을 긍정하는 성격, 형태의 조화, 표현적이고 선율적인 멜로디의 아름다움, 하모니의 다양성, 광채 및 미묘함은 Glinka 음악의 가장 귀중한 특성입니다. 유명한 오페라에서 "이반 수잔"(1836)은 대중적인 애국심에 대한 아이디어를 훌륭하게 표현했습니다. 러시아 국민의 도덕적 위대함은 동화 오페라 " 루슬란과 루드밀라". Glinka의 오케스트라 작품: "판타지 왈츠", "마드리드의 밤"특히 "카마린스카야",러시아 고전 교향곡의 기초를 형성합니다. 극적 표현의 힘과 비극에 대한 음악적 특성의 밝음에서 현저하다. "Kholmsky 왕자".글린카의 보컬 가사 (로맨스 “멋진 순간이 기억난다”, “의심”)는 음악에서 러시아시의 탁월한 구체화입니다.

6. 서유럽 낭만주의

그림

프랑스가 고전주의의 조상이라면 "... 낭만파의 뿌리를 찾기 위해" 그의 동시대인 중 한 사람은 "우리는 독일로 가야 한다. 그녀는 그곳에서 태어났고 그곳에서 현대 이탈리아와 프랑스 낭만주의가 그들의 취향을 형성했습니다.

조각난 독일혁명적 고양을 몰랐습니다. 많은 독일 낭만주의자들은 선진 사회 사상의 파토스에 대해 이질적이었습니다. 그들은 중세를 이상화했습니다. 그들은 설명할 수 없는 영적 충동에 굴복하고 인간 생명의 포기에 대해 이야기했습니다. 그들 중 많은 사람들의 예술은 수동적이고 관조적이었습니다. 그들은 초상화와 풍경화 분야에서 최고의 작품을 만들었습니다.

뛰어난 초상화가는 Otto Runge(1777-1810)였습니다. 외적으로 평온한이 주인의 초상화는 강렬하고 강렬한 내면의 삶에 놀라움을 금치 못합니다.

낭만주의 시인의 이미지는 Runge에서 볼 수 있습니다. "자화상".그는 신중하게 자신을 살펴보고 검은 머리, 검은 눈, 진지하고 에너지가 넘치고 사려 깊고 내성적이며 의지가 강한 청년을 봅니다. 낭만주의 예술가는 자신을 알고 싶어합니다. 초상화의 실행 방식은 마치 제작자의 영적 에너지가 이미 작품의 질감에 전달되어야 하는 것처럼 빠르고 광범위합니다. 어두운 다채로운 범위에서 빛과 어둠의 대비가 나타납니다. 대조는 낭만주의 거장들의 특징적인 화법이다.

사람의 기분 변화를 포착하고 그의 영혼을 들여다보기 위해 낭만적 인 창고의 예술가는 항상 노력할 것입니다. 그리고 이와 관련하여 어린이 초상화는 그에게 비옥 한 자료가 될 것입니다. 안에 Hülsenbeck 아이들의 초상(1805) Runge는 어린이 캐릭터의 생동감과 즉각성을 전달할 뿐만 아니라 밝은 분위기를 위한 특별한 리셉션을 찾아 2층의 외부 개방을 즐겁게 합니다. 19 세기 그림의 배경은 자연에 대한 태도에 감탄하는 작가의 색채 선물뿐만 아니라 공간 관계의 능숙한 재생산, 야외 물체의 밝은 음영에서 새로운 문제의 출현을 증언하는 풍경입니다. 자신의 "I"를 우주의 확장과 합치려는 낭만주의 대가는 감각적으로 유형의 자연 모습을 포착하기 위해 노력합니다. 그러나이 이미지의 관능미로 그는 "예술가의 아이디어"라는 큰 세계의 상징을 보는 것을 선호합니다.

최초의 낭만주의 예술가 중 한 명인 Runge는 회화, 조각, 건축, 음악과 같은 예술을 종합하는 작업을 스스로 설정했습니다. 예술의 앙상블 사운드는 세계의 신성한 힘의 통일성을 표현해야 하며, 각 입자는 우주 전체를 상징합니다. 작가는 1층의 유명한 독일 사상가의 아이디어로 그의 철학적 개념을 강화하면서 환상을 품는다. 17 세기 제이콥 뵈메. 세계는 일종의 신비로운 전체이며, 각 입자가 전체를 표현합니다. 이 아이디어는 유럽 대륙 전체의 낭만주의와 관련이 있습니다. 영국의 시인이자 화가인 윌리엄 블레이크는 시적인 형식으로 이렇게 표현했습니다.

한 순간에 영원을 보라

거대한 세계 - 모래의 거울 속에서,

한 줌에 - 무한대

그리고 하늘은 꽃 한 잔에 있습니다.

Runge 주기, 또는 그가 불렀던 "환상적인 음악 시" "오늘의 시간"- 아침, 점심, 밤 - 이 개념의 표현. 그는 세계에 대한 자신의 개념적 모델에 대한 설명을 시와 산문으로 남겼습니다. 사람, 풍경, 빛, 색상의 이미지는 끊임없이 변화하는 자연과 인간의 삶의 순환을 상징합니다.

또 다른 뛰어난 독일 낭만주의 화가 카스파르 다비드 프리드리히(1774-1840)는 70세의 생애 동안 다른 모든 장르보다 풍경화를 선호하고 자연 그림만을 그렸다. Friedrich 작업의 주요 동기는 인간과 자연의 통일성에 대한 아이디어입니다.

작가는 학생들에게 “우리 안에서 말하는 자연의 목소리를 들어라”고 지시한다. 사람의 내면 세계는 우주의 무한을 의인화하므로 자신의 말을 듣고 세상의 영적 깊이를 이해할 수 있습니다.

듣는 위치는 자연과 그 이미지를 가진 사람의 "소통"의 주요 형태를 결정합니다. 이것은 자연의 위대함, 신비 또는 깨달음이며 관찰자의 의식 상태입니다. 사실, Friedrich는 인물이 그림의 풍경 공간에 "들어가는"것을 허용하지 않지만, 넓게 펼쳐진 공간의 비 유적 구조에 미묘한 침투, 느낌의 존재, 사람의 경험이 느껴집니다. 풍경 묘사의 주관주의는 낭만주의 작품에서만 예술에 등장하며 2 층 주인의 서정적 자연 계시를 예고합니다. 19 세기 연구자들은 Friedrich의 작품에서 풍경 모티프의 "레퍼토리 확장"에 주목합니다. 저자는 바다, 산, 숲 및 연중 다른 시간에 자연 상태의 다양한 음영에 관심이 있습니다.

1811-1812년 작가의 산으로의 여정의 결과로 일련의 산 풍경이 만들어지는 것이 특징입니다. "산에서의 아침"떠오르는 태양 광선에서 태어난 새로운 자연 현실을 그림처럼 표현합니다. 분홍빛이 도는 보라색 톤은 부피와 물질의 중력을 감싸고 박탈합니다. 나폴레옹 (1812-1813)과의 전투 기간은 프리드리히를 애국적인 주제로 바꿉니다. 클라이스트의 드라마에서 영감을 받아 삽화를 그리며 "아르미니우스의 무덤"- 고대 게르만 영웅들의 무덤이 있는 풍경.

Friedrich는 "Ages", "Moonrise over the Sea", "Death of "Nadezhda" in the ice"와 같은 미묘한 바다 풍경의 대가였습니다.

작가의 마지막 작품- "들판에서 쉬다", "큰 늪", "거대한 산의 추억", "거대한 산"-전경에 일련의 산맥과 돌이 어두워졌습니다. 이것은 분명히 자신에 대한 사람의 승리에 대한 경험, "세계 정상"으로의 상승의 기쁨, 정복되지 않은 밝은 높이에 대한 열망으로의 복귀입니다. 특별한 방식으로 작가의 감정은 이러한 산 덩어리를 구성하고 다시 첫 걸음의 어둠에서 미래의 빛으로의 움직임을 읽습니다. 배경의 산봉우리는 스승의 영적 열망의 중심으로 강조됩니다. 그림은 낭만주의 작품과 마찬가지로 매우 연상적이며 다양한 수준의 읽기 및 해석을 포함합니다.

Friedrich는 드로잉에서 매우 정확하고 그의 그림의 리드미컬한 구성에서 음악적으로 조화를 이루며 색상과 조명 효과의 감정을 통해 말하려고 합니다. “많이 받은 사람은 적고, 적은 사람은 많이 받은 사람입니다. 모든 사람은 다른 방식으로 자연의 영혼을 엽니다. 그러므로 아무도 감히 자신의 경험과 규칙을 구속력 있는 무조건적인 법칙으로 다른 사람에게 양도하지 못합니다. 아무도 모두의 척도가 아닙니다. 모든 사람은 자신과 어느 정도 친근한 본성에 대한 척도를 자신 안에 가지고 있습니다.”이 주인의 반영은 그의 내면의 삶과 창의성의 놀라운 무결성을 증명합니다. 예술가의 독창성은 그의 작품의 자유에서만 알 수 있습니다. 낭만적 인 Friedrich가 여기에 있습니다.

더 공식적인 것은 독일의 낭만주의 회화의 또 다른 지점 인 Nazarenes의 고전주의를 대표하는 예술가 인 "고전"과의 분리 인 것 같습니다. 비엔나에서 설립되어 로마(1809-1810)에 정착한 "Union of St. Luke"는 종교 문제의 기념비적인 예술을 되살리려는 아이디어로 마스터를 통합했습니다. 중세는 낭만주의 역사에서 가장 좋아하는 시기였습니다. 그러나 예술 탐구에서 Nazarenes는 이탈리아와 독일의 초기 르네상스 회화 전통으로 돌아섰습니다. Overbeck과 Geforr는 나중에 Veit Fürich의 J. Schnoff von Karolsfeld, Cornelius가 합류한 새로운 동맹의 창시자였습니다.

이러한 나사렛 운동은 프랑스, ​​이탈리아, 영국의 고전주의 학자들에 대한 그들 자신의 반대 형태와 일치했습니다. 예를 들어 프랑스에서는 다비드의 작업장에서 이른바 '원시적' 예술가들이, 영국에서는 라파엘 전파파가 등장했습니다. 낭만주의 전통의 정신으로 그들은 예술을 '시대의 표현', '민족의 정신'으로 여겼지만, 처음에는 통일의 슬로건처럼 들렸던 주제나 형식적 선호도가 시간이 지나면서 바뀌었다. 그들이 거부한 아카데미의 것과 동일한 교조적 원칙으로.

낭만주의의 예술 프랑스특정 방식으로 개발되었습니다. 다른 나라의 유사한 운동과 구별되는 첫 번째 점은 적극적인 공세('혁명적') 성격이었습니다. 시인, 작가, 음악가, 예술가들은 새로운 작품을 창작하는 것뿐만 아니라 연구자들이 "로맨틱 배틀"로 특징 짓는 잡지 및 신문 논쟁에 참여함으로써 자신의 입장을 변호했습니다. 유명한 V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz 및 기타 많은 프랑스 작가, 작곡가 및 언론인은 낭만적 인 논쟁에서 "깃털을 연마"했습니다.

프랑스의 낭만주의 회화는 일반적으로 "학파"라고 불리는 학문적 예술인 다비드의 고전주의 학파에 반대하여 발생합니다. 그러나 이것은 더 넓은 의미로 이해되어야 합니다. 그것은 반동적 시대의 공식 이데올로기에 대한 반대였으며, 소부르주아적 한계에 대한 항의였습니다. 따라서 낭만적 인 작품의 한심한 성격, 긴장된 흥분, 이국적인 모티프에 대한 매력, 역사적 및 문학적 음모, "어두운 일상 생활"에서 벗어날 수있는 모든 것, 따라서 이러한 상상력의 놀이, 때로는 반대로 백일몽과 완전한 활동 부족.

"학교"의 대표자 인 학자들은 주로 낭만주의 언어에 반항했습니다. 그들의 흥분된 뜨거운 채색, "고전"에 익숙한 형태의 모델링, 조각상 플라스틱이 아니라 강한 대조를 기반으로 구축되었습니다. 색 반점; 정확성과 고전주의를 의도적으로 거부하는 표현적인 디자인; 위엄과 흔들리지 않는 평온함이없는 대담하고 때로는 혼란스러운 구성. 낭만주의의 무자비한적인 Ingres는 그의 생애가 끝날 때까지 Delacroix가 "미친 빗자루로 글을 쓴다"고 말했고 Delacroix는 Ingres와 "학교"의 모든 예술가가 냉정함, 합리성, 운동 부족을 비난했습니다. 글을 쓰지 말고 그림을 "페인트"하십시오. 그러나 이것은 두 명의 밝고 완전히 다른 성격의 단순한 충돌이 아니라 두 개의 다른 예술적 세계관 간의 투쟁이었습니다.

이 투쟁은 거의 반세기 동안 지속되었으며 예술의 낭만주의는 쉽게 그리고 즉시 이기지 못했으며 이러한 경향의 첫 번째 예술가는 영웅적인 기념비적 형식의 대가인 Theodore Gericault (1791-1824)였습니다. 낭만주의 자체의 특징과 특징, 그리고 마지막으로 19 세기 중반 사실주의 예술에 큰 영향을 미쳤던 강력한 사실주의 시작. 그러나 그의 생애 동안 그는 소수의 가까운 친구들에게만 감사했습니다.

Theodore Zhariko의 이름은 낭만주의의 첫 번째 화려한 성공과 관련이 있습니다. 이미 그의 초기 그림 (군대의 초상화, 말의 이미지)에서 고대의 이상은 삶에 대한 직접적인 인식보다 먼저 물러났습니다.

1812년 살롱에서 Géricault는 사진을 보여줍니다. "공격하는 동안 제국 기마 레인저의 장교."나폴레옹의 영광과 프랑스의 군사력의 정점의 해였습니다.

그림의 구성은 말이 자라는 "갑작스런"순간의 특이한 관점에서 기수를 보여주고 기수는 말의 거의 수직 위치를 잡고 시청자를 향했습니다. 그러한 불안정한 순간의 이미지, 자세의 불가능성은 움직임의 효과를 높입니다. 말은 하나의 지원 지점을 가지고 있으며 땅에 떨어지고 그러한 상태로 가져온 싸움에 끼어 들어야합니다. 사람이 자신의 힘을 소유할 수 있다는 가능성에 대한 Gericault의 무조건적인 믿음, 말을 묘사하는 데 대한 열정적인 사랑, 이전에는 음악이나 시의 언어만이 전달할 수 있었던 것을 보여주는 초보자 마스터의 용기 - 전투, 공격의 시작, 살아있는 존재의 궁극적 긴장. 젊은 작가는 움직임의 역학을 전달하는 데 자신의 이미지를 구축했으며, 시청자가 "생각"하고 "내면의 비전"으로 그림을 그리며 그가 묘사하고 싶은 것에 대한 감각을 설정하는 것이 중요했습니다.

프랑스에는 아마도 고딕 사원의 부조를 제외하고는 로맨스의 그림 같은 이야기의 역동성에 대한 전통이 거의 없었습니다. Gericault가 처음 이탈리아에 왔을 때 그는 미켈란젤로 작곡의 숨겨진 힘에 놀랐기 때문입니다. "나는 떨렸다"고 그는 썼다. "나는 나 자신을 의심했고 오랫동안이 경험에서 회복 할 수 없었다." 그러나 스탕달은 미켈란젤로를 그의 논쟁적인 기사에서 더 일찍 예술의 새로운 문체 경향의 선구자로 지적했습니다.

Gericault의 그림은 새로운 예술적 재능의 탄생을 알렸을 뿐만 아니라 나폴레옹의 아이디어에 대한 작가의 열정과 실망에 경의를 표했습니다. 이 주제와 관련된 몇 가지 다른 작업이 있습니다. Carabinieri 장교", "공격 전 Cuirassier 장교", "Carabinieri의 초상화", "Wounded cuirassier".

"프랑스의 회화 상태에 대한 성찰"이라는 논문에서 그는 "사치품과 예술은 ... 필수품이되었고, 말하자면 문명인의 두 번째 삶인 상상력의 음식이되었습니다 . .. 예술은 꼭 필요한 것이 아니라 꼭 필요한 것이 충족되고 풍요가 찾아왔을 때만 나타난다. 일상의 근심에서 해방된 한 남자가 지루함을 없애기 위해 쾌락을 추구하기 시작했고, 만족의 한가운데서 필연적으로 그를 따라잡을 것입니다.

예술의 교육적 및 인본주의 적 역할에 대한 이러한 이해는 1818 년 이탈리아에서 돌아온 Gericault에 의해 입증되었습니다. 그는 나폴레옹의 패배를 포함하여 다양한 주제를 복제하면서 석판 인쇄에 참여하기 시작했습니다. “러시아에서 돌아오다”).

동시에 작가는 당시 사회를 흥분시킨 아프리카 해안에서 침몰 한 Meduza 호위함의 묘사로 눈을 돌립니다. 후원하에 직책에 임명 된 미숙 한 선장의 잘못으로 재난이 발생했습니다. 배의 살아남은 승객 인 외과 의사 Savigny와 엔지니어 Correar는 사고에 대해 자세히 말했습니다.

죽어가는 배는 소수의 구조 된 사람들이 탔던 뗏목을 버렸습니다. 12 일 동안 그들은 "Argus"라는 배인 구원을 만날 때까지 성난 바다를 따라 운반되었습니다.

제리코는 인간의 정신적 육체적 힘이 궁극적으로 긴장하는 상황에 관심을 가졌다. 이 그림은 수평선에서 아르고스를 보았을 때 뗏목에서 살아남은 15명의 승객을 묘사했습니다. "메두사의 뗏목"작가의 오랜 준비 작업의 결과였다. 그는 성난 바다의 많은 스케치, 병원에서 구조된 사람들의 초상화를 그렸습니다. 처음에 Gericault는 뗏목에서 사람들의 투쟁을 서로 보여주고 싶었지만 바다 요소와 국가 과실의 승자의 영웅적인 행동에 정착했습니다. 사람들은 용감하게 불행을 견뎌냈고 구원의 희망은 그들을 떠나지 않았습니다. 뗏목의 각 그룹에는 고유 한 특성이 있습니다. 구도를 구성할 때 Gericault는 위에서 보는 관점을 선택하여 공간의 파노라마 범위(바다 거리가 표시됨)를 결합하고 묘사하여 뗏목의 모든 주민을 전경에 매우 가깝게 만듭니다. 움직임은 전경에 힘없이 누워있는 인물과 지나가는 배에 신호를 보내는 그룹의 성급한 인물의 대비를 기반으로합니다. 그룹 간 역학 성장의 리듬의 선명도, 알몸의 아름다움, 그림의 어두운 색상은 이미지의 관습성에 대한 특정 메모를 설정했습니다. 그러나 이것은 언어의 관습이 중요한 것을 이해하고 느끼는 데 도움이되는 인식하는 시청자의 요점이 아닙니다. 사람이 싸우고 이길 수있는 능력입니다. 바다가 포효합니다. 돛이 신음하고 있습니다. 밧줄이 울리고 있습니다. 뗏목이 딱딱거립니다. 바람은 파도를 몰고 검은 구름을 갈가리 찢습니다.

역사의 폭풍에 휘말린 프랑스 그 자체가 아닌가? 그림 옆에 서서 Eugene Delacroix를 생각했습니다. “Medusa의 뗏목은 Delacroix에게 충격을 주었고 그는 울었고 미친 사람처럼 그가 자주 방문했던 Gericault의 작업장에서 뛰어 내 렸습니다.

그러한 열정은 다윗의 예술을 알지 못했습니다.

그러나 Gericault의 삶은 비극적으로 일찍 끝났고 (그는 말에서 떨어진 후 불치병에 걸렸습니다) 그의 계획 중 많은 부분이 미완성 상태로 남아있었습니다.

Géricault의 혁신은 낭만주의를 걱정하는 움직임, 사람의 근본적인 감정, 그림의 색채 질감 표현력을 전달할 새로운 기회를 열었습니다.

그의 탐구에서 Géricault의 상속인은 Eugene Delacroix였습니다. 사실, 들라크루아는 그의 수명의 두 배를 허용했고, 그는 낭만주의의 정확성을 증명했을 뿐만 아니라 2층 회화의 새로운 방향을 축복했습니다. 19 세기 - 인상주의.

스스로 글을 쓰기 시작하기 전에 Eugene은 Lerain 학교에서 공부했습니다. 그는 인생에서 그림을 그리고 루브르 박물관의 위대한 Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian을 복사했습니다 ... 젊은 예술가는 하루 10-12 시간 일했습니다. 그는 위대한 미켈란젤로의 말을 기억했습니다.

Delacroix는 Géricault의 시연 공연 후 예술에 강한 감정적 격변의 시간이 왔다는 것을 잘 알고있었습니다. 첫째, 그는 잘 알려진 문학적 플롯을 통해 자신에게 새로운 시대를 이해하고자 한다. 그의 그림 "단테와 버질", 1822 년 살롱에서 발표 된 것은 고대-Virgil과 르네상스-Dante의 두 시인의 역사적 연관 이미지를 통해 현대 시대의 "지옥"인 끓는 가마솥을 보려고 시도한 것입니다. 그의 "신곡"에서 Dante는 모든 영역 (천국, 지옥, 연옥)에서 버질의 땅을 호위로 삼았습니다. 단테의 작품에서는 중세 고대의 기억을 체험함으로써 새로운 르네상스 세계가 일어났다. 고대, 르네상스 및 중세의 종합으로서 낭만주의의 상징은 단테와 버질의 비전의 "공포"에서 발생했습니다. 그러나 복잡한 철학적 우화는 르네상스 이전 시대의 좋은 감정적 삽화이자 불멸의 문학적 걸작으로 밝혀졌습니다.

Delacroix는 자신의 상심을 통해 동시대 사람들의 마음에서 직접적인 반응을 찾으려고 노력할 것입니다. 자유와 압제자들에 대한 증오로 불타고 있던 당시의 젊은이들은 그리스의 해방 전쟁에 공감했습니다. 영국의 낭만적인 음유시인 바이런이 싸우러 갑니다. Delacroix는 자유를 사랑하는 그리스의 투쟁과 고통이라는보다 구체적인 역사적 사건의 묘사에서 새로운 시대의 의미를 봅니다. 그는 터키인이 점령 한 그리스 키 오스 섬 인구의 죽음 음모에 대해 이야기합니다. 1824년 살롱에서 Delacroix는 그림을 보여줍니다. "키오스 섬의 대학살".끝없이 펼쳐진 언덕이 많은 지형을 배경으로. 화재 연기와 끊임없는 전투에서 여전히 비명을 지르는 작가는 여러 그룹의 부상 당하고 지친 여성과 어린이를 보여줍니다. 그들은 적이 접근하기 전에 자유의 마지막 순간을 가졌습니다. 오른쪽에 있는 말을 탄 터크는 전경 전체와 거기에 있는 수많은 환자들 위에 매달려 있는 것처럼 보입니다. 아름다운 몸매, 사로잡힌 사람들의 얼굴. 그건 그렇고, Delacroix는 나중에 그리스 조각이 예술가에 의해 얼굴과 그림의 진정한 그리스 아름다움을 숨긴 상형 문자로 바뀌 었다고 쓸 것입니다. 그러나 패배 한 그리스인의 얼굴에 "영혼의 아름다움"을 드러내는 화가는 사건을 너무 극적으로 표현하여 하나의 역동적 인 긴장 속도를 유지하기 위해 인물의 각도를 변형시킵니다. 이러한 "실수"는 이미 Gericault의 작업으로 "해결"되었지만 Delacroix는 그림이 "상황의 진실이 아니라 느낌의 진실"이라는 낭만적 신조를 다시 한 번 보여줍니다.

1824년 들라크루아는 친구이자 스승인 제리코를 잃었습니다. 그리고 그는 새 그림의 리더가 되었다.

몇 년이 지났습니다. 사진이 하나씩 등장했습니다. "Missalunga 폐허의 그리스", "Sardanapalus의 죽음"등 작가는 공식 회화계에서 왕따가되었습니다. 그러나 1830년 7월 혁명은 상황을 바꾸었다. 그녀는 승리와 성취의 로맨스로 예술가를 불태운다. 그는 그림을 그린다 "바리케이드 위의 자유".

1831년 파리 살롱에서 프랑스인들은 1830년 7월 혁명의 "3개의 영광스러운 날"에 헌정된 Eugene Delacroix "바리케이드 위의 자유"의 그림을 처음으로 보았습니다. 캔버스는 예술적 결정의 힘, 민주주의 및 용기로 동시대 사람들에게 놀라운 인상을 남겼습니다. 전설에 따르면 존경할만한 한 부르주아는 이렇게 외쳤습니다. “학교 교장이라고? 더 잘 말해봐 - 반란의 머리! 살롱이 끝난 후 정부는 그림에서 나오는 위협적이고 고무적인 호소에 겁을 먹고 서둘러 작가에게 반환했습니다. 1848년 혁명 동안 다시 룩셈부르크 궁전에 공개 전시되었습니다. 그리고 다시 아티스트에게 돌아 왔습니다. 캔버스는 1855년 파리 만국박람회에 전시된 후에야 비로소 루브르 박물관에 소장되었습니다. 프랑스 낭만주의 최고의 작품 중 하나가 오늘날까지 이곳에 보관되어 있습니다. 영감을 받은 목격자의 기록이자 자유를 위한 사람들의 투쟁에 대한 영원한 기념물입니다.

넓고 모든 것을 포괄하는 일반화와 알몸의 잔인한 구체적인 현실이라는 두 가지 상반되는 원칙을 병합하기 위해 젊은 프랑스 낭만주의는 어떤 예술적 언어를 찾았습니까?

유명한 1830년 7월의 파리. 회색 연기와 먼지로 가득 찬 공기. 안개 속으로 사라지는 아름답고 장엄한 도시. 멀리서 보면 거의 눈에 띄지 않지만 역사, 문화, 프랑스 국민의 정신을 상징하는 노트르담 대성당의 탑이 자랑스럽게 솟아 있습니다. 거기에서 연기가 자욱한 도시에서 바리케이드 폐허, 죽은 동지의 시체 위로 반군이 완고하고 단호하게 앞으로 나아갑니다. 그들 각각은 죽을 수 있지만 반란군의 발걸음은 흔들리지 않습니다. 그들은 승리하려는 의지, 자유에 대한 의지에서 영감을 받았습니다.

이 영감을 주는 힘은 아름다운 젊은 여성의 이미지로 구체화되어 그녀를 부르는 열정적인 폭발을 일으킵니다. 지칠 줄 모르는 에너지, 자유롭고 젊음의 빠른 움직임으로 그녀는 그리스 여신과 같습니다.

닉이 이깁니다. 그녀의 강한 모습은 키톤 드레스를 입고 완벽한 이목구비를 가진 그녀의 얼굴은 불타는 눈을 가지고 반란군을 향하고 있습니다. 한 손에는 프랑스의 삼색 깃발을, 다른 손에는 총을 들고 있습니다. 머리에는 고대 노예 해방의 상징인 프리지아 모자가 있습니다. 그녀의 발걸음은 빠르고 가볍습니다. 이것이 여신의 발걸음입니다. 동시에 여성의 이미지는 현실입니다. 그녀는 프랑스 국민의 딸입니다. 그녀는 바리케이드에서 그룹의 움직임을 이끄는 힘입니다. 그것으로부터 에너지 중심의 광원에서와 같이 광선이 방출되어 갈증과 승리하려는 의지로 가득 차 있습니다. 그 가까이에 있는 사람들은 저마다의 방식으로 이 고무적이고 영감을 주는 부름에 참여하고 있음을 표현합니다.

오른쪽에는 권총을 휘두르는 파리의 게임인 소년이 있습니다. 그는 자유에 가장 가깝고 그녀의 열정과 자유로운 충동의 기쁨에 불을 붙였습니다. 빠르고 소년다운 참을성 없는 움직임으로 그는 영감을 받은 사람보다 조금 앞서 있습니다. 이것은 20년 후 Les Misérables에서 Victor Hugo가 묘사한 전설적인 Gavroche의 전임자입니다. 그는 앞뒤로 달려갔다, 그는 올라갔다, 그는 내려갔다

아래로, 다시 일어나고, 바스락 거리고, 기쁨으로 반짝였습니다. 모두를 격려하기 위해 이곳에 온 것 같습니다. 그에게 동기가 있었습니까? 예, 물론 그의 빈곤입니다. 날개가 있었나요? 예, 물론 그의 쾌활함입니다. 일종의 회오리 바람이었습니다. 동시에 모든 곳에 존재하면서 공기를 채우는 것 같았습니다. 거대한 바리케이드가 등뼈에서 느꼈습니다.

Delacroix의 그림에서 Gavroche는 젊음의 의인화, "아름다운 충동", 밝은 자유 개념에 대한 즐거운 수용입니다. Gavroche와 Liberty라는 두 이미지는 서로를 보완하는 것처럼 보입니다. 하나는 불이고 다른 하나는 그로부터 불이 붙은 횃불입니다. 하인리히 하이네는 가브로슈의 모습이 파리지앵들 사이에서 얼마나 생생한 반응을 불러일으켰는지 말했습니다. "젠장! "저 녀석들은 거인처럼 싸웠어!"

왼쪽에는 총을 든 학생이 있습니다. 이전에는 작가의 자화상으로 여겨졌다. 이 반란군은 Gavroche만큼 빠르지 않습니다. 그의 움직임은 더 절제되고 집중되며 의미가 있습니다. 손은 자신있게 총신을 쥐고 얼굴은 용기와 끝까지 서겠다는 확고한 결의를 표현합니다. 이것은 매우 비극적 인 이미지입니다. 학생은 반군이 겪게 될 손실의 불가피성을 알고 있지만 피해자는 그를 두려워하지 않습니다. 자유에 대한 의지가 더 강합니다. 그 뒤에는 똑같이 용감하고 단호한 일꾼이 세이버를 들고 서 있습니다. 자유의 발에 상처를 입었습니다. 그는 다시 한 번 자유를 올려다보고 자신이 죽어가는 아름다움을 온 마음으로 보고 느끼기 위해 힘겹게 일어섭니다. 이 그림은 Delacroix의 캔버스 사운드에 매우 극적인 시작을 제공합니다. Gavroche, Liberty, 학생, 노동자 (거의 상징, 자유 투사들의 냉혹 한 의지의 구체화)의 이미지가 시청자에게 영감을주고 호소한다면 부상당한 사람은 연민을 요구합니다. 인간은 자유에 작별을 고하고 삶에 작별을 고합니다. 그는 여전히 충동이고 운동이지만 이미 희미해지는 충동이다.

그의 모습은 과도기적입니다. 반군의 혁명적 결의에 여전히 매료되고 끌려간 시청자의 시선은 영광스러운 전사자들의 시체로 뒤덮인 바리케이드 아래로 내려갑니다. 죽음은 사실의 모든 적나라함과 증거로 예술가에 의해 제시됩니다. 우리는 죽은 자의 파란 얼굴과 벌거 벗은 몸을 봅니다. 투쟁은 무자비하고 죽음은 아름다운 영감을주는 자유와 마찬가지로 반란군의 동반자입니다.

그러나 완전히 똑같지는 않습니다! 그림 아래쪽 가장자리의 끔찍한 광경에서 우리는 다시 눈을 들어 아름다운 젊은 모습을 봅니다. 인생이 이긴다! 눈에 보이고 가시적으로 구현된 자유의 개념은 미래에 너무 집중되어 있어 그 이름의 죽음이 두렵지 않습니다.

작가는 산 자와 죽은 소수의 반란군만을 묘사합니다. 그러나 바리케이드의 수비수는 비정상적으로 많습니다. 구성은 전투기 그룹이 제한되지 않고 자체적으로 폐쇄되지 않는 방식으로 구성됩니다. 그녀는 끝없는 사람들의 눈사태의 일부일뿐입니다. 작가는 말하자면 그룹의 일부를 부여한다. 그림의 틀은 인물을 왼쪽, 오른쪽, 아래에서 잘라낸다.

일반적으로 Delacroix의 작품에서 색상은 감정적 인 사운드를 획득하고 극적인 효과를 만드는 데 지배적 인 역할을합니다. 때로는 격렬하고 때로는 퇴색하고 숨막히는 색상이 긴장된 분위기를 만듭니다. Liberty at the Barricades에서 Delacroix는 이 원칙에서 벗어납니다. 매우 정확하고 틀림없이 페인트를 선택하고 넓은 획으로 적용하여 아티스트는 전투 분위기를 전달합니다.

그러나 색상 범위는 제한적입니다. Delacroix는 형태의 부조 모델링에 중점을 둡니다. 이것은 그림의 비 유적 솔루션에 필요했습니다. 결국 특정 어제 사건을 묘사하면서 작가는이 사건에 대한 기념비도 만들었습니다. 따라서 수치는 거의 조각입니다. 따라서 그림의 단일 전체의 일부인 각 문자는 그 자체로 폐쇄된 것을 구성하며 완성된 형태로 주조된 기호를 나타냅니다. 따라서 색상은 보는 사람의 감정에 정서적으로 영향을 미칠 뿐만 아니라 상징적 부하를 수반합니다. 여기저기서 1789년 프랑스 혁명의 기치 색상인 갈색-회색 공간에서 엄숙한 빨강, 파랑, 흰색의 삼합체가 깜박입니다. 이러한 색상의 반복적 반복은 바리케이드 위를 펄럭이는 삼색기의 강력한 화음을 뒷받침합니다.

Delacroix의 그림 "바리케이드의 자유"는 그 범위에서 복잡하고 장대 한 작업입니다. 여기서 직접 본 사실의 진정성과 이미지의 상징성이 결합된다. 사실주의, 잔인한 자연주의에 도달, 이상적인 아름다움; 거칠고 무섭고 숭고하고 순수하다.

그림 "바리케이드에서의 자유"는 프랑스 회화에서 낭만주의의 승리를 통합했습니다. 30년대에는 두 개의 역사적인 그림이 더 있습니다. "푸아티에 전투"그리고 "군주 주교 암살".

1822년 작가는 북아프리카, 모로코, 알제리를 방문했다. 그 여행은 그에게 지울 수 없는 인상을 남겼습니다. 50년대에 그의 작품에는 이 여정의 기억에서 영감을 받은 그림이 등장했습니다. "사자 사냥", "말에 안장을 얹은 모로코"밝고 대조적인 색상은 이 그림들에 낭만적인 소리를 만들어냅니다. 그들에게는 와이드 스트로크 기술이 나타납니다.

낭만주의자인 Delacroix는 그림 이미지의 언어뿐만 아니라 그의 생각의 문학적 형식으로도 그의 영혼의 상태를 기록했습니다. 그는 낭만주의 예술가의 창작 과정, 색채 실험, 음악과 다른 형태의 예술 사이의 관계에 대한 성찰을 잘 설명했습니다. 그의 일기는 다음 세대의 예술가들이 가장 좋아하는 독서가 되었습니다.

프랑스 낭만주의 학교는 조각(Rud와 그의 마르세예즈 부조), 풍경화(프랑스 자연의 밝은 공기 이미지가 있는 Camille Corot) 분야에서 상당한 발전을 이루었습니다.

낭만주의 덕분에 작가의 개인적인 주관적 시각은 법칙의 형태를 취한다. 인상주의는 예술이 인상이라고 선언하면서 예술가와 자연 사이의 장벽을 완전히 파괴할 것입니다. 낭만주의는 예술가의 환상, "그의 감정의 목소리"에 대해 이야기하는데, 이는 학업의 완성도 기준이 아니라 주인이 필요하다고 생각할 때 작업을 중단할 수 있도록 합니다.

Gericault의 환상이 움직임의 전달에 초점을 맞추고 Delacroix는 색상의 마법의 힘에 초점을 맞추고 독일인은 여기에 특정 "회화 정신"을 추가했습니다. 스페인의프란시스코 고야(1746-1828)의 낭만주의자들은 이 스타일의 민속적 기원, 환상적이고 기괴한 성격을 보여주었습니다. Goya 자신과 그의 작품은 특히 아티스트가 성능 재료의 법칙(예를 들어 격자 격자 카펫에 그림을 그릴 때) 또는 고객의 요구 사항을 따라야 하는 경우가 많았기 때문에 어떤 문체 프레임워크와도 거리가 멀게 보입니다.

그의 판타스마고리아는 에칭 시리즈에서 빛을 발했다. "카프리초" (1797-1799),"전쟁의 재난" (1810-1820),"이질적인 사람들("Follies")(1815-1820), "농아인의 집" 벽화와 마드리드의 San Antonio de la Florida 교회(1798). 1792년 중병. 예술가의 완전한 귀머거리로 이어졌습니다. 육체적 정신적 트라우마를 겪은 후 마스터의 예술은 더욱 집중되고 사려 깊고 내부적으로 역동적이됩니다. 청각 장애로 폐쇄된 외부 세계는 고야의 내면의 영적 삶을 활성화했습니다.

에칭에서 "카프리초" Goya는 즉각적인 반응, 성급한 감정을 전달하는 데 탁월한 힘을 얻습니다. 흑백 성능은 큰 반점의 대담한 조합 덕분에 그래픽의 선형성 특성이 없어 그림의 모든 속성을 얻습니다.

마드리드의 성 안토니오 교회 벽화 Goya는 한숨에 만드는 것 같습니다. 스트로크의 기질, 구성의 간결함, Goya가 군중에서 직접 유형을 가져온 캐릭터 특성의 표현력이 놀랍습니다. 작가는 살해당한 사람을 부활시켜 말하게 하고 살인자의 이름을 지음으로써 무고한 사형수를 ​​사형에서 구한 플로리다의 앤서니의 기적을 그린다. 밝게 반응하는 군중의 역 동성은 묘사 된 얼굴의 제스처와 표정 모두에서 Goya에 의해 전달됩니다. 교회 공간의 그림 분포 구성 체계에서 화가는 Tiepolo를 따르지만 그가 시청자에게 불러 일으키는 반응은 바로크가 아니라 순전히 낭만적이며 각 시청자의 느낌에 영향을 미치고 그 자신.

무엇보다도 이 목표는 Goya가 1819년부터 살았던 Conto del Sordo("농아인의 집")의 그림에서 달성됩니다. 방의 벽은 환상적이고 우화적인 성격의 15개 구성으로 덮여 있습니다. 그들을 인식하려면 깊은 공감이 필요합니다. 이미지는 도시, 여성, 남성 등에 대한 일종의 비전으로 발생합니다. 번쩍이는 색상은 한 인물을 끌어낸 다음 다른 인물을 꺼냅니다. 전체적으로 그림은 어둡고 흰색, 노란색, 분홍빛이 도는 붉은 반점, 불안한 감정의 번쩍임이 지배적입니다. 시리즈의 에칭 "이질적인" .

고야는 지난 4년을 프랑스에서 보냈다. 그는 Delacroix가 그의 "Caprichos"와 헤어지지 않았다는 것을 알았을 것 같지 않습니다. 그리고 그는 Hugo와 Baudelaire가 이러한 에칭에 어떻게 끌릴지, Manet에 대한 그의 그림이 얼마나 큰 영향을 미칠지, XIX 세기의 80 년대에 어떻게 될지 예측할 수 없었습니다. V. Stasov는 러시아 예술가를 초대하여 "전쟁의 재난"을 연구합니다.

그러나 이것으로 우리는 대담한 사실주의와 영감을 받은 낭만적인 이 "스타일 없는" 예술이 19세기와 20세기의 예술 문화에 얼마나 큰 영향을 미쳤는지 압니다.

환상적인 꿈의 세계는 영국의 낭만주의 화가 윌리엄 블레이크(William Blake, 1757-1827)의 작품에서도 구현된다. 영국낭만주의 문학의 고전 국가였습니다. 바이런. Shelley는 "안개가 자욱한 알비온"을 훨씬 넘어서는 이 운동의 기치가 되었습니다. 프랑스에서는 "로맨틱 전투"의 시대에 대한 잡지 비평에서 낭만주의를 "셰익스피어"라고 불렀습니다. 영국 회화의 주요 특징은 항상 인간의 성격에 대한 관심이었으며 초상화 장르가 결실을 맺을 수 있게 해주었습니다. 회화의 낭만주의는 감상주의와 매우 밀접한 관련이 있습니다. 중세에 대한 낭만주의적 관심은 방대한 역사 문헌을 탄생시켰습니다. 인정받는 마스터는 V. Scott입니다. 회화에서 중세의 주제는 이른바 페라파엘의 모습을 결정했습니다.

William Blake는 영국 문화계에서 놀라운 유형의 낭만적인 사람입니다. 그는시를 쓰고 자신과 다른 책을 설명합니다. 그의 재능은 전체론적 통일성으로 세상을 포용하고 표현하고자 했습니다. 그의 가장 유명한 작품은 성서 "욥기", 단테의 "신곡", 밀턴의 "실낙원"의 삽화입니다. 그는 자신의 구성을 비현실적 계몽 또는 환상 세계의 주변 환경에 해당하는 거대한 영웅 인물로 채웁니다. 불협화음으로 만들어내기 힘든 반항적인 자부심이나 화합이 그의 삽화를 압도한다.

로마 시인 Virgil의 "Pastorals"에 대한 풍경 조각은 다소 다르게 보입니다. 이전 작품보다 더 목가적 인 낭만적입니다.

블레이크의 낭만주의는 세계의 고유한 예술적 공식과 존재형식을 찾으려 한다.

극심한 가난과 무명의 삶을 살았던 윌리엄 블레이크는 사후 영국 예술의 고전으로 꼽혔습니다.

초기 XIX 세기의 영국 풍경화가들의 작품에서. 낭만적 인 취미는보다 객관적이고 냉정한 자연관과 결합됩니다.

낭만적으로 높은 풍경은 William Turner(1775-1851)에 의해 만들어졌습니다. 그는 뇌우, 폭우, 바다의 폭풍, 밝고 불타는 일몰을 묘사하는 것을 좋아했습니다. Turner는 자연의 고요한 상태를 그릴 때에도 종종 조명의 효과를 과장하고 색채의 소리를 강화했습니다. 더 큰 효과를 위해 그는 수채화 기법을 사용하고 매우 얇은 층에 유성 페인트를 바르고 바닥에 직접 칠하여 무지개 빛깔의 오버플로를 얻었습니다. 예는 그림입니다 "비, 증기 및 속도"(1844). 그러나 그 당시 잘 알려진 비평가인 새커리(Thackeray)조차도 아마도 디자인과 실행 모두에서 가장 혁신적인 그림을 정확하게 이해하지 못했을 것입니다. “비는 더러운 퍼티의 얼룩으로 표시됩니다.”라고 그는 썼습니다. 그림자는 스칼렛 크라플락의 차가운 색조와 음소거 톤의 진사 반점으로 전달됩니다. 그리고 기관차 용광로의 불이 붉게 보이지만 그것이 카발트 색이나 완두콩 색으로 칠해져 있지 않다고 주장하지는 않습니다. 또 다른 비평가는 Turner가 "스크램블 에그와 시금치"의 색을 채색한 것을 발견했습니다. 후기 Turner의 색상은 일반적으로 동시대 사람들에게는 완전히 상상할 수없고 환상적으로 보였습니다. 그들에게서 실제 관찰의 알갱이를 보는 데 1세기 이상이 걸렸습니다. 그러나 다른 경우와 마찬가지로 여기에 있습니다. 목격자에 대한 흥미로운 설명, 또는 오히려 "비, 증기 및 속도"의 탄생에 대한 증인이 보존되었습니다. 시몬 부인이 맞은편에 앉은 노신사와 함께 웨스턴 익스프레스의 칸막이에 타고 있었다. 그는 창문을 열어달라고 부탁하고 쏟아지는 빗속에 머리를 내밀고 한참을 그 자세를 유지했다. 그가 마침내 창문을 닫았을 때. 개울에서 물이 떨어졌지만 그는 행복하게 눈을 감고 뒤로 기대어 방금 본 것을 분명히 즐겼습니다. 호기심 많은 젊은 여성이 자신의 감정을 경험하기로 결정했습니다. 그녀는 또한 머리를 창 밖으로 내밀었습니다. 또한 젖었습니다. 하지만 잊을 수 없는 인상을 받았습니다. 1년 후 런던에서 열린 전시회에서 그녀가 Rain, Steam and Speed를 보았을 때 그녀가 얼마나 놀랐는지 상상해 보십시오. 그녀의 뒤에 있는 누군가가 비판적으로 말했습니다. “매우 전형적인 Turner입니다. 이렇게 부조리가 뒤섞인 모습을 본 사람은 아무도 없습니다.” 그리고 그녀는 자신을 제지할 수 없었습니다. "나는 보았다."

아마도 이것은 그림에서 기차의 첫 번째 이미지 일 것입니다. 관점은 위 어딘가에서 가져와 넓은 파노라마 적용 범위를 제공할 수 있습니다. Western Express는 그 당시로서는 절대적으로 예외적인 속도(시속 150km 초과)로 다리 위를 날아갑니다. 또한 비를 통해 빛을 표현한 최초의 시도일 것이다.

19세기 중반 영국 미술. Turner의 그림과는 완전히 다른 방향으로 발전했습니다. 그의 실력은 인정받았지만 그를 따르는 젊은이는 없었다.

Turner는 오랫동안 인상주의의 선구자로 여겨져 왔습니다. 빛에서 색에 대한 탐구를 더욱 발전시켜야 했던 것은 프랑스 예술가였던 것 같습니다. 하지만 전혀 그렇지 않습니다. 본질적으로 인상파에 대한 Turner의 영향은 1899년에 출판된 Paul Signac의 From Delacroix에서 Neo-Impressionism으로 거슬러 올라갑니다. 여기서 그는 "1871년 런던에 오래 머무르는 동안 Claude Manet과 Camille Pissarro가 Turner를 발견했습니다. 그들은 그의 색채의 자신감 있고 마법 같은 품질에 감탄했고, 그의 작품을 연구하고, 그의 기술을 분석했습니다. 처음에 그들은 눈과 얼음에 대한 그의 묘사에 놀랐고, 그가 넓은 붓놀림으로 은백색의 큰 부분을 평평하게 하여 그들 자신은 할 수 없는 눈의 하얀 느낌을 전달할 수 있었던 방식에 충격을 받았습니다. . 그들은 이러한 인상이 백색 도료만으로는 달성되지 않는다는 것을 알았습니다. 그리고 여러 가지 색상의 스트로크. 멀리서 보면 이런 인상을 주는 다른 사람 옆에 있는 사람을 가했습니다.

이 기간 동안 시냐크는 자신의 점묘법 이론을 확인하기 위해 모든 곳을 찾았습니다. 그러나 1871년 프랑스 예술가들이 내셔널 갤러리에서 볼 수 있었던 터너의 그림에는 시냐크가 묘사한 점묘법의 기법도 없고 "백도의 넓은 반점"도 없습니다. 1870-e, 그리고 1890년대.

Turner는 Paul Signac이 그의 책에서 쓴 인상주의의 선구자 일뿐만 아니라 위대한 혁신적인 예술가로서 가장 신중하게 연구했습니다. Turner의 후기 그림 "Rain, Steam and Speed", "Exile", "Morning" 및 "Evening of the Flood"에 대해 Signac은 그의 친구 Angrand에게 이렇게 썼습니다.

Signac의 열광적인 평가는 Turner의 그림 탐구에 대한 현대적 이해의 시작을 알렸습니다. 그러나 최근 몇 년 동안 그들은 그의 검색 방향의 하위 텍스트와 복잡성을 고려하지 않고 Turner의 정말 미완성 인 "밑그림"에서 일방적으로 예를 선택하여 그에게서 인상주의의 전임자를 발견하려고 노력하는 경우가 있습니다.

최신 아티스트 중 모든 것이 자연스럽게 Turner가 그에게 미치는 영향을 인식 한 Monet과의 비교를 제안합니다. 루앙 대성당의 서쪽 포털이라는 두 가지 모두에서 절대적으로 유사한 플롯이 하나 있습니다. 그러나 Monet이 건물의 태양 조명에 대한 연구를 제공하면 그는 우리에게 고딕이 아니라 일종의 알몸 모델을 제공합니다. Turner에서 자연에 완전히 흡수 된 예술가가이 주제에 관심을 갖게 된 이유를 이해합니다. 이미지 고딕 예술 작품을 자연 작품에 더 가깝게 만드는 것은 전체의 압도적인 웅장함과 다양한 세부 사항을 치는 무한대의 조합입니다.

영국 문화와 낭만주의 예술의 특수성은 19세기 자연의 경쾌한 이미지의 토대를 마련한 최초의 야외 예술가인 John Constable(1776-1837)의 등장 가능성을 열어주었습니다. 영국인 Constable은 그의 그림의 주요 장르로 풍경을 선택합니다. “세상은 위대합니다. 똑같은 이틀은 없고 똑같은 두 시간도 없습니다. 세상이 창조된 이래로 한 나무에 같은 잎사귀 두 개가 없고, 모든 진정한 예술 작품은 자연의 창조물처럼 서로 다릅니다.”라고 그는 말했습니다.

경호원은 다양한 자연 상태를 미묘하게 관찰하면서 야외에서 큰 유화 스케치를 그렸으며, 그 안에서 그는 자연의 내면 생활과 일상 생활의 복잡성을 전달할 수 있었습니다. ("헴스테드 언덕에서 본 하이게이트의 전망", 좋아요. 1834; "건초 카트" 1821; "Detham Valley", ca. 1828)은 글쓰기 기술의 도움으로 이를 달성했습니다. 그는 때로는 두껍고 거칠게, 때로는 더 부드럽고 더 투명하게 움직이는 선으로 그렸습니다. 인상파는 세기말에 와서야 이것에 이르렀습니다. Constable의 혁신적인 그림은 Delacroix의 작품과 프랑스 풍경의 전체 발전에 영향을 미쳤습니다.

Constable의 예술과 Gericault 작품의 여러 측면은 초기에 낭만주의와 병행하여 발전한 19세기 유럽 예술의 사실적인 경향의 출현을 표시했습니다. 나중에 그들의 길은 갈라졌습니다.

낭만주의는 누구와도 달리 개인의 인간 영혼의 세계를 열었지만 성실하고 따라서 세계의 모든 관능적 비전에 가깝습니다. Gelacroix가 말했듯이 회화에서의 이미지의 순간성은 문학적 성능의 일관성이 아니라 가장 복잡한 움직임 전달에 대한 예술가의 초점을 결정했으며 이를 위해 새로운 형식 및 색채 솔루션이 발견되었습니다. 낭만주의는 XIX 세기 후반의 유산을 남겼습니다. 이 모든 문제와 예술적 개성은 아카데미즘의 규칙에서 해방되었습니다. 낭만주의자들 사이에서 19세기 후반의 예술에서 사상과 삶의 본질적인 결합을 표현하는 것으로 여겨졌던 상징. 아이디어와 주변 세계의 다양성을 포착하여 예술적 이미지의 폴리포니에 용해됩니다.

b) 음악

예술 종합의 아이디어는 낭만주의의 이데올로기와 실천에서 표현되었습니다. 음악의 낭만주의는 낭만주의 문학의 영향으로 19세기의 20년대에 형성되었으며 일반적으로 문학과 밀접한 관련이 있습니다(주로 오페라, 노래, 기악 미니어처 및 음악 프로그래밍과 같은 합성 장르로 전환). 낭만주의의 특징 인 사람의 내면 세계에 대한 호소는 낭만주의에서 음악과 가사의 우위를 결정한 주관적 숭배, 정서적으로 강렬한 갈망으로 표현되었습니다.

19세기 전반의 음악. 빠르게 진화했습니다. 새로운 음악 언어가 등장했습니다. 기악 및 실내악에서 미니어처는 특별한 장소를 받았습니다. 오케스트라는 다양한 색상의 스펙트럼으로 소리를 냈습니다. 피아노와 바이올린의 가능성이 새로운 방식으로 드러났습니다. 낭만주의 음악은 매우 거장이었습니다.

음악적 낭만주의는 다른 민족 문화와 다른 사회 운동과 관련된 많은 다른 분야에서 나타났습니다. 예를 들어 독일 낭만주의의 친밀하고 서정적 인 스타일과 프랑스 작곡가 작품의 특징 인 "웅변 적"시민적 파토스는 크게 다릅니다. 차례로 광범위한 민족 해방 운동을 기반으로 발생한 새로운 국립 학교 대표 (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg)와 Risorgimento 운동과 밀접하게 관련된 이탈리아 오페라 학교 대표 (Verdi, Bellini)는 특히 고전적 전통을 보존하려는 경향에서 독일, 오스트리아 또는 프랑스의 동시대 사람들과 여러면에서 다릅니다.

그럼에도 불구하고 그들 모두는 우리가 단일한 낭만적 사고 구조에 대해 말할 수 있게 해주는 몇 가지 일반적인 예술적 원칙에 의해 특징지어진다.

풍부한 인간 경험의 세계를 깊고 꿰뚫는 음악의 특별한 능력으로 인해 낭만적 인 미학으로 다른 예술의 첫 번째 자리에 올랐습니다. 많은 낭만주의자들은 음악이 "알 수 없는" 것을 표현하는 속성 때문에 직관적인 시작을 강조했습니다. 뛰어난 낭만주의 작곡가들의 작품은 사실주의적 기반이 강했다. 평범한 사람들의 삶에 대한 관심, 삶의 충만 함과 감정의 진실, 일상 생활의 음악에 대한 의존이 음악적 낭만주의 최고의 대표자들의 작품의 사실성을 결정했습니다. 반동적 경향(신비주의, 현실 도피)은 상대적으로 적은 수의 낭만주의 작품에만 내재되어 있습니다. 그들은 Weber의 오페라 Euryanta(1823), Wagner의 일부 뮤지컬 드라마, Liszt의 오라토리오 Christ(1862) 등에 부분적으로 등장했습니다.

19세기 초에 이르러서는 민속학, 역사학, 고대문학에 대한 기초 연구가 등장하고 중세 전설, 고딕미술, 그리고 잊혀졌던 르네상스 문화가 부활하였다. 이때 작곡가의 유럽 작품에서 특별한 유형의 많은 국립 학교가 개발되어 공통 유럽 문화의 경계를 크게 확장 할 운명이었습니다. 첫 번째는 아니지만 곧 세계 문화 창의성의 첫 번째 장소 중 하나 인 러시아어 (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), 폴란드어 (Chopin, Moniuszko), 체코 어 (Sour Cream, Dvorak), 헝가리어 ( List), 노르웨이어 (Grieg), 스페인어 (Pedrel), 핀란드어 (Sibelius), 영어 (Elgar)-모두 유럽에서 작곡가 창의성의 일반적인 주류에 병합되어 기존의 고대 전통에 반대하지 않습니다. . 작곡가가 속한 민족 문화의 독특한 민족적 특징을 표현하는 새로운 이미지 서클이 등장했습니다. 작품의 억양 구조를 통해 특정 국립 학교에 속한 귀로 즉시 알아볼 수 있습니다.

작곡가들은 공통 유럽 음악 언어에 과거의 억양 전환, 주로 자국의 농민 민속을 포함합니다. 그들은 그대로 옻칠 한 오페라에서 러시아 민요를 정화하고 18 세기 노래의 국제적 억양 시스템에 민속 일상 장르를 도입했습니다. 고전주의의 비 유적 영역과 비교할 때 특히 생생하게 인식되는 낭만주의 음악에서 가장 눈에 띄는 현상은 서정적 심리적 원리의 지배입니다. 물론 일반적으로 음악 예술의 특징은 감정의 영역을 통한 모든 현상의 굴절입니다. 모든 시대의 음악은 이 패턴을 따릅니다. 그러나 낭만주의는 음악의 서정적 시작의 가치, 사람의 내면 세계의 깊이, 미묘한 분위기를 전달하는 힘과 완벽 함에서 모든 전임자를 능가했습니다.

사랑의 주제는 인간 정신의 모든 깊이와 뉘앙스를 가장 포괄적이고 완전하게 반영하는 마음의 상태이기 때문에 지배적 인 위치를 차지합니다. 그러나이 주제는 문자 그대로의 의미에서 사랑의 동기에 국한되지 않고 가장 광범위한 현상과 동일시된다는 것이 매우 특징적입니다. 광범위한 역사적 파노라마를 배경으로 캐릭터의 순전히 서정적 경험이 드러납니다. 그의 고향, 그의 조국, 그의 백성에 대한 사람의 사랑은 모든 낭만적인 작곡가의 작품을 통해 실처럼 흐릅니다.

서정적 고백의 주제와 밀접하고 불가분의 관계로 얽힌 자연의 이미지에 크고 작은 형태의 음악 작품에서 큰 자리를 차지합니다. 사랑의 이미지와 마찬가지로 자연의 이미지는 영웅의 마음 상태를 의인화하므로 종종 현실과의 부조화로 채색됩니다.

판타지라는 주제는 종종 현실의 속박에서 벗어나고자 하는 욕망에서 비롯된 자연의 이미지와 경쟁한다. 낭만주의의 전형은 회색 일상 생활과는 대조적으로 세상의 풍부한 색상으로 반짝이는 훌륭하고 반짝이는 검색이었습니다. 이 기간 동안 문학은 동화, 러시아 작가의 발라드로 풍부해졌습니다. 낭만적 인 학교의 작곡가들 사이에서 멋지고 환상적인 이미지는 국가 고유의 색상을 얻습니다. 발라드는 러시아 작가들에게 영감을 받았으며, 덕분에 악의 세력에 대한 두려움에 대한 생각을 뒤집기 위해 노력하는 믿음의 잘못된 측면을 상징하는 환상적인 그로테스크 한 계획의 작품이 만들어졌습니다.

많은 낭만주의 작곡가들이 음악 작가와 비평가로도 활동했습니다(Weber, Berlioz, Wagner, Liszt 등). 진보적 낭만주의 대표자들의 이론적 작업은 음악 예술의 가장 중요한 문제의 발전에 매우 중요한 기여를 했습니다. 낭만주의는 공연 예술(바이올리니스트 파가니니, 가수 A. 누리 등)에서도 표현되었습니다.

이 시기 낭만주의의 진보적 의미는 주로 활동성에 있다. 프란츠 리스트. 모순된 세계관에도 불구하고 리스트의 작업은 기본적으로 진보적이고 현실적이었다. 뛰어난 국민 예술가 인 헝가리 음악의 창시자이자 고전 중 한 명.

헝가리 국가 주제는 Liszt의 많은 작품에 널리 반영되어 있습니다. Liszt의 낭만적이고 거장적인 작곡은 피아노 연주(콘서트, 소나타)의 기술적이고 표현적인 가능성을 확장했습니다. 그가 적극적으로 홍보 한 러시아 음악 대표와의 Liszt의 관계는 중요했습니다.

동시에 리스트는 세계 음악 예술의 발전에 큰 역할을 했다. 리스트 이후로 "피아노포르테의 모든 것이 가능해졌습니다." 그의 음악의 특징은 즉흥 연주, 낭만적 인 감정의 고양, 표현적인 멜로디입니다. Liszt는 작곡가, 연주자, 뮤지컬 인물로 평가됩니다. 작곡가의 주요 작품: 오페라 “ 돈 산초 또는 사랑의 성”(1825), 13개의 교향시” 타소 ”, ” 프로메테우스 ”, “작은 촌락” 등 오케스트라를 위한 작품, 피아노와 오케스트라를 위한 2개의 협주곡, 75개의 로망스, 합창단 및 기타 똑같이 잘 알려진 작품.

음악에서 낭만주의의 첫 징후 중 하나는 창의성이었습니다. 프란츠 슈베르트(1797-1828). Schubert는 음악적 낭만주의의 가장 큰 창시자이자 낭만적 인 교향곡, 피아노 미니어처, 가사-로맨틱 노래 (로맨스)와 같은 여러 새로운 장르의 창시자로 음악사에 입문했습니다. 그의 작업에서 가장 중요한 것은 노래,그는 특히 많은 혁신적인 경향을 보여주었습니다. Schubert의 노래에서 사람의 내면 세계가 가장 깊이 드러나고 민속 음악과의 특징적인 연결이 가장 눈에 띄며 그의 재능의 가장 필수적인 특징 중 하나 인 놀라운 다양성, 아름다움, 멜로디의 매력이 가장 분명합니다. 초기 최고의 노래는 “ 물레의 마가리타 ”(1814) , “숲의 왕". 두 노래 모두 괴테의 가사로 쓰여졌습니다. 그들 중 첫 번째에서 버려진 소녀는 그녀의 사랑하는 사람을 기억합니다. 그녀는 외롭고 깊은 고통을 겪고 있으며 그녀의 노래는 슬프다. 단순하고 진지한 멜로디는 단조로운 산들 바람에 의해서만 울려 퍼집니다. "숲의 왕"은 복잡한 작업입니다. 이것은 노래가 아니라 우리 앞에 세 인물이 등장하는 드라마틱한 장면이다. 말을 타고 숲속을 달리는 아버지, 그가 안고 있는 병든 아이, 그리고 열병에 걸린 소년에게 나타나는 무시무시한 숲의 왕 섬망 상태. 그들 각각은 고유의 멜로디 언어를 가지고 있습니다. Schubert의 노래 "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade"는 그다지 유명하고 사랑받지 못합니다. 후년에 작곡된 이 곡들은 놀라울 정도로 단순하고 표현력이 풍부한 멜로디와 신선한 색상이 특징입니다.

Schubert는 또한 두 개의 노래를 썼습니다. 아름다운 밀러"(1823) 및" 겨울 길”(1872)-독일 시인 Wilhelm Müller의 말에. 그들 각각에서 노래는 하나의 음모로 통합됩니다. "The Beautiful Miller's Woman"이라는 사이클의 노래는 어린 소년에 대해 이야기합니다. 시냇물을 따라 행복을 찾아 떠나는 여행을 떠난다. 이 사이클의 대부분의 노래에는 가벼운 성격이 있습니다. "Winter Way" 사이클의 분위기는 완전히 다릅니다. 가난한 청년이 부자 신부에게 거절당합니다. 절망에 빠진 그는 고향을 떠나 세계를 떠돌아다닙니다. 그의 동료는 바람, 눈보라, 불길하게 우는 까마귀입니다.

여기에 주어진 몇 가지 예를 통해 슈베르트 작곡의 특징에 대해 이야기할 수 있습니다.

슈베르트는 글쓰기를 좋아했다 피아노 음악. 이 악기를 위해 그는 엄청난 수의 작품을 썼습니다. 노래와 마찬가지로 그의 피아노 작품은 일상 음악에 가까웠고 단순하고 이해하기 쉬웠습니다. 그의 작곡에서 가장 좋아하는 장르는 춤, 행진, 그리고 그의 생애 말년에는 즉흥곡이었습니다.

왈츠 및 기타 춤은 일반적으로 시골 산책에서 슈베르트의 무도회에 나타났습니다. 그곳에서 그는 그것들을 즉흥적으로 만들고 집에서 녹음했습니다.

슈베르트의 피아노곡과 그의 가곡을 비교해보면 많은 유사점을 발견할 수 있다. 우선 장조와 단조의 화려한 병치, 선율의 표현력, 기품이 뛰어납니다.

가장 큰 것 중 하나 프랑스 국민 19세기 후반의 작곡가 조르주 비제, 뮤지컬 극장을 위한 불멸의 창작물의 창조자 - 오페라 “카르멘"그리고 Alphonse Daudet의 드라마를 위한 멋진 음악" 알레시안 ”.

Bizet의 작업은 생각의 정확성과 명확성, 표현 수단의 참신함과 신선함, 형태의 완전성과 우아함이 특징입니다. Bizet은 작곡가의 위대한 동포 인 작가 Balzac, Flaubert, Maupassant의 작품의 특징 인 인간의 감정과 행동을 이해하는 심리적 분석의 예리함이 특징입니다. 장르가 다양한 Bizet 작품의 중심 장소는 오페라에 속합니다. 작곡가의 오페라 예술은 프랑스 땅에서 발생했으며 프랑스 오페라 하우스의 전통에 의해 양육되었습니다. 비제는 프랑스 오페라의 발전을 가로막는 장르적 제약을 극복하는 것을 작품의 첫 번째 과제로 삼았다. 그에게 "큰"오페라는 죽은 장르 인 것 같고 서정적 오페라는 눈물과 소부르주아 적 편협함으로 짜증이 나며 만화는 다른 것보다 더 주목할 가치가 있습니다. 비제의 오페라에서 처음으로 육즙이 넘치고 생동감 넘치는 국내 및 대중 장면이 등장하며 삶과 생생한 장면을 예고한다.

알폰스 도데의 드라마를 위한 비제의 음악 “알레시안”는 주로 그녀의 베스트 넘버로 구성된 두 개의 콘서트 모음곡으로 알려져 있다. Bizet은 정통 프로방스 멜로디를 사용했습니다. : "삼왕의 행진곡"그리고 "유쾌한 말의 춤".

비제의 오페라 카르멘’는 군인 호세와 집시 카르멘의 사랑과 죽음에 대한 이야기를 설득력 있는 진실성과 매혹적인 예술적 힘으로 관객들 앞에 펼치는 뮤지컬 드라마다. 오페라 카르멘은 프랑스 뮤지컬의 전통을 기반으로 만들어졌으나 동시에 많은 새로운 것들을 소개하기도 했다. 국립오페라 최고의 성과를 바탕으로 가장 중요한 요소를 개편하여 비제는 사실적인 뮤지컬 드라마라는 새로운 장르를 탄생시켰다.

19 세기 오페라 하우스의 역사에서 오페라 카르멘은 첫 번째 장소 중 하나를 차지합니다. 1876년부터 그녀의 개선 행렬은 비엔나, 브뤼셀, 런던의 오페라 극장 무대에서 시작되었습니다.

환경에 대한 개인적인 관계의 표현은 시인과 음악가에 의해 무엇보다도 즉각적인 감정적 "개방성"과 표현의 열정으로 표현되었습니다. 인정이나 고백.

예술의 이러한 새로운 경향은 출현에 결정적인 영향을 미쳤습니다. 서정 오페라. 그것은 "그랜드"와 코믹 오페라의 대립으로 등장했지만 오페라 극작술과 음악 표현 수단 분야에서 그들의 정복과 업적을 지나칠 수 없었습니다.

새로운 오페라 장르의 특징은 역사적, 철학적 또는 현대적 주제에 대한 모든 문학적 음모의 서정적 해석이었습니다. 서정적 오페라의 영웅들은 낭만적 인 오페라의 특징 인 배타성과 약간의 과장이없는 평범한 사람들의 특징을 부여 받았습니다. 서정 오페라 분야에서 가장 중요한 예술가는 샤를 구노.

Gounod의 다소 많은 오페라 유산 중 오페라 " 파우스트"특별하고 예외적 인 장소를 차지합니다. 그녀의 세계적인 명성과 인기는 Gounod의 다른 오페라와 비교할 수 없습니다. 오페라 파우스트의 역사적 중요성은 최고 일뿐만 아니라 본질적으로 차이코프스키가 쓴 새로운 방향의 오페라 중 첫 번째이기 때문에 특히 큽니다. 천재, 그리고 비범한 기술과 뚜렷한 정체성 없이.” 파우스트의 이미지에서는 세상을 알고 싶은 욕망으로 인한 영원한 불만 인 그의 의식의 날카로운 불일치와 "분기"가 완화됩니다. Gounod는 그 시대의 전투적인 비판 정신을 구현 한 괴테의 Mephistopheles 이미지의 다양성과 복잡성을 모두 전달할 수 없었습니다.

"파우스트"가 인기를 얻은 주된 이유 중 하나는 젊은 장르의 서정 오페라의 근본적이고 새로운 특징, 즉 오페라 캐릭터의 내면 세계를 정서적으로 직접적이고 생생하게 개별적으로 전달하는 데 집중했기 때문입니다. 주인공의 갈등을 예로 들어 모든 인류의 역사적, 사회적 운명을 밝히고 자하는 괴테의 파우스트의 깊은 철학적 의미는 마거리트와 파우스트의 인간적인 서정적 드라마의 형태로 구노에 의해 구체화되었습니다.

프랑스의 작곡가, 지휘자, 음악 평론가 헥터 베를리오즈가장 큰 낭만적인 작곡가, 교향곡 프로그램의 창시자, 음악 형식, 하모니, 특히 악기 분야의 혁신가로 음악사에 입문했습니다. 그의 작품에서 그들은 혁명적 파토스와 영웅주의의 생생한 구체화를 발견했습니다. Berlioz는 그가 높이 평가하는 음악의 M. Glinka에 익숙했습니다. 그는 자신의 글과 창작 원칙을 열광적으로 받아들인 "마이티 핸드풀"의 지도자들과 우호적인 관계를 유지했습니다.

그는 오페라 “ 벤베누토 칠리니 ”(1838), “ 트로이 목마 ”,”베아트리체와 베네딕트(셰익스피어의 코미디 Much Ado About Nothing, 1862를 기반으로 함); 23개의 성악 및 교향곡, 31개의 로망스, 합창단, 그는 "현대 악기와 오케스트레이션에 관한 위대한 논문"(1844), "오케스트라의 저녁"(1853), "노래를 통해"(1862), "음악적 호기심"이라는 책을 저술했습니다. ( 1859), "회고록"(1870), 기사, 리뷰.

독일 사람 작곡가, 지휘자, 극작가, 홍보인 리차드 바그너가장 위대한 음악 창작자이자 오페라 예술의 주요 개혁자 중 한 명으로 세계 음악 문화의 역사에 입문했습니다. 그의 개혁의 목표는 모든 유형의 오페라와 교향곡을 대체하도록 고안된 극적인 형식의 기념비적인 프로그래밍 성악 교향악 작품을 만드는 것이었습니다. 그러한 작품은 음악이 연속적인 흐름으로 흐르고 모든 극적인 연결을 하나로 합치는 뮤지컬 드라마였습니다. 완성 된 노래를 거부하고 Wagner는 감정이 풍부한 암송으로 대체했습니다. Wagner 오페라의 큰 부분은 세계 교향곡에 귀중한 공헌을 한 독립 오케스트라 에피소드로 가득 차 있습니다.

Wagner의 손은 13개의 오페라에 속합니다. 플라잉 더치맨'(1843), '탄호이저'(1845), '트리스탄과 이졸데'(1865), '라인강의 황금'(1869)등; 합창단, 피아노 곡, 로맨스.

또 다른 뛰어난 독일 작곡가, 지휘자, 피아니스트, 교사 및 음악적 인물은 펠릭스 멘델스존-바르톨디. 9세 때부터 피아니스트로 활동하기 시작했고 17세 때 걸작 중 하나인 코미디 서곡을 만들었습니다. 씨 그는 여름밤에 있다"셰익스피어. 1843년 그는 라이프치히에 독일 최초의 음악원을 세웠습니다. "낭만주의의 고전"인 Mendelssohn의 작품에서 낭만적 인 특징은 고전적인 사고 체계와 결합됩니다. 그의 음악은 밝은 멜로디, 표현의 민주주의, 감정의 절제, 생각의 고요함, 밝은 감정의 우세, 서정적 분위기, 약간의 감상, 흠 잡을 데없는 형태, 뛰어난 장인 정신이 특징입니다. R. Schumann은 그를 "19 세기의 모차르트", G. Heine - "음악적 기적"이라고 불렀습니다.

풍경 낭만적인 교향곡("스코틀랜드", "이탈리아"), 프로그램 콘서트 서곡, 인기 있는 바이올린 협주곡, 피아노 포르테 "말 없는 노래"를 위한 곡의 순환 작가; 오페라 Camacho's Marriage.그는 연극 Antigone(1841), Sophocles의 Oedipus in Colon(1845), Racine의 Atalia(1845), 셰익스피어의 A Midsummer Night's Dream(1843) 등을 위해 음악을 썼습니다. oratorios "Paul"(1836), "Elijah"(1846); 피아노 협주곡 2곡과 바이올린 협주곡 2곡.

안에 이탈리아 사람뮤지컬 문화 뛰어난 작곡가, 지휘자, 오르간 연주자 인 Giuseppe Verdi는 특별한 장소에 속합니다. Verdi의 주요 작업 영역은 오페라입니다. 그는 주로 이탈리아 국민의 영웅애국심과 민족해방사상을 대변하는 역할을 했다. 그 후 몇 년 동안 그는 사회적 불평등, 폭력, 억압으로 인해 발생하는 극적인 갈등에 주목하고 그의 오페라에서 악을 비난했습니다. Verdi 작품의 특징 : 민속 음악, 극적인 기질, 선율의 밝기, 무대 법칙에 대한 이해.

그는 26개의 오페라를 썼다. 나부코', '맥베스', '트루바두르', '라 트라비아타', '오셀로', '아이다'" 등 . , 20개의 로맨스, 보컬 앙상블 .

어린 노르웨이 인 작곡가 에드바르 그리그(1843-1907)국악의 발전을 기원합니다. 이것은 그의 작품뿐만 아니라 노르웨이 음악의 진흥에서도 표현되었습니다.

코펜하겐에 있는 동안 Grieg는 많은 음악을 썼습니다. 시적인 그림”그리고 "유모레스크",피아노를 위한 소나타와 제1바이올린 소나타, 노래. 새로운 작품이 나올 때마다 노르웨이 작곡가로서의 그리그의 이미지가 더욱 선명하게 드러난다. 미묘한 서정적 "Poetic Pictures"(1863)에서 국가적 특징은 여전히 ​​\u200b\u200b소심하게 돌파됩니다. 리드미컬한 형태는 종종 노르웨이 민속 음악에서 발견됩니다. 그것은 많은 Grieg 멜로디의 특징이되었습니다.

Grieg의 작업은 방대하고 다면적입니다. Grieg는 다양한 장르의 작품을 썼습니다. 피아노 협주곡과 발라드, 바이올린과 피아노를 위한 3개의 소나타, 첼로와 피아노를 위한 소나타 4중주는 큰 형식에 대한 그리그의 끊임없는 갈망을 증언합니다. 동시에 악기 미니어처에 대한 작곡가의 관심은 변하지 않았습니다. 피아노 포르테와 마찬가지로 작곡가는 로맨스, 노래와 같은 실내 보컬 미니어처에 매료되었습니다. 교향곡 창작 분야는 모음곡과 같은 걸작으로 표시됩니다. 구노 당 ”, “홀베르그 시대부터". Grieg 작품의 특징적인 유형 중 하나는 민요와 춤을 처리하는 것입니다. 간단한 피아노 곡의 형태로 피아노 네 손을 위한 모음곡이 있습니다.

Grieg의 음악 언어는 매우 독창적입니다. 작곡가 스타일의 개성은 무엇보다도 노르웨이 민속 음악과의 깊은 관계에서 결정됩니다. Grieg는 장르 기능, 억양 구조, 민요의 리듬 공식 및 댄스 멜로디를 널리 사용합니다.

멜로디의 변주 및 변주 전개에 대한 그리그의 놀라운 숙달은 멜로디를 변화와 함께 반복 반복하는 민속 전통에 뿌리를 두고 있습니다. “나는 우리나라의 민속 음악을 녹음했습니다.” 이 말 뒤에는 민속 예술에 대한 Grieg의 경건한 태도와 자신의 창의성에 대한 결정적인 역할에 대한 인식이 있습니다.

7. 결론

위의 내용을 바탕으로 다음과 같은 결론을 내릴 수 있습니다.

낭만주의의 출현은 프랑스 혁명, 나폴레옹 전쟁, 유럽 민족 해방 운동의 부상이라는 세 가지 주요 사건의 영향을 받았습니다.

예술 문화의 방법과 방향으로서의 낭만주의는 복잡하고 논쟁적인 현상이었습니다. 모든 나라에서 그는 밝은 국민적 표현을 가지고 있었습니다. 낭만주의자들은 사회에서 다양한 사회적, 정치적 지위를 차지했습니다. 그들은 모두 부르주아 혁명의 결과에 반항했지만 각자 자신의 이상이 있었기 때문에 서로 다른 방식으로 반항했습니다. 그러나 많은 얼굴과 다양성으로 인해 낭만주의는 안정적인 특징을 가지고 있습니다.

그들 모두는 계몽주의의 부정과 예술가의 창조적 이니셔티브를 묶은 고전주의의 합리주의 적 대포에서 비롯되었습니다.

그들은 역사주의의 원칙을 발견했습니다 (계몽가들은 과거를 반 역사적으로 판단했습니다. 그들에게는 "합리적"이고 "비합리적"이었습니다). 우리는 과거에 시간에 따라 형성된 인간 캐릭터를 보았습니다. 국가적 과거에 대한 관심으로 인해 많은 역사적 작품이 탄생했습니다.

자신을 둘러싼 전 세계에 자신을 대적하고 자신에게만 의지하는 강한 성격에 대한 관심.

인간의 내면 세계에 대한 관심.

낭만주의는 서유럽 국가와 러시아 모두에서 널리 발전했습니다. 그러나 러시아의 낭만주의는 역사적 배경과 문화적 전통이 다르다는 점에서 서유럽과 달랐다. 러시아에서 낭만주의가 출현한 진정한 이유는 1812년의 애국 전쟁으로 대중적 이니셔티브의 모든 힘이 드러났습니다.

러시아 낭만주의의 특징:

낭만주의는 계몽주의에 반대하지 않았다. 계몽주의 이데올로기는 약해졌지만 유럽처럼 무너지지는 않았습니다. 깨달은 군주의 이상은 소진되지 않았습니다.

낭만주의는 고전주의와 병행하여 발전했으며 종종 고전주의와 얽혀 있습니다.

러시아의 낭만주의는 다양한 유형의 예술에서 다양한 방식으로 나타납니다. 건축에서는 전혀 읽히지 않았습니다. 회화에서는 19세기 중엽에 말랐다. 그는 음악에서 부분적으로만 나타났다. 아마도 문학에서만 낭만주의가 일관되게 나타납니다.

시각 예술에서 낭만주의는 회화와 그래픽에서 가장 분명하게 나타났고 조각과 건축에서는 덜 표현되었습니다.

낭만주의는 누구와도 달리 개인의 인간 영혼의 세계를 열었지만 성실하고 따라서 세계의 모든 관능적 비전에 가깝습니다. Delacroix가 말했듯이 회화에서의 이미지의 순간성은 문학적 성능의 일관성이 아니라 가장 복잡한 움직임 전달에 대한 예술가의 초점을 결정했으며 이를 위해 새로운 형식 및 색채 솔루션이 발견되었습니다. 낭만주의는 XIX 세기 후반의 유산을 남겼습니다. 이 모든 문제와 예술적 개성은 아카데미즘의 규칙에서 해방되었습니다. 낭만주의자들 사이에서 19세기 후반의 예술에서 사상과 삶의 본질적인 결합을 표현하는 것으로 여겨졌던 상징. 아이디어와 주변 세계의 다양성을 포착하여 예술적 이미지의 폴리포니에 용해됩니다. 회화에서의 낭만주의는 감상주의와 밀접한 관련이 있다.

낭만주의 덕분에 작가의 개인적인 주관적 시각은 법칙의 형태를 취한다. 인상주의는 예술이 인상이라고 선언하면서 예술가와 자연 사이의 장벽을 완전히 파괴할 것입니다. 낭만주의는 예술가의 환상, "그의 감정의 목소리"에 대해 이야기하는데, 이는 학업의 완성도 기준이 아니라 주인이 필요하다고 생각할 때 작업을 중단할 수 있도록 합니다.

낭만주의는 세계 예술 문화의 전체 시대를 떠났고 그 대표자는 러시아 문학 Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov 등이었습니다. 미술 분야 E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin 및 기타; F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin 등의 음악에서 그들은 새로운 장르를 발견하고 개발했으며 인간 성격의 운명에 세심한주의를 기울였습니다. 선과 악의 변증법, 능숙하게 드러난 인간의 열정 등

낭만주의자들은 예술의 사다리에서 음악을 우선시했지만, 예술 형식은 의미 면에서 어느 정도 균형을 이루었고 훌륭한 예술 작품을 만들어 냈습니다.

세계관으로서의 낭만주의는 18세기 말부터 1850년대까지 러시아에서 첫 번째 물결에 존재했습니다. 러시아 예술의 낭만주의 라인은 1850년대에 멈추지 않았습니다. 낭만주의가 예술을 위해 발견한 존재 상태의 주제는 나중에 Blue Rose의 예술가들에 의해 개발되었습니다. 낭만파의 직계 후계자는 의심할 여지 없이 상징파였다. 낭만적 인 주제, 모티프, 표현 장치는 다양한 스타일, 방향, 창의적 연관성의 예술에 포함되었습니다. 낭만적인 세계관이나 세계관은 가장 생생하고 끈기 있고 유익한 것으로 밝혀졌습니다.

이상적이고 창조적 인 자유에 대한 열망으로서 주로 젊은이들의 특징 인 일반적인 태도로서의 낭만주의는 여전히 세계 예술에 끊임없이 살고 있습니다.

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회화의 경향으로서의 낭만주의는 18세기 말 서유럽에서 형성되었다. 낭만주의는 1920년대와 1930년대에 대부분의 서유럽 국가의 예술에서 절정에 달했습니다. 19 세기.

"낭만주의"라는 용어 자체는 "소설"이라는 단어에서 유래했습니다 (17 세기에는 라틴어가 아닌 라틴어가 아닌 프랑스어, 영어 등에서 파생 된 언어로 작성된 문학 작품)를 소설이라고했습니다. 나중에 이해할 수없고 신비한 모든 것이 낭만적이라고 불리기 시작했습니다.

문화 현상으로서 낭만주의는 프랑스 대혁명의 결과가 낳은 특별한 세계관에서 형성되었다. 계몽주의의 이상에 환멸을 느낀 낭만주의자들은 조화와 완전성을 추구하며 새로운 미적 이상과 예술적 가치를 창조했습니다. 그들의 관심의 주요 대상은 모든 경험과 자유에 대한 열망을 가진 뛰어난 캐릭터였습니다. 낭만적 인 작품의 주인공은 운명의 의지로 어려운 삶의 상황에 처한 뛰어난 사람입니다.

낭만주의는 고전주의 예술에 대한 항의로 발생했지만 여러면에서 후자에 가깝습니다. 낭만주의는 부분적으로 N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres와 같은 고전주의의 대표자였습니다.

낭만주의는 원래의 국가적 특징, 즉 고전주의 예술에서 부족한 것을 그림에 도입했습니다.
프랑스 낭만주의의 가장 큰 대표자는 T. Gericault였습니다.

테오도르 제리코

프랑스의 위대한 화가이자 조각가이자 그래픽 아티스트인 Theodore Gericault는 1791년 루앙의 부유한 가정에서 태어났습니다. 예술가의 재능은 아주 일찍 그에게 나타났습니다. 종종 학교 수업에 참석하는 대신 Géricault는 마구간에 앉아 말을 그렸습니다. 그럼에도 불구하고 그는 동물의 외형을 종이로 옮기는 것뿐만 아니라 그들의 기질과 성격을 전달하려고 노력했습니다.

1808년에 Lyceum을 졸업한 후 Géricault는 캔버스에 말을 묘사하는 능력으로 유명했던 당시 유명한 화가 Carl Vernet의 제자가 되었습니다. 그러나 젊은 예술가는 Vernet의 스타일을 좋아하지 않았습니다. 곧 그는 작업장을 떠나 Vernet, P.N. Guerin보다 덜 재능있는 다른 화가와 함께 공부합니다. 그럼에도 불구하고 Gericault는 두 명의 유명한 예술가와 함께 공부하면서 그림에서 전통을 이어가지 않았습니다. J. A. Gros와 J. L. David는 아마도 그의 진정한 스승으로 여겨져야 할 것입니다.

Gericault의 초기 작품은 가능한 한 삶에 가깝다는 점에서 구별됩니다. 그러한 그림은 비정상적으로 표현력이 풍부하고 한심합니다. 주변 세계를 평가할 때 작가의 열정적 인 분위기를 보여줍니다. 예를 들어 1812년에 제작된 "공격 중 제국 기마 레인저 장교"라는 그림이 있습니다. 이 캔버스는 파리 살롱 방문자가 처음 보았습니다. 그들은 젊은 예술가의 재능에 감탄하면서 젊은 예술가의 작품을 받아 들였습니다.

이 작품은 나폴레옹이 그의 영광의 정점에 있었던 프랑스 역사의 그시기에 만들어졌습니다. 동시대 사람들은 유럽 대부분을 정복한 위대한 황제인 그를 우상화했습니다. 그림이 그려진 것은 나폴레옹 군대의 승리에 대한 인상 아래 그런 분위기였습니다. 캔버스는 말을 타고 질주하는 군인을 보여줍니다. 그의 얼굴은 죽음 앞에서 결단력, 용기, 두려움을 표현합니다. 전체 구성
비정상적으로 역동적이고 감정적입니다. 시청자는 자신이 캔버스에 묘사 된 이벤트에 실제로 참여하는 느낌을받습니다.

용감한 군인의 모습은 Géricault의 작업에서 두 ​​번 이상 나타납니다. 이러한 이미지 중에서 특히 흥미로운 것은 1812-1814 년에 생성 된 "Carabinieri 장교", "공격 전 Cuirassier 장교", "Carabinieri의 초상화", "Wounded Cuirassier"그림의 영웅입니다. 마지막 작품은 같은 해 살롱에서 열린 다음 전시회에서 발표되었다는 점에서 주목할 만하다. 그러나 이것은 구성의 주요 이점이 아닙니다. 더 중요한 것은 작가의 창작 스타일에 일어난 변화를 보여주었다는 점이다. 진지한 애국심이 그의 첫 번째 캔버스에 반영 되었다면 1814 년으로 거슬러 올라가는 작품에서 영웅 묘사의 파토스는 드라마로 대체됩니다.

그 당시 프랑스에서 일어난 사건과도 비슷한 작가의 분위기 변화가 일어났다. 1812 년 나폴레옹은 한때 뛰어난 영웅이었던 그가 동시대 사람들로부터 실패한 군사 지도자와 오만한 자랑스러운 사람의 영광을 얻은 것과 관련하여 러시아에서 패배했습니다. Géricault는 그림 "The Wounded Cuirassier"에서 이상에 대한 그의 실망을 구현합니다. 캔버스는 가능한 한 빨리 전장을 떠나려는 부상당한 전사를 묘사합니다. 그는 세이버에 기대어 있습니다. 아마도 불과 몇 분 전에 그가 들고 있던 무기였습니다.

1814년 프랑스 왕좌를 차지한 루이 18세에게 복무하게 된 것은 나폴레옹의 정책에 대한 Géricault의 불만이었습니다. 나폴레옹이 프랑스에서 두 번째 권력을 장악한 후(백일 기간) 젊은 예술가가 부르봉과 함께 모국. 그러나 여기에서도 실망이 그를 기다리고 있었다. 청년은 왕이 나폴레옹 통치 기간 동안 달성 한 모든 것을 어떻게 파괴하는지 침착하게 볼 수 없었습니다. 또한 루이 18세 치하에서 봉건-카톨릭 반응이 심화되었고, 국가는 점점 더 빠르게 후퇴하여 이전 국가 체제로 돌아갔습니다. 이것은 젊고 진보적인 사람이 받아들일 수 없는 것입니다. 얼마 지나지 않아 이상에 대한 믿음을 잃은 청년은 루이 18 세가 이끄는 군대를 떠나 다시 붓과 페인트를 사용합니다. 이 세월은 작가의 작품에서 밝고 주목할만한 것이 아닙니다.

1816년 제리코는 이탈리아로 여행을 떠났습니다. 로마와 피렌체를 방문하고 유명한 거장들의 걸작을 연구한 작가는 기념비적인 그림을 좋아합니다. 특히 시스티나 예배당을 장식한 미켈란젤로의 프레스코화가 그의 관심을 끈다. 이때 Géricault는 규모와 위엄이 많은 측면에서 전성기 르네상스 화가의 캔버스를 연상시키는 작품을 만들었습니다. 그중 가장 흥미로운 것은 "켄타우로스에 의한 님프 납치"와 "황소를 던지는 남자"입니다.

옛 주인 스타일의 동일한 특징은 1817 년경에 그려지고 로마에서 열리는 카니발 중 하나에서 기병 대회를 대표하는 그림 "로마에서 자유로운 말의 달리기"에서도 볼 수 있습니다. 이 구성의 특징은 이전에 만든 자연 그림에서 작가가 편집했다는 것입니다. 더욱이 스케치의 성격은 전체 작품의 스타일과 현저하게 다릅니다. 전자가 작가의 동시대 인 로마인의 삶을 묘사하는 장면이라면 전체 구성에는 마치 고대 서사에서 나온 것처럼 용감한 고대 영웅의 이미지가 있습니다. 여기에서 Gericault는 영웅적인 파토스의 이미지를 제공하기 위해 그의 영웅을 고대 형태로 입힌 J. L. David의 길을 따릅니다.

이 그림을 그린 직후 Gericault는 프랑스로 돌아와 화가 Horace Vernet 주위에 형성된 반대파의 일원이 됩니다. 파리에 도착한 작가는 특히 그래픽에 관심이 많았습니다. 1818년에 그는 군사적 주제에 관한 일련의 석판화를 만들었는데, 그 중 가장 중요한 것은 "러시아로부터의 귀환"이었습니다. 석판화는 눈 덮인 들판을 방황하는 프랑스 군대의 패배한 병사들을 나타냅니다. 불구가 되고 전쟁에 지친 사람들의 모습이 생생하고 사실적으로 묘사됩니다. Gericault의 초기 작품에서 일반적이었던 구성에는 파토스와 영웅적인 파토스가 없습니다. 작가는 사령관이 버린 프랑스 군인들이 외국 땅에서 견뎌야 했던 모든 재난, 사물의 실제 상태를 반영하고자 합니다.

"Return from Russia"라는 작품에서 인간의 죽음과의 투쟁이라는 주제가 처음으로 들렸습니다. 그러나 여기에서 이 동기는 Géricault의 후기 작품에서처럼 아직 명확하게 표현되지 않았습니다. 이러한 캔버스의 예는 "메두사의 뗏목"이라는 그림이 될 수 있습니다. 그것은 1819년에 쓰여졌고 같은 해 파리 살롱에 전시되었습니다. 캔버스는 격렬한 물의 요소로 고군분투하는 사람들을 묘사합니다. 작가는 그들의 고통과 괴로움뿐만 아니라 어떤 대가를 치르더라도 죽음과의 싸움에서 승리하고 싶은 열망을 보여준다.

작곡의 줄거리는 1816년 여름에 일어났고 프랑스 전체를 흥분시킨 사건에 의해 결정됩니다. 당시 유명한 호위함 "Medusa"는 암초에 부딪혀 아프리카 해안에서 침몰했습니다. 배에 타고 있던 149명 중 15명만이 탈출할 수 있었는데, 그중에는 외과의사 Savigny와 엔지니어 Correard가 있었습니다. 고국에 도착하자마자 그들은 그들의 모험과 행복한 구조에 대해 이야기하는 작은 책을 출판했습니다. 고귀한 친구의 후원 덕분에 승선 한 미숙 한 선장의 잘못으로 불행이 일어났다는 사실을 프랑스 인이 알게 된 것은 이러한 기억에서였습니다.

Gericault가 만든 이미지는 비정상적으로 역동적이고 조형적이며 표현력이 풍부하며 길고 힘든 작업을 통해 아티스트가 달성했습니다. 캔버스에 끔찍한 사건을 진정으로 묘사하고 바다에서 죽어가는 사람들의 감정을 전달하기 위해 작가는 비극의 목격자들을 만나 오랫동안 파리의 한 병원에서 치료를 받고있는 쇠약해진 환자의 얼굴을 연구합니다. , 난파선에서 탈출 한 선원들. 이때 화가는 많은 초상화 작품을 만들었습니다.

거친 바다도 사람과 함께 연약한 나무 뗏목을 삼키려는 듯 깊은 의미를 담고 있다. 이 이미지는 비정상적으로 표현력이 풍부하고 역동적입니다. 그것은 사람의 모습처럼 자연에서 그려졌습니다. 작가는 폭풍우 동안 바다를 묘사하는 여러 스케치를 만들었습니다. 기념비적인 구성을 작업하면서 Gericault는 요소의 특성을 완전히 반영하기 위해 이전에 준비된 스케치를 반복해서 사용했습니다. 그렇기 때문에 그림이 시청자에게 큰 인상을 남기고 일어나고있는 일의 현실감과 진실성을 확신시킵니다.

"메두사의 뗏목"은 Géricault를 뛰어난 작곡의 대가로 소개합니다. 작가는 작가의 의도를 가장 잘 표현하기 위해 그림 속 인물들을 어떻게 배열할지 고민했다. 작업 과정에서 몇 가지 변경 사항이 적용되었습니다. 그림 앞의 스케치는 처음에 Gericault가 뗏목에 탄 사람들의 투쟁을 묘사하고 싶었지만 나중에는 그러한 사건 해석을 포기했음을 나타냅니다. 최종 버전에서 캔버스는 이미 필사적인 사람들이 수평선에서 아르거스 우주선을 보고 손을 뻗는 순간을 나타냅니다. 그림에 마지막으로 추가된 것은 캔버스 오른쪽 아래에 배치된 사람의 모습이었습니다. 그 후 깊은 비극적 성격을 얻은 것은 작곡의 마지막 손길이었습니다. 그림이 이미 살롱에 전시되었을 때 이러한 변경이 이루어졌다는 점은 주목할 만합니다.

기념비적이고 감정이 고조된 Gericault의 그림은 예술가가 이탈리아를 여행하는 동안 만난 전성기 르네상스 거장 (대부분 미켈란젤로의 The Last Judgement)의 작품을 연상시킵니다.

프랑스 회화의 걸작이 된 그림 "메두사의 뗏목"은 그것을 혁명적 이상을 반영한 것으로 본 야당에서 큰 성공을 거두었습니다. 같은 이유로 프랑스 미술의 최고 귀족과 공식 대표자들 사이에서 작품이 받아 들여지지 않았습니다. 그렇기 때문에 그 당시 캔버스는 작가로부터 국가에서 구입하지 않았습니다.

집에서 자신의 창작물에 대한 환대에 실망한 Gericault는 영국으로 가서 자신이 가장 좋아하는 작품을 영국 법원에 제출합니다. 런던에서 예술 감정가들은 큰 열정으로 유명한 캔버스를 받았습니다.

Gericault는 진실하고 진실되게 현실을 묘사하는 능력으로 그를 사로잡는 영국 예술가들에게 접근합니다. Gericault는 영국 수도의 삶과 삶에 대한 석판화주기를 바쳤습니다. 그 중 "The Great English Suite"(1821) 및 "The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery"(1821)라는 제목의 작품이 있습니다. 가장 큰 관심사입니다. 후자에서 작가는 도시의 노동 계급 구역에서 사람들의 삶을 연구하는 과정에서 화가가받은 인상을 반영한 런던 부랑자를 묘사했습니다.

같은주기에는 "Flanders Smith"및 "Adelphin 조선소의 문에서"와 같은 석판화가 포함되어 시청자에게 런던의 평범한 사람들의 삶을 보여줍니다. 이 작품에서 흥미로운 것은 무겁고 과체중 인 말의 이미지입니다. 그들은 Géricault의 동시대 인 다른 예술가들이 그린 우아하고 우아한 동물들과 눈에 띄게 다릅니다.

영국의 수도에 있는 Gericault는 석판화뿐만 아니라 그림도 제작하고 있습니다. 이시기의 가장 눈에 띄는 작품 중 하나는 1821 년에 제작 된 캔버스 "Race at Epsom"이었습니다. 그림에서 작가는 전속력으로 달리는 말을 묘사하고 다리는 땅에 전혀 닿지 않습니다. 이 교활한 기술 (사진은 말이 달리는 동안 다리의 위치를 ​​가질 수 없다는 것을 증명했습니다. 이것은 예술가의 환상입니다)는 시청자에게 번개의 인상을주기 위해 구성에 역 동성을 부여하기 위해 마스터가 사용합니다. 말의 빠른 움직임. 이 느낌은 인물의 가소성(포즈, 제스처)의 정확한 전달과 밝고 풍부한 색상 조합(빨간색, 베이, 백마, 진한 파란색, 진한 빨간색, 흰색 파란색 및 황금색)을 사용하여 향상됩니다. 기수의 노란색 자켓) .

특별한 표현으로 오랫동안 화가의 관심을 끌었던 경마의 주제는 Epsom에서 경마 작업이 완료된 후 Géricault가 만든 작품에서 한 번 이상 반복되었습니다.

1822년에 화가는 영국을 떠나 고향인 프랑스로 돌아갔다. 여기에서 그는 르네상스 거장의 작품과 유사한 대형 캔버스 제작에 종사하고 있습니다. 그중에는 "흑인 무역", "스페인 종교 재판 감옥 문 열기"가 있습니다. 이 그림은 미완성 상태로 남아 있습니다. 죽음으로 인해 Gericault가 작업을 완료하지 못했습니다.

특히 흥미로운 것은 미술사 학자들이 1822 년에서 1823 년 사이에 만든 초상화입니다. 그들의 글의 역사는 특별한 관심을 기울일 가치가 있습니다. 사실이 초상화는 파리의 한 병원에서 정신과 의사로 일했던 예술가의 친구가 의뢰했습니다. 그들은 사람의 다양한 정신 질환을 보여주는 일종의 삽화가되어야했습니다. 그래서 초상화 "미친 노파", "미친", "미친, 자신을 사령관이라고 상상"이 그려졌습니다. 회화의 대가에게는 질병의 외부 징후와 증상을 보여주는 것이 아니라 아픈 사람의 내면과 정신 상태를 전달하는 것이 중요했습니다. 사람들의 비극적 인 이미지가 고통과 슬픔으로 가득 찬 시청자 앞의 캔버스에 나타납니다.

Géricault의 초상화 중 특별한 장소는 현재 Rouen Museum 컬렉션에있는 Negro의 초상화가 차지하고 있습니다. 단호하고 의지가 강한 사람은 자신에게 적대적인 세력과 끝까지 싸울 준비가 된 캔버스에서 시청자를 바라 봅니다. 이미지는 비정상적으로 밝고 감정적이며 표현력이 풍부합니다. 이 그림의 남자는 Gericault가 이전에 큰 구성으로 보여준 강한 의지의 영웅과 매우 유사합니다 (예 : 캔버스 "메두사의 뗏목").

Gericault는 회화의 거장일 뿐만 아니라 뛰어난 조각가이기도 했습니다. 19세기 초 이 예술 형식의 그의 작품은 낭만적인 조각의 첫 번째 예였습니다. 그중에서도 유난히 표현력이 풍부한 구성 "Nymph and Satyr"가 특히 흥미 롭습니다. 움직임이 정지된 이미지는 인체의 가소성을 정확하게 전달합니다.

Théodore Gericault는 1824년 파리에서 말에서 떨어져 추락하여 비극적으로 사망했습니다. 그의 이른 죽음은 유명한 예술가의 모든 동시대 사람들에게 놀라운 일이었습니다.

Gericault의 작업은 프랑스뿐만 아니라 세계 예술에서도 낭만주의 시대의 회화 발전에 새로운 단계를 표시했습니다. 그의 작품에서 주인은 고전 전통의 영향을 극복합니다. 그의 작품은 유난히 다채롭고 자연계의 다양성을 반영합니다. 인간의 모습을 구성에 도입함으로써 작가는 사람의 내면의 감정과 감정을 최대한 완전하고 생생하게 드러내려고 노력합니다.

Gericault가 죽은 후 그의 낭만적인 예술의 전통은 예술가의 젊은 동시대인 E. Delacroix에 의해 선택되었습니다.

유진 들라크루아

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, 유명한 프랑스 예술가이자 그래픽 아티스트이자 Géricault의 작품에서 발전한 낭만주의 전통의 계승자는 1798년에 태어났습니다. Imperial Lyceum에서 교육을 마치지 못한 채 1815년 Delacroix는 유명한 거장 Guerin. 그러나 젊은 화가의 예술적 방법은 교사의 요구 사항을 충족시키지 못하여 7년 후에 청년은 그를 떠납니다.

Guerin과 함께 공부하면서 Delacroix는 David와 르네상스 회화의 거장들의 작품을 연구하는 데 많은 시간을 할애합니다. 그는 다비드도 따랐던 전통인 고대 문화가 세계 예술 발전의 근본이라고 생각합니다. 따라서 Delacroix의 미적 이상은 고대 그리스의 시인과 사상가의 작품이었으며 그중 예술가는 특히 Homer, Horace 및 Marcus Aurelius의 작품을 높이 평가했습니다.

Delacroix의 첫 번째 작품은 젊은 화가가 그리스인과 터키인의 투쟁을 반영하려는 미완성 캔버스였습니다. 그러나 작가는 표현력이 풍부한 그림을 만드는 기술과 경험이 부족했습니다.

1822년 들라크루아는 단테와 버질이라는 제목으로 파리 살롱에서 자신의 작품을 전시했습니다. 비정상적으로 감정적이고 밝은 색상의이 캔버스는 여러면에서 Géricault "The Raft of the Medusa"의 작품과 유사합니다.

2년 후, 들라크루아의 또 다른 그림인 키오스 대학살이 살롱 관객들에게 선보였습니다. 그리스인과 터키인의 투쟁을 보여주기 위해 예술가의 오랜 계획이 구체화되었습니다. 그림의 전체 구성은 여러 부분으로 구성되어 있으며 개별적으로 배치된 사람들의 그룹을 형성하며 각각 고유한 극적인 갈등이 있습니다. 일반적으로 작품은 깊은 비극의 인상을줍니다. 캐릭터의 형상을 형성하는 매끄럽고 날카로운 선의 조합으로 긴장감과 역동성이 강화되어 작가가 묘사하는 인물의 비율 변화로 이어집니다. 그러나 그림이 사실적인 성격과 삶의 신뢰를 얻는 것은 바로 이것 때문입니다.

"Massacre of Chios"에 완전히 표현된 Delacroix의 창의적인 방법은 당시 프랑스의 공식 서클과 순수 예술의 대표자들 사이에서 받아 들여진 고전적인 스타일과는 거리가 멀습니다. 따라서 젊은 예술가의 그림은 살롱에서 날카로운 비판을 받았습니다.

실패에도 불구하고 화가는 자신의 이상에 충실했습니다. 1827 년에 독립을위한 그리스 국민의 투쟁을 주제로 한 또 다른 작품 인 "미 솔롱 기 폐허의 그리스"가 등장했습니다. 캔버스에 그려진 단호하고 자랑스러운 그리스 여성의 모습은 이곳에서 정복되지 않은 그리스를 의인화합니다.

1827년, 들라크루아는 예술적 표현의 수단과 방법 분야에서 거장의 창의적 탐구를 반영한 ​​두 작품을 공연했습니다. 이들은 캔버스 "Sardanapalus의 죽음"과 "Marino Faliero"입니다. 첫 번째에서는 상황의 비극이 인물의 움직임으로 전달됩니다. Sardanapal 자신의 이미지만이 여기에서 정적이고 차분합니다. "Marino Faliero"의 구성에서 주인공의 모습만이 역동적입니다. 나머지 영웅들은 앞으로 일어날 일에 대한 생각에 공포에 휩싸인 것 같았습니다.

20대에. 19 세기 Delacroix는 유명한 문학 작품에서 가져온 여러 작품을 연주했습니다. 1825년 작가는 윌리엄 셰익스피어의 출생지인 영국을 방문했습니다. 같은 해, 이 여행의 인상과 유명한 극작가 Delacroix의 비극으로 석판화 "Macbeth"가 만들어졌습니다. 1827년부터 1828년까지 그는 괴테의 동명 작품을 기리는 석판화 "파우스트"를 제작했습니다.

1830년 프랑스에서 일어난 사건과 관련하여 들라크루아는 "인민을 이끄는 자유"라는 그림을 그렸습니다. 혁명적 프랑스는 젊고 강인한 여성, 오만하고 단호하며 독립적이며 대담하게 군중을 이끄는 이미지로 제시되며 노동자, 학생, 부상당한 군인, 파리의 게임인의 모습이 눈에 띕니다. 나중에 V. Hugo의 Les Misérables에 출연 한 Gavroche).

이 작업은 사건의 진실한 전달에만 관심을 두었던 다른 작가들의 유사한 작업들과 확연히 달랐다. Delacroix가 만든 캔버스는 높은 영웅적 파토스가 특징입니다. 여기에 있는 이미지는 프랑스 국민의 자유와 독립을 일반화한 상징입니다.

Delacroix가 설교 한 부르주아 왕의 영웅주의와 고상한 감정인 Louis Philippe의 권력이 도래하면서 현대 생활에는 자리가 없었습니다. 1831년에 작가는 아프리카 국가들을 여행했습니다. 그는 Tangier, Meknes, Oran 및 Algiers를 여행했습니다. 동시에 Delacroix는 스페인을 방문합니다. 동양의 삶은 말 그대로 빠른 흐름으로 예술가를 매료시킵니다. 그는 스케치, 그림 및 여러 수채화 작품을 만듭니다.

모로코를 방문한 Delacroix는 동양 전용 캔버스를 그립니다. 작가가 경마나 무어인의 전투를 그린 그림은 유난히 역동적이고 표현력이 풍부하다. 그들과 비교할 때 1834 년에 만들어진 "방에있는 알제리 여성"이라는 구성은 차분하고 정적 인 것처럼 보입니다. 작가의 초기 작업에 내재된 빠른 역동성과 긴장감은 없다. Delacroix는 여기에서 색상의 대가로 나타납니다. 화가가 전체적으로 사용하는 색 구성표는 보는 사람이 동양의 색과 연관시키는 팔레트의 밝은 다양성을 반영합니다.

대략 1841년에 쓰여진 캔버스 "모로코의 유태인 결혼식"은 같은 느림과 측정이 특징입니다. 예술가가 국가 인테리어의 독창성을 정확하게 표현한 덕분에 신비로운 동양적 분위기가 조성되었습니다. 구성은 놀랍도록 역동적으로 보입니다. 화가는 사람들이 계단을 올라가 방에 들어가는 방법을 보여줍니다. 방으로 들어오는 빛은 이미지를 사실적이고 설득력있게 만듭니다.

오랫동안 들라크루아의 작품에는 동양적 모티프가 여전히 존재했습니다. 그래서 1847년 살롱에서 열린 전시회에서 그가 발표한 6점의 작품 중 5점은 동양인의 삶과 삶에 대한 것이었다.

30-40대. 19세기 들라크루아의 작품에는 새로운 주제가 등장한다. 이때 주인은 역사적인 주제의 작품을 만듭니다. 그중에서도 "주 총독의 해산에 대한 미라보의 항의"와 "Boissy d' Angles"라는 캔버스는 특별한 관심을 기울일 만합니다. 1831년 살롱에서 공개된 후자의 스케치는 대중 봉기를 주제로 한 구성의 생생한 예입니다.

그림 "The Battle of Poitiers"(1830)와 "The Battle of Taybur"(1837)는 사람들의 이미지에 전념합니다. 모든 현실감과 함께 전투의 역학, 사람들의 움직임, 그들의 분노, 분노 및 고통이 여기에 표시됩니다. 작가는 어떤 대가를 치르더라도 이기고자 하는 욕망에 사로잡힌 사람의 감정과 열정을 전달하고자 합니다. 사건의 극적 성격을 전달하는 주된 인물은 인물들이다.

Delacroix의 작품에서 매우 자주 승자와 패자는 서로 날카롭게 대립합니다. 이것은 특히 1840년에 쓰여진 "십자군에 의한 콘스탄티노플 점령" 캔버스에서 분명하게 볼 수 있습니다. 슬픔에 휩싸인 한 무리의 사람들이 전경에 표시됩니다. 그 뒤에는 그 아름다움과 함께 즐겁고 매혹적인 풍경이 있습니다. 승리를 거둔 라이더의 모습도 여기에 배치되며, 그의 강력한 실루엣은 전경의 슬픔에 잠긴 인물과 대조됩니다.

"The Capture of Constantinople by the Crusaders"는 Delacroix를 주목할만한 컬러리스트로 소개합니다. 그러나 밝고 채도가 높은 색상은 시청자 가까이에 위치한 슬픔에 잠긴 인물로 표현되는 비극적 시작을 향상시키지 않습니다. 반대로 풍부한 팔레트는 승자를 기리기 위해 마련한 휴가 느낌을 연출합니다.

같은 1840 년에 만들어진 "트라야누스의 정의"라는 구성은 그다지 화려하지 않습니다. 작가의 동시대 사람들은이 그림을 모든 화가의 캔버스 중에서 최고 중 하나로 인식했습니다. 특히 흥미로운 점은 작업 과정에서 마스터가 색상 분야에서 실험한다는 사실입니다. 그림자조차도 그에게서 다양한 색조를 취합니다. 컴포지션의 모든 색상은 자연과 정확히 일치합니다. 작품의 실행에 앞서 자연의 색조 변화에 대한 화가의 오랜 관찰이 선행되었습니다. 작가는 일기에 그것들을 입력했습니다. 그런 다음 메모에 따르면 과학자들은 색조 분야에서 Delacroix의 발견이 E. Chevreul의 창시자 인 당시 태어난 색상 교리와 완전히 일치한다는 것을 확인했습니다. 또한 작가는 자신이 발견한 것을 자신에게 회화 솜씨의 한 예인 베네치아 화파에서 사용했던 팔레트와 비교한다.

초상화는 Delacroix의 그림 중에서 특별한 위치를 차지합니다. 주인은 거의이 장르로 향하지 않았습니다. 그는 작가 앞에서 영적 발전이 일어난 오랫동안 알고 지낸 사람들만을 그렸습니다. 따라서 초상화의 이미지는 매우 표현력이 풍부하고 깊습니다. 이들은 Chopin과 George Sand의 초상화입니다. 유명한 작가 (1834)에게 헌정 된 캔버스는 동시대 사람들을 기쁘게하는 고귀하고 의지가 강한 여성을 묘사합니다. 4년 후인 1838년에 그려진 쇼팽의 초상화는 위대한 작곡가의 시적이고 영적인 이미지를 나타냅니다.

들라크루아가 1831년경에 그린 유명한 바이올리니스트이자 작곡가인 파가니니의 흥미롭고 유별나게 표현적인 초상화입니다. 파가니니의 음악 스타일은 여러 면에서 예술가의 그림 방법과 유사했습니다. 파가니니의 작품은 화가의 작품의 특징이었던 것과 동일한 표현과 강렬한 감정이 특징입니다.

풍경은 Delacroix의 작업에서 작은 위치를 차지합니다. 그러나 그것들은 19세기 후반 프랑스 회화의 발전에 매우 중요한 것으로 밝혀졌다. Delacroix의 풍경은 자연의 빛과 애매한 삶을 정확하게 전달하려는 열망으로 표시됩니다. 이에 대한 생생한 예는 하늘을 가로 질러 떠 다니는 백설 공주 구름 덕분에 역 동성이 만들어지는 그림 "하늘"과 화가가 훌륭하게 표현한 "디에프 해안에서 보이는 바다"(1854)입니다. 바다 표면에 가벼운 범선의 활공을 전달합니다.

1833년에 화가는 프랑스 왕으로부터 부르봉 궁전의 홀을 칠하라는 명령을 받았습니다. 기념비적 인 작업을 만드는 작업은 4 년 동안 지속되었습니다. 주문을 이행 할 때 화가는 주로 이미지가 매우 단순하고 간결하며 시청자가 이해할 수 있다는 사실에 따라 안내되었습니다.
Delacroix의 마지막 작품은 파리의 Saint-Sulpice 교회에 있는 거룩한 천사 예배당의 그림이었습니다. 1849년에서 1861년 사이에 제작되었습니다. 밝고 풍부한 색상(분홍색, 밝은 파란색, 라일락, 애쉬 블루 및 황갈색 배경에 배치)을 사용하여 아티스트는 구도에 즐거운 분위기를 조성하여 시청자를 유발합니다. 황홀한 환희를 느끼기 위해. 일종의 배경으로 그림 "성전에서 일리오도르 추방"에 포함 된 풍경은 구성 공간과 예배당 건물을 시각적으로 늘립니다. 한편 들라크루아는 마치 공간의 고립을 강조하듯 계단과 난간을 구성에 도입한다. 그 뒤에 배치된 사람들의 모습은 거의 납작한 실루엣으로 보인다.

Eugene Delacroix는 1863년 파리에서 사망했습니다.

들라크루아는 19세기 전반의 화가들 중에서 가장 교육을 많이 받은 사람이었습니다. 그의 그림의 많은 주제는 유명한 펜 마스터의 문학 작품에서 가져온 것입니다. 흥미로운 사실은 대부분의 경우 아티스트가 모델을 사용하지 않고 캐릭터를 그렸다는 것입니다. 이것이 그가 추종자들에게 가르치고 싶었던 것입니다. Delacroix에 따르면 회화는 원시적인 선 복사보다 더 복잡한 것입니다. 작가는 예술이 주로 주인의 기분과 창작 의도를 표현하는 능력에 있다고 믿었습니다.

Delacroix는 예술가의 색상, 방법 및 스타일 문제에 대한 여러 이론 작업의 저자입니다. 이 작품들은 작품을 만드는 데 사용되는 자신만의 예술적 수단을 찾는 후세대 화가들에게 등불 역할을 했습니다.