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현대 벨기에 예술가. 17세기 플랑드르 예술가 벨기에 예술가들의 그림

현대 벨기에 예술가 Deborah Missoorten은 벨기에 앤트워프에서 태어나 현재까지 프리랜서 전문 예술가로 활동하고 있습니다. 그녀는 연극 의상 디자인 학위로 미술 아카데미를 졸업했습니다.

벨기에 현대 미술가. 장 클로드 드레스

Jean-Claude는 과거의 훌륭한 사례를 바탕으로 개인의 비전에 따라 수정하고 편집할 수 있었던 몇 안 되는 현대 미술가 중 한 명입니다. 그는 작가의 노력, 신중하게 개발 된 그림 개념, 색상 및 조화로 인해 시청자를이 감정의 원천으로 되돌려주는 방식으로 자신의 작품을 감정으로 채 웁니다. 작가는 이 근원을 둘러싼 미스터리를 풀어나가는 즐거움을 주기 위해 이렇게 한다.

나는 보이지 않는 것을 보여주려고 노력한다. 후안 마리아 볼레

후안 마리아 볼레(Juan Maria Bolle)는 1958년 12월 벨기에 브뤼셀 근처의 빌보르데에서 태어난 유명한 플랑드르(벨기에) 예술가입니다. 1976년에 그는 고향에 있는 Royal Athenaeum High School을 졸업했습니다. 1985년에 그는 브뤼셀에 있는 St. Lucas Institute of Arts에서 학업을 마쳤습니다.

열정에는 레이블이 필요하지 않습니다. 피터 세밍크

Peter Seminck는 1958년 앤트워프에서 태어난 유명한 벨기에 예술가입니다. Schoten Art Academy에서 교육을 받은 그는 먼저 학사 학위를 받은 다음 미술 석사 학위를 받았습니다. 그는 주제에 제한을 두지 않고 주로 캔버스에 유화로 다양한 그림을 그립니다. 현재 벨기에 앤트워프 교외의 말레에서 거주하며 작업하고 있습니다.

현대 벨기에 예술가. 데보라 미소르텐

벨기에 현대 미술가. 프레데릭 듀푸르

현대 예술가 Frédéric Dufort는 1943년 벨기에 투르네에서 태어나 투르네의 생 뤽 연구소와 나중에 몽스 아카데미에서 교육을 받았습니다. 짧은 휴식 후 그는 브뤼셀에 있는 Saint-Luc Institute의 Louis Van Lint 스튜디오에 등록했습니다. 졸업 후 1967년부터 그는 그래픽 커뮤니케이션 연구소에서 10년 동안 가르쳤고, 그 후 브뤼셀의 생뤽 연구소에서 교수직을 맡아 1998년 12월까지 일했습니다.

무신 이르잔. 현대 회화

Musin Irzhan, 현대 아티스트 1977년 카자흐스탄 알마아타에서 태어났다. 1992년부터 1995년까지 그는 Alma-Ata의 미술 학교에서 공부했습니다. 그런 다음 그는 상트 페테르부르크의 I. E. Repin 예술 아카데미에 입학하여 1999 년에 성공적으로 졸업했습니다. 그 후 몇 년 동안 그는 현대를 공부했습니다. 그림브뤼셀의 Art School "RHoK"와 앤트워프의 미술 아카데미에서.
2002년부터 여러 대회에 여러 차례 출품하고 참가해 여러 차례 상을 수상했다. 그의 그림은 영국, 프랑스, 네덜란드, 미국, 콜롬비아, 벨기에, 러시아의 개인 소장품으로 소장되어 있습니다. 현재 벨기에 앤트워프에서 거주하며 작업하고 있습니다.

폴 레덴트. 현대 독학 예술가. 풍경과 꽃

이 작가의 그림의 주된 주제는 야생동물, 풍경그러나 Paul은 인체의 힘, 에너지 및 아름다움에 많은 노력을 기울였습니다.

폴 레덴트. 현대 독학 예술가. 사람들

폴 레전드는 1952년 벨기에에서 태어났습니다. 그러나 그는 1989년에 와서야 그림을 그리게 되었습니다. 그는 수채화로 시작했지만 이것이 그가 필요한 것이 아니라는 것을 곧 깨달았습니다. 유화는 그의 사고 방식과 더 일치할 것입니다.
Paul의 그림의 주요 주제는 야생 동물입니다. 풍경그러나 그는 인체의 힘, 에너지 및 아름다움에 많은 작품을 바쳤습니다.

올빼미 벨트 벨기에 아티스트. 크리스티안 브뤼겔스

스테판 휴리온. 수채화 그림

폴 레덴트는 1952년 벨기에에서 태어났습니다. 그는 즉시 그림을 그리기로 결정한 것이 아니라 1989년에 엔지니어로 몇 년 동안 일한 후에야 결정했습니다. Paul은 수채화로 시작했지만 곧 유화가 그의 사고 방식과 더 일치할 것이라고 느꼈습니다.

세드릭 레너드 영 디자이너벨기에에서. 1985년생. 그는 St. Luc School of the Arts에서 미술 학사 학위를 받았습니다. 그 직후 그는 작은 회사에서 웹마스터로 일하기 시작했습니다. 현재 프리랜서 디자이너로 일하고 있다. Cedric은 자신이 하는 모든 일에서 독창성을 추구하며 현대적인 비주얼의 매력을 믿습니다.

길을 따라 여러 박물관이 있습니다. 이 기사에서는 브뤼셀의 왕립 미술관에 대해 알려 드리겠습니다. 오히려 6개의 박물관으로 구성된 전체 단지입니다.

브뤼셀 중심부에 있는 4곳:

* 고대 미술관.
15세기부터 18세기까지의 거장들의 훌륭한 컬렉션입니다.
이 컬렉션의 대부분은 남부 네덜란드(플랑드르) 예술가들의 그림으로 구성되어 있습니다. Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel the Elder, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens 등과 같은 거장들의 걸작…
컬렉션은 침략자들이 많은 예술 작품을 압수한 프랑스 혁명 중에 시작되었습니다. 상당한 부분이 파리로 옮겨졌고, 보관된 것에서 박물관은 1801년 나폴레옹 보나파르트에 의해 설립되었습니다. 압수 된 모든 귀중품은 나폴레옹이 퇴적 된 후에야 파리에서 브뤼셀로 반환되었습니다. 1811년부터 박물관은 브뤼셀 시 소유가 되었습니다. 윌리엄 1세 치하의 네덜란드 연합 왕국이 등장하면서 박물관의 자금이 크게 확장되었습니다.

로버트 캄핀. "성모 영보", 1420-1440

제이콥 조르다네스. 사티로스와 농부들, 1620년

*현대미술관.
현대 미술 컬렉션은 18세기 후반부터 현재까지의 작품을 다룹니다. 컬렉션의 기본은 벨기에 예술가들의 작품입니다.
Jacques-Louis David의 유명한 그림인 Marat의 죽음은 박물관의 오래된 부분에서 볼 수 있습니다. 컬렉션은 벨기에 신고전주의를 설명하며 벨기에 혁명과 국가 건국에 헌정된 작품을 기반으로 합니다.
현재 소위 "파티오"룸에서 임시 전시회 형태로 대중에게 공개됩니다. 이를 통해 현대 미술 작품을 정기적으로 교체할 수 있습니다.
박물관은 벨기에 인상주의의 가장 유명한 대표인 Alfred Stevens의 "Salome"을 소장하고 있습니다. 또한 James Ensor의 "Russian Music"과 Fernand Khnopf의 "Tenderness of the Sphinx"와 같은 유명한 작품도 선보입니다. 박물관에 전시된 19세기 거장 중에는 장 오귀스트 도미니크 앵그르, 구스타브 쿠르베, 앙리 팡탱 라투르의 걸작이 눈에 띕니다. 19세기 말 프랑스 회화. Paul Gauguin의 "Suzanne Bambridge의 초상화", Georges Seurat의 "Spring", Paul Signac의 "Bay", Edouard Vuillard의 "두 제자", Maurice Vlaminck의 풍경, Auguste Rodin의 조각 "Caryatid", "Portrait of Vincent van Gogh(1885. )의 a Peasant"와 Lovis Corinth의 꽃이 있는 정물.

장 루이 다비드. "마라의 죽음", 1793

구스타프 와퍼스. "9 월 일의 에피소드", 1834

* 마그리트 미술관.
2009년 6월에 개장했습니다. 벨기에 초현실주의 화가 르네 마그리트(1898년 11월 21일 – 1967년 8월 15일)를 기리기 위해. 박물관 컬렉션에는 캔버스, 구 아슈, 그림, 조각 및 페인트 개체에 대한 200 개 이상의 작품과 광고 포스터 (제지 공장에서 수년 동안 포스터 및 광고 아티스트로 일함), 오래된 사진 및 영화 촬영이 포함되어 있습니다. 마그리트 자신에 의해.
20년대 말, 마그리트는 브뤼셀의 센토 갤러리와 계약을 맺고 그림에만 몰두했습니다. 그는 초현실주의 그림 "The Lost Jockey"를 만들었는데, 이 그림은 그의 첫 번째 성공적인 그림으로 간주되었습니다. 1927년에 그는 첫 번째 전시회를 준비합니다. 그러나 비평가들은 그것이 성공하지 못한 것으로 인식하고 Magritte는 파리로 떠나 Andre Breton을 만나 그의 초현실주의 동아리에 합류합니다. 그는 자신의 그림을 알아볼 수 있게 만드는 시그니처 스타일을 얻습니다. 브뤼셀로 돌아온 그는 새로운 스타일로 작업을 계속합니다.
박물관은 또한 초현실주의 예술가의 유산에 대한 연구 센터이기도 합니다.

*세기말 박물관(Fin de siècle).
이 박물관은 19세기 말과 20세기 초 소위 "세기말"의 작품을 주로 아방가르드적 성격으로 모았습니다. 한편으로는 회화, 조각 및 그래픽뿐만 아니라 다른 한편으로는 응용 예술, 문학, 사진, 영화 및 음악도 있습니다.
대부분 벨기에 예술가들이 대표되지만 맥락에 맞는 외국 거장들의 작품도 있습니다. 당시 벨기에 예술가들의 위대한 진보 운동의 일원이었던 예술가들의 작품.

그리고 교외에 있는 두 곳:

*비르츠 박물관
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - 벨기에 화가 (1806-1865). 1835년에 그는 그의 첫 번째 중요한 그림인 파트로클로스의 시체를 소유하기 위한 트로이 목마와 그리스인의 투쟁을 그렸는데, 이 그림은 파리에서 전시회가 허용되지 않았지만 벨기에에서 강한 열광을 불러일으켰습니다. 이어 “성 베드로의 죽음. Dionysius", 삼부작 "The Entombment"(날개에 Eve와 Satan의 형상이 있음), "The Flight into Egypt", "The Revolt of the Angels" 및 예술가의 최고의 작품 "The Triumph of Christ" . 개념과 구성의 독창성, 색상의 활력, 대담한 조명 효과 및 붓의 전면적인 스트로크는 대부분의 벨기에 사람들에게 Wirtz를 오래된 국가 역사 그림의 부흥가로 보는 이유를 제공했습니다. 루벤스의 후계자. 멀수록 그의 이야기는 더욱 편심 해졌습니다. 대부분 거대한 크기의 그의 작품과 그에 의해 발명된 무광택 그림 적용 실험을 위해 벨기에 정부는 브뤼셀에 광범위한 작업장을 세웠습니다. 여기에서 그의 그림을 판매하지 않고 초상화 주문으로 만 존재했던 Wirtz는 그의 의견으로는 그의 모든 자본 작품을 수집하고 작업장 자체와 함께 벨기에 사람들에게 유산으로 물려주었습니다. 이제 이 워크숍은 Wirtz 박물관입니다. 앞서 언급한 6개의 그림을 포함하여 최대 42개의 그림을 저장합니다.

*뫼니에 박물관
박물관은 벨기에 탄광 지역 Borinage에서 온 가난한 이민자 가정에서 태어나고 자란 Constantin Meunier(1831-1905)를 기리기 위해 개관했습니다. 어린 시절부터 그는 어려운 사회적 상황과 종종 광부와 그 가족의 비참한 존재를 잘 알고 있었습니다. Meunier는 광산 지역의 삶에 대한 인상을 조형 형태로 포착하여 조화롭게 발전된 성격으로 노동하는 사람을 보여줍니다. 조각가는 그의 자부심과 힘을 반영하고 로더 또는 도커로서의 직업을 부끄럽게 여기지 않는 노동자의 이미지를 개발했습니다. 뫼니에가 자신의 영웅을 만들어낸 어떤 이상화를 인정하면서, 우리는 그가 육체 노동에 종사하는 남자를 작품의 중심 주제로 삼고 창조자로서의 모습을 보여준 최초의 거장 중 한 명이라는 사실에서 그의 위대한 역사적 공로를 인정해야 합니다. 내면의 위엄으로 가득 차 있습니다.

N. 스테판린(미술); O. Shvidkovsky, S. Khan-Magomedov(건축)

이미 XIX 세기의 마지막 10년 동안. 벨기에 예술에서 가장 큰 벨기에 예술가 Constantin Meunier의 작품을 형성한 민주적 민속 재단에서 출발하는 첫 징후가 나타납니다. Meunier 이미지의 활력과 웅장 함은 그의 젊은 동시대 사람들이 접근 할 수 없었습니다. 앞으로 벨기에 예술의 운명은 여러모로 모순적이고 극적으로 전개될 것이다.

19세기 벨기에 회화에서 발생한 사실적인 경향은 Leon Frederic(1856-1940), Eugene Larmanet(1864-1940) 등과 같은 거장들에 의해 발전되었습니다. 평범한 사람들, 그들의 일상 생활-이것이이 거장들의 작품의 주제이지만 그 해석에서 그들은 C. Meunier의 조각과 그림의 특징 인 영웅적인 기념비, 활동 및 무결성에서 벗어납니다. L. Frederick의 캔버스에 있는 사람들은 훨씬 더 평범하고 일상적인 방식으로 나타납니다. 신비한 경향은 벨기에 예술에서 자연주의의 요소, 풍경 전송의 사진 정확도, 유형, 특별한 낙담과 결합되어 시청자를 세계 질서의 비극적 절망의 영원에 대한 생각으로 이끈다. 그림 "죽음"(1904; 브뤼셀, 현대 미술관)은 말할 것도없고 E. Larmans (1894)의 "파업의 저녁"과 같은 주제에서 중요한 작품조차도 분위기로 구별됩니다. 절망과 행동의 목적 없음.

벨기에 미술 발전의 가장 특징적인 작품은 James Ensor(1860-1949)의 작품입니다. 장르적 사실주의 회화에서 엔서는 점차 상징주의로 다가온다. 이 예술가의 환상적이고 섬뜩한 이미지, 우화에 대한 그의 갈망, 도전적으로 밝고 거의 시끄러운 채색에 대한 가면과 해골의 묘사는 의심 할 여지없이 부르주아 세계의 소부르주아 편협함과 저속함에 대한 일종의 항의였습니다. 그러나 Ensor의 풍자는 구체적인 사회적 내용이 없으며 인류에 대한 풍자처럼 보이며 그의 예술의 이러한 속성에서 벨기에 예술에서 더 이상의 형식적 편차의 세균을 보지 않는 것은 불가능합니다.

J. Ensor는 벨기에 그래픽에서 특별한 위치를 차지합니다. 긴장된 에너지로 가득 찬 그의 독창적 인 에칭은 매우 표현력이 풍부하며 내면의 흥분과 불안의 분위기를 전달합니다. 특히 극적인 것은 인간의 장엄한 창조물과 군중 사이의 날카롭고 역설적인 대조를 이루는 "마리아케르케의 전망"(1887)과 "대성당"(1886; 둘 다 브뤼셀 왕립 도서관의 판화실에 있음)의 풍경입니다. 고딕 양식의 사원 기슭에 놀란 개미집처럼 떼지어 있습니다. 풍자와 판타지의 결합 - I. Bosch로 거슬러 올라가는 벨기에 예술의 국가적 전통 - 여기에서 새롭고 날카로운 굴절을 찾습니다.

Art Nouveau 트렌드 (건축가 A. van de Velde 및 기타)와 관련된 새로운 문체 현상의 벨기에 건축가 및 응용 예술의 등장 인 Maurice Maeterlinck의 이름과 관련된 문학적 상징주의는 미술에서 중요한 역할을했습니다. 벨기에. 1898-1899년에 영향을 받았습니다. "1st Latem 그룹"이 형성되었습니다 (예술가들이 정착 한 장소 인 Ghent 근처의 Latem-Saint-Martin 마을 이름을 따서 명명 됨). 이 그룹은 조각가 J. Minnet이 이끌었고 G. van de Wusteine, V. de Sadeler 등이 포함되었습니다. 그들의 작업은 현실보다 "더 높은"영적 세계의 우선 순위에 대한 아이디어를 기반으로했습니다. 인상주의 경향을 극복한 이 거장들은 "사물의 영적 아름다움을 표현하기 위해" "현상의 표면에서" 벗어나려고 노력했습니다. Latemians는 14-16 세기의 네덜란드 프리미티브 인 국가 회화 전통으로 전환했지만 상징주의의 아이디어를 가장 완벽하게 표현한 다음 더욱 강력한 표현주의의 표시로 발전한 작업에서 그들은 본질적으로 매우 그들이 언급한 전통과는 거리가 멀다. II Valerius de Sadeler (1867-1914)의 엄격하고 아름다운 풍경과 그룹의 젊은 구성원 인 Gustav van de Wusteine (1881-1947)의 신비주의로 스며든 작품에서 이미지를위한 장소가 없습니다 사람의.

세기 초에 점묘법은 다소 강력한 발전을 이루었으며 벨기에에서 가장 밝은 대표자는 Theo van Reiselberghe (1862-1926)였습니다.

20대 초반. 1 차 세계 대전의 비극적 사건과 관련된 벨기에의 표현주의 자체가 특별한 색을 띠지 만 표현주의의 영향으로 작업하는 "2nd Latem 그룹"이 만들어졌습니다. 이 방향의 책임자는 Constant Permeke(1886-1952)였습니다. 이 거장의 넓고 넓게 칠해진 캔버스에는 땅, 바다, 농민의 이미지와 같은 벨기에 예술에 친숙한 주제가 비극과 깊은 영적 혼란의 색조로 그려져 있습니다. 고의적 인 모든 변형을 통해 Permeke의 농민 이미지의 영적 한계와 무례함에 대한 강조, 예술가가 정서적으로 인상적인 이미지를 만들 수 있도록 허용 한 사람들에 대한 그의 동정과 동정이 깨집니다. 우울하고 흐릿한 채색, 행동의 불명료 함, 인간 캐릭터의 부동성은 슬픔에 잠긴 예감과 절망의 분위기를 전달합니다 ( "The Betrothed", 1923; 브뤼셀, 현대 미술관).

Gustave de Smet(1877-1943), Jean Brusselmans(1884-1953)는 표현주의의 원칙을 자신의 방식으로 재작업했습니다. 그들의 풍경의 색채 체계를 꿰뚫는 힘으로. R. Woutsrs, E. Taitgat 및 F. Cox를 포함하는 Brabant Fauvists 그룹과 Brusselmans를 회화에서 감정적 영향의 전달자로서의 색상에 대한 관심. 특히 중요한 것은 Rick Wouters(1882-1916)의 예술입니다. 밝게 장식된 색상 조합에 대한 열정은 이 예술가에게 그의 모델의 심리적 특성을 모호하게 만들지 않습니다. 프랑스의 Fauvists와 달리 Wauters는 가소성, 사물의 양을 찾고 있습니다. 그의 "Lesson"(1912; 브뤼셀 미술관), 후기 "검은 붕대를 감은 자화상"(1915; 앤트워프) , L. van Bogart 컬렉션), "Nele in red"(1915; 개인 소장품).

30대부터. 초현실주의는 벨기에에서 발전하고 있으며 두 대표가 널리 알려지고 있습니다. 이들은 R. Magritte (b. 1898)와 P. Delvaux (b. 1897)입니다. 이 주인은 구성의 개별 부분, 에로틱 한 계획의 강박적인 아이디어 등의 조합에서 순전히 살롱의 아름다움과 아픈 환상의 조합이 특징입니다. 동시에 "내밀한"예술가 Albert van Dyck (1902- 1951), Jacques Mas(b. 1905)는 그들과 함께 작업했습니다. 화가 L. van Lint(b. 1909)와 R. Slabbink(b. 1914)는 처음에는 전후, 특히 1950년대로 옮겨간 "Intimists"와 관련이 있었습니다. 벨기에에서 널리 보급되고 인정받은 추상 회화에 이르기까지.

20세기에 남아 있는 벨기에 회화의 대가는 거의 없습니다. 현실적인 위치에서. 그들 중 가장 중요한 것은 Isidore Opsomer(b. 1878)로, 날카롭고 활력이 넘치며 깊은 심리적 초상화("Portrait of K. Huysmans", 1927; Antwerp, Royal Museum of Fine Arts)의 저자입니다. Opsomer는 매우 그림 같고 신선하며 밝은 색상의 여러 정물화를 만들었습니다.

사회적 주제, 권리를 위한 벨기에 국민의 투쟁 주제는 Pierre Polus(b. 1881)와 Kurt Peiser(1887-1962), 특히 젊은 진보적 예술가 Roger Somville(b. 1923)의 작품에서 들을 수 있습니다. , 그는 또한 기념비적 그림, 스테인드 글라스 및 카펫 예술 분야에서 일하고 있습니다. E. Dubrinfo, L. Deltour, R. Saumville은 벨기에 국민의 투쟁을 주제로 한 대형 주제 그림을 제작했으며, 이 예술가들은 건축가와 긴밀한 접촉을 통해 작업합니다.

현대 벨기에 그래픽 학교는 새로운 주제와 새로운 문체 문제에 대한 대담한 진술이 특징입니다. 이미 지명된 D. Ensor 외에도 Jules de Breuker(1870-1945)는 벨기에에서 가장 큰 에칭가였습니다. 그의 시트는 현대 자본주의 세계의 사회적 대조인 도시 빈민가의 삶에 전념합니다. Breaker의 날카로운 시선은 삶의 비극적 측면을 보고, 그의 작업의 분석적 특성에도 불구하고 사람들에 대한 깊은 연민으로 부채질됩니다. 이런 의미에서 Breaker의 많은 시트("Death soars over Flanders", 1916)는 벨기에 예술의 민속 전통과 연결되어 있습니다.

현대 벨기에 그래픽의 가장 저명한 대표자는 Frans Mazerel(b. 1889)로 기념비와 이젤 페인팅 분야에서도 일했습니다. Maserel의 창작 활동은 벨기에뿐만 아니라 프랑스와 독일 지식인의 선진 서클의 이익과 불가분의 관계가 있습니다. 제1차 세계대전을 기점으로 마제렐은 날카로운 반군국주의적 신문화 연작을 들고 나왔을 때, 높은 인본주의적 이상을 위한 인류의 투쟁에 전 작업을 바친 거장임을 자처한다. 이 기간 동안 Maserel은 주요 언론인 및 예술가와 긴밀한 관계를 유지했으며 Romain Rolland와 친했습니다. 동시에 일러스트 레이터로서의 그의 작업이 시작되었고 첫 번째 목판화 시리즈가 만들어졌습니다 ( "The Way of the Cross of a Man", 1918; "My Book of Hours", 1919 등)-이 시리즈에서 다음과 같이 조용한 연대기에서 현대인의 삶의 길, 그의 투쟁, 의식의 성장, 기쁨과 슬픔이 지나갑니다. 대조의 선명도, 시각적 수단의 간결함 및 표현력은 종종 Maserel의 판화를 포스터에 더 가깝게 만듭니다.

현대 유럽 문화의 거장들과 함께 F. Mazerel은 19세기 민주주의 문화의 전통, 사실주의와 휴머니즘의 전통, 높고 효과적인 박애주의의 유기적 발전을 위해 노력합니다. 동시에 마제렐은 우리 시대의 근본적인 사회 문제를 미술로 해결하면서도 사실주의적 미술의 수단을 확장하고 현대적 세계관에 부합하는 새로운 사실적 회화 언어를 창조하기 위해 끊임없이 노력했다.

Maserel의 판화 언어는 깊은 은유적 연관성으로 가득 찬 간결함, 간결함이 특징입니다. Mazerel의 시트에는 하위 텍스트가 있으며 모든 표현력이 뛰어나므로 콘텐츠가 점차 펼쳐집니다. 저자의 의도의 깊이는 각 시트뿐만 아니라 각 주제 시리즈의 시트 비율, 순서, 플롯 및 정서적 차이, 이데올로기 및 예술적 통일성에도 숨겨져 있습니다. Maserel의 손에 있는 조각의 특징인 대비의 언어는 사회적 특성화의 유연한 무기가 되어 가장 미묘한 서정적 경험과 직접적인 동요 호소를 전달하는 역할을 합니다.

현대 도시("City", 1925)에 대한 일련의 판화는 웅장합니다. 그림의 표현력과 전체 구성은 결코 과도한 변형으로 변하지 않으며 Maserel의 언어를 이해할 수 있습니다. 상징주의 (Siren, 1932)에 의지하더라도 작가는 그림의 구체성에서 벗어나지 않고 자신의 예술로 사람들과 대화 할 기회를 얻기 위해 의식적으로 명확성을 위해 노력합니다. 낙관론의 메모는 특히 Maserel의 최신 작품 인 그의 그림에서 그의 시리즈 "From Black to White"(1939), "Youth"(1948)에서 강합니다. 현대 부르주아 사회의 악덕을 폭로하는 Maserel은 결코 명확한 사회적 기준을 잃지 않고 진보 세력을 믿으며 인간의 최종 승리와 위대함을 믿습니다. 깊은 민속 예술 Maserel은 평화를위한 투쟁의 아이디어로 가득 차 있으며 Maserel은 그의 예술과 함께 정의의 높은 이상을 제공하는 예술가 전투기의 예입니다. “나는 단지 예술가가 될 만큼 심미주의자는 아닙니다.”라고 Maserel은 말했습니다.

표현주의의 영향을 거의 경험하지 못한 L. Spilliart (1881-1946)는 서정주의의 대가 인 벨기에 그래픽에서 다소 떨어져 컬러 수채화 ( "A Gust of Wind", 1904; "White Clothes") , 1912).

20세기 벨기에 조각에서 가장 중요한 인물은 Georges Minnet(1866-1941)입니다. Rodin의 학생 인 Minne은 교사의 창의적 원칙과 거의 관련이 없었으며 Maeterlinck와의 우정은 그의 성격 형성에 훨씬 더 큰 영향을 미쳤습니다. 추상적이고 일반적인 아이디어를 바탕으로 Minne은 그의 작업에 다소 추상적인 영성을 부여합니다. 이것은 미묘하고 정확한 제스처 전달의 대가입니다. 인간 감정의 구체적인 표현이 아닌 개념을 표현하려는 끊임없는 욕구는 조각가를 조형 형태의 왜곡이라는 억지스러운 이미지로 이끈다. 그의 "아이를 애도하는 어머니"(1886, 브뤼셀, 현대 미술관), "무릎을 꿇은 청년"(1898, 대리석, 에센, Folkwang 박물관)이 있습니다. 1908-1912년. Minnet은 현재로 돌아서 벨기에 노동자들의 초상화는 자연에 대한 세심한 관찰을 기반으로 하며 19세기 조각의 전통을 이어갑니다. 그의 말년에 종교적인 주제에 대한 그림에서 Minne의 작품의 특징인 상징적이고 신비로운 특징이 다시 나타납니다.

일반적으로 현대 벨기에 조각은 감성적이고 아름다운 초상화 흉상과 조각 구성을 만드는 Ch. Leple (b. 1903)과 O. Jespers (b. . 1887), 흑인 원시인을 의도적으로 모방하는 대가.

이 나라의 전통적인 메달 예술은 벨기에에서 크게 발전하고 있습니다. 현대 벨기에 장식 도자기 (Dura의 작업장), 장식 조각 (master P. Kay; b. 1912), 장식적인 밝기, 형태 및 장식의 자연 스러움, 현대 건축 인테리어와의 유기적 연결에 대한 열망으로 장식용 그릇을 그렸습니다.

19세기 말~20세기 초. 벨기에에서는 국가의 천연 자원(철광석 및 석탄)의 집중적 개발과 광대한 아프리카 식민지의 약탈적 착취를 기반으로 산업 및 상업 도시의 급속한 성장이 있습니다. 산업의 자발적인 위치, 토지의 개인 소유, 벨기에 특유의 교외(공동체)의 행정적 독립성은 대도시의 정상적인 발전과 성장을 방해했으며, 재건 작업은 주로 중심지의 개선과 개발에 국한되었습니다. 도시 교통의. 주택 위기의 악화는 근로자를위한 "저렴한"주거용 건물의 다양한 형태의 주택 건설 (합작, 협동 조합 및 자선 단체)을 일으켰습니다.

이 기간 동안 새로운 유형의 산업, 비즈니스 및 공공 건물의 광범위한 건설이 벨기에 도시에서 시작되었으며 이는 경제 발전과 특히 노동 조합으로 조직된 노동 계급과 같은 새로운 고객의 출현을 반영합니다. -협동 기반의 소위 인민 주택 건설 (예 : 브뤼셀에서 건축가 V. Horta가 1896-1899 년에 설계) 무역, 문화, 교육 및 사무실 건물이 하나의 건물에 결합되었습니다.

1890년대 초 벨기에는 고전주의와 절충주의 (소위 국가 낭만주의 포함)의 표준에 대한 투쟁의 주요 (유럽 건축에서) 중심지 중 하나가되었습니다. 벨기에 건축가 A. van de Velde, V. Horta, P. Ankar는이 기간 동안 19 세기 건축 양식의 절충주의에 대한 거부로 특징 지어졌으며 새로운 "스타일"의 출현의 기원에있었습니다. ” -유럽 아르누보. 새로운 재료, 디자인의 가능성을 사용하고 건물에 대한 새로운 기능적 요구 사항을 고려하여 현대적인 스타일을 찾으려는 지속적인 시도.

Henri van de Velde(1863-1957)는 유럽 근대성의 가장 큰 대표자이자 이데올로기 중 한 사람이었습니다. 그는 인테리어와 가정 용품을 만드는 새로운 접근 방식을 위해 3 차원 구성을 위해 싸운 고전과 "외관"의 대포에 반대했습니다. 동시에 그는 건물을 짓고 가정 용품을 제조하는 과정에 산업적 대량 생산 방법을 도입하는 것에 반대했고 가정 용품 생산을 위한 장인의 방법을 옹호했으며 각 프로젝트의 개성을 옹호했습니다.

아르누보의 두 번째로 큰 지지자인 빅토르 오르타(1861-1947)는 아르누보의 창조적인 원칙을 실제로 처음으로 적용한 건축가(브뤼셀의 Turen Street에 있는 저택, 1892-1893)였을 뿐만 아니라 또한이 "스타일"의 건축 장식 검색 방향을 크게 결정했습니다. 1880-1890년대 초. 몇 년 동안 그는 새로운 장식에 대한 집중적 인 실험실 형식 미학 검색에 참여했으며 "채찍으로 때리기"(Horta 라인)라는 탄력있는 구불 구불 한 선을 처음으로 사용하여 모든 장식의 특징 중 하나가되었습니다. Art Nouveau는 1890년 말에서 1900년대 초에 거의 모든 유럽 국가에서 가장 널리 퍼졌습니다.

20-30년대 벨기에 건축의 창의적인 방향 개발에 대해. 전쟁 전에 벨기에가 근대성 발전의 주요 중심지 중 하나라는 사실은 영향을 미칠 수밖에 없었으며 van de Velde 및 Horta와 같은 주요 건축가는 전후 몇 년 동안 집중적으로 작업을 계속했습니다. 정통적인 근대성이었지만 그들의 작업은 급진적인 혁신과는 거리가 멀었습니다. 사실, van de Velde는 이 기간 동안 근대성의 합리주의적 측면을 발전시키려고 노력했습니다. 그러나 실제로 그는 전쟁 전 유럽 건축의 합리주의적 경향이 전반적으로 이미 통과한 단계를 작업에서 경험했습니다. 미국 건축의 영향을받은 Horta (1916-1919 년 미국에 있음)는 장식 요소가없는 단순화 된 순서를 사용하여 벨기에 건축에 신고전주의를 전파하려고했습니다 (브뤼셀의 미술 궁전, 1922-1928).

20-30년대 벨기에 건축의 합리주의 경향. 주로 젊은 건축가의 작업과 관련이 있었는데, 주요 활동 분야는 국가 대출을 사용하는 지방 자치 단체 및 협동 조합이 수행하는 저렴한 주택의 소위 "사회적"건설이었습니다. 이 건설은 할당된 자금이 극도로 제한되어 있기 때문에 건축가가 아파트의 합리적인 배치를 만들기 위해 프로젝트에 효과적인 새로운 건축 자재와 구조물을 사용해야 했습니다. 값싼 주택 건설은 실제로 건축가가 긴축 조건에서 근로자를 위해 비교적 편안한 주택을 만들려고 노력하고 응용 과학의 유형화 및 성취 원칙 (예 : 일사량 요구 사항)을 사용하려고 시도한 창의적인 실험실이었습니다. , 즉 직사광선 조명), 현대식 위생 및 기술 장비, 중앙 난방, 전기, 쓰레기 슈트 및 빌트인 가구를 대량 주택에 도입했으며 건물의 건축 이미지를 새로운 기능 및 건설과 연결하려고했습니다. 기초.

벨기에뿐만 아니라 유럽 최초의 현대식 주거 단지 중 하나는 1922-1925년 브뤼셀 근처의 Victor Bourgeois(1897-1962)가 설계했습니다. Cite Modern(현대 도시)의 마을. 여기에는 해당 연도의 새로운 계획 기술이 적용되었습니다. 분기에 레크리에이션을위한 특별한 조경 장소가 제공되고 어린이 놀이터가 배치되었으며 가장 유리한 방향을 고려하여 주택이 배치되었습니다. 더욱이 부르주아는 가장 유리한 아파트 방향의 원칙을 추구하는 데 매우 일관하여 마을 배치의 일반적인 구성(예를 들어, 중앙 광장의 폐쇄된 공간을 만들다), 선반(평면의 톱니)으로 디자인했다. 마을 주택의 아파트는 교차 환기와 일광이 있는 모든 방의 필수 조명으로 설계되었습니다. 집의 외관은 평평한 지붕, 모퉁이 및 누운 창, 입구 위의 가벼운 캐노피와 같은 철근 콘크리트의 특징을 반영했습니다.

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전후 벨기에 건축의 합리주의 경향 발전의 관점에서 볼 때 큰 관심은 건물의 새로운 요구 사항을 고려하여 건물의 계획 및 체적-공간 구성에 대한 기능적 솔루션을 찾는 학교 건설입니다. 교육 과정은 가장 엄격한 비용 절감 조건에서 저렴한 주택 건설과 동일한 방식으로 수행되었습니다.

건축 분야의 새로운 추세는 어려움이 있지만 여전히 독특한 공공 건물 건설에 영향을 미쳤습니다. 1935년 브뤼셀에서 열린 국제 박람회는 신고전주의와 절충주의에 대한 합리주의 경향의 투쟁을 위한 일종의 경기장이 되었으며, 많은 파빌리온의 전통적인 모습은 현대적인 건설적 기반을 숨겼습니다. 예를 들어 건축가 Jean van Peek의 디자인에 따라 지어진 세기의 대궁전이 있습니다. 거대한 홀(철근 콘크리트 포물선 아치) 천장의 대담한 디자인은 건물의 외관에는 드러나지 않으며, 외관은 신고전주의 정신으로 양식화된 계단식 구성입니다. 그러나 이미 이번 전시회에서 많은 파빌리온 (주요 파빌리온은 아님)에서 새로운 재료와 구조물 (유리, 철근 콘크리트)을 대담하게 사용하여 현대적인 건물의 외관을 만들었습니다.

제2차 세계 대전으로 인한 파괴는 광범위한 복구 작업을 필요로 했습니다. 더군다나 1차대전 이후 복원공사와 달리 예전의 모습을 많이 복원하고자 하는 욕구가 만연했던 시기에는 새로운 조건에서 복원작업과 재건축이 병행되었는데, 특히 복잡한 계획과 좁은 도로로 인해 교통이 불편했던 도시의 오래된 지역에서 특히 그러했다. 어려움. 전후 벨기에에서 대량으로 만들어진 방송 도시 계획은 궁극적으로 1958년 브뤼셀에서 열린 국제 전시회의 조직에 맞춰 브뤼셀 중부 지역의 교통을 활성화하기 위한 구체적인 조치로 귀결되었습니다. 브뤼셀의 막 다른 두 기차역 사이의 승객 교통량에서 도시 중심부의 교통 네트워크를 내리기 위해 통과 터널이 트랙을 도심의 지하철역과 연결했습니다.

전후 벨기에의 주택 건설은 상당한 관심을 받고 있습니다. 여기서 우리는 개별 건물이 여러 층에 위치한 "수직"아파트가있는 단독 주택으로 도시를 건설하는 전통의 극복과 현대식 아파트 건물 (단면, 갤러리) 건설로의 결정적인 전환을 주목할 수 있습니다. , 타워), 다수의 공공 건물(주로 가정용 및 상업용)을 포함하는 주거 단지로 결합됩니다. 이러한 주거 단지는 일반적으로 미개발 지역에 있습니다. 앤트워프의 Kiel 단지(건축가 R. Brahm, R. Mas 및 V. Marmans, 1950-1955), Liege의 Manevrov Square(EGAU 그룹 건축가 프로젝트, 1956) 다른 사람. 주거 단지는 일반적으로 여러 유형의 주택으로 지어지며 미개발 지역의 면적을 늘리기 위해 많은 주택이 종종 V 자형 지지대에 배치되어 새로운 벨기에 주거 단지의 구성을 제공합니다. 공간성, 특정 형식적 선명도 및 독창성.

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좁은 다층 외관을 가진 서로 다른 시대의 주택이 거리를 따라 연속적으로 늘어선 도시의 밀집된 오래된 지역에서 새 주택은이 "레이어 케이크"에 지어 져야합니다. 더욱이 벨기에 건축가들은 이 경우 이웃집의 외관을 모방하려 하지 않고 콘크리트와 유리로 된 현대식 건물을 여러 시대의 집에 과감하게 도입하여 건물 전체에 특별한 풍미를 더한다. 이 새 건물은 일반적으로 수익성있는 주택으로 건축가가 진정한 거장 기술과 독창성을 보여야하는 디자인에서 좁은 줄거리로 인해 집의 찢어진 부분에만 창 개구부를 배치 할 수 있기 때문에 (거리 및 안마당으로).

50년대 후반부터. 벨기에 건축에서는 미국의 다양한 기능주의 인 Mies van der Rohe 학교의 영향이 증가했습니다. 우선 이것은 사무실 건물 건설에 적용되며 그 중 하나는 건축가 Hugo van Cuijk의 프로젝트에 따라 1958년에 지어진 브뤼셀의 사회 보장 건물입니다. 도시의 높은 지점 중 하나에 성공적으로 위치한 이 건물은 마치 더 넓은 기단에서 자라난 것처럼 직사각형 베이스가 있는 평평한 높은 유리 프리즘입니다. 이 건물은 도시의 주요 도로 중 하나의 관점을 닫고 주변 다중 시간 건물과 건물 앞의 그림처럼 계획된 그늘진 광장을 포함하여 복잡하지만 표현력이 풍부한 앙상블의 구성 중심입니다. 야외에 배치됩니다. 이 사실적인 조각품은 건물의 현대적인 외관과 뚜렷하게 대조되며 건물 근처의 터널로 이어지는 현대적인 고속도로를 따라 질주하는 자동차 흐름으로 도시적 특성이 더욱 강조됩니다.

가장 유명하고 의심 할 여지없이 전후 벨기에 건축 최고의 작품 중 하나는 건축가 M. Brunfo가 1958 년 전시회와 관련하여 지은 새로운 브뤼셀 항공 터미널 건물입니다. 이 건물의 계획과 공간 구성에서 순전히 실용성과 예술적 과제가 모두 성공적으로 해결되었습니다. 주 수술실의 내부가 가장 큰 인상을 남깁니다. 홀은 50m 길이의 캔틸레버 알루미늄 트러스로 덮여 있으며 ^ 모양의 지지대에 놓여 있습니다. 홀의 세로 벽 중 하나는 여름 필드를 향한 거대한 유리 스크린으로 바뀌었습니다.

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벨기에의 건축 생활에서 중요한 사건은 1958년 국제 브뤼셀 전시회였습니다. 벨기에 건축가들은 개관과 관련된 많은 전시관 및 기타 건물의 제작에 직접 참여했습니다. 이 건물들 중에서 상징적 기념물로 분류될 수 있는 Atomium(엔지니어 A. Waterkeyn, 건축가 A. 및 J. Polak)과 같은 독특한 구조를 주목할 수 있습니다. 파빌리온 "철근 콘크리트 화살표"-철근 콘크리트의 건설 능력을 시연 한 80m 캔틸레버 (엔지니어 A. Paduard, 건축가 J. van Dorselaer)와 브뤼셀 중심에 지어진 정보 센터의 파빌리온 , 천장은 쌍곡선 포물선 형태의 두 개의 철근 콘크리트 지지대에 놓인 안장 모양의 껍질로 나무 3 층 접착 슬래브로 만들어졌습니다 (건축가 L. J. Bochet, J. P. Blondel 및 O. F. Philippon, 엔지니어 R. Sarge) .

문화

벨기에 예술가

벨기에 회화의 절정기는 15세기 부르고뉴 통치기에 해당한다. 르네상스 시대에 예술가들은 복잡한 세부 묘사로 초상화를 그렸습니다. 이것은 예술가들이 최대의 사실성과 명확성을 달성하려고 노력한 중요하고 이상적이지 않은 그림이었습니다. 이 스타일의 그림은 새로운 네덜란드 학교의 영향으로 설명됩니다.

벨기에 회화에 있어 20세기는 제2의 황금기였다. 그러나 화가들은 이미 회화의 리얼리즘 원칙에서 벗어나 초현실주의로 방향을 틀었다. 이 예술가 중 한 명은 Rene Magritte였습니다.

벨기에 회화에는 벨기에인들이 당연히 자랑스러워하는 오래된 전통이 있습니다. 루벤스 하우스 박물관은 앤트워프에 있고 왕립 미술관은 브뤼셀에 있습니다. 그들은 예술가들과 회화의 고대 전통에 대한 벨기에인들의 깊은 존경심을 표현했습니다.

플랑드르 원시주의자

유럽의 중세 말기에도 플랑드르와 브뤼셀에서는 회화에 관심을 기울였습니다. Jan Van Eyck(약 1400-1441)은 플랑드르 예술에 혁명을 일으켰습니다. 그는 내구성 있는 페인트를 만들기 위해 기름을 사용하고 캔버스나 나무에 페인트를 혼합한 최초의 사람이었습니다. 이러한 혁신 덕분에 그림을 더 오래 보관할 수 있게 되었습니다. 르네상스 시대에 패널 페인팅이 퍼지기 시작했습니다.

Jan Van Eyck은 플랑드르 원시주의 학교의 창립자가 되어 밝은 색상과 캔버스에 움직이는 삶을 묘사했습니다. 겐트 대성당에는 유명한 예술가와 그의 형제가 만든 제단 폴립티치 "어린 양의 숭배"가 있습니다.

회화의 플랑드르 원시주의는 특히 사실적인 초상화, 조명의 선명도, 옷과 직물의 질감에 대한 세심한 묘사로 구별됩니다. 이 방향으로 작업한 최고의 예술가 중 한 명은 Rogierde la Pasture(Rogier van der Weyden)(약 1400-1464)였습니다. Rogirde la Pasture의 유명한 그림 중 하나는 Descent from the Cross입니다. 작가는 종교적 감정과 사실주의의 힘을 결합했습니다. Rogierde la Pasture의 그림은 새로운 기법을 물려받은 많은 벨기에 예술가들에게 영감을 주었습니다.

새로운 기술의 가능성은 Dirk Bouts(1415-1475)에 의해 확장되었습니다.

Hans Memling(약 1433-1494)은 15세기 브뤼헤를 묘사한 그림을 그린 마지막 플랑드르 원시인으로 간주됩니다. 산업 유럽 도시를 묘사한 최초의 그림은 Joachim Patinir(약 1475-1524)가 그렸습니다.

브뤼겔 왕조

16세기 초 벨기에 미술은 이탈리아의 영향을 많이 받았다. 화가 Jan Gossaert(약 1478-1533)는 로마에서 공부했습니다. 브라반트 공작의 통치 왕조를 위해 그림을 그리기 위해 그는 신화적인 주제를 선택했습니다.

16-17세기. Bruegel 가족은 Flemish 예술에 가장 큰 영향을 미쳤습니다. Flemish 학교의 최고의 화가 중 한 명은 Pieter Brueghel the Elder (약 1525-1569)였습니다. 그는 1563년에 브뤼셀에 왔습니다. 그의 가장 유명한 작품은 농민의 코믹한 모습을 묘사한 캔버스입니다. 그들은 중세의 세계로 뛰어들 기회를 제공합니다. 종교적 주제로 캔버스를 그린 Pieter Brueghel the Younger(1564-1638)의 유명한 그림 중 하나는 The Census in Bethlehem(1610)입니다. Brueghel the Velvet으로도 알려진 Jan Brueghel the Elder(1568-1625)는 벨벳 휘장을 배경으로 꽃을 묘사하는 복잡한 정물화를 그렸습니다. Jan Brueghel the Younger(1601-1678)는 웅장한 풍경을 그렸고 궁정 화가였습니다.

앤트워프의 예술가

17세기 벨기에 회화의 중심은 브뤼셀에서 플랑드르의 중심인 앤트워프로 옮겨갔다. 이것은 세계적으로 유명한 최초의 플랑드르 예술가 중 한 명인 Peter Paul Rubens (1577-1640)가 앤트워프에 살았다는 사실에 크게 영향을 받았습니다. 루벤스는 장엄한 풍경화, 신화적인 음모가 있는 그림을 그렸고 궁정 화가였습니다. 그러나 가장 유명한 것은 푹신한 여성을 묘사한 그의 캔버스입니다. 루벤스의 인기는 너무 커서 플랑드르의 직공들이 그의 장엄한 그림을 묘사한 태피스트리 컬렉션을 많이 만들었습니다.

궁정 초상화 화가인 루벤스의 제자인 안토니 반 다이크(Anthony van Dyck, 1599-1641)는 세계적인 명성을 얻은 두 번째 앤트워프 화가가 되었습니다.

장로 Jan Bruegel은 앤트워프에 정착했고 그의 사위 David Teniers II(1610-1690)는 1665년 앤트워프에 미술 아카데미를 설립했습니다.

유럽의 영향

18세기에도 예술에 대한 루벤스의 영향은 여전히 남아 있었기 때문에 플랑드르 예술의 발전에는 큰 변화가 없었습니다.

19세기 초부터 벨기에 예술에 대한 다른 유럽 학교의 강한 영향이 느껴지기 시작했습니다. François Joseph Navez(1787-1869)는 플랑드르 회화에 신고전주의를 더했습니다. Constantin Meunier(1831-1905)는 사실주의를 선호했습니다. Guillaume Vogels(1836-1896)는 인상주의 양식으로 그렸습니다. 그림에서 낭만적인 경향을 지지한 사람은 브뤼셀의 예술가인 앙투안 비르츠(1806-1865)였습니다.

1830년경에 제작된 "Hasty Cruelty"와 같은 Antoine Wirtz의 혼란스럽고 왜곡되고 흐릿한 그림은 예술에서 초현실주의의 시작입니다. Fernand Khnopff(1858-1921)는 의심스러운 여성들의 무서운 초상화로 유명하며 벨기에 상징주의 학교의 초기 지수로 간주됩니다. 그의 작품은 독일의 낭만주의자 구스타프 클림트의 영향을 받았다.

James Ensor(1860-1949)는 작품이 사실주의에서 초현실주의로 옮겨간 또 다른 예술가였습니다. 신비하고 오싹한 해골은 종종 그의 캔버스에 묘사됩니다. 1884-1894년 예술가 협회 "LesVingt"(LesXX). 브뤼셀에서 유명한 외국 아방가르드 예술가들의 작품 전시회를 조직하여 도시의 문화 생활에 활기를 불어넣었습니다.

초현실주의

20세기 초부터 세잔의 영향은 벨기에 예술에서 느껴졌습니다. 이 기간 동안 Fauves는 벨기에에 등장하여 태양에 흠뻑 젖은 밝은 풍경을 묘사했습니다. Fauvism의 저명한 대표자는 조각가이자 예술가인 Rick Wauters(1882-1916)였습니다.

초현실주의는 20세기 중반 브뤼셀에서 나타났습니다. 르네 마그리트(Rene Magritte, 1898-1967)는 이러한 예술 경향의 저명한 대표자가 되었습니다. 초현실주의는 16세기에 발전하기 시작했습니다. Pieter Brueghel the Elder와 Bosch의 Phantasmagoric 그림은 이러한 스타일로 그려졌습니다. Magritte의 캔버스에는 랜드마크가 없으며, 그는 자신의 초현실주의 스타일을 "익숙한 것에서 외계인으로의 회귀"라고 정의했습니다.

Paul Delvaux(1897-1989)는 좀 더 충격적이고 감성적인 예술가였으며 그의 캔버스는 안개 낀 인물과 함께 기괴하고 우아한 인테리어를 묘사합니다.

1948년 CoBrA 운동은 추상 미술을 위한 캠페인을 벌였습니다. 추상주의는 설치의 거장인 마르셀 브루다어스(Marcel Brudtaers, 1924-1976)가 이끄는 개념 미술로 대체되었습니다. Broodtaers는 홍합으로 가득 찬 냄비와 같은 친숙한 물건을 묘사했습니다.

태피스트리와 레이스

벨기에 태피스트리와 레이스는 600년 이상 사치품으로 여겨져 왔습니다. 12세기에 플랑드르에서 손으로 만든 태피스트리가 만들어지기 시작했고 나중에는 브뤼셀, 투르네, 우데나르드, 메헬렌에서 만들어지기 시작했습니다.

16세기 초부터 레이스 제작 기술이 벨기에에서 발전하기 시작했습니다. 레이스는 모든 지방에서 직조되었지만 브뤼셀과 브뤼헤의 레이스가 가장 가치가 있었습니다. 종종 가장 숙련된 레이스 제작자는 귀족의 후원을 받았습니다. 귀족에게는 아름다운 태피스트리와 절묘한 레이스가 그들의 지위를 나타내는 표시로 간주되었습니다. 15~18세기. 레이스와 태피스트리가 주요 수출품이었습니다. 그리고 오늘날 벨기에는 최고의 태피스트리와 레이스의 발상지로 간주됩니다.

플랑드르 도시 투르네와 아라스(오늘날 프랑스에 위치)는 13세기 초에 유명한 유럽 직조 중심지가 되었습니다. 공예와 무역이 발전했습니다. 이 기술은 더 섬세하고 값 비싼 작업을 가능하게했으며 실제은과 금 실이 양모에 추가되기 시작하여 제품 비용이 더욱 증가했습니다.

플랑드르의 사실주의와 이탈리아의 이상주의를 그림으로 결합한 Bernard van Orley(1492-1542)는 태피스트리 제조의 혁명을 일으켰습니다. 나중에 Flemish 마스터는 유럽으로 유인되었고 18 세기 말에는 Flemish 태피스트리의 모든 영광이 파리 공장으로 넘어갔습니다.

일년 내내 벨기에

벨기에의 기후는 북유럽의 전형적인 기후입니다. 이러한 이유로 거리와 집에서 모두 축하 행사를 할 수 있습니다. 날씨 조건은 수도의 예술가들이 경기장과 고대 건물 모두에서 완벽하게 공연할 수 있도록 합니다. 벨기에 주민들은 계절의 변화를 이용하는 방법을 알고 있습니다. 예를 들어 여름에는 수도에서 꽃 축제가 열립니다. 그랑 플라스는 8월 초마다 수백만 송이의 꽃으로 뒤덮입니다. 댄스, 영화 및 연극 시즌의 개막은 1월에 열립니다. 여기에서 "자동차 영화관"에서 오래된 수도원에 이르는 시사회가 시청자를 기다리고 있습니다.

브뤼셀에서는 일년 내내 다양한 축제의 흐름을 볼 수 있습니다. 여기에서 삶의 역사적 행렬로 가득 찬 호화로운 것을 볼 수 있습니다. 그들은 중세 시대부터 매년 개최되었습니다. 유럽의 최신 실험 예술이 이곳에서 시연됩니다.

휴가

새해 - 1월 1일
부활절 - 부동 날짜
클린먼데이 - 플로팅데이트
노동절 - 5월 1일
어센션 - 플로팅 데이트
트리니티 데이 - 부동 날짜
Spirits Monday - 플로팅 데이트
벨기에 국경일 - 7월 21일
기숙사 - 8월 15일
모든 성인의 날 - 11월 1일
휴전 - 11월 11일
크리스마스 - 12월 25일

봄

벨기에의 봄날이 길어지면서 문화생활도 활기를 띤다. 관광객들이 이곳에 오기 시작했습니다. 거리에서 바로 음악 축제가 열립니다. 도심 공원이 꽃을 피우면 전 세계적으로 알려진 라이켄의 열대 온실이 방문객을 위해 개방됩니다. 벨기에 초콜릿 제조사들은 중요한 부활절 휴가를 위해 온갖 종류의 과자를 준비하느라 분주합니다.

국제 판타지 영화제(3주 및 4주). 기적과 이상한 팬들은 수도 전역의 영화관에서 새로운 영화를 기다리고 있습니다.
아르스뮤직(3월 중순~4월 중순). 이 휴가는 최고의 유럽 축제 중 하나입니다. 유명한 공연자들이 찾아옵니다. 종종 콘서트는 Old Masters Museum에서 열립니다. 모든 음악 감정가들이 이 축제에 참석합니다.
Euroantique (지난 주). Heysel Stadium은 골동품을 사고 파는 방문객과 상인으로 가득합니다.
부활절(부활절 일요일). 부활절 전에 교회 종이 로마로 날아간다는 믿음이 있습니다. 돌아와서 그들은 특히 아이들을 위해 들판과 숲에 부활절 달걀을 남깁니다. 그리하여 매년 1000개 이상의 색칠한 달걀이 로얄 파크에 어른들에 의해 숨겨지고, 도시 전역의 아이들이 그것을 찾기 위해 모여듭니다.

4월

Sablon의 봄 바로크(3주차). 유명한 Place de la Grande Sablon은 젊은 벨기에 재능을 모으고 있습니다. 그들은 17세기 음악을 연주합니다.
라이켄의 왕실 온실(12일, 날짜는 다양함). 선인장과 모든 종류의 이국적인 식물이 피기 시작하면 특히 대중을 위해 벨기에 왕실의 개인 온실이 열립니다. 객실은 유리로 되어 있고 철로 마감되어 있습니다. 악천후로부터 다양한 희귀 식물이 이곳에 보관됩니다.
Flanders의 축제(4월 중순 - 10월) 이 축제는 모든 종류의 스타일과 트렌드가 혼합된 음악 축제입니다. 120개 이상의 유명한 오케스트라와 합창단이 이곳에서 공연합니다.
"화면 장면". (3주차 - 종료). 특히 관객을 위해 매일 새로운 유럽 영화가 상영됩니다.

유럽의 날 기념(5월 7~9일). 브뤼셀이 유럽의 수도라는 사실 때문에 축하 행사에서 다시 한 번 강조됩니다. 예를 들어 마네킹 파이도 노란색 별이 장식된 파란색 정장을 입고 있습니다.
Kunstin-Festival of Arts (5월 9일-31일). 젊은 연극 배우와 무용수들이 이 축제에 참여합니다.
퀸 엘리자베스 대회(5월~6월 중순). 이 음악 대회는 클래식 팬들을 모았습니다. 이 대회는 40년 넘게 진행되어 왔습니다. 젊은 피아니스트, 바이올리니스트 및 가수가 그곳에서 공연합니다. 유명한 지휘자와 솔리스트가 그들 중에서 가장 합당한 연주자를 선택합니다.
브뤼셀에서 20km 경주(지난 일요일). 20,000명 이상의 아마추어 및 프로 러너가 활약하는 수도에서 달리기.
재즈 랠리(마지막 휴무). 소규모 재즈 앙상블은 비스트로와 카페에서 공연합니다.

여름

7월에는 옴멘강에서 궁정의 화려한 시즌이 열립니다. 이것은 꽤 오래된 관습입니다. 거대한 행렬이 그랑플라스(Grand Place)와 주변 거리를 따라 이동합니다. 일년 중 이 멋진 시간에 다양한 방향의 음악을 들을 수 있습니다. 연주자들은 IJsel의 거대한 King Baudouin 경기장이나 작은 카페 바 등 다양한 장소에서 음악을 연주할 수 있습니다. 독립기념일에 모든 벨기에인들은 미디 박람회에 옵니다. 트레이가 설치되고 경로가 만들어지는 광장에서 진행됩니다.

브뤼셀 여름 축제(6월 초~9월). 콘서트 프로그램은 유명한 고대 건물에서 열립니다.
Wallonia의 축제(6월 - 10월). 브뤼셀과 플랑드르에서 일련의 갈라 콘서트를 개최함으로써 가장 재능 있는 젊은 벨기에 솔리스트와 오케스트라 연주자를 청중에게 선보일 수 있습니다.
페스티벌 카페 "쿨러"(지난 주). 3일 동안 재건된 Tour-e-Taxi 창고에서 매우 패셔너블한 프로그램이 진행됩니다. 청중은 아프리카 드러머, 살사, 민족 음악 및 산성 재즈에 의해 기대됩니다.
음악 축제(마지막 날). 월드뮤직 전용 시청과 박물관에서 2주 연속 혜택과 콘서트가 열린다.

칠월

Ommegang(7월 첫 번째 주말). 이 행사를 보기 위해 전 세계에서 관광객들이 찾아옵니다. 이 축제는 1549년부터 브뤼셀에서 열리고 있습니다. 이 행렬(또는 "우회"라고 함)은 그랑 플라스(Grand Place)와 인접한 모든 거리를 돌며 원을 그리며 움직입니다. 2000 명 이상의 참가자가 여기에 참여합니다. 의상 덕분에 그들은 르네상스 도시 거주자로 변신합니다. 퍼레이드는 고위 벨기에 관리들에 의해 전달됩니다. 티켓은 사전에 주문해야 합니다.
재즈 민속 축제 "Brosella"(2일째 휴무). 축제는 Osseghem Park에서 열립니다. 그것은 유럽의 모든 유명한 음악가들을 끌어들입니다.
브뤼셀의 여름 축제(7월~8월). 연중 이맘때가 되면 음악가들은 로어 타운과 어퍼 타운에서 클래식 곡을 연주합니다.
미디 페어(7월 중순~8월 중순). 유명한 브뤼셀 역 Gardu-Midi에서 박람회를 개최합니다. 이 이벤트는 한 달 동안 진행됩니다. 그것은 아이들에게 매우 인기가 있습니다. 이 박람회는 유럽에서 가장 큰 것으로 간주됩니다.

벨기에의 날(7월 21일). 1831년부터 기념해 온 독립기념일을 기리기 위해 군사 퍼레이드를 진행한 후 브뤼셀 공원에서 불꽃놀이를 합니다.
왕궁 개장일(7월 마지막 주 - 9월 둘째 주). 왕궁의 문은 방문객을 위해 열려 있습니다. 이 행사는 6주 연속 진행됩니다.

팔월

메이폴(메이붐)(8월 9일). 이 축제는 1213년에 시작되었습니다. 이 액션의 참가자는 인형이라는 거대한 의상을 입습니다. 행렬은 Lower City를 통과합니다. 그랑 플라스(Grand Place)에서 멈추고 거기에 메이폴(Maypole)이 놓입니다.
꽃 융단(8월 중순, 2년마다). 이 휴일은 격년으로 열립니다. 이것은 브뤼셀의 화초 재배에 대한 찬사입니다. 그랑 플라스 전체가 신선한 꽃으로 덮여 있습니다. 이러한 카펫의 총 면적은 약 2000m²입니다.

가을

가을에는 벨기에 엔터테인먼트가 현대 음악을들을 수있는 카페 또는 문화 센터로 이동합니다. "Heritage Days" 기간 동안 일반 대중은 평소에는 공개되지 않는 민가를 방문하고 소장품을 관람하며 건축물을 감상할 수 있습니다.

구월

생일 마네킹 피스(마지막 휴일).
오줌 싸는 소년의 유명한 조각품은 다른 고위 외국 손님이 기증한 다른 옷을 입고 있습니다.

축제 "해피 시티"(첫날 휴무).
현재 브뤼셀 최고의 카페 30곳에서 약 60회의 콘서트가 열리고 있습니다.
보태니컬 나이트(지난 주).
식물원의 이전 온실에 위치한 프랑스 문화 센터 "Les Botaniques"는 재즈 음악의 모든 감정가를 기쁘게 할 일련의 콘서트를 개최합니다.
유산일(2일 또는 3일 휴무).
며칠 동안 많은 보호 건물과 개인 주택, 폐쇄된 예술품 컬렉션이 방문객에게 문을 엽니다.

십월

아우디 재즈 페스티벌(10월 중순~11월 중순).
전국 곳곳에서 재즈의 소리가 들려와 가을의 권태를 푼다. 현지 공연자들이 연주하지만 일부 유럽 스타들은 종종 브뤼셀의 Palace of Fine Arts에서 공연합니다.

겨울

겨울에는 벨기에에 보통 비와 눈이 내리기 때문에 이 기간의 거의 모든 행사는 실내에서 진행됩니다. 아트 갤러리는 세계적 수준의 전시회를 주최하고 브뤼셀 영화제는 기성 거장과 젊은 재능의 작품을 주최합니다. 크리스마스 휴가 전에 Lower Town은 밝은 조명으로 밝혀지고 크리스마스에는 벨기에 테이블이 전통 요리로 장식됩니다.

"Sablon 's Nocturne"(마지막 날). Grande Sablon의 모든 상점과 박물관은 저녁 늦게까지 문을 닫지 않습니다. 마구가 달린 말이 달린 마차가 박람회를 돌아 다니며 고객을 태우고 메인 광장에서는 모두가 진짜 멀드 와인을 맛볼 수 있습니다.

12월

성 니콜라스의 날(12월 6일).
전설에 따르면 이날 크리스마스 산타 클로스의 수호 성인이 도시에오고 모든 벨기에 어린이들은 과자, 초콜릿 및 기타 선물을받습니다.
크리스마스(12월 24~25일).
다른 가톨릭 국가와 마찬가지로 벨기에의 크리스마스는 12월 24일 저녁에 축하합니다. 벨기에 사람들은 선물을 교환하고 다음날 부모님을 방문합니다. 모든 종류의 크리스마스 속성이 1월 6일까지 수도의 거리를 장식합니다.

1월

왕의 날(1월 6일).
이날은 특별한 아몬드 '로얄 케이크'가 준비돼 있으며, 그곳에 숨겨진 완두콩을 찾고자 하는 모든 이들의 발길이 끊이지 않는다. 그것을 찾는 사람은 축제의 밤 내내 왕으로 선언됩니다.
브뤼셀 영화제(1월 중순~말).
유럽 영화 배우들의 참여로 새로운 영화 시사회.

2월

골동품 박람회(2주 및 3주차).
Palace of Fine Arts는 전 세계의 골동품 딜러를 모았습니다.
국제만화축제(2주, 3주).
만화 작가와 예술가들은 만화 그리기 예술에 큰 영향을 미쳤던 도시를 방문하여 경험을 공유하고 새로운 작품을 선보입니다.

플랑드르 건축과 조각보다 더 다양하고 다채로운 17세기 플랑드르 회화가 장엄한 꽃을 피우며 펼쳐진다. 이 예술에서보다 훨씬 더 명확하게, 영원한 플랑드르인은 파괴할 수 없는 국보로서 북부와 남부의 혼합 토대에서 여기에서 등장합니다. 다른 나라의 현대 회화는 이처럼 풍부하고 다채로운 주제 영역을 포착하지 못했습니다. 신축 또는 복원된 사원에는 수백 개의 거대한 바로크 양식의 제단이 대형 캔버스에 그려진 성인의 이미지를 기다리고 있었습니다. 궁전과 집에서 거대한 벽은 신화, 우화 및 장르 이젤 그림을 갈망했습니다. 그렇습니다. 16세기에 실물 크기의 초상화로 발전한 초상화는 매혹적인 자연스러움과 표현의 고귀함을 결합한 진정한 의미의 위대한 예술이었습니다.

벨기에가 이탈리아 및 프랑스와 공유한 이 큰 그림 옆에 이곳에서 번성하여 오래된 전통을 이어가고 있으며, 주로 작은 나무 또는 구리 판에 있는 독창적인 캐비닛 그림은 종교적, 신화적 또는 우화적 주제를 무시하지 않고 묘사된 모든 것을 포용하며 비정상적으로 풍부합니다. 모든 계층의 인구, 특히 농민, 택시 운전사, 군인, 사냥꾼 및 선원의 모든 표현에서 일상 생활을 선호합니다. 이러한 작은 그림의 디자인된 풍경이나 방 배경은 몇몇 거장들의 손에 의해 독립적인 산수화와 건축화로 바뀌었습니다. 이 시리즈는 꽃, 과일, 동물의 이미지로 완성됩니다. 브뤼셀에 있는 집권 대공의 종묘장과 동물 사육장에 해외 무역은 경이로운 동식물을 가져왔습니다. 모든 것을 마스터한 예술가들은 그 형태와 색상의 풍부함을 간과할 수 없었습니다.

그럼에도 불구하고 벨기에에서는 더 이상 기념비적인 벽화를 그릴 근거가 없었습니다. 앤트워프 예수회 교회에 있는 루벤스의 그림과 몇몇 교회의 풍경화 시리즈를 제외하고 벨기에의 거장들은 캔버스에 큰 그림을 그렸고, 외국 통치자를 위한 벽과 천장 그림을 만들었으며, 태피스트리의 브뤼셀 기술은 쇠퇴했습니다. 루벤스의 참여는 일시적인 증가만을 가져왔으며 조던과 테니어와 같은 다른 벨기에 거장들의 참여를 불필요하게 만들었습니다. 그러나 벨기에 마스터는 네덜란드만큼 깊지는 않지만 잘 알려진 판화 및 에칭 개발에 참여했습니다. 태어날 때부터 네덜란드인은 루벤스 이전에 최고의 조각가였으며 벨기에의 가장 위대한 화가인 루벤스, 요르단스, 반 다이크스, 브라우워스, 테니어스가 "회화 조각"(에칭)에 참여한 것은 부분적으로는 부수적인 일이고 부분적으로는 의심스럽기까지 합니다.

Scheldt의 부유한 Low German 무역 도시인 Antwerp는 이제 그 어느 때보다도 Low Netherlandish 그림의 수도입니다. 브뤼셀 회화는 아마도 독립적인 경로를 찾는 풍경화에서만 앤트워프 예술의 한 분야가 되었습니다. 오래된 플랑드르 미술 센터인 Bruges, Ghent 및 Mecheln의 그림조차도 처음에는 앤트워프 작업장과의 관계로만 살았습니다. 그러나 벨기에의 왈롱 지역, 즉 뤼티히에서는 이탈리아인과 프랑스인에게 독립적인 매력을 느낄 수 있습니다.

17세기 플랑드르 회화의 일반적인 역사를 위해 Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool 및 Weyermann의 문학 자료 모음, Immerseel, Kramm 및 Wurzbach의 어휘집 외에도 부분적으로만 구식인 책을 통합했습니다. Michiels, Waagen, Waters, Rigel 및 Philippi가 중요합니다. Scheldt 예술의 중요성을 고려할 때 Van den Branden과 Rooses의 앤트워프 예술 역사를 언급할 수도 있습니다. 물론 추가와 변경이 필요합니다. 이 책의 저자와 Woltmann의 회화사에 있는 관련 장은 이미 세부적으로 구식입니다.

17세기 플랑드르 회화는 회화적 배치와 실행의 완전한 자유, 그림과 색상의 내적 통일성, 앤트워프를 수출의 중심지로 만든 거장 피터 폴 루벤스의 창의적인 손에서 가장 매끄러운 폭과 힘을 얻었습니다. 유럽 전역의 그림. 그러나 옛 방향과 새 방향 사이의 전환점에 서 있는 스승은 부족하지 않았습니다.

발전된 풍경을 배경으로 작은 인물들이 등장하는 국가적 사실주의 분야에서는 Pieter Brueghel the Elder의 위대함과 즉각성의 메아리만이 여전히 살아 있었습니다. 전환기의 풍경 렌더링은 길리스 반 코닌슬루(Giliss Van Coninxloo)가 만든 "무대 스타일"에 남아 있습니다. 나무 잎이 무성하고 별도의 번갈아 가며 서로 다른 색조를 개발함으로써 공중 및 선형 원근법의 어려움을 우회합니다. 현재 풍경화의 창시자인 앤트워프 형제 Matthäus와 Paul Bril(1550-1584 및 1554-1626)도 이 조건부 스타일에서 발전했으며 개발에 대해서는 거의 알려진 바가 없습니다. 마테우스 브릴(Matthäus Bril)은 로마의 바티칸에서 풍경 프레스코 화가로 갑자기 등장했습니다. 그가 일찍 세상을 떠난 후, 바티칸에 있는 그의 형제 친구인 폴 브릴(Paul Bril)은 당시의 새로운 네덜란드 풍경 스타일을 더욱 발전시켰습니다. Matthäus의 정통 그림은 거의 남아 있지 않습니다. 바티칸, 라테란, 산타 체칠리아의 로스피글리오시 궁전, 로마의 산타 마리아 마조레의 교회와 궁전 풍경을 그린 바울에게서 더 많은 것을 얻었습니다. 그것들은 Annibale Carracci에 의해 실행된 풍경의 더 큰 통일성과 함께 위에 표시된 균형 잡힌 과도기적 스타일로 더 자유로운 영향 아래서만 점진적으로 전달됩니다. 풍경화의 일반적인 역사의 일부인 Bril의 추가 개발은 보드의 수많은 작은 풍경 (1598 in Parma, 1600 in Dresden, 1601 in Munich, 1608 및 1624 in Dresden)에 반영됩니다. , 1609, 1620 및 1624-루브르 박물관, 1626-상트 페테르부르크), 일반적으로 나무가 풍부하고 특정 지역을 거의 전달하려고하지 않습니다. 어쨌든 Paul Bril은 Claude Lorrain의 예술이 성장한 풍경 스타일의 창시자에 속합니다.

네덜란드의 Antwerp Josse de Momper(1564 - 1644)는 Dresden에서 가장 잘 표현되었으며 특히 나무가 풍부하지 않은 산뜻하게 칠해진 산악 풍경에서 Koninxloo 무대 스타일을 개발했습니다. 네 번째 햇볕에, 일반적으로 모든 갈색-녹색-회색-파란색 아름다움으로 나타납니다.

Bril의 오래된 그림의 영향은 Peter Brueghel the Elder, Jan Brueghel the Elder(1568-1625)의 둘째 아들이 로마와 밀라노에서 일했던 1596년 앤트워프로 돌아오기 전에 반영되었습니다. Criveli와 Michel은 그에게 별도의 작품을 바쳤습니다. 그는 성경적, 우화적 또는 장르적 주제를 나타내는 경우에도 풍경의 인상을 주는 대부분의 작은 그림을 그렸습니다. 세 가지 배경의 상호 전환을 더 미묘하게 전달하지만 잎이 달린 Coninksloo 스타일을 단단히 고수하는 것은 바로 그들입니다. Jan Brueghel의 다재다능함의 특징은 그가 Balin과 같은 인물 화가를 위해 풍경 배경을, Momper와 같은 풍경화가를 위해 인물을, Rubens와 같은 거장을 위해 꽃 화환을 그렸다는 것입니다. 루벤스가 아담과 이브, 얀 브뤼헐의 풍경과 동물을 그린 헤이그 박물관의 신선하고 미묘하게 실행된 "가을"로 유명합니다. 가지각색의 민속 생활을 풍부하게 갖춘 그의 풍경은 여전히 구름으로 하늘을 전달하는 데 특히 표현력이 없지만 주로 강, 풍차가있는 평원, 선술집 장면이있는 마을 거리, 나무가 우거진 둑이있는 운하, 바쁜 시골 길로 관개되는 언덕이 많은 지역입니다. 나무꾼과 사냥꾼이 있는 나무가 우거진 고지와 숲길에서 생생하고 충실하게 관찰했습니다. 그의 초기 그림은 밀라노의 Ambrosiana에서 볼 수 있습니다. 마드리드, 뮌헨, 드레스덴, 상트페테르부르크, 파리에서 가장 잘 표현됩니다. 새로운 방식을 모색한다는 의미에서 특히 중요한 것은 형태의 아름다움과 진귀한 색의 밝기뿐만 아니라 그 조합을 가장 설득력있게 전달한 그의 꽃 그림이었습니다. 그의 붓 색깔의 그림은 마드리드, 비엔나, 베를린을 소유하고 있습니다.

그의 협력자 중 우리는 그의 교사가 루벤스의 두 번째 교사인 Adam van Noort로 간주되는 Hendrik van Balen(1575-1632)을 놓쳐서는 안 됩니다. 그의 제단 그림(예를 들어 앤트워프의 야곱 교회)은 참을 수 없습니다. 그는 루브르 박물관의 신들의 만찬, 드레스덴의 아리아드네, 브런즈윅의 만나를 모으는 것과 같은 고대 우화에서 주로 내용을 담은 보드에 작고 매끄럽게 칠해진 달콤한 그림으로 유명해졌지만, 이런 종류의 그림도 부족합니다. 예술적 신선함과 즉각적.

그러나 위에서 설명한 과도기적 풍경 스타일은 18세기 초까지 약한 모방자들 사이에서 계속되었습니다. 여기에서 우리는 그것을 네덜란드로 옮긴이 방향의 가장 강력한 주인, 앤트워프에서 암스테르담으로 이사 한 Mecheln의 David Winkboons (1578-1629), 신선한 숲과 마을 장면을 그렸고 때로는 풍경의 성경적 에피소드를 그렸습니다. 설정하지만 마을 선술집 앞에서 가장 기꺼이 성전 휴가를 보냅니다. 아우 크스 부르크, 함부르크, 브라운 슈 바이크, 뮌헨, 상트 페테르부르크에서 그의 최고의 그림은 힘없이가 아니라 꽃 색깔로 직접 관찰되고 그려집니다. 쿠르트 에라스무스(Kurt Erasmus)가 사랑스럽게 저술한 연구에 전념한 Courtrai의 Rellant Savery(1576 - 1639)는 루돌프 2세를 위해 독일의 숲이 우거진 산을 연구한 후 처음에는 암스테르담에, 그 다음에는 위트레흐트에 화가와 에칭가로 정착했습니다. 빛이 가득하고 점차적으로 세 개의 평면을 병합하지만 비엔나와 드레스덴에서 잘 볼 수 있는 산악, 바위 및 숲 풍경, 사냥 장면에서 야생 및 길들인 동물의 라이브 그룹을 이미지에서 낙원과 오르페우스. 그는 또한 최초의 독립 꽃 화가에 속합니다. 1611년 위트레흐트로 이주한 앤트워프(1577년, 1649년 이후 사망) 출신 아담 윌러츠(Adam Willaerts)는 이러한 과도기 양식의 바다 풍경을 대표하는 인물이었습니다. 그의 해안 및 해양 전망(예: 드레스덴, 함부르크의 웨버, 리히텐슈타인 갤러리)은 여전히 파도의 패턴이 건조하고 선박 생활을 묘사하는 데 여전히 무례하지만 자연과의 관계에 대한 정직함에 매료됩니다. 마지막으로 그의 플랑드르 풍경화를 암스테르담으로 옮긴 앤트워프의 알렉산더 케링스(1600-1652)는 그의 서명과 함께 그림에서 여전히 Coninxloe를 따르고 있지만 이후 Brunswick과 Dresden의 그림에서는 분명히 Van Goyen의 갈색 네덜란드 색조에 영향을 받았습니다. 그림. . 따라서 그는 완전한 의미에서 과도기적 대가에 속합니다.

집에 남아 있던 이러한 유형의 앤트워프 거장 중 Sebastian Vranks(1573 - 1647)는 풍경화가이자 말 화가로서 의심할 여지가 없는 성공을 보여줍니다. 그는 또한 가장 자주 자작 나무처럼 매달려있는 다발 형태의 단풍을 묘사하지만 더 자연스러운 연결을 제공하고 통풍이 잘되는 톤에 새로운 선명도를 제공하며 자신 있고 일관되게 작성된 행동에 중요한 특성을 전달하는 방법을 알고 있습니다. 예를 들어 브라운슈바이크, 아샤펜부르크, 로테르담, 함부르크의 웨버에서 볼 수 있는 그의 전투 및 강도 장면의 말과 기수.

마지막으로 16세기 초에 건축 회화에서 장로 Steenwick의 길을 따라 그는 자연을 따르는 문자를 예술적 매력으로 점진적으로 대체하는 과도기적 스타일을 개발했습니다. ), 런던으로 이사했고 그 옆에는 드레스덴, 마드리드, 파리 및 상트 페테르부르크에서 교회의 내부 모습을 볼 수있는 Peter Neefs the Elder (1578-1656)의 주요 인물이 있습니다.

일반적으로 플랑드르 회화는 루벤스의 위대한 예술이 태양처럼 위로 솟아올라 빛과 자유의 영역으로 가져갔을 때 분명히 작은 예술로 돌아가는 매우 올바른 길에 있었습니다.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - 17세기의 모든 벨기에 예술이 회전하는 태양이지만 동시에 이 시기 범유럽 예술의 위대한 조명 중 하나입니다. 모든 이탈리아 바로크 화가들과는 달리 그는 그림에서 바로크를 대표하는 주요 인물입니다. 형태의 충만 함, 움직임의 자유, 대중에 대한 지배력, 바로크 양식의 건축 양식에 그림 같은 느낌을주는 루벤스의 그림에서 그들은 돌의 무거움을 포기하고 색상의 황홀한 사치로 독립적이고 새로운 권리를 얻습니다 존재하다. 개별적인 형태의 힘, 구성의 웅장함, 빛과 색채의 꽃이 만발한 충만함, 갑작스러운 행동의 전환에 있는 삶의 열정, 그의 육체의 남성과 여성의 육체적, 영적 삶을 자극하는 힘과 불, 옷을 입은 사람과 옷을 벗은 사람, 그는 다른 모든 주인을 능가합니다. 도톰한 볼과 도톰한 입술, 해맑은 미소를 지닌 그의 금발 여성의 호화로운 몸매가 하얗게 빛난다. 태양에 그을린 남성 영웅의 피부는 빛나고 대담한 볼록한 이마는 강력한 눈썹 아치로 생기를 불어넣습니다. 그의 초상화는 그 시대에 가장 개인적이고 친밀한 것이 아니라 가장 신선하고 건강합니다. 시간이 부족하여 대부분의 경우 조수를 떠나 자신의 그림에 묘사했지만 야생 동물과 길들인 동물을 생생하게 재현하는 방법을 아는 사람은 없었습니다. 그가 조수들에게도 맡긴 풍경에서 그는 우선 대기 생활로 인한 일반적인 효과를 보았지만 노년기에도 놀라운 풍경을 그렸습니다. 그의 예술은 영적, 물리적 현상의 전 세계, 과거와 현재의 전체 복잡성을 포용했습니다. 제단 그림과 그가 교회를 위해 그린 제단 그림. 그는 주로 자신과 친구들을 위해 초상화와 초상화를 그렸습니다. 그가 이 세상의 위인들을 위해 창조한 신화적, 우화적, 역사적 이미지와 사냥 장면. 풍경화와 풍속화는 가끔 부업이었다.

루벤스에게 주문이 쏟아졌습니다. 그의 스튜디오에서 적어도 2천 점의 그림이 나왔다. 그의 예술에 대한 큰 수요로 인해 그의 학생과 조수들의 손에 의해 전체 그림이나 개별 부분이 자주 반복되었습니다. 인생의 정점에서 그는 보통 조수들에게 손으로 그린 그림을 남겼습니다. 자신의 손으로 쓴 작품과 그가 스케치만 한 스튜디오의 그림 사이에는 모든 전환이 있습니다. 기본 형태와 기본 분위기의 모든 유사성에도 불구하고 그의 그림은 단단한 조형과 두껍고 무거운 글씨에서 더 가볍고 자유롭고 밝은 실행에 이르기까지 동시대 많은 사람들과 마찬가지로 스타일의 상당한 변화를 보여줍니다. 보다 생동감 있는 윤곽선, 보다 부드럽고 경쾌한 모델링, 톤 페인팅의 꽃 같은 색상으로 조명된 무드가 가득합니다.

루벤스에 관한 최신 문헌의 선두에는 막스 루즈의 광범위하게 구상된 누적 작업인 루벤스의 작품(1887-1892)이 있습니다. 가장 훌륭하고 중요한 전기 작품은 Rooses와 Michel의 작품입니다. Waagen 이후 수집된 작품은 Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg 및 Wilhelm Bode에 의해 출판되었습니다. Rubens에 대한 개별 질문은 Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemans 등이 분석했습니다. 조각사로서 Rubens는 Gimans와 Voorthelm-Schnevogt에 종사했습니다.

루벤스는 존경받는 앤트워프 출신의 쾰른 근처 지겐에서 태어나 아버지의 도시에서 전환기 스타일의 평범한 풍경화가인 토비아스 베르헤트(1561-1631)로부터 첫 예술 교육을 받은 후 아담 반에게서 4년 동안 공부했습니다. Noort(1562 - 1641)는 현재 알려진 바와 같이 매너 있는 이탈리아주의의 평균적인 거장 중 한 명으로, 이후 4년 동안 소설이 풍부한 Otto Van Ven와 함께 일했습니다. 처음에 그는 밀접하게 합류했고 1598년에 길드 마스터가 되었습니다. 1908년에 Habertzwil은 루벤스의 세 스승에게 자세한 기사를 썼습니다. 루벤스의 초기 앤트워프 시대에 대한 단 하나의 그림을 확실하게 확립하는 것은 불가능합니다. 1600년부터 1608년까지 그는 이탈리아에서 살았다. 처음에는 베니스에서, 그 다음에는 주로 Mantua에서 Vincenzo Gonzaga를 섬겼습니다. 그러나 이미 1601년 로마에서 예루살렘에 있는 산타 크로체 교회의 세 제단을 위해 그는 십자가의 발견, 가시 면류관, 십자가의 현양을 그렸습니다. 현재 프랑스 남부 Grasse에 있는 병원의 예배당에 있는 이 세 그림은 여전히 자신을 찾고 있으며 여전히 Tintoretto, Titian 및 Correggio의 사본에 영향을 받았지만 이미 독립적인 노력으로 가득 찬 그의 첫 번째 이탈리아 시대의 스타일을 보여줍니다. 힘과 움직임을 위해. 1603년 젊은 스승은 왕자의 명령을 받아 스페인으로 갔다. 그가 그곳에서 그린 그림에서 마드리드 박물관의 철학자 헤라클레이토스, 데모크리토스, 아르키메데스의 인물들은 여전히 화려하고 의존적인 형태를 드러내지만 심리적 깊이에 대한 강한 인상도 드러냅니다. Mantua로 돌아온 Rubens는 세 부분으로 된 큰 제단화를 그렸는데, 가운데 그림은 Gonzaga 가족이 St. Trinity는 Mantua 도서관의 두 부분으로 보존되었으며 넓고 풍부한 측면 그림에서 대중의 형태와 행동의 점점 커지는 힘을 보여주는 그리스도의 세례는 앤트워프 박물관에서 끝났고 변형은 낸시 박물관. 그런 다음 1606년에 주인은 누오바 키에사를 위해 로마에서 다시 루벤스의 힘으로 가득 찬 그의 빛으로 가득 찬 인물인 성 베드로 승천의 제단화를 다시 그렸습니다. Gregory”는 현재 그르노블 박물관이 소유하고 있으며 로마에서는 이미 1608년에 같은 주인의 최고의 그림이 아닌 세 개의 다른 그림으로 대체되었습니다. Caravaggio의 스타일을 더 명확하게 연상시키는 것은 제노아의 Sant'Ambrogio에서 1607년의 장엄한 "할례의 그리스도"입니다. 그러나 Rooses와 Rosenberg와 같은 연구자들은 그가 Titian, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo 및 Raphael의 작품과 그의 붓으로 여러 그림을 복사했을 때 마스터를 이탈리아 시대에 돌립니다. 나중에. Michel이 우리와 함께 생각하는 것처럼 Mantua에서 시작된 Mantua에서 시작된 Dresden의 전시 및 미덕에 대한 큰 우화는 작성되지 않은 경우 Mantua에서 1608 년경에 Bode와 함께 다음과 같이 나타 났음을 인정합니다. Roosers와 함께하는 것보다 Rubens가 그의 고향으로 돌아 왔는데, 그들은 Antwerp로의 이탈리아 여행 전에 작성되었습니다. 드레스덴에 있는 Jerome의 자신감 있게 그려지고 조형적으로 모델링된 이미지는 또한 독특한 루벤스식 방식을 드러내며, 아마도 그의 이탈리아 시대에 비해 너무 발전된 것일 수도 있습니다. 1608년 루벤스가 앤트워프로 돌아오자 이미 1609년에 그는 알브레히트와 이사벨라의 궁정 화가로 임명되었고, 이미 독립적인 그의 스타일은 빠르게 웅장한 힘과 웅장함으로 발전했습니다.

구성이 어수선하고 윤곽이 불안정하며 조명 효과가 고르지 않은 마드리드의 동방 박사 숭배 (1609-1610)는 강력한 움직임으로 표시됩니다. 삶과 열정이 넘치고 몸의 근육질 모델링에 강력한 그의 유명한 세 부분으로 된 앤트워프 대성당의 "십자가의 찬양"이미지. 카셀의 비너스, 큐피드, 바커스, 세레스, 올덴부르크의 튼튼하고 사슬에 묶인 프로메테우스와 같은 동시대의 신화적 그림에서 더 강한 이탈리아의 기억이 느껴진다. 이 시대의 대규모 초상화의 특징적인 예는 마드리드에 있는 알브레히트와 이사벨라의 풍경 초상화와 1609년에 고국으로 돌아온 젊은 아내 이사벨라 브랜트와 함께 인동덩굴 정자에서 주인 자신을 나타내는 웅장한 뮌헨 그림입니다. , 잔잔한 순수한 행복 사랑의 비교할 수없는 이미지.

루벤스의 예술은 1611년에서 1614년 사이에 또 다른 비행을 발견했습니다. 앤트워프 대성당의 장엄한 "방문 마리아 엘리자베스"와 날개에 "성전 입구"가있는 거대한 그림 "십자가에서 내리다"는 주인이 자신의 유형과 글쓰기 방법을 가져온 첫 번째 작품으로 간주됩니다. 전체 개발에. 개별 동작의 열정적 인 생명력이 훌륭하고 화보 퍼포먼스의 관통력은 더욱 훌륭합니다. Capitoline Gallery의 "Romulus and Remus", 비엔나 Schonborn Gallery의 "Faun and Faun"과 같은 신화 그림도 이 시대에 속합니다.

1613년과 1614년 루벤스의 그림은 구성에 자신이 있고 형태와 색상이 명확하게 정의되어 있으며 그의 이름과 실행 연도가 예외로 표시된 일부 그림입니다. 순수한 형태, 아름다운 색상 그림 "Jupiter and Callisto"(1613), 마법의 빛으로 가득 찬 Kassel의 "Flight into Egypt", 앤트워프의 "Frozen Venus"(1614), 애처로운 "Lamentation"(1614) 비엔나와 스톡홀름의 "수산나"(1614). 그의 몸은 마드리드에서 그의 초기 수잔나의 너무 호화로운 몸보다 의심할 여지 없이 더 즐겁고 더 잘 이해된다. 그림의 측면에서 볼 때 뮌헨과 앤트워프의 어두운 하늘을 배경으로 외롭게 십자가에 못 박힌 그리스도의 강력한 상징적 이미지가 이 그림들과 인접해 있습니다.

그때부터 루벤스의 작업실에는 커미션이 쌓여서 조수들이 그림을 그리는 데 눈에 띄게 참여하게 되었습니다. Jan Brueghel 외에 가장 오래된 것은 동물과 과일의 뛰어난 화가 Frans Snyders (1579-1657)에 속하며 위에서 언급 한 Prometheus와 함께 Oldenburg 그림에서 독수리를 그린 Rubens 자신과 활기찬 풍경화가 Jan Wildens ( 1586 - 1653), 1618년부터 루벤스를 위해 일했습니다. 가장 주목할만한 협력자는 Anton van Dyck(1599 - 1641)이었는데, 그는 나중에 독립 인물이 되었습니다. 어쨌든 1618년에 대가가 된 그는 1620년까지 루벤스의 오른팔이었다. 이 해의 루벤스 자신의 그림은 일반적으로 몸의 푸르스름한 반음부와 적황색 반점을 대조하는 반면 Van Dyck의 명확하게 확립된 협력이 있는 그림은 균일한 따뜻한 명암과 보다 긴장된 그림 전송으로 구별됩니다. 그중에는 비엔나의 리히텐슈타인 궁전에 있는 로마 집정관 데키우스 무사의 생애에서 열정적으로 그린 6개의 대형 이미지, 루벤스가 1618년에 카펫을 짜기 위해 만든 판지(마드리드에 남아 있는 사본이 있음) 및 대형 장식용 플라폰 그림이 있습니다. (다양한 컬렉션에서 스케치만 보존됨), 이 교회의 제단화의 많은 인물인 “성 베드로의 기적”과 함께 화려한 구성의 일부가 있습니다. 자비에르', '성 베드로의 기적' 등이다. Ignatius”, Vienna Court Museum에 저장됨. Van Dyck의 공동 작업은 앤트워프의 거대한 십자가 처형에서도 부인할 수 없습니다. Longinus는 말을 타고 창으로 구주의 옆구리를 뚫고 Kassel의 참회하는 죄인과 함께 Madonna에서, 그리고 Bode에 따르면 뮌헨 삼위 일체의 날과 Rooses에 따르면 Berlin Lazar에서 극적인 사자 사냥과 뮌헨에서 Leucippus의 딸에 대한 극적이고 열정적이며 빠른 납치에서도 마찬가지입니다. 이 모든 그림은 루벤스 구성의 대담한 힘뿐만 아니라 Van Dyck 그림의 미묘한 느낌으로 빛납니다. 1615년에서 1620년 사이에 루벤스 자신이 주요 부분을 그린 손으로 그린 그림 중에는 활기차고 동요한 뮌헨의 대중 운동 "최후의 심판"과 내부 애니메이션 "가정의 가정"으로 가득 찬 최고의 종교 그림도 있습니다. 브뤼셀과 비엔나의 Our Lady', 삶의 넘치는 관능적 기쁨의 힘이 번역된 뮌헨, 베를린, 상트페테르부르크, 드레스덴의 거장 신화 회화와 호화로운 'bacchanalia', 'Thiazos' 이미지 등 Roman에서 Flemish로, 처음으로 완전한 표현에 도달한 것 같습니다. 작은 크기로 작성되었지만 가장 폭력적인 난투와 전투의 그림 같은 전달이라는 의미에서 접근 할 수없는 뮌헨 (1620 년경)의 "아마존 전투"가 여기에 인접 해 있습니다. 그런 다음 뮌헨의 과일 화환이 달린 훌륭한 퍼티와 같은 실물 크기의 벌거 벗은 아이들, 폭력적인 사냥 장면, 뮌헨에서 가장 좋은 사자 사냥, 드레스덴에서 가장 좋은 멧돼지 사냥이 있습니다. 예를 들어, 베를린의 Aeneas의 난파선의 전체 분위기 또는 루브르 박물관의 폐허가있는 빛나는 로마 풍경 (1615 년경)과 같은 자연 환경과 같은 신화적인 추가가있는 첫 번째 풍경화와 생활 "여름"과 "겨울 (c. 1620) Windsor에서. 웅장하게 전달되고, 옛 매너리즘의 힌트 없이 광범위하고 진실되게 쓰여지고, 모든 종류의 천체 현현의 빛으로 밝혀진 그들은 풍경화의 역사에서 이정표처럼 서 있습니다.

분명히, 웅장하고 강력하게, 이 5년 동안의 루벤스의 초상화가 마침내 등장합니다. 피티 궁전에 있는 그의 초상화 그룹 "네 명의 철학자"는 우피치 미술관에 있는 그의 자화상 중 걸작입니다. 그녀의 아름다움의 전성기는 베를린과 헤이그의 고귀한 초상화에 있는 그의 아내 이사벨라입니다. 1620년경, 가장 섬세한 키아로스쿠로로 부채질한 깃털 달린 모자를 쓴 Susanna Fuhrman의 놀라운 초상화도 런던 내셔널 갤러리에서 그렸습니다. 이 시대의 거장의 유명한 남성 초상화는 뮌헨과 리히텐슈타인 갤러리에서 볼 수 있습니다. 루벤스가 신성한 세계사, 사냥 장면, 심지어 풍경의 에피소드를 얼마나 열정적으로 묘사했는지, 그는 기념비적 인 힘과 진실로 몸의 껍질을 전달할 수 있었지만 내부적으로 영화하려고 시도하지 않고 일반적으로 만 파악하면서 침착하게 초상화를 그렸습니다. , 얼굴 특징.

Van Dyck은 1620년에 루벤스를 떠났고 그의 아내 Isabella Brant는 1626년에 사망했습니다. 그의 예술에 대한 새로운 자극은 1630년에 아름다운 젊은 Helena Furman과의 재혼이었습니다. 1623, 1625), 마드리드(1628, 1629), 런던(1629, 1630). 알레고리가 있는 두 개의 큰 역사적 시리즈 중 Marie de Medici의 삶에서 나온 21개의 거대한 그림(이야기는 Grossman이 썼습니다)은 이제 루브르 박물관의 최고의 장식에 속합니다. 루벤스의 뛰어난 손으로 스케치하고, 그의 제자들이 덧칠하고, 스스로 완성한 이 역사적인 그림은 현대 바로크 양식의 많은 현대 초상화와 우화적인 신화적 인물로 가득 차 있으며 개별적인 아름다움과 예술적 조화를 보여줍니다. 그들은 17세기 최고의 회화 작품으로 영원히 남을 것입니다. 프랑스의 앙리 4세의 생애에 대한 일련의 그림에서 두 개의 반쯤 완성된 그림이 우피치에 도착했습니다. 다른 사람을 위한 스케치는 다른 컬렉션에 보관됩니다. 루벤스가 몇 년 후 런던 그을음으로 검게 변한 화이트 홀 본당의 판자 밭을 장식 한 영국의 제임스 1 세를 찬양하는 9 개의 그림은 알아볼 수 없지만 그 자체는 주인의 가장 성공적인 작품에 속하지 않습니다 .

20년대에 루벤스가 그린 종교화 중 1625년에 완성된 앤트워프의 위대한 불 같은 "동방 박사의 숭배"는 더 자유롭고 넓은 붓, 더 가벼운 형태의 언어 및 더 많은 금색으로 그의 예술적 발전의 전환점을 다시 표시합니다. , 경쾌한 발색. . 앤트워프 대성당의 가볍고 바람이 잘 통하는 "마리아의 승천"은 1626년에 완성되었습니다. 그 뒤를 루브르 박물관의 그림 같은 무료 "동방박사 숭배"와 앤트워프의 "성모 마리아 교육"이 이어집니다. 주인이 Titian을 다시 공부한 마드리드에서 그의 채색은 더 풍부하고 "꽃이 피었습니다". 앤트워프의 아우구스티누스 교회에서 성인들이 그녀를 경배하는 "마돈나"는 티치아노의 프라리 마돈나를 바로크식으로 반복한 것입니다. 그녀의 편지로 판단되는 1629 년 런던 (현재 내셔널 갤러리에 있음)에 위치한 Mantegna의 "Triumph of Caesar"의 의미있게 수정 된 부분도이 시간 이후에만 나타날 수 있습니다. 이 10년은 특히 주인의 큰 초상화가 풍부합니다. 나이가 들었지만 여전히 따뜻한 미모로 가득한 Isabella Brant는 Hermitage의 아름다운 초상화에 있습니다. 이미 더 선명한 기능은 Uffizi의 초상화로 표현됩니다. 가장 훌륭하고 화려한 것 중에는 리히텐슈타인 갤러리에 있는 그의 아들들의 이중 초상화가 있습니다. 앤트워프에 있는 그의 책상에 있는 Caspar Gevaert의 표정이 풍부한 초상화는 유명합니다. 그리고 브뤼셀에 있는 Aremberg의 아름다운 흉상 초상화에서 입술에 엷은 외교적 미소를 지으며 나이든 주인 자신이 우리 앞에 나타납니다.

많은 루벤스(1631-1640)에게 떨어진 마지막 10년은 그가 사랑하는 두 번째 아내 엘레나 퍼먼의 별 아래 서 있었습니다. Rubens의 그녀의 최고의 초상화는 세계에서 가장 아름다운 여성 초상화에 속합니다. 절반 길이, 풍성한 드레스, 깃털이 달린 모자; 가슴에 열린 고급스러운 드레스를 입고 실물 크기로 앉아 있습니다. 정원에서 산책을 위해 남편 옆에 작은 형태로 그녀는 뮌헨 Pinakothek에 있습니다. 알몸, 일부만 모피 맨틀로 덮여 있음-Vienna Court Museum에서; 들판에서 걷기위한 옷을 입고-암자에서; 그녀의 맏아들과 함께 새시에, 남편과 팔짱을 끼고, 또한 거리에서 페이지와 함께 파리의 Baron Alphonse Rothschild에서.

이 번성하고 빛나는 주인의 후기 시대의 가장 중요한 교회 작품은 장엄하고 차분한 구성으로 무지개의 모든 색으로 빛나는 성 베드로의 제단입니다. 비엔나 궁정 박물관 문에 기증자의 강력한 인물이 있는 일데폰과 앤트워프의 야곱 교회에 있는 루벤스 자신의 장례 예배당에 있는 웅장한 제단에는 주인과 가까운 얼굴에서 그려진 도시의 성도들이 있습니다. 다음과 같은 더 간단한 작업: St. 베를린의 Cecilia와 드레스덴의 웅장한 Bathsheba는 톤과 색상면에서 열등하지 않습니다. 이 시대의 귀중한 신화 사진 중에는 런던과 마드리드에서 빛나는 파리의 심판이 있습니다. 그리고 베를린에서 다이애나의 사냥이 얼마나 열정적으로 숨쉬는 지, 비엔나에서 비너스의 향연이 얼마나 화려하게 펼쳐지는지, 마드리드에서 오르페우스와 에우리디케를 비추는 마법 같은 빛!

이런 종류의 그림에 대한 준비는 주인의 일부 장르 이미지입니다. 그래서 신화 장르의 캐릭터는 뮌헨의 대담하고 관능적인 실물 크기의 "Hour of Date"를 포착합니다.

Watteau의 모든 세속적 장면의 원형은 날아 다니는 사랑의 신, "사랑의 정원"이라는 그림, 정원의 축제에서 사랑에 빠진 호화로운 옷을 입은 커플 그룹과 함께 유명합니다. 이런 종류의 최고의 작품 중 하나는 파리의 Baron Rothschild 소유이고 다른 하나는 마드리드 박물관에 있습니다. 루벤스가 그린 민속 생활의 작은 인물이 있는 가장 중요한 풍속화는 마드리드의 장엄하고 생기 있는 순전히 루벤스식 농민 춤, 성의 해자 앞, 루브르 박물관, 박람회 같은 컬렉션에서 동기는 이미 Teniers를 연상시킵니다.

Rubens의 실제 풍경의 대부분은 또한 그의 생애 말년에 속합니다. Pitti Palace의 Odysseus가있는 빛나는 풍경과 같은 풍경은 디자인이 새롭고 예술적으로 설명하며 주변 환경의 단순하고 넓은 이미지입니다. , Rubens의 dacha가 위치한 평평한 지역과 웅장하고 분위기가 가득한 하늘이 바뀝니다. 가장 아름다운 것은 런던의 불타는 일몰과 뮌헨과 상트페테르부르크의 무지개가 있는 풍경입니다.

루벤스가 무엇을 하든 그는 모든 것을 빛나는 금으로 바꾸었습니다. 그리고 그의 예술에 협력자나 추종자로서 접촉한 사람은 누구든지 더 이상 그의 악순환에서 벗어날 수 없었습니다.

루벤스의 수많은 제자들 중에서 안톤 반 다이크(1599-1641)만이 광채로 빛나는 머리로 예술의 하늘에 닿는다. Balen은 그의 진정한 스승으로 간주되지만 Rubens 자신은 그를 학생이라고 불렀습니다. 어쨌든 그의 젊음의 발전은 우리가 아는 한 루벤스의 영향을 받았는데, 그는 루벤스로부터 완전히 벗어나지 않았지만 그의 더 인상적인 기질에 따라 회화에서 더 긴장하고 온화하며 미묘한 방식으로 재 작업했습니다. 그리고 그림에 덜 강합니다. . 이탈리아에서의 오랜 체류는 마침내 그를 화가이자 색채의 대가로 만들었습니다. 실사를 발명하고 극적으로 악화시키는 것은 그의 일이 아니었지만, 그는 역사적인 그림에 인물을 서로 명확하게 생각한 관계로 배치하고 그의 초상화에 사회적 지위의 미묘한 특징을 전달하는 방법을 알고 있었습니다. 그 시대의 귀족들.

Van Dyck에 대한 최신 요약 작업은 Michiels, Giffrey, Kust 및 Schaeffer가 작성했습니다. Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti 및 이 책의 저자는 그의 삶과 예술에 대한 별도의 페이지를 설명했습니다. 지금도 그들은 주로 여행과 관련된 삶의 다른 기간을 구별하는 것에 대해 논쟁하고 있습니다. 최신 연구에 따르면 그는 앤트워프에서 1620 년까지, 런던에서 1620-1621 년, 이탈리아에서 1621-1627 년, 주로 제노바에서 일했으며, Rooses가 보여준 것처럼 아마도 집에서, 1627-1628년 네덜란드에서, 다시 앤트워프에서, 1632년부터 런던에서 찰스 1세의 궁정화가로 일하다가 1641년 사망했으며, 이 기간 동안 1634-1635년에는 브뤼셀에, 1640년과 1641년에는 앤트워프에 있었습니다. 그리고 파리.

루벤스의 영향이 눈에 띄지 않을 반 다이크의 초기 작품은 거의 없다. 그의 초기 사도 시리즈에서도 이미 루벤스식 방식의 흔적을 볼 수 있습니다. 이 중 원본 머리 중 일부는 드레스덴에, 나머지는 Althorp에 보존되어 있습니다. Van Dyck이 1618년부터 1620년까지 루벤스를 섬기는 동안 자신의 위험과 위험을 무릅쓰고 자신의 디자인에 따라 그린 종교 그림 중 "성 베드로의 순교"에 속합니다. Sebastian", 뮌헨에서 "그리스도의 애가"와 "수산나 목욕하기"가 오버로드 된 오래된 구성으로 구성되었습니다. "St. Petersburg의 Thomas", 마드리드의 "The Copper Serpent". 이 그림들 중 어느 것도 완벽한 구성을 자랑할 수는 없지만 잘 칠해지고 꽃이 만발합니다. Dresden "Jerome"은 그림 같고 영혼에 깊이 느껴지며 이웃의 더 차분하고 거칠게 쓰여진 Jerome Rubens와 생생한 대조를 이룹니다.

그런 다음: The Mocking of Christ in Berlin, 이 세미 루벤스 그림 중 가장 강력하고 표현력이 뛰어나며 구성이 아름답습니다. 윈저에서 말에 앉아 거지에게 망토를 내밀고 있는 마틴. Saventham 교회에서이 Martin의 단순화되고 약한 반복은 후기 마스터 방식에 더 가깝습니다.

Van Dyck은 특히 그의 초상화에서 이 루벤스 시대의 위대한 예술가입니다. 두 마스터의 잘 알려진 장점을 결합한 그들 중 일부는 Bode가 Van Dyck에게 반환 할 때까지 19 세기에 Rubens에 기인했습니다. 루벤스의 동시 초상화보다 개별적인 특징이 더 개성 있고 표현이 더 긴장하며 글이 더 부드럽고 깊습니다. Van Dyck의 이 세미 루벤스 초상화 중 가장 오래된 것은 드레스덴에서 1618년에 결혼한 노부부의 흉상 초상화이며, 가장 아름다운 것은 리히텐슈타인 갤러리에 있는 두 부부의 반쪽 모습입니다. , 드레스덴에서 장갑을 끼고 무릎에 아이를 안고 빨간 커튼의 숙녀 앞에 앉아 있는 신사. Hermitage의 웅장한 Isabella Brant가 그에게 속하며 Louvre에서 Jean Grusset Richardeau와 그 옆에 서있는 그의 아들의 이중 초상화가 있습니다. 이중 초상화 중에서 서로 옆에 서있는 배우자가 알려져 있습니다. Frans Snyders와 매우 강제적 인 포즈를 가진 그의 아내 Jan de Wael과 뮌헨의 그의 아내의 초상화가 가장 아름답습니다. 마지막으로 상트 페테르부르크, 뮌헨, 런던에서 사려 깊고 자신감 넘치는 표정을 지닌 주인의 젊은 자화상에서 스무 살 정도의 나이는 초기를 나타냅니다.

Van Dyck이 1621년에서 1627년 사이에 그린 종교 그림에서. 이탈리아 남부에는 루벤스를 연상시키는 Palazzo Bianco의 불 같은 후광에 "베드로의 주화"와 "아이와 함께한 마리아"가있는 티치아노에서 영감을 얻은 아름다운 장면이 남아 있습니다. 제노아의 왕궁, 그림같이 아름답고 영적인 용어로 부드럽게 느껴지는 로마의 보르게제 갤러리의 매장, 피티 궁전의 나른한 마리아의 머리, 토리노 피나코텍의 웅장하고 찬란한 가족, 그리고 강력하지만 다소 예의바른 길쭉한 인물이 있는 팔레르모의 마돈나 델 로사리오의 제단화. 세속적 인 그림 중에서 Giorgione의 정신으로 아름다운 Vincenza 시립 박물관의 삶의 세 시대를 묘사 한 그림과 구성이 단순하지만 마드리드의 불 같은 그림 "Diana and Endimon"만 여기에서 언급하겠습니다.

자신감 있고 확고하며 동시에 어두운 명암의 부드러운 스트로크 모델링과 분위기의 통일을 위해 노력하는 이탈리아 머리의 깊고 풍부한 색상은 그의 이탈리아, 특히 제노바 초상화에서도 나타납니다. 제노아의 로시 궁전(Palazzo Rossi)에 위치한 안토니오 줄리오 브리뇰레 살레(Antonio Giulio Brignole Sale)의 승마 초상화는 인사의 표시로 오른손에 모자를 흔들며 거의 보는 사람을 향하고 있는 대담한 단축법으로 그려져 새로운 길의 진정한 지표였습니다. 귀족, 바로크 양식의 기둥과 휘장을 배경으로 금 자수가있는 진한 파란색 실크 드레스를 입은 딸 Paola Adorio와 같은 컬렉션의 고귀한 사람의 옷을 입은 청년과 함께 Signora Geronimo Brignole Sale의 초상화가 서 있습니다. 절대적인 초상화 예술의 절정에. 그들은 밝은 노란색 실크 다 마스크 드레스를 입은 Marchesa Durazzo의 초상화, 빨간 커튼 앞에서 아이들과 함께, 개가있는 세 자녀의 활기찬 그룹 초상화, 흰 드레스를 입은 소년의 고귀한 초상화, Palazzo Durazzo Pallavicini에 보관된 앵무새. 로마의 Capitoline Gallery에는 Luca와 Cornelis de Wael의 매우 중요한 이중 초상화가 있으며 Florence의 Palazzo Pitti에는 Giulio Bentivoglio 추기경의 영적 표현 초상화가 있습니다. Van Dyck의 이탈리아 시대의 다른 초상화는 해외로 향했습니다. 가장 훌륭한 것 중 하나는 뉴욕의 Pierpont Morgan이 소유하고 있지만 런던, 베를린, 드레스덴 및 뮌헨에서도 찾을 수 있습니다.

이탈리아에서 돌아온 후 주인이 고국에서 보낸 5 년 (1627-1632)은 매우 유익한 것으로 판명되었습니다. 크고 움직이는 제단 조각으로 가득 찬 성 베드로 교회의 강력한 십자가는 무엇입니까? Dendermonde의 Zhen, Ghent의 Michael 교회, Meheln의 Romuald 교회, St. Courtrai의 Gens는 그뿐만 아니라 내면의 삶으로 가득 찬 작품을 대표하지 않습니다. 여기에는 Lille Museum에서 곧 개봉될 십자가형, 뮌헨의 "비행 중 휴식", 앤트워프, 비엔나 및 뮌헨. 이 그림들은 루벤스의 이미지를 영웅적인 언어에서 감정의 언어로 번역합니다. 이 시기의 가장 아름다운 그림으로는 루브르 박물관에서 무릎을 꿇은 기증자와 천사들이 꽃을 붓는 마돈나, 뮌헨에 서 있는 아기 예수가 있는 마돈나, 앤트워프, 뮌헨, 베를린, 파리. 일반적으로 마돈나와 애도는 Van Dyck이 가장 좋아하는 주제였습니다. 그는 우피치의 교차로에 있는 그의 헤라클레스, 비너스, 벌컨, 비엔나, 파리의 이미지가 어느 정도 그들을 다룰 수 있었음을 보여주지만, 이교도 신들의 이미지를 거의 취하지 않았습니다. 그는 주로 초상화 화가로 남았습니다. 이 5년의 기간 동안 약 150점의 그의 붓 초상화가 보존되었습니다. 그들의 얼굴 특징은 훨씬 더 선명하고 일반적으로 우아하고 활동적이지 않은 손에는 같은 종류의 이탈리아 그림보다 표현이 훨씬 적습니다. 다소 귀족적인 편안함이 그들의 자세에 더해졌고, 더 차가운 색채에서 더 미묘한 전반적인 분위기가 나타났습니다. 옷은 일반적으로 쉽고 자유롭게 떨어지지만 물질적으로 떨어집니다. 전체 크기로 그려진 가장 아름다운 것 중에는 Turin, Louvre 및 Liechtenstein Gallery의 통치자 Isabella의 특징적인 초상화, 런던의 Wallace 컬렉션에있는 Philippe de Roy와 그의 아내, 신사의 이중 초상화가 있습니다. 그리고 루브르 박물관과 고딕 박물관에 아이를 안고 있는 여인과 뮌헨에 있는 신사 숙녀 여러분의 초상화가 몇 점 더 있습니다. 가장 표현력이 풍부한 허리와 세대 초상화 중에는 앤트워프의 물데루스 주교와 마틴 페핀, 상트페테르부르크의 아드리안 스티븐스와 그의 아내, 마드리드의 반 덴 베르그 백작, 리히텐슈타인 갤러리의 캐논 안토니오 데 타시스의 초상화가 있습니다. 오르간 연주자 Liberty는 나른해 보이고 조각가 Colin de Nole과 그의 아내와 딸은 뮌헨의 초상화 그룹에서 지루해 보입니다. 드레스덴의 신사와 숙녀의 초상화와 리히텐슈타인 갤러리의 Marie Louise de Tassis는 고귀하고 그림 같은 자세로 구별됩니다. 그의 시대의 모든 초상화, 특히 영어와 프랑스어에 대한 Van Dyck의 영향은 엄청났습니다. 그러나 자연적 특성과 내면의 진실성에서 그의 초상화는 다른 사람들의 이름은 말할 것도 없고 그의 동시대 인물인 Velázquez와 Frans Hals의 초상화와 비교할 수 없습니다.

그러나 때때로 Van Dyck도 조각 바늘을 집어 들었습니다. 24로 쉽게 알려져 있으며 그의 작품을 큰 의미로 실행했습니다. 한편, 그는 다른 조각가들에게 자신이 그린 유명한 동시대 인물들의 작은 초상화 시리즈를 하나의 회색 톤으로 재현하도록 의뢰했습니다. 전체 컬렉션에서 백 장의 "Van Dyck의 도상학"은 그의 죽음 이후에만 나타났습니다.

Charles I의 궁정 화가로서 Van Dyck은 생애의 마지막 8년 동안 종교 및 신화 그림을 거의 그리지 않았습니다. 그럼에도 불구하고 그가 네덜란드에 잠시 머무는 동안 쓰여진 최고의 그림들 중 몇몇은 이 거장의 후기에 속합니다. 앤트워프 박물관에서 가장 성숙하고 가장 아름다운 "그리스도의 애도"인 Hermitage에서 천사와 날아 다니는 자고의 둥근 춤과 함께 "이집트로의 휴식"의 마지막이자 가장 그림 같은 묘사였습니다. 명료하고 고요하며 감동적인 구성일 뿐만 아니라 진정한 슬픔의 표현뿐만 아니라 파란색, 흰색, 짙은 금색의 아름다운 화음과 함께 색상도 훌륭하고 매혹적인 작품을 나타냅니다. 그런 다음 영국 시대의 수많은 초상화를 따르십시오. 사실, 런던 법원 유형의 영향으로 그의 머리는 점점 더 가면처럼되고 그의 손은 점점 표현력이 떨어집니다. 그러나 드레스는 서면으로 더 세련되고 더 많은 재료, 색상, 은빛 톤이 점차 퇴색하기 시작하여 점점 더 부드러운 매력으로 승리합니다. 물론 Van Dyck은 대규모 생산을 위해 런던에 워크샵을 열었고 수많은 학생들이 참여했습니다. 두 자녀와 개 한 마리를 안고 앉아 있는 왕실 부부를 보여주는 윈저의 가족 초상화는 다소 빈약한 전시입니다. 개선문 앞 같은 장소에 있는 왕의 기마 초상화는 멋지게 그려졌고, 내셔널 갤러리에 있는 그의 기마 초상화는 더욱 그림 같고, 루브르 박물관에서 사냥복을 입은 왕의 유쾌한 초상화는 정말 그림 같습니다. . 반 다이크가 그린 헨리에타 마리아 여왕의 초상화 중에서 런던의 노스브룩 경이 소유하고 정원 테라스에서 난쟁이들과 함께 있는 여왕을 묘사한 초상화는 가장 신선하고 초기의 것 중 하나이며 드레스덴 갤러리에 있는 초상화는 모든 고귀함에도 불구하고 가장 약하고 최신입니다. Van Dyck의 가장 매력적인 걸작에 속하는 영국 왕의 아이들의 다양한 초상화가 유명합니다. Turin과 Windsor는 세 왕실 자녀의 가장 훌륭한 초상화를 가지고 있습니다. 그러나 가장 호화롭고 아름다운 것은 크고 작은 개와 함께 왕의 다섯 자녀가 있는 윈저 초상화입니다. Windsor의 Van Dyck의 다른 수많은 초상화 중에서 Lady Venice Digby의 초상화는 비둘기와 사랑의 신의 형태로 우화적으로 추가되어 새로운 시대를 예고하며 Thomas Killigrew와 Thomas Carew의 이중 초상화는 우리 주인에게는 특이한 삶의 관계가 묘사되었습니다. 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관에 있는 큰 개를 안고 있는 제임스 스튜어트의 초상화는 약혼자 윌리엄 2세와 헨리에타 마리아 스튜어트의 자녀인 특별한 은총으로 구별됩니다. 암스테르담의 시립 박물관은 유쾌합니다. 거장의 영국 시대 초상화 약 100점이 보존되어 있습니다.

Van Dyck은 젊은 나이에 사망했습니다. 예술가로서 그는 분명히 모든 것을 말했습니다. 그는 위대한 스승의 다재다능함, 충만함, 힘이 부족하지만 순전히 회화적인 분위기의 미묘함에서 플랑드르 동시대인들을 모두 능가했습니다.

Van Dyck 이전과 이후의 앤트워프에서 루벤스의 다른 중요한 화가, 협력자 및 학생은 루벤스의 예술, 심지어 Abraham Dipepbeck(1596 - 1675), Cornelis Schut(1597 - 1655), Theodor van Thulden(1606 - 1676)의 메아리만 살고 있습니다. , 위대한 조각가의 형제 인 Erasmus Quellinus (1607-1678)와 그의 손자 Jan Erasmus Quellinus (1674-1715)는 그다지 중요하지 않습니다. Rubens 워크샵의 다양한 실제 부서 대표는 더 독립적으로 중요합니다. Frans Snyders(1579 - 1657)는 죽은 자연에서 시작했는데, 그는 실물 크기로 광범위하고 사실적으로 그리고 무엇보다 장식적인 것을 좋아했습니다. 평생 동안 그는 브뤼셀, 뮌헨, 드레스덴에서 구할 수 있는 것과 같은 주방 용품과 과일의 건강한 관찰 이미지로 가득 찬 큰 그림을 그렸습니다. 루벤스의 작업장에서 그는 또한 거의 그의 스승, 살아있는 세계, 사냥 장면의 실물 크기 동물의 힘과 밝기로 생생하고 매혹적으로 묘사하는 법을 배웠습니다. 드레스덴, 뮌헨, 비엔나, 파리, 카셀, 마드리드에서 그린 그의 대형 사냥 그림은 고전적입니다. 때때로 Snyders와 혼동되는 것은 그의 처남인 Paul de Vos(1590-1678)인데, 그의 큰 동물 그림은 Snyders 그림의 신선함과 따뜻함을 따라갈 수 없습니다. 루벤스의 영향으로 개발된 새로운 풍경 스타일은 오래된 3색 무대 배경과 전통적인 덤불 같은 나무 잎사귀를 거의 완전히 없앴으며 루카스 반 오덴스(1595~ 1672), 풍경화의 대가 말년의 조수. 드레스덴에 9점, 상트페테르부르크에 3점, 뮌헨에 2점이 걸려 있는 그의 수는 많지만 대부분 작은 풍경화는 브라반트 언덕 지역과 플랑드르 평야 사이의 매력적인 지역 경계 풍경을 단순하고 자연스럽게 포착한 이미지입니다. 성능은 넓고 세심합니다. 그의 색상은 푸른 나무와 초원, 갈색 땅과 푸른 언덕 거리의 자연스러운 인상뿐만 아니라 약간 흐리고 밝은 하늘을 전달하기 위해 노력합니다. 구름과 나무의 양지바른 면은 보통 노란 빛의 반점으로 반짝거리고 루벤스의 영향으로 때때로 비구름과 무지개도 나타납니다.

루벤스의 예술은 네덜란드의 동판화에 혁명을 일으켰습니다. 그가 작품을 살펴본 수많은 조각가들이 그의 봉사에 참여했습니다. 그들 중 가장 오래된 사람들인 Antwerp Cornelis Galle(1576 - 1656)과 네덜란드 Jacob Matham(1571 - 1631) 및 Jan Müller는 여전히 그의 스타일을 이전 형태의 언어로 번역했지만 Rubens 학교의 조각가들은 Harlem(1580 - 1643)의 Peter Southman이 개장했으며 Lukas Forstermann(b. 1584), Paul Pontius(1603 - 1658), Boethius 및 Schelte와 같은 이름으로 계속해서 빛을 발하고 있습니다. Bolswerth, Pieter de Jode the Younger, 그리고 무엇보다도 위대한 chiaroscuro 조각가 Jan Wittdöck(b. 1604)은 시트에 Rubensian 힘과 움직임을 불어넣었습니다. 그림을 부드러운 덩어리로 긁어내기 위해 곡괭이로 판의 표면을 거칠게 만드는 새로운 메조틴트 기술은 발명되지는 않았지만 처음으로 Lille의 Vallerand Vaillant에 의해 널리 사용되었습니다(1623). - 1677), 유명한 뛰어난 초상화가이자 죽은 자연의 원화가인 루벤스의 제자 에라스무스 켈리누스(Erasmus Quellinus)의 제자. 그러나 Vaillant는이 예술을 벨기에가 아니라 그가 이사 한 암스테르담에서 공부했기 때문에 플랑드르 예술의 역사는 그를 언급 할 수 있습니다.

로마에서 카라바조에 합류한 루벤스나 그의 학생들과 직접적인 관계가 없었던 이 시기의 일부 중요한 앤트워프 거장들은 로마 그룹을 형성했습니다. 명확한 윤곽선, 플라스틱 모델링, Caravaggio의 무거운 그림자는 루벤스의 영향에 대해 말한 더 자유롭고 따뜻하며 더 넓은 그림의 후기 그림에서만 부드러워집니다. 이 그룹의 머리에는 Abraham Janssens Van Nuessen(1576 - 1632)이 있는데, 그의 학생 Gerard Zegers(1591 - 1651)는 그의 후기 그림에서 의심할 여지 없이 루벤스의 페어웨이로 옮겨갔고 Theodore Rombouts(1597 - 1637)는 앤트워프, 겐트, 상트페테르부르크, 마드리드, 뮌헨의 그림, 금속 광택 색상과 검은 그림자가 있는 실물 크기의 그의 장르의 Caravaggio.

이탈리아에 없었던 당시 플랑드르 화가 중 가장 오래된 Caspar de Crayer (1582-1669)는 브뤼셀로 이주하여 루벤스와 경쟁하면서 절충주의를 취한 것 이상으로 가지 않았습니다. 그들은 Antwerp Jacob Jordaens(1583 - 1678)가 이끌고 있으며, 학생이자 Adam Van Noort의 사위이기도 합니다. 이 시대의 진정으로 독립적인 벨기에 현실주의자의 수장은 가장 중요한 플랑드르의 뛰어난 화가 중 한 명입니다. 17세기, 루벤스(Rubens)와 반 다이크(Van Dyck) 옆. Rooses는 또한 그에게 광범위한 작업을 바쳤습니다. 루벤스보다 거칠지만 그보다 더 직접적이고 독창적이다. 그의 몸은 루벤스보다 훨씬 더 거대하고 다육하며 머리는 더 둥글고 평범합니다. 일반적으로 다른 그림에 대해 약간의 변경과 함께 반복되는 그의 구성은 종종 더 예술적이고 종종 과로했으며 그의 모든 기술에 대해 그의 브러시는 더 건조하고 매끄럽고 때로는 더 조밀합니다. 그럼에도 불구하고 그는 훌륭하고 독창적인 컬러리스트입니다. 처음에 그는 신선하고 활기차게 글을 쓰고 포화 된 지역 색상으로 약하게 모델링합니다. 1631년 이후 루벤스의 매력에 휩싸인 그는 더 섬세한 명암법, 더 선명한 중간색, 그림의 갈색 톤으로 이동하여 풍부한 깊은 기본 톤이 효과적으로 빛납니다. 그는 또한 묘사된 모든 것을 묘사했습니다. 그는 대부분의 경우 민속 속담을 주제로 한 실물 크기의 우화 및 장르 그림에 최고의 성공을 거두었습니다.

1617년 St. 앤트워프의 폴은 루벤스의 영향을 드러냅니다. Jordaens는 1618년 스톡홀름의 "Adoration of the Shepherds"와 Braunschweig의 유사한 그림, 특히 그가 믿을 수 없는 이야기를 들려주는 농부를 방문하는 사티로스의 초기 이미지에서 그 자신입니다. 이런 종류의 가장 초기 그림은 브뤼셀에 있는 Mr. Celst가 소유하고 있습니다. 그 뒤를 이어 부다페스트, 뮌헨, 카셀에 사본이 있습니다. 초기 종교화에는 루브르 박물관의 전도자들과 드레스덴 구세주의 무덤에 있는 제자들의 표현적인 이미지도 포함됩니다. 초기 신화 그림 중 Antwerp의 Meleager와 Atlanta는 언급할 가치가 있습니다. 그의 가족 초상화 그룹(1622년경)의 살아있는 작품 중 가장 초기 작품은 마드리드 박물관에 속해 있습니다.

Rubensian의 영향은 1631년 이후에 작성된 Jordaens의 그림에서 다시 분명하게 나타납니다. 브뤼셀의 농부에 대한 그의 풍자에서 이미 전환이 눈에 띕니다. Kassel이 가장 초기 사본을 소유하고 있는 "콩의 왕"에 대한 그의 유명한 묘사(다른 사본은 루브르 박물관과 브뤼셀에 있음)와 속담 "늙은이가 노래하는 것, 작은 것이 삐걱거리는 것", 앤트워프의 무수한 이미지 그 사본은 1638년으로 거슬러 올라갑니다. 1641년에 작성된 드레스덴(루브르 박물관과 베를린에 있는 다른 작품)보다 색이 더 산뜻한 것은 이미 거장의 부드럽고 부드러운 방식에 속합니다.

1642년 이전에는 카셀의 거친 신화 그림 "바커스의 행렬"과 드레스덴의 "아리아드네", 쾰른에 있는 Jan Wirth와 그의 아내의 생생한 훌륭한 초상화도 그려졌습니다. 그런 다음 1652년까지 St. George와 같은 더 차분한 선에도 불구하고 그림은 외부와 내부에 활기를 불어넣었습니다. 브뤼셀의 이보(1645), 카셀의 뛰어난 가족 초상화, 비엔나의 생생한 "콩 왕".

1652 년에 마스터는 Jordaens의 "프리드리히 하인리히 왕자의 신격화"와 "부러움에 대한 죽음의 승리"가주는 "숲의 성"장식에 참여하도록 헤이그에 초청하여 완전한 힘을 발휘했습니다. 그의 각인과 1661년 암스테르담으로의 초청으로 그곳에서 살아남았지만 지금은 거의 구별할 수 없는 새로운 시청을 위한 그림을 그렸습니다.

그의 말년의 가장 훌륭하고 가장 종교적인 그림은 마인츠의 서기관들 사이의 예수(1663)이다. 드레스덴의 "성전 입구"와 앤트워프의 빛이 스며드는 "최후의 만찬" 등 색채가 화려합니다.

Jordaens가 위대한 인물 중 가장 위대함에 속하기에는 너무 조야하고 고르지 못하더라도 그럼에도 불구하고 앤트워프 시민 화가이자 시민 화가로서 그는 화가의 왕자이자 왕자의 화가인 루벤스 다음으로 명예로운 자리를 차지합니다. 그러나 바로 그의 독창성 때문에 그는 주목할만한 제자나 추종자를 만들지 않았습니다.

Cornelis de Vos(1585 - 1651)는 플랑드르 미술의 루벤스 이전의 과거를 독립적으로 접한 요르단과 같은 거장으로, 특히 초상화 화가로서 탁월하며 차분하고 관통하는 그림 스타일로 예술 없는 진실과 성실을 위해 노력했습니다. 그의 인물의 눈에 광채와 밝은 색상으로 가득합니다. 편안한 구성의 최고의 가족 초상화 그룹은 브뤼셀 박물관에 속하고 길드 마스터 Grapheus의 가장 강력한 단일 초상화는 앤트워프에 속합니다. 베를린에 있는 부부와 어린 딸들의 이중 초상화도 매우 전형적입니다.

17세기 대부분의 벨기에 화가들이 크든 작든 편차를 가지고 유지했던 이탈리아풍의 순수한 플랑드르 스타일과는 대조적으로, 겔비에가 탐구한 루티히 왈론파는 로마-벨기에 양식을 발전시켰습니다. 프랑스를 따르는 Poussin 추세. 이 학교의 책임자는 뮌헨에서 가장 잘 알려진 독창적이고 고도로 세련된 학자인 Gerard Duffet(1594 - 1660)입니다. Gérard Leresse(1641 - 1711), 그의 제자 Bartolet Flemalle 또는 Flemal(1614 - 1675)의 제자이자 1667년에 이미 암스테르담으로 이주한 Poussin의 느릿느릿한 모방가는 Lüttich에서 네덜란드로 이식된 이 학문적 스타일을 프랑스를 모방했습니다. 그는 신화적 주제의 화가이자 판화 제작자로서 뿐만 아니라 그의 책에서 펜으로도 상당한 영향을 미쳤습니다. 그는 극도의 반동적이었고 무엇보다도 네덜란드 회화의 건전한 국가적 추세가 로마네스크 페어웨이로 바뀌는 데 세기의 전환기에 기여했습니다. 암스테르담의 "Seleucus and Antioch"와 Schwerin, Dresden의 "Parnassus", Louvre의 "Departure of Cleopatra"는 그에 대한 충분한 아이디어를 제공합니다.

마지막으로 Leres는 위대한 벨기에 그림에서 작은 그림으로 우리를 되돌립니다. 그리고 이 후자는 의심할 여지 없이 여전히 풍경이나 건축 배경을 가진 작은 그림에서 과도기의 거장들이 준비한 토양에서 직접 자란 17세기의 성숙한 국화를 경험했지만 전능한 루벤스, 어떤 곳에서는 프랑스와 이탈리아의 새로운 영향, 심지어 플랑드르에 대한 젊은 네덜란드 예술의 영향 덕분입니다.

실제 장르 그림은 이제 이전과 마찬가지로 Flanders에서 첫 번째 역할을했습니다. 동시에 세속적 인 장면이나 소그룹 초상화에서 상류층의 삶을 묘사 한 거장과 선술집, 박람회, 시골 길의 민속 생활 화가 사이에는 다소 날카로운 경계가 눈에 띕니다. 루벤스는 두 속의 예를 만들었습니다. 루벤스의 사랑의 정원 정신에 입각한 세속 화가들은 실크와 벨벳 옷을 입은 신사 숙녀 여러분, 카드 놀이, 잔치, 경쾌한 음악 연주 또는 춤을 묘사합니다. 이 화가들 중 첫 번째 화가는 Christian van der Lamen(1615-1661)으로 마드리드, 고타, 특히 루카의 그림으로 유명합니다. 그의 가장 성공적인 제자는 Jérôme Janssens(1624 - 1693), "댄서"였으며 그의 춤 장면은 Braungschweig에서 볼 수 있습니다. 그의 위에는 카셀, 드레스덴, 런던, 부다페스트, 헤이그에 있는 가족 구성원을 묘사하는 귀족 소그룹 초상화의 거장인 Gonzales Kokvets(1618 - 1684)가 화가로 서 있습니다. 하층 계급의 민중 생활을 가장 많이 그린 플랑드르인은 테니어(Teniers)였다. David Teniers the Elder (1582-1649)와 그의 아들 David Teniers the Younger (1610-1690)는이 예술가들의 대가족에서 두드러집니다. 형은 아마도 루벤스의 제자였을 것이고, 후배 루벤스는 아마도 다정한 충고를 했을 것입니다. 둘 다 풍경과 장르 모두에서 똑같이 강합니다. 그러나 선배의 작품과 후배의 젊은 그림을 모두 분리할 수는 없었다. 의심 할 여지없이 장로는 비엔나 궁정 박물관의 네 가지 신화 풍경을 소유하고 있으며 여전히 "세 가지 차원", "성 베드로의 유혹"을 전송하느라 바쁘다. 베를린의 안토니오', 브라운슈바이크의 '마운틴 캐슬', 뮌헨의 '마운틴 협곡'.

David Teniers the Younger는 Oudenard의 위대한 Adrien Brouwer(1606-1638)의 영향을 받았기 때문에 후자를 우선시합니다. Brouwer는 새로운 경로의 창조자이자 평신도입니다. Bode는 그의 예술과 삶을 철저히 조사했습니다. 여러 면에서 그는 가장 위대한 네덜란드 민중 화가이자 동시에 가장 영감을 받은 벨기에와 네덜란드 풍경화가 중 한 명입니다. 17세기 플랑드르에 대한 네덜란드 회화의 영향은 이미 1623년 이전에 하를렘에 있는 프란스 할스의 제자였던 그와 함께 처음 목격되었습니다. 네덜란드에서 돌아온 그는 앤트워프에 정착했습니다.

동시에 그의 예술은 평범한 사람들의 삶에서 가장 단순한 별칭이 그들의 공연 덕분에 최고의 예술적 가치를 얻을 수 있음을 증명합니다. 네덜란드에서 그는 자연에 대한 인식, 화보 공연, 그 자체로 예술적이라는 즉각적인 인식을 취했습니다. 네덜란드 인으로서 그는 귀중한 유머와 함께 네덜란드 인처럼 삶의 다양한 표현의 순간을 전달하는 데 엄격한 고립을 선언하고 흡연, 싸움, 카드 게임 및 선술집 술자리 장면을 강조합니다.

그가 네덜란드에서 그린 가장 초기의 그림들, 암스테르담에서 농민들의 술자리, 싸움은 그들의 거칠고 시끄러운 성격에서 옛 플랑드르 과도기적 예술의 반응을 드러낸다. 이 시대의 걸작은 이미 앤트워프의 "Card Players"와 프랑크푸르트에 있는 Städel Institute의 선술집 장면입니다. 추가 개발은 뮌헨 Pinakothek의 "Knife"와 "Village Bath"에서 급격히 나타납니다. 모든 세부 사항의 실행은 그림처럼 생각됩니다. 색상의 황금색 chiaroscuro에서 빨간색과 노란색 톤이 여전히 빛납니다. 그 다음에는 마스터의 성숙한 후기 (1633-1636)가 이어지며 더 많은 개별 인물, 더 차가운 색조, 녹색 및 파란색 페인트 로케일이 두드러집니다. 여기에는 그의 18개의 뮌헨 중 12개와 그의 4개의 드레스덴 그림 중 최고가 포함됩니다. Schmidt-Degener는 파리의 개인 소장품에서 여러 그림을 첨부했지만 진위 여부가 항상 정확하게 확립되지는 않았습니다. 앤트워프 주변의 가장 단순한 자연 모티프가 공기와 빛 현상의 따뜻하고 빛나는 전달로 부채질되는 Brouwer의 최고의 풍경도 이 시대에 속합니다. 주인의 이름이 적힌 그림 브뤼셀의 "Dunes"는 타인의 진정성을 증명합니다. 그들은 그의 다른 모든 플랑드르 풍경보다 더 현대적인 느낌을 가지고 있습니다. 그중 최고는 베를린의 달빛과 목가적인 풍경, 브리지워터 갤러리의 붉은 지붕 사구 풍경, 런던의 루벤스가 그린 강렬한 일몰 풍경입니다.

큰 크기의 주인의 지난 2 년 동안의 풍속화는 일반 회색 톤보다 가볍고 음영 처리 된 글씨와 지역 색상의 명확한 종속을 선호합니다. 노래하는 농부, 주사위를 던지는 군인, 뮌헨 피나코텍의 술집에 있는 주인 부부는 스타델 연구소와 루브르 박물관 "흡연자"의 작업을 묘사하는 강력한 그림과 함께 합니다. Brouwer의 독창적인 예술은 항상 모든 학문적 관습과 정반대입니다.

귀족 세계에서 가장 좋아하는 장르 화가 David Teniers the Younger는 1651 년 궁정 화가이자 앤트워프에서 브뤼셀까지 Leopold Wilhelm 대공의 갤러리 디렉터가 초대하여 노년기에 사망했으며 Brouwer와 비교할 수 없습니다. 유머의 감정적 경험에서 삶의 전이의 즉각성, 그러나 그것이 이해되는 민속 생활의 외부 세련미와 도시 양식화로 그를 능가하는 이유입니다. 그는 마을 사람들과의 관계에서 귀족 복장을 한 마을 사람들을 묘사하는 것을 좋아했고, 때때로 귀족의 삶에서 세속적인 장면을 그렸고, 심지어 그의 풍속화 스타일로 정교하게 장식된 방 안에서 또는 진실하게 관찰된 가운데 종교적인 에피소드를 전달하기도 했습니다. 그러나 장식적인 풍경. 세인트의 유혹 Anthony (드레스덴, 베를린, 상트 페테르부르크, 파리, 마드리드, 브뤼셀)는 그가 가장 좋아하는 주제에 속합니다. 그는 또한 한 번 이상 Peter의 이미지를 배경으로 던전을 그렸습니다 (Dresden, Berlin). 그의 장르 그림 스타일의 신화 주제 중 베를린의 "Neptune and Amphitrite", 브뤼셀의 우화 그림 "Five Senses", 시적 작품-마드리드의 "해방 된 예루살렘"의 12 개의 그림을 명명합니다. 연금술사를 대표하는 그의 그림(드레스덴, 베를린, 마드리드)도 상류사회 장르로 분류할 수 있다. 마드리드에 50개, 상트페테르부르크에 40개, 파리에 30개, 뮌헨에 28개, 드레스덴에 24개 등 대부분의 그의 그림은 여가 시간에 즐기는 마을 사람들의 환경을 묘사합니다. 그는 파티, 선술집 또는 거리에서 잔치, 음주, 춤, 흡연, 카드 놀이 또는 주사위 놀이를 묘사합니다. 그의 가볍고 자유로운 형태의 자연스러운 언어, 휩쓸고 동시에 부드러운 글쓰기는 색상의 변화만을 경험했습니다. 1641년 드레스덴에서 작곡한 "어두운 빛의 신전 만찬"의 음색은 무겁지만 깊고 차갑습니다. 그런 다음 그는 초기의 갈색 톤으로 돌아가서 1642년 상트페테르부르크의 던전, 1643년 뮌헨의 "길드 비어 하우스", 루브르 박물관의 1644는 뮌헨의 1645년의 "Dance", 드레스덴의 1646년의 "Dice Players"와 같이 더 밝게 타오르다가 뮌헨의 1650년의 "Smokers" 쇼처럼 점차 회색으로 변하고 마침내 1651년 뮌헨의 "Peasant Wedding"에서 세련된 은색 톤으로 변하고 버킹엄 궁전의 1657년 "Guard"와 같이 Teniers의 50년대 그림을 구별하는 점점 더 가볍고 유동적인 글씨가 동반됩니다. 마침내 1660년 이후 그의 브러시는 자신감이 떨어지고 색상은 다시 갈색이고 건조하며 흐려집니다. 뮌헨은 연금술사를 나타내는 그림을 소유하고 있는데, 1680년에 제작된 노인의 그림의 특징이 있습니다.

Brouwer의 학생들 중에는 Joos van Kreesbeek (1606-1654)가 눈에 띄는데, 그의 그림에서 싸움은 때때로 비극적으로 끝납니다. Gillis van Tilborch(약 1625-1678)는 Kokves 스타일로 가족 그룹 초상화를 그렸던 Teniers the Younger의 학생들로부터 알려져 있습니다. 그들과 함께 Rikavert 화가 가족의 구성원이 있는데, 그중 특히 David Rikaert III (1612 - 1661)는 어느 정도 독립의 폭을 넓혔습니다.

국가 플랑드르 작은 그림 옆에는 동등하지는 않지만 동시에 이탈리아 화 추세가 있으며, 그 추세는 일시적으로 이탈리아에서 일하고 모든 표현에서 이탈리아 생활을 묘사했습니다. 그러나 라파엘이나 미켈란젤로에 의해 끌려간 로마에 있는 네덜란드 "공동체"의 구성원 중 가장 큰 구성원은 아래에서 다시 살펴볼 네덜란드인이었습니다. Gaarlem의 Pieter Van Laer(1582 - 1642)는 Cherkvozzi 유형의 이탈리아인과 Jan Mils 유형의 벨기에인(1599 - 1668) 모두에게 동등하게 영향을 준 이러한 경향의 진정한 창시자입니다. 덜 독립적 인 사람은 로마 유적을 다채로운 삶으로 채운 Anton Goubau (1616-1698)와 이탈리아 말 박람회, 기병 전투 및 캠프 장면을 선호했던 Standardaard (1657-1720)라는 별명을 가진 Peter Van Blemen입니다. 이탈리아의 민속 생활은 이 대가들의 시대 이후로 매년 북부 화가들의 군중을 끌어들이는 지역으로 남아 있습니다.

반대로 풍경화는 학생 Peter Snyers (1592-1667)가 앤트워프에서 브뤼셀로 이주한 Sebastian Vranks와 인접하여 전투 및 강도 주제와 함께 국가 플랑드르 정신으로 발전했습니다. 드레스덴과 같은 Sniers의 초기 그림은 그를 매우 그림 같은 트랙에 보여줍니다. 나중에 합스부르크 왕가의 전투 화가로서 그는 브뤼셀, 비엔나, 마드리드에서 그의 큰 그림이 보여주듯 회화적 충실도보다 지형적, 전략적 충실도를 강조했습니다. 그의 최고의 학생은 루이 14세의 전투 화가이자 파리 아카데미의 교수인 Adam Frans Van der Meulen(1631-1690)으로, Snyers의 스타일을 파리에 이식하여 공중 및 조명 원근법으로 세련되게 만들었습니다. 베르사유 궁전과 파리의 앵발리드 호텔에서 그는 자신감 있는 형태와 그림 같은 풍경의 인상이 흠잡을 데 없는 일련의 벽화를 그렸습니다. 드레스덴, 비엔나, 마드리드, 브뤼셀에서 캠페인, 도시 포위 공격, 캠프, 대왕의 승리의 입장이있는 그의 그림은 밝은 그림의 미묘한 지각으로도 유명합니다. 이 새로운 네덜란드 전투 그림은 제노아에 정착한 Cornelis de Wael(1592-1662)에 의해 이탈리아로 옮겨졌으며, 여기에서 더 완벽한 붓과 따뜻한 색상을 얻은 그는 곧 이탈리아 민속 생활을 묘사하기 시작했습니다.

이 책의 저자가 The History of Painting (그 자신과 Woltmann의 것)에서 더 자세히 설명하는 벨기에 풍경화에서 원본, 네이티브, 남부 영향 경향에 약간만 영향을 받은 것과 의사 고전적인 것을 아주 명확하게 구별할 수 있습니다. 이탈리아의 Poussin에 인접한 경향. 국립 벨기에 풍경화는 네덜란드와 비교하여 다소 외부 장식의 특징 인 Rubens와 Brouwer를 제외하고 유지되었습니다. 이 기능으로 그녀는 다른 어느 곳에서도 볼 수 없을 정도로 풍부한 장식 그림 시리즈로 궁전과 교회 장식에 나타났습니다. Antwerpian Paul Bril은 이런 종류의 그림을 로마에 주입했습니다. 나중에 프랑스 화 된 벨기에 인 Francois Millet과 Philippe de Champagne는 풍경화로 파리 교회를 장식했습니다. 이 책의 저자는 1890년에 교회 풍경에 대한 별도의 기사를 썼습니다.

앤트워프 거장들 중에서 먼저 Caspar de Witte(1624 - 1681)를 가리킨 다음 Peter Spirincks(1635 - 1711)를 가리켜야 합니다. 앤트워프의 교회, 특히 Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), Duguet를 강력하게 연상시키는 성공의 푸른 산 거리의 선명도를 위해 "Horizonte"라는 별명을 얻었지만 거칠고 차가운 그림.

이 시기의 국가 벨기에 풍경화는 주로 브뤼셀에서 번성했습니다. 그 조상은 Denis Van Alsloot(약 1570-1626)였는데, 그는 과도기적 스타일을 기반으로 그의 반 시골, 반 도시 그림에서 큰 힘, 견고함 및 그림의 선명도를 발전시켰습니다. Jacques d' Artois의 영향을받은 그의 위대한 제자 Lucas Achtschellingx (1626-1699)는 넓고 자유롭고 다소 넓은 방식으로 무성한 짙은 녹색 나무와 푸른 언덕이있는 성서적 풍경으로 벨기에 교회 장식에 참여했습니다. 거의 알려지지 않은 Jan Mertens의 학생 인 최고의 브뤼셀 풍경화가 인 Jacques d' Artois (1613-1683)도 교회와 수도원을 큰 풍경으로 장식했으며 그 성서적 장면은 그의 친구이자 역사 화가가 그렸습니다. 성 베드로 예배당의 그의 풍경 이 책의 저자는 이 교회의 성구실에서 브뤼셀 대성당의 부인들을 보았다. 어쨌든 교회 풍경화는 비엔나 궁정 박물관과 리히텐슈타인 갤러리에 있는 그의 큰 그림이기도 했습니다. 거대한 푸른 나무, 노란 모래 길, 푸른 언덕 거리, 밝은 강과 연못이 있는 브뤼셀 주변의 울창한 숲의 자연을 나타내는 그의 작은 방 그림으로 마드리드와 브뤼셀을 가장 잘 알 수 있으며 드레스덴에서도 완벽하게 알 수 있습니다. , 뮌헨 및 다름슈타트. 황금빛 노란색 조명면이 특징 인 구름이있는 맑은 공기와 함께 깊고 밝은 색상으로 포화 된 고급스러운 폐쇄 구성으로 완벽하게 일반을 전달하지만 여전히 해당 지역의 일반적인 특성 만 전달합니다. 황금색, 더 따뜻하고 더 장식적이며 원하는 경우 d' Artois, 그의 최고의 학생 Cornelis Huysmans (1648-1727)보다 베네치아 색상이 더 많습니다. 최고의 교회 풍경은 Mecheln에있는 St. Wives 교회의 "Christ at Emmaus"입니다. .

해변 도시 앤트워프에는 선착장도 자연스럽게 발달했다. 17세기의 자유와 자연스러움에 대한 열망은 Andries Aartvelt 또는 Van Ertvelt(1590 - 1652), Buonaventura Peters(1614 - 1652) 및 Hendrik Mindergout(1632 - 1696)의 해안 및 해상 전투를 나타내는 그림에서 실현되었습니다. 그러나 같은 업계에서 최고의 네덜란드 장인을 따라잡을 수는 없습니다.

고딕 양식의 교회 내부를 기꺼이 묘사한 건축 회화에서 거친 과도기 양식을 거의 넘지 못한 Peter Neefs the Younger (1620-1675)와 같은 플랑드르 거장들도 네덜란드의 내부적이고 밝은 그림 같은 매력이 부족했습니다. 교회의 이미지.

벨기에인들은 동물, 과일, 죽은 자연, 꽃의 이미지에 대담함과 밝음을 더했습니다. 그러나 주방 용품과 과일의 화가인 Jan Fit(1611-1661)조차도 모든 세부 사항을 신중하게 실행하고 장식적으로 병합한 Snyders보다 더 나아가지 않았습니다. 꽃 그림은 또한 장로 Jan Brueghel보다 더 이상 앤트워프에 가지 않았습니다. 이 분야의 Brueghel의 학생 인 Daniel Seghers (1590-1661)조차도 장식 레이아웃의 폭과 고급 스러움에서만 그를 능가했지만 개별 색상의 형태와 무지개 빛깔의 매력을 이해하지 못했습니다. 여하튼 Seghers의 위대한 인물화가의 마돈나에 있는 꽃 화환과 드레스덴의 은색 꽃병과 같은 그의 희귀하고 독립적인 꽃 이미지는 비할 데 없는 실행의 맑고 차가운 빛을 드러냅니다. 17세기의 앤트워프는 네덜란드의 꽃과 과일 그림의 주요 장소이지만, 이것은 지역 거장들에게 빚진 것이 아니라 앤트워프로 이주하여 자신의 Leiden에서 태어난 아들 Cornelis de Gay(1631 - 1695), 나중에 앤트워프 마스터. 그러나 세부 마무리에 대한 무한한 사랑과 그림의 힘으로 구별되는 꽃과 과일의 모든 화가 중 가장 위대한 이들은 벨기에 유형이 아닌 네덜란드의 거장처럼 이러한 세부 사항을 내부적으로 병합 할 수 있습니다.

우리는 플랑드르 회화와 네덜란드, 이탈리아, 프랑스 예술 사이에 중요한 연관성이 있음을 보았습니다. Flemings는 네덜란드 인의 직접적이고 친밀한 인식, 프랑스 인의 한심한 우아함, 이탈리아 인의 형태와 색상의 장식적인 사치를 감상 할 수 있었지만 탈북자와 고립 된 현상을 제외하고는 항상 4 분의 1에 불과했습니다. 그들의 예술에서 그들 자신, 다른 분기에 그들은 내부적으로는 로마자화되었고 외부적으로는 게르만 네덜란드인이었습니다. 그들은 자연과 삶을 강하고 성급한 열정으로 그리고 장식적인 의미에서 분위기를 가지고 파악하고 재현할 수 있었습니다.