입센. 창의성의 단계
* 이 저작물은 과학적 저작물이 아니며 최종 자격을 갖춘 저작물이 아니며 수집된 정보를 처리, 구조화 및 형식화한 결과이며 교육 작업의 자체 준비를 위한 자료 소스로 사용됩니다.
주제에 대한 문헌 요약:
하인리히 입센
10-B 학생
중학교 19호
키셀레바 드미트리
세바스토폴
Ibsen의 작업은 문자 그대로의 의미에서 수세기를 연결합니다. 그녀의
기원 - 결말, 혁명 이전 XVIII 세기, Schiller 's
폭정과 Rousseauist는 자연과 평범한 사람들에게 호소합니다. ㅏ
성숙하고 늦은 Ibsen의 드라마, 그의 모든 깊은 관계
현대 생활은 또한 20세기 예술의 본질적인 특징을 설명합니다.
그것의 응축성, 실험성, 다층성.
외국 연구자 중 한 사람에 따르면 20세기 시의 경우,
특히 매우 특징적인 것은 톱의 모티프입니다. 그라인딩과 날카로운 이빨이 있습니다. 그의 미완성 회고록에서 Ibsen은 어린 시절을 묘사하면서 제재소의 끊임없는 비명 소리가 그에게 가해 졌다는 인상을 강조합니다. 그 중 수백 명은 그의 고향 인 Skien에서 아침부터 저녁까지 일했습니다. Ibsen은 "나중에 단두대에 대해 읽었을 때 항상 이 제재소를 생각했습니다."라고 썼습니다. 그리고 그 고조된 불협화음은
입센차일드를 보여주었고, 이후에 그가 본 것에 영향을 미쳤고
다른 사람들이 본 곳에서 불협화음을 외치는 그의 작품에 포착
온전함과 조화.
동시에 Ibsen의 부조화 묘사는 결코 부조화가 아닙니다.
그의 작품에서 세상은 별개의, 무관한 조각들로 흩어지지 않는다.
Ibsen의 드라마 형식은 엄격하고 명확하며 수집됩니다. 세상의 불협화음
구성과 색채가 통일된 극에서 드러난다. 나쁜
삶의 조직은 훌륭하게 조직된 작품으로 표현됩니다.
Ibsen은 이미 복잡한 자료를 구성하는 마스터임을 보여주었습니다.
청년. 이상하게도 그의 고향에서 Ibsen은 원래
극작가가 아니라 모든 노르웨이 작가 중 첫 번째로 인정
휴일, 연극 프롤로그 등 Young Ibsen은
시, 진정한 감성을 지닌 명료한 생각의 전개,
이미지 체인을 사용하여 그 당시에는 대체로 고정 관념이 있었지만
시의 맥락에서 충분히 업데이트되었습니다.
G. Brandes가 스칸디나비아 작가들에게 "
문제의 논의" 19세기 말 입센은 종종 감독으로 불렸다.
문제. 그러나 입센의 작품에서 "문제적" 예술의 뿌리는 매우
깊은! 생각의 움직임은 항상 그것의 구성에 매우 중요했습니다.
내면 세계의 발전에서 그의 연극에서 유기적으로 성장하는 작품
문자. 그리고 이 기능은 또한 세계의 중요한 트렌드를 예상했습니다.
20세기 드라마투르기.
부유한 사업가인 아버지는 헨리크가 8살 때 파산했고,
소년은 열여섯 살이 되기 전에 아주 일찍 시작해야 했습니다.
독립적인 삶. 그는 Grimstad에서 약제사 견습생이 됩니다.
Skien보다 더 작은 마을에서 6년 이상 거주
매우 어려운 조건. 이미 이때 Ibsen은 날카로운
현대 사회에 대한 비판적이고 항의적인 태도, 특히
유럽의 혁명적 사건의 영향으로 1848년에 악화되었습니다. 안에
Grimstad Ibsen은 그의 첫 시와 첫 희곡 "Katilina"를 씁니다.
1850년 4월 28일 입센은 국가의 수도로 이동
Christiania에서 대학 입학 시험을 준비하고
사회 정치 및 문학 생활에 적극적으로 참여합니다.
그는 많은 시와 기사, 특히 저널리즘 기사를 씁니다. 안에
패러디, 기괴한 작품 "Norma, or Politician's Love"(1851) 입센
당시 노르웨이 야당의 냉담함과 비겁함을 폭로합니다.
의회의 정당 - 농민 운동의 자유 주의자 및 지도자. 그
당시 노르웨이에서 급속히 발전하고 있던 노동운동에 더 가까이 다가간다.
Marcus Trane의 지도력하에 있었지만 곧 경찰 조치에 압도당했습니다. 26
1850년 9월, 첫 연극의 초연이 기독교 극장에서 열렸습니다.
경사로의 빛을 본 Ibsen- "Bogatyrsky Kurgan".
Ibsen의 이름은 문학과 연극에서 점차 알려지고 있습니다.
원. 1851년 가을부터 입센은 다시 전업 극작가가 되었다.
부유한 상업 도시 베르겐에 설립된 극장 - 최초의 극장
국가 노르웨이 예술을 발전시키기 위해 노력합니다. 베르겐 입센에서
1857년까지 머물렀다가 크리스티아니아로 돌아와
국장 겸 국장
노르웨이 연극. 그러나 현재 Ibsen의 재무 상태는 그대로 유지됩니다.
아주 나쁜. 특히 60년대가 되면 통증이 심해지고,
Christian Norwegian 극장의 상황이 나빠질 때.
B. Bjornson의 이타적인 도움 덕분에 가장 큰 어려움을 겪었습니다.
Ibsen은 1864년 봄에 Christiania를 떠나 이탈리아로 갑니다.
이 모든 기간 동안 Christiania와 Bergen에서 Ibsen의 작업은
노르웨이 국민 로맨스의 표식 아래 서 있습니다.
수세기에 걸친 덴마크의 예속 이후에 열망했던 국가의 영적 삶
노르웨이 국민의 국가 정체성을 주장하고 국가를 만들기 위해
노르웨이 문화. 노르웨이 민속에 대한 호소가 주요
40년대 말부터 이어지고 강화된 국민로맨스 프로그램
지난 수십 년 동안 노르웨이 작가들의 애국적인 열망.
당시 강제 연합에 있던 노르웨이 사람들을 위해
스웨덴, 국가 로맨스는 투쟁의 한 형태였습니다.
독립. 국가의 가장 큰 의미는 당연하다.
로맨스는 국가의 담지자였던 사회계층을 가지고 있었다.
노르웨이의 정체성과 정치적 부흥의 기초 - 농민,
기본적인 생활 방식과 방언을 유지하면서
노르웨이의 도시 인구는 덴마크 문화와 덴마크 문화를 완전히 받아들였습니다.
동시에 농민을 지향하는 국가적 로맨스
종종 그녀의 비율 감각을 잃었습니다. 극한의 농민 생활
이상화되고 짧은 서사시로 바뀌었고 민속 모티프는 해석되지 않았습니다.
사실, 때로는 매우 무례한 형태로, 그러나 얼마나 극단적으로
숭고하고 전통적으로 낭만적입니다.
국가 로맨스의 이러한 이중성은 Ibsen이 느꼈습니다. 이미
현대 생활에서 최초의 국민 낭만 연극("한여름 밤",
1852) Ibsen은 노르웨이 민속학에 대한 고상한 인식을 비웃습니다.
국가 로맨스의 특징 : 극의 주인공은 요정이
노르웨이 민속 - 그가 사랑에 빠진 Huldra는 소를 가지고 있습니다.
거짓된 낭만적인 기쁨을 피하고 더 많은 것을 찾기 위한 노력으로
Ibsen은 자신의 작업에 대한 환상적 지원이 아닌 확고한
노르웨이의 역사적 과거, 그리고 50년대 후반에 시작됩니다.
인색하고 명확한 방식으로 고대 아이슬란드 사가의 스타일을 재현합니다.
프레젠테이션. 이 경로에서 그의 연극 중 두 가지가 특히 중요합니다.
고대 사가의 소재인 드라마 "헬겔란트의 전사들"(1857)과
민속 역사 드라마 "왕위 투쟁"(1803). 시의 연극에서
"사랑의 코미디"(1862) Ibsen은 숭고한 전체 시스템을 인색하게 조롱합니다.
냉정한 실천의 세계가 이미 더 수용 가능하다는 점을 고려할 때 낭만적인 환상이 아니라
울리는 문구로 장식되어 있습니다. 그러나 여기서도 앞서와 마찬가지로
그럼에도 불구하고 Ibsen은 특정 "3 차원"을 설명합니다.
감정, 인간 영혼의 깊은 경험, 아직 지워지지 않고
디스플레이.
50년대 후반과 60년대 초반에 심화되면서 Ibsen의 실망은
국가 로맨스는 또한 노르웨이에 대한 그의 실망과 관련이 있습니다.
보수 정부에 반대하는 정치세력. 입센
모든 정치 활동에 대한 불신이 점차 발전하고,
회의론이 생기고 때로는 미학으로 발전하여 욕망으로 발전합니다.
실생활을 물질적, 예술의 기회로만 생각하라
효과. 그러나 Ibsen은 영적 공허함을 즉시 드러냅니다.
그것은 미학의 위치로의 전환을 가져옵니다. 첫 번째 표현
짧은 시에서 개인주의와 심미주의와의 분리를 발견합니다.
"On the Heights"(1859), "브랜드"를 기대합니다.
어린 입센의 모든 문제를 완전히 구분합니다.
"Brand"(1865)에서 두 개의 대규모 철학적 상징 드라마에서
그리고 "Peer Gynt"(1867)에서 이미 이탈리아에서 작성되었으며 1864 년에 이사했습니다.
년도. 노르웨이 이외의 이탈리아와 독일에서 Ibsen은
1891년까지 25년 동안 고국을 방문한 것은 이 기간 동안 단 두 번뿐이었습니다.
"Brand"와 "Peer Gynt"는 모두 그 형태가 특이합니다. 그것은 일종의
각색된 시("브랜드"는 원래 시로 생각되었으며,
여러 곡이 작곡되었습니다). 부피로 따지면 훨씬 크다.
일반 크기 조각. 그들은 생동감 있고 개인화 된 외모를
일반화되고 강조된 문자: 예를 들어 "브랜드"에서만
일부 캐릭터에는 개인 이름이 부여되고 다른 캐릭터는 아래에 나타납니다.
이름: 보그트, 의사 등 일반화 및 문제의 깊이
"Brand" 및 "Peer Gynt", 특정 현상에 대한 모든 호소
괴테의 파우스트와 극작술에 가장 가까운 노르웨이 현실
"Brand"와 "Peer Gynt"의 주요 문제는 인간의 운명입니다.
현대 사회의 성격. 하지만 이 연극의 중심 인물들은
정반대. 제1극의 주인공 브랜드 신부는 남자다.
놀라운 온전함과 힘. 두 번째 극의 주인공, 농부 소년 페르
Gynt, - 인간의 영적 약점의 화신, - 진리, 화신,
거대한 비율로 가져 왔습니다.
브랜드는 피해자 앞에서 후퇴하지 않으며,
타협하고 자신이나 사랑하는 사람을 아끼지 않고 자신이 원하는 것을 성취합니다.
그것을 자신의 사명으로 여긴다. 불 같은 말로 반심, 영적
현대인의 나약함. 그는 낙인을 찍는 사람들뿐만 아니라
극중에서는 직접 반대하지만 모든 사회 제도
현대 사회 - 특히 국가. 하지만 그가 성공하더라도
먼 곳에서 가난한 농민과 어부들에게 새로운 정신을 불어 넣으십시오.
북쪽, 황무지, 버려진 땅, 빛나는 산으로 인도하라
봉우리, 그 끝은 비극적입니다. 뚜렷한 목표가 보이지 않는
고통스러운 방법으로 Brand의 추종자들은 그를 떠나고 유혹에 빠집니다.
Vogt의 교활한 연설로 그들은 계곡으로 돌아갑니다. 그리고 Brand 자신은 폭격을 받고 죽습니다.
산사태. 잔인함과 무지로 사들인 인간의 온전함
자비도 이런 식으로 연극의 논리에 따라 비난을 받았습니다.
"브랜드"의 주된 감정적 요소는 파토스, 분노 및
냉소가 섞인 분노. "Peer Gynt"에서는 여러 가지 깊이 있는
서정적 장면, 풍자가 우세합니다.
"Peer Gynt"는 국가에서 Ibsen의 최종 분리입니다.
로맨스. 낭만적 이상화에 대한 입센의 거부는 여기에 이른다.
그것의 정점. 농민들은 "Peer Gynt"에서 무례하고 사악하고 탐욕스러운 것으로 나타납니다.
타인의 불행에 무자비한 사람들. 그리고 노르웨이의 환상적인 이미지
민속은 연극에서 추악하고 더럽고 사악한 생물로 밝혀졌습니다.
사실, "Peer Gynt"에는 노르웨이어뿐만 아니라 글로벌도 있습니다.
현실. 거대한 규모의 전체 4 막은 방랑에 할애됩니다.
노르웨이에서 멀리 떨어진 페라. 그러나 가장 광범위하고 범 유럽적인
결코 노르웨이어 소리만이 "Per Gynt"를 이미 제공합니다.
우리가 강조한 중심 문제는 근대의 비인격성의 문제이다.
인간, XIX 세기의 부르주아 사회와 매우 관련이 있습니다. 당
Gynt는 자신이 처한 모든 조건에 적응하는 방법을 알고 있습니다.
내부 피벗이 없습니다. Per의 냉정함은 특히 주목할 만하다.
그 자신이 자신을 특별하고 독특한 사람이라고 생각한다는 사실에 의해
놀라운 업적이며 가능한 모든 방법으로 자신의 Gyntian "I"를 강조합니다. 하지만 이것은
그의 특별함은 그의 말과 꿈, 그리고 그의 행동에서만 나타난다.
항상 상황에 굴복합니다. 평생 동안 그는 항상
진정한 인간의 원칙이 아닌 자신이 되십시오.
트롤 원칙 -자신을 즐기십시오.
그러나 아마도 Ibsen 자신과 그의 연극에서 가장 중요한 것은
스칸디나비아 동시대인들은 모든 것을 무자비하게 노출시켰습니다.
국가 로맨스에 신성하게 보였습니다. 노르웨이와 덴마크의 많은 "Per
Gynt'는 시의 경계를 넘어선 작품으로 인식되었고, 무례하고
불공정. 한스 크리스티안 안데르센은 그것을 사상 최악이라고 불렀습니다.
그들이 읽는 책. E. Grieg는 매우 꺼려합니다.
수수료 때문에 그는 연극과 여러 곡을 쓰기로 동의했습니다.
그의 약속 이행을 몇 년 동안 연기하십시오. 게다가, 그 멋진
연극의 세계적 성공을 크게 결정한 모음곡으로 그는 크게 강화했습니다.
"페르귄트"의 로맨틱한 사운드. 연극 자체에 대해서는
진실하고 최고의 서정성이 그 안에 존재하는 것이 매우 중요합니다
조건이 없는 장면에서만
국가 낭만적 인 반짝임과 순전히 인간으로 밝혀졌습니다.
시작 - 일반과 관련된 인간 영혼의 가장 깊은 경험
그것과 현저한 대조를 이루는 연극의 배경. 우선 장면들
Solveig의 이미지, Åse의 죽음의 장면과 관련된
세계 드라마의 감동적인 에피소드.
"Per Gynt"가 그리그의 음악과 결합된 것은 바로 이러한 장면이었습니다.
노르웨이 로망스의 전형으로 전 세계에서 공연되지만, 연극 자체는
이미 강조했듯이 점수를 완전히 정산하기 위해 작성되었습니다.
로맨스로 제거하십시오. Ibsen은 이 목표를 달성했습니다. "당
Gynt" 그는 낭만적 인 경향에서 완전히 벗어났습니다. 외부 표현
이것은 운문에서 산문으로 극작술에서 그의 마지막 전환에 의해 제공됩니다.
고국에서 멀리 떨어진 곳에 사는 Ibsen은 노르웨이의 진화를 면밀히 따르고 있습니다.
경제에서 최근 몇 년 동안 급속도로 발전하고 있던 현실,
정치적으로나 문화적으로, 그리고 그의 연극에서 많은 사람들을 만납니다.
노르웨이 생활의 시급한 문제. 이 방향으로의 첫 번째 단계는
예리한 코미디 "Union of Youth"(1869), 그러나
여러 측면에서 예술적 구조는 전통적인 체계를 재현합니다.
코미디 음모. 동시대를 주제로 한 정통 입세니안 드라마
특별하고 혁신적인 시학을 지닌 삶은 70년대 후반에야 탄생했습니다.
하지만 그 전에 '청춘의 연합'과 '기둥' 사이의 시기에
사회"(1877)에서 Ibsen의 관심은 광범위한 세계 문제와
인류 역사 발전의 일반 법칙. 원인이 되었다
위대한 역사적 사건이 풍부한 60 년대의 전체 분위기,
1870~1871년 프랑스-프로이센 전쟁으로 끝난
파리 코뮌. Ibsen에게는 결정적인
기존 사회가 멸망할 운명에 처해 있다는 역사적 전환점과
새롭고 더 자유로운 형태의 역사적 기록으로 대체
존재. 임박한 재앙의 느낌, 끔찍하고 함께
그래서 원하는, 일부시에서 표현을 받았습니다 (특히
시 "혁명적 연사 인 내 친구에게")뿐만 아니라 광범위한
"세계사 드라마" "카이사르와 갈릴리"(1873). 이 이중학에서
포기한 로마 황제 배교자 줄리안의 운명을 묘사합니다.
기독교와 고대 세계의 고대 신으로 돌아가려는 시도.
드라마의 주요 아이디어 : 이미 지나간 무대로의 복귀 불가능
인류의 역사적 발전과 동시에
과거와 현재를 더 높은 곳에서 합성하는 것
사회 시스템. 플레이 측면에서 합성이 필요합니다.
육체의 고대 왕국과 영의 기독교 왕국.
그러나 Ibsen의 열망은 이루어지지 않았습니다. 부르주아 사회의 붕괴 대신에
비교적 평화로운 개발의 오랜 기간과 외부
성공. 그리고 입센은 역사철학의 일반적인 문제들에서 출발하여,
현대 사회의 일상 생활의 문제로 돌아갑니다.
그러나 이러한 외형에 연연하지 않는 법을 이미 일찍부터 배웠기 때문에
인간의 존재가 흐르고 울리는 문구를 믿지 않기 위해
현실을 꾸미는 Ibsen은 새로운
번영하는 사회의 역사적 무대에는 고통이 있고,
추악한 현상, 심각한 내부 결함.
처음으로 Ibsen은 Brandeis에 대한 연설에서 이것을 공식화합니다.
시 "구절의 편지"(1875). 현대 세계는 여기에서 다음과 같이 표현됩니다.
잘 갖추어지고 편안한 기선, 승객 및
완전한 웰빙의 모습에도 불구하고 그의 명령은
불안과 두려움 - 시체가 배 안에 숨어있는 것 같습니다.
선원의 신념에 따르면 배의 난파선의 불가피성을 의미합니다.
그런 다음 세계로서의 현대 현실의 개념,
외관과 내면 사이의 급진적 단절이 특징입니다.
본질은 Ibsen의 극작술에 결정적입니다.
그의 연극과 그들의 구성을 위해. Ibsen의 기본 원리
드라마투르기는 분석적 구성으로 밝혀졌다.
행동이란 어떤 비밀을 점진적으로 발견하는 것을 의미합니다.
내부 문제와 비극을 공개하고 완전히 숨어 있습니다.
묘사된 현실의 번영하는 외피.
분석 구성의 형태는 매우 다를 수 있습니다. 예, 안으로
비겁함과 이기심을 드러내는 "인민의 적"(1882)
현대 사회의 보수·진보 세력은
무대에서 직접 연기하는 외부의 역할이 크고,
분석 동기는 단어의 가장 문자 그대로의 의미로 도입됩니다. 즉,
화학 분석. Stockmann 박사는 물 샘플을
리조트 스프링, 그가 자신의 시간에 발견 한 치유력,
그리고 분석은 물에서 가져온 물에 병원성 미생물이 있음을 보여줍니다
무두질 공장의 폐수 특히 Ibsen에게 시사하는 바는 외부적으로 행복한 삶의 숨겨진 치명적인 깊이를 공개하는 것은 주어진 기간 동안 기만적인 외관을 제거할 뿐만 아니라 연대순으로 먼 출처를 발견함으로써 달성되는 분석의 형태입니다. 숨겨진 악의. 현재 행동하는 순간부터 시작하여 Ibsen은이 순간의 선사를 복원하고 무대에서 일어나는 일의 근원에 도달합니다. 진행중인 비극의 전제 조건을 명확히하는 것은 "줄거리의 비밀"을 발견하는 것입니다. 그러나 결코 줄거리의 의미 만 가지고 있지는 않지만 Ibsen의 매우 다른 연극에서 강렬한 드라마의 기초를 형성합니다. , 예를 들어 "인형의 집"(1879), "유령"(1881), "Rosmersholm"(1886). 물론 이러한 연극에서는 마치 관객 앞에서 일어나는 것처럼 연극의 시간이 정해진 순간과 동기화되는 행동도 중요합니다. 그리고 극적인 긴장을 조성하는 측면에서 그들에게 가장 중요한 것은 기존 현실의 근원을 점진적으로 발견하여 과거로 깊어지는 것입니다. 작가 입센의 특별한 힘은 전체 색채의 온전함과 개별 디테일의 최대한의 표현력으로 외부와 내부의 행동이 유기적으로 결합하는 데 있습니다.
따라서 "인형의 집"에서 분석 구조의 요소는 매우 강합니다. 그들은 언뜻보기에는 매우 행복하지만 전체 연극을 구성하는 거짓말과 이기심을 기반으로하는 변호사 Helmer의 가족 생활의 내적 본질에 대한 이해로 구성됩니다. 또한 본성을 드러낸다.
이기적이고 겁쟁이로 밝혀진 Helmer 자신과 처음에는 경박 한 생물로 나타나고 그녀의 운명에 완전히 만족했지만 실제로는 희생 할 수 있고 기꺼이 할 수있는 강한 사람으로 밝혀진 그의 아내 Nora 독립적으로 생각하십시오. 연극의 분석적 구조에
또한 행동 배치의 중요한 원동력으로 선사 시대의 광범위한 사용, 음모 비밀의 공개를 포함합니다. 점차적으로 Nora는 대금업자 Krogstad로부터 남편의 치료에 필요한 돈을 빌리기 위해 아버지의 서명을 위조했습니다. 동시에 연극의 외부 행동도 매우 강렬하고 긴장된 것으로 밝혀졌습니다. Nora의 노출 위협 증가, Helmer가 사서함에서 Krogstad의 편지를 읽는 순간을 지연시키려는 Nora의 시도 등입니다.
그리고 "Ghosts"에는 끊임없는 비를 배경으로
닥친 삶의 진정한 본질에 대한 점진적인 해명
부유한 시종의 미망인인 알비그와 그녀의 아들이
아프고 그의 질병의 진정한 원인이 드러납니다. 모든 것이 더 명확합니다.
타락하고 취한 사람인 고인이 된 체임벌린의 모습이 나타납니다.
그의 죄-그의 생애 동안과 그의 죽음 이후-Alving 부인은 시도했습니다.
추문을 피하고 오스왈드가 그의 아버지가 어떤 사람인지 알지 못하도록 숨는 것.
임박한 파국의 커져가는 감각은 불에서 절정에 이릅니다.
Alving 부인이 기념하기 위해 지은 고아원
남편의 존재하지 않는 미덕과 불치병에
오스왈드. 따라서 여기에서도 플롯의 외부 및 내부 개발
유기적으로 상호 작용하고 매우 노련한
일반 색상.
이 시기에 입센의 드라마투르기에서 특히 중요한 것은 내면이다.
캐릭터 개발. '청춘의 연합'에서도 세상과 연기의 사고방식
실제로 얼굴은 연극 내내 변하지 않았습니다. 사이
사회의 기둥으로 시작하는 입센 드라마의 주제
캐릭터는 일반적으로 발생하는 이벤트의 영향으로 달라집니다.
장면, 그리고 "과거 들여다보기"의 결과. 그리고 이러한 변화는 그들의
내면 세계는 종종 전체 줄거리에서 거의 주요한 것으로 밝혀졌습니다.
개발. 터프한 사업가에서 남자로 거듭난 Bernic 영사의 진화,
자신의 죄를 깨닫고 회개하기로 결심한 사람이 가장 중요합니다.
"사회의 기둥" 노라의 가족에 대한 마지막 실망의 결과
삶, 새로운 존재가 되기 위해 새로운 존재를 시작할 필요성에 대한 그녀의 인식
본격적인 사람 - 이것은 "Puppet"에서 행동의 발전으로 이어지는 것입니다.
집". 그리고 플롯을 결정하는 것은 Nora의 내부 성장 과정입니다.
연극의 비난-노라가 남편에게서 떠남. "인민의 적"에서 가장 중요한 역할은
스토크만 박사의 생각이 가는 길 - 하나로부터
다른 사람에 대한 역설적 발견, 훨씬 더 역설적이지만 훨씬 더
사회적 의미에서 일반적이다. "Ghosts"에서는 상황이 다소 복잡합니다.
프루 알빙의 습관적 부르주아적 도덕의 모든 도그마로부터의 내적 해방
플레이가 시작되기 전에 발생했지만 플레이가 진행됨에 따라 Fru Alving이
그녀가 거부한 비극적인 실수에 대한 이해
당신의 새로운 신념에 따라 당신의 삶을 재구성하고
남편의 가짜 얼굴을 모두에게 비겁하게 숨겼습니다.
발전을 위한 영웅들의 영적 삶의 변화의 결정적 중요성
액션은 70년대 후반 입센의 희곡과 그 이후
대화와 독백에 큰 위치(특히 엔딩에서)가 주어집니다.
일반화 된 추론으로 가득 차 있습니다. 그의 연극의 이러한 특징과 관련이 있다.
Ibsen은 과도한 추상화, 부적절한
저자의 아이디어를 너무 직접적으로 드러내는 이론화. 그러나 이와 같은
연극의 이데올로기적 내용의 언어적 실현은 항상 불가분의 관계로 연결되어 있습니다.
연극에 묘사 된 개발 논리와 함께 플롯 구성이있는 Ibsen
현실. 또한 입에 있는 캐릭터가 매우 중요합니다.
상응하는 일반화된 추론이 투자됩니다.
행동 과정 전반에 걸친 추론. 그들의 몫으로 떨어진 경험은
매우 일반적인 질문에 대해 생각하고 작성하고
이러한 문제에 대한 의견을 표명하십시오. 물론 우리가 보는 노라는
우리에게 경솔하고 쾌활해 보이는 첫 번째 행동
"다람쥐"는 너무 명확하게 그 생각을 거의 공식화 할 수 없었습니다.
Helmer와의 설명 중에 5 막에서 그녀가 설정했습니다. 하지만 그게 다야
행동 과정에서 Nora가 이미 첫 번째 막에 있다는 것이 처음으로 분명해졌습니다.
사실, 그것은 달랐습니다. 많은 고통을 겪었고 진지하게 받아들일 수 있었습니다.
여자의 결정. 그리고 연극에 묘사된 사건들이 눈을 떴다.
그녀의 삶의 여러 측면에 대한 파고는 그녀를 더 현명하게 만들었습니다.
또한 뷰 사이에 등호를 넣을 수 없습니다.
Ibsen의 캐릭터와 극작가 자신의 견해. 어느 정도 이
여러 면에서 가장 뛰어난 캐릭터인 Dr. Stockman에게도 적용됩니다.
극도로 뾰족하고 매우 역설적인 형태.
그래서 의식적이고 지적인 원리의 큰 역할은
입센의 드라마투르기에서 줄거리의 구성과 등장인물의 행동은 결코
이 드라마투르기에서 세계에 대한 일반적인 적합성을 감소시킵니다.
표시됩니다. 입센의 영웅은 '아이디어의 대변자'가 아니라 모든 것을 소유한 사람이다.
지능을 포함하여 인간 본성에 내재된 차원
활동욕구. 이 점에서 그는 전형적인
자연주의적 성격과
지성이 통제하는 신낭만 문학
인간 행동이 부분적으로 또는 완전히 비활성화되었습니다. 아니다
직관적 인 행동이 Ibsen의 영웅에게는 완전히 이질적이라는 것을 의미합니다. 그들
일반적으로 계획으로 바뀌지 않습니다. 그러나 그들의 내면 세계는 직관이 아닙니다.
소진되고 행동 할 수 있으며 운명의 타격을 견디는 것이 아닙니다.
그러한 영웅의 존재는 주로 그녀 자신이
역사적 발전의 특성으로 인한 노르웨이의 현실
노르웨이는 그런 사람들이 풍부했습니다. 프리드리히 엥겔스가 1890년에 썼듯이
P. Ernst에게 보낸 편지에서 "노르웨이 농민은 _결코 농노가 아니었고_
이것은 Castile에서와 마찬가지로 전체 개발을 제공합니다.
다른 배경. 노르웨이 소부르주아는 자유 농민의 아들이며,
결과적으로 그는 타락한 사람에 비해 _진짜 남자_입니다.
독일 상인. 그리고 노르웨이 속물은 하늘과 다릅니다.
독일 상인의 아내로부터 땅. 예를 들어,
입센 드라마의 결점
부르주아지이지만 독일과는 완전히 다른 세상, 사람들이 사는 세상
여전히 성격과 주도권을 가지고 독립적으로 행동하지만
때로는 외국인의 개념에 따르면 다소 이상합니다."(K. Marx 및 F. Engels,
Works, vol. 37, pp. 352-353.).
Ibsen은 활동적이고 지능적인 영웅의 프로토타입을 발견했습니다.
그러나 노르웨이에서만이 아닙니다. 이미 60년대 중반부터 Ibsen은 일반적으로
더 넓은 범위에서 직접 노르웨이 문제를 이해했습니다.
글로벌 현실 개발의 필수적인 순간으로 계획하십시오. 안에
특히 70년대와 80년대의 드라마투르기에서 입센의 욕망은
적극적이고 단호한 항의가 가능한 캐릭터로 지원
또한 실현을 위해 싸운 사람들의 당시 세계에서의 존재에 의해
어떤 희생도 멈추지 않고 그들의 이상. 특히 중요한
이와 관련하여 입센은 러시아 혁명 운동의 모범이었으며,
노르웨이 극작가가 존경했던 사람. 그래서 G와의 대화 중 하나에서.
Brandeis, 아마도 1874년에 개최되었을 것입니다. 입센은 자신의
가장 좋아하는 방법 - 역설의 방법, "놀라운 억압",
이 억압이 "아름다운"을 일으키기 때문에 러시아에서 통치
자유에 대한 사랑". 그리고 그는 다음과 같이 공식화했습니다. "러시아는 지구상에서 몇 안되는 국가 중 하나입니다.
사람들이 여전히 자유를 사랑하고 희생하는 곳 ... 그래서 국가가 서 있습니다
시와 예술이 너무 높다."
캐릭터의 행동에서 의식의 역할을 주장하면서 Ibsen은 행동을 구축합니다.
불가피한 과정으로서 그의 연극의
전제 조건. 따라서 그는 어떤 음모도 단호히 거부합니다.
과장, 결승전에서 우연의 직접적인 개입
영웅의 운명을 결정합니다. 연극의 비난은 다음과 같이 와야합니다.
반대 세력의 충돌의 필연적인 결과. 그들의 유래
진실하고 깊은 성격. 플롯의 전개가 중요해야 하며,
즉, 묘사된 그림의 실제적이고 전형적인 특징을 기반으로 합니다.
현실. 그러나 이것은 플롯의 도식화에 의해 달성되지 않습니다. 에 맞서,
Ibsen의 연극에는 진정한 활력이 있습니다. 그들에게 직조
구체적이고 독특한 다양한 동기가 직접적으로
연극의 주요 문제에 의해 생성되지 않습니다. 그러나 이러한 측면 동기
중앙 갈등의 전개 논리를 깨거나 대체하지 않지만
이 갈등을 가리기만 하고 때로는 그것을 만드는 데 도움을 주기도 합니다.
힘차게 앞으로 나아갔다. 그래서 <인형의 집>에는
연극에 묘사 된 충돌의 "행복한 비난"의 기초가 될 것입니다.
Krogstad는 Nora의 친구인 Fru Linne이 그를 사랑하고 준비가 되어 있다는 것을 알게 됩니다.
그의 어두운 과거에도 불구하고-그와 결혼하기 위해 그는 그녀에게
그의 치명적인 편지를 Helmer에게 돌려주십시오. 그러나 Fru Linne은 이것을 원하지 않습니다. 그녀
"아니요, Krogstad, 편지를 돌려달라고 요구하지 마십시오 ... Helmer에게
모든 것을 알게 될 것입니다. 이 불행한 미스터리가 밝혀지기를 바랍니다. 그들에게
마지막으로 그들은 서로에게 솔직하게 자신을 설명할 것입니다. 그래서 불가능
계속-이 영원한 비밀, 회피 "그래서 행동은
우연의 영향을 받는 편이지만 진정한 결말을 향해 가고 있습니다.
Nora와 남편 사이의 관계의 진정한 본질을 드러냅니다.
70년대 후반부터
1990년대 말에도 변함이 없었다. 입센의 공통적인 특징
이전 섹션에서 논의된 드라마투르기(dramaturgy)는 최대한
"사회의 기둥"과 "인민의 적" 사이의 기간에 그녀의 특징,
Ibsen의 작품이 사회적으로 가장 포화되었을 때
문제.
한편, 80년대 중반부터 Ibsen의
창의성은 인간의 복잡한 내면 세계를 제시합니다.
인간 성격의 무결성에 대한 Ibsen 문제, 구현 가능성
그의 부름을 받은 사람 등
예를 들어 "Rosmersholm"(1886)에서와 같이 연극은 본질적으로 정치적입니다.
노르웨이 보수주의자와 자유사상가 사이의 투쟁과 관련하여 그녀는
진정한 문제는 여전히 이기주의와 이기주의 사이의 충돌입니다.
더 이상 규범에 종속되지 않는 인간 영혼의 인본주의적 원리
종교적 도덕성. 극의 주된 갈등은 약자와 약자와의 갈등이다.
삶에서 멀어진 요하네스 로스머(Johannes Rosmer), 목사직을 버리고
이전의 종교적 신념과 그의 집에 사는 레베카 웨스트는
가난하고 무식한 여인의 사생녀
그리고 굴욕. Rebecca는 그녀가 자신이라고 믿는 약탈적인 도덕의 소유자입니다.
어떤 대가를 치르더라도 목표를 달성할 권리가 있습니다. - 그는 Rosmer를 사랑하고 도움을 받아
무자비하고 교활한 속임수는 Rosmer의 아내가 끝나는 것을 달성합니다.
자살의 삶. 그러나 어떠한 거짓도 용납하지 않는 로스머는
자유롭고 고귀한 사람들을 교육하고 오직 행동하고자 하는
고귀한 의미, 모든 약점에도 불구하고 더 강해짐
레베카도 그녀를 사랑하지만. 그는 산 행복을 받아들이기를 거부합니다
다른 사람의 죽음-레베카는 그에게 순종합니다. 그들은 생을 마감한다
Rosmer의 아내 Beate가 한 것처럼 폭포에 몸을 던져 자살합니다.
그러나 Ibsen의 새로운 문제로의 전환은 이전에도 완료되었습니다.
"Rosmersholm"- "Wild Duck"(1884). 이 연극에서 그들은 다시 일어선다
"브랜드"가 당시에 전념했던 질문. 그러나 brandovskoe
절대적 비타협성에 대한 요구는 여기에서 그 영웅성을 상실합니다.
터무니없고 코믹한 모습으로도 나타납니다. 브란도브스카야 설교
Gregers Werle은 그의 옛 가족에게 슬픔과 죽음만을 가져옵니다.
친구, 사진작가 Hjalmar Ekdal, 그가 도덕적으로 고양하고 구하고 싶은
거짓말에서. 감히 자신의 한계를 넘어서지 못하는 사람들에 대한 브랜드의 편협함
일상 생활은 "Wild Duck"에서 모두에게 다가가라는 부름으로 대체됩니다.
그의 강점과 능력을 고려한 사람. Gregers Werle은 의사와 대면합니다.
"가난한 병자"를 치료하는 Relling(그에 따르면 거의 모든 사람이 아프다)
"세속적 인 거짓말", 즉 자기기만의 도움으로
보기 흉한 삶에 의미 있고 의미가 있습니다.
동시에 "세상적인 거짓말"이라는 개념은 "Wild"에서 결코 승인되지 않았습니다.
오리"를 완전히. 우선, 연극에는 다음과 같은 캐릭터가 있습니다.
"세상의 거짓말"은 무료입니다. 순수한 소녀 헤드윅 뿐만 아니라 사랑이 넘치는,
자기 희생을 할 준비가 되어 있고 정말 자신을 희생하고 있습니다. 이것저것
감상적이지 않고, 실생활에 능하고, 경험이 풍부하고
무자비한 사업가 Werle, Gregers의 아버지, 그의 가정부 Serby 신부. 그리고 비록
Old Werle과 Fru Serbia는 극도로 이기적이고 이기적이며 여전히 서 있습니다.
그러나 연극의 논리 - 모든 환상을 거부하고 자신의 것이라고 부르는 것
이름 - "세상의 거짓말"에 빠지는 사람들보다 비교할 수 없을 정도로 높습니다. 그들은 성공한다
진실과
Gregers가 Hjalmar Ekdal과 그의 아내에게 헛되이 촉구한 성실함
지누. 그리고 나서 - 이것은 특히 중요합니다 - "세상적인 거짓말"의 개념
Ibsen의 모든 후속 극작에서 반박되었습니다.
진실에 대한 로스머의 꾸준한 열망이 승리하는 "로즈메르홀름"은 그의
모든 자기기만과 거짓말을 거부합니다.
Rosmersholm에서 시작되는 Ibsen의 극작술의 핵심 문제는 다음과 같습니다.
완전한 것을 추구하는 사람의 노력에 숨어있는 위험의 문제
그의 소명 성취. 그러한 욕망은 그 자체로 뿐만 아니라
자연스럽지만 Ibsen에게는 의무적이기도 하지만 때로는 달성 가능한 것으로 판명되었습니다.
다른 사람들의 행복과 삶을 희생해서만-그리고 비극이 있습니다
갈등. 이 문제는 Ibsen이 이미 The Warriors에서 처음 제기했습니다.
"Builder Solnes"(1892)와
"Jun Gabriel Borkman"(1896)에서. 이 두 연극의 주인공은
그들의 소명, 다른 사람들의 운명을 완수하고 견디기 위해 희생
충돌.
모든 노력을 성공적으로 이룬 솔네스는
그가 실제 건축을받지 못했다는 사실에도 불구하고 명성
교육, 외부 세력과의 충돌로 멸망하지 않습니다. 젊은이들의 도래
힐다는 예전처럼 대담해지라고 격려하며
그의 죽음에 대한 구실 일뿐입니다. 진정한 죽음의 원인은 그의
이중성과 약함. 한편으로 그는 준비된 사람으로 행동합니다.
다른 사람의 행복을 희생: 그의 건축 경력, 그는
자신의 견해로는 아내의 행복과 건강을 희생시키면서
그의 사무실에서 그는 늙은 건축가 Bruvik을 무자비하게 착취하고
스스로 기회를 주지 않는 재능있는 아들
곧 자신을 능가할까봐 두렵기 때문입니다. 한편, 그는
끊임없이 자신의 행동이 부당함을 느끼고 심지어 자신을 비난합니다.
사실 그는 전혀 비난받을 수 없습니다. 그는 항상
보복, 보복, 보복을 애타게 기다리다 정말 그를 따라잡는다.
그러나 그에게 적대적인 세력의 모습이 아니라 그를 사랑하고 믿는 사람의 모습으로 나타납니다.
힐다. 그녀의 격려에 힘입어 자신이 세운 높은 탑을 올라간다.
건물-그리고 넘어지고 현기증에 사로 잡혔습니다.
그러나 내적 이중성이 없다는 것이 사람에게 성공을 가져다주는 것은 아니며,
다른 사람에 관계없이 자신의 소명을 이행하려고 노력합니다.
나폴레옹이 되기를 꿈꾸는 은행가이자 거물 사업가 보크만에게
국가의 경제 생활과 점점 더 많은 자연의 힘을 정복, 외계인
모든 약점. 외부의 힘에 의해 그에게 엄청난 타격이 가해집니다. 그의 적들에게
다른 사람의 돈을 오용한 혐의로 그를 유죄 판결합니다. 하지만 이후에도
긴 투옥, 그는 내부적으로 깨지지 않은 상태로 남아 있으며
좋아하는 활동으로 돌아가는 꿈. 그러나 정품
극 중 드러나는 그의 몰락의 원인은 더 깊숙이 있다.
젊었을 때 그는 자신이 사랑하고 사랑했던 여자를 떠났습니다.
돈을 벌기 위해 그녀의 부유한 여동생과 결혼했다.
그의 추측을 시작할 수 없습니다. 그리고 그가 자신을 배신했다는 사실만으로도
진정한 사랑, 그를 사랑하는 여자의 살아있는 영혼을 죽이고 논리적으로 이끌고
연극, Borkmann은 재앙에 이릅니다.
Solnes와 Borkman은 각각 고유 한 방식으로 큰 형식의 사람들입니다. 이
그들은 오랫동안 본격적인 설립을 추구해온 Ibsen을 끌어들입니다.
파괴할 수 없는 인간의 성격. 하지만 그들의 부름을 깨달아라, 그들은 치명적이다
다른 사람들에 대한 책임감을 잃음으로써만 가능합니다.
이것이 입센이 근대에서 본 근본적인 갈등의 본질이다.
그의 사회와 그 시대와 매우 관련이 있는
또한-간접적이고 극도로 약화 된 형태이지만-끔찍한
20세기의 현실, 반동세력이 목표달성을 위해
수백만 명의 무고한 사람들을 희생시켰습니다. Nietzsche라면 소개하지 않고
물론 20세기의 실제 관행을 상상해보십시오.
"강한"의 권리, Ibsen은 원칙적으로 어떤 형태로든이 권리를 거부했습니다.
그것은 나타나지 않았다.
Solnes와 Borkman, Hedda Gabler와 달리여 주인공은 다소 더
Ibsen의 초기 희곡("Hedda Gabler", 1890)에는 진정한 직업이 없습니다. 하지만
그녀는 강하고 독립적 인 성격을 가지고 있으며 익숙해지면 딸처럼
일반, 부자, 귀족 생활에 깊은 느낌
불만족스러운 부르주아적 상황과 집안의 단조로운 삶
그녀의 남편 - 평범한 과학자 Tesman. 그녀는 자신에게 보상을 추구합니다
무자비하게 다른 사람의 운명을 가지고 놀고 최소한의 대가를 치르더라도 성취하려고 합니다.
적어도 밝고 중요한 일이 일어나도록 가장 큰 잔인 함. ㅏ
그녀가 이것을 하지 못할 때, 그녀의 배후에는 "모든 곳이 너무
우스꽝스럽고 저속한 것의 뒤를 쫓는다"고 말하고는 자살한다.
사실, Ibsen은 변덕스럽고 완전한 도달을 설명하는 것을 가능하게 합니다.
그녀의 성격과 역사의 특징뿐만 아니라 Hedda의 행동에 대한 냉소주의
삶이지만 생리적 동기-즉, 그녀가 임신했다는 사실.
다른 사람에 대한 사람의 책임은 해석됩니다.
기타 변주 - Ibsen의 후기 희곡의 나머지 부분("Little Eyolf",
1894, 그리고 When We Dead Awake, 1898).
입센의 희곡 '야생 오리'를 시작으로
이미지의 다양성과 용량. 점점 덜 활기차게-외적 의미에서
이 단어 - 대화가 됩니다. 특히 입센의 후기 희곡에서는 모든 것이
복제본 사이의 일시 중지가 길어지고 문자가 점점 더 자주
자신의 이야기만큼 서로 대답합니다. 분석주의
구성은 보존되지만 동작 개발에는 그다지 중요하지 않습니다.
캐릭터의 이전 행동이 점차 명확해지고, 그 중 몇 명이 점차
오래된 감정과 생각을 드러냅니다. 입센의 연극에서
때로는 매우 복잡해지고 관점을 만들어냅니다.
모호하고 진동하는 거리로 이어집니다. 때때로 그들은 여기서 공연합니다
이상하고 환상적인 생물, 이상하고 설명하기 어려운
이벤트(특히 "Little Eyolf"에서). 일반적으로 늦은 Ibsen에 대해 종종
상징주의자 또는 신낭만주의자라고 합니다.
그러나 Ibsen의 후기 연극의 새로운 문체 적 특징은 유기적으로 포함됩니다.
70년대와 80년대 그의 드라마의 일반적인 예술 체계. 그들의 모든 상징
그리고 그들을 둘러싸고 있는 무한한 안개가 가장 중요합니다.
전체 색상과 감정 구조의 필수적인 부분으로
특별한 의미 능력. 많은 경우에 Ibsen 기호의 운반자
촉각이 있는 매우 구체적인 물체 또는
공통된 아이디어뿐만 아니라 많은 스레드로 연결된 현상
연극의 줄거리와 함께. 이와 관련하여 특히 시사하는 바는
Ekdal의 집 다락방에서 상처 입은 날개를 가진 야생 오리 : 그것은 운명을 구현합니다.
인생이 위로 노력할 기회를 박탈당한 사람, 그리고 함께
주제는 극중 행동의 전체 전개에 중요한 역할을 하며,
의미와 "야생 오리"라고합니다.
입센이 죽기 8년 전인 1898년,
위대한 노르웨이 극작가의 일흔 번째 생일. 당시 그의 이름은
전 세계에서 가장 유명한 작가 중 한 사람인 그의 연극은
많은 나라의 극장.
러시아에서 Ibsen은 진보적 인 청년의 "생각의 지배자"중 한 명이었습니다.
90년대부터, 특히 1900년대 초반부터. 많은 프로덕션
Ibsen의 연극은 러시아 연극의 역사에 중요한 흔적을 남겼습니다.
미술. 훌륭한 사교 행사는 모스크바 예술 극장 공연 "Enemy"였습니다.
통로에 있는 V. F. Komissarzhevskaya 극장의 "인형의 집" - V. F.
노라 역의 코미사르제프스카야. Ibsen의 모티프 - 특히
"Peer Gynt"-A.A. Blok의시에서 분명히 들렸습니다. "솔베이그, 당신은
나에게 스키를 타고왔다 ... "-이것이 Blok의시 중 하나가 시작되는 방식입니다.
그리고 그의 시 "보복"의 비문으로 Blok은 Ibsen의 말을 인용했습니다.
"The Builder of Solness": "젊음은 보복입니다."
그리고 그 후 수십 년 동안 Ibsen의 연극은 종종
전 세계 다양한 극장의 레퍼토리. 그러나 여전히 Ibsen의 작업, 시작
1920년대 이후로 인기가 떨어졌습니다. 그러나 입센의 전통
극작술은 20세기 세계문학에서도 매우 강하다. 과거의 끝과
우리 세기 초에 다른 나라의 극작가들은
Ibsen 예술의 관련성과 같은 특징의 메아리를 듣기 위해
대화의 문제, 긴장 및 "하위 텍스트", 기호 도입,
연극의 특정 구조에 유기적으로 짜여져 있습니다. 여기에서 먼저 이름을 지정해야 합니다.
B. Shaw와 G. Hauptmann만이 어느 정도 A. P. Chekhov에도 불구하고
Ibsen의 시학의 일반 원칙에 대한 Chekhov의 거부. 그리고 1930년대 이후
20세기 입센의 분석 원리
연극을 구성합니다. 선사 시대의 발견, 과거의 불길한 비밀,
이해할 수 없을 정도로 존재하는 공개가 가장 좋아하는 것 중 하나가됩니다.
연극과 영화의 드라마투르기 기법이 절정에 이르렀다.
- 어떤 형태로든 - 사법을 묘사하는 작품
소송 절차. Ibsen의 영향 - 그러나 대부분 직접적이지 않음 -
여기에서 고대 드라마의 영향과 교차합니다.
입센의 드라마투르기의 경향
액션의 최대 집중도를 높이고 캐릭터 수를 줄이는 것 또한
대화의 최대 레이어링까지. 그리고 새로운 활력으로 Ibsen이 온다
아름다운 것 사이의 눈부신 차이를 드러내는 것을 목표로 한 시학
묘사된 현실의 가시성과 내적 문제.
입센의 작품.
일반적 특성입센의 작품.
1. 그의 연극은 읽기에 흥미 롭습니다. 역동적 인 음모, 지적 포화, 실제 심각한 문제에 대한 가장 날카로운 설명입니다.
2. Ibsen은 대체로 비 고전적 세계관을 가지고 있었고 정신의 반역자이며 그가 가장 좋아하는 영웅은 외톨이, 반역자이며 항상 다수에 대항하고 독립을 위해 노력하며 다른 사람들의 의견으로부터 자유를 얻습니다. 종종 그들은 사람이 아니라 산, 높이, 사람을 열망합니다 (그런데 러시아 문학에서는 일반적이지 않습니다).
3. Ibsen의 작업에서 제기된 가장 중요한 문제 중 하나는 도덕과 박애 사이의 모순 문제. 사실 이것은 기독교의 가장 중요한 모순 중 하나이며 일반적으로 19세기 유럽 사회의 특징이었던 도덕성과 오늘날에도 마찬가지입니다.
입센의 작업 기간. 1) 1849-1874 - 낭만주의. 이 시기의 가장 중요한 두 희곡인 "Brand"(1865)와 "Peer Gynt"(1867)는 각각 250페이지에 달하는 운문으로 작성되었으며 Ibsen은 타당성에 거의 신경을 쓰지 않으며 "Peer Gynt"는 일반적으로 동화와 동시에 동화의 패러디.
창의성의 두 번째 기간: 1875-1885 - 현실적. 이때 Ibsen은 새로운 드라마의 토대를 마련한 연극을 썼습니다. 이 이름은 19세기 말과 20세기 초의 업데이트된 극작술에 주어졌으며 더 지적이고 서정적이며 덜 줄거리 중심적이 되었습니다. 주요 대표자 : Ibsen, Chekhov, Shaw, Maeterlinck. Ibsen의 새 드라마의 주요 특징은 지적이며, 그의 연극의 중심에는 항상 긴장된 지적, 이념적 논쟁, 캐릭터 자체뿐만 아니라 세계관의 투쟁이 있습니다. 입센의 사실주의 희곡에서는 분석적 구성. 각 극의 과정에서 특정 비밀이 발견되고 더 자주 몇 가지 비밀, 숨겨진 진실이 원래 상황을 극적으로 뒤집어 줄거리의 긴장에 기여합니다. Ibsen의 이러한 연극에서 주요 갈등은 현대 생활의 번영하는 모습과 썩고 기만적이며 심하게 기능 장애가 있는 본질 사이입니다. 비밀의 공개는 그의 전생 전체의 영웅 또는여 주인공의 재검토, 수정, 분석으로 이어집니다. 따라서 이러한 연극의 구성을 분석적이라고합니다.
인형의 집(1879)은 입센의 가장 인기 있고 흥미로운 희곡 중 하나입니다. 여기에서 처음으로 세계 문학의 한 여성은 어머니와 아내의 의무 외에도 "똑같이 신성한 다른 의무가 있습니다"- "자신에 대한 의무"라고 선언했습니다. 주인공 노라는 “나는 더 이상 다수가 말하는 것과 책이 말하는 것에 만족할 수 없다. 이런 것들을 스스로 생각해야 합니다.” 그녀는 종교와 도덕성 모두를 재고하고 싶어합니다. Nora는 실제로 일반적으로 받아 들여지고 전통적인 것과는 다른 삶에 대한 자신의 도덕적 규칙과 아이디어를 만들 개인의 권리를 주장합니다. 즉, Ibsen은 도덕 규범의 상대성을 다시 확인합니다.
The Ghosts (1881)는 Ibsen의 최고의 연극 중 하나이기도 합니다. 일부 비밀이 끊임없이 드러나고 캐릭터는 끊임없이 새로운 것을 발견하므로 긴장감이 있습니다. 연극에서 가장 중요한 것은 무엇보다도 사람에게 의무 이행을 요구하는 전통적인 기독교 도덕의 폭로입니다. Frau Alving은 유령을 구식 아이디어, 더 이상 살아있는 삶과 일치하지 않지만 전통에 따라 습관에서 벗어나는 아이디어라고 부릅니다. 우선, 이것은 기독교 도덕이며, 그 보유자는 Brand와 약간 비슷한 매우 도덕적이고 까다로운 Manders 목사입니다. 젊은 Fru Alving은 결혼 1 년 후 한때 도망친 남편의 악덕에 대해 공포에 떨며 배웠습니다. 그녀는 목사를 사랑했고 그는 그녀를 사랑했고 그와 함께 살고 싶었지만 "당신의 의무는 더 높은 뜻에 따라 당신에게 놓인 십자가를 겸손하게 짊어지는 것"이라는 말과 함께 그녀를 합법적 인 남편에게 심하게 보냈습니다. 목사는 자신의 행동이 자신의 행복에 대한 죄 많은 욕망에 대한 자신에 대한 가장 큰 승리라고 생각합니다. 따라서이 연극에서는 작가가 이미 완전히 인류 편에있는 도덕과 인간의 대결이 가장 분명하게 반영됩니다.
제3기: 1886-1899. 타락과 상징주의가 가미된 시대. 이 시대의 연극은 새로운 드라마의 흔적을 간직하고 있지만 이상한 것이 추가되고 때로는 고통스럽게 변태적이며 때로는 거의 신비적이며 때로는 정신적으로 비정상적이며 종종 부도덕한 사람들이지만 비난하지 않고 묘사됩니다. 이들은 "Rosmersholm"(1886), "Woman from the Sea"(1888), "Little Eyolf"(1894), "죽은 우리가 깨어날 때"(1899)입니다. 그들은 흥미롭고 똑똑하며 디자인이 깊지 만 말이 너무 많고 밝은 이벤트가 거의 없으며 진정한 Ibsenian 긴장이 없습니다.
전체적으로 Ibsen 작업의 이데올로기 적 결과. Ibsen의 연극은 고전적 세계관의 도덕 체계의 불가피한 불일치를 분명히 보여주었습니다. 전통적인 도덕적 계율에 대한 절대적으로 일관된 고수는 조만간 특정인에게 등을 돌리고 그의 행복을 파괴합니다. 도덕성은 비인간적입니다. 하나의 도덕 표준은 다른 도덕 표준과 모순됩니다. 이것은 적어도 절대적이고 영원한 도덕적 가치와 이상이 없으며 종교적 계명을 포함하여 모든 것이 상대적이며 타협하지 않고 실생활에서 이러한 계명에서 벗어나는 것이 필수적이라는 것을 증명합니다.
더욱이 Ibsen은 그의 후기 연극 중 일부에서 사람의 삶에서 가장 중요한 것은 의무를 다하는 것이 아니라 행복하는 것이기 때문에 사람이 전통적인 도덕성을 극복 할 권리가 있다는 결론에 도달합니다. 고상한 생각에 봉사하지 않는 소명.
Ibsen의 작업은 문자 그대로의 의미에서 수세기를 연결합니다. 그 기원은 18세기 혁명 이전의 결말, 쉴러의 폭정, 자연과 평범한 사람들에 대한 루소주의적 호소에 있습니다. 그리고 성숙하고 후기 입센의 드라마투르기는 동시대 생활과 가장 깊은 관련이 있기 때문에 20세기 예술의 본질적인 특징인 압축성, 실험성, 다층성을 보여줍니다. 외국 연구원 중 한 명에 따르면 20 세기 시의 경우 톱의 모티브가 특히 날카로운 이빨로 갉아 먹는 것이 매우 특징적입니다. 그의 미완성 회고록에서 Ibsen은 어린 시절을 묘사하면서 제재소의 끊임없는 비명 소리가 그에게 가해 졌다는 인상을 강조합니다. 그 중 수백 명은 그의 고향 인 Skien에서 아침부터 저녁까지 일했습니다. Ibsen은 "나중에 단두대에 대해 읽었을 때 항상 이 제재소를 생각했습니다."라고 썼습니다. 그리고 아이 입센이 보여준 이 고조된 불협화음은 다른 사람들이 온전함과 조화를 보았을 때 그의 작품에서 현란한 불협화음을 보고 포착했다는 사실에 이후에 영향을 미쳤습니다. 동시에 Ibsen의 부조화 묘사는 결코 부조화가 아닙니다. 그의 작품에서 세계는 서로 관련 없는 분리된 파편으로 분리되지 않으며, 입센의 드라마 형식은 엄격하고 명료하며 집합적이다. 세계의 불협화음은 여기에서 구성과 색채가 획일적인 연극에서 드러난다. 삶의 나쁜 조직은 훌륭하게 조직된 작품으로 표현됩니다. Ibsen은 이미 젊었을 때 복잡한 자료를 구성하는 데 마스터임을 보여주었습니다. 이상하게도 그의 고향에서 Ibsen은 처음에 극작가가 아니라 시인으로 모든 노르웨이 작가 중 첫 번째로 인정 받았습니다. "경우에 따라"시의 저자 : 학생 휴가를위한 노래, 연극 프롤로그 등 Ibsen은 그 당시에는 대체로 고정 관념이 있었지만시의 맥락에서 충분히 업데이트 된 일련의 이미지를 사용하여 그러한시에서 명확한 생각의 발전과 진정한 감정을 결합하는 방법을 알고있었습니다. G. Brandes가 스칸디나비아 작가들에게 "문제를 테이블 위에 올려놓으라"고 호소한 것을 염두에 두고 19세기 말 Ibsen은 종종 문제 설정자라고 불렸습니다. 그러나 Ibsen의 작업에서 "문제적" 예술의 뿌리는 매우 깊습니다! 사고의 움직임은 그의 작품 구성에 항상 매우 중요했으며 캐릭터의 내면 세계 개발에서 그의 연극에서 유기적으로 성장했습니다. 그리고 이 특징은 또한 20세기 세계 드라마투르기의 중요한 경향을 예고했다.
II
III
IV
V
VI
V. Admoni. 헨릭 입센과 그의 경력
헨리크 입센. 약력 및 독창성 검토
Henrik Ibsen은 노르웨이의 위대한 극작가일 뿐만 아니라 세계 드라마에 강한 영향을 미친 새로운 사회 심리 드라마의 창작자이기도 합니다.
G. Ibsen은 선주 가족의 노르웨이 해변 마을 Skien에서 태어났습니다. 1836년 입센의 아버지는 파산했다. 가족의 재산 상태뿐만 아니라 주변 사람들의 태도도 극적으로 변했습니다. Ibsen은 겨우 8살이었지만 이러한 변화를 예리하게 느꼈습니다. 그는 학교에서 공부하며 특히 문학과 그림에서 자신의 능력으로 교사들에게 깊은 인상을 주었지만 대학 입학에 대해 생각할 필요조차 없었습니다. 15세 소년이 빵 한 조각에 대한 질문에 직면했습니다. 그는 인근 그림스테드 마을에서 약제사의 견습생으로 일하기 시작했습니다.
Grimstead의 단조로운 삶은 1844 년부터 1850 년까지 6 년 동안 지속되었습니다. 한 푼도 받고 의무를 다한 젊은 약사는 여가를 자신이 가장 좋아하는 문학에 바쳤습니다. 그는 많이 읽고 시를 썼다. 그의 공책에는 지역 부자와 공무원의 에피 그램과 캐리커처가 포함되어 있습니다. 그들은 퍼져서 그에게 영향력있는 적을 만들고 진보적 인 청소년의 마음을 그에게 매료 시켰습니다. 젊은 조수 약사의 인기가 높아졌고 더 이상 도시에서 그의 겸손한 위치와 일치하지 않았습니다. 그의 반항적 인 분위기는 특히 1848 년 혁명과 관련하여 더욱 심해졌습니다. "큰 국제적 폭풍의 소음 속에서 나는 상황과 세속적 조건의 의지에 묶여있는 작은 사회와 싸웠습니다." 썼다.
젊은 입센의 혁명적 성격은 애국적이고 민족 해방적인 정서와 결합되었습니다. 그는 여러 나라에서 일어난 1848년 혁명의 사건, 특히 그가 시 "마자르인"을 헌정한 헝가리 혁명에 격렬하게 반응했습니다.
그런 다음 20 세의 Ibsen은 첫 번째 드라마 인 Catiline (1848-1849)을 썼습니다.
Catiline에서 Ibsen은 역사를 거의 고려하지 않았습니다. 로마 상원에 반대하는 진정한 반란군 Catiline (기원전 2 세기)은 개인적이고 이기적인 목표에 의해서만 인도되어 로마의 독재자가 되려고했습니다. Ibsen의 연극에서 Catiline은 상원의 이기심에 반항하고 고대 로마 공화국의 위대함을 되살리려는 꿈을 꿉니다. 그러나 Ibsen은 Catiline을 이상화할 뿐만 아니라 로마에 대한 그의 행동을 비극적인 실수로 보여줍니다. 왜냐하면 Catiline의 추종자들은 지도자의 승리로부터 풍요와 권력만을 기대하기 때문입니다.
이 약한 젊은 비극에서 Ibsen 작업의 주요 주제 인 강하고 외로운 성격의 반란과 그녀의 죽음이 이미 설명되었습니다.
"Katya l another"와 거의 동시에 단막극 "Bogatyr Kurgan"이 작성되었습니다. 고대 북유럽 바이킹에 관한 이 연극은 크리스티아니아의 한 극장에서 약간의 성공을 거두며 받아들여졌습니다. 극작가로서 Ibsen의 길이 시작되었습니다. Christiania에서 Ibsen은 대학의 개인 준비 과정에 참석했으며 동시에 급진적 언론에서 일했습니다. 이 기간 동안 그는 노르웨이 노동 운동과 가까워졌고 노동자 주일 학교에서 가르쳤으며 "노동자 협회 신문"에 기고했습니다. 그는 또한 혁명적인 학생 시위에 참여했습니다. 당시 자유주의 야당이 여당과 함께 국익을 배반하고 있던 Storting 회의에서 대중과 함께하면서 Ibsen은이 거짓 이야기 가게에 대한 경멸에 물들어 풍자극 The Norm, or Love를 썼습니다. 정치인의. Bellini의 유명한 오페라 Norma에서 차용한 이름으로 그는 노르웨이의 부패한 정치인을 묘사했습니다.
1851년, 24세의 극작가는 최근 베르겐에 국립 노르웨이 극장을 설립한 유명한 음악가 올레 불로부터 아첨하는 초대를 받았습니다. Ibsen은 예술 감독, 감독 및 극작가가되기 위해 실제로 극장을 이끌도록 요청 받았습니다. Ibsen은 Bergen에서 5년을 보냈습니다. 그는 뛰어난 감독으로 밝혀졌습니다. 매년 그는 Bergen 극장을 위해 새로운 연극을 만들었습니다. 1857년에 그는 다시 크리스티아니아로 돌아왔다.
창의성의 첫 번째 기간
Ibsen 작업의 첫 번째 기간(1848-1864)은 일반적으로 국가 낭만주의라고 합니다. 이 기간 동안 그의 주요 주제는 독립을 위한 노르웨이의 투쟁과 영웅적인 과거의 미화입니다. Ibsen의 방법은 여전히 낭만적입니다. 그는 탁월하고 강력한 캐릭터, 강한 열정, 비정상적인 충돌에 매료되었습니다.
이 기간 동안 Ibsen은 "Katilina"와 "Bogatyrsky Kurgan"을 제외하고 "Ivayova Night"(1853), "Fru Inger from Estrot"(1854), "Feast in Solhaug"(1855), "Olaf"의 7 개의 희곡을 썼습니다. 릴리엔크란스'(1856), 헬겔란트의 전사들(1857), 사랑의 희극(1862), 왕좌를 위한 투쟁(1863). 이 모든 연극(The Comedy of Love 제외)은 본질적으로 역사적이거나(Fru Inger of Estrot, The Struggle for the Throne) 스칸디나비아 전설을 기반으로 합니다.
첫 번째 기간의 연극에서는 Ibsen이 노르웨이의 과거에서 찾은 전체 영웅적 본성이 활성화됩니다. Ibsen은 범죄 또는 이기적인 길을 선택하면 강한 성격의 붕괴를 묘사합니다.
이 점에서 특히 특징적인 것은 에스트로트의 사극 '프루잉거'다. 이 행동은 덴마크 통치에 대한 노르웨이 국민의 투쟁 시대 인 16 세기에 발생합니다. 거대한 재산의 소유자 인 자랑스럽고 지배적 인 Fr Inger는 노르웨이의 자유를위한 싸움을 이끌 수 있었고 어린 시절에도 그러한 맹세를했지만 지키지 않았습니다. 그녀는 자신의 삶과 밝은 미래를 위해 싸우는 것을 선호했습니다. 사생아 그리고 이를 위해 그녀는 고국의 적들과 여러 가지 타협을했습니다. 그녀는 아들이 왕좌에 오를 수 있도록 길을 닦기 위해 집에 들른 청년을 죽입니다. 하지만 비극적인 오해로 인해 어린 시절부터 한 번도 본 적 없는 아들이 피해자로 밝혀지게 된다.
그녀가 저지른 살인 후 Fru Inger의 말은 (그녀가 여전히 끔찍한 진실을 알지 못했을 때) 대담한 도전처럼 들립니다. "누가 이겼습니까-하나님 또는 나?" 물론 중세 여성은 그런 말을 할 수 없었지만 Ibsen은 여기서 "신"이라는 단어에 종교적 의미를 부여하지 않았습니다. 그것은 사람이 따라야 할 선과 인류의 요구 사항만을 나타냅니다. Fru Inger는 그들을 따르지 않았기 때문에 패배했습니다. 그녀의 길은 자연스럽게 "범죄와 완전한 붕괴"로 이어집니다.
첫 번째 기간의 가장 밝고 독창적 인 연극 중 하나 인 "Warriors in Helgeland"는 전적으로 유명한 "Volsunga Saga"의 자료를 기반으로합니다.
그의 작품의 첫 번째 기간에 낭만적으로 남아있는 Ibsen은 초기 스칸디나비아 낭만주의, 주로 무용담의 자료로 전환 한 덴마크 시인 Elenschleger의 영향을 크게 받았습니다. 그러나 Ibsen은 더 큰 규모의 서유럽 낭만주의에 대해 잘 알고 있었습니다. 휴고의 로맨스 드라마가 그에게 (초기) 영향을 미쳤다는 데는 의심의 여지가 없다.
왕좌를 위해 싸워라
그의 작품 첫 번째 기간의 Ibsen의 가장 중요한 연극인 "The Struggle for the Throne"은 셰익스피어의 영향으로 표시됩니다. 그것은 셰익스피어 연대기의 정신으로 쓰여졌으며 국가 통일의 동일한 파토스로 가득 차 있습니다. 이 행동은 노르웨이가 봉건 내전의 현장이었던 XIII 세기에 발생합니다. 각 귀족 가문, 각 지역은 자신의 왕을 내세웠습니다. Ibsen의 긍정적인 영웅은 Birkebeiner 정당의 제자인 젊은 왕 Haakon Haakonsen입니다. Birke-beiners("인피 신발")는 중세 노르웨이에서 가장 민주적인 정당으로, 소작농과 소규모 귀족을 통합하고 대규모 봉건 영주의 권력에 반대했습니다. Baglers의 봉건 교회 당에 대한 Birkebeiners의 승리는 농노가 노르웨이에 도입되지 않은 이유를 설명합니다.
영웅은 Ibsen에 의해 성공적으로 선택됩니다. 물론 그는 역사적인 Haakon을 다소 이상화하지만 실제로 그는 중세 노르웨이의 가장 저명한 통치자 중 한 명이었습니다. Ibsen은 Jarl Skule과 함께 왕위에 대한 Haakon의 투쟁을 보여줍니다. Haakon은 국민의 선과 노르웨이 통일의 꿈에 의해 인도됩니다. Haakon의이 "위대한 왕실 아이디어"는 상대방의 힘을 넘어 섰지 만 Jarl Skule은 역시 뛰어난 사람.
Skule에 대한 그의 진보적 역사적 사명으로 Haakon의 승리는 자연스럽고 자연스럽게 달성됩니다. 하콘은 의심과 망설임이 없는 온전하고 순수한 본성으로 자신의 옳음에 자신이 있는 인물로 나타난다. Jarl Skula는 그런 자신감이 부족합니다. 그는 의심하고 주저합니다. 그는 Haakon의 "왕실 사상"을 자신에게 돌리기 위해 도둑질을 시도하고 있습니다. 그러나 다른 사람의 생각은 오랫동안 사용할 수 없습니다. Jarle Skule은 자발적으로 죽음을 맞이합니다.
드라마의 주인공 중 한 명인 니콜라스 주교의 모습이 무척 흥미롭다. 이것은 "분할, 통치"의 원칙에 따라 국가에서 끝없는 투쟁을 불러 일으키는 호기심 많은 인물의 역겨운 모습입니다. 그는 죽어가면서도 새로운 음모를 꾸미고 새로운 분쟁을 일으키려고 합니다. 주교의 이미지에서 Ibsen은 노르웨이에서 교회가 종종 수행하는 반 인민적 역할과 노르웨이를 망치고 있던 불화의 정신과 사소한 이기적인 계산을 반영했습니다.
1864년 입센은 고국을 떠났습니다. 이 출발에는 두 가지 주요 이유가 있습니다.
1864년 소위 프로이센-덴마크 전쟁이 발발했고 프로이센 군대가 덴마크를 침공했습니다. 분노한 Ibsen은 독일의 침략을 격퇴하기 위해 덴마크를 돕기 위해 * 노르웨이와 스웨덴을 불렀던 시 "Brother in Need"로이 행사에 응답했습니다. 그러나 스웨덴과 노르웨이 정부는 일반적인 변명과 약속으로 자신을 제한하고 덴마크를 운명에 맡겼습니다. Norwegian Storting에서 큰 역할을 한 자유 주의자 및 급진파도 덴마크의 운명에 무관심했습니다. 입센은 독일 제국주의와 군국주의의 성장과 그것이 스칸디나비아 국가들에 가하는 위험을 분개하게 보았다. 그는 노르웨이 정치인들의 무관심이 국익에 대한 배신에 가깝다는 것을 이해했습니다.
Ibsen이 노르웨이를 떠나도록 강요한 두 번째 이유는 노르웨이 부르주아지를 비난 한 그의 "Comedy of Love"와 관련하여 그가 받았던 격렬한 박해였습니다.
Ibsen은 이탈리아와 독일 등 해외에서 약 30년을 보냈습니다. 그는 1891년에야 돌아왔고 그의 동포들로부터 열광적인 환영을 받았습니다. 이 기간 동안 그는 세계적으로 유명한 작가가 되었습니다. 그러나 그는 국가 노르웨이 테마에 충실했으며 고국과의 관계를 끊지 않았습니다. 그는 노르웨이의 모든 사회적, 문화적 행사를 멀리서 지켜보았고, 그를 떠난 친구들과 활발한 서신을 교환했습니다. 무더운 햇볕이 잘 드는 로마에서 Ibsen은 전 세계적으로 반응을 얻은 첫 번째 드라마 인 "Brand"를 썼습니다. 극북의 가난한 노르웨이 마을, 돌출 된 빙하 아래에 보호 된 우울한 목사의 집에 관한 것입니다. 그는 노르웨이 농민, 상인, 지식인에 대해 썼습니다. 그가 세계적으로 인정받을 수 있었던 것은 그의 드라마에서 국가적 특성을 유지했기 때문이다.
창의성의 두 번째 기간
Ibsen 작품의 두 번째 시기(1864-1884)는 현실적인 것으로 간주되어야 합니다. 이것은 부르주아 현실에 대한 가장 무자비하고 날카로운 비난 인 그의 드라마 투르 기의 절정기입니다. 고대 영웅 이야기와 노르웨이의 먼 과거에서 출발하여 그는 이제 대부분의 연극을 현재, 항상 무관심한 전사를 죽이고 독살할 준비가 된 부르주아 세계로 전환합니다.
이 기간 동안 Ibsen은 "Brand"(1865), "Peer Gynt"(1866), "Union of Youth"(1869), "Caesar and the Galilean"(1873), "Pillars of Society"(1877) 등 8개의 드라마를 썼습니다. ), "꼭두각시 집"(1879), "유령"(1881) 및 "인민의 적"(1882).
"Brand"와 "Peer Gynt"는 철학적, 심리적으로 서로 내부적으로 연결되어 하나의 동일한 문제를 해결하는 연극입니다. 그들은 사람의 소명과 도덕적 성격, 지상에서의 임명 및 사람들에 대한 의무에 대한 질문을 제기합니다. 과도기적 작품들입니다. 그들은 Ibsen 작품의 첫 번째 낭만적인 시기를 완성하고 현실적인 두 번째 시기를 예상하는 것처럼 보입니다. "브랜드"에서 우리는 낭만적으로 특별한 주인공의 모습, 다채로운 보조 이미지, 우울한 풍경을 봅니다. "Peer Gynt"는 동화의 세계와 함께 민속 예술과 밀접한 관련이 있으며 그 안의 여러 에피소드는 낭만적 인 아이러니로 가득 차 있습니다. 두 연극 모두 상징주의로 가득 차 있습니다. 이 모든 것이 낭만주의와 관련이 있습니다. 동시에 Ibsen은 그들의 관리, 성직자 및 부르주아지를 풍자적으로 묘사하고 여러 가지 현실적인 장면과 전형적인 일반화를 제공합니다. 이것은 그들을 사실주의에 더 가깝게 만듭니다. 이 두 연극은 Ibsen에게 세계적인 명성을 안겨주었습니다.
상표
드라마 브랜드에서 Ibsen은 한때 태어나 어린 시절을 보냈던 북부 노르웨이의 가장 외지고 버려진 구석에서 본당을 차지한 젊은 목사 Brand를 묘사합니다. 브랜드는 단호하고 불 같은 성격입니다 (브랜드라는 이름은 "불"을 의미합니다). 그는 성서 예언자의 열정으로 부르주아 사회를 박살내지만 종교적 이상을 위해서가 아니라 인간의 고귀하고 온전한 도덕적 품성을 위해 싸운다. 자신이되고 자신의 소명을 따르는 것-그의 의견으로는 사람의 주된 의무입니다. "All or nothing"은 Brand가 가장 좋아하는 슬로건입니다. 사람이 자신의 삶에 이상적으로 바쳐야 하는 전부 아니면 전무.
브랜드는 처음으로 어머니의 면전에서 돈벌이 정신을 마주한다. 돈을 위해 그녀는 한때 가난한 농장주에 대한 감정을 억누르고 평생 돈의 힘에 종속되었습니다. 죽음이 다가오는 것을 직감한 그녀는 재산의 유일한 상속자이자 자신을 사면해야 할 목사로서 브랜드에게 매달린다. Brand는 자신의 모든 재산을 포기하고 가난하게 죽으라는 그의 요구에 동의하지 않기 때문에 사면을 거부합니다.
또한 브랜드 자신도 자신의 소명을 위해 무거운 희생을 치릅니다. 의사는 태양이 비치지 않는 집에서 우울한 북부 마을에서 남쪽으로 데려 가지 않으면 외동 딸의 죽음으로 그를 위협합니다. Brand는 떠나기를 거부하고 본당을 떠나기 위해 사람들의 영혼에 대한 갈증을 일깨울 수있었습니다. 아이가 죽어 가고 있습니다. 브랜드의 아내 인 온유하고 사심없는 아그네스도 아들의 죽음을 견디지 못하고 죽습니다.
마지막 막에서 Brand는 지역 경찰의 인격으로 국가와 대제사장의 인격으로 공식 교회와 대결합니다. 그는 자신을 매수하려는 명령과 승진을 거부하고 자신이 지은 새 교회를 봉헌하는 것을 거부합니다. 이 교회는 종교 자체와 마찬가지로 더 이상 그를 만족시키지 못합니다. 그는 목가적인 말로 자신이 실제로 부르주아 국가에 봉사했다는 사실을 분개하게 발견합니다. 불 같은 연설로 Brand는 마을과 교회에서 멀리 떨어진 그의 교구민, 가난한 농민을 사로 잡고 그들을 알려지지 않은 위업을 향해 산으로 인도합니다. 그는 노르웨이의 전 생애를 바꾸고, 일 자체를 기쁨으로 바꾸고, 사람들에게 잃어버린 순수함과 성실함을 되돌려 줄 유익한 혁명을 꿈꿉니다. 브랜드는 사람들에게 말합니다: 온 군중과 함께 산을 통해
우리는 회오리 바람처럼 가장자리를 따라 지나갈 것입니다.
함정의 영혼을 부수고,
클렌징, 업리프팅
오래된 쓰레기를 파기 -
분수, 어리 석음, 게으름, 속임수 ...
영생의 상태에서 밝은 사원을 만들기 위해!
"이 호출은 혁명에 접해 있습니다. 예를 들어 1906년 모스크바 예술 극장에서 "브랜드"를 제작하는 동안 러시아에서 인식된 방식입니다.
Brand를 듣고 어부와 농민의 군중이 울부 짖었습니다.
우리를 압박한 모든 이들과 함께,
누가 우리 혈관에서 피를 빨았어!
그러나 G. V. Plekhanov는 Ibsen에 대한 그의 기사에서 Brand의 활동을 정당하게 비난하고 극도의 모호함을 호소합니다. Plekhanov는 다음과 같이 썼습니다. 삶이 아니라 죽음을 위해 그와 싸우는 것이 정확히 무엇을 위해 필요합니까? 브랜다가 그의 열렬한 설교에서 "아무것도"를 반대하는 "모든 것"은 무엇입니까? 브랜드 자신은 이것을 모릅니다.
브랜드는 군중을 산으로 이끈다. 그는 사람들에게 목표를 보여줄 수 없으며 군중의 열정은 소멸됩니다. Plekhanov는 빙하까지의이 여정에서 Brand는 Don Quixote와 매우 흡사하며 군중의 분노한 발언은 Sancho Lanza의 투덜 거림과 비슷하다고 말합니다. 결국 군중은 Brand를 떠나 돌로 그를 때리고 이전 "지도자"인 probst와 vogt가 이끄는 마을로 돌아갑니다. Vogt는 청어 떼가 해변으로 밀려 왔다는 좋은 소식으로 배고픈 어부 군중을 끌어들입니다. 그러나 이것은 운이 좋은 추측일 뿐입니다. 이것은 probst가 이미 설명했듯이 "신의 기적"이 아니라 "성급하게 꾸며낸 넌센스"입니다. 그래서 Ibsen은 굶주린 노동자에 대한 물질적 이익의 힘과 모든 속임수에 대한 부르주아 정부와 성직자의 준비를 보여줍니다.
Brand는 미친 소녀 Gerd의 회사에 홀로 남아 있습니다. 그가 사람들을 불렀던 "생명의 교회"대신에 그는 농민들이 악마의 거주지로 간주하는 산속의 저주받은 곳인 그의 앞에 눈 덮인 교회만을 봅니다.
Brand는 미친 Gerd의 총격으로 인한 눈사태로 사망합니다. 마지막 순간에 그는 천둥소리 같은 목소리를 듣습니다: "하느님은 카리타티스이시다." 이 말은 자비의 인도를 받지 않고 사랑하는 모든 사람을 의무에 희생시킨 브랜드의 전 생애를 가로지르는 말이었습니다. .
당연히 브랜드에 관한 방대한 비평 문헌에서 이 결말이 특별한 주목을 받았습니다. 다양한 가설이 제시되었습니다. 그래서 일부 비평가들은 마지막 말이 하나님의 음성이 아니라 "타협의 정신"에 의해 말해졌다고 믿었습니다. 악령은 평생 브랜드를 유혹했고 이제 그의 마지막 순간을 독살했습니다. 반대로 다른 사람들은 이 결말에서 입센이 그의 영웅을 비난하는 것을 보았다.
사실, 우리 앞에는 문제에 대한 복잡하고 모순적인 해결책, 비극적인 절망 속에서 이 문제를 제기하려는 열망이 있습니다. 자비의 법을 선포하는 소리는 인본주의자 입센에게는 거짓된 소리일 수 없었다. 브랜드의 이데올로기 적 반대자 인 늙은 의사가 3 막에서 같은 말을하는 것은 아무것도 아닙니다. 의사는 소음없이 일상 업무를 수행하면서 산과 협곡을 통해 환자에게 첫 번째 전화를 걸어 자비가 부족하다고 브랜드를 비난합니다.
그러나 Ibsen은 Brand를 비난하지 않고 끝까지 그를 존경합니다. 가혹한 의무와 자비 사이의 갈등은 Ibsen에게 풀리지 않는 것 같습니다.
그러나 그의 기사에서 Plekhanov는 Ibsen에서 종종이 갈등이 터무니없는 것으로 판명되었음을 보여줍니다. Plekhanov는 "브랜드의 요구는 무의미하기 때문에 비인간적입니다. "라고 썼습니다. 따라서 브랜드가 죽어가는 어머니와의 갈등이나 아이의 질병에도 불구하고 북부 지역에 머물기로 한 결정을 이해할 수 있다면 아이가 죽은 후 아내를 대하는 잔인 함은 완전히 이해할 수 없습니다. 그는 그녀가 그에 대해 우는 것을 금지하고, 자녀의 물건을 빼앗아 거지에게주고, 그녀가 가슴에 숨기려고했던 모자를 벗습니다. 이것으로 그는 그대로 아그네스를 환상에서 해방시키지만 이것으로 그녀는 죽습니다.
Plekhanov는 특정 이상과 목표가없는 남성 만이 어머니의 슬픔을 표현한 여성을 그렇게 무의미하게 비난 할 수 있다고 올바르게 말합니다. Plekhanov는 크고 구체적인 아이디어를위한 진정한 투사, 반대로 혁명가는 고아 어머니에게 따뜻한 동정과 관심을 보일 것이라고 믿습니다.
Ibsen의 특징적인 개인주의는 이 연극에서 매우 분명하게 드러난다. 입센은 전 작품을 통해 인류의 행복과 도덕적 순수성을 위한 고독한 전사와 자기애적 이기주의자만을 식별하고 긍정하려는 두 부류의 개인주의자를 그린다. 자신의 성격. 이것이 브랜드와 Peer Gynt의 차이점입니다. 입센은 이기적인 개인주의자들을 돌이킬 수 없이 비난합니다.
피어귄트
극시 "Peer Gynt"(1866)는 극화 된 민화, 사회 풍자적 코미디, 정치 희극, 철학적 드라마 등 다양한 주제와 장르를 결합한 매우 복잡한 연극입니다. 그녀의 영웅은 고향 마을에서 많은 문제를 겪은 명랑하고 방종한 마을 소년, 부와 영광을 꿈꾸는 자랑스럽고 몽상가입니다. Peer Gynt는 Brand의 정반대입니다. 개인적인 쾌락을 위해 사는 나르시시스트 이기주의자입니다. 브랜드의 엄격한 모토: "Be yourself"—Per는 "자신에 만족하라"라는 한 단어만 추가하여 수정했습니다.
그리고 동시에 Per는 독특한 매력이 없습니다. 그는 잘 생기고 쾌활하며 민화를 좋아하고 환상을 품을 때. 자신에게 엄청난 업적을 부여하면 그에게 진정한 시인이 느껴집니다. 술에 취한 무리가 그의 꿈이나 가난을 비웃을 때, 우리는 그에게서 부당하게 박해받는 민화의 영웅의 특성을 짐작할 수 있습니다. 그는 어머니와 겸손한 소녀 Solveig를 열정적으로 사랑합니다. 그의 어머니가 죽었을 때 그는 브랜드와 달리 그녀의 마지막 순간을 편하게 해주고 동화로 그녀를 달래주었습니다.
이 모든 매력적이고 시적인 특징은 Ibsen이 민속 전설에서 그의 영웅을 가져 왔다는 사실로 설명됩니다. 노르웨이 마을에서 그들은 18 세기에 살았던 자랑스럽고 성공적인 Pere Gynt에 대해 이야기했습니다. Ibsen은 이러한 구전 전설과 Asbjørnsen이 수집한 노르웨이 이야기를 모두 사용했습니다. Per의 이미지는 노르웨이 농민의 자유를 사랑하는 정신 인 동화와 북부 자연의 숨결로 덮여 있습니다. Peer Gynt가 처음에는 그렇게 매력적으로 보이는 것도 당연합니다.
그러나 Per는 점차 그의 본성 및 단순하고 겸손한 사람들과의 관계를 잃고 농민 및 국가적 특징을 잃습니다. 그의 파렴치함은 트롤과 함께 머무르는 에피소드에서 우화 동화 계획에서 처음으로 나타납니다. 왕이되는 꿈-적어도 트롤의 지하 왕국에서 그는 트롤의 왕인 Dovre 할아버지의 딸과 결혼하기로 동의하고 일광과 인간의 본질을 포기하고 심지어 자신의 꼬리를 달기로 동의합니다. 그는 눈을 뽑고 싶을 때만 항의합니다. 동시에 여기 트롤의 멋진 이미지가 사회 정치적 캐리커처의 특징 인 그로테스크 한 캐릭터를 획득한다는 사실을 잊지 말아야합니다.
둘째, Per의 파렴치함은 Per가 단일 전투에 들어가는 이상한 괴물 인 Curve의 형태로 상징됩니다. Kriva와의 만남과 트롤과의 체류는 모두 Ibsen이 민화에서 가져 왔지만 Peer Gynt는 여전히 승자였습니다. 여기서 그는 매번 항복합니다. "돌아가"라는 Curve의 교활한 조언은 Per의 삶의 원칙이되어 근본적인 결정을 내리지 못하게합니다.
Peer Gynt는 미국으로 떠나 노예상이 됩니다. 가장 비열한 상업 형태도 그를 거부하지 않습니다. 그는 흑인 노예를 미국으로, 우상과 기독교 선교사를 중국으로 수입합니다. 우리는 남은 생애를 레크리에이션과 오락에 바치기로 결정한 아프리카 해안에서 Peer Gynt를 다시 만납니다. Ibsen은 부유한 Per의 친구와 프리로더를 소개합니다. 이들은 영국인 Mr. Cotton, 프랑스인 Monsieur Ballon, 독일인 von Eberkrpf 및 스웨덴인 Trumpeterstrole입니다. 우리 앞에는 밝은 캐리커처 이미지가 있습니다. 예, Peer Gynt 자신은 마침내 자기 만족적이고 위선적 인 상인의 풍자적 특징을 얻습니다. 행거 온은 Peer Gynt 앞에서 가능한 모든 방법으로 자신을 모욕하고 그의 마음과 위대함을 칭찬하지만 결국 그의 요트와 돈을 훔칩니다. 여러 번 강도를 당하고 육지와 바다에서 온갖 불행을 겪은 노인 Peer Gynt는 고향으로 돌아갑니다. 쓸데없이 살았던 삶에 대한 심판의 시간이 왔습니다. Ibsen은 Per의 절망과 영적 공허함을 상징하는 여러 우화 이미지를 소개합니다. 사막 지역에서는 마른 잎, 부러진 빨대, 어떤 종류의 공이 그의 발 아래에서 발견됩니다. 이 모든 것은 Peer Gynt가 생각하지 않은 생각, 그가 수행하지 않은 행위, 그가 작곡하지 않은 노래입니다. Per는 세상에 어떤 이익도 가져다주지 않았고 사람의 이름을 소중히 여기지 않았습니다. 마지막으로 Per는 자신의 영혼을 타락한 물질로 다른 사람들과 함께 녹이려는 Buttonmaker를 만납니다. Per는 충격을 받았으며 무엇보다도 그는이 "I"가 얼마나 중요하지 않은지 이미 깨달았지만 그의 "I"를 잃는 것을 두려워합니다.
거의 죽음에 가까운 절망의 순간에 그는 어린 시절에 떠났고 잊은 Solveig에 의해 구해졌습니다. 그녀는 그에 대한 기억을 간직했습니다. 평생 동안 노년까지 숲 오두막에서 그를 기다렸습니다. 젊은 Per의 시적 특징은 소녀의 마음을 영원히 사로 잡을 수 있었고 그녀의 영혼에 큰 사랑을 일깨웠습니다. "당신은 내 인생을 멋진 노래로 만들었습니다!" -그에게 눈이 먼 늙고 눈이 먼 Solveig를 알려줍니다. Peer Gynt는 자장가에 맞춰 팔에서 죽습니다. 그는 완전한 망각에서 구해졌고 그의 삶은 헛되지 않았습니다. 조국과 그와의 관계, 젊은 시절의 기억, 모성애와 부부애는 죽어가는 사람도 살릴 수 있는 강력한 힘이다.
솔베이그의 매력적인 이미지, 판타지의 풍부함, 민담과의 긴밀한 연관성, 드라마의 깊은 철학적 의미는 피어귄트를 향한 모두의 시선을 끌었다. 유명한 노르웨이 작곡가 Edvard Grieg는 여전히 매우 인기있는 Peer Gynt를 위해 음악을 썼습니다.
카이사르와 갈릴리
7년 동안 Ibsen은
그는 자신이 "세계 드라마"- "카이사르와 갈릴리"라고 불렀던 철학적이고 역사적인 연극입니다. 그것은 1873년에 완성되었습니다. 그 활동은 4세기 비잔틴 제국에서 펼쳐집니다. 드라마의 주인공은 이미 기독교가 지배적인 종교가 된 그리스와 로마에서 이교를 부활시키려 했던 배교자 율리아누스* 황제이다.
Ibsen은 Julian을 기독교 연대기가 그를 묘사 한 악당으로 간주하지 않았습니다. 그는 오히려 연민과 동정심으로 그를 대합니다. Ibsen 자신은 고대 문화, 인본주의 적 성격에 감탄했습니다. 그의 줄리안은 기독교 광신주의와 종교 분파의 투쟁에 분노한 아름다움과 행복을 갈망하는 이교도의 과거로 향합니다. 그러나 줄리안은 틀렸고 역사를 되돌리려다가 패배한다. Ibsen의 드라마에서 이교도에 대한 기독교의 승리는 이전 단계에 대한 새로운 역사적 단계의 승리입니다. Julian의 실수는 그가 시대의 아이디어를 추측하지 않고 방해하려고 시도했다는 것입니다. 그러나 Ibsen은 기독교가 영원하다고 생각하지 않습니다. Julian의 스승 Maxim the mystic은 서로를 대체해야 할 삼국의 아이디어를 표현합니다. 첫 번째는 육체의 왕국 즉 이교였으며, 영의 왕국 즉 기독교가 그 뒤를 이었습니다. 그러나 세 번째 왕국인 사람의 왕국이 올 때가 올 것입니다. 인간은 우주에 존재하는 유일한 신이며, 자연계에서 인간보다 높은 존재는 없습니다. 세 번째 왕국에서는 육체가 저주를 받지 않고 인간의 정신이 전례 없는 힘에 도달할 것입니다. 이 밝은 미래에 인간은 마침내 행복해질 것입니다.
Ibsen이 공감하는 신비주의자 Maximus의 이러한 꿈은 주로 Hegel의 가르침 인 19 세기의 이상주의 이론을 반영했습니다. 그러나 의심할 여지 없이 입센 자신에게 다가올 제3의 왕국인 인간의 왕국은 부르주아 시대를 대체해야 할 정당한 사회 제도입니다.
거대한 역사 드라마 "Caesar and the Galilean"에서 Ibsen은 비정상적으로 넓은 배경과 많은 작은 캐릭터를 제공하여 시대의 정신과 색상을 재현했습니다. 그는 셰익스피어로부터 이러한 현실적인 기술을 배웠습니다.
현실적인 연극
같은 해에 Ibsen은 마침내 캐릭터의 깊은 심리적 공개로 화제의 사회 드라마를 제작했습니다. 저속함, 잔인함, 위선에 대한 부르주아지에 대한 증오가 이 기간 동안 Ibsen의 결정적인 분위기가 됩니다.
옛날 옛적에 청년 입센은 1848년의 부르주아 혁명을 따뜻하게 환영했고 그 영향 아래서 작가로 성장했다. 그러나 그의 성숙한 창의성은 "(유럽에서) 부르주아 민주주의의 혁명적 정신이 이미 죽어가고 있었고 사회주의 프롤레타리아트의 혁명적 성격이 아직 성숙하지 않은" 해에 떨어졌다. 부르주아 민주주의에 대한 깊은 실망, 부르주아 혁명 정신에 대한 깊은 실망은 Ibsen의 현실적인 드라마에 스며든다. 그는 자신의 이기적인 목적을 위해 혁명적이고 진보적인 구호를 능숙하게 사용하는 부르주아지에게 낙인을 찍는 데 지치지 않습니다. 그의 최고의 연극에서 영리한 사업가와 이기적인 사람들은 이타 주의자, 무관심한 공인, 정치 투사 등의 가면을 쓰고 행동하며 Ibsen은이 멋진 가면을 벗겨냅니다. 지옥-
Vokat Stensgaard (연극 "Union of Youth")는 그의 혁명적 정신, "돈 가방"에 맞서 싸울 준비가되어 있다고 선동적으로 외쳤지 만 실제로 그는 Storting의 한 장소와 부자 신부에만 관심이 있습니다.
Bernic 영사는 진보적 인 인물이자 매우 도덕적 인 사람 (극 "사회의 기둥")으로 간주되지만 친한 친구를 비방하고 젊은 시절의 죄를 그에게 버리는 것으로 경력을 시작했습니다. 사회의 이익에 대한 우려로 그는 실제로 필요한 곳이 아닌 철도 건설을 달성하고 현금을 얻기 위해 인접한 부지를 사들이며 수리가 잘 안됐지만 보험에 가입 된 선박을 항해에 보냅니다. 승무원과 승객이 사망합니다. 그의 이익을 공유하는 그의 친구, 상인 및 선주도 마찬가지입니다. “여기에 우리 사회의 기둥이 있습니다! ”드라마의 여주인공 중 한 명이 씁쓸하게 외친다.
인민의 적에 나오는 부르주아 도시의 아버지들은 물 공급망을 재건하거나 오염된 물을 사용하는 리조트를 폐쇄하는 것을 거부합니다. 둘 다 손실을 약속하기 때문입니다.
동시에 Ibsen의 비판은 새로운 연극이 나올 때마다 더욱 무자비하고 깊어집니다. 그가 1867년에 편지 중 하나에서 Bjornstjerne Bjornson에게 다음과 같이 쓴 것도 당연합니다. 전쟁은 전쟁이다!.. 해볼게
사진 작가가 되십시오. 나는 그곳, 북쪽에서 내 나이와 동시대 사람들의 이미지를 가져갈 것입니다. 나는 그것들을 하나씩 꺼내겠습니다 ... 나는 자궁에있는 아이도 아끼지 않을 것입니다. 생각도, 단어에 숨겨진 분위기도, 주목받을 자격이있는 사람도 아닙니다.
이 세상에 입센은 평범한 사람들, 노르웨이 노동자들을 반대할 수 없었다. 그러나 훨씬 후인 1885년 트론젬 노동자들에게 한 연설에서 그가 현대 민주주의(부르주아 민주주의를 의미함)에 어떤 희망도 걸지 않고 인격의 진정한 고귀함과 진정한 사회 변화를 기대한다고 말한 것은 특징적입니다. 노동자들로부터. Ibsen의 드라마 자체에는 사회 재편을위한 선진적이고 의식적인 노동자, 투사, Ibsen의 연극에는 부르주아 사회에 깊은 상처를 입은 지적인 환경에서 온 고독한 반란군 (Dr.
그러나 고귀하고 반항적인 성격과 범죄적이고 위선적인 사회의 반대 속에서 Ibsen은 큰 힘과 깊이를 얻었습니다. Engels는 Ibsen이 소부르주아 환경에서 항의하는 영웅을 찾을 수 있었던 노르웨이 국민적 성격의 특성을 설명합니다. 노르웨이 농민은 "결코 농노가 아니었다"는 점과 Ibsen의 작업과 노르웨이 국민의 자유에 대한 사랑 사이의 연관성을 부인할 수 없다는 점을 강조하면서 Engels는 다음과 같이 썼습니다. 이것의 그는 타락한 독일 상인에 비해 실제 사람입니다. 그리고 예를 들어 Ibsen의 드라마의 단점이 무엇이든간에 그들은 우리를 묘사합니다. 비록 중소 부르주아이지만 독일 세계와 완전히 비교할 수는 없지만 사람들이 여전히 성격과 주도권을 가지고 행동하는 세계입니다. 외국 개념의 관점에서 그것은 매우 이상하지만 독립적입니다.
인형의 집
Ibsen의 제2기 희곡 중에서 The Doll's House(The Burrow)는 오늘날까지 가장 큰 성공을 거두었습니다. 거짓과 위선이 Gelmers의 가정 생활에 만연해 있습니다. 온유하고 항상 활기찬 노라는 부드러운 어머니이자 아내이며 남편의 무한한 숭배와 보살핌을 즐기는 것 같습니다. 그러나 실제로 그녀는 그에게 인형, 장난감으로 남아 있습니다. 그녀는 자신의 견해, 판단, 취향을 가질 수 없습니다. 괴롭힘과 달콤한 농담, 때로는 "낭비"에 대한 심한 비난으로 아내를 둘러싼 변호사 Gelmer는 그녀에게 심각한 것에 대해 이야기하지 않습니다. 아내에 대한 Gelmer의 걱정은 본질적으로 과시적입니다. 이것은 자신의 우월성에 대한 의식이 스며든 사소한 후견인입니다. Gelmer는 결혼 생활에서 가장 어려운 시련과 걱정이 이미 많은 아내에게 떨어졌다고 의심하지 않습니다. 결혼 첫해에 결핵에 걸린 남편을 구하기 위해 노라는 의사의 조언에 따라 이탈리아로 데려 가기 위해 몰래 대금업자에게 돈을 빌린 후 열심히 일한 대가로 돈을 지불합니다. 이 돈. 그러나 당시의 법에 따르면 여성은 남성의 보증 없이는 돈을 빌릴 수 없었습니다. Nora는 그녀의 지불 능력, 즉 부르주아 정의의 관점에서 그녀가 법안을 위조했다고 주장하는 중병 아버지의 이름을 법안에 넣었습니다.
딸과 부부의 사랑은 노라를 법에 대한 그녀의 "범죄"로 몰아 넣었습니다.
고리대금업자 Krogstad는 Nora를 더욱 공포에 떨게 하고, 그녀를 감옥으로 위협하고, 그녀의 남편이 이사인 은행에 자리를 요구합니다. 그녀를 위협하는 노출을 극도로 두려워하는 Nora는 행복한 여성, 쾌활한 인형을 연기해야합니다. 이 연극은 여주인공의 외적 행동과 진정한 감정 사이의 심오한 대조를 기반으로 합니다. Nora는 여전히 "기적"을 바라고 있습니다. 강하고 고귀한 남편이 그녀를 구할 것 같습니다. /; 어려움에 처한 지원. 대신 변호사 Krogstad로부터 편지의 1/2을받은 변호사 Gelmer는 분노에 빠지고 무례한 비난으로 아내를 비난하며 그의 집에서 끔찍하고 굴욕적인 삶을 예측합니다. 그의 관점에서 범죄자 인 그녀는 그녀가 아이들을 타락시킬 수 / 할 수 없도록 아이들과 의사 소통하는 것을 금지 할 것입니다. 이 순간, Krogstad는 자신이 사랑하는 여성의 영향으로 Nora의 약속 어음을 지불하고 그의 복잡한 이 예기치 않은 구원을 포기하고 마음의 평화를 회복합니다.<ше только Гельмеру, ничтожному эгоисту. Он снова осыпает Нору ласковыми именами, она снова его куколка и птичка. Нора прерывает этот поток нежностей неожид данным предложением сесть и спокойно обсудить, что же про-\ изошло. С резкой прямотой и суровостью она характеризует! ту бездну, которая обнаружилась между ними, ту ложную \ основу, на которой был построен их брак. Это не был союз двух равных, любящих людей; их брак был простым сожительством. Так Ибсен и его героиня срывают с буржуазной семьи все сентиментальные и идиллические покровы. Нора считает, что, прежде чем быть женой и матерью, она должна стать человеком. Она уходит от мужа, покидает его и троих детей. Громко раздается стук захлопнувшейся за ней наружной двери.
당연히 이 결말은 Ibsen에 대한 맹렬한 공격을 불러일으켰습니다. 그의여 주인공은 경박함과기만 혐의로 기소되었고, 그 자신은 결혼 생활을 비방하고 가족을 파괴하려는 혐의로 기소되었습니다. 많은 사람들은 드라마의 끝이 단순히 부자연스럽다고 생각했고, 어떤 어머니도 자녀를 떠나지 않을 것이라고 주장했습니다. 예술가들은 "괴물 같은 엄마" 노라 역을 거부했다. 유명한 독일 여배우 중 한 명인 Ibsen은 두 번째 결말을 썼습니다. 마지막 순간에 Gelmer는 보육원 문을 열고 Nora는 아기를보고 머물러 있습니다. 그러나 입센은 첫 기회에 전자의 끝을 되찾았다.
유령
여성의 영적 반항에 관한 두 번째 연극
중국, 거짓 도덕에 대한 그녀의 반란에 대해- "Ghosts"(1881). "유령"과 "인형의 집" 사이에는 고유한 연결이 있습니다. Ibsen은 자녀를 위해 또는 여론을 두려워하여 여성이 경멸할만한 남성과 함께 있어야한다고 주장하는 반대자들에게 대답합니다. 입센은 남은 여인의 비극을 보여준다.
젊었을 때 Alving 부인은 술고래와 방탕으로 밝혀진 부자와 결혼하여 친척들에게 버렸습니다. 그녀는 그녀가 사랑하는 남자 인 젊은 목사 Manders를 위해 그를 떠났지만 신중한 종교 및 일반 도덕 목사 인 그는 ""그녀를 남편에게 돌려 보내도록 강요했습니다. 그녀의 평생 동안 Alving 부인은 사랑받지 못하는 사람과 함께 살았고 그의 일을 관리했으며 주변 사람들로부터 그의 악을 숨기고 그의 좋은 이름을 위해 싸웠습니다. 그녀는 아버지의 나쁜 영향에서 아들을 제거하고 자신과 고향에서 그를 키웠으며 언뜻보기에 많은 것을 성취했습니다. 청년 Oswald는 좋은 사람이자 유망한 예술가가되었습니다. 그러나 거짓으로 가족을 구하려고 노력한 Alving 부인의 치명적인 실수는 수년 후에 느껴졌습니다. Oswald는 아버지로부터 그를 치매로 이끄는 유전병을 받았습니다.
연극의 끝은 매우 비극적입니다. 아픈 오스왈드는 "어머니, 태양을주세요! "라고 무의미하게 옹알이를하고 슬픔에 휩싸인 어머니는 끔찍한 질문을 결정합니다. 그녀가 이전에 약속한 대로 그에게 치사량의 독약을 투여하십시오. 이 질문은 열려 있습니다. Ibsen은 결정을 청중에게 맡깁니다. 다시 한 번 The Burrow에서와 같이 더 큰 비극으로 그는 상호 불평등에 기반한 불용성 결혼의 부르주아 법이 여성을 밀어내는 절망의 심연을 보여줍니다.
국민의 적
다음 연극 인민의 적(1883)에서 주인공의 항의는 더 이상 가족윤리적 성격이 아니라 사회적 성격을 띤다. 순진하고 온순하지만 매우 원칙적인 사람인 스파 의사 Stockman은 스파의 치유 물이 하수에 의해 체계적으로 오염된다는 사실을 알게됩니다. 난간을 일시적으로 폐쇄하고 급수망을 재건해야 합니다. 그러나 Stockmann 박사의 형제 인 Vogt와 함께 Tyava의 도시 보스는 리조트 운영을 잠시 연기하기 위해 이익을 포기하고 싶지 않습니다. 그들은 문제가 있는 의사의 입을 다물게 하려고 합니다. 그들은 그를 추적하고, 그에 대한 여론을 조직하고, 이를 위해 부패한 언론을 사용하고, 그를 국민의 적이라고 선언합니다.
리조트의 번영과 금전적 이익으로 연결된 소규모 소유주 군중이 그를 공격하고 그의 집 창문을 부수고 있습니다. 그는 서비스에서 해고되고 교사 인 그의 딸도 직업을 거부 당하고 어린 자녀는 학교에 다닐 수 없으며 집주인은 아파트를 비울 것을 요구합니다. 그러나 박해와 괴롭힘은 Dr. Stockman을 깨뜨릴 수 없습니다. 혼자, 가족과 오랜 친구의 지원만으로 그는 싸움을 계속합니다.
이 연극이 제작 과정에서 관객들로부터 강한 반응을 불러일으킨 것은 놀라운 일이 아니다. 1901년 러시아에서는 Stanislavsky가 주연을 맡은 모스크바 예술 극장에서 상연되었으며 혁명적인 것으로 인식되었습니다. 이것은 매우 역사적인 상황에 의해 촉진되었습니다. 상트페테르부르크에서 학생 시위가 방금 구타당했습니다.
그러나 Ibsen의 불일치 특성은 Stockman 박사에서 정확하게 나타났습니다. 의사의 영웅적 이미지는 우연히 이중 해석을받지 않았습니다. 어떤 사람들은 그를 혁명가로, 다른 사람들은 군중을 경멸하는 개인주의자인 니체주의자로 인식했습니다.
그의 투쟁에서 스토크만 박사는 대중에게 의존하지 않을 뿐만 아니라 외로움의 힘에 대한 그의 확신을 표현합니다. “세상에서 가장 강한 사람은 가장 외로운 사람이다. 이 개인주의 선언에 국한되지 않고 Stockman 박사는 군중을 외톨이, 새로운 아이디어를위한 투사, "정신의 귀족"과 직접 대조합니다.
이 모든 것이 이상하고 반사회적인 인상을 줍니다. GV Plekhanov가 Ibsen에 대한 그의 기사에서 "의사는 반동적 넌센스에 동의합니다. "라고 쓴 것은 아무것도 아닙니다. 그러나 Stockman은 정신 귀족 중 지배 계급 대표를 포함하지 않는다는 것을 잊지 말아야합니다. 그는 자신의 형제인 시장을 "가장 역겨운 평민"이라고 부릅니다. 연극의 끝에서 그는 진정으로 자유롭고 고귀한 사람들을 교육하기 위해 학교를 만들기로 결정합니다. 이 학교에서 그는 두 아들 외에도 학교에서 공부할 기회를 박탈당한 가난한 아이들의 거리 아이들을 데려갑니다. "그들 중에 그런 머리가 있습니다!"라고 Stockman 박사는 외칩니다. 이것에서 사람은 본능적으로 사람들에게 길을 찾는 것을 느낍니다.
창의성의 세 번째 기간
Ibsen의 작업의 세 번째 기간(1884-1900)은 The Wild Duck(1884), Rosmersholm(1886), The Woman from the Sea(1888), Hedda Gabler(1890), Solnes the Builder(1892), " Little Eyolf'(1894), 'Jun Gabriel Workman'(1896), 'When We Dead Awake'(1899) 등이 있습니다.
이 기간 동안 Ibsen의 심리학은 깊어지고 때로는 다소 세련된 성격을 얻습니다. 사람에 대한 적극적인 연민인 휴머니즘도 깊어지고 있다. 어른들의 이기심과 무관심으로 죽어가는 아이들의 감동적인 이미지가 그의 작품에 등장하는 것도 당연하다 (The Wild Duck의 십대 소녀 Gedwig, 같은 이름의 드라마의 작은 Eyolf).
항상 Ibsen을 걱정했지만 Brand에서 아직 최종적으로 해결되지 않은 자비의 문제는 이제 인본주의 정신으로 해결되고 있습니다. Ibsen이 그의 드라마 The Wild Duck에서 브랜드 이미지의 비극적 버전을 제공하는 것은 우연이 아닙니다. 그레거스 벨레입니다. Brand가 사회 전체를 재교육하고 사회적 관계의 거짓에 눈을 뜨게 하려고 노력했다면 Gregers Werle은 그의 친구 Hjalmar Ekdal의 도덕적 재교육으로 바쁩니다. 그는 가족 관계의 거짓말에 눈을 뜨고 원칙적이고 정직한 사람으로 만들기 위해 노력하고 있습니다. Hjalmar Ekdal은 자기애 적 이기주의자이기 때문에 그는 성공하지 못했습니다. 그러나 그 과정에서 Gregers Werle은 사람들에게 많은 악을 가져옵니다. 주로 친구를 구하는 Ekdal의 아내는 사실 친절하고 열심히 일하는 여성, 좋은 어머니이자 아내로 밝혀졌습니다. Gregers Werle은 그의 간섭으로 그녀에게 새로운 슬픔을 안겨줍니다. 이 개입의 결과, 그녀의 딸 Gedwig는 그녀가 아버지를 생각하고 열렬히 사랑했던 계부 Hjalmar에게 거부당하고 스스로 목숨을 끊습니다. 아이의 죽음으로 Hjalmar Ekdal은 그의 이기심에 대한 대가를 치르고 Gregers Werle은 도덕 문제에 대한 잘못된 열정에 대한 대가를 치릅니다.
증가된 휴머니즘에는 입센의 후기 드라마의 확실한 장점이 있습니다. 그러나 동시에 그들은 현실주의에서 벗어난 것이 특징입니다. 연극의 사회적 소리가 약해지고 더 실내적인 성격을 얻습니다. 유형화도 약해지고 주인공의 이미지는 특정 정교함의 흔적을 남깁니다. 종종 이들은 아프고 부서진 사람들입니다. 노년의 비극이나 재능의 퇴색은 이제 Ibsen이 가장 좋아하는 주제가 되고 있습니다. 상징주의에 대한 Ibsen의 끊임없는 매력은 때때로 이전의 사실적인 내용을 잃습니다. The Woman from the Sea의 낯선 사람의 이미지는 비현실적이며 일부 드라마의 결말은 너무 우화적입니다. 자랑스럽고 외로운 영웅, 도덕적이고 창조적 인 재생을 갈망하고 군중에서 멀리 떨어진 높은 봉우리에서 죽습니다.
다양한 표현으로 이기주의를 드러내는 것은 그의 작업의 마지막 기간에 입센의 주요 목표로 남아 있습니다. 그녀의 애인 ( "Rosmersholm").
Rita Almers의 이기주의는 자연, 책, 자녀를 위해 남편을 질투하고 이기적인 열정의 희생으로이 아이의 건강과 생명을 희생하는 "Little Eyolf"에서 보여집니다. 특징적으로 Rita Almers는 이겼을 뿐만 아니라 가난한 교사의 사랑을 산 매우 부유한 여성입니다. 그녀의 남편이 그녀에게 자유를 준 "금과 푸른 숲"에 저주를 보내는 것은 당연합니다. 따라서 절묘한 심리적 드라마는 갑자기 사회적 의미를 얻습니다.
드라마 <죽은 우리가 깨어날 때>에서는 소명을 위해 산 사람을 희생하는 작가의 이기심이 고발된다. 아름다운 조각상을 만든 조각가 루벡은 모델의 사랑을 눈치 채지 못하고 그녀의 감정을 짓밟고 그녀를 심각한 정신 질환에 빠뜨 렸습니다. 그는 젊은 아내 Maya를 무관심하고 이기적으로 대하지만 그녀는 그와 헤어지고 새롭고 독립적 인 삶을 시작할 충분한 힘이 있습니다.
헤다 가블러
아마도 니체 유형의 이기주의는 심리극인 헤다 가블러에서 가장 극명하게 드러난다. 장군의 자랑스러운 귀족 딸인 Hedda Gabler는 겸손한 과학자 Tesman과 결혼합니다. 군사 귀족 계급의 편견은 그녀가 선택된 본성이라는 확신과 함께 나르시시즘과 결합됩니다. 그녀는 남편을 경멸하고 그의 옛 이모를 조롱합니다. 훌륭하지만 타락한 과학자 Levborg에 대한 그녀의 사랑은 증오의 특성을 취합니다. 그녀는 그의 인생에서 치명적인 역할을 꿈꿉니다. 그의 아내가 되는 것을 거부한 그녀는 그가 견디지 못할 것이라고 확신합니다. 그러나 몇 년 후 그녀는 좋은 여성 Thea Elvstead의 영향으로 도덕적으로 부활하여 살아 있고 건강하게 그를 만납니다. 그는 Hedda의 남편이 결코 할 수 없었던 것과 같은 학술 작품을 쓰기까지 했습니다. 다양한 감정과 무엇보다도 Tee에 대한 질투에 이끌려 Gedda는 Levborg를 죽음으로 밀어 넣습니다. 그녀는 그의 원고를 불태우고 자살하라고 충고한다. 그녀는 그에게 권총을주고 "아름답게 만들기 위해서만, Levborg! "라고 끈질 기게 반복합니다.
Levborg는 죽었지 만 그의 죽음은 추악하고 의도하지 않은 것으로 판명되었습니다. 그가 술에 취해 계속해서 원고를 찾았을 때 권총이 실수로 주머니에서 방출되었습니다.
Levborg를 위해 싸운 두 여성은 그의 죽음에 다르게 반응합니다. Thea Elvstead는 그녀가 보존한 초안에서 잃어버린 책을 복원하기 시작합니다. Hedda Gabler는 그녀의 모든 악마적인 꿈이 무너진 것을보고 협박 자에게 위협을 받아 자살합니다. 우리 앞에는 파괴자이자 창조자 인 Ibsen의 특징 인 두 여성의 결투가 있습니다.
Ibsen의 잘 알려진 불일치는 그의 작업에 대한 가장 다양한 해석에 기여했습니다. 문학 작품에서 가장 큰 실수는 Ibsen을 Nietzsche 철학의 지지자로 특성화하는 것입니다.
Ibsen의 연극에 대한 진지한 분석은 그 반대를 확신합니다. Ibsen의 긍정적 인 영웅의 모든 개인주의에 대해 그들은 항상 선을 위해 노력하는 매우 도덕적 인 성격입니다 (Brand, Stockman, Rosmer, Frau Alving 등). 선과 악을 초월하려는 이기적 개인주의는 입센에 의해 폭로된다.
입센의 예술적 독창성
또 다른 일반적인 실수는 입센을 자연주의자로, 때로는 (마지막 기간과 관련하여) 퇴폐적으로 바꾸는 것입니다. 자연주의와 상징주의는 후기 입센에게 어느 정도 영향을 미쳤다. 그래서 그는 진보한 사람이었고 현대 의학의 업적에 관심이 있었기 때문에 때때로 유전 이론을 너무 좋아했습니다. "고스트"에서 오스왈드의 병, "인형의 집"에서 중병에 걸린 랭크 박사의 이미지가 이 이론을 설명합니다. 병리학에 대한 잘 알려진 관심은 Hedda Gabler의 이미지에서도 나타납니다. 그러나 입센의 작품에서 자연주의의 요소를 과장해서는 안 됩니다. 그는 사소한 일상주의, 현실 사진 촬영에 결코 의지하지 않았으며 항상 깊은 일반화와 날카로운 갈등의 길을 따랐습니다. 그의 모든 작업은 매우 이념적입니다. 그는 또한 자연주의에 반대하는 이론적 주장을 가지고 있습니다.
입센의 매력과 방식의 독창성의 비결은 줄거리의 매혹에 있지 않고 효과를 추구하는 데 있지 않았다.
그의 최고의 드라마에서 그는 일상 생활의 엄격하게 사실적인 그림을 제공하고 최대한의 단순성을 위해 노력합니다. 그가 자주 삼합의 원리를 부활시킨다는 사실은 오래 전부터 지적되어 왔다. 그의 행동은 종종 같은 방에서 하루 만에 펼쳐집니다. 물론 입센이 고전주의자였다는 것은 아닙니다. 고전주의는 오래 전에 사라졌습니다. 입센은 상황의 단순성과 통일성으로 내용의 의미를 강조했을 뿐이다.
그들의 연극.
입센 드라마의 특징은 오랜 갈등의 해결이라는 점이다. Ibsen의 각 연극은 인생 드라마의 마지막 단계인 결말을 나타냅니다. 가장 중요한 사건의 대부분은 과거, 연극의 선사 시대로 이관됩니다. Ibsen의 모든 주인공은 소중한 비밀을 간직하고 있으며 점차 관객에게 알려지게됩니다. 때때로 Bernick 영사("Pillars of Society"), Rebecca West("Rosmersholm"), Solnes 건축업자 및 기타 많은 사람들과 같이 수치스럽거나 범죄적인 비밀입니다. 때때로 그것은 Nora나 Frau Alving의 이야기처럼 신성한 비밀, 오랜 자기 희생의 이야기입니다. 동시에 전체 연극은 범죄이든 실수이든 이전에 저지른 것에 대한 보복의 그림으로 바뀝니다.
두 번째 특징은 Ibsen의 토론 놀이, 이데올로기적이고 원칙적인 성격의 긴 논쟁에 존재한다는 것입니다. 캐릭터 자체가 무슨 일이 있었는지 토론하고 설명합니다. 따라서 Alving 부인은 죽은 전통을 옹호하는 목사와의 분쟁에서 자신의 끔찍한 예를 들어 반박합니다. Nora는 부르주아 가족을 옹호하기 위해 Gelmer의 모든 주장을 깨뜨립니다. Stockman 박사와 도시 보스와의 분쟁이 집회 연단에 올랐습니다. 깊은 심리적 드라마와 명확하고 감성적인 설명의 조합은 입센의 연극에 특별한 설득력을 부여합니다.
전 세계 모든 극장을 돌았던 입센의 드라마는 세계 드라마에 강한 영향을 미쳤다. 사회적 현실에 대한 비판과 등장인물의 정신적 삶에 대한 관심은 19세기와 20세기로 접어들면서 진보극의 법칙이 되었다. Ibsen의 직접적인 영향으로 B. Shaw 및 G. Hauptmann과 같은 극작가의 작업이 구체화되었습니다.
Ibsen의 거의 모든 연극은 러시아 무대에서 상연되었으며 그 중 다수는 여전히 소련 극장의 레퍼토리에 포함되어 있습니다. Ibsen의 작업은 M. Gorky, K. S. Stanislavsky, A. V. Lunacharsky, A. Blok에 의해 높이 평가되었습니다.
Ibsen의 창의적인 길을 고려할 때 전기적으로나 창의적으로 셰익스피어의 삶과 몇 가지 놀라운 유사점을 관찰할 수 있습니다. , 연극을 쓰는 경험. . 셰익스피어와 입센은 아마도 둘 다 드라마와 가사라는 두 장르의 공간에서 일했다는 사실로 하나가 됩니다. 두 장르 사이에 예술적 다리를 우아하게 던진 것은 바로 이러한 예술가들입니다. 아마도 1860년대 입센의 작품에서 일어난 드라마 분야의 창조적 돌파구에 기여한 것은 바로 가사였을 것입니다.
1860년경 Ibsen은 "On the Heights"와 "Terje Vigen"이라는 매우 중요한 시를 창작합니다. 그는 이전에 자신을 찾고 다른 문학 장르에서 일하려고 노력했지만이 두시에서만 가치있는 예술적 수준에서 자신의 임무를 해결할 수있었습니다. 영웅이 근본적으로 중요한 삶의 결정을 내리고 도덕적 선택을하는 것을 묘사하는 것입니다.
Ibsen이 전문 작가, 즉 예술적 창의성을 소명으로 삼은 사람으로서의 기반을 마련하기까지는 오랜 시간이 걸렸습니다. 그가 걸어온 길은 결코 직접적이고 쉬운 것이 아니었습니다. 이른바 창조적 돌파구를 찾기까지 오랜 세월 동안의 작업은 시행착오와 실패로 가득했습니다. The Struggle for the Throne(1863)과 Brand(1866)에서만 검색 기간이 끝났고 Ibsen이 전문 기술을 완전히 마스터했음이 분명해집니다. "Peer Gynt"(1867)와 같은 "Brand"는 원래 독자층에게만 전달되었습니다. Ibsen은이 방대한 작품을 모두 극적인 시로 간주했습니다. 그러나 곧 무대의 관점이 그들 앞에 열렸습니다.
1875년 입센은 베르겐에서 일해야 했던 시기(1851~1857)를 자신의 형성기라고 불렀습니다. 무대의 요구 사항에 대한 지식과 기술을 습득하는 것이기 때문에 사실입니다. 극장에서의 일상적인 작업은 극작가 입센의 미래 세계적 성공을 준비했습니다. 그러나 그가 Bergen 경험을 상당히 유익하게 사용하기까지는 많은 시간이 걸렸습니다. 더욱이 무대의 법칙을 아는 것만으로는 드라마투르기 분야에서 성공할 수 없습니다.
그의 에세이 "현대 돌파구의 사람들"에서 Georg Brandes는 "인생의 투쟁에서 Ibsen의 서정적 말이 쫓겨났습니다. "라고 말했습니다. 이 진술에는 약간의 진실이 있을 수 있습니다. 1870년대에 입센은 시적 형식을 포기했습니다. 그러나 정당한 질문이 생깁니다. 입센의 서정 작품은 극작가로서의 그의 형성을 철저히 준비하지 않았습니까? 시는 간결한 표현 형식과 최대한의 명확성을 요구합니다. 즉, 작업의 언어와 구조 측면에서 높은 수준의 "의식"입니다. 무대 예술은 작가에게 비슷한 요구를 합니다.
입센 희곡의 사건은 우리가 시에서 관찰하는 것과 유사한 내적 연결과 논리적 전개를 갖는다. 가장 중요한 가사 기술 중 하나는 반복입니다. Ibsen의 드라마투르기(예: 병렬 장면 및 캐릭터의 중복 복제)에서도 추적할 수 있습니다. 50년대 후반과 60년대 초반으로 거슬러 올라가는 그의 가장 큰 두 시에서 Ibsen은 모든 의미에서 완전한 창의적 무결성을 입증했습니다. 즉 "On the Heights"(1859-1860) 및 "Terje Vigen"(1861) - 1862). 그들에서 우리는 Ibsen이 선택과 관련된 위기를 통해 빛에 이르기까지 인간의 험난한 길에 대한 서정적 서사적 묘사를 어떻게 "극화"하는지 볼 수 있습니다.
두 시의 구조는 아리스토텔레스가 "비극의 줄거리"라고 불렀던 것, 즉 일련의 사건 과정을 연상시킵니다. 예를 들어, 시 "Terje Vigen"에서 Ibsen이 어떻게 주인공의 머리 색깔을 변경(짙은 검은색에서 완전한 회색으로)하여 그의 삶의 다양한 단계를 반영하는지 봅니다. 병렬 장면과 Terje Vigen과 영국인 사이의 극적인 충돌(과거에 발생한 충돌)의 반복은 모두 형식의 명확한 숙달을 증언합니다. 이 두 시를 하나로 묶는 것은 둘 다 중심 갈등과 그에 따른 해결을 중심으로 구축되었다는 것입니다. 아리스토텔레스는 이것을 각각 결점(lesis)과 단죄(lysis)라고 불렀다.
분명히 Ibsen은시에 극적인 성격을 부여합니다. 선택의 결정적인 순간에 영웅은 일반적인 1 인칭 서사시를 대체하는 독자에게 독백을합니다. 이 시들에서 우리는 또한 입센이 시적이고 상징적이며 동시에 일반적으로 노르웨이어인 자신만의 풍경을 만들기 시작했음을 알 수 있습니다. 여기서 산과 바다는 단순한 풍경이나 등장인물의 삶이 배경이 되는 배경보다 훨씬 더 중요합니다. 일어난다. 산과 바다는 Ibsen의 예술 세계에서 특별한 역할을 합니다. 나중에 그의 닫힌 세속 살롱에서도 같은 역할을 할 것입니다. 이 작가의 작품에는 대도시, 숲, 평야가 설 자리가 없다.
가사와 드라마에 관한 Bjornson
Björnson은 시와 같은 "집중된"장르에서의 경험이 작가-극작가의 운명에 유익한 영향을 미칠 수 있다고 말한 적이 있습니다. 1861년에 창의적으로 발전하는 동안 그는 주요 드라마 프로젝트인 King Sverre와 Sigurd Slembe를 로마에서 막 작업하고 있었습니다. 동시에 그는 작은 시도 썼다.
고국인 Christiania에게 보낸 편지 중 하나에서 Bjornson은 그러한 시적 경험이 그에게 매우 유용했다는 확신을 표현했습니다. “서정적인 장르는 힘들고 거의 보석 작업이 필요합니다. 가장 보잘 것 없는 시적 작품까지 창작해 본 경험이 드라마의 대사를 더욱 세련되게 만들어준다. 크고 중요한 주제에 대한 작업을 시작하면 주변 세계로 향하고 모든 색상과 음영을 전달하는 기능이 매우 유용합니다.
Ibsen도 비슷한 경험을 했을 가능성이 높습니다. "On the Heights"와 "Terje Vigen"이라는 시가 극작가로서 Ibsen을 형성하는 데 매우 중요했다고 말하는 것이 안전합니다. 이 시들은 인간이 직면할 수 있는 실존적 선택에 대한 윤리적 측면에서 근본적으로 다른 두 가지 옵션을 보여줍니다.
따라서 우리는이시의 저자의 두 가지 hypostases, Georg Brandes가 말한 Ibsen의 두 얼굴-가혹하고 부드럽습니다. 의심 할 여지없이 그러한 이중성은 60 년대에 어려운시기에 작가의 가혹한 삶의 경험과 경험의 영향으로 형성되었습니다. 따라서 Ibsen의 모든 작업의 근본적인 이중성과 평생 동안 그에게 일어난 내부 대화입니다. 창조주의 영원한 딜레마.
자아실현
Ibsen의 조형기를 고려하면 그가 얼마나 느리고 불확실하게 자신의 개성이 뚜렷하게 보이는 작가의 세계를 창조했는지도 알 수 있습니다. 극작가로서 그는 의심할 여지 없이 갈등 연구를 위한 자료를 축적할 필요가 있었고, 관계, 가치, 존재 형태 및 삶에 대한 전망의 모순을 명확하게 이해해야 했으며, 이를 함께 밀어붙이는 방법을 배워야 했습니다.
그는 우선순위와 관계에 대한 근본적인 선택을 해야 하는 삶의 상황에 캐릭터를 배치할 필요성을 느낍니다. 그리고 그러한 상황에 처하는 것은 결과에 대한 내부 투쟁과 불확실성을 수반합니다. 이 선택은 다양한 선택지가 있다는 점에서 자유로워야 하며, 그럼에도 불구하고 이 선택이 이루어졌을 때 극적 인물의 성격에서 희랍어 "에토스"라고 부를 수 있는 것의 논리적 귀결이 되어야 한다.
성격 자체는 완성된 가치가 아니라 선택을 통해 실현되는 가능성으로만 존재한다. 젊은 입센에게 매번 더 명확해지는 것은 바로 이 원칙입니다. 사람의 자기 실현은 결정적인 선택, 경로 선택, 가치 선택을 통해서만 발생할 수 있으며 동시에 실존적 선택이기도 합니다. 그러나 Ibsen이이 문제를 해결하는 데있어 순전히 문학적 기술을 완전히 습득하기까지는 갈등 묘사에서 가장 중요한 것이 성격 문제라는 것을 이해하기까지는 오랜 시간이 걸릴 것입니다.
예를 들어 1850 년시 "The Miner"에서와 같이 Ibsen이 이미 그의 창의적인 경로의 맨 처음에이 방향으로 첫 걸음을 내딛는 것을 쉽게 알 수 있습니다. 그리고 같은 해 데뷔작인 <카틸리나>에서는 주인공이 퓨리아와 아우렐리우스라는 두 여성으로 의인화되는 두 가지 라이프스타일 중 하나를 선택해야 하는 상황에 놓이게 된다.
사회의 눈으로 본 삶, 투쟁의 장에서의 삶은 안락함과 평화 속에 있는 폐쇄된 가정 세계에서의 삶과 대조됩니다. 카틸리나에게는 두 가지 삶의 방식이 나름대로 매력이 있어, 두 여자 중 어떤 길을 선택해야 할지 망설이게 된다. 결국, 그들은 둘 다 그것을 소유하는 것을 꿈꿉니다. Fury는 Catiline이 영원한 영광을 위해 자신과 다른 사람의 생명을 걸도록 설득합니다. 그러나 결국 아우렐리우스가 그를 대신해 싸움에서 승리한다. 여자의 사랑은 결국 세상에서 가장 큰 힘입니다.
평생 동안 Catiline은 열정의 요소를 선호하고 영광과 권력의 유혹에 굴복했지만 죽음의 시간이 왔을 때 밝은 사랑의 Aurelius가 우울하고 복수심에 찬 분노를 이겼습니다. 그것은 Catiline 평화와 평온을 약속하기 때문입니다. Aurelius는 그가 이전에 어떻게 살았고 무엇을했는지에 관계없이 가장 절망적 인 순간에 그의 도움을 받아 그를 구합니다. 이 여성의 사랑은 Catiline에 여전히 귀족이 남아 있음을 보증합니다. 권력에 굶주린 반란군 - 그러나 그는 로마에 좋은 일이 있기를 바랐습니다.
연극 Catiline은 Ibsen의 모든 후속 극작에 대한 재능있는 서곡이기 때문에 주로 흥미 롭습니다. Ibsen이 1875년에 다시 Catiline으로 돌아왔을 때 그는 지난 25년 동안 그가 쓴 많은 부분이 그의 첫 번째 드라마에 이미 통합되어 있음을 발견합니다. 그리고 그는 데뷔가 성공적이라고 생각했습니다. 그러나 경험이 부족한 젊은 작가가 아직 자신의 계획을 조화롭게 실행할 수 없다는 것도 분명합니다. '카탈리나'는 혁명 드라마이자 복수의 비극, 주인공의 삼각관계를 동시에 그린 작품이다. 또한 기독교적 가치와 이교도적 가치관의 관계라는 주제를 다룬 드라마적 요소를 담고 있다.
Fru Inger of Estrot(1854)의 저술로 입센은 극작가로서 큰 발걸음을 내디뎠습니다. 주인공이 처한 선택의 상황이 훨씬 더 명확하게 제시된다. 이벤트 과정은 보다 일관되게 구축됩니다. 연극의 예술적 현실은 복잡하고 복잡한 음모로 짜여져 있습니다. 글자, 누락 및 모든 종류의 오해를 위한 장소가 있습니다. (입센이 프랑스 극작가 유진 스크라이브의 발자취를 따르고 있다는 것이 분명해졌는데, 그는 당시 연극 레퍼토리에서 주도적인 위치를 차지했습니다.)
Frau Inger의 선택 상황은 그녀 자신의 운명과 노르웨이의 미래 모두와 관련된 명령과 결부되어 있습니다. '직업이 목숨보다 중요하다'는 주제는 '카타리나'에 비해 이번 드라마에서 훨씬 더 뚜렷하게 들린다. Frau Inger에게 맡겨진 임무는 그녀가 연합의 유대에 묶인 조국에서 투쟁의 깃발을 들어야 할 것입니다. 그녀는 다른 사람들의 영향을 받았지만 자발적으로 이 임무를 맡았습니다.
Ibsen은 야망과 권력에 대한 욕망의 이기적인 동기와 항상 혼합 될 수있는 사회적으로 의미 있고 영웅적인 행동의 필요성을 규모의 한쪽에두고 다른 한쪽에는여 주인공 자신의 삶과 남편에 대한 사랑과 어린이. Fru Inger는 이 서로 다른 가치들 사이에서 필사적으로 움직이며 마침내 그것들을 결합하려고 시도합니다. 그녀는 모성애의 목소리와 사회적 야망의 목소리에 모두 귀를 기울인다. 결과적으로 끔찍한 비극이 발생합니다. 그녀의 잘못으로 그녀의 유일한 사랑하는 아들이 죽습니다.
이 드라마 Catilina와 Fru Inger는 모든 약점에도 불구하고 젊은 작가가 스스로 창조하는 창조적 우주의 윤곽을 명확하게 보여줍니다. 그는 역사적, 정치적 주제를 바탕으로 두 연극을 모두 기반으로했습니다. Ibsen은 역사적 비극이 극작가에게 최고의 요구 사항을 요구하고 많은 어려움에 직면한다는 것을 잘 알고있었습니다. 1857년의 연극 평론에서 그는 이렇게 썼다.
이후 장에서는 입센이 어떻게 다양하고 복잡한 역사적 자료를 작업했는지 자세히 살펴보고 이를 매우 엄격한 극적 형식에 맞추도록 노력할 것입니다. 이제 처음부터 그는 역사를 작업의 자료로 간주했다고 가정 해 봅시다. 그리고 그는 자신의 민족의 역사를 탐구하고 "Estrot의 Fru Inger"를 만들 때 가장 잘 성공합니다.
Ibsen의 다른 초기 연극에는 복잡한 극적 음모의 구성에 대한 확신이 부족합니다. 이러한 불확실성은 그가 선택한 무대 자료와 셰익스피어, 쉴러, 빅토르 위고, 헬렌슐레거의 작품뿐만 아니라 무용담과 민화에서 자신의 캐릭터에 대한 문학적 원형을 어디에서 가져오는지에서도 분명합니다. 그러나 결국 거의 모든 극작가가이 수준에 존재했습니다. 특히 특징적인 예는 "연극 장인"Eugene Scribe였습니다.
Ibsen이 Scribe의 무대 경험에서 얻을 수 있는 긍정적인 교훈은 드라마의 음모는 논리적 동기가 있어야 한다는 것입니다. 그러나 소위 "잘 만들어진 연극"(piece bien faite)이 작가에게 미치는 영향은 위험할 수 있습니다. 극적인 행동의 주요 신경을 파괴하십시오. 시청자와 독자는 누가 누구이며 그들 각각에게 정확히 무슨 일이 일어나고 있는지 파악하기 어려울 수 있습니다.
Scribe의 영향은 앞으로 오랫동안 Ibsen을 괴롭힐 것입니다. 예를 들어 갈등을 시작하는 이유로 문자를 사용하는 반복적으로 발생하는 장치와 같은 첫 번째 Ibsen 드라마에서 이미 볼 수 있습니다. 물론 이 영향은 어떤 면에서는 유용할 수도 있습니다. 예를 들어 Scribe는 무대 효과가 만들어지는 방식을 정확히 알고 있었습니다. 그러나 연극의 기술적인 측면은 주제의 이익을 위해 복종하고 봉사해야 합니다. Ibsen은 이것에 대해 의심의 여지가 없었습니다. 1857 년 그의 기사 중 하나에서 그는 새로운 프랑스 드라마가 원칙적으로 장인 정신의 걸작을 만들고 기술을 완벽하게 마스터하지만 "예술의 본질을 희생"(4:619)한다고 썼습니다. 또한 그녀는 시가 심하게 부족합니다. 그러나 Ibsen은 그 "진정한 시"가 무엇인지 정확히 알고 있었습니다(4: 615).
The Feast at Sulhaug(1856)와 The Warriors at Helgeland(1858)라는 제목의 드라마에서 Ibsen은 Frau Inger가 다룬 것과 같은 문제에서 벗어나려고 시도했습니다. 이 연극에서 행동은 문학적 인물에 훨씬 더 의존적이며 각 연극의 마지막 부분에서만 Ibsen은 서로에 대한 대안적인 삶의 가치와 방향에 분명히 반대합니다. 당분간 그는 기독교 세계관을 갈등의 중심에 두지 않을 것입니다. 그는 이러한 드라마의 갈등 상황에 기독교적 가치를 맞추는 데 어려움을 겪고 있는 것 같다. 여기에서 그는 불행한 사랑, 삼각 관계, 권력 투쟁과 관련된 다양한 음모의 주제에 대한 변형에 만족합니다.
이 두 드라마에서 가장 인상적이며 특히 중요해 보이는 것은 사랑을 운명, 비극적 여성 운명으로 묘사한 것입니다. 삶.
기독교의 프리즘을 통한 세계
의심 할 여지없이 기독교는 1850 년대 젊은 작가가 형성 한 세계관에 흔적을 남겼습니다. 입센이 사회를 지배하는 전통 이데올로기에 어느 정도 영향을 받았는지, 입센 자신이 기독교적 가치관을 어느 정도 공유했는지는 말하기 어렵다. 젊었을 때 그는 기독교 교리의 극적인 측면, 말하자면 "기독교 드라마" 자체에서 강한 감명을 받았다고 말하는 것이 안전합니다. 그는 선과 악 사이, 하나님의 섭리와 사탄의 책략 사이, 하늘과 땅 사이의 영원한 투쟁의 그림에 깊은 인상을 받았습니다. 그는 사람이 존재의 두 극과 연관시키는 하나 또는 다른 경로를 선택하는 문제에 대해 걱정했습니다. 그러나 그러한 종교 생활은 그에게 거의 관심이 없었습니다.
Ibsen은 항상 사람을 우주의 중심에 놓고 개인 생활에 집중했으며 그 위에 있거나 외부에 있는 더 높은 권력과의 관계가 아닙니다. Ibsen에게 행동의 실제 대상은 개인이며 그의 운명은 지상의 인간 현실의 틀 안에서만 묘사됩니다. 그러나 Ibsen은 이것에서 종종 기독교 상징주의를 사용하기 때문에 그가 실제보다 더 종교적으로 보일 수 있습니다.
가장 분명한 것은 일련의 종교적 암시가 70년대 그의 작품에서 추적될 수 있다는 것입니다. 그는 기독교를 사회에서 부정적인 권위주의적 권력을 유지하기 위한 일종의 기반으로 간주하기 시작합니다. 그는 성직자의 활동에는 항상 지배적 가치의 부과와 개인의 자유 제한이 수반되어 왔다고 지적합니다. Ibsen은 또한 교회 봉사의 길을 선택한 사람들이 가져 오는 자발적인 희생이라는 주제에 대해 생각하고 수도원 생활의 고통스러운 부담과 인간 행동과 관련하여 도덕적 판단에 대한 신학적 영향을 약화시키는 방법에 대해 반성합니다. 그의 후기 시적 작품에서만 Ibsen은 다시 기독교 교리의 극적인 측면으로 돌아갑니다. 아마도 1890 년경 문학 및 연극 작품에서 종교적 주제 사용에 대한 금지가 해제 되었기 때문일 것입니다.
물론 입센은 기독교가 사람들의 마음과 영혼에 미치는 큰 영향을 잘 알고 있었습니다. 그가 자신의 주요 작품으로 간주 한 드라마 "카이사르와 갈릴리"(1873)는 자신이 "갈릴리"의 통치하에 있다는 사실과 함께 이것을 확인시켜줍니다. Ibsen은 이렇게 썼습니다. “지금 출판하고 있는 작품이 내 주요 작품이 될 것입니다. 그것은 화해 할 수없는 두 세계 생활의 힘 사이의 투쟁, 항상 끊임없이 반복되는 투쟁을 다루고 있으며, 이러한 주제의 보편성 때문에 나는 내 작품을 "세계 드라마"라고 불렀습니다.”(4 : 701, Ludwig Do에게 보낸 편지 날짜 1873년 2월 23일) .
입센은 열렬한 성경 독자였습니다. 계속해서 그는 세상과 인간의 창조에 관한 구약의 이야기로 돌아갔습니다. 카이사르와 갈릴리에서 막시무스는 배교자 줄리안에게 이렇게 말합니다.
줄리안, 세상의 끔찍한 공허함 속에서 혼돈이 휘몰아치고 여호와께서 홀로 계셨을 때, 고대 유대 경전에 따르면 손의 흔들림으로 빛과 어둠을, 물과 땅을 분리하셨던 그 날, 그 날에 위대하신 창조의 하나님이 그의 권능의 정점에 계셨습니다.(4: 223)
그러나 지상의 사람들의 출현과 함께 다른 의지가 나타났습니다. 그리고 사람과 동물과 식물은 영원한 법칙에 따라 자신의 종류를 창조하기 시작했습니다. 천상의 공간에 있는 광명체들의 행로에도 영원한 법칙이 새겨져 있습니다.
여호와께서는 회개하십니까? 모든 고대 전통은 회개하는 창조주에 대해 말합니다.
그는 자신이 자기 보존의 법칙을 자신의 창조물에 넣었습니다. 회개하기에는 너무 늦었습니다. 피조물은 자신을 보존하기를 원하고 보존됩니다.
그러나 일방적인 두 왕국은 서로 전쟁 중입니다. 세상의 왕, 그들을 화해시킬 이중자가 어디 있느냐?
이것은 1870년대에 입센이 종이에 표현한 생각입니다. 유럽 사회의 영적 삶과 작가 자신의 삶 모두에 전환점이 되는 진정으로 중요한 시기에 말입니다. 그러나 경력 초기에 Ibsen은 적어도 상징적 의미에서 신이 전능하다는 사실에 대해 이의를 제기하지 않습니다. 입센의 젊은 시각에는 전능자를 대적하는 반항적인 의지가 설 자리가 없다. 오히려 그는 하느님 자신에게 반역한 사람은 자신의 반역이 수반하는 결과의 희생양이 된다고 믿습니다. 그러나 나중에 Ibsen은 명백하게 긍정적 인 관점에서 완전히 다른 방식으로 신학을보기 시작합니다. 결국, 사회에 영향을 미치는 권력은 Ibsen의 눈에는 완전히 달라집니다. 이제 그것은 세속화되고 부정적인 사회 제도로 묘사됩니다.
"Comedy of Love"와 "Brand"에서 구약 신화는 인간의 삶과 그 최고의 목표에 대한 상징적 묘사의 기초로 사용됩니다. 타락, 낙원에서의 추방, 아담 가족의 망상과 쇠퇴는 입센이 현대인과 그가 사는 사회의 이미지를 창조하는 데 필요한 알레고리입니다.
Ibsen의 초기 작업에서 붉은 실은 주변 현실에 대한 이상의 반대입니다. 이상을 묘사하기 위해 그는 기독교 교리를 설명하는 이미지를 사용합니다. 결국 그것은 그의 대중에게 친숙하고 가깝습니다.
입센은 자신의 작품을 당시 유럽 문화를 지배했던 전통적인 기독교 틀에 도입할 필요가 있었습니다. 그는 당시 사람들을 지적으로 도덕적으로 통합할 수 있었던 것이 바로 이 전통이었기 때문에 그의 작품에서 이 전통을 사용했습니다. 그의 창작 경력의 첫해에 그는 순전히 지상적인 측면에서 인간 존재의 상징적 반영 이었더라도이 전통의 틀 내에서 정확하게 창조했습니다. Ibsen에게 핵심은 항상 종교적 교리를 준수하는 것이 아니라 개인의 도덕적 및 윤리적 내용에 대한 질문이었습니다. 그렇기 때문에 "브랜드"에 대해 "브랜드"의 주요 문제는 종교적이지만 전적으로 예술 작품이라고 말할 수 있습니다. Ibsen은 편협한 종교적 고려 사항이 없었습니다. Georg Brandes가 잘못 주장한 것처럼 그는 Kierkegaard의 철학을 따르는 사람도 아니었습니다.
상징적 예술
1865년 어느 날 Brand 작업을 막 마친 Ibsen은 당시 최고의 비평가인 Dane Clemens Petersen에게 이렇게 말했습니다. 나는 당신의 말에 대해 자주 생각했고 이것이 내가 이 작품의 형식을 얻은 방법입니다. 아마도 Ibsen이 작가로서 그의 발 밑에서 처음으로 기반을 찾은 것은 가사에서였을 것입니다.
여기서 우리는 시가 극작가 입센에게 어떤 의미가 있었는지에 대한 질문으로 다시 돌아갑니다. 그는 1859 년에 "On the Heights"라는시를 썼습니다. 그 기간 동안 창의적이고 일상적인 용어로 가장 어려운시기라고 할 수 있습니다. 그는 1858년에 결혼했고, 1859년 12월에 아들 시구르드가 태어났다. 당시 입센은 드라마 분야에서 일하면서 크리스티아니아의 노르웨이 극장에서 열심히 일했습니다.
1870년의 편지 중 하나에서 그 어려운 시기를 회상하면서 그는 "On the Heights"라는 시를 그의 작업에서 가장 중요한 이정표라고 부릅니다. 그는이시를 자신의 삶의 상황과 연관시키고 "Comedy of Love"와 "Brand"와의 직접적인 연결을 지적합니다. 특히 그는 “결혼하고 나서야 내 인생이 더 완전하고 의미 있게 됐다. 이러한 변화의 첫 열매는 위대한 시 "On the Heights"였습니다. 그러나이시에서 붉은 실처럼 달리는 해방에 대한 갈증은 "사랑의 희극"(4 : 690)에서만 완전한 결과를 찾았습니다. 여기서 핵심 문구는 "해방에 대한 갈증"입니다. 수잔나와 결혼한 후 그의 작품에서 자주 발견된다. Ibsen은 그가 말하는 해방이 무엇인지 직접적으로 말하지 않습니다. 그러나 본격적인 글쓰기를 위한 시간과 에너지를 찾으려고 노력하는 동시에 가난한 가정의 가장과 생계를 책임지는 의무와 문제를 암시하는 것은 높은 확실성을 가지고 가정할 수 있습니다.
Ibsen은 또한 The Comedy of Love와 Brand 사이에 유사점을 그립니다. 우리는 그의 다른 두 편지에서 이에 대해 읽었습니다. 마지막 편지는 1872 년입니다. 우리의 사회적 조건에 내재된 현실과 사랑과 결혼 분야의 이상적인 요구 사항 사이의 모순을 설명했습니다. Ibsen이 다시 결혼 유대라는 주제로 돌아가 그의 영웅 Gregers처럼 "이상적인 요구 사항"이라는 깃발을 높이 들고 있다는 것은 흥미 롭습니다. 그가 '이상'과 '현실'을 얼마나 명확하게 구분하는지 알 수 있다.
이것은 그가 1867년에 The Comedy of Love의 새 판 서문에서 쓴 내용의 메아리입니다. 그곳에서 그는 노르웨이인들 사이에서 흔히 볼 수 있는 "건강한 현실주의"에 대해 불평하며, 이는 그들이 기존 질서를 뛰어넘는 것을 허용하지 않습니다. 그들은 이상과 현실을 구분하지 못한다. 입센이 그의 드라마에서 비난하는 것은 사랑과 결혼에 대한 지배적인 생각이며, 이 모든 것은 단지 신성모독과 비난을 불러일으키기 위한 것입니다. 서문에서 그는 특히 “우리의 독서와 비평 세계의 대다수는 그들 자신의 오류를 이해하기 위한 사고 훈련과 정신적 훈련이 부족합니다”(1:649)라고 썼습니다.
"이상적인 요구"가 정확히 무엇을 의미하는지 묘사하기 위해 Ibsen은 시적 및 상징적 형식에 의지합니다. "On the Heights"라는시에서만 마침내 그의 예술적 디자인에 맞는 형태를 찾았다는 점에 주목할 수 있습니다. 이시는 조금 후에 등장한 "Terje Vigen"과 함께 극작가로서 Ibsen의 형성에 기여했을 가능성이 큽니다. 두시는 농부와 선원이라는 두 사람의 운명에 대해 이야기하는 무용담과 같습니다. 작가는 불안한 젊음, 상실, 위기 및 고통을 통해 영웅을 인도하여 깨달음과 영적 조화를 이루었습니다. 이 모든 것은 드라마의 특징적인 사건의 긴장된 과정에 해당합니다. 극작가로서 Ibsen에게 특히 유용한 것은 서로 다른 세계관 사이의 극적인 갈등과 투쟁을 묘사하고 구조화하기 위한 자료를 수집하는 작업이었습니다.
"On the Heights"시에서 농부의 삶은 사냥꾼의 삶과 반대됩니다. 농부는 산 정상으로 은퇴하고 남은 여생을 그곳에서 혼자 보내기로 결정합니다. 이는 그가 자발적으로 사랑과 가족의 행복을 포기한다는 것을 의미합니다. 새 생명을 얻기 위해, 통찰을 위해 그는 옛 속박에서 벗어나야 합니다. 그가 가지고 다니는 "해방에 대한 갈증"은 의심스럽고 문제가 될 수 있습니다. Terje Vigen의 길은 다른 높이로 이어집니다.
서른 살의 입센이 쓴 완전히 다른 두 사람과 운명에 대해 이야기하는 두시는 사람을 중심으로 한 작품 수에 속한다. 두 시에서 젊은 영웅은 상호 배타적인 삶의 방식 중에서 하나를 선택합니다. 농부는 산봉우리에 사는 외로운 사냥꾼의 몫을 위해 가족을 떠나고, 선원은 자신이 살았던 모든 것을 잃은 채 가치 없는 삶을 거부합니다. 그의 아내와 아이. 하나는 자발적으로 외로움을 선택하고 다른 하나는 사랑하는 사람을 잃었습니다. 이 시들에서 나중에 1860년대에 입센의 가장 위대한 작품의 초석이 될 것의 시작을 찾을 수 있습니다. 우리는 그의 비전과 외로운 봉우리가있는 "Brand"와 가난한 오두막에서 Solveig와 함께 "Peer Gynt"에 대해 이야기하고 있습니다.
이 모든 시들(이전의 두 개와 후기의 두 개 모두)은 우리에게 이중적인 입센을 보여줍니다. 저자의 목소리는 이제 차갑게 숨 쉬다가 따뜻함으로 따뜻해집니다. Terje Vigen의 무덤에서와 같이 그의 작품 정원에는 질긴 풀과 꽃이 자랍니다. Ibsen이 선택을 해야 할 때 위험이 얼마나 높을 수 있는지, 삶의 상황과 "나"를 얻는 방법이 얼마나 다른지 이해하기 시작했다는 것이 분명해졌습니다. 그리고 이것은 다른 사람뿐만 아니라 자신에게도 적용됩니다.
Terje Vigen의 경로를 살펴보겠습니다. 수년 동안 그는 다른 사람을 책임질 수 없는 절망적이고 무력한 죄수로서 자유를 꿈꿨습니다. 그리고 "On the Heights"시에서 우리는 인간 세계에서 산봉우리로 돌진하는 청년을 관찰합니다. The Comedy of Love (1862)의 시인 Falk도 해방되기를 갈망하고 위험을 무릅쓰고 외로움의 절정으로 달려갑니다. 손실을 향하여, 그러나 아마도 이익을 얻을 것입니다. 그러나 이러한 산에 가고자 하는 욕망이 어떤 파괴적 요소를 지니고 있다는 것은 불안하다. 사냥꾼은 살인자입니다. Falk는 맹금인 매의 이름을 따서 명명되었습니다. 여기서 Ibsen은 창작자가 창작을 하기 위해 "외부에서" 살펴봐야 하는 이유를 보여줍니다. 박탈은 창의성에 필요합니다. 잃지 않으면 찾을 수 없습니다. 그 이후로이 아이디어는 Ibsen의 작품에서 끊임없이 들렸습니다.
"On the Heights"라는 시는 그의 창작 세계의 깊숙한 곳으로 가는 길을 보여줍니다. 그리고 "Terje Vigen"이라는 시는 예술 이외의 삶에도 가치가 있음을 끊임없이 일깨워줍니다. 두 시 모두 고통을 다룬다. 테리어는 그에게서 자유를 찾고 젊은 농부는 그와 더 이상 함께 살도록 강요받습니다. 고통의 열매는 예술이 될 수 있지만 삶을 앞으로 나아가게 하지는 않습니다. 분명히, 이 시들이 출판되었을 때 Ibsen은 마침내 예술가로서 자신의 삶의 경험과 인간 존재의 변증법에 대한 성찰에서 정확히 무엇을 끌어낼 수 있는지 깨달았습니다.
