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펜데레츠키의 이해 폴란드 악센트가 있는 음악 나중에 왜 모든 것이 바뀌었을까

Krzysztof Penderecki의 85주년 기념 축제에는 전 세계의 악기 연주자, 가수, 지휘자 등 수십 명의 음악가들이 바르샤바 국립 필하모닉에서 8일 동안 11번의 콘서트를 열었습니다. 그들 중에는 폴란드 현대 음악의 고전 작품을 오랫동안 알고 있었던 사람들과 아주 최근에 그녀를 알게 된 사람들도 있었습니다. 거장 옆에는 위대한 예술의 길을 막 시작한 젊은 예술가들이 있었다. Penderecki의 음악은 공기와 같은 새로운 연주 자원이 필요하다. 작곡가 자신이보고 이해 한 것을보기 위해 호기심, 대담함, 인정에 대한 욕심, 음악의 경계 너머를 바라 보는 갈증으로 젊은이들의 손에 떨어질 때 특히 생명력으로 가득 차 있습니다. 인생 경험에 과부하가 걸리지 않은 순진함의 일부는 폴란드의 주요 아방가르드 예술가의 작품 분위기의 밀집된 층과 충돌하여 예기치 않은 소리와 의미 론적 솔루션을 제공 할 수 있습니다.

젊은 사람들에 대한 Penderecki의 사랑의 증거 중 하나는 세 명의 젊은 솔리스트로 구성된 새로 결성된 Penderecki Piano Trio입니다. Pan Krzysztof의 음악은 오랫동안 연주되어 왔으며 특정 공연 전통이 발전했으며 동시에이 음악은 구조에서도 개방적이며 기념물로 변하기까지는 여전히 오랜 시간이 걸립니다. 그리고 작곡가 자신은 자신의 걸작에 대한 새롭고 대담한 해석을 듣고 기뻐한다는 사실을 숨기지 않습니다. 희년 인물의 모든 인상과 유서 깊은 교수의 모습으로 Krzysztof Penderecki는 의사 소통이 매우 쉽고 대화에서 격언적이며 농담을 좋아하며 세상에 유치한 태도를 유지하는 사람의 인상을줍니다. 놀라다.

Penderecki의 작품에 따르면 폴란드와 세계의 역사를 공부할 수 있습니다. 대부분의 경우 그의 유산은 헌신으로 구성되지만 연극에 특정 수신자가 없더라도 제작 날짜와 음악이 무슨 일이 있었는지 알려줄 것입니다. 이 축제는 Pan Krzysztof의 음악, 특히 초기 및 중기의 창의성이 여전히 익숙하지 않으며 진부한 인식을 얻지 못했다는 것을 보여주었습니다. 예, 겉보기에 친숙한 낭만적 인 억양이 풍부한 후기 창의성 구성은 오늘날 점점 더 많은 질문과 함께 들립니다. 음악 학자조차도 아직 신뢰할 수있는 사전을 얻지 못했고 작곡가가 1960 ~ 1980 년대에 특히 관대했던 많은 소리 발견을 설명하는 안정적인 용어를 아직 찾지 못했습니다. Penderecki 작곡의 운명은 너무나 행복하게 밝혀져 초연의 대부분이 위대한 음악가에게 돌아갔습니다. 1977년 첫 번째 바이올린 협주곡은 아이작 스턴에게 헌정되어 연주되었으며, 두 번째는 안네 소피 무터를 위해, 두 번째 첼로 협주곡은 므스티슬라프 로스트로포비치를 위해, 겨울길 호른과 오케스트라를 위한 협주곡은 라도반 블라트코비치를 위해 작곡되었습니다.

Penderecki 이전, 현대 폴란드 음악의 역사에는 Witold Lutoslawski가 있었는데, 그의 스타일은 수수께끼 같은 고급 수학, 경이로운 정확성, 표현 수단의 선택에 있어 극도의 현학적-외과적 계산으로 구별되었습니다. 쇼팽이 말하는 것 같았지만 20 세기 후반의 상황이었습니다. Penderecki의 음악은 완전히 다른 규모와 범위로 구별됩니다. 쇼팽의 친밀감은 없지만 연주자에 대한 요구 사항이 증가했습니다. 심포니 오케스트라 악기의 가능성에 대한 위대한 감정가.

저녁의 프로그램은 Krzysztof의 아내 Elzbieta Penderecka 부인의 세심한 지도하에 만들어졌습니다. Pani Penderecka는 남편의 이 일 또는 저 일이 어디서, 언제, 누구에 의해 수행되었는지에 관한 모든 질문에 답할 수 있습니다. 저녁 중 하나는 가장 유명한 아방가르드 시대의 작품으로 구성되었습니다. 교향곡 1번(1973), 바이올린과 오케스트라를 위한 카프리치오(1967), 바이올린 협주곡 1번(1977) 및 Emanations(1958). 카프리치오와 협주곡이 두 명의 다른 솔리스트에게 주어진 것처럼 네 개의 작품은 각각 네 명의 다른 지휘자에게 주어졌습니다. 그건 그렇고, 다양한 솔리스트, 지휘자 및 오케스트라의 이러한 공연 원칙은 축제와 음악 자체의 공연 팔레트를 풍부하게 만들었습니다.

그 당시 새로운 표현 수단을 집중적으로 찾기 위해 작곡가의 실험실에 몰입했습니다. 바이올린에서 멜로디에서 타악기, 딸랑이와 휘파람에서 가슴 아픈 신음 소리에 이르기까지 가능한 모든 영역에서 소리가 추출되었습니다. Katowice의 Polish Radio National Orchestra는 이 도전을 완벽하게 마스터했습니다. 작곡가는 바이올리니스트를 극도의 시련에 보냈고 인간 개성의 주요 표현 인 바이올린이 모든 것을 견딜 수 있음을 깨달았습니다. 작곡가는 연금술사처럼 소리와 함께 변태에서 불가능을 찾고 고체에서 액체 및 기체로의 경계 상태를 드러내는 것처럼 보였습니다. 폴란드 바이올리니스트 Patricia Pekutowska는 Capriccio에서 감정적으로나 기술적으로 복잡하고 매우 변덕스러운 부분을 연주할 때 경이로운 절제를 보여주었습니다.

성 얀 대성당에서 크시슈토프 펜데레츠키를 기리는 미사에서

칸타타-오라토리오 음악 프로그램에는 1997년 모스크바 건국 850주년과 그단스크 건국 1000주년을 기념하여 등장한 성 다니엘과 성 보이치에흐, 그리고 1998년에 작곡된 웅장한 신조 등 두 개의 찬송가가 포함되어 있습니다. 지휘자 막시미아노 발데스(Maximiano Valdes)는 그리스도의 십자가와 같은 이 헤비한 곡을 연주한 후 공식적으로 Credo 소리의 철학에 개인적으로 익숙해지지 않고는 이 악보를 준비하는 것이 불가능하다고 인정했습니다. 그는 이 경험을 "에피파니아(epiphania)"라고 불렀는데, 이는 하나님의 본성이 완전하게 계시된 것을 이해하는 것입니다. 바르샤바 소년 합창단, 포들라시에 오페라 및 필하모닉 합창단, 크라쿠프의 K. 시마노프스키 필하모닉 합창단, 폴란드 라디오 오케스트라 등 3개의 합창단은 5명의 성악가와 함께 "세계적인 규모의 프레스코화를 만들었을" 뿐만 아니라 이 강력한 공감 경험에 온 힘을 다하는 청취자. 특히이 캔버스의 규모로 Penderecki는 사람이 얼마나 짓눌 렸는지, 그가 얼마나 빨리 우주의 복잡한 문제 해결을 포기하고 경계를 무디게하고 영적 탐구의 강도를 멈추게하는 즐거운 작은 일을 위해 포기했는지 증명하는 것처럼 보였습니다.

이번 축제에서는 우연한 만남도 펜데레츠키 현상을 이해하는 데 도움이 되었다. 그리고 길고 끝없이 지속되는 "한국"교향곡 이후 Agnieszka Holland 감독이 갑자기 옷장에 등장했을 때 Penderecki는 다양한 크기의 샷, 몽타주, "연속성"의 관점에서 생각하는 매우 영화적인 작곡가라는 것이 즉시 분명해졌습니다. 직렬의 의미에서. 그러나 마에스트로의 생일 콘서트는 St. Jan 대성당에서 작곡가의 85 번째 생일을 기념하는 미사에서 그의 Missa brevis가 폴란드 실내 합창단 Schola Cantorum Gedanensis가 지휘했을 때 가장 마법적이고 진심 어린 것으로 판명되었습니다. 얀 루카제프스키. 그녀에게는 순결, 천상의 빛, 희망, 사랑, 광채가 너무 많았고 종이 울렸을 때 그의 순간에 사람을 만나는 작곡가의 악보에서이 목소리가 얼마나 의미 있고 계속 의미하는지 분명해졌습니다. 출생, 휴일에 그와 함께 기뻐하고 마지막 여행에서 당신을 안내합니다.

음악의 불변성에 대하여

좋은 음악의 개념은 이제 이전에 의미했던 것과 정확히 같은 것을 의미합니다.

(K. Penderecki, 작곡가)

음악이 그 시대의 정신을 아무리 정확하게 표현한다 해도, 그 언어가 아무리 새롭고 독창적인 사상을 추구한다 해도 그 본성상 포기할 수 없는 것이 있습니다. 이 "무언가"는 내용과 구성, 그리고 "음악 언어"라는 문구를 사용하여 정의하는 형식의 기능에 모두 존재합니다. 우리는 청취자에게 진정한 미적 경험을 불러일으키는 예술적 영향에 대해 이야기하고 있습니다. 이러한 영향은 항상 살아 있고 매력적인 주변 세계의 이미지에 대한 인간의 생각과 감정에 대한 호소로 인해 발생합니다.

진정한 음악은 아무리 복잡하더라도 영감을 주는 것을 결코 거부하지 않습니다. 이것은 그의 모든 복잡성, 시련과 기쁨, 자연이 있는 삶, 그리고 예술의 관심 대상이었던 훨씬 더 많은 사람입니다. 항상.

아마도 그렇기 때문에 같은 작곡가의 작업에서 불안하고 비극적 인 것부터 가장 밝고 즐거운 것까지 매우 다른 음악을 찾을 수 있습니다. 현대 작곡가는 여느 시대의 작곡가와 마찬가지로 여전히 파괴의 이미지를 작품에 담아낼 수 있으며 동시에 아름답고 숭고한 선율을 만들어낼 수 있다.

그러므로 이번에는 보리스 차이코프스키의 음악으로 돌아가 보겠습니다. 이번에는 그의 클라리넷과 오케스트라를 위한 협주곡입니다.

보리스 차이코프스키. 클라리넷과 실내 오케스트라를 위한 협주곡 1부

이 음악은 작곡가의 예술적 스타일의 가장 중요한 특징, 멜로디의 아름다움, 테마의 러시아 특성-서두르지 않고 꿰뚫는 서정적 인 그의 비유적인 세계를 구현합니다. 그러한 음악은 청취자를 자연스럽고 살아있는 느낌과 기분의 세계로 돌려보냅니다. 인간의 도덕적 순수성에 대한 작곡가의 깊은 믿음, 조화와 아름다움에 대한 자연스러운 열망, 오늘날에도 전통적인 인간 가치가 그 중요성을 잃지 않는다는 사실을 표현하는 것이 음악의 이러한 속성입니다.

B. Tchaikovsky의 작품 리뷰에서

“우리 시대의 흥미로운 예술적 문제, 인간의 슬픔과 기쁨, 감정적 경험을 그의 큰 마음으로 전달하면서 작곡가는 주변 세계에 대한 가장 중요한 것을 진심으로 깊이 말할 수 있었습니다. 그리고 아마도 우리를 그토록 매혹시키고 매혹시키며 우리를 계속해서 그의 작곡으로 돌아가게 만드는 것은 바로 그의 작품의 이러한 속성일 것입니다.”(Yu. Serov, 피아니스트).

“그것은 당신이 어떤 종류의 풍요로운 세계, 세부 사항이 풍부하고 자연이 얼마나 풍요로울 수 있는지, 해변이 얼마나 풍요로울 수 있는지 ... 심지어 오히려 해변이 아니라 단순히 강둑에 빠진 느낌을 줍니다. 러시아 강, 호수 기슭, 자란 갈대, 백조 또는 오리가 수영하고 바스락 거리는 나뭇잎. 음악에는 일종의 행복이 있습니다.”(A. Mitta, 영화 감독)

예술의 자연적 기초를 이해하려는 욕구는 음악뿐만 아니라 시, 산문, 그림과 같은 다른 유형의 예술 활동에도 특징적입니다. 여기서 작가들은 자동차나 전자기기 같은 실용성이 주 관심사인 시대적 흐름에 저항하려 한다.

이 자연 기초는 무엇입니까?

대답 중 하나는 Rasul Gamzatov의 "I have return ..."시에 나와 있습니다.

백년만에 돌아왔다
어둠에서 이 땅으로.
그는 빛을 보았을 때 눈을 깜빡였다.
나는 내 행성을 간신히 인식했습니다 ...
갑자기 나는 들린다: 풀이 바스락거린다,
생수는 개울에서 흐릅니다.
"사랑해! .."-말 소리
그리고 그들은 빛나고 구식이 아닙니다 ...
천년이 지났습니다.
나는 다시 지구로 돌아왔다.
내가 기억하는 모든 것이 가려져
다른 시간의 모래.
그러나 별빛도 희미해지고 있습니다.
곧 해가 뜰 것을 알기에.
그리고 사람들 - 우리 시대와 마찬가지로 -
사랑과 미움에 빠지다...
나는 떠났다가 다시 돌아왔다
영원을 뒤로하고.
세상은 핵심으로 바뀌었습니다.
그는 새로움으로 가득 차 있습니다.
그러나 여전히 겨울은 흰색입니다.
초원의 꽃은 졸린 듯 반짝인다.
사랑은 그대로 남아 있습니다.
그리고 싸움은 동일하게 유지되었습니다.

(Y. Kozlovsky 번역)

질문 및 작업:

이 단락의 서문에서 폴란드 작곡가 K. Penderecki의 말을 어떻게 이해합니까?
한 작곡가의 작품에서 다양한 주제, 감정, 분위기를 찾을 수 있다고 생각하는 이유는 무엇입니까? B. Tchaikovsky의 작업을 예로 들어 답을 설명하십시오.
B. 차이코프스키의 클라리넷과 실내 오케스트라를 위한 협주곡의 음악이 러시아 음악의 최고의 전통을 계승한다는 데 동의하십니까? 그것은 무엇으로 표현됩니까? 이 음악의 참신함은 무엇입니까?
예술이 인간 세계를 구현하는 것을 거부하고 시대의 징표, 기술 진보 등만 반영한다면 어떻게 될까요?
R. Gamzatov의 시에 표현된 주요 아이디어는 무엇입니까? 시인은 어떤 것을 일시적이라고 생각하며 어떤 것은 변하지 않습니까?

주제에 대한 음악 수업을 위한 추가 자료 - T. Naumenko 및 V. Aleeva, 9학년 프로그램에 따라 음악 수업을 진행하기 위한 음악 자료의 변함없는 정보. 좋은 음악의 개념은 이제 이전에 의미했던 것과 정확히 같은 것을 의미합니다. (K. Penderetsky, 작곡가) 음악이 그 시대의 정신을 얼마나 정확하게 표현하든, 그 언어가 얼마나 새롭고 독창적인 아이디어를 추구하든지 간에, 여전히 그 본성상 헤어날 수 없는 무언가가 있습니다. 이 "무언가"는 내용과 구성, 그리고 "음악 언어"라는 문구를 사용하여 정의하는 형식의 기능에 모두 존재합니다. 우리는 청취자에게 진정한 미적 경험을 불러일으키는 예술적 영향에 대해 이야기하고 있습니다. 이러한 영향은 항상 살아 있고 매력적인 주변 세계의 이미지에 대한 인간의 생각과 감정에 대한 호소로 인해 발생합니다. 콘스탄틴 보가예프스키. 레인보우 진정한 음악은 아무리 복잡하더라도 영감을 주는 것을 결코 거부하지 않습니다. 이것은 그의 모든 복잡성, 시련과 기쁨, 자연이 있는 삶, 그리고 예술의 관심 대상이었던 사람입니다. 항상. 그래서 같은 작곡가의 작품에서 불안하고 비극적 인 것부터 가장 밝고 즐거운 것까지 매우 다른 음악을 찾을 수 있습니다. 현대 작곡가는 여느 시대의 작곡가와 마찬가지로 여전히 파괴의 이미지를 작품에 담아낼 수 있으며 동시에 아름답고 숭고한 선율을 만들어낼 수 있다. 그러므로 이번에는 보리스 차이콥스키의 음악으로 돌아가서 이번에는 그의 클라리넷과 오케스트라를 위한 협주곡으로 돌아가 보겠습니다. B. 차이코프스키. 클라리넷과 실내 오케스트라를 위한 협주곡 1부 이 음악은 작곡가의 예술적 스타일의 가장 중요한 특징, 선율의 아름다움, 서두르지 않고 충만한 서정적 주제의 러시아 특성으로 특징지어지는 비유적 세계를 구현합니다. 그러한 음악은 청취자를 자연스럽고 살아있는 느낌과 기분의 세계로 돌려보냅니다. 인간의 도덕적 순수성에 대한 작곡가의 깊은 믿음, 조화와 아름다움에 대한 자연스러운 열망, 오늘날에도 전통적인 인간 가치가 그 중요성을 잃지 않는다는 사실을 표현하는 것이 음악의 이러한 속성입니다. 이반 쉬시킨. 노브고로드. Pechersky Monastery B. Tchaikovsky의 작품 리뷰에서“우리 시대의 흥미 진진한 예술적 문제, 인간의 슬픔과 기쁨, 감정적 경험을 그의 큰 마음으로 전달하면서 작곡가는 주변 세계에서 가장 중요한 것을 진심으로 깊이 말할 수있었습니다. 그를. 그리고 아마도 우리를 그토록 매혹시키고 매혹시키며 우리를 계속해서 그의 작곡으로 돌아가게 만드는 것은 바로 그의 작품의 이러한 속성일 것입니다.”(Yu. Serov, 피아니스트). “그것은 당신이 어떤 종류의 풍요로운 세계에 있다는 느낌을줍니다. 세부 사항이 풍부하고 자연이 얼마나 풍요로울 수 있는지, 해변이 얼마나 풍요로울 수 있는지 ... 오히려 해변이 아니라 단순히 러시아 강둑입니다. 강, 백조 또는 오리가 헤엄 치고 나뭇잎이 바스락 거리는 갈대로 자란 호수 기슭. 음악에는 일종의 행복이 있습니다.”(A. Mitta, 영화 감독) 예술의 자연적 기초를 이해하려는 욕구는 음악뿐만 아니라 시, 산문, 그림과 같은 다른 유형의 예술 활동에도 특징적입니다. 여기서 작가들은 자동차나 전자기기 같은 실용성이 주 관심사인 시대적 흐름에 저항하려 한다. 블라디미르 마코프스키. 요리 잼 이 천연 기지는 무엇입니까? 대답 중 하나는 Rasul Gamzatov의 "I have return ..."시에 나와 있습니다. 100년 만에 어둠에서 이 땅으로 돌아왔습니다. 그는 빛을 보았을 때 눈을 깜빡였다. 간신히 내 행성을 인식했습니다 ... 갑자기 풀이 바스락 거리는 소리가 들리고 생수가 개울에 흐릅니다. "사랑해!.."라는 말은 소리가 나고 빛나며 낡아지지 않고... 천년이 흘렀다. 나는 다시 지구로 돌아왔다. 내가 기억하는 모든 것은 다른 시간의 모래로 뒤덮였습니다. 그러나 별들의 빛도 희미해지고 있으니 곧 해가 뜰 것을 알기 때문입니다. 그리고 사람들은 우리 시대와 마찬가지로 사랑하고 미워합니다 ... 나는 떠났고 다시 돌아 왔습니다. 세상은 핵심으로 바뀌었습니다. 그는 새로움으로 가득 차 있습니다. 그러나 여전히 겨울은 흰색입니다. 초원의 꽃은 졸린 듯 반짝인다. 사랑은 그대로 남아 있습니다. 그리고 싸움은 동일하게 유지되었습니다. (Y. Kozlovsky 번역) 질문 및 작업: 이 단락의 서문에 포함된 폴란드 작곡가 K. Penderecki의 말을 어떻게 이해합니까? 한 작곡가의 작품에서 다양한 주제, 감정, 분위기를 찾을 수 있다고 생각하는 이유는 무엇입니까? B. Tchaikovsky의 작업을 예로 들어 답을 설명하십시오. B. 차이코프스키의 클라리넷과 실내 오케스트라를 위한 협주곡의 음악이 러시아 음악의 최고의 전통을 계승한다는 데 동의하십니까? 그것은 무엇으로 표현됩니까? 이 음악의 참신함은 무엇입니까? 예술이 인간 세계를 구현하는 것을 거부하고 시대의 징표, 기술 진보 등만 반영한다면 어떻게 될까요? R. Gamzatov의 시에 표현된 주요 아이디어는 무엇입니까? 시인은 어떤 것을 일시적이고 어떤 것을 영원하다고 생각합니까? 출처 http://www.musicfantasy.ru/materials/oneizmennomvmuzyke

Krzysztof Penderecki는 1933년 11월 23일 폴란드의 작은 마을 데비체에서 태어났습니다. 소년의 음악적 능력은 일찍 나타 났고 유명한 폴란드 작곡가 Arthur Malyavsky는 학교에서 그와 함께 공부하기 시작했습니다. 학교를 졸업 한 후 Krzysztof는 Krakow의 Jagiellonian University에 입학했지만 곧 그만두고 Krakow Academy of Music에서 작곡가 Stanislav Verkhovych의 수업에서 공부하기 시작했습니다. 그곳에서 그는 음악을 작곡하기 시작했습니다.

연구가 끝날 무렵 젊은 작곡가는 "Strophes", "Emanations"및 "David의 시편"의 세 가지 흥미로운 작품을 졸업 작품으로 발표했습니다. 그의 이러한 작곡은 위원회에서 높은 점수를 받았을 뿐만 아니라 1959년에 폴란드 작곡가 연합이 발표한 콩쿠르에서 처음 세 개의 상을 받았습니다.

이미 그의 첫 번째 작품에서 Penderecki는 전통적인 음악 장르에 만족하지 않고 경계를 위반할뿐만 아니라 비 전통적인 악기 조합을 사용하기 시작했습니다. 그래서 그는 53개의 현악기 앙상블을 위해 히로시마 폭격 희생자들을 추모하는 칸타타 "Trenos"를 썼습니다. 그중에는 바이올린, 비올라, 첼로 및 더블베이스가 있습니다.

1962년 펜데레츠키는 서독에서 열린 음악 콩쿠르에서 그랑프리를 받았고 베를린 음악원에서 4년간 인턴십을 할 수 있는 권리를 얻었다. 이때까지 작곡가는 현악기를 위한 여러 곡을 작곡하여 그의 이름을 더욱 유명하게 만들었습니다. 특히 48개의 바이올린을 위한 "Polymorphia", 52개의 바이올린과 팀파니를 위한 "Canon", 성경 본문에 대한 주요 작품인 "Passion for Luke" 및 "Dies Ira"(심판의 날) - 아우슈비츠 희생자를 추모하는 오라토리오.

틀에 얽매이지 않는 리듬을 사용하는 아방가르드 예술가들과 달리 펜데레츠키는 음악적, 비음악적 사운드를 자유롭게 조합한다. 우선 타악기 사용에 관한 것입니다. 그들은 작곡가가 전통적인 음악 장르의 경계와 사운드를 확장하도록 돕습니다. 따라서 그의 Matins는 정경 텍스트에 대한 비 전통적인 읽기의 예가되었습니다. 덜 중요한 것은 작곡가가 음악의 도움으로 밤 숲의 매력을 전달하려는 작곡 "De nattira sonoris"(자연의 소리)입니다.

60년대 후반에 Penderecki는 오페라 장르로 전환했습니다. 그의 첫 번째 오페라 인 Loudun의 악마는 1968 년 실제 역사적 음모로 작성되었습니다. 승려들이 악마에 사로 잡힌 혐의로 기소 된 Urbain Grandier 신부의 재판 이야기, 그 후 불행한 사람이 재판을 받았습니다. 그리고 실행. 이 오페라는 세계에서 가장 큰 극장의 무대를 거쳤습니다. 그것은 그들의 신념을 위해 죽은 모든 사람들을 기리는 일종의 레퀴엠으로 인식되기 시작했습니다.

그 뒤를 이어 오페라 Black Mask와 King Hugo가 이어졌습니다. 그 안에서 Penderecki는 작품의 음악적 구조에서 배우의 독백을 포함하여 음악, 보컬 및 극적인 액션을 자유롭게 결합합니다.

자신을 아방가르드 예술가라고 생각하지 않고 음악적 전통을 깨뜨린 적이 없다고 말하는 작곡가 자신의 입장이 궁금합니다. 그는 이것이 구성의 필수 구성 요소라고 믿고 종종 지휘자로서 자신의 작품을 수행합니다. “지휘를 하면서 지휘자와 연주자들이 제 음악을 좀 더 이해하기 쉽게 하려고 노력해요. 따라서 리허설 중에 종종 악보에 새로운 것을 추가합니다.”라고 그는 한 인터뷰에서 말했습니다.

그의 작곡에서 Penderecki는 유럽 음악의 멜로디를 광범위하게 사용합니다. 그래서 전통적인 멜로디를 바탕으로 오페라 "Paradise Lost"가 작성되었습니다 (J. Milton의 같은 이름의시를 기반으로 함). 그러나 그는 그것들을 직접 인용하지 않고 항상 자신의 방식으로 전달하며 우리 시대에 음악의 가능성이 과거보다 훨씬 넓고 다양하다고 믿습니다.

음악 외에도 Krzysztof Penderecki는 식물학을 좋아합니다. 그는 여가 시간을 모두 정원에서 보내며 나무를 가꾸고 꽃을 재배합니다. 그러나 음악도 그를 여기에 두지 않습니다. 그는 창의적인 회의, 학생들과의 수업 중, 수많은 여행 등 모든 곳에서 작곡합니다. 예를 들어 마인츠 대성당 건설 300 주년을 기념하는 합창 모음곡 인 "Canon"의 멜로디는 크라쿠프 카페 "Yana Michalikova"에서 썼습니다. 작곡가 자신은 무엇보다도 조용한 사무실이 아니라 사람들 사이에서 일하는 것을 좋아한다고 말합니다.

작곡가의 성공은 주로 그를 지칠 줄 모르는 보살핌과 그의 모든 국내 문제에서 그를 구제하고 동시에 그의 콘서트와 공연을 조직하는 임프 레사 리오의 임무를 수행하는 그의 아내 Elzbieta의 도움 때문입니다.

2013년 작곡가의 80번째 생일을 기념하여 촬영되었습니다.

초연 다큐멘터리에서 우리 시대의 가장 위대한 작곡가 중 한 명이자 지휘자인 크시슈토프 펜데레츠키는 그의 삶과 작품의 역사를 자세히 이야기하고 숙달의 비결을 밝히고 그의 가장 깊은 생각과 미래에 대한 계획을 공유합니다. 이 영화에는 희귀 기록 영상과 문서, 콘서트와 리허설의 일부, Andrzej Wajda, Jonny Greenwood, Janine Jansen, Julian Rachlin, Anne-Sophie Mutter, Elzbieta Penderecka와의 인터뷰가 포함되어 있습니다.

영화 작업은 시청자가 그와 함께 "살아갈"작곡가의 삶의 1 년을 포함하여 오랜 기간에 걸쳐 수행되었습니다. 대부분의 촬영은 작곡가의 시골집과 그가 40년 동안 만든 Lusławice의 독특한 공원에서 이루어졌습니다. 대부분의 식물은 전 세계에서 그에게 가져 왔고 많은 식물이 밀수되었습니다. "어릴 때부터 나무를 무척 좋아해서 언젠가는 큰 공원이 생길 거라고 항상 꿈꿨어요. 첫해에 30~40그루를 심었는데 그 후 수백 그루의 비용이 들었습니다. 이제 공원은 이렇게 커졌습니다." 약 1700종의 나무와 관목으로 이루어진 30헥타르의 식물군은 매우 큽니다. Penderecki는 단순한 수집가가 아니라 치과의사이며 디자이너로도 활동하고 있습니다. 궁극적으로 공원이 20년 또는 50년 후에 어떻게 보일지는 그에게만 달려 있습니다.

무엇보다도 그 공원은 덤불이 심어진 커다란 미로로 장식되어 있습니다. 그리고 영화의 이름 인 "Krzysztof Penderecki. 미로를 통과하는 길"은 우연히 선택되지 않았습니다. 작곡가에게 깊은 의미를 부여합니다. 미로는 그에게 창의적인 검색의 상징입니다. 목표로 바로 이동할 수는 없지만 수많은 옵션 중에서 올바른 옵션을 선택하고 순환 도로를 따라 이동해야 할 때입니다. Penderecki가 무엇을 하든(그의 재능은 많은 예술 분야로 확장되며, 그는 순수 및 응용 예술 컬렉션의 소유자이며 귀중한 도서관의 소유자입니다) 항상 자신의 방식으로 행동했습니다. 다른 사람의 의견이지만 자신, 그들의 취향 및 신념에 충실했습니다.

그를위한 음악은 과거와의 연결을 찾기 위해 세상과 그 복잡성에 대한 그의 말을 말할 수있는 주요 기회입니다. 그는 항상 자신이 좋아하는 것을 작곡했고 받아들여지는 것은 작곡하지 않았습니다. 예를 들어 60년대에 그는 매우 아방가르드한 음악을 창작했습니다. 작곡가 자신이 말했듯이 자신을 정복하고 배운 것을 정복하고 새로운 것을 찾고자 하는 열망이었습니다. 그리고 1966년 종교 음악이 금지되었을 때 그는 The Luke Passion을 썼습니다. Penderecki는 "이 작품은 사회주의 국가에는 신도 신성한 음악도 없다는 폴란드 정부의 생각을 깨뜨렸다"고 회상합니다. 지금까지 열린 필드에서 문자 그대로의 의미로 지어진 콘서트 홀인 그의 최신 발명품은 많은 미친 프로젝트에 의해 불려졌습니다. 그러나 작곡가는 그를 위해 수년간의 꿈과 꿈의 구체화가 되었기 때문에 특별한 떨림으로 그를 말합니다.

Penderecki는 그의 삶에서 일어나는 모든 일을 깊이 탐구합니다. 그는 자신의 작곡을 연주자에게 맡기지 않고 리허설에 적극적으로 참여합니다. "나는 내 작품에서 연주자에게 자유를 남기지 않기 때문에 리허설은 나에게 매우 중요합니다." 연주자들은 때때로 어려움을 겪기도 하지만 이러한 긴밀한 협력에는 장점이 있습니다. 작곡가와 개인적으로 소통할 수 있는 독특한 기회를 얻게 됩니다. 바이올리니스트 Janine Jansen은 Penderecki와의 합동 리허설에 대한 인상을 공유합니다. 라디오헤드의 기타리스트 조니 그린우드(Jonny Greenwood)와의 콜라보레이션은 더욱 가까워졌다. Greenwood는 Penderecki의 음악에서 영감을 받아 그의 작곡 중 두 곡인 "히로시마 희생자를 위한 애도"와 "Polymorphia"의 "발자취를 따라" 직접 작곡을 하고 싶었습니다. 작업을 하면서 그는 Penderecki의 두 가지 열정인 나무와 음악에 대한 사랑을 하나로 모으는 방법에 대해 생각했습니다. 그리고 그는 성공했습니다. 종이에 Greenwood는 수평면에 나무 잎을 그리고 잎맥의 가지에 오케스트라 악보를 겹쳐 놓았습니다. 이것이 그의 "Penderecki의 Polymorphia에 대한 48 답변"이 탄생 한 방법입니다.

영화 "Katyn"에서 Andrzej Wajda와의 작곡가의 공동 작업은 매우 심오한 것으로 판명되었습니다. 이에 대한 개인적인 이유가 있습니다. Penderecki의 삼촌과 Vaida의 아버지가 Katyn에서 살해되었습니다. Penderecki는 그가 이 계획을 얼마나 오래 키웠는지 회상하며 마침내 실현되었습니다. 영화."

Penderecki의 창의적인 삶은 한창입니다. 리허설, 초연, 축제; 글을 쓰기 위해서만 그는 자신을 50세로 측정했습니다... 이 모든 것은 그의 엄청난 내부 규율 없이는 불가능했을 것입니다: "모든 사람은 특정 규칙에 따라 살고 일해야 합니다. 하루, 가끔은 내일, 모레, 한 달 동안의 작업 계획이 없는 것 같지만 멈추지 않습니다-내 나이에는 더 이상 할 수 없으며 항상 가지고 있었고 여전히 그것들을 구현할 기회보다 더 많은 아이디어를 가지고 있습니다. 나는 정직하고 현대적인 사람들에게 보내는 음악을 씁니다. 내 죽음 이후뿐만 아니라 오늘날에도 연주될 수 있습니다."

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