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르네상스 이후의 시대. 일반 정보

갱생

르네상스, 또는 르네상스(정말로. 르네상스, 이탈리아어 리나시멘토) - 중세 문화를 대체하고 현대 문화를 앞선 유럽 문화사의 시대. 시대의 대략적인 연대기 프레임워크 - XIV의 시작 - XVI 세기의 마지막 분기.

르네상스의 독특한 특징은 문화의 세속적 성격과 인간 중심주의 (즉, 무엇보다도 사람과 그의 활동에 대한 관심)입니다. 고대 문화에 대한 관심이 있고, "부흥"이 있습니다. 이것이 용어가 등장한 방식입니다.

용어 갱생예를 들어 Giorgio Vasari와 같은 이탈리아 인본주의 자에서 이미 발견되었습니다. 현대적 의미에서 이 용어는 19세기 프랑스 역사가 Jules Michelet에 의해 만들어졌습니다. 현재 용어 갱생예를 들어 9세기의 카롤링거 왕조 르네상스와 같이 문화적 번영에 대한 은유로 바뀌었습니다.

일반적 특성

유럽의 사회적 관계의 근본적인 변화의 결과로 새로운 문화적 패러다임이 생겨났습니다.

도시 공화국의 성장으로 봉건 관계에 참여하지 않은 장인, 장인, 상인 및 은행가의 영향력이 증가했습니다. 그들 모두는 중세, 주로 교회 문화와 금욕적이고 겸손한 정신에 의해 만들어진 계층 적 가치 체계에 이질적이었습니다. 이것은 인본주의의 출현으로 이어졌습니다. 사람, 성격, 자유, 활동적이고 창의적인 활동을 사회 제도를 평가하는 최고의 가치이자 기준으로 간주하는 사회 철학적 운동입니다.

과학과 예술의 세속적 중심지가 도시에 나타나기 시작했으며 그 활동은 교회의 통제를 벗어났습니다. 새로운 세계관은 인본주의적이고 금욕적이지 않은 관계의 예를 보면서 고대로 향했습니다. 15세기 중반 인쇄술의 발명은 고대 유산과 새로운 견해를 유럽 전역에 전파하는 데 큰 역할을 했습니다.

이탈리아에서 부흥이 일어났는데 그곳에서 그 첫 징후는 이미 13세기와 14세기에 나타났지만(피사노, 지오토, 오르카니 및 기타 가문의 활동에서) 15세기의 20년대에 와서야 확고하게 자리를 잡았습니다. . 프랑스, 독일 및 기타 국가에서 이 운동은 훨씬 나중에 시작되었습니다. 15세기 말에 이르러 절정에 이르렀다. 16세기에는 르네상스 사상의 위기가 닥치면서 매너리즘과 바로크 양식이 등장했습니다.

신기원 기간

초기 르네상스

이탈리아의 소위 "초기 르네상스" 기간은 1420년부터 1500년까지의 기간을 다룹니다. 이 80년 동안 예술은 최근 과거의 전통을 완전히 포기하지는 않았지만 고전 고대에서 차용한 요소를 혼합하려고 노력하고 있습니다. 점점 더 변화하는 삶과 문화 조건의 영향을 받아 나중에 조금씩 조금씩 예술가들은 중세의 기초를 완전히 버리고 작품의 일반적인 개념과 세부 사항 모두에서 고대 예술의 예를 대담하게 사용합니다.

이탈리아의 예술은 이미 단호하게 고전 고대를 모방하는 길을 따르고 있는 반면, 다른 나라에서는 오랫동안 고딕 양식의 전통을 고수했습니다. 알프스 북부와 스페인에서도 르네상스는 15세기 말까지 오지 않았으며 그 초기 기간은 다음 세기 중반까지 지속되었지만 특별히 주목할 만한 것은 없었습니다.

하이 르네상스

르네상스의 두 번째 기간 - 그의 스타일의 가장 웅장한 발전의 시간 -은 일반적으로 "전성기 르네상스"라고 불리며 약 1500년에서 1580년까지 이탈리아에서 확장됩니다. 이때 이탈리아 최고의 예술가를 그의 궁정으로 끌어 들인 야심 차고 용감하며 진취적인 사람인 Julius II의 교황 왕좌에 오른 덕분에 피렌체의 이탈리아 예술의 중심이 로마로 옮겨졌습니다. 수많은 중요한 작품으로 다른 사람들에게 예술에 대한 사랑의 모범을 보여주었습니다. . 이 교황과 그의 직계 후계자들과 함께 로마는 페리클레스 시대의 새로운 아테네가되었습니다. 많은 기념비적 인 건물이 만들어지고 웅장한 조각 작업이 수행되며 프레스코 화와 그림이 그려져 여전히 진주로 간주됩니다. 그림의; 동시에 예술의 세 가지 분야는 모두 조화롭게 손을 맞잡고 서로 돕고 상호 작용합니다. 골동품은 이제 더 철저하게 연구되고 있으며 더 엄격하고 일관성 있게 재생산되고 있습니다. 이전 시대의 열망이었던 유희적인 아름다움 대신 평온함과 위엄이 확립됩니다. 중세의 기억은 완전히 사라지고 모든 예술 작품에 완전히 고전적인 흔적이 남습니다. 그러나 고대인의 모방은 예술가의 독립성을 억누르지 않으며, 그들은 뛰어난 수완과 상상력의 생동감으로 그레코로만 예술에서 차용하기에 적절하다고 생각하는 것을 자유롭게 처리하고 적용합니다.

북부 르네상스

네덜란드, 독일, 프랑스의 르네상스 시대는 일반적으로 별도의 문체 방향으로 분류되며 이탈리아 르네상스와 약간의 차이가 있으며 "북부 르네상스"라고합니다.

그림에서 가장 눈에 띄는 문체 차이 : 이탈리아와 달리 고딕 예술의 전통과 기술은 오랫동안 그림에서 보존되었으며 고대 유산 연구와 인체 해부학 지식에 대한 관심이 적었습니다.

저명한 대표자는 Jan van Eyck(c. 1390-1441), Rogier van der Weyden(1399 또는 1400-1464), Hugo van der Goes, Pieter Brueghel the Elder(1525/1530-1569)입니다.

[편집] 르네상스맨

본문: 르네상스 휴머니즘

과학

XIV-XVI 세기의 지식 발전은 세계와 인간의 위치에 대한 사람들의 생각에 큰 영향을 미쳤습니다. 위대한 지리적 발견, Nicolaus Copernicus 세계의 태양 중심 시스템은 지구의 크기와 우주에서의 위치에 대한 아이디어와 고대 이후 처음으로 연구를 시도한 Paracelsus와 Vesalius의 작업을 변경했습니다. 인간의 구조와 그 안에서 일어나는 과정은 과학적 의학과 해부학의 시작을 알렸습니다.

사회과학 분야에서도 큰 변화가 일어났다. 장 보댕(Jean Bodin)과 니콜로 마키아벨리(Niccolo Machiavelli)의 작품에서 역사적, 정치적 과정은 다양한 집단의 사람들과 그들의 이익이 상호 작용한 결과로 처음 고려되었습니다. 동시에 "이상적인"사회 구조를 개발하려는 시도가있었습니다. Thomas More의 "Utopia", Tommaso Campanella의 "City of the Sun". 고대에 대한 관심 덕분에 많은 고대 문헌들이 복원되었다. 출처 미지정 522일], 많은 인본주의자들이 고전 라틴어와 고대 그리스어를 공부했습니다.

일반적으로 이 시대에 만연한 르네상스의 범신론적 신비주의는 과학지식의 발전에 불리한 이데올로기적 배경을 조성하였다. 과학적 방법의 최종 형성과 그에 뒤이은 17세기의 과학 혁명. 르네상스에 반대하는 종교 개혁 운동과 관련이 있습니다.

철학

주요 기사:르네상스 철학

15세기(1459)에 카레지에 있는 플라톤 아카데미가 피렌체에서 부활했습니다.

르네상스의 철학자

레오나르도 브루니
마르실리오 피치노
로렌조 발라
마네티
장 보댕
미셸 몽테뉴
토마스 모어
로테르담의 에라스무스
마틴 루터
토마소 캄파넬라
지오다노 브루노

문학

르네상스 문학은 시대의 인본주의적 이상, 조화롭고 자유롭고 창의적이며 포괄적으로 발전된 성격의 찬양을 가장 완전하게 표현했습니다. Francesco Petrarch (1304-1374)의 사랑 소네트는 사람의 내면 세계의 깊이, 정서적 삶의 풍요 로움을 드러냈습니다. XIV-XVI 세기에 이탈리아 문학이 번성했습니다-Petrarch의 가사, Giovanni Boccaccio (1313-1375)의 단편 소설, Niccolo Machiavelli (1469-1527)의 정치 논문, Ludovico Ariosto (1474-1533)의시 그리고 Torquato Tasso(1544-1595)는 그녀를 다른 나라의 "고전"(고대 그리스 및 로마와 함께) 문학에 포함시켰습니다...

르네상스 문학은 민속시와 "책 같은"고대 문학이라는 두 가지 전통에 의존했기 때문에 합리적 원칙이 시적 소설과 결합되는 경우가 많았고 만화 장르가 큰 인기를 얻었습니다. 이것은 그 시대의 가장 중요한 문학 기념물인 보카치오의 데카메론, 세르반테스의 돈키호테, 프랑수아 라벨레의 가르강튀아와 팡타그뤼엘에서 드러났습니다.

민족 문학의 출현은 주로 라틴어로 만들어진 중세 문학과 달리 르네상스와 관련이 있습니다.

연극과 드라마가 널리 퍼졌습니다. 이 시대의 가장 유명한 극작가는 윌리엄 셰익스피어(1564-1616, 영국)와 로페 데 베가(1562-1635, 스페인)였습니다.

미술

르네상스의 회화와 조각은 자연과 예술가의 화해, 해부학, 원근법, 빛의 작용 및 기타 자연 현상에 대한 가장 가까운 침투가 특징입니다.

전통적인 종교적 주제의 그림을 그리는 르네상스 예술가들은 새로운 예술적 기법을 사용하기 시작했습니다. 배경에 풍경을 사용하여 3차원 구성을 구축하는 것입니다. 이를 통해 이미지를 보다 사실적이고 생동감 있게 만들 수 있었으며, 이미지의 관습으로 가득 찬 이전의 도상학적 전통과 그들의 작업 사이에 뚜렷한 차이를 보여주었습니다.

건축학

이 시대를 특징 짓는 가장 중요한 것은 고대, 주로 로마 예술의 원칙과 형식으로 건축이 돌아온 것입니다. 이 방향에서 특히 중요한 것은 로마 건축의 살아남은 예에서 분명히 알 수 있듯이 대칭, 비율, 기하학 및 구성 요소의 순서입니다. 중세 건물의 복잡한 비율은 질서정연하게 배열된 기둥, 벽기둥 및 상인방으로 대체되고, 비대칭 윤곽은 아치의 반원, 돔의 반구, 벽감 및 이봉으로 대체됩니다.

르네상스 또는 르네상스(이탈리아어: Rinascimento, 프랑스어: Renaissance)는 고대 교육의 복원, 고전 문학, 예술, 철학, 고대 세계의 이상, "어둠"과 "후진" 시기에 왜곡되거나 잊혀진 이상을 되살리는 것입니다. 서유럽의 중세. 14세기 중반부터 16세기 초까지 휴머니즘이라는 이름으로 알려진 문화 운동이 취한 형태였다(요약 및 관련 기사 참조). 인본주의와 르네상스는 인본주의의 가장 특징적 특징일 뿐이며, 고전고대에 세계관을 지지하고자 했던 것과 구분할 필요가 있다. 르네상스의 발상지는 이탈리아로, 이탈리아인에게 민족적 성격을 지녔던 고대 고전(그레코-로마) 전통이 결코 시들지 않은 곳입니다. 이탈리아에서는 중세 시대의 억압이 특별히 강하게 느껴지지 않았습니다. 이탈리아인들은 스스로를 "라틴인"이라고 불렀고 스스로를 고대 로마인의 후손으로 여겼습니다. 르네상스의 초기 추진력이 부분적으로 비잔티움에서 왔다는 사실에도 불구하고 비잔틴 그리스인의 참여는 미미했습니다.

르네상스. 비디오 필름

프랑스와 독일에서는 르네상스 초기의 초기 르네상스 시대에 국가적 요소가 혼합된 골동품 스타일이 다음 시대보다 더 두드러졌습니다. 후기 르네상스는 고풍스러운 디자인을 더욱 고급스럽고 강력한 형태로 발전시켰고 바로크 양식이 점차 발전했습니다. 이탈리아에서는 르네상스 정신이 모든 예술에 거의 한결같이 스며들었지만, 다른 나라에서는 건축과 조각만이 고대 모델의 영향을 받았습니다. 르네상스는 또한 네덜란드, 영국 및 스페인에서 국가적 수정을 거쳤습니다. 르네상스가 퇴화한 후 로코코, 고대 예술, 모든 원시적 순결의 그리스 및 로마 모델에 대한 가장 엄격한 준수로 표현되는 반응이 나타났습니다. 그러나이 모방 (특히 독일에서)은 마침내 XIX 세기의 60 년대 초에 과도한 건조로 이어졌습니다. 르네상스로의 복귀를 극복하려고 노력했습니다. 그러나 건축과 예술 분야에서 르네상스의 이 새로운 지배는 1880년까지만 지속되었습니다. 그때부터 바로크와 로코코가 다시 번성하기 시작했습니다.

왜 다른 시대의 중요성보다 르네상스의 역할이 더 눈에 띄는가? 르네상스의 개념은 사람이 많은 것을 할 수 있다는 믿음을 발산하면서 상당히 생명을 긍정했기 때문입니다. 그리고 그 당시의 인물들은 그들의 작품과 아이디어로 그러한 생각의 진실성을 증명했습니다. 르네상스는 교과서나 박물관에 남아 있지 않고 많은 사람들에게 영감을 주었고 계속해서 영감을 주고 있습니다. 아이디어는 변하고 보완되거나 다시 생각되지만 사람에게 즐거울뿐만 아니라 자신의 활동이 쓸모가 없다고 생각하는 것도 중요합니다.

르네상스 시대의 창작물은 유명 아티스트의 앨범(예: Lady Gaga - "Artpop")뿐만 아니라 인쇄물로도 볼 수 있습니다. T 셔츠에서 보티첼리의 부드러운 비너스를 자주 볼 수 있으며 레오나르도 다빈치의 모나리자는 어디에서도 사용된 적이 없습니다. 따라서 르네상스는 생각보다 가깝고 당시의 작품과 인물의 중요한 원리, 주요 특징 및 특징을 아는 것은 자신을 교육받은 사람이라고 생각하는 사람들에게 단순히 필요합니다. 모든 것이 간단하고 쉽게 설명되어 있는 이 문서가 도움이 될 수 있습니다.

유럽 문화에 대한 르네상스의 중요성은 너무 커서 과학에서 시에 이르기까지 모든 영역의 추가 발전을 결정했습니다. 중세와 계몽주의 사이의 전환기가 되었지만 이 기간 동안 만들어진 창조물은 르네상스를 진정으로 특별하게 만듭니다. 이 모든 것은 이탈리아에서 시작되었는데, 이러한 용어는 "다시 태어나다"를 의미하는 "르네상스"라는 이름을 포함하여 이탈리아인에 의해 만들어졌습니다. 르네상스의 발흥은 참으로 새로운 세계의 탄생이었습니다. 영지의 영향력이 커지면서 중세 시대에 만들어진 종교적이고 금욕적인 문화에 이질적인 사람들이 생겼습니다. 따라서 개인을 우주의 중심으로 선포하는 새로운 문화가 구축되고 있습니다. 고대의 미학과 이데올로기를 모델로 삼았다. 인쇄술의 발명 덕분에 인쇄술은 유럽 전역으로 퍼졌습니다.

르네상스 시대는 14세기 말부터 14세기 말까지 지속되었다. 개발 단계는 다음과 같습니다.

프로토 르네상스(초기 르네상스) - XIV 세기부터 XV 세기 초까지;
하이 르네상스(15 세기 후반부터 16 세기 전반까지 시간이 지남에 따라 시대의 가장 높은 개화);
후기(북부) 르네상스- 16세기 말부터, 일부 국가에서는 17세기 초부터. 이미 이탈리아에서 바로크 시대가 시작되었을 때 다른 나라들은 너무 익은 열매만을 이해했습니다.

그러나 후기 르네상스는 더 어두워진다. 문제와 전투가 계속되고 사람이 무언가의 중심이라는 순진한 주장에 의문이 제기되기 때문에 사상의 위기는 불가피합니다. 중세 세계관인 신비주의가 돌아오며 바로크 시대를 장식합니다.

주요 특징

르네상스의 일반적인 특징은 사람에 대한 관심이 자신의 능력에 대한 숭배로 승격되고 미학과 철학 분야에서 고대 문화의 부흥이 일어난다는 것입니다. 고대는 적극적으로 연구되고 재 작업되는 고전으로 인식됩니다. 세상의 물질적 이미지가 나타나고 사람들은 개인의 마음을 칭찬합니다. 르네상스 시대의 개성과 개인의 책임은 교회 구조, 종교 전체를 다르게 볼 수 있는 근거를 제공합니다. 자유로운 비평은 종교 생활과 성경적 일치를 공격합니다. 덕분에 종교개혁의 시대가 열리고 천주교의 개혁이 일어난다. 이탈리아에서 르네상스가 탄생한 것은 바로 이러한 정서와 경제적 이유 때문이다.

르네상스의 주요 특징은 무엇입니까?

위에서 말했듯이 교회의 손아귀가 느슨해지고 있습니다. 종교적 금욕주의가 비판되고 극장이 나타나고 카니발, 휴일, 즐거움이 허용됩니다.
신의 관심은 이제 그의 창조물(인간중심주의)로 재지향된다.
작성자의 지위는 권한을 획득합니다. 사람들은 더 이상 자신의 행위에 서명하는 것을 부끄러워하지 않으며 하나님이 자신의 손을 인도하신다고 생각하지 않습니다.
인본주의 철학이 확산되고 있습니다. 사람을 크고 강하고 독립적 인 성격으로 존중합니다.
인간의 신과 같은 생각이 떠오른다.

유럽 문명의 뿌리는 중세가 아니라 고대로 거슬러 올라간다. 다음으로 르네상스의 모든 측면과 그 성취가 유럽 문화에 정확히 어떤 영향을 미쳤는지 자세히 살펴보겠습니다.

철학

르네상스 철학은 일반적인 아이디어로 통합된 일련의 철학 학교입니다. 신중심주의에 대한 거부는 인간으로 하여금 자신의 능력에 집중하게 하여 인본주의 시대를 선포하게 한다.

르네상스의 아이디어는 사상가들이 지식을 습득했을뿐만 아니라 그것을 처리했던 고대 문화에 대한 것입니다. 이로부터 시대의 다음과 같은 원칙과 가치가 형성되었습니다.

인간중심주의;
창의적 자기표현과 자유에 대한 인권을 인정한다. 창조자 인간;
세상에 존재하는 모든 것은 사람을 통해 이해됩니다.
미학은 과학과 도덕, 육체 숭배보다 더 중요합니다.

르네상스의 몇 가지 철학적 방향과 아이디어를 더 자세히 고려해 봅시다.

인문주의

유럽 위도에서 인본주의는 XIV-XV 중반 세기에 퍼졌습니다. 이 철학적 방향은 반 사무적 방향을 가졌습니다. 이제부터 사상가들은 사람의 지음이 하나님이 은혜로 주신 것이 아니라 자기 노력의 결과임을 증명합니다. 사람은 활동적이고 창의적인 활동, 개성과 자유의 실현에 대한 권리가 있습니다.

휴머니즘의 철학이 문학에 침투하여 르네상스의 유명한 인본주의 자들이 펜을 들었습니다. ""의 위대한 Dante Alighieri조차도 이미 기독교의 광신적 오류와 반 문맹 통역사에 대해 아이러니합니다. 단테는 인간의 미덕을 신의 뜻이 아니라 개인의 의식적인 결정으로 믿는다. 그러나 이탈리아 시인은 최초의 인본주의자로 간주됩니다. 그의시에서 그는 우리가 하나님의 뜻 없이도 이룰 수있는 사랑과 지상의 기쁨의 이상을 설교했습니다. 그는 경건에 대한 내세의 보상을 의심하지만 영혼의 진정한 불멸을 달성하는 방법을 알고 있습니다. 그것을하는 방법? 지금 여기에서만 발생하기 때문에 창의적이고 활발한 활동에 참여할 다른 기회는 없을 것입니다.

르네상스 사상가들(Petrarch, Boccaccio, Lorenzo Valla 등)은 아직 밝혀지지 않은 인간의 정신적 육체적 잠재력에 대한 열렬한 믿음을 공언했습니다. 그렇기 때문에 인본주의 철학은 생명을 긍정하는 성격을 지닌다. 르네상스 시대에 인본주의는 새로운 사람들의 문화와 세계관에 진정한 혁명을 일으켰습니다.

인류 중심주의

철학사상으로서의 인간중심주의는 휴머니즘의 특징이 되었다. 그것은 그리스어 "άνθροπος"-사람과 "중심"-중심에서 유래했으며 이미 단어의 어원으로 그 의미를 추측 할 수 있습니다. 말 그대로 이것은 우주의 중심에 사람을 배치하는 것입니다. 그는 더 이상 특정 사회 집단의 담지자로서 죄 많고 불완전한 존재로 간주되지 않습니다. 그는 개인적이고 독특하고 독특한 성격입니다. 창조하고 창조하는 능력으로 표현되는 사람의 신과 같은 것을 강조합니다.

고대 문화에서 신체적, 자연적 모든 것에 대한 미적 관심이 채택되었습니다. 그들은 정신뿐만 아니라 인체도 존경하며 이러한 원칙의 통일성을 높입니다.

이탈리아 철학자 토마소 캄파넬라는 자신의 논문에서 신체의 아름다움은 신의 선물이며 신체의 불완전함은 다른 사람들에게 그들이 악한 사람을 대하고 있다는 경고라고 썼습니다. 르네상스의 성격은 윤리적 고려보다 미적 원칙을 우선시했습니다.

우주의 중심인 인간은 아름답고 세상을 즐기기 위해 창조되었습니다. 그러나 그는 유휴 쾌락이 아니라 창조적 활동에 인생을 보내야합니다. 따라서 인간 중심주의는 전능한 운명 앞에서 사람들의 금욕주의, 수동성 및 무기력이라는 중세 윤리를 파괴합니다.

자연철학

르네상스 사상가들은 다시 자연 연구로 눈을 돌려 중세 시대의 이해를 비독립적 영역으로 수정했습니다.

철학의 두드러진 특징은 다음과 같습니다.

자연 철학자들은 경험이 아니라 성찰을 통해 자연 연구에 접근했습니다.
철학과 신학을 분리하려는 열망;
세상은 신성한 계시가 아니라 이성과 감정으로 알 수 있습니다.
자연에 대한 지식은 신비주의와 결합됩니다.

자연 철학의 대표자들은 다양한 개념을 개발했습니다. 예를 들어, 철학자 Francesco Patrici는 애니메이션 무한으로 세계의 교리를 개발했습니다. 그리고 신비한 Yakbo Boehme는 자연이 인간의 멘토인 복잡한 우주 생성 시스템을 개발했습니다.

자연계의 뛰어난 연구자인 전설적인 독일 의사 Paracelsus가 자연 철학자들과 함께했습니다.

Paracelsus는 인간을 모든 자연을 포함하는 작은 세계로 간주했습니다. 그의 의견으로는 인간 지식에 대한 금지가 없으며 모든 존재와 자연뿐만 아니라 세계 외부에 있는 것도 연구할 수 있습니다. 지식의 비정상성은 혼란스러워서는 안되며 연구 과정에서 사람을 중지시켜야합니다.

인간과 자연은 여전히 조화를 이루고 있습니다. 그러나 인간의 가능성의 확장은 자연에 대한 연구와 예속을 수반한다.

만유신론

범신론의 철학적 교리는 그들이 창조했다고 주장하는 것과 신성한 힘을 동일시합니다. 범신론의 창조주께서는 일주일을 헛되이 낭비하지 않으셨고, 우리 세상을 창조하지 않으셨습니다. 범신론자들은 고대 유산과 자연철학으로 눈을 돌리고 자연과학에 주목하여 세계와 우주의 애니메이션을 인식했습니다. 이 가르침에는 완전히 다른 두 가지 방향이 있습니다.

이상주의적(자연은 신성한 힘의 표현이다)
자연주의적(신은 자연법칙의 집합일 뿐이다).

즉, 첫 번째 방향에서 우주가 신 안에 있다면 두 번째 방향에서 신은 우주 안에 있습니다.

Cusa의 철학자 Nicholas는 신이 자신으로부터 세상을 계시하고 무에서 세상을 창조하지 않는다고 믿었습니다. 그리고 Giordano Bruno는 신이 모든 것 안에 있지만 관련된 패턴의 형태로 있다고 믿었습니다.

갈릴레오 갈릴레이는 계속해서 자연을 연구했고(그는 고대 철학을 공부하여 세상의 통일성에 대한 아이디어를 얻었습니다), 니콜라이 코페르니쿠스(비록 그는 사람들에게 모든 생명체 순위에서 첫 번째 위치를 부여했지만 여전히 글로벌 감각 그들의 위치는 지구가 열린 태양계의 리더가 아니기 때문에 주변적입니다).

범신론은 르네상스의 많은 철학 이론의 특징이었으며 자연 철학과 신학 사이의 통합 연결 고리가 된 사람이 바로 그 사람이었습니다.

문화와 예술

중세의 어두운 생각에서 르네상스의 자유로의 전환은 강제되지 않았습니다. 교회의 우위는 사람들의 마음 속에 보존되었으며 즉시 그림과 시가 아니라 창의성 자체가 좋은 평판을 얻었습니다. 또한 문맹이 인구 사이에 만연했습니다. 그러나 르네상스의 방향은 점차 교육이 중요한 새로운 문화의 토대를 마련했으며, 창의적인 개인이 지능과 재능으로 보편적인 인정을 얻으려고 노력했습니다.

예를 들어, 이탈리아 작가 보카치오는 진정한 시인은 문법, 역사, 지리, 예술, 심지어 고고학까지 광범위한 지식을 가지고 있어야 한다고 믿었습니다.

분명히 제작자는 자신이 키운 이상을 모방하려고 노력했습니다. 르네상스의 이러한 특징은 조각과 그림으로 구현 된 창조적이고 보편적 인 신과 같은 인간의 이미지를 불러 일으켰고 책에서 목소리를 받았습니다. 르네상스 정신이 가장 잘 드러난 곳은 예술이었다.

그림

세계의 새로운 그림은 예술이 자신의 유일한 창조적 표현이기 때문에 이탈리아에서 예술을 우선시합니다. 회화, 조각, 건축은 교육받은 모든 사람이 알고 있는 위대한 거장이자 창조물입니다. 르네상스 예술은 여러 단계로 나뉘며 각 단계마다 흥미로운 특징이 있습니다.

예를 들어, 원시 르네상스(XIV - 초기 XV 세기)는 중세에서 과도기가 되었습니다. 위대한 화가 Giotto, Mosaccio는 종교적 주제로 전환하지만 사람들의 삶의 경험에 대한 감정에 중점을 둡니다. 영웅은 인간화되고 성도의 후광은 Botticelli의 "Annunciation"또는 Raphael의 "Sistine Madonna"그림에서와 같이 그림에서 더 투명하고 덜 눈에 띄게됩니다.

이 시대의 예술가들은 세계의 물질적 이미지를 위해 노력했다. 그들은 이성적인 화가들이었고, 르네상스 회화는 황금분할인 기하학의 사용으로 구별됩니다. 원근법이 그려졌는데, 덕분에 대가들은 묘사된 사물과 현상의 범위를 넓힐 수 있었다. 예를 들어, 그림은 기념비적이었습니다. 예를 들어 미켈란젤로의 시스틴 예배당 그림은 전성기 르네상스 시대 (15 세기 후반 ~ 16 세기 전반기)에 제작되었습니다. 볼륨감이 넘치며 넓어집니다
3년에 걸쳐 제작된 순환형 프레스코 프레임. 줄거리 중에는 신이 인간을 만지고 영혼을 그의 몸으로 데려 오려는 르네상스에 중요한 아담 창조의 이미지를 볼 수 있습니다. 미켈란젤로의 또 다른 중요한 작품은 다비드의 조각입니다.
인간의 숭배, 육체를 선포합니다. 자랑스럽고 자신감이 넘치며 육체적으로 발달했습니다. 고대 조각품에 대한 분명한 고개를 끄덕입니다. 사람의 본질은 포즈, 몸짓, 자세에서 마스터에 의해 파악되었습니다. 이 시대의 초상화는 자랑스럽고 강하며 능력을 이해하는 특별한 종류의 얼굴로도 구별되었습니다.

오랫동안 예술은 르네상스 예술가들이 만든 원칙을 바탕으로 발전했습니다. 오늘날 르네상스 예술은 그 매력을 잃지 않았으며 이 시대에 만들어진 많은 이미지를 모든 곳에서 찾을 수 있습니다. 예를 들어, 화장품 회사인 Lime Crime은 보티첼리의 비너스의 탄생에 전용 아이섀도우 팔레트를 제공했습니다. 화장품 제작자는 "shell", "muse"와 같이 각 색상에 주제별 이름을 지정했습니다. 물론 그러한 제품의 인기는 르네상스 시대에 만들어진 걸작의 불멸을 말해줍니다.

문학

르네상스의 인본주의적 세계관은 문학에도 영향을 미쳤다. 전경에는 중세의 영향에서 벗어난 남자가 있습니다. 이탈리아 문학 발전에서 중요한 역할은 고대 문화 유산의 보존이었습니다. 거기에서 높은 인간성의 예인 인간의 이상이라는 개념이 나옵니다. 르네상스 작품에는 특징적인 특징이 있습니다. 예를 들어 이미지의 주요 주제는 강한 성격, 그녀의 삶과 모순입니다. 자연에 대한 태도도 변했습니다. 그들은 그것을 존경하기 시작했습니다.

르네상스 문학을 보여주는 가장 쉬운 방법은 Giovanni Boccaccio의 단편 소설 "The Decameron"모음의 예입니다. 컬렉션의 첫 번째 짧은 이야기는 주요 연결 이야기입니다. 7명의 소녀와 3명의 소년이 역병을 피해 성에 숨어 있습니다. 그들은 노래하고 춤추고 서로 다른 이야기를 들려줍니다. 이 살아있는 젊은이들은 르네상스의 새로운 인간의 의인화이며 전염병은 중세의 족쇄입니다. 이야기의 주요 주제는 다릅니다 : 사랑, 반 교회, 모험, 교훈. 처음으로 독자는 사람들의 영웅, 즉 학생, 신랑, 목수 등을 볼 수 있습니다. 그러나 동시에 저자는 추악한 영웅을 비난하고 육체적으로 발달 된 유기체를 숭배하는 시대의 틀 안에있는 신체의 단점을 비웃습니다. Boccaccio는 약간의 경박함을 허용하면서 있는 그대로의 삶을 보여줍니다. 그래서 교역자들은 이 책을 몹시 싫어했고 광장에서 공개적으로 불태우기까지 했습니다. 그러나 그러한 박해조차도 사람들의 세계관이 바뀌고 선호도가 뒤따 랐기 때문에 Boccaccio 컬렉션의 인기를 죽일 수 없었습니다.

시인

르네상스 시인 프란체스코 페트라르카는 “말을 통해 사람의 얼굴이 아름다워진다”고 썼다.

순결과 사랑의 나른함, 열정과 순결의 조화로운 조합을 소네트에서 만들어내는 새로운 유럽 가사의 창시자가 된 것은 바로 그 사람이었습니다. 푸쉬킨은 르네상스 시인이 남자와 여자 사이의 감정에 대해 훌륭하고 영감을 주며 생생하게 썼기 때문에 "페트라르카의 언어"와 사랑 자체의 언어를 식별했습니다. 우리는 그의 작업에 대해 더 많이 썼습니다.

더 재능있는 시인이 이탈리아, 즉 Ludovico Ariosto (시 "Furious Roland"의 저자), Torquato Tasso, Jacopo Sannadzor에 나타납니다. 프랑스에서 그 시대의 위대한 시인은 여기 피에르 드 롱사르였습니다. 그런 다음 그는 다양한 시적 운율, 운율과 음절의 조화를시에 도입하면서 "시인의 왕자"로 간주되었습니다. 영국에서 시의 가장 중요한 대표자는 Geoffrey Chaucer와 Edmund Spenser였습니다. 사실, Geoffrey Chaucer는 르네상스를 예상했고 그는 "영국시의 아버지"가되었습니다. 그리고 Edmund Spenser는 "영국의 대시인"이었던 영국 시에 멜로디를 붙였습니다. 르네상스 시대의 시인들은 존경을 받았고 위대한 시인으로 여겨졌으며 오늘날까지 이 칭호를 유지하고 있습니다.

작곡가

이탈리아에서 발전한 영향력 있는 작곡가 학교: Roman(Giovanni Palestrina) 및 Venetian(Andrea Gabrieli). Palestrina는 카톨릭 종교 음악의 예를 만들었고 Gabrieli는 합창단을 다른 악기 소리와 결합하여 세속 음악에 접근했습니다.

작곡가 John Dubsteil과 William Bird는 다른 세기에 영국에서 일했습니다. 주인은 신성한 음악을 선호했습니다. William Byrd는 "음악의 아버지"라고 불립니다.

재능있는 작곡가 Orlando Lasso는 어린 시절부터 음악적 재능을 보여주었습니다. 그의 세속 음악은 뮌헨이 유럽의 음악 중심지가 되었고, Johann Eckard, Leonard Lechner, Gabrieli와 같은 다른 재능 있는 음악가들이 공부하러 온 유럽의 중심이 되었습니다.

물론 르네상스 시대의 작곡가들은 전통적인 양식뿐만 아니라 기악까지 발전시켜 사용하는 악기(현악기, 클라비에 등)의 범위를 넓혔다. 르네상스 음악가들의 활동은 미래의 오페라 출현 가능성을 창출하여 체계적이고 생산적인 발전을 통해 소리와 멜로디의 예술을 제공했습니다.

건축가

Filippo Brunelleschi는 르네상스의 "건축의 아버지"라고 불립니다. 그는 많은 예술 작품을 만들었는데 그 중 하나가 산 로렌조 교회입니다. 초기 르네상스의 또 다른 대표자인 건축가 알베르티는 피렌체에 루첼라이 궁전을 지었습니다. Brunelleschi와 달리 그는 란셋을 사용하지 않고 층별로 개별 주문을 사용했습니다. 전성기 르네상스 시대의 주요 건축가는 Donato Angelo Bramante였습니다. 그는 로마의 성 베드로 대성당의 첫 번째 건축가였으며 계획을 세웠습니다.

그러나 르네상스의 거장들에 대해 주목할만한 점은 많은 사람들이 서로의 프로젝트를 완료하고 완료했다는 것입니다. 그래서 미켈란젤로가 성 베드로 대성당 건설을 계속했고 그의 죽음 이후 다른 건축가가 프로젝트를 인수했습니다. 12명의 건축가가 서로 다른 시기에 가톨릭 본당 건축에 참여한 것으로 밝혀졌습니다.

또는 또 다른 예로, 브루넬레스키가 지은 산 로렌초 교회의 실내 장식은 미켈란젤로가 만들었습니다. 다른 나라에서는 이탈리아 르네상스 건축 양식이 확산되고 있지만 지역 건축 전통이 도입되었습니다. 또한 건축 실험은 바로크 및 로코코와 같은 스타일로 이어집니다.

결론

이 기사가 르네상스에 익숙해지는 데 도움이 되었거나 특정 문화 영역을 더 자세히 연구하는 데 도움이 되었기를 바랍니다. 사실 위대한 발견이 이루어지고 편견의 고정된 틀이 무너진 것은 르네상스 천재들의 지식에 대한 강한 열망 덕분이었습니다.

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F.리페 마돈나

15세기 초 이탈리아의 생활과 문화에는 엄청난 변화가 있었습니다. 12세기부터 이탈리아의 마을 사람들, 상인, 장인들은 봉건적 의존에 맞서 영웅적인 투쟁을 벌였습니다. 무역과 생산을 발전시키면서 마을 사람들은 점차 더 부유해지고 봉건 영주의 권력을 버리고 자유 도시 국가를 조직했습니다. 이 무료 이탈리아 도시는 매우 강력해졌습니다. 그들의 시민들은 그들의 정복을 자랑스러워했습니다. 독립적인 이탈리아 도시들의 막대한 부는 그들을 번성하게 만들었습니다. 이탈리아 부르주아지는 다른 눈으로 세상을 바라보고 자신과 자신의 힘을 굳게 믿었습니다. 그들은 지금까지 그들에게 설교되었던 모든 지상의 기쁨에 대한 고통, 겸손, 거부에 대한 열망에 대해 이질적이었습니다. 삶의 기쁨을 누리는 지상인에 대한 존경심이 커졌습니다. 사람들은 삶에 적극적인 태도를 취하고 열심히 세상을 탐험하며 그 아름다움에 감탄하기 시작했습니다. 이 기간 동안 다양한 과학이 탄생하고 예술이 발전합니다.

이탈리아에서는 고대 로마 예술의 많은 기념물이 보존되어 고대 시대가 다시 모델로 숭배되었고 고대 예술은 감탄의 대상이되었습니다. 고대의 모방은 예술에서 이 시기를 프랑스어로 "르네상스"를 의미하는 르네상스라고 부르는 이유를 제공했습니다. 물론 이것은 고대 예술의 맹목적이고 정확한 반복이 아니라 이미 새로운 예술이지만 고대 모델을 기반으로합니다. 이탈리아 르네상스는 VIII - XIV 세기 - Pre-Renaissance (Proto-Renaissance 또는 Trecento - 함께)의 3 단계로 나뉩니다. XV 세기 - 초기 르네상스 (Quattrocento); XV 말 - XVI 세기 초 - 전성기 르네상스.

고고 학적 발굴은 고대 기념물을 찾기 위해 이탈리아 전역에서 수행되었습니다. 새로 발견된 조각상, 동전, 도구, 무기는 이를 위해 특별히 만들어진 박물관에서 조심스럽게 보존되고 수집되었습니다. 예술가들은 이러한 고대 샘플을 연구하고 삶에서 그렸습니다.

이집트로의 피난 (Giotto)

Trecento (르네상스 이전)

르네상스의 진정한 시작은 이름과 관련이 있습니다. 지오토 디 본도네(1266? - 1337). 그는 르네상스 회화의 창시자로 간주됩니다. 피렌체 지오토는 예술사에 큰 공헌을 했습니다. 그는 중세 이후 모든 유럽 회화의 조상이자 갱신자였습니다. Giotto는 복음 장면에 생명을 불어 넣고 실제 사람들의 이미지를 만들었으며 영적이지만 세속적이었습니다.

목자들에게 돌아가는 요아킴(조토)

Giotto는 처음으로 chiaroscuro의 도움으로 볼륨을 만듭니다. 그는 분홍색, 펄 그레이, 옅은 보라색, 밝은 라일락과 같은 차가운 색조의 깨끗하고 밝은 색상을 좋아합니다. Giotto의 프레스코 화에 나오는 사람들은 발걸음이 무겁고 땅딸막합니다. 그들은 큰 얼굴 특징, 넓은 광대뼈, 좁은 눈을 가지고 있습니다. 그의 남자는 친절하고 사려 깊고 진지합니다.

파도바 신전에 있는 조토의 프레스코화

Giotto의 작품 중에서 Padua 사원의 프레스코 화가 가장 잘 보존되어 있습니다. 그는 여기에서 복음 이야기를 기존의 지상적이고 실제적인 것으로 제시했습니다. 이 작품에서 그는 친절과 상호 이해,기만과 배신, 깊이, 슬픔, 온유, 겸손, 영원한 모성애에 대해 항상 사람들과 관련된 문제에 대해 이야기합니다.

조토의 프레스코

중세 그림에서와 같이 이질적인 개별 인물 대신 Giotto는 등장 인물의 복잡한 내면 생활에 대한 전체 이야기 인 일관된 이야기를 만들었습니다. 비잔틴 모자이크의 전통적인 황금색 배경 대신 Giotto는 풍경 배경을 도입합니다. 그리고 비잔틴 그림에서 인물이 공중에 떠 있고 공중에 매달려 있다면 Giotto의 프레스코 화의 영웅은 발 아래에서 단단한 땅을 찾았습니다. 공간 이동, 인물의 가소성, 움직임의 표현력에 대한 Giotto의 탐색은 그의 예술을 르네상스의 전체 무대로 만들었습니다.

S.Martini의 프레스코

르네상스 이전의 유명한 거장 중 한 명은 Simone Martini(1284-1344)입니다.

그의 그림에서 북부 고딕의 특징이 보존되었습니다. Martini의 인물은 길쭉하고 일반적으로 황금색 배경에 있습니다. 그러나 Martini는 chiaroscuro의 도움으로 이미지를 만들고 자연스러운 움직임을 제공하며 특정 심리적 상태를 전달하려고 시도합니다.

프레스코 조각. 도메니코 기를란다이오(1449~1494)

Quattrocento (초기 르네상스)

고대는 초기 르네상스의 세속 문화 형성에 큰 역할을 했습니다. Platonic Academy가 플로렌스에서 열리고 Laurentian 도서관에는 가장 풍부한 고대 사본 컬렉션이 있습니다. 조각상, 고대 건축물 조각, 대리석, 동전 및 도자기로 가득 찬 최초의 미술관이 나타납니다.

르네상스 시대에는 피렌체, 로마, 베니스와 같은 이탈리아 예술 생활의 주요 중심지가 두드러졌습니다. 새롭고 사실적인 예술의 발상지이자 가장 큰 센터 중 하나는 피렌체였습니다. 15세기에는 많은 유명한 르네상스 거장들이 그곳에서 거주하고 공부하고 일했습니다.

산타 마리아 델 피오레 대성당(피렌체 대성당)

초기 르네상스 건축

피렌체 주민들은 예술 문화가 높았고 도시 기념물 제작에 적극적으로 참여했으며 아름다운 건물 건설 옵션에 대해 논의했습니다. 건축가들은 고딕 양식을 닮은 모든 것을 버렸습니다. 고대의 영향으로 돔으로 장식 된 건물이 가장 완벽한 것으로 간주되기 시작했습니다. 여기서 모델은 로마 판테온이었습니다.

피렌체는 세계에서 가장 아름다운 도시 중 하나인 도시 박물관입니다. 그것은 거의 온전한 고대 건축물을 보존하고 있으며 가장 아름다운 건물은 대부분 르네상스 시대에 지어졌습니다. 피렌체 고대 건물의 붉은 벽돌 지붕 위에는 단순히 피렌체 대성당이라고 불리는 도시의 산타 마리아 델 피오레 대성당의 거대한 건물이 솟아 있습니다. 높이는 107m에 이릅니다. 흰 돌 갈비뼈로 조화를 이루는 웅장한 돔이 대성당을 장식합니다. 돔은 크기가 놀랍고 (지름은 43m) 도시의 전체 파노라마를 장식합니다. 대성당은 플로렌스의 거의 모든 거리에서 볼 수 있으며 분명히 하늘을 향해 어렴풋이 어렴풋이 보입니다. 이 웅장한 건축물은 건축가 필리포 브루넬레스키(Filippo Brunelleschi, 1377 - 1446)에 의해 지어졌습니다.

성 베드로 대성당(Arch. Brunelleschi and Bramante)

르네상스 시대의 가장 웅장하고 유명한 돔형 건물은 로마의 성 베드로 대성당. 100년 넘게 지어졌습니다. 원래 프로젝트의 제작자는 다음과 같습니다. 건축가 브라만테와 미켈란젤로.

르네상스 건물은 기둥, 기둥, 사자 머리 및 "푸티"(벌거 벗은 아기), 꽃과 과일의 석고 화환, 잎 및 많은 세부 사항으로 장식되어 있으며 그 샘플은 고대 로마 건물의 폐허에서 발견되었습니다. 반원형 아치가 다시 유행했습니다. 부유한 사람들은 더 아름답고 더 편안한 집을 짓기 시작했습니다. 서로 밀착 된 집 대신 호화로운 궁전 인 궁전이 나타났습니다.

David (sc.도나텔로)

초기 르네상스 조각

15세기 피렌체에서 그들은 창조했습니다. 두 명의 유명한 조각가 - Donatello와 Verrocchio. 도나텔로(1386? - 1466)-고대 예술의 경험을 사용한 이탈리아 최초의 조각가 중 한 명. 그는 초기 르네상스의 가장 훌륭한 작품 중 하나인 다윗의 동상을 만들었습니다.

성경의 전설에 따르면 단순한 목자였던 청년 다윗은 거인 골리앗을 무찌르고 유대 주민들을 노예 상태에서 구하고 나중에 왕이되었습니다. David는 르네상스의 가장 좋아하는 이미지 중 하나였습니다. 그는 조각가에 의해 성경의 겸손한 성인이 아니라 젊은 영웅, 승자, 고향 도시의 수호자로 묘사됩니다. 그의 조각품에서 Donatello는 인간을 르네상스 시대에 등장한 아름다운 영웅적 인격의 이상으로 노래합니다. David는 승자의 월계관으로 왕관을 씁니다. Donatello는 단순한 기원의 표시 인 양치기 모자와 같은 세부 사항을 소개하는 것을 두려워하지 않았습니다. 중세 시대에 교회는 알몸을 악의 그릇으로 간주하여 묘사하는 것을 금지했습니다. Donatello는 이 금지 사항을 용감하게 위반한 최초의 마스터였습니다. 그는 이것으로 인체가 아름답다는 것을 주장한다. 다윗상은 그 시대 최초의 원형 조각상이다.

지휘관 Gattamelata의 동상 (sc. Donatello)

Donatello의 또 다른 아름다운 조각품 인 Gattamelata 사령관 전사의 동상도 알려져 있습니다. 르네상스 최초의 기마 기념물이었습니다. 500년 전에 만들어진 이 기념물은 여전히 높은 받침대 위에 서서 파도바 시의 광장을 장식하고 있습니다. 처음으로 신도 성인도 아니고 고귀하고 부자가 아니라 조각품에서 불멸의 존재가 아니라 위대한 업적으로 명성을 얻을 자격이있는 위대한 영혼을 가진 고귀하고 용감하며 강력한 전사였습니다. 골동품 갑옷을 입은 Gattemelata ( "점박이 고양이"를 의미하는 그의 별명)는 조용하고 장엄한 자세로 강력한 말에 앉아 있습니다. 전사의 얼굴 특징은 단호하고 확고한 성격을 강조합니다.

콘도티에르 콜레오니(베로키오) 기마 기념비

안드레아 베로키오(1436 -1488)

San Giovanni 교회 근처 광장에 베니스에 배치 된 condottiere Colleoni에 대한 유명한 승마 기념물을 만든 Donatello의 가장 유명한 학생. 기념비에서 가장 중요한 것은 말과 기수의 공동 에너지 운동입니다. 말은 그대로 기념비가 세워진 대리석 받침대 너머로 돌진합니다.

등자에 서있는 Colleoni는 몸을 쭉 뻗고 머리를 높이 들고 먼 곳을 응시했습니다. 분노와 긴장의 찡그린 얼굴이 그의 얼굴에 얼었다. 그의 자세에서 거대한 의지를 느끼고 그의 얼굴은 맹금류와 비슷합니다. 이미지는 파괴 불가능한 힘, 에너지, 가혹한 권위로 가득 차 있습니다.

Masaccio의 프레스코

초기 르네상스 회화

르네상스는 또한 회화의 예술을 업데이트했습니다. 화가는 공간, 빛과 그림자, 자연스러운 포즈, 다양한 인간의 감정을 올바르게 전달하는 법을 배웠습니다. 이러한 지식과 기술이 축적된 시기가 초기 르네상스였다. 그 당시의 그림에는 가볍고 높은 영혼이 담겨 있습니다. 배경은 종종 밝은 색상으로 칠해지는 반면 건물과 자연 모티프는 날카로운 선으로 윤곽이 그려져 있으며 순수한 색상이 우세합니다. 순진한 근면함으로 이벤트의 모든 세부 사항이 묘사되며 캐릭터는 가장 자주 정렬되고 명확한 윤곽으로 배경과 분리됩니다.

르네상스 초기의 그림은 완벽함만을 추구했지만 그 진정성 덕분에 보는 이의 영혼을 감동시킨다.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, 마사초(1401 - 1428)로 알려진

그는 Giotto의 추종자이자 초기 르네상스 회화의 첫 번째 거장으로 간주됩니다. Masaccio는 28세밖에 살지 못했지만 짧은 생애 동안 예술에 과대 평가하기 어려운 족적을 남겼습니다. 그는 Giotto가 시작한 회화의 혁명적 변화를 완성했습니다. 그의 그림은 어둡고 깊은 색으로 구별됩니다. Masaccio의 프레스코 화에 나오는 사람들은 고딕 시대의 그림보다 훨씬 더 조밀하고 강력합니다.

Masaccio의 프레스코

Masaccio는 원근법을 고려하여 공간에서 물체를 올바르게 배열한 최초의 사람입니다. 그는 해부학 법칙에 따라 사람들을 묘사하기 시작했습니다.

그는 인물과 풍경을 하나의 행동으로 연결하여 자연과 사람의 삶을 극적이고 동시에 매우 자연스러운 방식으로 전달하는 방법을 알고 있었으며 이것이 화가의 큰 장점입니다.

동방 박사의 경배(마사치오)

마돈나와 네 천사와 함께 있는 아이(마사치오)

이것은 1426년 마사초가 피사의 산타 마리아 델 카르미네 교회 예배당을 위해 의뢰한 몇 안 되는 이젤 작품 중 하나입니다.

마돈나는 조토의 관점의 법칙에 따라 엄격하게 만들어진 왕좌에 앉아 있습니다. 그녀의 모습은 자신감 있고 명확한 획으로 쓰여져 조각 같은 볼륨의 인상을 줍니다. 그녀의 얼굴은 차분하고 슬프고, 그녀의 시선은 아무데도 향하지 않습니다. 암청색 외투를 두른 성모 마리아는 아기를 품에 안고 있으며, 어두운 배경에 황금빛 모습이 뚜렷하게 돋보입니다. 망토의 깊은 주름은 아티스트가 chiaroscuro를 가지고 놀 수 있게 해주며, 이는 또한 특별한 시각 효과를 만들어냅니다. 아기는 친교의 상징인 검은 포도를 먹습니다. 마돈나를 둘러싼 완벽하게 그려진 천사들(예술가는 인체 해부학을 완벽하게 알고 있음)은 그림에 추가적인 감정적 사운드를 제공합니다.

마사치오 인문주의자이자 시인인 에네아 실비오 피콜로미니(Enea Silvio Piccolomini, 1405-1464)의 전기에 헌정된 시에나 대성당 도서관의 프레스코화

여기에서 Kapranik 추기경이 1431 년부터 1449 년까지 거의 18 년 동안 바젤에서 처음으로, 그리고 나서 로잔에서 바젤 대성당으로 엄숙하게 출발했습니다. 젊은 Piccolomini도 추기경의 후계자였습니다.

반원형 아치의 우아한 프레임에는 페이지와 하인과 함께 기병 그룹이 표시됩니다. 그 행사는 그렇게 현실적이고 믿을만하지는 않지만 기사도적으로 세련되고 거의 환상적입니다.

전경에서 백마를 탄 아름다운 기수가 고급스러운 드레스와 모자를 쓰고 고개를 돌려 보는 사람을 바라보고 있습니다. 이것은 Aeneas Silvio입니다. 기쁨으로 작가는 벨벳 담요에 풍성한 옷과 아름다운 말을 씁니다. 인물의 길쭉한 비율, 약간 예의 바른 움직임, 약간의 머리 기울임은 법원의 이상에 가깝습니다.

Pope Pius II의 삶은 밝은 사건으로 가득 차 있었고 Pinturicchio는 황제 Frederick III와 함께 스코틀랜드 왕과 교황의 만남에 대해 말했습니다.

성 제롬과 세례자 요한(마사치오)

양면 삼부작을 위해 Masaccio가 그린 유일한 띠. 화가가 일찍 세상을 떠난 후 로마의 산타 마리아 교회를 위해 교황 마르틴 5세가 의뢰한 나머지 작품은 화가 마솔리노가 완성했습니다.

그것은 온통 붉은 옷을 입은 두 명의 엄격하고 기념비적으로 처형된 성도들의 모습을 묘사합니다. Jerome은 펼쳐진 책과 바실리카 모형을 들고 있으며 사자가 그의 발치에 누워 있습니다. 세례 요한은 평소의 모습으로 묘사됩니다. 그는 맨발로 손에 십자가를 들고 있습니다. 두 그림 모두 해부학적 정확성과 조각에 가까운 양감이 인상적입니다.

소년의 초상(1480)(핀투리키오)

인간에 대한 관심, 그의 아름다움에 대한 감탄은 르네상스 시대에 너무 커서 출현으로 이어졌습니다. 회화의 새로운 장르 - 초상화 장르.

Pinturicchio (Pinturicchio의 변형) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

이탈리아 페루자 출신. 얼마 동안 그는 미니어처를 그렸고 Pietro Perugino가 프레스코 화로 로마의 시스틴 예배당을 장식하는 것을 도왔습니다. 가장 복잡한 형태의 장식적이고 기념비적인 벽화에 대한 경험을 쌓았습니다. 몇 년 후 Pinturicchio는 독립적인 벽화가가 되었습니다. 그는 바티칸의 보르지아 아파트에서 프레스코화 작업을 했습니다. 그는 시에나 대성당의 도서관에 벽화를 그렸습니다.

작가는 초상화의 유사성을 전달하는 것뿐만 아니라 사람의 내면을 드러내고자 한다. 우리 앞에는 머리에 작은 파란색 모자를 쓰고 엄격한 분홍색 타운 드레스를 입은 십대 소년이 있습니다. 갈색 머리가 어깨까지 내려와 섬세한 얼굴을 감싸고 있으며, 갈색 눈의 세심한 시선은 사려 깊고 약간 불안합니다.

소년 뒤에는 얇은 나무, 은빛 강, 수평선에서 분홍색으로 변하는 하늘이 있는 움브리아 풍경이 있습니다. 영웅 캐릭터의 메아리 인 자연의 봄 부드러움은 영웅의시와 매력과 조화를 이룹니다.

소년의 이미지는 전경에 크고 그림의 거의 전체 평면을 차지하며 풍경은 배경에 그려져 매우 작습니다.

이것은 인간의 중요성, 주변 자연에 대한 그의 지배력에 대한 인상을 만들어 인간이 지구상에서 가장 아름다운 창조물이라고 주장합니다.

마돈나와 두 천사와 함께 있는 아기 (F. 리피)

필리포 리피(1406~1469)

Lippi의 삶에 대한 전설이 있습니다. 그 자신은 승려 였지만 수도원을 떠나 방황하는 예술가가되었고 수도원에서 수녀를 납치하고 노년에 사랑에 빠진 젊은 여성의 친척들에게 독살당했습니다. 그는 살아있는 인간의 감정과 경험으로 가득 찬 마돈나와 차일드의 이미지를 그렸습니다. 그의 그림에서 그는 가정 용품, 환경 등 많은 세부 사항을 묘사했기 때문에 그의 종교적 주제는 세속화와 유사했습니다.

수태고지(1443)(F. 리피)

마리아의 대관식(1441-1447)(F. 리피)

조반나 토르나부오니의 초상(1488)(Ghirlandaio)

그는 종교적 주제뿐만 아니라 피렌체 귀족의 삶, 그들의 부와 사치, 귀족의 초상화도 그렸습니다.

우리 앞에는 예술가의 친구이자 부유한 피렌체의 아내가 있습니다. 별로 아름답지 않고 화려하게 차려입은 이 젊은 여성에게서 작가는 고요함, 고요함과 침묵의 순간을 표현했습니다. 여자의 얼굴 표정은 차갑고 모든 것에 무관심하며 임박한 죽음을 예견하는 것 같습니다. 초상화를 그린 직후 그녀는 죽을 것입니다. 그 당시의 많은 초상화에서 전형적으로 나타나는 여성의 옆모습이 그려져 있습니다.

세례 (1458-1460) (P. 델라 프란체스카)

피에로 델라 프란체스카(1415/1416 - 1492)

15세기 이탈리아 회화에서 가장 중요한 이름 중 하나. 그는 그림 같은 공간의 원근법을 구성하는 방식에서 수많은 변형을 완성했다.

그림은 계란 온도의 포플러 판에 그려졌습니다. 분명히 이때까지 예술가는 그의 후기 작품이 쓰여질 기법으로 유화의 비밀을 아직 마스터하지 않았습니다.

예술가는 그리스도의 세례 당시 성 삼위 일체의 신비의 현현을 포착했습니다. 그리스도의 머리 위로 날개를 펼친 흰 비둘기는 구세주에 대한 성령의 강림을 상징합니다. 그리스도, 세례 요한, 그 옆에 서있는 천사들의 모습은 절제된 색으로 칠해져 있습니다.

델라 프란체스카의 프레스코

그의 프레스코 화는 엄숙하고 숭고하며 장엄합니다. 프란체스카는 인간의 높은 운명을 믿었고 그의 작품에서 사람들은 항상 놀라운 일을 합니다. 그는 미묘하고 부드러운 색상 전환을 사용했습니다. Francesca는 en plein air (in the air)를 처음으로 그렸습니다.

죽은 그리스도(만테냐)

안드레아 만테냐(1431~1506)

파도바 출신의 주요 예술가. 그는 고대 예술가들의 작품의 가혹한 웅장함에 감탄했습니다. 그의 이미지는 엄격하고 아름다운 그리스 조각을 연상시킵니다. 그의 프레스코화에서 Mantegna는 영웅적인 성격을 노래했습니다. 그의 그림 속 자연은 황량하고 황량하다.

만테냐. 세례 요한과 막달라 마리아와 함께한 마돈나와 아기 예수(1500)

마돈나는 캐노피 아래 주홍색 의자에 앉아 벌거 벗은 아기 그리스도를 팔에 안고 있습니다. 성모 마리아의 모습에는 당당한 것이 없으며 오히려 이것은 젊은 농민 여성의 이미지입니다. 영아의 알몸은 놀랍게도 살아 있는 것 같다. 마돈나의 측면에는 세례 요한과 막달라 마리아가 있습니다. 막달레나의 손에는 기름 부음을 위한 향이 담긴 그릇이 있고, 요한의 손에 있는 십자가는 세상의 죄를 속죄하는 양에 관한 글이 적힌 리본으로 감겨 있습니다. 그림은 예술가를 위해 일반적인 방식으로 그려지고 돌로 조각된 것처럼 보이며 옷의 모든 주름이 선명하게 정의됩니다. 배경은 짙은 단풍이 있는 정원의 이미지입니다. 그 색조에서 이 녹지는 옅은 녹색의 밝은 하늘과 대조를 이룹니다. 작품은 깊은 슬픔과 어떤 파멸의 느낌을 불러일으킨다.

파르나소스(만테냐)

잔을 위한 기도(만테냐)

이 작은 그림은 최후의 만찬 후에 예수께서 성 베드로와 세베대의 두 아들과 함께 겟세마네 동산으로 물러나신 순간을 묘사하고 있습니다. 아버지! 이거."

기도 자세로 무릎을 꿇은 그리스도의 모습이 그림의 구성 중심입니다. 그의 눈은 구름 위에 천사 무리가 보이는 하늘을 향하고 있습니다. 산기슭에서 그리스도와 함께하는 사도들은 잠을 잔다.

동산으로 이어지는 길에서 유다가 이끄는 경비병 무리가 "보라 나를 배반하는 자가 가까이 왔다"는 복음의 말씀을 정확하게 보여줍니다.

그림에는 많은 상징이 있습니다. 독수리가 달린 마른 나무는 죽음을 예고하고 녹색 싹이있는 가지는 임박한 부활을 나타냅니다. 로마 군인들이 그리스도를 구금하기 위해 지나갈 길에 앉아있는 겸손한 토끼는 임박한 죽음에 직면 한 사람의 온유함을 말합니다. 갓 베어낸 나무에서 남겨진 세 개의 그루터기는 임박한 십자가 처형을 상기시킵니다.

신성한 대화(Bellini)

조반니 벨리니(1427/1430 - 1516)

Bellini 형제는 르네상스 초기에 밝게 나타났습니다. 특히 유명한 사람은 종종 Gianbellino라고 불리는 Giovanni Bellini입니다. 그는 주요 베네치아 화가의 가족에서 자랐습니다. 어린 시절의 형과 함께 그는 아버지가 예술적 명령을 수행하도록 도왔습니다. 그는 베니스에 있는 총독의 궁전을 장식하는 일을 했습니다.

그의 그림은 부드러운 그림과 풍부한 황금색으로 구별됩니다. Gianbellino의 Madonnas는 항상 유기적으로 풍경에 용해되는 것처럼 보입니다.

초원의 마돈나(1500-1505) 벨리니.

그림 중앙에는 벌거 벗은 아기가 무릎에 자고있는 초원에 앉아있는 어린 마리아의 이미지가 있습니다. 그녀의 사려 깊은 얼굴은 매력적이며기도하는 몸짓으로 접힌 손은 아름답습니다. 신성한 아기의 입상은 조각품 인 것 같습니다. 이것은 Mantegna의 작품에 대해 잘 알고 있음을 나타냅니다. 그러나 명암의 부드러움과 색상의 전반적인 채도는 Bellini가 그림에 대한 길을 찾았음을 시사합니다.

배경에는 아름다운 풍경이 있습니다. 그림은 혼합 매체로 그려져 아티스트가 윤곽을 더 부드럽게 만들고 색상을 더 채도 있게 만들 수 있었습니다.

총독 레오나르도 로레단의 초상화. 벨리니

이 초상화는 벨리니가 베네치아 공화국의 화가로 의뢰한 것입니다. 메달과 동전을 포함하여 프로필에 얼굴을 묘사하는 기존의 전통과는 달리 Doge는 거의 정면으로 여기에 묘사됩니다.

지적이고 의지가 강한 노인의 얼굴의 높은 광대뼈와 콧대, 완고한 턱을 완벽하게 표현한 맑은 명암. 밝은 청록색 배경에 금색과 은색 브로케이드 맨틀이 있는 흰색이 대조를 이룹니다. 총독은 1년 동안 베네치아를 장악하고 바다와 약혼한 캔들마스(Candlemas) 축제 때 그것을 입었습니다. 오일 작업은 작가가 그림의 공간을 공기로 채우는 데 도움이 되어 도제의 이미지를 놀랍도록 생생하게 만들었습니다.

기사의 내용

르네상스, 14 ~ 16 세기 서부 및 중부 유럽 문화사에서 주요 내용은 중세와는 근본적으로 다른 새로운 "세속적"이며 본질적으로 세속적 인 세계 그림의 형성이었습니다. 새로운 세계관은 시대의 선도적 사상사조인 인본주의와 자연철학은 혁명적 변화를 겪은 예술과 과학에서 발현되었다. 새로운 문화의 원래 건축을위한 건축 자재는 고대였으며 중세 시대의 머리를 통해 언급되었으며 새로운 삶으로 "다시 태어났습니다"- 따라서 시대의 이름- "르네상스" , 또는 "르네상스"(프랑스어 방식), 나중에 부여됨. 15세기 말 새로운 문화를 이룬 이탈리아에서 태어났다. 이탈리아와 지역 국가 전통의 합성 결과로 북부 르네상스 문화가 탄생하는 알프스를 통과합니다. 르네상스 시대에는 새로운 르네상스 문화가 중세 후기 문화와 공존했는데, 이는 특히 이탈리아 북부 지역의 특징입니다.

미술.

중세 세계 그림의 신 중심주의와 금욕주의 아래 중세의 예술은 주로 종교에 봉사했으며 조건부 형태로 하나님과의 관계에서 세계와 인간을 전달하는 것은 성전 공간에 집중되었습니다. 눈에 보이는 세계도 인간도 그 자체로 가치 있는 예술품이 될 수 없습니다. 13세기 중세 문화에서는 새로운 경향이 관찰됩니다 (인본주의의 선구자 인 단테의 작품 인 성 프란체스코의 유쾌한 가르침). 13세기 후반. 이탈리아 예술 발전의 과도기적 시대의 시작-르네상스를 준비한 프로토 르네상스 (15 세기 초까지 지속). 이 시대의 일부 예술가 (G. Fabriano, Cimabue, S. Martini 등)의 작품은 도상학에서 상당히 중세적이며 더 밝고 세속적 인 시작으로 가득 차 있으며 인물은 상대적인 양을 얻습니다. 조각에서는 인물의 고딕 무체성이 극복되고 고딕 감성이 감소합니다(N. Pisano). 처음으로 중세 전통과의 분명한 단절은 14 세기의 1/3 인 13 세기 말에 나타났습니다. Giotto di Bondone의 프레스코 화에서 그림에 3 차원 공간 감각을 도입하고 더 많은 양의 인물을 그렸고 설정에 더 많은 관심을 기울였으며 가장 중요한 것은 고상한 고딕에 대한 특별하고 외계인, 인간 경험을 묘사하는 사실주의를 보여주었습니다. .

Proto-Renaissance의 주인이 경작 한 토양에서 이탈리아 르네상스가 발생하여 진화의 여러 단계 (Early, High, Late)를 거쳤습니다. 인본주의자들이 표현한 사실 새로운 세속적 세계관과 관련하여 그것은 사원 너머에 퍼져 있는 종교, 회화 및 조각상과의 불가분의 관계를 잃습니다. 작가는 회화의 도움으로 새로운 예술적 방법(원근법(선형, 공기, 색상)을 사용하여 입체 공간을 전송하고, 조형적 볼륨의 환상을 만들고, 수치의 비례성). 성격에 대한 관심, 개별 특성은 사람의 이상화, "완벽한 아름다움"에 대한 검색과 결합되었습니다. 신성한 역사의 음모는 예술을 떠나지 않았지만 지금부터 그들의 묘사는 세계를 지배하고 지상의 이상을 구현하는 작업과 불가분의 관계가 있습니다 (따라서 Bacchus와 John the Baptist Leonardo, Venus 및 Our Lady of Botticelli는 매우 유사합니다) . 르네상스 건축은 하늘에 대한 고딕 양식의 열망을 잃고 "고전적인"균형과 비례, 인체에 대한 비례를 얻습니다. 고대 주문 시스템이 되살아나고 있지만 주문의 요소는 구조의 일부가 아니라 전통 (사원, 당국의 궁전)과 새로운 유형의 건물 (도시 궁전, 시골 별장)을 장식하는 장식이었습니다.

초기 르네상스의 조상은 Giotto의 전통을 계승하고 거의 조각적인 인물의 가시성을 달성하고 선형 원근법의 원칙을 사용하고 상황 묘사의 관습을 떠난 피렌체 화가 Masaccio로 간주됩니다. 15세기 회화의 발전. Florence, Umbria, Padua, Venice (F. Lippi, D. Veneziano, P. dela Francesco, A. Pallayolo, A. Mantegna, K. Criveli, S. Botticelli 등)의 학교에 다녔습니다. 15세기에 르네상스 조각의 탄생과 발전(L. Ghiberti, Donatello, J. della Quercia, L. della Robbia, Verrocchio 등) 관능미의 표현으로 알몸을 묘사) 및 건축 (F. Brunelleschi, L. B. Alberti 등). 15세기의 거장들 (주로 L. B. Alberti, P. della Francesco)는 미술과 건축 이론을 만들었습니다.

북부 르네상스는 1420~1430년대 후기 고딕 양식(Jott 전통의 간접적인 영향 없이는 아님)에 기초하여 소위 "아르 노바(ars nova)" - "새로운 예술 " (E. Panofsky의 용어). 연구자들에 따르면 그것의 영적 기반은 주로 15세기 북부 신비주의자들의 소위 "새로운 경건"이었는데, 이는 특정한 개인주의와 세계에 대한 범신론적 수용을 전제로 했습니다. 새로운 스타일의 기원은 유화도 개량한 네덜란드 화가 Jan van Eyck과 Flemall의 Master였으며 G. van der Goes, R. van der Weyden, D. Boats, G. tot Sint Jans, I. Bosch 및 기타 (15 세기 중반). 새로운 네덜란드 그림은 유럽에서 폭넓은 반응을 얻었습니다. 이미 1430~1450년대에 새로운 그림의 첫 번째 사례가 독일(L. Moser, G. Mulcher, 특히 K. Witz), 프랑스(Aix의 수태고지 마스터)에 나타났습니다. 그리고 물론 Zh .Fuke). 새로운 스타일은 특별한 사실주의가 특징입니다. 원근법을 통한 3 차원 공간의 전송 (일반적으로 대략), 3 차원에 대한 욕구. 매우 종교적인 "새로운 예술"은 개인의 경험, 사람의 성격에 관심이 있었고 무엇보다 겸손과 경건함을 감사했습니다. 그의 미학은 인간의 완벽함에 대한 이탈리아 파토스, 고전적 형태에 대한 열정에 이질적입니다 (캐릭터의 얼굴은 완벽하게 비례하지 않고 고딕 양식의 각도입니다). 특별한 사랑으로 자연과 삶이 자세하게 묘사되었고 신중하게 쓰여진 것은 원칙적으로 종교적, 상징적 의미를 가졌습니다.

사실 북부 르네상스 미술은 15-16세기 초에 탄생했습니다. 북부 인본주의의 발전과 함께 알파인 횡단 국가의 국가 예술 및 영적 전통과 이탈리아의 르네상스 예술 및 인본주의의 상호 작용의 결과입니다. 르네상스 유형의 첫 번째 예술가는 뛰어난 독일 거장 A. Dürer로 간주 될 수 있지만 무의식적으로 고딕 영성을 유지했습니다. G. Holbein the Younger는 그림 스타일의 "객관성"으로 고딕과의 완전한 단절을 이루었습니다. 반대로 M. Grunewald의 그림은 종교적 승영으로 물들었습니다. 독일 르네상스는 한 세대의 예술가들의 작품이었으며 1540년대에 쇠퇴했습니다. 16세기 초 네덜란드에서. 전성기 르네상스와 이탈리아의 매너리즘을 향한 흐름이 퍼지기 시작했습니다 (J. Gossart, J. Scorel, B. van Orley 등). 16세기 네덜란드 회화에서 가장 흥미로운 점. - 이것은 이젤 그림, 일상 생활 및 풍경 장르의 발전입니다 (K. Masseys, Patinir, Luke of Leiden). 1550~1560년대에 가장 독창적인 국가적 예술가는 P. Brueghel the Elder로, 그는 일상 생활과 풍경 장르의 그림뿐만 아니라 일반적으로 민속과 관련된 우화 그림과 예술가 자신의 삶에 대한 몹시 아이러니한 모습을 소유했습니다. 네덜란드의 르네상스는 1560년대에 끝납니다. 본질적으로 완전히 궁정적인 프랑스 르네상스(네덜란드와 독일에서는 예술이 시민과 더 관련이 있음)는 아마도 북부 르네상스에서 가장 고전적이었을 것입니다. 이탈리아의 영향으로 점차 힘을 얻고있는 새로운 르네상스 예술은 루브르 박물관의 창시자 인 건축가 P. Lesko, F. Delorme, 조각가 J. Goujon 및 J. .Pilon, 화가 F. Clouet, J. Cousin 선배. 매너리즘 양식으로 활동한 이탈리아 화가 로쏘와 프리마티치오가 프랑스에서 세운 '퐁텐블로파'는 앞서 언급한 화가와 조각가들에게 지대한 영향을 미쳤지만, 프랑스 거장들은 고전주의를 인식하고 매너리스트가 되지는 못했다. 매너리스트의 모습 아래 숨겨진 이상. 프랑스 예술의 르네상스는 1580년대에 끝납니다. 16세기 후반 이탈리아와 다른 유럽 국가의 르네상스 예술은 점차 매너리즘과 초기 바로크 양식으로 바뀌고 있습니다.

과학.

르네상스 과학의 규모와 혁명적 성취를 위한 가장 중요한 조건은 세계 지배 활동이 인간의 지상 운명의 구성 요소로 이해되는 인본주의적 세계관이었습니다. 여기에 고대 과학의 부흥이 더해져야 합니다. 개발에서 중요한 역할은 내비게이션의 필요성, 포병 사용, 수력 구조 생성 등이었습니다. 과학 지식의 보급, 과학자들 간의 교류는 인쇄술의 발명 없이는 불가능했을 것입니다. 1445.

수학과 천문학의 첫 번째 발전은 15세기 중반으로 거슬러 올라갑니다. G. Peyerbach(Purbach) 및 I. Muller(Regiomontan)의 이름과 많은 면에서 연결되어 있습니다. Müller는 Columbus, Vasco da Gama 및 기타 항해자들의 여행에 사용된 "Ephemerides"(1492년 발행)인 새롭고 더 발전된 천문 테이블(13세기의 Alfonsian 테이블을 대체하기 위해)을 만들었습니다. 세기 전환기의 이탈리아 수학자 L. Pacioli는 대수학과 기하학의 발전에 크게 기여했습니다. 16세기 이탈리아인 N. Tartaglia와 J. Cardano는 3차 및 4차 방정식을 푸는 새로운 방법을 발견했습니다.

16세기의 가장 중요한 과학적 사건. 천문학의 코페르니쿠스적 혁명이었다. 그의 논문에서 폴란드 천문학자 니콜라우스 코페르니쿠스 천체의 순환에 대하여(1543)은 세계에 대한 지배적인 지구 중심 프톨레마이오스-아리스토텔레스 그림을 거부하고 천체가 태양 주위를 회전하고 지구가 여전히 축을 중심으로 있다고 가정했을 뿐만 아니라 처음으로 자세히 보여주었습니다. 고대 그리스에서 태어남) 그러한 시스템을 기반으로 천문 관측의 모든 데이터를 이전보다 훨씬 더 잘 설명할 수 있는 방법. 16세기 일반적으로 세계의 새로운 시스템은 과학계에서 지원을 받지 못했습니다. 코페르니쿠스 이론의 진실에 대한 설득력있는 증거는 갈릴레오에 의해서만 가져 왔습니다.

경험을 바탕으로 16 세기의 일부 과학자 (Leonardo, B. Varki 중)는 그 당시까지 최고로 군림했지만 문제에 대한 자체 솔루션을 제공하지 않은 Aristotelian 역학의 법칙에 대해 의구심을 표명했습니다 (나중에 Galileo는 이 작업을 수행). 대포 사용 관행은 새로운 과학적 문제의 공식화 및 해결에 기여했습니다. 논문의 Tartaglia 새로운 과학탄도학으로 간주됩니다. 지렛대와 무게의 이론은 Cardano에 의해 연구되었습니다. 레오나르도 다빈치는 수력학의 창시자였습니다. 그의 이론 연구는 수력 구조물의 설치, 토지 매립, 운하 건설 및 수문 개선과 관련이 있습니다. 영국 의사 W. Gilbert는 에세이를 발표하여 전자기 현상 연구의 토대를 마련했습니다. 자석에 대하여(1600)에서 그는 그 속성을 설명했습니다.

권위에 대한 비판적 태도와 경험에 대한 의존은 의학과 해부학에서 분명히 나타났습니다. Fleming A. Vesalius의 유명한 작품 인체의 구조에 대하여(1543)은 Galen과 다른 권위자들을 비판하면서 시체를 해부하는 동안 그의 수많은 관찰에 의존하여 인체를 자세히 설명했습니다. 16세기 초 연금술과 함께 iatrochemistry가 발생합니다-새로운 약을 개발 한 의료 화학. 창립자 중 한 명은 F. von Hohenheim(Paracelsus)이었습니다. 전임자들의 업적을 거부하면서 실제로 이론상으로는 그들과 멀지 않았지만 실무자로서 그는 여러 가지 신약을 도입했습니다.

16세기 광물학, 식물학 및 동물학이 개발되었으며 (Georg Bauer Agricola, K. Gesner, Cesalpino, Rondela, Belona) 르네상스 시대에 사실 수집 단계에있었습니다. 동식물에 대한 설명이 포함 된 새로운 국가의 연구원 보고서는 이러한 과학 발전에 중요한 역할을했습니다.

15세기에 지도 제작과 지리학이 활발히 개발되었고 프톨레마이오스의 실수는 중세 및 현대 데이터를 기반으로 수정되었습니다. 1490년 M. 베하임이 최초의 지구본을 만듭니다. 15 세기 말-16 세기 초. 인도와 중국으로 가는 항로를 찾는 유럽인들의 탐색, 지도 제작과 지리학, 천문학과 조선술의 발전은 자신이 인도에 도착했다고 믿었던 콜럼버스(Columbus)가 중앙 아메리카 해안을 발견하면서 절정에 달했습니다. 미국은 1507년 Waldseemüller의 지도에 등장했습니다. 1498년 포르투갈의 바스코 다 가마는 아프리카를 일주하여 인도에 도착했습니다. 서부 경로를 통해 인도와 중국에 도달하려는 아이디어는 남아메리카를 일주하고 세계 일주를 처음으로 수행한 마젤란-엘 카노(1519-1522)의 스페인 원정대에 의해 구현되었습니다(실제로 지구의 구형도는 증명했습니다!). 16세기 유럽인들은 "오늘날 세계는 완전히 열려 있고 인류 전체가 알려져 있다"고 확신했습니다. 위대한 발견은 지리를 변화시켰고 지도 제작의 발전을 자극했습니다.

르네상스 과학은 전통의 점진적인 개선의 길을 따라 발전한 생산력에 거의 영향을 미치지 않았습니다. 동시에 천문학, 지리학 및 지도 제작의 성공은 세계 무역의 근본적인 변화, 식민지 확장 및 유럽의 가격 혁명으로 이어진 Great Geographical Discoveries의 가장 중요한 전제 조건이 되었습니다. 르네상스 과학의 성과는 근대 고전과학의 탄생에 필요한 조건이 되었다.

드미트리 사모토빈스키