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브루벨 공주 백조 설명입니다. 작품 설명 « 백조공주

Vrubel Mikhail Alexandrovich는 19세기와 20세기의 유명한 러시아 예술가 중 한 명입니다.
그의 캔버스에서 그는 러시아 민화, 서사시 및 전설에 생명을 불어넣습니다.
한때 S. Mamontov의 개인 오페라를 방문한 Mikhail Vrubel은 그림 "The Swan Princess"를 쓰도록 영감을 받았습니다.
그것은 오페라 N.A의 캐릭터에 전념합니다.
A.S. 의 잘 알려진 동화를 바탕으로 한 Rimsky-Korsakov.
푸쉬킨 "차르 술탄 이야기".

직물은 놀랍습니다.
사진 속 작가는 공주가 백조로 변하는 순간을 그렸다.
매우 아름다운 소녀가 우리를 향해 몸을 돌리고 신비롭게 뒤에서 바라보고 있습니다.
그녀의 머리에는 값비싼 보석으로 장식된 왕관이 있습니다.
긴 베일이 바닥으로 떨어지고 가장자리를 따라 보석으로 반짝입니다.
베일 아래에서 어둡고 두꺼운 브레이드를 볼 수 있습니다.
얼굴에서 슬픔과 외로움을 읽을 수 있습니다.
눈은 매우 표현력이 풍부하며 그 눈에서 작별 인사를 볼 수 있습니다.
그녀는 다시 외로운 새가 되어 슬프게도 파도 위를 헤엄쳐야 합니다.
이미 온 몸이 깃털로 덮여 있어 옷은 보이지 않고 얼굴과 손만 남아 있다.
가능한 한 빨리 그녀를 우리 눈에서 숨기고 싶은 것처럼 소녀의 양쪽에 큰 날개가 펼쳐져 있습니다.

그림의 거리에서 차르 술탄의 성을 볼 수 있습니다.
이것은 그림에서 유일한 갈색 반점입니다.
다른 모든 색상은 흰색과 파란색입니다.
배경의 하늘은 어둡고 어둡고 바다가 어떻게 격노하는지, 파도가 해안을 때리고 분노로 거품을내는 방법을 볼 수 있습니다.
아무도 그런 아름다움과 헤어지고 싶어하지 않습니다.
그리고 백조 공주가 어두운 배경 전체에 비해 매우 밝다는 사실만이 그녀가 아름다움의 형태로 우리에게 돌아올 것임을 알려줍니다.

백조 공주를 재현 한 Mikhail Vrubel은 우리 여성이 얼마나 아름다운지 보여주고 싶어하며, 여성이 연약하고 무방비 상태라는 사실에도 불구하고 지원과 지원 없이는 단일 왕이 그러한 힘을 갖지 못할 것입니다.

자연에 대한 열정적인 사랑은 작가가 자연의 아름다움을 전달하는 데 도움이 됩니다. 보라색 불로 번쩍이는 Vrubel의 "라일락"(1900, State Tretyakov Gallery)의 무성한 클러스터는 별이 빛나는 밤의 빛 속에서 살고 숨 쉬고 향기로운 냄새를 맡습니다. Vrubel의 동시대 인 중 한 명은 다음과 같이 썼습니다. "자연이 그를 눈 멀게했습니다 ... 그가 그녀의 비밀을 너무 자세히 들여다 보았 기 때문입니다."

에픽 테마와 함께 Vrubel은 90년대 내내 악마의 이미지 작업을 해왔습니다. 그의 아버지에게 보낸 편지 중 하나에서 예술가의 악마에 대한 생각은 다음과 같이 표현됩니다. " 마귀는 악한 영이라기보다는 고통스럽고 애통해하는 영입니다.". 이 주제를 해결하려는 첫 번째 시도는 1885년으로 거슬러 올라가지만 작업은 Vrubel에 의해 파괴되었습니다.

그림 "앉은 악마"(1890, State Tretyakov Gallery)에서 젊은 거인이 바위 위에 일몰 광선에 묘사되어 있습니다. 강력하고 아름다운 몸매가 프레임에 맞지 않는 것 같고, 손이 주름지고, 얼굴이 감동적으로 아름답고, 눈에는 비인간적 인 슬픔이 있습니다. Vrubel의 "Demon"은 아름다움, 웅장 함, 힘과 동시에 뻣뻣함, 무력감, 우울함과 같은 모순의 조합입니다. 그것은 엄청나게 아름답지만 석화되고 차가운 세계로 둘러싸여 있습니다. 그림의 채색에는 대조가 있습니다. 차가운 라일락 색상은 따뜻한 오렌지 골드와 "싸움"합니다. 바위, 꽃, 인물은 Vrubel의 방식으로 특별한 방식으로 칠해집니다. 예술가는 그대로 형태를 별도의 측면으로 자르고 세상은 보석 블록으로 짜여진 것 같습니다. 오리지날 느낌이 있습니다.

환상적인 이미지로 생각하는 Vrubel은 주변 생활과 밀접하게 연결되어 있으며 그의 악마는 매우 현대적이며 예술가의 개인적인 감정적 경험뿐만 아니라 대조와 모순이 있는 시대 자체를 반영합니다. 쓴대로 A. 블록 : "브루벨의 악마는 밤도 낮도 어둠도 빛도 아닌 우리 시대의 상징이다".

1891년 그의 작품의 기념판을 위해 레르몬토프 Konchalovsky의 편집하에 Vrubel은 "악마"에 속한 30 반의 삽화를 완성했습니다. 본질적으로 이러한 삽화는 러시아 책 그래픽의 역사에서 중요한 독립 작품을 나타내며 Lermontov의시에 대한 Vrubel의 깊은 이해를 증언합니다. 특히 주목할만한 것은 수채화 "악마의 머리"입니다. 그녀는 정말 기념비적입니다. 돌이 많은 눈 덮인 봉우리의 배경-검은 컬 모자가 달린 머리. 참을 수없는 고통의 표정으로 내면의 불에 타 버린 듯 창백한 얼굴, 입술, 날카로운 시선으로 불타는 눈. 이 모습에서- "지식과 자유"에 대한 갈증, 반항적 인 의심의 정신.

몇 년 후 Vrubel은 The Flying Demon (1899, 러시아 박물관)을 썼습니다. 이미지는 죽음, 파멸의 예감으로 스며든다. 그림의 색이 어둡습니다.

그리고 마지막으로 "The Downcast Demon"이라는 마지막 그림은 1901-1902 년에 속하며 Vrubel은 열심히 그리고 고통스럽게 작업했습니다. A. 베누아 그 그림은 이미 World of Art 전시회에 있었고 Vrubel은 여전히 악마의 얼굴을 계속해서 색을 바꾸면서 다시 썼습니다.

날개가 부러진 악마의 부서지고 기형적인 몸이 협곡에 뻗어 있고 분노로 눈이 타 오릅니다. 세상은 황혼에 빠지고 마지막 광선은 산 꼭대기에있는 악마의 왕관에 번쩍입니다. 패역한 영은 엎드러지나 꺾이지 아니하느니라

동시대인들은 이 이미지에서 항의하는 시작, 아름다운 정복되지 않은 사람을 보았다. 단어가 떠오른다 A. 블록 : "무슨 순간 발기 부전! 시간은 가벼운 연기입니다! 다시 날개를 펼칠 것입니다! 다시 날아갈 것입니다! .." 그리고 조금 후에 말했습니다. 샬리아핀 : "그리고 그는 자신의 악마를 썼습니다! 강하고, 무섭고, 오싹하고, 저항할 수 없는 ... 내 악마는 Vrubel에서 왔습니다."

패배 한 악마를 끝내고 Mikhail Alexandrovich Vrubel은 중병에 걸려 병원에 입원했습니다. 짧은 휴식 시간에 질병은 1904년까지 지속되고 짧은 회복이 발생합니다.

1904년 그는 상트페테르부르크로 갔다. 창의성의 마지막 기간이 시작됩니다.

1904 년 Vrubel은 Pushkin의시 "Prophet"과 관련된 계획에 따라 "Six-winged Seraphim"을 썼습니다. 반짝이는 무지개 빛깔의 깃털을 가진 강력한 천사는 악마의 주제를 어느 정도 이어가지만이 이미지는 무결성과 조화로 유명합니다.

생애 말년에 Vrubel은 "자작 나무를 배경으로 N. I. Zabela의 초상화"(1904, 러시아 박물관)라는 가장 섬세하고 깨지기 쉬운 이미지 중 하나를 만들었습니다. 흥미로운 자화상도 같은 시기에 속한다. 1905년부터 작가는 끊임없이 병원에 입원했지만 계속 작업을 하며 뛰어난 기안가임을 보여주고 있다. 그는 병원 생활의 장면, 의사의 초상화, 풍경을 그립니다. 다른 방식으로 만들어진 그림은 정확한 관찰과 큰 감정으로 구별됩니다. Vrubel을 치료한 Dr. Usoltsev는 다음과 같이 썼습니다. 그는 심령적 성격의 가장 깊숙한 곳에 이르기까지 온 존재를 다한 창조적인 예술가였습니다. 그는 항상 지속적으로 창조했으며 창의성은 "쉬운 호흡만큼 필요했습니다. 사람이 살아있는 동안 그는 모든 것을 숨 쉬고 Vrubel은 숨을 쉬었습니다. 그는 모든 것을 창조했습니다.".

그가 죽기 몇 년 전에 Vrubel은 초상화 작업을 시작했습니다. V. 브리소바 (1906, 러시아 박물관). 얼마 후 Bryusov는 평생 동안이 초상화처럼 되려고 노력했다고 썼습니다. Vrubel은이 작업을 완료 할 시간이 없었고 1906 년에 작가는 눈이 멀었습니다. 그는 비극적으로 끔찍한 타격을 경험하고 어려운 병원 상황에서 어두운 들판 위의 푸른 하늘, 봄의 자개 색깔을 꿈꿉니다. 음악만이 유일한 위로였다. 브루벨은 1910년 4월 1일에 사망했습니다.

비극적 인 이미지를 만들어 작가는 밝고 고귀한 시작을 구현했습니다. 빛과 어둠 사이의 투쟁은 대부분의 Vrubel 작품의 내용입니다. A. Blok은 예술가의 무덤에 대해 시적으로 말했습니다. " Vrubel은 라일락 밤에 맑은 저녁의 금이 산재되어 있다는 메신저로 우리에게 왔습니다. 그는 보라색 악, 밤에 대항하는 주문 캐스터로 그의 악마를 우리에게 남겼습니다. 브루벨 일가가 100년에 한 번 인류에게 나타나기 전에 떨릴 수밖에 없다."

책에서 Fedorova N.A.의 기사 자료 : Dmitrienko A.F., Kuznetsova E.V., Petrova O.F., Fedorova N.A. 러시아 미술 거장들의 짧은 전기 50편. 1971년 레닌그라드

Vrubel에 대한 논문. 눈에 띄지 않는 걸작

배경에 소녀
페르시아 카펫,
1886

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» 두번째
» 제삼
» 4분의 1
» 다섯
» 육도 음정
» 제칠
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베니스로의 여행은 위탁받은 성상화 이미지인 그리스도, 신의 어머니, 성도들인 시릴과 아타나시우스를 그리기 위해 착수되었습니다. Prakhov는 Vrubel이 키예프가 아니라 성 베드로 대성당이있는 박물관 도시인 베니스에서 작업하는 것이 더 나을 것이라고 결정했습니다. 유명한 모자이크, Torcello의 12세기 모자이크 및 유명한 베네치아 색채가의 그림으로 표시하십시오.
Vrubel은 베니스에서 약 6개월을 보냈습니다. 거기에서 그는 여동생에게 다음과 같이 썼습니다. . 내가 그 안에서 찾은 것은 내 팔레트에만 흥미로울 뿐입니다.” 무엇보다도 그의 팔레트는 전성기 르네상스의 유명인 인 Titian, Veronese가 아니었지만 그들의 전임자 인 Quattrocento 마스터 (XV 세기)는 중세 전통 인 Carpaccio, Cima da Conegliano 및 특히 Giovanni Bellini와 더 밀접하게 관련되어 있습니다. Venetian Quattrocento의 영향은 전장 인물이 있는 Vrubel의 기념비적인 아이콘에 반영되었습니다. Vrubel A.P. Ivanov의 첫 번째 전기 작가는 그들에 대해 다음과 같이 썼습니다. San Marco 모자이크의 마법이 들립니다.”
베니스는 Vrubel에게 많은 것을 주었고 그의 창의적 발전에서 중요한 이정표가되었습니다. 비잔틴 예술과의 만남이 형태에 대한 이해를 풍부하게하고 표현을 높인다면 베네치아 회화는 색채 선물을 일깨 웠습니다. 그러나 그는 돌아오기를 간절히 기다렸다. 그에게 일어난 일은 오랫동안 고국 밖에서 자신을 찾은 사람들에게 자주 일어나는 일이었습니다. 그래야만 그들은 그 매력의 모든 힘을 느낍니다. 베니스에서 예술가가 아카데미 동지 V.E. Savinsky에게 보낸 편지가 보존되어 있으며, 그곳에서 그는 명백한 생각의 긴장을 가지고 그가 이탈리아에서 온 새롭고 중요한 결론을 제시하려고 노력하고 있습니다. 그는 여기, 즉 이탈리아에서는 토착 토양에서만 공부하고 창조 할 수 있다고 말합니다. 창조한다는 것은 느끼는 것이고, 느끼는 것은 "당신이 예술가라는 사실을 잊고 무엇보다도 당신이 사람이라는 사실에 기뻐하는 것"입니다. "... Rus '에 얼마나 많은 아름다움이 있습니까!" -Vrubel에서 처음으로 그런 느낌표가 나옵니다. 이전에 그는 "토착 토양"에 다소 무관심한 것처럼 보였습니다. 그것은 당연하고 눈에 띄지 않는 것으로 간주되었으며 계획은 고대, 햄릿, 파우스트와 같은 세계 출처에서 퍼졌습니다 ... 그리고 지금은 해외에서만 그의 기분이 발생하고 나중에 러시아 동화와 러시아 자연에 대한 시적 해석으로 이어진 생각.

Vrubel이 가능한 한 빨리 Kyiv로 돌아가고 싶었던 또 다른 이유가있었습니다. 그는 Prakhov의 아내 Emilia Lvovna와 사랑에 빠졌고 이름을 밝히지 않고 여러 번 여동생에게 편지에서 신비하게 암시했습니다. 이것이 그의 비밀 "영적 사건"이었습니다.
해외를 떠나기 전에도 그는 E. L. Prakhova를 여러 번 그렸습니다. 그녀의 얼굴은 그를 하나님의 어머니 얼굴의 원형으로 사용했습니다. 초상화 유사성은 아이콘 자체에도 보존되지만 거기에서 음소거됩니다. 더 명확하게-하나님의 어머니의 머리에 대한 두 개의 연필 스케치에서. 이 그림에서 놀라운 얼굴이 보입니다. 아름답 기보다는 추악하고 방랑자의 무한히 감동적인 얼굴-눈썹까지의 눈썹, 부어 오른 입, 마치 다른 사람들에게 알려지지 않은 것을 생각하는 것처럼 넓고 둥근 밝은 눈.
신의 어머니의 네 가지 상징성 이미지 중 작가가 특히 성공했습니다. 이것은 의심할 여지가 없는 그의 걸작 중 하나입니다. 황금색 배경에 깊고 벨벳 같은 짙은 붉은 색조로 옷을 입고 왕좌의 베개에는 진주가 수 놓이고 발에는 섬세한 흰색 장미가 있습니다. 하나님의 어머니는 아기를 무릎에 안고 있지만 그에게 기대지 않고 똑바로 앉아 슬픈 예언적인 표정으로 그녀 앞을 바라 봅니다. Surikov의 그림에서 발견되는 오래 참음 여성 얼굴처럼 그녀의 얼굴 특징과 표현에서 러시아 농민 여성의 유형과 닮은 점이 있습니다.
처음으로 조국에 대한 사랑을 느꼈고, 여성에 대한 최초의 숭고한 사랑은 이 이미지를 영성화하여 인간의 마음에 더 가까이 다가갔습니다.
베니스에서 돌아온 Vrubel은 돌진했습니다. 마치 그가 자신을위한 장소를 찾을 수없는 것 같았습니다. 그는 키예프를 떠나기로 결정했고 (실제로 그는 몇 달 동안 오데사로 떠났습니다) 다시 돌아 왔습니다. 그는 술에 취한 "인생의 컵"에 이끌 렸고, 방문하는 댄서를 격렬하게 좋아했고, 술을 많이 마시고, 불안정하고 열렬하게 살았으며, 게다가 돈이 없었기 때문에 심하게 가난했고 Prakhov와의 관계는 더 차갑고 더 멀리 .
예술가의 아버지는 놀라움을 금치 못했습니다. 그의 아들은 이미 서른 살이었고 대학 교육, 예술 교육, "재능의 심연"이었고 그동안 이름도, 안전한 지위도, 지분도, 법정도 없었습니다. 집에 와서 살라는 끈질긴 초대 (가족은 당시 Kharkov에 살았습니다)는 아무 대답도하지 않습니다. 1886 년 가을 A.M. Vrubel 자신이 아들을 방문하기 위해 Kyiv에 왔고 그의 두려움이 확인되었습니다. 역에서 나는 곧장 그에게 갔고 그의 방과 가구에 슬펐습니다. 테이블 하나도, 의자 하나도 없다고 상상해보세요. 모든 가구는 간단한 스툴 2개와 침대 1개입니다. 나는 그가 입고 있는 것(기름진 프록 코트와 낡은 바지) 외에는 따뜻한 담요, 따뜻한 코트, 드레스를 보지 못했습니다. 아마도 모기지에서 ... 아파서 눈물을 흘리며 ... 나는이 모든 것을 보았습니다. 찬란한 희망이 너무 많아!”

당시 작가의 마음 상태에 대한 직접적인 증거는 없지만-그는 솔직한 것을 좋아하지 않았지만-그가 재정 위기뿐만 아니라 겪고 있었다는 것은 분명합니다. 그는 부주의하게 빈곤과 명성 부족을 견뎌냈습니다. 그는 조만간 그녀가 올 것이라는 것을 알았고 그녀가 오지 않으면 어떻게 될까요? 사랑, 교착 상태 - 심각했습니다. 하지만 그 뿐만이 아닙니다. 직접적인 원인은 친밀하고 개인적인 것일 수 있지만 그는 그의 시대와 공유한 깊은 혼란에 시달렸습니다. Vrubel은 20년 후 Blok이 "보라색 세계의 유입"이라고 불렀던 보라색 어둠이 황금빛 빛을 압도하는 것을 초기에 경험했습니다. 무신론적 반란이 그에게 일어났습니다. 2 년 동안 Vrubel은 주변 사람들과 거의 동의하지 않는 종교 분위기에서 교회를 위해 일했습니다. 세속 여성 Emilia Prakhova는 하나님의 어머니의 이상과 거의 일치하지 않았습니다. 그리고 처음으로 God-fighter 인 Demon의 우울한 이미지가 Vrubel을 유혹하고 그의 상상력을 사로 잡기 시작했습니다.
그의 아버지가 예기치 않게 도착했을 때 그는 방금 The Demon에서 작업하고 있었습니다. 아버지는 같은 편지에서 미완성 그림을 설명하면서 악마가 "사악하고 관능적이며 혐오스러운 노파"처럼 보였다고 말했습니다. Kyiv "Demon"의 흔적은 우리에게 내려 오지 않았습니다. 예술가가 그것을 파괴했고 현재 알려진 모든 "Demons"는 훨씬 나중에 만들어졌습니다. 그러나 아이디어와 시작은 키예프 시대에 속합니다.
동시에 Vrubel은 Kyiv 박애주 의자 I.N. Tereshchenko의 의뢰로 다른 일을했습니다. 그들은 꽃이 만발하고 마법 같고 매운 동쪽에 대한 갈망을 발견합니다. Tereshchenko의 경우 Vrubel은 "Oriental Tale"그림을 그리기 시작했지만 수채화 스케치 만 만들었고 E.L. Prakhova가 선물로 받아들이기를 거부했을 때 그것을 찢었습니다. 그러나 그는 찢어진 시트를 붙였으며 오늘날까지 키예프 러시아 미술관의 자부심입니다. 이 큰 수채화는 놀랍습니다. 언뜻보기에 묘사 된 내용을 이해하기 어렵습니다. 마치 우리가 실제로 동굴에 들어간 것처럼 푸른 인광의 섬광으로 조명되는 귀중한 입자의 무지개 빛깔의 모자이크로 눈이 멀었습니다. 천일 밤의 보물 . 그러나 이제 눈은 그것에 익숙해지고 페르시아 왕자의 텐트 내부, 그것을 덮고있는 카펫, 왕자 자신과 그의 오달리스크를 구별하기 시작합니다. 인물은 느낌과 시로 가득 차 있습니다. 사려 깊고 무거운 시선으로 소파에 올라간 왕자는 눈을 낮추고 그 앞에 서있는 아름다운 소녀를 바라 봅니다.

계속 .....

Vrubel에 대한 논문. 키이우. 고대와의 만남

배경에 소녀
페르시아 카펫,
1886

당시 Kyiv 드로잉 학교의 학생이었던 예술가 L. Kovalsky는 나중에 그가 Kyiv에 도착한 직후 Vrubel을 처음 만난 방법을 말했습니다. Kovalsky는 Dnieper와 먼 초원이 내려다 보이는 높은 언덕에 스케치를 쓰기 위해 자리를 잡았습니다. “저녁의 고요함, 공중에서 빙글빙글 돌며 지저귀는 제비를 제외하고는 아무도 없는 완전한 부재. 차분한 묵상 속에서 나는 30면의 풍경을 최대한 묘사했지만 조용한 발걸음, 그리고 고정 된 시선이 나를 뒤돌아 보게 만들었다. 광경은 특별했습니다. Kirillovsky의 원시 언덕을 배경으로 내 뒤에는 금발, 거의 흰색, 금발, 젊고 매우 특징적인 머리, 작은 콧수염, 거의 흰색이 있습니다. 키가 작고 균형이 잘 잡혀 있고 옷을 입었습니다 ... 그 당시에 저를 가장 놀라게 할 수 있었던 것은 ... 모두 검은 벨벳 슈트, 스타킹, 짧은 바지 및 부츠입니다. Kyiv에서는 아무도 그런 옷을 입지 않았고, 이것은 나에게 적절한 인상을 남겼습니다. 일반적으로 틴토레토나 티치아노의 그림에 나오는 젊은 베네치아인이었지만, 몇 년 후 베니스에 있을 때 이것을 알게 되었습니다. 이제 Kirillov 언덕과 키예프 하늘의 거대한 돔을 배경으로 검은 벨벳을 입은 금발 머리를 가진이 대조되는 인물의 모습은 이해할 수없는 시대 착오 이상이었습니다.
... 낯선 사람은 더 가까이 몸을 기울이고 마치 중요하지 않은 것처럼 열심히 진지한 어조로 말했습니다. “첫 번째 계획은 어디에 있습니까? 이 건초 더미입니까? 그들은 몇 마일이나 떨어져 있습니다! 당신은 그렇게 쓸 수 없습니다, 당신은 말도 안되는 일을하고 있습니다-당신은 당신처럼 모든 종류의 것을 가져다가 중요하지 않은 조각에 채우는 것이 아니라 시트, 세부 사항에서 자연을 연구하기 시작해야합니다-이것은 일종의 그림이 아닌 백과사전. 화내지 마, 너의 실수를 보고 그렇게 말한 거야." 조금 더 보고 사라졌다. 뒤도 돌아보지 않고, 그의 발언에 많이 보였던 모욕적인 말에 상처를 받았지만, 내가 사물로 여겼던 내 일에 대해 그렇게 진지하고 진지하게 말하는 것이 여전히 흥미로웠다. 주목할 가치가 없습니다-나는 학교에서 이것을하도록 배웠고 아무도 자신이나 다른 사람의 작업을 진지하게 보지 않았습니다.

흥분한 Kovalsky는 연구를 계속하지 않고 프레스코 화 복원 작업을하고있는 동료들을 만나기 위해 St. Cyril 교회로갔습니다. 성가대석에서 그는 방금 만난 낯선 사람을 발견했습니다. 동료들은 이것이 예술가 Vrubel이라고 말했고 그가 시작한 "성령의 강림"과 두 천사를 보여주었습니다. "Vrubel은 여기에서 그가 비잔티움에 가장 가까이 왔다고 말했습니다."
따라서 키예프의 Vrubel은 St. Cyril 교회에서 XII 세기의 비잔틴 프레스코 화 복원을 감독하고 잃어버린 것을 대체하기 위해 벽에 몇 가지 새로운 그림과 구성을 작성하고 아이콘 이미지를 페인트해야했습니다. 작업의 전반적인 관리는 Prakhov에 속했습니다.
A. V. Vrubel이 키예프에서 5 년을 보냈던 (및 그의 가족과) 긴밀한 연락을 취한 Prakhov는 예술계에서 알려졌습니다. 미술사 학자, 고고학자, 상트 페테르부르크 대학 교수, 1970 년대에는 Bee 잡지에서 미술 평론가로도 활동했습니다. "Profan"이라는 가명 아래의 기사에서 Prakhov는 훌륭한 문학적 탁월함과 기질을 가지고 Wanderers의 예술을 홍보했습니다. 그의 가장 흥미로운 기사 중 하나는 1878년 제6회 여행 전시회(사실 Yaroshenko의 "Stoker"와 Repin의 "Protodeacon"라는 두 개의 전시회)에 헌정되었지만 검열을 통과하지 못했습니다. 이 기사는 증거로 보존되었으며 나중에 오늘날에도 그 저자는 한때 I.N. Kramskoy에 잘못 귀속되었습니다. 그런 다음 Prakhov는 비평 활동에서 완전히 물러나고 현대 미술 (80 년대의 특징적인 증상!) 참여를 중단하고 고대 유물 연구로 돌아 왔습니다. 그러나 그는 예술가들과 연락을 끊지 않았으며 Kyiv에있는 그의 집은 모스크바의 Polenov와 Mamontov의 집만큼 그들에게 개방되었습니다. 활기차고 활동적이며 아직 40 세가되지 않은 Prakhov는 Kievan Rus의 독특한 기념물에 대한 연구 및 복원을 수행하여 Kyiv의 예술적 삶을 자극했습니다. 그는 또한 1860년대에 설립된 새 사원인 블라디미르의 실내 장식을 감독했습니다. 그 당시 러시아 예술가들은 복원 기술뿐만 아니라 비잔틴 양식에 대해 다소 대략적인 아이디어를 가지고 있었습니다. Kirillov 프레스코 화는 상태가 좋지 않았고 아티스트 N. I. Murashko (Vrubel은 나중에 그와 친한 친구가 됨)가 이끄는 Kyiv 드로잉 학교의 학생들이 "리노베이션"에 참여했습니다. 작은 숙련 된 손으로 프레스코 화는 보존 된 윤곽선을 따라 위에서 칠해졌습니다 ( "카운트"에 따라). 이제 그러한 방법은 야만적인 것으로 간주될 것입니다. Vrubel이 그에게 반대하여 단순히 프레스코 화를 지우고 그대로 두겠다고 제안했지만 그들은 이에 동의하지 않았습니다. 성전이 활성화되었고 성도의 반쯤 지워진 인물이 교구민을 혼란스럽게 할 수 있습니다. 가능하면 XII 세기의 스타일을 유지하면서 마무리해야했습니다. 어떻게 구원받았습니까? Murashko의 학생들뿐만 아니라 Vrubel 자신도 Kyiv에서 처음으로 비잔틴 예술을 접했습니다. 몇 달 동안 그는 성 시릴 교회와 성 베드로 대성당의 원본 외에도 고대 유물 연구에 뛰어 들었습니다. 풍부한 Prakhov 도서관의 Sophia, 책, 색상 표 및 사진. 그는 살아남은 조각에서 오래된 프레스코 화를 복원하는 데 세심한주의를 기울였습니다. N으로. A. Prakhov (A.V. Prakhov의 아들)는 "스스로 아무것도 발명하지 않았지만 다른 장소에 보존 된 재료를 기반으로 인물 설정과 옷 주름을 연구했습니다."
지금은 19세기가 아닌 20세기 중반에 키릴로프 프레스코화가 현대 과학의 모든 규칙에 따라 복원되었지만, 대부분은 복구할 수 없을 정도로 손실되었고 고대 그림의 일부만 보존되었습니다. 손대지 않은. 그러나 이제 성 키릴 교회도 브루벨의 천재성이 묘사한 기념물로 역사에 남게 되었습니다. Vrubel은 벽에 천사의 여러 인물, 그리스도의 머리, 모세의 머리, 그리고 마지막으로 합창단의 거대한 "성령의 강림"과 현관의 "애가"라는 두 개의 독립적 인 작곡을 그렸습니다. 작업하면서 작가는 더 이상 오래된 샘플을 복사하지 않습니다. 그는 고대 스타일의 문자를 따르지 않을 내적 권리를 가졌습니다. 그는 그 정신에 침투했습니다.

고대 모자이크와 프레스코화의 고귀하고 절제된 표현은 Vrubel 자신의 탐색을 명확히 했습니다. 표현력은 처음부터 그의 재능의 특징이었지만, 초기 작품에서는 과장과 낭만적인 진부함으로 빗나갔다. 그래서 80 년대 초반에 제작 된 "Anna Karenina의 아들과의 약속"그림에서 Anna는 과장된 열정으로 팔에 아이를 목을 졸라 죽일 뻔했습니다. "Mozart and Salieri"(1884)의 그림에서 Salieri는 멜로 드라마틱 한 악당처럼 보입니다. 그리고 기념비적 인 비잔틴과 늙은 러시아 예술에 합류 한 후에야 Vrubel의 표정이 웅장 해집니다. 심리적 압박이 사라지고 특징적인 Vrubel의 영적 긴장 표현이 거대한 눈의 집중된 시선에 나타납니다 (큰 눈은 비잔틴 회화의 특징이기도합니다). 마치 무감각한 듯, 깊은 침묵의 분위기 속에서 비열한 몸짓. 이것은 이미 St. Cyril 교회의 상자 금고에 쓰여진 "성령의 강림"에 있습니다. 복음 전통에 따르면, 성령은 비둘기의 형태로 사도들에게 나타났고, 그로부터 나오는 불꽃은 "각자 위에 머물렀다." 그 후 사도들은 모든 언어로 말하고 모든 민족에게 그리스도의 가르침을 전파하는 은사를 얻었습니다. 다른 복음 이야기와 마찬가지로 "Descent"의 음모에는 수세기의 전통에 의해 고정 된 교회 예술의 고유 한 도상 체계가 있습니다. Vrubel은 분명히 오래된 복음서의 미니어처를 사용하여 계획을 매우 밀접하게 따랐습니다. 그러나 인물과 얼굴의 해석에서 그는 자신이 현대 예술가, 심리학자임을 보여주었습니다. 그의 사도들은 살아 있는 원형을 가지고 있었습니다. 예술가가 정신 질환자로부터 준비 스케치를 만들었다 고 생각했지만 (St. Cyril 교회는 정신 병원 영토에 위치했습니다) 이것은 사실이 아닙니다. A.V. Prakhov N.A. , 사제, 고고학자 중 그들 Adrian Viktorovich Prakhov 자신.
계속 ....

미하일 브루벨. 사진 갤러리. 그림

Vrubel의 웅장 함과 진정으로 거대한 위대함은 창의성의 놀라운 폴리포니, 기술의 보편성 및 사고의 독창성에서 나타납니다. 그는 19세기 말과 20세기 초에 가장 두드러진 예술가 중 한 사람이었습니다. 그의 삶과 작품에는 최고의 기술과 밝은 개인주의, 자연과 환상에 대한 깊은 지식, 세계 예술 전통에 대한 가장 깊은 지식, 실험가의 타고난 재능이 결합되었습니다. 그의 작업을 통해 그는 학교와 의식적인 예술 실험의 필요성에 대한 "좌파"및 "우파"회의론자들의 의심을 반박했습니다. 예술에 대한 사랑은 학창 시절부터 Vrubel을 완전히 소유했습니다. 아카데미에서 그는 하루에 12시간씩 일했다. Vrubel의 첫 번째 완전 독립 작품은 1884-1885에 속합니다. 따라서 Vrubel의 창작 활동 기간은 20 년이 조금 넘는 비교적 짧습니다. 오랫동안 Vrubel은 아무데도 나타나지 않는 것 같았습니다. 그의 스타일의 기원, 그의 개인적인 태도를 결정하는 것은 어려워 보였다. 표면적으로 이 개별 스타일은 쉽게 알아볼 수 있습니다. 3차원 형태의 입방체 장식인 획의 모자이크 형태로 눈에 보이는 형태를 해석하는 방식입니다. 그 후, Vrubel의 죽음 이후 러시아 비평가들은 Vrubel이 큐비즘의 선구자라고 말하는 것을 좋아했습니다.

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» 네번째
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» 육도 음정
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악마가 패배했습니다. 1901년	앉아있는 악마, 1890. 스케치	악마가 패배했습니다. 1902년	비행 악마. 1899년
보라색의 여인. 아티스트 N.I. Zabela-Vrubel. 1904년	바구니에 담긴 붉은 꽃과 베고니아 잎. 1886-1887	공작. 1900년대 초반	이스트 댄스. 1887년
악마가 패배했습니다. 1902. 수채화 스케치	K. D. Artsybushev의 초상화. 1897년	날개가 여섯 개인 세라프. 1905년	이탈리아의 밤. 1891년
Bogatyr. 1898년	햄릿과 오필리아. 1884년	스노우 메이든. 1890년대	로즈힙. 1884년
naiads와 newts의 게임	Volkhova 공주와 바다의 왕의 작별. 1899년	카타니아. 시칠리아. 1894년	포르토 피노. 이탈리아. 1894년

아마도 "악마"는 Vrubel의 질병의 원인이 아니라 촉매제, 촉진제가되었을 것입니다. 그림의 끝과 질병의 시작이 일치하는 것은 거의 우연이 아닙니다. 마지막 열광적 인 에너지 급증, 마지막 엄청난 노력, 그리고 고갈, 붕괴. 힘의 한계에 처한 예술가가 자신이 만든 "악의 영"과 완고하게 눈을 마주하고 있지만 이미 그와 분리되어 그와 분리 된 삶을 살고 있다고 상상해보십시오. 매일 아침 그가 붓으로 그와 싸우고 그를 그의 의지에 굴복 시키려고 노력하는 모습을 상상해 봅시다. 이것이 비극적 전설의 소재가 아닐까요! 필사적 인 결투가 끊어지고 예술가의 정신이 소진 된 "Demon Defeated"버전은 Vrubel 작업의 최고점에 속하지 않습니다. 물론 그것은 매우 효과적이며 색상이 바래고 시들 때까지 훨씬 더 효과적이지만 S. Yaremich는 여기에서 "가장 높은 예술적 구속은 위반에 가깝다"고 올바르게 지적했습니다. 악마는 바위 사이의 협곡으로 던져집니다. 한때 강력했던 팔은 채찍이 되어 애처롭게 부서지고 몸은 변형되고 날개는 흩어졌습니다. 타락한 라일락 어둠과 튀는 푸른 제트기 주변. 그들은 그것을 조금 더 범람시키고 완전히 닫고 산이 반사되는 전 시간적 수역 인 푸른 창공을 남깁니다. 고통스럽게 일그러진 입을 가진 타락한 자의 얼굴은 거칠고 불쌍하지만 그의 왕관에는 여전히 분홍색 빛이 타오르고 있습니다. 금색, 우울한 파란색, 유백색, 연기가 자욱한 보라색 및 분홍색-Vrubel이 가장 좋아하는 색상-여기에서 매혹적인 광경을 형성합니다. 방금 칠한 캔버스는 지금처럼 보이지 않았습니다. 왕관이 반짝이고 산봉우리가 분홍색으로 빛나고 공작새처럼 부러진 날개의 깃털이 반짝이고 깜박였습니다. 항상 그렇듯이 Vrubel은 페인트의 안전에 대해 신경 쓰지 않았습니다. 페인트에 청동 가루를 첨가하여 빛을 발했지만 시간이 지남에 따라이 가루가 파괴적으로 작용하기 시작하여 그림이 인식 할 수 없을 정도로 어두워졌습니다. 그러나 처음부터 그녀의 색 구성표는 공개적으로 장식적이었습니다. Vrubel의 가장 좋은 점인 색상의 깊이와 채도, 다양한 전환 및 음영이 부족했습니다. "Demon Defeated"는 그림이 아니라 예술가의 비극을 눈에 띄게 구현 한 것으로 마음을 사로 잡습니다. "여기 남자가 불타 버렸습니다."

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날개가 여섯 개인 세라핌(아즈라엘). 1904년

귀인을 만나기 전에 오페라 가수 Nadezhda Zabela~에 브루벨불륜이 있었지만 그 중 어느 것도 결혼으로 이어지지 않았습니다. 호프는 그의 뮤즈이자 아내이자 수호천사가 되어 생의 마지막 날까지 그를 지켜주었다. 그녀는 그에게 가장 신비한 작품인 "백조의 공주"를 포함하여 많은 작품을 만들도록 영감을 주었고 그를 광기에서 구하기 위해 불가능한 일을 시도했습니다.

그들은 연극 리허설에서 Savva Mamontov의 러시아 개인 오페라에서 만났습니다. 그는 Zabela의 노래를 처음 들었을 때 그녀의 무대 뒤로 다가가 그녀의 손에 키스를 하고는 "멋진 목소리네요!"라고 되풀이했습니다. 첫눈에 반한 사랑, 만난 지 이틀 만에 그녀에게 손과 마음을 주었다. “다른 가수들은 새처럼 노래하지만 나디아는 사람처럼 노래한다. “목소리는 균일하고 가볍고 부드러우며 색채가 풍부합니다. 이 노래에 얼마나 많은 사랑이 있었습니까! 동화의 영혼이 인간의 영혼과 합쳐졌습니다. 그리고 정말 멋진 모습입니다! 기적, 기적, 기적!” -작곡가 M. Gnesin이 Zabela에 대해 말했습니다. 1896년 여름, 자벨라와 브루벨은 제네바에서 결혼했습니다.

Nadezhda Zabela는 N. Rimsky-Korsakov가 가장 좋아하는 연기자였습니다. 특히 그녀를 위해 그는 오페라 The Tsar 's Bride에서 Martha의 일부를 썼고 그녀는 오페라 Sadko, The Tale of Tsar Saltan, The Demon 및 Eugene Onegin에서 주요 역할을 수행했습니다. Vrubel은 모든 리허설과 공연에서 그녀와 동행하고 이미지 해석의 뉘앙스를 촉발했으며 연극 의상 스케치를 만들었습니다. 예술가 S. Sudeikin은 "그가 살았던 유일한 것은 음악이었습니다. "라고 썼습니다. "Nadezhda Ivanovna는 그에게 아름다움의 이상적인 지수 인 상징으로 남아있었습니다."

작가는 종종 아내의 초상화를 그렸고, 그녀는 그에게 유명한 그림 "백조의 공주"를 만들도록 영감을 주었지만, 이 경우 초상화와 닮은 점은 없습니다. N. Rimsky-Korsakov는 Nadezhda Zabela가 주요 부분을 수행 한 A. Pushkin의 "The Tale of Tsar Saltan"의 음모를 바탕으로 오페라를 썼습니다. 그녀의 공연에서 영감을 받아 Vrubel은 그의 가장 수수께끼 같은 작품 중 하나를 썼습니다. 백조 공주의 거대한 눈은 슬픔과 불안, 말하자면 문제의 예감으로 가득 차 있습니다.

이 역할에서 Zabela의 무대 모습은 그림과 동일했습니다. “Vrubel도 캔버스에서 캡처 한 그녀의 백조 공주는 민속 환상이 만든 비전입니다. 밝은 느낌과 봄의 소녀 다운 부드러움으로이 수정처럼 맑은 소리를 영적으로 표현하십시오. 아마도 Zabela 였고 나중에이 공주가 연주자가 아니었던 백조 공주가 공연 후에 쓴 것을 듣고 보게 될 것입니다.

1901 년에 그들의 아들 Savva가 태어 났지만 그의 선천적 결함 인 구순 구순으로 인해 행복이 가려졌습니다. 이로 인해 작가는 정신 질환 발병의 원동력이 된 깊은 우울증을 시작했습니다. 그녀의 증상은 전에도 나타났지만 아이의 병으로 인해 증상이 악화되었습니다. 3살 때 아기는 폐렴으로 사망했고, 결국 Vrubel의 정신 건강을 해쳤습니다.

그 이후로 Vrubel은 정신과 진료소에서 오랜 시간을 보냈지 만 그의 아내는 희망을 잃지 않고 가능한 모든 방법으로 그의 상태를 완화하려고 노력했습니다. 자신의 노래가 그에게 어떤 영향을 미치는지 알고 있는 그녀는 반주자를 병원으로 데려와 남편을 위해 노래를 불렀다. 그녀는 자신의 불안을 배반하지 않으려고 노력했고 마지막 날까지 작가를 지지했다. 그것이 Nadezhda Zabela가 Vrubel의 수호 천사라고 불리는 이유입니다. 그 여자는 아이의 죽음, 어머니의 병, 아버지의 죽음, 남편의 광기와 죽음 등 많은 것을 견뎌야했지만 놀라운 체력을 보여주었습니다. 그녀는 Vrubel에서 불과 3년 만에 살아남았고 45세의 나이로 세상을 떠났습니다.

Rimsky-Korsakov의 오페라 The Tale of Tsar Saltan에서 아름다운 백조 공주를 연기한 그의 아내의 무대 이미지에서 영감을 받은 Vrubel은 같은 이름의 Pushkin의 동화의 이 무대 제작을 위한 풍경뿐만 아니라 또한 그녀가 환생하는 순간의 마법사의 초상화에도.

캔버스에 묘사 된 캐릭터는 희귀 한 보컬 능력의 도움으로 공주의 신비하고 믿을 수 없을 정도로 여성스러운 이미지를 전달할 수 있었던 오페라 디바와 조금도 닮지 않았습니다. 오히려 그것은 Vrubel의 마음 속에 떠오른 신비하고 멋진 이미지이며 놀라운 색상 작업 능력 덕분에 능숙하게 구현되었습니다.

재능있는 러시아 화가의 캔버스에서 나온 마법의 공주는 신비하고 신비하며 차갑게 아름답습니다. 크고 검은 눈을 가진 그녀의 얇은 당당한 얼굴은 이해할 수 없는 슬픔으로 반투명합니다. 얇고 우아한 코, 좁은 입술, 얇고 우아한 손, 창백한 귀족 피부는 소녀의 연약함과 여성 스러움을 강조합니다.

거대한 반짝이는 돌이 달린 거대한 황금 kokoshnik이 동화 속 공주의 연약한 머리를 장식하고 넓은 은색 테두리가있는 무중력 흰색 천이 그녀의 긴 검은 머리를 단단히 땋은 머리로 덮습니다.

마법사 드레스의 주름은 그녀의 거대한 백조 백조 날개와 같은 색상과 구조를 가지고 있으며 아름다운 새의 깃털에서 왕실 옷자락으로의 전환이 어디에 있는지 추측하는 것은 불가능합니다.

백조의 공주는 해가 지는 하늘을 배경으로 바닷가에, 그리고 암울한 저녁 노을이 바다로 내려오는 동안 가파른 바위 위에 먼 도시를 배경으로 그려져 있다. 그림의 차가운 색조와 미묘한 푸르스름한 진주 빛 음영은 자랑스럽고 우아한 백조가 아름다운 소녀로 변모하는 환상적이고 애매한 비전을 불러 일으 킵니다.

마법사의 포즈는 자연스럽고 제한이 없습니다. 그녀는 도시를 향해 멀리 떨어져 시청자를 잠시 쳐다 보았습니다.

많은 예술가의 백조 상징은 영혼과 상상력을 고양시키고 다른 세계인 어두운 악마의 세력에 대한 지식으로 이끄는 창조적 영감을 의인화했습니다. 무의식적으로 백조 공주는 동시에 두 가지 요소를 의인화하는 이중 성격의 생물입니다.

첫 번째는 차갑고 어둡고 물과 악마의 힘이고 두 번째는 바람이 잘 통하고 하늘과 영감을줍니다. 이 캐릭터의 매력은 여성미와 미묘한 악마적 특징만이 아니다.

Vrubel은 바다 일몰의 차가운 빛에 녹는 멋진 형태의 변태 순간에 그녀를 묘사하기로 결정했습니다. 이 그림은 우리 일상에서 태어나는 최고의 아름다움의 발현 비결에 관한 것입니다.