그림은 없지만 칠을 하는 작가. 걸작이나 칠? 수천만 달러 가치의 그림은 가짜입니다! 홍보의 효율성: "훌륭한" 머프

명작이라는 개념이 모든 사람에게 보편적일 수는 없다고 생각합니다. "맛과 색에는 동지가 없다"는 말이 있습니다. 사람들의 상당 부분이 게시물의 시작 부분에있는 사진을보고 말할 것입니다. 다른 부분은 Da Vinci의 "La Gioconda"를보고 평범한 이모, 그게 뭐가 잘못된 건지 말할 것입니다. 이것은 일반적으로 정상이지만 그렇다면 어떤 종류의 명작입니다. 걸작이란 누구도 감히 얕잡아보거나 멋지지 않다고 말할 수 없을 정도로 보편적으로 인정되는 것일 수 있습니다! 글쎄요. 또는 이와 같이 일반적으로 인식되는 것이 전혀 존재하지 않거나 언젠가 나타날 수 있지만 이제 우리는 특정 그룹의 사람들을 위한 지역 명작에 만족하는 경우가 많습니다.

예를 들어, 명작을 생각하는 나는 포스트의 첫 번째 사진과 같은 명작이 어떻게 탄생하는지 항상 관심을 가지고 있었습니다.

하지만 이것은...

... Wassily Kandinsky의 "Composition VII. 1913"의 정점. 삶과 예술의 모든 영역에서 변화의 시대인 20세기의 시작을 상상해 보십시오. 그림도 옆에 서 있지 않았습니다. 예술가들은 시각 예술에서 새로운 표현 형식을 찾고 있었습니다. 추상주의는 입체주의와 미래주의의 논리적 연속이되었습니다. Kandinsky는 이러한 경향의 가장 두드러진 대표자 중 하나가 되었습니다.

작업 중인 바실리 칸딘스키, 1936년

개인적으로 캔버스는 얼룩과 오점만을 묘사하는 것 같습니다. 그런데 작가가 그림을 그리기 전에 많은 준비 작업을 했다는 사실이 궁금했다. 그는 연필, 유화, 수채화로 30점이 넘는 스케치를 그렸습니다. 칸딘스키는 캔버스 자체를 1913년 11월 25일부터 28일까지 4일 동안 그렸습니다.

이젤 앞에 있는 바실리 칸딘스키, 1936년

전문가들은 작가에 대해 자신만의 방식으로 세상을 인식하는 공감각적 사고자였다고 말한다. 그는 소리를 볼 수 있었고 색깔을 들을 수 있었습니다. "컴포지션 VII" - 예각 및 부드러운 조합이 산재된 다양한 강도의 색상 조각입니다. 예술가의 기록 보관소를 연구하면서 미술사 학자들은 Vasily Vasilyevich가 그의 그림에서 죽은 자의 부활, 심판의 날, 홍수 및 에덴 동산과 같은 여러 주제를 묘사했다는 결론에 도달했습니다. 나는 그것에 대해 어떻게 느끼는지조차 모릅니다. 이것은 일종의 사실로 간주되거나 여전히 그것에 대해 아무것도 이해하지 못하는 사람들을 위해 모두 발명되고 "허공에서 빨려 나간"것입니다.

음, 다음과 같습니다.

그 쯤

저자 자신은 창작물을 다음과 같이 설명했습니다. “캔버스 평면이나 다른 이상적인 평면 밖에있는 것처럼 보이도록 분홍색과 흰색 거품. 오히려 그들은 공중에 떠 있고 마치 증기에 싸인 것처럼 보입니다. 예를 들어 러시아 증기탕에서 비슷한 비행기 부족과 거리의 불확실성을 볼 수 있습니다. 증기 한가운데 서 있는 사람은 가깝지도 멀지도 않은 어딘가에 있다. 메인 센터의 위치 - "어딘가" - 전체 그림의 내부 사운드를 결정합니다. 처음에는 막연한 욕망에 불과했던 부분에 도달하고 점점 내면적으로 명확해 질 때까지 이 부분을 열심히 했다.

오랫동안 그림을 그려보고 싶었지만 브러시와 팔레트를 들고 이젤 앞에 서기로 결정할 수 없었습니까? 주변 사람들 모두 당신의 창작 노력이 한심한 덧칠이라고 생각합니까? 그래서 당신은 패배자입니다! 그래서 캐나다 작가 Kim Dorland(Kim Dorland)의 그림 셀렉션이 여러분에게 좋은 위로가 될 것입니다. 아니면 영감도 받을 수 있습니다.

전문가들은 Dorland의 작품을 "순진한 예술"이라고 부르고, 악의적 인 비평가-부주의 한 칠, 독창적 인 재능의 팬들은 Kim이 만든 그림이 심리적으로나 문체 적으로 예상치 못한 것이라고 믿습니다. 그리고 그것은 사실입니다-약속 된 풍경과 초상화 대신 페인트로 칠해진 캔버스를 기대하는 사람은 아무도 없습니다. 게다가 작가는 깔끔한 획과 선이 아니라 거친 고랑을 남겼습니다. 트랙터가 비옥하고 젖은 들판을 운전하는 것처럼 ...

Kim Dorland가 원화를 그리는 원칙은 "중요한 것은 페인트를 아끼지 않는 것"이라는 짧은 문구로 설명할 수 있습니다. 결국 자세히 보면 그림은 문자 그대로 두꺼운 기름층에 긁혀 작가가 캔버스에 아낌없이 기름을 바릅니다. 그림은 그려진 것이 아니라 마치 조각품처럼 성형된 것으로 밝혀졌습니다.

그리고 작가는 정확성과 사실성을 위해 노력하지 않습니다. 그는 비율을 유지하거나 이미지에 볼륨을 부여하거나 캔버스의 미학을 신경 쓰지 않고 일종의 유치한 추상화 인 특별한 스타일로 만듭니다. 저자의 주된 임무는 오른쪽 무릎 아래에서 왼손으로 캔버스에 페인트를 던지고 오점을 찍는 것입니다. 이것은 그림입니다!
그럴 수도 있지만, 이런 식으로 그리는 것이 쉽고 간단하다는 것은 우리 마을 사람들에게만 보입니다. 어쨌든 Kim Dorland는 종종 전시회에 참여하고 그의 그림은 그가 살고 일하는 토론토의 갤러리에 전시되며 캐나다와 멀리 해외에서 그의 작품을 성공적으로 판매합니다.

홍보의 효율성: "훌륭한" 머프

내가 붓을 들고 캔버스에 어떤 종류의 풍경이나 초상화를 그리면 내 작품을 보는 사람은 누구나 안전하게 말할 수 있습니다. 내가 그릴 수 없기 때문에 맞을 것입니다. 그러나 내가 훌륭한 예술가라는 평판을 얻는다면 내 더브는 수백만 달러에 팔릴 수 있습니다. 이론적으로 내 그림이 그려지지 않았지만 그다지 끔찍한 그림이 훌륭한 예술 작품으로 홍보되고 "매드 머니"에 팔릴 수 있다고 상상하기는 어렵습니다. 그러나 실생활에서 이것은 한 번 이상 일어났습니다. 19 세기 후반과 20 세기 전체는 예술에서 끊임없는 승리입니다.

이탈리아 조토 디 본도네(Giotto di Bondone, 1267-1337)를 아버지로 생각하는 현대 회화가 탄생한 순간부터 다음 몇 세기 동안 드로잉에 적합한 모든 표면(캔버스, 벽 또는 칠판)에 현실을 표현하는 예술가의 기술 ). 그 당시에는 사진이 존재하지 않았지만 많은 사람들이 자신의 초상화나 친척의 이미지를 갖고 싶어했습니다. 주변 숲과 들판의 전망도 높이 평가되었습니다. 우리는 여전히 아파트에 다양한 그림의 복제품을 걸고 물질적 조건이 허용하는 사람에게 원본 자체를 걸기를 좋아합니다. 중세 시대에 부자들은 또한 집과 성의 벽을 그림으로 장식하는 것을 좋아했으며 일부 부자는 막대한 컬렉션을 수집했습니다. 누군가는 그림에 대한 사랑으로, 다른 사람들은 자신의 지위를 향상시키기 위해 그것을했습니다.

부자 외에도 교회에는 예술 작품도 필요했습니다. 교회는 실제 삶을 묘사하는 그림이 필요하지 않았습니다. 그들은 실제 사건의 사진과 같이 실제처럼 보이는 성경적 장면이 필요했습니다 (당시에는 사진에 대해 전혀 몰랐지만). 사람들은 그리스도, 마리아, 사도들과 다른 종교적 인물들을 믿어야 했고, 이를 위해 성경의 인물들은 살아 있는 사람처럼 보여야 했습니다.

고객의 요청은 무엇입니까? 사진도 마찬가지였습니다. 무능한 손으로 캔버스에 스케치한 기발한 아이디어는 누구에게도 소용이 없었습니다. 아무도 원본처럼 보이지 않는 자신의 초상화를 사지 않을 것이며 원칙적으로 사람의 이미지와 닮지 않은 초상화를 사지 않을 것입니다. 그 당시 초상화를 그리려면 화가의 기교를 통달한 화가가 필요했다. 전문가가 아니면 그림을 팔고 생계를 꾸릴 수 없습니다. 그림을 수집하는 사람들은 이미 현실의 캐스트가 필요했습니다. 그들은 아무도 반복할 수 없는 독점적인 것을 원했습니다. 즉, 작가는 사실적인 이미지에 자신 만의 무언가를 추가해야했습니다. 즉, 독특한 스타일로 고품질 수공예품의 대부분에서 그의 그림이 돋보였습니다. 레오나르도 다빈치와 같은 독특한 기법, 반 에이크와 같은 혁신적인 빛과 그림자의 사용, 보쉬와 같은 환상적인 이미지...

유럽의 15-17세기는 세계 회화의 전성기입니다. 이때까지 유럽의 경제적으로 발전된 국가 (베니스, 피렌체, 네덜란드, 플랑드르, 독일)에는 충분한 수의 그림 고객이 나타났습니다. 덕분에 우리는 작품이 여전히 장식되어있는 뛰어난 예술가의 은하계 전체를 받았습니다. 세계에서 가장 유명한 박물관. Leonardo da Vinci, Raphael 및 Michelangelo Buonarroti와 같이 보편적으로 인정받는 르네상스의 위대한 화가들과 함께 그 당시에는 네덜란드 Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul과 같은 수십 명의 똑같이 뛰어난 예술가들이 작업했습니다. 루벤스, 안토니스 반 다이크, 얀 베르메르, 이탈리아인 조르조네, 티치아노, 코레조, 카라바조, 독일인 알브레히트 뒤러, 한스 홀바인 주니어, 스페인인 디에고 벨라스케스... 그들 모두는 현실을 묘사하는 독창적인 방식을 가지고 있었지만, 동시에 그들은 모두 매우 사실적인 그림을 썼다는 사실에 의해 연합되었습니다. 줄거리에 따르면 현실적이지 않습니다. 동일한 성경적 그림은 결코 그렇지 않습니다. 사실적 - 실생활과 유사하게 묘사됩니다. 아무도 정육면체 나 사각형을 칠하지 않았습니다. 비슷한 스타일의 "걸작"이 구매자를 찾지 못하기 때문에 이것이 그가 세상을 보는 방식이라고 생각합니다. 그 당시 그림의 고객은 Nikita Khrushchev와 같은 단순한 사람들이었습니다. 언젠가 추상화 전시회에서 그림 중 하나에 대해 "이게 무슨 엉덩이야? "라고 물었다는 이야기가 있습니다. 나는 Raphael 또는 Correggio의 그림과 관련하여 Khrushchev를 포함하여 아무도 그런 말을 한 적이 없다는 점에 주목합니다. 시력이있는 사람은 그 그림에 묘사 된 내용을 이해합니다. 피카소의 그림과 같은 생물. 모든 뛰어난 예술가는 어떤 면에서 혁신가였지만 회화의 모든 혁신적인 기술은 예술가가 삶의 모든 표현을 적절하게 묘사할 수 있는 경우에만 의미가 있습니다. 이미지의 참신함은 그 자체가 아니라 사실감을 위해 사용되었습니다. 화가는 건축업자처럼 일하려고 노력했다고 말할 수 있습니다. 모든 집에는 기초, 벽 및 지붕이 있어야하며 모든 실험은이 프레임 워크 내에서만 허용되었습니다.

전문가로서 르네상스 예술가들은 회화의 정점에 도달했습니다. 그리고 Raphael이나 Van Eyck을 능가하는 것은 불가능하다고 안전하게 말할 수 있습니다. 반복 만 가능합니다. 또는 수년에 걸쳐 점점 더 어려워진 자신 만의 무언가를 만드십시오. 이미 17세기에는 16세기보다 뛰어난 예술가가 적었고 18세기에는 손가락으로 꼽을 수 있습니다. 르네상스 거장의 배경에 비해 눈에 띄는 것은 극히 어렵습니다. 이것은 원칙적으로 소수만이 달성 할 수있는 최고 수준의 기술입니다.

그리고 그러한 배경에서 장인이 많고 뛰어난 거장이 거의 없을 때 예술계에서 진정한 혁명이 일어나고 있습니다. "위대한 예술가"가 인위적으로 만들어지기 시작했습니다. 이것은 중세 시대에 하기 어려웠다.- 정보가 왜곡된 소문을 통해 전달되어야 하기 때문에 매체가 없으면 PR 기술은 효과가 없습니다. 특히 장거리 정보 보급에 관해서. 미디어만이 인생에서 이상적이고 필요한 모든 대상(제품, 브랜드)의 이미지를 대중의 의식에 빠르고 효과적으로 생성하고 도입할 수 있습니다. 19 세기 후반에 이미 산업 혁명 시대에 접어 든 서유럽 국가의 삶에서 언론이 점점 더 중요한 역할을하기 시작했을 때“위대한 예술가 새로운 유형의”가 등장하기 시작했습니다. 즉, 머핀.

그림 구매자를 완전히 칠하도록 구체적으로 리디렉션한 사람은 누구입니까? 그것들이 많이 있습니다. 기본적으로 이들은 미디어에서 미술 비평에 종사하는 사람들과 전시회를 조직하는 사람들입니다. 예를 들어 비평가 Roger Fry는 후기 인상파를 "세탁"했고 프랑스 인 Guillaume Apollinaire는 Matisse와 Picasso의 제품을 소비자에게 홍보했습니다. 그러나 그림 시장에서 더욱 중요한 것은 특히 20세기 후반에 점점 더 많은 부유한 수집가들이 세계에 등장했다는 사실이었습니다. 진정으로 뛰어난 예술 작품이 주립 박물관에 있거나 걸작을 돈을 받고 팔지 않는 교회 소유인 상황에서 컬렉션을 수집하는 이유는 무엇입니까? - 유행으로 간주되는 것에서. 유행이 된 것은 구매자가 구입했습니다.

그리고이 "화가"를 위해 패션은 어떻게 만들어 졌습니까? 기본적으로 모든 것은 스캔들로 시작되었습니다. 19세기 말에는 예술 작품을 가장하여 공개적으로 끔찍하게 칠한 것만으로도 대중의 추문을 불러일으켰습니다. 그것은 사회에 대한 진정한 도전이었습니다. "그런"것을 본 사람들은 분개했고이 모든 것이 언론과 보헤미안 장소에서 미루어졌고 작가와 그의 그림의 명성이 커졌습니다. 이것이이 캐릭터의 패션이 나타난 방식입니다. 먼저 좁은 원에서 운이 좋으면 일반 대중이 새로운 "위대한 화가"의 출현에 대해 알게되었습니다. "그들이 당신에 대해 이야기하면 당신은 존재합니다"-이것이 PR의 기본 규칙입니다.당신이 유명해지면 적어도 누군가는 당신의 그림을 살 것입니다-그들의 예술적 가치에 관계없이보헤미안 환경의 평범한 사람들이 깨닫는 즉시 그 칠-이것은 또한 뜨거운 상품이므로 그러한 그림은 말 그대로 시장을 휩쓸었습니다.미래의 많은 훌륭한 머프는 사실적인 그림으로 시작했지만 시간이 지남에 따라 더빙으로 전환되었습니다.그리고 일부는 아무것도 변경할 필요가 없었습니다-처음에는 몰랐습니다. 그리는 방법.

다른 시대에는 한 예술적 방향에 대한 패션이 있었고 인상주의, 후기 인상주의, 추상화주의, 입체파, 표현주의 .... 그리고 패션은 무역의 주요 엔진입니다. "아티스트"가 브랜드가 되 자마자이 브랜드로 생산 된 모든 것이 "뜨거운 케이크처럼 팔렸습니다." 이 "아티스트"가 정확히 무엇을 그렸는지는 중요하지 않았습니다. 패션 산업은 공예 산업과 다른 법률에 따라 운영됩니다. 물론 이것 또는 저 머프의 패션은 즉시 발생하지 않았으며 처음에는 엄청난 돈 형태의 "월계관"이 예술가 자신이 아니라 그림 구매자에게 전달되었습니다. 경매에서 유행하는 칠에 대해 지불하기 시작한 미친 돈은 20 세기 후반에만 나타났습니다. 세계 금융 시장에서 쉽게 돈을 벌고 러시아의 국가 재산을 약탈하는 동안 엄청난 수의 사람들이 돈을 어디에 둘지 몰랐습니다. 결과적으로 캔버스에 묻은 배설물은 매우 뜨거운 상품이되었습니다. .

예술에서의 더빙의 승리는 누구로부터 시작되었습니까?

인상파와 입체파의 길은 19세기 전반에 "창조"한 영국인 Joseph Turner에 의해 닦여졌습니다. 그의 화가로서의 유일한 장점은 풍경화를 잘 그리지 못한다는 것뿐이었다. 그는 또한 거의 좋은 그림을 가지고 있었지만 캔버스 "베니스로 항해"와 같은 솔직한 칠로 유명해졌습니다. 베니스가 그의 그림과 같다면 아무도 항해하지 않았을 것입니다 ... 한때 Turner는 그가 유명해진 덕분에 대중에게 충격을주었습니다. 그의 캐리커처가 있습니다-Turner는 페인트 브러시 (당시 울타리를 칠하는 데 사용됨)로 그림 앞에 서서 무언가를 칠합니다 ...

프랑스 인 Edgar Degas는 다음에 배턴을 집어 들었습니다. 그는 그림을 그리는 방법을 알고 때로는 멋진 그림을 만들었지 만 어떤 이유로 Edgar는 씻거나 씻을 준비를하거나 방금 물 절차를 마친 가장 추악한 나체 여성을 그리는 데 끌 렸습니다 . .. - 그런 그림들은 무능력으로 미대 1과목에서 퇴학당하기도 하지만 드가는 이들 덕분에 큰 인기를 얻었다.

19세기 말과 20세기 초에 머핀의 수가 급격히 증가하기 시작했습니다.

현재 "위대한 인상파"Claude Monet (유명한 예술가 Edouard Manet과 혼동해서는 안됨)과 Auguste Renoir가 창작하고 있습니다. Renoir는 그림을 그리는 방법을 알고 있었지만 Degas와 마찬가지로 종종 노골적인 칠을했습니다. 처음에는 Monet도 진정한 예술가가 되려고 노력했지만 성공하지 못할 것임을 깨달았습니다. 결과적으로 그는 Joseph Turner 작업의 가장 눈에 띄는 후계자 중 한 명이라고 할 수 있습니다. Monet의 풍경은 전임자의 풍경만큼이나 끔찍합니다.

그의 주요 "걸작"은 "루앙 대성당, 햇빛의 서쪽 정면"입니다. 전형적인 어린이 칠입니다. Monet은이 "스타일"로 많은 작품을 리벳으로 만들었고 모두 여전히 인기가 있습니다. "Water Lilies"(이름이 없으면 이것이 물 위의 백합이라는 것을 즉시 인식하지 못합니다 ...) 경매에 36.7에갔습니다. 백만 달러(2007. ), 워털루 다리(아래 그림)는 3,590만 달러(2007)에 매각되었습니다.

"수련이있는 연못 ..."( "워털루 다리"에 비해 그림이라고도 함)-3300 만 달러 (1998). 2009년 The Times 신문은 독자들을 대상으로 설문 조사를 실시한 결과 20세기 가장 인기 있는 예술가를 결정했습니다. Claude Monet이 4위를 차지했습니다!

세기가 바뀌면서 후기 인상주의자들도 사업에 뛰어들었습니다. Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. 그들 중 누가 "더 위대한", 즉 우리 시대의 더 세련된 예술가였습니까? 세잔은 "흥미롭다"고 말할 수 있는 그림을 적어도 한 점 가지고 있습니다. 그는 27세에 그 그림을 그렸습니다. 그런 다음 깨달음없이 모든 것이 훨씬 더 나빠졌습니다. 그러나 그는 확실히 "최고"가 아닙니다. 그의 그림 중 일부의 가격은 수천만 달러에 달합니다 (가장 비싼 "주전자와 커튼이있는 정물"은 6,050 만 달러 (!) 에 구입했지만 수집가들 사이에서 그의 작품의 인기는 분명히 고갱 작품의 인기보다 열등하고 반 고흐는 더욱 그렇습니다. 그러나 The Times의 독자들은 Cezanne을 20 세기 예술가 중 2 위에 올렸습니다!

정신병을 앓고 있는 반 고흐는 한 번도 자라지 못한 재능 없는 5-7세 소년으로 그렸습니다. 한때 그는 정신과 진료소에서 치료를 받았지만 도움이되지 않았고 40 세에 자살했습니다. 그의 전기는 "위대한 예술가"의 전기와 비슷합니다. 이것은 그의 그림 가격으로 입증됩니다-Ginoux 부인의 끔찍한 초상화는 4,030 만 달러, "해바라기"는 4,050 만 달러, "밀짚 모자를 쓴 농민 여성"은 4,750 만 달러, 홍채는 900 만 달러, 57 달러 Cypress Wheat Field에 백만 달러, 자화상에 7,100만 달러, Dr. Gachet에 8,250만 달러. 그건 그렇고,이 Gachet은 자살 직전에 Van Gogh를 돌 보았습니다. 아마도 "예술가"는 그의 서명 초상화로 그의 작업에 대해 의사에게 복수하기로 결정했을 것입니다.

반 고흐의 연인 고갱은 반 고흐의 소년보다 조금 나이가 많은 소년으로 그렸습니다. 이것은 "위대한 예술가"로서 그에게 분명한 마이너스입니다. 또한 Gauguin은 Van Gogh를 방문하고 결국 귀를 잘랐을 때 그의 전기에 멋진 에피소드가 있지만 Van Gogh만큼 미치지는 않았습니다. 이것은 정말 "위대함"에 대한 중요한 주장입니다! 그러나 고갱의 그림에 대한 수요는 반 고흐만큼 크지 않습니다. 그의 그림 중 일부만이 3천만 달러 이상에 팔렸습니다.

거의 난장이에 가까운 Toulouse-Lautrec은 추악한 프랑스 창녀들에게 열광했으며, 못생긴 그림에서 구현했습니다.조건부 이름 "검사중인 창녀"로 아래 그림을 보면 Toulouse-Lautrec의 창의적인 방식을 알 수 있습니다.

그는 오히려 스케치의 달인이었지만, 본격적인 그림을 그리는 데 전혀 신경을 쓰지 않았다. Gauguin 및 Van Gogh와 비교할 때 Toulouse-Lautrec은 완전히 인기가 없으며 노르웨이 Munch는 그의 전기가 매우 개인적이지만 분명히 그들에게 달려 있지 않습니다. 그는 지속적으로 끔찍한 우울증에 시달렸고 정신 장애로 여러 번 치료를 받았습니다. 그의 그림 중 일부는 "역사상 가장 비싼 그림 100선" 목록에 포함되어 있지만 그게 전부입니다.

그러나 오스트리아의 구스타프 클림트는 정말로 가장 위대한 후기 인상파입니다. 그는 반 고흐만큼이나 인기가 많았고 그의 가장 비싼 그림은 1억 3500만 달러에 팔렸습니다! 그리고 20 세기의 위대한 예술가에게 가장 놀라운 것은 사진이 인간의 얼굴을 가진 여성을 보여줍니다! 남은 공간은 모두 전형적인 칠이 차지하고 있지만 얼굴은 사실적으로 밝혀졌습니다. 그리고 사람들이 묘사 된 클림트의 다른 그림들은이 그림과 비슷합니다. "후기 인상파"도장 중 같은 얼굴입니다.

사람들은 또한 20 세기 최고의 예술가 중 3 위인 Klimt를 존경합니다. Picasso와 Cezanne만이 앞서 있습니다.

20세기로 넘어갑시다. Wendy Beckett이 그녀의 회화사에서 썼듯이, "20세기 예술의 두 지배자 - Henri Matisse와 Pablo Picasso." 그런 머프가 수백 개가 있었기 때문에 정확히이 두 가지 이유를 말하기는 어렵지만 패션의 방식은 헤아릴 수 없습니다. 그건 그렇고, The Times 독자 설문 조사에 따르면 Pablo가 1 위를 차지했습니다.

스페인 파블로 피카소는 그림을 그리는 방법을 알고 있었지만 원하지 않았습니다. 그는 Da Vinci의 수준과는 거리가 멀었지만 (믿지 않는 사람-그의 초기 그림 "파이프를 든 소년"을보십시오-나쁘지는 않지만 탁월하지는 않습니다) 단순히 좋은 그림은 20 세기에 이미 관련이 없었습니다. Daubing은 점점 더 유행이되었고 Pablo는 파도의 요청에 따라 항해하기로 결정했습니다. 그리고 그는 훌륭했습니다!

1907 년에 그는 "아비뇽의 소녀들"이라는 그림을 그렸습니다. 이것은 입체파 장르의 첫 번째 작품이되었습니다. 처음에 작가는 낯선 사람들에게 이 더빙을 보여주는 것이 부끄러웠는데, 일반적으로 이해할 수 있습니다. 다섯 명의 절대적으로 끔찍한 생물이 사진에서 당신을 바라보고 있고 다른 사람들에게 그런 넌센스를 보여주는 것은 공개적으로 말하는 것과 같습니다. 나는 완전한 사이코입니다! 그러나, 파블로 그의 "걸작"을 공개하기 위해 모험을 감행했습니다.추측하지 않았습니다. 아무도 그를 병원에 숨기지 않았고 피카소는 계속해서 캔버스를 망쳤습니다. 그는 변증법적 유물론의 가정을 실행에 옮겼습니다. 양은 질로 발전합니다. 이 경우 평판. 피카소는 약 70년 동안 그림을 그렸고 그가 우리 시대의 가장 인기 있는 머프가 된 것은 놀라운 일이 아닙니다.

Dora Maar의 초상화(2006년 경매에서 9,520만 달러에 구입, 위 사진), 정원에 앉아 있는 여인(1999년 4,950만 달러), 꿈(1997년 4,840만 달러), "검은 의자에 앉은 누드"(4,510만 달러) 1999 년 달러)-20 세기 daub의 "황금 기금"에 진입했습니다.

20세기에는 많은 영광스러운 화가들이 있었습니다. 르네상스 시대의 위대한 예술가들보다 훨씬 더 많은 것이 놀라운 일이 아닙니다. 우리의 Vasya Kandinsky와 Kazimir Malevich도 이 분야에서 주목을 받았습니다. 물론 러시아인들은 그들 자신의 특별한 영성을 가지고 있지만 더빙에서는 그다지 많이 나타나지 않았습니다. 20세기 중반에 "추상적 표현주의자"인 미국 명태와 네덜란드인 데 쿠닝이 이에 대한 분위기를 조성하기 시작했습니다.

우리 세상의 모든 것은 상대적이며 Pollack과 그의 형제의 배경에 비해 Monet이나 Gauguin조차도 훌륭한 예술가처럼 보입니다. 미술 평론가들은 이 최고 수준의 도색을 "추상 표현주의"라고 불렀고, 나는 이것이 완전히 미친 도색이라고 말하고 싶습니다! 가장 저명한 대표자는 앞서 언급한 Willem de Kooning과 Jackson Pollack뿐만 아니라 러시아계 미국인 Mark Rothko였습니다. 이 세 가지는 20세기 칠의 정점에 불과합니다!

추상표현주의는 원칙적으로 그림을 그리지 않는 사람이다. 반 고흐는 최소한 5세 아이의 수준으로 그렸지만 폴락은 이 수준에도 미치지 못했다. Wendy Beckett의 The History of Painting을 인용하면 다음과 같습니다. 그는 바닥에 펼쳐진 캔버스에서 황홀경에 빠져 춤을 추며 독창성에 완전히 몰두하고 완벽한 통제하에 페인트를 튀기고 붓습니다. 그는 “그림은 그 자체로 생명력이 있습니다. 나는 그녀를 놔두려고 노력한다." 여기에 언급 할 것도 없습니다. 그 남자는 매우 아팠습니다. 그의 그림 사진이 이것을 확인시켜줍니다.

Mark Rothko는 Pollack보다 더 나쁜 예술가입니다. 당신은 이것이 그렇게 될 수 없다고 말할 것입니다. 결국 저는 Pollak이 그림을 그릴 수 없다고 말했습니다. 아마도! Pollack의 그림은 적어도 혼란스러운 벽지와 비슷했지만 Rothko의 그림은 다른 색상으로 칠해진 캔버스입니다. 예를 들어 상단은 검은색이고 하단은 회색입니다. 또는 더 많은 "뛰어난 작업"-하단은 진홍색, 상단은 일종의 짙은 노란색, 중간은 흰색입니다.

이 그림은 "화이트 센터"라고 불리며 2007년 소더비에서 구입했습니다. 7280만 달러. -손상된 캔버스의 경우 거의 7300만! 그건 그렇고, 이것은 세계에서 가장 비싼 그림 목록에서 12 위입니다! 그러나 오늘날 세계에서 가장 비싼 그림(2010)은 Jackson Pollack의 작품이며 2006년 Sotheby's에서 1억 4천만 달러에 판매된 "No. 5"라고 불립니다! 서구 세계는 미친 예술가들로 가득 차 있을 뿐만 아니라 엄청난 수의 미친 백만장자들이 있습니다. 그건 그렇고 서구에서도 평범한 사람들은 그다지 건강하지 않습니다. Times 신문의 여론 조사에서 Pollack은 20 세기 가장 인기있는 예술가 중 7 위를 차지했습니다.

그들이 말했듯이 그의 "영원한 라이벌"Willem de Kooning은 이번 여론 조사에서 9 위가되었습니다. 나는 그를 모든 머프 중에서 가장 재미있는 사람이라고 부를 것입니다. Kooning의 가장 비싼 그림인 Woman No. 3(2006년에 1억 3,750만 달러에 구입!)은 건강한 사람이라면 누구나 크게 웃게 만들 것입니다. 더 재미있는 것은 자전거를 탄 여인입니다.

윌렘은 여자들과 문제가 좀 있었던 것 같아서 교묘하게 그들에게 복수를 했다.

Pollack, Kooning 및 Rothko의 예에서 우리는 오늘날 미술 시장이 어떤 상태인지 분명히 알 수 있습니다. 흐루시초프가 살아 있었다면 그는 이렇게 말했을 것입니다.

그래서 Pu의 마력 덕분에블릭 관계 정신적으로 혼란스러운 일부 개인의 칠은 뛰어난 예술 작품으로 인식되었으며 위대한 르네상스 예술가의 캔버스와 동등했습니다. 처음으로 머프 홍보에서 PR의 힘이 분명하게 드러났습니다. 19세기까지홍보 정치에서만 효과적으로 행동했습니다 (역사와 종교도 정치적 목표에 기여했으며 정치와 분리하여 고려할 수 없음). 평범한 머프가 뛰어난 아티스트로 발표되는 경우, 우리는 다음과 같은 현상에 직면합니다.홍보 패션 분야에서 두각을 나타냈다. 그리고 그것은 매우 효과적이고 오래 지속되어 평범한 사이코패스라는 욕설이 유행한 지 한 세기가 지난 지금도 우리는 반 고흐가 위대한 예술가라고 진심으로 믿는 많은 사람들을 만납니다. 반 고흐가 누구인지 아는 사람은 훨씬 더 많습니다. 돈으로 무엇을 해야할지 모르는 수백 명의 부유한 게으름뱅이들이 경매에서 유행하는 칠을 사고 있습니다. 다른 모든 사람들은 수백만 달러짜리 daub 구매에 대해 듣고 또 다른 것을 듣습니다. 글쎄, 그들은 솔직한 대변에 3 천만 달러를 지불 할 수 없습니까? -그래서 평신도는 주장합니다. -할 수 있어도 할 수 있습니다 ... 가장 중요한 것은 그것이 유행이라는 것입니다.