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가장 유명한 추상 예술가 : 정의, 예술의 방향, 이미지의 특징 및 가장 유명한 그림. 추상 미술: 정의, 역사, 유형, 특성 추상화를 채우고 조정하는 과정의 섹션

추상주의는 비교적 젊은 예술 운동입니다. 1910년은 아티스트 바실리 칸딘스키가 수채화로 그린 새로운 기법으로 첫 번째 캔버스를 전시한 해로 공식적으로 인정됩니다.

추상 미술의 대표자는 단순하고 복잡한 형태, 선, 면을 기초로 삼아 자신만의 명작을 만들고 색을 가지고 놀아요. 결국 일어나는 일은 실제 객체와 아무 관련이 없습니다. 개인의 감각세계를 통해 초의식만이 접근할 수 있는 작품이다.

이 스타일의 첫 작품이 나온 후 수십 년 동안 추상주의는 다양한 변화를 겪었고 다른 아방가르드 경향에 적극적으로 도입되었습니다.

(Carol Hein의 추상화)

추상주의의 틀 안에서 예술가들은 수많은 그림, 조각, 설치물을 만들었습니다. 현대 건물의 내부를 포함하여 별도의 요소가 사용되었으며 계속해서 성공적으로 구현되고 있습니다.

오늘날 예술의 추상 경향은 기하학적 추상과 서정적 추상으로 나뉩니다. 추상화의 기하학적 방향은 엄격하고 명확한 선, 안정적인 상태가 특징입니다. 서정적 추상화는 거장이나 예술가가 설정한 역동성을 자유로운 형식과 시연으로 특징지을 수 있습니다.

회화의 추상 미술

추상주의가 발전하기 시작한 것은 회화와 함께였습니다. 캔버스와 종이 위에 그는 색과 선의 유희를 통해 세상에 드러났고, 사물의 실제 세계에서는 유사하지 않은 것을 재창조했습니다.

(...그리고 Carol Hein의 명확한 추상화)

추상화의 밝은 대표자는 다음과 같습니다.

칸딘스키;
말레비치;
몬드리안.

나중에 그들은 많은 추종자를 갖게 되었고, 각자 자신의 예술적 공헌을 했으며, 페인트를 적용하는 새로운 기술과 추상적인 구성을 만드는 새로운 원칙을 적용했습니다.

(바실리 바실리예비치 칸딘스키 "구성 IV")

캔버스에 걸작을 만드는 방향의 창시자들은 새로운 과학 및 철학 이론에 의존했습니다. 예를 들어 Kandinsky는 자신의 예술적 창작물을 정당화하면서 Blavatsky의 신지학 작품에 호소했습니다. 몬드리안은 신조형주의의 대표자로 그의 작품에서 순수한 선과 색을 적극적으로 사용했다. 그의 그림은 회화와 예술 분야의 많은 대표자들에 의해 반복적으로 복사되었습니다. Malevich는 Suprematism 이론의 열렬한 지지자였습니다. 회화 예술의 우선권은 주인이 색상에 부여했습니다.

(Kazimir Malevich "기하학적 도형의 구성")

일반적으로 회화의 추상주의는 평범한 사람들에게 두 가지 방향으로 밝혀졌습니다. 하나는 그러한 작품을 막 다른 골목으로 간주하고 두 번째는 아티스트가 창작물에 넣은 아이디어에 진심으로 감탄했습니다.

선, 모양 및 색상의 임의성에도 불구하고 추상화 스타일의 그림과 예술 작품은 청중이 단일하고 전체적으로 인식하는 구성을 만듭니다.

미술 추상주의의 방향

추상화 스타일의 작품은 명확하게 분류하기 어렵습니다. 이 방향에는 많은 추종자가 있으며 각자 자신의 비전을 개발에 기여했기 때문입니다. 일반적으로 대사나 기법의 우세 유형에 따라 구분할 수 있다. 현재까지 다음이 있습니다.

색상 추상화. 이 작품의 틀 내에서 예술가들은 색상과 음영을 가지고 놀며 작품에서 보는 사람의 마음에 의한 인식에 중점을 둡니다.
기하학적 추상화. 이 추세에는 엄격한 특성 차이가 있습니다. 이들은 명확한 선과 모양, 깊이의 환상 및 선형 관점입니다. 이러한 추세의 대표자는 슈프리마티스(Suprematis), 신조형주의자(neoplasticists)입니다.
표현적 추상주의와 타키즘. 이 가지의 강조점은 색, 형태, 선이 아니라 물감을 칠하는 기법에 있다. 이를 통해 역동성이 설정되고 감정이 전달되며 작가의 무의식이 반영되어 아무런 사전 계획 없이 작업한다.
최소한의 추상 미술. 이 트렌드는 아방가르드에 가깝습니다. 그 본질은 협회에 대한 언급이 없다는 것입니다. 선, 모양 및 색상은 간결하고 최소한으로 사용됩니다.

예술의 경향으로서 추상주의의 탄생은 지난 세기 초 인류를 발전시키기 시작한 수많은 새로운 발견과 관련된 변화의 결과였습니다. 새롭고 여전히 이해할 수 없는 모든 것은 예술을 포함하여 동일한 설명과 탈출구가 필요했습니다.

추상주의(lat. 추상화- 제거, 산만) 또는 비구상 예술-회화와 조각에서 현실에 가까운 형태의 재현을 포기한 예술의 방향. 추상화의 목표 중 하나는 특정 색상 조합과 기하학적 모양을 묘사하여 "조화"를 달성하여 보는 사람이 구성의 완전성과 완성도를 느끼게 하는 것입니다. 저명한 인물: 바실리 칸딘스키, 카지미르 말레비치, 나탈리아 곤차로바, 미하일 라리오노프, 피에트 몬드리안.

이야기

추상화( "제로 형태"라는 기호 아래의 예술, 비 객관적 예술)-20 세기 전반기 예술에서 형성된 예술적 방향으로 실제 보이는 세계의 형태를 완전히 재현하는 것을 거부합니다. 추상화의 창시자는 V. Kandinsky로 간주됩니다. , P. 몬드리안 그리고 K. 말레비치.

V. Kandinsky는 인상파와 "야생"의 객관성 징후에서 벗어나 자신 만의 추상화 유형을 만들었습니다. Piet Mondrian은 Cezanne과 Cubists에 의해 시작된 자연의 기하학적 양식화를 통해 무의미함을 얻었습니다. 추상주의를 지향하는 20세기 모더니즘의 경향은 전통적 원리에서 완전히 벗어나 리얼리즘을 부정하면서도 동시에 예술의 틀 안에 머물고 있다. 추상주의의 도래와 함께 예술의 역사는 혁명을 경험했습니다. 그러나이 혁명은 우연이 아니라 아주 자연스럽게 발생했으며 플라톤이 예측했습니다! 그의 후기 작품 Philebus에서 그는 눈에 보이는 물체의 모방이나 모방과 관계없이 선, 표면 및 공간 형태 자체의 아름다움에 대해 썼습니다. 이러한 종류의 기하학적 아름다움은 플라톤에 따르면 자연적인 "불규칙한" 형태의 아름다움과 대조적으로 상대적인 것이 아니라 무조건적이고 절대적인 것입니다.

20세기와 현재

1914-18년의 제1차 세계 대전 이후 추상 미술의 경향은 종종 다다이즘과 초현실주의의 대표자들에 의해 개별 작품으로 나타났습니다. 동시에 건축, 장식 예술 및 디자인에서 비회화적 형식에 대한 응용 프로그램을 찾고자 하는 욕구가 결정되었습니다(스타일 그룹 및 바우하우스의 실험). 다양한 국적과 경향의 예술가를 통합하는 여러 추상 예술 그룹 ( "Concrete Art", 1930; "Circle and Square", 1930; "Abstraction and Creativity", 1931)은 주로 프랑스에서 30 년대 초반에 발생했습니다. 그러나 당시 추상 미술은 널리 퍼지지 않았고 30년대 중반까지 이르렀습니다. 그룹이 헤어졌다. 제2차 세계대전(1939~45) 동안 미국에서는 이른바 추상표현주의 학파가 일어났다. J. 폴록, M. 토비등)은 전쟁 후 많은 국가에서 개발되었으며 (tachisme 또는 "formless art"라는 이름으로) "순수한 정신적 자동화"와 창의력의 주관적인 잠재 의식 충동, 예기치 않은 색상 및 질감 조합의 숭배를 그 방법으로 선포했습니다.

50 년대 후반에 설치 예술인 팝 아트가 미국에서 태어 났으며 나중에 Andy Warhol은 마릴린 먼로의 초상화와 개밥 통조림-콜라주 추상화를 끝없이 복제하여 영광을 얻었습니다. 60년대의 시각 예술에서는 가장 덜 공격적이고 정적인 추상화 형식인 미니멀리즘이 인기를 끌었습니다. 동시에 바넷 뉴먼, 미국 기하학적 추상주의의 창시자 A. 리버만, A. 헬드그리고 K.노랜드네덜란드 신조형주의와 러시아 절대주의의 아이디어를 더욱 발전시키는 데 성공적으로 참여했습니다.

미국 회화의 또 다른 경향은 "크로매틱" 또는 "포스트 페인팅" 추상화라고 불렸습니다. 그 대표자들은 Fauvism과 Post-Impressionism을 어느 정도 격퇴했습니다. 엄격한 스타일, 날카로운 작품 윤곽 강조 E. 켈리, J. 융거만, F. 스텔라점차 명상적인 우울한 창고의 그림으로 바뀌었습니다. 1970년대와 1980년대에 미국 회화는 구상 미술로 회귀했다. 더욱이 포토 리얼리즘과 같은 극단적 인 표현이 널리 퍼졌습니다. 대부분의 미술사학자들은 70년대가 미국 미술의 진실의 순간이라는 데 동의합니다. 이 기간 동안 미국 미술은 마침내 유럽의 영향에서 벗어나 순전히 미국인이 되었기 때문입니다. 그러나 초상화에서 역사화에 이르기까지 전통적인 형태와 장르의 복귀에도 불구하고 추상미술도 사라지지 않았다.

미국의 리얼리즘으로의 복귀는 추상화를 그 자체로 극복하지 못했지만 주로 우리의 사회적 리얼리즘과 동일시되는 구상 예술 금지, 따라서 예술의 사회적 기능에 대한 "낮은"장르에 대한 금지 인 "자유 민주주의"사회에서 혐오스러운 것으로 간주 될 수 없습니다. 동시에 추상 회화의 스타일은 볼륨의 합리화, 윤곽의 흐림, 하프 톤의 풍부함, 미묘한 색상 솔루션과 같이 이전에는 부족했던 특정 부드러움을 얻었습니다. E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

이러한 모든 경향은 현대 추상주의 발전의 토대를 마련했습니다. 창조성에는 정지되고 최종적인 것이 있을 수 없습니다. 왜냐하면 이것은 그에게 죽음이 될 것이기 때문입니다. 그러나 추상주의가 어떤 길을 택하든, 어떤 변형을 겪든 그 본질은 항상 변하지 않습니다. 그것은 미술에서의 추상주의가 개인의 존재를 가장 접근하기 쉽고 고상하게 포착하는 방식이며, 팩스 프린트처럼 가장 적절한 형태라는 사실에 있다. 동시에 추상주의는 자유의 직접적인 실현이다.

지도

추상화에서 두 가지 명확한 방향을 구분할 수 있습니다. 주로 명확하게 정의된 구성(Malevich, Mondrian)을 기반으로 하는 기하학적 추상화와 구성이 자유롭게 흐르는 형식(Kandinsky)으로 구성되는 서정적 추상화입니다. 또한 추상화에는 몇 가지 다른 주요 독립 경향이 있습니다.

입체파

시각 예술의 아방가르드 경향으로 20세기 초에 시작되었으며 강조 조건부 기하학적 모양의 사용, 실제 물체를 입체적인 원시 형태로 "분할"하려는 욕구가 특징입니다.

Rayonism (Luchism)

1910년대 추상미술의 방향성은 광스펙트럼과 광투과의 변화에 기초한다. 사람이 실제로 물체 자체를 인식하는 것이 아니라 "광원에서 나오는 광선의 합, 물체."

신조형주의

1917-1928에 존재했던 추상 미술의 방향 지정. 네덜란드와 잡지 "De Stijl"( "스타일")을 중심으로 그룹화 된 연합 예술가. 스펙트럼의 기본 색상으로 칠해진 큰 직사각형 평면의 레이아웃에서 건축 및 추상 회화의 명확한 직사각형 모양이 특징입니다.

오르피즘

1910년대 프랑스 회화의 방향. 아티스트 오르피스트는 스펙트럼의 기본 색상 상호 침투와 곡선 표면의 교차점의 "규칙성"을 통해 움직임의 역학과 리듬의 음악성을 표현하려고 했습니다.

절대주의

1910년대에 설립된 아방가르드 예술의 방향. 말레비치. 가장 단순한 기하학적 윤곽의 다색면 조합으로 표현되었습니다. 다양한 색상의 기하학적 도형의 조합은 균형 잡힌 비대칭 슈프리마티스트 구성을 형성하며 내부 움직임이 스며듭니다.

타키즘

1950년대와 60년대 서유럽 추상화 경향은 미국에서 가장 널리 퍼졌다. 현실의 이미지를 재창조하는 것이 아니라 작가의 무의식적인 활동을 표현한 점이 있는 그림이다. tachisme의 획, 선 및 반점은 계획된 계획 없이 빠른 손의 움직임으로 캔버스에 적용됩니다.

추상표현주의

감정을 최대한 끌어내기 위해 비기하학적 획, 큰 붓, 때로는 캔버스에 물감을 떨어뜨리는 등 빠르게 그리고 큰 캔버스에 그림을 그리는 작가들의 움직임. 여기서 그림의 표현 방법은 종종 그림 자체만큼 중요합니다.

인테리어의 추상화

최근 추상 미술은 예술가의 그림에서 집안의 아늑한 인테리어로 이동하기 시작하여 호의적으로 업데이트되었습니다. 때로는 매우 특이한 명확한 형태를 사용하는 미니멀리스트 스타일은 방을 독특하고 흥미롭게 만듭니다. 그러나 색상을 지나치게 사용하기 쉽습니다. 이러한 인테리어 스타일에서 주황색 조합을 고려하십시오.

화이트 베스트는 풍부한 오렌지를 희석하고 그대로 냉각시킵니다. 주황색은 방을 더 뜨거워지게 하므로 그다지 많지 않습니다. 방지하지 않습니다. 예를 들어 주황색 침대보와 같이 가구 또는 디자인에 중점을 두어야 합니다. 이 경우 흰색 벽은 색상의 밝기를 없애지만 방을 화려하게 만듭니다. 이 경우 동일한 범위의 그림이 훌륭한 추가 기능을 제공합니다. 가장 중요한 것은 그것을 과도하게 사용하지 않는 것입니다. 그렇지 않으면 수면에 문제가 있습니다.

주황색과 파란색의 조합은 보육원에 적용되지 않는 경우 어떤 방에도 해 롭습니다. 밝은 색조를 선택하지 않으면 서로 성공적으로 조화를 이루고 분위기를 더하며 과잉 활동적인 어린이에게도 악영향을 미치지 않습니다.

오렌지는 녹색과 잘 어울리며 귤 나무와 초콜릿 색조의 효과를 만듭니다. 브라운은 따뜻함에서 차가움까지 변화하는 색상이므로 방의 전체 온도를 완벽하게 정상화합니다. 또한이 색상 조합은 분위기를 조성해야하지만 내부에 과부하가 걸리지 않는 주방과 거실에 적합합니다. 벽을 흰색과 초콜렛 색상으로 장식하면 주황색 의자를 안전하게 놓거나 귤색이 풍부한 밝은 그림을 걸 수 있습니다. 당신이 그런 방에 있는 동안 당신은 좋은 기분과 가능한 한 많은 일을 하고 싶은 욕구를 갖게 될 것입니다.

유명 추상화가들의 그림

Kandinsky는 추상 미술의 선구자 중 한 명입니다. 그는 인상주의에 대한 연구를 시작했고 그 후에야 추상주의 스타일에 도달했습니다. 그의 작업에서 그는 색상과 형태의 관계를 이용하여 관객의 시각과 감정을 모두 포용하는 미적 경험을 창조했습니다. 그는 완전한 추상화가 깊고 초월적인 표현의 여지를 제공하며 현실을 복사하는 것은 이 과정을 방해할 뿐이라고 믿었습니다.

회화는 Kandinsky에게 깊은 영적이었습니다. 그는 물리적, 문화적 경계를 초월한 추상적인 형태와 색채의 보편적인 시각 언어를 통해 인간의 감정의 깊이를 전달하고자 했습니다. 그는 보았다 추상화작가의 "내적 욕구"를 표현할 수 있고 인간의 생각과 감정을 전달할 수 있는 이상적인 시각적 모드로. 그는 자신을 사회의 이익을 위해 이러한 이상을 세상과 공유하는 것이 사명인 선지자라고 생각했습니다.

밝은 색상과 선명한 검은색 선으로 숨겨진 여러 Cossacks와 창, 보트, 인물, 언덕 위의 성을 묘사합니다. 이 시대의 많은 그림에서와 같이 영원한 평화로 이어질 묵시적인 전투를 나타냅니다.

On the Spiritual in Art(1912)에서 설명한 것처럼 비객관적인 그림 스타일의 개발을 촉진하기 위해 Kandinsky는 대상을 그림 기호로 축소합니다. 외부 세계에 대한 대부분의 언급을 제거함으로써 Kandinsky는 이러한 모든 형태를 통해 주제의 영적 본질을 시각적 언어로 번역하여 보다 보편적인 방식으로 자신의 비전을 표현했습니다. 이러한 상징적 인물 중 많은 수가 그의 후기 작품에서 반복되고 다듬어져 더욱 추상적이 되었습니다.

카지미르 말레비치

예술의 형태와 의미에 대한 말레비치의 생각은 어떻게든 스타일 추상주의 이론에 집중하게 되었습니다. Malevich는 그림에서 다양한 스타일로 작업했지만 무엇보다도 순수한 기하학적 모양(정사각형, 삼각형, 원)과 그림 공간에서 서로의 관계에 대한 연구에 중점을 두었습니다. 서양에서의 접촉을 통해 말레비치는 그림에 대한 자신의 생각을 유럽과 미국의 예술가 친구들에게 전달할 수 있었고 따라서 현대 미술의 진화에 깊은 영향을 미쳤습니다.

"블랙 스퀘어"(1915)

상징적인 그림 "검은 사각형"은 1915년 페트로그라드에서 열린 전시회에서 말레비치가 처음 선보였습니다. 이 작품은 말레비치가 "입체주의와 미래주의에서 절대주의로: 회화의 새로운 사실주의"라는 에세이에서 전개한 절대주의의 이론적 원리를 구체화한 것입니다.

보는 사람 앞의 캔버스에는 검은 색 사각형 형태로 흰색 배경에 그려진 추상 형태가 있습니다. 이는 구성의 유일한 요소입니다. 그림이 단순해 보여도 검은색 물감 사이로 지문, 붓 자국 등의 요소가 보인다.

Malevich에게 사각형은 감정을 의미하고 흰색은 공허함을 의미합니다. 그는 검은 사각형을 신과 같은 존재, 아이콘으로 보았다. 마치 비객관적인 예술을 위한 새로운 신성한 이미지가 될 수 있는 것처럼 말이다. 전시회에서도 이 그림은 보통 러시아 집에서 성상이 놓여 있는 곳에 놓여 있었다.

피에트 몬드리안

네덜란드 De Stijl 운동의 창시자 중 한 명인 Piet Mondrian은 추상화의 순수성과 체계적인 실천으로 인정받고 있습니다. 그는 자신이 본 것을 직접적으로 표현하는 것이 아니라 비유적으로 표현하고 화폭에 명확하고 보편적인 미적 언어를 창조하기 위해 오히려 회화의 요소들을 근본적으로 단순화시켰다. 1920년대 그의 가장 유명한 그림에서 몬드리안은 형태를 선과 직사각형으로, 팔레트를 가장 단순하게 줄였습니다. 비대칭 균형의 사용은 현대 미술 발전의 기본이 되었으며 그의 상징적인 추상 작품은 디자인에 계속 영향을 미치고 오늘날 대중 문화에 친숙합니다.

"회색 나무"는 몬드리안의 초기 스타일 전환의 예입니다. 추상화. 3D 트리는 회색과 검은색만 사용하여 가장 단순한 선과 평면으로 축소됩니다.

이 그림은 예를 들어 나무가 자연주의적인 방식으로 표현되는 보다 사실적인 접근 방식을 취한 몬드리안의 일련의 작품 중 하나입니다. 예를 들어 후기 작품은 점점 추상화되었지만 나무의 모양이 거의 보이지 않을 때까지 나무의 선이 줄어들고 전체 수직선과 수평선의 구성에 부차적입니다. 여기에서 구조화된 선 구성을 포기하려는 몬드리안의 관심을 여전히 볼 수 있습니다. 이러한 움직임은 몬드리안의 순수 추상화 발전에 중요한 역할을 했습니다.

로버트 들로네

Delaunay는 추상 스타일의 초기 예술가 중 한 명이었습니다. 그의 작품은 색의 대비로 인한 구성적 긴장을 바탕으로 이러한 방향의 발전에 영향을 미쳤다. 그는 신인상파의 색채 영향에 빠르게 빠졌고 추상주의 스타일의 작품 색상 체계를 매우 밀접하게 따랐습니다. 그는 색상과 빛을 세상의 객관성에 영향을 줄 수 있는 주요 도구로 간주했습니다.

1910년까지 Delaunay는 대성당과 에펠탑을 묘사한 두 시리즈의 그림으로 큐빅 형태, 운동 역학 및 밝은 색상을 결합하여 큐비즘에 기여했습니다. 색상 조화를 사용하는 이 새로운 방식은 Orphism이라고 불리는 정통 입체주의 스타일과 스타일을 분리하는 데 도움이 되었으며 즉시 유럽 예술가들에게 영향을 미쳤습니다. Delaunay의 아내인 예술가 Sonia Turk-Delaunay는 계속해서 같은 스타일로 그림을 그렸습니다.

Delaunay의 주요 작업은 프랑스의 유명한 상징인 에펠 탑에 전념합니다. 이것은 1909년에서 1911년 사이에 에펠탑에 바쳐진 11개의 그림 시리즈 중 가장 인상적인 것 중 하나입니다. 그것은 주변 도시의 칙칙함과 즉시 구별되는 밝은 빨간색으로 칠해져 있습니다. 캔버스의 인상적인 크기는 이 건물의 웅장함을 더욱 돋보이게 합니다. 유령처럼 타워는 주변 주택 위로 솟아 오르며 비 유적으로 구질서의 기초를 뒤흔들고 있습니다. Delaunay의 그림은 아직 두 번의 세계 대전을 목격하지 않은 시대의 무한한 낙관주의, 순수함, 신선함을 전달합니다.

프란티섹 쿠프카

Frantisek Kupka는 스타일로 그림을 그리는 체코슬로바키아 예술가입니다. 추상화프라하 예술 아카데미를 졸업했습니다. 학생으로서 그는 주로 애국적인 주제로 그림을 그렸고 역사적인 작품을 썼습니다. 그의 초기 작품은 좀 더 학문적이었지만 그의 스타일은 수년에 걸쳐 진화했고 결국 추상 미술로 발전했습니다. 매우 사실적인 방식으로 쓰여진 그의 초기 작품에도 신비로운 초현실적 주제와 상징이 포함되어 있어 추상화를 쓸 때 그대로 유지되었습니다. Kupka는 예술가와 그의 작품이 절대적인 것처럼 그 본질이 제한되지 않는 지속적인 창작 활동에 참여한다고 믿었습니다.

"아모르파. 두 가지 색상의 푸가"(1907-1908)

1907-1908년부터 Kupka는 공을 가지고 놀거나 춤을 추려는 것처럼 손에 공을 들고 있는 소녀의 초상화 시리즈를 그리기 시작했습니다. 그런 다음 그는 그녀에 대한 도식적인 표현을 점점 더 발전시켰고 결국 완전히 추상적인 일련의 그림을 제작했습니다. 그들은 빨강, 파랑, 검정 및 흰색의 제한된 팔레트로 만들어졌습니다. 1912년 Salon d'Automne에서 이러한 추상 작품 중 하나가 파리에서 처음 공개되었습니다.

현대 추상화 주의자

20세기 초부터 파블로 피카소, 살바도르 달리, 카제미르 말레비치, 바실리 칸딘스키를 비롯한 예술가들은 사물의 형태와 인식을 실험하고 예술에 존재하는 규범에 의문을 제기했습니다. 우리는 지식의 경계를 넓히고 자신의 현실을 창조하기로 결정한 가장 유명한 현대 추상 예술가를 선택했습니다.

독일 예술가 데이비드 슈넬(David Schnell)은 자연이 지배했던 곳을 돌아 다니는 것을 좋아하지만 이제는 놀이터에서 공장과 공장에 이르기까지 사람들의 건물로 가득 차 있습니다. 이러한 산책의 기억은 그의 밝은 추상 풍경화를 낳는다. David Schnell은 사진과 영상이 아닌 자신의 상상력과 기억력을 자유롭게 발휘하여 컴퓨터 가상 현실과 유사한 그림이나 공상 과학 소설 삽화를 만듭니다.

그녀의 대규모 추상화를 만드는 미국 예술가 크리스틴 베이커(Kristin Baker)는 예술의 역사와 경주 Nascar 및 Formula 1에서 영감을 얻습니다. 처음에 그녀는 여러 겹의 아크릴 페인트를 적용하고 실루엣에 테이프를 붙여 작업에 볼륨을 부여합니다. 그런 다음 Kristin은 조심스럽게 벗겨내어 아래에 있는 페인트 층을 드러내고 그녀의 그림 표면을 다층의 다색 콜라주처럼 보이게 합니다. 작업의 마지막 단계에서 그녀는 모든 돌기를 긁어내어 엑스레이처럼 느껴지는 그림을 만듭니다.

그녀의 작품에서 뉴욕 브루클린 출신의 그리스 태생의 예술가는 엘레나 아나그노스(Eleanna Anagnos)는 사람들이 종종 간과하는 일상의 측면을 탐구합니다. 그녀의 "캔버스와의 대화" 과정에서 평범한 개념은 새로운 의미와 측면을 얻습니다. 부정적인 공간은 긍정적인 공간이 되고 작은 형태는 크기가 커집니다. 이렇게 자신의 그림에 생명을 불어넣으려는 엘리안나는 질문을 멈추고 새로운 것에 열려 있는 인간의 마음을 일깨우려 한다.

캔버스에 밝은 얼룩과 페인트 얼룩을 낳는 미국 예술가 사라 스피틀러(Sarah Spitler)는 혼돈, 재난, 불균형, 무질서를 작업에 반영하고자 합니다. 그녀는 사람이 통제할 수 없기 때문에 이러한 개념에 매력을 느낍니다. 따라서 그들의 파괴력은 사라 스피틀러의 추상 작업을 강력하고 활기차고 흥미진진하게 만든다. 게다가. 잉크, 아크릴 페인트, 흑연 연필 및 에나멜 캔버스의 결과 이미지는 주변에서 일어나는 일의 일시적인 특성과 상대성을 강조합니다.

건축 분야에서 영감을 얻은 캐나다 밴쿠버 출신의 아티스트, 제프 다프너(Jeff Depner)는 기하학적 모양으로 구성된 레이어드 추상화를 만듭니다. 그가 만든 예술적 "혼돈"에서 Jeff는 색상, 형태 및 구성의 조화를 추구합니다. 그의 그림의 각 요소는 서로 연결되어 다음과 같이 이어집니다. "내 작업은 선택한 팔레트의 색상 관계를 통해 [그림의] 구성 구조를 탐구합니다…". 작가에 따르면 그의 그림은 관객을 새로운 무의식적 수준으로 인도해야 하는 "추상 기호"입니다.

방향

추상주의(라틴어 abstractio - 제거, 산만) 또는 비구상 예술은 회화와 조각에서 현실에 가까운 형태의 표현을 포기한 예술의 방향입니다. 추상화의 목표 중 하나는 특정 색상 조합과 기하학적 모양을 묘사하여 "조화"를 달성하여 보는 사람이 구성의 완전성과 완성도를 느끼게 하는 것입니다. 저명한 인물: 바실리 칸딘스키, 카지미르 말레비치, 나탈리아 곤차로바, 미하일 라리오노프, 피에트 몬드리안.

최초의 추상화는 1910년 바실리 칸딘스키가 그렸습니다. 현재 그것은 조지아 국립 박물관에 있습니다. 따라서 그는 그림을 음악으로 끌어 올리는 추상화라는 세계 회화의 새로운 페이지를 열었습니다.

20세기 러시아 회화에서 추상미술의 주요 대표자는 바실리 칸딘스키(독일에서 추상화로의 전환을 완료), 나탈리아 곤차로바, 1910-1912년에 "라요니즘"을 창시한 미하일 라리오노프였다. "검은 사각형"의 저자인 카지미르 말레비치와 예브게니 미흐노프-보이텐코는 무엇보다도 그의 작품에 적용된 추상적인 방법의 전례 없이 광범위한 방향으로 구별됩니다. "그래피티 스타일"을 포함하여 작가는 국내뿐만 아니라 해외 마스터 중 첫 번째로 사용했습니다).

추상화와 관련된 경향은 살아있는 자연을 재현하는 일부 직선 형상의 이미지를 생성하여 다수의 교차 평면으로 실제 물체를 묘사하려는 큐비즘입니다. 큐비즘의 가장 주목할만한 사례 중 일부는 파블로 피카소의 초기 작품이었습니다.

1910-1915년 러시아, 서유럽, 미국의 화가들은 추상적인 예술 작품을 만들기 시작했습니다. 최초의 추상화 주의자 중 연구원은 Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich 및 Piet Mondrian을 지명합니다. 비 객관적인 예술의 탄생 연도는 독일 Murnau에서 Kandinsky가 그의 첫 번째 추상 작품을 썼던 1910 년으로 간주됩니다. 최초의 추상화 주의자들의 미적 개념은 예술적 창의성이 외부의 표면적 현실 현상 뒤에 숨겨진 우주의 법칙을 반영한다고 가정했습니다. 작가가 직관적으로 파악한 이러한 패턴은 추상 작업에서 추상 형태(색점, 선, 볼륨, 기하학적 도형)의 비율을 통해 표현되었습니다. 1911년 뮌헨에서 칸딘스키는 On the Spiritual in Art라는 책을 출간하여 유명해졌습니다. 이 책에서 그는 외부적이고 우연적인 것과는 대조적으로 내부적으로 필요한 영적인 것을 구현할 가능성에 대해 반성했습니다. Kandinsky의 추상화에 대한 "논리적 정당성"은 Helena Blavatsky와 Rudolf Steiner의 신지학적 및 인지학적 연구에 기반을 두고 있습니다. Piet Mondrian의 미적 개념에서 형태의 주요 요소는 수평-수직, 선-평면, 색상-무색과 같은 주요 대립이었습니다. Robert Delaunay의 이론에서는 Kandinsky 및 Mondrian의 개념과 달리 이상 주의적 형이상학이 거부되었습니다. 예술가를위한 추상화의 주요 임무는 예술적 언어의 색상 및 기타 속성의 동적 특성을 연구하는 것이 었습니다 (Delaunay가 설립 한 방향을 Orphism이라고 함). "Rayonism"의 창시자 Mikhail Larionov는 "반사광의 방사; 색 먼지.

1910년대 초에 탄생한 추상미술은 급속도로 발전하여 20세기 전반의 아방가르드 미술의 많은 영역에서 그 모습을 드러냈습니다. 추상주의의 개념은 표현주의(Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), 입체파(Fernand Léger), 다다이스트(Jean Arp), 초현실주의자(Joan Miro), 이탈리아 미래주의자(Gino Severini, Giacomo Balla,

나에게 추상 미술의 스타일은 주로 문명의 논리와의 대결입니다. 지난 세기 문명의 전체 역사는 공식, 알고리즘, 원리, 방정식 및 규칙을 기반으로 합니다. 그러나 균형과 조화를 추구하는 것은 인간의 본성입니다. 이와 관련하여 과학 기술 혁명 세기의 새벽에 고전적인 그림의 표준에 따르지 않고 반대로 무의식과 혼란에 자유를주는 목표 역할을하는 그러한 예술 운동이 나타납니다 , 언뜻보기에는 의미가 없지만 사람에게 규범과 교리의 영향에서 벗어나 내부 조화를 유지할 수있는 기회를 제공합니다.

추상화(라틴어 추상화-원격, 추상에서)는 1910년대 초 여러 유럽 국가에서 발생한 20세기 예술의 매우 광범위한 추세입니다. 추상주의는 현실을 표현하기 위해 독점적으로 형식적인 요소를 사용하는 것이 특징이며, 현실의 모방이나 정확한 표현은 그 자체로 목적이 아닙니다.

추상주의의 창시자는 러시아 예술가와 네덜란드인 Piet Mondrian, 프랑스인 Robert Delaunay, 체코인 Frantisek Kupka입니다. 그들의 드로잉 방법은 "조화"에 대한 열망, 특정 색상 조합 및 기하학적 모양의 생성을 기반으로 하여 명상가의 다양한 연관성을 불러일으켰습니다.

입체파— 시각 예술의 아방가르드 경향으로 20세기 초에 시작되었으며 강조적으로 조건부 기하학적 형태의 사용, 실제 물체를 입체 원시로 "분할"하려는 욕구가 특징입니다.

Rayonism (Luchism)- 1910년대 추상미술의 경향으로 광스펙트럼과 광투과율의 변화에 기반을 둔다. 사람이 실제로 물체 자체를 인식하는 것이 아니라 "광원에서 나오는 광선의 합, 물체."

신조형주의- 1917-1928년에 존재했던 추상 미술의 방향 지정. 네덜란드와 잡지 "De Stijl"( "스타일")을 중심으로 그룹화 된 연합 예술가. 스펙트럼의 기본 색상으로 칠해진 큰 직사각형 평면의 레이아웃에서 건축 및 추상 회화의 명확한 직사각형 모양이 특징입니다.

오르피즘- 1910년대 프랑스 회화의 경향. 아티스트 오르피스트는 스펙트럼의 기본 색상 상호 침투와 곡선 표면의 교차점의 "규칙성"을 통해 움직임의 역학과 리듬의 음악성을 표현하려고 했습니다.

절대주의- 1910년대에 설립된 아방가르드 예술의 방향. 말레비치. 가장 단순한 기하학적 윤곽의 다색면 조합으로 표현되었습니다. 다양한 색상의 기하학적 도형의 조합은 균형 잡힌 비대칭 슈프리마티스트 구성을 형성하며 내부 움직임이 스며듭니다.

타키즘- 1950년대와 60년대 서유럽의 추상화 경향으로 미국에서 가장 널리 퍼졌다. 현실의 이미지를 재창조하는 것이 아니라 작가의 무의식적인 활동을 표현한 점이 있는 그림이다. tachisme의 획, 선 및 반점은 계획된 계획 없이 빠른 손의 움직임으로 캔버스에 적용됩니다.

추상표현주의- 감정을 완전히 드러내기 위해 비기하학적 획, 큰 붓, 때로는 캔버스에 물감을 떨어뜨리는 등 빠르게 그리고 큰 캔버스에 그림을 그리는 예술가들의 움직임. 여기서 그림의 표현 방법은 종종 그림 자체만큼 중요합니다.

아방가르드 예술의 주요 경향 중 하나. 추상 미술의 주요 원칙은 작품을 만드는 과정에서 눈에 보이는 현실을 모방하고 그 요소로 작동하는 것을 거부하는 것입니다. 주변 세계의 현실이 아닌 예술의 대상은 색상, 선, 형태와 같은 예술적 창의성의 도구가 됩니다. 플롯은 플라스틱 아이디어로 대체됩니다. 예술적 과정에서 연상 원리의 역할은 여러 번 증가하고, 현상의 영적 원리를 집중시키고 그것의 소지자 (V. V. Kandinsky의 이론 작품).

추상화의 임의적 요소는 암벽화를 시작으로 세계 예술의 발전 과정에서 확인할 수 있습니다. 그러나이 스타일의 기원은 색상을 별도의 요소로 분해하려고 시도한 인상파의 그림에서 찾아야합니다. Fauvism은 색상을 "공개"하고 독립성을 강조하고 이미지의 대상으로 만드는 이러한 경향을 의식적으로 개발했습니다. Fauvists 중 Franz Marc와 Henri Matisse는 추상화에 가장 근접했으며(그의 말은 "모든 예술은 추상적이다"라는 증상을 나타냄), 프랑스 입체파(특히 Albert Gleizes 및 Jean Metzinger) 및 이탈리아 미래파(Giacomo Balla 및 Gino Severini)도 함께 움직였습니다. 이 길. . 그러나 그들 중 누구도 형상의 경계를 넘을 수 없었고, 넘길 원하지도 않았다. “그러나 우리는 적어도 현시점에서 기존 형태에 대한 어떤 암시가 완전히 사라져서는 안 된다는 것을 인정합니다”(A. Glaze, J. Metzinger. On Cubism. St. Petersburg, 1913, p. 14).

최초의 추상 작품은 1900년대 후반부터 1910년대 초반까지 칸딘스키의 작품에서 "On the Spiritual in Art"라는 텍스트를 작업하면서 등장했으며 그의 "Picture with a Circle"(1911. NMG)은 최초의 추상화로 간주됩니다. 이때 그는 이렇게 말합니다.<...>그 형식만 맞다.<...>그에 따라 콘텐츠를 구체화합니다. 모든 종류의 이차적 고려 사항, 그리고 그 중에서 소위 "자연"에 대한 형태의 대응, 즉 외적 본성은 형태의 유일한 작업인 내용의 구체화를 방해하기 때문에 중요하지 않고 해롭습니다. 형식은 추상적인 내용의 물질적 표현이다”(Content and form. 1910 // Kandinsky 2001. Vol. 1. P. 84).

초기 단계에서 Kandinsky의 추상 미술은 색상을 절대화했습니다. 실용적이고 이론적 인 색상 연구에서 Kandinsky는 Johann Wolfgang Goethe의 색상 교리를 개발하고 그림의 색상 이론의 토대를 마련했습니다 (러시아 예술가 중 M.V. Matyushin, G.G. Klutsis, I.V. Klyun 등은 색상에 종사했습니다. 이론) .

러시아에서는 1912-1915 년에 Luchism (M.F. Larionov, 1912)과 Suprematism (K.S. Malevich, 1915)의 추상 회화 시스템이 만들어졌으며 이는 추상 미술의 발전을 크게 결정했습니다. 추상 미술과의 화해는 입방체 미래주의와 유비주의에서 찾을 수 있습니다. 추상화의 돌파구는 N. S. Goncharova의 그림 "Emptiness"(1914. State Tretyakov Gallery) 였지만이 주제는 작가의 작업에서 더 이상 발전하지 못했습니다. 러시아 추상화의 실현되지 않은 또 다른 측면은 O.V. Rozanova의 컬러 페인팅입니다(참조: 비객관적 예술).

체코 Frantisek Kupka, 프랑스인 Robert Delaunay 및 Jacques Villon, 네덜란드인 Piet Mondrian, 미국인 Stanton McDonald-Wright 및 Morgan Russell은 같은 해에 회화적 추상화를 향한 각자의 길을 따랐습니다. V.E. Tatlin(1914)의 역 부조는 최초의 추상적 공간 구성이었습니다.

동형론의 거부와 영적 원리에 대한 호소는 추상 예술을 신지학, 인지학, 심지어 신비주의와 연관시키는 이유를 제공했습니다. 그러나 예술가들은 추상 미술 발전의 첫 단계에서 그러한 생각을 표현하지 않았습니다.

제1차 세계대전 이후 추상회화는 점차 유럽에서 지배적인 위치를 차지하며 보편적인 예술 이데올로기가 된다. 이것은 그림과 조형 작업의 한계를 훨씬 뛰어넘는 강력한 예술 운동으로, 미적 및 철학적 시스템을 만들고 사회 문제를 해결할 수 있는 능력을 보여줍니다(예: Malevich의 "Suprematist City", 생활 건축). 1920년대에는 그의 사상을 바탕으로 바우하우스나 긴혁 등의 연구소가 생겨났다. 구성주의도 추상화에서 나왔다.

러시아 버전의 추상화는 비 객관적 예술이라고 불 렸습니다.

20세기에 고전이 된 추상 미술의 많은 원리와 기법은 디자인, 연극 및 장식 예술, 영화, 텔레비전 및 컴퓨터 그래픽에서 널리 사용됩니다.

추상 미술의 개념은 시간이 지남에 따라 변했습니다. 1910년대까지 이 용어는 형태가 일반화되고 단순화된 방식으로 묘사되는 회화와 관련하여 사용되었습니다. 보다 상세하거나 자연주의적인 묘사와 비교할 때 "추상적"입니다. 이런 의미에서 이 용어는 주로 장식 예술이나 평평한 구성에 적용되었습니다.

그러나 1910년대 이후 '추상'이란 원래의 주제가 거의 알아볼 수 없을 정도로 변하는 각도에서 형태나 구도를 묘사한 작품을 말한다. 대부분이 용어는 모양, 색상, 구조와 같은 시각적 요소의 배열에만 기반한 예술 스타일을 나타내며 물질 세계에서 시작 이미지를 가질 필요는 전혀 없습니다.

추상 미술의 의미 개념(이전과 이후의 의미 모두에서)은 끊임없이 논의되는 복잡한 문제입니다. 추상적인 형태는 사랑, 속도 또는 물리 법칙과 같은 비시각적 현상을 참조할 수 있으며 파생적 실체("본질주의")와 연관되어 상상적 또는 다른 방식으로 상세하고 상세하며 비현실적인 것으로부터 분리됩니다. 필수, 무작위. 대표하는 주제가 없음에도 불구하고 추상적인 작품에는 거대한 표현이 축적될 수 있고, 리듬, 반복, 색채의 상징성 등 의미적으로 채워진 요소들은 이미지 자체 밖의 특정한 생각이나 사건에 연루되어 있음을 나타낸다.

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