지휘자와 오케스트라에서의 역할에 대한 이야기. 손의 물결에 지휘자가 서 있는 곳을 일컬어

“지휘자는 한 번에 두 사람과 비교할 수 있습니다. 첫째는 드라마 극장의 감독이고 둘째는 교통 관제사입니다. 지휘자의 기술적 기능은 오케스트라의 다양한 그룹을 조정하는 것입니다. 심포니 오케스트라는 60명에서 120명까지 수용할 수 있으며 붐비는 모임입니다. 무대에서이 모든 사람들은 종종 서로를 보거나 듣지 못하는 방식으로 앉아 있습니다. 예를 들어, 첫 번째 바이올린을 분리하는 사운드 월을 통해 앞쪽 가장자리를 따라 앉아 있고 트롬본은 뒤쪽 오른쪽 구석에 있어 다른 사람이 연주하고 있다는 사실을 이해하지 못합니다. 뮤지션들이 동시에 해산하면 재앙이 일어나고 불협화음이 시작됩니다.

이를 방지하기 위해 지휘자가 필요합니다. 음악가들이 서로 조정되어 "함께 숨을 쉬십시오"라고 말한 것처럼 동일한 템포와 분위기로 조화롭게 연주 할 수 있습니다. 이 모든 것 외에도 지휘자는 특정 악기의 소개를 미리 보여주어야 합니다. 물론 음악가 자신도 일시 중지를 세는 방법을 알고 있으며 25 소절을 세고 다시 입력할 수 있지만 때로는 일시 중지의 소절 수가 수백 단위로 측정되고 때로는 일부 악기는 한 곡에 몇 개의 음표만 있고 그 사이에 몇 분 동안 완전한 침묵이 있습니다. 지휘자는 악보를 정확히 알고 있어야 하며 연주자들에게 입장의 순간을 알려주어야 합니다. 이러한 형태의 지휘자의 기능은 19세기 초부터 항상 존재했던 것은 아닙니다. 그 전에는 물론 오케스트라의 첫 번째 사람이 있었지만 첫 번째 바이올리니스트이거나 하프시 코드 뒤에있는 사람이었습니다. 종종 자신의 작업을 지휘하는 작곡가 자신이었습니다. 그러나 바로크 시대의 오케스트라는 규모가 작았고 관리하기가 훨씬 쉬웠으며 악기 수도 적었습니다. 18세기 오케스트라에는 차이코프스키와 바그너 시대의 낭만적인 오케스트라보다 관악기와 타악기의 종류가 훨씬 적었습니다.

클라우디오 아바도의 구스타프 말러 교향곡 1번

그러나 우리는 지휘자의 두 번째 창조적인 기능을 잊어서는 안 된다. 일반적으로 어떤 지휘자를 교통 관제사라고 부르면 뺨을 때리는 것과 같을 것이고 나쁜 지휘자는 오케스트라 단원들이 이렇게 부른다. - 더 이상은 없습니다. 좋은 지휘자는 극장에서 좋은 감독과 비슷합니다. 이것은 공연의 형태를 만들고, 속도, 리듬, 분위기를 설정하고, 캐릭터의 성격을 설명하는 사람입니다. 이 경우 심포니 오케스트라의 다른 악기입니다. . 그리고 가장 중요한 것은 자신에게 맡겨진 작업에 대한 해석을 만드는 것입니다.

다른 전문 음악가와 마찬가지로 지휘자는 음악원에서 공부하지만 이는 연령과 관련된 직업으로 간주됩니다. 지휘자에게 40-50세는 청춘이고 성숙은 나중에 온다는 말이 있다. 온실은 손과 몸의 움직임이 가능한 한 명확하고 정확하며 명확하도록 지휘 기술을 연구하고 있습니다. 이것은 일종의 손금 또는 더 원시적으로 수화 번역입니다. 단어를 말하지 않고 음악가에게 의도를 설명해야합니다-템포, 뉘앙스, 다이나믹, 악구의 특성, 균형의 특징 현재 어떤 악기 그룹이 더 중요하고 어떤 악기 그룹이 덜 중요한 오케스트라 질감. 이것은 손뿐만 아니라 몸 전체로 수행되는 제스처를 사용하는 비언어적 의사 소통 방법입니다. 일부 특히 화려한 지휘자는 연단에서 춤을 추기도하지만 이것은 아무 의미가 없습니다. 때로는 그러한 적극적인 신체 움직임이 절대적으로 쓸모가 없으며 훌륭한 지휘자는 종종 매우 경제적 인 제스처로 제한되며 오케스트라의 소리는 화산 폭발과 비슷할 수 있습니다.

베토벤 교향곡 6번을 지휘하는 레너드 번스타인

심포니 오케스트라는 기계가 아니지만 악보는 정확한 사용 지침이 아니며 거기에 있는 모든 지침이 음악에 정확히 적용되는 것은 아닙니다. 예, 물론 템포, 획, 조음 및 구문의 세부 사항에 대한 표시가 있지만 이것은 목표가 아니라 목표를 달성하기 위한 수단에 불과합니다. adagio의 템포가 느리다고 가정 해 보겠습니다. 자체 그라데이션과 변경 사항이 있고 adagio의 각 지휘자의 시간이 다르게 맥동합니다. 이것이 해석의 범위입니다. 저자의 텍스트는 불변의 주어진 것으로 인식되지 않습니다. 이것은 지휘자가 자신만의 읽기와 비전을 창조하는 출발점입니다. 체호프의 연극처럼 괴테나 입센은 감독의 출발점입니다. 클래식 음악에만 흔들리지 않는 규칙이 있습니다. 저자의 텍스트는 건설적인 변경없이 제공됩니다. 악기 편성을 바꾸거나, 교향곡의 일부를 장소에서 바꾸거나, 템포를 근본적으로 바꾸거나, 성격을 그 반대로 바꾸는 것은 불가능합니다. 작곡가가 부여한 범위 내에서 해석을 생성합니다. 드라마 극장의 감독은 더 자유 롭습니다. 그들은 연극으로 원하는 것을합니다. 그들에게 작가의 텍스트는 원하는대로 성형 할 수있는 석고입니다. 지휘자는 완성된 예술 작품을 다루며, 그들의 임무는 그것에 새로운 각도, 새로운 소리, 그들 자신의 개별 억양을 부여하는 것입니다. 어렵지만 훨씬 더 흥미롭습니다."

클래식 음악과는 거리가 먼 평범한 사람들은 턱시도를 입은이 남자가 최선을 다하는 뮤지션들 앞에서 손을 흔들며 정확히 무엇을하고 있는지 항상 이해하지 못합니다. 그럼에도 불구하고 이 참가자 없이는 단 한 번의 오케스트라 콘서트도 완성되지 않습니다. 지휘자는 무슨 일을 하고, 그의 역할은 무엇이며, 그가 유명하면 청취자들은 왜 더 기꺼이 표를 사나요?

고대 그리스에서 현재까지

Toscanini, Furtwängler, von Karajan 및 Bernstein보다 오래 전에 그들의 작업은 고대 그리스에서 "Pacemaker"로 알려진 Patras의 Pherekydes에 의해 이미 수행되었습니다. 역사적 자료에 따르면 빠르면 기원전 709년입니다. 그는 황금 막대로 800명의 음악가 그룹을 통제하고 그것을 올리고 내리며 음악가들이 "동시에 시작"하고 "모두 함께 뭉칠 수 있도록" 했습니다.

지난 천 년 동안 지휘자의 역할은 변했지만, 이 직업은 여전히 ​​어떤 신비한 기운에 싸여 있습니다. 실제로 한 사람이 손에 나무 막대기만 들고 때로는 수백 가지 악기의 조화로운 소리를 낼 수 있는 능력은 놀랍습니다.

콘솔에서 이 신비한 춤의 결과로 쏟아지는 소리는 때때로 듣는 사람을 끌어안고 숭고한 환희를 일으키며 평생을 사로잡은 감정을 잊을 수 없는 것은 무엇일까요?

이것은 예술의 위대한 신비이며, 하느님 감사하게도 그것을 완전히 풀 수는 없습니다.

보다 일상적인 비유에서 지휘자는 음악적으로 스포츠 팀 매니저에 해당합니다. 그가 무엇을 하고 있는지 정확하게 평가하는 것은 결코 불가능하지만 그가 어떤 결과를 달성하고 있는지는 항상 분명합니다. 원칙적으로 오케스트라는 지휘자 ​​없이도 할 수 있지만 대부분의 경우 지휘하에 연주하는 것을 선호합니다. 그래서 그는 정확히 무엇을합니까? 이것들은 지휘자가 연단에서 의식적으로 또는 무의식적으로 하는 많은 일들 중 일부입니다.

메트로놈 맨

"지휘자의 모든 의무는 항상 정확한 템포를 표시하는 능력에 있습니다." 이 직업을 완벽하게 마스터했으며 위대한 작곡가이기도 한 Richard Wagner는 말했습니다. 일반적으로 오른손은 오케스트라를 제어하는 ​​데 사용되지만(스틱 유무에 관계없이) 다른 구성 요소도 연주의 무결점에 영향을 미칩니다. 지휘자는 메트로놈으로 대체될 수 없으며(Fellini의 우화 영화 "오케스트라 리허설"에서 아름답게 보여짐) 그의 행동은 훨씬 더 의미가 있습니다.

해석

지휘자의 직업은 악보에 생명을 불어넣는 것입니다. 이를 위해 작가는 작품에 대한 자신의 이해를 도구로 삼고 개인의 수화를 통해 표현한다. 그는 뮤지컬 라인을 "조각"하고 뉘앙스와 개별 음악적 요소를 강조하고 뮤지션을 제어하며 실제로 많은 것을 새로 만듭니다. 이러한 프로세스는 일반적으로 왼손으로 표현됩니다. 모든 지휘자들이 몇 가지 공통된 동작을 공유하지만 대부분의 위대한 지휘자들은 고유한 스타일을 가지고 있습니다. 예를 들어, Furtwängler는 일부 지점에서 다소 이상한 동작을 자발적으로 수행했습니다. Valery Gergiev는 손가락을 움직여 음악의 본질을 표현했으며 자신이 피아니스트라는 사실로 이러한 방식을 설명했습니다.

듣기 능력

저널리스트이자 매혹적인 책 Music as Alchemy: Travels with Great Conductors and Their Orchestras의 저자인 Tom Service는 "최고의 지휘자는 최고의 청취자를 만듭니다."라고 말합니다. 피뢰침처럼 그들은 작업의 감정적 부담을 짊어지고 가장 강한 점에 집중합니다. 지휘자는 음악을 일반인보다 더 깊이 이해하고, 자신의 초의식을 표현해 대중에게 공개하는 것이 중요하다.

절대권

"당신은 당신의 의지를 강요해야 합니다. 강제가 아니라 당신의 관점이 옳다는 것을 사람들에게 납득시킬 수 있어야 합니다!" -전설적인 작곡가이자 지휘자 인 Pierre Boulez가 말했습니다. 요즈음 대부분의 지휘자들은 스스로를 민주주의자라고 생각하지만 그것은 사실이 아닙니다. 독재가 필수불가결하다는 뜻은 아니지만 쉽지 않다. Boulez는 베를린 필하모닉을 개인의 그룹이라고 부르며 예로 들었습니다.

지휘자 지휘자

많은 언어에서 "지휘자"라는 단어는 "지휘자"처럼 들립니다. 음, 공통점이 있습니다. 각 청취자는 귀로 음악을 인식하지만 지휘자가 하는 일을 보고 이 시각적 이미지를 통해 시각적 연결, 즉 우리의 눈과 멜로디 감각 사이에 일종의 다리가 있기 때문입니다. 때로는 리모콘에서 눈을 떼는 것이 불가능할 때도 있습니다. 이 광경은 매혹적입니다.

“지휘는 하나의 악기를 연주하는 것보다 훨씬 어렵습니다. 문화를 알아야 하고, 모든 것을 계산하고, 듣고 싶은 것을 투영해야 합니다.”라고 Boulez는 말합니다.

음악 말고 또 뭐야?

지휘자는 음악적 본능, 직관, 타고난 음악성이 필요하지만 그 이상으로 알아야 할 것이 많다. 그들은 콘솔에 앉기 전에 보통 많은 시간을 준비합니다. 편지, 특정 기간의 도구 기술 사양 또는 저자의 전기적 순간과 같은 역사적 문서에 대한 연구를 다루는 본질적으로 학술적인 경우가 많습니다. 모든 위대한 미스터리와 마찬가지로 훌륭한 음악은 많은 노력에서 나옵니다.

오케스트라에서 지휘자의 역할.

1. 지휘자의 경우 오케스트라는 피아니스트-피아노, 바이올리니스트-바이올린과 같은 악기이지만 솔로 악기보다 음색과 가능성이 훨씬 풍부하기 때문에 연주 과정을 관리하십시오.

1.1 기술적인 측면 - 인트로 표시, 템포, 캐릭터, 다이내믹, 악기 사운드 밸런스 설정.

1.2 예술적 측면에서 - 작가의 의도를 드러내고 자신의 관점에서 해석합니다.

1. 창의적인 계획을 세우십시오.

매우 자주 밴드에서 영구 지휘자(때로는 수석 지휘자)가 예술 감독입니다.

그는 오케스트라가 연주할 장소와 콘서트, 초대할 솔리스트, 누구와 협력할 것인지, 참가할 페스티벌 등 시즌 계획을 담당합니다. 그는 또한 이 방향으로 취해진 모든 단계에 대한 책임이 있습니다.

지휘자가 없는 오케스트라의 존재에 대한 이야기가 있지만 일반적으로 그룹은 작았고(예: 현악기 또는 브라스 밴드 또는 바로크 앙상블) 위에서 설명한 기능을 수행하는 뛰어난 리더가 있었습니다. 지휘자라고.

위에서 언급한 First Symphony Ensemble은 활동에 대해 매우 다른 의견을 가지고 있습니다. 그러나 지휘자가 없는 심포니 오케스트라라는 인식에 대해 어느 정도 이해하기 위해 Arnold Zucker Five Years of Persimfans의 책과 “Interview with S.A. Koussevitzky", "최근 뉴스", 파리, 1928년 5월 4일.

Koussevitzky는 모스크바 친구들과 신문에서 보낸 편지에서 Persimfans의 존재에 대해 배웠습니다. 그는 파리의 러시아 언론에서 Victor Walter의 Persimfans에 관한 기사를 흥미롭게 읽었습니다. 그는 음악 작품의 해석이 집단적일 수 없다는 평론가의 주장을 공유했습니다. "... Zeitlin -<...>재능있는 바이올리니스트일 뿐만 아니라<...>음악적 데이터뿐만 아니라 정신적, 즉 지휘 능력까지 겸비한 아티스트”, “… 지휘자"

Persimfans의 실험이 그를 혼란스럽게 만들지 않았는지 파리 언론인이 물었을 때 Koussevitzky는 오케스트라 뮤지션이 내부 규율에 익숙해 지므로 지휘자의 작업을 더 쉽게 만들 뿐이라고 대답했습니다. “역시 우리 지휘자들이 기계적인 것이 아니라 영적인 연주를 원한다면 빠질 수 없습니다. Koussevitzky는 지휘자 ​​없이 작업할 때 오케스트라가 훨씬 더 많은 노력과 더 많은 리허설을 치르고 게임에서 좋은 조정을 달성할 수 있음을 인식하면서 다음과 같이 강조합니다. 인도하는 영감을 주는 시작은 없다"

따라서 Persimfans의 연주를 듣지 못한 Koussevitzky의 의견은 Prokofiev가 모스크바에서 표현한 의견과 오케스트라와 함께 연주 한 피아니스트 Egon Petri의 역설적 칭찬과 완전히 일치했습니다. 당신처럼 훌륭하게 훈련된 오케스트라뿐 아니라 당신도 훌륭한 지휘자가 되기를 바랍니다."

예 가능합니다. 1922년부터 1932년까지 독특한 오케스트라인 Persimfans(모스크바 시의회 제1교향악단)가 모스크바에서 연주했습니다. 지휘자가 없는 최초의 오케스트라가 되는 바로 그 목적을 위해 만들어졌습니다. 음악가들은이 작업에 완벽하게 대처했으며 전문적으로 작업을 수행했습니다.

이 프로젝트는 참가자의 주도로 자발적으로 만들어졌으며 각자 주요 작업 장소가 있었고 자유 시간에만 리허설을 할 수 있었습니다. 오케스트라는 결국 매우 인기를 얻었고 큰 성공을 거두었지만 부러워하는 사람들이 나타나고 관료적 문제가 나타나기 시작했습니다. 언론에서 "charlatans"를 폭로하려는 비판적인 출판물은 모든 사람이 지휘자 없이는 할 수 있다는 사실을 받아 들일 준비가되어 있지 않았습니다. 주요 비난은 오케스트라의 연주자들이 클래식 오케스트라보다 파트를 배우는 데 훨씬 더 많은 시간을 보냈다는 것입니다. 그러나 실제로는 그렇지 않았습니다. 몇 번의 리허설만으로도 음악 작품을 배우기에 충분했습니다.

음악가들의 열정으로 오케스트라는 끊임없는 관료적 장벽과 박해에도 불구하고 10년 동안 존재할 수 있었습니다. 또한 1932년에는 다른 이데올로기적 상황이 전개되어 그러한 실험이 바람직하지 않게 되었습니다. 그 후 비슷한 것을 만들려는 시도가 있었지만 아무도 그런 전문적인 수준에 도달하지 못했습니다.

위 답변에서 다음과 같이 지휘자가 없는 오케스트라도 가능하지만 예외적으로 가능합니다. 클래식 음악은 상당히 보수적이며 아무도 한꺼번에 지휘자를 버리려고 서두르지 않으며 수십 명의 사람들을 위해 조정하고 속도를 설정하는 것이 훨씬 쉽습니다. 지휘자는 오케스트라의 리더 역할도 한다. 모든 사람을 책임지고 결정을 내리는 사람을 갖는 전문 팀을 만드는 것이 훨씬 쉽습니다. 아나키스트 아이디어는 아직 널리 퍼지지 않았습니다.

첫째, 작품이 시대에 맞게 들리고 모든 음악가가 같은 것을 연주하려면 지휘자가 필요하며 하프 연주자는 잔잔한 바다에 대해 연주하고 현악기 연주자는 장례 행렬에 대해 연주하지 않습니다. 로미오와 줄리엣 2막 끝. 오케스트라는 그 자체에 동의하지 않을 것이며 지휘자가 그렇게 말하면 그렇게 될 것입니다.

둘째, 지휘자는 항상 (거의, 거의) 리드미컬한 그리드를 보여주고 거의 항상 서론을 보여줍니다. 예, 뮤지션은 어리석지 않고 자신을 생각하지만 함께 시작하고 함께 끝내야합니다. 도대체 당신이 셀 곳이 있습니다.

셋째, 학술 음악은 템포의 변화로 가득 차 있지만 이것은 완벽하게 균일한 현대적인 팝퍄티나일 뿐입니다. 그들 대부분은 낭만주의 음악에 있습니다. 그 자체로 80명의 사람들이 같은 방식으로 속도를 줄이거 나 속도를 높이지 않을 것입니다. 한 사람이 해야 합니다.

넷째, 솔리스트와 함께 연주하는 것은(솔로 악기로 연주하든, 절대적으로 오페라에서, 솔리스트가 적어도 5분의 1 이상이고 모두가 어떻게 발성을 할 수 있는지 보여주려고 애쓰는) 지뢰밭입니다. 반주는 정확히 쓰여진 대로 해야 합니다. 솔리스트보다 빠르거나 늦지 않습니다. 그리고 지휘자는 솔리스트를 위한 포수 역할도 합니다.

다섯째, 지휘자는 각 부분을 알고 있어야 하며(5개에서 40개 이상 있을 수 있음) 모든 부분이 제 시간에 리드미컬한 그리드를 따르고 소리의 균형을 맞추는 등의 작업을 수행해야 합니다.

처음에는 지휘자가 없었고 제1바이올리니스트나 키보디스트가 경기 도중 오케스트라를 이끌었다. 그런 다음 밴드 마스터가 나타났습니다. 홀을 향한 오케스트라 앞에 서서 연주하는 동안 바닥에서 막대기로 두드리며 리듬을 두드리는 남자! Wagner는 오케스트라와 처음으로 대면했습니다.

그리고 새로운 오페라를 상연하는 예에서 :

1. 지휘자는 사서에게 그러한 메모를 찾도록 지시합니다.
2. 본 공연에 관한 문헌 연구(대본, 저술사, 작곡가 전기, 공연 시간 연구 등)
3. 그런 다음 점수와 비교하여 각 부분의 각 사본을 확인합니다.
4. 솔리스트와 함께 피아노 리허설 지휘
5. 합창단과 피아노 리허설 지휘
6. 안무가들과 리허설 진행 (춤추는 것이 있다면)
7. 오케스트라와 리허설 진행
8. 리허설 진행
9. 연극 지휘
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그리고 지휘자는 또한 오케스트라를 대표합니다. 문제가 있으면 지휘자가 문제를 해결하고 지휘자는 오케스트라를 대변하고 지휘자는 도미를 배포하고 지휘자는 축제와 대회를 찾고 있습니다.

일반적으로 지휘자는 전체 오케스트라 앞에서 손을 흔들고 모든 박수를 끊고 꽃을 들고 떠나는 것만이 아닙니다.

콘서트를 들으면 며칠 또는 몇 주 동안 진행되는 과정의 마지막 부분을 볼 수 있습니다. 그 동안 오케스트라는 처음에는 반주자 아래에서 지휘자가 직접 새로운 것을 배우거나 이미 알려진 작품을 리허설합니다. . 이러한 리허설은 수많은 세부 사항을 해결하는 지루하고 거친 작업입니다. 지휘자는 라이브 공연을 독특하고 매력적으로 만드는 모든 것, 뉘앙스와 악센트, 멈춤과 리듬 등 자신의 관점에서 올바른 것을 연주자에게서 찾습니다. 하지만 연주하는 동안 연주자들을 자세히 보면 지휘자를 따르기 위해 정기적으로 악보에서 이탈하는 것을 알 수 있습니다. 이것은 항상 그의 콘서트이고 그의 해석이며 음악가의 역할은 중요하지만 종속적입니다.

물론 각 뮤지션은 개별적으로 이미 프로페셔널이며 자신의 역할을 정확하게 수행할 수 있습니다. 그러나 지휘자의 임무는 이것입니다. 그는 전체 오케스트라에 영감을주고 참가자들에게 그의 에너지와 카리스마를 전달하여 일종의 소음이 아니라 실제 음악을 얻어야합니다! 오케스트라는 악기이고 지휘자는 그것을 연주한다고 말할 수 있습니다. 지휘자는 오케스트라에게 조용히 연주해야 할 곳과 시끄러운 곳을 몸짓과 표정으로 보여주고, 오케스트라는 정확하게 연주해야 할 곳과 느리게 연주해야 할 곳을 정확하게 연주하고, 다시 오케스트라는 모든 것을 제멋대로 해낸다. 지휘자는 원한다.
지휘봉에 대해 조금 말씀 드리겠습니다. 처음에는 그런 바투타, 지팡이를 바닥에 두들겨 리듬에 맞춰 두드리는 것이었다. 사실인지는 모르겠지만 너무 무섭게 들리지만 역사가들은 동의하는 것 같습니다. 지휘자이자 작곡가인 룰리는 이 트램폴린으로 자신의 다리를 치고 괴저에 치명적인 무언가에 걸려 사망했다.
Napravnik과 Tchaikovsky의 스틱은 1 킬로 반의 우아하게 디자인 된 클럽입니다. 첫 번째 바이올리니스트가 두려워했다는 것은 분명합니다.
그러나 시장에 유리 섬유 스틱이 등장하면서 더 쉬워졌습니다. 지휘자 자체가 고통 받기 시작했습니다. Ashkenazi (아마도 그의 뛰어난 지휘 기술에서)는 그녀를 통해 손을 찔렀습니다. 그러나 Gergiev는 어떻게 든 거의 20cm 길이의 연필, 막대기로 지휘했으며 다음에 일어날 일을 생각하는 것이 무섭습니다. 일부 지휘자는 배턴을 전혀 사용하지 않습니다. 제 생각에는 손이 더 표현력이 좋습니다.
물론 지휘자의 주요 기능은 박자를 치는 것이 아니라 위에서 쓴 것처럼 오케스트라 전체에 영감을 주는 것입니다. 흥미로운 점은 지휘자가 다른 동일한 오케스트라가 완전히 다른 소리를 낸다는 것입니다.
음악은 악보에 쓰여진 것도 아니고 음악가가 연주하는 것도 아니라 이 모든 것 뒤에 있는 것이라고 말할 수 있습니다. 듣는 사람이 강한 감정을 느끼게 하는 음표와 소리로 무엇인가를 만들어 내야 하는 사람은 바로 지휘자입니다.
지휘자가 없는 오케스트라도 있는데 이것을 앙상블이라고 합니다. 여기에서 모든 음악가는 모든 동료의 말을 들어야 하며 음악을 공통된 아이디어로 구축해야 합니다. 오케스트라에서는 불가능합니다. 오케스트라에는 많은 뮤지션이 있고 모두 너무 다릅니다.
좋은 지휘자는 형편없는 오케스트라를 전에 없던 방식으로 연주할 수 있습니다. 나쁜 지휘자는 그다지 나쁘지 않은 것조차 파괴할 수 있습니다. 제 생각에는 성공의 90%는 지휘자에게 달려 있습니다. 진정한 전문 지휘자는 오케스트라의 공연 수준을 만들 수 있습니다. 좋지는 않지만 적어도 괜찮습니다.

나는 올해 오케스트라에서 연주했다. 우리에게는 아주 좋은 지휘자가 있었습니다. 입력할 위치, 수행할 획 및 음영을 보여줍니다. 그는 모든 악기, 즉 오케스트라를 지휘합니다.

지휘자는 모든 악기의 부분을 본다. 오케스트라의 일반적인 분위기를 따릅니다.

이것이 리더가 없는 부서의 모습입니다)

연주자들은 음표와 지휘자를 모두 봅니다. 나는 이미 여기에서 이 질문에 대답했습니다(컨덕터라는 단어 검색). 지휘자는 연극이나 영화의 감독과 같다. 그는 작품 전체의 그림을보고 (배우-그의 역할의 텍스트 만, 음악가-그의 부분) 이에 따라 공연이나 영화를 만들고 악센트를 넣고 작품의 감정적 그림을 설정하고 만듭니다. 작업이 "소리가 나도록" 돕고 "따라서 거기에"라고 중얼거리지 않습니다.

지휘자는 오케스트라 전체를 지휘하는 사람입니다. "Waving hands"는 오케스트라가 소절을 세는 데 도움이 되며 악보(각 부분에 수백 개의 소절이 있을 수 있음)에서 길을 잃지 않습니다.

예, 음악가에게는 음표가 있고 각각 오케스트라의 전체 부분에서 자신의 부분이 있습니다. 그러나 전체 곡을 "듣는" 사람은 지휘자입니다. 저자가 종이에 "작성"한 작품을 어떻게 읽을지는 지휘자에 ​​따라 다릅니다. 표현하지 않고 간단히 중얼 거릴 수 있습니다 (이 경우 저자가 쓴 모든 단어를 읽는 것처럼 보이지만 인상은 없습니다). 그리고 당신은 아름답게 표현할 수 있습니다. 그러나 당신이 당신의 라인만을 볼 때(게다가 다른 악기들은 전체 작업의 다른 위치에서 다른 조각들을 볼 수 있고, 당신은 또한 인트로 전에 마디를 세어야 합니다) 이것을 하는 것은 상당히 어렵습니다. 지휘자는 작품 전체를 듣고(개별 음악가는 일반적으로 자신, 이웃 또는 기껏해야 그의 밴드, 예를 들어 브라스 밴드만 듣습니다) 음악가가 전체 작품을 전체적으로 표현력 있게 연주하도록 돕습니다.

지휘자의 역할이 크다. 그 없이는 어떤 경우에도 가치 있는 어떤 오케스트라도 연주하지 못할 것입니다. 집에서 작은 실험을 설정하십시오. 문학 텍스트의 작은 조각을 가져 와서 가족과 함께 차례로 읽으십시오. 이것이 동일한 텍스트라는 사실에 놀랄 것입니다. 다른 억양, 억양, 읽기 속도는 콘텐츠. 그리고 이제 다른 지휘자가 연주하는 동일한 음악을 들어보십시오. 동일한 효과입니다.

Arzamas에는 "클래식 음악을 듣는 방법"이라는 멋진 과정이 있습니다. 거기에서 에피소드 번호 4에서 질문에 대한 답을 찾을 수 있습니다. 필요한 경우 링크는 다음과 같습니다.

첫째, 악보가 아니라 파티입니다. 그리고 지휘자는 모든 부분이 결합된 악보를 가지고 있어 전체 음악을 보고 들을 수 있습니다. 자신의 파트에 쓰여진 내용에 주로 집중하는 일반 오케스트라 단원과 달리. 이것이 지휘자가 필요한 첫 번째 이유입니다. 둘째, 오케스트라에는 상당히 많은 수의 참가자가 있을 수 있습니다. 그리고 모든 전문 음악가조차도 이상적인 리듬 감각을 가지고 있는 것은 아닙니다. 상상해보십시오 : 100 명이 앉아 리드미컬하게 자신의 역할을 수행해야 할뿐만 아니라 다른 오케스트라 멤버와 함께 수행하고 음표에 표시된 모든 템포 편차를 만들어야합니다 ... 지휘자가 없으면 그다지 크지 않습니다. 작곡은 이것을 할 수 있지만 매우 잘 연주되는 오케스트라입니다 (때로는 지휘자가 그러한 조건에서 의도적으로 손을 떨어 뜨리고 홀로 들어가지만 이것은 단지 트릭 일 뿐이며 항상 그렇게 연주하는 것은 불가능합니다). 이에 앞서 답변자가 이미 언급한 세 번째 이유가 이어집니다. 지휘자의 주요 임무는 작가의 의도에 완전히 부합하고 음악의 본질을 드러내는 공연 인 고도의 예술적인 음악적 이미지를 만드는 것입니다. 한 음악가가 연주할 때 그것은 전적으로 그의 양심에 달려 있습니다. 앙상블이 연주될 때 음악가들은 그것에 대해 토론하고 합의에 이릅니다. 그러나 얼마나 많은 음악가, 너무 많은 의견. 연주자가 많으면 공연의 전체적인 개념을 잡기가 어려워진다. 따라서 이 기능은 지휘자라는 한 사람이 담당합니다. 여러 면에서 그는 음악이 어떨지(어떻게 연주될지)를 결정합니다. 지휘자는 음악에 대한 깊은 이해가 있어야 하고 몸짓의 도움을 받아 자신의 비전을 오케스트라와 청중에게 전달할 수 있어야 합니다. 제 생각에는 매우 사소한 또 다른 이유가 있습니다. 모든 사람이 음악을 듣기 위해 콘서트에 오는 것은 아닙니다. 경험이없는 일부 청취자가 와서 "본다". 이 경우 지휘자는 일종의 관심의 중심 역할을 합니다.

확실히 지휘자가 전체 오케스트라 앞에서 지휘봉을 흔드는 모습을 보면 오케스트라 자체가 아름답게 연주하고 음을 엿보기 때문에 그가 왜 거기에 필요한지 생각이 들었습니다. 그리고 지휘자는 혼란스럽게 손을 흔들고 있다는 사실에도 불구하고 다른 일을하지 않습니다. 그의 직업은 무엇입니까?

오케스트라에서 지휘자의 역할은 마지막이 아니며 심지어 주요 역할이라고 말할 수도 있습니다. 결국, 일반적으로 오케스트라는 수십 명의 뮤지션으로 구성되며 각자 특정 악기에서 자신의 역할을 수행합니다. 네, 음악가들은 음표를 봅니다. 하지만! 게임을 지휘하는 사람이 없으면 연주자들은 금세 길을 잃거나 리듬을 놓치고 콘서트는 망쳐 버릴 것입니다.

지휘자는 무엇을 하나요? 본질적으로 지휘자의 임무는 오케스트라를 이끄는 것입니다. 손과 막대기의 움직임으로 그는 오케스트라를 연주하는 방법을 보여줍니다. 조용히, 크게, 빠르게 또는 느리게, 부드럽게 또는 갑작스럽게, 또는 완전히 멈춰야 할 수도 있습니다. 지휘자는 온 몸과 영혼으로 음악을 느끼고, 각 연주자가 어떻게 연주하는지, 음악이 일반적으로 어떻게 들려야 하는지를 알고 있습니다. 오케스트라의 울림을 고르게 만듭니다.

오케스트라 리허설에서 지휘자는 적절한 제스처를 수행하는 것을 잊지 않고 모든 행동을 말로 큰 소리로 발음합니다. 이것이 뮤지션이 리더가 요구하는 부분을 기억하고 익숙해지고 수행하는 방법입니다. 콘서트에서 지휘자의 주요 "무기"는 막대기, 손, 손가락의 움직임, 옆으로 스윙, 몸의 약간의 기울기, 다양한 머리 움직임, 표정 및 눈입니다. 이 모든 것이 오케스트라를 이끄는 데 도움이됩니다. . 지휘자는 자신이 연주하는 작품을 맡은 작곡가와 그를 끝없이 신뢰하는 오케스트라, 그리고 그의 좋은 작품 덕분에 음악과 사랑에 빠질 수 있는 관객을 책임져야 하기 때문에 지휘자의 일은 매우 복잡하고 책임감이 있다. 그렇지 않으면 무관심합니다.

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오케스트라가 지휘자 없이 연주할 수 있습니까?

“지휘자는 막중한 책임이 있습니다. 그는 올바른 리듬으로 연주하고 누가 언제 참여할지 이해하기 위해 오케스트라의 80-90명 모두가 필요합니다(더 많을 수도 있음).

오케스트라의 구성이 다소 크면 예를 들어 오른쪽 구석에 앉아있는 음악가는 왼쪽 동료가 연주하는 것을 듣지 못할 가능성이 큽니다. 멀리 떨어진 악기 소리가 났을 때 이를 인식하는 것은 단순히 물리적으로 불가능합니다. 음악가는 가장 가까운 이웃만 듣습니다. 지휘자가 없으면 실수하기 쉬울 것입니다. 언제 연주를 시작할지 알려줄 사람이 필요합니다.

그러나 지휘자가없는 오케스트라 인 Persimfans (First Symphony Ensemble)도있었습니다. 1922년부터 1932년까지 소련에 존재했습니다. 음악가들은 서로를보기 위해 그 안에 둥글게 앉았고, 리허설에서 연주하는 방법에 대해 동의했습니다. 그런데 이 오케스트라는 Peter Aidu의 노력 덕분에 존재를 재개했습니다. 그는 이것이 그 오케스트라의 정확한 사본이 아니라는 것을 인정합니다. 음악가들은 20 세기 20 년대에 발전한 전통을 이어갑니다. 오케스트라는 1년에 한두 번 정도 다양한 프로그램을 대중에게 선보입니다. 11월 25일 자랴디예 콘서트홀에서 공연한다.

지휘자의 악보에 모든 악기가 녹음되나요?

- 예. 그것의 도움으로 지휘자는 모든 것을 봅니다. 그것은 모든 악기, 작업의 전체 개요를 포함합니다. 예를 들어 피아니스트가 피아노를 통해서만 자신과 작곡가의 아이디어를 표현한다면 지휘자는 오케스트라의 모든 악기를 한 번에 연주한다고 말할 수 있습니다.

지휘자가 같은 곡을 다르게 연주하는 이유는 무엇입니까?

— 지휘자는 작곡가가 음악에 넣은 아이디어를 청중에게 전달해야 합니다. 이때 지휘자는 작품이 속한 시대를 고려한다. 예를 들어 바로크라면 바이올린 소리가 더 차분해야 합니다(예전에는 현 편곡이 달랐습니다). 그러나 그것을 따르는지 아닌지는 물론 모든 사람의 개인적인 문제입니다. 그렇기 때문에 같은 교향곡을 지휘자들이 다르게 해석하는 것입니다. 때때로 그들은 심지어 다른 속도로 들립니다. 지휘자는 동료와 다르게 작업을 볼 수 있으며 음악에 영향을 미치는 개인적인 경험을 사용할 수 있습니다.

이전에 지휘자 없이 어떻게 관리했습니까?

— 지휘자의 직업은 비교적 최근인 19세기 초에 나타났습니다. 이전에는 오케스트라가 음악가 중 한 명, 대부분 바이올리니스트가 이끌었습니다 (가장 경험이 많은 사람이 선택됨). 그는 활을 치거나 단순히 고개를 끄덕이면서 비트를 세었습니다. 때때로 하프시코드 연주자나 첼리스트가 주연을 맡았습니다. 그러나 음악이 발전하고 재료가 더 복잡해졌으며 그 사람은 동시에 지시하고 연주할 시간이 없었습니다.

훨씬 더 먼 과거를 들여다 보면 예를 들어 고대 그리스 극장에서 합창단의 머리에 유명인이있었습니다. 그의 발에는 철제 밑창이 달린 샌들이 있었는데, 그 도움으로 리듬을 치는 것이 편리했습니다.

지휘자는 항상 지휘봉을 사용했습니까?

- 아니요. 오늘날 우리가 알고 있는 지휘봉은 19세기에 등장했습니다. 그 이전에는 battutu가 사용되었습니다. 비트를 이기는 데 사용되는 막대 또는 지팡이가 될 수 있습니다. 그런데 프랑스 오페라의 창시자이자 루이 14세의 궁정 작곡가인 장 밥티스트 륄리(Jean-Baptiste Lully)의 죽음을 초래한 것은 바투타였습니다. 룰리는 1687년 국왕이 중병에서 회복된 것을 기념하여 작곡한 테 데움을 공연하는 동안 리듬을 타면서 날카로운 트램폴린 끝으로 발을 찔렀다. 혈액 중독이 시작되었고 작곡가는 곧 사망했습니다.

그들은 또한 말아 올린 노트와 다른 물건을 사용했고, 손으로 지휘하기도 했습니다.

그러나 오늘날 지휘봉을 사용할지 여부는 모든 지휘자의 개인적인 문제입니다. 예를 들어 Valery Gergiev는 이쑤시개를 손에 쥐는 것을 선호합니다.