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예술 형식으로서의 연극, 그리고 다른 예술 형식과의 근본적인 차이점. 극장의 역사 : 연극 예술의 출현과 발전, 재미있는 사실 사용 된 출처 목록

예술의 분류

예술(창의적 반영, 예술적 이미지의 현실 재현)은 상호 연관된 유형의 시스템으로 존재하고 발전하며, 그 다양성은 그 자체의 다양성(예술 창작 과정에서 표시되는 현실 세계)에 기인합니다.

예술의 종류는 삶의 내용을 예술적으로 구현하는 능력을 가진 역사적으로 확립된 창작 활동의 형태이며, 그 물질적 구현 방식(문학의 단어, 음악의 소리, 미술의 플라스틱 및 색상 재료 등)이 다릅니다. .

현대 미술사 문학에서 예술 분류의 특정 체계와 체계가 발전했지만 아직 단일 체계는 없으며 모두 상대적입니다. 가장 일반적인 계획은 세 그룹으로 나누는 것입니다.

첫 번째는 공간 또는 조형 예술을 포함합니다. 미술, 장식 및 응용 예술, 건축, 사진과 같은 예술 그룹의 경우 예술적 이미지 공개의 공간 구성이 필수적입니다.

두 번째 그룹에는 임시 또는 동적 예술이 포함됩니다. 그 중에서 시간에 따라 전개되는 구성이 중요합니다 - 음악, 문학... 세 번째 그룹은 안무, 문학, 연극 예술, 영화 촬영과 같은 합성 또는 장엄 예술이라고도하는 시공간 유형으로 표현됩니다.

다양한 유형의 예술이 존재하는 것은 그 어느 것도 그 자체로는 세계에 대한 예술적 종합 그림을 제시할 수 없기 때문입니다. 그러한 그림은 개별 유형의 예술로 구성된 인류 전체의 예술 문화 전체에 의해서만 만들어 질 수 있습니다.

극장

연극은 창작팀이 수행하는 극적인 행동을 통해 세계를 예술적으로 장악하는 예술 형식입니다.

연극의 기본은 드라마투르기(dramaturgy)이다. 연극 예술의 종합적 특성은 집단적 특성을 결정합니다. 공연은 극작가, 감독, 예술가, 작곡가, 안무가, 배우의 창의적인 노력을 결합합니다.

연극 공연은 장르로 나뉩니다.

비극;

코메디;

뮤지컬 등

연극 예술은 고대에 뿌리를 두고 있습니다. 그것의 가장 중요한 요소는 이미 원시 의식, 토템 춤, 동물의 습관을 모방한 것 등에 존재했습니다.

연극은 집단예술이다(자하바)

연극의 특성에 대해 생각할 때 가장 먼저 우리의 관심을 멈추게 하는 것은 연극 예술 작품, 즉 공연이 대부분의 다른 예술에서와 같이 한 명의 예술가가 아니라 창작에 참여하는 많은 참여자들에 의해 창작된다는 본질적인 사실입니다. 프로세스. 극작가, 배우, 감독, 메이크업 아티스트, 데코레이터, 음악가, 일루미네이터, 의상 디자이너 등 모두가 공동의 대의를 위해 창의적인 작업에 기여합니다. 따라서 연극 예술의 진정한 창작자는 개인이 아니라 팀, 즉 창의적인 앙상블입니다. 팀 전체는 완성 된 연극 예술 작품 인 공연의 저자입니다. 연극의 특성상 공연 전체에 창의적인 사고와 살아있는 느낌이 스며들어야 합니다. 그들은 연극의 모든 단어, 배우의 모든 움직임, 감독이 만든 모든 미장센으로 가득 차 있어야 합니다. 이 모든 것은 전체 연극 팀의 창의적인 노력을 통해 태어나 진정한 연극 예술 작품, 즉 공연이라고 할 권리를 얻은 단일하고 완전한 살아있는 유기체의 삶의 표현입니다. 공연 창작에 참여한 각 아티스트의 창의성은 팀 전체의 이데올로기적이고 창의적인 열망의 표현에 지나지 않습니다. 통일되고 이데올로기 적으로 결속력이 있고 공통의 창의적인 작업에 열정적 인 팀이 없으면 본격적인 성능을 발휘할 수 없습니다. 본격적인 연극 창의성은 공통된 세계관, 공통된 이데올로기 적 및 예술적 열망, 모든 구성원에게 공통적이며 가장 엄격한 규율이 적용되는 창의적인 방법을 가진 팀의 존재를 전제로합니다. K. S. Stanislavsky는 "집단적 창의성"이라고 썼습니다. 연극 예술의 본질에서 발생하는 집단주의 정신으로 배우를 교육하는 임무는 가능한 모든 방법으로 집단의 이익에 대한 헌신의 감정을 발전시키는 것을 전제로 하는 공산주의 교육의 임무와 합쳐집니다. 부르주아 개인주의의 모든 표현에 대한 가장 격렬한 투쟁.

연극은 합성 예술이다. 배우 - 극장 특성의 운송인

연극 예술의 집합적 원리와 가장 밀접한 관련이 있는 것은 연극의 또 다른 특수한 특징인 합성적 성격입니다. 연극은 서로 상호 작용하는 많은 예술의 종합입니다. 여기에는 문학, 회화, 건축, 음악, 성악, 무용 예술 등이 포함됩니다. 이러한 예술 중에는 연극에만 속하는 예술이 있습니다. 이것은 배우의 예술입니다. 배우는 극장과 뗄래야 뗄 수 없는 관계이고, 극장은 배우와 뗄래야 뗄 수 없는 관계다. 그렇기 때문에 배우는 연극의 특성을 전달하는 주체라고 말할 수 있다. 연극에서의 예술의 통합, 즉 공연에서의 유기적 결합은 각각의 예술이 특정한 연극적 기능을 수행할 때만 가능하다. 이 연극 기능을 수행할 때 모든 예술 작품은 새로운 연극적 특성을 얻습니다. 연극 회화는 단순한 회화와 같지 않고, 연극 음악은 단순한 음악과 같지 않기 때문입니다. 연기 만이 본질적으로 연극입니다. 물론 공연을 위한 연극의 가치는 풍경의 가치와 비교할 수 없다. 풍경은 부차적인 역할을 하도록 부름받는 반면, 연극은 미래 공연의 사상적, 예술적 토대이다. 그러나 희곡은 대화 형식으로 쓰여졌다고 해도 시나 이야기와 같지 않습니다. 연극과 시, 그림의 풍경, 건축 구조의 무대 구성 사이의 가장 중요한(관심 있는 의미에서) 차이점은 무엇입니까? 시, 그림은 독립적인 의미를 갖는다. 시인, 화가는 독자나 관람자에게 직접 말을 건다. 문학 작품으로서의 연극 작가도 독자에게 직접 말할 수 있지만 극장 밖에서만 가능합니다. 그러나 극장에서는 극작가, 연출가, 장식가, 음악가가 배우를 통해 또는 배우와 연결되어 관객에게 말을 건다. 과연 작가가 삶으로 채우지 못한, 자신의 말로 만들지 못한 극작가의 말이 살아있는 것으로 인식되는 것일까? 감독의 지시가 형식적으로 수행되거나 감독이 제안했지만 배우가 경험하지 못한 미장센이 관객에게 설득력을 줄 수 있을까? 당연히 아니지! 장식과 음악에 따라 상황이 달라 보일 수 있습니다. 공연이 시작되고 막이 열리고 무대 위에 배우가 한 명도 없지만 객석은 작가가 만들어낸 웅장한 풍경에 박수를 보낸다고 상상해보자. 아티스트는 배우를 통하지 않고 시청자에게 직접 언급하는 것으로 나타났습니다. 그러나 여기에서 배우가 나오고 대화가 발생합니다. 그리고 액션이 전개됨에 따라 방금 감탄한 풍경에 대해 둔한 짜증이 점차 내면에 쌓이는 것을 느끼기 시작합니다. 당신은 그것이 무대 동작에서 당신을 산만하게 하고 당신이 연기를 인식하는 것을 방해한다고 느낍니다. 세트와 연기 사이에 어떤 종류의 내부 갈등이 있다는 것을 이해하기 시작합니다. 배우가 이 세트와 관련된 조건에서 행동해야 하는 방식으로 행동하지 않거나 세트가 장면을 잘못 특성화합니다. 하나는 다른 하나와 일치하지 않으며 예술의 종합이 없으며 극장이 없으면 예술이 없습니다. 공연 초반에 이런 저런 풍경을 열광적으로 만난 관객들이 액션이 끝나면 꾸짖는 일이 종종 일어난다. 이는 대중이 작가의 작품을 이번 공연과 상관없이 회화의 예술 작품으로 긍정적으로 평가하면서도 연극적 풍경으로, 공연의 한 요소로 받아들이지 않았다는 것을 의미한다. 이것은 풍경이 연극적 기능을 다하지 못했다는 것을 의미한다. 연극적 목적을 달성하기 위해서는 연기, 무대 위 인물들의 행동에 반영되어야 한다. 작가가 바다를 완벽하게 묘사한 무대 뒤편에 웅장한 배경을 설치하고, 배우들이 바닷가가 아닌 방안에 있는 사람들처럼 무대 위에서 행동한다면 배경은 죽은 채로 남게 될 것이다. 장면의 어떤 부분, 무대 위에 놓여진 어떤 물체라도 행동을 통해 표현된 지우개의 태도에 의해 애니메이션되지 않은 것은 죽은 채로 남아 있으며 무대에서 제거되어야 합니다. 감독이나 음악가의 의지에 따라 들리지만 배우가 인식하지 못하고 무대 행동에 반영되지 않은 소리는 연극 적 품질을 얻지 못했기 때문에 침묵해야합니다. 무대 위에 있는 모든 것에 연극적 존재, 배우가 알려준다. 배우를 통해 자신의 삶의 충만함을 받기 위해 극장에서 만들어지는 모든 것이 연극이다. 독립적인 의미, 자급자족적 존재를 요구하는 모든 것은 반(反)극적입니다. 이것은 연극과 시나 이야기, 풍경과 그림, 무대 구성과 건축 구조를 구별하는 기호입니다.

연극은 집단예술이다

연극은 합성 예술이다. 극장 특성의 액터 캐리어

액션은 연극 예술의 주요 재료입니다

드라마투르기(Dramaturgy)는 연극의 주요 구성요소이다.

배우의 창의력이 예술 연출의 주재료

관객은 극장 ZAKHAVA의 창조적 구성 요소입니다!!!

극장(그리스 극장에서 - 광경, 광경을위한 장소), 주요 종류의 장엄한 예술. 극장의 일반적인 개념은 드라마 극장, 오페라, 발레, 판토마임 극장 등 연극 예술의 유형으로 나뉩니다. 이 용어의 기원은 강당의 장소가 그렇게 불렸던 고대 그리스 골동품 극장과 관련이 있습니다 (그리스어 동사 "teaomai"-I look에서 유래). 그러나 오늘날 이 용어의 의미는 매우 다양합니다. 다음과 같은 경우에 추가로 사용됩니다.

1. 극장은 공연을 보여주기 위해 특별히 지어지거나 개조된 건물입니다(“극장은 이미 가득 찼고 상자는 빛나고 있습니다” A.S. 푸쉬킨).

2. 공연 상영에 종사하는 기관, 기업 및 연극 공연 대여를 제공하는 전체 직원 팀 (Mossovet Theatre, Taganka Theatre 투어 등).

3. 하나 또는 다른 원칙에 따라 구성된 일련의 극 또는 무대 작품 (Chekhov의 극장, 르네상스 극장, 일본 극장, Mark Zakharov의 극장 등).

4. 쓸모없는 의미에서 (연극 전문 속어로만 보존됨)-무대, 무대 ( "고귀한 빈곤은 극장에서만 좋습니다"A.N. Ostrovsky).

5. 비 유적 의미 - 진행중인 이벤트의 장소 (군사 작전 극장, 해부학 극장).

연극 예술에는 다른 장르 및 유형의 예술에서 비교할 수 없는 고유한 고유한 기능이 있습니다.

우선, 그것은 극장의 합성적 성격이다. 그의 작품은 문학, 음악, 미술(회화, 조각, 그래픽 등), 보컬, 안무 등 거의 모든 다른 예술을 쉽게 포함합니다. 또한 다양한 과학 및 기술 분야의 수많은 업적을 사용합니다. 예를 들어, 심리학의 과학적 발전은 기호학, 역사학, 사회학, 생리학 및 의학 분야의 연구(특히 무대 연설 및 무대 움직임 교육)뿐만 아니라 연기 및 창의성 연출의 기초를 형성했습니다. 다양한 기술 분야의 개발을 통해 새로운 수준의 무대 기계를 개선하고 이동할 수 있습니다. 극장의 소리와 소음 경제; 조명 장비; 새로운 무대 효과의 출현(예: 무대 위의 연기 등). Moliere의 유명한 속담을 의역하면 극장은 "찾는 곳에서 좋은 것을 얻는다"고 말할 수 있습니다.

따라서-연극 예술의 다음과 같은 특정 기능: 창작 과정의 집합성. 그러나 여기서는 그렇게 간단하지 않습니다. 이것은 수많은 극장 스태프의 공동 작업에 관한 것이 아닙니다 (공연 출연자부터 잘 조정 된 작업이 공연의 "순도"를 크게 결정하는 기술 워크샵 대표에 이르기까지). 연극 예술의 모든 작품에는 또 다른 본격적이고 가장 중요한 공동 저자가 있습니다. 관중은 지각이 공연을 수정하고 변형하고 다양한 방식으로 악센트를 배치하고 때로는 공연의 일반적인 의미와 아이디어를 근본적으로 변경합니다. . 관객 없는 연극 공연은 불가능하다. 극장의 이름 자체가 관객석과 연결되어 있기 때문이다. 공연에 대한 관객의 인식은 관객의 의식 여부와 상관없이 진지한 창작이다.

따라서 연극 예술의 다음 특징은 그것의 순간적 성격이다. 각 공연은 그것이 재생산되는 순간에만 존재한다. 이 기능은 모든 유형의 공연 예술에 내재되어 있습니다. 그러나 여기에는 몇 가지 특징이 있습니다.

따라서 서커스에서 공연 참가자의 예술성이 요구될 때 트릭의 기술적 순수성은 여전히 근본적인 요소가 됩니다. 이를 위반하면 관중의 유무에 관계없이 서커스 아티스트의 생명이 위험해집니다. 원칙적으로 청중과의 적극적인 공동 저자는 아마도 단 한 명의 서커스 예술가 인 광대 일 것입니다. 여기에서 서커스 유형에 가까운 법률에 따라 발전하지만 여전히 다른 일반 연극 인 연극 광대 유형 중 하나가 개발되었습니다.

음악과 성악의 공연은 오디오 녹음 기술의 발달로 원본과 동일한 고정 및 추가 다중 재생의 가능성을 얻었습니다. 그러나 연극 공연의 적절한 비디오 녹화는 원칙적으로 불가능합니다. 액션은 종종 무대의 다른 부분에서 동시에 발전하여 일어나고 있는 일에 볼륨을 부여하고 무대 분위기의 톤과 반음을 형성합니다. 촬영의 클로즈업으로 일반적인 무대 생활의 뉘앙스는 장면 뒤에 남아 있습니다. 일반 계획은 너무 작고 모든 세부 사항을 전달할 수 없습니다. 감독, 작가의 텔레비전 또는 영화 버전의 연극 공연만이 교차 문화 법칙에 따라 창조적 성공을 거두는 것은 우연이 아닙니다. 그것은 문학적 번역과 같습니다. 영화에 대한 연극 공연의 무미건조한 고정은 행간과 유사합니다. 모든 것이 올바른 것처럼 보이지만 예술의 마법은 사라집니다.

빈 공간은 빈 무대라고 할 수 있습니다. 남자가 움직이고 있다

우주에서 누군가 그를 쳐다보고 이것은 이미 연극에 충분합니다.

행동. 그러나 연극에 대해 이야기할 때 우리는 보통 다른 것을 의미합니다. 빨간색

커튼, 스포트라이트, 빈 구절, 웃음, 어둠-이 모든 것이 무작위로 혼합됩니다.

우리의 마음은 모든 경우에 지정하는 흐릿한 이미지를 만듭니다.

한마디로. 우리는 영화가 극장을 죽였다고 말합니다.

영화관, 즉 매표소, 휴게실, 접는 극장이있는 극장이 출현했을 때 존재했습니다.

안락 의자, 각광, 장면 전환, 중간 휴식 및 음악, 마치 단어 자체가

정의상 "극장"은 단지 그것을 의미하며 다른 것은 거의 없습니다.

나는 이 단어를 네 가지 방식으로 나누고 네 가지 다른 방식을 강조하려고 노력할 것입니다.

그래서 죽은 극장, 신성한 극장, 거친 극장에 대해 이야기하겠습니다.

그리고 극장에 대해. 때때로 이 4개의 극장은 동네 어딘가에 존재합니다.

런던의 웨스트엔드 또는 뉴욕의 타임스퀘어 근처. 때때로 그들은 수백 명씩 떨어져 있습니다.

마일, 그리고 때때로 이 분할은 조건부입니다.

어느 날 저녁 또는 한 행동. 때때로 한 순간 동안 네 개의 극장이 모두 -

신성한, 거친, 무생물극장은 하나로 합쳐집니다. 피.시내"빈 공간"

1. 연극과 진실 오스카 레메즈 "감독의 숙달"

'연극성'과 '진실'이 맞다면기본드라마틱한 퍼포먼스의 구성요소그리고이 두 원칙의 투쟁이 발전의 원천이라는 사실나타내는연극 예술을 의미합니다. 이 싸움은 쉽다추측우리가 극장의 과거를 조사할 때, 그리고 많은더 어렵다살아있는 크리에이티브를 고려할 때 드러납니다.프로세스우리 눈앞에서 발전하고 있습니다.

3. 연극 역사의 순환

잘 알려진 과거와 떠오르는 현재를 비교하면 연극 경향의 특별한 변화 패턴, 특별하고 엄격하게 측정되는 연극 시대의 순환성에 대한 결론에 도달 할 수 있습니다.

"투란도트 공주"는 무대 진실의 새로운 기준인 물리적 행동 방법으로 대체되었습니다. 새로운 연극 전통은 M. Kedrov의 작품에서 계속되었습니다. 동시에 같은 맥락에서 A. Popov와 A. Lobanov의 극장이 작동했습니다. 또한 점점 더 엄격하고 일관된 무대 "활력"은 N. Okhlopkov의 낭만적 인 연극으로 대체됩니다. 40 년대 후반 극장의 정점 인 두 가지 원칙의 합성-현대 예술 언어를 통해 현실을 가장 완벽하게 표현한 N. Okhlopkov의 연극 "The Young Guard". 50 년대 중반-새로운 물결-효과적인 분석 방법의 승리 : M. Knebel의 작품, Sovremennik의 탄생, G. A. Tovstonogov의 공연.

보시다시피, 각 연극 방향은 처음에는 잠복하여 종종 이전 (그리고 나중에 극지방) 방향의 창자에서 익고 예기치 않게 발생하고 전통과 충돌하여 발전하고 통과합니다. 변증법에 의해 조건 지어진 경로 - 상승, 충만 표현, 창조적 위기. 연극 역사의 각 기간에는 자체 지도자가 있습니다. 그는 뒤따르고, 모방하고, 원칙적으로 뒤에 남겨진 사람과 앞에있는 사람의 양면에서 격렬하게 논쟁합니다.

물론 연극 합성으로의 상승 경로는 복잡합니다. 연극 예술의 전환점은 여기에 언급된 감독의 이름과 반드시 연결되는 것은 아닙니다. 연극 노동자를 "그룹", "현재", "캠프"로 현학적으로 나누는 것도 거의 정당화되지 않습니다. 잊지 말자-20 년대 연극 합성 기간 동안 K. S. Stanislavsky 외에는 우승 트렌드가 가장 완전하고 생생하게 표현되는 공연을 만들었습니다- "Hot Heart"(1926) 및 "The Marriage of Figaro"( 1927) . 이 작품들에서 화려한 연극이 깊은 심리적 발달과 결합되었습니다.

Art Theatre에서 이러한 전통의 연속은 V. Ya. Stanitsyn 감독이 연출한 The Pickwick Club (1934)과 같은 공연이었습니다.

극장이 미리 정해진 하나의 원을 따라 반복되고 있다는 인상을 받을 수 있습니다. 이런 종류의 이해에 매우 가까운 개념(용어의 약간의 변화와 모호함 포함)은 한때 J. Gassner가 그의 저서 "현대 극장의 형식과 아이디어"에서 제안한 적이 있습니다.

그러나 극장의 폐쇄적 순환 발전이라는 개념은잘못된. 연극 역사의 발전에 대한 객관적인 그림-움직임, 나선형으로 수행필수적인, 무슨 일이야모든 집새로운 차례에 극장은 근본적으로 새로운 것을 제시합니다.기준발전의 주기에서 각각을 결정 짓는 진실과 연극성은 매번 다른 기반에서 종합이 발생합니다. 동시에 새로운 연극성은 (논란에도 불구하고) 이전의 경험을 지배할 수밖에 없으며, 이것이 전제조건이다. 불가피한동적 평형의 미래에. 따라서 연극성과 진실 사이의 투쟁은 새로운 현대 연극 형식의 발전의 원천인 연출적 수단의 역사의 내용이 된다.

1. 예술 형식으로서의 연극은 종합적인 성격을 갖는다. 연극 공연에는 표현 가능성, 거의 모든 유형의 예술 수단(문학, 음악, 미술, 안무 등)이 포함됩니다. 동시에 어떤 예술 형식도 주도적인 역할을 하지 않을 것입니다. 현재 극장의 합성은 현대 과학 기술(심리학, 기호학, 기술)의 발전을 통해 이루어지고 있습니다.

2. 연극은 집단적 창작 과정입니다. 극단 구성원의 공동 창의성뿐만 아니라 시청자의 공동 저술과 상호 작용에 관한 것입니다. 관객의 인식은 공연을 수정하고 수정할 수 있습니다. 공연은 관객 없이는 불가능하다. 관객의 인식은 관객 자신이 깨닫지 못하더라도 진지하고 창의적이며 지적인 작업입니다.

3. 연극은 순간적인 공연으로 존재한다. 각 공연은 재생산되는 순간에만 존재합니다. 이것은 극장의 인식에서 역사성의 개념에 대한 이해를 제공합니다. 관객이 작품에 직접 접근하고 참여할 수 있는 곳은 바로 극장입니다. 배우들이 연기하는 시대에 관계없이.

4. 연극 작품은 순간 때문에 보존되는 것이 아니라 현재 순간에만 존재한다. 필름으로의 전송은 동작을 수정하는 것만 가능합니다. 이 경우 예술의 마법은 사라진다.

5. 어떤 종류의 예술과 마찬가지로 극장은 특정 예술적 시간의 영향을받으며 무대에서의 이벤트 (작품의 탄생)는 시청자의 인식 행위와 동시에 발생합니다. 극장에서 소위. 무대 시간 - 공연이 진행되는 동안. 현재 공연은 2.5-3시간이지만 일부 프로덕션에서는 5-10시간을 제안합니다. 때로는 며칠이 걸립니다.

6. 연극 아이디어, 행동의 주요 운반자는 배우입니다. 배우의 이미지는 연극이 제시 한 아이디어와 감독의 해석의 틀 안에서 만들어 지지만, 그럼에도 불구하고 배우는 무대에서 살아있는 이미지를 독립적으로 구현하는 아티스트로 남아있다.

7. 예술 형식으로서의 연극은 해석의 대상입니다. 해석의 문제는 현대 극작술의 텍스트가 아니라 고전의 텍스트와 관련하여 발생합니다. 극장에서의 해석은 작가의 철학적, 정치적, 도덕적 입장을 추적할 수 있는 잘 알려진 작품에 대한 새로운 해석의 변형입니다.

극장에서 해석은 현재의 문제와 과거의 역사적 사실을 연관시키는 것을 가능하게 합니다.

연극 해석 분석에서 중요한 역할은 감독의 태도, 그의 세계관에 대한 이해, 인간의 본질과 관련된 몇 가지 영원한 문제에 대한 설명입니다. 극장에서 고전 작품을 보는 시청자는 작가가 아니라 감독과 대화를 나누며 현대 사회 갈등의 본질을 드러 낼 수있다. 그러나 동시에 관람자는 작품이 만들어진 시대와 대화하고 있다. 감독은 고전 작품을 보고 해석하기 때문입니다. 그들 안에서 갈등은 해결되지 않고 영원합니다. 감독은 '해석적 호소력'(W.Eco) 상태다. 극장에서의 해석이 가능하며 극작가 수준, 감독, 배우, 관중, 연극 평론가 (Anatoly Smenlyansky, A.V. Protashevich) 수준에서 가능합니다.

주제에 대한 에세이 작성: 연극과 조각의 유사점은 무엇입니까? 1페이지

극장 (Greek theatron - 안경의 장소) - 청중 앞에서 배우가 연기하는 극적인 행동을 통해 수행되는 삶의 예술적 반영을 기반으로 한 예술 형식. 연극 예술은 부차적입니다. 무대 예술의 기초는 드라마이며 연극 적 구현에서 연극 성, 연극 이미지와 같은 새로운 품질을 얻습니다. 연극의 발전은 드라마의 발전과 독백과 대화의 극적 표현 수단과 밀접한 관련이 있습니다. 연극 예술의 주요 작업은 공연, 예술적으로 조직되고 화려하고 장난스러운 행동입니다. 공연은 크리에이티브 팀의 노력의 결과입니다. 동시에 퍼포먼스는 비유적인 통일성으로 구별된다. 공연의 비 유적 구조는 단일 예술적 작업 인 "슈퍼 작업"과 "액션을 통해"시공간에서 무대 동작을 구성하는 단일 무대 목표에 종속 된 연극 동작의 모든 요소의 통합에 의해 생성됩니다. ".

극장의 장난기 가득한 본질은 역사적으로 변화하고 있습니다. 의식에서 비롯된 전체적으로 극적인 영향 시스템은 극장 개발의 모든 단계에서 보존됩니다-배우의 변형, 다른 사람의 이미지를 생성하기 위해 정신 물리적 데이터를 사용하는 배우-단어의 성격 가소성은 시청자를 행동에 참여시키는 주요 조건입니다. 현대 연극은 연극 활동의 다양한 형태를 알고 있습니다. 현실적이고 심리적인 경험의 극장에서 삶을 삶의 형태 자체로 반영하는 원리는 관객과 무대를 분리하고 현실의 환영을 만들어 내는 것처럼 '제4의 벽'의 원리를 내포한다. 공연 극장 - "서사시 극장"에서 연극의 원리는 삶의 상황의 진실과 일치하지 않을 수 있으며 시적 일반화, 은유 적, 비유 적 해결책을 제안합니다.

극장은 집단 예술입니다(참조). 역사적 진화 과정에서 앙상블의 원리가 확립되었습니다. 현대 연극에서 무대 동작의 주최자 역할과 팀의 창의적 노력은 극적 기반의 무대 해석을 담당하는 감독에게 있습니다. 감독은 미장센, 템포리듬, 구성과 같은 비유적이고 표현적인 수단의 도움으로 공연의 예술적 이미지를 만들어낸다.

본질적으로 극장의 예술은 합성입니다 (참조). 연극 예술의 역사에서 합성의 본질이 바뀌고 발레가 눈에 띄고 뮤지컬 극장이 독립되었습니다. 현대 연극은 가장 다양한 예술 형식을 결합하는 경향이 있습니다. 화려한 합성의 구성은 작곡가, 의상 디자이너, 조명 디자이너, 그리고 무엇보다 세트 디자이너의 참여에 크게 좌우됩니다. 무대 디자이너의 수단으로 만들어진 물질적 환경은 기능이 다를 수 있지만 항상 전체의 맥락에 따라 심리적 진실의 전달자 인 퍼포머는 관객의 관심을 구성합니다.

연극 예술은 집단적 지각을 위해 고안되었습니다. 관객, 그의 반응은 행동의 구성 요소입니다. 극장은 관객의 즉각적인 반응 없이는 존재하지 않는다. 리허설을 했지만 관객에게 보여주지 않은 공연은 예술 작품이 아니다. 연주자가 선택한 표현 장치의 의미와 그 사용을 구별할 권리가 부여된 것은 관람자입니다. 현대 연극의 관객은 연상을 확장하고 선호도를 변화시키는 많은 화려한 형식의 영향을 받습니다. 극장은 발전 과정에서 이러한 변화를 고려하지 않을 수 없으며 연극 형식의 역할과 중요성을 높이고 무대 동작과 관객 간의 연결을 강화합니다.

극장의 예술은 사회적 의식의 한 형태이며 예술적 지식과 교육의 수단입니다. 극장의 특수성은 현대 관객의 관심과 요구에 영향을 미치는 중요한 갈등과 인물을 반영하는 데 있습니다. 예술 형식으로서의 연극의 독창성은 이러한 현대성에 있으며, 이는 교육에서 중요한 요소가 됩니다.

2. 연극 예술

연극 예술은 가장 복잡하고 가장 효과적이며 가장 오래된 예술 중 하나입니다. 또한 이질적이고 합성적입니다. 구성 요소로 연극 예술에는 건축, 회화 및 조각 (풍경), 음악 (뮤지컬뿐만 아니라 종종 극적인 공연에서 들림), 안무 (다시 발레뿐만 아니라 드라마에서도 들림)가 포함됩니다. ) , 문학 (극적 공연이 만들어지는 텍스트), 연기 기술 등. 위의 모든 것 중에서 연기 기술이 메인이며 연극을 결정합니다. 소련의 유명한 감독 A. 타이로프는 "...극장의 역사에서 연극 없이, 무대 없이 존재했던 오랜 기간이 있었지만 극장에 배우가 없었던 순간은 단 한 번도 없었다"고 썼다. " Tairov A. Ya , 감독의 노트. 조항. 대화. 연설. 편지. M., 1970, p. 79. .

극장의 배우는 무대 이미지라는 것을 만들어내는 주요 아티스트입니다. 보다 정확하게는 극장의 배우는 예술가이자 창작자이며 동시에 창작의 재료이며 그 결과는 이미지입니다. 배우의 기술을 통해 우리는 최종 표현의 이미지뿐만 아니라 그 생성, 형성 과정 자체를 우리 눈으로 볼 수 있습니다. 배우는 자신의 이미지를 생성하는 동시에 시청자의 눈앞에서 이미지를 생성합니다. 이것은 아마도 무대의 주요 특이성, 연극 이미지 일 것입니다. 여기에 시청자에게 전달하는 특별하고 독특한 예술적 즐거움의 원천이 있습니다. 극장의 관객은 예술의 어느 곳보다 창조의 기적에 직접적으로 관여한다.

연극의 예술은 다른 예술과 달리 살아있는 예술이다. 시청자와 만나는 시간에만 발생합니다. 그것은 무대와 관객 사이의 불가결한 정서적, 영적 접촉을 기반으로 합니다. 그런 접촉이 없다는 것은 자신의 미적 법칙에 따라 사는 스펙타클이 없다는 것을 의미한다.

관객이 한 명도 없는 텅 빈 공연장 앞에서 공연을 한다는 것은 배우에게 큰 고통이다. 그러한 상태는 전 세계로부터 닫힌 공간에 있는 것과 같다. 공연 시간에 관객의 영혼이 배우를 향하듯이 배우의 영혼은 관객을 향한다. 극장의 예술은 고전압 전송의 보이지 않는 전선을 통해 배우에서 시청자로 서로 열망하는 두 가지 영적 에너지가 활발하게 교환되는 행복한 순간에 시청자를 살아 숨 쉬고 흥분시키고 포착합니다. , 시청자에서 배우로.

책을 읽고, 그림 앞에 서서, 독자, 관람자는 작가인 화가를 보지 않습니다. 그리고 극장에서만 창의적인 예술가와 눈을 마주하고 창조의 순간에 그를 만납니다. 그는 마음의 출현과 움직임을 추측하고 무대에서 일어난 사건의 모든 변덕을 그와 함께 살고 있습니다.

소중한 책과 함께하는 독자 혼자서도 설레고 행복한 순간을 경험할 수 있습니다. 그리고 극장은 관객을 혼자 두지 않는다. 극장의 모든 것은 그날 저녁 무대에서 예술 작품을 만드는 사람과 그것을 만드는 사람 사이의 적극적인 감정적 상호 작용을 기반으로 합니다.

관객은 외부 관찰자가 아닌 연극 공연에 온다. 그는 무대에서 일어나는 일에 대한 태도를 표현할 수밖에 없습니다. 폭발적인 박수 승인, 쾌활한 웃음, 긴장되고 방해받지 않는 침묵, 안도의 한숨, 조용한 분노-무대 행동 과정에서 관객의 공모가 가장 다양하게 나타납니다. 그러한 공모, 그러한 공감이 최고조에 달할 때 극장에는 축제 분위기가 조성됩니다...

이것이 살아있는 예술이 의미하는 바입니다. 인간의 마음의 고동이 들리고 영혼과 마음의 미세한 움직임이 민감하게 포착되는 예술, 인간의 감정과 생각, 희망, 꿈, 욕망의 전 세계가 담겨 있습니다.

물론 우리가 배우에 대해 생각하고 말할 때 우리는 연극이 단지 배우가 아니라 배우들의 앙상블, 단결, 배우들의 창의적인 상호 작용이 얼마나 중요한지 이해합니다. Chaliapin은 "진정한 연극은 개인의 창의성뿐 아니라 모든 부분의 완전한 조화를 요구하는 집단 행동"이라고 썼습니다.

연극은 말하자면 이중의 집단 예술이다. 관객은 연극 제작, 무대 동작을 혼자가 아니라 집단적으로 "이웃의 팔꿈치를 느끼는 것"으로 인식하며, 이는 무대에서 일어나는 일의 예술적 전염인 인상을 크게 향상시킵니다. 동시에 인상 자체는 배우 한 사람이 아니라 배우 팀에서 나옵니다. 무대와 강당, 경사로 양쪽에서 그들은 살고 느끼고 행동합니다. 별도의 개인이 아니라 사람, 사람의 사회는 한동안 서로 연결되어 있습니다. 공통 관심, 목적, 공통 행동 .

대체로 극장의 엄청난 사회적, 교육적 역할을 결정하는 것은 바로 이것이다. 함께 창조되고 인식되는 예술은 진정한 의미의 학교가 됩니다. 유명한 스페인 시인 가르시아 로르카(Garcia Lorca)는 “극장은 눈물과 웃음의 학교이며, 사람들이 시대에 뒤떨어지거나 거짓된 도덕성을 고발하고 살아 있는 예를 사용하여 인간의 마음과 인간의 영원한 법칙을 설명할 수 있는 무료 플랫폼입니다. 감정."

사람은 자신의 양심과 영혼을 반영하여 극장으로 향합니다. 그는 극장에서 자신의 시간과 삶을 인식합니다. 극장은 그에게 영적 및 도덕적 자기 지식에 대한 놀라운 기회를 열어줍니다.

그리고 극장은 미적 특성상 다른 예술과 마찬가지로 무대 위의 조건부 예술이 현실 자체가 아니라 예술적 반영 만 관객 앞에 나타나게하십시오. 그러나 그 성찰에는 너무나 많은 진실이 있어서 그것이 가장 진실하고 참된 삶으로 모든 절대성으로 인식됩니다. 시청자는 무대 캐릭터의 존재에 대한 더 높은 현실을 인식합니다. 위대한 괴테는 이렇게 썼습니다.

극장에서, 무대 공연을 위해 모인 사람들의 활기찬 공동체에서 모든 것이 가능합니다. 웃음과 눈물, 슬픔과 기쁨, 노골적인 분노와 격렬한 환희, 슬픔과 행복, 아이러니와 불신, 경멸과 동정, 조심스러운 침묵. 그리고 시끄러운 승인-한마디로 인간 영혼의 정서적 표현과 격변의 모든 부요.

벨로루시 문화 형성에 대한 Radziwill 가족의 영향

불필요한 것들의 두 번째 삶. 다양한 재료로 3D 프린터로 부품을 인쇄하여 오래된 물건의 복원 및 현대화

우리나라에서는 사회 문화 발전 프로젝트에 대한 논의가 점점 더 많아지고 있습니다. 이 현상이 사회의 깊은 경향에 대한 일종의 철학적 분석에 대한 열정을 나타낸다는 것을 누구나 알고 있습니다.

고대 그리스 문화

역사주의 맥락에서의 영적 문화

고대 그리스인들은 예술을 "특정 규칙에 따라 사물을 창조하는 능력"이라고 불렀습니다. 건축과 조각 외에도 그들은 예술을 수공예품, 산술, 일반적으로 모든 비즈니스라고 불렀습니다 ...

고대 그리스 극장의 기원

극장은 아마도 고대 그리스가 새로운 유럽에 남긴 가장 큰 선물이었을 것입니다. 태어날 때부터 그리스 천재의 완전히 독창적 인 창작물은 오락이 아니라 신성한 행위로 간주되었습니다 ...

19세기 후반과 20세기 초 벨로루시의 문화

러시아 문화

고대 러시아 미술(회화, 조각, 음악)도 기독교를 받아들이면서 눈에 띄는 변화를 경험했습니다. Pagan Rus'는 이러한 모든 유형의 예술을 알고 있었지만 순전히 이교도적이고 민속적인 표현이었습니다. 고대 나무 조각가들...

Mark Zakharov 작업의 도덕적, 철학적 문제

19 세기에 연극 예술은 새로운 극장 개장, 신세대 극작가의 창의성, 전문 연극 직업의 출현, 문학 경향의 발전 등 여러 요인으로 인해 빠르게 발전했습니다.

중세 아랍-이슬람 문화

중세 아랍 건축은 그리스, 로마,이란, 스페인과 같은 정복 국가의 전통을 흡수했습니다. 이슬람 국가의 예술도 종교와 복잡한 방식으로 상호 작용하면서 발전했습니다. 모스크...

중세 사회

교회의 종교적 세계관은 중세 미술의 발전에 결정적인 영향을 미쳤다. 교회는 신자들의 종교적 감정을 강화하는 데 자신의 임무를 보았다...

20세기 연극예술: 대화의 길을 찾다

선이 감정에 의해 지시될 때 - 그것은 노예를 무대로 보냅니다. 그리고 여기서 예술은 끝나고 흙과 운명은 숨을 쉰다. B. Pasternak 대화의 개념, 대화는 언어 영역, 구두 연설, 의사 소통과 함께 우리 마음 속에서 연결됩니다 ...

질문 1

예술 형식으로서의 연극. 연극 창의성의 특이성.

예술 형식으로서의 연극.

연극은 이중의 집단 예술이다. 관객은 연극 제작, 무대 동작을 혼자가 아니라 집단적으로 "이웃의 팔꿈치를 느끼는 것"으로 인식하며, 이는 무대에서 일어나는 일의 예술적 전염인 인상을 크게 향상시킵니다. 동시에 인상 자체는 배우 한 사람이 아니라 배우 팀에서 나옵니다. 무대와 강당, 경사로 양쪽에서 그들은 살고 느끼고 행동합니다. 별도의 개인이 아니라 사람, 사람의 사회는 한동안 서로 연결되어 있습니다. 공통 관심, 목적, 공통 행동 .

^ 연극 창의성의 특이성.

영향을 미치는 특별한 수단을 가진 각각의 예술은 미적 교육의 일반 체계에 기여할 수 있고 기여해야 합니다.

다른 형태의 예술과 마찬가지로 연극은 가장 큰 "능력"을 가지고 있습니다. 그는 외부 및 내부 표현에서 단어로 삶을 재창조하는 문학의 능력을 흡수하지만이 단어는 내러티브가 아니라 생생하게 들리며 직접적으로 효과적입니다. 동시에 연극은 문학과 달리 현실을 독자의 머릿속에서 재현하는 것이 아니라 공간에 위치한 객관적으로 존재하는 삶(공연)의 그림으로 재창조한다. 그리고 이런 점에서 연극은 회화에 가깝다. 그러나 연극 활동은 끊임없이 움직이고 시간이 지남에 따라 발전하며 이것은 음악에 가깝습니다. 시청자의 경험 세계에 몰입하는 것은 음악 청취자가 자신의 주관적인 소리 인식 세계에 몰입하는 상태와 유사합니다.

물론 연극이 다른 예술 형식을 대신할 수는 없습니다. 연극의 특수성은 살아있는 연기자의 이미지를 통해 문학, 회화, 음악의 '특성'을 전달한다는 것입니다. 다른 형태의 예술을 위한 이 직접적인 인적 재료는 창의성의 출발점에 불과합니다. 연극에서 "자연"은 물질적 역할을 할 뿐만 아니라 즉각적인 생명력으로 보존됩니다. 철학자 G. G. Shpet은 다음과 같이 말했습니다. 2) 예술적 이미지가 만들어지는 재료를 자신의 고유한 개인에 구체적으로 가지고 있어야 합니다.

극장의 예술은 삶과 합쳐지는 놀라운 능력을 가지고 있습니다. 무대 퍼포먼스는 경사로 반대편에서 벌어지지만 긴장감이 고조되는 순간 예술과 삶의 경계가 흐려지며 관객에게 현실 그 자체로 인식된다. 극장의 매력은 관객의 상상 속에서 '무대 위의 삶'이 자유롭게 떠오른다는 데 있다.

이러한 심리적 전환은 극장이 현실의 특징을 부여받았을 뿐만 아니라 그 자체로 예술적으로 창조된 현실이기 때문에 발생한다. 현실의 인상을 만드는 연극 현실에는 고유 한 특별법이 있습니다. 연극의 진실은 삶의 타당성이라는 기준으로 측정될 수 없다. 드라마의 주인공이 짊어진 심리적 부담은 인생의 사람이 견딜 수 없다. 극장에는 전체 사건주기가 극도로 압축되어 있기 때문이다. 연극의 주인공은 종종 내면의 삶을 많은 열정과 집중된 생각으로 경험합니다. 그리고 이 모든 것은 청중에게 당연하게 받아들여진다. 객관적 현실의 규범에 따른 "믿을 수 없는"은 전혀 신뢰할 수 없는 예술의 표시가 아닙니다. 연극에서 '진리'와 '비진리'는 기준이 다르고 구상적 사고의 법칙에 의해 결정된다. "예술은 우리의 정신적 "메커니즘"의 충만함에 의해 현실로 경험되지만 동시에 아이들이 말했듯이 "현실이 아닌"인공 게임, 현실의 환상적 이중화라는 특정 품질로 평가됩니다. ”

극장 방문자는 무대 동작의 이 이중적 측면을 인식할 때 극장 관객이 되며, 눈앞에 있는 중요한 구체적인 행위를 볼 뿐만 아니라 이 행위의 내적 의미를 이해하게 됩니다. 무대에서 일어나는 일은 삶의 진실이자 비유적인 재현으로 느껴집니다. 동시에 시청자가 현실감을 잃지 않고 극장의 세계에서 살기 시작한다는 점에 주목하는 것이 중요합니다. 현실과 연극적 현실 사이의 관계는 다소 복잡하다. 이 프로세스에는 세 단계가 있습니다.

1. 극작가의 상상력에 의해 드라마틱한 작품으로 변형된 객관적으로 보여지는 현실.

2. 무대 생활에서 극장(감독, 배우)이 구현한 극적인 작품 - 공연.

3. 관객이 인식하고 경험의 일부가 된 무대 생활은 관객의 삶과 합쳐져 다시 현실로 돌아온다.

그러나 "귀환"은 원래 소스와 유사하지 않으며 이제는 영적으로나 미학적으로 풍부합니다. "예술 작품은 살기 위해, 거의 문자 그대로 살기 위해 만들어진다.

이 단어, 즉 실생활에서 경험한 사건처럼

각 개인과 모든 인류의 영적 경험에서.

능동적 상상력의 두 유형, 즉 배우와 관객의 교차는 소위 "극장의 마법"을 불러일으킨다. 연극 예술의 장점은 상상을 명료하고 구체적으로 무대 위에서 펼쳐지는 실사로 구현한다는 데 있다. 다른 예술에서 상상의 세계는 문학이나 음악처럼 인간의 상상 속에 나타나거나 조각이나 회화처럼 돌이나 캔버스에 묘사된다. 극장에서 관객은 상상의 세계를 본다. "모든 공연에는 모든 시청자가 사용할 수 있는 물리적이고 객관적인 요소가 포함되어 있습니다." .

본질적으로 무대 예술은 수동적이지 않고 청중에 대한 적극적인 열정을 전제로 합니다. 다른 예술에서는 극장에서와 같이 인식에 대한 창작 과정의 의존성이 없기 때문입니다. G.D. Gachev에서 청중은 "천개의 눈을 가진 Argus와 같은 천체와 같습니다.<...>무대 위 액션에 불을 붙이다<...>왜냐하면 무대 자체의 세계가 일어나고 나타나기 때문이다.

극장의 기본 법칙-무대에서 일어나는 사건에서 관객의 내부 공모-는 각 관객의 상상력, 독립적, 내부 창의성의 흥분을 포함합니다. 행동에 대한 이러한 매력은 관객을 극장 홀에서도 볼 수 있는 무관심한 관찰자와 구별합니다. 관객은 능동적인 예술가인 배우와 달리 관조적인 예술가이다.

청중의 적극적인 상상력은 선택한 예술 애호가의 특별한 영적 재산이 아닙니다. 물론 발달 된 예술적 취향이 매우 중요하지만 이것은 모든 사람에게 내재 된 정서적 원리의 발달 문제입니다. “예술적 취향은 독자, 청취자, 시청자에게 외부 형식에서 내부로, 그리고 그것에서 작품의 내용으로 가는 길을 열어줍니다. 이 길을 성공적으로 통과하기 위해서는 상상력과 기억의 참여, 정신의 정서적, 지적 힘, 의지와 주의력, 그리고 마지막으로 믿음과 사랑, 즉 영적 힘의 동일한 통합 정신 복합체가 창작활동이 필요합니다.

지각 과정에서 예술적 현실에 대한 의식은 깊어질수록 관람자가 경험의 영역에 완전히 몰두할수록 인간의 영혼에 더 다층적인 예술이 스며든다. 상상력이 존재하는 것은 예술에 대한 무의식적 경험과 의식적 인식이라는 두 영역의 교차점에 있습니다. 그것은 처음에는 유기적으로 모든 사람이 접근할 수 있는 인간의 정신에 내재되어 있으며 미적 경험의 축적 과정에서 크게 발전할 수 있습니다.

심미적 인식은 보는 사람의 창의성이며 엄청난 강도에 도달할 수 있습니다. 시청자 자신의 본성이 풍부할수록 미적 감각이 더 발달하고 예술적 경험이 더 완전하며 상상력이 더 활발하고 연극 적 인상이 더 풍부합니다.

지각의 미학은 주로 이상적인 관찰자를 지향합니다. 실제로 연극 문화를 교육하는 의식적인 과정은 시청자가 예술에 대한 지식을 얻고 특정 지각 기술을 습득하도록 발전시킬 것입니다. 교육을 받은 시청자는 다음과 같이 할 수 있습니다.

자체 법률에 따라 극장을 숙지하십시오.

현대적인 과정에서 극장을 이해하십시오.

역사적 발전 과정에서 극장을 알 수 있습니다.

동시에 보는 사람의 머릿속에 기계적으로 접힌 지식이 온전한 지각을 담보하는 것은 아니라는 점을 알아야 한다. 관객 문화가 형성되는 과정은 어느 정도 양적 계기가 어떤 질적 현상으로 일직선으로 합쳐지지 않는 '블랙박스'의 속성을 갖는다.

연극은 놀라운 예술입니다. 지난 세기 동안 그는 임박한 죽음을 여러 번 예측했기 때문입니다. 그는 연설을 찾은 Great Silent의 위협을 받았습니다. 사운드 시네마가 극장에서 모든 청중을 빼앗아 갈 것 같았습니다. 그런 다음 위협은 텔레비전에서 왔으며 광경이 집에 직접 왔을 때 나중에 비디오와 인터넷의 강력한 확산이 두려워지기 시작했습니다.

그러나 세계 연극 예술의 존재에 대한 일반적인 경향에 초점을 맞추면 21 세기 초 극장이 자신을 유지했을뿐만 아니라 비 대중적 성격과 어떤 의미에서 그 예술의 "엘리트주의". 그러나 같은 의미에서 대중 연주자들이 모이는 수백만 명의 청중과 음악원의 제한된 사람들을 비교한다면 순수 예술이나 클래식 음악의 엘리트주의를 말할 수 있습니다.

현대의 종합극장에서는 지배적 원리인 진실과 허구의 전통적인 상관관계가 일종의 불가분의 통일성으로 나타난다. 이 종합은 경험의 행위(인생의 진실에 대한 인식)와 미적 즐거움의 행위(극장의 인식)로 발생합니다. 그런 다음 시청자는 행동의 심리적 참여자, 즉 영웅의 운명을 "흡수"하고 영적으로 자신을 풍요롭게하는 사람이 될뿐만 아니라 일어나는 일과 동시에 자신의 상상 속에서 창의적인 행동을 수행하는 제작자가됩니다. 무대 위에. 이 마지막 순간은 매우 중요하며 청중의 미적 교육에서 중심적인 위치를 차지합니다.

물론 각 시청자는 이상적인 성능에 대한 자신의 아이디어를 가질 수 있습니다. 그러나 모든 경우에 그것은 예술에 대한 요구 사항의 특정 "프로그램"을 기반으로 합니다. 이러한 종류의 "지식"은 청중 문화의 특정 성숙을 전제로 합니다.

관객 문화는 관객에게 제공되는 예술의 특성에 크게 좌우됩니다. 미적, 윤리적, 철학적 과제가 어려울수록 생각이 더 긴장되고 경험이 더 선명 해지고 시청자의 취향이 미묘하게 나타납니다. 우리가 독자, 청취자, 시청자의 문화라고 부르는 것은 사람의 성격 자체 개발과 직접 관련이 있으며 영적 성장에 달려 있으며 그의 영적 성장에 영향을 미칩니다.

극장이 관객에게 심리학적 용어로 제시하는 과제의 의미는 모든 복잡성과 불일치로 인해 주어진 예술적 이미지가 관객에게 처음에는 객관적으로 존재하는 실제 캐릭터로 인식되고 그 다음에는 다음과 같은 사실에 있습니다. 이미지에 익숙해지고 반영함에 따라 행동, 내면의 본질, 일반화 의미를 (독립적으로) 드러냅니다.

미학 측면에서 작업의 복잡성은 시청자가 진실의 기준에 따라 무대 이미지를 인식할 뿐만 아니라 시적 은유적 의미를 해독하는 방법(학습)도 알고 있다는 사실에 있습니다.

따라서 연극 예술의 특수성은 살아있는 사람, 직접 경험하는 영웅으로서, 직접 창작하는 예술가-예술가로서 극장의 가장 중요한 법칙은 관객에게 직접적인 영향을 미친다는 것입니다.

"극장 효과", 그 선명도는 예술 자체의 존엄성뿐만 아니라 강당의 미적 문화 인 존엄성에 의해 결정됩니다. 공연의 의무적 공동 창작자로서 관객은 연극 실무자(감독 및 배우)가 가장 자주 쓰고 이야기합니다. 관중 자신이 게임에서 "패배"하는 경우, 즉 ... 규칙을 수락하고 공감하거나 철회하는 사람의 역할을 합니다.

그러나 관람자 속에서 예술가의 각성은 관람자가 공연에 내재된 내용을 충분히 인지할 수 있어야만 가능하고, 미적 범위를 확장하고 예술의 새로운 것을 보는 법을 배울 수 있어야 한다. 그가 가장 좋아하는 예술적 스타일, 그는 고전 작품에 대한 새로운 독서를 볼 수 있고 배우의 구현에서 감독의 아이디어를 분리 할 수 있다면 귀머거리와 다른 창의적인 방향으로 밝혀지지 않았습니다 ... 거기 더 많은 "만약"이 있습니다. 결과적으로 관객이 창의성에 참여하여 예술가가 깨어나려면 우리 극장 발전의 현재 단계에서 관객의 예술 문화의 전반적인 증가가 필요합니다.