namai › Degalų sistema › Šiuolaikiniai belgų menininkai. XVII amžiaus flamandų menininkai Belgijos menininkų paveikslai

Šiuolaikiniai belgų menininkai. XVII amžiaus flamandų menininkai Belgijos menininkų paveikslai

Šiuolaikinė belgų menininkė Deborah Missoorten gimė ir tebegyvena Antverpene, Belgijoje, kur dirba kaip laisvai samdoma profesionali menininkė. Dailės akademijoje ji baigė teatro kostiumų dizainą.

Belgijos šiuolaikiniai menininkai. Jean-Claude suknelė

Jeanas-Claude'as yra vienas iš nedaugelio šiuolaikinių menininkų, kuris, remdamasis puikiais praeities pavyzdžiais, sugebėjo juos peržiūrėti ir redaguoti pagal savo asmeninę viziją. Savo kūrinius jis pripildo emocijų taip, kad sugrąžintų žiūrovą prie šio emocionalumo šaltinio, praturtinto autoriaus pastangomis, kruopščiai išplėtota paveikslo, spalvos ir harmonijos samprata. Menininkas tai daro tam, kad mums patiktų atskleisti šio šaltinio paslaptis.

Stengiuosi parodyti tai, kas nematoma. Chuanas Maria Bolle

Juanas Maria Bolle yra garsus flamandų (belgų) menininkas, gimęs Vilvoorde, netoli Briuselio, Belgijoje, 1958 m. gruodžio mėn. 1976 m. jis baigė Karališkąją Athenaeum vidurinę mokyklą savo gimtajame mieste. 1985 m. baigė studijas St. Lucas menų institute Briuselyje.

Aistrai nereikia etiketės. Piteris Seminckas

Peteris Seminckas yra garsus belgų menininkas, gimęs Antverpene 1958 m. Išsilavinęs Schoten dailės akademijoje, iš pradžių įgijo bakalauro, o paskui – vaizduojamųjų menų magistro laipsnį. Jis neapsiriboja temomis, piešia įvairius paveikslus, dažniausiai aliejumi ant drobės. Šiuo metu gyvena ir dirba Malle, Antverpeno priemiestyje, Belgijoje.

Šiuolaikinis belgų menininkas. Debora Missoorten

Belgijos šiuolaikiniai menininkai. Frederikas Duforas

šiuolaikinis menininkas Frédéricas Dufortas gimė 1943 m. Tournai mieste, Belgijoje ir įgijo išsilavinimą Institut Saint-Luc Turnai, o vėliau Monso akademijoje. Po trumpos pertraukos jis buvo įtrauktas į Louis Van Lint studiją Saint-Luc institute Briuselyje. Nuo 1967 m., baigęs studijas, 10 metų dėstė Grafinių ryšių institute, o vėliau užėmė dėstytojo pareigas Sent Luco institute Briuselyje, kur dirbo iki 1998 m. gruodžio mėn.

Musinas Irjanas. šiuolaikinė tapyba

Musin Irzhan, modernus menininkas, gimė Alma Atoje, Kazachstane, 1977 m. 1992–1995 m. mokėsi Alma Atos meno mokykloje. Tada įstojo ir 1999 m. sėkmingai baigė I. E. Repino dailės akademiją Sankt Peterburge. Po to keletą metų studijavo šiuolaikinę tapyba meno mokykloje „RHoK“ Briuselyje ir dailės akademijoje Antverpene.
Nuo 2002 metų ne kartą eksponavo ir dalyvavo įvairiuose konkursuose, kuriuose ne kartą yra pelnęs prizines vietas ir gavęs apdovanojimus. Jo paveikslai yra privačiose kolekcijose Anglijoje, Prancūzijoje, Olandijoje, JAV, Kolumbijoje, Belgijoje ir Rusijoje. Šiuo metu gyvena ir dirba Antverpene, Belgijoje.

Paulius Ledentas. Šiuolaikinis savamokslis menininkas. Peizažai ir gėlės

Pagrindinė šio menininko paveikslų tema – laukinė gamta, peizažai ir metų laikus, tačiau Paulius daug darbo skyrė žmogaus kūno jėgai, energijai ir grožiui.

Paulius Ledentas. Šiuolaikinis savamokslis menininkas. Žmonės

Paulas Legendas gimė 1952 m. Belgijoje. Bet prie tapybos atėjo ne iš karto, tik 1989 m. Pradėjo nuo akvarelės, bet greitai suprato, kad to jam nereikia, aliejinė tapyba labiau atitiks jo mąstymą.
Pagrindinė Pauliaus paveikslų tema – laukinė gamta, peizažai ir metų laikus, tačiau daug darbų jis skyrė žmogaus kūno jėgai, energijai ir grožiui.

Pelėdos diržas belgų menininkas. Christiane Vleugels

Stephanas Heurionas. Akvarelės piešiniai

Paulas Ledentas gimė 1952 m. Belgijoje. Imtis tapybos ryžosi ne iš karto, o tik po kelerių metų inžinieriaus darbo, 1989 m. Paulius pradėjo nuo akvarelės, bet greitai pajuto, kad aliejinė tapyba labiau atitiks jo mąstymą.

Cedricas Leonardas jaunas dizaineris iš Belgijos. Gimė 1985 m. Jis baigė St. Luc menų mokyklą ir įgijo vaizduojamųjų menų bakalauro laipsnį. Netrukus po to jis pradėjo dirbti nedidelėje įmonėje žiniatinklio valdytoju. Šiuo metu dirba laisvai samdomu dizaineriu. Cedricas siekia originalumo visame kame, ką daro, ir tiki šiuolaikinių vaizdų patrauklumu.

Pakeliui yra keli muziejai. Šiame straipsnyje papasakosiu apie Karališkuosius vaizduojamojo meno muziejus Briuselyje. Greičiau tai visas kompleksas, susidedantis iš šešių muziejų.

Keturi Briuselio centre:

*Senovės meno muziejus.
Nuostabi XV–XVIII a. senųjų meistrų kolekcija.
Didžiąją šios kolekcijos dalį sudaro Pietų Nyderlandų (Flandrijos) menininkų paveikslai. Tokių meistrų kaip Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel the Elder, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens ir kitų šedevrai...
Kolekcija atsirado Prancūzijos revoliucijos metu, kai užpuolikai užgrobė daugybę meno kūrinių. Nemaža dalis buvo pargabenta į Paryžių, o iš to, kas buvo saugoma, muziejų 1801 m. įkūrė Napoleonas Bonapartas. Visos konfiskuotos vertybės iš Paryžiaus į Briuselį grįžo tik po Napoleono nusodinimo. Nuo 1811 m. muziejus tapo Briuselio miesto nuosavybe. Karaliui Vilhelmui I atsiradus Jungtinei Nyderlandų Karalystei, muziejaus fondai gerokai išsiplėtė.

Robertas Kampinas. „Apreiškimas“, 1420–1440 m

Jokūbas Jordanesas. Satyras ir valstiečiai, 1620 m

* Modernaus meno muziejus.
Šiuolaikinio meno kolekcija apima kūrinius nuo XVIII amžiaus pabaigos iki šių dienų. Kolekcijos pagrindas – belgų menininkų darbai.
Senojoje muziejaus dalyje galima pamatyti garsųjį Jacqueso-Louis David paveikslą – Marato mirtį. Kolekcija iliustruoja Belgijos neoklasicizmą ir yra paremta Belgijos revoliucijai ir šalies įkūrimui skirtais darbais.
Dabar jis pristatomas visuomenei laikinų parodų pavidalu vadinamajame „Patio“ kambaryje. Tai leidžia reguliariai keisti šiuolaikinio meno kūrinius.
Muziejuje saugoma garsiausio belgų impresionizmo atstovo Alfredo Stevenso „Salomėja“. Taip pat pristatomi tokie garsūs kūriniai kaip James Ensor „Rusiška muzika“ ir Fernand Khnopf „Sfinkso švelnumas“. Tarp muziejuje atstovaujamų XIX amžiaus meistrų išsiskiria Jeano Auguste'o Dominique'o Ingreso, Gustave'o Courbet ir Henri Fantin-Latour šedevrai. XIX amžiaus pabaigos prancūzų tapyba. atstovaujama Paulo Gauguino „Suzanne Bambridge portretas“, Georgeso Seurat „Pavasaris“, Paulo Signaco „Įlanka“, Edouardo Vuillardo „Du mokiniai“, Maurice'o Vlamincko peizažas ir Auguste'o Rodino skulptūra „Kariatė“, „Portretas valstietis“ Vincento van Gogo (1885. ) ir Loviso Korinto „Natiurmortas su gėlėmis“.

Jean Louis David. „Marato mirtis“, 1793 m

Gustavas Wappersas. „Rugsėjo dienų epizodas“, 1834 m

* Magrito muziejus.
Atidarytas 2009 m. birželio mėn. Belgijos tapytojo siurrealisto René Magritte (1898 m. lapkričio 21 d. – 1967 m. rugpjūčio 15 d.) garbei. Muziejaus kolekcijoje yra daugiau nei 200 aliejiniais dažais ant drobės, guašo, piešinių, skulptūrų ir tapytų objektų, taip pat reklaminių plakatų (daug metų dirbo plakato ir reklamos dailininku popieriaus fabrike), senų fotografijų ir filmuotų filmų. paties Magritte'o.
20-ojo dešimtmečio pabaigoje Magritte'as pasirašė sutartį su „Cento“ galerija Briuselyje ir taip visiškai atsidavė tapybai. Jis sukūrė siurrealistinį paveikslą „Paklydęs žokėjus“, kurį laikė savo pirmuoju sėkmingu tokio pobūdžio paveikslu. 1927 m. jis surengia savo pirmąją parodą. Tačiau kritikai jį pripažįsta nesėkmingu ir Magritte'as išvyksta į Paryžių, kur susipažįsta su Andre Bretonu ir prisijungia prie jo siurrealistų rato. Jis įgauna firminį stilių, dėl kurio jo paveikslai tampa atpažįstami. Grįžęs į Briuselį, jis tęsia savo darbą nauju stiliumi.
Muziejus taip pat yra siurrealistinio menininko palikimo tyrimų centras.

*Šimtmečio pabaigos muziejus (Fin de siècle).
Muziejus vienija XIX amžiaus pabaigos ir XX amžiaus pradžios, vadinamojo „amžiaus pabaigos“, kūrinius, daugiausia pasižyminčius avangardiniu pobūdžiu. Viena vertus, tapyba, skulptūra ir grafika, bet taip pat taikomoji dailė, literatūra, fotografija, kinas ir muzika.
Daugiausia reprezentuojami belgų menininkai, bet ir užsienio meistrų darbai, tinkantys kontekstui. Menininkų, kurie priklausė dideliems to meto Belgijos menininkų judėjimams, kūriniai.

Ir du priemiesčiuose:

*Wirtz muziejus
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) – belgų tapytojas (1806-1865). 1835 metais jis nutapė savo pirmąjį reikšmingą paveikslą „Graikų kova su Trojos arkliais dėl Patroklo lavono užvaldymo“, kuris nebuvo priimtas į parodą Paryžiuje, bet sukėlė didelį entuziazmą Belgijoje. Po jo sekė: „Mirtis šv. Dionisijus“, triptikas „Kapas“ (su Ievos ir Šėtono figūromis ant sparnų), „Skrydis į Egiptą“, „Angelų maištas“ ir geriausias menininko kūrinys „Kristaus triumfas“. . Koncepcijos ir kompozicijos originalumas, spalvų veržlumas, drąsus šviesos efektų žaismas ir platus teptuko potėpis daugeliui belgų suteikė priežastį žiūrėti į Wirtzą kaip į savo senosios nacionalinės istorinės tapybos atgaivintoją, kaip į tiesioginį. Rubenso įpėdinis. Kuo toliau, tuo jo istorijos darėsi ekscentriškesnės. Belgijos vyriausybė Briuselyje jam pastatė plačias dirbtuves, daugiausia milžiniško dydžio jo darbams, taip pat jo sugalvotiems matinės tapybos eksperimentams. Čia Wirtzas, kuris nepardavė nė vieno savo paveikslo ir egzistavo tik kaip portretų užsakymai, surinko visus savo, jo nuomone, kapitalinius kūrinius ir paliko juos kartu su pačia dirbtuvėle kaip palikimą Belgijos žmonėms. Dabar šios dirbtuvės yra Wirtz muziejus. Jame saugoma iki 42 paveikslų, tarp jų ir minėtieji šeši.

*Meunier muziejus
Muziejus buvo atidarytas garbei Constantin Meunier (1831-1905), kuris gimė ir užaugo neturtingoje imigrantų iš Belgijos anglių kasybos regiono Borinage šeimoje. Nuo vaikystės jam buvo žinoma sudėtinga socialinė padėtis ir dažnai apgailėtinas kalnakasių ir jų šeimų gyvenimas. Meunier savo įspūdžius apie kasybos regiono gyvenimą įamžino plastinėmis formomis, demonstruodamas darbštą žmogų kaip harmoningai išsivysčiusią asmenybę. Skulptorius susikūrė tokį darbininko įvaizdį, kuris atspindi jo pasididžiavimą ir stiprybę, nesigėdijančio savo krovėjo ar dokininko profesijos. Pripažįstant tam tikrą idealizavimą, su kuriuo Meunier kūrė savo herojus, reikia pripažinti ir jo didžiulį istorinį nuopelną tuo, kad jis buvo vienas pirmųjų meistrų, pagrindine savo darbo tema pavertęs fizinį darbą dirbantį žmogų, parodydamas jį kaip kūrėją. kupinas vidinio orumo.

N. Stepanlinas (vaizduojamasis menas); O. Švidkovskis, S. Khanas-Magomedovas (architektūra)

Jau paskutiniame XIX amžiaus dešimtmetyje. Belgijos mene atsiranda pirmieji nukrypimo nuo demokratinių, liaudiškų pamatų, suformavusių didžiausio belgų menininko Constantin Meunier kūrybą, ženklai. Meunier atvaizdų gyvybingumas ir didybė buvo nepasiekiami jo jaunesniems amžininkams. Ateityje belgų meno likimas daugeliu atžvilgių klostysis prieštaringai ir dramatiškai.

XIX amžiuje belgų tapyboje iškilusią realistinę kryptį išplėtojo tokie meistrai kaip Leonas Frederikas (1856-1940), Eugene'as Larmanet (1864-1940) ir kt. Paprasti žmonės, jų kasdienybė – tokia šių meistrų darbų tema, tačiau savo interpretacijoje jie nukrypsta nuo herojiško monumentalumo, aktyvumo ir vientisumo, taip būdingo C. Meunier skulptūrai ir tapybai. Žmonės L. Fredericko drobėse pasirodo kur kas įprastesniu, kasdieniškesniu būdu. Mistinės tendencijos belgų mene derinamos su natūralizmo elementais, fotografiniu tikslumu perkeliant peizažą, tipą, su ypatingu niūrumu, vedančiu žiūrovą į mintį apie tragiškos pasaulio tvarkos beviltiškumo amžinybę. Net toks reikšmingas savo tematika kūrinys kaip E. Larmanso „Streiko vakaras“ (1894), jau nekalbant apie paveikslą „Mirtis“ (1904; abu - Briuselis, Modernaus meno muziejus) išsiskiria nuotaika. nevilties ir veiksmų beprasmiškumo.

Belgijos meno raidai būdingiausia Jameso Ensoro (1860-1949) kūryba. Nuo žanro realistinių paveikslų Ensoras pamažu ateina į simboliką. Fantastiški, klaikūs šio menininko įvaizdžiai, jo potraukis alegorijoms, kaukių ir skeletų vaizdavimas, iššaukiančiai ryškus, beveik triukšmingas koloritas, be jokios abejonės, buvo savotiškas protestas prieš smulkiaburžuazinį buržuazinio pasaulio siaurumą ir vulgarumą. Tačiau Ensoro satyra neturi konkretaus socialinio turinio, atrodo, kad tai satyra apie žmonių rasę, ir šiose jo meno savybėse neįmanoma neįžvelgti tolesnių formalistinių Belgijos meno nukrypimų užuomazgos.

J. Ensoras Belgijos grafikoje užima ypatingą vietą. Jo originalūs, kupini nervinės energijos ofortai labai išraiškingi, perteikia vidinio susijaudinimo ir nerimo atmosferą. Ypač dramatiški yra peizažai „Mariakerke vaizdas“ (1887 m.) ir „Katedra“ (1886 m.; abu yra Briuselio karališkosios bibliotekos graviūrų salėje), sukurti remiantis aštriu ir paradoksaliu kontrastu tarp didingos žmogaus kūrybos ir minios. knibždėte knibžda kaip sunerimęs skruzdėlynas gotikinės šventyklos papėdėje. Satyros derinys su fantazija – nacionalinė Belgijos meno tradicija, kilusi iš I. Bosch – čia randa naują ir aštrų lūžį.

Didelį vaidmenį vaizduojamajame mene suvaidino literatūrinė simbolika, siejama su Maurice'o Maeterlincko vardu, Belgijos architekto ir taikomosios dailės naujų stilistinių reiškinių, susijusių su Art Nouveau tendencija, atsiradimu (architektas A. van de Velde ir kt.). Belgijos. Jų įtakoje 1898-1899 m. susikūrė „1-oji latemo grupė“ (pavadinta pagal menininkų apsigyvenimo vietą – Latem-Saint-Martin kaimą prie Gento). Šiai grupei vadovavo skulptorius J. Minnet, joje buvo G. van de Wusteine'as, V. de Sadeleris ir kt. Jų darbas buvo pagrįstas „aukštesniojo“ dvasinio pasaulio prioriteto prieš tikrovę idėja. Įveikdami impresionistines tendencijas, šie meistrai stengėsi atitolti „nuo reiškinių paviršiaus“, „išreikšti dvasinį daiktų grožį“. Latemiečiai atsigręžė į tautines tapybos tradicijas, į XIV–XVI amžiaus olandų primityvus, tačiau savo kūryboje, kuri labiausiai išreiškė simbolizmo idėjas, o vėliau vystėsi vis stiprėjančio ekspresionizmo ženklu, iš esmės buvo labai toli nuo tų tradicijų, į kurias jie rėmėsi. II griežtuose, gražiuose Valerijaus de Sadelerio (1867-1914) peizažuose ir jaunesniojo grupės nario Gustavo van de Wusteine'o (1881-1947) mistikos persmelktuose darbuose atvaizdui vietos nėra. asmens.

Amžiaus pradžioje gana stipriai vystėsi ir puantilizmas, kurio ryškiausias atstovas Belgijoje buvo Theo van Reiselberghe (1862-1926).

20-ųjų pradžioje. sukurta „2-oji latemo grupė“, veikianti ekspresionizmo įtakoje, nors pats ekspresionizmas Belgijoje, siejamas su tragiškais Pirmojo pasaulinio karo įvykiais, įgauna ypatingą spalvą. Šios krypties vadovas buvo Constant Permeke (1886-1952). Didelėse, plačiai tapytose šio meistro drobėse belgų menui pažįstamos temos – žemė, jūra, valstiečių atvaizdai – nupiešti tragedijos ir gilios dvasinės sumaišties tonais. Per visą apgalvotą deformaciją, Permekės valstietiškų įvaizdžių dvasinio ribotumo ir grubumo akcentavimą prasiveržia jo simpatija ir simpatija žmonėms, leidusiems menininkui kurti emociškai įspūdingus vaizdus. Niūrus, nuobodus koloritas, veiksmo neryškumas, žmonių charakterių nejudrumas perteikia gedulingų nuojautų ir beviltiškumo nuotaiką („Sužadėtinė“, 1923; Briuselis, Modernaus meno muziejus).

Gustave'as de Smetas (1877-1943), Jeanas Brusselmansas (1884-1953) savaip perkūrė ekspresionizmo principus, pirmasis supaprastindamas formas, teikdamas didelę reikšmę kompozicinei savo paveikslų harmonijai, antrasis padidindamas, suteikdamas. stulbinančiai jų peizažų spalvų sistemą. Susidomėjimas spalvomis, kaip emocinio poveikio nešėja tapyboje, sujungė Briuselmaną su Brabanto fovistų grupe, kuriai priklausė R. Woutsrsas, E. Taitgatas ir F. Coxas. Ypač vertingas yra Ricko Wouterso (1882–1916) menas. Aistra ryškiai dekoratyviems spalvų deriniams šiam menininkui neužgožia psichologinių jo modelių savybių; priešingai nei prancūzų fovistai, Wautersas ieško plastiškumo, daiktų apimties – tokia yra jo „Pamoka“ (1912; Briuselis, Dailės muziejus), vėlyvasis „Autoportretas su juodu tvarsčiu“ (1915; Antverpenas). , L. van Bogarto kolekcija), „Nelė raudonai“ (1915 m.; privati kolekcija).

Nuo 30-ųjų. Belgijoje vystosi siurrealizmas, kurio du atstovai tampa plačiai žinomi - tai R. Magritte'as (g. 1898 m.) ir P. Delvaux (g. 1897 m.). Šiems meistrams būdingas grynai saloninio grožio derinys su liguista fantazija pačiuose atskirų kompozicijos dalių deriniuose, įkyrios erotinio plano idėjos ir kt. Tuo pat metu „intymių“ menininkų Albertas van Dyckas (1902 m. 1951 m.), su jais dirbo Jacques'as Masas (g. 1905 m.), kurie savo kūrybiškumą apsiribojo siaura intymi peizažo ir žanrine tapyba. Dailininkai L. van Lintas (g. 1909 m.) ir R. Slabbinkas (g. 1914 m.) pirmiausia buvo siejami su „intimistais“, kurie persikėlė į pokarį ir ypač į šeštąjį dešimtmetį. į abstrakčiąją tapybą, kuri buvo plačiai paplitusi ir pripažinta Belgijoje.

Belgijos tapybos meistrų liko nedaug XX amžiuje. tikroviškose pozicijose. Reikšmingiausias iš jų – aštrių, gyvybiškai išraiškingų ir gilių psichologinių portretų autorius Izidorius Opsomeras (g. 1878) („K. Huysmanso portretas“, 1927 m.; Antverpenas, Karališkasis dailės muziejus). Opsomeras sukūrė daugybę natiurmortų, labai vaizdingų, gaivių ir ryškių spalvų.

Socialinės temos, Belgijos žmonių kovos už savo teises temos skamba Pierre'o Poluso (g. 1881) ir Kurto Peiserio (1887-1962), o ypač jauno progresyviojo menininko Rogerio Somvilio (g. 1923) darbuose. , kuri taip pat dirba monumentaliosios tapybos, vitražo ir kilimų meno srityje. Didelius teminius paveikslus belgų tautos kovos temomis kuria E. Dubrenfo, L. Deltour, R. Saumville, šie menininkai glaudžiai bendradarbiauja su architektais.

Šiuolaikinei belgų grafikos mokyklai būdingas drąsus naujų temų ir naujų stilistinių problemų išdėstymas. Be jau pavadinto D. Ensoro, Žiulis de Breukeris (1870-1945) buvo didžiausias ėsdytojas Belgijoje. Jo lakštai skirti miestų lūšnynų gyvenimui, šiuolaikinio kapitalistinio pasaulio socialiniams kontrastams. Skvarbus Breakerio žvilgsnis įžvelgia tragikomišką gyvenimo pusę ir, nepaisant analitinės jo kūrybos pobūdžio, juos skleidžia gili užuojauta žmonėms. Šia prasme daugelis Breakerio lakštų („Mirtis sklendžia virš Flandrijos“, 1916 m.) yra susiję su Belgijos meno liaudies tradicijomis.

Ryškiausias šiuolaikinės belgų grafikos atstovas – Fransas Mazerelis (g. 1889), dirbęs ir monumentaliosios bei molbertinės tapybos srityje. Maserelio kūrybinė veikla neatsiejamai susijusi su pažangių sluoksnių ne tik belgų, bet ir prancūzų bei vokiečių inteligentijos interesais. Nuo Pirmojo pasaulinio karo, kai Maserelis išleido aštrių antimilitaristinių laikraščių piešinių seriją, jis teigia esąs meistras, visą savo darbą paskyręs žmonijos kovai už aukštus humanistinius idealus. Šiuo laikotarpiu Maserelis buvo glaudžiai susijęs su pagrindiniais žurnalistais ir menininkais, buvo draugiškas su Romainu Rollandu; tuo pat metu prasidėjo jo iliustratoriaus darbas, buvo sukurtos pirmosios medžio raižinių serijos („Žmogaus kryžiaus kelias“, 1918 m.; „Mano valandų knyga“, 1919 ir kt.) - Šiose serijose kaip nebylioje kronikoje praeina šiuolaikinio žmogaus gyvenimo kelias, jo kova, sąmonės augimas, džiaugsmai ir vargai. Kontrastų aštrumas, trumpumas ir vizualinių priemonių išraiškingumas dažnai priartina Maserelio graviūras prie plakato.

Kartu su didžiausiais šiuolaikinės Europos kultūros meistrais F. Mazerelis siekia organiškos XIX amžiaus demokratinės kultūros tradicijų, realizmo ir humanizmo tradicijų bei aukštos, veiksmingos filantropijos plėtotės. Tuo pačiu metu, spręsdamas esmines socialines šių laikų problemas mene, Maserelis nuolat stengėsi plėsti realistinio meno priemones, kurti naują realistinę, šiuolaikinę pasaulėžiūrą atitinkančią vaizdinę kalbą.

Maserelio graviūrų kalbai būdingas trumpumas, gilumas, prisotintas gilių metaforinių asociacijų. Mazerelio lakštai turi potekstę, dėl savo išraiškingo patrauklumo jie palaipsniui išskleidžia savo turinį. Autoriaus intencijos gilumas slypi ne tik kiekviename lape, bet ir kiekvienos teminės serijos lapų santykyje, jų eilėje, jų siužete ir emociniame skirtume bei ideologinėje ir meninėje vienybėje. Graviravimui būdinga kontrasto kalba Maserelio rankose tampa lanksčiu socialinio charakterizavimo ginklu, padeda perteikti subtiliausius lyrinius išgyvenimus ir tiesioginį agitacinį patrauklumą.

Didinga šiuolaikiniam miestui skirta graviūrų serija („Miestas“, 1925 m.). Piešinio ir visos kompozicijos ekspresyvumas niekada nevirsta perdėta deformacija, suprantama Maserelio kalba. Net ir griebdamasis simbolikos (Siren, 1932), menininkas nenukrypsta nuo tapybinio konkretumo, sąmoningai savo menu siekia aiškumo, galimybės kalbėtis su žmonėmis. Optimizmo natos ypač ryškios naujausiuose Maserelio darbuose, jo serijose „Nuo juodo iki baltumo“ (1939), „Jaunystė“ (1948), dailininko paveiksluose. Atskleisdamas šiuolaikinės buržuazinės visuomenės ydas, Maserelis niekada nepraranda aiškaus socialinio kriterijaus, jis tiki progresyviomis jėgomis, tiki galutine žmogaus pergale ir didybe. Giliai liaudies menas Maserelis yra persmelktas kovos už taiką idėja, Maserelis yra menininko kovotojo pavyzdys, savo menu tarnaujantis aukštiems teisingumo idealams. „Aš nesu pakankamai estetas, kad būčiau tik menininkas“, - sakė Maserelis.

Ekspresionizmo įtakos beveik nepatyręs L. Spilliart (1881-1946) belgų grafikoje yra kiek atskirtas, lyriškos, santūrios spalvinės akvarelės meistras („Vėjo gūsis“, 1904; „Balti rūbai“). , 1912).

Reikšmingiausia figūra Belgijos XX amžiaus skulptūroje yra Georges'as Minnet (1866-1941). Rodino mokinys Minne'as mažai ką bendravo su savo mokytojo kūrybiniais principais, daug didesnę įtaką asmenybės formavimuisi turėjo draugystė su Maeterlincku. Remdamasis abstrakčiomis, bendromis idėjomis, Minne savo darbui suteikia kiek abstraktaus dvasingumo. Tai subtilaus ir tikslaus gestų perdavimo meistras; nuolatinis noras reikšti sąvokas, o ne konkrečias žmogaus jausmų apraiškas, skulptorių atveda prie kažkokių tolimų vaizdų, plastinės formos iškraipymo. Tokie yra jo „Motina gedi savo vaiko“ (1886 m., bronza; Briuselis, Modernaus meno muziejus), „Jaunas vyras ant kelių“ (1898 m., marmuras; Esenas, Folkvango muziejus). 1908-1912 metais. Minnetas atsigręžia į dabartį, jo belgų darbininkų portretai paremti kruopščiu gamtos stebėjimu ir tęsia XIX amžiaus skulptūros tradiciją. Gyvenimo pabaigoje piešiniuose religinėmis temomis vėl išryškėja Minne kūrybai būdingi simboliniai ir mistiniai bruožai.

Apskritai šiuolaikinė belgų skulptūra vystosi natūralistinių ir formalistinių ieškojimų ženklu, išskyrus Ch.Leple (g. 1903), kuriančio emocingus, gražius portretinius biustus ir skulptūrines kompozicijas, ir O. Jesperso (g. 1887), meistras, kuris sąmoningai mėgdžioja negrų primityvus.

Šiai šaliai tradicinis medalių menas labai plėtojamas Belgijoje. Šiuolaikinė belgų dekoratyvinė keramika (dirbtuvės Duroje), dekoratyvinė skulptūra (meistras P. Kay; g. 1912 m.), tapyti dekoratyviniai indai su dekoratyvumo ryškumo, formų ir dekoro natūralumo troškimu, organišku ryšiu su modernios architektūros interjeru.

XIX amžiaus pabaigoje – XX amžiaus pradžioje. Belgijoje sparčiai daugėja pramoninių ir komercinių miestų, paremtų intensyvia šalies gamtinių išteklių (geležies rūdos ir anglies) plėtra bei grobuonišku didžiulių Afrikos kolonijų išnaudojimu. Spontaniška pramonės padėtis, privati žemės nuosavybė ir Belgijai būdingas priemiesčių (komunų) administracinis savarankiškumas trukdė normaliai didelių miestų plėtrai ir augimui, kurių rekonstrukcijos darbai daugiausia apsiribojo centro gerinimu ir plėtra. miesto transporto. Būsto krizės paaštrėjimas paskatino įvairias „pigių“ gyvenamųjų namų statybas darbuotojams: akcines, kooperatyvines ir labdaros draugijas.

Šiuo laikotarpiu Belgijos miestuose buvo pradėtos ekstensyvios naujų tipų pramonės, verslo ir visuomeninės paskirties pastatų statybos, atspindinčios tiek ekonomikos vystymąsi, tiek naujų klientų atsiradimą, ypač, pavyzdžiui, į profesines sąjungas susibūrusios darbininkų klasės. - vadinamųjų liaudies namų statyba kooperatiniais pagrindais.(pavyzdžiui, Briuselyje, 1896-1899 m. projektavo architektas V. Horta), kur viename pastate buvo sujungtos prekybos, kultūros, švietimo ir biuro patalpos.

1890-ųjų pradžioje Belgija tampa vienu pagrindinių (Europos architektūroje) kovos su klasicizmo ir eklektikos kanonais (taip pat ir vadinamuoju nacionaliniu romantizmu) centrų. Belgų architektai A. van de Velde, V. Horta, P. Ankaras, kurių kūryba šiuo laikotarpiu pasižymėjo XIX amžiaus stilistinės architektūros eklektikos atmetimu, buvo naujojo „stiliaus“ atsiradimo ištakos. ” – Europos Art Nouveau. ir atkaklūs bandymai rasti modernų stilių, pagrįstą naujų medžiagų, dizaino galimybių panaudojimu ir atsižvelgiant į naujus funkcinius pastatų reikalavimus.

Henri van de Velde (1863-1957) buvo vienas didžiausių Europos modernybės atstovų ir ideologų. Jis priešinosi klasikos ir „fasado“ kanonams, kovojo už erdvinę kompoziciją, už naują požiūrį į interjero ir namų apyvokos daiktų kūrimą. Tuo pat metu jis buvo prieš pramoninių masinės gamybos metodų įdiegimą į pastatų statybos ir namų apyvokos daiktų gamybos procesus, gynė amatininkų namų apyvokos gaminių gamybos metodus ir pasisakė už kiekvieno projekto individualumą.

Antras pagal dydį Art Nouveau šalininkas Viktoras Horta (1861-1947) buvo architektas, kuris ne tik pirmą kartą praktiškai pritaikė Art Nouveau kūrybos principus (dvaras Turen gatvėje Briuselyje, 1892-1893), bet taip pat daugiausia nulėmė šio „stiliaus“ architektūrinio dekoro paieškų kryptį. 1880-1890-ųjų sandūroje. Keletą metų jis užsiėmė intensyviomis laboratorinėmis formaliosiomis-estetinėmis naujo dekoro paieškomis ir pirmasis panaudojo elastingą vingiuotą „smūgio botagu“ liniją (Horta linija), kuri vėliau tapo vienu iš būdingų viso dekoro bruožų. Art Nouveau ir labiausiai paplito beveik visose Europos šalyse 1890 m. pabaigoje – XX amžiaus pradžioje.

Apie XX–30-ųjų Belgijos architektūros kūrybinių krypčių raidą. Tai, kad prieš karą Belgija buvo vienas iš pagrindinių modernybės raidos centrų, negalėjo nepaveikti, o tokie žymūs architektai kaip van de Velde ir Horta pokario metais toliau intensyviai dirbo ir, nors nutolo nuo ortodoksinio modernumo, tačiau savo darbe buvo labai toli nuo radikalių naujovių. Tiesa, van de Velde šiuo laikotarpiu bandė plėtoti racionalistinius modernumo aspektus. Tačiau iš tikrųjų jis savo kūryboje išgyveno etapą, kurį apskritai jau perėjo prieškario metų Europos architektūros racionalistinės tendencijos. Horta, amerikietiškos architektūros įtakoje (buvo JAV 1916-1919 m.), bandė skleisti neoklasicizmą Belgijos architektūroje, naudodamas supaprastintą tvarką, be dekoratyvinių elementų (Palace of Fine Arts in Briuselis, 1922-1928).

Racionalistinė tendencija Belgijos architektūroje 20-30 m. buvo siejamas pirmiausia su jaunųjų architektų darbais, kurių pagrindinė veiklos sritis buvo vadinamoji „socialinė“ pigaus būsto statyba, kurią vykdė savivaldybės ir kooperatyvai pasinaudodami valstybės paskolomis. Ši statyba dėl itin ribotų jai skirtų lėšų pareikalavo iš architektų projektuose naudoti naujas efektyvias statybines medžiagas ir konstrukcijas, sukurti racionalų butų išplanavimą. Pigių namų statyba iš tikrųjų buvo ta kūrybinė laboratorija, kurioje architektai taupymo sąlygomis, stengdamiesi sukurti gana patogų būstą darbininkams, stengėsi pasinaudoti tipizavimo ir taikomųjų mokslų pasiekimų principais (pavyzdžiui, insoliacijos reikalavimu). ty apšvietimas tiesioginiais saulės spinduliais), į masinį būstą įdiegta moderni sanitarinė ir techninė įranga, centrinis šildymas, elektra, šiukšliadėžės ir įmontuoti baldai, taip pat siekė sujungti pastato architektūrinį vaizdą su naujuoju funkciniu ir konstruktyviu. pagrindu.

Vieną pirmųjų modernių gyvenamųjų namų kompleksų ne tik Belgijoje, bet ir Europoje 1922-1925 metais netoli Briuselio suprojektavo Viktoras Bourgeois (1897-1962). kaimas Cite Modern (modernus miestas). Čia buvo pritaikyta tais metais nauja planavimo technika: kvartaluose įrengtos specialios sutvarkytos vietos poilsiui, įrengtos žaidimų aikštelės vaikams, namai įrengiami atsižvelgiant į palankiausią orientaciją. Be to, Bourgeois taip nuosekliai laikėsi palankiausios butų orientacijos principo, kad suprojektavo daugybę namų, kurie negalėjo būti pastatyti šiaurės-pietų kryptimi dėl bendros kaimo plano sudėties (pavyzdžiui, sukurti uždarą centrinės aikštės erdvę), jis suprojektavo su atbrailomis (pjūklo dantimis plane). Butai kaimo namuose buvo suprojektuoti su kryžmine ventiliacija ir privalomu visų patalpų apšvietimu dienos šviesa. Namų išorėje atsispindėjo tokie gelžbetoniui būdingi bruožai kaip plokščias stogas, kampiniai ir gulimieji langai, šviesūs stogeliai virš įėjimų.

pav.puslapis 166

Didelio susidomėjimo racionalistinių pokario Belgijos architektūros tendencijų raidos požiūriu kelia mokyklų statyba, kur ieškoma funkcionalaus pastato plano ir tūrinės-erdvinės kompozicijos sprendimo, atsižvelgiant į naujus pastato reikalavimus. ugdymo procesas, buvo vykdomas taip pat, kaip ir statant pigų būstą, griežčiausio išlaidų taupymo sąlygomis.

Naujos tendencijos architektūros srityje, nors ir sunkiai, vis tiek skinasi kelią statant unikalius visuomeninius pastatus. Tarptautinė 1935 m. paroda Briuselyje tapo savotiška racionalistinių krypčių kovos su neoklasicizmu ir eklektizmu arena, kurios daugelio paviljonų tradicinė išvaizda slėpė šiuolaikinį konstruktyvų pagrindą. Tokie, pavyzdžiui, yra Didieji šimtmečio rūmai, pastatyti pagal architekto Jeano van Peeko projektą. Pastato, kurio fasadas – laiptuota neoklasicizmo dvasia stilizuota laiptuota kompozicija, išorėje neatsiskleidžia drąsus jo didžiulės salės lubų dizainas (gelžbetoninės parabolinės arkos). Tačiau jau šioje parodoje ne viename paviljone (nors ir ne pagrindiniuose) buvo drąsiai naudojamos naujos medžiagos ir konstrukcijos (stiklas, gelžbetonis), kuriant modernaus pastato išvaizdą.

Antrojo pasaulinio karo sukeltas sunaikinimas pareikalavo didelių restauravimo darbų. Be to, skirtingai nei restauracinės statybos po Pirmojo pasaulinio karo, kai vyravo noras daug ką atkurti buvusia forma, naujomis sąlygomis restauravimas buvo derinamas su rekonstrukcijos darbais, ypač senose miestų vietose, kur sudėtingas planavimas ir siauros gatvelės lėmė susisiekimą. sunkumų. Transliuoti miestų planai, kurie buvo sukurti dideliais kiekiais pokario Belgijoje, galiausiai buvo susiję su konkrečiomis priemonėmis, skirtomis išlaisvinti eismą centriniame Briuselio regione, sutapo su 1958 m. tarptautinės parodos Briuselyje organizavimu. Siekiant apkrauti centrinės miesto dalies transporto tinklą nuo tranzitinio keleivių srauto tarp dviejų aklavietės geležinkelio stočių Briuselyje, jų bėgius sujungė su miesto centre esančia metro stotimi tunelis.

Būsto statyba pokario Belgijoje kelia didelį susidomėjimą. Čia galima pastebėti miestų statymo vienbučiais su „vertikaliais“ butais, kurių individualios patalpos yra keliuose aukštuose, tradicijų įveikimą ir ryžtingą perėjimą prie modernaus tipo daugiabučių (sekcinių, galerijinių) statybos. , bokštas), sujungti į gyvenamuosius kompleksus, įskaitant daugybę visuomeninių pastatų (daugiausia buitinius ir komercinius). Tokie gyvenamieji kompleksai dažniausiai būna neužstatytose vietose: Kylio kompleksai Antverpene (architektai R. Brahm, R. Mas ir V. Marmans, 1950-1955), Manevrov aikštėje Lježe (EGAU grupės architektų projektas, 1956 m.) ir kiti. Gyvenamieji kompleksai, kaip taisyklė, statomi kelių tipų namais, o siekiant padidinti neužstatytos teritorijos plotą, daugelis namų statomi ant atramų, dažnai V formos, o tai suteikia naujų Belgijos gyvenamųjų kompleksų kompoziciją. erdviškumas, tam tikras formalus aštrumas ir originalumas.

pav.puslapis 168

Tankiai užstatytose senosiose miestų vietose, kur ištisomis eilėmis palei gatves stovi skirtingų epochų namai siaurais daugiaaukščiais fasadais, į šį „sluoksninį tortą“ tenka statyti naujus namus. Be to, belgų architektai tokiais atvejais nesiekia imituoti kaimyninių namų išorinės išvaizdos, o į daugybę skirtingų epochų namų drąsiai įveda modernų betono ir stiklo pastatą, kuris visam pastatui suteikia ypatingo skonio. Šie nauji pastatai, kaip taisyklė, yra pelningi namai, kuriuos projektuodami architektai turi parodyti tikrai virtuozišką meistriškumą ir išradingumą, nes siauras sklypas leidžia įrengti langų angas tik įplyšusiuose namo plotuose (į gatvę ir į kiemą).

Nuo šeštojo dešimtmečio antrosios pusės. Belgijos architektūroje išaugo amerikietiškos funkcionalizmo atmainos Mies van der Rohe mokyklos įtaka. Visų pirma, tai taikoma biurų pastatų statybai, vienas iš jų – Socialinės apsaugos pastatas Briuselyje, pastatytas 1958 metais pagal architekto Hugo van Cuijko projektą. Sėkmingai vienoje iš miesto aukštumų iškilęs pastatas yra plokščia aukšta stiklinė prizmė su stačiakampiu pagrindu, tarsi išaugusi iš platesnio stilobato. Pastatas uždaro vienos iš pagrindinių miesto gatvių perspektyvą ir yra kompozicinis komplekso, bet išraiškingo ansamblio centras, apimantis aplinkinius daugialaikius pastatus ir vaizdingai suplanuotą šešėlinę aikštę priešais pastatą, kurioje gausu Msnier skulptūrų. dedami lauke. Šios tikroviškos skulptūros ryškiai kontrastuoja su modernia pastato išvaizda, kurios urbanistinį charakterį dar labiau pabrėžia automobilių srautas, lekiantis modernia greitkeliu, vedančiu į šalia pastato esantį tunelį.

Vienas žinomiausių ir neabejotinai vienas geriausių Belgijos pokario architektūros kūrinių – naujojo Briuselio oro terminalo pastatas, pastatytas atsižvelgiant į 1958 m. architekto M. Brunfo parodą. Planuojant ir erdvinėje šio pastato kompozicijoje sėkmingai sprendžiami tiek grynai utilitariniai, tiek meniniai uždaviniai. Didžiausią įspūdį palieka pagrindinės operacinės interjeras. Salė dengta 50 m ilgio konsolinėmis aliuminio santvaromis, kurios remiasi į ^ formos atramas. Viena iš išilginių salės sienų paversta didžiuliu stikliniu ekranu, nukreiptu į vasaros lauką.

pav.puslapis 169

Reikšmingas įvykis Belgijos architektūriniame gyvenime buvo tarptautinė Briuselio paroda 1958 m. Belgijos architektai tiesiogiai dalyvavo kuriant daugybę parodų paviljonų ir kitų pastatų, kurių statyba buvo susijusi su jos atidarymu. Tarp šių pastatų galima išskirti tokius savotiškus statinius kaip Atomium (inžinierius A. Waterkeyn, architektai A. ir J. Polak), kuriuos galima priskirti prie simbolinių paminklų; paviljonas „Gelžbetoninė strėlė“ – su 80 m konsolė (inžinierius A. Paduard, architektas J. van Dorselaer), pademonstravęs gelžbetonio konstruktyvias galimybes, taip pat Briuselio centre pastatytas Informacijos centro paviljonas. , kurio lubos – balno formos apvalkalas, besiremiantis ant dviejų gelžbetoninių atramų hiperbolinio paraboloido pavidalu, pagamintas iš medinės trisluoksnės klijuotos plokštės (architektai L. J. Bochet, J. P. Blondel ir O. F. Philippon, inžinierius R. Sarge) .

kultūra

Belgijos menininkai

Tapybos klestėjimo pikas Belgijoje patenka į Burgundijos valdymo laikotarpį XV amžiuje. Renesanso laikais menininkai piešė portretus su įmantriomis detalėmis. Tai buvo gyvybiškai svarbūs ir ne idealizuoti paveikslai, kuriuose menininkai stengėsi pasiekti maksimalų tikroviškumą ir aiškumą. Toks tapybos stilius paaiškinamas naujosios olandų mokyklos įtaka.

Belgijos tapybai XX amžius buvo antrasis aukso amžius. Tačiau menininkai tapyboje jau atsitraukė nuo realizmo principų ir pasuko į siurrealizmą. Vienas iš šių menininkų buvo Rene Magritte.

Belgų tapyba turi seną tradiciją, kuria belgai pagrįstai didžiuojasi. Rubenso namų muziejus yra Antverpene, o Karališkasis dailės muziejus yra Briuselyje. Jie tapo gilios belgų pagarbos savo menininkams ir senosioms tapybos tradicijoms apraiška.

flamandų primityvistai

Dar viduramžių pabaigoje Europoje Flandrijoje ir Briuselyje buvo atkreiptas dėmesys į tapybą. Janas Van Eyckas (apie 1400–1441 m.) padarė revoliuciją flamandų mene. Jis pirmasis panaudojo aliejų gamindamas patvarius dažus, maišydamas dažus ant drobės ar medžio. Šios naujovės leido paveikslus išlaikyti ilgiau. Renesanso laikais ėmė plisti panelinė tapyba.

Janas Van Eyckas tapo flamandų primityvizmo mokyklos, vaizduojančios gyvenimą ryškiomis spalvomis ir judantį drobėse, įkūrėju. Gento katedroje yra altorius-poliptikas „Avinėlio garbinimas“, sukurtas žinomo menininko ir jo brolio.

Flamandų primityvizmas tapyboje išsiskiria ypač tikroviškais portretais, apšvietimo aiškumu, kruopščiu drabužių ir audinių faktūrų vaizdavimu. Vienas geriausių menininkų, dirbusių šia kryptimi, buvo Rogierde la Pasture (Rogier van der Weyden) (apie 1400–1464 m.). Vienas garsiausių Rogirde la Pasture paveikslų yra „Nusileidimas nuo kryžiaus“. Menininkas sujungė religinių jausmų ir realizmo galią. Rogierde la Pasture paveikslai įkvėpė daugelį Belgijos menininkų, kurie paveldėjo naują techniką.

Naujų technologijų galimybes išplėtė Dirkas Boutsas (1415-1475).

Hansas Memlingas (apie 1433-1494) laikomas paskutiniu flamandų primityvizistu, kurio paveiksluose vaizduojama XV a. Briugė. Pirmuosius paveikslus, vaizduojančius pramoninius Europos miestus, nutapė Joachimas Patinir (apie 1475-1524).

Bruegelio dinastija

Belgijos menui XVI amžiaus pradžioje didelę įtaką padarė Italija. Dailininkas Janas Gossaertas (apie 1478-1533) studijavo Romoje. Tapydamas paveikslus valdančiajai Brabanto kunigaikščių dinastijai, jis pasirinko mitologines temas.

16-17 amžiuje. Didžiausią įtaką flamandų menui padarė Bruegelio šeima. Vienas geriausių flamandų mokyklos tapytojų buvo Pieteris Brueghelis Vyresnysis (apie 1525–1569 m.). Į Briuselį jis atvyko 1563 m. Žymiausi jo darbai – drobės, vaizduojančios komiškas valstiečių figūras. Jie suteikia galimybę pasinerti į viduramžių pasaulį. Vienas garsiausių Pieterio Brueghelio jaunesniojo (1564–1638), tapusio drobes religinėmis temomis, paveikslų yra „Surašymas Betliejuje“ (1610). Janas Brueghelis Vyresnysis (1568–1625), dar žinomas kaip Briugelis Aksomas, nutapė sudėtingus natiurmortus, vaizduojančius gėles aksominių draperijų fone. Janas Brueghelis jaunesnysis (1601–1678) nutapė nuostabius peizažus ir buvo teismo dailininkas.

Antverpeno menininkai

Belgijos tapybos centras XVII amžiuje iš Briuselio persikėlė į Antverpeną – Flandrijos centrą. Didelę įtaką tam turėjo tai, kad Antverpene gyveno vienas pirmųjų pasaulyje žinomų flamandų menininkų Peteris Paulas Rubensas (1577-1640). Rubensas piešė nuostabius peizažus, paveikslus su mitologiniu siužetu ir buvo teismo dailininkas. Tačiau garsiausios yra jo drobės, kuriose vaizduojamos išsipūtusios moterys. Rubenso populiarumas buvo toks didelis, kad flamandų audėjai sukūrė didelę gobelenų kolekciją, vaizduojančią jo nuostabius paveikslus.

Rubenso mokinys, teismo portretų tapytojas Anthony van Dyckas (1599–1641), tapo antruoju Antverpeno tapytoju, pelniusiu pasaulinę šlovę.

Janas Bruegelis Vyresnysis apsigyveno Antverpene, o jo žentas Davidas Teniersas II (1610–1690) 1665 m. Antverpene įkūrė Dailės akademiją.

Europos įtaka

XVIII amžiuje Rubenso įtaka menui dar išliko, todėl flamandų meno raidoje didelių pokyčių nebuvo.

Nuo XIX amžiaus pradžios buvo jaučiama stipri kitų Europos mokyklų įtaka Belgijos menui. François Joseph Navez (1787-1869) į flamandų tapybą įtraukė neoklasicizmą. Constantin Meunier (1831-1905) pirmenybę teikė realizmui. Guillaume'as Vogelsas (1836-1896) tapė impresionizmo stiliumi. Romantinės tapybos krypties šalininkas buvo Briuselio menininkas Antoine'as Wirtzas (1806-1865).

Nerimą keliantys, iškraipyti ir neryškūs Antoine'o Wirtzo paveikslai, pavyzdžiui, apie 1830 m. atliktas kūrinys „Skubus žiaurumas“, yra siurrealizmo meno pradžia. Fernand Khnopff (1858-1921), žinomas dėl savo bauginančių abejotinų moterų portretų, yra laikomas ankstyvuoju Belgijos simbolistinės mokyklos atstovu. Jo kūrybai įtakos turėjo vokiečių romantikas Gustavas Klimtas.

Jamesas Ensoras (1860–1949) buvo kitas menininkas, kurio kūryba nuo realizmo perėjo į siurrealizmą. Jo drobėse dažnai vaizduojami paslaptingi ir šiurpą keliantys skeletai. Dailininkų draugija „LesVingt“ (LesXX) 1884-1894 m. Briuselyje surengė žymių užsienio menininkų avangardistų darbų parodą, taip pagyvindama miesto kultūrinį gyvenimą.

Siurrealizmas

Nuo XX amžiaus pradžios Sezano įtaka jaučiama Belgijos mene. Šiuo laikotarpiu Belgijoje pasirodė Fauves, vaizduojantis šviesius, saulėje skendinčius kraštovaizdžius. Žymus fovizmo atstovas buvo skulptorius ir dailininkas Rickas Wautersas (1882-1916).

Siurrealizmas Briuselyje atsirado XX amžiaus viduryje. Ryškiu šios meno krypties atstovu tapo Rene Magritte (1898-1967). Siurrealizmas pradėjo vystytis XVI a. Šiuo stiliumi buvo nutapyti fantasmagoriški Pieterio Brueghelio Vyresniojo ir Boscho paveikslai. Magritte'o drobėse nėra orientyrų; jis apibrėžė savo siurrealistinį stilių kaip „grįžimą nuo pažįstamo prie svetimo“.

Paulas Delvaux (1897-1989) buvo labiau šokiruojantis ir emocingesnis menininkas, jo drobėse vaizduojami keistoki, elegantiški interjerai su miglotomis figūromis.

1948 m. CoBrA judėjimas agitavo už abstraktųjį meną. Abstrakcionizmą pakeitė konceptualus menas, kuriam vadovavo instaliacijų meistras Marcelis Brudtaersas (1924-1976). Broodtaers vaizdavo pažįstamus objektus, pavyzdžiui, puodą, pripildytą midijų.

Gobelenai ir nėriniai

Belgiški gobelenai ir nėriniai buvo laikomi prabanga daugiau nei šešis šimtus metų. XII amžiuje rankų darbo gobelenai pradėti gaminti Flandrijoje, vėliau pradėti gaminti Briuselyje, Tournai, Oudenarde ir Mechelen.

Nuo XVI amžiaus pradžios nėrinių kūrimo menas pradėjo vystytis Belgijoje. Nėriniai buvo austi visose provincijose, tačiau labiausiai buvo vertinami Briuselio ir Briugės nėriniai. Neretai įgudusius nėrinių kūrėjus globodavo aristokratai. Aukštuomenei gražūs gobelenai ir išskirtiniai nėriniai buvo laikomi jų padėties ženklu. 15-18 amžiuje. nėriniai ir gobelenai buvo pagrindinės eksporto prekės. Ir šiandien Belgija laikoma geriausių gobelenų ir nėrinių gimtine.

Flandrijos miestai Tournai ir Arras (šiandien Prancūzijoje) iki XIII amžiaus pradžios tapo žinomais Europos audimo centrais. Vystosi amatai ir prekyba. Technika leido atlikti subtilesnius ir brangesnius darbus, į vilną buvo pradėti dėti tikro sidabro ir aukso siūlai, o tai dar labiau padidino gaminių kainą.

Perversmą gobelenų gamyboje padarė Bernardas van Orley (1492-1542), piešiniuose sujungęs flamandų realizmą ir italų idealizmą. Vėliau flamandų meistrai buvo suvilioti į Europą, o XVIII amžiaus pabaigoje visa flamandų gobelenų šlovė atiteko Paryžiaus gamyklai.

Belgija ištisus metus

Belgijos klimatas būdingas šiaurės Europai. Būtent dėl šios priežasties šventes galima rengti ir gatvėje, ir namuose. Oro sąlygos puikiai leidžia sostinės artistams pasirodyti tiek stadionuose, tiek senoviniuose pastatuose. Belgijos gyventojai moka pasinaudoti sezonų kaita. Pavyzdžiui, vasarą sostinėje atidaroma gėlių šventė. Didžiąją aikštę kiekvieną rugpjūčio antrąją dengia milijonai gėlių. Šokių, kino ir teatro sezono atidarymas vyksta sausio mėnesį. Čia žiūrovų laukia premjeros nuo „autokinų“ iki senųjų abatijų.

Briuselyje ištisus metus galite stebėti įvairių festivalių eigą. Čia galima išvysti prabangias, gyvybės kupinas istorines procesijas. Jie kasmet rengiami nuo viduramžių. Čia demonstruojami naujausi Europos eksperimentiniai menai.

Šventės

Naujieji metai – sausio 1 d
Velykos – plaukiojanti data
Švarus pirmadienis – plaukiojanti data
Darbo diena – gegužės 1 d
Ascension – plaukiojanti data
Trejybės diena – plaukiojanti data
Dvasios pirmadienis – plaukiojanti data
Belgijos nacionalinė diena – liepos 21 d
Užmigimas – rugpjūčio 15 d
Visų Šventųjų diena – lapkričio 1 d
Paliaubos – lapkričio 11 d
Kalėdos – gruodžio 25 d

Pavasaris

Ilgėjant pavasario dienoms Belgijoje atgyja kultūrinis gyvenimas. Čia pradeda plūsti turistai. Muzikos festivaliai vyksta tiesiog gatvėje. Žydint miesto parkams, lankytojams atveriami visame pasaulyje žinomi Laiken tropiniai šiltnamiai. Belgijos šokolado gamintojai reikšmingai Velykų šventei ruošia įvairiausius saldumynus.

Tarptautinis fantastinių filmų festivalis (3 ir 4 savaitės). Stebuklų ir keistenybių gerbėjai laukia naujų filmų visos sostinės kino teatruose.
Ars Music (kovo vidurys – balandžio vidurys). Ši šventė yra viena geriausių Europos festivalių. Į jį atvyksta žinomi atlikėjai. Dažnai koncertai vyksta Senųjų meistrų muziejuje. Šiame festivalyje dalyvauja visi muzikos žinovai.
Euroantique (praeita savaitė). Heysel stadionas yra pilnas lankytojų ir pardavėjų, norinčių nusipirkti ar parduoti antikvarinius daiktus.
Velykos (Velykų sekmadienis). Manoma, kad prieš Velykas bažnyčių varpai atskrenda į Romą. Grįžę specialiai vaikams palieka laukuose ir miškuose velykinius margučius. Taigi kasmet Karališkajame parke suaugusieji paslepia daugiau nei 1000 dažytų kiaušinių, kurių ieškoti susirenka vaikai iš viso miesto.

Balandis

Pavasarinis barokas Sablone (3 savaitė). Garsioji Place de la Grande Sablon sutelkia jaunuosius belgų talentus. Jie groja XVII amžiaus muziką.
Karališkieji šiltnamiai Laikene (12 dienų, datos skiriasi). Pradėjus žydėti kaktusams, taip pat įvairiausiems egzotiškiems augalams, asmeniniai Belgijos karališkosios šeimos šiltnamiai atidaromi specialiai visuomenei. Kambariai yra pagaminti iš stiklo ir apdailinti geležimi. Nuo blogo oro čia saugoma daug įvairių retų augalų.
Festivalis Flandrijoje (balandžio vidurys – spalis) Šis festivalis yra muzikinė šventė, kurioje susimaišo įvairūs stiliai ir kryptys. Čia koncertuoja daugiau nei 120 garsių orkestrų ir chorų.
„Ekrano scenos“. (3 savaitė – pabaiga). Ypač žiūrovams kasdien pristatomi nauji europietiški filmai.

Europos dienos minėjimas (gegužės 7-9 d.). Dėl to, kad Briuselis yra Europos sostinė, šventėje tai dar kartą pabrėžiama. Pavyzdžiui, net Mannequin Pis yra apsirengęs mėlynu kostiumu, kurį puošia geltonos žvaigždės.
Kunstin-Menų festivalis (gegužės 9-31 d.). Šiame festivalyje dalyvauja jaunieji teatro aktoriai ir šokėjai.
Karalienės Elžbietos konkursas (gegužės – birželio vidurys). Šis muzikos konkursas suburia klasikos gerbėjus. Šis konkursas vyksta jau daugiau nei keturiasdešimt metų. Joje koncertuoja jaunieji pianistai, smuikininkai, dainininkai. Garsūs dirigentai ir solistai iš jų išrenka verčiausius atlikėjus.
20 km lenktynės Briuselyje (praėjusį sekmadienį). Bėgimas sostinėje, kuriame aktyviai dalyvauja daugiau nei 20 000 mėgėjų ir profesionalių bėgikų.
Džiazo ralis (paskutinė poilsio diena). Bistro ir kavinėse koncertuoja nedideli džiazo ansambliai.

Vasara

Liepos mėnesį Ommengang mieste prasideda teismo spindesio sezonas. Tai gana senas paprotys. Didžiąja aikšte ir aplinkinėmis gatvėmis juda didžiulė procesija. Šiuo nuostabiu metų laiku galite išgirsti įvairių krypčių muziką. Atlikėjai gali groti muziką įvairiose vietose, pavyzdžiui, didžiuliame King Baudouin stadione IJsel mieste arba mažuose kavinių baruose. Nepriklausomybės dieną visi belgai atvyksta į Midi mugę. Jis vyksta aikštėje, kurioje įrengti padėklai ir tiesiami takai.

Briuselio vasaros festivalis (birželio pradžia – rugsėjis). Koncertinės programos vyksta garsiuose senoviniuose pastatuose.
Festivalis Valonijoje (birželio – spalio mėn.). Surengus iškilmingų koncertų seriją Briuselyje ir Flandrijoje, publikai pristatomi gabiausi jaunieji Belgijos solistai ir orkestrantai.
Festivalio kavinė „Cooler“ (praėjusią savaitę). Tris dienas atstatytame „Tour-e-Taxi“ sandėlyje vyksta itin madinga programa. Publikos laukia Afrikos būgnininkai, salsa, etninė muzika ir acid džiazas.
Muzikos festivalis (paskutinė poilsio diena). Dvi savaites iš eilės miesto rotušėse ir pasaulio muzikai skirtuose muziejuose vyksta pamaldos ir koncertai.

liepos mėn

Ommegang (1-asis liepos savaitgalis). Turistai atvyksta iš viso pasaulio stebėti šio veiksmo. Šis festivalis Briuselyje vyksta nuo 1549 m. Ši eisena (arba, kaip ji vadinama, „aplenkimas“) apeina Didžiąją aikštę, visas greta esančias gatves ir juda ratu. Čia dalyvauja daugiau nei 2000 dalyvių. Kostiumų dėka jie virsta renesanso miesto gyventojais. Paradas praeina pro aukštus Belgijos pareigūnus. Bilietus reikia užsisakyti iš anksto.
Džiazo-folk festivalis „Brosella“ (2 laisva diena). Festivalis vyksta Osseghem parke. Ji pritraukia visus žinomus muzikantus iš Europos.
Vasaros festivalis Briuselyje (liepa – rugpjūtis). Šiuo metų laiku muzikantai groja klasikinius kūrinius Žemutiniame ir Aukštutiniame miesteliuose.
Midi mugė (liepos vidurys – rugpjūčio vidurys). Mugės vykdymas garsiojoje Briuselio stotyje Gardu-Midi. Šis renginys vyksta visą mėnesį. Jis labai populiarus tarp vaikų. Ši mugė laikoma didžiausia Europoje.

Belgijos diena (liepos 21 d.). Karinio parado vedimas Nepriklausomybės dienos, kuri švenčiama nuo 1831 m., garbei, po kurio Briuselio parke paleidžiami fejerverkai.
Atvirų durų dienos Valdovų rūmuose (paskutinė liepos savaitė – rugsėjo 2 savaitė). Valdovų rūmų durys atveriamos lankytojams. Šis renginys vyksta šešias savaites iš eilės.

Rugpjūtis

Gegužės (Meiboom) (rugpjūčio 9 d.). Ši šventė atsirado 1213 m. Šios akcijos dalyviai pasipuošia didžiuliais kostiumais – lėlėmis. Eisena eina per Žemutinį miestą. Jis sustoja prie Didžiosios aikštės, tada ten pastatoma gegužė.
Gėlių kilimas (rugpjūčio viduryje, kas 2 metai). Ši šventė vyksta kas antrus metus. Tai duoklė Briuselio gėlininkystei. Visa Didžioji aikštė yra padengta šviežiomis gėlėmis. Bendras tokio kilimo plotas yra apie 2000 m².

Ruduo

Rudenį belgiškos pramogos persikelia po stogu – į kavines ar kultūros centrus, kur galima pasiklausyti šiuolaikinės muzikos. „Paveldo dienų“ metu visuomenė turi galimybę pasimėgauti architektūra, užsukant į kitu metu uždarus privačius namus ir apžiūrint juose esančias kolekcijas.

rugsėjis

Gimtadienis Mannequin Pis (paskutinė poilsio diena).
Garsioji besipykstančio berniuko skulptūra pasipuošusi kitu kostiumu, kurį padovanojo koks nors aukštas užsienio svečias.

Festivalis „Laimingas miestas“ (pirma poilsio diena).
Šiuo metu trijose dešimtyse geriausių Briuselio kavinių surengta apie 60 koncertų.
Botanikos naktys (praėjusią savaitę).
Buvusiuose Botanikos sodo šiltnamiuose įsikūrusiame prancūzų kultūros centre „Les Botaniques“ vyksta koncertų ciklas, kuris pradžiugins visus džiazo muzikos žinovus.
Paveldo dienos (2 arba 3 poilsio diena).
Kelioms dienoms lankytojams duris atveria daugelis saugomų pastatų ir privačių namų bei uždarų meno kolekcijų.

Spalio mėn

„Audi Jazz“ festivalis (spalio vidurys – lapkričio vidurys).
Visoje šalyje skamba džiazo garsai, skiedžiantys rudeninį nuobodulį. Groja vietiniai atlikėjai, tačiau kai kurios Europos žvaigždės dažnai koncertuoja Briuselio Dailės rūmuose.

Žiema

Žiemą Belgijoje dažniausiai lyja ir sninga, todėl beveik visi renginiai šiuo laikotarpiu perkeliami į uždaras patalpas. Meno galerijose vyksta pasaulinio lygio parodos, o Briuselio kino festivalyje – ir žinomų meistrų, ir jaunųjų talentų darbai. Prieš Kalėdų šventes Žemutinis miestelis nušvinta ryškia apšvietimu, o per Kalėdas belgų stalus puošia tradiciniai patiekalai.

„Sablono noktiurnas“ (paskutinė poilsio diena). Visos Grande Sablon parduotuvės ir muziejai neuždaromi iki vėlaus vakaro. Po mugę važinėja vežimai su pakinkytais žirgais, vežiojantys klientus, o pagrindinėje aikštėje visi gali paragauti tikro karšto vyno.

gruodį

Mikalojaus diena (gruodžio 6 d.).
Pasak legendos, šią dieną į miestą atvyksta Kalėdų Senelio globėjas, o visi belgų vaikai gauna saldumynų, šokolado ir kitų dovanų.
Kalėdų (gruodžio 24-25 d.).
Kaip ir kitose katalikiškose šalyse, Kalėdos Belgijoje švenčiamos gruodžio 24-osios vakarą. Belgai apsikeičia dovanomis, o kitą dieną važiuoja aplankyti tėvų. Visokie kalėdiniai atributai sostinės gatves puošia iki sausio 6-osios.

sausio mėn

Karaliaus diena (sausio 6 d.).
Šią dieną ruošiami ypatingi migdoliniai „karališki pyragaičiai“, ir visi norintys ieško ten pasislėpusio žirnio. Tas, kuris jį suranda, paskelbiamas karaliumi visai šventinei nakčiai.
Briuselio kino festivalis (sausio vidurys – pabaiga).
Naujų filmų premjera, kurioje dalyvauja Europos kino žvaigždės.

vasario mėn

Antikvarinių daiktų mugė (2 ir 3 savaitės).
Dailės rūmuose susirenka antikvariniai prekiautojai iš viso pasaulio.
Tarptautinis komiksų festivalis (2 ir 3 savaitės).
Komiksų rašytojai ir menininkai atvyksta į miestą, kuris padarė didelę įtaką komiksų piešimo menui, kad pasidalintų patirtimi ir pristatytų naujus darbus.

Įvairesnė ir spalvingesnė nei flamandų architektūra ir skulptūra, XVII amžiaus flamandų tapyba atsiskleidžia nuostabiai žydi. Dar aiškiau nei šiuose menuose amžinai flamandiškasis čia išnyra iš šiaurinių ir pietinių pamatų mišinio, kaip nesunaikinamas nacionalinis lobis. Jokioje kitoje šalyje šiuolaikinė tapyba neužfiksavo tokios turtingos ir spalvingos temų srities. Naujose ar restauruotose šventyklose šimtai gigantiškų barokinių altorių laukė ant didelių drobių nutapytų šventųjų atvaizdų. Rūmuose ir namuose didžiulės sienos troško mitologinių, alegorinių ir žanrinių molberto paveikslų; Taip, ir portretas, XVI amžiuje išplėtęs iki natūralaus dydžio portreto, išliko dideliu menu visa to žodžio prasme, jungiančiu įtaigų natūralumą su išraiškos kilnumu.

Šalia šio didelio paveikslo, kuriuo Belgija dalijosi su Italija ir Prancūzija, čia klestėjo, tęsiantis senąsias tradicijas, originali kabinetinė tapyba, dažniausiai ant mažų medinių ar varinių lentelių, neįprastai turtinga, apimanti viską, kas pavaizduota, neapleidžianti religinių, mitologinių ar alegorinių dalykų, pirmenybę teikianti visų sluoksnių gyventojų, ypač valstiečių, taksi vairuotojų, kareivių, medžiotojų ir jūreivių kasdieniam gyvenimui visomis jo apraiškomis. Šių smulkiafigūrų paveikslų suprojektuoti peizažai ar patalpų fonai kai kurių meistrų rankose virto savarankiškais peizažo ir architektūros paveikslais. Šią seriją užbaigia gėlių, vaisių ir gyvūnų vaizdai. Briuselio valdančiųjų erchercogų darželiams ir žvėrynams užjūrio prekyba atnešė floros ir faunos stebuklus. Jų formų ir spalvų turtingumo negalėjo nepastebėti viską įvaldę menininkai.

Dėl viso to Belgijoje nebeliko pagrindo monumentaliam sienų tapybai. Išskyrus Rubenso paveikslus Antverpeno jėzuitų bažnyčioje ir keletą bažnytinių peizažų serijų, didieji Belgijos meistrai kūrė savo didelius paveikslus ant drobės, sienų ir lubų tapybą užsienio valdovams ir Briuselio gobelenų technikos nykimą. Rubenso dalyvavimas davė tik laikiną pakilimą, todėl dalyvavimas tapo nereikalingas.kiti Belgijos meistrai, tokie kaip Jordansas ir Teniersas. Tačiau Belgijos meistrai ėmėsi gerai žinomo, nors ir ne tokio gilaus, kaip olandų, dalyvavimo toliau plėtojant graviūrą ir ofortą. Olandai pagal gimimą buvo net geriausi gravieriai prieš Rubensą, o didžiausių belgų tapytojų: Rubenso, Jordanseso, Van Dyckso, Brouwerso ir Tenier'o dalyvavimas „paveikslų graviūroje“ – ofortas, iš dalies yra tik šalutinis dalykas, iš dalies net abejotinas.

Antverpenas, turtingas Žemutinės Vokietijos prekybos miestas prie Scheldt, dabar labiau nei bet kada yra Žemosios Nyderlandų tapybos sostinė. Briuselio tapyba, galbūt tik savarankiškų takų ieškančiame peizaže, tapo Antverpeno meno šaka; net senųjų flamandų meno centrų Briugės, Gento ir Mechelno tapyba iš pradžių gyveno tik savo ryšiu su Antverpeno dirbtuvėmis. Tačiau Belgijos valoniškoje dalyje, būtent Lüttiche, galima atsekti nepriklausomą trauką italams ir prancūzams.

Bendrajai XVII amžiaus flamandų tapybos istorijai, be Van Manderio, Goubrakeno, de Bie, Van Goolo ir Weyermanno literatūros šaltinių rinkinių, Immerseel, Kramm ir Wurzbach leksikonai, konsoliduotos, tik iš dalies pasenusios knygos. Michiels, Waagen, Waters, Rigel ir Philippi yra svarbūs. Atsižvelgiant į vyraujančią Scheldto meno svarbą, galima paminėti ir Van den Brandeno bei Rooseso Antverpeno meno istoriją, kuri, žinoma, reikalauja papildymų ir pakeitimų. Susijęs šios knygos autoriaus skyrius jo ir Woltmanno tapybos istorijoje jau detaliai pasenęs.

XVII amžiaus flamandų tapyba pasiekė visišką vaizdinio išdėstymo ir vykdymo laisvę, vidinę piešinio ir spalvų vienybę, sklandžiausią plotį ir stiprybę didžiojo meistro Peterio Paulo Rubenso kūrybinėse rankose, dėl kurių Antverpenas tapo pagrindine paveikslų eksporto vieta. paveikslai visai Europai. Tačiau netrūko meistrų, stovinčių prie perėjimo tarp senosios ir naujosios krypčių.

Nacionaliniuose realistiniuose sektoriuose, su mažomis figūrėlėmis išsivysčiusio kraštovaizdžio fone, tebegyveno tik Pieterio Brueghelio vyresniojo didybės ir betarpiškumo aidai. Kraštovaizdžio perteikimas pereinamojoje epochoje išlieka Giliss Van Coninxloo sukurtu „sceniniu stiliumi“, su kuoduota medžių lapija ir aplenkiant oro ir linijinės perspektyvos sunkumus, plėtojant atskirus, vienas po kito besikeičiančius, skirtingų spalvų tonus. Šiuo sąlyginiu stiliumi, apie kurio raidą beveik nieko nežinoma, vadovavosi ir dabartinės peizažo tapybos pradininkai Antverpeno broliai Matthäusas ir Paulius Brilai (1550-1584 ir 1554-1626). Matthäusas Brilis staiga pasirodė kaip kraštovaizdžio freskų tapytojas Vatikane Romoje. Po ankstyvos mirties Paulas Brilis, jo brolio draugas Vatikane, toliau plėtojo tuo metu naują Nyderlandų kraštovaizdžio stilių. Autentiškų Matthäuso paveikslų išliko nedaug; daugiau atėjo iš Pauliaus, kurio bažnytiniai ir rūmų peizažai Vatikane, Laterane ir Rospigliosi rūmuose Santa Cecilijoje ir Santa Maria Maggiore Romoje, pranešiau kitose vietose. Tik pamažu jie pereina laisvesnio, su didesne Annibale Carracci atliktų peizažų vienybe, į pirmiau nurodytą subalansuotą pereinamąjį stilių. Tolimesnė Brilio raida, kuri yra bendrosios peizažo tapybos istorijos dalis, atsispindi daugybėje, iš dalies metų paženklintų, mažų peizažų ant lentų (1598 m. Parmoje, 1600 m. Drezdene, 1601 m. Miunchene, 1608 m. ir 1624 m. Drezdene). , 1609, 1620 ir 1624 – Luvre, 1626 – Sankt Peterburge), dažniausiai gausu medžių, retai bando perteikti tam tikrą plotą. Bet kokiu atveju Paulas Brilas priklauso kraštovaizdžio stiliaus, iš kurio išaugo Claude'o Lorraino menas, įkūrėjams.

Nyderlanduose Antverpenas Josse de Momper (1564 - 1644), geriausiai atstovaujamas Drezdene, sukūrė Koninxloo sceninį stilių sumaniai pieštuose kalnų peizažuose, ne itin turtinguose medžiais, ant kurių yra „trys fonai“, kartais pridedant ketvirta saulės apšviesta, paprastai pasirodo visu savo rudai-žalia-pilkai-mėlyna grožiu.

Senesnių Brilio paveikslų įtaka atsispindi antrame Peterio Brueghelio vyresniojo sūnuje Jan Brueghel Vyresnysis (1568 - 1625), prieš grįždamas į Antverpeną, 1596 m., kuris dirbo Romoje ir Milane. Criveli ir Michelis skyrė jam atskirus kūrinius. Jis piešė daugiausia nedidelius, kartais miniatiūrinius paveikslėlius, kurie sukuria peizažo įspūdį net ir reprezentuodami biblinę, alegorinę ar žanrinę tematiką. Būtent jie tvirtai laikosi Coninksloo stiliaus su kuokštuota lapija, nors subtiliau perteikia trijų fonų tarpusavio perėjimus. Jano Brueghelio universalumui būdinga tai, kad jis piešė peizažų fonus tokiems figūriniams dailininkams kaip Balinas, figūras peizažams, tokiems kaip Momperis, gėlių vainikus tokiems meistrams kaip Rubensas. Žinomas dėl savo šviežiai ir subtiliai atlikto Hagos muziejaus „Kruolio“, kuriame Rubensas nutapė Adomą ir Ievą bei Janą Brueghelį kraštovaizdį ir gyvūnus. Jo paties kraštovaizdžiai, gausiai apipavidalinti marga liaudies buitimi, vis dar ne itin išraiškingai perteikiantys dangų su debesimis, yra daugiausia kalvotos vietovės, drėkinamos upėmis, lygumos su vėjo malūnais, kaimų gatvės su smuklėmis, kanalai su miškingais krantais, judrūs kaimo keliai. miškingose aukštumose ir miško keliukuose su medkirčiais ir medžiotojais, vaizdingai ir ištikimai stebimi. Ankstyvuosius jo paveikslus galima pamatyti Milano Ambrosianoje. Geriausiai ji atstovaujama Madride, gerai Miunchene, Drezdene, Sankt Peterburge ir Paryžiuje. Ypatingą reikšmę naujų kelių paieškų prasme turėjo gėlių tapyba, kuri įtikinamiausiai perteikė ne tik formų grožį ir retų spalvų spalvų ryškumą, bet ir jų derinius. Jo teptuko spalvų nuotraukos turi Madridą, Vieną ir Berlyną.

Iš jo bendradarbių negalime praleisti Hendriko van Baleno (1575 - 1632), kurio mokytojas laikomas antruoju Rubenso mokytoju Adamu van Noortu. Jo altoriaus paveikslai (pavyzdžiui, Antverpeno Jokūbo bažnyčioje) yra nepakeliami. Jis išgarsėjo dėl savo mažų, sklandžiai nutapytų, saldžių paveikslų ant lentų, kurių turinys daugiausia iš senovės pasakų, pavyzdžiui, Dievų šventė Luvre, Ariadnė Drezdene, Manos rinkimas Brunsvike, tačiau jo tokio pobūdžio paveikslams taip pat trūksta. meninis šviežumas ir betarpiškumas.

Tačiau aukščiau aprašytas pereinamasis kraštovaizdžio stilius tarp silpnų imitatorių išliko iki XVIII amžiaus pradžios. Čia galima pastebėti tik stipriausius šios krypties meistrus, perkėlusius ją į Olandiją, Davidą Winkboonsą iš Mechelno (1578 - 1629), kuris iš Antverpeno persikėlė į Amsterdamą, piešė šviežias miško ir kaimo scenas, retkarčiais ir biblinius epizodus peizaže. aplinkoje, bet mielai šventina šventes priešais kaimo smukles. Geriausi jo paveikslai Augsburge, Hamburge, Braunšveige, Miunchene, Sankt Peterburge gana tiesiogiai stebimi ir nutapyti gėlių spalvomis, ne be jėgos. Rellant Savery of Courtrai (1576–1639), kuriam Kurtas Erazmas skyrė su meile parašytą studiją, tyrinėjo Vokietijos miškingus kalnus, tarnaudamas Rudolfui II, po to apsigyveno tapytoju ir raižytoju iš pradžių Amsterdame, paskui Utrechte. Jo šviesūs, pamažu susiliejantys trys plokštumos, tačiau kiek sausi, kalnų, uolėtų ir miškų peizažai, kuriuos galima gerai pamatyti Vienoje ir Drezdene, jis aprūpino gyvas laukinių ir prijaukintų gyvūnų grupes medžioklės scenose, vaizduose rojus ir Orfėjas. Jis taip pat priklauso pirmiesiems nepriklausomiems gėlių tapytojams. Šio pereinamojo stiliaus jūros kraštovaizdžio atstovas buvo Adamas Willaertsas iš Antverpeno (1577 m., mirė po 1649 m.), 1611 m. persikėlęs į Utrechtą. Jo pakrantės ir jūros vaizdai (pavyzdžiui, Drezdene, Weberyje Hamburge, Lichtenšteino galerijoje) vis dar yra sausi bangų raštais, vis dar grubokai vaizduojantis laivų gyvenimą, tačiau žavi jų santykio su gamta sąžiningumu. Galiausiai Aleksandras Kerrinxas iš Antverpeno (1600 - 1652), perkėlęs savo flamandų kraštovaizdžio meną į Amsterdamą, paveiksluose vis dar seka Coninxloe savo parašu, tačiau vėlesniuose Brunsviko ir Drezdeno paveiksluose akivaizdžiai yra paveiktas Van Goyen rusvos olandų tonacijos. tapyba.. Todėl jis priklauso pereinamiesiems šeimininkams pačia to žodžio prasme.

Iš namuose likusių tokio tipo Antverpeno meistrų Sebastianas Vranksas (1573 - 1647) atskleidžia neabejotiną kraštovaizdžio ir žirgų tapytojo sėkmę. Jis taip pat vaizduoja lapiją kekėmis, dažniausiai kabančiomis kaip beržas, tačiau suteikia jai natūralesnį ryšį, suteikia naujo aiškumo erdviniam tonui ir žino, kaip užtikrintai ir nuosekliai parašytiems veiksmams perteikti gyvybingumą. jo mūšio ir plėšimo scenų arkliai ir raiteliai, kuriuos galima pamatyti, pavyzdžiui, Braunšveige, Ašafenburge, Roterdame ir Weber mieste Hamburge.

Galiausiai architektūrinėje tapyboje jau XVI amžiuje, eidamas Steenwicko vyresniojo keliais, jis sukūrė pereinamąjį stilių, kurį sudaro laipsniškas raidės po gamtą pakeitimas meniniu žavesiu, jo sūnus Gendrikas Steenwickas jaunesnysis (1580–1649). ), persikėlęs į Londoną, o šalia jo pagrindinis Taigi, Peteris Neefsas vyresnysis (1578 - 1656), kurio vidinius bažnyčių vaizdus galima rasti Drezdene, Madride, Paryžiuje ir Sankt Peterburge.

Apskritai flamandų tapyba akivaizdžiai ėjo labai teisingu keliu grįždama prie mažojo meno, kai didysis Rubenso menas iškilo virš jos kaip saulė ir kartu su savimi nunešė į šviesos ir laisvės karalystę.

Peteris Paulas Rubensas (1577–1640) – saulė, aplink kurią sukasi visas XVII amžiaus Belgijos menas, bet kartu ir vienas didžiausių šio laikotarpio visos Europos meno šviesuolių. Priešingai nei visi italų baroko tapytojai, jis yra pagrindinis baroko atstovas tapyboje. Formų pilnatvė, judėjimo laisvė, dominavimas masėms, suteikiantis baroko architektūros stiliui vaizdingumo, Rubenso paveiksluose atsisako akmens sunkumo ir su svaiginančia spalvų prabanga įgyja savarankišką, naują teisę. egzistuoti. Atskirų formų galia, kompozicijos didybe, žydinčia šviesos ir spalvų pilnatve, gyvenimo aistra perkeliant staigius veiksmus, jėga ir ugnimi jaudinant kūnišką ir dvasinį jo kūniško vyro ir moters gyvenimą, apsirengusias ir nusirengusias figūras jis lenkia visus kitus meistrus. Prabangus jo šviesiaplaukių kūnas pilnais skruostais, pilnomis lūpomis ir linksma šypsena spindi baltumu. Saulės nudeginta jo herojų vyrų oda švyti, o jų drąsiai išgaubtą kaktą pagyvina galingas antakių skliautas. Jo portretai yra patys šviežiausi ir sveikiausi, ne patys individualiausi ir intymiausi savo laikui. Niekas nemokėjo taip ryškiai atgaminti laukinių ir sutramdytų gyvūnų, kaip jis, nors dėl laiko stokos dažniausiai palikdavo savo pagalbininkus, kad juos atvaizduotų savo paveiksluose. Peizaže, kurio vykdymą jis taip pat patikėjo asistentams, pirmiausia įžvelgė bendrą atmosferos gyvenimo efektą, tačiau pats nutapė net ir senatvėje nuostabius peizažus. Jo menas apėmė visą dvasinių ir fizinių reiškinių pasaulį, visą praeities ir dabarties sudėtingumą. Altorių paveikslai ir vėl altoriaus paveikslai, kuriuos jis nutapė bažnyčiai. Piešė portretus ir portretus daugiausia sau ir savo draugams. Sukūrė mitologinius, alegorinius, istorinius vaizdus ir medžioklės scenas šio pasaulio didingiesiems. Kraštovaizdžio ir žanro tapyba buvo kartais šalutinis darbas.

Rubensui pasipylė įsakymai. Iš jo studijos išėjo mažiausiai du tūkstančiai paveikslų. Didelė jo meno paklausa lėmė, kad jo mokinių ir padėjėjų rankomis dažnai kartodavosi ištisų paveikslų ar atskirų dalių. Savo gyvenimo zenite jis dažniausiai palikdavo ranka tapytus paveikslus savo padėjėjams. Yra visi perėjimai tarp jo paties ranka rašytų darbų ir studijos paveikslų, kuriems jis davė tik eskizus. Su visais pagrindinių formų ir pagrindinių nuotaikų panašumu, jo paties paveikslai atskleidžia reikšmingus stiliaus pokyčius, tokius pat kaip ir daugelio jo amžininkų – nuo kieto plastiko modeliavimo ir storo, sunkaus rašto iki lengvesnio, laisvesnio, ryškesnio atlikimo, iki gyvesnių kontūrų, iki švelnesnio, erdvesnio modeliavimo ir kupinos nuotaikos, nušviestos gėlėtomis toninės tapybos spalvomis.

Naujausios literatūros apie Rubensą viršūnėje yra Maxo Rooseso plačiai sumanytas kaupiamasis darbas: Rubenso darbai (1887–1892). Geriausi ir svarbiausi biografiniai kūriniai yra Rooses ir Michel. Surinktus kūrinius po Waageno taip pat paskelbė Jakobas Burchardtas, Robertas Fischeris, Adolfas Rosenbergas ir Wilhelmas Bode. Atskirus klausimus apie Rubensą analizavo Ruelensas, Voltmanas, Riegelis, Gelleris von Ravensburgas, Grossmanas, Riemannsas ir kt. Rubensas, kaip graveris, užsiėmė Gimans ir Voorthelm-Schnevogt.

Rubensas gimė Siegen mieste, netoli Kelno, iš gerbiamo Antverpeno ir pirmąjį meninį išsilavinimą įgijo savo tėvų mieste pas Tobiasą Verhegtą (1561–1631), vidutinį pereinamojo stiliaus peizažų tapytoją, vėliau ketverius metus mokėsi pas Adamą Van. Noortas (1562 - 1641), vienas vidutinių manieringo italizmo meistrų, kaip dabar žinoma, ir tada dar ketverius metus dirbo su Otto Van Venu, turtingu grožinės literatūros, tuščios netikros klasikos formų, kuriam pirmiausia jis glaudžiai prisijungė ir 1598 m. tapo gildijos meistru. 1908 m. Habertzwil skyrė išsamius straipsnius trims Rubenso mokytojams. Neįmanoma tiksliai nustatyti vieno ankstyvojo Antverpeno Rubenso laikotarpio paveikslo. 1600–1608 gyveno Italijoje; iš pradžių Venecijoje, vėliau daugiausia Vincenzo Gonzagos tarnyboje Mantujoje. Tačiau jau 1601 m. Romoje trims Santa Croce in Gerusalemme bažnyčios altoriams nutapė „Kryžiaus radimą“, „Vainikavimą erškėčiais“ ir „Kryžiaus išaukštinimą“. Šie trys paveikslai, dabar priklausantys Grasse, pietų Prancūzijoje, ligoninės koplyčiai, atskleidžia jo pirmojo itališko laikotarpio stilių, vis dar ieškančio savęs, vis dar paveikto kopijų iš Tintoretto, Ticiano ir Correggio, bet jau kupinų savarankiškų siekių. dėl jėgos ir judėjimo. 1603 metais jaunasis meistras su princo įsakymu išvyko į Ispaniją. Iš jo tapytų paveikslų Madrido muziejuje esančios filosofų Heraklito, Demokrito ir Archimedo figūros atskleidžia vis dar pompastiškas, priklausomas formas, bet ir stiprų įspūdį iki psichologinės gelmės. Grįžęs į Mantują, Rubensas nutapė didelį trijų dalių altorių, kurio vidurinis paveikslas su Gonzagų šeimos pagerbimu Šv. Trejybė, Mantujos bibliotekoje buvo išsaugota iš dviejų dalių, o iš plačių, gausių šoninių paveikslų, parodančių vis didėjančią masių formų ir veiksmų galią, Kristaus krikštas atsidūrė Antverpeno muziejuje, o Atsimainymas m. Nancy muziejus. Tada 1606 m. meistras vėl nutapė Romoje „Chiesa Nuova“ didingą, jau kupiną rubensiškos jėgos savo šviesos kupinose figūrose, Šv. Grigalius“, dabar priklausantis Grenoblio muziejui, o Romoje jau 1608 m. pakeistas trimis kitais, visai ne geriausiais to paties meistro paveikslais. Labiau Caravaggio stilių primena įspūdingas „Kristaus apipjaustymas“ 1607 m. Genujos Sant'Ambrogio mieste. Tačiau tyrinėtojai, tokie kaip Roosesas ir Rosenbergas, meistrą priskiria italų laikotarpiui, kai jis nukopijavo Ticiano, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Mikelandželo ir Rafaelio kūrinius bei daugybę jo teptuku tapytų paveikslų, matyt, parašytus. vėliau. Didelės demonstravimo ir dorybės alegorijos Drezdene, kilusios iš Mantujos, stiprios formos ir spalvos, jei jos nebuvo parašytos, kaip Michelis mano pas mus, apie 1608 m. Mantujoje, tai mes greičiau pripažįstame kartu su Bode, kad jos atsirado pagal Rubenso grįžimas į tėvynę nei su Roosersu, kad jie buvo parašyti prieš jo Italijos kelionę į Antverpeną. Užtikrintai nupieštas ir plastiškai sumodeliuotas Jeronimo atvaizdas Drezdene atskleidžia ir savotišką rubensišką manierą, gal net per daug išvystytą jo itališkam laikotarpiui, kuriam dabar priskiriame šį paveikslą. 1608 m. Rubensui grįžus į Antverpeną, jau 1609 m. jis buvo paskirtas Albrechto ir Izabelės dvaro dailininku, o jo stilius, jau savarankiškas, greitai išsivystė į grandiozinę galią ir didybę.

Netvarkinga kompozicija, neramių kontūrų, netolygių apšvietimo efektų yra jo Magų garbinimas (1609-1610) Madride, tačiau paženklintas galingu judesiu. Kupinas gyvybės ir aistros, galingas raumeningas kūnų modeliavimas, jo garsusis trijų dalių paveikslas „Kryžiaus išaukštinimas“ Antverpeno katedroje. Stipresni italų prisiminimai jaučiami vienu metu vykstančiuose mitologiniuose paveiksluose, tokiuose kaip Venera, Kupidonas, Bakchas ir Ceres Kaselyje, o stambus, grandinėmis prirakintas Prometėjas Oldenburge. Būdingi didelio mastelio šios eros portreto pavyzdžiai yra Albrechto ir Izabelės peizažiniai portretai Madride ir nuostabus Miuncheno paveikslas, vaizduojantis sausmedžio pavėsinėje patį meistrą su savo jauna žmona Isabella Brant, parvežta į tėvynę 1609 m. , neprilygstamas ramios tyros laimės meilės vaizdas.

Rubenso menas atrado tolesnį skrydį tarp 1611 ir 1614 m. Didžiulis paveikslas „Nusileidimas nuo kryžiaus“ su didingais „Aplankykite Mariją Elžbietą“ ir „Įėjimas į šventyklą“ ant sparnų, Antverpeno katedroje, laikomas pirmuoju kūriniu, kuriame meistras atsinešė savo tipus ir rašymo metodą. iki visiško vystymosi. Nuostabus yra aistringas individualių judesių gyvybingumas, dar nuostabesnė yra skvarbi vaizdinio atlikimo galia. Šiems metams priklauso ir tokie mitologiniai paveikslai kaip „Romulas ir Remas“ Kapitolijaus galerijoje, „Faunas ir faunas“ Vienos Schonborn galerijoje.

1613 ir 1614 m. Rubenso paveikslai, pasitikintys kompozicija, aiškiai apibrėžtomis formomis ir spalvomis, yra kai kurie paveikslai, pažymėti kaip išimtis pagal jo vardą ir atlikimo metus. Tokie yra grynos formos, gražių spalvų paveikslas „Jupiteris ir Kalistas“ (1613), kupinas magiškos šviesos „Skrydis į Egiptą“ Kaselyje, „Sušalusi Venera“ (1614) Antverpene, apgailėtina „Raudos“ (1614) Viena ir „Susanna“ (1614 m.) Stokholme, kurios kūnas, be jokios abejonės, yra malonesnis ir geriau suprantamas nei pernelyg prabangus jo ankstesnės Suzanos kūnas Madride; tapybos požiūriu, prie šių paveikslų greta galingi simboliniai vienišo nukryžiuoto Kristaus atvaizdai tamsesnio dangaus fone Miunchene ir Antverpene.

Nuo to laiko Rubenso studijoje susikaupė tiek užsakymų, kad jis leido savo asistentams ryškiau dalyvauti kuriant jo paveikslus. Seniausias, be Jano Brueghelio, priklauso išskirtiniam gyvūnų ir vaisių tapytojui Fransui Snydersui (1579 - 1657), pasak paties Rubenso, nupiešusio erelį Oldenburgo paveiksle su aukščiau minėtu Prometėju, ir žvaliam peizažininkui Janui Wildensui ( 1586 - 1653), dirbęs nuo 1618 m. Rubensui. Ryškiausias bendradarbis buvo Antonas van Dyckas (1599 - 1641), vėliau tapęs nepriklausoma figūra. Bet kokiu atveju, 1618 m. tapęs meistru, jis iki 1620 m. buvo dešinioji Rubenso ranka. Šių metų paties Rubenso paveikslai melsvą kūno pusrutulį dažniausiai kontrastuoja su rausvai geltona šviesos dėmėmis, o paveikslai su aiškiai nusistovėjusiu Van Dycko bendradarbiavimu išsiskiria vienodu šiltu chiaroscuro ir nervingesniu vaizdiniu perdavimu. Tarp jų – šeši dideli, entuziastingai nutapyti atvaizdai iš Romos konsulo Decijaus Moussos gyvenimo Lichtenšteino rūmuose Vienoje, kurių kartoną Rubensas 1618 m. padarė austiems kilimams (išlikusios kopijos yra Madride), ir dideli dekoratyviniai plafoniniai paveikslai. (įvairiuose rinkiniuose išlikę tik eskizai), o kai kurios įspūdingos kompozicijos, su daugybe šios bažnyčios altorių figūrų „Stebuklas Šv. Ksavero“ ir „Stebuklas Šv. Ignacas“, išsaugotas Vienos dvaro muziejaus. Van Dycko bendradarbiavimas neabejotinas ir didžiuliame Antverpeno nukryžiavime, kuriame Longinas, ant žirgo, ietimi perveria Išganytojo šoną, Madonoje su atgailaujančiais nusidėjėliais Kaselyje, o Bodės teigimu, taip pat Miuncheno Trejybės dieną ir Berlyno Lazaryje, anot Rooseso, taip pat dramatiškoje liūto medžioklėje ir ne mažiau dramatiškame, aistringame ir greitame Leukipo dukterų pagrobime Miunchene. Visi šie paveikslai spindi ne tik drąsia Rubenso kompozicijos galia, bet ir skvarbiu Van Dycko tapybos jausmo subtilumu. Tarp ranka tapytų paveikslų, kurių pagrindines dalis nutapė pats Rubensas nuo 1615 iki 1620 m., yra ir geriausių religinių paveikslų – kupini audringų, audringų masinių judėjimų „Paskutinis teismas“ Miunchene ir pilni vidinės animacijos „Asumption of Dievo Motina“ Briuselyje ir Vienoje, taip pat meistriški mitologiniai paveikslai, prabangios „bakchanalijos“ ir „Thiazos“ atvaizdai Miunchene, Berlyne, Sankt Peterburge ir Drezdene, kuriuose išversta perpildančio juslinio gyvenimo džiaugsmo galia. iš romėnų į flamandų kalbą, matyt, pirmą kartą pasiekia pilną išraišką. „Amazonių mūšis“ Miunchene (apie 1620 m.) – kūrinys, neprieinamas vaizdingos žiauriausios grumtynių ir mūšio perdavimo prasme, nors ir parašytas nedideliu dydžiu. Tada yra natūralaus dydžio nuogi vaikai, kaip puikūs puti su vaisių girlianda Miunchene, tada žiaurios medžioklės scenos, liūtų medžioklė, iš kurių geriausia yra Miunchene, ir šernų medžioklė, iš kurių geriausia kabo Drezdene. Po to seka pirmieji peizažiniai paveikslai su mitologiniais papildymais, pavyzdžiui, pilna Enėjo laivo sudužimo Berlyne nuotaika arba su natūralia aplinka, tokia kaip švytintis romėnų peizažas su griuvėsiais Luvre (apie 1615 m.) ir peizažai, pilni gyvenimas „Vasara“ ir „Žiema (apie 1620 m.) Vindzore. Didingai perteiktos, plačiai ir teisingai parašytos be užuominos apie senąsias manieras, apšviestos visokiausių dangiškų apraiškų šviesos, jos stovi tarsi orientyrai peizažo tapybos istorijoje.

Aiškiai, didingai, galingai pagaliau pasirodo šio penkerių metų laikotarpio Rubenso portretai. Meistriškas jo autoportreto darbas Uficio rūmuose, jo portretų grupė „Keturi filosofai“ Pitti rūmuose yra didinga. Savo grožio žydėjime – jo žmona Isabella kilniuose Berlyno ir Hagos portretuose. Apie 1620 m. Londono nacionalinėje galerijoje taip pat buvo nutapytas nuostabus Susanna Fuhrman portretas su skrybėle su plunksna, pažaliuotas subtiliausiu chiaroscuro. Garsiuosius šių metų meistro vyriškus portretus galima pamatyti Miunchene ir Lichtenšteino galerijoje. Kaip aistringai Rubensas vaizdavo sakralinės pasaulio istorijos epizodus, medžioklės scenas ir net peizažus, taip pat ramiai piešė savo portretines figūras, gebėdamas monumentalia jėga ir tiesa perteikti jų kūno apvalkalą, tačiau nesistengdamas sudvasinti viduje, suvokiamas tik apskritai. , veido bruožai.

Van Dyckas paliko Rubensą 1620 m., o jo žmona Isabella Brant mirė 1626 m. Naujas postūmis jo menui buvo 1630 m. pakartotinis vedybos su jauna gražuole Helena Furman. Tačiau jo meninės ir diplomatinės kelionės į Paryžių taip pat buvo postūmis (1622 m. 1623, 1625), Madride (1628, 1629) ir Londone (1629, 1630). Iš dviejų didelių istorinių serijų su alegorijomis 21 didžiulis paveikslas iš Marie de Medici gyvenimo (pasakojimą parašė Grossmanas) dabar priklauso geriausioms Luvro dekoracijoms. Meistriškos Rubenso rankos eskizuoti, jo mokinių nutapyti, jo paties užbaigti istoriniai paveikslai užpildyti daugybe šiuolaikinių portretų ir alegorinių mitologinių figūrų šiuolaikinio baroko dvasia ir pateikia tokią masę individualių grožybių bei tokią meninę harmoniją, jie amžiams išliks geriausiais XVII amžiaus tapybos darbais. Iš Prancūzijos Henriko IV gyvenimo paveikslų serijos du nebaigti pateko į Ufici; eskizai kitiems saugomi įvairiose kolekcijose. Devyni Anglijos Jokūbą I šlovinantys paveikslai, kuriais Rubensas po kelerių metų papuošė nuo Londono suodžių pajuodusius pagrindinės salės White Hall plafoninius laukus, neatpažįstami, tačiau patys nepriklauso sėkmingiausiems meistro darbams. .

Iš XX dešimtmetyje Rubenso tapytų religinių paveikslų 1625 m. užbaigtas didžiulis ugningas „Magių garbinimas“ Antverpene vėl žymi jo meninės raidos lūžio tašką laisvesniu ir platesniu teptuku, lengvesne formų kalba ir labiau auksine spalva. , erdvus dažymas.. Šviesi, erdvi Antverpeno katedros „Marijos ėmimas į dangų“ buvo baigta 1626 m. Po to seka vaizdinga, nemokama „Magių garbinimas“ Luvre ir „Mergelės Marijos auklėjimas“ Antverpene. Madride, kur meistras vėl studijavo Ticianą, jo spalvos tapo sodresnės ir „gėlėtesnės“. Antverpeno Augustinų bažnyčioje esanti „Madona“ su ją garbinančiais šventaisiais yra labiau barokinis Ticiano Frari Madonna atkartojimas. Tik po šio laiko taip pat galėjo pasirodyti prasmingai peržiūrėta Mantegna „Cezario triumfo“, esančio 1629 metais Londone (dabar Nacionalinėje galerijoje), dalis, sprendžiant iš jos laiško. Šis dešimtmetis ypač turtingas didelių meistro portretų. Senesnė, bet vis dar kupina šildančios išvaizdos – Isabella Brant nuostabiame Ermitažo portrete; jau ryškesnius bruožus reprezentuoja portretas Uficie. Vienas geriausių ir spalvingiausių – dvigubas jo sūnų portretas Lichtenšteino galerijoje. Išraiškingas Kasparo Gevaerto portretas prie jo stalo Antverpene yra žinomas. O pats pagyvenęs meistras su plona diplomatiška šypsena lūpose pasirodo prieš mus nuostabiame Briuselio Arembergo portrete.

Paskutinis Rubenso (1631–1640) sėkmių dešimtmetis prabėgo po jo mylimos antrosios žmonos Elenos Furman, kurią jis nutapė visomis formomis, žvaigžde, kuri tarnavo kaip gamta religiniams ir mitologiniams paveikslams. Jos geriausi Rubens portretai priklauso gražiausiems moterų portretams pasaulyje: pusilgi, sodria suknele, kepure su plunksna; natūralaus dydžio, sėdi, su prabangia suknele, atvira prie krūtinės; maža forma, šalia vyro pasivaikščioti sode - ji yra Miuncheno pinakoteke; nuogas, tik iš dalies dengtas kailio mantija – Vienos dvaro muziejuje; kostiumu vaikščiojimui lauke - Ermitaže; su savo pirmagimiu ant varčių, susikibęs su vyru, taip pat gatvėje, lydimas puslapio - pas baroną Alphonse'ą Rothschildą Paryžiuje.

Reikšmingiausi šios klestinčios, spindinčios vėlyvosios meistro epochos bažnytiniai kūriniai – didingos ir ramios kompozicijos, spindinčios visomis vaivorykštės spalvomis, altorius Šv. Ildefonsas su galingomis aukotojų figūromis ant Vienos dvaro muziejaus durų ir nuostabus altoriaus paveikslas paties Rubenso laidojimo koplyčioje Jokūbo bažnyčioje Antverpene su miesto šventaisiais, nupieštais iš artimų meistrui veidų. Daugiau paprastų darbų, tokių kaip: Šv. Cecilia Berlyne ir didingoji Bathsheba Drezdene joms nenusileidžia tonu ir spalvomis. Tarp brangių šio laikotarpio mitologinių paveikslų yra blizgantys Paryžiaus sprendimai Londone ir Madride; ir koks aistringas gyvybingumas dvelkia Dianos medžiokle Berlyne, kokia pasakiškai prabangi Veneros šventė Vienoje, kokia stebuklinga šviesa apšviečia Orfėją ir Euridikę Madride!

Parengiamieji tokio tipo paveikslai yra kai kurie meistro žanriniai vaizdai. Taigi, mitologinio žanro personažas užfiksuoja drąsiai jausmingą, natūralaus dydžio „Pasimatymo valandą“ Miunchene.

Visų pasaulietinių Watteau scenų prototipai yra garsieji, su skraidančiais meilės dievais, paveikslai, vadinami „Meilės sodai“, su prabangiai apsirengusių įsimylėjusių porų grupėmis sode vykstančiame festivalyje. Vienas geriausių tokio pobūdžio darbų priklauso baronui Rotšildui Paryžiuje, kitas – Madrido muziejuje. Svarbiausi žanro paveikslai su mažomis figūrėlėmis iš liaudies gyvenimo, kuriuos nutapė Rubensas, yra didingas ir gyvybingas, grynai rubensiškas valstiečių šokis Madride, pusiau kraštovaizdžio turnyras priešais pilies griovį, Luvre ir mugė. toje pačioje kolekcijoje, kurios motyvai jau primena Teniersą.

Dauguma tikrų Rubenso peizažų taip pat priklauso paskutiniams jo gyvenimo metams: toks yra švytintis peizažas su Odisėju Pitti rūmuose, tokie yra peizažai, naujo dizaino, meniškai paaiškinantys, su paprastu ir plačiu aplinkos vaizdu. , lygus plotas, kuriame buvo Rubenso vasarnamis, ir su didingais, kupinais nuotaikos perdavimo dangaus pokyčiais. Gražiausi yra ugninis saulėlydis Londone ir peizažai su vaivorykšte Miunchene ir Sankt Peterburge.

Kad ir ko Rubensas imtųsi, jis viską pavertė spindinčiu auksu; ir kas susilietų su jo menu, kaip bendradarbis ar pasekėjas, nebegalėjo ištrūkti iš užburto rato.

Iš daugybės Rubenso mokinių tik Antonas van Dyckas (1599–1641), kurio šviesa, be abejo, reiškia Rubenso šviesą, kaip ir mėnulio saulės šviesa, pasiekia meno dangų spindesio apšviesta galva. Nors Balenas laikomas tikruoju jo mokytoju, pats Rubensas jį vadino savo mokiniu. Bet kokiu atveju, jo jaunatviškas vystymasis, kiek žinome, buvo Rubenso įtaka, nuo kurios jis niekada visiškai nenukrypsta, o pagal įtaigesnį temperamentą tapyboje persidirba į nervingesnę, švelnesnę ir subtilesnę. ir mažiau stiprus piešiant.. Ilgas buvimas Italijoje galiausiai pavertė jį tapytoju ir spalvų meistru. Ne jo reikalas buvo sugalvoti ir dramatiškai sustiprinti gyvą veiksmą, tačiau jis mokėjo savo istoriniuose paveiksluose išdėstyti figūras aiškiai apgalvotuose santykiuose vienas su kitu ir perteikti savo portretams subtilius socialinio statuso bruožus, kurie tapo mėgstamiausiu tapytoju. savo laikų didikų.

Naujausi santraukos darbai apie Van Dyck yra Michiels, Giffrey, Kust ir Schaeffer. Atskirus jo gyvenimo ir meno puslapius paaiškino Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti ir šios knygos autorius. Net ir dabar jie ginčijasi dėl skirtumo tarp skirtingų gyvenimo laikotarpių, kurie daugiausia buvo susiję su kelionėmis. Remiantis naujausiais tyrimais, jis dirbo iki 1620 m. Antverpene, 1620 - 1621 m. Londone, 1621 - 1627 m. Italijoje, daugiausia Genujoje, su pertrauka nuo 1622 iki 1623 m., kaip parodė Roosesas, tikriausiai namuose. 1627 - 1628 m. Olandijoje, tada vėl Antverpene, o nuo 1632 m. kaip Karolio I dvaro tapytojas Londone, kur jis mirė 1641 m., o šiuo laikotarpiu, 1634 - 1635 m., buvo Briuselyje, 1640 ir 1641 m. Antverpene. ir Paryžius.

Vargu ar yra ankstyvųjų Van Dycko kūrinių, kuriuose Rubenso įtaka nebūtų pastebima. Netgi jo ankstyvosios apaštališkos serijos jau rodo rubensiško būdo pėdsakus. Iš jų kai kurios originalios galvos yra saugomos Drezdene, kitos - Altorpe. Tarp religinių paveikslų, kuriuos Van Dyckas nutapė pagal savo projektą, savo rizika ir rizika, 1618–1620 m., kai jis tarnavo Rubensui, priklauso „Šv. Sebastian“, su perkrauta sena kompozicija „Kristaus raudas“ ir „Maudantis Suzana“ Miunchene. „Tomas Sankt Peterburge“, „Varinė gyvatė“ Madride. Nė vienas iš šių paveikslų negali pasigirti tobula kompozicija, tačiau yra gerai nutapytas ir gėlių spalvos. Drezdeno „Džeronimas“ yra vaizdingas ir giliai jaučiamas sieloje, atspindintis ryškų kontrastą su kaimyniniu ramesniu ir grubiai parašytu Jeronimu Rubensu.

Tada sekite: Pasityčiojimas iš Kristaus Berlyne, stipriausias ir išraiškingiausias iš šių pusiau Rubenso paveikslų, gražios kompozicijos, be jokios abejonės, eskizas Rubenso, Šv. Martin“ Vindzore, sėdintis ant žirgo, ištiesęs apsiaustą elgetai. Supaprastintas ir silpnesnis šio Martyno kartojimas Saventamo bažnyčioje yra artimesnis vėlesniam meistro būdui.

Van Dyckas yra puikus šios Rubenso eros menininkas, ypač savo portretuose. Kai kurie iš jų, apjungę gerai žinomus abiejų meistrų privalumus, XIX amžiuje buvo priskirti Rubensui, kol Bode grąžino juos Van Dyckui. Jie individualesni individualiais bruožais, nervingesni raiška, švelnesni ir gilesni raštu nei vienalaikiai Rubenso portretai. Seniausi iš šių Van Dycko pusiau Rubenso portretų yra 1618 m. Drezdene pagyvenusios susituokusios poros biusto portretai, gražiausios yra dviejų susituokusių porų pusfigūros Lichtenšteino galerijoje: moteris su auksiniais raišteliais ant krūtinės. , džentelmenas, dėvintis pirštines ir sėdintis priešais raudonų užuolaidų panelę su vaiku ant kelių Drezdene. Jam priklauso didingoji Ermitažo Isabella Brant, o iš Luvro – dvigubas tariamo Jeano Grusseto Richardeau ir jo sūnaus, stovinčio šalia jo, portretas. Iš dvigubų portretų žinomi vienas šalia kito stovintys sutuoktiniai – Franso Snyderso ir jo žmonos su labai priverstinėmis pozomis, Jano de Waelio ir jo žmonos Miunchene portretas yra vaizdingiausias. Galiausiai, jaunatviškuose meistro autoportretuose, mąsliai, savimi pasitikinčiu žvilgsniu, Sankt Peterburge, Miunchene ir Londone, pats jo amžius, apie dvidešimt, rodo ankstyvą laikotarpį.

Iš religinių paveikslų, kuriuos Van Dyck nutapė 1621–1627 m. Italijoje, pietuose, išliko graži Ticiano įkvėpta scena su „Petro moneta“ ir „Marija su Kūdikiu“ ugningoje aureolėje, Palazzo Bianco, primenančiame Rubensą, „Nukryžiavimą“ m. Karališkieji rūmai Genujoje, švelniai jaučiami vaizdingais ir dvasiniais terminais, Borghese galerijos kapas Romoje, tingi Marijos galva Pitti rūmuose, nuostabi, švytinti šeima Turino pinakoteke ir galinga, bet gana manieringa. Madonna del Rosario altorius Palerme su pailgomis figūromis. Iš pasaulietinių paveikslų čia paminėsime tik gražųjį, Giorgione dvasia, paveikslą, vaizduojantį tris gyvenimo amžius Vincenzos miesto muziejuje ir paprastos kompozicijos, bet ugningą paveikslą „Diana ir Endimonas“ Madride.

Pasitikintis, tvirtas ir kartu švelnus potėpis tamsaus chiaroscuro modeliavimas bei gilus, sodrus itališkų galvų koloritas, siekiantis nuotaikos vienybės, pasireiškia ir jo itališkuose, ypač genujietiškuose portretuose. Drąsiu trumpinimu, beveik atsuktas į žiūrovą, Genujos Palazzo Rossi rūmuose esantis Antonio Giulio Brignole Sale žirginio portretas, mojuojantis dešinėje rankoje kaip sveikinimo ženklą, buvo tikras naujojo kelio rodiklis. Kilminga, su barokinėmis kolonomis ir draperijomis fone, iš tos pačios kolekcijos stovi Sinjoros Geronimo Brignole Sale portretai su dukra Paola Adorio tamsiai mėlyna šilko suknele su aukso siuvinėjimais ir jaunuolio kilmingo žmogaus drabužiais. absoliutaus portreto meno viršūnėje. Prie jų yra Markesos Durazzo portretai šviesiai geltona šilko damasko suknele su vaikais priešais raudoną užuolaidą, gyvas grupinis trijų vaikų portretas su šunimi ir kilnus berniuko balta suknele portretas su papūga, laikoma Palazzo Durazzo Pallavicini. Romoje Kapitolijaus galerijoje yra labai svarbus dvigubas Lukos ir Kornelio de Wael portretas, Florencijoje, Palazzo Pitti rūmuose, yra dvasiškai išraiškingas kardinolo Giulio Bentivoglio portretas. Kiti Van Dycko itališko laikotarpio portretai pateko į užsienį. Vieni geriausių priklauso Pierpont Morgan Niujorke, tačiau jų galima rasti ir Londone, Berlyne, Drezdene ir Miunchene.

Penkerių metų laikotarpis (1627 - 1632), kurį meistras praleido gimtinėje grįžus iš Italijos, pasirodė itin vaisingas. Dideli, pilni judesio altorių paveikslai, kokie galingi Nukryžiuotieji bažnyčioje Šv. Zhen Dendermonde, Mykolo bažnyčioje Gente ir Romualdo bažnyčioje Mehelne bei greta esantį „Kryžiaus išaukštinimą“ Šv. Gensas Courtrai nereprezentuoja jo taip gerai, kaip pilni vidinio gyvenimo kūriniai, prie kurių priskiriame „Nukryžiavimą su Lilio muziejuje“, „Poilsis skrydžio metu“ Miunchene ir pavienius jausmų kupinus nukryžiavimus Antverpene, Vienoje ir Miunchenas. Šie paveikslai Rubenso atvaizdus verčia iš herojiškos kalbos į jausmų kalbą. Tarp gražiausių šio laikotarpio paveikslų galima paminėti Madoną su klūpančia donorų pora ir gėles Luvre liejančiais angelais, Miunchene stovinčią Madoną su Kristaus Kūdikiu ir pilna nuotaika „Raudos dėl Kristaus“ Antverpene, Miunchene, Berlyne ir Paryžius. Madonos ir raudos apskritai buvo mėgstamiausios Van Dycko temos. Jis retai imdavosi pagoniškų dievų atvaizdų, nors jo Heraklis sankryžoje Uficie, Veneros, Vulkano, Vienos ir Paryžiaus atvaizdai rodo, kad jam pavyko su jais susidoroti. Daugiausia jis liko portretų tapytoju. Iš šio penkerių metų laikotarpio buvo išsaugota apie 150 jo teptuko portretų. Jų veido bruožai dar ryškesni, tipiškai grakščiose, neaktyviose rankose išraiškos dar mažiau nei italų to paties tipo paveiksluose. Prie jų laikysenos prisidėjo kiek aristokratiškesnis lengvumas, o šaltesniame kolorite atsirado subtilesnė bendra nuotaika. Drabužiai dažniausiai krenta lengvai ir laisvai, bet materialiai. Tarp gražiausių iš jų, nutapytų visu dydžiu, būdingi valdovės Izabelės portretai Turine, Luvre ir Lichtenšteino galerijoje, Philippe'o de Roy ir jo žmonos portretai Wallace kolekcijoje Londone, dvigubi džentelmeno portretai. ir ponia su vaiku ant rankų Luvre ir Gotikos muziejuje ir dar keli džentelmenų ir damų portretai Miunchene. Prie išraiškingiausių juosmens ir kartos portretų priskiriame vyskupo Mulderuso ir Martino Pepino Antverpene, Adriano Stevenso ir jo žmonos Sankt Peterburge, grafo Van den Bergo Madride ir kanauninko Antonio de Tassis portretus Lichtenšteino galerijoje. Vargonininkas Liberty atrodo vangiai, skulptorius Colinas de Nole, jo žmona ir jų dukra Miuncheno portretų grupėje atrodo nuobodžiai. Drezdeno džentelmeno ir ponios bei Lichtenšteino galerijoje esančios Marie Louise de Tassis portretai išsiskiria kilnia, vaizdinga laikysena. Van Dycko įtaka visai jo laiko portretams, ypač anglų ir prancūzų kalboms, buvo didžiulė; tačiau pagal prigimtinę charakteristiką ir vidinę tiesą jo portretai negali būti lyginami su amžininkų Velázquezo ir Franso Halso portretais, jau nekalbant apie kitus.

Tačiau kartais Van Dyckas taip pat imdavosi graviravimo adatos. Žinomas 24 lengvai ir su didele prasme atliktas jo darbų lapas. Kita vertus, jis pavedė kitiems gravieriams atgaminti didelę jo pieštų smulkių, vienu pilku tonu nutapytų, žymių amžininkų portretų seriją. Visoje kolekcijoje ši „Van Dycko ikonografija“ šimto lapų pasirodė tik po jo mirties.

Būdamas Charleso I dvaro tapytoju, Van Dyckas per paskutinius aštuonerius savo gyvenimo metus nutapė nedaug religinių ir mitologinių paveikslų. Nepaisant to, keli geriausi paveikslai, parašyti per trumpą viešnagę Nyderlanduose, priklauso šiam vėlyvam meistro laikui. Tai buvo paskutinis ir vaizdingiausias „Poilsio skrydžio į Egiptą“ vaizdavimas su apvaliu angelų ir skraidančių kurapkų šokiu, dabar Ermitaže, brandžiausia ir gražiausia Antverpeno muziejaus „Kristaus raudojimas“. ne tik aiški, rami ir paliečianti kompozicija, bet ir tikro sielvarto išraiška, bet ir spalvomis, gražiais mėlyno, balto ir tamsaus aukso akordais, reprezentuojančiais meistrišką, kerintį kūrinį. Tada sekite itin gausius Anglijos laikotarpio portretus. Tiesa, Londono teismo tipo įtakoje jo galvos tampa vis panašesnės į kaukes, rankos tampa vis mažiau išraiškingos; bet suknelės rafinuotesnės ir medžiagesnės raštu, spalvos, kurių sidabrinis atspalvis tik pamažu ėmė blėsti, vis labiau įgauna švelnų žavesį. Žinoma, Van Dyckas Londone taip pat įkūrė didelio masto cechą, kuriame dirbo daug studentų. Šeimos portretas Vindzoro mieste, kuriame pavaizduota sėdinti karališkoji pora su dviem vaikais ir šunimi, yra gana silpnas vaizdas. Karaliaus žirginis portretas toje pačioje vietoje priešais triumfo arką buvo nutapytas puikiu skoniu, jo žirginis portretas Nacionalinėje galerijoje dar vaizdingesnis, žavingas karaliaus portretas su medžiokliniu kostiumu Luvre – tikrai vaizdingas. . Iš Van Dycko karalienės Henrietos Marijos portretų, lordui Northbrookui Londone priklausantis portretas, kuriame vaizduojama karalienė su nykštukais sodo terasoje, yra vienas naujausių ir ankstyviausių, o Drezdeno galerijoje esantis, nepaisant jo kilnumo, yra tarp silpniausių ir naujausių. Garsūs įvairūs Anglijos karaliaus vaikų portretai, priklausantys patraukliausiems Van Dycko šedevrams. Turine ir Vindzore yra geriausi trijų karališkųjų vaikų portretai; bet pats prabangiausias ir gražiausias yra Vindzoro portretas su penkiais karaliaus vaikais su dideliu ir mažu šunimi. Iš daugelio kitų Van Dycko Vindzoro portretų, ledi Venecijos Digby portretas su alegoriniais priedais balandžių ir meilės dievų pavidalu skelbia naują erą, o dvigubas Thomaso Killigrew ir Thomaso Carew portretas stulbina pavaizduoti mūsų šeimininkui neįprasti gyvenimo santykiai. Džeimso Stiuarto portretas, prie kurio prigludęs didelis šuo, Metropoliteno meno muziejuje Niujorke išsiskiria ypatingu grakštumu – sužadėtinių, Viljamo II Oranžiečio ir Henrietos Maria Stuart vaikų portretas, m. miesto muziejus Amsterdame yra puikus. Išliko apie šimtas meistro anglų laikotarpio portretų.

Van Dyckas mirė jaunas. Kaip menininkas, jis kalbėjo, matyt, viską. Jam trūksta savo didžiojo mokytojo universalumo, pilnatvės ir galios, tačiau grynai vaizdingos nuotaikos subtilumu jis pranoko visus savo amžininkus flamandams.

Kiti svarbūs Rubenso tapytojai, bendradarbiai ir mokiniai Antverpene prieš ir po Van Dycko gyvuoja tik Rubenso meno atgarsiais, Even Abraham Dipepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodor van Thulden (1606 - 1676) , Erazmas Kvellinas (1607 - 1678), didžiojo skulptoriaus brolis, ir jo anūkas Janas Erazmas Kvellinas (1674 - 1715) nėra tokie reikšmingi, kad būtų galima prie jų apsigyventi. Savarankiškesnės reikšmės turi įvairių Rubenso dirbtuvių realistinių skyrių atstovai. Fransas Snydersas (1579 - 1657) pradėjo nuo mirusios prigimties, kurią mėgo atlikti natūralaus dydžio, plačiai, realistiškai ir, nepaisant to, dekoratyviai; Visą gyvenimą jis piešė didelius, pilnus sveiko stebėjimo vaizdus, kuriuose užfiksuoti virtuvės reikmenys ir vaisiai, kurių galima rasti Briuselyje, Miunchene ir Drezdene. Rubenso dirbtuvėse jis taip pat išmoko gyvai ir žaviai, kone mokytojo jėga ir ryškumu pavaizduoti gyvąjį pasaulį, natūralaus dydžio gyvūnus medžioklės scenose. Jo dideli medžiokliniai paveikslai Drezdene, Miunchene, Vienoje, Paryžiuje, Kaselyje ir Madride yra savotiškai klasikiniai. Kartais su Snydersu painiojamas jo svainis Paulas de Vosas (1590–1678), kurio dideli gyvūnų paveikslai negali prilygti Snyderso paveikslų gaivumui ir šilumai. Naujasis kraštovaizdžio stilius, sukurtas Rubenso įtakoje, beveik visiškai panaikinęs senus trispalvius scenos fonus ir tradicinę kuokštą primenančią medžių lapiją, ryškiau išryškėja Lucas van Oudens (1595 m.) paveiksluose ir ofortuose. 1672), vėlyvojo kraštovaizdžio meistro asistentas. Jo daugybė, bet dažniausiai mažų peizažinių paveikslų, iš kurių devyni kabo Drezdene, trys – Sankt Peterburge, du – Miunchene, yra paprasti, natūraliai suvokiami žavių vietinių pasienio peizažų tarp Brabanto kalvoto regiono ir Flandrijos lygumos vaizdai. Spektaklis platus ir kruopštus. Jo spalvomis stengiamasi perteikti ne tik natūralų žalių medžių ir pievų, rusvos žemės ir melsvų kalvotų tolimų įspūdį, bet ir šiek tiek debesuotą, šviesų dangų. Saulėtosios jo debesų ir medžių pusės dažniausiai mirga geltonomis šviesos dėmėmis, o veikiant Rubensui kartais pasirodo ir lietaus debesys bei vaivorykštės.

Rubenso menas sukėlė revoliuciją Nyderlandų vario graviūroje. Jam tarnavo daugybė gravierių, kurių darbus jis peržiūrėjo. Seniausi iš jų Antverpenas Cornelis Galle (1576 - 1656) ir olandai Jacobas Mathamas (1571 - 1631) ir Janas Mülleris vis dar išvertė jo stilių į senesnę formų kalbą, tačiau Rubenso mokyklos gravieriai, nemažai kuriuos atidaro Peteris Southmanas iš Harlemo (1580 - 1643), ir toliau spindi tokiais vardais kaip Lukas Forstermannas (g. 1584), Paulius Pontius (1603 - 1658), Boethius ir Schelte. Bolswerthas, Pieteris de Jode'as jaunesnysis ir visų pirma didysis chiaroscuro gravierius Janas Wittdöckas (g. 1604 m.) sugebėjo persmelkti savo lapus rubensiška jėga ir judesiu. Naują mecotintos techniką, kuri kirtikliu grublėdavo plokštės paviršių, kad ant jos būtų iškrapštytas piešinys minkštomis masėmis, jei ne išrastas, tai pirmą kartą plačiai panaudojo Vallerand Vaillant iš Lilio (1623 m. – 1677 m.), Rubenso mokinio Erazmo Kvellino mokinys, garsus puikus portretų tapytojas ir originalus mirusios gamtos tapytojas. Tačiau kadangi Vaillantas šio meno mokėsi ne Belgijoje, o Amsterdame, kur persikėlė, flamandų meno istorijoje galima tik jį paminėti.

Kai kurie svarbūs šio laikotarpio Antverpeno meistrai, nepalaikę tiesioginių ryšių su Rubensu ar jo mokiniais, prisijungę prie Karavadžo Romoje, subūrė romėnų grupę. Aiškūs kontūrai, plastinis modeliavimas, sunkūs Caravaggio šešėliai sušvelnėja tik vėlesniuose jų paveiksluose – laisvesnė, šiltesnė, platesnė tapyba, bylojanti apie Rubenso įtaką. Šios grupės vadovas yra Abrahamas Janssensas Van Nuessenas (1576 - 1632), kurio mokinys Gerardas Zegersas (1591 - 1651) vėlesniuose paveiksluose neabejotinai persikėlė į Rubenso farvaterį, o Theodore'as Romboutsas (1597 - 1637) atskleidžia Caravaggio savo žanre, natūralaus dydžio, su metališkai blizgančiomis spalvomis ir juodais šešėliais, paveikslai Antverpene, Gente, Sankt Peterburge, Madride ir Miunchene.

Seniausias iš tuometinių flamandų tapytojų, kurie nebuvo Italijoje, Casparas de Crayeris (1582 - 1669), persikėlė į Briuselį, kur, konkuruodamas su Rubensu, nenuėjo toliau, nei ėmėsi eklektikos. Jiems vadovauja Antverpenas Jacobas Jordaensas (1583–1678), taip pat Adamo Van Noorto, to meto tikrai nepriklausomų belgų realistų vadovo, vieno reikšmingiausių flamandų tapytojų, mokinys ir žentas. XVII a., šalia Rubenso ir Van Dycko. Roosesas jam taip pat skyrė platų kūrinį. Šiurkštesnis už Rubensą, jis tiesesnis ir originalesnis už jį. Jo kūnai dar masyvesni ir mėsingesni nei Rubenso, galvos apvalesnės ir įprastesnės. Jo kompozicijos, dažniausiai kartojamos, su nežymiais pakeitimais įvairiems paveikslams, dažnai nedailesnės ir dažnai pervargusios, teptukas, nepaisant visų savo įgūdžių, yra sausesnis, lygesnis, kartais tankesnis. Nepaisant viso to, jis yra nuostabus, originalus koloristas. Iš pradžių jis rašo gaiviai ir žvaliai, silpnai modeliuodamas sodriomis vietinėmis spalvomis; po 1631 m., nuneštas Rubenso žavesio, jis pereina prie subtilesnių chiaroscuro, ryškesnių tarpinių spalvų ir rusvo tapybos tono, iš kurio efektyviai išryškėja sultingi gilūs pagrindiniai tonai. Jis taip pat vaizdavo viską, kas pavaizduota. Didžiausią sėkmę jis dėkoja natūralaus dydžio alegoriniams ir žanriniams paveikslams, dažniausiai liaudies patarlių tema.

Seniausias žinomas Jordaenso paveikslas „Nukryžiavimas“ 1617 m. Šv. Paulius Antverpene atskleidžia Rubenso įtaką. Jordaensas yra visiškai savimi 1618 m. „Piemenų garbinimas“ Stokholme ir panašiame paveiksle Braunšveige, o ypač ankstyvuosiuose vaizduose, kaip satyras lanko valstietį, kuriam jis pasakoja neįtikėtiną istoriją. Ankstyviausias tokio pobūdžio paveikslas priklauso ponui Celstui Briuselyje; po to kopijos Budapešte, Miunchene ir Kaselyje. Ankstyvieji religiniai paveikslai taip pat apima išraiškingus evangelistų Luvre ir mokinių prie Išganytojo kapo Drezdene atvaizdus; iš ankstyvųjų mitologinių paveikslų verta paminėti Meleagerį ir Atlantą Antverpene. Seniausios jo gyvos šeimos portretų grupių kompozicijos (apie 1622 m.) priklauso Madrido muziejui.

Rubenso įtaka vėl akivaizdi Jordaenso paveiksluose, parašytuose po 1631 m. Jo satyroje apie valstietį Briuselyje jau pastebimas posūkis. Jo garsieji „Pupų karaliaus“ vaizdai, kurių seniausias egzempliorius yra Kaselyje (kiti yra Luvre ir Briuselyje), taip pat nesuskaičiuojami jo patarlės „Ką seniai dainuoja, mažiukai girgžda“ vaizdai, Antverpenas. kurio kopija datuojama 1638. net gaivesnės spalvos nei Drezdenas, parašytas 1641 m. – kiti Luvre ir Berlyne – jau priklauso meistro sklandesniam ir švelnesniam būdui.

Iki 1642 m. buvo nutapyti ir šiurkštūs mitologiniai paveikslai „Bakcho eisena“ Kaselyje ir „Ariadnė“ Drezdene, gyvi puikūs Jano Wirtho ir jo žmonos Kelne portretai; tada, iki 1652 m., paveikslai animavo išorę ir vidų, nepaisant ramesnių linijų, kaip Šv. Ivo Briuselyje (1645 m.), puikus šeimos portretas Kaselyje ir energingas „Pupų karalius“ Vienoje.

1652 m. meistras buvo pilnai pakviestas į Hagą dalyvauti „Miško pilies“ puošime, kuriam dovanoja Jordaenso „Princo Friedricho Heinricho sudievinimas“ ir „Mirties pergalė prieš pavydą“. jo atspaudas, o 1661 metais – kvietimas į Amsterdamą, kur nutapė išlikusius, bet dabar beveik niekuo neišsiskiriančius paveikslus naujajai rotušei.

Geriausias ir religingiausias jo vėlesnių metų paveikslas yra „Jėzus tarp raštininkų“ (1663) Maince; nuostabių spalvų „Įėjimas į šventyklą“ Drezdene ir „Paskutinė vakarienė“, persmelkta šviesos Antverpene.

Jei Jordaensas yra per grubus ir netolygus, kad būtų priskirtas prie didžiausių iš didžiųjų, vis dėlto, kaip Antverpeno miestiečių dailininkas ir miestiečių tapytojas, jis užima garbingą vietą šalia Rubenso, tapytojų princo ir kunigaikščių tapytojo. Tačiau kaip tik dėl savo originalumo jis nesukūrė jokių nuostabių mokinių ar pasekėjų.

Kornelis de Vosas (1585 - 1651) buvo meistras, kaip ir Jordansas, savarankiškai įsiliejęs į ikirubensišką flamandų meno praeitį, ypač pasižymėjęs kaip portretų tapytojas, siekiantis bemenės tiesos ir nuoširdumo su ramiu, skvarbiu tapybos stiliumi, savitumu. spindesys jo figūrų akyse ir kupinas šviesių spalvų. Geriausia šeimos portretų grupė su atpalaiduojančia kompozicija priklauso Briuselio muziejui, o stipriausias vienas gildijos meistro Grafėjo portretas – Antverpenui. Taip pat labai būdingi jo dvigubi portretai, vaizduojantys susituokusią porą ir mažąsias dukras Berlyne.

Priešingai jo grynai flamandiškam stiliui su itališku atspalviu, kurio su didesniais ar mažesniais nukrypimais laikėsi didžioji dauguma XVII amžiaus belgų tapytojų, Lutticho valonų mokykla, kurią tyrinėjo Gelbier, išplėtojo romėnų ir belgų stilių. Poussin tendencija po prancūzų. Šiai mokyklai vadovauja Gerardas Duffet (1594 - 1660), išradingas, aukšto lygio akademikas, geriausiai žinomas Miunchene. Gérardas Leresse'as (1641 - 1711), jo mokinio Bartolet Flemalle arba Flemal (1614 - 1675) mokinys, vangus Puasino imitatorius, kuris jau 1667 m. persikėlė į Amsterdamą, iš Lütticho į Olandiją perkėlė šį prancūzų kalbą imituojantį akademinį stilių, jis siekė ne tik kaip mitologinių temų tapytojas ir grafikos kūrėjas, bet ir su plunksna savo knygoje, kuri turi didelę įtaką. Jis buvo kraštutinis reakcingas ir labiausiai amžių sandūroje prisidėjo prie sveikos nacionalinės Nyderlandų tapybos krypties virsmo romaniniu farvateriu. „Seleukas ir Antiochija“ Amsterdame ir Šverine, „Parnasas“ Drezdene, „Kleopatros išvykimas“ Luvre suteikia pakankamai supratimo apie jį.

Pagaliau Leresas grąžina mus iš didžiojo belgų paveikslo prie mažojo; o pastarasis neabejotinai dar išgyveno smulkiafigūriuose peizažinio ar architektūrinio fono paveiksluose brandų XVII amžiaus tautinį sužydėjimą, kuris išaugo tiesiai iš pereinamojo laikotarpio meistrų paruoštos dirvos, tačiau visišką judėjimo laisvę pasiekė dėka visagalis Rubensas, kai kur ir dėl naujų įtakų, prancūzų ir italų, ar net jauno olandų meno įtakos flamandų kalbai.

Tikras žanro paveikslas, o dabar, kaip ir anksčiau, atliko pirmąjį vaidmenį Flandrijoje. Kartu pastebima gana aštri riba tarp meistrų, vaizdavusių aukštesniųjų sluoksnių gyvenimą pasaulietinėse scenose ar nedideliuose grupiniuose portretuose, ir liaudies buities smuklėse, mugėse ir kaimo keliuose tapytojų. Rubensas sukūrė abiejų genčių pavyzdžius. Pasaulietiški tapytojai Rubenso meilės sodų dvasia vaizduoja damas ir ponus apsivilkusius šilku ir aksomu, žaidžiančius kortomis, vaišinančius, grojančius linksmą muziką ar šokančius. Vienas pirmųjų tarp šių tapytojų buvo Christianas van der Lamenas (1615 - 1661), žinomas dėl paveikslų Madride, Gotoje, ypač Lukoje. Sėkmingiausias jo mokinys buvo Jérôme'as Janssensas (1624–1693), „šokėjas“, kurio šokių scenas galima pamatyti Braungšveige. Virš jo kaip tapytojas stovi Gonzalesas Kokvetsas (1618 - 1684), aristokratiškų mažų grupinių portretų meistras, vaizduojantis šeimos narius, susijungusius namuose Kaselyje, Drezdene, Londone, Budapešte ir Hagoje. Labiausiai produktyvūs flamandų žemesniųjų klasių liaudies gyvenimo vaizdininkai buvo tenieriai. Iš gausios šių menininkų šeimos išsiskiria Davidas Teniersas vyresnysis (1582 - 1649) ir jo sūnus Davidas Teniersas jaunesnysis (1610 - 1690). Vyresnysis tikriausiai buvo Rubenso mokinys, jaunesnysis tikriausiai draugiškai patarė. Abu yra vienodai stiprūs tiek kraštovaizdžiu, tiek žanru. Tačiau visų vyresnėlio darbų atskirti nuo jaunatviškų jaunesniojo paveikslų nepavyko. Be jokios abejonės, seniūnui priklauso keturi Vienos rūmų muziejaus mitologiniai peizažai, vis dar užsiėmę „trijų plokštumų“ perdavimu, „Šv. gundymas. Anthony“ Berlyne, „Kalnų pilis“ Braunšveige ir „Kalnų tarpeklis“ Miunchene.

Kadangi David Teniers jaunesnysis buvo paveiktas didžiojo Adrieno Brouwerio iš Oudenardo (1606–1638), pirmenybę teikiame pastarajam. Brouwer yra naujų kelių kūrėjas ir pasaulietis. Bode nuodugniai ištyrė savo meną ir gyvenimą. Daugeliu atžvilgių jis yra didžiausias iš Nyderlandų liaudies gyvenimo tapytojų ir kartu vienas labiausiai įkvėptų Belgijos ir Olandijos peizažistų. Olandų tapybos įtaka flamandų kalbai XVII amžiuje pirmą kartą buvo pastebėta pas jį, Franso Halso mokinį Harleme, dar prieš 1623 m. Grįžęs iš Olandijos, apsigyveno Antverpene.

Kartu jo menas įrodo, kad paprasčiausi epitetai iš paprastų žmonių gyvenimo savo pasirodymo dėka gali įgyti aukščiausią meninę vertę. Iš olandų jis perėmė gamtos suvokimo betarpiškumą, vaizdinį atlikimą, savaime menišką. Kaip olandas, jis skelbiasi griežtai izoliuotas perteikdamas įvairių gyvenimo apraiškų akimirkas, kaip olandas, su brangiu humoru, išryškina rūkymo, muštynių, kortų žaidimų ir smuklių išgertuvių scenas.

Ankstyviausi paveikslai, kuriuos jis nutapė Olandijoje, valstiečių išgertuvės, muštynės, Amsterdame, šiurkščiais, niūriais personažais atskleidžia senojo flamandų pereinamojo meno atsakymus. Šių laikų šedevrai – jo jau Antverpeno „Kortų žaidėjai“ ir Frankfurto Städelio instituto tavernos scenos. Tolimesnė plėtra ryškiai išryškėja Miuncheno pinakoteko „Peilyje“ ir „Kaimo pirtyje“: čia veiksmas dramatiškai stiprus jau be nereikalingų antraeilių figūrų; visų detalių vykdymas yra vaizdingai apgalvotas; nuo auksinės spalvos chiaroscuro vis dar švyti raudoni ir geltoni tonai. Po to seka brandus vėlyvasis meistro laikotarpis (1633 - 1636), su individualesnėmis figūromis, šaltesniu spalvų tonu, kuriame išsiskiria žalios ir mėlynos dažų vietos. Tai apima 12 iš aštuoniolikos jo Miuncheno paveikslų ir geriausius iš keturių Drezdeno paveikslų. Schmidtas-Degeneris prie jų prisegė nemažai paveikslų iš privačių Paryžiaus kolekcijų, tačiau jų autentiškumas, matyt, ne visada tiksliai nustatytas. Šiems metams priklauso ir geriausi Brouwer peizažai, kuriuose paprasčiausius Antverpeno apylinkių gamtos motyvus puošia šiltas, spinduliuojantis oro ir šviesos reiškiniai. „Kopos“ Briuselyje, paveikslas su meistro pavarde, įrodo kitų autentiškumą. Jie turi modernesnį jausmą nei visi kiti jo flamandų peizažai. Tarp geriausių yra mėnulio šviesa ir pastoracinis peizažas Berlyne, raudono stogo kopų peizažas Bridgewater galerijoje ir galingas saulėlydžio peizažas, priskiriamas Rubensui Londone.

Paskutinių dvejų didelių dydžių meistro gyvenimo metų žanriniai paveikslai teikia pirmenybę šviesiam, tamsesniam raštui ir aiškesniam vietinių spalvų pavaldumui bendram pilkam tonui. Dainuojančius valstiečius, kauliukus žaidžiančius kareivius ir šeimininkų porą Miuncheno Pinakotheko girdykloje jungia stiprūs paveikslai, vaizduojantys operacijas Staedelio institute ir Luvro „Rūkytojas“. Originalus Brouwer menas visada yra visiška priešingybė visoms akademinėms konvencijoms.

Davidas Teniersas jaunesnysis, mėgstamiausias kilmingojo pasaulio žanro tapytojas, 1651 m. dvaro tapytojo ir erchercogo Leopoldo Vilhelmo galerijos direktoriaus pakviestas iš Antverpeno į Briuselį, kur mirė senatvėje, negali būti lyginamas su Brouwer. gyvybės perteikimo betarpiškumas, emociniame humoro išgyvenime, tačiau būtent dėl to jis pranoksta jį išoriniu rafinuotumu ir suprantamo liaudiškojo gyvenimo miestietišku stilizavimu. Jis mėgo vaizduoti aristokratiškai apsirengusius miestiečius santykiuose su kaimo žmonėmis, retkarčiais tapydavo pasaulietines aristokratijos gyvenimo scenas, netgi perteikdavo religinius epizodus savo žanro paveikslų stiliumi, dailiai dekoruotuose kambariuose ar tarp tiesos stebimų. bet dekoratyvūs peizažai. Gundymas šv. Anthony (Drezdene, Berlyne, Sankt Peterburge, Paryžiuje, Madride, Briuselyje) priklauso jo mėgstamiausioms temoms. Ne kartą nutapė ir požemį su Petro atvaizdu fone (Drezdenas, Berlynas). Iš mitologinių temų jo žanro paveikslų stiliuje įvardinsime „Neptūną ir amfitritą“ Berlyne, alegorinį paveikslą „Penki pojūčiai“ Briuselyje, poetinius kūrinius – dvylika paveikslų iš „Išlaisvintos Jeruzalės“ Madride. Jo paveikslai, reprezentuojantys alchemikus (Drezdenas, Berlynas, Madridas), taip pat gali būti priskirti aukštuomenės žanrui. Didžioji dauguma jo paveikslų, kurių Madride yra 50, Sankt Peterburge – 40, Paryžiuje – 30, Miunchene – 28, Drezdene – 24, vaizduoja laisvalaikiu besilinksminančių kaimo gyventojų aplinką. Jis vaizduoja juos vaišinančius, geriančius, šokančius, rūkančius, žaidžiančius kortomis ar kauliukais, vakarėlyje, smuklėje ar gatvėje. Jo lengvas ir laisvas natūralia formų kalba, platus ir kartu švelnus raštas pajuto tik spalvų pokyčius. Jo 1641 m. Drezdeno „Šventyklos šventė pusiau šviesoje“ tonas sunkus, bet gilus ir šaltas. Tada grįžta prie ankstyvųjų metų rudo tono, kuris greitai perauga į ugningą auksinį atspalvį tokiuose paveiksluose kaip 1642 m. požemis Sankt Peterburge, „Gildijos alaus namas“ 1643 m. Miunchene ir „Sūnus palaidūnas“ 1644 m. Luvre įsiliepsnojo ryškiau, pavyzdžiui, 1645 m. „Šokyje“ Miunchene ir „Kauliukų žaidėjai“ 1646 m. Drezdene, tada, kaip rodo 1650 m. „rūkaliai“ Miunchene, palaipsniui tampa pilkesni ir galiausiai 1651 m., „Valstiečių vestuvėse“ Miunchene, virsta rafinuotu sidabro tonu ir jį lydi vis lengvesnis ir sklandesnis raštas, išskiriantis šeštojo dešimtmečio Tenierso paveikslus, tokius kaip jo 1657 m. „Sargyba“ Bekingemo rūmuose. Galiausiai po 1660 m jo šepetys tampa mažiau pasitikintis, spalva vėl tampa rudesnė, sausa ir drumsta. Miunchenui priklauso paveikslas, vaizduojantis alchemiką, su 1680 m. senyvo meistro paveikslo bruožais.

Iš Brouwer mokinių išsiskiria Joosas van Kreesbeekas (1606 - 1654), kurio paveiksluose muštynės kartais baigiasi tragiškai; Gillisas van Tilborchas (apie 1625–1678 m.) žinomas iš Tenierso jaunesniojo mokinių, kurie taip pat piešė šeimyninius grupinius Kokves stiliaus portretus. Kartu su jais yra tapytojų Rikavert šeimos nariai, iš kurių ypač Davidas Rikaertas III (1612 - 1661) išaugo į tam tikrą nepriklausomybės platumą.

Šalia nacionalinės flamandų mažafigūrės tapybos vyrauja vienalaikė, nors ir ne lygiavertė, italizavimo kryptis, kurios meistrai laikinai dirbo Italijoje ir vaizdavo itališką gyvenimą visomis jo apraiškomis. Tačiau didžiausi iš šių Rafaelio ar Mikelandželo nuneštų olandų „bendruomenės“ Romoje buvo olandai, prie kurių grįšime toliau. Pieteris Van Laeris iš Gaarlemo (1582 - 1642) yra tikrasis šios krypties pradininkas, vienodai paveikęs tiek čerkvozų tipo italus, tiek Jano Milso (1599 - 1668) tipo belgus. Mažiau nepriklausomi yra Antonas Goubau (1616–1698), pripildęs romėnų griuvėsius spalvingu gyvenimu, ir Peteris Van Blemenas, pravarde Standardaardas (1657–1720), kuris pirmenybę teikė italų žirgų mugėms, kavalerijos mūšiams ir stovyklų scenoms. Italų liaudies gyvenimas nuo šių meistrų laikų išliko sritimi, kasmet pritraukiančia minias šiaurės tapytojų.

Priešingai, peizažinė tapyba vystėsi nacionaline flamandų dvasia, mūšio ir plėšikų temomis, greta Sebastiano Vrankso, kurio mokinys Peteris Snyersas (1592–1667) persikėlė iš Antverpeno į Briuselį. Ankstyvieji Sniers paveikslai, pavyzdžiui, Drezdene, rodo jį gana vaizdingame takelyje. Vėliau, kaip Habsburgų rūmų mūšio tapytojas, jis labiau pabrėžė topografinę ir strateginę ištikimybę nei tapybinę ištikimybę, kaip rodo dideli jo paveikslai Briuselyje, Vienoje ir Madride. Geriausias jo mokinys buvo Adamas Fransas Van der Meulenas (1631–1690), Liudviko XIV mūšio dailininkas ir Paryžiaus akademijos profesorius, persodinęs į Paryžių Snyerso stilių, jo patobulintą oro ir šviesos požiūriu. Versalio rūmuose ir Paryžiaus viešbutyje „Hotel des Invalides“ jis nutapė dideles sienų tapybos serijas, nepriekaištingas savo patikimomis formomis ir vaizdingo kraštovaizdžio įspūdį. Jo paveikslai Drezdene, Vienoje, Madride ir Briuselyje su kampanijomis, miestų apgulomis, stovyklomis, pergalingu didžiojo karaliaus įžengimu taip pat išsiskiria ryškiu vaizdiniu suvokimo subtilumu. Šį Naujosios Nyderlandų mūšio paveikslą į Italiją perkėlė Genujoje apsigyvenęs Cornelis de Waelis (1592-1662) ir, čia įgijęs tobulesnį teptuką bei šiltą spalvą, netrukus perėjo prie italų liaudies gyvenimo vaizdavimo.

Tikrojoje belgų peizažinėje tapyboje, kurią šios knygos autorius išsamiau aprašė tapybos istorijoje (savo ir Woltmanno), galima gana aiškiai atskirti originalią, gimtąją, tik šiek tiek paliestą pietų įtakų tendenciją nuo pseudoklasikinės. tendencija, kuri ribojosi su Poussin Italijoje. Nacionalinė belgų peizažinė tapyba, palyginti su olandais, išlaikė šiek tiek išorinio dekoratyvumo bruožą, nepaliekant Rubenso ir Brouwerio; su šia savybe ji taip gausiai kaip niekur kitur pasirodė rūmų ir bažnyčių puošyboje dekoratyviomis paveikslų serijomis. Antverpietis Paulas Brilis įskiepijo tokią tapybą Romoje; vėliau prancūziški belgai Francois Millet ir Philippe de Champagne peizažiniais paveikslais puošė Paryžiaus bažnyčias. Šios knygos autorius atskirą straipsnį apie bažnytinius peizažus parašė 1890 m.

Iš Antverpeno meistrų pirmiausia reikėtų atkreipti dėmesį į Casparą de Witte'ą (1624 - 1681), paskui Peterį Spirincką (1635 - 1711), kuriam priklauso bažnyčių peizažai, klaidingai Augustiniečių chore priskiriami Peteriui Risbrakui (1655 - 1719). Antverpeno bažnyčioje, o ypač apie Janą Fransą Van Bloemeną (1662–1748), pramintą „Horizonte“ dėl mėlynų kalnų atstumų aiškumo jo sėkmingų, stipriai primenančių Duguet, bet atšiaurių ir šaltų paveikslų.

Nacionalinė Belgijos peizažinė šio laikotarpio tapyba klestėjo daugiausia Briuselyje. Jos protėvis buvo Denisas Van Alslootas (apie 1570–1626 m.), kuris, remdamasis pereinamuoju stiliumi, savo pusiau kaimo, pusiau miesto paveiksluose išugdė didelę tapybos jėgą, tvirtumą ir aiškumą. Jo didysis mokinys Lucas Achtschellingx (1626 - 1699), paveiktas Jacques'o d'Artois, plačiai, laisvai, šiek tiek plačiau dalyvavo puošiant Belgijos bažnyčias bibliniais peizažais su vešliais tamsiai žaliais medžiais ir mėlynomis kalvotomis atstumais. Žakas d'Artua (1613 - 1683), geriausias Briuselio peizažistas, beveik nežinomo Jano Mertenso mokinys, dideliais peizažais puošė ir bažnyčias bei vienuolynus, kurių biblines scenas piešė jo draugai, istoriniai tapytojai. Jo peizažai koplyčioje Šv. Šios knygos autorius šios bažnyčios zakristijoje pamatė Briuselio katedros žmonas. Bet kokiu atveju bažnytiniai peizažai buvo jo dideli paveikslai Rūmų muziejuje ir Lichtenšteino galerijoje Vienoje. Jo nedidelio kambario paveikslai, vaizduojantys vešlų Briuselio apylinkių miško gamtą, su gigantiškais žaliais medžiais, geltonais smėlėtais keliais, mėlynais kalvotais atstumais, ryškiomis upėmis ir tvenkiniais, galite geriausiai pažinti Madridą ir Briuselį, o taip pat puikiai ir Drezdene. , Miunchenas ir Darmštatas. Prabangios uždaros kompozicijos, gilios, prisotintos ryškiomis spalvomis, skaidraus oro su debesimis, pasižyminčiais aukso geltonumo apšviestomis pusėmis, puikiai perteikia bendrą, bet vis tiek tik bendrą vietovės charakterį. Auksinis, šiltesnis, dekoratyvesnis, jei norite, venecijietiškesnės spalvos nei d'Artua, geriausias jo mokinys Cornelis Huysmansas (1648 - 1727), kurio geriausias bažnyčios peizažas yra Mechelno Šv. Žmonų bažnyčios "Kristus Emause". .

Pajūrio mieste Antverpene taip pat natūraliai susikūrė prieplauka. XVII amžiaus laisvės ir natūralumo troškimas čia buvo įgyvendintas paveiksluose, vaizduojančiuose Andrieso Aartvelto arba Van Ertvelto (1590 - 1652), Buonaventura Peterso (1614 - 1652) ir Hendriko Mindergouto (1632 - 1696) pakrantės ir jūros mūšius. kuri vis dėlto negali pasivyti geriausių tos pačios pramonės olandų amatininkų.

Architektūrinėje tapyboje, kuri noriai vaizdavo gotikinių bažnyčių vidų, flamandų meistrai, kaip ir Peteris Neefsas jaunesnysis (1620 - 1675), sunkiai peržengęs grubų pereinamąjį stilių, taip pat trūko vidinio, šviesaus, vaizdingo olandiško žavesio. bažnyčių vaizdai.

Kuo daugiau įžūlumo ir ryškumo belgai įnešė į gyvūnų, vaisių, mirusios gamtos ir gėlių įvaizdžius. Tačiau net ir virtuvės reikmenų bei vaisių tapytojas Janas Fitas (1611 - 1661) nenuėjo toliau už Snydersą, kuris kruopščiai atliko ir dekoratyviai sujungė visas detales. Gėlių tapyba Antverpene taip pat nenuėjo, bent jau savaime, toliau nei Janas Brueghelis Vyresnysis. Net Brueghelio mokinys šioje srityje Danielis Seghersas (1590 - 1661) jį pranoko tik dekoratyvinio išplanavimo platumu ir prabanga, bet ne atskirų spalvų formų žavesio ir vaiskiuojančių spalvų suvokimu. Bet kuriuo atveju Segherso gėlių vainikai ant didžiųjų figūrų tapytojų madonų ir jo reti nepriklausomi gėlių atvaizdai, tarsi sidabrinė vaza Drezdene, atskleidžia aiškią šaltą neprilygstamo vykdymo šviesą. Antverpenas XVII amžiuje yra pagrindinė Nyderlandų gėlių ir vaisių tapybos vieta, tačiau tai skolinga ne tiek vietos meistrams, kiek didžiajam utrechtiečiui Janui Davidsui de Gey (1606–1684), kuris persikėlė į Antverpeną ir užaugino savo. sūnus Kornelis, gimęs Leiden de Gay (1631 - 1695), vėliau taip pat Antverpeno meistras. Tačiau būtent jie, didžiausi iš visų gėlių ir vaisių tapytojų, išsiskiria begaline meile apdailos detalėms ir tapybos galia, gebančia šias detales viduje sujungti, kaip olandų, o ne belgų tipo meistrai.

Matėme, kad tarp flamandų tapybos ir olandų, italų bei prancūzų meno buvo reikšmingų sąsajų. Flamandai sugebėjo įvertinti tiesioginį, intymų olandų suvokimą, apgailėtiną prancūzų eleganciją, dekoratyvią italų formų ir spalvų prabangą, tačiau, nepaisydami perbėgėlių ir pavienių reiškinių, jie visada liko tik ketvirtadaliu save savo mene, kitam ketvirčiui jie buvo viduje romanizuoti ir išoriškai germaniški olandai, kurie sugebėjo su stipriu ir veržliu entuziazmu užčiuopti ir atgaminti gamtą bei gyvenimą, o dekoratyvia prasme – su nuotaika.

Populiarus kategorijoje: