dom › Podwozie › Igora Strawińskiego (II). Igor Strawiński: biografia i fotografia Życie i kariera Strawińskiego w skrócie

Igora Strawińskiego (II). Igor Strawiński: biografia i fotografia Życie i kariera Strawińskiego w skrócie

Igor Strawiński to legendarna postać muzyki XX wieku. Przez długie życie kompozytorowi udało się wykorzystać wszystkie osiągnięcia współczesnej muzyki awangardowej. Rosyjska pieśń ludowa, bogactwo jej struktury rytmiczno-melodycznej, było dla Strawińskiego źródłem do stworzenia własnej melodii o charakterze folklorystycznym. Strawiński nigdy nie był po prostu epigonem żadnego stylu. Wręcz przeciwnie, każdy model stylistyczny został przez niego przekształcony w wyłącznie indywidualną kreację. Strawiński argumentował, że jego muzyka wydaje się rozwijać sama, ale mimo to zawiera idee dostępne dla każdego.

Igor Strawiński urodził się 17 czerwca 1882 roku w Oranienbaum koło Sankt Petersburga. Ze środowiskiem artystycznym było mu dobrze znane wczesne lata: jego ojciec jest znanym śpiewakiem Teatru Maryjskiego, w którym oprócz kolegów byli Stasow, Musorgski i Dostojewski. Fantasmagorię teatru, swobodę i dowolność jego życia za kulisami Strawiński wchłaniał od dzieciństwa.

Jako młody człowiek należał już do najwyższych kręgów petersburskiej inteligencji artystycznej, został członkiem „Wieczorów Muzyki Współczesnej” - kierował nimi A.P. Nurokiego i V.F. Nouvela, a przez nich zbliżył się do postaci „Świata Sztuki” i tego, który nadał tu ton – Siergieja Pawłowicza Diagilewa, pod którego decydującym wpływem i patronatem została ugruntowana kariera genialnego kompozytora młodego Strawińskiego . Później to właśnie dzięki Diagilewowi, ale być może nie bez udziału innego zazdrosnego mecenasa – Debussy'ego – szybko przeniknął w sfery arystokratycznej elity Paryża. Gdzie, jak Strawiński poznał pieśń ludową? W czasach dzieciństwa pod Petersburgiem? W Uściług dawnej guberni wołyńskiej, w majątku żony, gdzie mieszkał po ślubie od 1906 r.? Na jarmarkach w Jarmolnicach, położonych w pobliżu Uścilugu? Nie wiadomo tego na pewno, jednak to rosyjska pieśń ludowa jest głównym źródłem jego innowacji, jego objawienia.

Strawiński został zawodowym kompozytorem stosunkowo późno – dopiero po ukończeniu studiów wiosną 1905 roku w wieku 23 lat. Wcześniej zwracał się tylko o radę do Rimskiego-Korsakowa. Ale od jesieni 1905 r. zajęcia stały się regularne – dwa razy w tygodniu. Pięć lat bliskiego kontaktu z Nikołajem Andriejewiczem Rimskim-Korsakowem dało Strawińskiemu wiele. Osobiście - na przykładzie swojego nauczyciela - zapoznał się z techniką pracy kompozytora.

„Młodzieńcze” dojrzewanie trwało bardzo krótko, a rozkwit okazał się na tyle szybki, że w przeciwieństwie do biografii wielu innych kompozytorów, pierwszy okres twórczości Strawińskiego, który rozpoczyna Ognisty ptak, był okresem dojrzałości. Scena „rosyjska” jawi się więc w całej okazałości swoich dokonań jako okres dojrzałego mistrzostwa.

Pierwsze ważne dzieło Strawińskiego, Sonata fortepianowa, pochodzi z 1904 roku. Jego muzykę po raz pierwszy usłyszano 27 grudnia 1907 roku na jednym z koncertów „Wieczorów Muzyki Współczesnej” w skromnej sali Petersburskiej Szkoły Muzycznej. Piosenkarka EF Petrenko wykonał „Pastorał” i „Święto wiosny”. Te piosenki zostały napisane przez niego krótko wcześniej. Wkrótce nastąpiły kolejne premiery.

Sława przyszła do niego niespodziewanie w wieku 28 lat, wraz z pokazem Ognistego ptaka w Paryżu w 1910 roku, i została tam utrwalona trzy lata później bezprecedensowo skandaliczną premierą Święta wiosny. Chwała przylgnęła do jego imienia i nic więcej nie pozostawiła.

Rosyjska bajka o Iwanie Carewiczu, który wyzwolił Piękna księżniczka z zaklęcia Kashchei, zawartego w muzyce „Firebirda”. Świat rosyjskiego jarmarku z figlarnymi tańcami, budkami, uliczną lirą korbową i dźwiękami harmonijki znalazł swoje żywe odbicie w "Pietruszce"; na tle odświętnej hulanki tłumu przedstawia się tragiczne zamieszanie marionetkowego bohatera Pietruszki, oszukanego przez wietrzną Balerinę. Wrażenie ogłuszającej eksplozji sprawiała muzyka Święta wiosny, malującego obrazy baletu pogańska Ruś. Święto wiosny zapoczątkowało nowy etap w historii muzyki świata. Starając się oddać „barbarzyńskiego” ducha odległej starożytności, autor zastosował niespotykane dotąd śmiałe harmonie, spontaniczne rytmy i gwałtowne barwy orkiestrowe. Wiele jego kompozycji wykorzystuje niezwykłe rytmy i oryginalne efekty instrumentalne.

Po Paryska premiera Firebirds z 1910 roku Strawiński zbliżył się do Debussy'ego. Przyjaźnili się przez dziewięć lat, aż do śmierci Francuza. Początkowo Debussy widział w Strawińskim kompozytora bliskiego stylem. Ale nagła ewolucja Strawińskiego zaskoczyła Debussy'ego: z mieszanym uczuciem aprobaty i oszołomienia zareagował na Święto wiosny - jego młody przyjaciel zerwał z impresjonizmem w tym epokowym dziele, przezwyciężył go.

Strawiński jest w modzie, odwiedza związane z nim paryskie salony z wyższych sfer znane nazwiska. To hrabina Edmoy de Polignac, córka najbogatszego fabrykanta maszyn do szycia Singera, w którego salonie po raz pierwszy zamówione przez nią prace wykonują nie tylko Strawiński, ale także Fauré, Ravel, Satie, de Falla, Poulenc. To Gabrielle Chanel - właścicielka arystokratycznego studia mody, jedna z najhojniejszych mecenasów Diagilewa; Strawiński otrzymuje również zamówienia od aktorki i tancerki Idy Rubinstein, od Elizabeth Sprague Coolidge, filantropa z USA itp.

Nawiązuje bliskie kontakty z przedstawicielami innych dziedzin sztuki, z filozofami, fizykami, teologami. Spotykają się z nim także główni mężowie stanu. I niekończące się wywiady, w których, według Strawińskiego, „słowa, myśli, a nawet same fakty były zniekształcone nie do poznania”, a których jednak udzielał chętnie, uderzając rozmówców pomysłowością, dowcipem, paradoksalnymi sądami – chyba że któryś z kompozytorów wiek XX otrzymał taką uwagę?

Drugi okres twórczości kompozytora przypada na lata po I wojnie światowej, kiedy to zamieszkał na stałe w Paryżu iw 1934 przyjął obywatelstwo francuskie. W nowym środowisku połączyło go zarówno duchowe, jak i twórcze pokrewieństwo. Tym samym stał się genialnym przedstawicielem międzynarodowej awangardy muzycznej. Nowy okres stylistyczny jego twórczości, najbardziej owocny pod względem liczby utworów (około 45 kompozycji), można scharakteryzować jako powrót do stylu minionych czasów (od starożytności do klasycyzmu). Jest to tak zwany „neoklasycyzm”.

Nowym punktem zwrotnym w twórczości kompozytora jest Pulcinella, balet ze śpiewem (1919-1920). Nie stało się to przypadkiem, nie było kaprysem twórcy: skończyła się wojna, skończył się okres mordów, nieludzkiego zniszczenia, a Strawiński miał potrzebę odświeżenia swojej palety. Radosne, słoneczne światło emituje muzyka „Pulcinelli”; Oktet (1922-1923) charakteryzował się żywiołowym, żywotnym charakterem; opera komiczna Mavra (1921-1922) rozjaśniła się uśmiechem. A późniejsze dzieła - "Apollo" (1927-1928) i "Pocałunek wróżki" (1928) rzucą światło na twórczość Strawińskiego następnej dekady; echa zapisanych w nich tendencji będą odczuwalne także w latach czterdziestych.

Razem za teatr baletowy kompozytor napisał osiem partytur orkiestrowych: „Ognisty ptak”, „Pietruszka”, „Święto wiosny”, „Apollo Musaget”, „Pocałunek wróżki”, „Karty do gry”, „Orfeusz”, „Agon”. Stworzył także trzy utwory baletowe ze śpiewem: „Bayka”, „Pulcinella”, „Wesele”.

Trudno kwestionować znaczenie nowatorskiej muzyki Strawińskiego dla rozwoju choreografii XX wieku. Niemniej jednak przeznaczenie sceniczne jego balety – czy to z powodu konserwatywnych gustów teatralnej publiczności, czy też braku pomysłowości reżyserów – okazywały się nie tak szczęśliwe, jak trudno było się spodziewać, a muzyka Strawińskiego cieszyła się niekiedy dużym uznaniem nie teatrze, ale na scenie koncertowej. Żywymi tego przykładami są „Święto wiosny” i „Wesele”.

Przedłużający się kryzys rozpoczął się u kompozytora od połowy lat 30. XX wieku. Okrutna trąba powietrzna ogarnia ludzkość, powodując niezliczone ofiary; ustępuje dopiero w 1945 roku. To tornado swoim bezlitosnym skrzydłem dotknęło także Strawińskiego, zmuszając go do emigracji z Francji do Stanów Zjednoczonych. A wcześniej, w latach 1938-1939, pochowa żonę, matkę, córkę i wisi nad nim śmiertelne niebezpieczeństwo (ostry wybuch gruźlicy, na tę samą chorobę zmarła jego żona i córka). Utraciwszy bliskich, odcięty od zwykłego otoczenia, od przyjaciół i krewnych, u progu 60. koniec jego dni. W jego działaniach wyczuwa się zamieszanie, mimowolne ustępstwa wobec „amerykańskiego gustu”.

W 1945 roku, po wojnie, którą przeżył na kontynencie amerykańskim, Strawiński przyjął obywatelstwo amerykańskie. Po 30 latach neoklasycznej twórczości kompozytor ponownie dokonuje zwrotu, tym razem skupiając się na technice serialnej, którą w Europie rozwija nowa szkoła wiedeńska, głównie Anton Webern.

Bez przesady można powiedzieć, że żaden zagraniczny kompozytor XX wieku nie był tak wykształcony jak Strawiński. Filozofia i religia, estetyka i psychologia, matematyka i historia sztuki – wszystko było w jego polu widzenia; wykazując rzadką świadomość, chciał wszystko zrozumieć jako specjalista, który ma własny pogląd na poruszaną problematykę, własny stosunek do poruszanego tematu. Strawiński - szalony czytelnik - nie rozstawał się z książką aż do późnej starości. Jego biblioteka w Los Angeles liczyła około 10 000 woluminów.

Był bardzo aktywny w komunikacji, w korespondencji. Strawiński był niecierpliwie szybki zarówno w chodzie - aż po uderzeniu w 1956 roku jego lewa noga osłabła, jak iw reakcji na uwagi rozmówcy.

Ale najważniejsza jest praca: był świetnym pracownikiem, nie dawał sobie odpoczynku iw razie potrzeby mógł bez przerwy uczyć się przez 18 godzin. Robert Kraft zeznał w 1957 roku, że pracował wtedy - czyli w wieku 75 lat! - 10 godzin dziennie: 4-5 godzin przed obiadem na komponowanie muzyki i 5-6 godzin po południu na orkiestrację lub aranżację.

W twórczości Strawińskiego z ostatnich piętnastu lat dominują trzy prace. Są to „Hymn święty” (1955-1956), „Lament proroka Jeremiasza” (1957-1958), „Pieśni umarłych” (1965-1966).

Najwyższym osiągnięciem Strawińskiego jest Requiem („Pieśni za zmarłych”). W wieku 84 lat Strawiński stworzył dzieło, które wyróżnia się prawdziwie artystycznymi spostrzeżeniami. Mowa muzyczna stała się wyraźniejsza, a jednocześnie figuratywna, kontrastująca emocjonalnie. Msza żałobna - esej końcowy Strawińskiego, i to nie tylko dlatego, że jest to jego ostatnie duże dzieło, ale także dlatego, że wchłonęło, zsyntetyzowało, uogólniło wiele z wcześniejszych doświadczeń artystycznych kompozytora.

W 1969 roku jego stan zdrowia gwałtownie się pogorszył. Jednak serce nadal biło, przedłużając zanikające życie.

1. pasje szpiegowskie

W Rzymie podczas I wojny światowej Strawiński poznał Pabla Picassa. Namalował portret swojego nowego znajomego, choć bardzo osobliwy (Picasso był wówczas futurystą).
Kiedy kompozytor opuszczał Włochy, zabierając ze sobą portret, włoscy celnicy na granicy byli czujni:
- Co jest z panem, signor, z tymi okręgami i liniami?
- Mój portret autorstwa Picassa.
Celnicy długo się naradzali, a potem skonfiskowali portret, najwyraźniej uznając, że to plan jakiejś strategicznej budowli...

2. Ulubiona opera Barcelony

Miłośnicy muzyki, radośnie spotykając słynnego maestro na dworcu w Barcelonie, mówili do Strawińskiego:
- Barcelona czeka na Ciebie z niecierpliwością - bardzo kochają tu Twojego "Księcia Igora"! ..
„Byli tak szczerze ze mnie szczęśliwi i tak entuzjastycznie nastawieni do tej opery” — opowiadał wierszom Strawiński — „że nie miałem odwagi ich zawieść, nigdy nie przyznałem, że to nie ja skomponowałem Księcia Igora, tylko Borodin ...

3. tajemniczy klient

Na aukcji w Londynie pod młotek sprzedano pierwsze wydanie partytury jednego z wczesnych baletów Strawińskiego. Chętnych na zakup tej rzadkiej rzeczy było wielu, ale jeden z obecnych - jakiś stary, siwowłosy pan - ciągle podwyższał cenę. W końcu wynik rzeczywiście trafił do niego - za trzy tysiące funtów.
Reporterzy otoczyli kupującego.
- Kim jesteś i dlaczego zdecydowałeś się kupić partyturę za wszelką cenę?
- Igor Strawiński - przedstawił się dziennikarzom i dodał z uśmiechem:
- Nigdy nie wyobrażałem sobie, że za własną partyturę będę musiał zapłacić dwa razy tyle, ile dostawałem kiedyś w młodości za cały balet!

4. jak to robisz?

Pewnego razu dziennikarz zapytał Strawińskiego:
- Maestro, jak komponujesz muzykę? O czym myślisz w tym momencie?
- Proszę mi wybaczyć, ale chyba tylko mi się to udaje, bo kiedy komponuję muzykę, myślę tylko o niej io niczym innym...

5. konserwatywny

Na przyjęciu wydanym w Sztokholmie na cześć Strawińskiego zapytano kompozytora, co myśli o jazzie.
– To samo, co dwadzieścia lat temu – odparł.
- Co sądziłeś o jazzie dwadzieścia lat temu?
- Nie pamiętam tego.

6. Nie rozumiem tego

W drodze do Nowego Jorku Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał swoje nazwisko na szyldzie.
- Nie jesteś krewnym kompozytora? — zapytał kierowcę.
- Czy jest kompozytor o takim nazwisku? – zdziwił się kierowca. - Słyszę to po raz pierwszy. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Z muzyką nie mam nic wspólnego - nazywam się Rossini...

7. życzliwy krytyk

Wiedząc o nadmiernej miękkości ocen artystycznych słynnego krytyka Władimira Stasowa, Strawiński powiedział kiedyś:
- Nie mówił źle nawet o pogodzie...

IGORA STRAWIŃSKIEGO

ZNAK ASTROLOGICZNY: BLIŹNIĘTA

NARODOWOŚĆ: ROSYJSKA / PÓŹNIEJ OBYWATELKA AMERYKAŃSKA

ZNACZĄCE DZIEŁO: „ŚWIĘTA WIOSNA”

GDZIE MOŻNA SŁUCHAĆ TEJ MUZYKI: W KLASYCZNEJ FANTASTYCZNEJ ANIMOWANEJ FANTAZJI DISNEYA. (1940), W ODCINKU, W KTÓRYM WALCZĄ WIELKIE DINOZAURY.

MĄDRE SŁOWA: „MOJĄ MUZYKĘ NAJLEPIEJ ROZUMIĄ DZIECI I ZWIERZĘTA”.

Wiele występów muzycznych kończyło się niepowodzeniem. Czasami publiczność grzecznie klaszcze, ale dla ciebie jest jasne, że muzyka ich nie zachwyciła. Czasami na sali panuje cisza. A czasem słychać gwizdek z dezaprobatą.

Żadna z tych reakcji nie spotkała się ze Świętem wiosny Igora Strawińskiego. Cisza byłaby mile widziana, za gwizdek by podziękowali. Ale nie, publiczność krzyczała, piszczała, warczała i tupała nogami. Walili pięściami w oparcia krzeseł i tłukli się nawzajem. Siwowłosi paryżanie paradowali z parasolami mężczyzn w smokingach. Co mogło wywołać taką scenę? Tylko najbardziej szokująca muzyka współczesnej epoki.

BALET - NIE DLA CZYSTYCH KOBIET

W koniec XIXw Wiekowy bas Fiodor Strawiński znakomicie sprawdził się w rosyjskiej operze zarówno wspaniałą barwą głosu, jak i umiejętnością utrzymywania się na scenie. Jego syn Igor (przedostatni senior z czterech synów) nie wydostał się Opera, gdzie poznał wiele osobistości petersburskiej sceny muzycznej. Od najmłodszych lat ciągnęło go do muzyki, ale jego ojciec nalegał, aby jego syn poszedł na uniwersytet. Studiując prawoznawstwo bez pasji, Strawiński nie pozostawił myśli o muzyce; Udając się do kompozytora Nikołaja Rimskiego-Korsakowa, poprosił o prywatne lekcje, tak rozpoczął się jego intensywna nauka kompozycji.

W 1905 roku Strawiński oświadczył się swojej kuzynce Jekaterinie Gavrilovnej Nosenko. Podobnie jak Rachmaninowowie, ta para musiała przezwyciężyć zakazy dotyczące małżeństw między kuzynami; w końcu znaleźli wiejskiego proboszcza i okłamawszy go co do stopnia ich pokrewieństwa, w styczniu 1906 r. pobrali się. Strawińscy mieli czworo dzieci: Fedor urodził się w 1907 r., Ludmiła w 1908 r., następnie Światosław (Sulima) w 1910 r. i Milena w 1914 r. W międzyczasie Strawiński poznał Diagilewa, który dopiero co zajął się baletem, by tchnąć w niego nowe życie. Diagilew zaprosił Strawińskiego do napisania muzyki do przedstawień jego Baletów Rosyjskich, a kompozytor zgodził się, mimo sprzeciwu starych przyjaciół i nauczycieli. Rimski-Korsakow zmarł w 1908 roku, ale jego świta patrzyła na balet z pogardą jako na widowisko odpowiednie tylko dla zdeprawowanych starców, którzy przychodzili na przedstawienia z lornetkami. Strawiński jednak nie ustępował iw 1910 roku udał się do Paryża na premierę swojego pierwszego baletu Ognisty ptak. A potem całkowicie przeniósł się z rodziną na Zachód, osiedlając się w szwajcarskim mieście Montreux.

TAK TO JEST REWELACJA!

Po udanym Firebird Strawiński stworzył drugi balet, Pietruszka. Potem zaczął myśleć o historii dziewczyny, która tańczyła aż do śmierci. Rezultat tych przemyśleń zmienił muzykę europejską.

Dyrygent Pierre Monteux wspominał, że chciał wybiec z pokoju, kiedy po raz pierwszy usłyszał „Święto wiosny” grane na fortepianie przez Strawińskiego. Wręcz przeciwnie, Diagilew był zachwycony: od razu wyczuł, jakie genialne możliwości drzemią w tej muzyce, by jego kochanek i protegowany Wacław Niżyński mógł się w pełni pokazać. Choreograf Niżyński wywrócił do góry nogami wszystkie zasady baletu klasycznego: tancerze w Święcie wiosny szli z nogami wywróconymi na lewą stronę i kolanami rozstawionymi na boki; tancerze podskoczyli bez rozciągania palców u stóp i wylądowali z ciężkim hukiem, wstrząsając sceną. Próby postępowały powoli, tancerze nie od razu przyzwyczaili się do nowej choreografii, a orkiestra do niespotykanej dotąd partytury. Na jednej z prób, kiedy waltorniści wydęli szczególnie dysonansową frazę, orkiestra wybuchnęła nerwowym, histerycznym śmiechem.

Wieczorem 29 maja 1913 r Teatr Paryski Na Polach Elizejskich – zarówno za kulisami, jak iw holu – panowała napięta atmosfera, po mieście krążyła już plotka, że nowy balet jest „trudny do zauważenia”. Publiczność okazała się jednak absolutnie nieprzygotowana na ostre, pulsujące akordy, które dręczyły ucho. Publiczność zaczęła szeptać, gwizdać, krzyczeć, piszczeć i walczyć. Strawiński pobiegł za kulisy, gdzie zastał Niżyńskiego w nieoczekiwanej pozie: wdrapując się na krzesło, choreograf głośno odliczał rytm, pomagając tancerzom. Strawiński musiał trzymać Niżyńskiego za ogony, żeby nie spadł na scenę. Diagilew mrugał światłami, w przerwie wystąpił dyrektor teatru, próbując uspokoić publiczność – bezskutecznie. Wtedy wezwano policję.

To był prawdziwy muzyczny bunt.

Kolejne przedstawienie poszło już lepiej - czasem nawet słychać było muzykę - trzeci był jeszcze lepszy. Ale Strawińskiego nie było już w sali. Trafił do szpitala z potwornymi bólami żołądka; kompozytor myślał, że otruł się, jedząc czerstwe ostrygi. W rzeczywistości prawie umarł, zdiagnozowano u niego dur brzuszny.

KOCHAJ MNIE - KOCHAJ MOJĄ MIŁOŚĆ

Strawiński nie podjął się nowego baletu, przerywając na chwilę pracę, aby odzyskać siły po chorobie. Opieki i uwagi wymagała także jego żona: u Katii zdiagnozowano gruźlicę, która wymagała długiego i kosztownego leczenia. Pierwszy Wojna światowa dodatkowo odizolował Strawińskiego od jego krewnych, którzy pozostali w Rosji. Wiadomość o obaleniu cara przyjął z entuzjazmem, ale nadzieje związane z przyszłością kraju upadły, gdy w Rosji zaczęli rządzić bolszewicy. Niekończąca się przemoc, która towarzyszyła zarówno wojnie, jak i rewolucji, wpłynęła na kompozytora - zmienił swój styl. Strawiński przeszedł od agresywnego modernizmu do powściągliwego emocjonalnie neoklasycyzmu.

Po wojnie Strawińscy przenieśli się na południe Francji, ale kompozytor większość czasu spędził w Paryżu. Zakochał się w rosyjskiej imigrantce, Very Sudeikinie. Urocza, dowcipna, towarzyska Vera była całkowitym przeciwieństwem zamyślonej, zaabsorbowanej sobą Katii; ponadto była mężatką, ale ani ona, ani Strawiński nie byli zawstydzeni tą okolicznością. W latach 20. i 30. Strawiński spędził pół roku na wsi z żoną, dziećmi i matką (ojciec Fiodor Ignatjewicz Strawiński zmarł w 1902 r.), a drugą połowę roku w Paryżu z Verą lub w trasie koncertowej . Strawiński zażądał, aby jego żona i kochanka zaakceptowały sytuację taką, jaka jest, bez pytań i skandali. Kiedy Strawiński wyjechał na długi czas, Katya była nawet zobowiązana do osobistego przekazania pieniędzy Verze na wydatki. Wiara trwała, ale dręczona chorobą Katia szukała ukojenia w religii i modlitwie, a dzieci kompozytora żywiły urazę do genialnego ojca, którego niegdyś ubóstwiały.

Córka Strawińskich Ludmiła zachorowała na gruźlicę i wraz z matką spędziła wiele miesięcy w sanatoriach. Pod koniec lat 30., kiedy nad Europą wisiało zagrożenie faszystowskie, oba kraje były już bardzo słabe. Ludmiła zmarła 30 listopada 1938 r., Ekaterina Gavrilovna zmarła cztery miesiące później. Ostatecznym ciosem była śmierć matki Strawińskiego w czerwcu 1939 roku.

PRZYJĘCIE JEST GORĄCE, WOJNA ZIMNA

Wyniszczony stratami i zaniepokojony sytuacją polityczną, zaproszenie Strawińskiego na wykłady na Harvardzie przydało się. Razem z Verą pojechał do Bostonu. 9 maja 1940 roku, nieco ponad rok po śmierci Katii, pobrali się w Bedford w stanie Massachusetts. Powiedzieli sędziemu, że Vera rozwiodła się ze swoim pierwszym mężem w 1920 roku. Kłamali. Oczywiście oskarżenie o drugie małżeństwo przerażało ich znacznie mniej niż dezaprobata Amerykanów dla „życia w grzechu”.

PIERWOTNY RYTM ŚWIĘTEJ WIOSNY STRAWINSKIEGO SZOKUJE WIDZĘ NA PREMIERZE, TAK ŻE ICH ZABURZENIE PRZEROBIŁO SIĘ W ZABURZENIA Z UŻYCIEM PRZEMOCY FIZYCZNEJ.

Strawińscy osiedlili się w Hollywood, gdzie zaprzyjaźnili się z Edwardem G. Robinsonem, Marleną Dietrich i Cecilem B. deMille. Studia prosiły o muzykę, ale Strawiński nie chciał oddać praw do swoich dzieł filmowcom. Długo nie mógł się otrząsnąć po tym, jak animatorzy pozbyli się jego muzyki w Disneyowskiej Fantazji, niszcząc partyturę na kawałki i przestawiając fragmenty.

Wojna się skończyła, ale Strawińscy pozostali w USA; w 1945 otrzymali obywatelstwo amerykańskie. W 1948 roku kompozytor zaprzyjaźnił się z młodym dyrygentem Robertem Kraftem, który później został oddanym sekretarzem Strawińskiego, a nawet „adoptowanym synem”. Kraft zrozumiał dwunastotonowy system Schönberga i wprowadził Strawińskiego w tę technikę w każdym szczególe. Wkrótce kompozytor zaczął już komponować muzykę dodekafoniczną. Powrót do modernizmu zbiegł się w czasie z rosnącym zainteresowaniem religią, co znalazło odzwierciedlenie w utworach takich jak Hymn święty w imię św. Marka (1956) oraz Kazanie, przypowieść i modlitwa (1961).

Związek Kompozytorów Radzieckich w każdy możliwy sposób zapraszał Strawińskiego do odwiedzenia jego ojczyzny. Trwała zimna wojna i oczywiście zaproszenie to miało podłoże polityczne – władzom sowieckim zależało na sprowadzeniu szlachetnego emigranta i zorganizowaniu dla niego honorowego spotkania. Wizyta kompozytora była planowana lub przekładana, ale ostatecznie, we wrześniu 1962 roku, do Moskwy przybyli Strawiński, Vera i Kraft. Spotkaliśmy się z nimi z niezwykłym entuzjazmem i serdecznością. Uderzony taką postawą wobec siebie, Strawiński przy różnych okazjach wypowiadał się pozytywnie o Związku Sowieckim, za co był ostro krytykowany na Zachodzie. Krytyka nasiliła się dopiero, gdy dziesięć dni po powrocie Strawińskiego do Stanów Zjednoczonych prezydent Kennedy ogłosił amerykańskiej opinii publicznej, że na Kubie odkryto radzieckie pociski nuklearne.

BRAMA PO ŚMIERCI

W dziewiątej dekadzie życia Strawińskiego zdrowie zaczęło się pogarszać. Kraft stawał się coraz bardziej niezbędny w rodzinie, teraz korespondował z kompozytorem, a nawet studiował sprawy finansowe. Dzieci Strawińskiego postrzegały go jako osobę podejrzaną i bardzo szybko rodzina podzieliła się na dwa obozy: z jednej strony dzieci, przekonane, że Kraft i Vera spiskują, by ich wydziedziczyć; z drugiej Vera i Kraft, którzy uważają, że chciwym dzieciom Strawińskiego zależy tylko na pieniądzach ojca.

W poszukiwaniu najlepszej opieki medycznej Vera i Kraft przenieśli kompozytora do Nowego Jorku. Tam zmarł 6 kwietnia 1971 roku w wieku osiemdziesięciu ośmiu lat. Vera postanowiła pochować Strawińskiego w Wenecji, mieście, które według niej kompozytor kochał bardziej niż inne. Ledwie ziemia osiadła na grobie, a rodzina była już pogrążona w finansowych konfliktach. Posypały się procesy sądowe, postępowanie trwało latami i nie ustało nawet wraz ze śmiercią Very w 1982 roku.

WYŚLIJ SŁONIE I TANCERZE!

W 1942 roku Strawiński otrzymał niezwykłe zamówienie: balet dla słonia. Pomysł tańca słoni należał do choreografa George'a Balanchine'a, do którego z kolei zwrócił się popularny amerykański cyrk z propozycją współpracy. Strawiński chętnie odpowiedział, pisząc wesołą, zapalającą muzykę - „Polkę cyrkową dla młodego słonia”. Premiera odbyła się 9 kwietnia 1942 roku w nowojorskim Madison Square Garden Sports Complex. Plakat głosił: „Pięćdziesiąt słoni i pięćdziesiąt pięknych dziewczyn w oryginalnym arcydziele choreograficznym!”

Akcja była pokazywana przez dwa miesiące. Strawiński był wówczas jedynym kompozytorem na świecie, który skomponował balet ze słoniem.

JAK ZROBIĆ NAZWĘ W AMERYCE

Aby uzyskać obywatelstwo amerykańskie, Strawiński i Vera musieli odpowiedzieć na wiele pytań podczas wywiadów w odpowiednich instytucjach. Najpierw urzędnik imigracyjny zapytał kompozytora, jakie jest jego nazwisko.

Strawińskiego - kompozytor celowo wypowiedział sylabami, aby było to jaśniejsze.

O, odpowiedział urzędnik. - Chcesz to zmienić? Wiele osób to robi.

TORO! TORO!

Na początku XX wieku podróżowanie po Rosji zawsze było przygodą. Pewnego razu, opuszczając wioskę, Strawiński spóźnił się na stację, pociąg odjechał bez niego, a następny musiał czekać prawie dzień. Ale pociąg towarowy jechał tą samą trasą, a Strawiński, przekupiwszy konduktora, został wpuszczony do pociągu.

Wsadzono go do bydlęcego wagonu, prawie pustego, jeśli nie liczyć ogromnego byka, przywiązanego, jak pisze kompozytor, „jednym i niezbyt zachęcającym sznurem”. Czołgając się w kąt i zabarykadując się walizką, Strawiński polegał na losie. „Musiałem wyglądać dziwnie, gdy w Smoleńsku wysiadałem z samochodu: stoję na peronie z drogą walizką (no, przynajmniej nie z plecakiem włóczęgi) i otrząsam siano z płaszcza i czapki, ale jednocześnie wyglądam na niezwykle zadowolonego - mimo wszystko walka byków zakończyła się pomyślnie.

Z książki Refleksje przez Dietricha Marlenę

Strawińskiego Igora Strawińskiego! Przez wiele lat byłem jego idolem i nie mogłem uwierzyć, że kiedykolwiek go spotkam. Jednak tak się stało. Był obok mnie na przyjęciu wydanym przez Basila Rathbone'a. Tak spokojnie, jak to możliwe, zacząłem wyjaśniać, że kłaniam się jemu, jego

Z książki Powieści mojego życia. Głośność 2 autor Sats Natalia Iljiniczna

Pocałunek wróżki (I. F. Strawiński) Na strychu w Saratowie było wilgotno i niewygodnie. Czasem, odrywając się od „dzisiaj”, traktowano ją swoim „wczoraj”. Pamiętałem cudowne dni moje życie... Berlin w 1931 roku był dla mnie łaskawy. Żyłem w muzyce Verdiego, w królestwie Szekspira. Wszystko w Operze Kroll, od godz

Z książki Pamięć o Rosji autor Sabaneev Leonid L

IGOR STRAWIŃSKI W tej chwili Igor Strawiński jest największym i prawdopodobnie najsłynniejszym rosyjskim kompozytorem. Co więcej, jest we wszystkim najbardziej podstawowym i doskonałym mistrzem w swojej sztuce. nie mogę milczeć

Z książki Przeglądając stare zeszyty autor Gendlina Leonarda

IGOR STRAWIŃSKI Opublikowano zgodnie z tekstem publikacji prasowej: „Myśl rosyjska”, 1962, 17 czerwca. W oryginalnym podtytule: „17 czerwca w swoje osiemdziesiąte urodziny

Z książki W stronę Richtera autor Borysow Jurij Albertowicz

Niezapomniane (IF Strawiński) Nie żyję ani w przeszłości, ani w przyszłości. Jestem w teraźniejszości, nie wiem co będzie jutro. Dla mnie istnieje tylko prawda Dzisiaj. Jestem powołany, aby służyć tej prawdzie i służyć jej z pełną świadomością. I. Strawińskiego. Na zdjęciu Igor Fiodorowicz

Z książki 99 imion Srebrnego Wieku autor Bezelyansky Jurij Nikołajewicz

Strawiński O operze The Rake's Progress Jedna z tych oper, za które kocham najbardziej… operę. Więcej niż fortepian. Tak, tak, zgadza się... Pierwszym szokiem, kiedy Tomowi śnił się Londyn, było jego małe arioso. Zmienia się w uścisk dłoni między Tomem a diabłem. A w muzyce to

Z książki Pasja do Czajkowskiego. Rozmowy z George'em Balanchine'em autor Wołkow Salomon Moisejewicz

Z książki Lśnienie niegasnących gwiazd autor Razzakow Fedor

Strawiński Balanchine: Nie wszyscy wiedzą, że Igor Fedorowicz Strawiński kochał muzykę Czajkowskiego. Strawiński wiele razy mówił mi o swoim szacunku dla Czajkowskiego. Czajkowski i Strawiński to dwaj kompozytorzy, którzy pisali świetna muzyka specjalnie dla nas, tancerzy baletowych. I

Z książki Gwiazdy i trochę zdenerwowany autor Żółkowski Aleksander Konstantynowicz

KIO Igor KIO Igor (iluzjonista, syn Emila Kio; zmarł 30 sierpnia 2006 w wieku 63 lat). Przez prawie 20 lat Keogh cierpiał na cukrzycę. Pierwsze symptomy zbliżającej się śmierci pojawiły się u niego trzy miesiące przed tragedią. Oto jak donosiła o tym gazeta "Życie" (numer z

Z książki Coco Chanel. ja i moi ludzie autorstwa Benoit Sophii

Igor Moi starsi przyjaciele-koledzy sami byli bardzo młodzi, aw moim stosunku do nich nie było, jak sądzę, nic Edypa. Po prostu bardzo chciałem zostać przyjęty do ich wspaniałego towarzystwa. Cokolwiek insynuował Dostojewski, rozmawiać inteligentna osoba jedno z głównych żyć

Z książki Autoportret: powieść mojego życia autor Wojowicz Władimir Nikołajewicz

Igora Strawińskiego. Mit tajemniczej miłości W 2009 roku w ramach Festiwalu Filmowego w Cannes został pokazany film „Coco Chanel i Igor Strawiński” (o. Chanel Soso i Igor Strawiński). Film opowiada o związku Koko z rosyjskim kompozytorem, który powstał między nimi

Z książki Arkusze pamiętnika. Głośność 2 autor Roerich Mikołaj Konstantinowicz

Igor Sats Sats żył ciekawe życie. W „Nowym Świecie” go nie lubili, a nawet powiedzieli coś, czego nie będę powtarzać. Ale oto co wiem. W młodości był obiecującym pianistą, potem jakoś (być może był kontuzjowany) zranił się w rękę. Nie graj więcej

Z książki Dalej - hałas. Słuchanie XX wieku autor Ross Alex

Chaliapin i Strawiński Zapisuję dwie opinie rosyjskich artystów. Chaliapin po podróży do Harbinu i Szanghaju wołał: „... Niestety dla mnie, jak już wiecie z gazet, po prostu musiałem uciekać przed niektórymi Rosjanami! Trzeci koncert w Szanghaju I

Z książki Rosyjski ślad Coco Chanel autor Oboleński Igor Wiktorowicz

Strawiński i Święto wiosny Latem 1891 roku francuskie okręty wojenne przybyły do rosyjskiej bazy morskiej w Kronsztadzie i powitano je nie wrogim ogniem, lecz uroczystymi salutami. Car Aleksander III, którego prapradziadek oparł się inwazji napoleońskiej,

Z książki srebrny wiek. Galeria Portretów Bohaterów Kultury Przełomu XIX i XX wieku. Tom 3. S-Z autor Fokin Paweł Jewgiejewicz

Igor Strawiński I znowu losy zabawnego zbliżenia. Imię wielkiego Igora Strawińskiego już zabrzmiało na tych stronach. Dokładniej nazwa Wielka miłość muzyk - Vera Stravinskaya Trzecim mężem Very Arturovna był artysta Siergiej Sudeikin. Statek, na którym małżonkowie

Kompozycje Igora Fedorowicza Strawińskiego według gatunku, z podaniem tytułu, roku powstania, gatunku/wykonawców, z komentarzem.

opery

Słowik (bajka liryczna; libretto Strawińskiego i SS Mitusowa na podstawie baśni HK Andersena, 1908-14, inscenizacja 1914, Grand Opera, Paryż)
Mavra (opera-buffa, libretto B. Kokhno, na podstawie wiersza Puszkina „Dom w Kołomnej”, 1922, „Grand Opera”, Paryż)
Król Edyp (Król Edyp, opera-oratorium na motywach tragedii Sofoklesa, libretto J. Cocteau i Strawińskiego, przekład z łac. Francuski J. Danielou, 1927, Teatr Sarah Bernhardt, Paryż; 2. wydanie 1948)
The Rake's Adventures (Career of the Moth - Rake's progress, libretto W. Auden i C. Kalman na podstawie serii rycin J. Hogartha, 1951, Fenice Theatre, Wenecja)

balety

Ognisty ptak ( L'oiseau de feu , bajkowy balet, libretto MM Fokin, 1910, Theatre of the Champs Elysees, Paryż; wydanie 2 1945)
Pietruszka (Pietruszka, zabawne sceny, libretto A. Benois i Strawińskiego, 1311, teatr „Chatelet”, Paryż; II wydanie ze zredukowanym składem orkiestry, 1946)
Święto wiosny, obrazy pogańskiej Rusi w 2 częściach (libretto NK i SP Roerichs, 1913, The Theatre of the Champs-Elysées, Paryż; 2. edycja sceny Wielkiego Tańca Sakralnego, 1943)
Opowieść o lisie, kogucie, kocie i owcy, zabawne przedstawienie ze śpiewem i muzyką (według rosyjskich podań ludowych, 1917, inscenizacja 1922, Grand Opera, Paryż)
Opowieść o żołnierzu (Opowieść o uciekającym żołnierzu i diabłu, czytana, grana i tańczona, w 2 częściach, dla lektora, 2 artystów, rola mimiczna, klarnet, fagot, kornet, puzon, perkusja, skrzypce i kontrabas ; na podstawie rosyjskich baśni ludowych ze zbioru A. N. Afanasjew, przekład na język francuski Ch. Ramyuza - „L'histoire de soldat”, 1918, Lozanna)
Pieśń słowika (Chant du rossignol, 1 akt, do muzyki z opery Słowik, balet rosyjski S. Diagilewa, Paryż, 1920)
pulcynella
Wesele (Les noces, scenki choreograficzne z włączonym śpiewem i muzyką teksty ludowe ze zbiorów P. V. Kireevsky'ego, 1923, Goethe Lyric Theatre, Paryż)
Apollo Musagete (w 2 scenach, na orkiestrę smyczkową, 1928, Theatre Sarah Bernhardt, Paryż-Waszyngton; 2. wydanie 1947)
Fairy's Kiss (Le baiser de la fee, balet-alegoria w 4 scenach, libretto S. na podstawie baśni Andersena „Królowa Śniegu”, 1928, „Grand Opera”, Paryż; wyd. II 1950)
Karty do gry (Jeu de cartes; inna nazwa to Poker, balet w 3 „poddaniach”, choreografia Strawińskiego wspólnie z M. Malaevem, 1937, Nowy Jork)
Circus Polka (na podstawie utworu na orkiestrę kameralną, Barnum & Bailey Circus, Nowy Jork, 1942)
Orfeusz (3 obrazy, libretto Strawińskiego, 1948, New York City Ballet, Nowy Jork)
Agon (na 12 tancerzy, w 3 częściach, 1957, tamże)
Cage (Cage, 1 akt, do muzyki z Bazylejskiego Koncertu na smyczki, New York City Ballet, 1951)

Na solistów, chór i orkiestrę

Święty hymn na chwałę imienia św. Marka (Canticum Sacrum ad honorem Sancti Marci nominis, o tekście ze Starego Testamentu, 1956)
Threni (Lament proroka Jeremiasza, tekst łaciński ze Starego Testamentu, 1958)
kantata Kazanie, opowiadanie i modlitwa (1961)
Hymny za zmarłych (kantyki Requiem, o kanonicznym tekście katolickiej mszy pogrzebowej i nabożeństwa pogrzebowego, 1966)

Na chór i orkiestrę

Symphony of Psalms (Symfonia psalmów, w łacińskich tekstach Starego Testamentu, 1930, wydanie 2 1948)
Sztandar z gwiazdami (hymn narodowy USA, 1941)

kantaty

W 60. rocznicę NA Rimskiego-Korsakowa (na chór i fortepian, 1904; zaginiony)
Z gwiazdą (Radość białych gołębi, do słów KD Balmonta, 1912, 1. przedstawienie 1939)
Babilon (na podstawie 1. Księgi Mojżesza, rozdz. XI, pieśni 1-9, 1944), kantata do słów poetów angielskich XV-XVI wieku. (1952)

Na chór i kameralny zespół instrumentalny

msza na chór mieszany i podwójny kwintet dęty na kanonicznym tekście liturgii katolickiej, w 5 częściach (1948), Ku pamięci T. S. Eliota (Introitus T. S. Eliot in memoriam, o łacińskim tekście katolickiej modlitwy za zmarłych, 1965)

na orkiestrę

3 symfonie (Es-dur, 1907, 2. wydanie 1917; w C, 1940; w 3 częściach - Symfonia w trzech częściach, 1945)
Koncert Dumbarton Oaks, Es-dur (Dumbarton Oaks, 1938)
Koncert bazylejski D-dur (na orkiestrę smyczkową, 1940)
Scherzo fantastyczne (1908)
Fajerwerki, Fantazja (1908, także „futurystyczny balet bez tancerzy”, 1917, Rzym)
Rosyjska piosenka (1937)
4 norweskie nastroje (Cztery norweskie nastroje, 1942)
Sceny baletowe w 11 częściach (1944)
Preludium gratulacyjne, czyli mała uwertura (Pozdrowienia preludium…, 1955, z okazji 80-lecia P. Monte)
Pomnik Gesualdo di Venosa na 400-lecie
8 miniatur (1962, oprzyrządowanie do utworów fortepianowych na 5 palców, 1921)
Wariacje ku pamięci Aldousa Huxleya (1964), kanon na temat rosyjskiej melodii ludowej „Nie kołysała się sosna u bram”

Na orkiestrę kameralną

3 suity z baletu Ognisty ptak (1919)
suity oparte na cyklach łatwych utworów na fortepian na 4 ręce (1921, 1925)
Tańce koncertowe (na 24 instrumenty, 1942, również poprawione na balet)
Oda pogrzebowa (pieśń elegijna w 3 częściach lub Tryptyk ku pamięci N. Kusewickiej, 1943)
Polka cyrkowa dla młodego słonia (polka cyrkowa, 1942)
scherzo a la Russe na orkiestrę symfoniczno-jazzową (1944)
preludium na orkiestrę jazzową (1937, wyd. 2 1953, niepublikowane)

Na instrument z orkiestrą

koncert skrzypcowy w D-dur (1931)
Ruchy na fortepian (1959)
koncert na fortepian i instrumenty dęte (1924, wyd. 2 1950)
koncert na 2 fortepiany (1935)
Koncert hebanowy (koncert hebanowy na klarnet solo i zespół instrumentalny, 1945)
capriccio na fortepian (1928)

Kameralne zespoły instrumentalne

Duet koncertujący na skrzypce i fortepian (1931)
Epitafium na nagrobek Maxa Egona z Furstenbergu (na flet, klarnet i harfę, 1959)
3 utwory na kwartet smyczkowy (1914; opracowania zawarte w cyklu 4 etiudy dla Orkiestra symfoniczna, 1914-28)
Concertino na kwartet smyczkowy (1920)
utwory symfoniczne na instrumenty dęte Ku pamięci C. Debussy'ego (również pt. Symfonia na instrumenty dęte, 1920, wyd. 2 1947)
oktet blaszany (1923, wyd. 2 1952)
Pieśń nadwołżańskich barek na instrumenty dęte i perkusyjne (oprac. ros Piosenka ludowa„Hej, chodźmy!”, 1917)
Ragtime na 11 instrumentów (1918)
5 utworów monometrycznych na zespół instrumentalny (1921)

na fortepian

scherzo (1902)
sonaty (1904, 1924)
4 studia (1908)
3 łatwe utwory na 4 ręce (1915, także na 2 ręce, 1915, zawarte w suicie na małą orkiestrę, 1921)
Wspomnienia z marszu Boches (1915)
5 łatwych utworów na 4 ręce (1917), 4. wchodzi w skład suity na małą orkiestrę, 1921; I miejsce - na fortepian na 2 ręce)
Chorał pogrzebowy ku pamięci Debussy'ego (1920)
5 palców (8 najłatwiejszych utworów na 5 nut, 1921)
Walc dla małych czytelników „Figaro” (1922)
Serenada (1925)
Tango (1940; opracowanie na skrzypce i fortepian, 1940, także na małą orkiestrę, 1953)
Walc kwiatów (na 2 fortepiany, 1914)

Na chór a sarrella

Spółka zależna ds kobiece głosy o tekstach ludowych (1917)
Ojcze nasz (na chór mieszany, tekst kanoniczny w języku rosyjskim Prawosławna modlitwa, 1926; nowe wydanie z tekstem łacińskim Pater noster, 1926)
Wierzę (na chór mieszany, do rosyjskiego tekstu kanonicznego modlitwy prawosławnej, 1932; nowe wydanie z tekstem łacińskim Credo, 1949)
Raduj się, Matko Boża Dziewico (na chór mieszany, do rosyjskiego kanonicznego tekstu modlitwy prawosławnej, 1934; wydanie z tekstem łacińskim Ave Maria, 1949)
3 duchowe pieśni Carlo Gesualdo di Venosa, napisane w 400. rocznicę urodzin Gesualdo (Enezem - Hymn, 1959, Malejąco, gołąb przecina powietrze - Zstępujący gołąb łamie powietrze, do słów TS Eliota, 1962)

Na głos i orkiestrę

Faun i pasterka (suita do słów Puszkina, 1906)
Abraham i Izaak (święta ballada w języku hebrajskim, ze Starego Testamentu, 1963)

Na głos i zespół instrumentalny

3 poematy japońskie (na sopran, 2 flety, 2 klarnety, fortepian i kwartet smyczkowy; tekst rosyjski A. Brandta, 1913; oprac. na głos wysoki i fortepian, 1913; na głos wysoki i orkiestrę kameralną, 1947)
Żarty, piosenki komiksowe (na kontralt i 8 instrumentów, do rosyjskich tekstów ludowych, 1914)
Kocie kołysanki (suita na rosyjskie teksty ludowe na kontralt z 3 klarnetami, 1916; także z fletem, harfą i gitarą, opublikowana 1956)
3 pieśni (do słów W. Szekspira na mezzosopran, flet, klarnet i altówkę, 1953)
4 pieśni rosyjskie (na sopran, flet, harfę i gitarę na podstawie 4 pieśni rosyjskich na głos i fortepian oraz „3 opowiadania” dla dzieci, 1954)
Pamięci Dylana Thomasa (Funeral Canons and Song, na tenor, kwartet smyczkowy i 4 puzony do angielskich wierszy D. Thomasa, 1954)
Elegy of JFK (dedykowana JF Kennedy'emu, do słów WH Audena, na baryton, 2 klarnety, klarnet altowy, 1964)

Na głos i fortepian

romans „Chmura” (do słów Puszkina, 1902)
Dyrygent i tarantula (na podstawie tekstu bajki Koźmy Prutkowa, 1906; nuty zaginęły)
Pastoralna (pieśń bez słów, 1907)
2 pieśni do słów SM Gorodeckiego (1908)
2 wiersze P. Verlaine'a (1910; 2. wydanie 2. - 1919, 1. - 1951)
2 wiersze KD Balmonta (1911; wydanie 2 1947)
3 opowiadania dla dzieci (o rosyjskich tekstach ludowych, 1917)
Kołysanka (według tekstu własnego, 1917)
4 pieśni rosyjskie (do tekstów ludowych, 1918)
Sowa i kotek (The Sowa i kotka, do angielskich wierszy E. Leara, 1966)
Grzyby idące na wojnę (1904)
Powietrze morza (?)

Aranżacje i aranżacje dzieł innych kompozytorów

utwór fortepianowy „Kobold” E. Griega (opracowanie, na Ucztę baletową, 1909)
„Pieśń Mefistofelesa o pchle” Beethovena (z „Fausta” JW Goethego; na bas i orkiestrę, tekst rosyjski VA Kołomijcowa, 1909)
„Pieśń pchły” Musorgskiego (na bas i orkiestrę, tekst rosyjski A. Strugowszczikowa, 1909)
Marsylianka (na skrzypce solo, 1919)
chóry z prologu opery „Borys Godunow” Musorgskiego (na fortepian, 1918)
canzonetta J. Sibeliusa (na 9 instrumentów, 1963)
Nokturn i genialny walc F. Chopina (na orkiestrę. 1909)

Strawiński pracował prawie we wszystkich istniejące gatunki: jest to opera, balet, muzyka kameralno-instrumentalna i kameralno-wokalna, symfonia, muzyka wokalno-symfoniczna, koncert instrumentalny. W różnych okresach twórczości zmieniał się obraz gatunków. We wczesnym okresie (przed 1908 r.) wybór gatunków nie był samodzielny, był podyktowany naśladownictwem nauczyciela. Od 1909 do 1913 roku balet zajmował pozycję wyjątkową. Później, od lat 10., wysuwano inne gatunki teatru muzycznego. W okresie neoklasycystycznym, obok baletu i opery, znaczącą rolę odgrywają kompozycje instrumentalne. W latach przed II wojną światową iw jej trakcie Strawiński zwrócił się ku symfonii, która odzwierciedla ogólne dążenie do konceptualnego symfonizmu, charakterystycznego dla czołowych kompozytorów europejskich tamtych lat - Honeggera, Bartoka, Hindemitha, Szostakowicza, Prokofiewa. W późnym okresie twórczości przeważają kompozycje kantatowo-oratoryjne.

Szczególne miejsce w spuściźnie autora „Pietruszki” zajmuje Teatr Muzyczny . Generalnie Strawińskiego wyróżnia się żywą teatralnością myślenia, która przejawia się w wizualizacji gestu i plastycznych „intonacji” ucieleśnionych za pomocą muzyki, w specyfice dźwiękowej, wyczuciu czasu scenicznego i zmianach tempa-rytmu akcja. Konkretne obrazy wizualne często kierowały wyobraźnią kompozytora. Strawiński lubił patrzeć na grającą orkiestrę (nie wystarczyło mu tylko słyszeć), podczas gdy lubił coś w rodzaju „teatru instrumentalnego”.

Własny teatr muzyczny łączy w sobie nurty zaczerpnięte z rosyjskiego folkloru – rozgrywana baśń, błazeńska akcja, gra, rytuał, Teatr kukiełkowy, - a jednocześnie odzwierciedla techniki commedia dell'arte, opery seria i opera buffa, średniowiecznych misteriów i japońskiego teatru kabuki. Uwzględnia estetykę teatralną The World of Art, Meyerholda, Craiga, Reinhardta, Brechta. Teatr Strawińskiego ze swej natury znacznie różni się od „teatru doświadczenia” Czechowa-Ibsena. Jego natura jest inna. To teatr pokazu, performansu, teatr warunkowy, tylko czasami jako specjalne urządzenie, które pozwala na otwarte doświadczenie. Dlatego Strawiński ostro (aż do niesprawiedliwości) odrzuca werystów, a także teatr Wagnera.

Strawiński odwołuje się do wątków różniących się pochodzeniem i charakterem: baśń („Ognisty ptak”, „Słowik”, „Bayka”, „Opowieść o żołnierzu”), obrzęd („Święto wiosny”, „ Wesele”), mit starożytnej Grecji („Król Edyp”, „Orfeusz”, „Persefona”, „Apollo Musaget”), wątki łączące rzeczywistość i fikcję („Pietruszka”, „Przygody rozpustnika”, „Pocałunek Wróżka"). Można wskazać wątki przewijające się przez jego teatr muzyczny: człowiek w cyklu sił natury, człowiek i los, człowiek i pokusy.

Strawiński intensywnie pracował m.in gatunki instrumentalne . Pisał symfonie, koncerty na instrumenty solowe (fortepian i skrzypce) z orkiestrą oraz koncerty na orkiestrę, muzykę kameralną i instrumentalną, kompozycje na instrumenty solowe – prawie wyłącznie na fortepian, co Strawiński bardzo sobie cenił, wykorzystując go zarówno jako instrument solowy, jak i w w orkiestrze iw zespołach. Prawie wszystko utwory instrumentalne kompozytora powstały po 1923 roku, czyli począwszy od neoklasycznego okresu twórczości. I tutaj trzeba powiedzieć o cechach jego instrumentalnego myślenia, które przejawiało się w różne gatunki, nie tylko instrumentalne. Mówimy przede wszystkim o jakości koncertowej jako podstawowej właściwości muzycznego myślenia Strawińskiego. W ta sprawa termin ten (pochodzący od Concertare, co oznacza współzawodnictwo, rywalizację, a także zgodę) nie wskazuje na typową dla koncertu epoki romantyzmu opozycję solisty wobec orkiestry, lecz zasadę rozwoju poprzez instrumentalne dialogi i zestawienia głośności dźwięku. Rozumienie to wywodzi się z epoki baroku (od Händla, Bacha, Vivaldiego), a jednocześnie nie jest jedynie restauracją barokowych zasad. Wprowadzenie i rozwinięcie koncertu poszerzyło możliwości formy sonatowej i cyklu sonatowego oraz przyczyniło się do indywidualizacji instrumentów.

Strawiński po raz pierwszy zetknął się z tą zasadą w Opowieści o żołnierzu (1918) i Pulcinelli (1919). To, co tam znalazł, skonsolidował w Oktecie (1923). Zasada koncertu przejawia się we wszystkich kolejnych utworach kompozytora. W pełni potwierdza się na koncertach, przenika do kompozycji zespołowych, współdziała w symfoniach z myśleniem symfonicznym.

Kreatywność wokalna Strawiński obejmuje kompozycje kameralne - na głos i fortepian, głos i zespół kameralny lub orkiestrę - oraz kompozycje wokalne i symfoniczne. Pierwszych jest stosunkowo niewiele, są one nierównomiernie rozmieszczone na całej ścieżce twórczej, choć ich znaczenie w niektórych okresach jest bardzo istotne; pojawienie się tych ostatnich wydaje się początkowo tylko epizodem, ale w późniejszym okresie to właśnie na nich spada środek ciężkości twórczości kompozytorskiej Strawińskiego.

Igora Fiodorowicza Strawińskiego(1882 - 1971), rosyjski kompozytor, dyrygent i pianista.

„Człowiek tysiąca i jednego stylów”, „Kompozytor-kameleon”, „Treatmaker muzycznych modów” Igor Fiodorowicz Strawiński to największy kompozytor XX wieku.

Jego spuścizna należy dziś do klasyków nowoczesności. To jemu udało się oddać najważniejsze cechy epoki, jej konfliktowość, dynamizm. Różnorodność tematów, wątków, mobilność jego twórczego sposobu bycia są oznakami jego uniwersalnego stylu, który potrafił ogarnąć i ucieleśnić duchowe procesy nowoczesności z encyklopedyczną rozpiętością.

Igor Fiodorowicz Strawiński urodził się 5 czerwca (17) 1882 r. W Oranienbaum w rodzinie słynnego śpiewaka, solisty Teatru Maryjskiego Fiodora Ignatiewicza Strawińskiego. Matka kompozytora Anna Kirillovna Kholodovskaya była dobrą pianistką.

Od dziewiątego roku życia Igor studiował muzykę, ale jak sam wspomina, już „od trzy lata zrealizował się jako muzyk. Podczas letnich wakacji na wsi słuchał i naśladował śpiew wieśniaczek, z dzieciństwa wspomnienie wrażenia wojskowej muzyki dętej dochodzącej z koszar, położonych w pobliżu petersburskiego mieszkania Strawińskich nad kanałem Kryukova, też się pojawia.

Jak wspomina kompozytor w Kronice mojego życia, jednym z niezapomnianych wrażeń był rok 1892, kiedy na jubileuszowym występie Rusłana i Ludmiły miał szczęście zobaczyć Piotra Iljicza Czajkowskiego, obiekt jego szczególnej miłości: młody muzyk już wtedy zdążył docenić w swoich pismach „Moc figuratywności instrumentalnej”. Później fotografia Czajkowskiego z dedykacją dla Fiodora Ignatiewicza była przechowywana w domu przyszłego kompozytora jako pamiątka rodzinna.

Muszę powiedzieć, że ojciec Igora nie chciał, aby jego syn zrobił karierę jako zawodowy muzyk i skierował go na wydział prawa Uniwersytetu w Petersburgu. Zajęcia z prawa nie fascynowały młodego człowieka, a równolegle kontynuowano lekcje muzyki. Od 1902 roku Strawiński był blisko związany z rodziną N. A. Rimskiego-Korsakowa, która rozpoznała jego talent kompozytorski, ale poradziła mu, aby rozwinął słuch harmoniczny, a także pozwoliła mu okresowo zasięgać porady. W ciągu następnych pięciu lat komunikacja między nimi zacieśniła się i wykroczyła poza muzyczne poszukiwania.

Wejście do kręgu żywych proces muzyczny, młody Strawiński odwiedzał muzyczne „środowiska”, w których gromadzili się najwybitniejsi muzycy, w tym V.V. Stasov. Były też prawykonania utworów samego Strawińskiego (sonata fis-moll i wokaliza pastoralna, którą wykonała córka Mikołaja Andriejewicza, Nadieżda). Pod ścisłym kierownictwem N. A. Rimskiego-Korsakowa Strawiński pisze swoją Pierwszą Symfonię z dedykacją dla „drogiego nauczyciela”. Warto zauważyć, że studia u Rimskiego-Korsakowa stały się jedyną szkołą kompozytorską Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji zawód kompozytorski.

Około 1903-1904 należał do koła Wieczorów Muzyki Nowoczesnej, początkowo w tajemnicy przed swoim nauczycielem, i dopiero po jakimś czasie Rimski-Korsakow dowiedział się, że jego uczeń „zdradza” jego szkołę. „Igor Fiodorowicz niepotrzebnie uderzył w modernizm” - powiedział z żalem Nikołaj Andriejewicz. „Wszystkie te dekadenckie teksty są pełne ciemności i mgły”. „Fajerwerki”, „Fantastyczne Scherzo” (według Maeterlincka), opera „Słowik” (na podstawie baśni Andersena o tym samym tytule) - wszystko to wpływ impresjonizmu i symbolizmu.

W 1905 roku Strawiński ukończył uniwersytet, rok później ożenił się ze swoją kuzynką Ekateriną Nosenko. Porzucając karierę prawniczą, postanawia całkowicie poświęcić się muzyce.

Na premierze Fajerwerków (1908) pojawił się Siergiej Diagilew, wówczas znany filantrop i założyciel magazynu World of Art, który nadał ton całej „nowej” sztuce tamtych czasów. Ten człowiek miał odegrać szczególną rolę przyszły los Strawiński.

Wysoko ceniąc talent młodego kompozytora, Diagilew zaprosił go do stworzenia baletu do inscenizacji w Sezonach Rosyjskich w Paryżu. Przedsięwzięcie to, zwłaszcza na początku, zapoznało europejską publiczność z genialnymi przykładami współczesnej sztuki rosyjskiej. To dzięki Diagilewowi Paryż usłyszał wszystkie opery Musorgskiego, zobaczył rosyjski balet. Pomysł rosyjskiego baletu baśniowego od dawna prześladował Diagilewa. Jak wspomina choreograf M. Fokin, „najwspanialsza kreacja opowieść ludowa a jednocześnie Firebird jest najbardziej odpowiedni do tanecznego wcielenia!

Kilka miesięcy po rozpoczęciu pracy kompozytor A. Lyadov zwrócił mu wysłane libretto baletu, a Diagilew ostatecznie zdecydował się wybrać Strawińskiego. W 1910 roku partytura była gotowa, o jasnej barwie, w duchu impresjonistycznym. Tę baletową sensację przygotowywali stopniowo choreograf M. Fokin, przyszli odtwórcy głównych ról - T. Karsavina, V. Niżyński, artysta A. Golovin, a także stali konsultanci Diagilewa - A. Benois i L. Bakst . Strawiński i Fokin długo siedzieli przy fortepianie w poszukiwaniu synchronizacji między ruchem a muzyką. „Naśladowałem dla niego sceny” – wspomina choreograf. - Na moją prośbę rozbijał tematy własne lub ludowe na krótkie frazy, stosownie do momentów sceny, gestów. Strawiński obserwował mnie i powtarzał mi fragmenty melodii Carewicza na tle tajemniczego drżenia obrazującego ogród złego Kaszczeja.

Kilka lat później Strawiński stworzył z muzyki baletowej nowy utwór orkiestrowy, przeredagowując jego tekst i eliminując wszelkie ekscesy barwowe. W nowej wersji pakiet z The Firebird zyskał światową popularność.

W ciągu trzech lat współpracy z trupą Diagilewa Strawiński stworzył dwa kolejne balety, które go przyniosły światowa sława, wśród nich „Pietruszka” i „Święto wiosny”. Pierwszą z nich są „śmieszne sceny”, których autorami byli sam Strawiński, Benois i Diagilew (1911). Po premierze baletu w Paryżu Debussy z entuzjazmem wypowiada się o muzyce „Pietruszki”, nazywając autora „geniuszem koloru i rytmu”.

Balet "Święto wiosny" - "obrazy pogańskiej Rusi" do libretta Roericha. Po rozegraniu na cztery ręce świeżo ukończonej partytury „Wiosny” Lalua wspomina: „Byliśmy niemi, porażeni do szpiku kości, jak po huraganie, który przyszedł z głębi wieków i zakorzenił się w naszym życiu” (1913).

Tuż po premierze Strawiński będąc w Szwajcarii zachorował na tyfus i swego czasu był bliski śmierci. Chorego odwiedzali Debussy, M. de Falla, A. Casella, Ravel. Na uwagę zasługuje jedyne spotkanie Strawińskiego ze Skriabinem. Obaj muzycy okazywali wzajemne zainteresowanie w powściągliwy sposób. Strawiński poprosił autora Poematu ekstazy o przesłanie mu jego ostatnich sonat fortepianowych. Tutaj zetknął się z ekspresjonizmem, „Moon Pierrot” A. Schönberga.

Okres „szwajcarski” odegrał szczególną rolę w życiu i twórczości Strawińskiego. Interesował się rosyjskimi obrazami narodowymi, rosyjską egzotyką, baśniami, folklorem. Świadczy o tym chociażby zestawienie dzieł powstałych w tamtych latach: „Żarty”, „Opowieści o lisie, kogucie, kocie i owcy”, „Historia żołnierza”.

W lipcu 1914 roku Strawiński rozpoczął pracę nad Wesele, pierwotnie planowanym jako rozrywka baletowa. Kompozytor udał się do Kijowa w nadziei na odnalezienie poetyckiego zbioru rosyjskich pieśni ludowych P. Kirejewskiego i innych materiałów. Po zatrzymaniu się w rodzinnej posiadłości Uściług, jeszcze tej samej jesieni zamierzał wrócić do Kijowa po materiały. Jednak życie pokrzyżowało mu plany: kilka dni po powrocie do Szwajcarii wybuchła wojna. Strawiński postanowił nie wracać ani do Paryża, ani do ojczyzny, ale pozostać w neutralnej Szwajcarii. Osiadł w Klarze. I przez następne siedem lat zjechał prawie całą część francuskiej Szwajcarii - Claran, Salvan, Mors.

W 1917 Strawiński odwiedził Rzym i Neapol. Tam poznał Pabla Picassa, z którym nawiązał bliską przyjaźń. W Szwajcarii debiutował jako dyrygent własnej muzyki, zaprzyjaźnił się z poetą C. Ramuse i dyrygentem Ernestem Ansermetem.

W 1919 Strawiński wyjechał do Paryża. Wokół niego tworzyło się grono bliskich przyjaciół, z którymi nawiązywały się coraz bliższe stosunki, byli to młodzi moderniści: „najmodniejsi paryżanie”, Jean Cocteau, Pablo Picasso, Ravel, Benoit, Niżyński, artyści Matisse, Goncharova, Larionov. W salonie filantropa E. Polignaca, który szczególnie lubił Strawińskiego, zbliżył się do Manuela de Falli, Gabriela Foreta, Erica Satie. Młoda francuska „Szóstka” (J. Auric, F. Poulenc, D. Millau i inni) także czerpała inspirację ze Strawińskiego. Później Strawiński dużo rozmawiał z pisarzem Andre Gide, Charliem Chaplinem.

W pierwszych latach po powrocie do Francji kompozytor był nadal blisko związany z Diagilewem. W Europie jego balety odniosły sukces, zwłaszcza Pietruszka. W 1921 odbył tournée po Hiszpanii, Belgii, Holandii, Niemczech. 22 maja 1924 roku Strawiński zadebiutował koncertowo jako pianista. Z orkiestrą S. Kusewickiego wykonał jego Koncert fortepianowy.

W 1925 roku po raz pierwszy udał się w podróż do Stanów Zjednoczonych. Kolejne tournée amerykańskie w 1937, 1939 coraz bardziej umacniały jego twórcze więzi z tym krajem. W połowie lat dwudziestych zainteresowanie Strawińskiego fortepianem mechanicznym zaprojektowanym przez francuską firmę Pleyel sięga połowy lat dwudziestych. Kompozytora zafascynowała możliwość stworzenia autorskiego nagrania dokumentalnego, które mogłoby służyć jako swego rodzaju wzorzec. Specjalnie przestudiował akustyczne zasady nagrań i określone przez nie cechy harmonii i prowadzenia głosu, zaadaptował partytury orkiestrowe do fortepianu, a nawet stworzył nową orkiestrację Wesela, specjalnie zaprojektowaną do wykorzystania mechanicznych fortepianów i harmonii elektrycznej.

Strawiński faktycznie mieszkał w domu szefa firmy Pleyel. Nawiasem mówiąc, tam spotkał się z W. Majakowskim, który przybył do Paryża w 1923 roku. Pasja do fortepianów przeminęła tak szybko, jak wiele innych przejściowych pasji. Na przykład w Szwajcarii lubił jeździć na rowerze, we Francji stał się zapalonym kierowcą. Szybko nauczył się jeździć, przejechał swoim Renault Hotchkissem całe Lazurowe Wybrzeże.

W 1939 r. We Francji zmarła żona kompozytora E. Nosenko. Wcześniej stracił matkę i najstarsza córka. Kompozytor bardzo dotkliwie przeżył śmierć bliskich, wtedy po raz pierwszy pojawiła się chęć przeprowadzki do innego kraju. Ale były też inne powody. W 1936 roku przyjaciele grali ze Strawińskim zły kawał: namówili go do wystawienia swojej kandydatury wśród „nieśmiertelnych” – do Akademii Francuskiej sztuki piękne. W wyborach został jednak skandalicznie pokonany, a raczej przeciętny francuski kompozytor Florenta Schmidta. To zdarzenie nie było wypadkiem. Jeszcze wcześniej wielu Francuzów, zwłaszcza francuska młodzież muzyczna, zaczęło zdradzać swojego dawnego idola: coraz częściej słychać było głosy domagające się obalenia zagranicznego „mistrza” z piedestału.

Wszystko to nie pozostało niezauważone przez dobro Strawińskiego, wówczas już obywatela Francji. Jednocześnie wyjazdy do Stanów Zjednoczonych umocniły jego więzi z amerykańskimi firmami, orkiestrami i mecenasami. Na ich zlecenie napisał szereg kompozycji. W 1939 roku na zaproszenie Uniwersytetu Harvarda wygłosił kurs wykładów na temat własnej estetyki muzycznej.

Wybuch II wojny światowej był ostatnim i bezpośrednim impulsem do ostatecznej decyzji: parowiec Mauntbatten dowiózł kompozytora do brzegów jego „trzeciej ojczyzny”. Strawiński mieszkał we Francji w latach 1920-1940. W Paryżu odbyły się premiery jego opery „Mavra” (1922), „Les Noces” (1923) – ostatniego dzieła okresu rosyjskiego, a także opery-oratorium „Król Edyp” (1927), które zapoczątkowało okresu w twórczości kompozytora, który zwykle nazywany jest „neoklasycznym”.

Na początku lat czterdziestych rozpoczął się nowy okres twórcza biografia Strawińskiego, który można nazwać „amerykańskim”. W grudniu 1939 na zaproszenie wyjeżdża na zachodnie wybrzeże Stanów Zjednoczonych – do San Francisco i Los Angeles. Miasta wybrzeża Kalifornii przypominały kompozytorowi francuskie Lazurowe Wybrzeże. Postanowiono osiedlić się tutaj, w Kalifornii, w Hollywood. Te lata na wybrzeżu Pacyfik osiedliło się wielu wybitnych pisarzy i muzyków, którzy wyemigrowali z płomieni wojny z faszyzmem w Europie: Thomas Mann, Lion Feuchtwanger, Arnold Schönberg i wielu innych.

Żyjąc w centrum amerykańskiego przemysłu filmowego, Strawiński konsekwentnie odrzucał wszelkie oferty pracy dla filmu, argumentując, że nie zadowala go zasada przypadku, która determinuje komponowanie muzyki filmowej. Będąc w samym epicentrum jazzu, kompozytor nie omija również tego nurtu. Dla murzyńskiej orkiestry Woody'ego Hermana pisze w 1945 roku „Czarny koncert”, z typowymi efektami jazzowymi, wirtuozowskimi solówkami klarnetowymi i „kolorową partyturą” (jego występom towarzyszyły efekty świetlne za pomocą wielokolorowych reflektorów).

Stopniowo język muzyczny Strawiński staje się bardziej ascetyczny. Dynamizm zostaje zastąpiony powściągliwością. Kompozytor zwraca się ku technice seryjnej, która odtąd będzie dominować w organizacji tkanki muzycznej jego kompozycji. Pierwszą seryjną kompozycją jest Septet (1953). Threni (Lament proroka Jeremiasza; 1958) stał się kompozycją całkowicie seryjną, w której Strawiński całkowicie porzucił tonację jako taką. Dziełem, w którym zasada serialności jest absolutna, są Ruchy na fortepian i orkiestrę (1959). Finał kompozycja muzyczna okres seryjny - Wariacje ku pamięci Aldousa Huxleya na orkiestrę.

W 1947 Strawiński poznał Roberta Krafta, młodego dyrygenta. Wkrótce został stałym asystentem i współpracownikiem muzycznym Strawińskiego oraz interpretatorem jego kompozycji. Regularna, długoterminowa komunikacja Krafta ze Strawińskim posłużyła za podstawę do publikacji ich Dialogów.

Znaczącą grupę stanowią prace będące hołdem dla pamięci zmarłych przyjaciół i krewnych. Środowisko Strawińskiego przerzedza się, a pod koniec życia coraz bardziej odczuwa samotność: „Dzisiaj nie mam rozmówców, którzy patrzyliby na świat moimi oczami”.

Opusy pamiątkowe obejmują - „Kanony pogrzebowe i pieśń ku pamięci Dylana Thomasa” (l954), „Epitaph” (l959), „Elegy to John F. Kennedy” (1964), wariacje ku pamięci Aldousa Huxleya (l964), Introitus ku pamięci Thomasa Eliota, wreszcie ostatnie, wielkie dzieło - Requiem Canticles na kontralt i bas solo, chór i orkiestrę (l966). „Pieśni dla zmarłych” dopełniły całego mojego twórczego obrazu”, „Requiem w moim wieku za bardzo dotyka żywych”, „Komponuję arcydzieło mojego ostatnie lata”- przyznaje I. Strawiński.

A jednak intensywność działalności kompozytorskiej i wykonawczej nie słabła nawet w starszym wieku, aż do 85 roku życia utrzymywany był ścisły harmonogram pracy: pół roku - codzienna praca twórcza, pół roku - trasy koncertowe. W 1962 Strawiński odwiedził Moskwę i Leningrad. Wyprawa do ojczyzny, jak mówi sam kompozytor, bardzo go zainspirowała.

Jednym z jego ostatnich ukończonych dzieł jest opracowanie na orkiestrę kameralną dwóch pieśni sakralnych Hugo Wolfa (1968), ale ma jeszcze czas, aby wymyślić i rozpocząć orkiestrację czterech preludiów i fug z CTC J. S. Bacha (1968-1970).

Ale na tym aktywność twórcza mistrz zrywa. 6 kwietnia 1971 roku, 2 miesiące przed swoimi 89. urodzinami, zmarł Igor Fedorowicz Strawiński. Został pochowany na cmentarzu San Michele w Wenecji (Włochy), w tzw. „rosyjskiej” jego części, wraz z żoną Verą, niedaleko grobu Siergieja Diagilewa.

Droga Strawińskiego obfituje w liczne modulacje: od Symfonii Młodych, naznaczonej wpływami Głazunowa i Brahmsa, przez rosyjski impresjonizm Ognistego ptaka i Słowika, aż po neoprymitywizm Święta wiosny. Oktet dęty blaszany zwiastował zwrot w kierunku neoklasycyzmu, w którym na przestrzeni trzydziestu lat wyłoniło się również kilka równoległych nurtów.

I wreszcie Septet z 1952 roku otworzył kolejny rozdział w twórczej biografii Strawińskiego - okres serializmu. Jego artystyczne sympatie rozciągają się od Bacha do Bouleza, od rosyjskiego obrzędu weselnego po francuską nowoczesność, od ścisłych metrum antycznej zwrotki po ostre jazzowe rytmy - taki jest krąg jego artystycznych sympatii. Niemal każdy nowy rozdział w biografii Strawińskiego jest rozdziałem w historii muzyki zachodnioeuropejskiej XX wieku.

Twórczość Strawińskiego w istocie jest daleka od wydarzeń rzeczywistości. Kompozytor porównuje odczucie estetyczne słuchacza muzyki z odczuciem, jakie towarzyszy kontemplacji „gry form architektonicznych”. Ucieka więc od nowoczesności, odwraca się od jej bohaterów i tylko czasem w jego muzyczny świat wdziera się potężny wiatr życiowych burz.

W muzyce Strawiński najbardziej boi się „arbitralności” wykonawcy, mimo wszystko - pianisty, dyrygenta, aktora. Sztuka prezentacji - dokładne spełnienie intencji autora - to jego ideał! Bohaterów należy pozbawić „romantycznych” przeżyć. Dlatego takie bardzo ważne nabiera niepersonifikacji, depersonalizacji głównych bohaterów (Panna Młoda na Weselu, Wybrana w Święcie wiosny, w Rowerze głównymi postaciami są mimiki, a śpiewają dla nich inni artyści ukryci w orkiestrze, lub cała chór).

Fenomen muzyki jest nam dany wyłącznie po to, by uporządkować wszystko, co istnieje, w tym przede wszystkim związek „człowieka z czasem”. Cechy charakteru kompozytora odcisnęły piętno na jego twórczości, m.in. profesjonalna jakość dokładność, punktualność, dalekowzroczność, intuicja chronometryczna. Nieprzypadkowo Strawińskiego nazywano kompozytorem-chronometrem, kompozytorem-inżynierem, a jego przyjaciel J. Cocteau zapewniał, że miejsce pracy tego kompozytora przypomina „dobrze zorganizowany stół operacyjny chirurga”.

Dzieło Strawińskiego jest nadal niezwykle aktualne. To on zdołał przejść przez niemal cały XX wiek, przywdziewając różne maski stylów, pozostając wiernym sobie. Sam kompozytor, kończąc Kronikę, pisze: „Nie żyję ani w przeszłości, ani w przyszłości. Jestem w teraźniejszości. Nie wiem, co będzie jutro. Dla mnie istnieje tylko dzisiejsza prawda. Jestem powołany, aby służyć tej prawdzie i służyć jej z pełną świadomością.

Popularne w kategorii: