Terceira corrente (jazz progressivo).

Jazz é uma direção musical que começou no final do século 19 e início do século 20 nos Estados Unidos. Seu surgimento é resultado do entrelaçamento de duas culturas: africana e européia. Essa tendência combinará os espirituais (cantos da igreja) dos negros americanos, ritmos folclóricos africanos e melodia harmoniosa européia. Seus traços característicos são: ritmo flexível baseado no princípio da sincopação, uso de instrumentos de percussão, improvisação, forma expressiva de execução, distingue-se pela sonoridade e tensão dinâmica, chegando às vezes ao êxtase. Inicialmente, o jazz era uma combinação de ragtime com elementos do blues. Na verdade, resultou dessas duas direções. Uma característica do estilo do jazz é, antes de tudo, o jogo individual e único do jazzman virtuoso, e a improvisação confere a esse movimento uma relevância constante.

Após a formação do próprio jazz, iniciou-se um processo contínuo de seu desenvolvimento e modificação, que levou ao surgimento de várias direções. Atualmente, existem cerca de trinta deles.

Jazz de Nova Orleans (tradicional).

Esse estilo geralmente significa exatamente o jazz que foi executado entre 1900 e 1917. Pode-se dizer que sua origem coincidiu com a abertura de Storyville (distrito da luz vermelha de Nova Orleans), que ganhou popularidade através de bares e estabelecimentos similares, onde músicos tocando música sincopada sempre encontravam trabalho. As bandas de rua que antes eram comuns começaram a ser suplantadas pelos chamados "storyville ensembles", cuja execução tornou-se cada vez mais individualizada em comparação com seus antecessores. Esses conjuntos mais tarde se tornaram os fundadores do jazz clássico de Nova Orleans. Exemplos vívidos de artistas desse estilo são: Jelly Roll Morton ("His Red Hot Peppers"), Buddy Bolden ("Funky Butt"), Kid Ory. Foram eles que fizeram a transição da música folclórica africana para as primeiras formas de jazz.

Jazz de Chicago.

Em 1917, começa a próxima etapa importante no desenvolvimento da música jazz, marcada pelo aparecimento em Chicago de imigrantes de Nova Orleans. Há uma formação de novas orquestras de jazz, cujo jogo introduz novos elementos no jazz tradicional antigo. É assim que surge um estilo independente da escola de performance de Chicago, que se divide em duas direções: hot jazz de músicos negros e dixieland de brancos. As principais características desse estilo são: partes de solo individualizadas, mudança na inspiração quente (a performance extática livre original tornou-se mais nervosa, cheia de tensão), sintetizador (a música incluía não apenas elementos tradicionais, mas também ragtime, bem como famosos sucessos americanos ) e mudanças no jogo instrumental (o papel dos instrumentos e das técnicas de execução mudou). As figuras fundamentais dessa direção ("What Wonderful World", "Moon Rivers") e ("Someday Sweetheart", "Ded Man Blues").

Swing é um estilo orquestral de jazz nas décadas de 1920 e 30 que surgiu diretamente da escola de Chicago e foi executado por big bands (The Original Dixieland Jazz Band). Caracteriza-se pela predominância da música ocidental. Seções separadas de saxofones, trompetes e trombones apareceram nas orquestras; o banjo é substituído por uma guitarra, uma tuba e um sazofone - contrabaixo. A música foge do improviso coletivo, os músicos tocam seguindo rigorosamente partituras pré-programadas. Uma técnica característica era a interação da seção rítmica com instrumentos melódicos. Representantes dessa direção: (“Creole Love Call”, “The Mooche”), Fletcher Henderson (“When Buddha Smiles”), Benny Goodman And His Orchestra,.

Bebop é um jazz moderno que começou nos anos 40 e era uma direção experimental e anticomercial. Ao contrário do swing, é um estilo mais intelectual, com forte ênfase na improvisação complexa e ênfase na harmonia ao invés da melodia. A música deste estilo também se distingue por um ritmo muito rápido. Os representantes mais brilhantes são: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker (“Night In Tunisia”, “Manteca”) e Bud Powell.

Convencional. Inclui três correntes: Stride (Northeast Jazz), Kansas City Style e West Coast Jazz. O passo quente reinou em Chicago, liderado por mestres como Louis Armstrong, Andy Condon e Jimmy Mac Partland. Kansas City é caracterizada por peças líricas no estilo blues. O jazz da Costa Oeste se desenvolveu em Los Angeles sob a direção de, e posteriormente resultou no cool jazz.

O Cool Jazz (cool jazz) surgiu em Los Angeles nos anos 50 como um contraste com o swing dinâmico e impulsivo e o bebop. O fundador deste estilo é considerado Lester Young. Foi ele quem introduziu uma forma de produção sonora incomum para o jazz. Este estilo é caracterizado pelo uso de instrumentos sinfônicos e contenção emocional. Nesse sentido, mestres como Miles Davis ("Blue In Green"), Gerry Mulligan ("Walking Shoes"), Dave Brubeck ("Pick Up Sticks"), Paul Desmond deixaram sua marca.

O Avante-Garde começou a se desenvolver nos anos 60. Este estilo vanguardista assenta numa ruptura com os elementos tradicionais originais e caracteriza-se pela utilização de novas técnicas e meios expressivos. Para os músicos dessa tendência, a autoexpressão, que eles realizavam por meio da música, estava em primeiro lugar. Os artistas desta tendência incluem: Sun Ra ("Kosmos in Blue", "Moon Dance"), Alice Coltrane ("Ptah The El Daoud"), Archie Shepp.

O jazz progressivo surgiu paralelamente ao bebop nos anos 40, mas se distinguia por sua técnica de saxofone em staccato, o complexo entrelaçamento de politonalidade com pulsação rítmica e elementos de symphojazz. Stan Kenton pode ser considerado o fundador dessa tendência. Representantes de destaque: Gil Evans e Boyd Ryburn.

Hard bop é um tipo de jazz que tem suas raízes no bebop. Detroit, Nova York, Filadélfia - nessas cidades nasceu esse estilo. Em termos de agressividade, lembra muito o bebop, mas ainda prevalecem elementos do blues. Os artistas de personagens incluem Zachary Breaux (“Uptown Groove”), Art Blakey e The Jass Messengers.

Jazz da alma. Este termo é usado para se referir a toda a música negra. É baseado no blues tradicional e no folclore afro-americano. Esta música é caracterizada por figuras de baixo ostinato e samples ritmicamente repetidos, pelo que ganhou grande popularidade entre as diferentes massas da população. Entre os sucessos dessa direção estão as composições de Ramsey Lewis “The In Crowd” e Harris-McCain “Compared To What”.

Groove (também conhecido como funk) é um desdobramento do soul, apenas seu foco rítmico o distingue. Basicamente, a música dessa direção tem uma cor principal e, em termos de estrutura, são partes claramente definidas de cada instrumento. As apresentações solo se encaixam harmoniosamente no som geral e não são muito individualizadas. Os artistas desse estilo são Shirley Scott, Richard "Groove" Holmes, Gene Emmons e Leo Wright.

O Free Jazz começou no final dos anos 50 graças aos esforços de mestres inovadores como Ornette Coleman e Cecil Taylor. Seus traços característicos são a atonalidade, uma violação da sequência de acordes. Esse estilo costuma ser chamado de "free jazz" e seus derivados são o loft jazz, o funk criativo moderno e o free funk. Músicos deste estilo incluem: Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier (“Varech”), AMM (“Sedimantari”).

A criatividade surgiu devido à ampla vanguarda e experimentalismo das formas de jazz. É difícil caracterizar tal música em certos termos, pois é muito multifacetada e combina muitos elementos de movimentos anteriores. Os primeiros a adotar esse estilo incluem Lenny Tristano (“Line Up”), Gunther Schuller, Anthony Braxton e Andrew Cyril (“The Big Time Stuff”).

A fusão combinou elementos de quase todos os movimentos musicais existentes na época. Seu desenvolvimento mais ativo começou na década de 1970. Fusion é um estilo instrumental sistematizado caracterizado por compassos complexos, ritmo, composições alongadas e falta de vocais. Este estilo é projetado para massas menos amplas do que o soul e é o oposto completo. Larry Corell e Eleventh, Tony Williams e Lifetime ("Bobby Truck Tricks") estão à frente desse movimento.

O acid jazz (groove jazz ou club jazz) originou-se no Reino Unido no final dos anos 80 (apogeu 1990 - 1995) e combinou o funk dos anos 70, hip-hop e dance music dos anos 90. A aparência desse estilo foi ditada pelo uso generalizado de samples de jazz-funk. O fundador é o DJ Giles Peterson. Entre os artistas dessa direção estão Melvin Sparks ("Dig Dis"), RAD, Smoke City ("Flying Away"), Incognito e Brand New Heavies.

O post bop começou a se desenvolver nos anos 50 e 60 e é semelhante em estrutura ao hard bop. Distingue-se pela presença de elementos de soul, funk e groove. Muitas vezes, caracterizando essa direção, eles traçam um paralelo com o blues-rock. Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey ("Como Alguém Apaixonado") e Lee Morgan ("Ontem"), Wayne Shorter trabalhou neste estilo.

Smooth jazz é um estilo de jazz moderno que se originou do movimento de fusão, mas difere dele em seu som deliberadamente polido. Uma característica dessa direção é o uso generalizado de ferramentas elétricas. Artistas Notáveis: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater ("All Of Me", "God Bless The Child"), Larry Carlton ("Don't Give It Up").

Jazz manush (jazz cigano) é uma direção de jazz especializada em performance de guitarra. Combina a técnica de violão das tribos ciganas do grupo manush e swing. Os fundadores desta direção são os irmãos Ferre e. Os artistas mais famosos: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen (“Stella By Starlight”, “Fiso Place”, “Autumn Leaves”).

Como o gênero musical se desenvolveu na virada dos séculos XIX e XX? como resultado da síntese de elementos de duas culturas musicais - europeia e africana. Dos elementos africanos, nota-se a polirritmia, a repetição repetida do motivo principal, a expressividade vocal, a improvisação, que penetrou no jazz junto com as formas comuns do folclore musical negro - danças rituais, canções de trabalho, espirituais e blues.

Palavra jazz, originalmente "banda de jazz", começou a ser utilizado em meados da 1ª década do século XX. nos estados do sul para se referir à música criada por pequenos conjuntos de Nova Orleans (composto por trompete, clarinete, trombone, banjo, tuba ou contrabaixo, percussão e piano) no processo de improvisação coletiva sobre os temas de blues, ragtime e canções populares europeias e danças.

Para se familiarizar, você pode ouvir e Cesária Évora, e, e muitos outros.

Então, o que é jazz ácido? Este é um estilo musical funky com elementos embutidos de jazz, funk dos anos 70, hip-hop, soul e outros estilos. Pode ser sampleado, pode ser "ao vivo" e pode ser uma mistura dos dois últimos.

Majoritariamente, jazz ácido concentra-se na música em vez de texto/palavras. Esta é uma música club que visa fazer você se mexer.

Primeiro single em grande estilo jazz ácido era "Frederick Mentira Ainda", autor Galliano. Era uma versão cover Curtis Mayfield Freddie está morto do filme "Super Voar".

Grande contribuição para a promoção e suporte do estilo jazz ácido introduzido Gilles Peterson, que era DJ na KISS FM. Ele foi um dos primeiros a estabelecer jazz ácido rótulo. No final dos anos 80 - início dos anos 90, havia muitos artistas jazz ácido, que eram como comandos "ao vivo" - , Galliano, Jamiroquai, Don Cherry, e projetos de estúdio - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, Outside, E Organização Futuro Unido.

Claro, este não é um estilo de jazz, mas um tipo de conjunto instrumental de jazz, mas ainda assim foi incluído na tabela, porque qualquer jazz executado por uma "big band" se destaca muito no contexto de artistas de jazz individuais e Pequenos grupos.
O número de músicos nas big bands costuma variar de dez a dezessete pessoas.
Formado no final da década de 1920, é composto por três grupos orquestrais: saxofones - clarinetes(Carretel) instrumentos de sopro(Latão, outros grupos de tubos e trombones se destacaram), seção rítmica(Seção rítmica - piano, contrabaixo, guitarra, instrumentos de percussão). O auge da música grandes bandas, que começou nos Estados Unidos na década de 1930, está associado a um período de entusiasmo em massa pelo swing.

Mais tarde, até os dias atuais, grandes bandas se apresentaram e executam músicas de vários estilos. No entanto, em essência, a era das big bands começa muito antes e remonta aos dias dos teatros de menestréis americanos da segunda metade do século 19, que frequentemente aumentavam a equipe de execução para várias centenas de atores e músicos. Ouvir The Original Dixieland Jazz Band, King Oliver's Creole Jazz Band, The Glenn Miller Orchestra e sua orquestra e você apreciará todo o charme do jazz executado por big bands.

Estilo de jazz que se desenvolveu no início - meados dos anos 40 do século 20 e abriu a era do jazz moderno. É caracterizada por um ritmo rápido e improvisações complexas baseadas em mudanças na harmonia ao invés da melodia.
O ritmo super-rápido de performance foi introduzido por Parker e Gillespie para manter os não-profissionais afastados de suas novas improvisações. Entre outras coisas, um comportamento chocante tornou-se uma marca registrada de todos os bebopites. O trompete curvo de Dizzy Gillespie, o comportamento de Parker e Gillespie, os ridículos chapéus de Monk, etc.
Tendo surgido como uma reação à onipresença do swing, o bebop continuou a desenvolver seus princípios no uso de meios expressivos, mas ao mesmo tempo descobriu uma série de tendências opostas.

Ao contrário do swing, que é principalmente a música de grandes bandas de dança comercial, o bebop é uma direção criativa experimental no jazz, principalmente associada à prática de pequenos conjuntos (combos) e anticomercial em sua direção.
A fase do bebop foi uma mudança significativa no foco do jazz, da música de dança popular para uma "música para músicos" mais artística e intelectual, mas menos mainstream. Os músicos do bop preferiam improvisações complexas baseadas em acordes dedilhados em vez de melodias.
Os principais iniciadores do nascimento foram: saxofonista, trompetista, pianistas Bud Powell E Thelonious Monk, baterista Max Roach. Se você quiser seja bop, ouvir , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.

Um dos estilos do jazz moderno, formado na virada dos anos 40 - 50 do século 20 com base no desenvolvimento das conquistas do swing e do bop. A origem deste estilo está principalmente associada ao nome do saxofonista negro swing. L. jovem, que desenvolveu a maneira "fria" de extração de som (o chamado som de Lester) oposta ao som ideal do hot jazz; ele também introduziu o termo "legal" pela primeira vez. Além disso, os pré-requisitos do cool jazz são encontrados no trabalho de muitos músicos de bebop, como, por exemplo, C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jackson e outros.

No entanto, jazz legal tem diferenças significativas de bop. Isso se manifestou no afastamento daquelas tradições do hot jazz que o bop seguiu, na rejeição da expressividade rítmica excessiva e da instabilidade entonacional, da ênfase deliberada em uma cor especificamente negra. Jogado neste estilo: , Stan Getz, Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.

Com o desaparecimento gradual da música rock no início dos anos 70, com a diminuição do fluxo de ideias do mundo do rock, a música de fusão tornou-se mais direta. Ao mesmo tempo, muitos começaram a perceber que o jazz elétrico poderia se tornar mais comercial, produtores e alguns músicos começaram a buscar tais combinações de estilos para aumentar as vendas. Eles realmente conseguiram criar um tipo de jazz mais acessível ao ouvinte médio. Muitas combinações diferentes surgiram nas últimas duas décadas, para as quais promotores e publicitários gostam de usar o termo "Jazz moderno" para descrever as "fusões" do jazz com elementos de pop, rhythm and blues e "world music".

No entanto, a palavra "crossover" refere-se com mais precisão à essência do assunto. Crossover e fusão atingiram seu objetivo e aumentaram o público do jazz, principalmente graças aos que estavam fartos de outros estilos. Em alguns casos, essa música merece atenção, embora em geral o conteúdo de jazz nela seja reduzido a zero. Exemplos de estilos de crossover variam de (Al Jarreau) e gravações vocais (George Benson) a (Kenny G), "Spyro Gira" E " " . Há uma influência do jazz nisso tudo, mas, mesmo assim, essa música se enquadra no campo da pop art, que é representada por Gerald Albright, George Duke, saxofonista Bill Evans, Dave Grusin,.

Dixieland- a designação mais ampla do estilo musical dos primeiros músicos de jazz de Nova Orleans e Chicago que gravaram discos de 1917 a 1923. Este conceito também se estende ao período do subsequente desenvolvimento e renascimento do jazz de Nova Orleans - Renascimento de Nova Orleans continuou após a década de 1930. Alguns historiadores atribuem Dixieland apenas ao som de bandas brancas tocando no estilo jazz de Nova Orleans.

Ao contrário de outras formas de jazz, o repertório de peças dos músicos Dixieland permaneceu bastante limitado, oferecendo infinitas variações de temas dentro das mesmas melodias compostas ao longo da primeira década do século 20, e incluiu ragtime, blues, one-steps, two-steps, marchas e melodias populares. Para estilo de desempenho Dixieland característica era o complexo entrelaçamento de vozes individuais na improvisação coletiva de todo o conjunto. O solista que abria o solo e os demais solistas que continuavam a tocar, por assim dizer, opunham-se aos "riffs" dos demais metais, até as frases finais, geralmente executadas pela bateria em refrões de quatro tempos, que por sua vez foram respondidas por todo o conjunto.

Os principais representantes desta época foram The Original Dixieland Jazz Band, Joe King Oliver e sua famosa orquestra, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke e Jimmy McPartland. Os músicos de Dixieland estavam essencialmente procurando por um renascimento do jazz clássico de Nova Orleans do passado. Essas tentativas foram muito bem-sucedidas e, graças às gerações subsequentes, continuam até hoje. O primeiro dos renascimentos da tradição Dixieland ocorreu na década de 1940.
Aqui estão apenas alguns dos músicos de jazz que tocaram em Dixieland: Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena Jazz Band, Turk Murphys Jazz Band.

Um nicho separado na comunidade de estilos de jazz desde o início dos anos 70 foi ocupado pela empresa alemã ECM (Edição de Música Contemporânea- Publishing House of Contemporary Music), que gradualmente se tornou o centro de uma associação de músicos que professavam não tanto o apego à origem afro-americana do jazz, mas a capacidade de resolver uma grande variedade de tarefas artísticas, não se limitando a um determinado estilo, mas de acordo com o processo criativo de improvisação.

Com o tempo, porém, uma certa face da empresa foi se desenvolvendo, o que levou à separação dos artistas desta gravadora em uma direção estilística de grande escala e pronunciada. A orientação do fundador da gravadora Manfred Eicher (Manfred Eicher) para combinar vários idiomas do jazz, folclore mundial e nova música acadêmica em um único som impressionista tornou possível reivindicar profundidade e compreensão filosófica dos valores da vida usando esses meios.

O principal estúdio de gravação da empresa em Oslo está obviamente relacionado ao papel principal no catálogo de músicos escandinavos. Em primeiro lugar, os noruegueses Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen. No entanto, a geografia do ECM cobre o mundo inteiro. Aqui estão os europeus Dave Holland, Tomasz Stanko, John Surman, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Mikhail Alperin e representantes de culturas não europeias Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem e muitos outros. Não menos representativa é a Legião Americana - Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie, Leo Smith. O impulso revolucionário inicial das publicações da empresa transformou-se com o tempo em um som meditativamente separado de formas abertas com camadas de som cuidadosamente polidas.

Alguns adeptos do mainstream negam o caminho escolhido pelos músicos dessa direção; no entanto, o jazz, como cultura mundial, desenvolve-se apesar dessas objeções e dá resultados impressionantes.

Em contraste com o refinamento e a frieza do estilo cool, a racionalidade do progressivo na costa leste dos Estados Unidos, os jovens músicos do início dos anos 50 continuaram a desenvolver o aparentemente já esgotado estilo bebop. O crescimento da autoconsciência dos afro-americanos, característico dos anos 50, desempenhou um papel significativo nessa tendência. A atenção foi novamente atraída para manter a fidelidade às tradições de improvisação afro-americanas. Ao mesmo tempo, todas as conquistas do bebop foram preservadas, mas muitas conquistas legais foram adicionadas a elas tanto no campo da harmonia quanto no campo das estruturas rítmicas. Os músicos da nova geração, via de regra, tiveram uma boa formação musical. Esta corrente é chamada "hardbop" revelaram-se bastante numerosos. Os trompetistas juntaram-se Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, pianistas Thelonious Monk, Horace Silver, baterista Arte Blake, saxofonistas Sonny Rollins, Hank Mobley, Cannonball Adderley, contrabaixista Paul Chambers e muitos outros.

Para o desenvolvimento de um novo estilo, outra inovação técnica foi significativa, que consistiu no surgimento de discos de longa duração. Agora você pode gravar solos longos. Para os músicos, isso se tornou uma tentação e um teste difícil, já que nem todos conseguem falar de forma plena e sucinta por muito tempo. Os trompetistas foram os primeiros a aproveitar essas vantagens, modificando o estilo de Dizzy Gillespie para um toque mais calmo, mas profundo. Os mais influentes foram Gordo Navarro E Clifford Brown. Esses músicos se concentraram não em passagens virtuosas de alta velocidade no registro superior, mas em linhas melódicas pensadas e lógicas.

O jazz quente é considerado a música dos pioneiros da segunda onda de Nova Orleans, cuja maior atividade criativa coincidiu com o êxodo em massa dos músicos de jazz de Nova Orleans para o norte, principalmente para Chicago. Esse processo, iniciado logo após o fechamento de Storyville devido à entrada dos Estados Unidos na Primeira Guerra Mundial e à declaração de Nova Orleans como porto militar por esse motivo, marcou a chamada era de Chicago na história do jazz . O principal representante desta escola foi Louis Armstrong. Enquanto ainda se apresentava no King Oliver Ensemble, Armstrong fez mudanças revolucionárias no conceito de improvisação de jazz, passando de esquemas tradicionais de improvisação coletiva para a execução de partes individuais de solo.

O próprio nome desse tipo de jazz está ligado à intensidade emocional característica da forma de execução dessas partes solo. O termo Hot era originalmente sinônimo de improvisação solo de jazz para destacar as diferenças na abordagem de solos que ocorreram no início dos anos 1920. Mais tarde, com o desaparecimento da improvisação colectiva, este conceito foi associado à forma de execução do material jazzístico, nomeadamente a uma sonoridade especial que determina o estilo instrumental e vocal da execução, o chamado hotting ou entonação quente: uma combinação de métodos de ritmização e características específicas de entonação.

Talvez o movimento mais polêmico da história do jazz tenha surgido com o advento do "free jazz". Embora os elementos jazz livre existia muito antes do surgimento do próprio termo, em "experimentos" Coleman Hawkins, Pee Wee Russell e Lenny Tristano, mas apenas no final da década de 1950, graças aos esforços de pioneiros como saxofonista e pianista Cecil Taylor, essa direção tomou forma como um estilo independente.

O que esses dois músicos fizeram com outros, incluindo John Coltrane, Albert Euler e comunidades como Orquestra Sun Ra e um grupo chamado The Revolutionary Ensemble consistia em várias mudanças na estrutura e sensação da música.
Entre as inovações introduzidas com imaginação e muita musicalidade estava o abandono da progressão de acordes, que permitia que a música se movesse em qualquer direção. Outra mudança fundamental foi encontrada na área do ritmo, onde o "swing" foi redefinido ou completamente ignorado. Ou seja, pulsação, métrica e groove já não eram elementos essenciais nessa leitura do jazz. Outro componente chave foi associado à atonalidade. Agora, o ditado musical não era mais construído no sistema tonal usual.

Notas estridentes, latindo e convulsivas preenchiam completamente esse novo mundo sonoro. O free jazz continua a existir hoje como uma forma viável de expressão e, de fato, não é mais um estilo tão controverso quanto era no início de sua criação.

Talvez o movimento mais polêmico da história do jazz tenha surgido com o advento do "free jazz".

Uma direção de estilo moderno que surgiu na década de 1970 com base no jazz-rock, uma síntese de elementos da música acadêmica européia e do folclore não europeu.
As composições mais interessantes do jazz-rock são caracterizadas pela improvisação, combinada com soluções composicionais, o uso de princípios harmônicos e rítmicos da música rock, a incorporação ativa da melodia e ritmo do Oriente, a introdução de meios eletrônicos de processamento e síntese som em música.

Nesse estilo, a gama de aplicação dos princípios modais se expandiu, o conjunto de vários modos, inclusive os exóticos, se expandiu. Nos anos 70, o jazz-rock tornou-se incrivelmente popular, as forças musicais mais ativas entraram nele. Mais desenvolvido em relação à síntese de vários meios musicais, o jazz-rock foi denominado "fusion" (liga, fusão). Um impulso adicional para a "fusão" foi outro (não o primeiro na história do jazz) aceno para a música acadêmica européia.

Em muitos casos, a fusão na verdade se torna uma combinação de jazz com pop regular e ritmo leve e blues; cruzamento. As ambições de profundidade musical e empoderamento da música de fusão permanecem insatisfeitas, embora a busca continue em raras ocasiões, como em bandas como "Tribal Tech" e os conjuntos de Chick Corea. Ouvir: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, from New Niacin, Tunnels, CAB.

Moderno funk refere-se aos estilos populares de jazz dos anos 70 e 80, nos quais os acompanhantes tocam no estilo do black pop soul, enquanto as improvisações solo são mais criativas e jazzísticas por natureza. A maioria dos saxofonistas desse estilo usa seu próprio conjunto de frases simples, que consistem em gritos e gemidos de blues. Eles constroem uma tradição adotada de solos de saxofone em gravações vocais de rhythm and blues, como King Curtis em "Coasters" Junior Walker com os grupos vocais da gravadora Motown, David Sanborn com "Blues Band" de Paul Butterfield. Figura proeminente neste gênero - que frequentemente tocava solo no estilo Hank Crawford com acompanhamento funky. Grande parte da música , e seus alunos usam essa abordagem. , também trabalham no estilo do "funk moderno".

O termo tem dois significados. Primeiro, é um meio expressivo no jazz. Um tipo característico de pulsação baseado em desvios constantes do ritmo das ações de referência. Isso cria a impressão de uma grande energia interna em um estado de equilíbrio instável. Em segundo lugar, o estilo de jazz orquestral que tomou forma na virada dos anos 1920 e 30 como resultado da síntese das formas estilísticas negras e européias da música jazz.

definição original "jazz-rock" foi o mais claro: uma combinação de improvisação de jazz com a energia e os ritmos da música rock. Até 1967, os mundos do jazz e do rock existiam quase separadamente. Mas a essa altura, o rock se torna mais criativo e mais complexo, o rock psicodélico e a soul music aparecem. Ao mesmo tempo, alguns músicos de jazz ficaram entediados com o hardbop puro, mas também não queriam tocar música de vanguarda difícil de perceber. Como resultado, os dois idiomas diferentes começaram a trocar ideias e unir forças.

Desde 1967, guitarrista Larry Coryell, vibrafonista Gary Burton, em 1969 baterista Billy Cobham com o grupo "Dreams", no qual os irmãos Brecker tocavam, eles começaram a explorar novas extensões de estilo.
No final dos anos 60, Miles Davis tinha potencial para fazer a transição para o jazz-rock. Foi um dos criadores do jazz modal, a partir do qual, utilizando ritmos 8/8 e instrumentos eletrónicos, dá um novo passo ao gravar os álbuns “Bitches Brew”, “In a Silent Way”. Junto com ele neste momento existe uma brilhante galáxia de músicos, muitos dos quais mais tarde se tornaram as figuras fundamentais desta direção - (John McLaughlin), Joe Zawinul(Joe Zawinul) Herbie Hancock. Ascetismo, concisão e contemplação filosófica característicos de Davis acabaram sendo muito bem-vindos no novo estilo.

No início dos anos 1970 jazz rock tinha sua própria identidade distinta como um estilo de jazz criativo, embora ridicularizado por muitos puristas do jazz. Os principais grupos da nova direção foram "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", vários conjuntos Milhas Davis. Eles tocaram jazz-rock de alta qualidade, que combinou um enorme conjunto de técnicas de jazz e rock. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, trio, Andy Summers, Erik Truffaz- você definitivamente deveria ouvir para entender como é diversa a música progressiva e jazz-rock.

Estilo jazz rap foi uma tentativa de juntar a música afro-americana das décadas passadas com uma nova forma dominante do presente, que permitisse homenagear e infundir nova vida ao primeiro elemento desta - a fusão - e também expandir os horizontes da segunda . Os ritmos do jazz-rap foram totalmente emprestados do hip-hop, enquanto os samples e texturas sonoras vieram principalmente do cool jazz, soul-jazz e hard bop.

Esse estilo era o mais legal e famoso do hip-hop, e muitos artistas mostraram uma consciência política afrocêntrica, adicionando autenticidade histórica a esse estilo. Dada a inclinação intelectual dessa música, não é surpresa que o jazz-rap nunca tenha se tornado o favorito das festas de rua; mas então ninguém pensou nisso.

Os próprios representantes do jazz-rap se autodenominavam partidários de uma alternativa mais positiva ao movimento hardcore / gangsta, que deslocou o rap das posições de liderança no início dos anos 90. Eles buscaram espalhar o hip-hop para ouvintes que não conseguem aceitar ou entender a crescente agressividade da cultura musical urbana. Assim, o jazz-rap encontrou a maior parte de seus fãs em dormitórios estudantis e também foi apoiado por vários críticos e fãs brancos de rock alternativo.

Equipe Línguas Nativas (Afrika Bambaataa)- este coletivo de grupos de rap afro-americanos de Nova York - tornou-se uma força poderosa representando o estilo jazz rap e inclui grupos como A Tribe Called Quest, De La Soul e The Jungle Brothers. Começou seu trabalho em breve planetas digitais E gang starr também ganhou notoriedade. Em meados do final dos anos 90, o rap alternativo começou a se dividir em um grande número de subestilos, e o jazz-rap tornou-se um elemento do novo som com pouca frequência.

Cansado dos clichês de big bands e projetos exclusivamente comerciais com técnicas desgastadas, no início dos anos 40 do século passado, a direção do jazz progressivo começou a se desenvolver. Representantes dessa tendência experimentaram constantemente a música no campo da tonalidade e da harmonia, contando com as conquistas dos compositores europeus.

Intérpretes

As técnicas banais do jazz já não satisfaziam os jovens intérpretes que conquistaram o Olimpo do jazz no início dos anos 40 do século passado. Usando a experiência de músicos europeus, eles tentam fugir da tradicional apresentação no estilo das big bands. Suas buscas levam a novas formas de swing, ritmos quebrados, politonalidade, mudança de sotaques estabelecidos, introdução de instrumentos incomuns.

A popularização do jazz progressivo está intimamente associada ao nome de Stan Kenton e sua banda, que gravou vários álbuns sob o nome de "Artistry". Os arranjadores Gil Evans, Boyd Rybairn, Pete Rugolo, a cantora Christy June, Kay Winding (trombone), Ed Safransky (contrabaixo), Shelley Maine (bateria) experimentaram esse estilo? Miles Ahead, Porgy and Imp, Spanish Drawings são uma série de álbuns de jazz progressivo gravados pela Miles Davis Orchestra com participação de Gil Evans. Pouco antes de sua morte, Davis voltou a experimentar uma direção progressiva e gravou os antigos arranjos de Evans com a banda de Quincy Jones.

ESTILO PROGRESSIVO (JAZZ PROGRESSIVO)

Ao mesmo tempo em que o estilo bebop jazz se consolidava no leste americano, em Nova York surgia um estilo experimental no oeste dos Estados Unidos, denominado jazz progressivo (estilo progressivo). Embora pareça: o progresso é possível na arte? Tal conceito é aplicável, antes, ao campo da tecnologia ou ao processo de desenvolvimento da sociedade. Afinal, não podemos dizer que Tchaikovsky foi mais progressista que Bach ou Beethoven. Portanto, o estilo progressivo pode ser chamado de expansão da estrutura do jazz. Este estilo (ao contrário do bebop) não fez uma revolução no campo da melodia, harmonia, ritmo, som, improvisação, embora tenham sido feitas tentativas de reviver o estilo swing enfraquecido. As inovações diziam respeito apenas à expansão da própria orquestra, arranjos, formas. Progressivo é música orquestral.

Progressivo (inglês, progressivo) é uma direção estilística do jazz moderno que surgiu na década de 1940. e caracterizado por experimentos no campo da síntese do jazz e da técnica composicional européia. Essa síntese se reflete no trabalho de algumas big bands brancas. Um dos principais representantes do estilo progressivo - pianista e compositor Stan Kenton(1912-1979).

Kenton cresceu em Los Angeles, estudou com professores particulares de música e mais tarde tocou em bandas de dança regulares. Ao mesmo tempo, continuou a autodidatismo: teve aulas de teoria musical, harmonia, regência e composição. Em 1939, montou sua primeira orquestra, que se destacou pela execução de peças de arranjos complexos. As seguintes orquestras, criadas por Kenton após 1941, atraíram a atenção dos ouvintes com o jazz "sinfonizado". Stan Kenton estava apaixonado Bartók, Hindemith, Stravinsky e especialmente Wagner.(O disco "Kenton toca Wagner" foi até gravado.) Kenton introduziu nas orquestras instrumentos usados ​​​​em composições clássicas - trompas, oboés, tubas, fagotes, instrumentos de corda. (Deve-se notar que, várias décadas depois, alguns músicos de jazz que tocavam instrumentos clássicos tradicionais alcançaram um sucesso notável. Por exemplo, o trompista russo e o fliscorne Arkady Shilkloper(nascido em 1956).)

Com a expansão das orquestras de Kenton, houve também uma ampliação do tempo de execução das peças executadas. As inovações desse estilo consistiram em uma tentativa de combinar jazz e clássico, para criar formas de concerto de jazz. Avaliando sua contribuição para a arte, Stan Kenton disse: “A humanidade moderna está passando por um estágio musical que não existia antes e não poderia existir. A música moderna contém todos os tipos de decepções e esperanças espirituais que a música tradicional poderia não apenas satisfazer, mas até mesmo imaginar. Ele contém a alegria da criatividade e lhe dá satisfação, às vezes até compensando a insatisfação interna causada por causas externas. É por isso que considero o jazz a nova música que chegou até nós na hora certa. Nossa música é jazz progressivo."

A popularidade da orquestra foi promovida pelo trabalho de músicos e cantores maravilhosos, arranjos originais de dois mestres profissionais de alto nível: Pita Rugolo E Bob Grettinger. Várias peças foram escritas sob o nome geral - arte: "Artística na percussão", "Artística no boogie", "Artística no tango", "Artística no swing do Harlem", "Artística no baixo". O jazz progressivo era um estilo de concerto ambicioso e cheio de conteúdo imaginativo, mas as peças acabaram sendo pesadas e pesadas, e a própria orquestra foi comparada por alguns músicos a um "levantador de peso musculoso". O famoso criador do Jazz at the Philharmonic, Norman Grantz, falou duramente sobre a Orquestra de Kenton: “Acompanho a Orquestra de Kenton todos esses anos, e as únicas coisas em seu repertório que gostei foram Vendedor de Amendoim, Amante, Quão Alta é a Lua etc. É uma pena montar uma orquestra dessas, que poderia ser uma grande banda de swing, e tocar Deus sabe o quê! Stan deve ter lido muitos livros ou algo assim. Porque ele tinha um material maravilhoso e grandes músicos jovens, até onde eu sei. Mas Stan é muito prolixo - assim como sua orquestra. Essa banda é uma fraude completa, usa todo tipo de travessuras e slogans publicitários. O que significa esse "progressivo", diga-me pelo amor de Deus?... Num ano, Stan montou uma orquestra de dança de vinte músicos e no ano seguinte ele tinha uma orquestra de concerto de quarenta músicos. Não ficarei surpreso se agora ele reunir oitenta pessoas e em outro ano - todas as cento e sessenta. Se ele tivesse algo a dizer, com tanto sucesso poderia fazê-lo com dezesseis músicos. Esta é, obviamente, a afirmação subjetiva de um empresário que não era crítico musical profissional. Mas pesquisadores de jazz mais competentes avaliaram a música de Kenton favoravelmente, como certamente expandindo os limites dessa arte.

Houve alguns líderes de big band que disseram sarcasticamente que música em estilo tão pomposo deveria ser tocada apenas para elefantes, mas não para fãs de jazz. Ao mesmo tempo, eles prestaram homenagem a Kenton, observando o som correto de uma orquestra incrivelmente grande, composta por excelentes músicos. A Kenton Orchestra soava “certa” porque os músicos de jazz acreditavam em seu líder, o amavam e o respeitavam como pessoa. Tais relações na orquestra eram mútuas. Às vezes, após críticas, Kenton era visitado por pensamentos sombrios sobre a inflexibilidade de sua orquestra, mau gosto musical, dúvidas sobre a correção do estilo escolhido. Então o líder teve a ideia de deixar a música e se tornar psiquiatra. Mas o principal negócio de sua vida ainda era a música. EM no final da guerra, em 1944, vieram para a banda: Anita O'Day(mais tarde um cantor muito famoso), saxofonistas tenor Stan Getz E Dave Matthews que fez excelentes arranjos para a orquestra. Com o fim da guerra, muitos solistas voltaram à orquestra, que nesse período se tornou a mais suingante de todas as criações de Stan Kenton. O repertório da orquestra agora consistia em baladas e melodias populares. EM No final de 1947, as big bands começaram a desaparecer gradativamente de cena. Mas Kenton não desistiu. Ele coletou novas composições grandes e incomuns de músicos, deu concertos em teatros. A natureza apaixonada e inquieta do líder da banda o moveu para coisas novas. EM 1950 Kenton montou uma orquestra para tocar obras de vanguarda em grande escala, como cidade de vidro Bob Grettinger. No entanto, dois anos depois, o líder da banda voltou ao swing. EM neste período a orquestra é amplamente reconhecida, solistas trabalham nela - Lee Konitz, Zoot Sims, Frank Rosolino. EM final dos anos 1950 Stan Kenton começa a ensinar jazz em universidades americanas. Em essência, ele foi pioneiro na educação do jazz nos Estados Unidos. Assim chamado clínicas de Kenton atraiu um grande número de alunos. Alguns músicos de jazz argumentaram que a atividade musical e pedagógica de Kenton era imensuravelmente mais importante para o jazz do que suas realizações musicais.

Estilo progressivo não teve seguidores diretos, embora algumas de suas técnicas e métodos tenham sido posteriormente utilizados no jazz sinfônico. EM década de 1940 Stan Kenton Orchestra conquistou o primeiro lugar em concursos de revistas Downbeat E metrônomo.EM anos 1960 as melhores gravações da nova orquestra, composta por 27 músicos, foram premiadas Grammys.EM Nessa orquestra, Kenton foi o pioneiro no uso de quatro melofones e, em seguida, criou uma orquestra tocando música da "terceira corrente", às vezes chamada de jazz sinfônico. E na década de 1970. o músico se apresentou em festivais de jazz com uma banda, utilizando nos arranjos elementos do free jazz e do rock popular da época. Críticos de jazz, elegendo para sempre o músico para o "Panteão da Fama" da revista pessimista, apreciou muito o trabalho de Stan Kenton, lutando por novos ideais em seu trabalho.

• cit. por: Shapiro N. Ouça o que vou lhe dizer. A história do jazz contada pelas pessoas que o fizeram. S. 316.
• cit. por: Shapiro N. Ouça o que vou lhe dizer. A história do jazz contada pelas pessoas que o fizeram. pp. 316-317.