Pinturas de grande valor e pique. O principal é não poupar tinta

Eficiência de relações públicas: regalos "brilhantes"

Se eu pegar um pincel e pintar algum tipo de paisagem ou retrato na tela, qualquer pessoa, olhando para o meu trabalho, pode dizer com segurança: que pique! E vai dar certo, porque não sei desenhar. No entanto, meu pique poderia ser vendido por milhões de dólares se eu tivesse a reputação de ser um grande artista. Teoricamente, é difícil imaginar que minhas pinturas não pintadas, mas não menos terríveis, possam ser promovidas como grandes obras de arte e vendidas por "dinheiro louco". Mas na vida real isso aconteceu mais de uma vez - a segunda metade do século 19 e todo o século 20 é um triunfo contínuo do pique na arte.

Desde o nascimento da pintura moderna, cujo pai é considerado o italiano Giotto di Bondone (1267-1337), e nos séculos seguintes, a habilidade do artista em expor a realidade em qualquer superfície adequada para o desenho (tela, parede ou quadro-negro ). A fotografia não existia então, mas muitos queriam ter seu próprio retrato ou uma imagem de seus parentes. As vistas das florestas e campos circundantes também foram valorizadas. Ainda gostamos de pendurar reproduções de várias pinturas em nossos apartamentos, e a quem a condição material permitir, depois os próprios originais. Na Idade Média, os ricos também gostavam de decorar as paredes das casas e castelos com pinturas, e alguns dos ricos acumularam enormes coleções. Alguém o fez por amor à pintura, outros - para melhorar seu status.

Além dos ricos, a igreja também precisava de obras de arte. A Igreja não precisava de pinturas que retratassem a vida real - eles precisavam de cenas bíblicas que parecessem reais - como fotografias de eventos reais (embora eles não tivessem ideia sobre fotografias na época). As pessoas tinham que acreditar em Cristo, Maria, os apóstolos e outras figuras religiosas, e para isso os personagens bíblicos tinham que parecer pessoas vivas.

Quais foram os pedidos dos clientes - essas eram as fotos. Idéias malucas esboçadas na tela por uma mão inepta não serviam para ninguém. Ninguém compraria um retrato seu que não se parecesse com o original, e mais ainda um que, em princípio, não se parecesse com a imagem de uma pessoa. Naquela época, para pintar um retrato, era necessário um artista que dominasse o ofício de pintor. Não sendo um profissional, você não poderia vender pinturas e ganhar a vida. Aqueles que já colecionavam pinturas não precisavam apenas de moldes da realidade - eles queriam obter coisas exclusivas que ninguém pudesse repetir. Ou seja, o artista teve que acrescentar algo próprio à imagem realista - um certo estilo único, para que sua imagem se destacasse entre a maior parte dos produtos artesanais de alta qualidade. Pode ser uma técnica única como Leonardo da Vinci, um uso inovador de luz e sombra como Van Eyck, imagens fantásticas como Bosch...

15-17 séculos na Europa é o auge da pintura mundial. A essa altura, nos estados economicamente desenvolvidos da Europa (Veneza, Florença, Holanda, Flandres, Alemanha), havia um número suficiente de clientes para pinturas - graças a isso, recebemos toda uma galáxia de artistas de destaque, cujas obras ainda adornam os museus mais famosos do mundo. Junto com grandes pintores do Renascimento universalmente reconhecidos como Leonardo da Vinci, Raphael e Michelangelo Buonarroti, várias dezenas de outros artistas igualmente notáveis ​​trabalharam naquela época: o holandês Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, os italianos Giorgione, Ticiano, Correggio, Caravaggio, os alemães Albrecht Dürer, Hans Holbein Jr., o espanhol Diego Velazquez... ao mesmo tempo, eles estavam unidos pelo fato de que todos eles escreveram imagens soberbamente exclusivamente realistas. Realista não de acordo com o enredo - as mesmas imagens bíblicas nunca foram assim. Realista - pela semelhança retratada com a vida real. Ninguém pintou cubos ou quadrados - supostamente é assim que ele vê o mundo, já que "obras-primas" de estilo semelhante não encontrariam seu comprador. Os clientes das pinturas naquela época eram pessoas simples - como nosso Nikita Khrushchev. Há uma história que certa vez ele perguntou sobre uma das pinturas de uma exposição abstracionista: “Que rabo é esse?”. Noto que, no que diz respeito às pinturas de Rafael ou Correggio, ninguém jamais disse nada parecido, inclusive Khrushchev - quem tem visão entende o que está representado nelas: Madonas na forma de belas mulheres, e não algumas terríveis e incompreensíveis criaturas como nas pinturas de Picasso. Todo artista notável foi inovador de alguma forma, mas todas as técnicas inovadoras na pintura só faziam sentido se o artista pudesse retratar adequadamente a vida em todas as suas manifestações. A novidade na imagem foi usada em prol do realismo, e não em si. Podemos dizer que os pintores tentaram trabalhar como construtores - toda casa deve ter alicerce, paredes e telhado, e todos os experimentos eram permitidos apenas dentro dessa estrutura.

Como profissionais, os artistas renascentistas atingiram o auge da pintura. E podemos dizer com segurança que é impossível superar Raphael ou Van Eyck - eles só podem ser repetidos. Ou crie algo próprio, o que se tornou cada vez mais difícil ao longo dos anos. Já no século XVII, havia menos artistas de destaque do que no século XVI, e no século XVIII eles podem ser contados nos dedos. No contexto dos mestres do Renascimento, é extremamente difícil se destacar - este é o mais alto nível de habilidade, que, em princípio, poucos podem alcançar.

E nesse contexto, quando há muitos artesãos e poucos mestres destacados, uma verdadeira revolução está ocorrendo no mundo da arte - "grandes artistas" começaram a ser criados artificialmente. Isso era difícil de fazer na Idade Média.- sem a mídia, as tecnologias de RP são ineficazes, pois a informação tem que ser transmitida por meio de boatos que a distorcem. Principalmente quando se trata da divulgação de informações a longas distâncias. Somente a mídia pode criar e introduzir na consciência de massa de forma rápida e eficaz a imagem de qualquer objeto (produto, marca) como ideal e necessário na vida. Não é por acaso que quando, na segunda metade do século XIX, a imprensa começou a desempenhar um papel cada vez mais importante na vida dos estados da Europa Ocidental, que já haviam entrado na era da revolução industrial, então “grandes artistas de um novo tipo” começaram a aparecer. Em outras palavras - muffins.

Quem especificamente redirecionou os compradores de pintura para a pintura definitiva? Existem muitos deles. Basicamente, são pessoas que se dedicaram à crítica de arte na mídia, bem como às que organizaram exposições. Por exemplo, o crítico Roger Fry “lavou” os pós-impressionistas, o francês Guillaume Apollinaire promoveu os produtos de Matisse e Picasso aos consumidores. Mas ainda mais importante para o mercado de pintura foi o fato de que colecionadores cada vez mais ricos surgiram no mundo - especialmente na segunda metade do século XX. Em condições em que obras de arte verdadeiramente notáveis ​​estão em museus estatais ou pertencentes a igrejas que não vendem suas obras-primas por dinheiro algum, por que colecionar coleções? - Do que é considerado moda. O que ficou na moda foi adquirido pelos compradores.

E como foi criada a moda para este ou aquele "pintor"? Basicamente, tudo começou com um escândalo. No final do século 19, a mera exibição de um terrível borrão em público sob o disfarce de obras de arte significava um escândalo público. Foi um verdadeiro desafio para a sociedade. As pessoas, vendo “tal”, ficaram indignadas, tudo isso foi procrastinado na imprensa e em lugares boêmios, a fama do autor e de suas pinturas cresceu - e assim surgiu a moda para este ou aquele personagem. Primeiro, em círculos estreitos e, se você tiver sorte, o público em geral ficou sabendo do surgimento de um novo "grande pintor". "Se eles falam sobre você, então você existe" - esta é a regra básica do PR. Se você se tornar famoso, pelo menos alguém comprará suas pinturas - independentemente de seu valor artístico. Assim que pessoas medíocres em um ambiente boêmio percebem aquele reboco - também é uma mercadoria quente, então essas pinturas literalmente varreram o mercado. Muitos grandes regalos no futuro começaram com pinturas realistas, mas mudaram para reboco com o tempo. E alguns não precisaram mudar nada - eles inicialmente não sabiam como desenhar.

Em diferentes períodos, houve moda para uma direção artística, depois para outra - impressionismo, pós-impressionismo, abstracionismo, cubismo, expressionismo .... E a moda é o principal motor do comércio. Assim que o “artista” virou marca - desde então tudo o que era produzido com essa marca “vendia como bolo quente”. Não importava o que exatamente este ou aquele “artista” pintava - a indústria da moda opera de acordo com leis diferentes da indústria artesanal. A moda deste ou daquele regalo, é claro, não surgiu imediatamente, e a princípio os “loureiros” na forma de muito dinheiro não iam para os próprios artistas, mas para os compradores de pinturas. O dinheiro maluco que começou a ser pago por borrões da moda em leilões apareceu apenas no final da segunda metade do século XX. Um grande número de pessoas com dinheiro fácil obtido nos mercados financeiros mundiais, bem como durante o saque de propriedades estatais na Rússia, simplesmente não sabia onde colocá-los - como resultado, qualquer fezes espalhadas na tela tornou-se uma mercadoria extremamente quente .

Com quem começou o triunfo da pintura na arte?

O caminho dos impressionistas e cubistas foi traçado pelo inglês Joseph Turner, que "criou" na primeira metade do século XIX. Seu único mérito como artista era não ser muito bom em pintar paisagens. Ele também tinha pinturas quase boas, mas ficou conhecido por manchas francas, como a tela “Navegando para Veneza”. Se Veneza fosse a mesma que em sua foto, dificilmente alguém teria navegado para ela ... Turner certa vez simplesmente chocou o público, graças ao qual ele se tornou famoso. Há uma caricatura dele - Turner fica na frente de uma pintura com um pincel (que era usado para pintar cercas naquela época) e pinta alguma coisa ...

O francês Edgar Degas pegou o bastão em seguida - ele sabia desenhar e às vezes fazia desenhos maravilhosos, mas por algum motivo Edgar foi atraído para pintar as mulheres nuas mais feias que se preparavam para se lavar, lavar ou apenas terminar os procedimentos com água . .. - Por tais desenhos, eles são expulsos de 1 curso de arte por incompetência, mas Degas se popularizou em grande parte graças a eles.

No final do século XIX e início do século XX, o número de muffins começou a aumentar drasticamente.

Neste momento, os "grandes impressionistas" Claude Monet (que não deve ser confundido com o famoso artista Edouard Manet) e Auguste Renoir estão criando. Renoir sabia desenhar, mas ele, como Degas, costumava ser levado a pintar completamente. Monet a princípio também tentou se tornar um verdadeiro artista, mas percebeu que não teria sucesso - por isso pode ser considerado um dos sucessores mais marcantes da obra de Joseph Turner - as paisagens de Monet são quase tão terríveis quanto as de seu antecessor.

Sua principal "obra-prima" é a "Catedral de Rouen, fachada oeste à luz do sol" - uma pintura infantil típica. Monet atraiu muitos trabalhos neste "estilo", e todos eles ainda são populares: "Nenúfares" (sem nome você não reconhece imediatamente que são lírios na água ...) foi leiloado por 36,7 milhões de dólares (2007. ), Waterloo Bridge (foto abaixo) vendida por $ 35,9 milhões (2007),

“Lagoa com nenúfares…” (em comparação com “Waterloo Bridge” pode até ser chamada de pintura) - por 33 milhões de dólares (1998). O jornal Times em 2009 realizou uma pesquisa entre os leitores, cujos resultados determinaram os artistas mais populares do século 20 - Claude Monet ficou em 4º lugar!

Na virada do século, os pós-impressionistas também começaram a trabalhar: Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Qual deles foi o "maior" ou, em outras palavras, o artista mais elegante de nosso tempo? Cézanne tem pelo menos uma pintura que pode ser descrita como "interessante" - ele a pintou aos 27 anos. Então tudo foi muito pior - sem iluminação, reboco após reboco. No entanto, ele definitivamente não é o "maior". Os preços de algumas de suas pinturas chegam a dezenas de milhões de dólares (o mais caro deles - "Still Life with a Jug and Drapery" foi comprado por 60,5 milhões de dólares (!), Mas a popularidade de suas obras entre os colecionadores é claramente inferior à popularidade das obras de Gauguin, e ainda mais de Van Gogh. Mas os leitores do The Times colocaram Cézanne em 2º lugar entre os artistas do século XX!

O doente mental Van Gogh pintou como um menino sem talento de 5 a 7 anos que nunca cresceu. Certa vez, ele foi tratado em uma clínica psiquiátrica, mas isso não ajudou e, aos 40 anos, ele cometeu suicídio. Sua biografia é mais como a biografia de um "grande artista". Isso é evidenciado pelos preços de suas pinturas - $ 40,3 milhões para um retrato terrível de Madame Ginoux, $ 40,5 milhões para "Girassóis", $ 47,5 milhões para "Camponesa com chapéu de palha", 53, $ 9 milhões para íris, $ 57 milhões para Cypress Wheat Field, $ 71 milhões para um autorretrato e $ 82,5 milhões para o Dr. Gachet. Este Gachet, aliás, cuidou de Van Gogh pouco antes de seu suicídio - provavelmente, o "artista" decidiu se vingar do médico por seu trabalho com seu retrato de assinatura.

O amante de Van Gogh, Gauguin, pintou como um menino um pouco mais velho que o filho de Van Gogh. Este é um sinal de menos para ele como um "grande artista". Além disso, Gauguin não era tão louco quanto Van Gogh, embora haja um episódio maravilhoso em sua biografia quando ele veio visitar Van Gogh e acabou cortando sua orelha - esta é realmente uma reivindicação pesada de "grandeza"! No entanto, a demanda pelas pinturas de Gauguin não é tão grande quanto a de Van Gogh - apenas algumas de suas pinturas foram vendidas por mais de 30 milhões de dólares.

O quase anão Toulouse-Lautrec era louco pelas feias prostitutas francesas, que ele personificava em suas pinturas não menos feias. Se você olhar a foto abaixo sob o nome condicional "prostitutas em inspeção", terá uma ideia da maneira criativa de Toulouse-Lautrec.

Ele era um mestre do esboço, mas nunca se preocupou em escrever uma imagem completa. Comparado com Gauguin e Van Gogh, Toulouse-Lautrec é completamente impopular, e o norueguês Munch claramente não está à altura deles, embora sua biografia seja muito pessoal: ele sofria constantemente de uma depressão terrível e foi tratado várias vezes para transtornos mentais. Várias de suas pinturas aparecem na lista das "100 pinturas mais caras da história", mas isso é tudo.

Mas o austríaco Gustav Klimt é realmente o maior pós-impressionista. Ele é tão popular quanto Van Gogh, e sua pintura mais cara foi comprada por US$ 135 milhões! E o que é mais surpreendente para o grande artista do século 20 - a imagem mostra uma mulher com rosto humano! Todo o espaço restante é ocupado por um pique típico, mas o rosto ficou realista. E outras pinturas de Klimt, onde as pessoas são retratadas, são semelhantes a esta imagem - os mesmos rostos entre os piques "pós-impressionistas".

O povo também respeita Klimt - 3º lugar entre os melhores artistas do século 20 - apenas Picasso e Cézanne estão à frente.

Passemos ao século XX. Como Wendy Beckett escreveu em sua História da Pintura, "dois reinam na arte do século 20 - Henri Matisse e Pablo Picasso". É difícil dizer por que exatamente esses dois, porque havia centenas desses regalos, mas os caminhos da moda são inescrutáveis. Pablo, aliás, e segundo enquete com leitores do The Times, ficou em 1º lugar.

O espanhol Pablo Picasso sabia desenhar, mas não queria. Ele estava longe do nível de Da Vinci (que não acredita - veja sua pintura inicial "Menino com Cachimbo" - não é ruim, mas não excelente), mas simplesmente boas pinturas já eram irrelevantes no século XX. Pintar ficou cada vez mais na moda e Pablo decidiu navegar a mando das ondas. E ele se saiu muito bem!

Em 1907, pintou o quadro "As Meninas de Avignon" - tornou-se a primeira obra do gênero cubista. A princípio, o artista teve vergonha de mostrar esse pique a estranhos, o que, em geral, é compreensível: cinco criaturas absolutamente terríveis estão olhando para você da foto e mostrar tal absurdo para os outros é como dizer publicamente: estou louco! Eu sou um psicopata completo! No entanto, Pablo aventurou-se a expor a sua "obra-prima" e não adivinhou. Ninguém o escondeu em um hospital e Picasso continuou a estragar as telas. Ele pôs em prática o postulado do materialismo dialético: a quantidade se desenvolve em qualidade. Neste caso, reputação. Picasso pintou por cerca de 70 anos e não é de surpreender que ele tenha se tornado o regalo mais popular de nosso tempo.

Seu Retrato de Dora Maar (adquirido por US$ 95,2 milhões em leilão em 2006, foto acima), Woman Seated in a Garden (US$ 49,5 milhões em 1999), Dream (US$ 48,4 milhões em 1997), "Nu em uma cadeira preta" (US$ 45,1 milhões dólares em 1999) - entrou no "fundo de ouro" do pique do século XX.

Houve muitos pintores gloriosos no século 20 - muito mais do que grandes artistas do Renascimento, o que não é surpreendente: quebrar - não construir, estragar telas - não pintar. Nossos Vasya Kandinsky e Kazimir Malevich também se destacaram neste campo - embora sejam excelentes, não são grandes regalos para os padrões mundiais. Claro, os russos têm sua própria espiritualidade especial, mas no daub, ela não se manifestou muito. Em meados do século 20, o americano Pollack e o holandês de Kooning, "expressionistas abstratos", começaram a dar o tom.

Tudo em nosso mundo é relativo e, no contexto de Pollack e seus irmãos, até Monet ou Gauguin parecem bons artistas. Os críticos de arte chamaram esse grau mais alto de pintura de “expressionismo abstrato”, e eu diria que isso é uma pintura completamente insana! Seus representantes mais proeminentes não foram apenas os já mencionados Willem de Kooning e Jackson Pollack, mas também Mark Rothko, um americano de origem russa. Esses três são apenas o auge do pique do século 20!

Um expressionista abstrato é uma pessoa que, em princípio, não desenha. Van Gogh pintou pelo menos no nível de uma criança de 5 anos, mas Pollak não conseguiu nem atingir esse nível. Citando The History of Painting de Wendy Beckett: “Pollack foi o primeiro a abandonar o pincel, a paleta e todas as convenções do enredo. Ele dançou em êxtase nas telas espalhadas pelo chão, completamente imerso na criatividade, espirrando e derramando tintas sob total controle. “A pintura”, disse ele, “tem vida própria. Eu tento deixá-la." Não há nem o que comentar aqui - o homem estava muito, muito doente. A foto de sua pintura confirma isso.

Mark Rothko é um artista ainda pior do que Pollack. Você dirá que não pode ser assim - afinal, acabei de dizer que Pollak não sabia desenhar. Talvez! As pinturas de Pollack lembravam pelo menos papel de parede caótico, as de Rothko são apenas telas pintadas com cores diferentes - por exemplo, a parte superior é preta e a parte inferior é cinza. Ou ainda mais "trabalho excelente" - na parte inferior é carmesim, na parte superior - uma espécie de amarelo escuro e no meio - branco.

A pintura chama-se "White Center" e foi comprada na Sotheby's em 2007. por 72,8 milhões de dólares. - quase 73 milhões por uma tela danificada! E este, aliás, é o 12º colocado na lista das pinturas mais caras do mundo! Mas a pintura mais cara do mundo hoje (2010) pertence a Jackson Pollack e se chama "No. 5" - vendida em 2006 na Sotheby's por US $ 140 milhões! O mundo ocidental não está cheio apenas de artistas malucos - há um grande número de milionários malucos. O povo, aliás, também não é muito saudável no Ocidente - em pesquisa do jornal Times, Pollack ficou em 7º lugar entre os artistas mais populares do século XX.

Seu, como dizem, "eterno rival" Willem de Kooning nesta votação ficou em 9º lugar. Eu o chamaria de o mais engraçado de todos os regalos. A pintura mais cara de Kooning, Woman No. 3 (comprada em 2006 por $ 137,5 milhões!) fará qualquer pessoa saudável rir alto. Ainda mais engraçado é Mulher com uma bicicleta.

Acho que Willem tinha alguns problemas com mulheres, então ele sutilmente se vingou delas.

No exemplo de Pollack, Kooning e Rothko, vemos claramente a que ponto chegou o mercado de arte hoje. Se Khrushchev estivesse vivo, ele teria dito: para a bunda cheia!

Então, graças ao poder mágico de Pu relações blic os borrões de alguns indivíduos mentalmente perturbados foram reconhecidos como excelentes obras de arte e equiparados às telas dos grandes artistas da Renascença. Pela primeira vez, o poder das relações públicas se manifestou com tanta clareza precisamente na promoção de regalos. Até o século 19 relações públicas atuou efetivamente apenas na política (a história e a religião também serviram a objetivos políticos e não podem ser consideradas isoladamente da política). No caso do anúncio de muffs medíocres como artistas brilhantes, encontramos um fenômeno quando relações públicas destacou-se no campo da moda. E foi tão eficaz e duradouro que mesmo agora, mais de um século depois que a pintura de psicopatas medíocres entrou em voga, encontramos muitas pessoas que acreditam sinceramente que Van Gogh é um grande artista. Ainda mais milhões sabem quem é Van Gogh. Várias centenas de ociosos ricos que não sabem o que fazer com seu dinheiro estão comprando borrões da moda em leilões. Todo mundo ouve sobre uma compra multimilionária de daub, depois outra. Bem, eles não podem pagar US $ 30 milhões por fezes francas, podem? - assim argumenta o leigo. - Podem, como podem... O principal é que esteja na moda.

Olhando para algumas das pinturas que estão sendo vendidas em leilão hoje, eu quero chorar. Chore, porque essas telas parecem uma pintura de criança, mas ficam como uma vila em Miami. Chegou a hora de apresentar as obras-primas absurdas mais caras que saíram do leilão por milhões de dólares.

"Green and White" de Ellsworth Kelly - US$ 1,6 milhão

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Este não é apenas um círculo verde irregular em um fundo branco. Este é um exemplo de pintura, onde o objeto principal é a própria cor. Esta criação foi comprada no leilão da Christie's em Nova York em 2008.

Na verdade, nas demais pinturas do artista você não encontrará padrões complexos e paisagens realistas - apenas as figuras mais simples em um fundo branco, preto ou brilhante.

O Tolo Azul, Christopher Wool – US$ 5 milhões

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A pintura saiu do leilão da Christie's (Nova York) em 2010. O moderno artista americano Christopher Wool foi além de seus colegas e, além de “borrar” e “rabiscos”, passou a colocar inscrições em letras grandes nas telas.

Há uma considerável ironia no fato de que uma das obras mais caras desta série foi uma tela com a inscrição "FOOL" (Tolo).

“O conceito de espaço. Esperando, Lucio Fontana – US$ 12,8 milhões

fonte: forbes

A tela com fenda branca foi vendida na Sotheby's London em 2015. O artista Lucio Fontana é conhecido por sua atitude “bárbara” em relação às suas telas – ele as cortava e furava impiedosamente. Mas ele fez isso de forma que mais tarde pudesse mostrar a imagem "mutilada" ao espectador.

Para o mestre, seus slots personificavam o próprio infinito. “Quando me sento diante de uma das minhas fendas e começo a contemplá-la, de repente sinto que meu espírito se liberta. Sinto-me uma pessoa que escapou dos grilhões da matéria, pertencendo à imensidão infinita do presente e do futuro”, disse Fontana.

Pintura "Pomba estrela de Joan Miró US$ 36,9 milhões

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Um dos lotes mais caros do leilão da Sotheby's, realizado na capital britânica em 2012. Esta é a primeira pintura da nossa lista que parece ter sido pintada. Apenas o quê?

A tela foi criada pelo artista surrealista espanhol Joan Miro. Ao mesmo tempo, o pintor estava morrendo de fome, por isso costumava observar alucinações nas paredes. O criador transferiu as imagens que viu para as pinturas. Agora suas pinturas são vendidas por milhões de dólares.

A Garota Adormecida, de Roy Lichtenstein – US$ 44,8 milhões

nytimes

Sleeping Girl foi a leilão em 2012 na Sotheby's em Nova York. Pela obra de Lichtenstein, que já foi chamado de "o pior artista da América", hoje eles dão um dinheiro fabuloso.

Roy Lichtenstein é conhecido por criar pinturas baseadas em quadrinhos: o artista simplesmente pegou e redesenhou o trabalho de outras pessoas, acrescentando algo próprio. Para isso, teve que suportar os ataques dos críticos, mas isso também o tornou famoso. As pinturas de Liechtenstein aparecem constantemente nas listas das pinturas mais caras.

Sem título, Cy Twombly - US$ 69,6 milhões

gazeta

A pintura foi vendida no leilão de Nova York da casa de leilões Christie's em 2014. Quando uma criança desenha isso, é um rabisco. Mas quando um artista badalado faz isso, é uma obra-prima pela qual vale a pena pagar muito dinheiro. Outros trabalhos de Twombly são todos os mesmos rabiscos e são tão indecentemente caros.

"Black Fire" de Barnett Newman - $ 84,2 milhões

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Esta obra-prima foi vendida na Christie's em Nova York em 2014. Assinatura Barnett Newman - linhas verticais, que são apelidadas de "relâmpago".

Outras pinturas do mestre diferem da apresentada acima, exceto talvez na cor, mas na largura desses mesmos raios. Os preços das pinturas do artista estão subindo de leilão em leilão.

"Laranja, Vermelho, Amarelo" de Marco Rothko - US$ 86,9 milhões

Escândalo no meio artístico dos EUA! Dezenas de pinturas que foram consideradas obras-primas recém-encontradas da pintura abstrata acabaram sendo falsas. O que é - um erro fatal de especialistas ou um talento incrível de golpistas?

Ou apenas uma confirmação objetiva de que, na realidade, os originais dessas "obras-primas" são apenas um borrão divulgado, que é simplesmente fácil de copiar?

O fechamento do Centro de Cultura Visual da Academia Mohyla não só gerou uma forte polêmica na sociedade. Mas também me fez pensar sobre o que realmente é tudo o que é oferecido sob a forma de obras de arte.

Escândalo no meio artístico dos EUA! Dezenas de pinturas que foram consideradas obras-primas recém-encontradas da pintura abstrata acabaram sendo falsas. O que é - um erro fatal de especialistas ou um talento incrível de golpistas? Ou apenas uma confirmação objetiva de que, na realidade, os originais dessas "obras-primas" são apenas um borrão divulgado, que é simplesmente fácil de copiar?

Há quase 17 anos, uma negociante de arte pouco conhecida de Long Island (Nova York) Glafira Rosales entrou nas luxuosas instalações da galeria da Knoedler & Company, carregando uma pintura que, segundo ela, foi pintada pelo artista Mark Rothko (um dos principais representantes da direção de arte). .n expressionismo abstrato - aprox.).

Ela mostrou um pequeno quadro com duas nuvens escuras em um fundo pêssego claro para Ann Friedman, a nova presidente da Knoedler, a galeria de arte mais antiga de Nova York.

“Imediatamente, à primeira vista, este trabalho me interessou”, lembrou a Sra. Friedman mais tarde. Ela era tão apaixonada que acabou adquirindo o emprego para si mesma.

Nos dez anos seguintes, a Sra. Rosales frequentou a mansão da Galeria Knoedler com seu teto ricamente decorado, carregando obras de artistas modernistas conhecidos como Jackson Pollock, Willem de Kooning e Robert Motherwell.

Todos eles apareceram pela primeira vez no mercado. Todos, disse ela, pertenciam a um colecionador cujo nome Rosales não quis revelar.

As pinturas foram recebidas com entusiasmo tanto pela Knoedler Gallery quanto por Ann Friedman: pelo menos vinte obras foram revendidas, uma das quais foi vendida por US$ 17 milhões.

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Hoje, vários especialistas chamam essas obras de falsificação. Um foi oficialmente carimbado como "falso" por ordem judicial, enquanto outros estão sendo investigados pelo FBI. A Galeria Knoedler, após 165 anos no mercado, fechou suas portas e está processando um cliente que comprou uma das pinturas de Rosales (a galeria diz que o fechamento foi uma decisão comercial relacionada ao processo). A Sra. Friedman, que ainda afirma que as pinturas são reais, também aparece neste processo.

Houve poucos eventos nos últimos anos que abalaram o mercado de arte como este conto misterioso de como um negociante de arte obscuro foi capaz de descobrir uma quantidade impressionante de tesouros obscuros de pintura criados pelos titãs do expressionismo abstrato. Cada uma das explicações possíveis carrega o ônus da implausibilidade.

Se as pinturas são reais, então por que a tinta de algumas delas contém pigmentos que ainda não haviam sido inventados na época em que foram feitas?

Se eles são falsos, quem são esses falsificadores com talento sobrenatural que conseguiram enganar os especialistas?

E se as pinturas são reais, mas roubadas, por que seus proprietários não se apresentaram depois que a história se tornou pública?

Infelizmente, a única pessoa que poderia resolver esse mistério, a Sra. Rosales, se recusa a falar, pelo menos em público. No entanto, alguns detalhes "vazaram" de documentos judiciais e entrevistas com outros participantes neste caso. E são suficientes para descrever o que aconteceu.

Dame Rosales, 55, uma mulher carismática e educada de origem mexicana, e seu marido, José Carlos Bergantinos Diaz, originalmente da Espanha, já administraram uma pequena galeria, a King Fine Arts, localizada em Manhattan na West 19th Street. O casal, que tinha contas nos principais leilões da Sotheby's e da Christie's, disse em depoimento no tribunal que possuía ou vendia pinturas de artistas famosos, incluindo Andy Warhol, a quem Bergantinos descreveu como um amigo.

Com base nesses dados, parece estranho que a Sra. Rosales tenha contatado intermediários como a Knoedler Gallery, cujas encomendas "cortam um pedaço" de suas próprias encomendas. Parte da resposta para isso pode estar na distância entre Rosales e o status de Friedman no mundo da arte.

Alta, muito magra e muito confiante, a Sra. Friedman dirigia uma das galerias mais respeitadas dos Estados Unidos. Ela se encontrou no café da manhã com colecionadores sofisticados, compradores que, sem pestanejar, desembolsaram vários milhões por uma pintura. Ela e o marido, o empresário imobiliário Robert Friedman, também eram colecionadores.

As duas mulheres foram apresentadas pelo funcionário da galeria Jaime Andrade, que se cruzou com Rosales em um coquetel. Segundo Ann Friedman, a princípio Rosales apenas disse a ela que representava os interesses de sua amiga, que possui imóveis na Cidade do México e em Zurique, e cujo nome ela se comprometeu a manter em segredo. Isso não surpreendeu ninguém, explicou Friedman, colecionadores particulares muitas vezes preferem permanecer anônimos. Porém, com o tempo, surgiram mais detalhes sobre o proprietário. Rosales disse a ela que herdou a pintura de seu pai, que colecionou as pinturas com a ajuda de David Herbert, um negociante de Nova York que morreu em 1995.

Herbert supostamente planejava criar uma nova galeria com base nessas obras, que seria financiada pelo dono da coleção. Mas os dois fundadores fugiram e, no final, as pinturas foram parar no porão do colecionador, onde foram guardadas até sua morte.

Rosales tem um retrato de Herbert feito por Ellsworth Kelly, que recentemente fez parte de uma exposição no Brooklyn Museum. O que ela não tem é nenhum registro de propriedade das mais de duas dezenas de pinturas modernistas que colocou no mercado.

Vender obras de um artista conhecido sem comprovação de proveniência é uma situação rara. Ao lidar com pinturas não documentadas que, em teoria, como disse um advogado, poderiam ter sido pintadas "na garagem da sra. Rosales", Ann Friedman, disse ela, se concentrou no que realmente importava - obras de qualidade como tal.

E eles foram extraordinários”, disse Friedman. Ela convidou vários especialistas para verificar suas próprias impressões sobre pinturas de Rothko, Pollock, Barnett Newman, Clifford Stills e outros - telas fornecidas pelo marchand Rosales. Claude Cernuchi, autor do livro sobre Pollock, autenticou o pequeno quadro "Sem título, 1950" assinado "J. Pollock. A National Gallery of Art, que tem uma poderosa coleção de obras de Rothko em papel, disse que duas das pinturas de Rothko eram reais.

Antes de 2000, a própria Sra. Friedman comprou três das propostas de Rosales: Rothko de sua primeira reunião, Untitled 1959 por $ 200.000, Pollock por $ 300.000 e Motherwell por $ 20.000. “Se Ann Friedman tivesse alguma dúvida sobre essas obras, ela e seu marido não teriam investido centenas de milhares de dólares nelas”, disse seu advogado na ocasião.

As nuvens começaram a se formar em 2003, quando um executivo sênior do banco de investimentos Goldman Sachs quis autenticar uma (supostamente) pintura de Pollock, Sem título de 1949, que ele comprou na Knoedler Gallery. Ele deu Cortin para a Fundação Internacional para Pesquisa Artística, uma organização independente sem fins lucrativos. E após a análise, a comissão anônima se recusou a confirmar a autenticidade da pintura, questionando seu estilo e origem.

O comprador exigiu um reembolso. A Sra. Friedman prontamente deu a ele dois milhões de dólares e comprou ela mesma a tela manchada de branco, preto e vermelho em parceria com a galeria e também empresário do teatro canadense David Mirvish. Mirvish, ele próprio um ex-negociante de arte, disse que não se importava com avaliações anônimas (ele e Knoedler também investiram em duas outras obras de Pollock fornecidas por Rosales).

Mas as estimativas também foram obtidas de outras fontes. Mirvis em 2006 trouxe para a galeria o artista Frank Stella, contemporâneo dos expressionistas abstratos. Depois de examinar várias telas que vieram de Rosales, Stella disse: "Cada uma delas é boa demais para ser real, mas quando você as vê em um contexto geral, como um grupo, você entende que são reais" - pelo menos é assim é sobre isso.A conversa foi testemunhada no tribunal por Ann Friedman.

O mais impressionante é que as pinturas de Rosales foram confirmadas no mercado. A Sra. Friedman certificou que vendeu 15 ou 16 obras no total por meio da Knoedler Gallery, totalizando entre US$ 27 milhões e US$ 37 milhões.

A pintura mais cara foi "Sem título 1950", supostamente de Pollock, que foi comprada por meio de um intermediário em 2007 por um diretor de fundos de hedge de Londres chamado Pierre Lagrange. A galeria, juntamente com Mirvish, comprou uma pintura com uma mistura de linhas pretas, vermelhas e brancas em um fundo prateado brilhante por US$ 2 milhões alguns anos antes. Lagrange pagou 17 milhões.

Este é o verdadeiro Pollock. E assim que os especialistas não perceberam imediatamente o quanto essas linhas manchadas na tela são superiores às linhas manchadas na tela falsificada?

Poucos dias depois do acordo com Lagrange, a Sra. Friedman convidou vários funcionários da Daedalus Foundation, organização sem fins lucrativos, criada por Robert Motherwell para proteger o patrimônio artístico da modernidade, para a Knoedler Gallery. Ela queria que eles vissem seu último Motherwell.

Foi a sétima pintura que o negociante de arte Rosales vendeu para Friedman ou outro negociante de Nova York, Julian Weisman, em oito anos. A pintura, com grandes pinceladas e manchas pretas espalhadas pela tela, parece ter pertencido à distinta série de Motherwell conhecida como as Elegias Espanholas. A equipe da Fundação já viu várias dessas novas "elegias" e as reconheceu como genuínas.

Mas algumas semanas após a visita à Galeria Knoedler, durante uma reunião do comitê da fundação, alguns de seus membros começaram a questionar a autenticidade das assinaturas e o estilo das "elegias" recém-descobertas. O presidente da fundação, Jack Flam, disse que logo soube que outras obras "de Rosales" atribuídas a Pollock e Richard Diebenkorn foram recebidas com ceticismo.

Nem todos na fundação decidiram que precisavam dar o alarme. Joan Banach, assistente pessoal de Motherwell e funcionária veterana da fundação, disse que Flam fez afirmações não qualificadas sobre a autenticidade das pinturas e, assim, violou os procedimentos de avaliação de pinturas da fundação. Posteriormente, ela processou a fundação, alegando que foi demitida por causa das críticas ao Sr. Flem (a fundação nega).

“Mais provável do que não”, é como a Sra. Banach avaliou a autenticidade das pinturas de Motherwell, que a Knoedler Gallery adquiriu por meio de Rosales, nos documentos do tribunal.

Mas o presidente da fundação, Jack Flam, estava determinado a provar que essas pinturas eram falsificadas. Ele contratou um detetive particular para investigar as atividades de Rosales e seu marido e insistiu em uma série de exames forenses.

Em uma noite fria de janeiro de 2009, Flem e Friedman se encontraram para discutir os resultados. Eles se sentaram no corredor errado, onde estavam penduradas duas "elegias", uma das quais pertencia à Sra. Friedman. O legista concluiu que ambos continham pigmentos inventados dez anos depois de 1953 e 1955 - datas indicadas nas telas.

Ann Friedman discordou dessas descobertas. Os artistas frequentemente recebiam novos pigmentos para experimentar, mesmo antes de serem patenteados e lançados no mercado. Mas a Fundação Daedalus manteve sua posição: o negociante de arte Rosales foi posteriormente confirmado em documentos judiciais como "a pessoa-chave que trouxe ao mercado uma série de sete falsas 'elegias espanholas'".

A disputa sobre as pinturas de Motherwell logo chegou ao FBI, que abriu uma investigação. O advogado de Rosales reconheceu que sua cliente estava sob investigação e acrescentou que ela "nunca vendeu pinturas sabendo que eram falsas".

Ann Friedman recebeu um mandado do FBI em setembro de 2009, embora seu advogado diga que o FBI não a considera objeto de uma investigação. Ela se aposentou da galeria no mês seguinte. Tanto Friedman quanto a galeria sustentam que a investigação não teve nada a ver com sua demissão, que se deveu à relutância de Friedman em fundir a Galeria Knoedler com outra galeria.

No entanto, era muito mais difícil afastar-se dos problemas com as pinturas de Rosales. No ano passado, uma das "elegias" serviu de base para um processo de uma galeria irlandesa que comprou esta pintura e, após um escândalo, exigiu a devolução de 650.000 dólares a ela.

A Fundação Daedalus foi envolvida neste processo porque, após verificações forenses, foi ele quem declarou falsas todas as "elegias" recebidas por Rosales. Incluindo aqueles que ele havia anteriormente reconhecido informalmente como autênticos - e entre eles estava a pintura que foi vendida aos irlandeses.

O processo foi encerrado em outubro. Rosales concordou em pagar a maior parte do custo da pintura e taxas legais, e a própria pintura, a pedido da Fundação Daedalus, foi carimbada no verso com um carimbo de tinta "falso" que não pôde ser removido. Daedalus uma vez declarou que a pintura era real e outra vez que era falsa. Apesar disso, a outra parte, por meio de seus advogados, ainda afirma que a pintura é genuína.

Algumas semanas depois, outra foto se tornou a causa da disputa. Pierre Lagrange estava se divorciando de sua esposa e eles queriam vender Untitled 1950. Mas os leilões da Sotheby's e da Christie's se recusaram a lidar com esta pintura por causa da dúvida de sua origem e sua ausência no catálogo completo das obras de Pollock. Lagrange exigiu que a Galeria Knoedler aceitasse a pintura de volta e ordenou seu próprio exame forense da tela.

Em 29 de novembro, chegaram os resultados da análise: os dois pigmentos amarelos usados ​​na pintura só foram inventados depois da morte de Pollock em 1956. A conclusão foi enviada para a Knoedler Gallery. No dia seguinte, ela anunciou seu fechamento.

Em dezembro, Rosales e Friedman se encontraram novamente - mas desta vez o encontro ocorreu no tribunal distrital federal de Manhattan, onde foram citados no processo do Sr. Lagrange. Ele queria seus 17 milhões de volta.

Esta pintura de Motherwell agora está permanentemente carimbada como "falsificação" no verso. Ao mesmo tempo, o mesmo fundo artístico que insistiu no surgimento dessa marca, antes disso, confirmou a autenticidade da pintura. Foto: Robert Caplin para o New York Times

As duas mulheres se cumprimentaram brevemente, após o que Rosales voltou-se para a quinta emenda da constituição dos Estados Unidos, que dá ao cidadão o direito de não se incriminar. Desde então, eles não se comunicaram, segundo seus advogados.

É impossível dizer agora se um tribunal ou uma investigação criminal poderá dar uma resposta convincente sobre o mistério dessas obras.

Autenticidade é difícil de confirmar. A datação por pigmento é geralmente considerada um método confiável, mas esse não é necessariamente o argumento decisivo. Por exemplo, o CEO da Golden Artist Colors, Mark Golden, cujo pai Sam criou tintas experimentais para artistas como Pollock, afirmou acreditar que seu pai nunca fez os amarelos na pintura duvidosa. No entanto, ele observou que os constituintes individuais desses pigmentos existiam no final dos anos 1940.

Em casos criminais, a barra é ainda maior. A promotoria deve provar que as obras de Rosales são falsas - e isso é quando nem mesmo os especialistas concordam com isso. E se forem falsos, as autoridades devem provar que a Sra. Rosales esteve envolvida em fraude e não foi enganada da mesma forma.

Enquanto isso, a pintura no epicentro do processo civil, "Sem título 1950", não ocupa mais o lugar de destaque na parede da sala de estar de Lagrange. A placa de 15" por 28" tornou-se órfã no mundo da arte e está em uma espécie de inferno artístico. E ele está esperando que ela seja elevada aos céus como uma obra-prima, ou eles serão difamados como falsos.

Patrícia Cohen, The New York Times

Tradução do original para o ucraniano:TEXTO:% S , original"Adequado para processar" Por PATRICIA COHEN Publicado: 22 de fevereiro de 2012

Hoje em dia, há muitas pessoas estranhas que dão dezenas de milhões de dólares pelo que parece para uma pessoa comum como eu ser um rabisco completo). De qualquer forma, proponho conhecer as dez pinturas mais caras do mundo no momento!

Alguém vai gostar deles, alguém não vai entender tal arte, mas o fato de que havia pessoas que estavam dispostas a dar muito dinheiro por eles é um fato indiscutível.

Então número 10 na lista pinturas mais caras temos o Segundo Retrato de Adele Bloch-Bauer, de Gustav Klimt, vendido por US$ 89,1 milhões. Um pouco de história. Em 1912, o artista austríaco Gustav Klimt pintou um retrato de Adele Bloch-Bauer II - esposa de Ferdinand Bloch-Bauer, um rico industrial da época que patrocinava vários tipos de arte, incluindo o próprio Gustav Klimt) Adele Bloch-Bauer foi o única modelo que Klimt pintou duas vezes - ela também aparece em O Primeiro Retrato de Adele Bloch-Bauer. Aparentemente, Ferdinand patrocinou bem o artista;)

9º lugar - um autorretrato de Vincent van Gogh, pelo qual foram pagos $ 90,1 milhões no leilão. Em geral, o dinamarquês Van Gogh gostava de pintar autorretratos - e todos eles, junto com os famosos "Girassóis", são populares e são suas pinturas mais famosas. No total, pintou mais de 12 autorretratos de 1886 a 1889.

Em 8º lugar - a pintura "Dora Maar com um gatinho" de Pablo Picasso, cujo preço foi de US $ 97 milhões. A pintura, pintada em 1941, retrata a amante croata de Picasso, Dora Maar, sentada em uma cadeira, com um gatinho no ombro (embora pareça mais que o gatinho ainda está andando nas costas da cadeira). Quando vi esta foto, de repente percebi que os gatinhos de Picasso eram os melhores))

O 7º lugar é novamente ocupado por uma pintura de Van Gogh, só que desta vez não é um auto-retrato) O comprador teve que pagar $ 97,5 milhões pela pintura “Íris”, mas pelo menos parece mais ou menos uma pintura - eu não me arrependeria nem de 10 dólares por isso! Esta é uma das primeiras obras de Van Gogh, escrita por ele durante sua estada no hospital de St. Paul de Mousol na província francesa de Sanremo um ano antes de sua morte em 1890

Na 6ª linha - Picasso de novo) Parece que eles decidiram "medir" com Van Gogh =) De qualquer forma, para a pintura de Pablo Picasso "Menino com um cachimbo" da coleção pessoal de John Hay Whitney no leilão da Sotheby's realizado em Nova York em 5 de maio de 2004, doou $ 104,1 milhões a um preço inicial de $ 70 milhões. No entanto, muitos historiadores da arte acreditam que um preço tão altíssimo provavelmente estava associado ao grande nome do artista do que ao valor histórico real de sua pintura.

5º lugar, por assim dizer, o equador da lista pinturas mais caras, é ocupada por Pierre-August Renoir com a pintura “Baile em Montmartre”. Na época da venda, esta pintura, junto com o "Retrato do Dr. Gachet" de Van Gogh, era a pintura mais cara já vendida - e ambas pertenciam ao industrial japonês Saito. Uma história interessante está ligada a ele - o fato é que Saito legou após sua morte (e aconteceu em 1991) para cremar essas duas pinturas com ele, o que causou uma onda de indignação em todo o mundo. No entanto, seus companheiros decidiram fazer o contrário e, diante da ameaça de falência, venderam Renoir na Sotheby's por US$ 122,8 milhões - o comprador quis manter o anonimato, mas presume-se que a pintura esteja agora na Suíça.

No 4º lugar - Van Gogh novamente, com o já mencionado “Retrato do Doutor Gachet”. Na verdade, existem duas versões dessa pintura, ambas pintadas em 1890, nos últimos meses de vida do artista - e em ambas o médico está sentado à mesa, apoiando a cabeça na mão direita, mas a diferença entre elas pode ser visto mesmo a olho nu. Esta pintura foi vendida por $ 129,7 milhões.

Já mencionamos a pintura, que está no “bronze”, terceiro passo da nossa lista logo no início - este é o “Primeiro Retrato de Adele Bloch-Bauer” de Gustav Klimt. Como você pode ver, esse retrato ficou melhor e mais caro) Foi pintado em 1907 e, segundo informações de fontes especializadas, foi vendido em 2006 ao dono da galeria nova-iorquina Neue Galerie Ronald Lauder por US $ 135 milhões, que tornou a pintura a mais cara de sempre ou vendida na época

Em segundo lugar está um pique completamente incompreensível para mim chamado “Mulher 3” do expressionista abstrato Willem de Kooning, embora se você olhar para o próprio artista e para suas outras pinturas, você pode basicamente dizer que esta é a coroa de sua obra))) “Mulher 3” é um dos seis quadros da artista, em que o tema central é, surpreendentemente, uma mulher) A tela de 170 por 121 cm foi pintada em 1953, e em novembro de 2006 foi vendida por David Geffen para bilionário Stephen Cohen por US$ 137,5 milhões, tornando-se a segunda pintura mais cara do mundo já vendida.

Então, primeiro na lista “As pinturas mais caras do mundo” no momento é “No. 5, 1948”, escrito por Jackson Pollock, um artista americano que deu uma contribuição significativa para o movimento do expressionismo abstrato. A pintura foi pintada em uma placa de fibra de 2,5 x 1,2 metros, aplicando-se uma pequena quantidade de respingos de marrom e amarelo na parte superior, o que fez a pintura parecer um enorme ninho. Esta obra-prima de Pollock foi vendida por um recorde de $ 142,7 milhões.

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