Pintores paisagistas americanos do século XXI. Artistas russos modernos merecem uma olhada mais de perto

A majestosa e diversificada pintura russa sempre agrada o público com sua inconstância e perfeição de formas de arte. Esta é a peculiaridade das obras de famosos mestres da arte. Eles sempre surpreenderam com sua abordagem incomum de trabalho, atitude reverente aos sentimentos e sensações de cada pessoa. Talvez seja por isso que os artistas russos retratam com tanta frequência composições de retratos que combinam vividamente imagens emocionais e motivos épicos de calma. Não é à toa que Maxim Gorky disse uma vez que um artista é o coração de seu país, a voz de toda a época. De fato, as pinturas majestosas e elegantes de artistas russos transmitem vividamente a inspiração de seu tempo. Como as aspirações do famoso autor Anton Chekhov, muitos buscaram trazer para as pinturas russas o sabor único de seu povo, bem como o sonho insaciável da beleza. É difícil subestimar as telas extraordinárias desses mestres da arte majestosa, porque sob seu pincel nasceram obras verdadeiramente extraordinárias de vários gêneros. Pintura acadêmica, retrato, pintura histórica, paisagem, obras de romantismo, modernismo ou simbolismo - todas elas ainda trazem alegria e inspiração para seus espectadores. Todos encontram neles algo mais do que cores coloridas, linhas graciosas e gêneros inimitáveis ​​da arte mundial. Talvez a abundância de formas e imagens que surpreende a pintura russa esteja ligada ao enorme potencial do mundo circundante dos artistas. Levitan também disse que em cada nota da natureza exuberante há uma paleta de cores majestosa e incomum. Com esse começo, uma extensão magnífica aparece para o pincel do artista. Portanto, todas as pinturas russas se distinguem por sua requintada severidade e beleza atraente, das quais é tão difícil romper.

A pintura russa é justamente distinguida da arte mundial. O facto é que até ao século XVII a pintura doméstica esteve associada exclusivamente a uma temática religiosa. A situação mudou com a chegada ao poder do reformador czar - Pedro, o Grande. Graças às suas reformas, os mestres russos começaram a se dedicar à pintura secular, e a pintura de ícones se separou como uma direção separada. O século XVII é a época de artistas como Simon Ushakov e Iosif Vladimirov. Então, no mundo da arte russa, o retrato nasceu e rapidamente se tornou popular. No século XVIII, surgiram os primeiros artistas que passaram do retrato à pintura de paisagem. A pronunciada simpatia dos mestres pelos panoramas de inverno é perceptível. O século XVIII também foi lembrado pelo nascimento da pintura cotidiana. No século XIX, três tendências ganharam popularidade na Rússia: romantismo, realismo e classicismo. Como antes, os artistas russos continuaram a se voltar para o gênero retrato. Foi então que surgiram retratos e autorretratos mundialmente famosos de O. Kiprensky e V. Tropinin. Na segunda metade do século XIX, os artistas retratam cada vez mais o simples povo russo em seu estado oprimido. O realismo torna-se a tendência central da pintura deste período. Foi então que os Wanderers apareceram, retratando apenas a vida real e real. Bem, o século XX é, claro, a vanguarda. Os artistas da época influenciaram significativamente seus seguidores na Rússia e em todo o mundo. Suas pinturas se tornaram as precursoras do abstracionismo. A pintura russa é um enorme mundo maravilhoso de artistas talentosos que glorificaram a Rússia com suas criações

A classificação das obras mais caras de artistas vivos é uma construção que fala muito menos sobre o papel e o lugar do artista na história da arte do que sobre idade e saúde

As regras para compilar nossa classificação são simples: em primeiro lugar, apenas as transações com obras de autores vivos são levadas em consideração; em segundo lugar, apenas são tidas em conta as vendas em hasta pública; e em terceiro lugar, a regra "um artista - uma obra" é observada (se dois registros pertencem a Jones na classificação das obras, então apenas o mais caro permanece e o restante não é levado em consideração). A classificação é realizada em termos de dólares (à taxa de câmbio da data da venda).

1. JEFF KOONS Coelho. 1986. $ 91,075 milhões

Quanto mais você assiste à carreira de leilão de Jeff Koons (1955), mais se convence de que nada é impossível para a pop art. Você pode admirar as esculturas de Koons na forma de brinquedos de balão, ou pode considerá-las kitsch e de mau gosto - seu direito. Uma coisa não pode ser negada: as instalações de Jeff Koons custam muito dinheiro.

Jeff Koons começou sua jornada para a fama como o artista vivo de maior sucesso do mundo em 2007, quando sua gigantesca instalação de metal Hanging Heart foi comprada por US$ 23,6 milhões na Sotheby's. imprensa que era do interesse do bilionário ucraniano Viktor Pinchuk.) A galeria adquiriu não apenas uma instalação, mas, na verdade, uma obra de joalheria. 2,7 m pesa 1.600 kg), mas tem finalidade semelhante. Mais de seis e meia mil horas foram gastas na produção de uma composição com um coração coberto com dez camadas de tinta, como resultado, dinheiro gigantesco foi pago pela espetacular “decoração”.

Em seguida, foi a venda do Purple Balloon Flower por £ 12,92 milhões ($ 25,8 milhões) na Christie's London em 30 de junho de 2008. Curiosamente, sete anos antes, os antigos donos de "Flower" compraram a obra por US$ 1,1 milhão, sendo fácil calcular que durante esse período seu preço de mercado aumentou quase 25 vezes.

A desaceleração no mercado de arte em 2008-2009 deu aos céticos um motivo para caluniar que a moda de Koons havia passado. Mas eles estavam errados: junto com o mercado de arte, o interesse pelas obras de Koons foi reavivado. O sucessor de Andy Warhol no trono do rei da pop art atualizou seu recorde pessoal em novembro de 2012 com a venda na Christie's de uma escultura multicolorida "Tulipas" da série "Triumph" por $ 33,7 milhões, incluindo comissão.

Mas "Tulipas" eram "flores" no sentido literal e figurado. Apenas um ano depois, em novembro de 2013, ocorreu a venda da escultura de cachorro-balão de aço inoxidável (laranja): o preço do martelo chegou a US$ 58,4 milhões! Uma soma fabulosa para um artista vivo. A obra de um autor contemporâneo foi vendida pelo preço de uma pintura de Van Gogh ou Picasso. Essas eram as bagas...

Com este resultado, Koons reinou por vários anos no topo do ranking de artistas vivos. Em novembro de 2018, foi brevemente superado por David Hockney (veja o segundo lugar em nosso ranking). Mas apenas seis meses depois, tudo voltou ao normal: em 15 de maio de 2019, em Nova York, no leilão de arte contemporânea e pós-guerra, a Christie's colocou à venda uma escultura de livro didático para Koons em 1986 - um “Coelho” de prata feito de aço inoxidável, imitando um balão de forma semelhante.

No total, Koons criou 3 dessas esculturas mais uma cópia do autor. O leilão incluiu uma cópia de "Rabbit" número 2 - da coleção da editora cult Cy Newhouse, co-proprietária da editora Conde Nast (revistas Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, etc.). Silver "Rabbit" foi comprado pelo "pai do glamour" Cy Newhouse em 1992 por uma quantia impressionante para os padrões daqueles anos - US $ 1 milhão. Após 27 anos na luta de 10 licitantes, o preço do martelo da escultura era 80 vezes superior ao preço de venda anterior. E com a comissão do Buyer's Premium, o resultado final foi um recorde de $ 91,075 milhões para todos os artistas vivos.

2. DAVID HOKNEY Retrato do artista. Piscina com duas figuras. 1972. $ 90.312.500

David Hockney (1937) é um dos mais importantes artistas britânicos do século XX. Em 2011, David Hockney foi eleito o artista britânico mais influente de todos os tempos em uma pesquisa com milhares de pintores e escultores britânicos profissionais. Ao mesmo tempo, Hockney contornou mestres como William Turner e Francis Bacon. Sua obra, via de regra, é atribuída à pop art, embora em seus primeiros trabalhos tenha gravitado mais para o expressionismo no espírito de Francis Bacon.

Nascido e criado David Hockney na Inglaterra, Yorkshire. A mãe do futuro artista mantinha a família em rigor puritano, e o pai, um simples contador que desenhava um pouco no nível amador, incentivava o filho a pintar. Com vinte e poucos anos, David mudou-se para a Califórnia, onde viveu por um total de cerca de três décadas. Ele ainda tem duas oficinas lá. Hockney fez dos heróis de suas obras os ricos locais, suas vilas, piscinas, gramados banhados pelo sol da Califórnia. Uma de suas obras mais famosas do período americano - a pintura "Splash" - é a imagem de um feixe de spray subindo da piscina depois que uma pessoa pulou na água. Para retratar esse feixe, "vivendo" não mais do que dois segundos, Hockney trabalhou por duas semanas. A propósito, esta pintura foi vendida na Sotheby's por $ 5,4 milhões em 2006 e por algum tempo foi considerada sua obra mais cara.

Hockney (1937) já está na casa dos oitenta, mas ainda trabalha e até inventa novas técnicas artísticas usando inovações técnicas. Certa vez, ele teve a ideia de fazer enormes colagens a partir de fotos Polaroid, imprimiu seus trabalhos em aparelhos de fax e hoje o artista domina com entusiasmo o desenho no iPad. As pinturas desenhadas na tabuinha ocupam lugar de direito em suas exposições.

Em 2005, Hockney finalmente voltou dos Estados Unidos para a Inglaterra. Agora ele pinta ao ar livre e no estúdio enormes (muitas vezes consistindo de várias partes) paisagens de florestas locais e terrenos baldios. De acordo com Hockney, em seus 30 anos na Califórnia, ele se tornou tão desacostumado com a simples mudança das estações que realmente o fascina e fascina. Ciclos inteiros de suas obras recentes são dedicados, por exemplo, à mesma paisagem em diferentes épocas do ano.

Em 2018, as pinturas de Hockney quebraram a marca de US$ 10 milhões várias vezes. E em 15 de novembro de 2018, um novo recorde absoluto para a obra de um artista vivo foi registrado na Christie's - $ 90.312.500 para a pintura "Retrato do Artista (Piscina com Duas Figuras)".

3. GERHARD RICHTER Pintura abstrata. 1986. $ 46,3 milhões

clássico vivo Geraldo Richter (1932) ocupa o segundo lugar em nosso ranking. O artista alemão era o líder entre os colegas vivos até o recorde de 58 milhões de Jeff Koons ser atingido. Mas é improvável que essa circunstância possa abalar a já férrea autoridade de Richter no mercado de arte. De acordo com os resultados de 2012, o faturamento anual do leilão do artista alemão perde apenas para Andy Warhol e Pablo Picasso.

Por muitos anos, nada prenunciou o sucesso que caiu sobre Richter agora. Durante décadas, o artista ocupou um lugar modesto no mercado de arte contemporânea e não ambicionou nada à fama. Podemos dizer que a fama o alcançou por si só. O ponto de partida é considerado por muitos como a compra do Museu MoMA de Nova York em 1995 da série de Richter de 18 de outubro de 1977. O Museu Americano pagou US$ 3 milhões por 15 pinturas em tons de cinza e logo começou a pensar em realizar uma retrospectiva completa do artista alemão. A grandiosa exposição foi inaugurada seis anos depois, em 2001, e desde então o interesse pela obra de Richter cresceu vertiginosamente. De 2004 a 2008, o preço de suas pinturas triplicou. Em 2010, as obras de Richter já renderam US$ 76,9 milhões, em 2011, segundo o site Artnet, as obras de Richter em leilão renderam um total de US$ 200 milhões, e em 2012 (segundo a Artprice) - US$ 262,7 milhões - mais do que a obra de qualquer outro artista vivo.

Enquanto, por exemplo, com Jasper Johns, o sucesso esmagador em leilão acompanha principalmente apenas os primeiros trabalhos, uma divisão tão nítida não é típica das obras de Richter: a demanda é igualmente estável para coisas de diferentes períodos criativos, dos quais havia muitos em Richter carreira. Nos últimos sessenta anos, este artista experimentou quase todos os gêneros tradicionais de pintura - retrato, paisagem, marina, nu, natureza morta e, claro, abstração.

A história dos registros de leilão de Richter começou com uma série de naturezas-mortas "Velas". 27 imagens fotorrealistas de velas no início dos anos 1980, na época em que foram escritas, custavam apenas 15.000 marcos alemães (US$ 5.800) por obra. Mas ainda ninguém comprou Candles em sua primeira exposição na Max Hetzler Gallery em Stuttgart. Então o tema das pinturas foi chamado de antiquado; Hoje, "Velas" são consideradas obras de todos os tempos. E custam milhões de dólares.

Em fevereiro de 2008 "Vela", escrito em 1983, foi inesperadamente comprado por £ 7,97 milhões (US$ 16 milhões). Esse recorde pessoal durou três anos e meio. Então em outubro de 2011 outro "Vela" (1982) já foi a leilão na Christie's por £ 10,46 milhões (US$ 16,48 milhões). Com este recorde, Gerhard Richter entrou no top três dos artistas vivos de maior sucesso pela primeira vez, ocupando seu lugar atrás de Jasper Johns e Jeff Koons.

Então começou a procissão vitoriosa das "Pinturas abstratas" de Richter. O artista pinta essas obras com uma técnica única de autor: aplica uma mistura de tintas simples sobre um fundo claro e depois as espalha na tela com um longo raspador do tamanho de um para-choque de carro. Isso resulta em intrincadas transições de cores, manchas e listras. Examinar a superfície de suas "Pinturas abstratas" é como escavações: nelas vestígios de várias "figuras" aparecem nas lacunas de inúmeras camadas coloridas.

9 de novembro de 2011 no leilão de arte moderna e pós-guerra Sotheby's em grande escala "Pintura abstrata (849-3)" 1997 foi sob o martelo para $ 20,8 milhões (£ 13,2 milhões). E seis meses depois, 8 de maio de 2012 no leilão de arte pós-guerra e contemporânea da Christie's em Nova York "Pintura abstrata (798-3)" 1993 foi para um recorde US$ 21,8 milhões(incluindo comissão). Cinco meses depois - novamente um recorde: "Pintura abstrata (809-4)" da coleção do músico de rock Eric Clapton em 12 de outubro de 2012 na Sotheby's em Londres foi a leilão por £ 21,3 milhões (US$ 34,2 milhões). A barreira dos 30 milhões foi tomada por Richter com tanta facilidade, como se não se tratasse da pintura moderna, mas de obras-primas que já têm cem anos - nada menos. Embora no caso de Richter pareça que a inclusão no panteão dos "grandes" ocorreu já durante a vida do artista. Os preços alemães continuam subindo.

O disco seguinte de Richter pertencia a uma obra fotorrealista - uma paisagem "Praça da Catedral, Milão (Domplatz, Mailand)" 1968. A obra foi vendida por 37,1 milhões no leilão da Sotheby's 14 de maio de 2013. A vista da praça mais bonita foi pintada por um artista alemão em 1968 por encomenda da Siemens Electro, especialmente para o escritório da empresa em Milão. Na época em que foi escrita, era a maior obra figurativa de Richter (quase três por três metros de tamanho).

O recorde da Praça da Sé permaneceu por quase dois anos, até 10 de fevereiro de 2015 não o interrompeu "Pintura abstrata" ( 1986): o preço do martelo atingiu £ 30,389 milhões (US$ 46,3 milhões). A pintura abstrata de 300,5 × 250,5 cm, colocada em leilão na Sotheby's, é uma das primeiras obras em grande escala de Richter em sua técnica especial de autor de raspar camadas de tinta. A última vez em 1999, esta "Pintura Abstrata" foi arrematada em leilão por $ 607 mil (deste ano até a venda atual, a obra foi exposta no Museu Ludwig de Colônia). No leilão de 10 de fevereiro de 2015, um determinado cliente americano em etapas de leilão de £ 2 milhões atingiu o preço de martelo de $ 46,3 milhões, ou seja, desde 1999, o preço da obra aumentou mais de 76 vezes!

4. Tsui Zhuzhuo "Grandes montanhas cobertas de neve." 2013. $ 39,577 milhões

Por muito tempo não acompanhamos de perto o desenvolvimento da situação no mercado de arte chinês, não querendo sobrecarregar nossos leitores com uma quantidade excessiva de informações sobre arte “não nossa”. Com exceção do dissidente Ai Weiwei, que nem é tão caro quanto um artista ressonante, os autores chineses nos pareceram muito numerosos e distantes de nós para nos aprofundarmos no que estava acontecendo em seu mercado por lá. Mas as estatísticas, como dizem, são uma senhora séria, e se estamos falando dos autores vivos de maior sucesso do mundo, então não podemos prescindir de uma história sobre os representantes destacados da arte contemporânea do Império Celestial.

Vamos começar com um artista chinês Cui Ruzhuo. A artista nasceu em 1944 em Pequim e viveu nos EUA de 1981 a 1996. Depois de retornar à China, ele começou a lecionar na Academia Nacional de Artes. Cui Ruzhuo reinterpreta o estilo tradicional de pintura com tinta chinesa e cria as enormes telas de pergaminho que os empresários e funcionários chineses adoram presentear uns aos outros. No Ocidente, muito pouco se sabe sobre ele, embora muitos devam se lembrar da história do pergaminho de $ 3,7 milhões que foi jogado fora por engano, confundindo-o com lixo, pelos faxineiros de um hotel de Hong Kong. Então, era o pergaminho de Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo está na casa dos 70 anos e o mercado para seu trabalho está prosperando. Mais de 60 obras deste artista ultrapassaram a marca de US$ 1 milhão, mas até agora suas obras tiveram sucesso apenas em leilões chineses. Os recordes de Cui Ruzhuo são realmente impressionantes. primeiro "Paisagem na Neve" no Poly Auction em Hong Kong 7 de abril de 2014 atingiu um preço de martelo de HK $ 184 milhões ( US$ 23,7 milhões).

Exatamente um ano depois 6 de abril de 2015 em um leilão especial da Poly em Hong Kong dedicado exclusivamente ao trabalho de Cui Ruzhuo, uma série "O Grande Cenário Nevado da Montanha Jiangnan"(Jiangnan é uma região histórica da China, ocupando a margem direita do curso inferior do Yangtze.) de oito paisagens de tinta sobre papel atingiram um preço de martelo de HK$ 236 milhões ( US$ 30,444 milhões).

Um ano depois, a história se repetiu: no leilão solo de Cui Ruzhuo, realizado pela Poly Auctions em Hong Kong 4 de abril de 2016 políptico em seis partes "Grandes montanhas cobertas de neve" O preço do martelo de 2013 (incluindo a comissão da casa de leilões) atingiu HK$ 306 milhões (US$ 39,577 milhões). Até agora, este é um recorde absoluto entre os artistas asiáticos vivos.

Segundo o marchand Johnson Chan, que trabalha com arte contemporânea chinesa há 30 anos, existe uma vontade incondicional de aumentar os preços das obras deste autor, mas tudo isto a um nível de preços que dificilmente os colecionadores experientes querem Para comprar alguma coisa. “Os chineses querem aumentar as avaliações de seus artistas inflando os preços de suas obras em grandes leilões internacionais como o organizado pela Poly em Hong Kong, mas não há dúvida de que essas avaliações são completamente fabricadas”, comenta Johnson Chang sobre Cui Ruzhuo registro mais recente.

Isso, é claro, é apenas a opinião de um único revendedor, e temos um registro real registrado em todos os bancos de dados. Então, vamos levá-lo em conta. O próprio Cui Ruzhuo, a julgar por suas declarações, está longe da modéstia de Gerhard Richter quando se trata de seu sucesso no leilão. Parece que essa corrida por recordes o está cativando seriamente. “Espero que nos próximos 5 a 10 anos os preços das minhas obras ultrapassem os preços das obras de mestres ocidentais como Picasso e Van Gogh. Este é o sonho chinês”, diz Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Bandeira. 1983. $ 36 milhões

O terceiro lugar no ranking de artistas vivos pertence a um americano Para Jasper Johns (1930). O preço recorde atual para o trabalho de Jones é $ 36 milhões. Tanto pagou por sua famosa "Bandeira" no leilão da Christie's 12 de novembro de 2014.

Uma série de pinturas de "bandeiras", iniciada por Jones em meados da década de 1950, logo após o retorno do artista do exército, tornou-se uma das centrais de sua obra. Ainda na juventude, o artista se interessou pela ideia do readymade, a transformação de um objeto cotidiano em obra de arte. No entanto, as bandeiras de Jones não eram reais, elas foram pintadas em óleo sobre tela. Assim, uma obra de arte adquiriu as propriedades de uma coisa da vida cotidiana, era ao mesmo tempo a imagem da bandeira e a própria bandeira. Uma série de trabalhos com bandeiras trouxe fama mundial a Jasper Johns. Mas não menos populares são seus trabalhos abstratos. Por muitos anos, a lista das obras mais caras, compiladas de acordo com as regras acima, foi encabeçada por um resumo "falso começo". Até 2007, esta tela muito brilhante e decorativa, pintada por Jones em 1959, era considerada dona de um preço praticamente inacessível para um artista vivo (embora um clássico vitalício) - $ 17 milhões. Isso é o quanto eles pagaram em ouro para o mercado de arte 1988.

Curiosamente, a experiência de Jasper Johns como recordista não foi contínua. Em 1989, ele foi interrompido pelo trabalho de seu colega Willem de Kooning: a abstração de dois metros "Mixing" foi vendida na Sotheby's por US $ 20,7 milhões. Jasper Johns teve que se mudar. Mas depois de 8 anos, em 1997, de Kooning morreu , e " False start "Jones novamente assumiu a primeira linha da classificação do leilão de artistas vivos por quase 10 anos.

Mas em 2007 tudo mudou. O álbum False Start foi primeiro eclipsado pelo trabalho dos jovens e ambiciosos Damien Hirst e Jeff Koons. Em seguida, houve uma venda recorde por $ 33,6 milhões da pintura "O Inspetor de Benefício do Sono" de Lusien Freud (já falecido e, portanto, não participando desta classificação). Então começaram os registros de Gerhard Richter. No geral, até agora com um recorde atual de 36 milhões, Jasper Johns, um dos mestres da arte americana do pós-guerra, trabalhando na interseção do neodadaísmo, expressionismo abstrato e pop art, ocupa um honroso terceiro lugar.

6. ED RUSHAY Esmagar. 1963. $ 30,4 milhões

O súbito sucesso da pintura "Smash" de um artista americano Edward Ruscha (n. 1937) em leilão Christie´s 12 de novembro de 2014 trouxe este autor para o número dos artistas vivos mais caros. O preço recorde anterior para a obra de Ed Ruscha (geralmente o nome Ruscha é pronunciado em russo como "Rusha", mas a pronúncia correta é Ruscha) foi "apenas" $ 6,98 milhões: foi quanto eles pagaram por sua tela "Burning gas estação" em 2007. Sete anos depois, seu Esmagar com uma estimativa de $ 15–20 milhões, atingiu o preço de um martelo US$ 30,4 milhões. É claro que o mercado das obras deste autor atingiu um novo patamar - não é à toa que Barack Obama adorna a Casa Branca com suas obras, e o próprio Larry Gagosian o expõe em suas galerias.

Ed Ruscha nunca aspirou à Nova York do pós-guerra com sua mania de expressionismo abstrato. Em vez disso, por mais de 40 anos, ele buscou inspiração na Califórnia, para onde se mudou de Nebraska aos 18 anos. O artista esteve na origem de uma nova tendência da arte, chamada pop art. Juntamente com Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud e outros cantores da cultura popular, Edward Ruscha participou da exposição New Image of Ordinary Things do Pasadena Museum em 1962, que se tornou a primeira exposição de arte pop americana em um museu. No entanto, o próprio Ed Ruscha não gosta quando seu trabalho é atribuído à pop art, ao conceitualismo ou a alguma outra tendência da arte.

Seu estilo único é chamado de "pintura de texto". A partir do final dos anos 1950, Ed Ruscha começou a pintar palavras. Assim como para Warhol uma lata de sopa se tornou uma obra de arte, para Ed Ruscha, palavras e frases comuns, tiradas de um outdoor ou embalagem de supermercado, ou dos créditos de um filme (Hollywood sempre esteve ao lado de Ruscha, e ao contrário de muitos de seus colegas artistas, Rushey respeitava a "fábrica de sonhos"). As palavras em suas telas adquirem as propriedades de objetos tridimensionais, são verdadeiras naturezas-mortas feitas de palavras. Ao olhar para suas telas, a primeira coisa que vem à mente é a percepção visual e sonora da palavra desenhada, e só depois disso - o significado semântico. Este último, via de regra, não pode ser decifrado de forma inequívoca; as palavras e frases escolhidas por Ruscha podem ser interpretadas de diferentes maneiras. A mesma palavra amarela brilhante "Smash" em um fundo azul profundo pode ser percebida como uma chamada agressiva para quebrar algo ou alguém em pedacinhos; como um único adjetivo fora de contexto (parte de alguma manchete de jornal, por exemplo), ou simplesmente como uma única palavra capturada em um fluxo urbano de imagens visuais. Ed Ruscha deleita-se com essa incerteza. “Sempre tive um profundo respeito por coisas estranhas e inexplicáveis… Explicações, de certo modo, matam uma coisa”, disse ele em entrevista.

7. CHRISTOPHER LÃ Sem título (RIOT). 1990. $ 29,93 milhões

artista americano Christopher Wool(1955) entrou pela primeira vez no ranking de artistas vivos em 2013 - após a venda de Apocalypse Now por US $ 26,5 milhões, esse recorde imediatamente o colocou no mesmo nível de Jasper Johns e Gerhard Richter. O valor dessa transação histórica - mais de US $ 20 milhões - surpreendeu a muitos, pois antes os preços das obras do artista não ultrapassavam US $ 8 milhões, mas o rápido crescimento do mercado das obras de Christopher Wool já era evidente naquela época : o histórico do artista incluiu 48 transações de leilão no valor de mais de US $ 1 milhão, e 22 delas (quase a metade) ocorreram em 2013. Dois anos depois, o número de obras de Chris Wool vendeu mais de US $ 1 milhão, chegou a 70, e um novo recorde pessoal não demorou a chegar. em leilão Trabalho da Sotheby's de 12 de maio de 2015 "Untitled (RIOT)" foi vendido por $ 29,93 milhões incluindo o Prêmio do Comprador.

Christopher Wool é mais conhecido por suas letras pretas em grande escala em folhas de alumínio branco. São eles que, via de regra, batem recordes nos leilões. Essas são todas as coisas do final dos anos 1980 e início dos anos 1990. Como diz a lenda, uma noite, Wool estava andando por Nova York à noite e de repente viu pichações em letras pretas em um novo caminhão branco - as palavras sexo e amor. Essa visão o impressionou tanto que ele imediatamente voltou ao estúdio e escreveu sua própria versão com as mesmas palavras. O ano era 1987, e a busca do artista por palavras e frases para suas obras "literais" reflete o espírito contraditório da época. Esta é a chamada "vender a casa, vender o carro, vender os filhos", tirada por Wool do filme "Apocalypse Now", e a palavra "FOOL" ("tolo") em letras maiúsculas, e a palavra "RIOT" ("rebelião"), frequentemente encontrada nas manchetes dos jornais da época.

Palavras e frases Lã aplicada sobre chapas de alumínio por meio de stencils com tintas alquídicas ou esmalte, deixando deliberadamente riscos, marcas de stencil e outras evidências do processo criativo. O artista dividiu as palavras para que o espectador não entendesse imediatamente o significado. A princípio, você vê apenas um aglomerado de letras, ou seja, percebe a palavra como um objeto visual, e só então lê e decifra o significado da frase ou palavra. Wool usou uma fonte que estava em uso pelos militares dos EUA após a Segunda Guerra Mundial, o que aumenta a impressão de uma ordem, uma diretiva, um slogan. Essas obras de "letra" são percebidas como parte da paisagem urbana, como pichações ilegais que violaram a limpeza da superfície de algum objeto da rua. Esta série de obras de Christopher Wool é reconhecida como um dos picos da abstração linguística e, por isso, muito valorizada pelos amantes da arte contemporânea.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. $ 28,81 milhões

Britânico Peter Doig(1959), embora pertença à geração dos pós-modernistas Koons e Hirst, escolheu para si um gênero de paisagem totalmente tradicional, que por muito tempo não foi apreciado por artistas avançados. Com seu trabalho, Peter Doig revive o interesse cada vez menor do público pela pintura figurativa. Seu trabalho é muito apreciado por críticos e não especialistas, e prova disso é o rápido aumento dos preços de suas obras. Se no início dos anos 1990 suas paisagens custavam vários milhares de dólares, agora a conta chega a milhões.

O trabalho de Doig é muitas vezes referido como realismo mágico. Com base em paisagens reais, ele cria imagens fantasiosas, misteriosas e muitas vezes sombrias. O artista gosta de retratar objetos abandonados pelas pessoas: um prédio em ruínas construído por Le Corbusier no meio de uma floresta ou uma canoa branca vazia na superfície de um lago na floresta. Além da natureza e da imaginação, Doig se inspira em filmes de terror, cartões postais antigos, fotografias, vídeos amadores e assim por diante. As pinturas de Doig são coloridas, complexas, decorativas e nada provocativas. É bom ter uma pintura dessas. A baixa produtividade do autor também alimenta o interesse de colecionadores: o artista radicado em Trinidad não cria mais do que uma dezena de quadros por ano.

No início dos anos 2000, paisagens individuais do artista foram vendidas por várias centenas de milhares de dólares. Ao mesmo tempo, o trabalho de Doig foi incluído na Saatchi Gallery, na Bienal do Whitney Museum e na coleção do MoMA. Em 2006, a barra do leilão de $ 1 milhão foi superada. E no ano seguinte, ocorreu um avanço inesperado: a obra "White Canoe", oferecida na Sotheby's em 7 de fevereiro de 2007 com uma estimativa de $ 0,8–1,2 milhão, superou a estimativa preliminar cinco vezes e foi vendido por £ 5,7 milhões ($ 11,3 milhões). Naquela época, era um preço recorde para a obra de um artista europeu vivo.

Em 2008, Doig realizou exposições individuais na Tate Gallery e no Museu de Arte Moderna de Paris. Etiquetas de preços multimilionárias para o trabalho de Doig se tornaram a norma. O registro pessoal de Peter Doig foi atualizado recentemente várias vezes ao ano - só temos tempo para alterar a imagem e a posição deste artista em nosso ranking de autores vivos.

O trabalho mais caro de Peter Doig até hoje é a paisagem de neve Rosedale de 1991. Curiosamente, o recorde não foi estabelecido na Sotheby's ou na Christie's, mas no leilão de arte contemporânea da Phillips. Isso aconteceu em 18 de maio de 2017. Uma vista coberta de neve de Rosedale, um dos bairros de Toronto, foi vendida a um comprador de telefone por $ 28,81 milhões, cerca de $ 3 milhões acima do recorde anterior ($ 25,9 milhões por "Swallowed in the Mire"). A pintura "Rosedale" participou da principal exposição de Doig na Whitechapel Gallery em Londres em 1998 e, em geral, esta obra era nova para o mercado e, portanto, o preço recorde é bem merecido.

9. FRANK STELLA Pinheiros do cabo. 1959. $ 28 milhões

Frank Stella é um brilhante representante da abstração pós-pintura e do minimalismo na arte. Em um determinado estágio, é referido como um estilo de pintura hard edge. A princípio, Stella contrastou a geometria estrita, monocromia ascética e estruturação de suas pinturas com a espontaneidade e aleatoriedade das telas de expressionistas abstratos como Jackson Pollock.

No final dos anos 1950, o artista foi descoberto pelo famoso galerista Leo Castelli e ganhou uma exposição pela primeira vez. Nela, ele apresentou as chamadas "Pinturas Negras" - telas pintadas com linhas pretas paralelas com finas lacunas de tela não pintada entre elas. As linhas se transformam em formas geométricas, lembrando um pouco as ilusões de ótica, as próprias imagens que piscam, se movem, torcem, criam uma sensação de espaço profundo se você olhar para elas por um longo tempo. Stella continuou o tema das linhas paralelas com finas faixas divisórias em seus trabalhos em alumínio e cobre. As cores, a base pictórica e até a forma das pinturas mudaram (entre outros, destacam-se os trabalhos em forma das letras U, T, L). Mas o princípio básico de sua pintura ainda consistia na clareza do contorno, monumentalidade, forma simples, monocromia. Nas décadas seguintes, Stella se afastou dessa pintura geométrica para formas e linhas suaves e naturais, e de pinturas monocromáticas para transições de cores brilhantes e variadas. Na década de 1970, Stella foi cativada pelos enormes padrões usados ​​para pintar navios. O artista os utilizava para pinturas enormes com elementos de montagem - incluía pedaços de tubos de aço ou telas de arame em suas obras.

Em suas primeiras entrevistas, Frank Stella fala francamente sobre os significados colocados em seu trabalho, ou melhor, sobre a ausência deles: "O que você vê é o que você vê". A pintura é um objeto em si, não uma reprodução de nada. "É uma superfície plana com tinta e nada mais", disse Stella.

Bem, assinada por Frank Stella, esta "superfície com tinta" pode valer milhões de dólares hoje. Pela primeira vez no ranking de artistas vivos, Frank Stella conseguiu em 2015 com a venda do Delaware Crossing (1961) por US$ 13,69 milhões, incluindo comissão.

Quatro anos depois, em 15 de maio de 2019, um novo recorde foi estabelecido pela obra inicial (1959) “Cape of Pines”: o preço do martelo era de mais de $ 28 milhões, incluindo comissão. Esta é uma das 29 "pinturas negras" - as mesmas com as quais Stella estreou em sua primeira exposição em Nova York. O graduado da Universidade de Princeton, Frank Stella, tinha então 23 anos. Muitas vezes ele não tinha dinheiro suficiente para tinta a óleo para artistas. O jovem artista fazia bico como trabalho de reparo, gostava muito das cores puras da tinta, então surgiu a ideia de trabalhar com essa tinta na tela. Com tinta esmalte preto, Stella pinta faixas paralelas, deixando linhas finas de tela sem primer entre elas. Além disso, ele escreve sem réguas, a olho nu, sem esboço preliminar. Stella nunca soube exatamente quantas linhas pretas apareceriam em uma determinada pintura. Por exemplo, na pintura “Cape of Pines”, são 35. O título da obra refere-se ao nome do cabo na baía de Massachusetts - Ponta dos pinheiros. No início do século XX, possuía um grande parque de diversões, e hoje é um dos bairros da cidade de Revere.

10. YOSHITOMO NARA Faca atrás das costas. 2000. $ 24,95 milhões

Yoshitomo Nara (1959) é uma das figuras-chave da arte neo-pop japonesa. Japonês - porque, apesar da fama global e de muitos anos de trabalho no exterior, seu trabalho ainda se distingue por uma identidade nacional pronunciada. Os personagens favoritos de Nara são meninas e cachorros no estilo dos mangás e animes japoneses. As imagens que ele inventou por muitos anos “vão para o povo”: são estampadas em camisetas, souvenirs e diversos “mercadorias” são feitos com elas. Nascido em uma família pobre, longe da capital, ele não é apenas amado por seu talento, mas também apreciado como uma pessoa que se fez. O artista trabalha de forma rápida e expressiva. Sabe-se que algumas de suas obras-primas foram concluídas literalmente da noite para o dia. As pinturas e esculturas de Yoshitomo Nara, via de regra, são muito concisas, e até poupadas em meios expressivos, mas sempre carregam uma forte carga emocional. As adolescentes em Nara costumam olhar para o espectador com um olhar maldoso. Em seus olhos - atrevimento, desafio e agressão. Nas mãos - depois uma faca, depois um cigarro. Há uma opinião de que as perversões de comportamento retratadas são uma reação à moralidade pública opressiva, vários tabus e os princípios de educação adotados pelos japoneses. A severidade e a vergonha quase medievais geram problemas internos, criam o terreno para uma explosão emocional retardada. "Faca nas costas" apenas reflete amplamente uma das principais idéias do artista. Neste trabalho, há um olhar de ódio de uma garota e uma mão ameaçadoramente enrolada nas costas. Até 2019, as pinturas e esculturas de Yoshitomo Nara já ultrapassaram a marca de um milhão, ou mesmo vários milhões mais de uma vez. Mas vinte milhões - pela primeira vez. Nara é uma das artistas japonesas mais famosas do mundo. E agora o mais caro dos vivos. Em 6 de outubro de 2109, na Sotheby's em Hong Kong, ele tirou este título de Takashi Murakami e superou visivelmente o artista de vanguarda Yayoi Kusama, de 90 anos (os preços máximos de leilão para suas pinturas já se aproximam de US $ 9 milhões).

11. ZENG FANZHI A última Ceia. 2001. $ 23,3 milhões

Na Sotheby's Hong Kong 5 de outubro de 2013 tela de escala de ano "A última Ceia" artista de Pequim Zeng Fanzhi (1964) foi vendido por um valor recorde de 160 milhões de dólares de Hong Kong - US$ 23,3 milhões EUA. O custo final da obra de Fanzhi, escrita, é claro, sob a influência de Leonardo da Vinci, acabou sendo o dobro da estimativa preliminar de cerca de US$ 10 milhões. O recorde anterior de preço de Zeng Fanzhi era de US$ 9,6 milhões pago no leilão da Christie's de Hong Kong em maio de 2008 pela obra Série de máscaras. 1996 nº. 6".

"A Última Ceia" é a maior pintura (2,2 × 4 metros) de Fanzhi na série "Máscaras", cobrindo o período de 1994 a 2001. O ciclo é dedicado à evolução da sociedade chinesa sob a influência das reformas econômicas. A introdução de elementos de uma economia de mercado pelo governo da RPC levou à urbanização e à desunião dos chineses. Fanzhi retrata os habitantes das cidades chinesas modernas, que precisam lutar por um lugar ao sol. A conhecida composição do afresco de Leonardo na leitura de Fanzhi assume um significado completamente diferente: a cena é transferida de Jerusalém para a sala de aula de uma escola chinesa com placas hieroglíficas típicas nas paredes. "Cristo" e "apóstolos" se tornaram pioneiros com laços escarlates, e apenas "Judas" usa gravata dourada - esta é uma metáfora do capitalismo ocidental, penetrando e destruindo o modo de vida usual em um país socialista.

As obras de Zeng Fanzhi são estilisticamente próximas do expressionismo europeu e são igualmente dramáticas. Mas, ao mesmo tempo, eles estão cheios de símbolos e especificidades chinesas. Essa versatilidade atrai colecionadores chineses e ocidentais para o trabalho do artista. Uma confirmação direta disso é a proveniência de A Última Ceia: a obra foi colocada em leilão pelo famoso colecionador da vanguarda chinesa dos anos 1980 e início dos anos 1990, o barão belga Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Ponte. 1980. $ 20,6 milhões

em leilão Christie's 13 de maio de 2015 trabalho abstrato "Ponte" artista americano de 85 anos Robert Ryman(Robert Ryman) foi vendido por $ 20,6 milhões levando em consideração a comissão - duas vezes mais cara que a estimativa mais baixa.

Robert Ryman(1930) não percebeu imediatamente que queria ser artista. Aos 23 anos, ele se mudou de Nashville, Tennessee para Nova York, querendo se tornar um saxofonista de jazz. Nesse ínterim, ele não se tornou um músico famoso, teve que ganhar um dinheiro extra como segurança do MoMA, onde conheceu Saul LeWitt e Dan Flavin. A primeira trabalhava no museu como secretária noturna e a segunda como segurança e ascensorista. Inspirado pelas obras de expressionistas abstratos que viu no MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock e Newman - Robert Ryman começou a pintar em 1955.

Ryman é frequentemente referido como minimalista, mas prefere ser chamado de "realista" porque não está interessado em criar ilusões, apenas demonstra as qualidades dos materiais que utiliza. A maioria de suas obras é pintada com tintas de todos os tons possíveis de branco (do acinzentado ou amarelado ao branco deslumbrante) com base em uma forma quadrada lacônica. Durante sua carreira, Robert Ryman experimentou muitos materiais e técnicas: pintou a óleo, acrílico, caseína, esmalte, pastel, guache, etc. sobre tela, aço, plexiglas, alumínio, papel, papelão ondulado, vinil, papel de parede, etc. amigo, um restaurador profissional, Orrin Riley, aconselhou-o sobre a causticidade dos materiais que pensava em usar. Como um artista disse uma vez: “Eu nunca tenho uma pergunta O que escrever, a principal coisa - Como escrever". É tudo sobre a textura, a natureza dos traços, a fronteira entre a superfície colorida e as bordas da base, bem como a relação entre a obra e a parede. Desde 1975, um elemento especial de seu trabalho são as luminárias, que Ryman projeta a si mesmo e as deixa deliberadamente visíveis, enfatizando seu trabalho "tão real quanto as paredes nas quais estão penduradas são reais". Ryman prefere dar às obras "nomes" em vez de "títulos". O "nome" é o que ajuda a distinguir uma obra da outra, e Ryman costuma nomear suas obras por marcas de tintas, empresas etc., e o "título" reivindica algum tipo de alusão e significados profundamente ocultos, cuja presença em seu obras que o artista nega regularmente. Nada além de material e técnica importa.

13. Damien Hirst Primavera sonolenta. 2002. $ 19,2 milhões

artista inglês Para Damien Hirst (1965) estava destinado a ser o primeiro a ocupar o primeiro lugar nesta classificação em uma disputa com o clássico vivo Jasper Johns. O já mencionado trabalho "False Start" poderia permanecer um líder inafundável por muito tempo se 21 de junho de 2007 instalação na época, Hirst, de 42 anos, "Primavera Sonolenta"(2002) não foi vendido na Sotheby's por £ 9,76 milhões, ou seja, por US$ 19,2 milhões. A obra, aliás, tem um formato bastante inusitado. Por um lado, trata-se de uma vitrine com bonecos de comprimidos (6.136 comprimidos), na verdade, uma instalação clássica. Por outro lado, esta vitrine é plana (10 cm de profundidade), colocada em uma moldura e pendurada na parede como um painel de plasma, proporcionando assim o conforto de posse inerente às pinturas. Em 2002, a irmã da instalação, Sleepy Winter, foi vendida por US$ 7,4 milhões, mais da metade do preço. Alguém "explicou" a diferença de preço pelo fato de os comprimidos ficarem mais desbotados no inverno. Mas é claro que essa explicação é absolutamente infundada, porque o mecanismo de precificação dessas coisas não está mais associado ao seu efeito decorativo.

Em 2007, muitos reconheceram Hirst como o autor da obra mais cara entre os artistas vivos. A questão, porém, é da categoria "dependendo de como contar". O fato é que Hurst foi vendido por libras caras e Jones por dólares que caíram de preço agora e até vinte anos atrás. Mas mesmo se contarmos pelo valor de face, sem levar em conta a inflação de 20 anos, o trabalho de Hirst era mais caro em dólares e o de Jones em libras. A situação era limítrofe e todos eram livres para decidir quem considerar o mais caro. Mas Hurst resistiu em primeiro lugar não por muito tempo. No mesmo 2007, ele foi deslocado do primeiro lugar por Koons com seu "Hanging Heart".

Às vésperas da queda global dos preços da arte contemporânea, Hirst empreendeu um empreendimento inédito para um jovem artista - um leilão solo de suas obras, ocorrido em 15 de setembro de 2008 em Londres. A notícia da falência do Lehman Brothers anunciada na véspera não estragou o apetite dos amantes da arte contemporânea: das 223 obras oferecidas pela Sotheby's, apenas cinco não encontraram novos donos (um dos compradores, aliás, foi Viktor Pinchuk ). Trabalhar "Touro Dourado"- uma enorme efígie de um touro em formaldeído, coroada com um disco de ouro, - trouxe £ 10,3 milhões (US$ 18,6 milhões). Este é o melhor resultado de Hurst se medido em libras (moeda em que o negócio foi feito). No entanto, estamos classificados em termos de dólares, portanto (que o Bezerro de Ouro nos perdoe) consideraremos a melhor venda de Hirst como Sleepy Spring.

Desde 2008, Hirst não teve vendas de Sleepy Spring e Golden Calf. Novos recordes da década de 2010 - para o trabalho de Richter, Jones, Fanzhi, Wool e Koons - colocaram Damien na sexta linha de nossa classificação. Mas não vamos fazer um julgamento categórico sobre o declínio da era Hirst. Segundo analistas, Hurst como "superstar" já entrou para a história, o que significa que eles vão comprá-lo por muito tempo; no entanto, o maior valor no futuro está previsto para as obras criadas no período mais inovador de sua carreira, ou seja, na década de 1990.

14. Maurício Cattelan Ele. 2001. $ 17,19 milhões

O italiano Maurizio Cattelan (1960) chegou às artes depois de trabalhar como segurança, cozinheiro, jardineiro e designer de móveis. O autor autodidata tornou-se mundialmente famoso por suas esculturas e instalações irônicas. Ele jogou um meteorito no Papa, transformou a esposa de um cliente em um troféu de caça, abriu um buraco no chão de um Museu dos Velhos Mestres, apontou um dedo médio gigante para a bolsa de valores em Milão, trouxe um burro vivo para a feira Frieze . Em um futuro próximo, Cattelan promete instalar um banheiro dourado no Museu Guggenheim. No final, as travessuras de Maurizio Cattelan foram amplamente reconhecidas no mundo da arte: ele é convidado para a Bienal de Veneza (a instalação "Outros" em 2011 - um bando de dois mil pombos que olham ameaçadoramente de todos os canos e vigas para a multidão de visitantes passando abaixo), consegue uma retrospectiva no Museu Guggenheim de Nova York (novembro de 2011) e, por fim, pagam muito dinheiro por suas esculturas.

Desde 2010, a obra mais cara de Maurizio Cattelan é uma escultura de cera de um homem espiando por um buraco no chão, aparentemente semelhante ao próprio artista ("Sem título", 2001). Esta escultura-instalação, que existe no total de três cópias mais a cópia do autor, foi exibida pela primeira vez no Museu Boijmans van Beuningen em Rotterdam. Então esse personagem travesso olhou por um buraco no chão do corredor com pinturas de pintores holandeses dos séculos XVIII e XIX. Maurizio Cattellan associa-se nesta obra a um ousado criminoso que invade o espaço sagrado da sala do museu com pinturas de grandes mestres. Assim, ele quer privar a arte do halo de santidade que as paredes dos museus lhe conferem. A obra, para fins de exibição que toda vez que é preciso fazer buracos no chão, foi vendida por US$ 7,922 milhões na Sotheby's.

O recorde permaneceu até 8 de maio de 2016, quando a obra ainda mais provocativa de Cattelan, Him, retratando um Hitler ajoelhado, foi a leilão por US$ 17,189 milhões. O nome é estranho. A seleção de personagens é arriscada. Como tudo mais com Cattelan. O que Ele quer dizer? "Seu" ou "Sua majestade infernal"? É claro que definitivamente não estamos falando de cantar a imagem do Fuhrer. Nesta obra, Hitler aparece de uma forma desamparada e lamentável. E absurdamente - a encarnação de Satanás é feita do tamanho de uma criança, vestida com uma fantasia de colegial e ajoelhada com uma expressão humilde no rosto. Para Cattelan, essa imagem é um convite à reflexão sobre a natureza do mal absoluto e uma forma de se livrar dos medos. Aliás, a escultura “Ele” é bem conhecida do público ocidental. Seus irmãos na série foram exibidos mais de 10 vezes nos principais museus do mundo, incluindo o Centro Pompidou e o Museu Solomon Guggenheim.

15. MARC GROTJAN sem título (S III Lançado para a França Face 43.14). 2011. $ 16,8 milhões

Em 17 de maio de 2017, uma das pinturas mais poderosas de Marc Grotjan já colocadas em leilão apareceu no leilão noturno da Christie's em Nova York. A pintura “Untitled (S III Released to France Face 43.14)” foi exibida pelo colecionador parisiense Patrick Seguin com uma estimativa de $ 13-16 milhões, e como a venda do lote foi garantida por terceiros, ninguém ficou particularmente surpreso pelo estabelecimento de um novo recorde de leilão pessoal do artista de 49 anos . O preço do martelo de $ 14,75 milhões ($ 16,8 milhões com o Buyer's Premium) ultrapassou o recorde anterior do leilão de Grotjan em mais de $ 10 milhões, colocando-o no clube de artistas vivos cujo trabalho é vendido por oito dígitos. Mesmos resultados de sete dígitos (vendas de mais de $ 1 milhão, mas não mais de $ 10 milhões) no cofrinho de leilão Mark Grotyan por cerca de trinta.

Mark Grotjan (1968), em cuja obra os especialistas veem a influência do modernismo, do minimalismo abstrato, do pop e da op art, chegou à sua identidade corporativa em meados da década de 1990, após se mudar com seu amigo Brent Peterson para Los Angeles e abrir uma galeria lá "Quarto 702". Como o próprio artista lembra, naquela época ele começou a pensar no que era primeiro para ele na arte. Ele estava procurando o motivo com o qual ele poderia experimentar. E percebi que ele sempre se interessou por linha e cor. Experimentos no espírito do rayonismo e minimalismo com perspectiva linear, numerosos pontos de fuga e formas triangulares abstratas multicoloridas acabaram trazendo fama mundial a Grotjan.

Das paisagens abstratas e coloridas, com múltiplos horizontes e pontos de fuga, chegou a formas triangulares que lembram as asas de uma borboleta. Pinturas de Grotjan 2001–2007 Eles chamam de "Borboletas". Hoje, mover o ponto de fuga ou usar vários pontos de fuga ao mesmo tempo, espaçados no espaço, é considerado uma das técnicas mais poderosas do artista.

A próxima grande série de trabalhos foi chamada de "Faces"; nas linhas abstratas desta série adivinham-se os traços de um rosto humano, simplificado ao estado de máscara no espírito de Matisse, Jawlensky ou Brancusi. Falando sobre a simplificação e estilização definitivas das formas, sobre a solução composicional das pinturas, quando os contornos dispersos dos olhos e bocas parecem nos olhar do mato, os pesquisadores notam a conexão dos Rostos de Grotjan com a arte do primitivo tribos da África e da Oceania, enquanto o próprio artista simplesmente "gosta da imagem dos olhos olhando da selva. Às vezes eu imaginava rostos de babuínos ou macacos. Não posso dizer que fui consciente ou inconscientemente influenciado pela arte africana primitiva, mas sim por artistas que foram influenciados por ela. Picasso é o exemplo mais óbvio."

As obras da série "Faces" são chamadas de brutais e elegantes, agradáveis ​​​​aos olhos e agradáveis ​​\u200b\u200bà mente. Com o tempo, a textura dessas obras também muda: para criar o efeito de um espaço interior, o artista usa pinceladas largas de tinta grossa, até respingos no estilo Pollock, mas a superfície da pintura é nivelada para que, ao examiná-la mais de perto, parece completamente plano. A pintura recorde de leilão Sem título (S III lançado para a França Face 43.14) pertence a esta célebre série de Mark Grotjan.

16. TAKASHI MURAKAMI Meu cowboy solitário. $ 15,16 milhões

japonês Takashi Murakami (1962) entrou em nossa classificação com escultura "Meu Cowboy Solitário", vendido na Sotheby's em maio de 2008 por $ 15,16 milhões. Com esta venda, Takashi Murakami foi considerado por muito tempo o artista asiático vivo de maior sucesso - até ser ofuscado pela venda de A Última Ceia de Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami trabalha como artista, escultor, designer de moda e animador. Murakami queria pegar algo realmente japonês como base de seu trabalho, sem ocidentais ou quaisquer outros empréstimos. Em seus anos de estudante, ele era fascinado pela arte tradicional japonesa de nihonga, mais tarde foi substituída pela arte popular de anime e mangá. Assim nasceu o psicodélico Mr. DOB, padrões de flores sorridentes e esculturas de fibra de vidro brilhantes e brilhantes, como se tivessem acabado de sair das páginas dos quadrinhos japoneses. Alguns consideram a arte de Murakami um fast food e a personificação da vulgaridade, outros chamam o artista de japonês Andy Warhol - e nas fileiras deste último, como vemos, há muitas pessoas muito ricas.

Murakami pegou emprestado o nome de sua escultura de The Lonely Cowboys (1968), de Andy Warhol, que os japoneses, como ele mesmo admitiu, nunca assistiram, mas gostou muito da combinação de palavras. Murakami com uma escultura agradou aos fãs de quadrinhos eróticos japoneses e riu deles. Aumentado de tamanho e, além disso, também tridimensional, o herói do anime se transforma em um fetiche da cultura de massa. Esta declaração artística está bem no espírito da clássica arte pop ocidental (lembre-se do conjunto de móveis de Allen Jones ou da Pantera Cor-de-Rosa de Koons), mas com um toque nacional.

17. KAWS. Álbum KAWS. 2005. $ 14.784.505

KAWS é o pseudônimo do artista americano Brian Donelly de Nova Jersey. Ele é o participante mais jovem da nossa classificação, nascido em 1974. Donelly começou como animador na Disney (desenhando cenários para o desenho animado "101 Dálmatas" e outros). Eu me interesso por grafite desde que era jovem. A princípio, seu desenho característico era uma caveira com "X" no lugar das órbitas oculares. O trabalho do jovem escritor é amado por show business e pessoas da indústria da moda: ele fez a capa do álbum Kanye West, lançou colaborações para Nike, Comme des Garçons e Uniqlo. Com o tempo, KAWS tornou-se uma figura conhecida no mundo da arte contemporânea. Sua estatueta de assinatura do Mickey Mouse chegou a museus, espaços públicos e coleções particulares. Certa vez, a KAWS lançou um brinquedo de vinil de edição limitada com a marca My Plastic Heart, e de repente eles se tornaram objeto de grande interesse dos colecionadores. Um dos colecionadores apaixonados desses "brinquedos" é o fundador do Black Star, o rapper Timati: ele colecionou quase toda a série de "Cavs Companions".

O trabalho de KAWS estabeleceu um recorde para a obra de um artista - US$ 14,7 milhões - no leilão da Sotheby's Hong Kong em 1º de abril de 2019. Costumava estar na coleção do estilista japonês Nigo. Meter canvas The KAWS Album é uma homenagem à capa do famoso álbum dos Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" em 1967. Só que em vez de pessoas, tem Kimpsons - personagens estilizados da série de desenhos animados Simpsons com "X" em vez de olhos.

18. JIN SHAN Noiva tadjique. 1983. $ 13,89 milhões

Entre os artistas chineses relativamente jovens e contemporâneos, todos pertencentes à chamada “nova onda” do final dos anos 1980 na arte chinesa, nossa classificação inesperadamente incluiu um representante de uma geração completamente diferente e de uma escola diferente. Jin Shan (Jin Shangyi), que agora tem mais de 80 anos, pertence aos brilhantes representantes da primeira geração de artistas na China comunista. As opiniões desse grupo de artistas foram formadas em grande parte sob a influência do aliado comunista mais próximo - a URSS.

A arte oficial soviética, o realismo socialista, a pintura a óleo, que ainda era incomum para a China (em oposição à tradicional pintura a tinta chinesa) na década de 1950, estavam no auge da popularidade, e o artista soviético Konstantin veio para a Universidade de Arte de Pequim por três anos ( de 1954 a 1957) para ensinar Methodievich Maksimov. Jin Shani, que na época era o mais novo do grupo, entrou em sua classe. O artista sempre se lembrava de seu professor com muito carinho, dizendo que foi Maksimov quem o ensinou a entender e retratar corretamente o modelo. K. M. Maksimov criou toda uma galáxia de realistas chineses, agora clássicos.

Na obra de Jin Shan pode-se sentir a influência tanto do "estilo severo" soviético quanto da escola européia de pintura. O artista dedicou muito tempo ao estudo da herança do Renascimento e do classicismo, ao mesmo tempo em que considerava necessário preservar o espírito chinês em suas obras. A pintura "Noiva Tadjique", pintada em 1983, é considerada uma obra-prima universalmente reconhecida, um novo marco na obra de Jin Shan. Foi ela quem foi colocada no leilão do China Guardian em novembro de 2013 e vendida várias vezes mais cara do que a estimativa - por US $ 13,89 milhões, incluindo comissão.

19. BANKSY O Parlamento Decaído. 2008. $ 12,14 milhões

Pinturas murais com a etiqueta de Banksy começaram a aparecer nas paredes das cidades (primeiro no Reino Unido e depois em todo o mundo) no final dos anos 90. Seus grafites filosóficos e ao mesmo tempo afiados foram dedicados aos problemas do ataque do estado às liberdades dos cidadãos, crimes contra o meio ambiente, consumo irresponsável e a desumanidade do sistema de migração ilegal. Com o tempo, as "reprovações" da parede de Banksy ganharam popularidade sem precedentes na mídia. De fato, tornou-se um dos principais porta-vozes da opinião pública condenando a hipocrisia dos Estados e das corporações, produzindo injustiças crescentes no sistema capitalista.

O significado de Banksy, o senso de "nervo do tempo" e a precisão de suas metáforas foram apreciados não apenas pelo público, mas também pelos colecionadores. Na década de 2010, centenas de milhares ou até mais de um milhão de dólares foram doados por suas obras. Chegou ao ponto em que o grafite de Banksy foi quebrado e roubado junto com pedaços de paredes.

Em uma era de vigilância digital avançada, Banksy ainda consegue permanecer anônimo. Existe uma versão de que não se trata mais de uma pessoa, mas de um grupo de vários artistas, chefiados por uma mulher talentosa. Isso explicaria muita coisa. E a dissimilaridade externa dos escritores capturados nas lentes das câmeras das testemunhas, e o método impessoal de aplicação do estêncil (dá alta velocidade e não requer a participação direta do autor), e o comovente romantismo dos temas das pinturas (bolas, flocos de neve, etc.). Seja como for, o pessoal do projeto Banksy, incluindo seus assistentes, sabe manter a boca fechada.

Em 2019, a obra mais cara de Banksy inesperadamente se tornou uma tela de quatro metros Devolved Parliament (Parlamento “degradado”, “decomposto” ou “delegado”). Chimpanzés discutindo na Câmara dos Comuns parecem estar zombando da audiência no ano do escandaloso Brexit. É surpreendente que a pintura tenha sido pintada 10 anos antes dessa virada histórica e, portanto, alguém a considere profética. Em um leilão da Sotheby's em 3 de outubro de 2019, um comprador desconhecido comprou o petróleo por US$ 12.143.000 em uma licitação feroz - seis vezes o preço da estimativa preliminar.

20. JOHN CURREN "Doce e simples." 1999. $ 12,007 milhões

artista americano John Curran (1962) conhecido por suas pinturas figurativas satíricas sobre temas sexuais e sociais provocantes. O trabalho de Curren consegue combinar as técnicas de pintura dos velhos mestres (especialmente Lucas Cranach the Elder e os maneiristas) e a fotografia de moda de revistas especializadas. Alcançando mais grotesco, Karren frequentemente distorce as proporções do corpo humano, aumenta ou reduz suas partes individuais, retrata heróis em poses quebradas e educadas.

Curren começou em 1989 com retratos de meninas redesenhados de um álbum escolar; continuou no início dos anos 1990 com fotos de beldades peitudas inspiradas em fotos da Cosmopolitan e da Playboy; em 1992, apareceram retratos de senhoras idosas ricas; e em 1994, Curren casou-se com a escultora Rachel Feinstein, que se tornou sua principal musa e modelo por muitos anos. No final dos anos 1990, as proezas técnicas de Currin, combinadas com o kitsch e o grotesco de suas pinturas, trouxeram-lhe popularidade. Em 2003, Larry Gagosian assumiu a promoção do artista e, se um revendedor como Gagosian assumir o autor, o sucesso é garantido. Em 2004, uma retrospectiva de John Curran foi realizada no Whitney Museum.

Nessa época, seu trabalho começou a ser vendido por seis dígitos. O recorde atual para uma pintura de John Curran pertence a Sweet and Simple, vendida em 15 de novembro de 2016 na Christie's por US $ 12 milhões. Agora com mais de 50 anos, este é definitivamente um avanço na carreira. Seu recorde anterior em 2008 foi de $ 5,5 milhões (pagos, aliás, pelo mesmo trabalho "Cute and Simple").

21. BRICE MARDEN O Assistido. 1996–1999 US$ 10,917 milhões

Outro artista abstrato americano vivo em nosso ranking é Bryce Marden (1938). As obras de Marden no estilo do minimalismo e, desde o final dos anos 1980 - pintura gestual, distinguem-se por uma paleta ligeiramente suave de um autor único. As combinações de cores nas obras de Marden são inspiradas em suas viagens ao redor do mundo - Grécia, Índia, Tailândia, Sri Lanka. Entre os autores que influenciaram a formação de Marden estão Jackson Pollock (no início dos anos 1960 Marden trabalhou como segurança no Museu Judaico, onde observou pessoalmente os “pingos” de Pollock), Alberto Giacometti (conheceu seu trabalho em Paris) e Robert Rauschenberg (alguns enquanto Marden trabalhava como seu assistente). A primeira fase do trabalho de Marden é dedicada às telas minimalistas clássicas, constituídas por blocos retangulares coloridos (horizontais ou verticais). Ao contrário de muitos outros minimalistas, que buscavam a qualidade ideal das obras, como se fossem impressas por uma máquina, e não desenhadas por uma pessoa, Marden reteve traços da obra do artista, combinando diferentes materiais (cera e tintas a óleo). Desde meados da década de 1980, sob a influência da caligrafia oriental, a abstração geométrica foi substituída por linhas sinuosas, cujo fundo eram os mesmos campos de cores monocromáticas. Uma dessas obras "meandros" - "The Attended" - foi vendida na Sotheby's em novembro de 2013 por US $ 10,917 milhões, incluindo comissão.

22. Pierre Soulages Pintura 186 x 143 cm, 23 de dezembro de 1959. $ 10,6 milhões

23. ZHANG XIAOGANG Amor eterno. $ 10,2 milhões

Outro representante da arte contemporânea chinesa é um simbolista e surrealista Zhang Xiaogang (1958). Na Sotheby's Hong Kong 3 de abril de 2011, onde foi vendida a vanguarda chinesa da coleção do barão belga Guy Ullens, um tríptico de Zhang Xiaogang "Amor eterno" foi vendido por $ 10,2 milhões. Na época, foi um recorde não só para o artista, mas para toda a arte contemporânea chinesa. Dizem que a obra de Xiaogang foi comprada pela esposa do bilionário, Wang Wei, que está prestes a abrir seu próprio museu.

Zhang Xiaogang, que gosta de misticismo e filosofia oriental, escreveu a história do "Amor Eterno" em três partes - vida, morte e renascimento. Este tríptico foi apresentado na icônica exposição China/Avant-Garde de 1989 no Museu Nacional de Arte. Também em 1989, as manifestações estudantis foram brutalmente reprimidas na Praça da Paz Celestial pelos militares. Na sequência deste trágico acontecimento, os parafusos começaram a apertar - a exposição do Museu Nacional dispersou-se, muitos artistas emigraram. Em resposta ao realismo socialista imposto de cima, surgiu uma direção de realismo cínico, um dos principais representantes do qual foi Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Henry Moore indefeso. 1967. $ 9,9 milhões

americano Bruce Nauman (1941), vencedor do prêmio principal da 48ª Bienal de Veneza (1999), há muito tempo bateu recorde. Nauman começou sua carreira nos anos sessenta. Os conhecedores o chamam, junto com Andy Warhol e Joseph Beuys, uma das figuras mais influentes da arte da segunda metade do século XX. No entanto, a rica intelectualidade e o absoluto não decorativo de algumas de suas obras obviamente impediram seu rápido reconhecimento e sucesso com o público em geral. Nauman costuma fazer experiências com a linguagem, descobrindo significados inesperados de frases familiares. As palavras se tornam os personagens centrais de muitas de suas obras, incluindo pseudo-sinais e painéis de neon. O próprio Nauman se autodenomina um escultor, embora nos últimos quarenta anos tenha se experimentado em gêneros completamente diferentes - escultura, fotografia, videoarte, performances, gráficos. No início dos anos 1990, Larry Gagosian pronunciou as palavras proféticas: "O valor real do trabalho de Naumann ainda não foi percebido." E assim aconteceu: 17 de maio de 2001 na Christie's por Naumann em 1967 "Desamparado Henry Moore (visão traseira)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) estabeleceu um novo recorde no segmento de arte do pós-guerra. Um molde das mãos de Naumann amarrado nas costas, feito de gesso e cera, foi a leilão por $ 9,9 milhões na coleção do magnata francês François Pinault (segundo outras fontes, a americana Phyllis Wattis). A estimativa do trabalho foi de apenas $ 2-3 milhões, então o resultado foi uma verdadeira surpresa para todos.

Antes dessa venda lendária, apenas duas das obras de Naumann haviam ultrapassado a marca de um milhão de dólares. E em toda a sua carreira de leilões até agora, apenas seis obras, além de "Henry Moore ...", chegaram a sete dígitos, mas seus resultados ainda não podem ser comparados a nove milhões.

"Helpless Henry Moore" é uma das séries de trabalhos polêmicos de Naumann sobre a figura de Henry Moore (1898–1986), um artista britânico que foi considerado um dos maiores escultores do século 20 nos anos sessenta. Jovens autores, que se encontravam à sombra de um mestre reconhecido, passaram a atacá-lo com críticas ferozes. A obra de Naumann é uma resposta a essa crítica e ao mesmo tempo uma reflexão sobre o tema da criatividade. O título da obra torna-se um trocadilho, pois conecta dois significados da palavra inglesa vinculado - vinculado (no sentido literal) e condenado a um certo destino.

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O Jornal de Arte Rússia apresenta uma classificação: os artistas vivos mais caros da Rússia. Se você ainda tem certeza de que não havia artistas russos na jaula ocidental e não há, estamos prontos para discutir isso. A linguagem dos números.

As condições eram simples: cada um dos artistas vivos poderia ser representado por apenas um, sua obra mais cara. Ao compilar a classificação, foram levados em consideração não apenas os resultados dos leilões públicos, mas também as vendas privadas de maior destaque. Os autores da classificação foram guiados pelo princípio “se algo vende alto, então alguém precisa” e, portanto, apreciaram o trabalho de profissionais de marketing e gerentes de imprensa de artistas que trouxeram vendas privadas de discos ao público. Nota importante: o rating é baseado exclusivamente em indicadores financeiros; se fosse baseado na atividade expositiva de artistas, seria um pouco diferente. Recursos servidos como fontes externas para análise Artnet.com, Artprice.com, Skatepress.com E Artinvestment.ru.

O dólar americano foi escolhido como a moeda da classificação mundial, e a libra esterlina britânica foi considerada o equivalente às vendas de artistas russos (já que 90% das vendas domésticas ocorreram em Londres nessa moeda). Os restantes 10% das obras vendidas em dólares americanos e euros foram recalculados ao câmbio do momento da transação, pelo que algumas posições trocaram de lugar. Além do custo real da obra, foram coletados dados sobre a capitalização total dos artistas (o número de obras mais vendidas em leilão em todos os anos), sobre a colocação de um artista contemporâneo no ranking dos artistas de todos os tempos, sobre o local da obra mais cara de um participante entre todas as obras vendidas de outros autores, e também sobre nacionalidade e país de residência. Informações importantes também estão contidas nas estatísticas de vendas repetidas de cada artista como um indicador objetivo de investimento
atratividade.

O ano passado, 2013, mudou significativamente as posições dos artistas contemporâneos no ranking de vendas internacionais. Das 50 obras de arte mais caras, 16 modernas foram vendidas na última temporada - um número recorde (para comparação, 17 obras foram vendidas de 2010 a 2012, apenas uma venda cai no século XX). A procura de artistas vivos é em parte idêntica à procura de toda a arte contemporânea, em parte ao entendimento cínico de que a capitalização dos bens após a sua morte aumentará invariavelmente.

Entre os participantes russos, os mais respeitados eram os irmãos Sergey E Alexey Tkachevy(n. 1922 e 1925), o mais jovem - Anatoly Osmolovsky(n. 1969). A questão é quem será o novo Jean-Michel Basquiat enquanto aberto. Classes claras de compradores são visíveis nas vendas de nossos artistas: os líderes são comprados por colecionadores estrangeiros e oligarcas russos, os lugares de 10 a 30 são fornecidos por colecionadores emigrantes e o fundo condicional dos 50 primeiros é o nosso futuro, jovens colecionadores com “ novo » dinheiro.

1. Ilya Kabakov
Parece que em geral o principal artista russo (o que não impede Kabakov, nascido em Dnepropetrovsk, de se pintar ucraniano), o pai fundador do conceitualismo moscovita (um deles), o autor do termo e da prática de “total instalação". Desde 1988 vive e trabalha em Nova York. Ele trabalha em colaboração com sua esposa, Emilia Kabakov, e é por isso que o título deveria ser "Ilya e Emilia Kabakov", mas como Ilya Iosifovich se tornou conhecido antes de Ilya e Emilia, deixe-o ficar assim. As obras estão na Galeria Tretyakov, no Museu Russo, no Hermitage, MoMA, Kolodzei Art Foundation(EUA), etc
Ano de nascimento: 1933
Produto: "Fusca". 1982
Data de venda: 28.02.2008
Preço (GBP)1: 2.932.500
Capitalização Total (GBP): 10.686.000
Assento: 1
Custo médio por trabalho (GBP): 117.429
Número de vendas repetidas: 12

2. Eric Bulatov
Usando técnicas que mais tarde seriam chamadas de Sots Art, ele combinou pintura figurativa com texto em suas obras. Nos tempos soviéticos, um ilustrador de sucesso de livros infantis. Desde 1989 vive e trabalha em Nova York, desde 1992 em Paris. O primeiro artista russo com uma exposição individual no Centro Pompidou. As obras são mantidas nas coleções da Galeria Tretyakov, do Museu Russo, do Centro Pompidou, do Museu Ludwig de Colônia, etc., estão incluídas nas coleções da Fundação Dina Verny, Victor Bondarenko, Vyacheslav Kantor, Ekaterina e Vladimir Semenikhin, Igor Tsukanov.
Ano de nascimento: 1933
Obra: "Glória ao PCUS". 1975
Data de venda: 28.02.2008
Preço (GBP)1: 1.084.500
Capitalização Total (GBP): 8.802.000
Assento: 2
Custo médio por trabalho (GBP): 163.000
Número de vendas repetidas: 11

3. Vitaly Komar e Alexander Melamid
Os criadores da Sots Art - uma tendência obscena na arte não oficial, parodiando os símbolos e técnicas do funcionalismo. Eles moram em Nova York desde 1978. Até meados dos anos 2000, trabalhavam em duplas. Como projeto artístico, organizaram a "venda de almas" de artistas famosos por meio de um leilão (almas Andy Warhol desde então propriedade do artista de Moscou Alena Kirtsova). As obras estão nas coleções do MoMA, do Museu Guggenheim, do Metropolitan Museum of Art, do Louvre, nas coleções Shalva Breus, Daria Zhukova E Roman Abramovich e etc
Ano de nascimento: 1943, 1945
Trabalho: "Encontro de Solzhenitsyn e Böll na dacha de Rostropovich". 1972
Data de venda: 23.04.2010
Preço (GBP)1: 657 250
Capitalização Total (GBP): 3.014.000
Assento: 7
Custo médio por trabalho (GBP): 75.350
Número de vendas repetidas: 3

antigo arquivo comar&melamid artstudio

4. Semyon Faibisovich
Um artista fotorrealista que continua sendo o realista mais preciso até agora, quando a pintura fascina menos Semyon Natanovich do que o jornalismo. Expôs na Malaya Gruzinskaya, onde em 1985 foi notado por negociantes e colecionadores de Nova York. Desde 1987 expõe regularmente nos EUA e na Europa Ocidental. Um defensor ativo da abolição da lei sobre a propaganda da homossexualidade na Rússia. Vive e trabalha em Moscou. As obras estão nas coleções da Galeria Tretyakov, a Casa da Fotografia de Moscou, museus na Alemanha, Polônia, EUA, estão incluídos nas coleções Daria Zhukova E Roman Abramovich, Igor Markin, Igor
Tsukanova.
Ano de nascimento: 1949
Composição: "Soldados" (da série "Estações"). 1989
Data de venda: 13/10/2007
Preço (GBP)1: 311.200
Capitalização Total (GBP): 3.093.000
Assento: 6
Custo médio por trabalho (GBP): 106.655
Número de vendas repetidas: 7

5. Grigory (Grisha) Bruskin
O protagonista do primeiro e último leilão soviético Sotheby's em 1988, onde seu trabalho The Fundamental Lexicon se tornou o lote principal (£ 220.000). A convite do governo alemão, ele criou um tríptico monumental para o Reichstag reconstruído em Berlim. Vencedor do Prêmio Kandinsky na nomeação "Projeto do Ano" para a exposição Hora H no Museu de Arte Multimédia. Vive e trabalha em Nova York e Moscou. As obras estão nas coleções da Galeria Tretyakov, do Museu Russo, do Museu Pushkin im. A. S. Pushkin, o Museu Ludwig em Colônia, o MoMA, o Museu da Cultura Judaica (Nova York), etc., estão incluídos nas coleções da Rainha da Espanha Sofia, Petr Aven, Shalva Breus, Vladimir e Ekaterina Semenikhin, Milos Forman.
Ano de nascimento: 1945
Arte: "Logii. Parte 1". 1987
Data de venda: 07.11.2000
Preço (GBP)1: 424.000
Capitalização total (GBP): 720.000
Assento: 15
Custo médio por trabalho (GBP): 24.828
Número de vendas repetidas: 5

6. Oleg Tselkov
Um dos artistas mais famosos dos anos sessenta, que na década de 1960 iniciou e ainda continua um ciclo de pinturas retratando tosco, como se moldado em argila, rostos (ou figuras) humanos, pintados com cores vivas de anilina. Desde 1977 vive em Paris. As obras estão nas coleções da Galeria Tretyakov, do Museu Russo, do Hermitage, do Museu Zimmerli da Universidade Rutgers, etc., estão incluídas nas coleções Mikhail Baryshnikov, Arthur Miller, Igor Tsukanov. A maior coleção particular de obras de Tselkov na Rússia pertence a Evgeny Evtushenko.
Ano de nascimento: 1934
Arte: "Menino com Balões" 1957
Data de venda: 26.11.2008
Preço (GBP)1: 238.406
Capitalização total (GBP): 4.232.000
Assento: 5
Custo médio por trabalho (GBP): 53.570
Número de vendas repetidas: 14

7. Oscar Rabin
Líder do "grupo Lianozovo" (artistas inconformistas de Moscou dos anos 1950-1960), organizador do escandaloso exposição de escavadeira 1974. Ele foi o primeiro na União Soviética a vender obras de forma privada. Em 1978, ele foi privado da cidadania soviética. Vive e trabalha em Paris. Em 2006, ele ganhou o Prêmio de Inovação por sua contribuição à arte. As obras estão nas coleções da Galeria Tretyakov, do Museu Russo, do Museu de Arte Moderna de Moscou, do Museu Zimmerli da Universidade Rutgers, estão incluídas nas coleções de Alexander Glezer, Vyacheslav Kantor, Alexander Kronik, Iveta e Tamaz Manasherov, Evgeny Nutovich, Aslan Chekhoev.
Ano de nascimento: 1928
Obra: "A cidade e a lua (Socialista
cidade)". 1959
Data de venda: 15.04.2008
Preço (GBP)1: 171.939
Capitalização Total (GBP): 5.397.000
Assento: 3
Custo médio por trabalho (GBP): 27.964
Número de vendas repetidas: 45

8. Zurab Tsereteli
O maior representante da já monumental arte. O autor do monumento a Pedro I em Moscou e do monumento O bem vence o mal em frente ao prédio da ONU em Nova York. Fundador do Museu de Arte Moderna de Moscou, presidente da Academia Russa de Artes, criador da Galeria de Arte Zurab Tsereteli, trabalhando na referida academia. Esculturas de Zurab Tsereteli, além da Rússia, adornam Brasil, Grã-Bretanha, Geórgia, Espanha, Lituânia, Estados Unidos, França e Japão.
Ano de nascimento: 1934
Composição: "O Sonho de Athos"
Data de venda: 01.12.2009
Preço (GBP)1: 151 250
Capitalização total (GBP): 498.000
Assento: 19
Custo médio por trabalho (GBP): 27.667
Número de vendas repetidas: 4

9. Viktor Pivovarov
Um dos fundadores do conceitualismo de Moscou. Como Kabakov, o inventor do gênero de álbum conceitual; como Kabakov, Bulatov e Oleg Vasilyev, ele é um ilustrador de sucesso de livros infantis que colaborou com as revistas Murzilka e Funny Pictures. Desde 1982 vive e trabalha em Praga. As obras estão nas coleções da Galeria Tretyakov, do Museu Russo, do Museu Pushkin im. A. S. Pushkin, Kolodzei Art Foundation(EUA), nas coleções de Vladimir e Ekaterina Semenikhin, Igor Tsukanov.
Ano de nascimento: 1937
Obra: "Tríptico com uma cobra." 2000
Data de venda: 18/10/2008
Preço (GBP)1: 145 250
Capitalização Total (GBP): 482.000
Assento: 20
Custo médio por trabalho (GBP): 17.852
Número de vendas repetidas: 6

10. Alexander Melamid
Metade do tandem criativo Komar - Melamid, dissolvida em 2003. Juntamente com Vitaly Komar, participante exposição de escavadeira(onde morreram Auto-retrato duplo, a obra fundadora da Sots Art). Desde 1978 vive e trabalha em Nova York. Não há informações sobre em quais coleções conhecidas estão localizadas as obras de Melamid, criadas por ele de forma independente.
Ano de nascimento: 1945
Composição: Cardeal José Saraiva Martins. 2007
Data de venda: 18/10/2008
Preço (GBP)1: 145 250
Capitalização total (GBP): 145.000
Assento: 36
Custo médio por trabalho (GBP): 145.000
Número de vendas repetidas: —

11. Francisco Infante Arana
O dono, talvez, da lista mais pesada de exposições entre os artistas russos. Membro do grupo de cinetistas "Movimento", na década de 1970 ele encontrou sua própria versão de performance fotográfica, ou "artefato" - formas geométricas integradas à paisagem natural.
Ano de nascimento: 1943
Arte: "Construindo uma placa." 1984
Data de venda: 31.05.2006
Preço (GBP)1: 142.400
Capitalização Total (GBP): 572.000
Assento: 17
Custo médio por trabalho (GBP): 22.000
Número de vendas repetidas: —

12. Vladimir Nemukhin
Metafísico. Clássico da segunda onda da vanguarda russa, integrante do "grupo Lianozovo", um dos participantes da Mostra Bulldozer, curador (ou iniciador) de importantes mostras dos anos 1980, quando os soviéticos não oficiais
a arte estava apenas tomando consciência de si mesma.
Ano de nascimento: 1925
Arte: "Paciência Inacabada". 1966
Data de venda: 26.04.2006
Preço (GBP)1: 240.000
Capitalização Total (GBP): 4.338.000
Assento: 4
Custo médio por trabalho (GBP): 36.454
Número de vendas repetidas: 26

13. Vladimir Yankilevsky
Surrealista, um dos principais nomes da arte não oficial de Moscou do pós-guerra, criador de polípticos filosóficos monumentais.
Ano de nascimento: 1938
Obra: “Tríptico nº 10. Anatomia da alma. II." 1970
Data de venda: 23.04.2010
Preço (GBP)1: 133.250
Capitalização total (GBP): 754.000
Assento: 14
Custo médio por trabalho (GBP): 12.780
Número de vendas repetidas: 7

14. Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky
projeto pitoresco pinturas por encomenda, iniciada por eles nos desesperados anos 1990 para a pintura, recebeu o que merecia nos anos 2000. O dueto tornou-se popular entre os colecionadores e uma pintura foi parar na coleção do Centro Pompidou.
Ano de nascimento: 1963, 1964
Arte: "Aptidão Noturna". 2004
Data de venda: 22.06.2007
Preço (GBP)1: 132.000
Capitalização Total (GBP): 1.378.000
Assento: 11
Custo médio por trabalho (GBP): 26.500
Número de vendas repetidas: 4

15. Serguei Volkov
Um dos heróis da arte perestroika, conhecido por pinturas expressivas com declarações ponderadas. Participante do leilão soviético Sotheby's em 1988.
Ano de nascimento: 1956
Arte: "Visão dupla.
Tríptico"
Data de venda: 31.05.2007
Preço (GBP)1: 132.000
Capitalização Total (GBP): 777.000
Lugar: 12
Custo médio por trabalho (GBP): 38.850
Número de vendas repetidas: 4

16. AES + F (Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky, Vladimir Fridkes)
Os projetos da AES se destacaram por uma boa apresentação na desleixada década de 1990, que é o que eles lembram. Agora eles estão fazendo grandes afrescos animados transmitidos em dezenas de telas.
Ano de nascimento: 1955, 1958, 1957, 1956
Composição: "Warrior No. 4"
Data de venda: 12.03.2008
Preço (GBP)1: 120.500
Capitalização total (GBP): 305.000
Assento: 27
Custo médio por trabalho (GBP): 30.500
Número de vendas repetidas: —

17. Lev Tabenkin
Escultor e pintor com visão escultórica, como se esculpisse seus personagens no barro.
Ano de nascimento: 1952
Composição: Orquestra de Jazz. 2004
Data de venda: 30.06.2008
Preço (GBP)1: 117.650
Capitalização Total (GBP): 263.000
Assento: 28
Custo médio por trabalho (GBP): 26.300
Número de vendas repetidas: 7

18. Mikhail (Misha Shayevich) Brusilovsky
Sverdlovsk surrealista, autor de alegorias ambíguas.
Ano de nascimento: 1931
Arte: Futebol. 1965
Data de venda: 28.11.2006
Preço (GBP)1: 108.000
Capitalização total (GBP): 133.000
Assento: 38
Custo médio por trabalho (GBP): 22.167
Número de vendas repetidas: —

19. Olga Bulgakova
Uma das principais figuras da pintura de "carnaval" da intelligentsia da era Brezhnev. Membro correspondente
Academia Russa de Artes.
Ano de nascimento: 1951
Composição: "Sonho do vermelho
pássaro." 1988
Data de venda: 22.11.2010
Preço (GBP)1: 100.876
Capitalização total (GBP): 219.000
Assento: 31
Custo médio por trabalho (GBP): 36.500
Número de vendas repetidas: —

20. Alexandre Ivanov
Um artista abstrato conhecido principalmente como empresário, colecionador e criador do Museu Fabergé em Baden-Baden (Alemanha).
Ano de nascimento: 1962
Composição: Amor. 1996
Data de venda: 06/05/2013
Preço (GBP)1: 97.250
Capitalização Total (GBP): 201.000
Assento: 33
Custo médio por trabalho (GBP): 50.250
Número de vendas repetidas: —

21. Ivan Chuikov
Uma ala independente do conceitualismo pictórico de Moscou. Autor de uma série de pinturas-objetos Windows. De alguma forma, na década de 1960, ele queimou todas as pinturas, e é por isso que os donos de galerias ainda estão tristes.
Ano de nascimento: 1935
Arte: "Sem título" 1986
Data de venda: 12.03.2008
Preço (GBP)1: 96.500
Capitalização Total (GBP): 1.545.000
Assento: 10
Custo médio por trabalho (GBP): 36.786
Número de vendas repetidas: 8

22. Konstantin Zvezdochetov
Na juventude, membro do grupo Mukhomor, que se autodenominava os "pais da" nova onda "na União Soviética" -
com razão; com o início da maturidade criativa, o participante da Bienal de Veneza e do Kassel
documenta. Pesquisador e conhecedor do visual na cultura popular soviética.
Ano de nascimento: 1958
Composição: "Perdo-K-62M"
Data de venda: 13.06.2008
Preço (GBP)1: 92.446
Capitalização total (GBP): 430.000
Assento: 22
Custo médio por trabalho (GBP): 22.632
Número de vendas repetidas: 2

23. Natália Nesterova
Uma das principais estrelas da arte da estagnação de Brezhnev. Favorecido por colecionadores por seu estilo de pintura texturizada.
Ano de nascimento: 1944
Arte: "Melnik e sua
filho". 1969
Data de venda: 15.06.2007
Preço (GBP)1: 92.388
Capitalização Total (GBP): 1.950.000
Assento: 9
Custo médio por trabalho (GBP): 20.526
Número de vendas repetidas: 15

24. Maxim Kantor
Pintor expressionista que atuou no pavilhão russo da Bienal de Veneza em 1997, além de publicitário e escritor, autor de romance filosófico e satírico tutorial de desenho sobre os prós e contras do mundo artístico russo.
Ano de nascimento: 1957
Obra: "A Estrutura da Democracia". 2003
Data de venda: 18/10/2008
Preço (GBP)1: 87.650
Capitalização total (GBP): 441.000
Assento: 21
Custo médio por trabalho (GBP): 44.100
Número de vendas repetidas: 2

25. Andrey Sidersky
Cria pinturas no estilo da psi-arte inventada por ele. Traduziu para o russo as obras de Carlos Castaneda e Richard Bach.
Ano de nascimento: 1960
Composição: "Tríptico"
Data de venda: 04.12.2009
Preço (GBP)1: 90.000
Capitalização total (GBP): 102.000
Assento: 42
Custo médio por trabalho (GBP): 51.000
Número de vendas repetidas: —

26. Valery Koshlyakov
Conhecido por pinturas com motivos arquitetônicos. O maior representante da "onda do sul da Rússia". Muitas vezes usa caixas de papelão, sacolas, fita adesiva. A primeira exposição com sua participação foi realizada em um banheiro público em Rostov-on-Don em 1988.
Ano de nascimento: 1962
Obra: Versalhes. 1993
Data de venda: 12.03.2008
Preço (GBP)1: 72.500
Capitalização Total (GBP): 346.000
Assento: 26
Custo médio por trabalho (GBP): 21.625
Número de vendas repetidas: 8

27. Alexei Sundukov
Pinturas lacônicas em cores de chumbo sobre as "abominações de chumbo" da vida cotidiana russa.
Ano de nascimento: 1952
Obra: "A Essência do Ser". 1988
Data de venda: 23.04.2010
Preço (GBP)1: 67.250
Capitalização total (GBP): 255.000
Assento: 29
Custo médio por trabalho (GBP): 25.500
Número de vendas repetidas: 1

28. Igor Novikov
Pertence à geração de artistas inconformistas de Moscou do final dos anos 1980.
Ano de nascimento: 1961
Obra: “Café da manhã do Kremlin ou Moscou à venda”. 2009
Data de venda: 03.12.2010
Preço (GBP)1: 62.092
Capitalização total (GBP): 397.000
Assento: 24
Custo médio por trabalho (GBP): 15.880
Número de vendas repetidas: 3

29. Vadim Zakharov
Arquivista do Conceitualismo de Moscou. O autor de instalações espetaculares sobre temas pensativos, representou a Rússia em Veneza
bienal.
Ano de nascimento: 1959
Arte: Barroco. 1986-1994
Data de venda: 18/10/2008
Preço (GBP)1: 61.250
Capitalização total (GBP): 243.000
Assento: 30
Custo médio por trabalho (GBP): 20.250
Número de vendas repetidas: —

30. Yuri Krasny
Autor de programas de arte para crianças com necessidades especiais.
Ano de nascimento: 1925
Composição: "Fumante"
Data de venda: 04.04.2008 Preço (GBP)1: 59.055
Capitalização total (GBP): 89.000
Assento: 44
Custo médio por trabalho (GBP): 11.125
Número de vendas repetidas: 8

31. Sergey e Alexey Tkachev
Clássicos do impressionismo soviético tardio, alunos de Arkady Plastov, conhecidos por suas pinturas da vida da aldeia russa.
Ano de nascimento: 1922, 1925
Arte: "No campo". 1954
Data de venda: 01.12.2010
Preço (GBP)1: 58.813
Capitalização Total (GBP): 428.000
Assento: 23
Custo médio por trabalho (GBP): 22.526
Número de vendas repetidas: 4

32. Svetlana Kopystyanskaya
Conhecido por instalações de pinturas. Após o leilão de Moscou Sotheby's em 1988 trabalha no exterior.
Ano de nascimento: 1950
Composição: "Paisagem do Mar"
Data de venda: 13/10/2007
Preço (GBP)1: 57.600
Capitalização Total (GBP): 202.000
Assento: 32
Custo médio por trabalho (GBP): 22.444
Número de vendas repetidas: 2

33. Boris Orlov
Escultor perto de Sots Art. Famoso por seu trabalho no irônico estilo "imperial" e na decoração magistral de bustos e buquês de bronze.
Ano de nascimento: 1941
Arte: Marinheiro. 1976
Data de venda: 17/10/2013
Preço (GBP)1: 55.085
Capitalização total (GBP): 174.000
Assento: 34
Custo médio por trabalho (GBP): 17.400
Número de vendas repetidas: 1

34. Vyacheslav Kalinin
Autor de pinturas expressivas da vida das classes populares urbanas e da boemia da bebida.
Ano de nascimento: 1939
Arte: "Auto-retrato com uma asa delta"
Data de venda: 25.11.2012
Preço (GBP)1: 54.500
Capitalização total (GBP): 766.000
Assento: 13
Custo médio por trabalho (GBP): 12.767
Número de vendas repetidas: 24

35. Evgeny Semenov
Conhecido por uma série de fotos com pacientes com doença de Down, fazendo o papel de personagens gospel.
Ano de nascimento: 1960
Composição: Coração. 2009
Data de venda: 29.06.2009
Preço (GBP)1: 49.250
Capitalização Total (GBP): 49.000
Assento: 48
Custo Médio de Trabalho (GBP): 49.000
Número de vendas repetidas: —

36. Yuri Cooper
Ele ficou famoso por suas pinturas nostálgicas com utensílios domésticos antigos. Dramaturgo Doze pinturas da vida do artista, encenado no Teatro de Arte de Moscou. A.P. Chekhov.
Ano de nascimento: 1940
Arte: Janela. Rua Dass, 56. 1978
Data de venda: 09.06.2010
Preço (GBP)1: 49.250
Capitalização total (GBP): 157.000
Assento: 35
Custo médio por trabalho (GBP): 2.754
Número de vendas repetidas: 14

37. Alexander Kosolapov
Um artista social cujo trabalho tem sido alvo de todo tipo de ataques. Durante a feira Art Moscow 2005, uma de suas obras foi destruída por um fanático religioso com um martelo.
Ano de nascimento: 1943
Obra: "Marlboro Malevich". 1987
Data de venda: 12.03.2008
Preço (GBP)1: 48.500
Capitalização total (GBP): 510.000
Assento: 18
Custo médio por trabalho (GBP): 15.938
Número de vendas repetidas: 1

38. Leonid Sokov
Principal escultor da Sots Art que combinou o folclore com a política. Entre as obras famosas Dispositivo para determinar a nacionalidade pela forma do nariz.
Ano de nascimento: 1941
Arte: "Urso batendo uma foice com um martelo." 1996
Data de venda: 12.03.2008
Preço (GBP)1: 48.500
Capitalização total (GBP): 352.000
Assento: 25
Custo médio por trabalho (GBP): 13.538
Número de vendas repetidas: 7

39. Vladimir Ovchinnikov
Um dos patriarcas da arte não oficial em Leningrado. Versão ortodoxa de Fernando Botero.
Ano de nascimento: 1941
Arte: "Anjos e trilhos de trem" 1977
Data de venda: 17.04.2007
Preço (GBP)1: 47.846
Capitalização total (GBP): 675.000
Assento: 16
Custo médio por trabalho (GBP): 15.341
Número de vendas repetidas: —

40. Konstantin Khudyakov
O autor de pinturas sobre temas religiosos. Agora ele trabalha na técnica de arte digital.
Ano de nascimento: 1945
Arte: A Última Ceia. 2007
Data de venda: 18.02.2011
Preço (GBP)1: 46.850
Capitalização Total (GBP): 97.000
Assento: 43
Custo médio por trabalho (GBP): 32.333
Número de vendas repetidas: —

41. Ernst Desconhecido
Um ícone do inconformismo soviético - desde que se opôs abertamente ao secretário-geral Nikita Khrushchev no vernissage da lendária exposição dedicada ao 30º aniversário da União dos Artistas de Moscou. Depois disso, ele fez um monumento no túmulo de Khrushchev e um monumento em frente à sede europeia da ONU.
Ano de nascimento: 1925
Composição: "Sem título"
Data de venda: 08.06.2010
Preço (GBP)1: 46.850
Capitalização Total (GBP): 2.931.000
Assento: 8
Custo médio por trabalho (GBP): 24.839
Número de vendas repetidas: 13

42. Anatoly Osmolovsky
Uma das principais figuras do acionismo moscovita nos anos 1990, teórico da arte, curador, editor e chefe do programa de pesquisa e educação do Instituto Baza, vencedor do primeiro Prêmio Kandinsky.
Ano de nascimento: 1969
Composição: "Pão" (da série "Pagãos"). 2009
Data de venda: 23.04.2010
Preço (GBP)1: 46.850
Capitalização total (GBP): 83.000
Assento: 46
Custo médio por trabalho (GBP): 11.857
Número de vendas repetidas: —

43. Dmitry Vrubel
Pintor fotorrealista, conhecido principalmente pela pintura que retrata Brezhnev e Honecker se beijando (ou melhor, graças à reprodução do autor no Muro de Berlim).
Ano de nascimento: 1960
Composição: "Beijo fraterno (tríptico)". 1990
Data de venda: 25.11.2013
Preço (GBP)1: 45.000

Assento: 40
Custo médio por trabalho (GBP): 16.429
Número de vendas repetidas: 2

44. Leonid Lamm
O autor de instalações que combinam os motivos da vanguarda russa e as cenas da vida na prisão soviética. Vive na América. Na década de 1970, sob falsas acusações, ele passou três anos em prisões e campos de trabalhos forçados.
Ano de nascimento: 1928
Arte: "Apple II" (da série "The Seventh Heaven"). 1974-1986
Data de venda: 16/12/2009
Preço (GBP)1: 43.910
Capitalização Total (GBP): 115.000
Assento: 41
Custo médio por trabalho (GBP): 14.375
Número de vendas repetidas: —

Instalações pitorescas de Irina Nakhova da década de 1980 em seu apartamento podem reivindicar autoria no “total.

45. Irina Nakhova
Musa do conceitualismo de Moscou. Vencedor do Prêmio Kandinsky 2013 para "Projeto do Ano". Em 2015 na 56ª Bienal de Veneza
representará a Rússia.
Ano de nascimento: 1955
Arte: Tríptico. 1983
Data de venda: 12.03.2008
Preço (GBP)1: 38.900
Capitalização total (GBP): 85.000
Assento: 45
Custo médio por trabalho (GBP): 17.000
Número de vendas repetidas: 1

46. ​​Katya Filippova
Um estilista de vanguarda que ficou famoso durante a perestroika. Decorou as vitrines da loja de departamentos parisiense Galeries Lafayette, foi amigo de Pierre Cardin.
Ano de nascimento: 1958
"Artwork: Marina Ladynina" (da série "Russian Hollywood")
Data de venda: 12.03.2008
Preço (GBP)1: 38.900
Capitalização total (GBP): 39.000
Assento: 49
Custo médio por trabalho (GBP): 39.000
Número de vendas repetidas: —

47. Boris Zaborov
Artista de teatro, ilustrador de livros. Em 1980 emigrou para Paris, trabalhou em figurinos para a Comédie Française.
Ano de nascimento: 1935
Obra: "Communicator".1981
Data de venda: 30.10.2006
Preço (GBP)1: 36.356
Capitalização total (GBP): 67.000
Assento: 47
Custo médio por trabalho (GBP): 13.400
Número de vendas repetidas: 2

48. Rostislav Lebedev
Artista social clássico, colega (e vizinho de oficina) de Boris Orlov e Dmitry Prigov. Ele transformou criativamente a propaganda visual da era soviética.
Ano de nascimento: 1946
Obra: "conto de fadas russo". 1949
Data de venda: 03.06.2008
Preço (GBP)1: 34.000
Capitalização total (GBP): 122.000
Assento: 39
Custo médio por trabalho (GBP): 24.400
Número de vendas repetidas: 2

49. Andrey Filippov
Pertence à escola conceitual de Moscou. O autor de pinturas e instalações, unidos pelo tema "Moscou - a Terceira Roma". Desde 2009, juntamente com Yuri Albert e Victor Skersis, faz parte do grupo Cupido.
Ano de nascimento: 1959
Arte: "Sete pés sob a quilha". 1988
Data de venda: 31.05.2006
Preço (GBP)1: 33.600
Capitalização Total (GBP): 137.000
Assento: 37
Custo médio por trabalho (GBP): 12.455
Número de vendas repetidas: 3

50. Vladimir Shinkarev
O fundador e ideólogo do grupo de arte de Leningrado Mitki, em cujo romance Mitki este termo foi usado pela primeira vez. O romance foi escrito por tédio enquanto trabalhava na sala da caldeira.
Ano de nascimento: 1954
Obra: Lenin Square I. 1999
Data de venda: 30.06.2008
Preço (GBP)1: 32.450
Capitalização total (GBP): 33.000
Assento: 50
Custo médio por trabalho (GBP): 16.500
Número de vendas repetidas: —

Vendas x Exposições

O reconhecimento do mercado e o reconhecimento da comunidade profissional parecem coisas muito diferentes, mas a divisão em artistas "comerciais" e "não comerciais" é muito condicional. Assim, dos artistas russos expostos nos últimos dez anos na Bienal de Arte Contemporânea de Veneza (e este é o auge de sua carreira profissional), sete unidades (se contarmos por pessoa, então 11 pessoas) entraram em nossa classificação. E os 10 melhores artistas do ranking expuseram na Bienal de Veneza antes ou tiveram exposições individuais em grandes museus. Quanto aos mestres maravilhosos que não foram incluídos na classificação, sua ausência ou vendas não muito destacadas são explicadas de forma simples e banal. Os colecionadores são conservadores e mesmo os artistas mais vanguardistas preferem comprar pinturas (pinturas, objetos ou fotografias que parecem pinturas) ou esculturas (ou objetos que parecem esculturas). Não há performances recordes ou instalações gigantes em nossa classificação (instalações geralmente são compradas por museus, mas o preço lá é museu, com desconto). É por isso que estrelas como Andrey Monastyrsky, Oleg Kulik, Pavel Pepperstein(até recentemente, ele fazia principalmente gráficos, e os gráficos são a priori mais baratos que a pintura) ou, por exemplo, Nikolay Polissky, cujos designs grandiosos ainda não encontraram colecionadores compreensivos.

Além disso, o mercado é conservador também porque o reconhecimento aqui vem aos poucos – note que no top 10, todos os artistas nascidos em 1950 ou mais velhos. Ou seja, os promissores participantes da Bienal ainda têm tudo pela frente.

Os principais leilões internacionais incluem cada vez mais artistas russos contemporâneos em seus leilões de arte contemporânea e do pós-guerra. Em fevereiro de 2007, a Sotheby's realizou o primeiro e mais sensacional leilão especializado de arte contemporânea russa, que trouxe 22 recordes de leilão. O Artguide decidiu descobrir qual de nossos artistas contemporâneos arrecadou as maiores somas em leilões internacionais e, tendo compilado os 10 artistas russos vivos mais caros com base nos resultados das vendas em leilão, descobriu alguns padrões curiosos. Todos os preços de venda são dados de acordo com as casas de leilões, levando em consideração o prêmio do comprador.

Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky. Aptidão noturna. Fragmento. Cortesia dos autores (www.dubossarskyvinogradov.com)

Claro, não pode haver dúvidas sobre quem exatamente se tornou o líder da corrida de leilões: o grandioso “Beetle” de Ilya Kabakov, vendido em fevereiro de 2008 na Phillips de Pury por quase £ 3 milhões, provavelmente é lembrado por todos os interessados. na arte contemporânea. Uma divertida canção de ninar, cujo texto está escrito em um painel de madeira com um besouro, ganhou até uma entonação pensativa na história da arte e na interpretação do mercado: “Meu besouro brota, pula, gorjeia, não quer entrar minha coleção” - isso significa metaforicamente a paixão de um colecionador de arte contemporânea, por esse mesmo comércio de fuscas. (O verso citado por Kabakov, composto pelo arquiteto A. Maslennikova, um poeta amador de Voronezh, foi publicado na coleção de poemas infantis, contando rimas e enigmas Entre o verão e o inverno, publicada em 1976 pela editora de Literatura Infantil, e Kabakov ilustrou este livro Verdade, aquele besouro não estava em suas ilustrações em preto e branco).

Deve-se acrescentar que, se não fizéssemos os 10 artistas vivos mais caros, mas os 10 melhores de suas obras mais caras, as pinturas de Kabakov ocupariam os três primeiros lugares desta lista. Ou seja, as três obras mais caras do agora vivo artista russo pertencem a ele - além do "Beetle", são "Luxury Room" de 1981 (Phillips de Pury, Londres, 21 de junho de 2007, £ 2,036 milhões) e "Férias No. 10" em 1987 (Phillips de Pury Londres, 14 de abril de 2011, £ 1.497 milhões). Ainda por cima, o generoso Kabakov "deu" mais um recorde ao leilão do Vienna Dorotheum - há um ano, a 24 de novembro de 2011, o quadro "Na Universidade" lá foi por 754,8 mil euros, tornando-se a obra mais cara da obra contemporânea arte já vendida neste leilão.

O medalhista de prata, provavelmente, muitos também nomearão facilmente - este é Eric Bulatov, cuja tela "Glória ao PCUS" foi vendida por um valor recorde para o artista no mesmo leilão Phillips de Pury que o "Beetle" de Kabakov.

Mas o terceiro lugar do inconformista Yevgeny Chubarov, cujo último trabalho "Sem título" foi em junho de 2007 para Phillips de Pury por £ 720 mil, poderia ser considerado uma surpresa, se não fosse pelo fato de que alguns meses antes, em fevereiro daquele mesmo ano, Chubarov já havia feito furor na Sotheby's de Londres, em um leilão especializado de arte contemporânea russa, onde sua obra com o mesmo nome (ou melhor, sem ele) foi vendida por £ 288.000 (com limite máximo da estimativa de £ 60.000), não apenas superando o suposto lote principal daquele leilão, a pintura "Revolução - Perestroika" de Bulatov (preço de venda £ 198 mil), mas também se tornando a obra mais cara do artista russo vivo na época. A propósito, aqui está a ironia das flutuações cambiais: em novembro de 2000, o políptico de Grisha Bruskin foi vendido em Nova York por $ 424 mil, depois em libras esterlinas foi de £ 296,7 mil, e em fevereiro de 2007, quando foi instalado O primeiro recorde de Chubarov já é de apenas £ 216,6 mil.

As obras dos vencedores do quarto lugar Vitaly Komar e Alexander Melamid são lotes frequentes e bastante bem-sucedidos em leilões ocidentais, embora suas estimativas raramente excedam £ 100.000.O segundo trabalho mais caro da dupla é a Conferência de Yalta. O Julgamento de Paris "- foi vendido na Macdougall's em 2007 por £ 184,4 mil. Mas deve-se notar, é claro, que a pintura que os levou ao quarto lugar pertence a obras bastante antigas e raramente aparecem em leilões e que foi exibida em 1976 na primeira (e muito barulhenta) exposição estrangeira de Komar e Melamid na Ronald Feldman Gallery em Nova York.

Seguindo Komar e Melamid, Oleg Vasiliev e Semyon Faibisovich mantêm consistentemente um padrão alto nos leilões. Vasilyev foi o terceiro no leilão Phillips de Pury de 2008 extraordinariamente bem-sucedido, que trouxe recordes para Ilya Kabakov e Erik Bulatov, enquanto Faibisovich foi o quarto. Em seguida, a pintura de Vasiliev "Variação sobre o tema da capa da revista Ogonyok" em 1980 foi vendida por ₤ 356 mil com uma estimativa de ₤ 120 mil, e "Outra olhada no Mar Negro" de Faibisovich em 1986 - por £ 300,5 mil com Estimativa de £ 60.000 a 80.000. Obras de ambos os artistas geralmente alcançam somas de seis dígitos em leilões.

É verdade que não foram os "Soldados" que quebraram o recorde que trouxeram fama a Faibisovich em leilão, mas a pintura "Beleza", vendida na Sotheby's em 12 de março de 2008 - este foi o segundo leilão de arte russa contemporânea da casa de leilões, exceto por o leilão de Moscou de 1988. A pintura (seu outro nome é “O primeiro de maio”) foi então vendida por £ 264 mil com uma estimativa de £ 60-80 mil, uma verdadeira batalha travada entre os compradores por ela. Outra pintura de Faibisovich “On a Moscow street” naquele leilão excedeu a estimativa duas vezes e foi vendida por £ 126.000 em 2011-2012.

Praticamente o mesmo pode ser dito sobre Oleg Tselkov, que está em oitavo lugar entre os 10 primeiros. Tendo encontrado seu estilo e tema há meio século, um artista reconhecido e autoritário, ele regularmente fornece leilões com seus rostos redondos fluorescentes, que continuam sendo sucesso. A segunda pintura mais cara de Tselkov "Five Faces" foi vendida em junho de 2007 na MacDougall's por £ 223,1 mil, a terceira, "Two with Beetles", - em novembro do mesmo ano no mesmo leilão (MacDougall's sempre colocado em leilão vários Tselkov diferentes faixas de preço) por £ 202,4 mil.

Grisha Bruskin tem um papel especial na história dos leilões de arte contemporânea russa desde 1988, a partir do leilão da Sotheby's em Moscou sob o nome Russian Avant-Garde and Soviet Contemporary Art, onde seu "Fundamental Lexicon" foi vendido por sensacionais £ 220 mil , estimativa 12 vezes maior. Aproximadamente o mesmo, e talvez ainda mais sensacional, aconteceu com o políptico “Logii. Parte I" em 2000 na Christie's em Nova York: o políptico foi vendido por $ 424.000, superando o limite superior da estimativa em 21 (!) vezes - isso por si só pode ser considerado uma espécie de recorde. Muito provavelmente, essa compra extraordinária se deve principalmente ao significado do nome de Bruskin como o herói do lendário leilão da Sotheby's em Moscou, porque nenhum outro leilão de Bruskin chegou perto desses valores.

O preço de Oscar Rabin não varia, mas cresce de forma constante e muito perceptível, especialmente para as obras do período soviético - todas as obras mais caras deste mestre vendidas em leilão foram pintadas no final dos anos 1950 e início dos anos 1970. Estes são (além de seu recorde "Socialist City") "Baths (Smell the Cologne "Moscow", 1966, Sotheby's, Nova York, 17 de abril de 2007, $ 336 mil) e "Violin in the Cemitério" (1969, Macdougall's, Londres , 27 de novembro de 2006, £ 168,46).

Os dez primeiros são fechados por representantes da geração mais jovem - Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky, cujas pinturas mais caras foram vendidas em Phillips de Pury (a segunda mais cara é The Last Butterfly, 1997, Phillips de Pury, Nova York, $ 181.000). Esses artistas, em geral, seguem uma tendência bem visível no ranking das pinturas mais caras de artistas vivos. Falaremos sobre isso um pouco mais abaixo, mas por enquanto, finalmente, aqui está uma lista das obras mais caras de artistas russos vivos.

As 10 melhores obras de artistas russos vivos

1. Ilya Kabakov (n. 1933). Erro. 1982. Madeira, esmalte. 226,5 x 148,5. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 28 de fevereiro de 2008. Estimativa de £ 1,2 a 1,8 milhão. Preço de venda de £ 2,93 milhões.

2. Erik Bulatov (n. 1933). Glória ao PCUS. 1975. Óleo sobre tela. 229,5 x 229. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 28 de fevereiro de 2008. Estimativa de £ 500-700 mil. Preço de venda £ 1,084 milhão.

3. Evgeny Chubarov (n. 1934). Sem título. 1994. Óleo sobre tela. 300 x 200. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 22 de junho de 2007. Estimativa de £ 100-150 mil. Preço de venda £ 720 mil.

4. Vitaly Komar (n. 1943) e Alexander Melamid (n. 1945). Solzhenitsyn e Bell se encontrando na dacha de Rostropovich. 1972. Tela, óleo, colagem, folha de ouro. 175 x 120. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 23 de abril de 2010. Estimativa de £ 100-150 mil. Preço de venda £ 657,25 mil.

5. Oleg Vasilyev (n. 1931). Antes do pôr do sol. 1990. Óleo sobre tela. 210 x 165. Leilão da Sotheby's, Londres, 12 de março de 2008. Estimativa de £ 200-300 mil. Preço de venda £ 468,5 mil.

6. Semyon Faibisovich (n. 1949). Soldados. Da série "Estações". 1989. Óleo sobre tela. 285,4 x 190,5. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 13 de outubro de 2007. Estimativa de £ 40-60 mil. Preço de venda £ 311,2 mil.

8. Oleg Tselkov (n. 1934) Menino com balões. Tela, óleo. 103,5 x 68,5. Leilão MacDougall's, Londres, 28 de novembro de 2008. Estimativa de £ 200-300 mil. Preço de venda £ 238,4 mil.

9. Oscar Rabin (n. 1928) Cidade e lua (cidade socialista). 1959. Óleo sobre tela. 90 x 109. Leilão da Sotheby's, Nova York, 15 de abril de 2008. Estimativa de US$ 120 a 160 mil. Preço de venda de US$ 337 mil (£ 171,4 de dólar para libra em abril de 2008).

10. Alexander Vinogradov (n. 1963) e Vladimir Dubossarsky (n. 1964). Treino noturno. 2004. Óleo sobre tela. 194,9 x 294,3. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 22 de junho de 2007. Estimativa de £ 15 a 20 mil. Preço de venda de £ 132 mil.

Sabe-se que os preços dos leilões são uma coisa irracional e não se pode julgar por eles o verdadeiro papel e a importância do artista no processo artístico. Mas com base neles e nos lotes superiores, pode-se julgar aproximadamente as preferências do colecionador. O que eles são? Você não precisa ser um especialista para responder a essa pergunta. Eles são óbvios. Em primeiro lugar, todos os artistas (exceto talvez Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky) são “clássicos vivos” em anos, e muito sólidos nisso. Em segundo lugar, quase todos bateram recordes não por obras dos últimos anos, mas por obras muito anteriores, ou seja, o padrão “quanto mais velho, melhor” também é relevante aqui. Em terceiro lugar, sem exceção, todas as obras do top 10 são pinturas de cavalete. Em quarto lugar, todas essas são pinturas grandes e muito grandes. Mais ou menos "padrão" a este respeito só pode ser considerado "A Cidade e a Lua" de Oscar Rabin e "Menino com Balões" de Oleg Tselkov, todo o resto é grande em altura (nem mesmo em largura) crescimento humano. Finalmente, para todos esses artistas, o tema do passado soviético (em particular, não conformista) é relevante de uma forma ou de outra, que em muitos casos é acentuado em suas obras. Parece que nossos colecionadores estão sentindo uma nostalgia aguda desse passado tão soviético (é do conhecimento geral que são os colecionadores russos que compram arte russa no Ocidente).

Mais jovens do que o resto dos líderes de vendas de leilões, Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky estão tentando teimosamente escapar das dezenas de inconformistas severos, mas isso é apenas à primeira vista. De fato, se você imaginar qual da próxima geração depois de Kabakov, Bulatov, Rabin, Vasiliev, Tselkovy pode atender melhor aos critérios de compra acima (pinturas de cavalete de tamanho grande, releituras de gêneros soviéticos, motivos e estilística), então provavelmente acabaram por ser Vinogradov e Dubossarsky, dignos herdeiros dos mestres das décadas anteriores. Pelo menos a julgar pelas vendas do leilão.

Se você acha que todos os grandes artistas estão no passado, não tem ideia do quanto está enganado. Neste artigo, você aprenderá sobre os artistas mais famosos e talentosos do nosso tempo. E, acredite, suas obras ficarão em sua memória não menos profundamente do que as obras do maestro de épocas passadas.

Wojciech Babski

Wojciech Babski é um artista polonês contemporâneo. Ele se formou no Instituto Politécnico da Silésia, mas se conectou com. Ultimamente ele tem pintado principalmente mulheres. Centra-se na manifestação das emoções, procura obter o maior efeito possível por meios simples.

Adora cores, mas costuma usar tons de preto e cinza para obter a melhor impressão. Não tem medo de experimentar novas técnicas. Recentemente, tem vindo a ganhar cada vez mais popularidade no estrangeiro, principalmente no Reino Unido, onde vende com sucesso as suas obras, que já se encontram em várias coleções particulares. Além da arte, ele se interessa por cosmologia e filosofia. Ouve jazz. Atualmente vive e trabalha em Katowice.

Warren Chang

Warren Chang é um artista americano contemporâneo. Nascido em 1957 e criado em Monterey, Califórnia, formou-se magna cum laude no Art Center College of Design em Pasadena em 1981 com um diploma de Bacharel em Belas Artes em Belas Artes. Nas duas décadas seguintes, ele trabalhou como ilustrador para várias empresas na Califórnia e em Nova York antes de iniciar sua carreira como artista profissional em 2009.

Suas pinturas realistas podem ser divididas em duas categorias principais: pinturas biográficas de interiores e pinturas representando trabalhadores. Seu interesse por esse estilo de pintura está enraizado na obra do pintor do século XVI, Jan Vermeer, e se estende a objetos, autorretratos, retratos de familiares, amigos, alunos, estúdios, salas de aula e interiores de casas. Seu objetivo é criar clima e emoção em suas pinturas realistas por meio da manipulação da luz e do uso de cores suaves.

Chang tornou-se famoso após a transição para as artes visuais tradicionais. Nos últimos 12 anos, ele ganhou inúmeros prêmios e honras, sendo o mais prestigioso o Master Signature da Oil Painters Association of America, a maior comunidade de pintura a óleo nos Estados Unidos. Apenas uma pessoa em 50 é honrada com a oportunidade de receber este prêmio. Atualmente, Warren mora em Monterey e trabalha em seu estúdio. Ele também leciona (conhecido como um professor talentoso) na San Francisco Academy of the Arts.

Aurélio Bruni

Aurelio Bruni é um artista italiano. Nasceu em Blair, 15 de outubro de 1955. Graduado em cenografia pelo Art Institute em Spoleto. Como artista, ele é autodidata, pois de forma independente “construiu a casa do conhecimento” sobre os alicerces lançados na escola. Começou a pintar a óleo aos 19 anos. Atualmente vive e trabalha na Úmbria.

A pintura inicial de Bruni está enraizada no surrealismo, mas com o tempo ele começa a se concentrar na proximidade do romantismo lírico e do simbolismo, reforçando essa combinação com a requintada sofisticação e pureza de seus personagens. Objetos animados e inanimados adquirem igual dignidade e parecem quase hiper-realistas, mas ao mesmo tempo não se escondem atrás de uma cortina, mas permitem que você veja a essência de sua alma. Versatilidade e sofisticação, sensualidade e solidão, consideração e fecundidade são o espírito de Aurelio Bruni, alimentado pelo esplendor da arte e pela harmonia da música.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos é um artista polonês contemporâneo especializado em pintura a óleo. Nasceu em 1970 em Gliwice, na Polônia, mas desde 1989 vive e trabalha nos EUA, na cidade de Shasta, na Califórnia.

Quando criança, estudou arte sob a orientação de seu pai Jan, artista e escultor autodidata, por isso, desde cedo, a atividade artística recebeu total apoio de ambos os pais. Em 1989, aos dezoito anos, Balos trocou a Polônia pelos Estados Unidos, onde sua professora e artista em tempo parcial Cathy Gaggliardi encorajou Alcasander a se matricular na escola de arte. Balos então recebeu uma bolsa integral para a Universidade de Milwaukee Wisconsin, onde estudou pintura com o professor de filosofia Harry Rosin.

Depois de concluir seus estudos em 1995 com um diploma de bacharel, Balos mudou-se para Chicago para estudar na Escola de Belas Artes, cujos métodos são baseados no trabalho de Jacques-Louis David. Realismo figurativo e retratos compuseram a maior parte do trabalho de Balos nos anos 90 e início dos anos 2000. Hoje, Balos usa a figura humana para destacar as características e deficiências da existência humana, sem oferecer soluções.

As composições do enredo de suas pinturas devem ser interpretadas de forma independente pelo espectador, só então as telas adquirirão seu verdadeiro significado temporal e subjetivo. Em 2005, o artista mudou-se para o norte da Califórnia, desde então o escopo de seu trabalho se expandiu significativamente e agora inclui métodos de pintura mais livres, incluindo abstração e vários estilos multimídia que ajudam a expressar as ideias e ideais do ser através da pintura.

Monges Alyssa

Alyssa Monks é uma artista americana contemporânea. Ela nasceu em 1977 em Ridgewood, Nova Jersey. Começou a se interessar pela pintura quando ainda era criança. Ela frequentou a The New School em Nova York e a Montclair State University, e se formou no Boston College em 1999 com um diploma de bacharel. Ao mesmo tempo, ela estudou pintura na Academia Lorenzo Medici, em Florença.

Em seguida, continuou seus estudos no programa de mestrado da New York Academy of Art, no Departamento de Arte Figurativa, graduando-se em 2001. Ela se formou no Fullerton College em 2006. Ela lecionou brevemente em universidades e instituições educacionais em todo o país e ensinou pintura na New York Academy of Art, bem como na Montclair State University e na Lyme Academy College of Art.

“Usando filtros como vidro, vinil, água e vapor, distorço o corpo humano. Esses filtros permitem que você crie grandes áreas de design abstrato, com ilhas de cores aparecendo através delas - partes do corpo humano.

Minhas pinturas mudam o visual moderno das poses e gestos tradicionais já estabelecidos das mulheres que tomam banho. Eles poderiam dizer muito a um observador atento sobre coisas aparentemente evidentes, como os benefícios de nadar, dançar e assim por diante. Meus personagens são pressionados contra o vidro da janela do chuveiro, distorcendo o próprio corpo, percebendo que assim influenciam o notório olhar masculino para uma mulher nua. Espessas camadas de tinta são misturadas para imitar vidro, vapor, água e carne de longe. De perto, no entanto, as incríveis propriedades físicas da tinta a óleo tornam-se aparentes. Ao experimentar camadas de tinta e cor, encontro o momento em que os traços abstratos se tornam outra coisa.

Quando comecei a pintar o corpo humano, fiquei imediatamente fascinado e até obcecado por ele e senti que tinha que fazer minhas pinturas o mais realista possível. Eu "professei" realismo até que ele começou a se desvendar e se desconstruir. Agora estou explorando as possibilidades e o potencial de um estilo de pintura onde a pintura representacional e a abstração se encontram – se ambos os estilos puderem coexistir no mesmo momento, eu o farei.”

Antonio Finelli

artista italiano - observador do tempo” – Antonio Finelli nasceu em 23 de fevereiro de 1985. Atualmente vive e trabalha na Itália entre Roma e Campobasso. Suas obras foram exibidas em várias galerias na Itália e no exterior: Roma, Florença, Novara, Gênova, Palermo, Istambul, Ancara, Nova York, e também podem ser encontradas em coleções públicas e privadas.

Desenhos a lápis" observador do tempo” Antonio Finelli remete-nos para uma viagem eterna pelo mundo interior da temporalidade humana e pela análise rigorosa deste mundo a ela associado, cujo elemento principal é a passagem do tempo e os vestígios que este inflige à pele.

Finelli pinta retratos de pessoas de qualquer idade, gênero e nacionalidade, cujas expressões faciais indicam a passagem do tempo, e o artista também espera encontrar evidências da implacabilidade do tempo nos corpos de seus personagens. Antonio define suas obras com um título geral: “Auto-retrato”, porque em seus desenhos a lápis não apenas retrata uma pessoa, mas permite ao espectador contemplar os resultados reais da passagem do tempo dentro de uma pessoa.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni é uma artista italiana de 37 anos, filha de um diplomata. Ela tem três filhos. Doze anos ela viveu em Roma, três anos na Inglaterra e na França. Formou-se em história da arte pela BD School of Art. Então ela recebeu um diploma na especialidade restauradora de obras de arte. Antes de descobrir sua vocação e se dedicar inteiramente à pintura, trabalhou como jornalista, colorista, desenhista e atriz.

A paixão de Flaminia pela pintura surgiu ainda criança. Seu meio principal é o óleo porque ela adora “coiffer la pate” e também brinca com o material. Ela aprendeu uma técnica semelhante nas obras do artista Pascal Torua. Flaminia é inspirada nos grandes mestres da pintura como Balthus, Hopper e François Legrand, bem como em vários movimentos artísticos: arte de rua, realismo chinês, surrealismo e realismo renascentista. Seu artista favorito é Caravaggio. Seu sonho é descobrir o poder terapêutico da arte.

Denis Chernov

Denis Chernov é um talentoso artista ucraniano, nascido em 1978 em Sambir, região de Lviv, Ucrânia. Depois de se formar no Kharkov Art College em 1998, ele permaneceu em Kharkov, onde atualmente vive e trabalha. Ele também estudou na Kharkov State Academy of Design and Arts, Departamento de Gráficos, formou-se em 2004.

Participa regularmente de exposições de arte, atualmente já são mais de sessenta, tanto na Ucrânia quanto no exterior. A maioria das obras de Denis Chernov são mantidas em coleções particulares na Ucrânia, Rússia, Itália, Inglaterra, Espanha, Grécia, França, EUA, Canadá e Japão. Algumas das obras foram vendidas na Christie's.

Denis trabalha em uma ampla gama de técnicas gráficas e de pintura. Os desenhos a lápis são um dos seus métodos de pintura preferidos, a lista de temas dos seus desenhos a lápis também é muito diversificada, pinta paisagens, retratos, nus, composições de género, ilustrações de livros, reconstruções literárias e históricas e fantasias.