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Delacroix. Liberdade guiando o povo

1830
260x325 cm Louvre, Paris

“Escolhi um tema moderno, uma cena nas barricadas. .. Se não lutei pela liberdade da pátria, pelo menos devo glorificar essa liberdade ”, informou Delacroix ao irmão, referindo-se à pintura“ Freedom Leading the People ”(também a conhecemos sob o nome“ Freedom on barricadas"). O apelo nele contido à luta contra a tirania foi ouvido e aceito com entusiasmo pelos contemporâneos.

Svoboda, de peito nu, caminha sobre os cadáveres dos revolucionários caídos, chamando os rebeldes a segui-lo. Em sua mão erguida, ela segura a bandeira tricolor republicana, e suas cores - vermelho, branco e azul - ecoam por toda a tela. Em sua obra-prima, Delacroix combinou o aparentemente incompatível - o realismo protocolar da reportagem com o tecido sublime da alegoria poética. Ele deu um som épico e atemporal a um pequeno episódio de luta de rua. A personagem central da tela é a Liberdade, que combinou a postura majestosa de Afrodite de Milo com os traços que Auguste Barbier dotou a Liberdade: “Esta é uma mulher forte com seios poderosos, com voz rouca, com fogo nos olhos, rápida , com passo largo.”

Encorajado pelo sucesso da Revolução de 1830, Delacroix começou a trabalhar na pintura em 20 de setembro para glorificar a Revolução. Em março de 1831, recebeu um prêmio por ela e, em abril, expôs a pintura no Salão. O quadro, com sua força violenta, repelia os visitantes burgueses, que também censuravam o artista por mostrar apenas "ralé" nessa ação heróica. No salão, em 1831, o Ministério do Interior francês compra "Liberty" para o Museu de Luxemburgo. Após 2 anos, "Liberdade", cujo enredo foi considerado muito politizado, foi retirado do museu e devolvido ao autor. O rei comprou a pintura, mas, assustado com seu caráter, perigoso durante o reinado da burguesia, mandou escondê-la, enrolá-la e depois devolvê-la ao autor (1839). Em 1848, o Louvre exige a pintura. Em 1852 - o Segundo Império. A pintura é novamente considerada subversiva e enviada para o depósito. Nos últimos meses do Segundo Império, a "Liberdade" voltou a ser vista como um grande símbolo, e as gravuras dessa composição serviram à causa da propaganda republicana. Após 3 anos, é retirado de lá e exibido na exposição mundial. Neste momento, Delacroix o reescreve novamente. Talvez ele escureça o tom vermelho brilhante do chapéu para suavizar sua aparência revolucionária. Delacroix morre em casa em 1863. E depois de 11 anos, "Liberdade" é exibida novamente no Louvre.

O próprio Delacroix não participou dos "três dias gloriosos", observando o que acontecia das janelas de sua oficina, mas após a queda da monarquia Bourbon, decidiu perpetuar a imagem da Revolução.

Visão detalhada da imagem: *Realismo e idealismo.*
A imagem da Liberdade poderia ter sido criada pelo artista sob a impressão, por um lado, do poema romântico de Byron, Childe Harold's Pilgrimage, e, por outro lado, da antiga estátua grega da Vênus de Milo, que acabara de ser encontrada pelos arqueólogos da época. No entanto, os contemporâneos de Delacroix consideravam seu protótipo a lendária lavadeira Anna-Charlotte, que foi para as barricadas após a morte de seu irmão e destruiu nove guardas suíços.
Essa figura em um coco alto foi por muito tempo considerada um autorretrato do artista, mas agora está correlacionada com Etienne Arago, um republicano fanático e diretor do teatro Vaudeville. Durante os eventos de julho, Arago forneceu aos rebeldes armas dos adereços de seu teatro. Na tela de Delacroix, esse personagem reflete a participação da burguesia na revolução.
Na cabeça da Liberdade, vemos seu atributo tradicional - um cocar cônico com ponta pontiaguda, chamado de "boné frígio". Esse cocar já foi usado por soldados persas.
Um menino de rua também participa da batalha. Sua mão levantada com uma pistola repete o gesto da Liberdade. A expressão excitada no rosto da moleca enfatiza, em primeiro lugar, a luz que cai de lado e, em segundo lugar, a silhueta escura do cocar.
A figura de um artesão brandindo uma lâmina simboliza a classe trabalhadora de Paris, que desempenhou um papel de liderança no levante.
irmão morto Este cadáver seminu, segundo especialistas, é identificado como o falecido irmão de Anna-Charlotte, que se tornou o protótipo da Liberdade. O mosquete que Liberty segura na mão pode ser sua arma.

325 x 260 cm.
Louvre.

O enredo da pintura "Liberdade nas Barricadas", exposto no Salão em 1831, é voltado para os acontecimentos da revolução burguesa de 1830. O artista criou uma espécie de alegoria da união entre a burguesia, representada no quadro por um jovem de cartola, e as pessoas que o cercam. É verdade que, na época em que o quadro foi feito, a união do povo com a burguesia já havia se rompido e por muitos anos ficou escondida do espectador. A pintura foi comprada (encomendada) por Louis-Philippe, que financiou a revolução, mas a composição piramidal clássica desta tela enfatiza seu simbolismo revolucionário romântico, e os traços enérgicos de azul e vermelho tornam o enredo emocionantemente dinâmico. Uma jovem personificando a Liberdade em um boné frígio ergue-se em uma silhueta clara contra o fundo de um céu claro; seu peito está exposto. Bem acima de sua cabeça, ela segura a bandeira nacional francesa. O olhar da heroína da tela está fixado em um homem de cartola com rifle, personificando a burguesia; à sua direita, um menino brandindo pistolas, Gavroche, é um herói popular das ruas parisienses.

A pintura foi doada ao Louvre por Carlos Beistegui em 1942; Incluído na coleção do Louvre em 1953.

Marfa Vsevolodovna Zamkova.
http://www.bibliotekar.ru/muzeumLuvr/46.htm

“Escolhi um tema moderno, uma cena nas barricadas. .. Se eu não lutasse pela liberdade da pátria, pelo menos deveria glorificar essa liberdade ”, informou Delacroix ao irmão, referindo-se à pintura “Liberdade Guiando o Povo” (também a conhecemos sob o nome “Liberdade para barricadas"). O apelo nele contido à luta contra a tirania foi ouvido e aceito com entusiasmo pelos contemporâneos.
Svoboda, de peito nu, caminha sobre os cadáveres dos revolucionários caídos, chamando os rebeldes a segui-lo. Em sua mão erguida, ela segura a bandeira tricolor republicana, e suas cores - vermelho, branco e azul - ecoam por toda a tela. Em sua obra-prima, Delacroix combinou o aparentemente incompatível - o realismo protocolar da reportagem com o tecido sublime da alegoria poética. Ele deu um som épico e atemporal a um pequeno episódio de luta de rua. A personagem central da tela é a Liberdade, que combinou a postura majestosa de Afrodite de Milo com aquelas características que Auguste Barbier dotou a Liberdade: “Esta é uma mulher forte com seios poderosos, com voz rouca, com fogo nos olhos, rápido , com passo largo.”

Descrição do trabalho

O romantismo sucede o Iluminismo e coincide com a revolução industrial, marcada pelo advento da máquina a vapor, da locomotiva a vapor, do barco a vapor e da fotografia e da periferia fabril. Se o Iluminismo se caracteriza pelo culto à razão e à civilização com base em seus princípios, o romantismo afirma o culto à natureza, aos sentimentos e ao natural no homem. Foi na era do romantismo que se formaram os fenômenos do turismo, montanhismo e piqueniques, destinados a restaurar a unidade do homem e da natureza.

1. Introdução. Descrição do contexto histórico e cultural da época.
2- Biografia do autor.
3- Espécie, filiação de gênero, enredo, características da linguagem formal (composição, material, técnica, pinceladas, coloração), o conceito criativo da imagem.
4- Pintura "Liberdade nas barricadas).
5- Análise com um contexto moderno (substanciação da pertinência).

Arquivos: 1 arquivo

Academia Estadual de Chelyabinsk

Cultura e Artes.

Trabalho de exame semestral em uma imagem de arte

EUGENE DELACROIX LIBERDADE NAS BARRICADAS.

Preenchido por um aluno do segundo ano do grupo 204 TV

Rusanova Irina Igorevna

Verificado pela professora de artes plásticas Gindina O.V.

Chelyabinsk 2012

1. Introdução. Descrição do contexto histórico e cultural da época.

3- Espécie, filiação de gênero, enredo, características da linguagem formal (composição, material, técnica, pinceladas, coloração), o conceito criativo da imagem.

4- Pintura "Liberdade nas barricadas).

5- Análise com um contexto moderno (substanciação da pertinência).

ARTE DOS PAÍSES DA EUROPA OCIDENTAL EM MEADOS DO SÉC. XIX.

O romantismo sucede o Iluminismo e coincide com a revolução industrial, marcada pelo advento da máquina a vapor, da locomotiva a vapor, do barco a vapor e da fotografia e da periferia fabril. Se o Iluminismo se caracteriza pelo culto à razão e à civilização baseada em seus princípios, o romantismo afirma o culto à natureza, aos sentimentos e ao natural no homem. Foi na era do romantismo que se formaram os fenômenos do turismo, montanhismo e piqueniques, destinados a restaurar a unidade do homem e da natureza. A imagem do “nobre selvagem”, armado com “sabedoria popular” e não estragado pela civilização, está em demanda. Ou seja, os românticos queriam mostrar uma pessoa incomum em circunstâncias incomuns.

O desenvolvimento do romantismo na pintura procedeu em forte controvérsia com um adepto do classicismo. Os românticos censuraram seus predecessores pela "racionalidade fria" e pela ausência de um "movimento de vida". Nas décadas de 1920 e 1930, as obras de muitos artistas se distinguiam pelo pathos e pela excitação nervosa; neles tem havido uma tendência para motivos exóticos e um jogo da imaginação que pode nos afastar da "vida cotidiana obscura". A luta contra as normas classicistas congeladas durou muito tempo, quase meio século. O primeiro que conseguiu consolidar uma nova direção e "justificar" o romantismo foi Theodore Géricault

Os marcos históricos que determinaram o desenvolvimento da arte da Europa Ocidental em meados do século XIX foram as revoluções europeias de 1848-1849. e a Comuna de Paris de 1871. Nos maiores países capitalistas há um rápido crescimento do movimento operário. Existe uma ideologia científica do proletariado revolucionário, cujos fundadores foram K. Marx e F. Engels. O aumento da atividade do proletariado desperta o ódio furioso da burguesia, que reúne em torno de si todas as forças da reação.

Com as revoluções de 1830 e 1848-1849. as maiores conquistas da arte estão conectadas, com base nas direções das quais durante esse período foram o romantismo revolucionário e o realismo democrático. Os representantes mais proeminentes do romantismo revolucionário na arte de meados do século XIX. Havia o pintor francês Delacroix e o escultor francês Rude.

Ferdinand Victor Eugene Delacroix (francês Ferdinand Victor Eugène Delacroix; 1798-1863) - pintor e artista gráfico francês, líder da direção romântica na pintura europeia. A primeira pintura de Delacroix foi Dante's Boat (1822), que expôs no Salon.

A obra de Eugene Delacroix pode ser dividida em dois períodos. Na primeira, o artista esteve próximo da realidade, na segunda, distancia-se dela gradativamente, limitando-se a enredos colhidos na literatura, na história e na mitologia. Pinturas mais significativas:

"Massacre em Chios" (1823-1824, Louvre, Paris) e "Liberdade nas Barricadas" (1830, Louvre, Paris)

Pintura "Liberdade nas barricadas".

A tela romântica revolucionária "Liberdade nas Barricadas" está associada à Revolução de Julho de 1830 em Paris. O artista concretiza o local da ação - à direita surge a ilha de Cité e as torres da Catedral de Notre Dame. As imagens de pessoas também são bastante específicas, cuja pertença social pode ser determinada tanto pela natureza de seus rostos quanto por seus trajes. O espectador vê os trabalhadores rebeldes, estudantes, meninos parisienses e intelectuais.

A imagem deste último é o autorretrato de Delacroix. Sua introdução na composição mais uma vez indica que o artista se sente participante do que está acontecendo. Uma mulher atravessa a barricada ao lado do rebelde. Ela está nua até a cintura: na cabeça está um boné frígio, em uma das mãos uma arma, na outra uma bandeira. Esta é uma alegoria da Liberdade conduzindo o povo (daí o segundo nome da pintura é Liberdade conduzindo o povo). No ritmo de mãos levantadas, rifles, sabres, subindo das profundezas do movimento, nas nuvens de fumaça de pólvora, nos acordes de som maior da bandeira vermelha-branca-azul - o ponto mais brilhante da imagem - pode-se sentir o ritmo acelerado da revolução.

A pintura foi exibida no Salão de 1831, a tela causou uma tempestade de aprovação pública. O novo governo comprou a pintura, mas ao mesmo tempo ordenou imediatamente que fosse retirada, seu pathos parecia muito perigoso.No entanto, por quase vinte e cinco anos, devido ao caráter revolucionário da trama, a obra de Delacroix não foi exibida.

Atualmente localizado na 77ª sala no 1º andar da Galeria Denon no Louvre.

A composição da imagem é muito dinâmica. A artista deu uma sonoridade épica e atemporal a um simples episódio de briga de rua. Os rebeldes sobem à barricada recapturados das tropas reais, e a própria Liberdade os conduz. Os críticos viram nela "um cruzamento entre um comerciante e uma deusa grega antiga". De fato, o artista deu à sua heroína tanto a postura majestosa da Vênus de Milo quanto aquelas características que o poeta Auguste Barbier, cantor da revolução de 1830, dotou a Freedom: “Esta é uma mulher forte com um peito poderoso, com voz rouca, com fogo nos olhos, rápida, com passo largo. O Liberty ergue a bandeira tricolor da República Francesa; segue-se uma multidão armada: artesãos, militares, burgueses, adultos, crianças.

Aos poucos, um muro cresceu e se fortaleceu, separando Delacroix e sua arte da realidade. Assim fechado em sua solidão, a revolução de 1830 o encontrou. Tudo o que há poucos dias constituía o sentido da vida da geração romântica foi instantaneamente jogado para trás, passou a “parecer pequeno” e desnecessário diante da grandeza dos acontecimentos ocorridos.

O espanto e o entusiasmo vividos nestes dias invadem a vida reclusa de Delacroix. A realidade perde para ele sua casca repulsiva de vulgaridade e cotidianidade, revelando a grandeza real, que ele nunca viu nela e que havia buscado anteriormente nos poemas de Byron, nas crônicas históricas, na mitologia antiga e no Oriente.

Os dias de julho ecoaram na alma de Eugene Delacroix com a ideia de uma nova pintura. As batalhas de barricadas de 27, 28 e 29 de julho na história da França decidiram o resultado de uma convulsão política. Hoje em dia, o rei Carlos X, o último representante da dinastia Bourbon odiada pelo povo, foi derrubado. Pela primeira vez para Delacroix, este não era um enredo histórico, literário ou oriental, mas a vida real. No entanto, antes que essa ideia fosse concretizada, ele teve que percorrer um longo e difícil caminho de mudança.

R. Escollier, biógrafo do artista, escreveu: "Logo no início, à primeira impressão do que viu, Delacroix não pretendia retratar a Liberdade entre seus adeptos ... Ele simplesmente queria reproduzir um dos episódios de julho, como como a morte de d" Arcole ". Sim , então muitos feitos foram realizados e sacrifícios foram feitos. A morte heróica de d" Arcol está associada à captura da Prefeitura de Paris pelos rebeldes. No dia em que as tropas reais mantiveram sob fogo a ponte pênsil Greve, apareceu um jovem que correu para a prefeitura. Ele exclamou: "Se eu morrer, lembre-se que meu nome é d" Arcole ". Ele realmente foi morto, mas conseguiu arrastar o povo com ele e a prefeitura foi tomada.

Eugene Delacroix fez um esboço com uma caneta, que talvez tenha se tornado o primeiro esboço para uma futura pintura. O fato de não se tratar de um desenho comum é evidenciado pela escolha exata do momento, pela completude da composição, pelos acentos ponderados em figuras individuais e pelo fundo arquitetônico, organicamente mesclado com a ação e outros detalhes. Este desenho poderia realmente servir de esboço para uma futura pintura, mas o crítico de arte E. Kozhina acreditava que era apenas um esboço que nada tinha a ver com a tela que Delacroix pintou posteriormente, avançando e cativando os insurgentes com seu impulso heróico .Eugène Delacroix transfere esse papel central para a própria Liberty.

Ao trabalhar em uma imagem na visão de mundo de Delacroix, dois princípios opostos colidiram - a inspiração inspirada pela realidade e, por outro lado, uma desconfiança dessa realidade que há muito estava enraizada em sua mente. Desconfie do fato de que a vida pode ser bela em si mesma, de que as imagens humanas e os meios puramente pictóricos podem transmitir a ideia da imagem em sua totalidade. Essa desconfiança ditou a figura simbólica da Liberdade de Delacroix e alguns outros refinamentos alegóricos.

O artista transfere todo o evento para o mundo da alegoria, nós refletimos a ideia da mesma forma que o Rubens idolatrado por ele (Delacroix disse ao jovem Edouard Manet: “Você precisa ver Rubens, você precisa sentir Rubens, você precisa copiar Rubens, porque Rubens é um deus”) em suas composições, personificando conceitos abstratos. Mas Delacroix ainda não segue seu ídolo em tudo: a liberdade para ele é simbolizada não por uma divindade antiga, mas pela mulher mais simples, que, no entanto, se torna majestosa majestosa.

A Liberdade Alegórica é cheia de verdade vital, em um impulso rápido vai à frente da coluna de revolucionários, arrastando-os e expressando o significado mais alto da luta - o poder da ideia e a possibilidade de vitória. Se não soubéssemos que o Nika de Samotrácia foi desenterrado do solo após a morte de Delacroix, poderíamos supor que o artista foi inspirado por esta obra-prima.

Muitos historiadores da arte notaram e censuraram Delacroix pelo fato de que toda a grandeza de sua pintura não pode obscurecer a impressão que a princípio acaba sendo apenas imperceptível. Estamos falando de um choque na mente do artista de aspirações opostas, que marcaram mesmo na tela concluída, a hesitação de Delacroix entre um desejo sincero de mostrar a realidade (como ele a via) e um desejo involuntário de elevá-la à cothurna , entre uma atração pela pintura emocional, direta e já consagrada acostumada à tradição artística. Muitos não ficaram satisfeitos com o fato de que o realismo mais implacável, que horrorizou o bem-intencionado público dos salões de arte, foi combinado nesta imagem com uma beleza impecável e ideal. Notando como virtude o sentimento de autenticidade da vida, que nunca antes havia se manifestado na obra de Delacroix (e nunca mais então), o artista foi censurado pela generalização e simbolismo da imagem da Liberdade. Porém, para a generalização de outras imagens, culpabilizando o artista pelo fato de a nudez naturalista de um cadáver em primeiro plano ser adjacente à nudez da Liberdade.

Mas, apontando para a natureza alegórica da imagem principal, alguns pesquisadores se esquecem de notar que a natureza alegórica da Liberdade não cria dissonância com o resto das figuras da imagem, não parece tão estranha e excepcional na imagem quanto pode parecer à primeira vista. Afinal, o resto dos personagens atuantes também são alegóricos em essência e em seu papel. Em sua pessoa, Delacroix, por assim dizer, traz à tona aquelas forças que fizeram a revolução: os trabalhadores, a intelectualidade e a plebe de Paris. Um trabalhador de blusa e um estudante (ou artista) com uma arma são representantes de estratos bastante definidos da sociedade. Estas são, sem dúvida, imagens brilhantes e confiáveis, mas Delacroix traz essa generalização delas para símbolos. E esta alegórica, que já se sente claramente nelas, atinge o seu maior desenvolvimento na figura da Liberdade. Esta é uma deusa formidável e bela e, ao mesmo tempo, uma ousada parisiense. E ali perto, um menino ágil e desgrenhado pula nas pedras, gritando de alegria e brandindo pistolas (como se orquestrasse acontecimentos), um pequeno gênio das barricadas parisienses, a quem Victor Hugo chamará de Gavroche daqui a 25 anos.

A pintura "Liberdade nas Barricadas" encerra o período romântico na obra de Delacroix. O próprio artista gostava muito dessa sua pintura e fez muitos esforços para colocá-la no Louvre. No entanto, depois que a "monarquia burguesa" tomou o poder, a exibição dessa tela foi proibida. Somente em 1848, Delacroix pôde expor sua pintura mais uma vez, e até por muito tempo, mas após a derrota da revolução, ela acabou por muito tempo no depósito. O verdadeiro significado desta obra de Delacroix é determinado pelo seu segundo nome, não oficial: muitos há muito se acostumaram a ver nesta pintura a "Marselhesa da Pintura Francesa".

A pintura é sobre tela. Ela foi pintada a óleo.

ANÁLISE DA IMAGEM POR COMPARAÇÃO DA LITERATURA MODERNA E RELEVÂNCIA.

própria percepção da imagem.

No momento, acredito que a pintura Liberty at the Barricades, de Delacroix, é muito relevante em nosso tempo.

O tema da revolução e da liberdade ainda emociona não só as grandes mentes, mas também o povo. Agora a liberdade da humanidade está sob a liderança do poder. As pessoas são limitadas em tudo, a humanidade é movida pelo dinheiro e a burguesia está na liderança.

No século 21, a humanidade tem mais oportunidades de ir a comícios, piquetes, manifestos, desenhar e criar textos (mas há exceções se o texto for classificado como extremismo), nos quais eles corajosamente mostram suas posições e pontos de vista.

Recentemente, o tema da liberdade e revolução na Rússia também se tornou mais relevante do que antes. Tudo isso está relacionado com os últimos acontecimentos da oposição (os movimentos "Frente de Esquerda", "Solidariedade", o partido de Navalnov e Boris Nemtsov)

Cada vez mais ouvimos slogans pedindo liberdade e uma revolução no país. Os poetas modernos expressam isso claramente em seus versos. Um exemplo é Alexei Nikonov. Sua rebelião revolucionária e sua posição em relação a toda a situação do país se manifestam não só na poesia, mas também em suas canções.

Também acredito que nosso país precisa de um golpe revolucionário. Você não pode tirar a liberdade da humanidade, prendê-los e forçá-los a trabalhar para o sistema. Uma pessoa tem o direito de escolha, liberdade de expressão, mas eles estão tentando tirar isso. E não há limites - você é um bebê, uma criança ou um adulto. Portanto, as pinturas de Delacroix estão muito próximas de mim, assim como ele.

Gótico não é um estilo; O gótico nunca acabou: catedrais foram construídas por 800-900 anos, catedrais queimadas e reconstruídas. Catedrais foram bombardeadas e explodidas. E eles construíram novamente. O gótico é uma imagem da auto-reprodução da Europa, da sua vontade de viver. O gótico é a força das cidades, porque as catedrais foram erguidas por decisão da comuna da cidade e eram uma causa comum dos concidadãos.

As catedrais não são apenas monumentos religiosos. O gótico é a imagem da república, porque as catedrais incorporam a retaguarda das cidades e a vontade unificada da sociedade. O gótico é a própria Europa, e hoje, quando a Catedral de Notre Dame pegou fogo, parece que a Europa chegou ao fim.

Nada mais simbólico aconteceu no mundo desde 11 de setembro de 2001. Já foi dito: a civilização européia acabou.

É difícil não colocar o incêndio de Notre Dame numa série de acontecimentos que destroem, desmentem a Europa. Tudo é um a um: o motim dos "coletes amarelos", Brexit, fermentação na União Europeia. E agora a torre da grande catedral gótica desabou.

Não, a Europa não acabou.

O gótico em princípio não pode ser destruído: é um organismo que se auto-reproduz. Como uma república, como a própria Europa, o gótico nunca é autêntico - sobre uma catedral recém-construída, como sobre uma república recém-criada, não se pode dizer "refazer" - isso significa não entender a natureza da catedral. A catedral e a república são construídas com esforços diários, sempre morrem para ressuscitar.

A ideia europeia de uma república foi queimada e afogada muitas vezes, mas continua viva.

1.

A Balsa da Medusa, 1819, Theodore Géricault

Em 1819, o francês Théodore Géricault pinta o quadro A Balsa da Medusa. A trama é conhecida - a queda da fragata "Medusa".

Ao contrário das leituras existentes, interpreto esta imagem como um símbolo da morte da Revolução Francesa.

Géricault era um bonapartista convicto: lembre-se de seus guardas de cavalaria partindo para o ataque. Em 1815, Napoleão é derrotado em Waterloo, e os aliados o mandam para um exílio mortal na ilha de Santa Helena.

A jangada da foto é Santa Helena; e a fragata afundada é o Império Francês. O império de Napoleão foi uma simbiose de leis progressistas e conquistas coloniais, constituição e violência, agressão, acompanhada pela abolição da servidão nas áreas ocupadas.

Os vencedores da França napoleônica - Prússia, Grã-Bretanha e Rússia - na pessoa do "monstro da Córsega" suprimiram até mesmo a memória da Revolução Francesa que outrora abolira a Velha Ordem (para usar a expressão de Tocqueville e Taine). O império francês foi derrotado, mas o sonho de uma Europa unida com uma única constituição foi destruído junto com ele.

Uma jangada perdida no oceano, um refúgio sem esperança de um design outrora majestoso - assim escreveu Théodore Géricault. Géricault terminou a pintura em 1819 - desde 1815 procurava como expressar o desespero. A restauração dos Bourbons ocorreu, o pathos da revolução e as façanhas da velha guarda foram ridicularizados - e agora o artista escreveu a Waterloo após a derrota:

olhe de perto, os cadáveres na jangada estão lado a lado como em um campo de batalha.

A tela é escrita do ponto de vista dos perdedores, estamos entre os cadáveres em uma jangada lançada ao oceano. Há um comandante-chefe na barricada de cadáveres, vemos apenas suas costas, um herói solitário acenando com um lenço - este é o mesmo corso condenado à morte no oceano.

Géricault escreveu um réquiem para a revolução. A França sonhava em unir o mundo; a utopia desmoronou. Delacroix, o camarada mais jovem de Géricault, relembrou como ficou chocado com a foto da professora, saiu correndo do estúdio do artista e correu para correr - fugiu de sentimentos avassaladores. Para onde ele fugiu é desconhecido.

2.

Delacroix costuma ser chamado de artista revolucionário, embora isso não seja verdade: Delacroix não gostava de revoluções.

O ódio de Delacroix pela república foi transmitido geneticamente. Dizem que o artista era filho biológico do diplomata Talleyrand, que odiava revoluções, e o pai oficial do artista era o ministro das Relações Exteriores da República Francesa, Charles Delacroix, que se demitiu honrosamente para abrir espaço para o verdadeiro pai de sua prole. É uma pena acreditar em boatos, é impossível não acreditar. O cantor da liberdade (quem não conhece o quadro “Liberty Leading the People”?) é a carne da carne de um colaborador sem princípios que jurou fidelidade a qualquer regime para se manter no poder - isso é estranho, mas se você estudar Nas telas de Delacroix, você pode encontrar semelhanças com a política de Talleyrand.

O Barco de Dante de Delacroix

Imediatamente após a tela “A Jangada da Medusa”, aparece a pintura “O Barco de Dante” de Delacroix. Outro barco perdido no elemento água, e o elemento, como o plano inferior da pintura “A Balsa da Medusa”, está repleto de corpos sofredores. No oitavo canto do Inferno, Dante e Virgílio atravessam a nado o rio Styx, no qual se contorcem os “irritados” e os “ofendidos” - temos diante de nós a mesma velha guarda que jaz, morta, na jangada de Géricault. Compare os ângulos dos corpos - esses são os mesmos personagens. Dante/Delacroix nada sobre os caídos sem compaixão, passa pela cidade infernal em chamas de Dit (leia-se: o império queimado) e se afasta. “Eles não valem palavras, olhe e passe”, disse o florentino, mas Dante tinha em mente gananciosos e filisteus, Delacroix diz o contrário. Se A Balsa da Medusa é um réquiem para um império revolucionário, então a Barca de Dante deixa o bonapartismo em um rio de esquecimento.

Em 1824, Delacroix escreveu outra réplica de "A Balsa" de Géricault - "A Morte de Sardanapalus". A cama de um tirano oriental flutua nas ondas da libertinagem e da violência - escravos matam concubinas e cavalos perto do leito de morte do governante, para que o rei morra junto com seus brinquedos. A Morte de Sardanapalus é uma descrição do reinado de Luís XVIII, o Bourbon, marcado por diversões frívolas. Byron inspirou a comparação da monarquia européia com a satrapia assíria: todos leram o drama Sardanapalus (1821). Delacroix repetiu o pensamento do poeta: depois do colapso das grandes ideias que unem a Europa, chegou o reino da libertinagem.

A Morte de Sardanapalus por Delacroix

Byron sonhava em agitar a sonolenta Europa: ele era um ludita, denunciou a gananciosa Grã-Bretanha, lutou na Grécia; A coragem de Byron despertou a retórica cívica de Delacroix (além de The Death of Sardanapalus, veja a tela Massacre at Chios); no entanto, ao contrário do romântico inglês, Delacroix não é propenso a projetos brutais. Como Talleyrand, o artista pesa as possibilidades e escolhe o meio-termo. Nas telas principais - marcos na história política da França: da república - ao império; do império à monarquia; da monarquia à monarquia constitucional. A imagem a seguir é dedicada a este projeto.

3.

"Liberdade Guiando o Povo" de Delacroix

A grande revolução e o grande império desapareceram no oceano da história, a nova monarquia acabou sendo miserável - também se afogou. É assim que aparece a terceira réplica de Delacroix de A Balsa da Medusa - a pintura do livro "A Liberdade Guiando o Povo", retratando os parisienses na barricada. É geralmente aceito que esta tela é um símbolo da revolução. Diante de nós está a barricada de 1830; o poder de Carlos X, que sucedeu Luís XVIII no trono, é derrubado.

Os Bourbons estão fora! Novamente vemos uma jangada flutuando entre os corpos - desta vez é uma barricada.

Atrás da barricada há um brilho: Paris está em chamas, a velha ordem está em chamas. É tão simbólico. Uma mulher seminua, a personificação da França, agita o estandarte como o infeliz na jangada da Medusa. Sua esperança tem endereço: sabe-se quem está substituindo os Bourbons. O espectador se engana sobre o pathos da obra, diante de nós está apenas uma mudança de dinastias - os Bourbons foram derrubados, o trono passou para Louis Philippe, representando o ramo de Orleans dos Valois. Os insurgentes na barricada não lutam pelo poder popular, lutam pela chamada Carta de 1814 sob um novo rei, ou seja, por uma monarquia constitucional.

Para não ter dúvidas sobre a devoção do artista à dinastia Valois, Delacroix escreveu “A Batalha de Nancy” no mesmo ano, recordando o acontecimento de 1477. Nesta batalha, Carlos X da Borgonha caiu, e o vasto ducado da Borgonha passa sob a coroa de Valois. (Que rima: Carlos X da Borgonha e Carlos X de Bourbon caíram para a maior glória dos Valois.) Se você não considerar a tela "Liberdade Guiando o Povo" junto com a "Batalha de Nancy", então o significado de a imagem escapa. Diante de nós, sem dúvida, está uma barricada e uma revolução - mas peculiar.

Quais são as opiniões políticas de Delacroix? Dirão que ele é pela liberdade, vejam: A liberdade conduz o povo. Mas onde?

O inspirador da Revolução de Julho de 1830 foi Adolphe Thiers, o mesmo Thiers que, 40 anos depois, em 1871, fuzilaria a Comuna de Paris. Foi Adolphe Thiers quem deu início à vida de Delacroix ao escrever uma resenha de Dante's Boat. Foi o mesmo Adolphe Thiers, que foi chamado de "monstro anão", e o mesmo "rei pera" Louis Philippe, sobre quem o socialista Daumier desenhou centenas de caricaturas, pelas quais foi preso - por causa de seu triunfo é vale Marianne seminua com um estandarte. “E eles estavam entre nossas colunas, às vezes os porta-estandartes de nossos estandartes”, como o poeta Naum Korzhavin disse amargamente mais de cem anos depois que o filho de Talleyrand pintou o famoso quadro revolucionário.

Caricaturas de Daumier de Louis Philippe, o Rei da Pêra

Dir-se-á que esta é uma abordagem sociológica vulgar da arte, e a própria imagem diz o contrário. Não, a imagem diz exatamente isso - se você ler o que está desenhado na imagem.

A pintura clama por uma república? Rumo a uma monarquia constitucional? Rumo à democracia parlamentar?

Infelizmente, não há barricadas “em geral”, assim como não há “oposição não sistêmica”.

Delacroix não pintou telas aleatórias. Seu cérebro frio e puramente racional encontrou as linhas certas nas batalhas políticas. Ele trabalhou com o propósito do Kukryniksy e com a convicção de Deineka. A sociedade formou a ordem; avaliando sua viabilidade, o artista pegou o pincel. Muitos querem ver um rebelde neste pintor - mas nos "coletes amarelos" de hoje muitos veem "rebeldes", e os bolcheviques se autodenominaram "jacobinos" por muitos anos. Essa é a curiosidade que as visões republicanas transformam quase espontaneamente em imperiais – e vice-versa.

As repúblicas surgem da resistência à tirania - uma borboleta nasce de uma lagarta; a metamorfose da história social dá esperança. A constante transformação de uma república em império e vice-versa - de um império em república, esse mecanismo recíproco parece ser uma espécie de perpetuum mobile da história ocidental.

A história política da França (e da Rússia, aliás) demonstra a constante transformação do império em república e da república em império. Que a revolução de 1830 terminou com uma nova monarquia é metade do problema; o importante é que a intelectualidade saciou sua sede de mudança social: afinal, um parlamento foi formado sob a monarquia.

Um aparato administrativo superdimensionado com rotação a cada cinco anos; com uma abundância de membros do parlamento, a rotação envolve uma dúzia de pessoas por ano. Este é o parlamento da oligarquia financeira; rebeliões estouraram - os feios foram baleados. Há uma água-forte de Daumier "Rue Transnanin, 19": o artista pintou em 1934 uma família de manifestantes baleados. Os habitantes da cidade mortos poderiam estar na barricada de Delacroix, pensando que estavam lutando pela liberdade, mas agora jazem lado a lado, como cadáveres na jangada da Medusa. E foram baleados pelo mesmo guarda com cocar que fica ao lado de Marianne na barricada.

4.

1830 - início da colonização da Argélia, Delacroix foi delegado com a missão de artista estatal à Argélia. Ele não pinta as vítimas da colonização, não cria uma tela igual ao pathos do "Massacre de Chios", em que marcou a agressão turca na Grécia. Telas românticas são dedicadas a Argel; raiva - da Turquia, principal paixão do artista a partir de agora - a caça.

Acredito que em leões e tigres Delacroix viu Napoleão - a comparação do imperador com o tigre foi aceita - e algo mais do que um imperador específico: força e poder. Predadores atormentando cavalos (lembre-se da "Corrida de Cavalos Livres" de Géricault) - realmente só me parece que um império é retratado atormentando a república? Não há pintura mais politizada do que as "caçadas" de Delacroix - o artista tomou emprestada uma metáfora do diplomata Rubens, que através das "caçadas" transmitia a transformação do mapa político. Os fracos estão condenados; mas condenado e forte, se a perseguição for organizada com competência.

Corrida Gratuita de Cavalos Géricault

Em 1840, a política francesa visava apoiar o sultão egípcio Mahmut Ali, que estava em guerra com o Império Turco. Em aliança com a Inglaterra e a Prússia, o primeiro-ministro francês Thiers clama pela guerra: devemos tomar Constantinopla! E assim Delacroix pinta em 1840 a gigantesca tela "A Captura de Constantinopla pelos Cruzados" - ele escreve exatamente quando necessário.

No Louvre, o espectador pode passar por A Balsa da Medusa, O Barco de Dante, A Morte de Sardanapalus, A Liberdade Guiando o Povo, A Batalha de Nancy, A Captura de Constantinopla pelos Cruzados, As Mulheres de Argel - e o espectador é com certeza essas fotos são um sopro de liberdade. Na verdade, a mente do espectador foi implantada com aquela ideia de liberdade, lei e igualdade, que era conveniente para a burguesia financeira do século XIX.

Esta galeria é um exemplo de propaganda ideológica.

O Parlamento de julho sob Louis Philippe tornou-se um instrumento da oligarquia. Honore Daumier pintou os rostos inchados de ladrões parlamentares; ele também pintou as pessoas roubadas, lembre-se de suas lavadeiras e carruagens de terceira classe - e ainda na barricada Delacroix parecia estar de uma vez. O próprio Delacroix não estava mais interessado em mudança social. A revolução, como o filho de Talleyrand a entendeu, ocorreu em 1830; qualquer outra coisa é redundante. É verdade que o artista pinta seu autorretrato de 1837 tendo como pano de fundo um brilho, mas não se iluda - este não é de forma alguma o fogo da revolução. Uma compreensão dosada de justiça tornou-se popular ao longo dos anos entre os pensadores sociais. Está na ordem das coisas fixar as mudanças sociais em um ponto que pareça progressivo, e então, dizem eles, a barbárie virá (compare o desejo de parar a revolução russa na fase de fevereiro).

É fácil ver como cada nova revolução parece refutar a anterior. A revolução anterior aparece em relação ao novo protesto como o “velho regime” e até o “império”.

O Parlamento de julho de Louis Philippe se assemelha ao Parlamento Europeu de hoje; em todo caso, hoje a frase "Império de Bruxelas" tornou-se familiar à retórica de socialistas e nacionalistas. Os pobres, os nacionalistas, a direita e a esquerda estão se levantando contra o "Império de Bruxelas" - eles estão quase falando sobre uma nova revolução. Mas no passado recente, o próprio projeto de uma Europa Comum foi revolucionário em relação aos impérios totalitários do século XX.

Recentemente, parecia que isso era uma panacéia para a Europa: unificação em princípios republicanos e social-democratas, e não sob a bota do império; mas a metamorfose na percepção é uma coisa comum.

A simbiose do império-república (borboletas-lagartas) é característica da história europeia: o Império Napoleônico, a Rússia Soviética, o Terceiro Reich são precisamente caracterizados pelo fato de o império ter surgido da fraseologia republicana. E agora o mesmo conjunto de reivindicações foi apresentado a Bruxelas.

5.

Europa da social-democracia! Desde que Adenauer e De Gaulle dirigiram suas penas de ganso para ditaduras totalitárias, pela primeira vez em setenta anos e diante de meus olhos, seu misterioso mapa vem mudando. O conceito que foi criado pelos esforços dos vencedores do fascismo está se espalhando e desmoronando. Uma Europa comum continuará a ser uma utopia, e a jangada no oceano não evoca simpatia.

Já não precisam de uma Europa unida. Estados-nação são o novo sonho.

Forças centrífugas nacionais e protestos estaduais não coincidem em motivos, mas agem de forma sincronizada. As paixões dos catalães, dos escoceses, dos galeses, dos irlandeses; reivindicações estatais da Polônia ou Hungria; a política do país e a vontade do povo (Grã-Bretanha e França); os protestos sociais (“coletes amarelos” e manifestantes gregos) parecem ser fenómenos de outra ordem, mas é difícil negar que, agindo em uníssono, todos estão a participar numa causa comum – estão a destruir a União Europeia.

A violência dos “coletes amarelos” é chamada de revolução, as ações dos poloneses são chamadas de nacionalismo, “Brexit” é uma política de estado, mas, destruindo a União Européia, ferramentas de vários tamanhos trabalham juntas.

Se você disser a um radical de colete amarelo que ele está trabalhando com um nacionalista austríaco e a um ativista grego de direitos humanos que ele está ajudando o projeto polonês "de mar a mar", os manifestantes não acreditarão;

como Mélenchon não acredita que esteja de acordo com Marine Le Pen. Como deve ser chamado o processo de destruição da União Europeia: revolução ou contra-revolução?

No espírito das ideias das revoluções americana e francesa, eles colocam um sinal de igualdade entre o “povo” e o “estado”, mas o curso real dos eventos separa constantemente os conceitos de “povo”, “nação” e “estado ”. Quem protesta hoje contra a Europa Unida - o povo? nação? estado? Os “coletes amarelos” obviamente querem aparecer como “o povo”, a saída da Grã-Bretanha da UE é um passo do “estado”, e o protesto da Catalunha é um gesto da “nação”. Se a União Européia é um império, qual dessas etapas deve ser chamada de "revolução" e qual "contra-revolução"? Pergunte nas ruas de Paris ou Londres: em nome de que é preciso destruir acordos? A resposta será digna das barricadas de 1830 - em nome da Liberdade!

A liberdade é tradicionalmente entendida como os direitos do “terceiro estado”, as chamadas “liberdades burguesas”. Concordamos em considerar a "classe média" de hoje como uma espécie de equivalente ao "terceiro estado" do século XVIII - e a classe média reivindica seus direitos desafiando os atuais funcionários do estado. Este é o pathos das revoluções: o produtor se levanta contra o administrador. Mas está se tornando cada vez mais difícil usar os slogans do "terceiro estado": os conceitos de "ofício", "profissão", "emprego" são tão vagos quanto os conceitos de "proprietário" e "instrumento de trabalho". "Coletes amarelos" são variados na composição; mas este não é de forma alguma o "terceiro estado" de 1789.

O chefe de uma pequena empresa francesa de hoje não é um fabricante, ele próprio é o encarregado da administração: ele recebe e classifica os pedidos, contorna os impostos, passa horas no computador. Em sete de cada dez casos, seus funcionários são nativos da África e pessoas das repúblicas do antigo bloco de Varsóvia. Nas barricadas dos atuais "coletes amarelos" estão muitos "hussardos americanos" - assim eram chamados os africanos durante a Grande Revolução Francesa de 1789, que, aproveitando o caos, perpetraram represálias contra a população branca.

É constrangedor falar sobre isso, mas há uma ordem de magnitude mais "hussardos americanos" hoje do que no século XIX.

A "classe média" está agora a sentir a derrota - mas ainda assim a classe média tem vontade política para empurrar as barcaças de refugiados para longe da costa da Europa (aqui está outra fotografia de Géricault) e fazer valer os seus direitos não apenas em relação à classe dominante, mas, mais importante, e para estrangeiros. E como um novo protesto pode ser unido se visa desintegrar a associação? Protesto nacional, movimentos nacionalistas, demandas sociais, revanchismo monárquico e um apelo a um novo projeto total - tudo entrelaçado. Mas a Vendéia, que se rebelou contra a República, foi um movimento heterogêneo. Na verdade, a "rebelião vendiana" era camponesa, dirigida contra a administração republicana, e os "chuans" eram monarquistas; uma coisa uniu os rebeldes - o desejo de afogar a jangada da Medusa.

"Henri de La Rochejaquelin na Batalha de Cholet" de Paul-Emile Boutigny - um dos episódios da rebelião Vendée

O que estamos vendo hoje nada mais é do que a Vendée do século 21, um movimento multivetorial contra uma república pan-europeia. Uso o termo "Vendée" como uma definição específica, como o nome do processo que esmagará a fantasia republicana. Vendée, há um processo permanente na história, é um projeto antirrepublicano que visa transformar uma borboleta em lagarta.

Por mais paradoxal que pareça, não há luta pelos direitos civis propriamente ditos na atual jangada de Meduza. A sofrida "classe média" não é privada nem do direito de voto, nem da liberdade de reunião, nem da liberdade de expressão. A luta é por outra coisa - e se você prestar atenção ao fato de que a luta pela rejeição das obrigações mútuas na Europa coincidiu com a rejeição da simpatia pelos estrangeiros, a resposta parecerá estranha.

Há uma luta por um direito uniforme à opressão.

Mais cedo ou mais tarde, mas a Vendée encontra seu líder, e o líder acumula todas as reivindicações anti-republicanas em uma única conspiração imperial.

A “Politia” (a utopia de Aristóteles) é boa para todos, mas para que existisse uma sociedade de cidadãos iguais eram necessários escravos (segundo Aristóteles: “escravos nascidos”), e esse lugar de escravos está vago hoje. A questão não é se a classe média de hoje corresponde ao antigo terceiro estado; a questão é mais terrível - quem exatamente ocupará o lugar do proletariado e quem será nomeado no lugar dos escravos.

Delacroix não escreveu uma tela sobre isso, mas a resposta existe; a história o forneceu mais de uma vez.

E o oficial, desconhecido de todos,
Olha com desprezo, frio e mudo,
Em multidões violentas esmagamento sem sentido
E, ouvindo seu uivo frenético,
Irritado porque não há mão
Duas baterias: dissipe esse bastardo.

Provavelmente irá.

Hoje a catedral pegou fogo e amanhã um novo tirano varrerá a república e destruirá a União Européia. Isso pode acontecer.

Mas, fique tranquilo, a história do Gótico e da República não vai acabar aí. Haverá um novo Daumier, um novo Balzac, um novo Rabelais, um novo de Gaulle e um novo Viollet-le-Duc, que reconstruirá Notre-Dame.

Delacroix criou uma pintura baseada na Revolução de Julho de 1830, que pôs fim ao regime de Restauração da monarquia Bourbon. Depois de vários esboços preparatórios, ele levou apenas três meses para concluir a pintura. Em carta a seu irmão em 12 de outubro de 1830, Delacroix escreve: "Se não lutei pela Pátria, pelo menos escreverei por ela." A imagem também tem um segundo nome: "Liberdade guiando o povo". A princípio, o artista queria simplesmente reproduzir um dos episódios das batalhas de julho de 1830. Ele testemunhou a morte heróica de d "Arcol quando os rebeldes capturaram a Prefeitura de Paris. Um jovem apareceu na ponte suspensa de Greve sob fogo e exclamou:" Se eu morrer, lembre-se de que meu nome é d "Arcol". E ele realmente foi morto, mas conseguiu cativar o povo.

Em 1831, no Salão de Paris, os franceses viram pela primeira vez esta pintura, dedicada aos "três dias gloriosos" da Revolução de Julho de 1830. A tela impressionou os contemporâneos com o poder, a democracia e a coragem da decisão artística. Segundo a lenda, um respeitável burguês exclamou: “Você diz - o diretor da escola? Diga-me melhor - o chefe da rebelião! *** Após o fechamento do Salão, o governo, assustado com o apelo formidável e inspirador que emanava do quadro, apressou-se em devolvê-lo ao autor. Durante a revolução de 1848, foi novamente exposto ao público no Palácio de Luxemburgo. E novamente voltou para o artista. Somente depois que a tela foi exibida na Exposição Mundial de Paris em 1855, ela foi parar no Louvre. Uma das melhores criações do romantismo francês é mantida aqui até hoje - um relato inspirado de testemunha ocular e um monumento eterno à luta do povo por sua liberdade.

Que linguagem artística o jovem romântico francês encontrou para fundir esses dois princípios aparentemente opostos - uma generalização ampla e abrangente e uma realidade concreta, cruel em sua nudez?

Paris dos famosos dias de julho de 1830. À distância, quase imperceptíveis, mas com orgulho, erguem-se as torres da Catedral de Notre Dame - um símbolo da história, da cultura e do espírito do povo francês. De lá, da cidade enfumaçada, sobre as ruínas das barricadas, sobre os cadáveres de camaradas mortos, os insurgentes avançam teimosa e resolutamente. Cada um deles pode morrer, mas o passo dos rebeldes é inabalável - eles são inspirados pela vontade de vencer, de liberdade.

Essa força inspiradora se materializa na imagem de uma bela jovem, em uma explosão apaixonada que a chama. Com uma energia inesgotável, uma rapidez de movimento livre e juvenil, ela é como a deusa grega da vitória, Nike. Sua figura forte está vestida com um vestido de chiton, seu rosto de traços perfeitos, com olhos ardentes, está voltado para os rebeldes. Em uma das mãos ela segura a bandeira tricolor da França, na outra uma arma. Na cabeça está um boné frígio - um antigo símbolo de libertação da escravidão. Seu passo é rápido e leve - é assim que as deusas andam. Ao mesmo tempo, a imagem de uma mulher é real - ela é filha do povo francês. Ela é a força motriz por trás do movimento do grupo nas barricadas. Dele, como de uma fonte de luz no centro da energia, irradiam-se raios carregados de sede e vontade de vencer. Os que lhe estão próximos, cada um à sua maneira, expressam o seu envolvimento neste chamamento inspirador.

À direita está um menino, um gamen parisiense, brandindo pistolas. Ele está mais próximo da liberdade e, por assim dizer, inflamado por seu entusiasmo e alegria de livre impulso. Em um movimento rápido e impaciente de menino, ele está um pouco à frente de seu inspirador. Este é o antecessor do lendário Gavroche, retratado vinte anos depois por Victor Hugo em Os Miseráveis: “Gavroche, cheio de inspiração, radiante, assumiu a tarefa de colocar tudo em movimento. Ele correu para frente e para trás, levantou-se, caiu, levantou-se novamente, fez barulho, brilhou de alegria. Parece que ele veio aqui para animar a todos. Ele tinha algum motivo para isso? Sim, claro, sua pobreza. Ele tinha asas? Sim, claro, sua alegria. Foi uma espécie de turbilhão. Parecia encher o ar consigo mesmo, estando presente em todos os lugares ao mesmo tempo... Enormes barricadas o sentiam em sua espinha dorsal.**

Gavroche na pintura de Delacroix é a personificação da juventude, um "belo impulso", uma alegre aceitação da brilhante ideia de Liberdade. Duas imagens - Gavroche e Liberty - parecem se complementar: uma é uma fogueira, a outra é uma tocha acesa a partir dela. Heinrich Heine contou que resposta viva a figura de Gavroche evocou entre os parisienses. "Caramba! exclamou um merceeiro. "Aqueles meninos lutaram como gigantes!" ***

À esquerda está um estudante com uma arma. Anteriormente, era visto como um autorretrato do artista. Este rebelde não é tão rápido quanto Gavroche. Seu movimento é mais contido, mais concentrado, significativo. As mãos apertam com confiança o cano da arma, o rosto expressa coragem, firme determinação de resistir até o fim. Esta é uma imagem profundamente trágica. O aluno está ciente da inevitabilidade das perdas que os rebeldes sofrerão, mas as vítimas não o assustam - a vontade de liberdade é mais forte. Atrás dele está um trabalhador igualmente corajoso e resoluto com um sabre. Ferido aos pés da Liberdade. Ele se levanta com dificuldade para olhar novamente para a Liberdade, para ver e sentir com todo o coração aquela beleza pela qual ele está morrendo. Esta figura traz um começo dramático ao som da tela de Delacroix. Se as imagens de Gavroche, Liberty, o estudante, o trabalhador são quase símbolos, a personificação da vontade inexorável dos lutadores pela liberdade - inspiram e chamam o espectador, então o homem ferido clama por compaixão. O homem se despede da Liberdade, se despede da vida. Ele ainda é um impulso, um movimento, mas já um impulso evanescente.

Sua figura é transitória. O olhar do espectador, ainda fascinado e arrebatado pela determinação revolucionária dos rebeldes, desce até ao pé da barricada, coberta com os corpos dos gloriosos soldados mortos. A morte é apresentada pelo artista em toda a nudez e evidência do fato. Vemos os rostos azuis dos mortos, seus corpos nus: a luta é impiedosa e a morte é uma companheira tão inevitável dos rebeldes quanto a bela inspiradora Liberdade.

Da visão terrível na borda inferior da imagem, levantamos novamente os olhos e vemos uma bela figura jovem - não! a vida vence! A ideia de liberdade, incorporada de forma tão visível e tangível, está tão voltada para o futuro que a morte em seu nome não é terrível.

O artista retrata apenas um pequeno grupo de rebeldes, vivos e mortos. Mas os defensores da barricada parecem extraordinariamente numerosos. A composição é construída de forma que o grupo de lutadores não seja limitado, não se feche em si mesmo. Ela é apenas parte de uma avalanche interminável de pessoas. O artista dá, por assim dizer, um fragmento do grupo: a moldura do quadro recorta as figuras da esquerda, direita e de baixo.

Normalmente, a cor nas obras de Delacroix adquire um som emocional, desempenha um papel dominante na criação de um efeito dramático. As cores, ora furiosas, ora esmaecidas, abafadas, criam uma atmosfera tensa. Em Liberty at the Barricades, Delacroix parte desse princípio. Com muita precisão, escolhendo a tinta de forma inconfundível, aplicando-a com pinceladas largas, o artista transmite a atmosfera da batalha.

Mas a gama de cores é restrita. Delacroix foca na modelagem em relevo da forma. Isso foi exigido pela solução figurativa da imagem. Afinal, retratando um determinado acontecimento de ontem, o artista também criou um monumento a este acontecimento. Portanto, as figuras são quase esculturais. Portanto, cada personagem, fazendo parte de um único todo da imagem, também constitui algo fechado em si mesmo, representa um símbolo lançado em uma forma completa. Portanto, a cor não apenas afeta emocionalmente os sentimentos do espectador, mas carrega uma carga simbólica. No espaço marrom-acinzentado, aqui e ali, uma tríade solene de flashes vermelhos, azuis e brancos - as cores da bandeira da Revolução Francesa de 1789. A repetição repetida dessas cores sustenta o poderoso acorde da bandeira tricolor tremulando sobre as barricadas.

A pintura "Liberdade nas Barricadas" de Delacroix é uma obra complexa e grandiosa em seu escopo. Aqui a autenticidade do fato visto diretamente e o simbolismo das imagens são combinados; o realismo, atingindo o naturalismo brutal e a beleza ideal; áspero, terrível e sublime, puro.

A pintura "Liberdade nas Barricadas" consolidou a vitória do romantismo na "Batalha de Poitiers" francesa e "O Assassinato do Bispo de Liège". Delacroix é o autor de pinturas não apenas sobre os temas da Revolução Francesa, mas também de composições de batalha sobre temas da história nacional ("A Batalha de Poitiers"). Durante suas viagens, o artista fez vários esboços da natureza, a partir dos quais criou pinturas após seu retorno. Essas obras se distinguem não apenas por seu interesse em cores exóticas e românticas, mas também pela originalidade profundamente sentida da vida, mentalidade e personagens nacionais.

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