Flamländska målare från 1600-talet. Moderna belgiska konstnärer Belgiska konstnärer från 1900-talet

Det finns flera museer längs vägen. I den här artikeln kommer jag att berätta om de kungliga konstmuseerna i Bryssel. Det är snarare ett helt komplex som består av sex museer.

Fyra i centrala Bryssel:

*Museum för antik konst.
En underbar samling av gamla mästare från 1400- till 1700-talen.
Huvuddelen av denna samling består av målningar av sydnederländska (flamländska) konstnärer. Mästerverk av sådana mästare som Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel den äldre, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens och andra...
Samlingen har sitt ursprung under den franska revolutionen, då många konstverk beslagtogs av inkräktarna. En betydande del transporterades till Paris, och från det som förvarades grundades museet av Napoleon Bonaparte 1801. Alla beslagtagna värdesaker återvände från Paris till Bryssel först efter deponeringen av Napoleon. Sedan 1811 blev museet ägo av staden Bryssel. Med uppkomsten av Förenade kungariket Nederländerna under kung William I utökades museets medel avsevärt.

Robert Campin. "Annunciation", 1420-1440

Jacob Jordanes. Satyr och bönder, 1620

*Museum för modern konst.
Den samtida konstsamlingen omfattar verk från slutet av 1700-talet fram till idag. Grunden för samlingen är verk av belgiska konstnärer.
Den berömda målningen av Jacques-Louis David - Marats död kan ses i den gamla delen av museet. Samlingen illustrerar belgisk nyklassicism och är baserad på verk dedikerade till den belgiska revolutionen och grundandet av landet.
Den presenteras nu för allmänheten i form av tillfälliga utställningar i det så kallade "Patio"-rummet. Dessa tillåter regelbunden rotation av samtida konstverk.
Museet rymmer "Salome" av Alfred Stevens, den mest kända representanten för belgisk impressionism. Och även sådana kända verk som "Russian Music" av James Ensor och "Tenderness of the Sphinx" av Fernand Khnopf presenteras. Bland 1800-talets mästare representerade i museet utmärker sig mästerverken av Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet och Henri Fantin-Latour. Fransk målning från slutet av 1800-talet. representeras av "Porträtt av Suzanne Bambridge" av Paul Gauguin, "Spring" av Georges Seurat, "Bay" av Paul Signac, "Två lärjungar" av Edouard Vuillard, landskap av Maurice Vlaminck och skulptur av Auguste Rodin "Caryatid", "Porträtt av en bonde" av Vincent van Gogh (1885. ) och Stilleben med blommor av Lovis Corinth.

Jean Louis David. "Marats död", 1793

Gustav Wappers. "Avsnitt av septemberdagarna", 1834

* Magritte Museum.
Öppnade i juni 2009. För att hedra den belgiske surrealistiska målaren René Magritte (21 november 1898 – 15 augusti 1967). Museets samling innehåller mer än 200 verk av olja på duk, gouache, teckningar, skulpturer och målade föremål, samt reklamaffischer (han arbetade i många år som affisch och reklamkonstnär i en pappersfabrik), gamla fotografier och filmer inspelade av Magritte själv.
I slutet av 20-talet skrev Magritte kontrakt med Cento Gallery i Bryssel och ägnade sig därmed helt åt måleriet. Han skapade den surrealistiska målningen "The Lost Jockey", som han ansåg vara sin första framgångsrika målning i sitt slag. 1927 arrangerar han sin första utställning. Men kritiker erkänner det som misslyckat, och Magritte åker till Paris, där han träffar Andre Breton och går med i hans krets av surrealister. Han får en signaturstil som gör hans målningar igenkännliga. När han återvände till Bryssel fortsätter han sitt arbete i en ny stil.
Museet är också ett forskningscentrum för arvet efter den surrealistiska konstnären.

*Sekelskiftets museum (Fin de siècle).
Museet samlar verk från slutet av 1800-talet och början av 1900-talet, det så kallade "slutet av århundradet", främst med avantgardistisk karaktär. Måleri, skulptur och grafik å ena sidan, men även brukskonst, litteratur, foto, film och musik å andra sidan.
Mestadels finns belgiska konstnärer representerade, men även verk av utländska mästare som passar in i sammanhanget. Verk av konstnärer som var medlemmar i de stora progressiva rörelserna av belgiska konstnärer på den tiden.

Och två i förorten:

*Wirtz-museet
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - belgisk målare (1806-1865). 1835 målade han sin första betydelsefulla målning, Grekernas kamp med trojanerna för innehavet av liket av Patroclus, som inte antogs för en utställning i Paris, men väckte stark entusiasm i Belgien. Den följdes av: "The death of St. Dionysius", triptyken "Begravningen" (med Evas och Satans figurer på vingarna), "Flytten till Egypten", "Änglarnas revolt" och konstnärens bästa verk, "Kristi triumf" . Originaliteten i konceptet och kompositionen, färgernas kraft, ljuseffekternas djärva spel och det svepande penseldraget gav majoriteten av belgarna en anledning att se på Wirtz som återupplivandet av deras gamla nationella historiska målning, som den direkta arvtagare till Rubens. Ju längre, desto mer excentriska blev hans berättelser. För hans verk, mestadels av enorm storlek, såväl som för experiment i tillämpningen av matt målning som uppfunnits av honom, byggde den belgiska regeringen en omfattande verkstad för honom i Bryssel. Här samlade Wirtz, som inte sålde några av sina målningar och endast existerade som porträttorder, alla sina enligt hans mening kapitalverk och testamenterade dem, tillsammans med själva verkstaden, som ett arv till det belgiska folket. Nu är denna verkstad Wirtz-museet. Den lagrar upp till 42 målningar, inklusive de tidigare nämnda sex.

*Meunier Museum
Museet öppnades för att hedra Constantin Meunier (1831-1905) som föddes och växte upp i en fattig familj av invandrare från den belgiska kolgruvregionen Borinage. Från barndomen var han bekant med den svåra sociala situationen och ofta eländiga tillvaron för gruvarbetare och deras familjer. Meunier fångade sina intryck av livet i gruvregionen i plastiska former, och visade en arbetsman som en harmoniskt utvecklad personlighet. Skulptören har utvecklat en sådan bild av en arbetare, som speglar hans stolthet och styrka, och som inte skäms för sitt yrke som lastare eller hamnarbetare. Genom att erkänna någon idealisering med vilken Meunier skapade sina hjältar, måste man också erkänna hans stora historiska förtjänst i det faktum att han var en av de första mästarna som gjorde en man engagerad i fysiskt arbete till det centrala temat för sitt arbete, samtidigt som han visade honom som en skapare. full av inre värdighet.

L. Aleshina

Ett litet land som förr i tiden gav världen ett antal av de största konstnärerna - det räcker med att namnge bröderna van Eyck, Brueghel och Rubens - Belgien i början av 1800-talet. upplevt en lång stagnation av konsten. En viss roll i detta spelades av Belgiens politiskt och ekonomiskt underordnade ställning, som fram till 1830 inte hade nationell självständighet. Först när den nationella befrielserörelsen från början av det nya seklet utvecklas allt starkare, vaknar konsten till liv, som snart intog en mycket viktig plats i landets kulturliv. Det är åtminstone betydelsefullt att, jämfört med andra europeiska länder, antalet konstnärer i lilla Belgien i förhållande till befolkningen var mycket stort.

I bildandet av den belgiska konstnärliga kulturen på 1800-talet. nationalmåleriets stora traditioner spelade en viktig roll. Sambandet med traditioner uttrycktes inte bara i den direkta imitationen av många konstnärer av deras framstående föregångare, även om detta var karakteristiskt för belgisk målning, särskilt i mitten av seklet. Traditionernas inflytande påverkade detaljerna i den belgiska konstskolan i modern tid. En av dessa specifika egenskaper är belgiska konstnärers engagemang för den objektiva världen, för sakers verkliga kött. Därav framgången för realistisk konst i Belgien, men också vissa begränsningar i tolkningen av realism.

Ett karakteristiskt drag för det konstnärliga livet i landet var det nära samspelet under hela århundradet av belgisk kultur med Frankrikes kultur. Unga konstnärer och arkitekter åker dit för att förbättra sina kunskaper. I sin tur besöker många franska mästare inte bara Belgien, utan bor också i det i många år och deltar i sin lilla grannes konstnärliga liv.

I början av 1800-talet dominerade klassicismen måleri, skulptur och arkitektur i Belgien, liksom i många andra europeiska länder. Den viktigaste målaren under denna period var François Joseph Navez (1787-1869). Han studerade först i Bryssel, sedan från 1813 i Paris med David, som han åtföljde i exil till Bryssel. Under åren av sin belgiska exil åtnjöt den märkliga franske mästaren den största prestige bland lokala konstnärer. Navez var en av Davids favoritstudenter. Hans arbete är makalöst. Mytologiska och bibliska kompositioner, där han följde klassicismens kanoner, är livlösa och kalla. Porträtt, som utgör det mesta av hans arv, är mycket intressanta. I hans porträtt kombinerades nära och uppmärksam observation och studier av naturen med en sublimt idealisk idé om den mänskliga personligheten. De bästa egenskaperna hos den klassiska metoden – stark kompositionskonstruktion, plastisk formfullhet – smälts harmoniskt samman i Navez porträtt med livsbildens uttrycksfullhet och specificitet. Porträttet av familjen Hemptinne (1816; Bryssel, Museum of Modern Art) verkar vara det högsta i sina konstnärliga kvaliteter.

Den svåra uppgiften med ett porträtt med tre karaktärer löses framgångsrikt av konstnären. Alla medlemmar av den unga familjen - ett gift par med en liten dotter - är avbildade i livliga, avslappnade poser, men med en känsla av stark inre anknytning. Porträttets färgsättning vittnar om Navez önskan att förstå de klassiska traditionerna av flamländsk måleri, som går tillbaka till van Eyck. Rena strålande färger smälter samman till ett glädjefyllt harmoniskt ackord. Ett utmärkt porträtt av familjen Hemptinne ligger nära i sin plastiska styrka, dokumentära noggrannhet de sena porträttverken av David, och i texter är lusten att förmedla själens inre liv förknippad med den redan framväxande romantiken. Ännu närmare romantiken är Navez självporträtt i unga år (1810-talet; Bryssel, privat samling), där konstnären avbildade sig själv med en penna och ett album i händerna, stirrande levande och intensivt på något framför sig. Navez spelade en mycket viktig roll som lärare. Många konstnärer studerade med honom, som senare utgjorde kärnan i den realistiska trenden i det belgiska måleriet.

Tillväxten av revolutionära känslor i landet bidrog till den romantiska konstens triumf. Kampen för nationell självständighet ledde till en revolutionär explosion sommaren 1830, som ett resultat av att Belgien bröt banden med Nederländerna och bildade en självständig stat. Konsten spelade en viktig roll i händelsernas utveckling. Det väckte patriotiska känslor, tände upproriska stämningar. Som bekant fungerade framförandet av Auberts opera The Mute from Portici som den omedelbara orsaken till det revolutionära upproret i Bryssel.

På tröskeln till revolutionen i det belgiska måleriet tar en patriotisk riktning av den historiska genren form. Ledaren för denna trend var den unge konstnären Gustave Wappers (1803-1874), som 1830 ställde ut målningen "The Self-Sacrifice of Burgomaster van der Werf at the Siege of Leiden" (Utrecht, Museum). Genom att sjunga sina förfäders heroiska gärningar, vänder sig mästarna i denna riktning till det romantiska formspråket. Den patetiska upphöjelsen av den figurativa strukturen, det ökade färgstarka klangen av färg uppfattades av samtida som ett återupplivande av de ursprungligen nationella bildtraditionerna, mest levande representerade av Rubens.

På 30-talet. Belgiskt måleri, tack vare dukarna från den historiska genren, vinner erkännande i europeisk konst. Dess programmatiska och patriotiska karaktär, som tjänade de gemensamma uppgifterna för landets utveckling, avgjorde denna framgång. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887), Louis Galle var bland de mest populära artisterna i Europa. Men mycket snart avslöjade denna riktning sina begränsade sidor. De mest framgångsrika var de verk som återspeglade patoset för folkets nationella befrielserörelse, som inspirerades av hjältemodet från tidigare och nuvarande strider för frihet. Det är ingen slump att Wappers septemberdagar 1830 (1834-1835; Bryssel, Museum of Modern Art) hade störst framgång. Konstnären skapade en historisk duk på modernt material, avslöjade betydelsen av revolutionära händelser. Ett av revolutionens avsnitt visas. Handlingen utspelar sig på det centrala torget i Bryssel. Folkrörelsens stormiga våg förmedlas av en obalanserad diagonal komposition. Arrangemanget av grupperna och några av figurerna frammanar Delacroix målning "Liberty Leading the People", som var en otvivelaktig modell för konstnären. Samtidigt är Wappers i denna duk något yttre och deklarativa. Hans bilder präglas delvis av teatralisk showiness, demonstrativitet i att uttrycka känslor.

Kort efter Belgiens självständighet förlorade historiemåleriet sitt innehållsdjup. Temat för nationell befrielse håller på att förlora sin relevans, sin sociala grund. Den historiska bilden förvandlas till ett magnifikt kostymskådespel med en underhållande handling. Två trender utkristalliserar sig inom det historiska måleriet; å ena sidan är det monumentala pompösa dukar; den andra riktningen präglas av en genretolkning av historien. De nationella målartraditionerna förstås mycket ytligt - som summan av tekniker och medel som inte bestäms av tidens inflytande. Det finns många konstnärer som ser hela sitt kall i målargenrer, som "1600-talets mästare", eller historiska scener, "som Rubens".

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) strävar pretentiöst men utan framgång efter att kombinera Michelangelos och Rubens prestationer i sina enorma historiska och symboliska dukar. Hendrik Leys (1815-1869) målar först små genrehistoriska målningar som imiterar Rembrandts färger. Från 60-talet. han övergår till omfattande flerfigurskompositioner med vardagliga scener från den nordliga renässansen, på vars utförande han följer den här periodens mästares naiva noggrannhet och detaljer.

Bland de talrika historiska målarna under seklets mitt förtjänar Louis Galle (1810-1887) att nämnas, vars målningar utmärker sig genom återhållsamhet och lakonisk komposition, och vars bilder är kända för sin inre betydelse och adel. Ett typiskt exempel är målningen "Sista utmärkelser till kvarlevorna av grevarna Egmont och Horn" (1851; Tournai, Museum, upprepning av 1863 - Pushkin-museet). Dessa samma egenskaper är ännu mer karakteristiska för hans genremålningar, som "Fiskerens familj" (1848) och "Slavonets" (1854; båda Eremitaget).

Gradvis förlorar det historiska måleriet i Belgien sin ledande roll i genresystemet, och i förgrunden från omkring 60-talet. hushållsmålning kommer ut. Genremålarna från mitten av århundradet imiterade i regel 1600-talets konstnärer och vände sig till skapandet av underhållande scener i tavernor eller mysiga heminteriörer. Sådana är de många målningarna av Jean Baptiste Madou (1796-1877). Hendrik de Brakeler (1840-1888) är mycket traditionell i sina ämnen, och skildrar ensamma gestalter vid en stillsam sysselsättning i ljusa interiörer. Hans förtjänst ligger i att lösa problemet med ljus och luftig atmosfär med hjälp av modern måleri.

Den kapitalistiska utvecklingen av landet, som ägde rum i mycket snabb takt efter att ha blivit självständigt, redan på 60-talet. innebar nya utmaningar för konsten. Moderniteten börjar alltmer invadera den konstnärliga kulturen i Belgien. Den yngre generationen konstnärer för fram parollen realism och visar de karaktäristiska aspekterna av det omgivande livet. I sina strävanden förlitade de sig på Courbets exempel. 1868 grundades Free Society of Fine Arts i Bryssel. De mest betydelsefulla av dess deltagare var Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops, Louis Dubois. Alla kom med parollen realism, med en uppmaning att kämpa mot den gamla konsten, med dess teman långt ifrån livet och förlegade konstnärliga språk. Tidskriften Free Art, som började publiceras 1871, blev förebådaren för detta samhälles estetiska åsikter. blev känd för målningar från livet i de lägre samhällsskikten. Hans sätt att skriva ligger Courbet nära. Färgningen upprätthålls i mörka återhållna toner, känslomässigt motsvarande den avbildade smärtsamma dysterheten. Sådan är bilden "Coffee Roaster" (60-tal; Antwerpen, Museum); här visas de fattiga när de värmer sig en mörk, kall vinterdag utanför av en braskamin där kaffebönor rostas. Djup sympati för de missgynnade kännetecknar konstnärens verk.

Realismen i Belgien vann mycket snart en stark position inom alla konstgenrer. En hel galax av landskapsmålare dyker upp, sanningsenligt och samtidigt mångsidigt visa sin inhemska natur - den så kallade Tervuren-skolan (efter namnet på en plats som ligger i en skog nära Bryssel). Chefen för skolan, Hippolyte Boulanger (1837-1874), målar subtila, något vemodiga skogslandskap, som i färg liknar Barbizon. Uppfattar mer energiskt Louis Artans (1837-1890) natur. Oftast skildrade han utsikt över havet och kusten. Hans smuts är dynamisk och spänstig; konstnären försöker förmedla den föränderliga atmosfären, stämningen i landskapet.

Felicien Rops (1833-1898) intog en speciell plats i den belgiska konsten. Trots det faktum att mästaren tillbringade en betydande del av sitt kreativa liv i Frankrike, var han en aktiv deltagare i den belgiska konstnärliga processen. Konstnärens ganska skandalösa berömmelse - som sångare i parisiska cocottes skymmer ofta hans mycket viktiga roll i Belgiens kulturliv. Rops är en av grundarna av den litterära och konstnärliga tidskriften Ulenspiegel (grundad i Bryssel 1856) och den första illustratören av den berömda romanen av Charles de Coster (1867). Illustrationerna gjorda i etsningstekniken ger skarpa och intressanta inkarnationer av bilderna av romanens huvudpersoner. Rops var en lysande mästare i teckning och en uppmärksam iakttagare av det moderna livet, vilket många av hans verk visar.

Belgisk arkitektur fram till slutet av 1800-talet. inte skapat något väsentligt. Under första hälften av seklet byggdes flera byggnader i klassicismens stil, präglade av strikt smak (Akademinpalatset i Bryssel -1823-1826, arkitekten Charles van der Straten; växthus i Bryssels botaniska trädgård - 1826- 1829, arkitekterna F.-T. Seys och P.-F. Ginest). Sedan mitten av seklet har en otyglad eklekticism och viljan att skapa magnifika pompösa byggnader vuxit i arkitekturen. Utmärkande är till exempel börsbyggnaden i Bryssel (1873-1876, arkitekt L. Seiss), byggnaden av Museet för antikens konst på samma plats (1875-1885, arkitekt A. Bala). Den välmående belgiska kapitalismen försöker skapa ett monument över dess makt. Så uppstår byggnaden av Justitiepalatset i Bryssel (1866-1883, arkitekt J. Poulart) – en av de mest storslagna strukturerna i Europa, kännetecknad av en pretentiös och absurd upphopning och blandning av alla möjliga arkitektoniska former. Samtidigt spelar stilisering en viktig roll i Belgiens arkitektur, många kyrkor byggs, rådhus och andra offentliga byggnader som imiterar gotisk, flamländsk renässans, romansk stil.

Belgisk skulptur fram till sista fjärdedelen av 1800-talet. släpat efter i sin utveckling från måleriet. På 30-talet. under inflytande av patriotiska idéer skapades ändå flera intressanta statyer. Först och främst är det nödvändigt att notera verken av Willem Gefs (1805-1883 - hans gravsten av greve Frederic de Merode, som föll i revolutionära strider i Bryssel (1837, Bryssel, St. Gudula-katedralen) och statyn av generalen Belliard, stående på ett av huvudstadens torg ( 1836.) Mitten av århundradet i Belgien, liksom i många andra länder, präglades av skulpturkonstens nedgång.

I dessa svåra år för monumental konst formas verk av den största belgiska konstnären Constantin Meunier (1831-4905). Meunier började sina studier vid Bryssel Academy of Fine Arts i skulpturklassen. Här dominerade i mitten av seklet ett konservativt akademiskt system; lärare i sitt arbete och i sin undervisning följde mönstret och rutinen och krävde att utsmycka naturen i ett abstrakt ideals namn. De första plastverken av Meunier var fortfarande mycket nära denna riktning ("Garland"; utställdes 1851, har inte bevarats). Snart övergav han dock skulpturen och övergick till att måla och blev Navez elev. Den senare, även om den under dessa år var en symbol för föråldrad klassicism, kunde lära ut ett säkert behärskande av teckning, plastisk modellering av form i målning och en förståelse för storslagen stil. En annan ström av influenser på den unga mästaren vid den tiden var kopplad till hans vänskap med Charles de Groux, med hans bekantskap med de franska realisternas verk - Courbet och Millet. Meunier letar efter djupt meningsfull konst, de stora idéernas konst, men till en början vänder han sig inte till ett modernt tema, utan till det religiösa och historiska måleriet. Särskilt intressant är målningen "Avsnitt från bondekriget 1797" (1875; Bryssel, Museum of Modern Art). Konstnären väljer en av slutscenerna av upproret, som slutade med nederlag. Han framställer det inträffade som en nationell tragedi och visar samtidigt på folkets oböjliga vilja. Bilden skiljer sig mycket från andra verk av den belgiska historiska genren under dessa år. Här finns ett annat förhållningssätt till historieförståelse, och realism i skildringen av karaktärer, och det avbildades genomträngande emotionalitet, och införandet av landskapet som en aktivt klingande miljö.

I slutet av 70-talet. Meunier hamnar i det "svarta landet" - industriregionerna i Belgien. Här öppnar han upp en helt ny värld, ännu inte reflekterad i konsten av någon. Livsfenomen med sina helt andra skönhetsaspekter dikterade ett nytt konstnärligt språk, sin egen speciella färg. Meunier skapar målningar tillägnade gruvarbetarnas arbete, han målar typer av gruvarbetare och kvinnliga gruvarbetare, fångar landskapen i detta "svarta land". Huvudnoten i hans målningar är inte medkänsla, utan det arbetande folkets styrka. Detta är just den innovativa betydelsen av Meuniers arbete. Folket är inte som föremål för medlidande och sympati, folket som skapare av stora livsvärden, och kräver därmed redan en värdig inställning till sig själva. I detta erkännande av det arbetande folkets stora betydelse i samhällets liv stod Meunier objektivt på nivå med tidens mest avancerade tänkare.

I sina målningar använder Meunier generaliseringens språk. Han skulpterar formen med hjälp av färg. Dess färgning är strikt och återhållsam - en eller två ljusa färgglada fläckar är varvade i jordgrå toner, vilket gör att hela det hårda området låter. Dess komposition är enkel och monumental, den använder rytmen av enkla, tydliga linjer. Utmärkande är målningen "Återvända från gruvan" (ca 1890; Antwerpen, Museum). Tre arbetare, som om de passerar längs duken, tecknas i en tydlig siluett mot den rökiga himlen. Figurernas rörelse upprepar varandra och varierar samtidigt det allmänna motivet. Gruppens rytm och rytmen i bildens rum skapar en harmonisk balanserad lösning. Figurerna flyttas till bildens vänstra kant, mellan dem och den högra sidoramen finns ett öppet fritt utrymme. Tydligheten och generaliseringen av gruppens siluett, lakonismen i bilden av varje figur ger kompositionen karaktären av en nästan plastisk basrelief. När han vänder sig till ett nytt ämne som fascinerade honom, kom Meunier mycket snart ihåg sin ursprungliga kallelse. Generalisering, lakonism av plastspråkets medel kunde inte användas bättre för att sjunga skönheten i mänskligt arbete. Sedan mitten av 80-talet. den ena efter den andra dyker statyer och reliefer av Meunier upp, som glorifierar hans namn, vilket utgör en era i utvecklingen av plastisk konst under 1800-talet. Huvudtemat och bilden av skulptören är arbete, arbetande människor: hammare, gruvarbetare, fiskare, gruvarbetarflickor, bönder. Skulpturen, som tidigare var begränsad till en snäv krets av betingade ämnen och figurer långt ifrån moderniteten, gick arbetarna in med en tung, självsäker trampa. Det plastiska språket, som dittills var helt emaskulerat, fick återigen en tung brutal kraft, en kraftfull övertalningsförmåga. Människokroppen visade de nya skönhetens möjligheter som gömdes i den. I reliefen "Industry" (1901; Bryssel, Meunier Museum), spänningen i alla muskler, figurernas elastiska flexibilitet och styrka, den ansträngda andningen som sliter sönder bröstet, tunga svullna händer - allt detta vanställer inte en person, men ger honom speciell kraft och skönhet. Meunier blev grundaren av en ny anmärkningsvärd tradition - traditionen att skildra arbetarklassen, arbetsprocessens poesi.

Människorna som porträtteras av Meunier antar inte utsökt vackra eller traditionellt klassiska poser. De ses och presenteras av skulptören i en verkligt verklig position. Deras rörelser är oförskämda, som till exempel i den starka, snoriga "The Hauler" (1888; Bryssel, Meunier Museum), ibland till och med klumpiga ("The Pudding Man", 1886; Bryssel, Museum of Ancient Art). På sättet som dessa figurer står eller sitter känner du avtrycket av arbetskraften på deras utseende och karaktär. Och samtidigt är deras poser fulla av fängslande plastisk skönhet och styrka. Detta är en skulptur i ordets rätta bemärkelse, som lever i rymden, organiserar den runt sig själv. Människokroppen avslöjar under Meuniers hand all sin elastiska kraft och svåra intensiva dynamik.

Meuniers plastiska språk är generaliserat och kortfattat. I statyn "Ladaren" (ca 1905; Bryssel, Meunier-museet) skapades alltså inte så mycket ett porträtt som en generaliserad typ, och det är detta som ger den stor övertalningsförmåga. Meunier vägrar konventionella akademiska draperier, hans arbetare bär så att säga "overaller", men dessa kläder krossar inte och krymper inte formen. Tygets breda ytor verkar fastna runt musklerna, några separata veck framhäver kroppens rörelse. Ett av Meuniers bästa verk är Antwerpen (1900; Bryssel, Meunier Museum). Skulptören valde inte några abstrakta allegorier, utan en mycket specifik bild av en hamnarbetare som personifieringen av en hårt arbetande och aktiv stad. Svårt och maskulint huvud, utformat med yttersta lakonism, är stadigt planterat på muskulösa axlar. Sjungande arbetskraft blundar Meunier inte för dess svårighetsgrad. Ett av hans mest slående plastverk är Gruvgasgruppen (1893; Bryssel, Museum of Ancient Art). Detta är en verkligt modern version av det eviga temat sorg av mamman till hennes döda son. Den fångar de tragiska efterdyningarna av katastrofen vid gruvan. Den sorgsna kvinnofiguren böjde sig i återhållen, stum förtvivlan över den krampaktigt utsträckta nakna kroppen.

Efter att ha skapat otaliga typer och bilder av arbetande människor, födde Meunier på 90-talet. monumentalt monument till Labour. Det var tänkt att inkludera flera reliefer som glorifierade olika typer av arbete - "Industri", "Skörde", "Port" etc., samt en rund skulptur - statyer av "Såmannen", "Moderskap", "Arbetare", etc. Denna idé fick aldrig sin slutgiltiga gestaltning på grund av mästarens död, men 1930 genomfördes den i Bryssel enligt skulptörens original. Monumentet som helhet gör inget monumentalt intryck. Mer övertygande är dess individuella fragment. Att kombinera dem tillsammans i den arkitektoniska versionen som föreslagits av arkitekten Orta visade sig vara ganska extern och fraktionerad.

Meuniers verk sammanfattade på ett märkligt sätt utvecklingen av belgisk konst på 1800-talet. Det visade sig vara den högsta realismens prestation i detta land under den granskade perioden. Samtidigt gick betydelsen av de realistiska erövringarna av Meunier utöver gränserna för endast nationell konst. Skulptörens anmärkningsvärda verk hade en enorm inverkan på utvecklingen av världens plast.

Mer varierat och färgstarkt än flamländsk arkitektur och skulptur, flamländskt måleri från 1600-talet utspelar sig i sin magnifika blomning. Ännu tydligare än i dessa konster framträder här den evigt flamländska ur en blandning av nordliga och sydliga grunder, som en oförstörbar nationalklenod. Samtida målning i inget annat land fångade ett så rikt och varierat område av ämnen. I nya eller restaurerade tempel väntade hundratals gigantiska barockaltare på helgonbilder målade på stora dukar. I palats och hus längtade vidsträckta väggar efter mytologiska, allegoriska och genremålningar av staffli; Ja, och porträtt, som utvecklades på 1500-talet till ett porträtt i naturlig storlek, förblev en stor konst i ordets fulla bemärkelse, som förenade fängslande naturlighet med uttryckets ädla.

Bredvid denna stora målning, som Belgien delade med Italien och Frankrike, blomstrade här, i fortsättning på de gamla traditionerna, original skåpmålning, mestadels på små trä- eller kopparbräder, ovanligt rik, omfattande allt avbildat, utan att försumma religiösa, mytologiska eller allegoriska ämnen, föredrar vardagslivet för alla klasser av befolkningen, särskilt bönder, taxichaufförer, soldater, jägare och sjömän i alla dess yttringar. De designade landskaps- eller rumsbakgrunderna för dessa småbildade målningar förvandlades till oberoende landskaps- och arkitektoniska målningar i händerna på några mästare. Denna serie kompletteras med bilder av blommor, frukter och djur. Till de härskande ärkehertigarnas plantskolor och menagerier i Bryssel förde utomeuropeisk handel underverk av flora och fauna. Riken i deras former och färger kunde inte förbises av konstnärerna som behärskade allt.

Trots allt fanns det i Belgien inte längre någon grund för monumental väggmålning. Med undantag för Rubens målningar i Antwerpens jesuitkyrka och några kyrkliga serier av landskap skapade de stora mästarna i Belgien sina stora målningar på duk, vägg- och takmålningar för utländska härskare, och nedgången av Brysseltekniken med gobelänger, till som Rubens deltagande endast gav en tillfällig ökning, gjorde deltagandet överflödigt.andra belgiska mästare, såsom Jordans och Teniers. Men de belgiska mästarna tog ett välkänt, om än inte lika djupt som holländarna, deltagande i vidareutvecklingen av gravyr och etsning. Holländarna till födseln var till och med de bästa gravörerna före Rubens, och deltagandet av de största belgiska målarna: Rubens, Jordanses, Van Dycks, Brouwers och Teniers i "målningsgravering" - etsning, är delvis bara en sidoaffär, delvis till och med tveksam.

Antwerpen, den rika lågtyska handelsstaden vid Schelde, är nu, mer än någonsin, huvudstaden för det nederländska måleriet. Brysselmåleriet, kanske bara i landskapet som letade efter oberoende vägar, blev en gren av Antwerpens konst; till och med målningen av de gamla flamländska konstcentrumen, Brygge, Gent och Mecheln, levde först endast av sitt förhållande till Antwerpens verkstäder. Men i den vallonska delen av Belgien, nämligen i Lüttich, kan man spåra en självständig attraktion till italienarna och fransmännen.

För den flamländska måleriets allmänna historia på 1600-talet, förutom samlingarna av litterära källor av Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool och Weyermann, lexikonen Immerseel, Kramm och Wurzbach, konsoliderade, endast delvis föråldrade, böcker av Michiels, Waagen, Waters, Rigel och Philippi är viktiga. Med tanke på den övervägande betydelsen av Scheldes konst kan man också nämna Antwerpens konsthistoria av Van den Branden och Rooses, som naturligtvis kräver tillägg och förändringar. Det relaterade kapitlet av författaren till denna bok i hans och Woltmanns målarhistoria är redan föråldrat i detalj.

Det flamländska 1600-talets målning uppnådde fullständig frihet för bildarrangemang och utförande, inre enhet av teckning och färger, den mest mjuka bredd och styrka i de kreativa händerna på sin store mästare Peter Paul Rubens, som gjorde Antwerpen till den centrala platsen för export av målningar för hela Europa. Det rådde dock ingen brist på mästare som stod vid övergången mellan den gamla och den nya riktningen.

I de nationellt realistiska sektorerna, med små figurer mot bakgrund av ett utvecklat landskap, levde bara ekon av Pieter Brueghel den äldres storhet och omedelbarhet. Återgivningen av landskapet under övergångstiden förblir inom den "scenstil" som skapats av Giliss Van Coninxloo, med dess tuftade trädlövverk och kringgå svårigheterna med luft- och linjärperspektiv genom att utveckla separata, omväxlande en efter en annan, olika färgade toner. Även grundarna av det nuvarande landskapsmåleriet, bröderna Antwerp Matthäus och Paul Bril (1550-1584 och 1554-1626), utgick från denna villkorliga stil, om vars utveckling nästan ingenting är känt. Matthäus Bril dök plötsligt upp som målare av landskapsfresker i Vatikanen i Rom. Efter sin tidiga död utvecklade Paul Bril, sin brors vän i Vatikanen, den då nya nederländska landskapsstilen. Få autentiska målningar av Matthäus har överlevt; desto mer kom från Paulus, vars kyrkliga och palatslandskap i Vatikanen, i Lateranen och i Rospigliosi-palatset i Santa Cecilia och Santa Maria Maggiore i Rom, jag har rapporterat på andra ställen. Endast gradvis övergår de under inflytande av de friare, med större enhet av de utförda landskapen av Annibale Carracci, till den balanserade övergångsstilen som anges ovan. Den fortsatta utvecklingen av Bril, som är en del av landskapsmåleriets allmänna historia, återspeglas i hans talrika, delvis präglade av årtal, små landskap på brädor (1598 i Parma, 1600 i Dresden, 1601 i München, 1608 och 1624 i Dresden , 1609, 1620 och 1624 - i Louvren, 1626 - i St. Petersburg), vanligtvis rik på träd, sällan försöker förmedla ett visst område. I alla fall tillhör Paul Bril grundarna av landskapsstilen, från vilken Claude Lorrains konst växte.

I Nederländerna utvecklade Antwerp Josse de Momper (1564 - 1644), bäst representerad i Dresden, Koninxloo scenstil i smart målade bergslandskap, inte särskilt rika på träd, på vilka "tre bakgrunder", ibland med tillägg av en fjärde solbelysta, brukar dyka upp i all sin brun-grön-grå-blå skönhet.

Inflytandet från äldre målningar av Bril återspeglas i Peter Brueghel den äldres andra son, Jan Brueghel den äldre (1568 - 1625), innan han återvände till Antwerpen 1596, som arbetade i Rom och Milano. Criveli och Michel tillägnade honom separata verk. Han målade mest små, ibland miniatyrbilder som ger intryck av ett landskap även när de representerar bibliska, allegoriska eller genretema. Det är de som bestämt håller sig till Coninksloo-stilen med tuftade bladverk, även om de förmedlar de inbördes övergångarna mellan de tre bakgrunderna mer subtilt. Utmärkande för Jan Brueghels mångsidighet är att han målade landskapsbakgrunder för figurmålare som Balin, figurer för landskapsmålare som Momper, blomkransar för mästare som Rubens. Känd för sin nyligen och subtilt utförda "Fall" of the Hague Museum, där Rubens målade Adam och Eva, och Jan Brueghels landskap och djur. Hans egna landskap, rikligt utrustade med ett brokigt folkliv, fortfarande inte särskilt uttrycksfullt när det gäller att förmedla himlen med dess moln, är övervägande kuperade områden som bevattnas av floder, slätter med väderkvarnar, bygator med krogscener, kanaler med skogklädda banker, livliga landsvägar på skogsklädda höjder och skogsvägar med vedhuggare och jägare, levande och troget iakttagna. Tidiga målningar av honom kan ses i Milanos Ambrosiana. Det är bäst representerat i Madrid, väl i München, Dresden, St. Petersburg och Paris. Av särskild betydelse i bemärkelsen att söka nya vägar var hans målning av blommor, som mest övertygande förmedlade inte bara formernas skönhet och ljusstyrkan hos färger av sällsynta färger, utan också deras kombinationer. Bilder på färgerna på hans pensel besitter Madrid, Wien och Berlin.

Av hans medarbetare får vi inte missa Hendrik van Balen (1575 - 1632), vars lärare anses vara Rubens andre lärare, Adam van Noort. Hans altarmålningar (till exempel i Jakobskyrkan i Antwerpen) är outhärdliga. Han blev känd för sina små, smidigt målade, sockersöta målningar på tavlor med innehåll främst från antika fabler, till exempel gudarnas högtid i Louvren, Ariadne i Dresden, Gathering Manna i Brunswick, men hans målningar av detta slag saknas också. konstnärlig friskhet och omedelbarhet.

Den ovan beskrivna övergångslandskapsstilen fortsatte dock bland svaga imitatörer fram till början av 1700-talet. Här kan vi notera endast de starkaste mästarna i denna riktning, som överförde den till Holland, David Winkboons från Mecheln (1578 - 1629), som flyttade från Antwerpen till Amsterdam, målade färska skogs- och byscener, ibland också bibliska episoder i ett landskap miljö, men mest villigt tempelhelger framför byns tavernor. Hans bästa målningar i Augsburg, Hamburg, Braunschweig, München, St. Petersburg är ganska direkt observerade och målade med blommiga färger, inte utan kraft. Rellant Savery av Courtrai (1576 - 1639), som Kurt Erasmus ägnade en kärleksfullt skriven studie åt, studerade de tyska skogsklädda bergen i Rudolf II:s tjänst, varefter han bosatte sig som målare och etsare, först i Amsterdam, sedan i Utrecht. Hans ljusfyllda, gradvis sammansmältande tre plan, men något torra i utförandet, bergiga, klippiga och skogslandskap, som väl kan ses i Wien och Dresden, utrustade han med levande grupper av vilda och tama djur i jaktscener, i bilder av paradiset och Orfeus. Han tillhör också de tidigaste oberoende blomstermålarna. Adam Willaerts från Antwerpen (1577, död efter 1649), som flyttade till Utrecht 1611, var en representant för havsbilden i denna övergångsstil. Hans kust- och havsutsikt (till exempel i Dresden, på Weber i Hamburg, i Liechtenstein-galleriet) är fortfarande torr i vågornas mönster, fortfarande oförskämd när det gäller att skildra skeppslivet, men fängslande med ärligheten i deras förhållande till naturen. Slutligen följer Alexander Kerrinx från Antwerpen (1600 - 1652), som överförde sin flamländska landskapskonst till Amsterdam, fortfarande Coninxloe i målningarna med sin signatur, men i de senare målningarna av Brunswick och Dresden, är uppenbarligen influerad av Van Goyens brunaktiga holländska tonal. måla.. Han tillhör därför övergångsmästarna i ordets fullaste bemärkelse.

Av Antwerpens mästare av denna typ som blev kvar hemma avslöjar Sebastian Vranks (1573 - 1647) otvivelaktiga framgångar som landskapsmålare och hästmålare. Han avbildar också lövverk i form av klasar, oftast hängande som en björk, men ger det en mer naturlig koppling, ger en ny klarhet till den luftiga tonen och vet hur man förmedlar en vital karaktär till de tryggt och sammanhängande skrivnas handlingar. hästar och ryttare av hans strids- och rånarscener som kan ses, till exempel i Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam och på Weber i Hamburg.

Slutligen, i arkitektonisk målning redan på 1500-talet, efter Steenwick den äldres vägar, utvecklade han en övergångsstil, bestående av att bokstaven som följde naturen gradvis ersattes med konstnärlig charm, hans son Gendrik Steenwick den yngre (1580 - 1649) ), som flyttade till London, och bredvid honom, den huvudsakliga Således, Peter Neefs den äldre (1578 - 1656), vars invändiga vyer av kyrkor finns i Dresden, Madrid, Paris och St. Petersburg.

I allmänhet var det flamländska måleriet uppenbarligen på rätt väg att återvända till småkonsten, när Rubens stora konst steg över den som solen och bar den med sig in i ljusets och frihetens rike.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - solen kring vilken all belgisk konst från 1600-talet kretsar, men samtidigt en av de stora ljuskällorna för den paneuropeiska konsten under denna period. I motsats till alla italienska barockmålare är han barockens främsta representant i måleriet. Formernas fyllighet, rörelsefrihet, dominans över massorna, som ger den barocka arkitekturstilen pittoreska, i Rubens målningar avsäger de sig stenens tyngd och får med färgernas berusande lyx en självständig, ny rättighet att existera. Med kraften i individuella former, kompositionens storhet, den blommande fullheten av ljus och färger, livets passion i överföringen av plötsliga handlingar, styrkan och elden i att spännande det kroppsliga och andliga livet för hans köttiga manliga och kvinnliga, påklädda och avklädda figurer överträffar han alla andra mästare. Den lyxiga kroppen på hans ljushåriga kvinnor med fylliga kinder, fylliga läppar och ett glatt leende lyser av vithet. Brända av solen lyser huden på hans manliga hjältar, och deras djärva konvexa panna livas upp av en kraftfull ögonbrynsbåge. Hans porträtt är de fräschaste och hälsosammaste, inte de mest individuella och intima för sin tid. Ingen visste hur man skulle reproducera vilda och tama djur så levande som han, även om han på grund av tidsbrist i de flesta fall lämnade sina assistenter för att avbilda dem i sina målningar. I landskapet, vars utförande han också anförtrodde assistenter, såg han först och främst den allmänna effekten på grund av atmosfäriskt liv, men han målade själv, även i ålderdom, fantastiska landskap. Hans konst omfattade hela världen av andliga och fysiska fenomen, hela komplexiteten i det förflutna och nuet. Altarmålningar och åter altarmålningar han målade till kyrkan. Han målade porträtt och porträtt främst för sig själv och sina vänner. Mytologiska, allegoriska, historiska bilder och jaktscener skapade han för den här världens storheter. Landskaps- och genremålningar var enstaka bisysslor.

Beställningar regnade ner över Rubens. Minst två tusen målningar kom ut från hans ateljé. Stor efterfrågan på hans konst orsakade den frekventa upprepningen av hela målningar eller enskilda delar av hans elevers och assistenters händer. På toppen av sitt liv lämnade han vanligtvis handmålade målningar till sina assistenter. Det finns alla övergångar mellan hans egen handskrivna verk och ateljéns målningar, för vilka han bara gav skisser. Med alla likheter mellan grundformerna och grundstämningarna avslöjar hans egna målningar betydande förändringar i stil, samma som många av hans samtida, från hårdplastmodellering och tjock, tung skrift till en lättare, friare, ljus utförande, till livligare konturer, till mjukare, luftigare modellering och full av stämning, upplyst av tonalmålningens blommiga färger.

I spetsen för den senaste litteraturen om Rubens står Max Rooses brett uppfattade kumulativa verk: The Works of Rubens (1887-1892). De bästa och viktigaste biografiska verken är Rooses och Michels. Samlade verk, efter Waagen, utgavs även av Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg och Wilhelm Bode. Separata frågor om Rubens analyserades av Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemanns och andra. Rubens, som gravör, var engagerad i Gimans och Voorthelm-Schnevogt.

Rubens föddes i Siegen, nära Köln, från respekterade Antwerpen och fick sin första konstnärliga utbildning i sina fäders stad av Tobias Verhegt (1561 - 1631), en medioker landskapsmålare i övergångsstilen, som sedan studerade i fyra år hos Adam Van. Noort (1562 - 1641), en av den sederiska italienskismens genomsnittliga mästare, som nu bekant, och arbetade sedan ytterligare fyra år med Otto Van Ven, en rik på skönlitteratur, tom i form av en falsk klassiker, till vilken kl. först anslöt han sig nära och blev 1598 skråmästare. År 1908 ägnade Habertzwil detaljerade artiklar åt Rubens tre lärare. Det är omöjligt att med säkerhet fastställa en enda bild av Rubens tidiga Antwerpenperiod. Från 1600 till 1608 bodde han i Italien; först i Venedig, sedan främst i Vincenzo Gonzagas tjänst i Mantua. Men redan 1601, i Rom, för de tre altaren i kyrkan Santa Croce i Gerusalemme, målade han Fyndet av korset, Törnkronan och Korsets upphöjelse. Dessa tre målningar, som nu tillhör kapellet på ett sjukhus i Grasse, i södra Frankrike, avslöjar stilen från hans första italienska period, fortfarande på jakt efter sig själv, fortfarande influerad av kopior från Tintoretto, Titian och Correggio, men redan full av självständig strävan för styrka och rörelse. År 1603 åkte den unge mästaren till Spanien med en order från sin prins. Från de målningar han målade där avslöjar filosoferna Herakleitos, Demokritos och Arkimedes figurer i Madridmuseet fortfarande pompösa, beroende former, men också ett starkt intryck av det psykologiska djupet. När han återvände till Mantua, målade Rubens en stor tredelad altartavla, vars mittbild, med hyllningen av familjen Gonzaga till St. Treenigheten, bevarades i två delar i biblioteket i Mantua, och från de breda, rikliga sidomålningarna, som visar den ständigt växande kraften i massornas former och handlingar, hamnade Kristi dop i Antwerpens museum och förvandlingen i Nancymuseet. År 1606 målade mästaren återigen i Rom för Chiesa Nuova en magnifik, redan full av rubensisk kraft i sina ljusfyllda gestalter, altartavlan av antagandet av St. Gregory”, nu ägd av Grenoblemuseet, och i Rom ersatt redan 1608 av tre andra, inte alls de bästa målningarna av samma mästare. Mer tydligt påminner om Caravaggios stil är den spektakulära "Circumcision of Christ" från 1607 i Sant'Ambrogio i Genua. Men forskare som Rooses och Rosenberg tillskriver mästaren den italienska perioden, då han kopierade verk av Titian, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo och Raphael, och ett antal målningar efter hans pensel, uppenbarligen dock skrivna. senare. Stora allegorier om uppvisning och dygd i Dresden, härstammande från Mantua, starka i form och färg, om de inte var skrivna, som Michel tror med oss, omkring 1608 i Mantua, då erkänna vi snarare, tillsammans med Bode, att de uppträdde enl. Rubens återkomst till sitt hemland än med Roosers, att de skrevs före hans italienska resa till Antwerpen. Den självsäkert tecknade och plastiskt modellerade bilden av Hieronymus i Dresden avslöjar också ett säreget rubensiskt sätt, kanske till och med alltför utvecklat för hans italienska period, som vi nu tillskriver denna bild. När Rubens återvände 1608 till Antwerpen, utnämndes han redan 1609 till hovmålare åt Albrecht och Isabella, och hans stil, redan självständig, utvecklades snabbt till storslagen makt och storhet.

Belamrad i kompositionen, rastlös i konturerna, ojämna i ljuseffekter är hans Adoration of the Magi (1609-1610) i Madrid, dock präglad av en kraftfull rörelse. Full av liv och passion, kraftfull i muskulös modellering av kroppar, hans berömda tredelade bild "Exaltation of the Cross" i Antwerpens katedral. Starkare italienska minnen känns i samtidiga mytologiska bilder, som Venus, Amor, Bacchus och Ceres i Kassel, och den kraftiga, kedjade Prometheus i Oldenburg. Karakteristiska exempel på ett storskaligt porträtt av denna tid är landskapsporträtten av Albrecht och Isabella i Madrid och den magnifika München-bilden, som i en kaprifol berså representerar mästaren själv med sin unga hustru, Isabella Brant, som fördes tillbaka till sitt hemland 1609 , en makalös bild av lugn ren lycka kärlek.

Rubens konst upptäckte ytterligare en flygning mellan 1611 och 1614. Den enorma målningen "Descent from the Cross" med den majestätiska "Visit Mary Elizabeth" och "Entrance into the Temple" på vingarna, i Antwerpens katedral, anses vara det första verket där mästaren tog med sig sina typer och sin metod för att skriva. till full utveckling. Underbar är den passionerade vitaliteten hos individuella rörelser, ännu mer underbar är den genomträngande kraften i bildprestanda. Mytologiska målningar som "Romulus och Remus" i Capitoline Gallery, "Faun and Faun" i Schonborn Gallery i Wien hör också till dessa år.

Målningar av Rubens 1613 och 1614, trygga i kompositionen, med tydligt definierade former och färger, är några målningar markerade som ett undantag med hans namn och avrättningsår. Sådana är de rena i formen, vackra i färgerna målningen "Jupiter och Callisto" (1613), full av magiskt ljus "Flight into Egypt" i Kassel, "Frozen Venus" (1614) i Antwerpen, patetisk "Lamentation" (1614) i Wien och "Susanna" (1614) i Stockholm, vars kropp utan tvivel är trevligare och bättre förstådd än hans tidigare Susannas alltför lyxiga kropp i Madrid; målarmässigt gränsar till dessa målningar kraftfulla symboliska bilder av den ensamma korsfäste Kristus mot bakgrund av en förmörkad himmel i München och Antwerpen.

Från den tiden hopade sig uppdragen i Rubens ateljé i sådan utsträckning att han gav sina assistenter ett mer iögonfallande deltagande i utförandet av sina målningar. Den äldsta, förutom Jan Brueghel, tillhör den enastående målaren av djur och frukter Frans Snyders (1579 - 1657), enligt Rubens själv, som målade örnen i Oldenburg-målningen med Prometheus som nämnts ovan, och den livlige landskapsmålaren Jan Wildens ( 1586 - 1653), som arbetade från 1618 för Rubens. Den mest anmärkningsvärda medarbetaren var Anton van Dyck (1599 - 1641), som senare blev en självständig gestalt. I alla fall, efter att ha blivit mästare 1618, var han fram till 1620 Rubens högra hand. Rubens egna målningar från dessa år kontrasterar vanligen kroppens blåaktiga penumbra med en rödgul ljusfläck, medan målningarna med Van Dycks tydligt etablerade samarbete utmärks av en enhetlig varm chiaroscuro och en mer nervös bildöverföring. Bland dem finns sex stora, entusiastiskt målade bilder från den romerske konsuln Decius Moussas liv i Liechtensteinpalatset i Wien, vars kartonger Rubens gjorde för vävda mattor 1618 (bevarade kopior finns i Madrid), och stora dekorativa plafondmålningar (bevarade endast skisser i olika samlingar), och några av de spektakulära i kompositionen, med många figurer av altartavlor i denna kyrka, "The Miracle of St. Xavier" och "Miracle of St. Ignatius”, räddad av Wiener Hofmuseum. Van Dycks samarbete är också obestridligt i den enorma korsfästelsen i Antwerpen, där Longinus till häst genomborrar Frälsarens sida med ett spjut, i Madonnan med ångerfulla syndare i Kassel, och enligt Bode även under trefaldighetsdagen i München och i Berlin Lazar, enligt Rooses också i den dramatiska lejonjakten och i den inte mindre dramatiska, passionerade och snabba kidnappningen av Leucippus döttrar i München. Alla dessa målningar lyser inte bara med den djärva kraften i Rubens komposition, utan också med den genomträngande subtiliteten i känslan av Van Dycks målning. Bland de handmålade målningarna, målade i huvuddelarna av Rubens själv mellan 1615 och 1620, finns också de bästa religiösa målningarna - fulla av sprudlande, upprörda massrörelser "Den sista domen" i München och fulla av inre animation "Antagande av Our Lady" i Bryssel och i Wien, samt mästerliga mytologiska målningar, lyxiga "bacchanalia" och bilder av "Thiazos" i München, Berlin, St. Petersburg och Dresden, där kraften i den översvämmande sinnliga livsglädjen, översatts. från romerska till flamländska, når tydligen fullt uttryck för första gången. "Battle of the Amazons" i München (cirka 1620), en skapelse som är otillgänglig i betydelsen av den pittoreska överföringen av de mest våldsamma slagsmål och strider, även om den är skriven i liten storlek, gränsar här. Sedan finns det nakna barn i naturlig storlek, som utmärkta putti med en krans av frukt i München, sedan våldsamma jaktscener, lejonjakt, varav det bästa är i München, och vildsvinsjakt, varav det bästa hänger i Dresden. Därefter följer de första landskapsmålningarna med mytologiska tillägg, till exempel full stämning av Aeneas skeppsbrott i Berlin, eller med naturliga omgivningar, som det strålande romerska landskapet med ruiner i Louvren (cirka 1615) och landskapen fulla av livet "Sommar" och "Vinter (ca 1620) i Windsor. Majestätiskt förmedlade, brett och sanningsenligt skrivna utan en antydan till gamla manér, upplysta av ljuset av allehanda himmelska manifestationer, står de som landmärken i landskapsmåleriets historia.

Helt klart, majestätiskt, kraftfullt dyker äntligen upp porträtten av Rubens från denna femårsperiod. Ett mästerligt verk av hans självporträtt i Uffizierna, hans porträttgrupp "Fyra filosofer" i Pittipalatset är magnifik. I toppen av sin skönhet är hans fru Isabella i de ädla porträtten av Berlin och Haag. Omkring 1620 målades också ett fantastiskt porträtt av Susanna Fuhrman i en hatt med en fjäder, fläkt med den känsligaste chiaroscuro, i London National Gallery. De berömda mansporträtten av mästaren under dessa år kan ses i München och i Liechtenstein Gallery. Hur passionerat Rubens skildrade episoder från den heliga världshistorien, jaktscener och till och med landskap, målade han sina porträttgestalter lika lugnt och kunde förmedla deras kroppsliga skal med monumental kraft och sanning, men utan att försöka andliga invärtes, bara greppad i allmänhet. , ansiktsdrag.

Van Dyck lämnade Rubens 1620, och hans hustru Isabella Brant dog 1626. En ny drivkraft för hans konst var hans omgifte med den vackra unga Helena Furman 1630. Men hans konstnärliga och diplomatiska resor till Paris fungerade också som drivkraft ( 1622, 1623, 1625), Madrid (1628, 1629) och London (1629, 1630). Av de två stora historiska serierna med allegorier tillhör nu 21 enorma målningar från Marie de Medicis liv (berättelsen skrevs av Grossman) till Louvrens bästa dekorationer. Skissade av Rubens mästerliga hand, målade av hans elever, färdigställda av honom själv, dessa historiska målningar är fyllda med många moderna porträtt och allegoriska mytologiska figurer i den moderna barockens anda och presenterar en sådan mängd individuella skönheter och en sådan konstnärlig harmoni som de kommer för alltid att förbli de bästa målningsverken på 1600-talet. Från en serie målningar av Henrik IV av Frankrikes liv hamnade två halvfärdiga i Uffizierna; skisser för andra finns i olika samlingar. De nio målningarna som glorifierar James I av England, med vilka Rubens några år senare dekorerade plafondfälten i huvudsalen i White Hall, svärtade från Londons sot, är oigenkännliga, men de tillhör inte själva mästarens mest framgångsrika verk. .

Av de religiösa målningar som målades av Rubens på tjugotalet, markerar den stora brinnande "Tillbedjan av Magi" i Antwerpen, färdig 1625, återigen en vändpunkt i hans konstnärliga utveckling med sin friare och bredare pensel, lättare formspråk och mer gyllene , luftig färg. . Antwerpens katedrals ljusa, luftiga "Antagande av Maria" färdigställdes 1626. Detta följs av den pittoreska, fria "Tillbedjan av Magi" i Louvren och "Ungfru Marias utbildning" i Antwerpen. I Madrid, där mästaren återigen studerade Titian, blev hans färg rikare och "blommig". "Madonnan" med helgon som avgudar henne i Augustinerkyrkan i Antwerpen är en mer barock upprepning av Tizians Frari Madonna. En meningsfullt reviderad del av "Caesars triumf" av Mantegna, lokaliserad 1629 i London (numera i National Gallery), att döma av hennes brev, kunde också dyka upp först efter denna tid. Detta decennium är särskilt rikt på stora porträtt av mästaren. Äldre, men fortfarande full av värmande snygging, är Isabella Brant i ett vackert porträtt av Eremitaget; redan skarpare drag representeras av porträttet i Uffizierna. Bland de finaste och mest färgstarka är dubbelporträttet av hans söner i Liechtenstein Gallery. Det uttrycksfulla porträttet av Caspar Gevaert vid hans skrivbord i Antwerpen är känt. Och den åldrade mästaren själv dyker upp framför oss med ett tunt diplomatiskt leende på läpparna i ett vackert bystporträtt av Aremberg i Bryssel.

Det senaste decenniet som föll på Rubens (1631 - 1640) lott stod under stjärnan av hans älskade andra hustru, Elena Furman, som han målade i alla former och som tjänade honom som natur för religiösa och mytologiska målningar. Hennes bästa porträtt av Rubens tillhör de vackraste kvinnoporträtten i världen: halvlånga, i en rik klänning, i en hatt med en fjäder; naturlig storlek, sittande, i en lyxig klänning öppen vid bröstet; i en liten form, bredvid sin man för en promenad i trädgården - hon är i München Pinakothek; naken, endast delvis täckt med en pälsmantel - i Wiener Hofmuseum; i en kostym för att gå på fältet - i Eremitaget; med sin förstfödda på skärpen, arm i arm med sin man, och även på gatan, åtföljd av en page - hos Baron Alphonse Rothschild i Paris.

De mest betydande kyrkoverken i denna blomstrande, strålande sena era av mästaren är den majestätiska och lugna kompositionen, som lyser med alla regnbågens färger, altaret St. Ildefons med mäktiga donatorfigurer på dörrarna till Wiener Hofmuseum och en magnifik altartavla i Rubens eget begravningskapell i Jakobskyrkan i Antwerpen, med stadens helgon målade från ansikten nära mästaren. Enklare verk, som: St. Cecilia i Berlin och magnifika Bathsheba i Dresden är inte sämre än dem i ton och färger. Bland de dyrbara mytologiska bilderna från denna period finns de glittrande domarna i Paris i London och Madrid; och vilken passionerad vitalitet andas Dianas jakt i Berlin, hur fantastiskt lyxig Venus-festen i Wien, vilket magiskt ljus som lyser upp Orfeus och Eurydike i Madrid!

Förberedande för denna typ av målningar är några genrebilder av mästaren. Så, karaktären av den mytologiska genren fångar den djärvt sensuella, naturliga "Hour of Date" i München.

Prototyperna för alla sekulära scener i Watteau är de berömda, med flygande kärleksgudar, målningar som kallas "Kärlekens trädgårdar", med grupper av lyxigt klädda förälskade par på en festival i trädgården. Ett av de bästa verken av detta slag ägs av Baron Rothschild i Paris, det andra finns i Madridmuseet. De viktigaste genremålningarna med små figurer från folklivet, målade av Rubens, är den majestätiska och livsviktiga, rent rubensiska bonddansen i Madrid, halvlandskapsturneringen framför slottets vallgrav, i Louvren och mässan. i samma samling, vars motiv redan påminner om Teniers.

De flesta av Rubens verkliga landskap hör också till de sista åren av hans liv: sådant är det strålande landskapet med Odysseus i Pittipalatset, sådana är landskapen, nya i design, konstnärligt förklarande, med en enkel och bred bild av omgivningen , det platta området där Rubens dacha var belägen, och med en majestätisk, full av stämningsöverföring himmel förändringar. Vackrast är den eldiga solnedgången i London och landskapen med en regnbåge i München och St. Petersburg.

Vad Rubens än tog sig för, förvandlade han allt till glänsande guld; och den som kom i kontakt med hans konst, som kollaboratör eller anhängare, kunde inte längre bryta sig ur sin onda cirkel.

Av de många eleverna av Rubens är det bara Anton van Dyck (1599 - 1641) - vars ljus naturligtvis refererar till Rubens ljus, liksom solens månljus - som når konstens himmel med ett huvud upplyst av briljans. Även om Balen anses vara hans riktiga lärare, kallade Rubens honom själv sin elev. I alla fall var hans ungdomliga utveckling, så vitt vi vet, under inflytande av Rubens, från vilken han aldrig helt avviker, utan i enlighet med sitt mer påverkbara temperament omarbetar till ett mer nervöst, mildt och subtilt sätt i måleriet. och mindre stark på att rita. . En lång vistelse i Italien gjorde honom till slut till en målare och färgmästare. Det var inte hans sak att uppfinna och dramatiskt förvärra live action, men han visste hur man placerar figurer i sina historiska målningar i tydligt genomtänkta relationer till varandra och kommunicerar till sina porträtt subtila drag av social status, som blev favoritmålaren. av sin tids adelsmän.

De senaste sammanfattande verken om Van Dyck är av Michiels, Giffrey, Kust och Schaeffer. Separata sidor av hans liv och konst förklarades av Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti och författaren till denna bok. Redan nu bråkar de om skillnaden mellan olika livsperioder, som främst hängde ihop med resor. Enligt den senaste forskningen arbetade han till 1620 i Antwerpen, 1620 - 1621 i London, 1621 - 1627 i Italien, främst i Genua, med ett uppehåll från 1622 till 1623, utfört, som Rooses visade, troligen hemma, 1627 - 1628 i Holland, sedan återigen i Antwerpen och från 1632 som hovmålare av Charles I i London, där han dog 1641, och under denna period, 1634 - 1635, var i Bryssel, 1640 och 1641 i Antwerpen och Paris.

Det finns knappast några tidiga verk av Van Dyck där Rubens inflytande inte skulle märkas. Till och med hans tidiga apostoliska serier visar redan spår av det rubensiska sättet. Av dessa finns några av de ursprungliga huvudena bevarade i Dresden, andra i Althorp. Bland de religiösa målningar som Van Dyck målade enligt hans egen design, på egen risk och risk, från 1618 till 1620, medan han var i Rubens tjänst, tillhör "Martyrdom of St. Sebastian", med den överbelastade gamla kompositionen "Kristi klagan" och "Badande Susanna" i München. "Thomas i Sankt Petersburg", "Kopparormen" i Madrid. Ingen av dessa målningar kan skryta med perfekt komposition, men de är välmålade och blommiga i färg. Dresdens "Jerome" är pittoresk och djupt känt i själen, som representerar en levande kontrast till den närliggande mer lugna och grovt skrivna Jerome Rubens.

Följ sedan: The Mocking of Christ in Berlin, den starkaste och mest uttrycksfulla av dessa semi-Rubens målningar, och vacker i kompositionen, utan tvekan skissad av Rubens, St. Martin" i Windsor, sittande på en häst och räcker fram en mantel till en tiggare. Den förenklade och svagare upprepningen av denne Martin i Saventham-kyrkan ligger närmare mästarens senare sätt.

Van Dyck är en stor konstnär i denna Rubens-era, särskilt i hans porträtt. Några av dem, som kombinerar de välkända fördelarna hos båda mästarna, tillskrevs Rubens på 1800-talet, tills Bode återlämnade dem till Van Dyck. De är mer individuella i individuella drag, mer nervösa i uttrycket, mjukare och djupare i skrift än de samtidiga porträtten av Rubens. Det äldsta av dessa semi-Rubensporträtt av Van Dyck är båda bystporträtt av ett äldre gift par 1618 i Dresden, de vackraste är halvfigurerna av två gifta par i Liechtensteins galleri: en kvinna med guldsnörning på bröstet , en gentleman som drar på sig handskar och sitter framför en röd gardindam med ett barn i knät, i Dresden. Den magnifika Isabella Brant från Eremitaget tillhör honom, och från Louvren ett dubbelporträtt av den påstådda Jean Grusset Richardeau och hans son som står bredvid honom. Av dubbelporträtten är makarna som står bredvid varandra kända - porträttet av Frans Snyders och hans fru med mycket påtvingade poser, Jan de Wael och hans fru i München, är det mest pittoreska. Slutligen, i de ungdomliga självporträtten av mästaren, med en eftertänksam, självsäker blick, i St. Petersburg, München och London, indikerar hans ålder, omkring tjugo, en tidig period.

Från religiösa målningar målade av Van Dyck mellan 1621 - 1627. i Italien, i söder, återstod en vacker scen, inspirerad av Tizian, med "Peters mynt" och "Maria med barnet" i en eldig gloria, i Palazzo Bianco, som påminner om Rubens, "Korsfästelsen" i det kungliga palatset i Genua, ömt känt i pittoreska och andliga termer, gravläggningen av Borghese-galleriet i Rom, Marias tröga huvud i Pitti-palatset, den magnifika, strålande familjen i Pinacothek i Turin och den mäktiga, men ganska artiga altartavla av Madonna del Rosario i Palermo med långsträckta figurer. Av de sekulära målningarna kommer vi här bara att nämna den vackra, i Giorgiones anda, målningen som skildrar livets tre åldrar i stadsmuseet i Vincenza och den enkla till kompositionen, men eldiga målningen "Diana och Endimon" i Madrid.

En självsäker, fast och samtidigt mild strokemodellering i mörk chiaroscuro och en djup, rik färgning av de italienska huvudena som strävar efter enhet i stämningen manifesteras också i hans italienska, särskilt genuesiska porträtt. Målat i en djärv förkortning, nästan vänd mot betraktaren, var ryttarporträttet av Antonio Giulio Brignole Sale, viftande med hatten i sin högra hand som ett tecken på hälsning, beläget i Palazzo Rossi i Genua, en sann indikator på den nya vägen. Noble, med barockpelare och draperier i bakgrunden, står porträtten av Signora Geronimo Brignole Sale med sin dotter Paola Adorio i en mörkblå sidenklänning med guldbroderi och en ung man i en ädel persons kläder, från samma kollektion. på höjden av den absoluta porträttkonsten. De angränsas av porträtt av Marchesa Durazzo i en ljusgul sidendamastklänning, med barn, framför en röd gardin, ett livligt gruppporträtt av tre barn med en hund och ett ädelt porträtt av en pojke i vit klänning, med en papegoja, förvarad i Palazzo Durazzo Pallavicini. I Rom har Capitoline Gallery ett mycket viktigt dubbelporträtt av Luca och Cornelis de Wael; i Florens, i Palazzo Pitti, finns det ett andligt uttrycksfullt porträtt av kardinal Giulio Bentivoglio. Andra porträtt av Van Dycks italienska period hittade sin väg utomlands. En av de finaste ägs av Pierpont Morgan i New York, men de finns även i London, Berlin, Dresden och München.

Den femårsperiod (1627 - 1632) som mästaren tillbringade i sitt hemland efter hemkomsten från Italien visade sig vara extremt fruktbar. Stora, fulla av rörelsealtartavlor, vilka är de kraftfulla krucifixen i kyrkan St. Zhen i Dendermonde, i Michaels kyrka i Gent och i kyrkan Romuald i Meheln, och den angränsande "Exaltation of the Cross" i kyrkan St. Gens in Courtrai representerar inte honom lika bra som verken fulla av inre liv, till vilka vi inkluderar korsfästelsen med det kommande i Lille-museet, "Rest under the Flight" i München och enskilda korsfästelser fulla av känsla i Antwerpen, Wien och München. Dessa målningar översätter bilderna av Rubens från det heroiska språket till känslans språk. De vackraste målningarna från denna period inkluderar Madonnan med ett knästående par donatorer och änglar som häller ut blommor i Louvren, Madonnan med Kristusbarnet som står i München och den fulla stämningen av "Lament over Kristus" i Antwerpen, München, Berlin och Paris. Madonnor och klagomål i allmänhet var Van Dycks favoritteman. Han tog sällan bilder av hedniska gudar, även om hans Herkules vid korsningen i Uffizierna, bilderna av Venus, Vulcan, Wien och Paris visar att han i viss mån kunde hantera dem. Han förblev huvudsakligen porträttmålare. Omkring 150 porträtt av honom har överlevt från denna femårsperiod. Deras ansiktsdrag är ännu skarpare, i typiskt graciösa, inaktiva händer finns det ännu mindre uttryck än i italienska målningar av honom av samma slag. En något mer aristokratisk lätthet lades till deras hållning, och en mer subtil allmän stämning uppträdde i den kallare färgen. Kläder faller oftast lätt och fritt, men materiellt. Bland de vackraste av dem, målade i full storlek, är de karaktäristiska porträtten av härskaren Isabella i Turin, i Louvren och i Liechtenstein Gallery, Philippe de Roy och hans fru i Wallace-samlingen i London, dubbla porträtt av en gentleman och en dam med ett barn i famnen i Louvren och i Gotiska museet och ytterligare några porträtt av herrar och damer i München. Bland de mest uttrycksfulla midje- och generationsporträtten inkluderar vi porträtten av biskop Mulderus och Martin Pepin i Antwerpen, Adrian Stevens och hans fru i St. Petersburg, greve Van den Berg i Madrid och kanon Antonio de Tassis i Liechtensteins galleri. Organisten Liberty tittar trögt, skulptören Colin de Nole, hans fru och deras dotter ser tråkiga ut på porträttgruppen i München. Porträtten av en gentleman och en dam i Dresden och Marie Louise de Tassis i Liechtenstein Gallery utmärker sig genom en ädel, pittoresk hållning. Van Dycks inflytande på all porträtt av sin tid, särskilt engelska och franska, var enorm; men i naturlig karaktäristisk och inre sanning kan hans porträtt inte jämföras med de av hans samtida Velázquez och Frans Hals, för att inte nämna andra.

Vid enstaka tillfällen tog Van Dyck dock upp gravyrnålen. Känd för 24 enkelt och med stor mening utfört ark av hans arbete. Däremot gav han andra gravörer i uppdrag att återge en stor serie små porträtt av berömda samtida målade av honom, målade i en grå ton. I den kompletta samlingen dök denna "Iconography of Van Dyck" i hundra ark upp först efter hans död.

Som Charles I:s hovmålare målade Van Dyck små religiösa och mytologiska målningar under de sista åtta åren av sitt liv. Ändå tillhör flera av de bästa målningarna som skrivits under hans korta vistelse i Nederländerna denna sena tid av mästaren. Det var den sista och mest pittoreska skildringen av "Hvila på flykten till Egypten", med en runddans av änglar och flygande rapphöns, nu i Eremitaget, den mest mogna och vackraste "Kristi klagan" i Antwerpens museum, inte bara klar, lugn och berörande i kompositionen, utan ett uttryck för sann sorg, utan också i färger, med sina vackra ackord av blått, vitt och mörkt guld, representerande ett mästerligt, förtrollande verk. Sedan följer de extremt många porträtten från den engelska perioden. Det är sant att under inflytande av hovtypen i London blir hans huvuden mer och mer som masker, händerna blir mindre och mindre uttrycksfulla; men klänningarna äro mer raffinerade och mera materiella i skrift, färgerna, hvars silvriga ton först småningom började blekna, vinna allt mer i öm charm. Van Dyck inrättade naturligtvis också en verkstad i London med storskalig produktion, där många studenter var engagerade. Familjeporträttet i Windsor, som visar det sittande kungaparet med två barn och en hund, är en ganska svag uppvisning. Ryttarporträttet av kungen på samma plats framför triumfbågen målades med stor smak, hans ryttarporträtt i Nationalgalleriet är ännu mer pittoresk, det förtjusande porträttet av kungen i jaktdräkt i Louvren är verkligen pittoreskt. . Av porträtten av drottning Henrietta Maria av Van Dyck är det som ägs av Lord Northbrook i London och som föreställer drottningen med sina dvärgar på en trädgårdsterrass bland de fräschaste och tidigaste, och det i Dresden-galleriet, trots all sin adel, är bland de svagaste och senaste. Olika porträtt av den engelske kungens barn är kända, som tillhör Van Dycks mest attraktiva mästerverk. Turin och Windsor har de finaste porträtten av de tre kungliga barnen; men det lyxigaste och vackraste av allt är Windsor-porträttet med kungens fem barn, med en stor och en liten hund. Av de andra talrika porträtten av Van Dyck i Windsor, förebådar porträttet av Lady Venice Digby, med dess allegoriska tillägg i form av duvor och kärleksgudar, en ny era, och dubbelporträttet av Thomas Killigrew och Thomas Carew slår med livsförhållanden skildras som är ovanliga för vår herre. Porträttet av James Stuart, med en stor hund som klamrar sig fast vid sig, i Metropolitan Museum of Art i New York, kännetecknas av en speciell nåd, ett porträtt av den trolovade, barnen till William II av Orange och Henrietta Maria Stuart, i stadsmuseet i Amsterdam är förtjusande. Ett hundratal porträtt av mästarens engelska period har bevarats.

Van Dyck dog ung. Som konstnär talade han, tydligen, allt. Han saknar sin store lärares mångsidighet, fullhet och kraft, men han överträffade alla sina flamländska samtida i subtiliteten av en rent bildstämning.

Andra viktiga målare, medarbetare och studenter av Rubens i Antwerpen före och efter Van Dyck, lever bara ekon av Rubens konst, Even Abraham Dipepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodor van Thulden (1606 - 1676) , Erasmus Quellinus (1607 - 1678), bror till den store skulptören, och hans sonson Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) är inte så betydelsefulla att de uppehåller sig vid dem. Representanter för olika realistiska avdelningar i Rubens verkstad är av mer oberoende betydelse. Frans Snyders (1579 - 1657) började med en död natur, som han gärna utförde i naturlig storlek, brett, realistiskt och, trots allt, dekorativt; hela sitt liv målade han stora, fulla av hälsosamma observationsbilder av köksartiklar och frukter, som finns i Bryssel, München och Dresden. I Rubens verkstad lärde han sig också att skildra livliga och fascinerande, nästan med sin lärares styrka och ljusstyrka, den levande världen, djur i naturlig storlek i jaktscener. Hans stora jaktmålningar i Dresden, München, Wien, Paris, Kassel och Madrid är klassiska på sitt sätt. Ibland förväxlas med Snyders är hans svåger Paul de Vos (1590 - 1678), vars stora målningar av djur inte kan matcha friskheten och värmen i Snyders målningar. Den nya landskapsstilen, utvecklad under inflytande av Rubens, som nästan helt gjorde bort de gamla trefärgade scenbakgrunderna och traditionella tofsliknande trädlövverk, framträder tydligare framför oss i målningarna och etsningarna av Lucas van Oudens (1595 - 1672), en assistent i mästarens sena period i landskapet. Hans talrika men mestadels små landskapsmålningar, varav nio hänger i Dresden, tre i S:t Petersburg, två i München, är enkla, naturligt uppfattade bilder av de charmiga lokala gränslandskapen mellan Brabants kuperade region och den flamländska slätten. Föreställningen är bred och noggrann. Hans färger strävar efter att förmedla inte bara det naturliga intrycket av gröna träd och ängar, brunaktig jord och blåaktiga kuperade avstånd, utan också en lätt molnig, ljus himmel. Solsidorna på dess moln och träd blinkar vanligtvis av gula ljusfläckar, och under påverkan av Rubens uppträder ibland också regnmoln och regnbågar.

Rubens konst orsakade en revolution i den nederländska koppargravyren. Åtskilliga gravörer, vars arbete han såg igenom, stod i hans tjänst. Den äldsta av dem, Antwerpen Cornelis Galle (1576 - 1656) och holländaren Jacob Matham (1571 - 1631) och Jan Müller, översatte fortfarande sin stil till ett äldre formspråk, men rubensskolans gravörer, ett antal bl.a. som öppnas av Peter Southman från Harlem (1580 - 1643), och fortsätter att lysa med sådana namn som Lukas Forstermann (f. 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius och Schelte. Bolswerth, Pieter de Jode den yngre och framför allt den store chiaroscurogravören Jan Wittdöck (f. 1604) lyckades genomsyra sina ark med rubensisk kraft och rörelse. Den nya mezzotinttekniken, som ruggade upp plåtens yta med hjälp av en hacka för att skrapa ut en ritning på den i mjuka massor, var, om inte uppfunnen, så för första gången allmänt använd av Vallerand Vaillant från Lille (1623) - 1677), en elev till Rubens student Erasmus Quellinus, en berömd utmärkt porträttmålare och originalmålare av död natur. Eftersom Vaillant emellertid inte studerade denna konst i Belgien utan i Amsterdam, dit han flyttade, kan den flamländska konstens historia bara nämna honom.

Några viktiga Antwerpen-mästare från denna period, som inte hade direkta relationer med Rubens eller hans elever, som gick med i Caravaggio i Rom, bildade en romersk grupp. Tydliga konturer, plastmodellering, tunga skuggor av Caravaggio mjuknar bara i deras senare målningar av en friare, varmare, bredare målning som talade om Rubens inflytande. I spetsen för denna grupp står Abraham Janssens Van Nuessen (1576 - 1632), vars elev Gerard Zegers (1591 - 1651) i sina senare målningar utan tvekan flyttade in på Rubens farled, och Theodore Rombouts (1597 - 1637) avslöjar inflytandet från Caravaggio i sin genre, i naturlig storlek, med metalliska glänsande färger och svarta skuggor, målningar i Antwerpen, Gent, St. Petersburg, Madrid och München.

Den äldsta av de dåvarande flamländska målarna som inte var i Italien, Caspar de Crayer (1582 - 1669), flyttade till Bryssel, där han i konkurrens med Rubens inte gick längre än tog eklekticism. De leds av Antwerpen Jacob Jordaens (1583 - 1678), också en elev och svärson till Adam Van Noort, chefen för tidens verkligt oberoende belgiska realister, en av de mest betydelsefulla flamländska framstående målarna i 1600-talet, bredvid Rubens och Van Dyck. Rooses tillägnade honom också ett omfattande arbete. Ruffare än Rubens, han är mer direkt och originell än honom. Hans kroppar är ännu mer massiva och köttiga än Rubens, hans huvuden är rundare och mer vanliga. Hans kompositioner, vanligtvis upprepade, med små förändringar för olika målningar, är ofta mer konstlösa och ofta överarbetade, hans pensel, för all sin skicklighet, är torrare, slätare, ibland tätare. Trots allt det är han en underbar, originell kolorist. Till en början skriver han fräscht och piggt, svagt modellerande i mättade lokala färger; efter 1631, medtagen av Rubens charm, går han över till mer känslig chiaroscuro, till skarpare mellanfärger och till en brunaktig målningston, från vilken saftiga djupa grundtoner effektivt lyser igenom. Han skildrade också allt avbildat. Han har sin bästa framgång att tacka för allegoriska och genremålningar i naturlig storlek, i de flesta fall på temat folkliga ordspråk.

Den tidigaste kända målningen av Jordaens "Crucifixion" 1617 i kyrkan St.. Paul i Antwerpen avslöjar Rubens inflytande. Jordaens är helt sig själv 1618 i "Herdarnas tillbedjan" i Stockholm och på en liknande bild i Braunschweig, och särskilt i de tidiga bilderna av en satyr som besöker en bonde, för vilken han berättar en otrolig historia. Den tidigaste målningen av detta slag ägs av Mr Celst i Bryssel; följt av kopior i Budapest, München och Kassel. Tidiga religiösa målningar inkluderar också de uttrycksfulla bilderna av evangelisterna i Louvren och lärjungarna vid Frälsarens grav i Dresden; av de tidiga mytologiska målningarna förtjänar Meleager och Atlanta i Antwerpen att nämnas. De tidigaste av hans levande kompositioner av familjeporträttgrupper (cirka 1622) tillhör Madridmuseet.

Det rubenska inflytandet är återigen uppenbart i målningarna av Jordaens, skrivna efter 1631. I hans satir över en bonde i Bryssel märks redan en vändning. Hans berömda skildringar av "Bönkungen", som Kassel har den tidigaste kopian av - andra finns i Louvren och i Bryssel - samt hans otaliga bilder av ordspråket "Vad de gamla sjunger, de små gnisslar", ett Antwerpen kopia av vilken är daterad 1638. ännu fräschare i färgerna än Dresden, skriven 1641 - andra i Louvren och Berlin - hör redan till mästarens mjukare och mjukare sätt.

Före 1642 målades också de grova mytologiska målningarna "Procession of Bacchus" i Kassel och "Ariadne" i Dresden, livliga utmärkta porträtt av Jan Wirth och hans hustru i Köln; sedan, fram till 1652, animerade målningar externt och internt, trots de lugnare linjerna, som St. Ivo i Bryssel (1645), ett suveränt familjeporträtt i Kassel och en pulserande "Bean King" i Wien.

År 1652 var mästaren i full kraft med en inbjudan till Haag att delta i utsmyckningen av "Skogsborgen", som Jordaens ger "Prins Friedrich Heinrichs gudomlighet" och "Dödens seger över avund" hans avtryck, och 1661 en inbjudan till Amsterdam, där han målade bevarade men nu nästan oskiljaktiga målningar till det nya rådhuset.

Den finaste och mest religiösa målningen av hans senare år är Jesus bland de skriftlärda (1663) i Mainz; praktfullt i färger, genomsyrade "Entrén till templet" i Dresden och "Nattvarden" av ljus i Antwerpen.

Om Jordaens är för grov och ojämn för att rankas bland de största av de stora, så intar han likväl som Antwerpens borgaremålare och borgaremålare en hedersplats bredvid Rubens, målares prins och prinsmålare. Men just på grund av sin originalitet skapade han inga anmärkningsvärda lärjungar eller efterföljare.

Cornelis de Vos (1585 - 1651) var en mästare, likt Jordans, som självständigt anslöt sig till den flamländska konstens förrubenska förflutna, särskilt framstående som porträttmålare, strävande efter konstlös sanning och uppriktighet med en lugn, genomträngande målarstil, en säregen briljans i ögonen på hans figurer och full av ljus färg. Den bästa familjeporträttgruppen, med en avslappnad komposition, tillhör Brysselmuseet, och det starkaste enskilda porträttet av skråmästaren Grapheus tillhör Antwerpen. Hans dubbelporträtt av det gifta paret och hans små döttrar i Berlin är också mycket typiska.

I motsats till hans rent flamländska stil, med en italiensk touch, som hölls med större eller mindre avvikelser av den stora majoriteten av de belgiska målarna på 1600-talet, utvecklade Luttich vallonska skolan, utforskad av Gelbier, den romersk-belgiska stilen. Poussin-trenden efter fransmännen. I spetsen för denna skola står Gerard Duffet (1594 - 1660), en uppfinningsrik, välpolerad akademiker, mest känd i München. Gérard Leresse (1641 - 1711), en elev till hans elev Bartolet Flemalle eller Flemal (1614 - 1675), en trög imitator av Poussin, som redan flyttade till Amsterdam 1667, transplanterade från Lüttich till Holland denna akademiska stil som imiterade fransmännen, som han drev inte bara som målare och grafiker av mytologiska ämnen, utan också med en penna i sin bok, vilket har en betydande inverkan. Han var en extrem reaktionär och bidrog mest av allt vid sekelskiftet till att den sunda nationella trenden för det nederländska måleriet förvandlades till den romanska farleden. "Seleukus och Antiokia" i Amsterdam och Schwerin, "Parnassus" i Dresden, "Kleopatras avgång" i Louvren ger en tillräcklig uppfattning om honom.

Leres, slutligen, återför oss från den stora belgiska målningen till den lilla; och denna senare upplevde otvivelaktigt fortfarande i småfigursmålningar med landskaps- eller arkitektonisk bakgrund 1600-talets mogna nationella blomning, som växte direkt ur den jord som övergångsperiodens mästare berett, men uppnådde fullständig rörelsefrihet tack vare den allsmäktige Rubens, på vissa ställen också tack vare nya influenser, franska och italienska, eller till och med ung holländsk konsts inverkan på flamländsk.

En riktig genrebild, och spelade nu som tidigare den första rollen i Flandern. Samtidigt märks en ganska skarp gräns mellan mästarna som skildrade överklassens liv i världsliga scener eller små gruppporträtt, och folklivets målare på krogar, mässor och landsvägar. Rubens skapade exempel på båda släktena. Sekulära målare, i Rubens kärleksträdgårdars anda, skildrar damer och herrar i siden och sammet, spelar kort, festar, spelar glad musik eller dansar. En av de första bland dessa målare var Christian van der Lamen (1615 - 1661), känd för målningar i Madrid, Gotha, särskilt i Lucca. Hans mest framgångsrika elev var Jérôme Janssens (1624 - 1693), "Dansaren" och vars dansscener kan ses i Braungschweig. Ovanför honom som målare står Gonzales Kokvets (1618 - 1684), en mästare på aristokratiska små gruppporträtt som föreställer familjemedlemmar förenade hemma i Kassel, Dresden, London, Budapest och Haag. De mest produktiva flamländska skildrarna av folklivet i de lägre klasserna var Teniererna. David Teniers den äldre (1582 - 1649) och hans son David Teniers den yngre (1610 - 1690) sticker ut från den stora familjen av dessa konstnärer. Den äldre var förmodligen en elev till Rubens, den yngre Rubens gav förmodligen vänliga råd. Båda är lika starka i både landskap och genre. Det gick dock inte att skilja alla den äldres verk från den yngres ungdomliga målningar. Utan tvekan äger den äldste de fyra mytologiska landskapen i Wiener Hofmuseum, fortfarande upptagen med att överföra de "tre planen", "The Temptation of St. Anthony" i Berlin, "Mountain Castle" i Braunschweig och "Mountain Gorge" i München.

Eftersom David Teniers den yngre var influerad av den store Adrien Brouwer från Oudenard (1606-1638), ger vi företräde åt den senare. Brouwer är skaparen och lekmannen av nya vägar. Bode undersökte sin konst och sitt liv grundligt. I många avseenden är han den störste av de nederländska folklivsmålarna och samtidigt en av de mest inspirerade belgiska och holländska landskapsmålarna. Det holländska måleriets inflytande på det flamländska måleriet på 1600-talet är för första gången hos honom, en elev till Frans Hals i Haarlem, redan före 1623. Vid återkomsten från Holland bosatte han sig i Antwerpen.

Samtidigt bevisar hans konst att de enklaste epiteten ur allmogens liv tack vare sin prestation kan få det högsta konstnärliga värdet. Från holländarna tog han omedelbarheten av naturuppfattningen, den bildmässiga föreställningen, i sig konstnärlig. Som holländare förklarar han sig själv genom strikt isolering när han förmedlar ögonblick av olika manifestationer av livet, som en holländare, med värdefull humor, han lyfter fram scener av rökning, slagsmål, kortspel och krogdrinkar.

De tidigaste målningarna han målade i Holland, bönders dryckeskamp, ​​slagsmål, i Amsterdam, avslöjar i sina grova, nyfikna karaktärer svaren från den gamla flamländska övergångskonsten. Den här tidens mästerverk är hans redan Antwerpen "Card Players" och krogscenerna på Städel Institute i Frankfurt. Ytterligare utveckling kommer skarpt ut i "Kniv" och "Village Bath" i Münchens Pinakothek: här är handlingen dramatiskt stark redan utan överflödiga bifigurer; utförande i alla detaljer är pittoreskt genomtänkt; från färgens gyllene chiaroscuro lyser fortfarande röda och gula toner. Detta följs av mästarens mogna sena period (1633 - 1636), med mer individuella figurer, en kallare färgton, där gröna och blå färger sticker ut. Dessa inkluderar 12 av hans arton München och den bästa av hans fyra Dresden-målningar. Schmidt-Degener fäste till dem ett antal målningar från privata samlingar i Paris, men deras äkthet är tydligen inte alltid exakt fastställd. Till dessa år hör också de bästa landskapen i Brouwer, där de enklaste naturmotiven från Antwerpens omgivningar fläktas med en varm, strålande överföring av luft- och ljusfenomen. "Dunes" i Bryssel, en målning med mästarens namn, bevisar andras äkthet. De har en modernare känsla än alla hans andra flamländska landskap. Bland de bästa är månskenet och det pastorala landskapet i Berlin, det rödtakade dynlandskapet i Bridgewater Gallery och det kraftfulla solnedgångslandskapet som tillskrivs Rubens i London.

Genremålningarna under de två sista åren av mästarens liv i stora storlekar föredrar ljus, skuggad skrift och en tydligare underordning av lokala färger till en allmän, grå ton. Sjungande bönder, tärningsspelande soldater och värdparet i Munich Pinakotheks dryckeshus får sällskap av starka målningar som skildrar verksamheten vid Staedel-institutet och Louvren "Smoker". Brouwers originalkonst är alltid raka motsatsen till alla akademiska konventioner.

David Teniers den yngre, den ädla världens favorit genremålare, inbjuden 1651 av hovmålaren och chefen för ärkehertig Leopold Wilhelms galleri från Antwerpen till Bryssel, där han dog i ålderdom, kan inte jämföras med Brouwer i omedelbarhet av överföringen av livet, i den känslomässiga upplevelsen av humor, men det är därför det överträffar honom med yttre förfining och urban stilisering av folklivet förstås. Han gillade att avbilda aristokratiskt klädda stadsbor i deras relationer med byborna, ibland målade han sekulära scener ur aristokratins liv och överförde till och med religiösa episoder i stil med sina genremålningar, inuti utsökt dekorerade rum eller bland sanningsenligt observerade, men dekorativa landskap. Frestelsen av St. Anthony (i Dresden, Berlin, St. Petersburg, Paris, Madrid, Bryssel) tillhör hans favoritämnen. Mer än en gång målade han också en fängelsehåla med bilden av Peter i bakgrunden (Dresden, Berlin). Av mytologiska teman i stil med hans genremålningar kommer vi att nämna "Neptunus och amfitrit" i Berlin, den allegoriska målningen "Fem sinnen" i Bryssel, poetiska verk - tolv målningar från "Befriade Jerusalem" i Madrid. Hans målningar som föreställer alkemister (Dresden, Berlin, Madrid) kan också klassificeras som en högsamhällesgenre. De allra flesta av hans målningar, av vilka det finns 50 i Madrid, 40 i St. Petersburg, 30 i Paris, 28 i München, 24 i Dresden, skildrar miljön för byborna som har roligt på fritiden. Han skildrar dem när de festar, dricker, dansar, röker, spelar kort eller tärningar, på en fest, på en krog eller på gatan. Hans lätta och fria i sitt naturliga formspråk, svepande och samtidigt milda skrivande upplevde endast färgförändringar. Tonen i hans "Tempelfest i det halva ljuset" från 1641 i Dresden är tung, men djup och kall. Sedan återgår han till de tidiga årens bruna ton, som snabbt utvecklas till en gyllene ton i målningar som fängelsehålan 1642 i S:t Petersburg, "Gilles ölhus" 1643 i München och "Den förlorade sonen" i 1644 i Louvren, blossar upp ljusare i såsom "Dansen" 1645 i München och "Tärningsspelarna" 1646 i Dresden, för att sedan, som "Rökarna" från 1650 i München visar, gradvis blir gråare och slutligen, år 1651, i "Bondbröllop" i München, förvandlas till en förfinad silverton och ackompanjeras av den alltmer lätta och flytande skrift som utmärker Teniers målningar från femtiotalet, såsom hans 1657 "Guard" på Buckingham Palace. Slutligen, efter 1660 hans borste blir mindre självsäker, färgen är igen mer brun, torr och grumlig. München äger en målning som föreställer en alkemist, med drag av en målning av en åldrad mästare från 1680.

Bland Brouwers elever utmärker sig Joos van Kreesbeek (1606 - 1654), i vars målningar strider ibland slutar tragiskt; Gillis van Tilborch (cirka 1625 - 1678) är känd från studenterna på Teniers den yngre, som också målade familjegruppsporträtt i stil med Kokves. Tillsammans med dem finns medlemmar av familjen Rikavert av målare, av vilka särskilt David Rikaert III (1612 - 1661) nådde en viss bredd av självständighet.

Bredvid den nationella flamländska småfigursmålningen finns en samtidig, om än inte likvärdig, italienskiseringstrend, vars mästare tillfälligt arbetade i Italien och skildrade det italienska livet i alla dess yttringar. De största av dessa medlemmar av den holländska "gemenskapen" i Rom, bortförd av Raphael eller Michelangelo, var dock holländarna, till vilka vi kommer att återkomma nedan. Pieter Van Laer från Gaarlem (1582 - 1642) är den sanna grundaren av denna trend, som påverkade både italienarna av Cherkvozzi-typ och belgare av typen Jan Mils (1599 - 1668) lika mycket. Mindre oberoende är Anton Goubau (1616 - 1698), som fyllde de romerska ruinerna med färgstarkt liv, och Peter Van Blemen, med smeknamnet Standardaard (1657 - 1720), som föredrog italienska hästmässor, kavalleristrider och lägerscener. Italienskt folkliv har sedan dessa mästares tid förblivit ett område som årligen lockar skaror av nordliga målare.

Tvärtom utvecklades landskapsmåleriet i nationell flamländsk anda, med strids- och rövareteman, i anslutning till Sebastian Vranks, vars elev Peter Snyers (1592 - 1667) flyttade från Antwerpen till Bryssel. Sniers tidiga målningar, som de i Dresden, visar honom på ett ganska pittoreskt spår. Senare, som stridsmålare av huset Habsburg, betonade han topografisk och strategisk trohet mer än målerisk trohet, vilket hans stora målningar i Bryssel, Wien och Madrid visar. Hans bästa elev var Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), en stridsmålare av Ludvig XIV och en professor vid Parisakademin, som överförde till Paris stilen Snyers, förfinad av honom i luft- och ljusperspektiv. På slottet i Versailles och på Hotel des Invalides i Paris målade han stora serier väggmålningar, felfria i sina självsäkra former och intrycket av ett pittoreskt landskap. Hans målningar i Dresden, Wien, Madrid och Bryssel med kampanjer, belägringar av städer, läger, segerrika inträde för den store kungen är också anmärkningsvärda för deras ljusa bildmässiga subtilitet i uppfattningen. Denna nya nederländska stridsmålning överfördes till Italien av Cornelis de Wael (1592-1662), som bosatte sig i Genua, och efter att ha fått här en mer perfekt pensel och varm färg, gick han snart över till att skildra italienskt folkliv.

I det egentliga belgiska landskapsmåleriet, som beskrivs mer i detalj av författaren till denna bok i The History of Painting (hans egen och Woltmanns), kan man ganska tydligt särskilja den ursprungliga, inhemska, endast något berört av sydliga influenser från den pseudoklassiska. trend som gränsade till Poussin i Italien. Den nationella belgiska landskapsmålningen behöll, i jämförelse med den holländska, bortom Rubens och Brouwer, ett drag av något yttre dekorativitet; med detta drag uppträdde hon i utsmyckningen av palats och kyrkor med dekorativa serier av målningar i så överflöd som ingen annanstans. Antwerpen Paul Bril ingjutit denna typ av målning i Rom; senare franskiserade belgare Francois Millet och Philippe de Champagne dekorerade parisiska kyrkor med landskapsmålningar. Författaren till denna bok skrev en separat artikel om kyrkliga landskap 1890.

Av Antwerpens mästare bör man först och främst peka på Caspar de Witte (1624 - 1681), sedan Peter Spirincks (1635 - 1711), som äger kyrkolandskap som felaktigt tillskrivits Peter Risbrak (1655 - 1719) i augustinerns kör. kyrka i Antwerpen, och särskilt på Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), med smeknamnet "Horizonte" för klarheten i de blå bergsavstånden i hans framgångsrika, som starkt påminner om Duguet, men hårda och kalla målningar.

Den nationella belgiska landskapsmålningen från denna period blomstrade övervägande i Bryssel. Dess förfader var Denis Van Alsloot (cirka 1570 - 1626), som, baserat på övergångsstilen, utvecklade stor styrka, fasthet och klarhet i måleriet i sina semi-lantliga, semi-urbana målningar. Hans store lärjunge Lucas Achtschellingx (1626 - 1699), influerad av Jacques d'Artois, deltog på ett fritt, något svepande sätt, i utsmyckningen av belgiska kyrkor med bibliska landskap med frodiga mörkgröna träd och blåa kuperade avstånd. Jacques d'Artois (1613 - 1683), Bryssels bästa landskapsmålare, elev till den nästan okända Jan Mertens, dekorerade också kyrkor och kloster med stora landskap, vars bibliska scener målades av hans vänner, historiska målare. Hans landskap av kapellet St. Författaren till denna bok såg fruarna till Bryssels katedral i sakristian i denna kyrka. Kyrkolandskap var i alla fall också hans stora målningar av Hofmuseet och Liechtenstein-galleriet i Wien. Med sina små rumsmålningar, som representerar den frodiga skogsnaturen i Bryssels omgivningar, med dess gigantiska gröna träd, gula sandvägar, blåkullade avstånd, ljusa floder och dammar, kan du bäst lära känna Madrid och Bryssel och även perfekt i Dresden , München och Darmstadt. Med en lyxig sluten komposition, djup, mättad med ljusa färger, med en klar luft med moln, som kännetecknas av guldgula upplysta sidor, förmedlar de perfekt områdets allmänna, men fortfarande bara den allmänna karaktären. Gyllene, varmare, mer dekorativ, om man så vill, mer venetiansk i färgen än d'Artois, hans bästa elev Cornelis Huysmans (1648 - 1727), vars bästa kyrkolandskap är "Kristus i Emmaus" från St. Hustruskyrkan i Mecheln .

I kuststaden Antwerpen utvecklades också naturligt en småbåtshamn. 1600-talets önskan om frihet och naturlighet förverkligades här i målningarna som representerade Andries Aartvelts eller Van Ertvelts (1590 - 1652), Buonaventura Peters (1614 - 1652) och Hendrik Mindergouts (1632 - 1696) kust- och havsstrider. som dock inte kan komma ikapp de bästa holländska hantverkarna i samma bransch.

I arkitekturmåleriet, som villigt avbildade gotiska kyrkornas insida, saknade de flamländska mästarna, liksom Peter Neefs den yngre (1620 - 1675), som knappast gick utöver en grov övergångsstil, också den holländska inre, ljusfyllda, pittoreska charmen bilder av kyrkor.

Ju mer djärvhet och ljusstyrka belgarna gav bilderna av djur, frukter, död natur och blommor. Men även Jan Fit (1611 - 1661), en målare av köksartiklar och frukter, gick inte längre än till Snyders, som noggrant utförde och sammanfogade alla detaljer. Blomstermålningen gick inte heller i Antwerpen, åtminstone på egen hand, längre än Jan Brueghel den äldre. Till och med Brueghels elev på detta område, Daniel Seghers (1590 - 1661), överträffade honom bara i bredden och lyxen av den dekorativa layouten, men inte i att förstå charmen med formerna och de skimrande färgerna i individuella färger. Hur som helst avslöjar Seghers blomsterkransar på stora figurmålares madonnor och hans sällsynta, oberoende bilder av blommor, som en silvervas i Dresden, det klara, kalla ljuset av en ojämförlig avrättning. Antwerpen på 1600-talet var huvudplatsen för den nederländska målningen av blommor och frukter, men det är inte så mycket att tacka för lokala mästare som till den store utrechtianaren Jan Davids de Gey (1606 - 1684), som flyttade till Antwerpen och uppfostrade sin son Cornelis, som föddes i Leiden de Gay (1631 - 1695), senare också en Antwerpens mästare. Men det är de, den störste av alla målare av blommor och frukter, som utmärker sig genom sin oändliga kärlek till efterbehandlingsdetaljer och målarkraften, kapabla att internt förena dessa detaljer, som mästare av holländare, och inte den belgiska typen.

Vi har sett att det fanns betydande kopplingar mellan flamländsk måleri och holländsk, italiensk och fransk konst. Flemingerna kunde uppskatta holländarnas direkta, intima uppfattning, fransmännens patetiska elegans, den dekorativa lyxen i italienarnas former och färger, men bortsett från avhoppare och isolerade fenomen förblev de alltid bara en fjärdedel av sig själva i sin konst, för det andra kvarteret var de internt romaniserade och utåt germanska holländare, som kunde greppa och återge naturen och livet med stark och häftig entusiasm och i dekorativ mening med humör.

Bland dem kan du också se ett porträtt av en av de mest kända mästarna i Flandern på den tiden, Adrian Brauer. (1606-1632) , vars målningar samlades av Rubens själv (det fanns sjutton av dem i hans samling). Varje verk av Brauer är en pärla av målning. Konstnären var utrustad med en enorm färgistisk talang. Temat för sitt arbete, han valde vardagen för de flamländska fattiga - bönder, tiggare, vagabonder - tråkiga i sin monotoni och tomhet, med dess eländiga underhållning, ibland störd av ett utbrott av vilda djurs passioner. Brouwer fortsatte Boschs och Brueghels traditioner inom konsten med sitt aktiva förkastande av livets elände och fulhet, den mänskliga naturens dumhet och djuriska bastenhet, och samtidigt ett stort intresse för det unika karaktäristiska. Han syftar inte till att visa upp en bred bakgrund av det sociala livet inför betraktaren. Hans styrka ligger i skildringen av specifika genresituationer. Han har särskilt förmågan att i ansiktsuttryck uttrycka olika effekter av känslor och förnimmelser som en person upplever. I motsats till Rubens, van Dyck och till och med Jordans tänker han inte på några ideal och ädla passioner. Han iakttar sarkastiskt personen som han är. I museet kan du se hans målning "Drinking Buddies", anmärkningsvärd för sin känsliga ljusfärgning, slående förmedlar ljus och atmosfäriska förhållanden. Den eländiga stadsbilden nära vallarna, tillsammans med vagabondspelarna, framkallar en hjärtskärande melankoli. Denna stämning hos konstnären själv, på tal om tillvarons dova hopplöshet, är verkligen djupt dramatisk.

Frans Hals

Den holländska avdelningen för måleri är relativt liten, men den innehåller målningar av Rembrandt, Jacob Ruisdael, de mindre holländarna, mästare i landskap, stilleben och genrescener. Ett märkligt porträtt av köpmannen Willem Heithuissen, verk av den store holländska konstnären Frans Hals (1581/85-1666) . Heithuissen var en rik men trångsynt och extremt fåfäng man. Rustik till sin natur, strävade han ändå efter att likna ädla aristokrater genom den elegans som hans rikedom tycktes få förvärva. Hals är löjlig och främmande för påståendena från denna uppkomling. För så ihärdigt, med en viss mängd sarkasm, gör han porträttbilden dubbel. Först lägger vi märke till Heithuissens avslappnade pose, hans rikt eleganta kostym, hans hatt med en dapper brätte och sedan hans uttryckslösa, bleka, inte längre unga ansikte med en matt blick. Den här mannens prosaiska väsen framträder, trots alla knep för att dölja den. Bildens inre inkonsekvens och instabilitet avslöjas mest av allt av porträttets ursprungligen lösta komposition. Heithuissen, med en piska i handen, som efter en åktur, sätter sig på en stol, som han verkar svänga. Denna pose tyder på konstnärens snabba fixering av modellens tillstånd på kort tid. Och samma hållning ger bilden en nyans av viss inre avslappning och letargi. Det finns något ynkligt i denna man, som försöker dölja för sig själv den oundvikliga vissnandet, begärens fåfänga och inre tomhet.

Lucas Cranach

I den tyska måleridelen av Brysselmuseet väcker Lucas Cranach den äldres lysande verk uppmärksamhet. (1472-1553) . Detta är ett porträtt av Dr Johann Schering daterat 1529. Bilden av en viljestark, stark man är typisk för den tyska renässansens konst. Men Cranach fångar varje gång sinnets och karaktärens individuella egenskaper och avslöjar dem i modellens fysiska utseende, skarpt greppad av dess unika karaktär. I Sherings stränga blick, i hans ansikte, kan man känna någon form av kall besatthet, stelhet och oförsonlighet. Hans bild skulle helt enkelt vara obehaglig om den enorma inre styrkan inte framkallade en känsla av respekt för denna persons säregna karaktär. Virtuositeten i konstnärens grafiska skicklighet är slående, den förmedlar så skarpt de fula stora dragen i ansiktet och många små detaljer i porträttet.

Italienska och franska samlingar

Samlingen av målningar av italienska konstnärer kan väcka museibesökarnas intresse, eftersom den innehåller verk av Tintoretto, den store målaren, den italienska renässansens sista titan. "Avrättning av St. Mark” är en duk av en cykel tillägnad ett helgons liv. Bilden genomsyras av stormig dramatik, passionerat patos. Inte bara människor, utan också himlen i sönderrivna moln och det rasande havet tycktes sörja en persons död.

Mästerverken i den franska samlingen är porträttet av en ung man av Mathieu Lenin och landskapet av Claude Lorrain.

I dess sektion av gammal konst finns det för närvarande mer än tusen och hundra konstverk, av vilka många är kapabla att leverera djup estetisk njutning till betraktaren.

Jacques Louis David

Den andra delen av Kungliga Konstmuseet - samlingar av konst från 1800- och 1900-talen. De innehåller mest verk av belgiska mästare. Den franska skolans mest framstående verk, som förvaras i museet, är "Marats död" av Jacques Louis David (1748-1825) .

David är en berömd konstnär från Frankrike, chef för revolutionär klassicism, vars historiska målningar spelade en stor roll i att väcka medborgarmedvetandet hos hans samtida under åren före den franska borgerliga revolutionen. De flesta av konstnärens förrevolutionära målningar målades på ämnen från antikens Greklands och Roms historia, men den revolutionära verkligheten tvingade David att vända sig till nuet och i den hitta en hjälte värd att vara ett ideal.

"Maratu - David. År två" - sådan är den lakoniska inskriptionen på bilden. Det uppfattas som ett epitafium. Marat - en av ledarna för den franska revolutionen - dödades 1793 (enligt revolutionär kalkyl under andra året) rojalisten Charlotte Corday. "Folkets vän" avbildas i dödsögonblicket, omedelbart efter slaget. En blodig kniv kastas i närheten av det helande badet där han arbetade trots fysiskt lidande. En hård tystnad fyller bilden, som låter som ett rekviem för en fallen hjälte. Hans figur är kraftfullt skulpterad med chiaroscuro och liknas vid en staty. Det kastade huvudet och den fallna handen tycktes vara frusna i evig högtidlig frid. Kompositionen imponerar med strängheten i urvalet av objekt och klarheten i linjära rytmer. Marats död uppfattas av David som ett heroiskt drama om en stor medborgares öde.

Belgaren Francois Joseph Navez blev elev till David, som levde de sista åren av sitt liv i exil och Bryssel. (1787-1863) . Fram till slutet av sitt liv förblev Navez trogen den tradition som hans lärare skapade, särskilt inom porträtt, även om han introducerade en viss touch av romantisk tolkning av bilden i denna genre. Ett av de berömda verken av konstnären "Porträtt av familjen Emptinn" skrevs 1816. Tittaren förmedlar ofrivilligt att det unga och vackra paret förenas av känslor av kärlek och lycka. Om bilden av en kvinna är full av lugn glädje, är den manliga fylld av något romantiskt mysterium och en liten nyans av sorg.

Belgisk målning från 1800- och 1900-talen

I museets salar kan du se verk av de största belgiska målarna på 1800-talet: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger. Jan Stobbarts presenteras med en av sina bästa målningar, Farm in Kreiningen, som verkligen skildrar bondearbete i Belgien. Även om konstnären var självlärd är målningen superbt konstruerad och håller hög kvalitet i måleriet. Dess tema kan ha inspirerats av Rubens' The Return of the Prodigal Son. Stobbarts var en av 1800-talets första målare som förkunnade realismens principer.

Början av hans konstnärliga karriär var svår. Vana vid det romantiska konceptet med den konstnärliga bilden, avvisade allmänheten i Antwerpen indignerat hans sanningsenliga målningar. Denna antagonism visade sig vara så stark att Stobbarts så småningom tvingades flytta till Bryssel.

Museet har tjugosju dukar av den berömda belgiska konstnären Henri de Brakeleur. (1840-1888) , som var brorson och elev till A. Leys, en enastående historisk målare. Ökat intresse för Belgiens nationella historia, dess traditioner, livsstil, kultur kombinerat i de Brakeler med någon konstig känsla av kärlek, full av lätt ånger och längtan efter det förflutna. Hans genrescener genomsyras av minnen från det förflutna, hans karaktärer liknar människor från svunna århundraden, omgivna av antikviteter och föremål. I de Brakeleras verk finns det utan tvekan ett inslag av stilisering. I synnerhet liknar hans målning "Geographer" arbetet av de holländska mästarna på 1600-talet G. Metsu och N. Mas. På bilden ser vi en gammal man sitta på en sammetspall från 1600-talet och nedsänkt i kontemplationen av en gammal målad satin.

Målning av James Ensor (1860-1949) "Lady in Blue" (1881) bär spår av den franska impressionismens starka inflytande. Den pittoreska skalan består av blå, blågrå och gröna toner. Ett livligt och fritt slag förmedlar vibrationer och luftrörelser.

Den pittoreska tolkningen av bilden gör vardagsmotivet till en poetisk scen. Konstnärens förhöjda bilduppfattning, en förkärlek för fantasy och en ständig önskan att förvandla det han ser till något ovanligt återspeglas också i hans lysande stilleben, det mest framgångsrika exemplet är Bryssel Skat. Havsfisk är avvisande vacker med sin skarpa rosa färg och form, som om den suddas ut inför ögonen, och det finns något obehagligt och störande i dess förtrollande genomträngande blick riktad direkt mot betraktaren.

Ensor levde ett långt liv, men verksamheten i hans verk faller på perioden 1879 till 1893. Ensors ironi, förkastandet av den mänskliga naturens fula drag med skoningslös sarkasm, manifesteras i många målningar som föreställer karnevalsmasker, som också kan ses i Brysselmuseet. Utan tvekan Ensors successiva koppling till Boschs och Brueghels konst.

Den finaste färgaren och mest begåvade skulptören som dog i första världskriget, Rick Wauters (1882-1916) representerade i museet som målningar och skulpturer. Konstnären upplevde Cezannes starkaste inflytande, anslöt sig till strömmen av den så kallade "brabantfauvismen", men blev ändå en djupt originell mästare. Hans temperamentsfulla konst är genomsyrad av en passionerad kärlek till livet. I Damen med det gula halsbandet känner vi igen hans fru, Nel, uppflugen i en fåtölj. Det festliga ljudet av den gula färgen på gardinerna, den rödrutiga pläden, de gröna girlanderna på tapeten, den blåa - av klänningen framkallar en känsla av glädje över att vara, fängslande hela själen.

Museet har flera verk av den enastående belgiska målaren Permeke (1886-1952) .

Constant Permeke anses allmänt vara chefen för den belgiska expressionismen. Belgien var det andra landet efter Tyskland där denna trend fick stort inflytande i den konstnärliga miljön. Permekes hjältar, mestadels folk från folket, skildras med avsiktlig grovhet, som enligt författaren ska avslöja deras naturliga styrka och kraft. Permeke tillgriper deformation, en förenklad färgpalett. Ändå känner man i hans "Förlovade" en slags monumentalisering, om än primitiva bilder, en önskan att avslöja karaktären och förhållandet mellan en sjöman och hans flickvän.

Bland mästarna i den realistiska trenden på 1900-talet utmärker sig Isidore Opsomer och Pierre Polus. Den första är känd som en underbar porträttmålare ("Porträtt av Jules Destre"), den andra - som en konstnär som liksom C. Meunier ägnade sitt arbete åt att skildra belgiska gruvarbetares svåra liv. I museets salar finns också verk av belgiska konstnärer som tillhör andra trender inom samtidskonsten, främst surrealism och abstraktionism.

Belgium Artists of Belgium (belgiska artister)

Konungariket Belgien

"Samtida belgisk målning. Belgiens konstnärer»

Konstnärer från Belgien och samtida.

Belgien!
Belgien! Belgien land!
Belgien! Belgiens delstat!
Belgien! Det officiella namnet på den belgiska staten är kungariket Belgien!

Belgien! Konungariket Belgien är en stat i nordvästra Europa.
Belgien! Konungariket Belgien är medlem i Europeiska unionen (EU), FN (FN) och det nordatlantiska militärblocket (NATO).
Belgien! Konungariket Belgien täcker en yta på 30 528 km².
Belgien! Konungariket Belgien! Idag bor mer än 10 miljoner människor i kungariket. Den stora majoriteten av den belgiska befolkningen är urban – cirka 97 % redan 2004.
Belgien! Konungariket Belgien! Huvudstaden i det belgiska kungariket är staden Bryssel.
Belgien! Konungariket Belgien! Belgien gränsar till Nederländerna i norr, Tyskland i öster, Luxemburg i sydost och Frankrike i söder och väster. Konungariket Belgien i nordväst har tillgång till Nordsjön.
Belgien! Konungariket Belgien! Regeringsformen i Belgien är en konstitutionell parlamentarisk monarki, formen av administrativ-territoriell struktur är en federation.

Belgien Belgiens historia
Belgiens förhistoria
Belgien Belgiens historia De äldsta spåren av förekomsten av hominider i det framtida Belgiens territorium hittades på kullen Allambe, i närheten av Mount Saint-Pierre (Sint-Petersberg) i provinsen Liège, och går tillbaka till för cirka 800 tusen år sedan.
Belgien Belgiens historia Under perioden 250-35 tusen år f.Kr. e. Belgiens territorium beboddes av neandertalare, främst i provinserna Liege och Namur.
Belgien Belgiens historia Omkring 30 000 f.Kr. e. Neandertalarna försvinner, utdrivna av Cro-Magnons. Den sista nedisningen i detta område slutade omkring 10 000 f.Kr. e. På den tiden var havsnivån på dessa platser betydligt lägre än för närvarande, så det fanns en landförbindelse mellan Belgien och det moderna England, som senare försvann.
Belgien Belgiens historia Under den neolitiska perioden bröts kisel aktivt i Belgien, vilket framgår av den förhistoriska Spienne-gruvan.
Belgien Belgiens historia De första tecknen på bronsåldern i Belgien går tillbaka till omkring 1750 f.Kr. e.
Belgien Belgiens historia Sedan 500-talet f.Kr. e. och före början av e. i Belgien blomstrar den galliska La Tène-kulturen och upprätthåller handel och kulturella band med Medelhavet. Härifrån genomförde de gallisktalande stammarna expansion österut, upp till Mindre Asien. Själva ordet "Belgien" kommer från namnet på den galliska stammen belgier, som bebodde detta land i början av vår tideräkning. Bland stammarna som bebodde Belgiens territorium är Eburons, Aduatics, Nervii, Menaps kända från historiska källor.

Belgien Belgiens historia
Belgien romersk tid
Belgien Belgiens historia 54 f.Kr. e. det moderna Belgiens territorium erövrades av den romerske kejsaren Julius Caesars trupper och inkluderades i den romerska provinsen Gallien.
Belgien Belgiens historia Efter det västromerska rikets fall erövrades den romerska provinsen Gallien på 400-talet av frankernas germanska stammar.

Belgien Belgiens historia
Belgien Belgiens historia före självständigheten
Belgien Belgiens historia Under medeltiden var Belgien en del av hertigdömet Bourgogne.
Belgien Belgiens historia 1477-1556 Under denna period förde Maria av Bourgognes dynastiska äktenskap den burgundiska besittningen in i det heliga romerska riket.
Belgien Belgiens historia 1556-1713 under dessa år var det moderna Belgiens territorium under kontroll av Spanien. Trettioåriga kriget markerade början på separationen av de belgiska territorierna från de protestantiska Nederländerna.
Belgien Belgiens historia 1713-1792 Det moderna Belgiens territorium införlivades med det heliga romerska riket som de österrikiska Nederländerna.
Belgien Belgiens historia 1792-1815 Det moderna Belgiens territorium kom under Frankrikes kontroll.
Belgien Belgiens historia 1815-1830 Det moderna Belgiens territorium inkluderades, enligt Wienkongressens beslut, i kungariket Förenade Nederländerna. Många i Belgien var dock missnöjda med den påtvingade föreningen med Nederländerna (främst den fransktalande befolkningen och det katolska prästerskapet, som fruktade förstärkningen av det nederländska språkets roll respektive den protestantiska bekännelsen).

Belgien Belgiens historia
Belgien Belgiska revolutionen Belgiska staten
Belgien Belgiens historia År 1830, som ett resultat av den belgiska revolutionen, drog sig Belgien tillbaka från det holländska kungariket. År 1830 fick det utropade kungariket Belgien för första gången sin status som en självständig stat.
Belgien Belgiens historia Konungariket Belgien började efter att ha blivit självständigt intensivt utveckla sin ekonomi. Till exempel blev Belgien det första landet på kontinentala Europa, där järnvägen Mechelen-Bryssel byggdes 1835.
Belgien Belgiens historia Belgien led mycket under första världskriget. Belgarna kallar fortfarande detta krig för "det stora kriget". Även om större delen av Belgien var ockuperat, höll belgiska och brittiska trupper under hela kriget en liten del av landet, inklämd mellan Nordsjön och Yserfloden.
Belgien Belgiens historia Historien om den belgiska staden Ypres är särskilt tragisk - under kriget förstördes den nästan helt. Här, nära staden Ypres, användes för första gången i krigshistorien giftgas (klor). Och senapsgasen som applicerades två månader senare fick sitt namn efter denna stad.
Belgien Belgiens historia Den 3 april 1925 slöts ett avtal mellan Belgien och Nederländerna för att revidera fördraget från 1839. Upphävande av Belgiens långa neutralitet och demilitarisering av hamnen i Antwerpen.
Belgien Belgiens historia andra världskriget (1940-1944). Under andra världskriget ockuperade tyskarna Belgien. Den belgiska regeringen flyr till England och kung Leopold III deporteras till Tyskland, eftersom han undertecknade kapitulationshandlingen den 28 maj 1940. Under den tyska ockupationens varaktighet i Belgien införs den tyska militäradministrationens regim under befäl av general von Falkenhausen.
Belgien Belgiens historia Belgiens befrielse från tyska trupper börjar den 3 september 1944, med brittiska truppers inträde i Bryssel. 11 februari 1945 Belgien börjar sin egen regering.

Belgien Belgiens historia
Belgien Konungariket Belgien Belgiens moderna historia
Belgien Belgiens historia 4 april 1949 Konungariket Belgien går med i NATO.
Belgien Belgiens historia 1957 gick Konungariket Belgien med i Europeiska ekonomiska gemenskapen (EEG).

Belgien Belgien kultur

Belgien Belgiens kultur Ett inslag i Belgiens kulturliv är frånvaron av ett enda kulturfält.
Belgien Belgiens kultur Faktum är att kulturlivet i det belgiska kungariket är koncentrerat till språkgemenskaperna. Det finns ingen rikstäckande tv, tidningar eller andra medier i Belgien.

Belgien Belgiens kultur Belgiens konst
Belgien Belgisk konst
Belgien Redan under renässansen blev Flandern berömd för sitt måleri (flamländska primitiver).
Belgien Senare bodde och verkade den berömda konstnären Rubens i Flandern (i Belgien kallas staden Antwerpen fortfarande ofta för staden Rubens). Under andra hälften av 1600-talet hade dock den flamländska konsten gradvis minskat.
Belgien Den nya uppkomsten av bildkonst i Belgien hör till perioderna romantik, expressionism och surrealism. Världsberömda belgiska konstnärer: James Ensor (expressionism och surrealism), Constant Permeke (expressionism), Leon Spilliart (symbolism).
Belgien Belgiens mest kända konstnär är utan tvekan René Magritte, som anses vara en av surrealismens viktigaste exponenter.
Belgien 2 juni 2009 i Bryssel i komplexet av Royal Museums of Fine Arts öppnade ett nytt museum för den belgiske surrealistiska konstnären Rene Magritte (1898-1967). Utställningen omfattar cirka 250 verk. Det nya museet har blivit den största utställningen av målningar av René Magritte i världen.

Belgien Belgiens kultur Belgiens konst
Belgien Belgisk konst Belgiska konstnärer Belgisk målning
Belgien! Konstnärer från Belgien (belgiska målare och skulptörer), belgiska målare (belgiska målarmästare) är välkända över hela världen och skapar vackra bilder. De belgiska konstnärernas arbete är mycket varierande. Belgiska konstnärer (belgiska målare) ställer ofta ut sina verk på internationella utställningar runt om i världen, inklusive i Ryssland.

Belgien! Konstnärer från Belgien (belgiska konstnärer) stödjer på ett adekvat sätt de historiska traditionerna i den belgiska målarskolan.
Belgien! Artists of Belgium (belgiska konstnärer) Vårt galleri presenterar verk av intressanta och begåvade konstnärer som bor i Belgien.

Belgien! Belgiens konstnärer (belgiska konstnärer) Belgiens konstnärer och deras verk förtjänar noggrann uppmärksamhet av riktiga konstälskare.
Belgien! Artists of Belgium (Belgian Artists) Belgiska konstnärer värderas för sin talang, originalitet i stil och professionalism.
Belgien! Belgiens konstnärer (moderna belgiska konstnärer) Målningar av belgiska konstnärer älskas och köps gärna i alla länder i världen.

Belgien! Belgiens konstnärer (moderna belgiska konstnärer) I vårt galleri kan du hitta och beställa vackra och intressanta verk av de bästa belgiska konstnärerna och de bästa belgiska skulptörerna!