ประเภทหลักของโอเปร่ารัสเซีย Opera - การก่อตัวของประเภทคุณสมบัติของ Opera และส่วนประกอบต่างๆ

เนื้อหาของบทความ

โอเปร่า,ละครหรือตลกที่มีเพลง บทละครร้องในโอเปร่า การร้องเพลงและการแสดงบนเวทีมักจะมาพร้อมกับเครื่องดนตรี (โดยปกติคือวงออเคสตรา) เสมอ โอเปร่าหลายเรื่องยังโดดเด่นด้วยการปรากฏตัวของวงดนตรีสลับฉาก (การแนะนำ บทสรุป การหยุดพัก ฯลฯ ) และการแบ่งโครงเรื่องที่เต็มไปด้วยฉากบัลเล่ต์

Opera ถือกำเนิดขึ้นเพื่อเป็นงานอดิเรกของชนชั้นสูง แต่ในไม่ช้าก็กลายเป็นความบันเทิงสำหรับประชาชนทั่วไป โรงอุปรากรสาธารณะแห่งแรกเปิดในเมืองเวนิสในปี 1637 เพียงสี่ทศวรรษหลังจากการกำเนิดของประเภทนี้ จากนั้นโอเปร่าก็แพร่กระจายไปทั่วยุโรปอย่างรวดเร็ว ในฐานะความบันเทิงสาธารณะ ได้มีการพัฒนาอย่างยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20

ตลอดประวัติศาสตร์ โอเปร่ามีอิทธิพลอย่างมากต่อแนวดนตรีอื่นๆ ซิมโฟนีเกิดขึ้นจากการบรรเลงโอเปร่าของอิตาลีในศตวรรษที่ 18 ข้อความที่ไพเราะและจังหวะของเปียโนคอนแชร์โตส่วนใหญ่เป็นผลมาจากความพยายามที่จะสะท้อนความสามารถด้านเสียงร้องแบบโอเปร่าในพื้นผิวของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด ในศตวรรษที่ 19 งานเขียนฮาร์โมนิกและออร์เคสตราของอาร์. วากเนอร์ซึ่งเขาสร้างขึ้นสำหรับ "ละครเพลง" ที่ยิ่งใหญ่ได้กำหนดการพัฒนาเพิ่มเติมของรูปแบบดนตรีจำนวนหนึ่งและแม้กระทั่งในศตวรรษที่ 20 นักดนตรีหลายคนถือว่าการปลดปล่อยจากอิทธิพลของวากเนอร์เป็นทิศทางหลักของการเคลื่อนไหวไปสู่ดนตรีใหม่

แบบฟอร์มโอเปร่า

ในสิ่งที่เรียกว่า ในแกรนด์โอเปร่า ซึ่งเป็นประเภทโอเปร่าที่แพร่หลายที่สุดในปัจจุบัน มีการร้องข้อความทั้งหมด ในละครตลก การร้องเพลงมักจะสลับกับฉากพูด ชื่อ "comic opera" (opéra comique ในฝรั่งเศส, opera buffa ในอิตาลี, Singspiel ในเยอรมนี) เป็นเรื่องที่ค่อนข้างจะไร้เหตุผล เนื่องจากงานประเภทนี้บางงานไม่ได้มีเนื้อหาเป็นการ์ตูน (คุณลักษณะเฉพาะของ "comic opera" คือการมีอยู่ ของบทสนทนา) ประเภทของแสง โอเปร่าการ์ตูนซาบซึ้งซึ่งแพร่หลายในปารีสและเวียนนาเริ่มถูกเรียกว่าโอเปร่า ในอเมริกาเรียกว่าละครเพลง การเล่นดนตรี (ละครเพลง) ที่สร้างชื่อเสียงให้กับละครบรอดเวย์มักมีเนื้อหาที่จริงจังมากกว่าละครเวทีของยุโรป

โอเปร่ารูปแบบต่างๆ เหล่านี้มีพื้นฐานอยู่บนความเชื่อที่ว่าดนตรีและการร้องเพลงโดยเฉพาะจะช่วยเสริมการแสดงออกทางอารมณ์ของบทละคร จริงอยู่ที่บางครั้งองค์ประกอบอื่นๆ ก็มีบทบาทสำคัญไม่แพ้กันในโอเปร่า ดังนั้นในอุปรากรฝรั่งเศสในช่วงเวลาหนึ่ง (และในอุปรากรรัสเซียในศตวรรษที่ 19) การเต้นรำและด้านความบันเทิงจึงได้รับความสำคัญอย่างมาก นักเขียนชาวเยอรมันมักถือว่าท่อนออเคสตราไม่ใช่ส่วนประกอบ แต่เทียบเท่ากับท่อนร้อง แต่เมื่อเทียบกับประวัติศาสตร์ของโอเปร่าแล้ว การร้องเพลงยังคงมีบทบาทสำคัญ

หากนักร้องเป็นผู้นำในการแสดงโอเปร่า ส่วนของวงออเคสตราจะสร้างกรอบซึ่งเป็นรากฐานของการแสดง ขับเคลื่อนไปข้างหน้าและเตรียมผู้ชมสำหรับกิจกรรมในอนาคต วงออเคสตราสนับสนุนนักร้อง เน้นจุดไคลแม็กซ์ เติมเต็มช่องว่างในบทเพลงหรือช่วงเวลาของทิวทัศน์ที่เปลี่ยนแปลงไปพร้อมกับเสียง และสุดท้ายก็แสดงในตอนท้ายของโอเปร่าเมื่อม่านปิดลง

โอเปร่าส่วนใหญ่มีการแนะนำเครื่องดนตรีที่ช่วยปูทางให้ผู้ชม ในศตวรรษที่ 17-19 การแนะนำเช่นนี้เรียกว่าการทาบทาม การทาบทามเป็นผลงานคอนเสิร์ตที่กระชับและเป็นอิสระ ไม่มีเนื้อหาเกี่ยวข้องกับโอเปร่า จึงเปลี่ยนได้ง่าย เช่น การทาบทามถึงโศกนาฏกรรม ออเรเลียนในพอลไมราต่อมารอสซินีได้พัฒนาเป็นการแสดงตลก ช่างตัดผมของเซบียา. แต่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 นักแต่งเพลงเริ่มให้ความสำคัญกับความสามัคคีของอารมณ์และการเชื่อมโยงเฉพาะเรื่องระหว่างการทาบทามและโอเปร่ามากขึ้น รูปแบบของการแนะนำ (Vorspiel) เกิดขึ้น ซึ่ง เช่น ในละครเพลงตอนปลายของวากเนอร์ รวมถึงธีมหลัก (เพลงประกอบ) ของโอเปร่าและแนะนำฉากแอ็คชั่นโดยตรง รูปแบบของการแสดงโอเปร่าแบบ "อิสระ" ได้เสื่อมถอยลงและตามเวลานั้น ทอสก้า Puccini (1900) การทาบทามอาจถูกแทนที่ด้วยคอร์ดเปิดเพียงไม่กี่คอร์ด ในการแสดงโอเปร่าหลายเรื่องของศตวรรษที่ 20 ไม่มีการจัดเตรียมดนตรีใดๆ ทั้งสิ้นสำหรับการแสดงบนเวที

ดังนั้นการแสดงโอเปร่าจึงพัฒนาขึ้นภายในกรอบออเคสตรา แต่เนื่องจากแก่นแท้ของโอเปร่าคือการร้องเพลง ช่วงเวลาที่สูงสุดของละครจึงสะท้อนให้เห็นในรูปแบบอาเรีย การร้องคู่ และรูปแบบทั่วไปอื่นๆ ที่เสร็จสมบูรณ์ซึ่งมีดนตรีมาปรากฏอยู่ข้างหน้า อาเรียเป็นเหมือนบทพูดคนเดียว เพลงคู่ก็เหมือนบทสนทนา โดยปกติแล้วทั้งสามคนจะรวบรวมความรู้สึกที่ขัดแย้งกันของตัวละครตัวหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับผู้เข้าร่วมอีกสองคน ด้วยความซับซ้อนที่มากขึ้น รูปแบบวงดนตรีที่แตกต่างกันก็เกิดขึ้น เช่น วงควอร์เตต ริโกเลตโต Verdi หรือ sextet ใน ลูเซีย ดิ แลมเมอร์มัวร์โดนิเซตติ. การแนะนำรูปแบบดังกล่าวมักจะหยุดการกระทำเพื่อให้มีที่ว่างสำหรับการพัฒนาอารมณ์ความรู้สึกหนึ่ง (หรือมากกว่า) มีเพียงนักร้องกลุ่มหนึ่งที่รวมตัวกันเป็นวงเท่านั้นที่สามารถแสดงมุมมองหลายประการเกี่ยวกับเหตุการณ์ปัจจุบันได้ บางครั้งคณะนักร้องประสานเสียงทำหน้าที่เป็นผู้วิจารณ์การกระทำของตัวละครโอเปร่า โดยทั่วไป ข้อความในคณะนักร้องประสานเสียงโอเปร่าจะพูดค่อนข้างช้า และมักจะพูดซ้ำวลีเพื่อให้ผู้ฟังเข้าใจเนื้อหาได้

เรียสเองก็ไม่ได้ประกอบขึ้นเป็นโอเปร่า ในโอเปร่าคลาสสิก วิธีการหลักในการถ่ายทอดโครงเรื่องและพัฒนาการแสดงให้กับผู้ชมคือการบรรยาย: การประกาศที่รวดเร็วและไพเราะในฟรีมิเตอร์ รองรับด้วยคอร์ดง่ายๆ และใช้น้ำเสียงพูดที่เป็นธรรมชาติ ในละครตลก การบรรยายมักถูกแทนที่ด้วยบทสนทนา การบรรยายอาจดูน่าเบื่อสำหรับผู้ฟังที่ไม่เข้าใจความหมายของข้อความที่พูด แต่มักจะขาดไม่ได้ในโครงสร้างที่มีความหมายของโอเปร่า

ไม่ใช่ว่าโอเปร่าทุกเรื่องจะสามารถสร้างเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างบทบรรยายกับเพลงได้ ตัวอย่างเช่น วากเนอร์ ละทิ้งรูปแบบเสียงร้องที่เสร็จสมบูรณ์ โดยมุ่งเป้าไปที่การพัฒนาอย่างต่อเนื่องของการแสดงดนตรี นวัตกรรมนี้ถูกนำมาใช้โดยนักแต่งเพลงจำนวนหนึ่ง โดยมีการปรับเปลี่ยนต่างๆ บนดินรัสเซีย แนวคิดของ "ละครเพลง" ต่อเนื่องเป็นอิสระจาก Wagner ซึ่งทดสอบครั้งแรกโดย A.S. Dargomyzhsky ใน แขกหินและ MP Mussorgsky ใน การแต่งงาน– พวกเขาเรียกรูปแบบนี้ว่า “โอเปร่าสนทนา” หรือบทสนทนาโอเปร่า

โอเปร่าเป็นละคร

เนื้อหาอันน่าทึ่งของโอเปร่าไม่เพียงรวมอยู่ในบทเพลงเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงตัวดนตรีด้วย ผู้สร้างประเภทโอเปร่าเรียกผลงานของพวกเขาว่า ละครต่อเพลง - "ละครที่แสดงออกในดนตรี" Opera เป็นมากกว่าละครที่มีเพลงและการเต้นรำ การเล่นละครเป็นแบบพึ่งตนเอง โอเปร่าที่ไม่มีดนตรีเป็นเพียงส่วนหนึ่งของความสามัคคีอันน่าทึ่ง สิ่งนี้ใช้ได้กับโอเปร่าที่มีฉากพูดด้วย ในงานประเภทนี้ - ตัวอย่างเช่นใน มานอน เลสคัต J. Massenet – ดนตรียังคงมีบทบาทสำคัญ

เป็นเรื่องยากอย่างยิ่งที่บทละครโอเปร่าจะสามารถนำมาจัดแสดงเป็นละครได้ แม้ว่าเนื้อหาของละครจะแสดงออกมาเป็นคำพูดและมีเทคนิคการแสดงบนเวทีที่มีลักษณะเฉพาะ แต่หากไม่มีดนตรี บางสิ่งที่สำคัญก็จะสูญหายไป - เป็นสิ่งที่สามารถแสดงออกได้ด้วยดนตรีเท่านั้น ด้วยเหตุผลเดียวกัน บทละครจึงสามารถนำมาใช้เป็นบทละครได้เป็นครั้งคราวเท่านั้น โดยไม่ลดจำนวนอักขระลงเสียก่อน ทำให้โครงเรื่องและตัวละครหลักง่ายขึ้น เราต้องเว้นที่ไว้ให้ดนตรีได้หายใจ มันจะต้องเล่นซ้ำ สร้างตอนของออเคสตรา เปลี่ยนอารมณ์และสีสันตามสถานการณ์ดราม่า และเนื่องจากการร้องเพลงยังทำให้เข้าใจความหมายของคำได้ยาก ข้อความในบทเพลงจึงต้องชัดเจนจนสามารถรับรู้ได้ขณะร้องเพลง

ดังนั้นโอเปร่าจึงปราบปรามความสมบูรณ์ของคำศัพท์และการปรับแต่งรูปแบบของละครที่ดี แต่ชดเชยความเสียหายนี้ด้วยความสามารถของภาษาของตัวเองซึ่งส่งถึงความรู้สึกของผู้ฟังโดยตรง ดังนั้นแหล่งวรรณกรรม มาดามบัตเตอร์ฟลายบทละครของ Puccini - D. Belasco เกี่ยวกับเกอิชาและทหารเรืออเมริกันนั้นล้าสมัยอย่างสิ้นหวังและโศกนาฏกรรมแห่งความรักและการทรยศที่แสดงออกมาในดนตรีของ Puccini ก็ไม่ได้จางหายไปตามกาลเวลา

เมื่อแต่งเพลงโอเปร่า ผู้แต่งส่วนใหญ่ปฏิบัติตามแบบแผนบางประการ ตัวอย่างเช่น การใช้เสียงหรือเครื่องดนตรีที่มีระดับเสียงสูงหมายถึง "ความหลงใหล" เสียงประสานที่ไม่สอดคล้องกันแสดงถึง "ความกลัว" การประชุมดังกล่าวไม่ได้เป็นไปตามอำเภอใจ โดยทั่วไปผู้คนจะขึ้นเสียงเมื่อตื่นเต้น และความรู้สึกหวาดกลัวทางร่างกายนั้นไม่สอดคล้องกัน แต่นักประพันธ์โอเปร่าที่มีประสบการณ์ใช้วิธีการที่ละเอียดอ่อนกว่าในการแสดงเนื้อหาที่น่าทึ่งในดนตรี เส้นไพเราะต้องสอดคล้องกับคำที่วางไว้อย่างเป็นธรรมชาติ การเขียนฮาร์โมนิกควรจะสะท้อนถึงการลดลงและการไหลของอารมณ์ จำเป็นต้องสร้างแบบจำลองจังหวะที่แตกต่างกันสำหรับฉากที่มีการกล่าวคำประกาศอย่างรวดเร็ว วงดนตรีในพิธี การร้องเพลงคู่และอาเรีย ความสามารถในการแสดงออกของวงออเคสตรา รวมถึงกลองและคุณลักษณะอื่นๆ ที่เกี่ยวข้องกับเครื่องดนตรีชนิดต่างๆ ก็ถูกนำมาใช้เพื่อจุดประสงค์ในการละครเช่นกัน

อย่างไรก็ตาม การแสดงละครไม่ได้เป็นเพียงหน้าที่ของดนตรีในโอเปร่าเท่านั้น ผู้แต่งโอเปร่าแก้ไขงานที่ขัดแย้งกันสองประการ: เพื่อแสดงเนื้อหาของละครและให้ความบันเทิงแก่ผู้ชม ตามวัตถุประสงค์แรก ดนตรีทำหน้าที่แสดงละคร อย่างที่สอง ดนตรีพึ่งตนเองได้ นักประพันธ์โอเปร่าผู้ยิ่งใหญ่หลายคน - Gluck, Wagner, Mussorgsky, R. Strauss, Puccini, Debussy, Berg - เน้นย้ำถึงองค์ประกอบที่แสดงออกและน่าทึ่งในโอเปร่า จากนักเขียนคนอื่นๆ โอเปร่ามีลักษณะเป็นห้องแสดงบทกวีที่ควบคุมไม่ได้มากขึ้น งานศิลปะของพวกเขาโดดเด่นด้วยความละเอียดอ่อนของฮาล์ฟโทน และขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนแปลงของรสนิยมสาธารณะน้อยกว่า นักแต่งเพลงเป็นที่ชื่นชอบของนักร้อง เพราะถึงแม้นักร้องโอเปร่าจะต้องเป็นนักแสดงในระดับหนึ่ง แต่งานหลักของเขาคือดนตรีล้วนๆ เขาต้องสร้างข้อความดนตรีขึ้นมาใหม่อย่างแม่นยำ ให้เสียงที่มีสีที่จำเป็น และวลีที่สวยงาม ผู้เขียนโคลงสั้น ๆ ได้แก่ ชาวเนเปิลส์แห่งศตวรรษที่ 18, ฮันเดล, ไฮเดิน, รอสซินี, โดนิเซตติ, เบลลินี, เวเบอร์, กูโนด, มาสเน, ไชคอฟสกี และริมสกี-คอร์ซาคอฟ นักเขียนที่หายากมีความสมดุลเกือบทั้งหมดขององค์ประกอบที่น่าทึ่งและโคลงสั้น ๆ เช่น Monteverdi, Mozart, Bizet, Verdi, Janacek และ Britten

ละครโอเปร่า

ละครโอเปร่าแบบดั้งเดิมประกอบด้วยผลงานจากศตวรรษที่ 19 เป็นหลัก และโอเปร่าหลายเรื่องตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 ถึงต้นศตวรรษที่ 20 ยวนใจด้วยการดึงดูดการกระทำอันประเสริฐและดินแดนอันห่างไกลมีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาโอเปร่าทั่วยุโรป การเติบโตของชนชั้นกลางนำไปสู่การแทรกซึมขององค์ประกอบพื้นบ้านในภาษาโอเปร่าและทำให้โอเปร่ามีผู้ชมจำนวนมากและซาบซึ้ง

ละครแบบดั้งเดิมมีแนวโน้มที่จะลดความหลากหลายของประเภทโอเปร่าทั้งหมดเหลือเพียงสองประเภทที่มีความจุมาก - "โศกนาฏกรรม" และ "ตลก" คำแรกมักจะแสดงอย่างกว้างขวางมากกว่าคำที่สอง พื้นฐานของละครในปัจจุบันประกอบด้วยโอเปร่าของอิตาลีและเยอรมัน โดยเฉพาะ "โศกนาฏกรรม" ในด้าน "ตลก" อุปรากรของอิตาลี หรืออย่างน้อยในภาษาอิตาลี (เช่น อุปรากรของโมสาร์ท) มีอิทธิพลเหนือกว่า มีละครโอเปร่าฝรั่งเศสอยู่ไม่กี่เรื่องในละครแบบดั้งเดิม และมักจะแสดงในรูปแบบอิตาลี โอเปร่ารัสเซียและเช็กหลายรายการเข้ามาแทนที่ในละครซึ่งเกือบจะแสดงเป็นการแปลทุกครั้ง โดยทั่วไป คณะโอเปร่าขนาดใหญ่จะยึดถือประเพณีการแสดงในภาษาต้นฉบับ

ตัวควบคุมหลักของละครคือความนิยมและแฟชั่น ความชุกและการพัฒนาของเสียงบางประเภทมีบทบาทบางอย่าง แม้ว่าโอเปร่าบางเรื่อง (เช่น ผู้ช่วย Verdi) มักดำเนินการโดยไม่คำนึงถึงว่ามีเสียงที่จำเป็นหรือไม่ (เสียงหลังเป็นเรื่องธรรมดามากกว่า) ในยุคที่ละครโอเปร่าที่มีบทบาทในการแสดงสีอัจฉริยะและโครงเรื่องเชิงเปรียบเทียบไม่เป็นที่นิยม มีเพียงไม่กี่คนที่ใส่ใจเกี่ยวกับรูปแบบการผลิตที่เหมาะสม ตัวอย่างเช่น โอเปร่าของฮันเดลถูกละเลยจนกระทั่งนักร้องชื่อดัง Joan Sutherland และคนอื่นๆ ก็เริ่มแสดงโอเปร่าเหล่านั้น และประเด็นนี้ไม่เพียงแต่ในที่สาธารณะ "ใหม่" ซึ่งค้นพบความงดงามของโอเปร่าเหล่านี้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการเกิดขึ้นของนักร้องจำนวนมากที่มีวัฒนธรรมการร้องสูงที่สามารถรับมือกับบทบาทโอเปร่าที่ซับซ้อนได้ ในทำนองเดียวกัน การฟื้นฟูผลงานของ Cherubini และ Bellini ได้รับแรงบันดาลใจจากการแสดงโอเปร่าที่ยอดเยี่ยมและการค้นพบ "ความใหม่" ของผลงานเก่า คีตกวีในยุคบาโรกตอนต้น โดยเฉพาะมอนเตเวร์ดี รวมถึงเปรีและสการ์ลัตติก็ถูกนำออกมาจากความสับสนเช่นเดียวกัน

การฟื้นฟูดังกล่าวทั้งหมดจำเป็นต้องมีฉบับที่มีการแสดงความคิดเห็น โดยเฉพาะผลงานของนักเขียนในศตวรรษที่ 17 เกี่ยวกับเครื่องมือและหลักการแบบไดนามิก ซึ่งเราไม่มีข้อมูลที่ถูกต้อง การทำซ้ำอย่างไม่มีที่สิ้นสุดในสิ่งที่เรียกว่า arias da capo ในโอเปร่าของโรงเรียน Neapolitan และ Handel ค่อนข้างน่าเบื่อในยุคของเรา - ช่วงเวลาแห่งการแยกย่อย ผู้ฟังยุคใหม่ไม่น่าจะสามารถแบ่งปันความหลงใหลของผู้ฟังได้ แม้แต่การแสดงโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19 ก็ตาม (Rossini, Spontini, Meyerbeer, Halévy) สู่ความบันเทิงที่กินเวลาตลอดทั้งเย็น (ดังนั้น คะแนนโอเปร่าเต็มเลย เฟอร์นันโด คอร์เตสสปอนตินี่เล่น 5 ชั่วโมง ไม่นับช่วงพักครึ่ง) มักมีกรณีที่จุดมืดในโน้ตและมิติของมันทำให้ผู้ควบคุมวงหรือผู้กำกับตกอยู่ในความอยากที่จะตัด จัดเรียงตัวเลขใหม่ แทรก หรือแม้แต่เขียนเป็นชิ้นใหม่ มักจะงุ่มง่ามจนเป็นเพียงญาติห่าง ๆ ของงานที่ปรากฏใน โปรแกรมจะปรากฏต่อหน้าสาธารณชน

นักร้อง.

นักร้องโอเปร่ามักจะแบ่งออกเป็นหกประเภทตามช่วงเสียงของพวกเขา เสียงผู้หญิงสามประเภทจากเสียงสูงไปต่ำ - โซปราโน, เมซโซ-โซปราโน, คอนทราลโต (เสียงหลังนี้หายากในทุกวันนี้); ชายสามคน - เทเนอร์, บาริโทน, เบส ภายในแต่ละประเภทอาจมีหลายประเภทย่อยขึ้นอยู่กับคุณภาพของเสียงร้องและลีลาการร้อง นักร้องโซปราโนเนื้อเพลง-คัลเลอร์ทูราโดดเด่นด้วยเสียงที่เบาและคล่องตัวเป็นพิเศษ นักร้องดังกล่าวสามารถแสดงท่อนเสียงที่เก่งกาจ สเกลเร็ว ทริลล์ และการตกแต่งอื่นๆ นักร้องโซปราโนบทละคร (lirico spinto) เป็นเสียงที่สดใสและงดงามอย่างยิ่ง เสียงร้องของนักร้องเสียงโซปราโนที่เข้มข้นและหนักแน่น ความแตกต่างระหว่างเสียงร้องและเสียงละครยังใช้กับเทเนอร์ด้วย เบสมีสองประเภทหลัก: "เบสร้องเพลง" (basso cantante) สำหรับท่อน "จริงจัง" และเบสการ์ตูน (basso buffo)

มีการสร้างกฎสำหรับการเลือกเสียงร้องเพลงสำหรับบทบาทบางอย่างอย่างค่อยเป็นค่อยไป ส่วนของตัวละครหลักและวีรสตรีมักจะถูกกำหนดให้กับเทเนอร์และนักร้องเสียงโซปราโน โดยทั่วไป ยิ่งตัวละครมีอายุมากขึ้นและมีประสบการณ์มากขึ้น เสียงของเขาก็จะยิ่งต่ำลง เด็กสาวไร้เดียงสา - เช่น กิลดา อิน ริโกเลตโต Verdi เป็นนักร้องเสียงโซปราโนและ Delilah ผู้เย้ายวนใจในโอเปร่าของ Saint-Saëns แซมซั่นและเดไลลาห์– เมซโซ-โซปราโน บทบาทของฟิกาโร ฮีโร่ผู้มีพลังและมีไหวพริบของโมสาร์ท งานแต่งงานของฟิกาโรและรอสซินีฟสกี้ ช่างตัดผมของเซบียาเขียนโดยผู้แต่งทั้งสองคนสำหรับบาริโทน แม้ว่าจะเป็นส่วนหนึ่งของตัวละครหลัก แต่ส่วนของ Figaro ควรมีไว้สำหรับเทเนอร์ตัวแรก ส่วนของชาวนา พ่อมด ผู้ใหญ่ ผู้ปกครอง และผู้เฒ่ามักถูกสร้างขึ้นสำหรับเบส-บาริโทน (เช่น Don Giovanni ในโอเปร่าของ Mozart) หรือเบส (Boris Godunov ใน Mussorgsky)

การเปลี่ยนแปลงรสนิยมสาธารณะมีบทบาทในการก่อตัวของรูปแบบเสียงร้องโอเปร่า เทคนิคการผลิตเสียง เทคนิคการสั่น ("สะอื้น") มีการเปลี่ยนแปลงตลอดหลายศตวรรษ เจ. เปริ (1561–1633) นักร้องและนักประพันธ์โอเปร่าที่ได้รับการอนุรักษ์บางส่วนที่เก่าแก่ที่สุด ( ดาฟเน่) สันนิษฐานว่าร้องเพลงด้วยเสียงสีขาวที่เรียกว่า - ในสไตล์ที่ค่อนข้างสม่ำเสมอและไม่เปลี่ยนแปลงโดยมีการสั่นสะเทือนเพียงเล็กน้อยหรือไม่มีเลย - ตามการตีความเสียงเป็นเครื่องมือซึ่งเป็นที่นิยมจนถึงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ในช่วงศตวรรษที่ 18 ลัทธินักร้องอัจฉริยะพัฒนาขึ้น - ครั้งแรกในเนเปิลส์จากนั้นก็ทั่วยุโรป ในเวลานี้บทบาทของตัวละครหลักในโอเปร่าแสดงโดยนักร้องโซปราโนชาย - คาสตราโตนั่นคือเสียงต่ำซึ่งการเปลี่ยนแปลงตามธรรมชาติถูกหยุดโดยการตัดตอน นักร้อง Castrati ผลักดันขอบเขตและความคล่องตัวของเสียงของพวกเขาให้ถึงขีดจำกัดของสิ่งที่เป็นไปได้ ดาราโอเปร่า เช่น Castrato Farinelli (C. Broschi, 1705–1782) ซึ่งกล่าวกันว่านักร้องโซปราโนมีความแข็งแกร่งเหนือเสียงทรัมเป็ต หรือเมซโซ-โซปราโน F. Bordoni ซึ่งว่ากันว่าเธอสามารถดำรงอยู่ได้ ฟังได้นานกว่านักร้องคนใดในโลกโดยขึ้นอยู่กับความเชี่ยวชาญของนักแต่งเพลงที่พวกเขาแสดงดนตรี บางคนแต่งโอเปร่าเองและกำกับคณะโอเปร่า (ฟาริเนลลี) เป็นที่ยอมรับกันว่านักร้องตกแต่งท่วงทำนองที่ผู้แต่งแต่งด้วยเครื่องประดับแบบด้นสดของตนเอง โดยไม่ใส่ใจว่าการตกแต่งดังกล่าวเหมาะสมกับสถานการณ์ของละครโอเปร่าหรือไม่ เจ้าของเสียงทุกประเภทจะต้องได้รับการฝึกฝนให้แสดงข้อความที่รวดเร็วและไหลริน ตัวอย่างเช่นในโอเปร่าของ Rossini เทเนอร์จะต้องเชี่ยวชาญเทคนิคการใช้สีไม่เลวร้ายไปกว่านักร้องโซปราโน การฟื้นตัวของศิลปะดังกล่าวในศตวรรษที่ 20 ทำให้สามารถมอบชีวิตใหม่ให้กับผลงานโอเปร่าที่หลากหลายของ Rossini

ลีลาการร้องเพียงรูปแบบเดียวของศตวรรษที่ 18 สไตล์ของคอมมิคเบสยังคงไม่เปลี่ยนแปลงมาจนถึงทุกวันนี้ เนื่องจากเอฟเฟกต์ที่เรียบง่ายและการพูดคุยที่รวดเร็วทำให้เหลือพื้นที่เล็กๆ สำหรับการตีความ ดนตรี หรือเวทีของแต่ละบุคคล บางทีละครตลกเรื่อง Square ของ D. Pergolesi (1749–1801) อาจถูกแสดงไม่บ่อยกว่า 200 ปีที่แล้ว ชายชราช่างพูดและอารมณ์ร้อนคนนี้เป็นบุคคลที่ได้รับความเคารพนับถืออย่างสูงในประเพณีการแสดงโอเปร่า ซึ่งเป็นบทบาทยอดนิยมสำหรับมือเบสที่มีแนวโน้มที่จะร้องเป็นตัวตลก

สไตล์การร้องเพลงอันบริสุทธิ์ของ bel canto ที่เปล่งประกายด้วยสีสันต่างๆ ซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของ Mozart, Rossini และนักประพันธ์โอเปร่าคนอื่นๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ค่อยๆ หลีกทางให้กับสไตล์การร้องเพลงที่ทรงพลังและน่าทึ่งมากขึ้น พัฒนาการของการเขียนฮาร์โมนิคและออร์เคสตราสมัยใหม่ค่อยๆ เปลี่ยนหน้าที่ของวงออเคสตราในโอเปร่า จากนักร้องประสานเสียงมาเป็นตัวละครเอก และด้วยเหตุนี้นักร้องจึงจำเป็นต้องร้องเพลงให้ดังขึ้นเพื่อที่เสียงของพวกเขาจะไม่จมหายไปจากเครื่องดนตรี กระแสนี้มีต้นกำเนิดในเยอรมนี แต่มีอิทธิพลต่อโอเปร่าในยุโรปทั้งหมด รวมถึงภาษาอิตาลีด้วย "ผู้กล้าอายุ" ชาวเยอรมัน (Heldentenor) เกิดมาอย่างชัดเจนจากความต้องการเสียงที่สามารถดวลกับวงออเคสตราของ Wagner ได้ ผลงานช่วงปลายของแวร์ดีและโอเปร่าของผู้ติดตามเขาต้องใช้นักร้องเสียงเทเนอร์ที่ "แข็งแกร่ง" (di forza) และนักร้องเสียงโซปราโนที่มีพลังในการแสดงละคร (สปินโต) ความต้องการของโอเปร่าโรแมนติกบางครั้งก็นำไปสู่การตีความที่ดูเหมือนจะขัดแย้งกับความตั้งใจที่ผู้แต่งแสดงออกมาเอง ดังนั้น อาร์. สเตราส์จึงนึกถึงซาโลเมในโอเปร่าของเขาที่มีชื่อเดียวกันกับ "เด็กหญิงอายุ 16 ปีที่มีเสียงของไอโซลเด" อย่างไรก็ตาม เครื่องดนตรีของโอเปร่ามีความหนาแน่นมากจนต้องใช้นักร้องสาววัยผู้ใหญ่มาแสดงบทบาทหลัก

ในบรรดาดาราโอเปร่าในตำนานในอดีต ได้แก่ E. Caruso (พ.ศ. 2416-2464 ซึ่งอาจเป็นนักร้องที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในประวัติศาสตร์), J. Farrar (พ.ศ. 2425-2510 ซึ่งตามมาด้วยกลุ่มผู้ชื่นชมในนิวยอร์กมาโดยตลอด), F. I. Chaliapin (พ.ศ. 2416-2481 เบสทรงพลัง ปรมาจารย์ด้านสัจนิยมรัสเซีย) เค. แฟลกสตาด (พ.ศ. 2438-2505 นักร้องเสียงโซปราโนผู้กล้าหาญจากนอร์เวย์) และอื่นๆ อีกมากมาย ในรุ่นต่อไป พวกเขาถูกแทนที่ด้วย M. Callas (1923–1977), B. Nilsson (เกิดปี 1918), R. Tebaldi (1922–2004), J. Sutherland (เกิดปี 1926), L. Price (เกิดปี. 1927 ), B. Sills (เกิด 1929), C. Bartoli (เกิด 1966), R. Tucker (1913–1975), T. Gobbi (1913–1984), F. Corelli (เกิด 1921), C. Siepi ( b. . 1923), J. Vickers (เกิด 1926), L. Pavarotti (เกิด 1935), S. Milnes (เกิด 1935), P. Domingo (เกิด 1941), J. Carreras (เกิด 1946) .

โรงละครโอเปร่า

อาคารโรงละครโอเปร่าบางแห่งมีความเกี่ยวข้องกับโอเปร่าประเภทใดประเภทหนึ่ง และในบางกรณี สถาปัตยกรรมของโรงละครถูกกำหนดโดยการแสดงโอเปร่าประเภทใดประเภทหนึ่ง ด้วยเหตุนี้ “โรงละครโอเปร่า” ของชาวปารีส (ในรัสเซียจึงใช้ชื่อ “โรงละครโอเปร่า” ) จึงมีจุดประสงค์เพื่อสร้างการแสดงอันสดใสก่อนที่อาคารปัจจุบันจะถูกสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2405-2417 (สถาปนิก ซี. การ์นีเยร์) โดยบันไดและห้องโถงของพระราชวังถูกสร้างขึ้น ออกแบบให้แข่งขันกับทัศนียภาพของบัลเล่ต์และขบวนแห่อันงดงามที่เกิดขึ้นบนเวที “House of Ceremonial Performances” (Festspielhaus) ในเมือง Bayreuth ในแคว้นบาวาเรีย ถูกสร้างขึ้นโดย Wagner ในปี 1876 เพื่อจัดแสดง “ละครเพลง” อันยิ่งใหญ่ของเขา เวทีซึ่งจำลองมาจากฉากของอัฒจันทร์กรีกโบราณมีความลึกมากและวงออเคสตราตั้งอยู่ในหลุมวงออเคสตราและซ่อนไว้จากผู้ชมเนื่องจากเสียงกระจายไปและนักร้องไม่จำเป็นต้องเครียดเสียงของเขา อาคาร Metropolitan Opera เดิมในนิวยอร์ก (พ.ศ. 2426) มีวัตถุประสงค์เพื่อใช้เป็นที่จัดแสดงสำหรับนักร้องที่เก่งที่สุดของโลกและสมาชิกบ็อกซ์ที่น่านับถือ ห้องโถงลึกมากจนกล่องเกือกม้าประดับเพชรเปิดโอกาสให้ผู้มาเยี่ยมชมได้มองเห็นกันมากกว่าเวทีที่ค่อนข้างตื้น

การปรากฏตัวของโรงละครโอเปร่าเหมือนกระจกสะท้อนประวัติศาสตร์ของโอเปร่าในฐานะปรากฏการณ์ของชีวิตทางสังคม ต้นกำเนิดอยู่ที่การฟื้นฟูโรงละครกรีกโบราณในแวดวงชนชั้นสูง: โรงอุปรากรที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังมีชีวิตรอดคือ Olimpico (1583) ซึ่งสร้างโดย A. Palladio ในเมืองวิเชนซา ซึ่งสอดคล้องกับช่วงเวลานี้ สถาปัตยกรรมของที่นี่เป็นพิภพเล็ก ๆ ของสังคมบาโรก โดยมีพื้นฐานมาจากแผนผังรูปเกือกม้าอันโดดเด่น โดยมีกล่องหลายชั้นที่ยื่นออกมาจากตรงกลาง - กล่องราชวงศ์ แผนที่คล้ายกันได้รับการเก็บรักษาไว้ในอาคารของโรงละคร La Scala (1788, มิลาน), La Fenice (1792, ไฟไหม้ในปี 1992, เวนิส), San Carlo (1737, เนเปิลส์), Covent Garden (1858, London ) ด้วยกล่องที่น้อยลง แต่มีชั้นที่ลึกกว่าด้วยฐานเหล็ก แผนนี้จึงถูกนำมาใช้ในโรงละครโอเปร่าของอเมริกา เช่น Brooklyn Academy of Music (1908), San Francisco Opera House (1932) และ Chicago Opera House (1920) มีการสาธิตวิธีแก้ปัญหาที่ทันสมัยยิ่งขึ้นโดยอาคาร Metropolitan Opera แห่งใหม่ที่ Lincoln Center ในนิวยอร์ก (พ.ศ. 2509) และ Sydney Opera House (พ.ศ. 2516 ในออสเตรเลีย)

แนวทางประชาธิปไตยเป็นคุณลักษณะของวากเนอร์ เขาเรียกร้องสมาธิสูงสุดจากผู้ชมและสร้างโรงละครที่ไม่มีกล่องเลย และที่นั่งก็จัดเรียงเป็นแถวต่อเนื่องกันอย่างน่าเบื่อหน่าย การตกแต่งภายในอันเคร่งครัดของไบรอยท์เกิดขึ้นซ้ำเฉพาะในโรงละครมิวนิกพรินซ์รีเจนท์ (พ.ศ. 2452); แม้แต่โรงละครเยอรมันที่สร้างขึ้นหลังสงครามโลกครั้งที่สองก็ยังนึกถึงตัวอย่างก่อนหน้านี้ อย่างไรก็ตาม ความคิดของวากเนอร์ดูเหมือนจะมีส่วนในการเคลื่อนไหวไปสู่แนวคิดอารีน่า กล่าวคือ โรงละครที่ไม่มีเวทีซึ่งเสนอโดยสถาปนิกสมัยใหม่บางคน (ต้นแบบคือละครสัตว์โรมันโบราณ): โอเปร่าถูกปล่อยให้ปรับตัวให้เข้ากับเงื่อนไขใหม่เหล่านี้ อัฒจันทร์โรมันในเวโรนาเหมาะอย่างยิ่งสำหรับการแสดงโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่เช่น ไอด้าแวร์ดีและ วิลเลียม เทลล์รอสซินี.

เทศกาลโอเปร่า

องค์ประกอบที่สำคัญของแนวคิดโอเปร่าของวากเนอร์คือการแสวงบุญช่วงฤดูร้อนที่ไบรอยท์ แนวคิดนี้ถูกหยิบยกขึ้นมา: ในช่วงทศวรรษที่ 1920 เมืองซาลซ์บูร์กของออสเตรียได้จัดงานเทศกาลที่เน้นการแสดงโอเปร่าของโมสาร์ทเป็นหลัก และเชิญผู้มีความสามารถเช่นผู้กำกับ M. Reinhardt และผู้ควบคุมวง A. Toscanini มาดำเนินโครงการนี้ ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 1930 งานโอเปร่าของโมสาร์ทได้กำหนดลักษณะที่ปรากฏของเทศกาล English Glyndebourne หลังสงครามโลกครั้งที่ 2 มีเทศกาลแห่งหนึ่งในเมืองมิวนิก ซึ่งอุทิศให้กับงานของอาร์ สเตราส์เป็นหลัก ฟลอเรนซ์เป็นเจ้าภาพจัดงาน Florentine Musical May ซึ่งมีการแสดงละครที่กว้างขวางมาก ครอบคลุมทั้งโอเปร่าในยุคแรกและสมัยใหม่

เรื่องราว

ต้นกำเนิดของโอเปร่า

ตัวอย่างแรกของแนวโอเปร่าที่มาหาเราคือ ยูริไดซ์ J. Peri (1600) เป็นผลงานเรียบง่ายที่สร้างขึ้นในฟลอเรนซ์เนื่องในโอกาสงานแต่งงานของกษัตริย์เฮนรีที่ 4 แห่งฝรั่งเศสและมารี เดอ เมดิชี ตามที่คาดไว้ นักร้องหนุ่มและนักมาดริกาลิสต์ที่อยู่ใกล้ศาลได้รับมอบหมายให้ทำดนตรีสำหรับกิจกรรมอันศักดิ์สิทธิ์นี้ แต่เปรีไม่ได้นำเสนอวัฏจักรมาดริกัลตามปกติในหัวข้ออภิบาล แต่เป็นสิ่งที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง นักดนตรีเป็นสมาชิกของ Florentine Camerata ซึ่งเป็นกลุ่มนักวิทยาศาสตร์ กวี และผู้รักดนตรี เป็นเวลายี่สิบปีที่สมาชิกของ Camerata ศึกษาคำถามว่าโศกนาฏกรรมของชาวกรีกโบราณเกิดขึ้นได้อย่างไร พวกเขาได้ข้อสรุปว่านักแสดงชาวกรีกออกเสียงข้อความในลักษณะเป็นการประณามเป็นพิเศษ ซึ่งเป็นเรื่องระหว่างคำพูดกับการร้องเพลงจริงๆ แต่ผลลัพธ์ที่แท้จริงของการทดลองเหล่านี้ในการฟื้นฟูงานศิลปะที่ถูกลืมคือการร้องเพลงเดี่ยวรูปแบบใหม่ที่เรียกว่า "monody": การแสดงโมโนดี้ในจังหวะอิสระพร้อมดนตรีประกอบที่ง่ายที่สุด ดังนั้น Peri และนักเขียนบทเพลงของเขา O. Rinuccini จึงเล่าเรื่องราวของ Orpheus และ Eurydice ในรูปแบบการบรรยายซึ่งได้รับการสนับสนุนโดยคอร์ดของวงออเคสตราขนาดเล็กแทนที่จะเป็นวงดนตรีเจ็ดเครื่องดนตรีและนำเสนอบทละครใน Palazzo Pitti ของฟลอเรนซ์ นี่เป็นโอเปร่าเรื่องที่สองของ Camerata; ทำคะแนนก่อน ดาฟเน่เปรี (ค.ศ. 1598) ไม่ได้รับการอนุรักษ์

โอเปร่ายุคแรกมีรุ่นก่อน เป็นเวลาเจ็ดศตวรรษที่คริสตจักรได้ปลูกฝังละครพิธีกรรมเช่น เกมเกี่ยวกับแดเนียลโดยมีการร้องเพลงเดี่ยวพร้อมเครื่องดนตรีต่างๆ ในศตวรรษที่ 16 นักแต่งเพลงคนอื่น ๆ โดยเฉพาะ A. Gabrieli และ O. Vecchi รวมคอรัสฆราวาสหรือมาดริกาลเข้าในวงจรการพล็อต แต่ก่อน Peri และ Rinuccini ไม่มีรูปแบบละครเพลงฆราวาสแบบเดี่ยวๆ งานของพวกเขาไม่ใช่การฟื้นฟูโศกนาฏกรรมของชาวกรีกโบราณ มันนำมาซึ่งอะไรมากกว่านั้น - แนวละครแนวใหม่ที่มีศักยภาพถือกำเนิดขึ้น

อย่างไรก็ตาม การเปิดเผยความเป็นไปได้ของประเภทของละครต่อดนตรีโดย Florentine Camerata อย่างครบถ้วนนั้นเกิดขึ้นในผลงานของนักดนตรีอีกคน เช่นเดียวกับ Peri C. Monteverdi (1567–1643) เป็นคนมีการศึกษาจากตระกูลขุนนาง แต่ไม่เหมือนกับ Peri เขาเป็นนักดนตรีมืออาชีพ มอนเตเวร์ดีเป็นชนพื้นเมืองของเครโมนา มีชื่อเสียงในราชสำนักของวินเชนโซ กอนซากา ในเมืองมันตัว และเป็นผู้นำคณะนักร้องประสานเสียงของอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กจนกระทั่งสิ้นสุดชีวิต แสตมป์ในเวนิส เจ็ดปีหลังจากนั้น ยูริไดซ์ Peri เขาแต่งตำนาน Orpheus ในเวอร์ชันของเขาเอง - เรื่องราวของออร์ฟัส. ผลงานเหล่านี้แตกต่างกันในลักษณะเดียวกับการทดลองที่น่าสนใจแตกต่างจากผลงานชิ้นเอก มอนเตเวร์ดีเพิ่มขนาดของวงออเคสตราเป็นห้าเท่า ทำให้ตัวละครแต่ละตัวมีเครื่องดนตรีเป็นของตัวเอง และเปิดโอเปร่าด้วยการทาบทาม การบรรยายของเขาไม่เพียงเปล่งเสียงข้อความของ A. Stridzho เท่านั้น แต่ยังใช้ชีวิตทางศิลปะด้วยตัวมันเอง ภาษาฮาร์โมนิกของมอนเตเวร์ดีเต็มไปด้วยความแตกต่างอย่างมาก และแม้กระทั่งทุกวันนี้ก็ยังประทับใจกับความกล้าหาญและความงดงามของมัน

ในบรรดาโอเปร่าที่ยังมีชีวิตรอดในเวลาต่อมาของมอนเตเวร์ดี ได้แก่ การดวลของ Tancred และ Clorinda(ค.ศ. 1624) มีพื้นฐานมาจากฉากหนึ่งจาก กรุงเยรูซาเล็มที่ได้รับการปลดปล่อย Torquato Tasso - บทกวีมหากาพย์เกี่ยวกับพวกครูเซด; การกลับมาของยูลิสซิสสู่บ้านเกิดของเขา(1641) บนเนื้อเรื่องที่ย้อนกลับไปถึงตำนานกรีกโบราณของโอดิสสิอุ๊ส; พิธีราชาภิเษกของ Poppea(ค.ศ. 1642) ตั้งแต่สมัยจักรพรรดิเนโร แห่งโรมัน ผลงานชิ้นสุดท้ายที่ผู้แต่งสร้างขึ้นเพียงหนึ่งปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิต โอเปร่าเรื่องนี้กลายเป็นจุดสุดยอดของผลงานของเขา - ส่วนหนึ่งเนื่องมาจากความสามารถพิเศษของท่อนร้อง ส่วนหนึ่งเนื่องมาจากความงดงามของการเขียนบรรเลง

การจำหน่ายโอเปร่า

ในสมัยของมอนเตเวร์ดี โอเปร่าได้พิชิตเมืองใหญ่ๆ ของอิตาลีอย่างรวดเร็ว โรมมอบให้แก่ผู้แต่งโอเปร่า แอล. รอสซี (ค.ศ. 1598–1653) ซึ่งจัดแสดงโอเปร่าของเขาในปารีสในปี ค.ศ. 1647 ออร์ฟัสและยูริไดซ์พิชิตโลกฝรั่งเศส F. Cavalli (1602–1676) ซึ่งร้องเพลงร่วมกับมอนเตเวร์ดีในเวนิสสร้างโอเปร่าประมาณ 30 เรื่อง; ร่วมกับ M.A. Cesti (1623–1669) Cavalli กลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียน Venetian ซึ่งมีบทบาทสำคัญในโอเปร่าของอิตาลีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในโรงเรียนเวนิส สไตล์โมโนดิกซึ่งมาจากฟลอเรนซ์ได้เปิดทางสำหรับการพัฒนาบทบรรยายและเพลง เรียสค่อยๆ ยาวขึ้นและซับซ้อนมากขึ้น และนักร้องอัจฉริยะ ซึ่งมักจะเป็นคาสตราติ ก็เริ่มครองเวทีโอเปร่า โครงเรื่องของโอเปร่าเวนิสยังคงมีพื้นฐานมาจากเทพนิยายหรือตอนทางประวัติศาสตร์ที่โรแมนติก แต่ปัจจุบันได้รับการตกแต่งด้วยการสลับฉากล้อเลียนที่ไม่เกี่ยวข้องกับฉากแอ็คชั่นหลักและตอนที่น่าทึ่งซึ่งนักร้องได้แสดงให้เห็นถึงความสามารถพิเศษของพวกเขา ที่โรงละครโอเปร่าแห่งเกียรติยศ แอปเปิ้ลทองคำ(ค.ศ. 1668) หนึ่งในความซับซ้อนที่สุดในยุคนั้น มีตัวละคร 50 ตัว ฉาก 67 ฉาก และฉากที่เปลี่ยน 23 แบบ

อิทธิพลของอิตาลีไปถึงอังกฤษด้วยซ้ำ ในตอนท้ายของรัชสมัยของอลิซาเบธที่ 1 นักแต่งเพลงและนักเขียนบทเริ่มสร้างสิ่งที่เรียกว่า หน้ากาก - การแสดงในศาลที่ผสมผสานการบรรยาย การร้องเพลง การเต้นรำ และมีพื้นฐานมาจากแผนการอันมหัศจรรย์ แนวเพลงใหม่นี้ครอบครองพื้นที่ขนาดใหญ่ในผลงานของ G. Laws ซึ่งในปี 1643 ได้กำหนดให้เป็นดนตรี โคมัสมิลตันและในปี ค.ศ. 1656 ได้สร้างโอเปร่าภาษาอังกฤษตัวแรกขึ้น - การปิดล้อมโรดส์. หลังจากการบูรณะสจวร์ต โอเปร่าค่อยๆ เริ่มตั้งหลักบนแผ่นดินอังกฤษ เจ. โบลว์ (1649–1708) นักออร์แกนของอาสนวิหารเวสต์มินสเตอร์ แต่งโอเปร่าในปี 1684 วีนัสและอิเหนาแต่เรียงความยังคงเรียกว่าหน้ากาก โอเปร่าที่ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริงเพียงแห่งเดียวที่สร้างขึ้นโดยชาวอังกฤษคือ โด้และอีเนียสกรัม. เพอร์เซลล์ (1659–1695) ลูกศิษย์ของโบลว์และผู้สืบทอด การแสดงครั้งแรกที่วิทยาลัยสตรีในราวปี 1689 โอเปร่าเล็กๆ แห่งนี้ขึ้นชื่อในเรื่องความงามอันน่าอัศจรรย์ เพอร์เซลล์เชี่ยวชาญทั้งเทคนิคภาษาฝรั่งเศสและอิตาลี แต่โอเปร่าของเขามักเป็นผลงานภาษาอังกฤษ บทเพลง โด้ซึ่งเป็นเจ้าของโดย N. Tate แต่ผู้แต่งได้ฟื้นคืนชีพด้วยดนตรีของเขา ซึ่งโดดเด่นด้วยความเชี่ยวชาญด้านลักษณะละคร ความสง่างามที่ไม่ธรรมดา และความหมายของเพลงและบทร้อง

โอเปร่าฝรั่งเศสตอนต้น

เช่นเดียวกับอุปรากรอิตาลียุคแรก อุปรากรฝรั่งเศสในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 มาจากความปรารถนาที่จะรื้อฟื้นสุนทรียภาพทางการแสดงละครกรีกโบราณ ความแตกต่างก็คืออุปรากรของอิตาลีเน้นการร้องเพลง ในขณะที่อุปรากรฝรั่งเศสเติบโตมาจากบัลเล่ต์ ซึ่งเป็นประเภทละครที่ได้รับความนิยมในราชสำนักฝรั่งเศสในขณะนั้น J.B. Lully (1632–1687) นักเต้นที่มีความสามารถและทะเยอทะยานจากอิตาลีเป็นผู้ก่อตั้งโอเปร่าฝรั่งเศส เขาได้รับการศึกษาด้านดนตรี รวมทั้งศึกษาพื้นฐานของเทคนิคการเรียบเรียงที่ราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 จากนั้นได้รับการแต่งตั้งให้เป็นนักแต่งเพลงประจำศาล เขามีความเข้าใจที่ดีเกี่ยวกับเวที ซึ่งเห็นได้ชัดจากเพลงของเขาสำหรับคอเมดีของ Moliere หลายเรื่อง โดยเฉพาะ ถึงพ่อค้าในชนชั้นสูง(1670) ด้วยความประทับใจในความสำเร็จของคณะโอเปร่าที่เดินทางมายังฝรั่งเศส Lully จึงตัดสินใจสร้างคณะของตัวเองขึ้นมา โอเปร่าของลุลลี่ซึ่งเขาเรียกว่า "โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ" (เนื้อเพลงโศกนาฏกรรม) , แสดงให้เห็นถึงรูปแบบดนตรีและการแสดงละครฝรั่งเศสโดยเฉพาะ โครงเรื่องนำมาจากเทพนิยายโบราณหรือจากบทกวีของอิตาลี และบทเพลงที่มีท่อนบทที่เคร่งขรึมในหน่วยเมตรที่กำหนดอย่างเคร่งครัด ได้รับการชี้นำโดย J. Racine นักเขียนบทละครร่วมสมัยผู้ยิ่งใหญ่ของ Lully Lully สลับการพัฒนาพล็อตเรื่องด้วยการพูดคุยกันเป็นเวลานานเกี่ยวกับความรักและความรุ่งโรจน์ และในบทนำและประเด็นพล็อตอื่น ๆ เขาได้แทรกความหลากหลาย - ฉากที่มีการเต้นรำ นักร้องประสานเสียง และทิวทัศน์อันงดงาม ขนาดที่แท้จริงของผลงานของนักแต่งเพลงเริ่มชัดเจนในทุกวันนี้ เมื่อการผลิตโอเปร่าของเขากลับมาดำเนินการต่อ - อัลเชสเต (1674), อาทิสซา(1676) และ อาร์มิดส์ (1686).

“โรงละครโอเปร่าเช็ก” เป็นคำทั่วไปที่หมายถึงการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่แตกต่างกันสองแบบ: โปรรัสเซียในสโลวาเกีย และโปรเยอรมันในสาธารณรัฐเช็ก บุคคลที่มีชื่อเสียงในดนตรีเช็กคือ Antonin Dvořák (1841–1904) แม้ว่าจะมีโอเปร่าเพียงเรื่องเดียวของเขาที่เต็มไปด้วยความน่าสมเพชอย่างลึกซึ้ง เงือก– ได้กลายเป็นที่ยึดที่มั่นในละครโลก ในปราก เมืองหลวงของวัฒนธรรมเช็ก บุคคลสำคัญของโลกแห่งโอเปร่าคือ เบดริช สเมตานา (ค.ศ. 1824–1884) ซึ่ง เจ้าสาวที่ขายตัว(พ.ศ. 2409) เข้าสู่ละครอย่างรวดเร็ว ซึ่งมักแปลเป็นภาษาเยอรมัน โครงเรื่องการ์ตูนและเรียบง่ายทำให้งานนี้เข้าถึงได้มากที่สุดในมรดกของ Smetana แม้ว่าเขาจะเป็นผู้เขียนโอเปร่าที่มีความรักชาติที่ร้อนแรงอีกสองเรื่อง - "โอเปร่าแห่งความรอด" แบบไดนามิก ดาลิบอร์(พ.ศ. 2411) และภาพมหากาพย์ ลิบูชา(พ.ศ. 2415 จัดแสดงในปี พ.ศ. 2424) ซึ่งแสดงถึงการรวมตัวของชาวเช็กภายใต้การปกครองของราชินีผู้ชาญฉลาด

ศูนย์กลางอย่างไม่เป็นทางการของโรงเรียนสโลวักคือเมืองเบอร์โน ที่ซึ่งLeoš Janáček (1854–1928) ซึ่งเป็นผู้สนับสนุนอย่างกระตือรือร้นอีกคนในการสร้างน้ำเสียงบรรยายตามธรรมชาติในดนตรี ด้วยจิตวิญญาณของ Mussorgsky และ Debussy อาศัยและทำงานอยู่ สมุดบันทึกของJanáčekประกอบด้วยคำพูดและจังหวะเสียงที่เป็นธรรมชาติมากมาย หลังจากการทดลองประเภทโอเปร่าในช่วงต้นและไม่ประสบความสำเร็จหลายครั้ง Janáček หันมาสนใจโศกนาฏกรรมอันน่าทึ่งจากชีวิตของชาวนา Moravian ในโอเปร่าเป็นครั้งแรก เจนูฟา(พ.ศ. 2447 โอเปร่ายอดนิยมของนักแต่งเพลง) ในละครโอเปร่าในเวลาต่อมา เขาได้พัฒนาแผนการต่างๆ: ละครของหญิงสาวคนหนึ่งที่เข้ามามีเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ที่ผิดกฎหมาย ( คัทย่า คาบาโนวาพ.ศ. 2464) ชีวิตแห่งธรรมชาติ ( สุนัขจิ้งจอกโกงพ.ศ.2467) เหตุการณ์เหนือธรรมชาติ ( วิธีการรักษา Makropoulos, 1926) และการเล่าเรื่องของ Dostoevsky เกี่ยวกับช่วงหลายปีที่เขาใช้ทำงานหนัก ( บันทึกจากบ้านที่ตายแล้ว, 1930).

Janacek ฝันถึงความสำเร็จในกรุงปราก แต่เพื่อนร่วมงานที่ "รู้แจ้ง" ของเขาปฏิบัติต่อโอเปร่าของเขาอย่างรังเกียจ - ทั้งในช่วงชีวิตของนักแต่งเพลงและหลังจากการตายของเขา เช่นเดียวกับ Rimsky-Korsakov ซึ่งเป็นบรรณาธิการของ Mussorgsky เพื่อนร่วมงานของ Janacek เชื่อว่าพวกเขารู้ดีกว่าผู้เขียนว่าเพลงของเขาควรเป็นอย่างไร การยอมรับในระดับนานาชาติของJanáčekเกิดขึ้นในภายหลังอันเป็นผลมาจากความพยายามในการฟื้นฟูของ John Tyrrell และ Charles Mackeras วาทยกรชาวออสเตรเลีย

โอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 20

สงครามโลกครั้งที่หนึ่งยุติยุคโรแมนติก: ความรู้สึกที่ไร้ขอบเขตซึ่งเป็นลักษณะของแนวโรแมนติกไม่สามารถรอดพ้นจากแรงกระแทกของสงครามหลายปีได้ รูปแบบโอเปร่าที่จัดตั้งขึ้นก็ลดลงเช่นกันซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งความไม่แน่นอนและการทดลอง ความอยากในยุคกลาง ซึ่งแสดงออกมาด้วยพลังพิเศษ พาร์ซิฟาเลและ เพลลีสทรงให้แวบสุดท้ายในงานเช่น รักสามกษัตริย์(1913) อิตาโล มอนเตเมซซี (1875–1952) อัศวินแห่งเอเคบุ(1925) ริกคาร์โด้ ซันโดไน (1883–1944) เซรามา(พ.ศ. 2453) และ เปลวไฟ(1934) ออตโตริโน เรสปิกี (1879–1936) ลัทธิหลังยวนนิยมของออสเตรีย แสดงโดย Franz Schrecker (1878–1933; เสียงอันห่างไกล, 1912; ถูกตีตรา, 1918), อเล็กซานเดอร์ ฟอน เซมลินสกี (1871–1942; โศกนาฏกรรมของชาวฟลอเรนซ์;แคระ– พ.ศ. 2465) และเอริก โวล์ฟกัง คอร์นโกลด์ (พ.ศ. 2440–2500; เมืองที่ตายแล้ว, 1920; ปาฏิหาริย์แห่งเฮเลียนา, 1927) ใช้ลวดลายในยุคกลางเพื่อการสำรวจแนวความคิดทางจิตวิญญาณหรือปรากฏการณ์ทางจิตทางพยาธิวิทยาทางศิลปะ

มรดกของวากเนอร์เรียน ซึ่งริชาร์ด สเตราส์หยิบยกขึ้นมา จากนั้นส่งต่อไปยังสิ่งที่เรียกว่า โรงเรียนเวียนนาแห่งใหม่โดยเฉพาะกับ A. Schoenberg (พ.ศ. 2417-2494) และ A. Berg (พ.ศ. 2428-2478) ซึ่งโอเปร่าเป็นปฏิกิริยาต่อต้านโรแมนติก: สิ่งนี้แสดงออกในการละทิ้งภาษาดนตรีแบบดั้งเดิมอย่างมีสติโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ฮาร์โมนิกและในเรื่องราว "โหดร้าย" ทางเลือก โอเปร่าเรื่องแรกของเบิร์ก วอซเซค(1925) - เรื่องราวของทหารผู้โชคร้ายและถูกกดขี่ - เป็นละครที่ทรงพลังและน่าจับตามอง แม้ว่าจะมีความซับซ้อนผิดปกติและมีรูปแบบทางสติปัญญาสูงก็ตาม โอเปร่าเรื่องที่สองของผู้แต่ง ลูลู่(พ.ศ. 2480 สร้างเสร็จหลังจากการตายของผู้แต่ง F. Tserkhoy) เป็นละครเพลงเกี่ยวกับผู้หญิงเสเพลที่แสดงออกไม่แพ้กัน หลังจากละครโอเปร่าแนวจิตวิทยาเฉียบพลันเรื่องเล็ก ๆ ซึ่งเรื่องที่โด่งดังที่สุดคือ ความคาดหวัง(พ.ศ. 2452) Schoenberg ทำงานในโครงเรื่องนี้มาตลอดชีวิต โมเสสและอาโรน(พ.ศ. 2497 โอเปร่ายังเขียนไม่เสร็จ) - สร้างจากเรื่องราวในพระคัมภีร์เกี่ยวกับความขัดแย้งระหว่างผู้เผยพระวจนะโมเสสที่ผูกลิ้นกับแอรอนผู้มีคารมคมคายผู้ล่อลวงชาวอิสราเอลให้บูชาลูกวัวทองคำ ฉากที่สนุกสนานกันอย่างเป็นบ้าเป็นหลัง การทำลายล้าง และการเสียสละของมนุษย์ ซึ่งอาจสร้างความไม่พอใจให้กับเซ็นเซอร์ละคร รวมถึงความซับซ้อนสุดขีดของงาน ขัดขวางความนิยมในโรงละครโอเปร่า

นักแต่งเพลงของโรงเรียนแห่งชาติหลายแห่งเริ่มละทิ้งอิทธิพลของวากเนอร์ ดังนั้นสัญลักษณ์ของ Debussy จึงทำหน้าที่เป็นแรงผลักดันให้นักแต่งเพลงชาวฮังการี B. Bartok (พ.ศ. 2424-2488) ในการสร้างอุปมาทางจิตวิทยาของเขา ปราสาทของดยุคบลูเบียร์ด(พ.ศ. 2461); นักเขียนชาวฮังการีอีกคน Z. Kodály ในโอเปร่า ฮาริ จานอส(พ.ศ. 2469) หันไปหาแหล่งนิทานพื้นบ้าน ในเบอร์ลิน F. Busoni ตีความแผนการเก่าในโอเปร่าใหม่ สีสรรค์(พ.ศ. 2460) และ ดร. เฟาสตุส(พ.ศ.2471 ยังสร้างไม่เสร็จ) ในงานทั้งหมดที่กล่าวถึง การแสดงซิมโฟนีที่แพร่หลายไปทั่วของวากเนอร์และผู้ติดตามของเขาทำให้เกิดรูปแบบที่พูดน้อยมากขึ้น แม้กระทั่งถึงจุดที่ครอบงำของความ monody อย่างไรก็ตามมรดกทางโอเปร่าของนักประพันธ์เพลงรุ่นนี้มีขนาดค่อนข้างเล็กและสถานการณ์นี้เมื่อรวมกับรายชื่องานที่ยังไม่เสร็จเป็นพยานถึงความยากลำบากที่ประเภทโอเปร่าประสบในยุคของการแสดงออกและลัทธิฟาสซิสต์ที่กำลังจะเกิดขึ้น

ในเวลาเดียวกัน กระแสใหม่ๆ ก็เริ่มเกิดขึ้นในยุโรปที่ถูกทำลายล้างด้วยสงคราม โอเปร่าการ์ตูนของอิตาลีหลีกหนีครั้งสุดท้ายในผลงานชิ้นเอกชิ้นเล็ก ๆ ของ G. Puccini จานนี่ สคิชชี่(พ.ศ. 2461) แต่ในปารีส M. Ravel หยิบคบเพลิงที่กำลังจะตายขึ้นมาและสร้างสิ่งมหัศจรรย์ของเขาขึ้นมา ชั่วโมงภาษาสเปน(1911) และต่อจากนั้น เด็กและเวทมนตร์(1925, บทโดย Collet) โอเปร่าก็ปรากฏในสเปนด้วย - ชีวิตสั้น(พ.ศ. 2456) และ บูธของ Maestro Pedro(1923) โดย มานูเอล เด ฟาลลา

ในอังกฤษ โอเปร่ากำลังประสบกับการฟื้นฟูอย่างแท้จริงเป็นครั้งแรกในรอบหลายศตวรรษ ตัวอย่างแรกสุดคือ ชั่วโมงอมตะ(1914) Rutland Boughton (1878–1960) ในหัวข้อจากตำนานเซลติก ผู้ทรยศ(1906) และ ภรรยาของโบซอน(1916) เอเธล สมิธ (1858–1944) เรื่องแรกเป็นเรื่องราวความรักของคนบ้านนอก ในขณะที่เรื่องที่สองเป็นเรื่องเกี่ยวกับโจรสลัดที่เข้ามาตั้งถิ่นฐานในหมู่บ้านชายฝั่งอังกฤษที่ยากจน โอเปร่าของ Smith ได้รับความนิยมในยุโรป เช่นเดียวกับโอเปร่าของ Frederick Delius (พ.ศ. 2405-2477) โดยเฉพาะ หมู่บ้านโรมิโอและจูเลียต(1907) อย่างไรก็ตาม Delius โดยธรรมชาติแล้วไม่สามารถรวบรวมละครที่มีความขัดแย้งได้ (ทั้งในข้อความและในดนตรี) ดังนั้นละครเพลงแบบคงที่ของเขาจึงไม่ค่อยปรากฏบนเวที

ปัญหาการเผาไหม้ของผู้แต่งภาษาอังกฤษคือการค้นหาโครงเรื่องที่แข่งขันกัน สาวิตรี Gustav Holst เขียนขึ้นจากตอนหนึ่งของมหากาพย์อินเดีย มหาภารตะ(พ.ศ. 2459) และ คนขับฮิวจ์อาร์. วอห์น วิลเลียมส์ (1924) เป็นเพลงพื้นบ้านที่อุดมไปด้วยคุณค่าทางอภิบาล; เช่นเดียวกับในโอเปร่าของวอห์น วิลเลียมส์ เซอร์จอห์นในความรักตามเชกสเปียร์ ฟอลสตัฟฟ์.

B. Britten (พ.ศ. 2456-2519) สามารถยกระดับอุปรากรอังกฤษให้สูงขึ้นใหม่ โอเปร่าเรื่องแรกของเขาประสบความสำเร็จแล้ว ปีเตอร์ กริมส์(1945) - ละครที่เกิดขึ้นบนชายทะเล โดยที่ตัวละครหลักคือชาวประมงที่ถูกปฏิเสธโดยผู้คนที่อยู่ในกำมือของประสบการณ์ลึกลับ แหล่งที่มาของเรื่องตลกเสียดสี อัลเบิร์ต แฮร์ริ่ง(1947) กลายเป็นเรื่องสั้นโดย Maupassant และใน บิลลี่ บัดดี้มีการใช้เรื่องราวเชิงเปรียบเทียบของเมลวิลล์ โดยคำนึงถึงความดีและความชั่ว (ภูมิหลังทางประวัติศาสตร์คือยุคของสงครามนโปเลียน) โดยทั่วไปโอเปร่านี้ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานชิ้นเอกของ Britten แม้ว่าในเวลาต่อมาเขาจะประสบความสำเร็จในประเภท "grand opera" - ตัวอย่าง ได้แก่ กลอเรียนา(1951) ซึ่งเล่าถึงเหตุการณ์วุ่นวายในรัชสมัยของสมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 1 และ ความฝันในคืนฤดูร้อน(พ.ศ. 2503 บทเพลงที่สร้างจากเชกสเปียร์สร้างขึ้นโดยนักร้อง P. Pierce เพื่อนสนิทและผู้ร่วมงานของนักแต่งเพลง) ในปี 1960 Britten ทุ่มเทความสนใจอย่างมากกับอุปมาอุปรากร ( แม่น้ำวูดค็อก – 1964, การกระทำของถ้ำ – 1966, บุตรฟุ่มเฟือย– 1968); เขายังสร้างละครโทรทัศน์อีกด้วย โอเว่น วิงเกรฟ(1971) และแชมเบอร์โอเปร่า หมุนสกรูและ ความเสื่อมทรามของ Lucretia. จุดสุดยอดที่แท้จริงของความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าของผู้แต่งคือผลงานชิ้นสุดท้ายของเขาในประเภทนี้ - ความตายในเวนิส(1973) ที่ซึ่งความเฉลียวฉลาดเป็นพิเศษผสมผสานกับความจริงใจอันยิ่งใหญ่

มรดกทางโอเปร่าของ Britten มีความสำคัญมากจนนักเขียนชาวอังกฤษเพียงไม่กี่คนในรุ่นต่อ ๆ ไปสามารถโผล่ออกมาจากเงามืดของเขาได้ แม้ว่าจะคุ้มค่าที่จะกล่าวถึงความสำเร็จอันโด่งดังของโอเปร่าโดย Peter Maxwell Davies (เกิดปี 1934) โรงเตี๊ยม(1972) และโอเปร่าโดย Harrison Birtwistle (เกิด 1934) กาวัน(1991) สำหรับผู้แต่งจากประเทศอื่น ๆ เราสามารถสังเกตผลงานเช่น อาเนียรา(1951) โดยชาวสวีเดน Karl-Birger Blomdahl (1916–1968) ซึ่งการกระทำดังกล่าวเกิดขึ้นบนยานอวกาศระหว่างดาวเคราะห์และใช้เสียงอิเล็กทรอนิกส์ หรือวงจรโอเปร่า ให้มีแสงสว่าง(1978–1979) โดย Karlheinz Stockhausen ชาวเยอรมัน (วงจรนี้มีคำบรรยาย เจ็ดวันแห่งการสร้างสรรค์และออกแบบให้แล้วเสร็จภายในหนึ่งสัปดาห์) แต่แน่นอนว่านวัตกรรมดังกล่าวเกิดขึ้นเพียงชั่วขณะ ที่สำคัญกว่านั้นคือโอเปร่าของนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Carl Orff (พ.ศ. 2438-2525) - ตัวอย่างเช่น แอนติโกเน(1949) ซึ่งสร้างขึ้นจากแบบจำลองโศกนาฏกรรมของชาวกรีกโบราณโดยใช้การอ่านเป็นจังหวะโดยมีฉากหลังเป็นการเล่นดนตรีประกอบของนักพรต (ส่วนใหญ่เป็นเครื่องเพอร์คัชชัน) นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสผู้เก่งกาจ F. Poulenc (พ.ศ. 2442-2506) เริ่มต้นด้วยโอเปร่าที่มีอารมณ์ขัน หน้าอกของ Tyresias(1947) จากนั้นจึงหันมาใช้สุนทรียศาสตร์ที่เน้นน้ำเสียงและจังหวะคำพูดที่เป็นธรรมชาติ โอเปร่าที่ดีที่สุดสองเรื่องของเขาเขียนขึ้นในลักษณะนี้: โมโนโอเปร่า เสียงมนุษย์หลังจาก Jean Cocteau (1959; บทเพลงที่มีโครงสร้างเป็นบทสนทนาทางโทรศัพท์ของนางเอก) และโอเปร่า บทสนทนาของชาวคาร์เมไลท์ซึ่งบรรยายถึงความทุกข์ทรมานของแม่ชีในนิกายคาทอลิกกลุ่มหนึ่งในช่วงการปฏิวัติฝรั่งเศส ความสามัคคีของ Poulenc นั้นเรียบง่ายอย่างหลอกลวงและในขณะเดียวกันก็แสดงออกถึงอารมณ์ ผลงานของ Poulenc ที่ได้รับความนิยมในระดับสากลยังได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยข้อกำหนดของผู้แต่งที่ว่าโอเปร่าของเขาจะต้องแสดงในภาษาท้องถิ่นทุกครั้งที่เป็นไปได้

ด้วยการเล่นกลเหมือนนักมายากลที่มีสไตล์แตกต่างกัน I.F. Stravinsky (1882–1971) ได้สร้างโอเปร่าที่น่าประทับใจมากมาย ในหมู่พวกเขา - โรแมนติกที่เขียนขึ้นเพื่อองค์กรของ Diaghilev นกไนติงเกลสร้างจากเทพนิยายของ H.H. Andersen (1914), Mozartian การผจญภัยของคราดอิงจากงานแกะสลักของโฮการ์ธ (พ.ศ. 2494) เช่นเดียวกับภาพนิ่งที่ชวนให้นึกถึงสลักเสลาโบราณ กษัตริย์เอดิปุส(พ.ศ. 2470) ซึ่งมีจุดมุ่งหมายสำหรับโรงละครและเวทีคอนเสิร์ตอย่างเท่าเทียมกัน ในสมัยสาธารณรัฐไวมาร์ของเยอรมัน K. Weil (1900–1950) และ B. Brecht (1898–1950) จัดแจงใหม่ โอเปร่าขอทานจอห์น เกย์ กลายเป็นที่นิยมมากยิ่งขึ้น ทรีเพนนีโอเปร่า(1928) แต่งโอเปร่าที่ตอนนี้ถูกลืมไปแล้วด้วยโครงเรื่องเสียดสีอย่างรุนแรง ความรุ่งเรืองและการล่มสลายของเมืองมะฮอกกานี(1930) การขึ้นสู่อำนาจของพวกนาซีทำให้ความร่วมมือที่ประสบความสำเร็จนี้ยุติลง และ Weill ซึ่งอพยพไปอเมริกาก็เริ่มทำงานในประเภทละครเพลงอเมริกัน

นักแต่งเพลงชาวอาร์เจนตินา Alberto Ginastera (พ.ศ. 2459-2526) ได้รับความนิยมอย่างมากในทศวรรษที่ 1960 และ 1970 ด้วยนักแสดงออกและโอเปร่าที่เร้าอารมณ์อย่างเปิดเผย ดอน โรดริโก (1964), โบมาร์โซ(1967) และ เบียทริซ เซนซี(1971) Hans Werner Henze ชาวเยอรมัน (เกิด พ.ศ. 2469) ได้รับชื่อเสียงในปี พ.ศ. 2494 เมื่อโอเปร่าของเขาถูกจัดแสดง ถนนแห่งความเหงาบทโดย Greta Weil จากเรื่องราวของ Manon Lescaut; ภาษาดนตรีของงานผสมผสานเทคนิคแจ๊ส บลูส์ และ 12 โทน โอเปร่าต่อมาของ Henze ได้แก่: Elegy สำหรับคู่รักหนุ่มสาว(1961; ตั้งอยู่ในเทือกเขาแอลป์ที่เต็มไปด้วยหิมะ; โน้ตดนตรีโดดเด่นด้วยเสียงของระนาด, ไวบราโฟน, พิณ และเซเลสต้า) พระเจ้าหนุ่มตื้นตันใจด้วยอารมณ์ขันสีดำ (1965) บาสซาริด(1966; โดย แบคชานเตส Euripides บทเพลงภาษาอังกฤษโดย C. Kallman และ W. H. Auden) ต่อต้านการทหาร เราจะมาถึงแม่น้ำ(1976) โอเปร่าเทพนิยายสำหรับเด็ก โปลิซิโนและ ทะเลทรยศ(1990) Michael Tippett (1905–1998) ทำงานในประเภทโอเปร่าในบริเตนใหญ่ ) : งานแต่งงานกลางฤดูร้อน(1955), เขาวงกตในสวน (1970), น้ำแข็งแตกแล้ว(1977) และโอเปร่านิยายวิทยาศาสตร์ ปีใหม่(1989) - ทั้งหมดอิงจากบทประพันธ์ของผู้แต่ง นักแต่งเพลงชาวอังกฤษแนวหน้า Peter Maxwell Davies เป็นผู้แต่งโอเปร่าที่กล่าวถึงข้างต้น โรงเตี๊ยม(1972; เนื้อเรื่องจากชีวิตของ John Taverner นักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 16) และ การฟื้นคืนชีพ (1987).

นักร้องโอเปร่าชื่อดัง

บียอร์ลิง, จุสซี่ (โยฮัน โจนาธาน)(Björling, Jussi) (1911–1960), นักร้องชาวสวีเดน (เทเนอร์) เขาศึกษาที่ Royal Opera School ในสตอกโฮล์ม และเปิดตัวที่นั่นในปี พ.ศ. 2473 ด้วยบทบาทเล็ก ๆ มานอน เลสคัต. หนึ่งเดือนต่อมา ออตตาวิโอร้องเพลง ดอนฮวน. ตั้งแต่ปี 1938 ถึง 1960 ยกเว้นช่วงสงคราม เขาร้องเพลงที่ Metropolitan Opera และประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในละครเพลงของอิตาลีและฝรั่งเศส
กัลลี-คูร์ซี อเมลิตา .
กอบบี, ติโต้(Gobbi, Tito) (1915–1984) นักร้องชาวอิตาลี (บาริโทน) เขาศึกษาที่โรมและเปิดตัวที่นั่นในบทบาทของ Germont ใน ทราเวียต้า. เขาแสดงมากมายในลอนดอนและหลังปี 1950 ในนิวยอร์ก ชิคาโก และซานฟรานซิสโก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในละครโอเปร่าของแวร์ดี ยังคงร้องเพลงในโรงละครที่ใหญ่ที่สุดในอิตาลี Gobbi ถือเป็นนักแสดงที่ดีที่สุดในบทบาทของ Scarpia ซึ่งเขาร้องเพลงประมาณ 500 ครั้ง เขาแสดงในภาพยนตร์โอเปร่าหลายครั้ง
โดมิงโก, พลาซิโด .
คาลลาส, มาเรีย .
คารูโซ, เอนริโก .
คอเรลลี, ฟรังโก-(คอเรลลี, ฟรังโก) (เกิด พ.ศ. 2464–2546) นักร้องชาวอิตาลี (เทเนอร์) เมื่ออายุ 23 ปี เขาศึกษาที่ Pesaro Conservatory มาระยะหนึ่ง ในปี 1952 เขาเข้าร่วมในการแข่งขันร้องเพลงในเทศกาล Florence Musical May ซึ่งผู้อำนวยการโรงอุปรากรโรมเชิญเขาไปทดสอบที่ Experimental Theatre of Spoletto ในไม่ช้าเขาก็ได้แสดงในโรงละครแห่งนี้ในชื่อ Don Jose คาร์เมน. เมื่อเปิดฤดูกาล La Scala ในปี 1954 เขาร้องเพลงร่วมกับ Maria Callas เวสทัลสปอนตินี่. ในปี 1961 เขาเปิดตัวครั้งแรกที่ Metropolitan Opera ในชื่อ Manrico ทรูบาดอร์. บทบาทที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ Cavaradossi ทอสก้า.
ลอนดอน, จอร์จ(ลอนดอน, จอร์จ) (1920–1985) นักร้องชาวแคนาดา (เบส-บาริโทน) ชื่อจริง George Bernstein เขาศึกษาในลอสแอนเจลิสและเปิดตัวในฮอลลีวูดในปี พ.ศ. 2485 ในปี พ.ศ. 2492 เขาได้รับเชิญให้ไปแสดงที่เวียนนาโอเปร่า ซึ่งเขาได้เดบิวต์ในฐานะอโมนาสโรในปี ผู้ช่วย. เขาร้องเพลงที่ Metropolitan Opera (พ.ศ. 2494–2509) และยังแสดงในไบรอยท์ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2494 ถึง พ.ศ. 2502 ในชื่อ Amfortas และ Flying Dutchman เขาแสดงบทบาทของ Don Giovanni, Scarpia และ Boris Godunov อย่างยอดเยี่ยม
มิลเนส, เชอริล .
นิลส์สัน, เบอร์กิต(Nilsson, Birgit) (1918–2005), นักร้องชาวสวีเดน (โซปราโน) เธอศึกษาที่สตอกโฮล์มและเปิดตัวที่นั่นในฐานะอกาธา นักกีฬาฟรีเวเบอร์. ชื่อเสียงระดับนานาชาติของเธอย้อนกลับไปในปี 1951 เมื่อเธอร้องเพลง Elektra อิโดเมนีโอโมสาร์ทในเทศกาล Glyndebourne ในฤดูกาล 1954/1955 เธอร้องเพลงBrünnhilde และ Salome ที่มิวนิกโอเปร่า เธอเปิดตัวครั้งแรกในฐานะBrünnhildeที่ Covent Garden ในลอนดอน (1957) และในฐานะ Isolde ที่ Metropolitan Opera (1959) เธอยังประสบความสำเร็จในบทบาทอื่น ๆ โดยเฉพาะ Turandot, Tosca และ Aida เธอเสียชีวิตเมื่อวันที่ 25 ธันวาคม พ.ศ. 2548 ในกรุงสตอกโฮล์ม
ปาวารอตติ, ลูเซียโน .
แพตตี้, อเดลีน(Patti, Adelina) (1843–1919) นักร้องชาวอิตาลี (coloratura โซปราโน) เธอเปิดตัวในนิวยอร์กในปี พ.ศ. 2402 ในชื่อ Lucia di Lammermoor ในลอนดอนในปี พ.ศ. 2404 (ในชื่อ Amina ใน คนนอนไม่หลับ). เธอร้องเพลงที่โคเวนท์การ์เดนเป็นเวลา 23 ปี ด้วยเสียงที่ไพเราะและเทคนิคที่ยอดเยี่ยม Patti เป็นหนึ่งในตัวแทนคนสุดท้ายของสไตล์ bel canto ที่แท้จริง แต่ในฐานะนักดนตรีและในฐานะนักแสดงเธออ่อนแอกว่ามาก
ไพรซ์, เลออนตินา .
ซูเธอร์แลนด์, โจน .
สกิปา, ติโต้(Schipa, Tito) (1888–1965) นักร้องชาวอิตาลี (เทเนอร์) เขาศึกษาที่มิลานและในปี 1911 ได้เปิดตัวที่ Vercelli ในบทบาทของ Alfredo ( ทราเวียต้า). เขาแสดงเป็นประจำในมิลานและโรม ในปี พ.ศ. 2463–2475 เขาได้หมั้นกับ Chicago Opera และร้องเพลงอย่างต่อเนื่องในซานฟรานซิสโกตั้งแต่ปี พ.ศ. 2468 และที่ Metropolitan Opera (พ.ศ. 2475–2478 และ พ.ศ. 2483–2484) แสดงบทบาทของ Don Ottavio, Almaviva, Nemorino, Werther และ Wilhelm Meister ได้อย่างยอดเยี่ยม มิโญเน่.
สกอตโต, เรนาตา(สกอตโต, เรนาตา) (เกิด พ.ศ. 2478) นักร้องชาวอิตาลี (โซปราโน) เธอเปิดตัวครั้งแรกในปี 1954 ที่ New Theatre of Naples ในชื่อ Violetta ( ทราเวียต้า) ในปีเดียวกันนั้นเธอได้ร้องเพลงเป็นครั้งแรกที่ La Scala เธอเชี่ยวชาญในละครเพลง bel canto: Gilda, Amina, Norina, Linda de Chamounix, Lucia di Lammermoor, Gilda และ Violetta การเปิดตัวครั้งแรกในอเมริกาของเธอคือมีมี่จาก โบฮีเมี่ยนเกิดขึ้นที่ Lyric Opera of Chicago ในปี 1960 และปรากฏตัวครั้งแรกที่ Metropolitan Opera ในชื่อ Cio-chio-san ในปี 1965 ผลงานของเธอยังรวมถึงบทบาทของ Norma, Gioconda, Tosca, Manon Lescaut และ Francesca da Rimini
เซียปี, เซซาเร(Siepi, Cesare) (เกิด พ.ศ. 2466) นักร้องชาวอิตาลี (เบส) เขาเปิดตัวครั้งแรกในปี พ.ศ. 2484 ในเมืองเวนิสในชื่อ Sparafucillo ริโกเลตโต. หลังสงครามเขาเริ่มแสดงที่ La Scala และโรงอุปรากรอิตาลีอื่นๆ ตั้งแต่ปี 1950 ถึง 1973 เขาเป็นนักร้องเบสชั้นนำที่ Metropolitan Opera ซึ่งเขาร้องเพลงโดยเฉพาะ Don Giovanni, Figaro, Boris, Gurnemanz และ Philip ใน ดอน คาร์ลอส.
เตบัลดี, เรนาตา(Tebaldi, Renata) (เกิด พ.ศ. 2465) นักร้องชาวอิตาลี (โซปราโน) เธอศึกษาที่ปาร์มาและเปิดตัวครั้งแรกในปี พ.ศ. 2487 ที่เมืองโรวีโกในชื่อเอเลนา ( หัวหน้าปีศาจ). Toscanini เลือก Tebaldi เพื่อแสดงในงานเปิดตัว La Scala (1946) หลังสงคราม เธอแสดงในลอนดอนในปี 1950 และ 1955 และเปิดตัวครั้งแรกที่ Metropolitan Opera ในชื่อ Desdemona ในปี 1955 และร้องเพลงในโรงละครแห่งนี้จนกระทั่งเกษียณอายุในปี 1975 บทบาทที่ดีที่สุดของเธอ ได้แก่ Tosca, Adriana Lecouvreur, Violetta, Leonora, Aida และละครอื่นๆ บทบาท บทบาทจากโอเปร่าของแวร์ดี
ฟาร์ราร์, เจอรัลดีน .
ชาเลียปิน, ฟีโอดอร์ อิวาโนวิช .
ชวาร์สคอฟ, เอลิซาเบธ(Schwarzkopf, Elisabeth) (เกิด พ.ศ. 2458) นักร้องชาวเยอรมัน (โซปราโน) เธอศึกษากับเธอที่เบอร์ลินและเปิดตัวครั้งแรกที่ Berlin Opera ในปี 1938 ในฐานะหนึ่งในสาวดอกไม้ใน พาร์ซิฟาเลวากเนอร์. หลังจากการแสดงที่ Vienna Opera หลายครั้ง เธอก็ได้รับเชิญให้รับบทบาทนำ ต่อมาเธอก็ร้องเพลงที่โคเวนท์การ์เดนและลาสกาลาด้วย ในปี 1951 ที่เมืองเวนิสในรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าของ Stravinsky การผจญภัยของคราดร้องเพลงบทบาทของแอนนาในปี 1953 ที่ La Scala เธอได้เข้าร่วมในรอบปฐมทัศน์ของ Cantata บนเวทีของ Orff ชัยชนะของ Aphrodite. ในปีพ.ศ. 2507 เธอได้แสดงเป็นครั้งแรกที่ Metropolitan Opera เธอออกจากเวทีโอเปร่าในปี 1973

วรรณกรรม:

มาโครวา อี.วี. โรงละครโอเปร่าในวัฒนธรรมของประเทศเยอรมนีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2541
ไซมอน จี.ดับบลิว. โอเปร่าที่ยิ่งใหญ่หนึ่งร้อยเรื่องและแผนการของพวกเขา. ม., 1998



ประวัติความเป็นมาของประเภท

จาโคโป เปรี

ต้นกำเนิดของโอเปร่าถือได้ว่าเป็นโศกนาฏกรรมในสมัยโบราณ เนื่องจากเป็นแนวเพลงอิสระ โอเปร่าจึงถือกำเนิดขึ้นในอิตาลีในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 โดยกลุ่มนักดนตรี นักปรัชญา และกวีในเมืองฟลอเรนซ์ แวดวงคนรักศิลปะถูกเรียกว่า “คาเมราตา” ผู้เข้าร่วม "คาเมราตา" ใฝ่ฝันที่จะรื้อฟื้นโศกนาฏกรรมกรีกโบราณ โดยผสมผสานละคร ดนตรี และการเต้นรำไว้ในการแสดงเดียว การแสดงดังกล่าวครั้งแรกจัดขึ้นที่ฟลอเรนซ์ในปี 1600 และเล่าเกี่ยวกับออร์ฟัสและยูริไดซ์ มีเวอร์ชันที่การแสดงดนตรีพร้อมร้องเพลงครั้งแรกจัดขึ้นในปี 1594 ตามเนื้อเรื่องของตำนานกรีกโบราณเกี่ยวกับการต่อสู้ของเทพเจ้าอพอลโลกับงูหลาม โรงแสดงโอเปร่าเริ่มปรากฏให้เห็นในอิตาลีในโรม เวนิส และเนเปิลส์ทีละน้อย จากนั้นโอเปร่าก็แพร่กระจายไปทั่วยุโรปอย่างรวดเร็ว ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 โอเปร่าประเภทหลัก ๆ ก็ได้ถือกำเนิดขึ้น: โอเปร่าเซเรีย (โอเปร่าแกรนด์จริงจัง) และโอเปร่าบัฟฟา (โอเปร่าการ์ตูน)

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 โรงละครรัสเซียได้เปิดทำการในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในตอนแรกมีการแสดงเฉพาะโอเปร่าต่างประเทศเท่านั้น โอเปร่ารัสเซียเรื่องแรกเป็นการ์ตูน Fomin ถือเป็นหนึ่งในผู้สร้าง ในปี พ.ศ. 2379 การแสดงโอเปร่าเรื่อง A Life for the Tsar ของ Glinka จัดขึ้นที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โอเปร่าในรัสเซียได้รับรูปแบบที่สมบูรณ์แบบโดยพิจารณาจากลักษณะทางดนตรีที่สดใสของตัวละครหลักการขาดบทสนทนาที่พูด ในศตวรรษที่ 19 นักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่เก่งที่สุดหันมาดูโอเปร่า

โอเปร่าหลากหลาย

ในอดีต ดนตรีโอเปร่าบางรูปแบบได้พัฒนาขึ้น แม้ว่าละครโอเปร่าจะมีรูปแบบทั่วไปอยู่บ้าง แต่ส่วนประกอบทั้งหมดจะได้รับการตีความแตกต่างกันไปตามประเภทของโอเปร่า

• แกรนด์โอเปร่า ( ซีรีย์โอเปร่า- อิตาลี บทกวีโศกนาฏกรรม, ภายหลัง แกรนด์โอเปร่า- ภาษาฝรั่งเศส),
• กึ่งการ์ตูน ( เซมิเซเรีย),
• ละครตลก ( หนังโอเปร่า- อิตาลี โอเปร่า-ตลก- ภาษาฝรั่งเศส, สปีโลเปอร์- เยอรมัน)
• โอเปร่าโรแมนติกพร้อมเนื้อเรื่องโรแมนติก
• กึ่งโอเปร่า, ครึ่งโอเปร่า, ควอเตอร์โอเปร่า ( กึ่ง- ละติจูด half) เป็นรูปแบบของโอเปร่าสไตล์บาโรกอังกฤษที่ผสมผสานละครปาก (ประเภท) ละคร เสียงร้อง mise-en-scène govek และงานไพเราะ หนึ่งในผู้นับถือกึ่งโอเปร่าคือนักแต่งเพลงชาวอังกฤษ Henry Purcell /

ในละครตลก ภาษาเยอรมันและฝรั่งเศส อนุญาตให้มีบทสนทนาระหว่างดนตรีได้ นอกจากนี้ยังมีโอเปร่าที่จริงจังซึ่งมีบทสนทนาแทรกอยู่ด้วย "Fidelio" โดย Beethoven, "Medea" โดย Cherubini, "The Magic Shooter" โดย Weber

• จากโอเปร่าการ์ตูนก็มีบทละครซึ่งแพร่หลายโดยเฉพาะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19
• โอเปร่าสำหรับการแสดงสำหรับเด็ก (เช่น โอเปร่าของ Benjamin Britten - "The Little Chimney Sweeper", "Noah's Ark", โอเปร่าของ Lev Konov - "King Matt the First", "Asgard", "The Ugly Duckling", "Kokinwakashu")

องค์ประกอบของโอเปร่า

นี่คือประเภทสังเคราะห์ที่รวมศิลปะประเภทต่างๆ ไว้ในการแสดงละครเรื่องเดียว: ละคร ดนตรี ทัศนศิลป์ (ทิวทัศน์ เครื่องแต่งกาย) การออกแบบท่าเต้น (บัลเล่ต์)

วงดนตรีโอเปร่าประกอบด้วย: นักร้องเดี่ยว, นักร้องประสานเสียง, วงออเคสตรา, วงดนตรีทหาร, ออร์แกน เสียงโอเปร่า: (เพศหญิง: โซปราโน, เมซโซ-โซปราโน, คอนทราลโต; ชาย: เคาน์เตอร์เทเนอร์, เทเนอร์, บาริโทน, เบส)

งานโอเปร่าแบ่งเป็นการแสดง รูปภาพ ฉาก และตัวเลข ก่อนการแสดงมีบทนำ ในตอนท้ายของโอเปร่าก็มีบทส่งท้าย

บางส่วนของงานโอเปร่า - การบรรยาย, ริโอโซ, เพลง, อาเรีย, การดูเอต, ทริโอ, ควอร์เตต, วงดนตรี ฯลฯ จากรูปแบบไพเราะ - การทาบทาม, การแนะนำ, การพัก, ละครใบ้, เรื่องประโลมโลก, ขบวนแห่, ดนตรีบัลเล่ต์

ตัวละครของตัวละครถูกเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุดใน หมายเลขเดี่ยว(aria, arioso, arietta, cavatina, บทพูดคนเดียว, บัลลาด, เพลง) Opera มีฟังก์ชั่นที่หลากหลาย ท่องจำ- น้ำเสียงดนตรีและการสร้างจังหวะของคำพูดของมนุษย์ บ่อยครั้งที่เขาเชื่อมโยง (ตามพล็อตและทางดนตรี) ตัวเลขที่เสร็จสมบูรณ์ของแต่ละบุคคล มักเป็นปัจจัยที่มีประสิทธิผลในการแสดงละครเพลง ในโอเปร่าบางประเภท ส่วนใหญ่เป็นการแสดงตลก แทนที่จะเป็นการบรรยาย การพูดมักจะอยู่ในบทสนทนา

สอดคล้องกับบทสนทนาบนเวที ฉากการแสดงละครในโอเปร่า วงดนตรี(ดูเอต, ทรีโอ, ควอร์เตต, ควินเท็ต ฯลฯ ) ความจำเพาะที่ทำให้สามารถสร้างสถานการณ์ความขัดแย้งได้ ไม่เพียงแสดงการพัฒนาของการกระทำเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการปะทะกันของตัวละครและความคิดด้วย ดังนั้นวงดนตรีจึงมักปรากฏในช่วงเวลาสำคัญหรือช่วงสุดท้ายของการแสดงโอเปร่า

คณะนักร้องประสานเสียงในโอเปร่ามีการตีความแตกต่างออกไป อาจเป็นพื้นหลังที่ไม่เกี่ยวข้องกับโครงเรื่องหลัก บางครั้งก็เป็นผู้วิจารณ์เกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้น ความสามารถทางศิลปะทำให้สามารถแสดงภาพชีวิตพื้นบ้านที่ยิ่งใหญ่เผยให้เห็นความสัมพันธ์ระหว่างฮีโร่กับมวลชน (ตัวอย่างเช่นบทบาทของคณะนักร้องประสานเสียงในละครเพลงพื้นบ้านของ M. P. Mussorgsky "Boris Godunov" และ "Khovanshchina") .

ในละครเพลงของโอเปร่าได้รับมอบหมายบทบาทใหญ่ วงออเคสตราวิธีการแสดงออกแบบไพเราะทำหน้าที่เปิดเผยภาพได้ครบถ้วนยิ่งขึ้น โอเปร่ายังรวมถึงตอนออเคสตราอิสระ - การทาบทาม, การพักช่วง (แนะนำการแสดงของแต่ละบุคคล) องค์ประกอบอีกอย่างหนึ่งของการแสดงโอเปร่าก็คือ บัลเล่ต์, ฉากออกแบบท่าเต้นที่รวมภาพพลาสติกเข้ากับดนตรี

โรงละครโอเปร่า

โรงละครโอเปร่าเป็นอาคารโรงละครดนตรีที่ได้รับการออกแบบมาโดยเฉพาะเพื่อแสดงการแสดงโอเปร่า อาคารโอเปร่าต่างจากโรงละครกลางแจ้งตรงที่มีเวทีขนาดใหญ่พร้อมอุปกรณ์ทางเทคนิคราคาแพง รวมถึงหลุมวงออเคสตราและหอประชุมในชั้นหนึ่งหรือหลายชั้น โดยอยู่เหนือชั้นอื่นหรือออกแบบเป็นรูปกล่อง แบบจำลองสถาปัตยกรรมของโรงละครโอเปร่านี้เป็นแบบจำลองหลัก โรงอุปรากรที่ใหญ่ที่สุดในโลกตามจำนวนที่นั่งสำหรับผู้ชม ได้แก่ Metropolitan Opera ในนิวยอร์ก (3,800 ที่นั่ง), San Francisco Opera (3,146 ที่นั่ง) และ La Scala ในอิตาลี (2,800 ที่นั่ง)

ในประเทศส่วนใหญ่ การบำรุงรักษาอาคารโรงละครโอเปร่าไม่ได้ผลกำไร และต้องได้รับเงินอุดหนุนจากรัฐบาลหรือการบริจาคจากผู้มีอุปการะคุณ ตัวอย่างเช่น งบประมาณประจำปีของโรงละครลาสกาลา (มิลาน ประเทศอิตาลี) ในปี 2010 อยู่ที่ 115 ล้านยูโร (เงินอุดหนุนจากรัฐบาล 40% และการบริจาคภาคเอกชน 60% และการขายตั๋ว) และในปี 2005 โรงละครลา สกาลาได้รับ 25 % ของ 464 ล้านยูโร - จำนวนเงินที่จัดสรรโดยงบประมาณของอิตาลีเพื่อการพัฒนาศิลปกรรม และโรงอุปรากรแห่งชาติเอสโตเนียได้รับเงิน 7 ล้านยูโร (112 ล้านคราวน์) ในปี 2544 ซึ่งคิดเป็น 5.4% ของเงินทุนของกระทรวงวัฒนธรรมเอสโตเนีย

เสียงโอเปร่า

ในช่วงเวลาแห่งการกำเนิดของโอเปร่า เมื่อยังไม่มีการคิดค้นการขยายเสียงแบบอิเล็กทรอนิกส์ เทคนิคการร้องเพลงโอเปร่าได้พัฒนาไปในทิศทางของการแยกเสียงที่ดังพอที่จะกลบเสียงของวงซิมโฟนีออร์เคสตราที่มาคู่กัน พลังของเสียงโอเปร่าต้องขอบคุณการทำงานที่ประสานกันของสามองค์ประกอบ (การหายใจ การทำงานของกล่องเสียง และการควบคุมโพรงเสียงสะท้อน) ถึง 120 เดซิเบลที่ระยะห่างหนึ่งเมตร

นักร้องตามบทบาทของโอเปร่า จะถูกจำแนกตามประเภทเสียง (เนื้อร้อง ทำนอง และลักษณะนิสัย) ในบรรดาเสียงโอเปร่าชายมี:

• เคาน์เตอร์เทเนอร์,

และในหมู่สตรี:

• นักแต่งเพลงโอเปร่าที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในช่วงเวลาเดียวกัน ได้แก่ การแสดงของ Verdi, Mozart และ Puccini - 3020, 2410 และ 2294 ตามลำดับ

วรรณกรรม

• เคลดิช ยู.วี.โอเปร่า // สารานุกรมดนตรี 6 เล่ม, TSB, M. , 2516-2525, ต. 4, หน้า 20-45.
• เซรอฟ เอ.เอ็น., ชะตากรรมของโอเปร่าในรัสเซีย, "เวทีรัสเซีย", พ.ศ. 2407, หมายเลข 2 และ 7 เหมือนกันในหนังสือของเขา: บทความที่เลือก, เล่ม 1, M.-L., 1950
• เซรอฟ เอ.เอ็น., โอเปร่าในรัสเซียและโอเปร่ารัสเซีย, "Musical Light", 2413, ฉบับที่ 9, เหมือนกันในหนังสือของเขา: Critical Articles, เล่ม 4, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 2438
• เชชิคิน วี., ประวัติศาสตร์โอเปร่ารัสเซีย, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 2445, 2448
• เอนเจล ยู., ที่โอเปร่า, M. , 2454
• อิกอร์ เกลโบฟ [Asafiev B.V.], ซิมโฟนิก Etudes, P. , 1922, L. , 1970.
• อิกอร์ เกลโบฟ [Asafiev B.V.], จดหมายเกี่ยวกับโอเปร่าและบัลเล่ต์รัสเซีย “ รายสัปดาห์ของรัฐเปโตรกราด โรงละครวิชาการ", พ.ศ. 2465, ฉบับที่ 3-7, 9-10, 12-13.
• อิกอร์ เกลโบฟ [Asafiev B.V.], Opera ในหนังสือ: บทความเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของโซเวียต เล่ม 1, M.-L., 2490
• บ็อกดานอฟ-เบเรซอฟสกี้ วี.เอ็ม., โรงอุปรากรโซเวียต, L.-M. , 2483
• ดรูสกิน เอ็ม.คำถามเกี่ยวกับละครเพลงของโอเปร่า เลนินกราด 2495
• ยารัสตอฟสกี้ บี., ละครโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย, M. , 1953
• ยารัสตอฟสกี้ บี., บทความเกี่ยวกับละครโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 20, หนังสือ. 1 ม. 2514
• โอเปร่าโซเวียต รวบรวมบทความวิจารณ์ M. , 1953
• ทิกรานอฟ จี., โรงละครดนตรีอาร์เมเนีย บทความและเนื้อหา เล่ม 1-3, E. , 1956-75.
• ทิกรานอฟ จี., โอเปร่าและบัลเล่ต์แห่งอาร์เมเนีย, M. , 2509
• อาร์คิโมวิช แอล., โอเปร่าคลาสสิกของยูเครน, K. , 1957
• โกเซนพุด เอ., ละครเพลงในรัสเซีย จากต้นกำเนิดถึง Glinka, L., 1959.
• โกเซนพุด เอ., โรงละครโอเปร่ารัสเซียโซเวียต, L. , 2506
• โกเซนพุด เอ., โรงละครโอเปร่ารัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19, เล่ม 1-3, L. , 1969-73
• โกเซนพุด เอ., โรงละครโอเปร่ารัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 และ F. I. Shalyapin, L. , 1974
• โกเซนพุด เอ., โรงอุปรากรรัสเซียระหว่างการปฏิวัติสองครั้ง, พ.ศ. 2448-2460, L. , พ.ศ. 2518
• เฟอร์แมน วี.อี., โอเปร่าเฮาส์, ม., 2504.
• เบอร์นันดท์ จี., พจนานุกรมโอเปร่าจัดฉากหรือตีพิมพ์ครั้งแรกในรัสเซียและสหภาพโซเวียตก่อนการปฏิวัติ (พ.ศ. 2279-2502), ม., 2505
• โคคลอฟกีนา เอ.,โอเปร่ายุโรปตะวันตก. ปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 บทความ, M. , 1962.
• สโมลสกี บี.เอส., โรงละครดนตรีเบลารุส, มินสค์, 2506
• ลิวาโนวา ที. เอ็น., วิจารณ์โอเปร่าในรัสเซีย เล่ม 1-2 ฉบับที่ 1-4 (ฉบับที่ 1 ร่วมกับ V.V. Protopopov), M. , 1966-73
• โคเนน วี., โรงละครและซิมโฟนี, M. , 2511, 2518
• คำถามเกี่ยวกับละครโอเปร่า [คอลเลกชัน] ed.-comp. Yu. Tyulin, M. , 1975
• ดันโก แอล., โอเปร่าการ์ตูนในศตวรรษที่ 20, L.-M. , 2519
• อาร์เตกา อี., Le rivoluzioni del Teatro Musicale Italiano, โวลต์. 1-3 โบโลญญา 1783-88.
• เคลเมนท์ เอฟ., Larousse P. , Dictionnaire lyrique, ou histoire des opéras, P. , 1867, 1905.
• ดิเอทซ์ เอ็ม., Geschichte des musikalischen Dramas ใน Frankreich während der Revolution bis zum Directorium, W.-Lpz., 1885, 1893
• รีมันน์ เอช., โอเปิร์น-แฮนด์บุค, Lpz., 1887.
• บูลเฮาพท์ เอช., Dramaturgie der Oper, v. 1-2 ลพ. 2430 2445
• ซูบีส์ เอ., มาลเฮอร์เบ ช. Th., Histoire de l'opéra comique, v. 1-2 ป. 2435-36.
• พโฟล เอฟ., Die moderne Oper, Lpz., 1894.
• โรลแลนด์ อาร์., Les ต้นกำเนิด du théâtre lyrique moderne. L'histoire de l'opéra avant Lulli et Scarlatti, P., 1895, 1931.
• โรลแลนด์ อาร์., L’opéra au XVII siècle en Italie ในหนังสือ: Encyclopédie de la musique et dictionnaire…, fondateur A. Lavignac, pt. 1, , P. , 2456 (การแปลภาษารัสเซีย - Rolland R. , Opera ในศตวรรษที่ 17, M. , 1931)
• โกลด์ชมิดท์ เอช., Studien zur Geschichte der italienischen Oper ใน 17. Jahrhundert, Bd 1-2, Lpz., 1901-04
• โซลเลอร์ติ เอ., ต้นกำเนิดของเรื่องประโลมโลก, โตริโน, 1903.
• โซลเลอร์ติ เอ., Gli albori del เรื่องประโลมโลก, v. 1-3 ปาแลร์โม 1904.
• ดัสโซริ ซี., โอเปร่าและโอเปร่า ดิซิโอนาริโอ ลิริโก. เจนูอา, 1903.
• เฮิร์ชเบิร์ก อี., Die Enzyklopädisten und die Französische Oper im 18. Jahrhundert, Lpz., 1903.
• ซอนเน็ค โอ., แคตตาล็อกเพลงโอเปร่า, , 1908.
• ซอนเน็ค โอ., แคตตาล็อกบทละครโอเปร่าที่พิมพ์ก่อนปี 1800, v. 1-2, วอช., 1914.
• ซอนเน็ค โอ., แคตตาล็อกหนังสือของศตวรรษที่ 19, Wash., 1914.
• ทาวเวอร์ เจ., พจนานุกรม-แคตตาล็อกโอเปร่าและโอเปเรตต้าที่ได้แสดงบนเวทีสาธารณะ, มอร์แกนทาวน์, .
• ลา ลอเรนซี แอล., L'opéra comique française en XVIII siècle, ในหนังสือ: Encyclopédie de la musique et dictionnaire de con-cervatoire, , P. , 1913 (การแปลภาษารัสเซีย - La Laurencie L., โอเปร่าการ์ตูนฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 18, M. , 2480)
• บี้ โอ., ไดโอเปอเรเตอร์, บี., 1913, 1923.
• เครทซ์ชมาร์ เอช., Geschichte der Oper, Lpz., 1919 (การแปลภาษารัสเซีย - Kretschmar G., History of Opera, L., 1925)
• แคปเจ., Die Oper der Gegenwart, B., 1922.
• เดเลีย คอร์เต เอ., L'opéra comica Italiana nel" 700. Studi ed appunti, v. 1-2, บารี, 1923.
• เดเลีย คอร์เต เอ. Tre secoli di opera italiana, โตริโน, 1938.
• บัคเคน อี., Der heroische Stil ใน der Oper, Lpz., 1924 (การแปลภาษารัสเซีย - E. Bukken, สไตล์ฮีโร่ในโอเปร่า, M. , 1936)
• บูเวต์ ช.โลเปรา พี. 2467.
• โปรดอมม์ เจ.จี., โลเปรา (1669-1925), P. , 1925.
• อเบิร์ต เอช., Grundprobleme der Operngeschichte, Lpz., 1926.
• แดนเดล็อต เอ., L'évolution de la musique de théâtre depuis Meyerbeer Jusqu'à nos Jours, P., 1927.
• โบนาเวนทูร่า เอ., โลเปรา อิตาเลียน่า, ฟิเรนเซ, 1928.
• ไชเดอร์ไมร์ แอล., Die Deutsche Oper, Lpz., 1930, บอนน์, 1943.
• เบกเกอร์ พี., วันด์ลุงเกน เดอร์ โอเปอร์, Z., 1934.
• คาปรี เอ., Il Melodrama dalle origini ai nostri giorni, โมเดนา, 1938.
• เดนท์ อี.เจ., โอเปร่า, นิวยอร์ก, 2483
• เกรเกอร์ เจ., Kulturgeschichte der Oper, W., 1941, 1950.
• บร็อคเวย์ ดับเบิลยู., ไวน์สต็อค เอช., โอเปร่า, ประวัติศาสตร์แห่งการสร้างสรรค์และการแสดง, 1600-1941, N.Y., 1941 (บรรณาธิการเพิ่มเติม: โลกแห่งโอเปร่า, N.Y., 1966)
• สกราป เอส., Die Oper als lebendiges Theatre, Würzburg, 1942
• มูเซอร์ อาร์.เอ., L opéra comique française en Russie durant le XVIIIe siècle, Bale, 1945, 1964
• ยาแนว ดีเจ, ประวัติโดยย่อของโอเปร่า, v. 1-2, N.Y., 1947, Oxf., 1948, N.Y., 1965.
• คูเปอร์ เอ็ม., Opéra comique, N.Y., 1949.
• คูเปอร์ เอ็ม., โอเปร่ารัสเซีย, L. , 2494
• เวลเลสซ์ อี., บทความในโอเปร่า, L. , 1950.
• ดำเนินการฉัน XX Jahrhundert, บอนน์, 1954.
• เปาลี ดี., De, L'opéra italiana dalle origini all'opera verista, โรมา, 1954.
• ซิปเจ., โอเปร่าในเชโกสโลวะเกีย, ปราก, 2498
• บาวเออร์ อาร์., ไดโอเปอเรเตอร์, บี., 1955, 1958.
• ไลโบวิทซ์ อาร์.ลฮิสตัวร์ เดอ โลเปรา, ป., 1957.
• เซราฟิน ที., โทนี่ เอ., สไตล์, tradizioni e con-venzioni del Melodramma italiano del settecento e dell’ottocento, v. 1-2 มิ.ย. 2501-64.
• ชมิดท์-การ์เร เอช., โอเปร่า, เคิล์น, 1963.
• สตัคเกนชมิดท์ เอช., ดำเนินการใน Dieser Zeit, ฮันโนเวอร์, 1964.
• ซาโบลซี บี., Die Anfänge der nationalen Oper im 19. Jahrhundert, ใน: Bericht über den Neunten Internationalen Kongreß Salzburg 1964, Lfg. 1, คาสเซิล, 1964.
• โอเปร่าสมัยใหม่: Autoren, Theatre, Publikum, ibid., Lfg. 2, คาสเซิล, 1966.

ดูสิ่งนี้ด้วย

หมายเหตุ

ลิงค์

• เว็บไซต์ภาษารัสเซียที่ครอบคลุมที่สุดสำหรับกิจกรรมโอเปร่าและโอเปร่า
• ไดเรกทอรี "100 โอเปร่า" เรียบเรียงโดย M.S. Druskin บทสรุปโดยย่อ (เรื่องย่อ) ของโอเปร่า

แบบฟอร์มดนตรี
รูปแบบเสียงร้อง	รูปแบบกลอนแบบตะกั่ว-คอรัส
แบบฟอร์มง่ายๆ	ช่วงเวลา รูปแบบสองส่วนอย่างง่าย รูปแบบสามส่วนอย่างง่าย
รูปร่างที่ซับซ้อน	เพลงประกอบจาก Rondo Variation จาก Sonata จาก Rondo-sonata
แบบฟอร์มแบบวนรอบ	ห้องสวีทโซนาต้า-ซิมโฟนิกวงจร Cantata Oratorio
แบบฟอร์มโพลีโฟนิก	แคนนอนแห่งความทรงจำ
รูปแบบเฉพาะของยุโรป ยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา	บาร์ วิเรเล ́ บัลลาตา ́ เอสตัมปิ ́ เลอ มาดริกัล
รูปแบบเฉพาะของยุคบาโรก	รูปแบบเรียบง่ายของยุคบาโรก รูปแบบโซนาตาโบราณ รูปแบบผสมของยุคบาโรก รูปแบบคอนเสิร์ตโบราณ การร้องประสานเสียง
รูปแบบเฉพาะของยุคโรแมนติก	แบบฟอร์มอิสระ แบบฟอร์มผสม แบบฟอร์มไซคลิกส่วนเดียว
รูปแบบของละครเพลง	โอเปเร็ตต้าบัลเลต์
ดนตรี ทฤษฎีดนตรี

โอเปร่าเงื่อนไข

ทิศทางโรงละคร
โรงภาพยนตร์

Tannhäuser: เรียน PC! อย่าอารมณ์เสียกับโพสต์ที่มีมากเกินไปในช่วงไม่กี่วันที่ผ่านมา... เร็ว ๆ นี้ คุณจะมีโอกาสที่ดีเยี่ยมในการหยุดพักจากโพสต์เหล่านี้...) เป็นเวลาสามสัปดาห์... วันนี้ ฉันได้รวมหน้านี้ไว้ด้วย เกี่ยวกับโอเปร่าในไดอารี่ มีข้อความและรูปภาพขยาย... ยังคงเลือกวิดีโอสองสามรายการที่มีส่วนของโอเปร่า ฉันหวังว่าคุณจะชอบทุกสิ่ง แน่นอนว่าการสนทนาเกี่ยวกับโอเปร่าไม่ได้จบเพียงแค่นั้น แม้ว่า ผลงานดีๆมีจำนวนจำกัด...)

นี่เป็นการแสดงบนเวทีที่น่าสนใจซึ่งมีโครงเรื่องเฉพาะที่เผยออกมาตามเสียงเพลง งานอันยิ่งใหญ่ที่ทำโดยนักแต่งเพลงผู้เขียนโอเปร่าไม่สามารถมองข้ามได้ แต่สิ่งสำคัญไม่แพ้กันคือทักษะการแสดงที่ช่วยถ่ายทอดแนวคิดหลักของงาน สร้างแรงบันดาลใจ ให้กับผู้ชม และนำดนตรีมาสู่หัวใจของผู้คน

มีชื่อที่กลายเป็นส่วนสำคัญของการแสดงโอเปร่า เสียงเบสอันหนักแน่นของ Fyodor Chaliapin ฝังลึกอยู่ในจิตวิญญาณของแฟนเพลงโอเปร่าตลอดไป Luciano Pavarotti ซึ่งครั้งหนึ่งเคยใฝ่ฝันที่จะเป็นนักฟุตบอลได้กลายเป็นซุปเปอร์สตาร์ตัวจริงของละครเวทีโอเปร่า Enrico Caruso ได้รับการบอกเล่าตั้งแต่วัยเด็กว่าเขาไม่ได้ยินหรือพูดเลย จนกระทั่งนักร้องมีชื่อเสียงจากเพลง bel canto อันเป็นเอกลักษณ์ของเขา

เนื้อเรื่องของโอเปร่า

อาจมีพื้นฐานมาจากข้อเท็จจริงทางประวัติศาสตร์หรือตำนาน เทพนิยาย หรือผลงานละครก็ได้ เพื่อให้เข้าใจถึงสิ่งที่คุณจะได้ยินในโอเปร่า จึงได้สร้างข้อความบทขึ้นมา อย่างไรก็ตามเพื่อที่จะทำความคุ้นเคยกับโอเปร่าบทเพลงนั้นไม่เพียงพอ: ท้ายที่สุดแล้วเนื้อหาจะถูกถ่ายทอดผ่านภาพศิลปะด้วยวิธีการแสดงออกทางดนตรี จังหวะพิเศษ ทำนองที่สดใสและเป็นต้นฉบับ การเรียบเรียงที่ซับซ้อน รวมถึงรูปแบบดนตรีที่ผู้แต่งเลือกสำหรับแต่ละฉาก - ทั้งหมดนี้ทำให้เกิดงานศิลปะโอเปร่าประเภทใหญ่โต

โอเปร่ามีความโดดเด่นด้วยโครงสร้างผ่านและจำนวน ถ้าเราพูดถึงโครงสร้างตัวเลข ความสมบูรณ์ทางดนตรีก็จะแสดงออกมาอย่างชัดเจนที่นี่ และหมายเลขเดี่ยวก็มีชื่อ: arioso, aria, arietta, Romance, Cavatina และอื่นๆ ผลงานการร้องที่เสร็จสมบูรณ์ช่วยเปิดเผยตัวละครของฮีโร่ได้อย่างเต็มที่ Annette Dasch นักร้องชาวเยอรมันแสดงบทบาทต่างๆ เช่น Antonia จาก "Tales of Hoffmann" ของ Offenbach, Rosalind จาก "Die Fledermaus" ของ Strauss, Pamina จาก "The Magic Flute" ของ Mozart ผู้ชม Metropolitan Opera, Theatre on the Champs-Elysees และ Tokyo Opera สามารถเพลิดเพลินไปกับความสามารถที่หลากหลายของนักร้องคนนี้

พร้อมกับเสียงร้อง "ปัดเศษ" การประกาศทางดนตรี - การบรรยาย - ถูกนำมาใช้ในโอเปร่า นี่เป็นการผสมผสานที่ยอดเยี่ยมระหว่างวิชาร้องต่างๆ - อาเรีย นักร้องประสานเสียง และวงดนตรี โอเปร่าการ์ตูนมีความโดดเด่นด้วยการขาดการบรรยายและถูกแทนที่ด้วยข้อความพูด

ฉากห้องบอลรูมในโอเปร่าถือเป็นองค์ประกอบที่ไม่ใช่องค์ประกอบหลัก ซึ่งเป็นองค์ประกอบที่แทรกเข้าไป บ่อยครั้งที่พวกเขาสามารถถูกกำจัดออกจากการกระทำโดยรวมได้อย่างไม่ลำบาก แต่มีโอเปร่าที่ไม่สามารถใช้ภาษาการเต้นรำเพื่อทำให้งานดนตรีเสร็จสมบูรณ์ได้

การแสดงโอเปร่า

โอเปร่าผสมผสานเสียงร้อง ดนตรีบรรเลง และการเต้นรำ บทบาทของการเล่นดนตรีประกอบออเคสตรามีความสำคัญ: ท้ายที่สุดแล้ว มันไม่เพียงแต่เป็นการร้องเพลงประกอบเท่านั้น แต่ยังเป็นการเพิ่มเติมและเพิ่มคุณค่าอีกด้วย ส่วนของออเคสตราสามารถเป็นตัวเลขอิสระได้ เช่น การหยุดการแสดง การแนะนำเพลง นักร้องประสานเสียง และการทาบทาม มาริโอ เดล โมนาโกมีชื่อเสียงจากการแสดงบทบาทของราดาเมสจากโอเปร่าเรื่อง Aida ของจูเซปเป้ แวร์ดี

เมื่อพูดถึงกลุ่มโอเปร่า เราควรพูดถึงศิลปินเดี่ยว นักร้องประสานเสียง วงออเคสตรา หรือแม้แต่ออร์แกน เสียงของนักแสดงโอเปร่าแบ่งออกเป็นชายและหญิง เสียงโอเปร่าหญิง - โซปราโน, เมซโซโซปราโน, คอนทราลโต ชาย - เคาน์เตอร์เทเนอร์ เทเนอร์ บาริโทน และเบส ใครจะคิดว่าเบเนียมิโน กิกลี ซึ่งเติบโตมาในครอบครัวที่ยากจน หลายปีต่อมาจะร้องเพลงบทบาทของเฟาสต์จากหัวหน้าปีศาจ

ประเภทและรูปแบบของโอเปร่า

ในอดีต โอเปร่าบางรูปแบบได้พัฒนาขึ้น เวอร์ชันคลาสสิกที่สุดสามารถเรียกได้ว่าเป็นแกรนด์โอเปร่า: สไตล์นี้รวมถึงผลงาน "William Tell" โดย Rossini, "The Sicilian Vespers" โดย Verdi, "Les Troyens" โดย Berlioz

นอกจากนี้ โอเปร่ายังเป็นการ์ตูนและกึ่งการ์ตูนอีกด้วย ลักษณะเฉพาะของโอเปร่าการ์ตูนปรากฏในผลงานของโมสาร์ทเรื่อง Don Giovanni, The Marriage of Figaro และ The Abduction from the Seraglio โอเปร่าที่สร้างจากพล็อตโรแมนติกเรียกว่าโรแมนติก: ประเภทนี้รวมถึงผลงานของ Wagner "Lohengrin", "Tannhäuser" และ "The Wandering Sailor"

เสียงของนักแสดงโอเปร่ามีความสำคัญเป็นพิเศษ เจ้าของเสียงที่หายากที่สุด - โซปราโน coloratura คือ Sumi Yo , ซึ่งมีการเปิดตัวครั้งแรกบนเวทีของโรงละคร Verdi: นักร้องแสดงบทบาทของ Gilda จาก Rigoletto เช่นเดียวกับ Joan Elston Sutherland ซึ่งเป็นเวลาหนึ่งในสี่ของศตวรรษแสดงบทบาทของ Lucia จากโอเปร่า Lucia di Lammermoor โดย Donizetti

โอเปร่าเพลงบัลลาดมีต้นกำเนิดในอังกฤษและชวนให้นึกถึงฉากพูดสลับกับองค์ประกอบเพลงและการเต้นรำพื้นบ้านมากกว่า Pepusch พร้อมด้วย The Beggars' Opera กลายเป็นผู้บุกเบิกโอเปร่าบัลลาด

นักแสดงโอเปร่า: นักร้องโอเปร่าและนักร้องหญิง

เนื่องจากโลกแห่งดนตรีมีความหลากหลาย โอเปร่าจึงควรพูดคุยในภาษาพิเศษที่ผู้ชื่นชอบศิลปะคลาสสิกสามารถเข้าใจได้ คุณสามารถดูข้อมูลเกี่ยวกับนักแสดงที่เก่งที่สุดบนแพลตฟอร์มระดับโลกได้จากเว็บไซต์ของเราในส่วน "นักแสดง" » .

ผู้รักดนตรีที่มีประสบการณ์จะต้องมีความสุขอย่างแน่นอนที่ได้อ่านเกี่ยวกับนักแสดงโอเปร่าคลาสสิกที่เก่งที่สุด นักดนตรีเช่น Andrea Bocelli กลายมาแทนที่นักร้องที่มีความสามารถมากที่สุดในการพัฒนาศิลปะโอเปร่า , ซึ่งมีไอดอลคือ Franco Corelli เป็นผลให้อันเดรียพบโอกาสที่จะได้พบกับไอดอลของเขาและยังเป็นนักเรียนของเขาอีกด้วย!

Giuseppe Di Stefano หลีกเลี่ยงการถูกเกณฑ์เข้ากองทัพได้อย่างน่าอัศจรรย์ด้วยเสียงอันน่าทึ่งของเขา Titto Gobbi ตั้งใจจะเป็นทนายความ แต่อุทิศชีวิตให้กับการแสดงโอเปร่า คุณสามารถเรียนรู้สิ่งที่น่าสนใจมากมายเกี่ยวกับนักร้องโอเปร่าเหล่านี้และนักร้องโอเปร่าคนอื่นๆ ได้ในส่วน "เสียงผู้ชาย"

เมื่อพูดถึงนักร้องโอเปร่าคงอดไม่ได้ที่จะนึกถึงเสียงที่ยอดเยี่ยมเช่น Annick Massis ซึ่งเปิดตัวบนเวที Toulous Opera ด้วยบทบาทจากโอเปร่า The Imaginary Gardener ของ Mozart

Danielle De Niese ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นหนึ่งในนักร้องที่สวยที่สุดซึ่งในอาชีพของเธอได้แสดงเดี่ยวในโอเปร่าโดย Donizetti, Puccini, Delibes และ Pergolesi

มอนต์เซอร์รัต กาบาลล์. มีการพูดถึงผู้หญิงที่น่าทึ่งคนนี้มากมาย: มีนักแสดงเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่สามารถได้รับตำแหน่ง "Diva of the World" แม้ว่านักร้องจะอายุมากแล้ว แต่เธอยังคงสร้างความพึงพอใจให้กับผู้ชมด้วยการร้องเพลงอันไพเราะของเธอ

นักแสดงโอเปร่าที่มีความสามารถหลายคนก้าวแรกในพื้นที่รัสเซีย: Victoria Ivanova, Ekaterina Shcherbachenko, Olga Borodina, Nadezhda Obukhova และคนอื่น ๆ

Amalia Rodrigues เป็นนักร้องฟาโด้ชาวโปรตุเกส และ Patricia Ciofi นักร้องโอเปร่าชาวอิตาลี เข้าร่วมการแข่งขันดนตรีครั้งแรกเมื่อเธออายุได้ 3 ขวบ! ชื่อที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเหล่านี้และชื่ออื่น ๆ ของตัวแทนที่สวยงามของประเภทโอเปร่า - นักร้องโอเปร่าสามารถพบได้ในส่วน "เสียงของผู้หญิง"

โอเปร่าและโรงละคร

จิตวิญญาณของโอเปร่าอาศัยอยู่ในโรงละคร แทรกซึมเข้าไปในเวที และเวทีที่นักแสดงระดับตำนานแสดงกลายเป็นสัญลักษณ์และมีความสำคัญ วิธีที่จะไม่จำโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ La Scala, Metropolitan Opera, โรงละคร Bolshoi, โรงละคร Mariinsky, โรงละครแห่งรัฐเบอร์ลิน และอื่น ๆ ได้อย่างไร ตัวอย่างเช่น โคเวนท์การ์เดน (รอยัลโอเปร่าเฮาส์) ประสบเหตุเพลิงไหม้ครั้งใหญ่ในปี 1808 และ 1857 แต่องค์ประกอบส่วนใหญ่ของอาคารปัจจุบันได้รับการบูรณะแล้ว คุณสามารถอ่านเกี่ยวกับฉากเหล่านี้และฉากที่มีชื่อเสียงอื่น ๆ ได้ในส่วน "สถานที่"

ในสมัยโบราณเชื่อกันว่าดนตรีถือกำเนิดมาพร้อมกับโลก นอกจากนี้ ดนตรียังช่วยลดความเครียดทางจิตและส่งผลดีต่อจิตวิญญาณของแต่ละบุคคลอีกด้วย โดยเฉพาะเมื่อพูดถึงโอเปร่า...

ภาษาอิตาลี โอเปร่าสว่าง - งาน ธุรกิจ เรียงความ

งานดนตรีและละครประเภทหนึ่ง โอเปร่ามีพื้นฐานมาจากการสังเคราะห์คำ การแสดงบนเวที และดนตรี ต่างจากโรงละครประเภทต่างๆ ที่ดนตรีทำหน้าที่เสริมและประยุกต์ใช้ ในโอเปร่า ดนตรีจะกลายเป็นพาหนะหลักและแรงผลักดันของการกระทำ โอเปร่าต้องมีแนวคิดทางดนตรีและละครที่มีการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง (ดู) หากไม่มีอยู่และดนตรีประกอบและแสดงข้อความวาจาและเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวทีเท่านั้น รูปแบบโอเปร่าก็จะสลายไป และลักษณะเฉพาะของโอเปร่าในฐานะศิลปะดนตรีและละครชนิดพิเศษก็จะสูญหายไป

การเกิดขึ้นของโอเปร่าในอิตาลีในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 ในด้านหนึ่งได้รับการจัดเตรียมโดยประเพณียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาบางรูปแบบซึ่งดนตรีให้ความสำคัญ (การแสดงสลับฉากอันเขียวชอุ่ม ละครอภิบาล โศกนาฏกรรมกับคณะนักร้องประสานเสียง) และในทางกลับกัน การพัฒนาที่แพร่หลายในยุคเดียวกันของการร้องเพลงเดี่ยวด้วยเครื่องดนตรี คลอ ใน O. การค้นหาและการทดลองในศตวรรษที่ 16 พบว่ามีการแสดงออกที่สมบูรณ์ที่สุด ในด้านกระทะที่แสดงออก monody สามารถถ่ายทอดความแตกต่างต่างๆของคำพูดของมนุษย์ได้ B.V. Asafiev เขียนว่า:“ ขบวนการยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอันยิ่งใหญ่ซึ่งสร้างศิลปะของ "คนใหม่" ได้ประกาศสิทธิ์ในการแสดงออกถึงจิตวิญญาณอย่างอิสระอารมณ์ที่อยู่นอกแอกของการบำเพ็ญตบะทำให้เกิดการร้องเพลงใหม่ซึ่งเสียงที่เปล่งออกมาและสวดมนต์กลายเป็น การแสดงออกของความมั่งคั่งทางอารมณ์ของหัวใจมนุษย์ในการแสดงออกที่ไร้ขีด จำกัด การปฏิวัติที่ลึกซึ้งในประวัติศาสตร์ดนตรีซึ่งเปลี่ยนคุณภาพของน้ำเสียงนั่นคือการเปิดเผยด้วยเสียงของมนุษย์และภาษาถิ่นของเนื้อหาภายในจิตวิญญาณอารมณ์อารมณ์ เพียงอย่างเดียวก็สามารถทำให้ศิลปะโอเปร่ามีชีวิตขึ้นมาได้" (Asafiev B.V., Izbr. works, vol. V, M., 1957, p. 63)

องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดและสำคัญที่สุดของงานโอเปร่าคือการร้องเพลง ซึ่งถ่ายทอดประสบการณ์ของมนุษย์ที่หลากหลายภายใต้เฉดสีที่ดีที่สุด ผ่านนักดำน้ำ สร้างกระทะ น้ำเสียงในโอเผยให้เห็นจิตใจของแต่ละบุคคล การแต่งหน้าของตัวละครแต่ละตัว คุณลักษณะของตัวละคร และอารมณ์ของเขาถูกถ่ายทอดออกมา จากการชนกันของน้ำเสียงต่างๆ เชิงซ้อนความสัมพันธ์ที่สอดคล้องกับความสมดุลของพลังในละคร การกระทำ “ละครน้ำเสียง” ของโอเกิดเป็นละครเพลง ทั้งหมดนี้.

พัฒนาการของซิมโฟนีในศตวรรษที่ 18-19 ขยายและเพิ่มความเป็นไปได้ในการตีความละครด้วยดนตรี การกระทำใน O. เปิดเผยเนื้อหาซึ่งไม่ได้เปิดเผยอย่างครบถ้วนเสมอไปในข้อความร้องและการกระทำของตัวละคร วงออเคสตรามีบทบาทในการวิจารณ์และสรุปบทบาทที่หลากหลายในวงออเคสตรา ฟังก์ชันของมันไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการรองรับกระทะเท่านั้น ฝ่ายต่างๆ และเน้นการแสดงออกถึงบุคคลที่สำคัญที่สุด ช่วงเวลาแห่งการกระทำ สามารถสื่อถึง "กระแสใต้น้ำ" ของแอ็กชัน ก่อให้เกิดเป็นดราม่าได้ ความแตกต่างระหว่างสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีและสิ่งที่นักร้องร้อง การผสมผสานแผนต่างๆ เข้าด้วยกันถือเป็นการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดอย่างหนึ่ง เทคนิคในอ. บ่อยครั้งที่วงออเคสตราจบเรื่อง จบสถานการณ์ นำไปสู่จุดสูงสุดของละคร แรงดันไฟฟ้า. วงออเคสตรายังมีบทบาทสำคัญในการสร้างเบื้องหลังของการแสดง โดยสรุปสถานการณ์ที่เกิดขึ้น วงออเคสตรา-พรรณนา บางครั้งตอนก็กลายเป็นซิมโฟนีที่สมบูรณ์ ภาพวาด ออร์คล้วนๆ เหตุการณ์บางอย่างที่เป็นส่วนหนึ่งของฉากแอ็กชั่นสามารถรวบรวมได้ด้วยวิธีต่างๆ (เช่น ในการเว้นจังหวะไพเราะระหว่างฉาก) สุดท้ายก็ออร์ค การพัฒนาทำหน้าที่เป็นหนึ่งในสิ่งมีชีวิต ปัจจัยในการสร้างรูปแบบการดำเนินงานที่สมบูรณ์และสอดคล้องกัน สิ่งที่กล่าวมาทั้งหมดรวมอยู่ในแนวคิดของโอเปร่าซิมโฟนิซึมซึ่งใช้เทคนิคเฉพาะเรื่องหลายอย่าง การพัฒนาและการก่อตัวที่พัฒนาขึ้นในเครื่องมือที่ "บริสุทธิ์" ดนตรี. แต่เทคนิคเหล่านี้สามารถนำไปใช้ในโรงละครได้ฟรีและยืดหยุ่นมากขึ้น ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับเงื่อนไขและข้อกำหนดของโรงละคร การกระทำ

ในขณะเดียวกันก็เกิดผลตรงกันข้ามกับออกซิเจนที่มีต่ออุปกรณ์ด้วย ดนตรี. ดังนั้น O. จึงมีอิทธิพลอย่างไม่ต้องสงสัยต่อการก่อตัวของคลาสสิก ซิมโฟนี วงออเคสตรา แถวออร์ค ผลกระทบที่เกิดขึ้นจากงานละครบางเรื่อง จึงตกเป็นสมบัติของเครื่องดนตรี ความคิดสร้างสรรค์ พัฒนาการของทำนองโอเปร่าในศตวรรษที่ 17 และ 18 เตรียมคลาสสิกบางประเภท สถาบัน ใจความ ตัวแทนของลัทธิยวนใจแบบเป็นโปรแกรมมักใช้เทคนิคการแสดงออกทางโอเปร่า การแสดงดนตรีประสานเสียงที่พยายามวาดภาพโดยใช้เครื่องมือ ดนตรี ภาพเฉพาะ และภาพความเป็นจริง จนถึงการสร้างท่าทางและน้ำเสียงของคำพูดของมนุษย์

ในดนตรีมีการใช้ดนตรีในชีวิตประจำวันหลายประเภท - เพลงเต้นรำเดือนมีนาคม (ในหลาย ๆ สายพันธุ์) แนวเพลงเหล่านี้ไม่เพียงแต่ทำหน้าที่เป็นเค้าโครงพื้นหลังของฉากแอ็กชันที่เปิดเผย รวมถึงการสร้างระดับชาติเท่านั้น และสีประจำท้องถิ่นแต่ยังรวมถึงลักษณะตัวละครด้วย เทคนิคที่เรียกว่า "การทำให้เป็นทั่วไปผ่านแนวเพลง" (ศัพท์โดย A. A. Alshwang) ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในการแสดงออกทางศิลปะ บทเพลงหรือการเต้นรำกลายเป็นหนทางแห่งความสมจริง การพิมพ์ภาพ การแสดงตัวตนของบุคคลทั่วไปและบุคคลทั่วไป

อัตราส่วนความแตกต่าง องค์ประกอบที่ศิลปะเกิดขึ้นเป็นศิลปะ ทั้งหมดแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับความสวยงามโดยทั่วไป กระแสที่เกิดขึ้นในยุคใดยุคหนึ่ง ทิศทางใดทางหนึ่ง รวมถึงจากศิลปินสร้างสรรค์เฉพาะกลุ่ม ปัญหาที่ผู้แต่งแก้ไขในงานนี้ มีวงออเคสตราร้องเป็นหลัก ซึ่งวงออเคสตราได้รับมอบหมายให้มีบทบาทรองและรองลงมา ในเวลาเดียวกัน วงออเคสตราสามารถเป็นช. ผู้ให้บริการละคร การกระทำและครองกระทะ เป็นชุด มีชื่อ O. ซึ่งสร้างขึ้นจากการสลับระหว่างกระทะที่สมบูรณ์หรือค่อนข้างสมบูรณ์ แบบฟอร์ม (aria, arioso, cavatina, วงดนตรีประเภทต่างๆ, คณะนักร้องประสานเสียง) และ O. primary ประเภทการบรรยายซึ่งการกระทำจะพัฒนาอย่างต่อเนื่องโดยไม่มีการแบ่งแผนก ตอน (ตัวเลข) การแสดงที่มีความโดดเด่นขององค์ประกอบเดี่ยว และการแสดงที่มีวงดนตรีหรือคณะนักร้องประสานเสียงที่พัฒนาขึ้น อาร์ทั้งหมด ศตวรรษที่ 19 แนวคิดของ "ละครเพลง" ได้รับการหยิบยกขึ้นมา (ดูละครเพลง) ดนตรี ละครขัดแย้งกับโครงสร้าง O. "เลข" ทั่วไป คำจำกัดความนี้หมายถึงการผลิต ซึ่งดนตรีอยู่ภายใต้การควบคุมของละครโดยสิ้นเชิง การกระทำและติดตามโค้งทั้งหมด อย่างไรก็ตาม คำจำกัดความนี้ไม่ได้คำนึงถึงเฉพาะเจาะจง กฎแห่งการละครโอเปร่าซึ่งไม่สอดคล้องกับกฎแห่งการละครโดยสิ้นเชิง t-ra และไม่แยกแยะ O. จากโรงละครประเภทอื่นบางประเภท การแสดงดนตรีซึ่งไม่ได้มีบทบาทนำ

คำว่า "โอ" มีเงื่อนไขและเกิดขึ้นช้ากว่าประเภทของละครเพลงที่กำหนด ทำงาน ชื่อนี้ถูกใช้ครั้งแรกตามความหมายที่กำหนดในปี 1639 และแพร่หลายในศตวรรษที่ 18 ศตวรรษที่ 19 ผู้เขียนโอเปร่าเรื่องแรกซึ่งปรากฏในฟลอเรนซ์ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16 และ 17 เรียกพวกเขาว่า "ละครทางดนตรี" (ละครต่อดนตรี สว่าง - "ละครผ่านดนตรี" หรือ "ละครเพื่อดนตรี") การสร้างของพวกเขาเกิดจากความปรารถนาที่จะฟื้นฟูกรีกโบราณ โศกนาฏกรรม. แนวคิดนี้ถือกำเนิดขึ้นจากกลุ่มนักวิทยาศาสตร์ นักเขียน และนักดนตรีนักมนุษยนิยมที่รวมตัวกันรอบๆ G. Bardi ขุนนางชาวฟลอเรนซ์ (ดู Florentine Camerata) ตัวอย่างแรกของ O. ถือเป็น "Daphne" (1597-98, ไม่เก็บรักษาไว้) และ "Eurydice" (1600) โดย J. Peri ในหน้าถัดไป O. Rinuccini (เพลงสำหรับ "Eurydice" เขียนโดย G. Caccini) ช. เป้าหมายที่เสนอโดยผู้แต่งเพลงคือความชัดเจนของการบรรยาย กระทะ ชิ้นส่วนต่างๆ ได้รับการออกแบบในลักษณะที่ไพเราะและมีการท่องจำและมีเพียงองค์ประกอบบางอย่างของ coloratura ที่พัฒนาไม่ดีเท่านั้น ในปี 1607 มีการถือศีลอดในเมืองมานตัว O. "Orpheus" โดย C. Monteverdi หนึ่งในนักดนตรีและนักเขียนบทละครที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรี เขานำดราม่าที่แท้จริงความจริงของความหลงใหลมาสู่ O. ทำให้สมบูรณ์และแสดงออก สิ่งอำนวยความสะดวก.

กำเนิดในบรรยากาศชนชั้นสูง salon, O. ได้รับประชาธิปไตยเมื่อเวลาผ่านไป ทำให้ประชาชนในวงกว้างสามารถเข้าถึงได้ ในเมืองเวนิสซึ่งกลายเป็นตรงกลาง ศตวรรษที่ 17 ช. ศูนย์กลางการพัฒนาประเภทโอเปร่า โรงละครสาธารณะแห่งแรกเปิดในปี 1637 โรงละครโอเปร่า ("ซานคาสเซียโน") การเปลี่ยนแปลงฐานทางสังคมของ O. ส่งผลต่อเนื้อหาและลักษณะการแสดงออก กองทุน พร้อมด้วยตำนาน แผนการทางประวัติศาสตร์ปรากฏขึ้น ธีมมีความอยากดราม่าที่เฉียบคม ความขัดแย้ง การผสมผสานระหว่างโศกนาฏกรรมและการ์ตูน ความประเสริฐกับความตลกและพื้นฐาน กระทะ ส่วนต่างๆ ไพเราะ ได้รับคุณลักษณะของ bel canto และปรากฏอย่างอิสระ ตอนเดี่ยวประเภทอาเรีย โอเปร่าเรื่องสุดท้ายของมอนเตเวร์ดีเขียนขึ้นสำหรับเวนิส รวมถึง The Coronation of Poppea (1642) ซึ่งฟื้นขึ้นมาใหม่ในละครสมัยใหม่ โรงโอเปร่า ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของโรงเรียนโอเปร่าเวนิส (ดูโรงเรียนเวนิส) ได้แก่ F. Cavalli, M. A. Cesti, G. Legrenzi, A. Stradella

มีแนวโน้มที่จะเพิ่มความไพเราะ จุดเริ่มต้นและการตกผลึกของกระทะที่เสร็จแล้ว รูปแบบที่ปรากฏในหมู่นักประพันธ์เพลงของโรงเรียน Venetian ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมโดยปรมาจารย์ของโรงเรียนโอเปร่า Neapolitan ซึ่งพัฒนาขึ้นมาตั้งแต่ต้น ศตวรรษที่ 18 ตัวแทนหลักคนแรกของโรงเรียนนี้คือ F. Provenzale หัวหน้าคือ A. Scarlatti ในบรรดาปรมาจารย์ที่โดดเด่น ได้แก่ L. Leo, L. Vinci, N. Porpora และคนอื่น ๆ โอเปร่าในภาษาอิตาลี บทเพลงในรูปแบบของโรงเรียนเนเปิลส์ก็เขียนโดยนักแต่งเพลงสัญชาติอื่นรวมถึง I. Hase, G. F. Handel, M. S. Berezovsky, D. S. Bortnyansky ในโรงเรียนเนเปิลส์ ในที่สุดรูปแบบของเพลง (โดยเฉพาะ da capo) ก็ถูกสร้างขึ้น มีการกำหนดขอบเขตที่ชัดเจนระหว่างเพลงกับเพลงบรรยาย และรูปแบบการแสดงละครก็ถูกกำหนดไว้ ฟังก์ชั่นนักดำน้ำ องค์ประกอบของ O. โดยรวม การรักษาเสถียรภาพของรูปแบบโอเปร่าได้รับการอำนวยความสะดวกโดยงานของนักประพันธ์ A. Zeno และ P. Metastasio พวกเขาพัฒนาโอเปร่าซีเรียประเภทที่กลมกลืนและสมบูรณ์ (“โอเปร่าจริงจัง”) โดยมีพื้นฐานมาจากตำนาน หรือวีรบุรุษทางประวัติศาสตร์ พล็อต แต่เมื่อเวลาผ่านไปดราม่า เนื้อหาของ O. นี้จางหายไปในพื้นหลังมากขึ้นเรื่อยๆ และกลายเป็นความบันเทิง "คอนเสิร์ตในชุด" ยอมจำนนต่อความปรารถนาของนักร้องอัจฉริยะอย่างสมบูรณ์ กลางแล้ว. ศตวรรษที่ 17 ภาษาอิตาลี ทุมแพร่กระจายไปหลายทวีปยุโรป ประเทศ การทำความคุ้นเคยกับสิ่งนี้เป็นแรงจูงใจให้เกิดชาติของตนเองในบางประเทศเหล่านี้ โรงละครโอเปร่า ในอังกฤษ G. Purcell ใช้ความสำเร็จของโรงเรียนโอเปร่า Venetian เพื่อสร้างผลงานต้นฉบับที่ล้ำลึก ในภาษาพื้นเมือง "Dido และ Aeneas" (1680) เจ.บี. ลุลลี่เป็นผู้ก่อตั้งชาวฝรั่งเศส โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ - เหมือนโศกนาฏกรรมที่กล้าหาญ O. ใกล้เคียงกับความคลาสสิกหลายประการ โศกนาฏกรรมโดย P. Corneille และ J. Racine หาก "Dido and Aeneas" ของ Purcell ยังคงเป็นปรากฏการณ์โดดเดี่ยวที่ไม่มีความต่อเนื่องในภาษาอังกฤษ ดินแล้วประเภทก็เป็นโคลงสั้น ๆ โศกนาฏกรรมดังกล่าวเกิดขึ้นอย่างกว้างขวางในฝรั่งเศส มันเป็นจุดไคลแม็กซ์ในช่วงกลาง ศตวรรษที่ 18 มีความเกี่ยวข้องกับงานของ J.F. Rameau ขณะเดียวกันก็อิตัล ละครโอเปร่าซึ่งครองศตวรรษที่ 18 ในยุโรปมักกลายเป็นอุปสรรคต่อการพัฒนาประเทศ เกี่ยวกับ.

ในยุค 30 ศตวรรษที่ 18 ในอิตาลีแนวใหม่เกิดขึ้น - opera buffa ซึ่งพัฒนามาจากการ์ตูน การแสดงสลับฉากซึ่งโดยปกติจะแสดงระหว่างการแสดงของละครโอเปร่า ตัวอย่างแรกของประเภทนี้มักถือเป็นการสลับฉากของ G. V. Pergolesi "The Servant-Mistress" (1733 ซึ่งแสดงระหว่างการแสดงในซีรีส์โอเปร่าเรื่อง "The Proud Captive") ซึ่งในไม่ช้าก็ได้รับความหมายตามสิทธิของตนเอง งดงาม ทำงาน การพัฒนาแนวเพลงเพิ่มเติมนั้นสัมพันธ์กับความคิดสร้างสรรค์ของคอมพ์ เอ็น. โลโกรชิโน, บี. กาลุปปี, เอ็น. พิคซินนี, ดี. ซิมาโรซา ความสมจริงขั้นสูงสะท้อนให้เห็นในหนังโอเปร่า แนวโน้มของยุคนั้น หยิ่งทะนงอย่างกล้าหาญอย่างมีเงื่อนไข ตัวละครในละครโอเปร่าตัดกับภาพคนธรรมดาจากชีวิตจริง การแสดงดำเนินไปอย่างรวดเร็วและมีชีวิตชีวา น้ำเสียงไพเราะที่เกี่ยวข้องกับผู้คน ต้นกำเนิดผสมผสานลักษณะอันเฉียบคมเข้ากับความไพเราะของความรู้สึกนุ่มนวล คลังสินค้า

พร้อมด้วยภาษาอิตาลี โอเปร่าบัฟฟาในศตวรรษที่ 18 ชาติอื่นก็เกิดขึ้น ประเภทของการ์ตูน ก. การแสดง “สาวใช้” ในปารีสเมื่อปี พ.ศ. 2295 มีส่วนทำให้จุดยืนของชาวฝรั่งเศสแข็งแกร่งขึ้น การ์ตูนโอเปร่าที่มีรากฐานมาจากนิทานพื้นบ้าน การแสดงที่ยุติธรรมพร้อมขับร้องบทเพลงง่ายๆ ประชาธิปไตย คดีอิตาลี “บุฟฟงส์” ได้รับการสนับสนุนจากผู้นำฝรั่งเศส การตรัสรู้โดย D. Diderot, J. J. Rousseau, F. M. Grimm และคนอื่นๆ การ์ตูน โอเปร่าของ F. A. Philidor, P. A. Monsigny และ A. E. M. Grétry มีความโดดเด่นด้วยความสมจริง เนื้อหา สเกลที่พัฒนาแล้ว ไพเราะ ความมั่งคั่ง. ในอังกฤษ โอเปร่าเพลงบัลลาดเกิดขึ้น โดยมีต้นแบบคือ "The Beggars' Opera" โดย J. Pepusch ในเนื้อเพลง เจ. ไกอา (1728) ซึ่งเป็นการเสียดสีสังคมเกี่ยวกับชนชั้นสูง โอเปร่าซีรีย์ “โรงละครโอเปร่าขอทาน” มีอิทธิพลต่อการจัดขบวนตรงกลาง ศตวรรษที่ 18 เยอรมัน Singspiel ซึ่งต่อมาได้ใกล้ชิดกับชาวฝรั่งเศสมากขึ้น นักแสดงโอเปร่าผู้รักษาชาติ ตัวละครในโครงสร้างเป็นรูปเป็นร่างและดนตรี ภาษา. ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของชาวเยอรมันตอนเหนือ บุคคลสำคัญ ได้แก่ I. A. Hiller, K. G. Nefe, I. Reichardt, ชาวออสเตรีย - I. Umlauf และ K. Dittersdorf แนวเพลง Singspiel ได้รับการคิดใหม่อย่างลึกซึ้งโดย W. A. ​​​​Mozart ใน The Abduction from the Seraglio (1782) และ The Magic Flute (1791) แรกเริ่ม. ศตวรรษที่ 19 ในประเภทนี้แนวโรแมนติกปรากฏขึ้น แนวโน้ม คุณสมบัติของ Singspiel ยังคงอยู่โดยการผลิต "ซอฟต์แวร์" เยอรมัน ดนตรี แนวโรแมนติก "Free Shooter" โดย K. M. Weber (1820) อิงจากนาร์ ขนบธรรมเนียม บทเพลง และการเต้นรำของชาติได้พัฒนาไป แนวเพลงภาษาสเปน ดนตรี t-ra - zarzuela และต่อมา (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18) tonadilla

ในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 18 รัสเซียลุกขึ้น การ์ตูน O. ผู้วาดแผนการจากบ้านเกิดของเธอ ชีวิต. หนุ่มรัสเซีย O. นำองค์ประกอบบางอย่างของภาษาอิตาลีมาใช้ โอเปร่าบัฟฟา, ฝรั่งเศส นักแสดงตลกโอเปร่าชาวเยอรมัน ร้องแต่โดยธรรมชาติของภาพและน้ำเสียง มันเป็นต้นฉบับอย่างลึกซึ้งในโครงสร้างของดนตรี ตัวละครส่วนใหญ่มาจากผู้คน ดนตรีก็มีพื้นฐานมาจากเรื่องนั้น น้อยที่สุด (บางครั้งก็สมบูรณ์) ในบทไพเราะ เพลง. O. ครอบครองสถานที่สำคัญที่สุดในการทำงานของชาวรัสเซียผู้มีความสามารถ ปรมาจารย์ E. I. Fomin ("โค้ชบนขาตั้ง", พ.ศ. 2330 เป็นต้น), V. A. Pashkevich ("โชคร้ายจากรถม้า", พ.ศ. 2322; "เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Gostiny Dvor หรือเมื่อคุณมีชีวิตอยู่ดังนั้นคุณจะเป็นที่รู้จัก", 2- ฉันแก้ไข พ.ศ. 2335 เป็นต้น) ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 ระดับชาติ ประเภทของการ์ตูนพื้นบ้าน-ในชีวิตประจำวัน O. มีถิ่นกำเนิดในประเทศโปแลนด์ สาธารณรัฐเช็ก และบางประเทศ

ความแตกต่าง แนวโอเปร่าแบ่งออกเป็นเพศที่ 1 อย่างชัดเจน คริสต์ศตวรรษที่ 18 ในช่วงประวัติศาสตร์ การพัฒนาเข้ามาใกล้กันมากขึ้น ขอบเขตระหว่างพวกเขามักจะกลายเป็นเงื่อนไขและสัมพันธ์กัน เนื้อหาเป็นการ์ตูน ภาพนั้นลึกขึ้น มีการนำองค์ประกอบของประสาทสัมผัสเข้ามา สิ่งที่น่าสมเพช ดราม่า และบางครั้งก็เป็นวีรบุรุษ (“Richard the Lionheart” โดย Gretry, 1784) ในทางกลับกัน "จริงจัง" เป็นวีรบุรุษ O. ได้รับความเรียบง่ายและเป็นธรรมชาติมากขึ้นโดยปลดปล่อยตัวเองจากวาทศาสตร์โอ่อ่าที่มีอยู่ในนั้น กระแสการสืบสานประเพณี ประเภทของละครโอเปร่าปรากฏอยู่ตรงกลาง ศตวรรษที่ 18 ในอิตาลี คอมพ์ N. Yommelli, T. Traetta และคนอื่นๆ ดนตรีและละครพื้นเมือง. การปฏิรูปดำเนินการโดย K.V. Gluck ศิลปะ หลักการที่ถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของแนวคิดเยอรมัน และภาษาฝรั่งเศส การตรัสรู้ หลังจากเริ่มการปฏิรูปในกรุงเวียนนาในทศวรรษที่ 60 ศตวรรษที่ 18 (“Orpheus and Eurydice”, 1762; “Alceste”, 1767) เขาสร้างเสร็จในอีกหนึ่งทศวรรษต่อมาภายใต้เงื่อนไขก่อนการปฏิวัติ ปารีส (จุดสุดยอดของนวัตกรรมโอเปร่าของเขาคือ Iphigenia ใน Tauris, 1779) มุ่งมั่นในการแสดงออกถึงความหลงใหลที่ยิ่งใหญ่ตามความจริงสำหรับละคร เหตุผลขององค์ประกอบทั้งหมดของการแสดงโอเปร่า Gluck ละทิ้งแผนการที่กำหนดไว้ เขาใช้รถด่วน. แปลว่าเป็นภาษาอิตาลี โอ้ ชาวฝรั่งเศสก็เช่นกัน โคลงสั้น ๆ โศกนาฏกรรมที่อยู่ใต้บังคับบัญชาพวกเขาให้เป็นละครเดียว วางแผน.

จุดสุดยอดของพัฒนาการของโอคือในศตวรรษที่ 18 เป็นผลงานของโมสาร์ทผู้สังเคราะห์ความสำเร็จของชนชาติต่างๆ โรงเรียนและยกระดับประเภทนี้ให้สูงอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน โมสาร์ท ศิลปินแนวสัจนิยมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดได้เนรมิตละครที่เฉียบคมและเข้มข้นด้วยพลังอันยิ่งใหญ่ให้กลับมามีชีวิตอีกครั้ง ความขัดแย้ง สร้างสรรค์ตัวละครมนุษย์ที่สดใสและน่าเชื่ออย่างยิ่ง เผยให้เห็นพวกเขาในความสัมพันธ์ที่ซับซ้อน การผสมผสานและการดิ้นรนเพื่อผลประโยชน์ที่ขัดแย้งกัน ในแต่ละพล็อตเขาพบละครเพลงรูปแบบพิเศษ รูปลักษณ์และความสอดคล้องกันจะแสดงออก สิ่งอำนวยความสะดวก. ใน "การแต่งงานของฟิกาโร" (1786) มีการเปิดเผยในรูปแบบภาษาอิตาลี โอเปร่าบัฟฟามีความสมจริงที่ลึกซึ้งและล้ำสมัย เนื้อหาในหนังตลกเรื่อง "Don Juan" (1787) ผสมผสานกับโศกนาฏกรรมชั้นสูง (dramma giocosa - "ละครสนุก" ตามคำจำกัดความของผู้แต่งเอง) ใน "The Magic Flute" คุณธรรมอันประเสริฐแสดงออกมาในรูปแบบเทพนิยาย อุดมคติแห่งความดี มิตรภาพ ความอุตสาหะแห่งความรู้สึก

ชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ การปฏิวัติทำให้เกิดแรงจูงใจใหม่ในการพัฒนา O. V con ศตวรรษที่ 18 ในฝรั่งเศสประเภทของ "โอเปร่าช่วยเหลือ" เกิดขึ้นซึ่งอันตรายที่จะเกิดขึ้นก็ถูกเอาชนะด้วยความกล้าหาญความกล้าหาญและความกล้าหาญของเหล่าฮีโร่ ทุมคนนี้ประณามการปกครองแบบเผด็จการและความรุนแรง และยกย่องความกล้าหาญของนักสู้เพื่ออิสรภาพและความยุติธรรม ความใกล้ชิดของพล็อตในยุคปัจจุบันความมีชีวิตชีวาและความรวดเร็วของแอ็คชั่นทำให้ "โอเปร่าแห่งความรอด" ใกล้ชิดกับการ์ตูนโอเปร่ามากขึ้น ในขณะเดียวกันก็โดดเด่นด้วยละครเพลงที่มีชีวิตชีวาและบทบาทที่เพิ่มขึ้นของวงออเคสตรา ตัวอย่างทั่วไปของประเภทนี้ ได้แก่ "Lodoiska" (1791), "Elise" (1794) และ O. "Two Days" ("Water Carrier", 1800) ที่ได้รับความนิยมเป็นพิเศษโดย L. Cherubini รวมถึง "The Cave" โดย เจ. เอฟ. เลซูเออร์ (1793) มันใกล้เคียงกับ “โอเปร่าแห่งความรอด” ในแง่ของโครงเรื่องและบทละคร โครงสร้างของ "Fidelio" โดย L. Beethoven (1805, ฉบับที่ 3, 1814) แต่เบโธเฟนได้ยกระดับเนื้อหาของ O. ให้เป็นลักษณะทั่วไปทางอุดมการณ์ในระดับสูง ทำให้ภาพมีความลึกมากขึ้น และทำให้รูปแบบโอเปร่าประสานกัน "Fidelio" ติดอันดับหนึ่งในซิมโฟนีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา การสร้างสรรค์ครอบครองสถานที่พิเศษในโลกศิลปะโอเปร่า

ในศตวรรษที่ 19 มีความแตกต่างที่ชัดเจนของความแตกต่าง ระดับชาติ โรงเรียนโอเปร่า การก่อตัวและการเติบโตของโรงเรียนเหล่านี้มีความเกี่ยวข้องกับกระบวนการทั่วไปของการก่อตั้งชาติ กับการต่อสู้ของประชาชนเพื่อการเมือง และความเป็นอิสระทางจิตวิญญาณ ทิศทางใหม่ในงานศิลปะกำลังก่อตัวขึ้น - แนวโรแมนติกซึ่งได้รับการปลูกฝังซึ่งตรงข้ามกับความเป็นสากล กระแสการตรัสรู้เพิ่มความสนใจในชาติ รูปแบบของชีวิตและทุกสิ่งที่ "วิญญาณของประชาชน" ปรากฏ ศิลปะได้รับสถานที่สำคัญในด้านสุนทรียภาพแห่งแนวโรแมนติกซึ่งเป็นหนึ่งในรากฐานที่สำคัญคือแนวคิดในการสังเคราะห์ศิลปะ สำหรับคนโรแมนติก O. โดดเด่นด้วยเรื่องราวจากนิทานพื้นบ้าน เทพนิยาย ตำนาน และประเพณีหรือจากประวัติศาสตร์ อดีตของประเทศ ภาพชีวิตประจำวันและธรรมชาติหลากสีสัน การผสมผสานระหว่างความจริงกับสิ่งอัศจรรย์ นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกพยายามที่จะรวบรวมความรู้สึกที่แข็งแกร่งและสดใสและสภาวะจิตใจที่ตัดกันอย่างรุนแรง พวกเขาผสมผสานความน่าสมเพชที่รุนแรงเข้ากับบทกวีที่ชวนฝัน

อิตาลียังคงเป็นหนึ่งในผู้นำในการพัฒนา O. โรงเรียนแม้ว่าเธอจะไม่มีข้อยกเว้นอีกต่อไปแล้ว ความหมายเช่นเดียวกับในศตวรรษที่ 18 และกระตุ้นให้เกิดการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงจากตัวแทนของชนชาติอื่น โรงเรียน แบบดั้งเดิม ประเภทของอิตาลี O. ได้รับการปรับปรุงและแก้ไขภายใต้อิทธิพลของความต้องการของชีวิต กระทะ จุดเริ่มต้นยังคงครอบงำองค์ประกอบที่เหลือของ O. แต่ท่วงทำนองมีความยืดหยุ่นมากขึ้น มีความหมายอย่างมาก เป็นเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างการบรรยายและทำนอง การร้องเพลงถูกลบไป ความสนใจไปที่วงออเคสตรามากขึ้นในฐานะเครื่องดนตรี ลักษณะของภาพและสถานการณ์

คุณลักษณะของสิ่งใหม่นี้เห็นได้ชัดเจนใน G. Rossini ซึ่งผลงานของเขาเติบโตมาจากภาษาอิตาลี วัฒนธรรมโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 18 “ The Barber of Seville” ของเขา (1816) ซึ่งเป็นจุดสุดยอดของพัฒนาการของนักแสดงโอเปร่าแตกต่างไปจากประเพณีอย่างมาก ตัวอย่างของประเภทนี้ ความตลกขบขันของสถานการณ์ที่ไม่ได้ปราศจากองค์ประกอบของหนังตลกผิวเผินได้กลายมาเป็นความสมจริงใน Rossini ตัวละครคอมเมดี้ที่ผสมผสานความมีชีวิตชีวา ความสนุกสนาน และไหวพริบเข้ากับการเสียดสีที่เฉียบแหลม ท่วงทำนองของเพลงนี้ซึ่งมักจะใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านมีลักษณะที่คมชัดและสอดคล้องกับภาพของตัวละครอย่างแม่นยำ ในการ์ตูนเรื่อง "ซินเดอเรลล่า" (1817) O. กลายเป็นโคลงสั้น ๆ และโรแมนติก ระบายสีและใน "The Thieving Magpie" (1817) เขาเข้าใกล้ละครในชีวิตประจำวัน ในละครโอเปร่าที่เป็นผู้ใหญ่ของเขาเต็มไปด้วยความน่าสมเพชของความรักชาติและปลดปล่อยผู้คน การต่อสู้ ("โมเสส", 2361; "โมฮัมเหม็ด", 2363) รอสซินีเสริมบทบาทของคณะนักร้องประสานเสียงสร้างคนจำนวนมาก ฉากที่เต็มไปด้วยดราม่าและความยิ่งใหญ่ ผู้คน-จะปลดปล่อย แนวคิดได้รับการแสดงออกอย่างชัดเจนเป็นพิเศษใน O. "William Tell" (1829) ซึ่ง Rossini ก้าวไปไกลกว่ากรอบของภาษาอิตาลี ประเพณีโอเปร่า คาดการณ์ลักษณะบางอย่างของฝรั่งเศส โรแมนติกมาก เกี่ยวกับ.

ในช่วงอายุ 30-40 ปี ศตวรรษที่ 19 ผลงานของ V. Bellini และ G. Donizetti พัฒนาขึ้น O. คนแรกของ G. Verdi รุ่นเยาว์ปรากฏตัวโดยทำหน้าที่เป็นตัวอย่างที่สดใสของชาวอิตาลี แนวโรแมนติก ผู้แต่งสะท้อนความรักชาติใน O. เพิ่มขึ้นที่เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวของอิตัล Risorgimento ความตึงเครียดของความคาดหวัง ความกระหายในความรู้สึกอันยิ่งใหญ่ที่เป็นอิสระ ใน Bellini อารมณ์เหล่านี้แต่งแต้มด้วยโทนเสียงที่นุ่มนวลชวนฝัน ผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือ O. เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ เนื้อเรื่องของ "Norma" (1831) ซึ่งเน้นดราม่าส่วนตัว "Somnambulist" (2374) - ละครโคลงสั้น ๆ O. จากชีวิตของคนธรรมดา; O. “ Puritans” (1835) ผสมผสานโคลงสั้น ๆ ละครที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับศาสนาพื้นบ้าน การต่อสู้. ประวัติศาสตร์โรแมนติก ละครที่มีความหลงใหลอย่างแรงกล้าเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานของ Donizetti (Lucia di Lammermoor, 1835; Lucrezia Borgia, 1833) เขายังเขียนหนังสือการ์ตูน O. (สิ่งที่ดีที่สุดคือ "Don Pasquale", 1843) เชื่อมโยงประเพณี ตัวตลกที่มีความเรียบง่ายและไม่โอ้อวด บทกวี อย่างไรก็ตามการ์ตูน ประเภทนี้ไม่ดึงดูดนักประพันธ์โรแมนติก และโดนิเซตติเป็นคนสำคัญเพียงคนเดียวของอิตาลีรองจากรอสซินี ปรมาจารย์ที่อุทิศเวลาให้กับประเภทนี้หมายถึง ความสนใจในความคิดสร้างสรรค์ของคุณ

จุดสูงสุดของการพัฒนาในอิตาลี O. ในศตวรรษที่ 19 และหนึ่งในเวทีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของศิลปะโอเปร่าระดับโลกนั้นนำเสนอโดยผลงานของแวร์ดี ครั้งแรกของเขา O. "Nebuchadnezzar" ("Nabucco", 1841), "Lombards in the First Crusade" (1842), "Ernani" (1844) ทำให้ผู้ชมหลงใหลด้วยความรักชาติ สิ่งที่น่าสมเพชและเป็นวีรบุรุษสูง อย่างไรก็ตามความรู้สึกไม่ได้ปราศจากความโรแมนติคจำนวนหนึ่ง ความหยิ่งทะนง ในช่วงทศวรรษที่ 50 เขาสร้างผลิตภัณฑ์ ดราม่าใหญ่ ความแข็งแกร่ง. ใน O. "Rigoletto" (1851) และ "Troubadour" (1853) ซึ่งรักษาความโรแมนติกไว้ คุณสมบัติที่รวบรวมความสมจริงอันล้ำลึก เนื้อหา. ใน La Traviata (1853) แวร์ดีก้าวไปอีกขั้นสู่ความสมจริงโดยนำโครงเรื่องมาจากชีวิตประจำวัน ในปฏิบัติการ 60-70 - "Don Carlos" (2410), "Aida" (2413) - เขาใช้รูปแบบโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ช่วยเพิ่มคุณค่าให้กับกระทะ และออร์ค การแสดงออก การผสมผสานดนตรีและละครอย่างลงตัว การกระทำที่เขาได้รับ ใน O. "Othello" (1886) ผสมผสานพลังแห่งความหลงใหลของเช็คสเปียร์เข้ากับการถ่ายทอดทางจิตวิทยาที่ยืดหยุ่นและละเอียดอ่อนอย่างผิดปกติ ความแตกต่าง ในตอนท้ายของงานสร้างสรรค์ของเขา เส้นทางของ Verdi หันไปสู่แนวตลก ("Falstaff", 1892) แต่เขาย้ายออกจากประเพณีของคนรักโอเปร่าโดยสร้างผลงานขึ้นมา ด้วยการพัฒนาอย่างต่อเนื่องและลิ้นกระทะที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ฝ่ายที่อยู่บนพื้นฐานของการอ่าน หลักการ.

ในเยอรมนีก่อนเริ่ม ศตวรรษที่ 19 ไม่มีรูปแบบ O ขนาดใหญ่ แผนก พยายามสร้างเรื่องโง่ๆ ครั้งใหญ่ O. ในประวัติศาสตร์. ธีมในศตวรรษที่ 18 ไม่ประสบความสำเร็จ ระดับชาติ เยอรมัน O. ซึ่งพัฒนาในกระแสหลักของแนวโรแมนติกพัฒนามาจาก Singspiel ภายใต้อิทธิพลของความโรแมนติก ความคิดได้รับการเสริมแต่งด้วยทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างและจะแสดงออก หมายถึงประเภทนี้ ขนาดของมันก็ขยายออกไป หนึ่งในชาวเยอรมันคนแรก โรแมนติก O. คือ “Ondine” โดย E. T. A. Hoffmann (1813, post. 1816) แต่เป็นการออกดอกของชาติ ประเพณีการแสดงโอเปร่าเริ่มต้นด้วยการปรากฏตัวของ "Free Shooter" โดย K. M. Weber (1820) ความนิยมอย่างมากของ O. นี้ขึ้นอยู่กับการผสมผสานระหว่างความสมจริง ภาพวาดในชีวิตประจำวันและบทกวี ทิวทัศน์พร้อมศีลศักดิ์สิทธิ์ ปีศาจ แฟนตาซี "Free Shooter" ทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาขององค์ประกอบและสีที่เป็นรูปเป็นร่างใหม่ เทคนิคมากมายไม่เพียงแต่สำหรับการสร้างสรรค์โอเปร่าเท่านั้น นักแต่งเพลง แต่ยังสำหรับเรื่องโรแมนติกด้วย โปรแกรมซิมโฟนี อย่างไรก็ตาม ผลงาน "อัศวิน" ขนาดใหญ่ของ O. Weber (1823) "Euryanthe" (1823) มีองค์ประกอบน้อยกว่าเชิงโวหาร แต่มีการค้นพบอันทรงคุณค่าที่มีอิทธิพลต่อการพัฒนาศิลปะโอเปร่าในเยอรมนีต่อไป จาก "Euryanthe" มีสายตรงสู่ความสามัคคี การผลิตโอเปร่า "Genoveva" ของ R. Schumann (1849) เช่นเดียวกับ "Tannhäuser" ของ Wagner (1845) และ "Lohengrin" (1848) ใน Oberon (1826) เวเบอร์หันไปใช้แนวเพลงของเทพนิยาย ซึ่งช่วยเพิ่มความแปลกใหม่ในดนตรี ตะวันออก ระบายสี ตัวแทนแห่งความโรแมนติก ทิศทางในนั้น O. ยังมี L. Spohr และ G. Marschner ในอีกทางหนึ่งประเพณี Singspiel ได้รับการพัฒนาโดย A. Lortsing, O. Nikolai, F. Flotov ซึ่งผลงานมีลักษณะเป็นความบันเทิงแบบผิวเผิน

ในยุค 40 ศตวรรษที่ 19 กลายเป็นปรมาจารย์ด้านภาษาเยอรมันที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ศิลปะโอเปร่า อาร์. วากเนอร์ คนแรกของเขาเป็นผู้ใหญ่และเป็นอิสระ ตามสไตล์ของ O. "The Flying Dutchman" (1841), "Tannhäuser", "Lohengrin" ยังคงเกี่ยวข้องกับความโรแมนติกในหลาย ๆ ด้าน ประเพณีของต้นศตวรรษ ในขณะเดียวกันพวกเขาก็กำหนดทิศทางของดนตรีและศิลปะการละครแล้ว การปฏิรูปของวากเนอร์ซึ่งเขาได้ดำเนินการอย่างเต็มที่ในช่วงทศวรรษที่ 50-60 หลักการที่กำหนดโดยวากเนอร์ในทางทฤษฎีและวารสารศาสตร์ ผลงานอันเกิดจากการตระหนักถึงความสำคัญของละคร เริ่มต้นใน O.: “ละครคือเป้าหมาย ดนตรีเป็นหนทางในการนำไปปฏิบัติ” มุ่งมั่นเพื่อความต่อเนื่องของดนตรี การพัฒนาทำให้วากเนอร์ละทิ้งประเพณี รูปแบบของโครงสร้าง O. "หมายเลข" (aria, ensemble ฯลฯ ) เขาสร้างผลงานละครโอเปร่าโดยใช้ระบบเพลงประกอบที่ซับซ้อนซึ่งพัฒนาโดย Chap อ๊าก ในวงออเคสตราอันเป็นผลมาจากบทบาทของซิมโฟนีในวงออเคสตราของเขาเพิ่มขึ้นอย่างมาก เริ่ม. คลัชและโพลีโฟนิคทุกชนิด การรวมกันของต่างๆ leitmotifs สร้างเพลงที่ไหลไม่หยุดหย่อน ผ้า - "ทำนองไม่มีที่สิ้นสุด" หลักการเหล่านี้ได้รับการถ่ายทอดออกมาอย่างสมบูรณ์ใน "Tristan and Isolde" (1859, post. 1865) - ผลงานศิลปะโอเปร่าโรแมนติกที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ซึ่งสะท้อนถึงโลกทัศน์ของแนวโรแมนติกด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ระบบเพลงที่ได้รับการพัฒนายังทำให้ O. “ The Mastersingers of Nuremberg” (1867) แตกต่างออกไป แต่มันเป็นเรื่องจริง โครงเรื่องได้ถูกกำหนดไว้แล้ว บทบาทในองค์ประกอบเพลง O. และการบรรยายที่มีชีวิตชีวาและมีชีวิตชีวา ฉาก ศูนย์. สถานที่ในงานของวากเนอร์ถูกครอบครองโดย tetralogy โอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ซึ่งสร้างขึ้นเป็นเวลาเกือบหนึ่งในสี่ของศตวรรษ - "The Ring of the Nibelung" ("Das Rheingold", "Walkyrie", "Siegfried" และ "Twilight of the Gods" โพสต์โดยสมบูรณ์ พ.ศ. 2419) การบอกเลิกอำนาจของทองคำในฐานะแหล่งที่มาของความชั่วร้ายทำให้ The Ring of the Nibelung มีความรู้สึกต่อต้านทุนนิยม ทิศทาง แต่แนวคิดทั่วไปของ tetralogy นั้นขัดแย้งและขาดความสม่ำเสมอ O.-mystery "Parsi-fal" (1882) พร้อมด้วยศิลปะทั้งหมด ค่านิยมบ่งบอกถึงวิกฤตการณ์แนวโรแมนติก โลกทัศน์ในผลงานของวากเนอร์ ดนตรี-ละคร หลักการและความคิดสร้างสรรค์ของวากเนอร์ขัดแย้งกันอย่างมาก แม้ว่าพวกเขาจะพบผู้นับถือและผู้ขอโทษที่กระตือรือร้นในหมู่นักดนตรีหลายคน แต่พวกเขาก็ถูกผู้อื่นปฏิเสธอย่างเด็ดขาด นักวิจารณ์จำนวนหนึ่งชื่นชมรำพึงอย่างแท้จริง ความสำเร็จของวากเนอร์ เชื่อว่าโดยธรรมชาติแล้ว เขาเป็นนักซิมโฟนิสต์ ไม่ใช่นักเล่นละคร แต่งแล้วไปอ.ไปผิดทาง แม้จะมีความขัดแย้งอย่างรุนแรงในการประเมินของเขา แต่ความสำคัญของ Wagner ก็ยิ่งใหญ่: เขามีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรี Con music 19 - จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 20 ปัญหาที่ Wagner หยิบยกขึ้นมาพบวิธีแก้ปัญหาที่แตกต่างกันในหมู่นักประพันธ์เพลงที่อยู่ในกลุ่มต่างๆ ระดับชาติ โรงเรียนและศิลปะ ทิศทาง แต่ไม่ใช่นักดนตรีที่มีความคิดเพียงคนเดียวสามารถช่วยกำหนดทัศนคติของเขาต่อมุมมองและความคิดสร้างสรรค์ได้ การปฏิบัติของชาวเยอรมัน นักปฏิรูปโอเปร่า

ยวนใจมีส่วนทำให้เกิดการต่ออายุของเป็นรูปเป็นร่างและใจความ ขอบเขตของศิลปะโอเปร่า การเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่ในฝรั่งเศส ฟรานซ์. โรแมนติก ทุมเป็นรูปเป็นร่างในการต่อสู้กับนักวิชาการ ศิลปะจากจักรวรรดินโปเลียนและยุคฟื้นฟู ตัวแทนทั่วไปของวิชาการทางดนตรีที่งดงามภายนอก แต่เย็นชา T-re คือ G. Spontini O. “Vestal Virgin” (1805), “Fernand Cortes, or the Conquest of Mexico” (1809) ของเขาเต็มไปด้วยเสียงสะท้อนของสงคราม ขบวนแห่และการเดินป่า วีรชน ประเพณีที่มาจาก Gluck เกิดใหม่อย่างสมบูรณ์และสูญเสียความหมายที่ก้าวหน้าไป แนวการ์ตูนมีความสำคัญมากกว่า A. ภายนอก “Joseph” โดย E. Megul (1807) อยู่ติดกับแนวเพลงนี้ O. นี้เขียนจากเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลที่เชื่อมโยงความคลาสสิก ความเข้มงวดและความเรียบง่ายพร้อมคุณสมบัติบางอย่างของแนวโรแมนติก โรแมนติก การระบายสีเป็นเรื่องปกติสำหรับภาพวาดที่สร้างจากฉากเทพนิยายโดย N. Izouard (Cinderella, 1810) และ A. Boieldieu (หนูน้อยหมวกแดง, 1818) การเพิ่มขึ้นของชาวฝรั่งเศส แนวโรแมนติกโอเปร่าเป็นเดิมพัน อายุ 20 และ 30 ปี ในด้านการแสดงตลก O. เขาสะท้อนให้เห็นใน "The White Lady" ของ Boieldieu (1825) ที่มีลักษณะปิตาธิปไตยและงดงาม สีและความลึกลับ แฟนตาซี ในปี ค.ศ. 1828 มีการถือศีลอดในกรุงปารีส "The Mute of Portici" โดย F. Ober ซึ่งเป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกๆ ของแกรนด์โอเปร่า ช.ที่มีชื่อเสียง อ๊าก เหมือนเป็นนักแสดงตลกระดับปรมาจารย์ ประเภทโอเปร่า Aubert สร้างละคร O. วางแผนด้วยสถานการณ์ความขัดแย้งเฉียบพลันมากมายและปรับใช้อย่างกว้างขวางแบบไดนามิก โฆษณา ฉาก O. ประเภทนี้ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมใน William Tell ของ Rossini (1829) ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของประวัติศาสตร์โรแมนติก ภาษาฝรั่งเศส O. กลายเป็น J. Meyerbeer ความเชี่ยวชาญในการแสดงบนเวทีขนาดใหญ่ มวลชน การกระจายความแตกต่างอย่างชำนาญ และรูปแบบการตกแต่งที่สดใส จดหมายดังกล่าวทำให้เขาสามารถสร้างสรรค์ผลงานที่เน้นฉากแอ็กชันเข้มข้นและละครที่น่าตื่นตาตื่นใจได้ แม้ว่าเขาจะมีสไตล์ที่ผสมผสานกันเป็นอย่างดีก็ตาม ประสิทธิผล. โอเปร่าปารีสเรื่องแรกของ Meyerbeer เรื่อง Robert the Devil (1830) มีองค์ประกอบของตัวละครปีศาจที่มืดมน นิยายในจิตวิญญาณของคนโง่ แนวโรแมนติกตอนต้น ศตวรรษที่ 19 ตัวอย่างที่สดใสที่สุดของภาษาฝรั่งเศส โรแมนติก O. - "Huguenots" (1835) ในประวัติศาสตร์ โครงเรื่องจากยุคสังคมและศาสนา การต่อสู้ในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 โอเปร่าในเวลาต่อมาของ Meyerbeer (The Prophet, 1849; The African Woman, 1864) แสดงให้เห็นถึงความเสื่อมถอยของประเภทนี้ ใกล้กับการตีความประวัติศาสตร์ของ Meyerbeer หัวข้อโดย เอฟ. ฮาเลวี ธีมที่ดีที่สุดคือ “The Jew” (“The Cardinal’s Daughter”, 1835) สถานที่พิเศษในฝรั่งเศส ดนตรี เป็นสีเทา ศตวรรษที่ 19 ครอบครองผลงานโอเปร่าของ G. Berlioz ใน “Benvenuto Cellini” ของ O. (1837) ซึ่งเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งยุคเรอเนซองส์ เขาอาศัยประเพณีและรูปแบบของการ์ตูน ประเภทโอเปร่า ในละครโอเปร่าเรื่อง "The Trojans" (1859) Berlioz ยังคงแสดงตัวละครที่กล้าหาญของ Gluck ต่อไป ประเพณีระบายสีให้โรแมนติก โทนเสียง

ในช่วงปี 50-60 ศตวรรษที่ 19 บทเพลงโอเปร่าก็ปรากฏขึ้น เมื่อเทียบกับความโรแมนติกที่ยิ่งใหญ่ O. ขนาดของมันค่อนข้างเรียบง่ายมากขึ้น การกระทำมุ่งเน้นไปที่ความสัมพันธ์ของหลาย ๆ คน ตัวละครปราศจากรัศมีของความกล้าหาญและความโรแมนติก ความพิเศษ ตัวแทนของโคลงสั้น ๆ อ.มักจะหันไปหาฉากจากผลงาน วรรณกรรมและการละครระดับโลก (ดับเบิลยู. เชคสเปียร์, เจ. วี. เกอเธ่) แต่ตีความสิ่งเหล่านี้ในชีวิตประจำวัน ผู้แต่งมีความคิดสร้างสรรค์น้อยลง ความเป็นปัจเจกชนซึ่งบางครั้งนำไปสู่ความซ้ำซากและความขัดแย้งอย่างมากระหว่างธรรมชาติของดนตรีที่ซาบซึ้งกับโครงสร้างของละคร รูปภาพ (เช่น “Hamlet” โดย A. Thoma, 1868) ในขณะเดียวกัน ตัวอย่างที่ดีที่สุดของประเภทนี้ก็แสดงความสนใจไปที่ภายใน โลกมนุษย์ จิตวิทยาอันละเอียดอ่อน เป็นพยานถึงการเสริมสร้างความสมจริง องค์ประกอบในศิลปะโอเปร่า ผลงานที่สร้างแนวเพลงโคลงสั้น ๆ O. ในภาษาฝรั่งเศส ดนตรี สิ่งที่รวบรวมคุณลักษณะเฉพาะได้อย่างสมบูรณ์ที่สุดคือ "Faust" โดย C. Gounod (1859) ในบรรดาผลงานอื่นๆ ของนักแต่งเพลงคนนี้ "Romeo and Juliet" (1865) มีความโดดเด่น ในโคลงสั้น ๆ จำนวนหนึ่ง O. ละครส่วนตัวของตัวละครแสดงโดยมีฉากหลังที่แปลกใหม่ ชีวิตและธรรมชาติตะวันออก ประเทศต่างๆ ("Lakmé" โดย L. Delibes, 1883; "The Pearl Seekers", 1863 และ "Djamile", 1871, J. Bizet) ในปี พ.ศ. 2418 "Carmen" ของ Bizet ปรากฏตัวขึ้นซึ่งเป็นนักสัจนิยม ละครจากชีวิตคนธรรมดาที่ความจริงของความหลงใหลของมนุษย์จะถูกถ่ายทอดออกมาได้อย่างน่าหลงใหล ความแข็งแกร่งและความรวดเร็วของการกระทำผสมผสานกับสีสันพื้นบ้านที่สดใสและเข้มข้นผิดปกติ ในการผลิตครั้งนี้ Bizet เอาชนะข้อจำกัดของการแต่งเนื้อร้อง O. และก้าวขึ้นสู่จุดสูงสุดของความสมจริงแบบโอเปร่า ถึงปรมาจารย์ด้านบทกวีที่โดดเด่นที่สุด O. ยังเป็นของ J. Massenet ซึ่งแสดงประสบการณ์ส่วนตัวของตัวละครของเขาด้วยความเข้าใจอันลึกซึ้งและความสง่างาม (Manon, 1884; Werther, 1886)

ในหมู่คนหนุ่มสาวระดับชาติ โรงเรียนที่บรรลุนิติภาวะและเป็นอิสระในศตวรรษที่ 19 โรงเรียนที่มีความสำคัญที่ใหญ่ที่สุดคือภาษารัสเซีย ตัวแทนของรัสเซีย ยวนใจโอเปร่าโดดเด่นด้วยชาตินิยมที่เด่นชัด ตัวละครคือ A.N. Verstovsky ในบรรดาผลงานของเขา "Askold's Grave" (1835) มีความสำคัญมากที่สุด กับการมาถึงของความคลาสสิก ผลงานชิ้นเอกของ M.I. Glinka Rus โรงเรียนโอเปร่าเข้าสู่ยุครุ่งเรือง ได้เรียนรู้ความสำเร็จที่สำคัญที่สุดของยุโรปตะวันตก เพลงจากกลัคและโมสาร์ทไปจนถึงเพลงอิตาลีและเยอรมัน และภาษาฝรั่งเศส ผู้ร่วมสมัย Glinka ไปด้วยตัวเอง วิธี ความคิดริเริ่มของผลงานโอเปร่าของเขา มีรากฐานมาจากความสัมพันธ์อันลึกซึ้งกับผู้คน ดินที่มีกระแสน้ำรัสเซียขั้นสูง สังคม ชีวิตและวัฒนธรรมของยุคพุชกิน ใน "Ivan Susanin" (1836) เขาได้สร้างชาติ มาตุภูมิ ประเภทประวัติศาสตร์ โอ้พระเอกเป็นคนของประชาชน ดราม่าแห่งภาพและแอ็คชั่นผสมผสานกันใน O. นี้ เข้ากับความยิ่งใหญ่อันยิ่งใหญ่ของสไตล์ออราทอริโอ มหากาพย์เป็นเพียงต้นฉบับ ละครของ O. "Ruslan และ Lyudmila" (1842) พร้อมแกลเลอรีภาพที่หลากหลายที่แสดงโดยมีฉากหลังเป็นภาพวาดอันงดงามของ Dr. มาตุภูมิและงดงามตระการตาน่าอัศจรรย์อย่างน่าอัศจรรย์ ฉาก มาตุภูมิ ผู้แต่งในช่วงครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 19 โดยอาศัยประเพณีของ Glinka ได้ขยายธีมและโครงสร้างเชิงเปรียบเทียบของความคิดสร้างสรรค์เชิงโอเปร่า กำหนดงานใหม่สำหรับตนเองและพบวิธีการที่เหมาะสมในการแก้ปัญหาเหล่านั้น A. S. Dargomyzhsky สร้างเตียงสองชั้นในครัวเรือน ละครเรื่อง "นางเงือก" (พ.ศ. 2398) ในรูปแบบที่น่าอัศจรรย์ ตอนต่างๆ ทำหน้าที่รวบรวมความเป็นจริงของชีวิต เนื้อหา. ใน O. "The Stone Guest" (ขึ้นอยู่กับข้อความที่ไม่เปลี่ยนแปลงของ "โศกนาฏกรรมเล็ก ๆ น้อย ๆ " ของ A. S. Pushkin, 1866-69, เขียนโดย T. A. Cui, บรรเลงโดย N. A. Rimsky-Korsakov, 1872) เขาเสนองานปฏิรูป - เพื่อสร้าง การผลิต ปราศจากแบบแผนโอเปร่า ซึ่งจะเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีและละครอย่างสมบูรณ์ การกระทำ ซึ่งแตกต่างจากวากเนอร์ที่เปลี่ยนจุดศูนย์ถ่วงไปสู่การพัฒนาวงออเคสตรา Dargomyzhsky พยายามดิ้นรนเป็นหลักเพื่อให้ได้รูปลักษณ์ที่เป็นจริงในทำนองเสียงร้องของน้ำเสียงของคำพูดของมนุษย์ที่มีชีวิต

ความสำคัญระดับโลกของรัสเซีย โรงเรียนโอเปร่าได้รับการอนุมัติโดย A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, P. I. Tchaikovsky แม้จะมีความแตกต่างแต่ความคิดสร้างสรรค์ ความเป็นปัจเจกชนของพวกเขาถูกรวมเข้าด้วยกันด้วยประเพณีและพื้นฐานที่เหมือนกัน อุดมการณ์และสุนทรียศาสตร์ หลักการ โดยทั่วไปแล้วพวกเขาจะเป็นพรรคเดโมแครตขั้นสูง โฟกัส, ความสมจริงของภาพ, ลัทธิชาตินิยมที่เด่นชัด ธรรมชาติของดนตรี ความปรารถนาที่จะสร้างหลักการเห็นอกเห็นใจอันสูงส่ง อุดมคติ ความสมบูรณ์และความอเนกประสงค์ของเนื้อหาชีวิตที่รวมอยู่ในผลงานของนักประพันธ์เหล่านี้สอดคล้องกับผลงานโอเปร่าประเภทต่างๆ และสื่อทางดนตรี ละคร Mussorgsky ที่มีพลังมหาศาลสะท้อนให้เห็นใน "Boris Godunov" (1872) และ "Khovanshchina" (1872-80 เสร็จสมบูรณ์โดย Rimsky-Korsakov, 1883) ซึ่งเป็นประวัติศาสตร์สังคมที่เฉียบแหลมที่สุด ความขัดแย้งการต่อสู้ของประชาชนกับการกดขี่และความผิดกฎหมาย ขณะเดียวกันโครงร่างอันสดใสของนาร์ มวลชนรวมกับการเจาะลึกเข้าไปในโลกแห่งจิตวิญญาณของบุคลิกภาพของมนุษย์ Borodin เป็นผู้เขียนผลงานทางประวัติศาสตร์และความรักชาติ O. "เจ้าชายอิกอร์" (พ.ศ. 2412-30 สร้างโดย Rimsky-Korsakov และ A.K. Glazunov, 2433) ด้วยภาพที่นูนและครบถ้วนของตัวละครซึ่งเป็นมหากาพย์ที่ยิ่งใหญ่ ภาพวาดโดยดร. มาตุภูมิ ไครเมียต่อต้านตะวันออก ฉากในค่าย Polovtsian ริมสกี-คอร์ซาคอฟ ซึ่งกล่าวถึงปรีม สู่ขอบเขตของผู้คน ชีวิตและพิธีกรรมต่างๆ รูปแบบของผู้คน บทกวี ความคิดสร้างสรรค์สร้างโอเปร่า - เทพนิยาย "The Snow Maiden" (1881), โอเปร่ามหากาพย์ "Sadko" (1896), โอเปร่า - ตำนาน "The Legend of the Invisible City of Kitezh และ the Maiden Fevronia" (1904) เทพนิยายที่เหน็บแนม O. "The Golden Cockerel" ( 1907) เป็นต้น มีความโดดเด่นด้วยการใช้ท่วงทำนองเพลงพื้นบ้านอย่างแพร่หลายผสมผสานกับความร่ำรวยของ orc สีสัน ตอนที่บรรยายไพเราะมากมาย เปี่ยมไปด้วยความรู้สึกอันละเอียดอ่อนของธรรมชาติ และบางครั้งก็เป็นดราม่าที่เข้มข้น (“The Battle of Kerzhenets” จาก “The Tale of the Invisible City of Kitezh...”) ไชคอฟสกีสนใจในช. อ๊าก ปัญหาเกี่ยวกับชีวิตจิตใจของบุคคล ความสัมพันธ์ระหว่างบุคคลกับสิ่งแวดล้อม ในเบื้องหน้าใน O. ของเขาคือจิตวิทยา ขัดแย้ง. ในเวลาเดียวกัน เขาได้ให้ความสนใจกับการพรรณนาถึงชีวิตประจำวัน ซึ่งเป็นสถานการณ์ในชีวิตเฉพาะที่เกิดการกระทำนั้นขึ้น ตัวอย่างของรัสเซีย โคลงสั้น ๆ O. คือ "Eugene Onegin" (1878) - ผลิต ของชาติอย่างลึกซึ้งทั้งในลักษณะของภาพและในเพลง ภาษาที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมรัสเซีย ภูเขา เพลงโรแมนติก ในโคลงสั้น ๆ "The Queen of Spades" (1890) ดราม่ากลายเป็นโศกนาฏกรรม ดนตรีของโอนี้เต็มไปด้วยกระแสซิมโฟนีที่เข้มข้นอย่างต่อเนื่อง การพัฒนาการแจ้งเพลง ความเข้มข้นของละครและความมุ่งมั่น จิตวิทยาเฉียบพลัน ความขัดแย้งเป็นจุดสนใจของไชคอฟสกีแม้ว่าเขาจะหันไปสนใจประวัติศาสตร์ก็ตาม เรื่องราว ("The Maid of Orleans", 1879; "Mazeppa", 1883) มาตุภูมิ นักแต่งเพลงยังสร้างการ์ตูนหลายเรื่อง อ้อ เรื่องจากนิทานพื้นบ้าน. ชีวิตซึ่งจุดเริ่มต้นตลกผสมผสานกับโคลงสั้น ๆ และองค์ประกอบของนิยายเทพนิยาย ("Sorochinskaya Fair" โดย Mussorgsky, 2417-23, เสร็จโดย Cui, 2459; "Cherevichki" โดย Tchaikovsky, 2423; "May Night", พ.ศ. 2421 และ "คืนก่อนวันคริสต์มาส" ", พ.ศ. 2438, Rimsky-Korsakov)

ในแง่ของการหยิบยกงานใหม่และแผนก ละครอันทรงคุณค่า สิ่งที่น่าสนใจจากการค้นพบคือโอเปร่าของ A. N. Serov - "Judith" (1862) เกี่ยวกับเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลตีความในแผน oratorio "Rogneda" (1865) ในเรื่องราวจากเรื่องราวของ Dr. Rus 'และ "พลังของศัตรู" (พ.ศ. 2414 สร้างโดย B.S. Serova และ H.P. Solovyov) โดยมีพื้นฐานมาจากสมัยใหม่ ละครในประเทศ อย่างไรก็ตามการผสมผสานของสไตล์ทำให้ศิลปะของพวกเขาลดลง ค่า. ความสำคัญของโอเปร่าของ C. A. Cui เรื่อง "William Ratcliffe" (1868), "Angelo" (1875) และอื่น ๆ ก็กลายเป็นเรื่องชั่วคราวเช่นกัน สถานที่พิเศษ ในภาษารัสเซีย โอเปร่าคลาสสิกถูกครอบครองโดย "Oresteia" โดย S. I. Taneyev (1894) ซึ่งเนื้อเรื่องเป็นของโบราณ โศกนาฏกรรมทำหน้าที่ผู้แต่งเพื่อแสดงศีลธรรมอันสำคัญและสำคัญในระดับสากล ปัญหา. S.V. Rachmaninov ใน “Aleko” (1892) จ่ายส่วยบางอย่างให้กับแนวโน้มความจริง ใน "The Miserly Knight" (1904) เขายังคงสืบสานประเพณีการท่องจำ O. มาจาก "Stone Guest" (O. ประเภทนี้แสดงในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 โดยผลงานเช่น "Mozart and Salieri" โดย Rimsky-Korsakov, 1897; "A Feast in the Plague" โดย Cui, 1900) แต่เสริมบทบาทของซิมโฟนีให้แข็งแกร่งขึ้น เริ่ม. ความปรารถนาที่จะประสานเสียงในรูปแบบโอเปร่าก็ปรากฏชัดใน O. “Francesca da Rimini” ของเขา (1904)

อาร์ทั้งหมด ศตวรรษที่ 19 โปแลนด์และเช็กกำลังมาข้างหน้า โรงเรียนโอเปร่า ผู้สร้างชาติโปแลนด์ O. คือ S. Monyushko ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ O. "Pebbles" (1847) และ "The Enchanted Castle" (1865) ที่มีลักษณะประจำชาติที่สดใส สีสันของดนตรี ความสมจริงของภาพ Moniuszko แสดงความรักชาติในงานโอเปร่าของเขา อารมณ์ของสังคมโปแลนด์ที่ก้าวหน้า ความรัก และความเห็นอกเห็นใจต่อคนทั่วไป แต่เขาไม่มีผู้สืบทอดในดนตรีโปแลนด์แห่งศตวรรษที่ 19 ความรุ่งเรืองของโรงละครโอเปร่าเช็กมีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของ B. Smetana ผู้สร้างวีรบุรุษทางประวัติศาสตร์และเป็นตำนาน ("The Brandenburgers in the Czech Republic", 1863; "Dalibor", 1867; "Libushe", 1872) และตลก -ทุกวัน ("The Bartered Bride", 2409) O. พวกเขาสะท้อนถึงความน่าสมเพชของการปลดปล่อยแห่งชาติ การต่อสู้จะได้รับตามความเป็นจริง ภาพวาดของผู้คน ชีวิต. ความสำเร็จของ Smetana ได้รับการพัฒนาโดย A. Dvorak เทพนิยายของเขา O. “ The Devil and Kacha” (1899) และ “ The Mermaid” (1900) เต็มไปด้วยบทกวีของธรรมชาติและผู้คน นิยาย. ระดับชาติ O. อิงจากเรื่องราวจากนิทานพื้นบ้าน ชีวิตและโดดเด่นด้วยความใกล้ชิดของรำพึง ภาษาสำหรับน้ำเสียงคติชนเกิดขึ้นในหมู่ประชาชนยูโกสลาเวีย O. คอมพิวเตอร์โครเอเชียได้รับชื่อเสียง V. Lisinski ("Porin", 1851), I. Zayc ("Nikola Shubich Zrinski", 1876) F. Erkel เป็นผู้สร้างหนังสือประวัติศาสตร์โรแมนติกที่ยิ่งใหญ่ ภาษาฮังการี ทุม "การห้ามธนาคาร" (2395 โพสต์ พ.ศ. 2404)

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 กระแสโอเปร่าใหม่ๆ กำลังเกิดขึ้น ซึ่งเกี่ยวข้องกับกระแสทั่วไปทางศิลปะ วัฒนธรรมในยุคนี้ หนึ่งในนั้นคือ verism ซึ่งแพร่หลายมากที่สุดในอิตาลี เช่นเดียวกับตัวแทนของขบวนการนี้ในวรรณคดี นักประพันธ์เพลงที่แท้จริงกำลังมองหาเนื้อหาสำหรับละครที่ฉุนเฉียว บทบัญญัติในความเป็นจริงในชีวิตประจำวันธรรมดา ๆ วีรบุรุษแห่งผลงานของพวกเขา พวกเขาเลือกคนธรรมดาที่ไม่โดดเด่นด้วยคุณสมบัติพิเศษใด ๆ แต่สามารถรู้สึกได้อย่างลึกซึ้งและเข้มแข็ง ตัวอย่างทั่วไปของละครโอเปร่าที่แท้จริง ได้แก่ "Honor Rusticana" ของ P. Mascagni (1889) และ "Pagliacci" ของ R. Leoncavallo (1892) คุณสมบัติของ verism ยังเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานโอเปร่าของ G. Puccini ในเวลาเดียวกัน เขาก็เอาชนะธรรมชาตินิยมที่รู้จักกันดี ข้อจำกัดของสุนทรียภาพที่แท้จริง ในตอนที่ดีที่สุดของผลงานของเขา บรรลุความเป็นจริงอย่างแท้จริง ความล้ำลึกและพลังแห่งการแสดงออกของประสบการณ์ของมนุษย์ ใน O. “La Boheme” ของเขา (พ.ศ. 2438) ละครของคนธรรมดาได้รับการแต่งบทกวีวีรบุรุษได้รับการกอปรด้วยความสูงส่งทางจิตวิญญาณและความรู้สึกที่ละเอียดอ่อน ในละครเรื่อง "Tosca" (1899) ความแตกต่างมีความคมชัดและเป็นโคลงสั้น ๆ ละครเรื่องนี้มีเรื่องราวที่น่าเศร้า ในระหว่างการพัฒนา โครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างและสไตล์ของงานของปุชชินีได้ขยายออกไปและเต็มไปด้วยองค์ประกอบใหม่ๆ หันไปหาเรื่องราวจากชีวิตที่ไม่ใช่ชาวยุโรป ประชาชน ("Madama Butterfly", 1903; "Girl from the West", 1910) เขาศึกษาและใช้นิทานพื้นบ้านของพวกเขาในดนตรีของเขา ในผลงานชิ้นสุดท้ายของเขา O. "Turandot" (1924 เสร็จสมบูรณ์โดย F. Alfano) มีความแปลกใหม่อย่างเหลือเชื่อ เนื้อเรื่องถูกตีความด้วยจิตวิญญาณแห่งจิตวิทยา ละครที่ผสมผสานจุดเริ่มต้นโศกนาฏกรรมเข้ากับความตลกพิลึกพิลั่น ในด้านดนตรี ภาษาของปุชชินีสะท้อนให้เห็นถึงความสำเร็จบางประการของอิมเพรสชั่นนิสม์ในด้านความสามัคคีและออร์ค ระบายสี อย่างไรก็ตามกระทะ จุดเริ่มต้นยังคงมีบทบาทที่โดดเด่น ทายาทชาวอิตาลี ประเพณีโอเปร่าของศตวรรษที่ 19 เขาสังเกตเห็น ปรมาจารย์แห่งเบลคันโต แง่มุมที่โดดเด่นที่สุดประการหนึ่งของงานของเขาคือท่วงทำนองที่สื่ออารมณ์และเต็มไปด้วยอารมณ์ของการหายใจที่กว้าง นอกจากนี้ บทบาทของการอ่าน-การประกาศยังเพิ่มขึ้นใน O ของเขา และรูปอันตระการตากระทะ น้ำเสียงจะมีความยืดหยุ่นและอิสระมากขึ้น

E. Wolf-Ferrari เดินตามเส้นทางพิเศษในงานโอเปร่าของเขา โดยมุ่งมั่นที่จะผสมผสานประเพณีของอิตาลีเข้าด้วยกัน โอเปร่าบัฟฟาที่มีองค์ประกอบบางอย่างของละครโอเปร่าที่แท้จริง ในบรรดา O. ของเขา ได้แก่ "Cinderella" (1900), "Four Tyrants" (1906), "The Necklace of the Madonna" (1911) ฯลฯ

แนวโน้มใกล้เคียงกับอิตาลี verism ยังมีอยู่ในศิลปะโอเปร่าของประเทศอื่นๆ ในฝรั่งเศสพวกเขาเกี่ยวข้องกับปฏิกิริยาต่อต้านอิทธิพลของ Wagnerian ซึ่งเด่นชัดเป็นพิเศษใน O. "Fervaal" โดย V. d'Andy (1895) แหล่งที่มาโดยตรงของแนวโน้มเหล่านี้คือประสบการณ์ที่สร้างสรรค์ของ Bizet ("Carmen") เช่นเดียวกับกิจกรรมวรรณกรรม E. Zola และ A. Bruno ผู้ซึ่งประกาศข้อเรียกร้องของความจริงของชีวิตในด้านดนตรีและความใกล้ชิดกับผลประโยชน์ของมนุษย์สมัยใหม่ ได้สร้างชุดของ O. โดยอิงจากนวนิยายและเรื่องราวของ Zola (บางส่วนอิงจากหนังสือของเขา .) รวมถึง: "The Siege of the Mill" (พ.ศ. 2436 โครงเรื่องสะท้อนให้เห็นถึงเหตุการณ์ของสงครามฝรั่งเศส - ปรัสเซียน พ.ศ. 2413), "Messidor" (พ.ศ. 2440), "Hurricane" (2444) ในความพยายามที่จะนำ คำพูดของตัวละครที่ใกล้เคียงกับภาษาพูดทั่วไป เขาเขียน O. ในข้อความร้อยแก้ว อย่างไรก็ตาม หลักการที่สมจริงของเขาไม่สอดคล้องกันเพียงพอ และละครชีวิตของเขามักจะรวมกับสัญลักษณ์ที่คลุมเครือ ผลงานที่สำคัญยิ่งกว่าคือ O. “Louise” โดย G. Charpentier (1900) ซึ่งได้รับชื่อเสียงจากภาพที่แสดงออกของคนธรรมดาและภาพวาดชีวิตชาวปารีสที่สดใสและงดงาม

ในเยอรมนี แนวโน้มความจริงสะท้อนให้เห็นใน O. “The Valley” โดย E. d’Albert (1903) แต่แนวโน้มนี้ยังไม่แพร่หลาย

บางส่วนเข้ามาติดต่อกับความจริงของ L. Janacek ใน O. "Jenufa" ("Her Stepdaughter", 1903) ขณะเดียวกันก็ค้นหาความจริงและจะแสดงออก ดนตรี การประกาศตามน้ำเสียงของคำพูดของมนุษย์ผู้แต่งจึงใกล้ชิดกับ Mussorgsky มากขึ้น Janacek เชื่อมโยงกับชีวิตและวัฒนธรรมของคนของเขาจึงสร้างผลิตภัณฑ์ขึ้นมา สมจริงมาก พลัง ภาพลักษณ์ และบรรยากาศโดยรวมของการกระทำที่เป็นระดับชาติอย่างลึกซึ้ง อักขระ. งานของเขาถือเป็นก้าวใหม่ในการพัฒนาสาธารณรัฐเช็ก O. หลังจาก Smetana และ Dvorak เขาไม่ละเลยความสำเร็จของอิมเพรสชันนิสม์และศิลปะอื่นๆ กระแสน้ำเริ่มต้น คริสต์ศตวรรษที่ 20 แต่ยังคงยึดมั่นในขนบธรรมเนียมประเพณีของชาติ วัฒนธรรม. ใน O. "The Travels of Pan Brouchka" (1917) กล้าหาญ ภาพของสาธารณรัฐเช็กในยุคสงคราม Hussite ซึ่งชวนให้นึกถึงงานบางหน้าของ Smetana ถูกเปรียบเทียบกับภาพหลอนที่แปลกประหลาดที่มีสีแดกดัน ความรู้สึกอันละเอียดอ่อนของชาวเช็ก ธรรมชาติและชีวิตประจำวันตื้นตันใจกับ O. "The Adventures of a Trickster Fox" (1923) ลักษณะของJanáčekคือการดึงดูดอาสาสมัครชาวรัสเซีย คลาสสิค วรรณกรรมและละคร: "Katya Kabanova" (อิงจาก "The Thunderstorm" โดย A. N. Ostrovsky, 1921), "From the House of the Dead" (อิงจากนวนิยาย "Notes from the House of the Dead" โดย F. M. Dostoevsky, 1928) . หากในช่วงแรกของ O. เน้นที่โคลงสั้น ๆ ละครแล้วในวินาทีที่ผู้แต่งพยายามถ่ายทอดภาพที่ซับซ้อนของความสัมพันธ์ระหว่างต่างๆ ตัวละครที่เป็นมนุษย์ หันไปใช้ดนตรีที่แสดงออกอย่างสูง การแสดงออก

สำหรับอิมเพรสชันนิสม์ แผนก องค์ประกอบที่ใช้ในงานโอเปร่าโดยนักประพันธ์เพลงยุคแรกๆ หลายคน โดยทั่วไปศตวรรษที่ 20 ไม่มีแนวโน้มจะมีดราม่า ประเภท ตัวอย่างที่เกือบจะเป็นเอกลักษณ์ของงานโอเปร่าที่รวบรวมสุนทรียภาพของอิมเพรสชันนิสม์มาโดยตลอดคือ “Pelléas et Mélisande” โดย C. Debussy (1902) การกระทำของ O. ถูกปกคลุมไปด้วยบรรยากาศของลางสังหรณ์ ความปรารถนา และความคาดหวังที่คลุมเครือ ความแตกต่างทั้งหมดถูกปิดเสียงและอ่อนลง มุ่งหมายที่จะโอนเข้ากระทะ ส่วนหนึ่งของน้ำเสียงของคำพูดของตัวละคร Debussy ปฏิบัติตามหลักการของ Mussorgsky แต่ภาพของ O. ของเขาและความลึกลับพลบค่ำทั้งหมด โลกที่การกระทำเกิดขึ้นจะมีตราประทับสัญลักษณ์ ความลึกลับ. ความละเอียดอ่อนที่ไม่ธรรมดาของความแตกต่างอันมีสีสันและการแสดงออก การตอบสนองที่ละเอียดอ่อนของดนตรีต่อการเปลี่ยนแปลงอารมณ์ของตัวละครเพียงเล็กน้อย ผสมผสานกับสีโดยรวมที่มีมิติเดียว

ประเภทของภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์ที่สร้างโดย Debussy ไม่ได้ได้รับการพัฒนาในผลงานของเขาเอง ความคิดสร้างสรรค์หรือภาษาฝรั่งเศส ศิลปะโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 20 “Ariana and Bluebeard” โดย P. Duke (1907) ในขณะที่รูปลักษณ์ค่อนข้างคล้ายกับ O. “Pelleas and Melisande” นั้นมีเหตุมีผลมากกว่า ธรรมชาติของดนตรีและความโดดเด่นของคำอธิบายที่มีสีสัน องค์ประกอบเหนือการแสดงออกทางจิตวิทยา เอ็ม. ราเวลเลือกเส้นทางที่แตกต่างในการ์ตูนเรื่องเดียวของเขา O. "Spanish Hour" (1907) ซึ่งมีลักษณะดนตรีที่เฉียบคม คำประกาศที่มาจาก "การแต่งงาน" ของ Mussorgsky ผสมผสานกับการใช้องค์ประกอบภาษาสเปนที่มีสีสัน โฆษณา ดนตรี. ของขวัญจากผู้แต่งเพื่อการแสดงลักษณะเฉพาะ การแสดงภาพยังสะท้อนให้เห็นในบัลเล่ต์ O. เรื่อง The Child and Magic (1925)

ในตัวเขา. โอ.คอน. 19 - จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 20 รู้สึกถึงอิทธิพลของวากเนอร์อย่างเห็นได้ชัด อย่างไรก็ตามผลงานทางดนตรีและละครของวากเนอร์ หลักการและรูปแบบได้รับการยอมรับจากผู้ติดตามส่วนใหญ่ของเขา ในแบบโรแมนติกสุดๆ ในโอเปร่าของ E. Humperdinck (สิ่งที่ดีที่สุดคือ "Hans and Gretel", 1893) ความกลมกลืนและการเรียบเรียงอันเขียวชอุ่มของ Wagner ผสมผสานกับท่วงทำนองอันไพเราะที่เรียบง่ายของการบรรยาย คลังสินค้า X. ไฟทซ์เนอร์แนะนำองค์ประกอบของสัญลักษณ์ทางศาสนาและปรัชญาในการตีความเรื่องราวเทพนิยายและตำนาน ("Rose from the Garden of Love", 1900) เสมียนคาทอลิก แนวโน้มสะท้อนให้เห็นใน O. “Palestrina” (1915) ของเขา

ในฐานะหนึ่งในผู้ติดตามของวากเนอร์ อาร์. สเตราส์เริ่มงานโอเปร่าของเขา ("Guntram", 1893; "Without Fire", 1901) แต่ต่อมาก็ทนทุกข์ทรมาน วิวัฒนาการ. ใน "Salome" (1905) และ "Electra" (1908) แนวโน้มการแสดงออกปรากฏขึ้นแม้ว่าผู้แต่งจะรับรู้อย่างผิวเผินก็ตาม การกระทำในอ.เหล่านี้พัฒนาไปตามอารมณ์ที่เพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง ความตึงเครียดความรุนแรงของกิเลสตัณหาบางครั้งก็มีขอบเขตอยู่ในสถานะทางพยาธิวิทยา ความหลงใหล บรรยากาศที่ตื่นเต้นเร้าใจได้รับการสนับสนุนจากวงออร์เคสตราขนาดใหญ่และเต็มไปด้วยสีสัน ทำให้เกิดพลังเสียงขนาดมหึมา เขียนในปี 1910 เนื้อเพลงตลกของ O. "Der Rosenkavalier" ถือเป็นจุดเปลี่ยนในงานของเขาจากแนวการแสดงออกไปสู่แนวนีโอคลาสสิก (ดูนีโอคลาสซิซิสซึ่ม) องค์ประกอบของสไตล์ของ Mozart ผสมผสานกันใน O. นี้เข้ากับความงามที่เย้ายวนและเสน่ห์ของเพลงวอลทซ์เวียนนา พื้นผิวจะเบาลงและโปร่งใสมากขึ้น โดยที่ไม่ต้องหลุดพ้นจากความหรูหราที่เปล่งเสียงเต็มรูปแบบของ Wagner โดยสิ้นเชิง ในการแสดงโอเปร่าในเวลาต่อมา สเตราส์หันไปใช้สไตล์ที่มีจิตวิญญาณของดนตรีสไตล์บาโรก t-ra ("Ariadne on Naxos", 1912) ไปจนถึงรูปแบบของเวียนนาคลาสสิก Operattas (Arabella, 1932) หรือหนังโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 18 (“The Silent Woman”, 1934) ถึงงานอภิบาลโบราณในยุคเรอเนซองส์ การหักเหของแสง (“Daphne”, 1937) แม้จะมีการผสมผสานสไตล์ที่รู้จักกันดี แต่โอเปร่าของสเตราส์ก็ได้รับความนิยมในหมู่ผู้ฟังเนื่องจากสามารถเข้าถึงดนตรีได้และการแสดงออกของท่วงทำนอง ภาษา บทกวีแห่งความขัดแย้งในชีวิตที่เรียบง่าย

จากจุดสิ้นสุด ศตวรรษที่ 19 ความปรารถนาที่จะสร้างชาติ ประเพณีโอเปร่าและการฟื้นฟูประเพณีที่ถูกลืมและสูญหายในพื้นที่นี้ปรากฏให้เห็นในบริเตนใหญ่ เบลเยียม สเปน เดนมาร์ก และนอร์เวย์ ในบรรดาผลงานที่ได้รับระดับนานาชาติ การรับรู้ - “ โรมิโอและจูเลียในชนบท” โดย F. Dilius (1901, อังกฤษ), “ Life is Short” โดย M. de Falla (1905, สเปน)

ศตวรรษที่ 20 วิธีการมีส่วนร่วม การเปลี่ยนแปลงความเข้าใจในแนวเพลงโอเปร่า แล้วในทศวรรษที่ 1 ของศตวรรษที่ 20 แสดงความคิดเห็นว่า O. อยู่ในภาวะวิกฤติและไม่มีโอกาสพัฒนาต่อไป V. G. Karatygin เขียนไว้ในปี 1911: “โอเปร่าเป็นศิลปะแห่งอดีตและเป็นส่วนหนึ่งของปัจจุบัน” ดังที่ปรากฏในบทความของเขาเรื่อง "ละครและดนตรี" เขาได้กล่าวถึงคำกล่าวของ V.F. Komissarzhevskaya: "เรากำลังย้ายจากโอเปร่าไปสู่ละครด้วยดนตรี" (คอลเลกชัน "Alkonost", 1911, หน้า 142) ทันสมัยบ้าง ซารับ. ผู้เขียนเสนอให้ละทิ้งคำว่า "โอ" และแทนที่ด้วยแนวคิดที่กว้างขึ้นของ “ละครเพลง” เนื่องจากเป็นพหูพจน์ แยง. ศตวรรษที่ 20 ซึ่งกำหนดเป็น O. ไม่ตรงตามเกณฑ์ประเภทที่กำหนดไว้ กระบวนการปฏิสัมพันธ์และการสอดแทรกต่างๆ แนวเพลงซึ่งเป็นหนึ่งในสัญญาณของการพัฒนาดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 นำไปสู่การเกิดขึ้นของการผลิต แบบผสมซึ่งยากต่อการหาคำจำกัดความที่ชัดเจน O. อยู่ใกล้กับ oratorio และ cantata ใช้องค์ประกอบของละครใบ้และเวที บทวิจารณ์ แม้กระทั่งละครสัตว์ พร้อมด้วยเทคนิคการละครใหม่ล่าสุด เทคโนโลยีในการถ่ายภาพยนตร์ใช้วิธีการถ่ายภาพยนตร์และเทคโนโลยีวิทยุ (ความสามารถในการรับรู้ทางภาพและการได้ยินจะขยายออกไปด้วยความช่วยเหลือของการฉายภาพยนตร์และอุปกรณ์วิทยุ) เป็นต้น ในเวลาเดียวกัน ด้วยเหตุนี้จึงมีแนวโน้มที่จะแยกแยะระหว่างหน้าที่ของดนตรีและละคร การดำเนินการและการสร้างรูปแบบการดำเนินการตามแผนภาพโครงสร้างและหลักการของเครื่องมือ "บริสุทธิ์" ดนตรี.

ในยุโรปตะวันตก อ. ศตวรรษที่ 20 มีอิทธิพลต่างๆ ศิลปะ การเคลื่อนไหวซึ่งสิ่งที่สำคัญที่สุดคือการแสดงออกและนีโอคลาสสิก ทั้งสองเป็นปฏิปักษ์กัน แม้ว่าบางครั้งจะเกี่ยวพันกัน แต่แนวโน้มก็ตรงกันข้ามกับทั้ง Wagnerism และความสมจริง สุนทรียศาสตร์โอเปร่าซึ่งต้องสะท้อนความเป็นจริงของความขัดแย้งในชีวิตและภาพเฉพาะ หลักการของการแสดงละครโอเปร่าแบบนิสต์แสดงออกในละครเดี่ยวเรื่อง “Waiting” ของ A. Schoenberg (1909) แทบไม่มีองค์ประกอบภายนอกเลย การกระทำนี่คือผลิตภัณฑ์ ขึ้นอยู่กับการสะสมของลางสังหรณ์ที่คลุมเครือและวิตกกังวลอย่างต่อเนื่อง ซึ่งจบลงด้วยการระเบิดของความสิ้นหวังและความสยดสยอง สัญลักษณ์ลึกลับผสมผสานกับพิสดารเป็นลักษณะของรำพึง ละครเรื่อง "The Lucky Hand" ของ Schoenberg (1913) บทละครที่พัฒนามากขึ้น แผนนี้เป็นหัวใจสำคัญของการตกแต่งสไตล์นีโอของเขา O. “โมเสสและอาโรน” (1932) แต่รูปเคารพนั้นลึกซึ้งและเป็นเพียงสัญลักษณ์แห่งศีลธรรมทางศาสนาเท่านั้น การเป็นตัวแทน ต่างจาก Schoenberg นักเรียนของเขา A. Berg หันมาใช้แผนการจากชีวิตจริงในงานโอเปร่าของเขาและพยายามสร้างปัญหาสังคมที่กดดัน พลังอันยิ่งใหญ่ของละคร การแสดงออกมีความโดดเด่นด้วย O. “Wozzeck” (1921) ซึ่งเต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจอย่างสุดซึ้งต่อผู้ไร้อำนาจ คนจนที่ถูกโยนลงทะเลแห่งชีวิต และการประณามความพึงพอใจที่ได้รับอาหารอย่างดีของ “ผู้มีอำนาจ” ในขณะเดียวกัน “วอซเซ็ค” ยังขาดความสมจริงที่เต็มเปี่ยม ตัวละครของ O. กระทำโดยไม่รู้ตัวเนื่องจากแรงกระตุ้นและความหลงใหลตามสัญชาตญาณที่อธิบายไม่ได้ ยังไม่เสร็จ โอเปร่าของ Berg "Lulu" (พ.ศ. 2471-35) แม้จะมีช่วงเวลาที่น่าประทับใจและการแสดงออกของดนตรีมากมาย แต่ก็ไร้ความสำคัญทางอุดมการณ์และมีองค์ประกอบของธรรมชาตินิยมและกามทางกามารมณ์ที่เจ็บปวด

สุนทรียศาสตร์แห่งโอเปร่าของนีโอคลาสซิซิสซึ่มมีพื้นฐานอยู่บนการรับรู้ถึง "ความเป็นอิสระ" ของดนตรี และความเป็นอิสระจากการแสดงบนเวที F. Busoni ได้สร้าง "เกมโอเปร่า" แนวนีโอคลาสสิก (“ Spieloper”) ซึ่งโดดเด่นด้วยความมีแบบแผนโดยเจตนาและความไม่น่าเชื่อของการกระทำ เขาพยายามทำให้แน่ใจว่าตัวละครของ O. "มีพฤติกรรมที่แตกต่างจากในชีวิตจริง" ใน O. "Turandot" (1917) และ "Harlequin, or Windows" (1916) ของเขา เขาพยายามสร้างประเภทตัวเอียงขึ้นมาใหม่ในรูปแบบที่ทันสมัย คอมมีเดียเดลลาร์เต ดนตรีของทั้ง O. สร้างขึ้นจากการสลับตอนสั้น ๆ ผสมผสานสไตล์กับองค์ประกอบของพิสดาร เครื่องมือรูปแบบที่เข้มงวดและมีโครงสร้างสมบูรณ์ ดนตรีเป็นพื้นฐานของ O. "Doctor Faust" ของเขา (เขียนโดย F. Jarnach, 1925) ซึ่งผู้แต่งวางปัญหาเชิงปรัชญาอย่างลึกซึ้ง

I.F. Stravinsky อยู่ใกล้กับ Busoni ในมุมมองของเขาเกี่ยวกับธรรมชาติของศิลปะโอเปร่า ผู้แต่งทั้งสองมีความเกลียดชังแบบเดียวกันต่อสิ่งที่พวกเขาเรียกว่า "verism" ซึ่งหมายถึงความปรารถนาใดๆ ในความสมจริงของภาพและสถานการณ์ในดนตรีโอเปร่า สตราวินสกีแย้งว่าดนตรีไม่สามารถถ่ายทอดความหมายของคำได้ หากการร้องเพลงเข้ามามีบทบาทเช่นนี้ มันก็จะ “หลุดพ้นขอบเขตของดนตรี” O. “The Nightingale” ครั้งแรกของเขา (พ.ศ. 2452-2557) ซึ่งมีโวหารที่ขัดแย้งกันผสมผสานองค์ประกอบของความแปลกใหม่ที่มีสีแบบอิมเพรสชั่นนิสม์เข้ากับรูปแบบการเขียนที่สร้างสรรค์ที่เข้มงวดยิ่งขึ้น ประเภทที่แปลกประหลาดของรัสเซีย opera buffa คือ "The Moor" (1922), vok บทบาทนี้มีพื้นฐานมาจากการตีความน้ำเสียงที่โรแมนติกในชีวิตประจำวันของศตวรรษที่ 19 อย่างน่าขันและแปลกประหลาด ความปรารถนาโดยธรรมชาติของลัทธินีโอคลาสสิกเพื่อความเป็นสากลสำหรับศูนย์รวมของแนวคิดและแนวคิด "สากล", "ข้ามบุคคล" ในรูปแบบที่ปราศจากความเป็นชาติ และความแน่นอนชั่วคราว ซึ่งปรากฏชัดเจนที่สุดในบทประพันธ์ของ Stravinsky เรื่อง “Oedipus Rex” (อิงจากโศกนาฏกรรมของ Sophocles, 1927) ความประทับใจของความห่างไกลได้รับการปรับปรุงโดย libr. ซึ่งเขียนด้วยภาษาสมัยใหม่ที่เข้าใจยาก ผู้ฟัง lat ภาษา. การใช้รูปแบบของดนตรีบาโรกโบราณร่วมกับองค์ประกอบของประเภท oratorio ผู้แต่งพยายามอย่างจงใจเพื่อการแสดงบนเวที ความไม่สามารถเคลื่อนไหวได้, ความสง่างาม ละครแนวเมโลดราม่าของเขาเรื่อง Persephone (1934) มีลักษณะคล้ายกัน โดยมีรูปแบบโอเปร่าผสมผสานกับการบรรยายและการเต้นรำ ละครใบ้ ใน O. "The Rake's Progress" (1951) เพื่อรวบรวมโครงเรื่องเสียดสีศีลธรรม Stravinsky หันไปใช้รูปแบบการ์ตูน โอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 18 แต่นำเสนอคุณลักษณะโรแมนติกบางประการ แฟนตาซีและสัญลักษณ์เปรียบเทียบ

การตีความแนวนีโอคลาสสิกของประเภทโอเปร่าก็เป็นลักษณะของ P. Hindemith เช่นกัน มอบให้กับ O.20s เครื่องบรรณาการที่รู้จักกันดีสำหรับแนวโน้มเสื่อมโทรมที่ทันสมัยในช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์ของเขาเขาได้หันไปใช้แผนขนาดใหญ่ของแผนทางปัญญา ในอนุสาวรีย์ O. หัวข้อจากยุคสงครามชาวนาในเยอรมนี “The Artist Mathis” (1935) โดยมีฉากหลังเป็นภาพวาดโดยผู้คน การเคลื่อนไหวนี้แสดงให้เห็นถึงโศกนาฏกรรมของศิลปินที่ยังคงเหงาและไม่มีใครรู้จัก O. "Harmony of the World" (1957) ซึ่งมีฮีโร่คือนักดาราศาสตร์เคปเลอร์มีความโดดเด่นด้วยความซับซ้อนและองค์ประกอบที่หลากหลายขององค์ประกอบ การมีเหตุนิยมเชิงนามธรรมมากเกินไป สัญลักษณ์ทำให้ผลิตภัณฑ์นี้ ยากสำหรับผู้ฟังที่จะรับรู้และไม่มีประสิทธิภาพในการแสดงละคร

ในภาษาอิตาลี อ. ศตวรรษที่ 20 ลักษณะอย่างหนึ่งของนีโอคลาสสิกคือการดึงดูดนักประพันธ์เพลงในรูปแบบและภาพทั่วไปของศิลปะโอเปร่าในศตวรรษที่ 17 และ 18 แนวโน้มนี้พบการแสดงออกโดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานของ J. F. Malipiero ในบรรดาผลงานของเขา สำหรับดนตรี t-ra - วงจรของโอเปร่าจิ๋ว "Orpheids" ("Death of Masks", "Seven Songs", "Orpheus หรือเพลงที่แปด", 2462-22), "Three Comedies of Goldoni" ("Coffee House", " Signor Todero the Grouch" , "Kyojin skirmishes", 1926) รวมถึงเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์และโศกนาฏกรรมอันยิ่งใหญ่ ทุม "จูเลียส ซีซาร์" (2478), "แอนโทนีและคลีโอพัตรา" (2481)

แนวโน้มนีโอคลาสสิกแสดงออกมาบางส่วนในภาษาฝรั่งเศส สไตล์โอเปร่าในยุค 20-30 แต่ที่นี่พวกเขาไม่ได้รับความคงเส้นคงวาจบลง การแสดงออก สำหรับ A. Honegger สิ่งนี้แสดงให้เห็นจากการดึงดูดใจของเขาต่อประเด็นเรื่องสมัยโบราณและพระคัมภีร์ในฐานะแหล่งที่มาของค่านิยมทางศีลธรรมสากล "นิรันดร์" ด้วยความพยายามที่จะสรุปภาพต่างๆ และทำให้พวกเขามีลักษณะ "ข้ามกาลเวลา" เขาจึงนำ O. เข้าใกล้ oratorio มากขึ้น และบางครั้งก็แนะนำให้พวกเขารู้จักกับผลงานของเขา องค์ประกอบพิธีกรรม ขณะเดียวกันก็มีดนตรี ภาษาของเขา op โดดเด่นด้วยการแสดงออกที่มีชีวิตชีวาและสดใสผู้แต่งไม่อายที่จะเปลี่ยนเพลงที่ง่ายที่สุด ความสามัคคี แยง. Honegger (ยกเว้น O. "Eaglet" เขียนร่วมกับ J. Ibert และไม่มีคุณค่ามาก, 1935) ซึ่งสามารถเรียกได้ว่าเป็น O. ในตัวมันเอง ความหมายของคำคือ "Antigone" (1927) ผลงานเช่น "King David" (1921, ฉบับพิมพ์ครั้งที่ 3 พ.ศ. 2467) และ "Judith" (1925) ได้รับการจัดประเภทเป็นละครได้แม่นยำยิ่งขึ้น oratorio, พวกเขามั่นคงมากขึ้นในท้ายที่สุด. ละครมากกว่าบนเวทีโอเปร่า ผู้แต่งเองก็ให้คำจำกัดความนี้กับผลงานที่สำคัญที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา "โจนออฟอาร์คที่เสาเข็ม" (พ.ศ. 2478) ซึ่งคิดโดยเขาเป็นการแสดงพื้นบ้านจำนวนมากที่แสดงในที่โล่ง ในการเรียบเรียงที่ต่างกันผลงานโอเปร่าที่ค่อนข้างผสมผสานของ D. Milhaud ก็สะท้อนถึงธีมโบราณและพระคัมภีร์ด้วย ("Eumenides ", 1922 ; "Medea", 1938; "David", 1953) ในไตรภาคละตินอเมริกาของเขา "Christopher Columbus" (1928), "Maximilian" (1930) และ "Bolivar" (1943) Milhaud ฟื้นคืนชีพของประวัติศาสตร์อันยิ่งใหญ่ - ประเภทโรแมนติก . O. แต่ใช้วิธีการแสดงออกทางดนตรีสมัยใหม่ ตัวแรกของ O. มีขนาดใหญ่เป็นพิเศษซึ่งการแสดงแผนปฏิบัติการต่าง ๆ พร้อมกันนั้นทำได้สำเร็จด้วยความช่วยเหลือของเทคนิคโพลีโทนที่ซับซ้อนในดนตรีและการใช้งาน ของเทคโนโลยีการแสดงละครใหม่ล่าสุด ซึ่งรวมถึงการฉายภาพยนตร์ การแสดงความเคารพต่อแนวโน้มที่แท้จริงคือ O. "The Poor Sailor" ของเขา (1926) ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเกิดขึ้นได้จากวงจรโอเปร่าขนาดเล็กของ Milhaud ("โอเปร่านาที") โดยมีพื้นฐานมาจาก การหักเหเชิงล้อเลียนของแผนการในตำนาน: "The Rape of Europa", "The Abandoned Ariadne" และ "The Liberation of Theseus" (1927)

พร้อมทั้งอุทธรณ์ต่อพระบาทสมเด็จพระเจ้าอยู่หัว ภาพสมัยโบราณ โลกกึ่งตำนานในพระคัมภีร์ไบเบิล หรือยุคกลางในงานโอเปร่าแห่งยุค 20 มีแนวโน้มไปสู่เนื้อหาที่มีความเฉพาะเจาะจงเฉียบพลันและความฉับไว การตอบสนองต่อปรากฏการณ์สมัยใหม่ ความเป็นจริง บางครั้งสิ่งนี้ถูกจำกัดอยู่เพียงการแสวงหาความรู้สึกโลดโผนราคาถูกและนำไปสู่การสร้างการผลิต ตัวละครเบากึ่งตลก ใน O. “Jumping Over the Shadow” (1924) และ “Johnny Plays” (1927) โดย E. Kshenek ภาพสมัยใหม่ที่มีสีแดกดัน ชนชั้นกลาง คุณธรรมถูกนำเสนอในรูปแบบของความบันเทิงที่แปลกประหลาด โรงภาพยนตร์. แอ็กชันกับดนตรีผสมผสานที่ผสมผสานความเป็นเมือง จังหวะและองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สที่มีการแต่งบทเพลงซ้ำซาก ทำนอง การแสดงเสียดสีก็เป็นเพียงผิวเผินเช่นกัน องค์ประกอบใน O. "From Today to Tomorrow" โดย Schoenberg (1928) และ "News of the Day" โดย Hindemith (1929) ครอบครองตอน ไว้ในผลงานของนักประพันธ์เพลงเหล่านี้ การวิพากษ์วิจารณ์สังคมเป็นสิ่งที่ชัดเจนยิ่งขึ้น ธีมในละครเพลง แยง. K. Weil เขียนร่วมกับ B. Brecht, “The Threepenny Opera” (1928) และ “The Rise and Fall of the City of Mahogany” (1930) ซึ่งผลงานเหล่านี้ถูกวิพากษ์วิจารณ์และเสียดสี เผยให้เห็นพื้นฐานของระบบทุนนิยม อาคาร. ผลิตภัณฑ์เหล่านี้ เป็นตัวแทนของเพลงประเภทใหม่ที่มีความเกี่ยวข้องสูงในเนื้อหาที่กล่าวถึงประชาธิปไตยในวงกว้าง ผู้ชม. พื้นฐานของดนตรีที่เรียบง่าย ชัดเจน และเข้าใจได้นั้นมีหลากหลาย แนวเพลงสมัยใหม่ เพลงมวลชน ชีวิตประจำวัน

ฝ่าฝืนหลักการโอเปร่าตามปกติของ P. Dessau อย่างกล้าหาญในตำราของ O. ถึง Brecht - "The Condemnation of Lucullus" (1949), "Puntila" (1960) โดดเด่นด้วยความเฉียบคมและความรุนแรงของท่วงทำนอง หมายถึงเอฟเฟกต์การแสดงละครที่ไม่คาดคิดมากมายและการใช้องค์ประกอบที่แปลกประหลาด

เพลงของคุณเอง t-r ตามหลักการของประชาธิปไตยและการเข้าถึง ถูกสร้างขึ้นโดย K. Orff ต้นกำเนิดของดนตรีของเขามีความหลากหลาย: ผู้แต่งหันไปหาภาษากรีกโบราณ โศกนาฏกรรมไปจนถึงยุคกลาง ความลึกลับแก่ผู้คน เกมละครและการแสดงตลก ละครเชื่อมโยง แอ็คชั่นกับมหากาพย์ การเล่าเรื่อง ผสมผสานการร้องเพลง บทสนทนา และการบรรยายเป็นจังหวะได้อย่างอิสระ ไม่มีทัศนียภาพใดๆ แยง. Orpha ไม่ใช่ O. ในความหมายปกติ แต่แต่ละคนก็มีคำจำกัดความ ดนตรีและละคร แนวคิดและดนตรีไม่ได้จำกัดอยู่เพียงฟังก์ชันที่ประยุกต์ใช้เพียงอย่างเดียว ความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีและเวที การกระทำจะแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับโฆษณาเฉพาะ งาน ในบรรดาผลงานของเขา การแสดงบนเวทีโดดเด่น cantata "Carmina Burana" (1936) เชิงเปรียบเทียบที่ยอดเยี่ยม ดนตรี บทละครที่ผสมผสานองค์ประกอบของศิลปะและการละครเข้าด้วยกัน การแสดง "Moon" (2481) และ "Clever Girl" (2485) ดนตรี ละคร "Bernauerin" (2488) ดนตรีประเภทหนึ่ง การบูรณะของโบราณ โศกนาฏกรรม - "Antigone" (1949) และ "Oedipus the King" (1959)

ในเวลาเดียวกัน นักประพันธ์เพลงหลักบางคนของ Ser. ศตวรรษที่ 20 ในขณะที่ปรับปรุงรูปแบบและวิธีการแสดงออกโอเปร่าก็ไม่ได้เบี่ยงเบนไปจากประเพณี พื้นฐานของแนวเพลง ดังนั้น B. Britten จึงยังคงรักษาสิทธิ์ในกระทะอันไพเราะ ท่วงทำนองเช่นช. หมายถึงการถ่ายทอดสภาพจิตใจของตัวละคร ในโอเปร่าส่วนใหญ่ของเขา การพัฒนาอย่างเข้มข้นตั้งแต่ต้นจนจบผสมผสานกับตอนที่น่าตื่นเต้น วงดนตรี และการขับร้องที่ขยายออกไป ฉาก ในบรรดาวิธีการส่วนใหญ่ แยง. Britten - ละครในประเทศที่มีสีแสดงออกอย่าง "Peter Grimes" (1945), Chamber O. "The Rape of Lucretia" (1946), "Albert Herring" (1947) และ "The Turn of the Screw" (1954) โรแมนติกสุด ๆ ทุม “ความฝันคืนกลางฤดูร้อน” (1960) ในงานโอเปร่าของ G. Menotti ประเพณีที่แท้จริงได้รับการหักเหที่ทันสมัยเมื่อรวมกับคุณสมบัติบางอย่างของการแสดงออก ("กลาง", 1946; "กงสุล", 1950 ฯลฯ ) F. Poulenc เน้นย้ำถึงความภักดีต่อความคลาสสิก ประเพณีการตั้งชื่อในการอุทิศให้กับ O. “ Dialogues of the Carmelites” (1956) ชื่อของ C. Monteverdi, M. P. Mussorgsky และ C. Debussy การใช้เครื่องมือกระทะอย่างยืดหยุ่น การแสดงออกถือเป็นด้านที่แข็งแกร่งที่สุดของละครเดี่ยวเรื่อง “The Human Voice” (1958) การ์ตูนยังโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่สดใส โอเปร่าของ Poulenc เรื่อง "Breasts of Tyresia" (1944) แม้จะมีสถิตยศาสตร์ก็ตาม ความไร้สาระและความเยื้องศูนย์ของเวที การกระทำ ผู้สนับสนุนโอ.เปรม. กระทะ ประเภทคือ H.V. Henze ("The Deer King", 1955; "Prince of Homburg", 1960; "Bassarids", 1966 ฯลฯ)

พร้อมด้วยรูปแบบและลีลาอันหลากหลาย แนวโน้มของศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยหลากหลายเชื้อชาติ โรงเรียน บางคนก้าวสู่ระดับนานาชาติได้เป็นครั้งแรก การยอมรับและยืนยันความเป็นอิสระของพวกเขา สถานที่ในการพัฒนาโอเปร่าโลก B. Bartok ("Duke Bluebeard's Castle", 1911) และ Z. Kodaly ("Hari Janos", 1926; "Székely Spinning Mill", 1924, ฉบับพิมพ์ครั้งที่ 2 ปี 1932) นำเสนอภาพและวิธีการใหม่ๆ ของละครเพลง การแสดงออกในภาษาฮังการี อ้อ รักษาการติดต่อกับชาติ ประเพณีและอยู่บนพื้นฐานของน้ำเสียง สร้างเวง โฆษณา ดนตรี. ตัวอย่างแรกของบัลแกเรีย ระดับชาติ O. คือ "Tsar Kaloyan" โดย P. Vladigerov (1936) สำหรับศิลปะโอเปร่าของชาวยูโกสลาเวียงานของ J. Gotovac มีความสำคัญเป็นพิเศษ (ผลงานที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ O. "Ero from the Other World", 1935)

ประเภทดั้งเดิมของอเมริกันอย่างลึกซึ้ง ระดับชาติ O. ถูกสร้างขึ้นโดย J. Gershwin โดยมีพื้นฐานมาจากชาวแอฟริกันอเมริกัน ดนตรี คติชนและประเพณีของชาวนิโกร "โรงละครมินสเตรล" เรื่องราวที่น่าตื่นเต้นจากชีวิตของชายผิวดำคนหนึ่ง คนจนร่วมกับด่วน และดนตรีที่เข้าถึงได้โดยใช้องค์ประกอบของบลูส์ จิตวิญญาณ และแจ๊สแดนซ์ จังหวะทำให้เขาได้รับความนิยมไปทั่วโลก O. "Porgy and Bess" (1935) ระดับชาติ ทุมพัฒนาอยู่ในลาตินอเมริกาจำนวนหนึ่ง ประเทศ หนึ่งในผู้ก่อตั้ง Argent ครูสอนโอเปร่า F. Boero สร้างผลงานที่เต็มไปด้วยองค์ประกอบคติชน ในฉากชีวิตของโคบาลและชาวนา ("Rakela", 1923; "Robbers", 1929)

ในการต่อต้าน 60s ในตะวันตก แนวเพลงพิเศษของ "ร็อคโอเปร่า" เกิดขึ้นโดยใช้วิธีการสมัยใหม่ เพลงป๊อปและเพลงในชีวิตประจำวัน ตัวอย่างยอดนิยมของประเภทนี้คือ Christ Superstar ของ E. L. Webber (1970)

เหตุการณ์ในศตวรรษที่ 20. - การเริ่มลัทธิฟาสซิสต์ในหลายประเทศ สงครามโลกครั้งที่สองระหว่างปี 1939-1945 และการต่อสู้ทางอุดมการณ์ที่เข้มข้นขึ้นอย่างมาก ทำให้ศิลปินจำนวนมากจำเป็นต้องกำหนดจุดยืนของตนให้ชัดเจนยิ่งขึ้น ธีมใหม่ปรากฏในงานศิลปะซึ่ง O. ไม่สามารถเพิกเฉยได้ ใน O. “War” โดย R. Rossellini (1956), “Antigone 43” โดย L. Pipkov (1963) เผยให้เห็นสงครามที่นำความทุกข์ทรมานและความตายอย่างรุนแรงมาสู่คนธรรมดา เพื่อผู้คน. ตามอัตภาพเรียกว่า "O" แยง. L. Nono “Intolerance 1960” (ในฉบับใหม่ “Intolerance 1970”) แสดงออกถึงการประท้วงอย่างโกรธเกรี้ยวของนักแต่งเพลงคอมมิวนิสต์ต่อสงครามอาณานิคม การโจมตีสิทธิคนงาน การข่มเหงนักสู้เพื่อสันติภาพและความยุติธรรมในสังคมทุนนิยม ประเทศ. การเชื่อมโยงโดยตรงและชัดเจนกับความทันสมัยยังปรากฏให้เห็นจากผลงานเช่น "The Prisoner" ("Prisoner") โดย L. Dallapiccola (1948), "Simplicius Simplicissimus" โดย K. A. Hartman (1948), "Soldiers" โดย B. A. Zimmerman (1960) แม้ว่าจะอิงจากโครงเรื่องแบบคลาสสิกก็ตาม ลิตร K. Penderecki ใน O. "Devils from Loudin" (1969) แสดงให้เห็นยุคกลาง ความคลั่งไคล้และความคลั่งไคล้เปิดโปงลัทธิฟาสซิสต์ทางอ้อม ปฏิบัติการเหล่านี้ แตกต่างอย่างมีสไตล์ การวางแนวและธีมสมัยใหม่หรือใกล้เคียงกับสมัยใหม่ไม่ได้ถูกตีความจากตำแหน่งทางอุดมการณ์ที่รับรู้อย่างชัดเจนเสมอไป แต่สะท้อนถึงแนวโน้มทั่วไปต่อการเชื่อมโยงที่ใกล้ชิดกับชีวิตมากขึ้นการแทรกแซงอย่างแข็งขันในกระบวนการของมันซึ่งสังเกตได้จากงานของ zarub ที่ก้าวหน้า . ศิลปิน ในเวลาเดียวกันในโอเปร่าอาร์ตแซ่บ ประเทศต่างๆ แสดงการต่อต้านศิลปะแบบทำลายล้าง แนวโน้มสมัยใหม่ "เปรี้ยวจี๊ด" นำไปสู่การล่มสลายของ O. ในฐานะละครเพลง ประเภท. นี่คือ "การต่อต้านโอเปร่า" "โรงละครแห่งรัฐ" โดย M. Kagel (1971)

ในสหภาพโซเวียต การพัฒนาเสื้อผ้ามีความเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับชีวิตของประเทศและการก่อตัวของสหภาพโซเวียต ดนตรี และโรงละคร วัฒนธรรม. เคเซอร์ ยุค 20 ซึ่งรวมถึงประการแรกในหลาย ๆ ด้านที่ยังคงไม่สมบูรณ์ พยายามสร้าง O. โดยอิงจากโครงเรื่องจากความทันสมัยหรือนิทานพื้นบ้าน ปฏิวัติ ความเคลื่อนไหวในอดีต แผนก การค้นพบที่น่าสนใจ ได้แก่ ผลงานเช่น "Ice and Steel" โดย V.V. Deshevov, "North Wind" โดย L.K. Knipper (ทั้งปี 1930) และอื่น ๆ อีกมากมาย แต่โดยทั่วไปแล้วสิ่งเหล่านี้เป็นลูกหัวปีของนกฮูก O. ต้องทนทุกข์ทรมานจากแผนผัง, ความไร้ชีวิตของภาพ, การผสมผสานของรำพึง ภาษา. งานใหญ่กำลังถือศีลอด ในปี 1926 O. “ The Love for Three Oranges” โดย S. S. Prokofiev (op. 1919) ซึ่งกลายเป็นว่าใกล้ชิดกับนกฮูก ศิลปะ วัฒนธรรมที่มีอารมณ์ขัน มีชีวิตชีวา และการแสดงละครที่มีชีวิตชีวา ดร. พรสวรรค์ด้านหนึ่งของ Prokofiev ในฐานะนักเขียนบทละครปรากฏให้เห็นใน O. "The Player" (ฉบับที่ 2 พ.ศ. 2470) และ "Fire Angel" (พ.ศ. 2470) ซึ่งโดดเด่นด้วยละครที่เข้มข้นความเชี่ยวชาญด้านจิตวิทยาที่เฉียบคมและมีเป้าหมายที่ดี ลักษณะเฉพาะ การเจาะเข้าไปในน้ำเสียงที่ละเอียดอ่อน โครงสร้างคำพูดของมนุษย์ แต่สินค้าเหล่านี้ นักแต่งเพลงซึ่งตอนนั้นอาศัยอยู่ต่างประเทศได้รับความสนใจจากนกฮูก สาธารณะ. ความสำคัญทางนวัตกรรมของละครโอเปร่าของ Prokofiev ได้รับการชื่นชมอย่างเต็มที่ในภายหลัง เมื่อ Sov. O. ก้าวขึ้นสู่ระดับที่สูงขึ้น โดยเอาชนะลัทธิดั้งเดิมและความยังไม่บรรลุนิติภาวะของการทดลองครั้งแรกที่รู้จักกันดี

การอภิปรายอย่างดุเดือดเกิดขึ้นพร้อมกับการปรากฏตัวของ O. "The Nose" (1929) และ "Lady Macbeth of Mtsensk" ("Katerina Izmailova", 1932, ฉบับใหม่ปี 1962) โดย D. D. Shostakovich ซึ่งเสนอต่อโซเวียต ละครเพลง คำกล่าวอ้างนี้เป็นงานสร้างสรรค์ขนาดใหญ่และจริงจังจำนวนหนึ่ง อ.สองตัวนี้มีความสำคัญไม่เท่ากัน หาก "The Nose" เต็มไปด้วยความประดิษฐ์อันล้ำค่า ความว่องไว และลานตา ภาพหน้ากากที่แหลมอย่างพิสดารเป็นการทดลองที่กล้าได้กล้าเสียและบางครั้งก็ท้าทายของนักแต่งเพลงหนุ่มในขณะนั้น "Katerina Izmailova" - แยง ปรมาจารย์ผสมผสานความลึกของแนวคิดเข้ากับความกลมกลืนและความรอบคอบของละครเพลงและละคร อวตาร ความจริงที่โหดร้ายและไร้ความปรานีในการพรรณนาถึงด้านเลวร้ายของพ่อค้าเก่า ชีวิตประจำวัน การทำให้เสียโฉมและบิดเบือนธรรมชาติของมนุษย์ ทำให้ O. นี้ทัดเทียมกับการสร้างสรรค์อันยิ่งใหญ่ของรัสเซีย ความสมจริง โชสตาโควิชที่นี่เข้าใกล้ Mussorgsky มากขึ้นในหลาย ๆ ด้านและเมื่อพัฒนาประเพณีของเขาทำให้พวกเขามีสิ่งใหม่ที่ทันสมัย เสียง.

ความสำเร็จครั้งแรกในการใช้งานนกฮูก ธีมในประเภทโอเปร่าเป็นของเซอร์ 30s ไพเราะ. ความสดของดนตรีตามน้ำเสียง สร้างนกฮูก เพลงมวลชนดึงดูดความสนใจของ O. “ Quiet Don” โดย I. I. Dzerzhinsky (1935) นี่คือผลิตภัณฑ์ ทำหน้าที่เป็นต้นแบบของสิ่งที่พัฒนาในครึ่งปีหลัง 30s "เพลงโอเปร่า" ซึ่งเพลงเป็นองค์ประกอบหลักของรำพึง ละคร. เพลงนี้ถูกใช้เป็นเครื่องมือในละครได้สำเร็จ ลักษณะของภาพใน O. “ Into the Storm” โดย T. N. Khrennikov (1939, ฉบับใหม่ 1952) แต่สม่ำเสมอ. การดำเนินการตามหลักการของทิศทางนี้นำไปสู่การลดความซับซ้อนการปฏิเสธความหลากหลายและความสมบูรณ์ของโอเปร่าและละคร การแสดงออกที่สะสมมานานหลายศตวรรษ ท่ามกลาง O.30 บนนกฮูก หัวข้อเป็นการผลิต ดราม่าใหญ่ ความแข็งแกร่งและศิลปะชั้นสูง Semyon Kotko (1940) ของ Prokofiev โดดเด่น นักแต่งเพลงสามารถสร้างภาพบรรเทาทุกข์และความจริงที่สำคัญของคนธรรมดาจากประชาชนเพื่อแสดงให้เห็นถึงการเติบโตและการฟื้นฟูจิตสำนึกของพวกเขาในระหว่างการปฏิวัติ การต่อสู้.

สจ. ผลงานโอเปร่าในยุคนี้มีความหลากหลายทั้งในด้านเนื้อหาและประเภท ทันสมัย หัวข้อถูกกำหนดโดยช. ทิศทางของการพัฒนา ในเวลาเดียวกันผู้แต่งหันไปหาโครงเรื่องและภาพจากชีวิตของผู้คนและยุคประวัติศาสตร์ต่างๆ ยุคสมัย ในบรรดานกฮูกที่ดีที่สุด อ.30ส - “Cola Brugnon” (“Master from Clamcy”) โดย D. B. Kabalevsky (1938, 2nd ed. 1968) มีชื่อเสียงในด้านซิมโฟนีชั้นสูง ทักษะและความเข้าใจที่ลึกซึ้งเกี่ยวกับตัวละครของชาวฝรั่งเศส โฆษณา ดนตรี. Prokofiev เขียนการ์ตูนหลังจาก Semyon Kotko O. “การหมั้นหมายในอาราม” (“Dueña”, 1940) บนแปลงใกล้กับนักแสดงโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 18 ต่างจาก O. “The Love for Three Oranges” ในยุคแรกของเขา นี่ไม่ใช่โรงละครทั่วไป หน้ากากและผู้คนที่มีชีวิตซึ่งมีความรู้สึกจริงใจและจริงใจ ความฉลาดหลักแหลมและอารมณ์ขันที่ตลกขบขันผสมผสานกับบทเพลงที่สดใส

ในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ สงครามระหว่างปี พ.ศ. 2484-45 ได้ทำให้ความสำคัญของความรักชาติรุนแรงขึ้นเป็นพิเศษ หัวข้อ รวบรวมวีรบุรุษ ความสำเร็จของนกฮูก ผู้คนในการต่อสู้กับลัทธิฟาสซิสต์คือช. งานคดีทุกประเภท เหตุการณ์ในช่วงสงครามก็สะท้อนให้เห็นในงานโอเปร่าของนกฮูกด้วย นักแต่งเพลง อย่างไรก็ตาม ผลงานที่เกิดขึ้นในช่วงสงครามและภายใต้อิทธิพลโดยตรงของมันกลับกลายเป็นว่าส่วนใหญ่มีข้อบกพร่องทางศิลปะและปฏิบัติต่อหัวข้อนี้อย่างเผินๆ หมายถึงมากขึ้น O.สำหรับทหาร. หัวข้อนี้ถูกสร้างขึ้นในภายหลังเล็กน้อยเมื่อมีการสร้าง "ระยะทางชั่วคราว" ที่รู้จักกันดีอยู่แล้ว ในบรรดาพวกเขา "The Family of Taras" โดย Kabalevsky (1947, ฉบับที่ 2 ปี 1950) และ "The Tale of a Real Man" โดย Prokofiev (1948) โดดเด่น

ภายใต้อิทธิพลของความรักชาติ การเพิ่มขึ้นของปีแห่งสงครามทำให้เกิดแนวคิดของ O. “ สงครามและสันติภาพ” โดย Prokofiev (พ.ศ. 2486, ฉบับที่ 2 พ.ศ. 2489, ฉบับสุดท้าย พ.ศ. 2495) ละครมีความซับซ้อนและมีหลายองค์ประกอบ แนวคิดการผลิต ผสมผสานความกล้าหาญ โฆษณา มหากาพย์พร้อมเนื้อเพลงที่ใกล้ชิด ละคร. องค์ประกอบของ O. มีพื้นฐานมาจากการสลับฉากฝูงชนที่ยิ่งใหญ่ โดยวาดด้วยลายเส้นขนาดใหญ่ พร้อมด้วยฉากที่ละเอียดและละเอียดของธรรมชาติในห้อง Prokofiev ปรากฏตัวในสงครามและสันติภาพในเวลาเดียวกัน ทั้งในฐานะนักเขียนบทละคร-นักจิตวิทยาผู้ลึกซึ้ง และในฐานะศิลปินแห่งมหากาพย์อันยิ่งใหญ่ คลังสินค้า ประวัติศาสตร์ หัวข้อนี้ได้รับคุณค่าทางศิลปะอย่างสูง การจุติใน O. "Decembrists" โดย Yu. A. Shaporin (โพสต์ พ.ศ. 2496): แม้ว่าจะไม่มีการแสดงละครที่รู้จักกันดีก็ตาม ประสิทธิผลผู้แต่งสามารถถ่ายทอดความกล้าหาญได้ ความน่าสมเพชของความสำเร็จของนักสู้ที่ต่อต้านเผด็จการ

ระยะเวลาสิ้นสุด 40 - ต้น 50s ในการพัฒนาของนกฮูก O. มีความซับซ้อนและขัดแย้งกัน พร้อมทั้งหมายความถึง. ความสำเร็จในช่วงหลายปีที่ผ่านมาได้รับผลกระทบอย่างมากจากแรงกดดันที่ไร้เหตุผล ทัศนคติซึ่งนำไปสู่การประเมินความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าต่ำเกินไปข้อ จำกัด ของความคิดสร้างสรรค์ การค้นหา บางครั้งได้รับการสนับสนุนจากศิลปะที่มีมูลค่าต่ำ เกี่ยวกับงานที่เรียบง่าย ในการอภิปรายในประเด็นของโรงละครโอเปร่าที่เกิดขึ้นในปี 1951 "โอเปร่าวันเดียว" "โอเปร่าที่มีความคิดเล็ก ๆ น้อย ๆ และความรู้สึกเล็ก ๆ " ได้รับการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรง และความจำเป็นที่จะต้อง "เชี่ยวชาญความเชี่ยวชาญด้านละครโอเปร่าโดยรวม เน้นองค์ประกอบทั้งหมด” ในครึ่งหลัง 50s ชีวิตของนกฮูกมีความผันผวนครั้งใหม่ โรงละครโอเปร่า O. ที่ถูกประณามอย่างไม่ยุติธรรมก่อนหน้านี้ของปรมาจารย์เช่น Prokofiev และ Shostakovich ได้รับการฟื้นฟูและงานของนักแต่งเพลงในการสร้างผลงานโอเปร่าใหม่ก็เข้มข้นขึ้น บทบาทเชิงบวกที่สำคัญในการพัฒนากระบวนการเหล่านี้แสดงโดยมติของคณะกรรมการกลาง CPSU เมื่อวันที่ 28 พฤษภาคม 2501 "ในการแก้ไขข้อผิดพลาดในการประเมินโอเปร่า "The Great Friendship", "Bogdan Khmelnitsky" และ "With All the หัวใจ"".

60-70ส โดดเด่นด้วยการแสวงหาเส้นทางใหม่ในการสร้างสรรค์โอเปร่าอย่างเข้มข้น ขอบเขตของงานกำลังขยายออกไป ธีมใหม่กำลังปรากฏขึ้น ธีมบางธีมที่ผู้แต่งได้พูดถึงไปแล้วกำลังค้นหารูปแบบที่แตกต่างกัน และประเภทต่างๆ ก็เริ่มถูกนำไปใช้อย่างกล้าหาญมากขึ้น จะแสดงออกมา วิธีการและรูปแบบของละครโอเปร่า สิ่งสำคัญที่สุดประการหนึ่งยังคงเป็นหัวข้อของเดือนตุลาคม การปฏิวัติและการต่อสู้เพื่อการสถาปนาสหภาพโซเวียต เจ้าหน้าที่. ใน "Optimistic Tragedy" โดย A. N. Kholminov (1965) แง่มุมบางประการของ "เพลงโอเปร่า" และดนตรีได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้น ฟอร์มกำลังขยายใหญ่ขึ้น สิ่งสำคัญคือดราม่า การขับร้องได้รับความสำคัญ ฉาก คณะนักร้องประสานเสียงได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง องค์ประกอบใน O. “Virineya” โดย S. M. Slonimsky (1967) ลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของการตัดต่อคือการตีความต้นฉบับของเนื้อหาเพลงพื้นบ้าน รูปแบบของเพลงกลายเป็นพื้นฐานของ O. “October” โดย V. I. Muradeli (1964) โดยเฉพาะอย่างยิ่งมีความพยายามที่จะสร้างลักษณะภาพลักษณ์ของ V. I. Lenin ผ่านเพลง อย่างไรก็ตาม แผนผังของภาพ ความไม่สอดคล้องกันของเพลง ภาษาไปสู่แผนของวีรบุรุษพื้นบ้านผู้ยิ่งใหญ่ O. ลดมูลค่าของงานนี้ บางคนได้ทำการทดลองที่น่าสนใจในการสร้างสรรค์การแสดงที่ยิ่งใหญ่ด้วยจิตวิญญาณของศิลปะพื้นบ้าน การกระทำของมวลชนโดยอาศัยการแสดงละครของโปรดักชั่น ประเภท oratorio ("Pathetic Oratorio" โดย G.V. Sviridov, "July Sunday" โดย V.I. Rubin)

ในการตีความของทหาร ประเด็นหลัก ในด้านหนึ่งมีแนวโน้มไปทางแผน oratorio ทั่วไปในอีกด้านหนึ่ง - ไปทางจิตวิทยา เจาะลึกเผยเหตุการณ์ระดับชาติ ความหมายหักเหผ่านการรับรู้ของแต่ละบุคคล บุคลิกภาพ. ใน O. “ The Unknown Soldier” โดย K. V. Molchanov (1967) ไม่มีตัวละครที่มีชีวิตเฉพาะ ตัวละครของมันเป็นเพียงผู้พาความคิดของผู้คนเท่านั้น ความสำเร็จ ดร. การเข้าใกล้หัวข้อนี้เป็นเรื่องปกติสำหรับ "The Fate of Man" ของ Dzerzhinsky (1961) ซึ่งโดยตรง โครงเรื่องเป็นชีวประวัติของมนุษย์เรื่องหนึ่ง นี่คือผลิตภัณฑ์ อย่างไรก็ตาม ไม่ได้อยู่ในกลุ่มโฆษณา โชคดีนะนกฮูก โอ้ ธีมยังไม่ค่อยถูกสำรวจเท่าไหร่ ดนตรีก็ได้รับผลกระทบจากเรื่องประโลมโลกแบบผิวเผิน

ประสบการณ์สมัยใหม่ที่น่าสนใจ โคลงสั้น ๆ โอ้ ทุ่มเท ปัญหาความสัมพันธ์ส่วนตัว งาน และชีวิตในสภาพของนกฮูก ในความเป็นจริงคือ "Not Only Love" โดย R.K. Shchedrin (1961) ผู้แต่งใช้ความแตกต่างอย่างละเอียด ประเภทของเพลง chastushka และเพลงพื้นบ้าน สถาบัน บทเพลงที่บ่งบอกถึงชีวิตและตัวละครของหมู่บ้านเกษตรกรรมส่วนรวม O. “ Dead Souls” โดยผู้แต่งคนเดียวกัน (อ้างอิงจาก N.V. Gogol, 1977) มีความโดดเด่นด้วยดนตรีที่มีลักษณะเฉพาะที่คมชัด, การสร้างน้ำเสียงพูดที่แม่นยำร่วมกับเพลงพื้นบ้าน คลังสินค้า

โซลูชั่นใหม่ที่เป็นต้นฉบับสำหรับประวัติศาสตร์ หัวข้อต่างๆ ได้รับใน O. “Peter I” โดย A. P. Petrov (1975) กิจกรรมของหม้อแปลงไฟฟ้าที่ยิ่งใหญ่ถูกเปิดเผยในภาพวาดปูนเปียกจำนวนหนึ่ง ในดนตรีของ O. มีความเชื่อมโยงกับภาษารัสเซีย โอเปร่าคลาสสิก ในขณะเดียวกันผู้แต่งก็ใช้ความทันสมัย หมายถึงการบรรลุโรงละครที่มีชีวิตชีวา ผลกระทบ

ในประเภทการ์ตูน O. โดดเด่นเรื่อง "The Taming of the Shrew" โดย V. Ya. Shebalin (1957) ผู้เขียนได้ผสมผสานแนวตลกที่เริ่มต้นด้วยโคลงสั้น ๆ เข้าด้วยกันและในขณะเดียวกันก็ฟื้นคืนรูปแบบและจิตวิญญาณทั่วไปของคลาสสิกเก่าอีกครั้ง โอ.ในความใหม่ทันสมัย. รูปร่าง ไพเราะ. ความสว่างของเพลงทำให้การ์ตูนแตกต่าง O. “ The Motherless Son-in-Law” โดย Khrennikov (1967; ใน 1st ed. “Frol Skobeev”, 1950) ในภาษารัสเซีย เรื่องราวทางประวัติศาสตร์และชีวิตประจำวัน

หนึ่งในเทรนด์ใหม่ของงานโอเปร่าในยุค 60-70 คือความสนใจที่เพิ่มขึ้นในประเภทของแชมเบอร์โอเปร่าสำหรับตัวละครจำนวนน้อยหรือโมโนโอเปร่า ซึ่งเหตุการณ์ทั้งหมดจะแสดงผ่านปริซึมของจิตสำนึกส่วนบุคคลของตัวละครหนึ่งตัว ประเภทนี้รวมถึง “Notes of a Madman” (1967) และ “White Nights” (1970) โดย Yu. M. Butsko, “The Overcoat” และ “The Stroller” โดย Kholminov (1971), “The Diary of Anne Frank” โดย G.S. Fried (1969) และอื่นๆ

สจ. O. โดดเด่นด้วยความร่ำรวยและความหลากหลายของเชื้อชาติ โรงเรียนซึ่งมีหลักการพื้นฐานทางอุดมการณ์และสุนทรียภาพร่วมกัน หลักการแต่ละอย่างมีลักษณะพิเศษของตัวเอง หลังชัยชนะเมื่อเดือน ต.ค. การปฏิวัติได้เข้าสู่ขั้นตอนใหม่ของการพัฒนาในภาษายูเครน ก. มีความสำคัญต่อความเจริญของประเทศชาติ ครูสอนโอเปร่าในยูเครนมีโพสต์ การผลิตที่โดดเด่น ภาษายูเครน โอเปร่าคลาสสิก "Taras Bulba" โดย N.V. Lysenko (1890) ตีพิมพ์ครั้งแรกในปี 1924 (แก้ไขโดย L.V. Revutsky และ B.N. Lyatoshinsky) ในช่วงอายุ 20-30 ปี O. ยูเครนใหม่จำนวนหนึ่งปรากฏขึ้น นักแต่งเพลงสำหรับนกฮูก และประวัติศาสตร์ (จากประวัติศาสตร์ขบวนการปฏิวัติประชาชน) หัวข้อ หนึ่งในนกฮูกที่ดีที่สุด อ้อ สมัยนั้นเกี่ยวกับเหตุการณ์โยธา. สงครามคือ O. "Schors" Lyatoshinsky (1938) Yu. S. Meitus ตั้งเป้าหมายมากมายในงานโอเปร่าของเขา O. "The Young Guard" ของเขา (พ.ศ. 2490 ฉบับพิมพ์ครั้งที่ 2 พ.ศ. 2493), "Dawn over the Dvina" ("Northern Dawns", 2498), "Stolen Happiness" (1960), "The Ulyanov Brothers" (1967) มีชื่อเสียง คณะนักร้องประสานเสียง. ตอนต่างๆ ถือเป็นจุดแข็งของวีรบุรุษ-ประวัติศาสตร์ O. “Bogdan Khmelnitsky” โดย K.F. Dankevich (1951, 2nd ed. 1953) O. "Milan" (1957), "Arsenal" (1960) โดย G. I. Mayboroda เต็มไปด้วยทำนองเพลง สู่การต่ออายุแนวโอเปร่าและละครที่หลากหลาย V. S. Gubarenko ซึ่งเปิดตัวในปี 1967 O. “ Death of the Squadron” มุ่งมั่นในการแก้ปัญหา

ประชาชนจำนวนมากในสหภาพโซเวียตมีชาติ โรงเรียนโอเปร่าเกิดขึ้นหรือพัฒนาเต็มที่หลังจากวันที่ 10 ต.ค. เท่านั้น การปฏิวัติซึ่งนำพวกเขาทางการเมือง และการปลดปล่อยทางจิตวิญญาณ ในยุค 20 สินค้าได้รับการยืนยันแล้ว โรงเรียนโอเปร่าคลาสสิก ตัวอย่างของการตัดคือ “Abesalom and Eteri” (สร้างเสร็จในปี 1918) และ “Daisi” (1923) โดย Z. P. Paliashvili ในปีพ.ศ. 2469 การโพสต์ก็เสร็จสมบูรณ์ O. "Tamar Tsbieri" ("Insidious Tamara", 3rd ed. ภายใต้ชื่อ "Darejan Tsbieri", 1936) M. A. Balanchivadze อาร์เมเนีย O. ขนาดใหญ่คนแรก - "Almast" โดย A. A. สเปนด์เดียรอฟ (หลังปี 1930, มอสโก, 1933, เยเรวาน) U. Hajibeyov ซึ่งเริ่มต้นในช่วงทศวรรษ 1900 การต่อสู้เพื่อสร้างอาเซอร์ไบจัน ละครเพลง (mugham O. "Leili and Majnun", 2451; ละครเพลงเรื่อง "Arshin Mal Alan", 2456 ฯลฯ ) เขียนมหากาพย์ที่ยิ่งใหญ่ในปี 2479 O. "Kor-ogly" ซึ่งร่วมกับ "Nergiz" โดย A. M. M. Magomayev (1935) กลายเป็นพื้นฐานของระดับชาติ ละครโอเปร่าในอาเซอร์ไบจาน วิธี. บทบาทในการก่อตั้งอาเซอร์ไบจาน O. ยังเล่น "Shahsenem" โดย R. M. Gliere (1925, 2nd ed. 1934) หนุ่มชาติ ศิลปะในสาธารณรัฐทรานส์คอเคเชียนมีพื้นฐานมาจากแหล่งข้อมูลคติชนและรูปแบบพื้นบ้าน มหากาพย์และเป็นวีรบุรุษ หน้าระดับชาติของคุณ ของอดีต เส้นนี้เป็นระดับชาติ มหากาพย์ O. ยังคงดำเนินต่อไปในรูปแบบที่แตกต่างและทันสมัยกว่า โวหาร อิงจากผลงานเช่น "David Bek" โดย A. T. Tigranyan (หลังปี 1950, ฉบับที่ 2 ปี 1952), "Sayat-Nova" โดย A. G. Harutyunyan (1967) - ในอาร์เมเนีย, "Hand of the Great Masters" โดย Sh. M. Mshvelidze และ "Mindia" โดย O. V. Taktakishvili (ทั้งปี 1961) - ในจอร์เจีย หนึ่งในอาเซอร์ไบจันที่ได้รับความนิยมมากที่สุด O. กลายเป็น "เซบียา" โดย F. Amirov (1952 ฉบับใหม่ปี 1964) ซึ่งละครส่วนตัวเกี่ยวพันกับเหตุการณ์ระดับชาติ ความหมาย หัวข้อการก่อตั้งสหภาพโซเวียต เจ้าหน้าที่ในจอร์เจียได้ทุ่มเท O. “การลักพาตัวของดวงจันทร์” โดย Taktakishvili (1976)

ในยุค 30 ได้มีการวางรากฐานของชาติแล้ว โรงละครโอเปร่าในสาธารณรัฐวันพุธ เอเชียและคาซัคสถาน รวมถึงบางชนชาติของภูมิภาคโวลก้าและไซบีเรีย สิ่งมีชีวิต ความช่วยเหลือในการสร้างชาติของคุณเอง ทุมมอบภาษารัสเซียแก่ชนชาติเหล่านี้ นักแต่งเพลง อุซเบกครั้งแรก O. “ Farhad และ Shirin” (1936) สร้างโดย V. A. Uspensky โดยใช้ชื่อเดียวกัน โรงภาพยนตร์. บทละครที่รวมนาร์ เพลงและบางส่วนของ mugams เส้นทางจากละครที่มีดนตรีไปสู่การแสดงออกทางศิลปะเป็นเรื่องปกติสำหรับคนจำนวนหนึ่งที่ไม่เคยมีอาชีพที่พัฒนาแล้วในอดีต ดนตรี วัฒนธรรม. นาร์ ดนตรี ละครเรื่อง "Leili and Majnun" เป็นพื้นฐานของ O. ที่มีชื่อเดียวกันซึ่งเขียนในปี 1940 โดย Gliere ร่วมกัน จากอุซเบก นักแต่งเพลง-ทำนอง T. Jalilov เขาเชื่อมโยงกิจกรรมของเขากับอุซเบกอย่างแน่นหนา ดนตรี วัฒนธรรม A.F. Kozlovsky ผู้สร้างชาติ วัสดุมีเรื่องราวใหญ่ อ. "Ulugbek" (2485 ฉบับที่ 2 พ.ศ. 2501) S. A. Balasanyan เป็นผู้เขียนทัชมาฮาลคนแรก O. “ The Vose Uprising” (1939, ฉบับพิมพ์ครั้งที่ 2, 1959) และ “ The Blacksmith Kova” (ร่วมกับ Sh. N. Bobokalonov, 1941) เฟิร์ส คีร์กีซสถาน O. "Aichurek" (1939) ถูกสร้างขึ้นโดย V. A. Vlasov และ V. G. Fere ร่วมกัน กับ A. Maldybaev; ต่อมาพวกเขาก็เขียนว่า “Manas” (1944), “Toktogul” (1958) ดนตรี ละครและโอเปร่าโดย E. G. Brusilovsky "Kyz-Zhybek" (1934), "Zhalbyr" (1935, ฉบับที่ 2 พ.ศ. 2489), "Er-Targyn" (1936) เป็นจุดเริ่มต้นของคาซัค โรงละครดนตรี การก่อตั้งเติร์กเมนิสถาน ดนตรี โรงละครแห่งนี้มีอายุย้อนกลับไปถึงการผลิตโอเปร่าของ A. G. Shaposhnikov เรื่อง "Zohre and Tahir" (1941 ฉบับใหม่ร่วมกับ V. Mukhatov, 1953) ต่อจากนั้นผู้เขียนคนเดียวกันได้เขียนชุด O. อีกชุดในเติร์กเมนิสถาน ระดับชาติ วัสดุรวมทั้งข้อต่อ กับ D. Ovezov “Shasenem และ Gharib” (1944, 2nd ed. 1955) Buryat ตัวแรกปรากฏในปี 1940 O. - “ Enkhe - bulat-baatar” โดย M. P. Frolov ในการพัฒนาด้านดนตรี t-ra ในหมู่ผู้คนในภูมิภาคโวลก้าและตะวันออกไกลก็มีส่วนทำให้ L.K. Knipper, G.I. Litinsky, N.I. Peiko, S.N. Ryauzov, N.K. Chemberdzhi และคนอื่น ๆ

ในเวลาเดียวกันจากจุดสิ้นสุดแล้ว 30s สาธารณรัฐเหล่านี้ผลิตนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ของตนเองจากตัวแทนของชนพื้นเมือง N. G. Zhiganov ผู้เขียน Tatars คนแรกทำงานอย่างมีประสิทธิผลในสาขาความคิดสร้างสรรค์โอเปร่า ทุม "Kachkyn" (2482) และ "Altynchach" (2484) หนึ่งใน O. ที่ดีที่สุดของเขา - "Jalil" (1957) ได้รับการยอมรับจากภายนอกททท สสส. เคหมายถึง. ความสำเร็จของชาติ ดนตรี วัฒนธรรมเป็นของ “Birzhan and Sara” โดย M. T. Tulebaev (1946, Kazakh SSR), “Hamza” โดย S. B. Babaev และ “The Tricks of Maysary” โดย S. A. Yudakov (ทั้งปี 1961, Uzbek SSR), “Pulat และ Gulru” (1955) และ "Rudaki" (1976) โดย Sh. S. Sayfiddinov (ทาจิก SSR), "Brothers" โดย D. D. Ayusheev (1962, สาธารณรัฐสังคมนิยมโซเวียตปกครองตนเอง Buryat), "Highlanders" โดย Sh. R. Cha-laev ( 1971, Dag. ASSR) เป็นต้น

เบลารุสในงานโอเปร่า Sov เป็นผู้นำในหมู่นักแต่งเพลง เรื่อง. การปฏิวัติและพลเมือง อุทิศให้กับสงคราม O. “ Mikhas Podgorny” โดย E.K. Tikotsky (1939), “ ในป่าแห่ง Polesie” โดย A.V. Bogatyrev (1939) มวยปล้ำเบลารุส พลพรรคในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ สงครามสะท้อนให้เห็นใน O. “Alesya” โดย Tikotsky (1944 ในฉบับใหม่“ Girl from Polesie”, 1953) ในการผลิตเหล่านี้ เบลารุสมีการใช้กันอย่างแพร่หลาย คติชน O. “ Flower of Happiness” โดย A. E. Turenkov (1939) มีพื้นฐานมาจากเนื้อหาของเพลงด้วย

ในระหว่างการต่อสู้เพื่อซ. อำนาจในสาธารณรัฐบอลติกถูกใช้หลัง ชาวลัตเวียคนแรก O. - “ Banyuta” โดย A. J. Kalnin (1919) และ duology โอเปร่า“ Fire and Sword” โดย Janis Medin (ส่วนที่ 1 พ.ศ. 2459, ส่วนที่ 2 พ.ศ. 2462) ผลงานเหล่านี้ร่วมกับ O. “On Fire” โดย Kalnina (1937) มาเป็นพื้นฐานของชาติ ละครโอเปร่าในลัตเวีย หลังจากการเข้ามาของลัตเวีย สาธารณรัฐในสหภาพโซเวียตในงานโอเปร่าของลัตเวีย ผู้แต่งสะท้อนถึงธีม สไตล์ และเพลงใหม่ที่ได้รับการอัปเดต ภาษา O. ท่ามกลางความทันสมัย นกฮูก ลัตเวีย O. มีชื่อเสียงจากเรื่อง “To the New Shore” (1955), “The Green Mill” (1958) โดย M. O. Zarina และ “The Golden Horse” โดย A. Zilinskis (1965) ในลิทัวเนียซึ่งเป็นรากฐานของชาติ ประเพณีโอเปร่าถูกวางลงในจุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 20 ผลงานของ M. Petrauskas - “Birutė” (1906) และ “Eglė - Queen of Snakes” (1918) นกฮูกตัวแรก สว่าง O. - “ หมู่บ้านใกล้ที่ดิน” (“ Paginerai”) โดย S. Shimkus (1941) ในช่วงทศวรรษที่ 50 ทุมปรากฏอยู่ในประวัติศาสตร์ ("Pilenai" โดย V. Yu. Klovy, 1956) และสมัยใหม่ ("Marite" โดย A.I. Raciunas, 1954) หัวข้อ ก้าวใหม่ในการพัฒนาลิตาส O. นำเสนอโดย “Lost Birds” โดย V. A. Laurusas, “At the Crossroads” โดย V. S. Paltanavičius (ทั้งปี 1967) มีการถือศีลอดในประเทศเอสโตเนียเมื่อปี พ.ศ. 2449 O. "Sabina" โดย A. G. Lemba (1906, 2nd ed. "Daughter of Lembitu", 1908) ในระดับชาติ โครงเรื่องพร้อมดนตรีอิงจากเรื่อง Est โฆษณา ท่วงทำนอง ในการต่อต้าน ยุค 20 ผลงานโอเปร่าอื่น ๆ ปรากฏขึ้น โดยผู้แต่งคนเดียวกัน (รวมถึง "Maiden of the Hill", 1928) เช่นเดียวกับ "Vickerians" โดย E. Aava (1928), "Kaupo" โดย A. Vedro (1932) เป็นต้น ฐานที่มั่นคงและกว้างสำหรับ การพัฒนาของชาติ O. ถูกสร้างขึ้นหลังจากเอสโตเนียเข้าร่วมสหภาพโซเวียต หนึ่งใน Est แรก นกฮูก O. คือ "Pyhajärv" โดย G. G. Ernesaks (1946) ทันสมัย หัวข้อนี้สะท้อนให้เห็นใน O. “The Fires of Vengeance” (1945) และ “The Singer of Freedom” (1950, 2nd ed. 1952) โดย E. A. Kapp การค้นหาใหม่ระบุว่า "The Iron House" โดย E. M. Tamberg (1965), "Swan Flight" โดย V. R. Tormis

ต่อมาวัฒนธรรมโอเปร่าเริ่มพัฒนาในมอลโดวา โอแรกบนแม่พิมพ์ ภาษาและระดับชาติ แปลงปรากฏเฉพาะในครึ่งปีหลังเท่านั้น 50s “Domnika” โดย A. G. Styrchi (1950, 2nd ed. 1964) ได้รับความนิยม

เนื่องจากการพัฒนาสื่อมวลชนอย่างกว้างขวางในศตวรรษที่ 20 ละครวิทยุและละครโทรทัศน์ประเภทพิเศษเกิดขึ้นโดยคำนึงถึงเฉพาะ สภาวะการรับรู้เมื่อฟังวิทยุหรือจากหน้าจอทีวี ในต่างประเทศ ประเทศต่างๆ มีการเขียน O. จำนวนหนึ่งสำหรับวิทยุโดยเฉพาะ รวมถึง "Columbus" โดย V. Egk (1933), "The Old Maid and the Thief" โดย Menotti (1939), "The Country Doctor" โดย Henze (1951, ใหม่ เอ็ด. 1965), "Don Quixote" โดย Iber (1947). O. เหล่านี้บางส่วนได้แสดงบนเวทีด้วย (เช่น "โคลัมบัส") ละครโทรทัศน์เขียนโดย Stravinsky ("The Flood", 1962), B. Martin ("Marriage" และ "How People Live", ทั้ง 1952), Kshenek ("Calculated and Played", 1962), Menotti ("Amal and the Night Guest", 1951 ; "Labyrinth", 1963) และนักประพันธ์เพลงรายใหญ่คนอื่นๆ ในสหภาพโซเวียต ละครวิทยุและโทรทัศน์เป็นการผลิตประเภทพิเศษ ไม่ได้ใช้กันอย่างแพร่หลาย โอเปร่าที่เขียนขึ้นเป็นพิเศษสำหรับโทรทัศน์โดย V. A. Vlasov และ V. G. Fere ("The Witch", 1961) และ V. G. Agafonnikov ("Anna Snegina", 1970) มีลักษณะเป็นการทดลองส่วนบุคคล สจ. วิทยุและโทรทัศน์กำลังเดินตามเส้นทางของการสร้างสรรค์งานจิตรกรรมชิ้นเอกและดนตรีวรรณกรรม การเรียบเรียงหรือดัดแปลงภาพยนตร์จากผลงานโอเปร่าที่มีชื่อเสียง คลาสสิค และทันสมัย ผู้เขียน

วรรณกรรม: Serov A.N. ชะตากรรมของโอเปร่าในรัสเซีย "เวทีรัสเซีย" พ.ศ. 2407 หมายเลข 2 และ 7 เหมือนกันในหนังสือของเขา: Selected Articles, vol. 1, M.-L., 1950; ของเขา, โอเปร่าในรัสเซียและโอเปร่ารัสเซีย, "Musical Light", พ.ศ. 2413, ฉบับที่ 9, เหมือนกันในหนังสือของเขา: Critical Articles, vol. 4, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 2438; Cheshikhin V. ประวัติศาสตร์โอเปร่ารัสเซีย, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 2445, 2448; Engel Yu.. ที่โอเปร่า M. , 1911; Igor Glebov (Asafiev B.V.), Symphonic Etudes, P. , 1922, L. , 1970; เขา จดหมายเกี่ยวกับโอเปร่าและบัลเล่ต์รัสเซีย "Weekly of Petrograd State Academic Theatres", 2465, หมายเลข 3-7, 9-10, 12-13; โอเปร่าของเขาในหนังสือ: บทความเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของโซเวียต เล่ม 1, M.-L., 1947; Bogdanov-Berezovsky V. M. , โรงอุปรากรโซเวียต, L.-M. , 1940; Druskin M. คำถามเกี่ยวกับละครเพลงของโอเปร่า เลนินกราด 2495; Yarustovsky B. , ละครโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย, M. , 1953; โดยเขา บทความเกี่ยวกับละครโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 20 หนังสือ 1 ม. 2514; โอเปร่าโซเวียต การรวบรวมบทความเชิงวิพากษ์วิจารณ์ M. , 1953; Tigranov G. โรงละครดนตรีอาร์เมเนีย บทความและเนื้อหา เล่ม 1-3, E. , 1956-75; โดยเขา โอเปร่าและบัลเล่ต์แห่งอาร์เมเนีย, M. , 1966; Arkhimovich L. , โอเปร่าคลาสสิกของยูเครน, K. , 1957; Gozenpud A. โรงละครดนตรีในรัสเซีย จากต้นกำเนิดถึง Glinka, L. , 1959; โดยเขา โรงละครโอเปร่าโซเวียตรัสเซีย, L. , 1963; ของเขา, โรงละครโอเปร่ารัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19, เล่ม 1-3, L. , 1969-73; โรงละครโอเปร่ารัสเซียของเขาในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 และ F. I. Shalyapin, L. , 1974; โรงอุปรากรรัสเซียของเขาระหว่างการปฏิวัติสองครั้ง พ.ศ. 2448-2460 แอล. 2518; Ferman V.E. , โรงละครโอเปร่า, M. , 1961; Bernandt G. พจนานุกรมโอเปร่าจัดฉากหรือตีพิมพ์ครั้งแรกในรัสเซียและสหภาพโซเวียตก่อนการปฏิวัติ (พ.ศ. 2279-2502), M. , 2505; Khokhlovkina A. , โอเปร่ายุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 บทความ, M. , 1962; Smolsky B. S. , โรงละครดนตรีเบลารุส, มินสค์, 2506; Livanova T.N. บทวิจารณ์โอเปร่าในรัสเซีย เล่ม 1-2 หมายเลข 1-4 (ฉบับที่ 1 ร่วมกับ V.V. Protopopov), M. , 1966-73; Konen V. , โรงละครและซิมโฟนี, M. , 1968, 1975; คำถามเกี่ยวกับละครโอเปร่า (คอลเลกชัน) ผู้เรียบเรียง-เรียบเรียง Yu. Tyulin, M. , 1975; Danko L. , โอเปร่าการ์ตูนในศตวรรษที่ 20, L.-M. , 1976

โอเปร่ารัสเซีย โรงเรียนโอเปร่ารัสเซีย เช่นเดียวกับภาษาอิตาลี เยอรมัน ฝรั่งเศส มีความสำคัญระดับโลก เรื่องนี้เกี่ยวข้องกับโอเปร่าหลายเรื่องที่สร้างขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 รวมถึงผลงานหลายชิ้นของศตวรรษที่ 20 หนึ่งในโอเปร่าที่ได้รับความนิยมมากที่สุดบนเวทีโลกในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 – บอริส โกดูนอฟ M.P. Mussorgsky มักจัดฉากด้วย ราชินีแห่งจอบ P.I. Tchaikovsky (ไม่บ่อยนักกับโอเปร่าอื่น ๆ ของเขาเป็นหลัก) ยูจีน โอเนจิน); ทรงมีพระสิริรุ่งโรจน์มาก เจ้าชายอิกอร์เอ.พี. โบโรดิน; จากโอเปร่า 15 เรื่องโดย N.A. Rimsky-Korsakov ปรากฏเป็นประจำ กระทงทอง. ในบรรดาโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 20 ละครมากที่สุด นางฟ้าไฟ S.S. Prokofiev และ เลดี้แมคเบธแห่งมเซนสค์ดี.ดี. โชสตาโควิช แน่นอนว่าสิ่งนี้ไม่ได้ทำให้ความมั่งคั่งของโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติหมดไป ดูสิ่งนี้ด้วยโอเปร่า

การปรากฏตัวของโอเปร่าในรัสเซีย (ศตวรรษที่ 18) Opera เป็นหนึ่งในประเภทยุโรปตะวันตกประเภทแรกๆ ที่ได้รับความนิยมในดินแดนรัสเซีย ในช่วงทศวรรษที่ 1730 มีการสร้างโรงละครโอเปร่าของอิตาลีซึ่งนักดนตรีต่างชาติที่ทำงานในรัสเซียเขียน ( ซม. เพลงรัสเซีย); ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ มีการแสดงโอเปร่าสาธารณะปรากฏขึ้น โอเปร่ายังจัดแสดงในโรงละครเสิร์ฟด้วย ถือเป็นโอเปร่ารัสเซียตัวแรก มิลเลอร์ - หมอผีผู้หลอกลวงและผู้จับคู่ Mikhail Matveevich Sokolovsky กับข้อความของ A.O. Ablesimov (1779) - หนังตลกในชีวิตประจำวันพร้อมดนตรีประกอบที่มีลักษณะเป็นเพลงซึ่งวางรากฐานสำหรับผลงานยอดนิยมประเภทนี้จำนวนหนึ่ง - โอเปร่าการ์ตูนยุคแรก ในหมู่พวกเขาโอเปร่าของ Vasily Alekseevich Pashkevich (ค.ศ. 1742–1797) โดดเด่น ( ตระหนี่, 1782; เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก กอสตินี ดวอร์, 1792; โชคร้ายจากรถม้า, 1779) และ Evstigney Ipatovich Fomin (1761–1800) ( โค้ชอยู่บนจุดยืน, 1787; คนอเมริกัน, 1788) ในประเภทของโอเปร่าซีรีส์ผลงานสองชิ้นเขียนโดยนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนี้ Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751–1825) โดยมีพื้นฐานมาจากบทภาษาฝรั่งเศส - เหยี่ยว(1786) และ ลูกชายคู่แข่งหรือ Stratonics สมัยใหม่(1787); มีการทดลองที่น่าสนใจประเภทละครประโลมโลกและดนตรีเพื่อการแสดงละคร

โอเปร่าก่อนกลินกา (ศตวรรษที่ 19) ในศตวรรษหน้าความนิยมของประเภทโอเปร่าในรัสเซียเพิ่มมากขึ้น โอเปร่าเป็นจุดสุดยอดของแรงบันดาลใจของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 และแม้แต่ผู้ที่ไม่ได้ทิ้งงานประเภทนี้แม้แต่ชิ้นเดียว (เช่น M.A. Balakirev, A.K. Lyadov) ก็ไตร่ตรองผลงานโอเปร่าบางเรื่องเป็นเวลาหลายปี โครงการ เหตุผลนี้ชัดเจน ประการแรก โอเปร่าดังที่ไชคอฟสกีตั้งข้อสังเกตว่าเป็นประเภทที่ทำให้ "พูดภาษาของมวลชน" ได้; ประการที่สองโอเปร่าทำให้สามารถส่องสว่างปัญหาทางอุดมการณ์ประวัติศาสตร์จิตวิทยาและปัญหาอื่น ๆ ที่สำคัญซึ่งอยู่ในจิตใจของชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ได้ทางศิลปะ ในที่สุด ในวัฒนธรรมวิชาชีพรุ่นเยาว์ก็มีแรงดึงดูดอย่างมากต่อแนวเพลงที่รวมอยู่ด้วย ควบคู่ไปกับดนตรี คำร้อง การเคลื่อนไหวบนเวที และการวาดภาพ นอกจากนี้ ประเพณีบางอย่างได้พัฒนาไปแล้ว - มรดกที่หลงเหลืออยู่ในแนวดนตรีและละครของศตวรรษที่ 18

ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ศาลและโรงละครเอกชนเสียชีวิต

การผูกขาดกระจุกตัวอยู่ในมือของรัฐ ชีวิตทางดนตรีและการแสดงละครของเมืองหลวงทั้งสองมีชีวิตชีวามาก: ในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษเป็นช่วงรุ่งเรืองของบัลเล่ต์รัสเซีย ในช่วงทศวรรษที่ 1800 มีคณะละครสี่คณะในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ได้แก่ รัสเซีย ฝรั่งเศส เยอรมัน และอิตาลี โดยสามชุดแรกจัดแสดงทั้งละครและโอเปร่า ส่วนสุดท้าย - โอเปร่าเพียงแห่งเดียว คณะละครหลายคณะก็ทำงานในมอสโกเช่นกัน กิจการของอิตาลีมีเสถียรภาพมากที่สุด - แม้แต่ในช่วงต้นทศวรรษ 1870 ไชคอฟสกีรุ่นเยาว์ซึ่งแสดงในสาขาวิกฤติก็ถูกบังคับให้ต่อสู้เพื่อให้ได้ตำแหน่งที่เหมาะสมสำหรับโรงละครโอเปร่ารัสเซียในมอสโกเมื่อเปรียบเทียบกับของอิตาลี แรก Mussorgsky ในตอนหนึ่งซึ่งความหลงใหลของสาธารณชนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและนักวิจารณ์นักร้องชื่อดังชาวอิตาลีถูกเยาะเย้ยก็ถูกเขียนขึ้นในช่วงเปลี่ยนผ่านของทศวรรษที่ 1870

อุปรากรรัสเซียมีส่วนสนับสนุนอันทรงคุณค่าที่สุดในคลังของโรงละครดนตรีโลก กำเนิดในยุครุ่งเรืองคลาสสิกของอุปรากรอิตาลี ฝรั่งเศส และเยอรมัน อุปรากรรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ไม่เพียงแต่ตามโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติอื่นๆ เท่านั้น แต่ยังนำหน้าพวกเขาอีกด้วย ลักษณะพหุภาคีของการพัฒนาโรงละครโอเปร่ารัสเซียในศตวรรษที่ 19 มีส่วนทำให้งานศิลปะที่สมจริงของโลกมีสีสันมากขึ้น ผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียเปิดพื้นที่ใหม่ของความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าแนะนำเนื้อหาใหม่หลักการใหม่ในการสร้างละครดนตรีนำศิลปะโอเปร่าเข้าใกล้ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีประเภทอื่น ๆ มากขึ้นโดยเฉพาะกับซิมโฟนี

ประวัติความเป็นมาของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียมีความเชื่อมโยงกับการพัฒนาชีวิตทางสังคมในรัสเซียอย่างแยกไม่ออกกับการพัฒนาความคิดขั้นสูงของรัสเซีย Opera มีความโดดเด่นด้วยการเชื่อมต่อเหล่านี้ในศตวรรษที่ 18 และกลายเป็นปรากฏการณ์ระดับชาติในช่วงทศวรรษที่ 70 ซึ่งเป็นยุคแห่งพัฒนาการของการตรัสรู้ของรัสเซีย การก่อตั้งโรงเรียนโอเปร่ารัสเซียได้รับอิทธิพลจากแนวคิดด้านการศึกษาซึ่งแสดงออกด้วยความปรารถนาที่จะพรรณนาชีวิตของผู้คนตามความเป็นจริง

ดังนั้นตั้งแต่ก้าวแรกๆ โอเปร่ารัสเซียจึงกลายเป็นศิลปะประชาธิปไตย แผนการของโอเปร่ารัสเซียชุดแรกมักหยิบยกแนวคิดต่อต้านทาสซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของละครรัสเซียและวรรณกรรมรัสเซียเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 อย่างไรก็ตาม กระแสเหล่านี้ยังไม่ได้ก่อตัวขึ้นเป็นระบบที่เชื่อมโยงกัน พวกเขาแสดงออกมาในเชิงประจักษ์ในฉากจากชีวิตของชาวนา ในการแสดงการกดขี่ของเจ้าของที่ดิน ในการแสดงภาพเสียดสีของขุนนาง นี่คือโครงเรื่องของโอเปร่ารัสเซียเรื่องแรก: “ Misfortune from the Coach” โดย V. A. Pashkevich (ประมาณปี 1742-1797) บทโดย Ya. B. Knyazhnin (โพสต์ในปี 1779); “โค้ชบนจุดยืน” โดย E.I. Fomin (1761-1800) ในโอเปร่า "The Miller - หมอผีผู้หลอกลวงและผู้จับคู่" พร้อมข้อความโดย A. O. Ablesimov และดนตรีโดย M. M. Sokolovsky (ในฉบับที่สอง - E. I. Fomin) แนวคิดเรื่องความสูงส่งของผลงานของ ไถนาแสดงออกมาและผยองผู้สูงศักดิ์ถูกเยาะเย้ย ในโอเปร่า "เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Gostiny Dvor" โดย M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich ผู้รับผลประโยชน์และเจ้าหน้าที่รับสินบนถูกบรรยายในรูปแบบเสียดสี

โอเปร่ารัสเซียเรื่องแรกเป็นละครที่มีตอนดนตรีระหว่างการแสดง ฉากสนทนามีความสำคัญมากในตัวพวกเขา ดนตรีของโอเปร่าชุดแรกมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย: ผู้แต่งใช้ท่วงทำนองของเพลงพื้นบ้านที่มีอยู่อย่างกว้างขวางและประมวลผลให้เป็นพื้นฐานของโอเปร่า ตัวอย่างเช่น ใน "The Miller" คุณลักษณะทั้งหมดของตัวละครจะได้รับความช่วยเหลือจากเพลงพื้นบ้านประเภทต่างๆ ในโอเปร่า "เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Gostiny Dvor" พิธีแต่งงานพื้นบ้านทำซ้ำได้อย่างแม่นยำ ใน "Coachmen on a Stand" Fomin ได้สร้างตัวอย่างแรกของการแสดงโอเปร่าประสานเสียงพื้นบ้าน เพื่อเป็นการวางรากฐานสำหรับหนึ่งในประเพณีทั่วไปของอุปรากรรัสเซียในยุคหลังๆ

โอเปร่ารัสเซียพัฒนาขึ้นเพื่อต่อสู้เพื่อเอกลักษณ์ประจำชาติ นโยบายของราชสำนักและสังคมชั้นสูงที่อุปถัมภ์คณะละครต่างประเทศนั้นมุ่งต่อต้านประชาธิปไตยในศิลปะรัสเซีย บุคคลสำคัญของอุปรากรรัสเซียต้องเรียนรู้ทักษะการแสดงโอเปร่าโดยใช้ตัวอย่างของอุปรากรยุโรปตะวันตกและในขณะเดียวกันก็ปกป้องความเป็นอิสระของทิศทางระดับชาติของพวกเขา การต่อสู้ครั้งนี้กลายเป็นเงื่อนไขสำหรับการดำรงอยู่ของอุปรากรรัสเซียเป็นเวลาหลายปีโดยเข้าสู่รูปแบบใหม่ในขั้นตอนใหม่

พร้อมด้วยโอเปร่า-คอมเมดี้ในศตวรรษที่ 18 แนวโอเปร่าอื่น ๆ ก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน ในปี พ.ศ. 2333 มีการแสดงที่ศาลภายใต้ชื่อ "การจัดการเบื้องต้นของ Oleg" ข้อความที่เขียนโดยจักรพรรดินีแคทเธอรีนที่ 2 และดนตรีแต่งร่วมกันโดยนักแต่งเพลง C. Canobbio, G. Sarti และ V. A. Pashkevich ไม่ได้เป็นโอเปร่ามากนักโดยธรรมชาติและในระดับหนึ่งถือได้ว่าเป็นตัวอย่างแรกของแนวดนตรี-ประวัติศาสตร์ซึ่งแพร่หลายในศตวรรษที่ 19 ในผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียชื่อดัง D. S. Bortnyansky (1751-1825) แนวโอเปร่าแสดงโดยโอเปร่าโคลงสั้น ๆ "The Falcon" และ "The Rival Son" ซึ่งเป็นดนตรีที่ในแง่ของการพัฒนารูปแบบโอเปร่าและ ทักษะสามารถเทียบได้กับตัวอย่างโอเปร่ายุโรปตะวันตกสมัยใหม่

โรงละครโอเปร่าถูกใช้ในศตวรรษที่ 18 เป็นที่นิยมมาก โอเปร่าจากเมืองหลวงค่อยๆแทรกซึมเข้าไปในโรงละครอสังหาริมทรัพย์ โรงละครป้อมปราการในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 และ 19 ให้ตัวอย่างศิลปะการแสดงโอเปร่าและบทบาทส่วนบุคคลที่มีศิลปะสูง นักร้องและนักแสดงชาวรัสเซียผู้มีความสามารถได้รับการเสนอชื่อเข้าชิง เช่น นักร้อง E. Sandunova ซึ่งแสดงบนเวทีในเมืองหลวง หรือนักแสดงเสิร์ฟของ Sheremetev Theatre P. Zhemchugova

ความสำเร็จทางศิลปะของอุปรากรรัสเซียในศตวรรษที่ 18 เป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาอย่างรวดเร็วของละครเพลงในรัสเซียในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19

ความเชื่อมโยงระหว่างละครเพลงรัสเซียกับแนวคิดที่กำหนดชีวิตฝ่ายวิญญาณในยุคนั้นมีความเข้มแข็งขึ้นเป็นพิเศษในช่วงสงครามรักชาติในปี 1812 และในช่วงหลายปีของขบวนการ Decembrist แก่นเรื่องของความรักชาติซึ่งสะท้อนให้เห็นในแผนการทางประวัติศาสตร์และสมัยใหม่กลายเป็นพื้นฐานของการแสดงละครและดนตรีมากมาย แนวคิดเรื่องมนุษยนิยมและการประท้วงต่อต้านความไม่เท่าเทียมกันทางสังคมเป็นแรงบันดาลใจและทำให้เกิดประโยชน์ต่อศิลปะการแสดงละคร

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ยังคงเป็นไปไม่ได้ที่จะพูดถึงโอเปร่าในความหมายที่สมบูรณ์ของคำนี้ แนวเพลงผสมมีบทบาทสำคัญในโรงละครดนตรีรัสเซีย: โศกนาฏกรรมด้วยดนตรี, การแสดง, โอเปร่าการ์ตูน, โอเปร่าบัลเล่ต์ ก่อนหน้า Glinka โอเปร่ารัสเซียไม่รู้จักผลงานที่มีการแสดงละครที่มีพื้นฐานมาจากดนตรีเท่านั้นโดยไม่มีตอนพูด

นักแต่งเพลงที่โดดเด่นเรื่อง "โศกนาฏกรรมทางดนตรี" คือ O. A. Kozlovsky (1757-1831) ผู้สร้างดนตรีสำหรับโศกนาฏกรรมของ Ozerov, Katenin และ Shakhovsky นักแต่งเพลง A. A. Alyabyev (1787-1851) และ A. N. Verstovsky (1799-1862) ประสบความสำเร็จในการทำงานในแนวเพลงโวเดอวิลล์โดยแต่งเพลงสำหรับเพลงจำนวนหนึ่งที่มีเนื้อหาตลกขบขันและเสียดสี

โอเปร่าแห่งต้นศตวรรษที่ 19 ได้พัฒนาประเพณีในสมัยก่อน ปรากฏการณ์ทั่วไปคือการแสดงทุกวันพร้อมกับเพลงพื้นบ้าน ตัวอย่างของประเภทนี้คือการแสดง: "Yam", "Gatherings", "Bachelorette Party" ฯลฯ เพลงที่เขียนโดยนักแต่งเพลงสมัครเล่น A. N. Titov (1769-1827) แต่ชีวิตการแสดงละครอันยาวนานในยุคนั้นยังห่างไกลจากความเหนื่อยล้า ความดึงดูดใจต่อกระแสโรแมนติกตามแบบฉบับของเวลานั้นแสดงออกผ่านความหลงใหลในสังคมด้วยการแสดงเทพนิยายและแฟนตาซี นางเงือก Dnieper (Lesta) ซึ่งมีหลายส่วนประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ เพลงสำหรับโอเปร่าเหล่านี้ซึ่งมีรูปแบบเหมือนบทในนวนิยายเขียนโดยนักแต่งเพลง S. I. Davydov และ K. A. Kavos; มีการใช้ดนตรีของนักแต่งเพลงชาวออสเตรีย Kauer บางส่วน “ The Dnieper Mermaid” ไม่ได้ออกจากเวทีเป็นเวลานานไม่เพียงเพราะโครงเรื่องที่ให้ความบันเทิงซึ่งในคุณสมบัติหลักคาดว่าจะมีโครงเรื่อง “Mermaid” ของพุชกิน ไม่เพียงเพราะการผลิตที่หรูหราเท่านั้น แต่ยังเป็นเพราะ ดนตรีไพเราะ เรียบง่าย และเข้าถึงได้

นักแต่งเพลงชาวอิตาลี K. A. Cavos (พ.ศ. 2318-2383) ซึ่งทำงานในรัสเซียตั้งแต่อายุยังน้อยและใช้ความพยายามอย่างมากในการพัฒนาการแสดงโอเปร่าของรัสเซียได้พยายามครั้งแรกในการสร้างโอเปร่าที่กล้าหาญทางประวัติศาสตร์ ในปี พ.ศ. 2358 เขาได้แสดงโอเปร่า "อีวานซูซานิน" ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งอิงจากตอนหนึ่งของการต่อสู้ของชาวรัสเซียกับการรุกรานของโปแลนด์เมื่อต้นศตวรรษที่ 17 เขาพยายามสร้างชาติ - การแสดงความรักชาติ โอเปร่านี้ตอบสนองต่ออารมณ์ของสังคมที่รอดชีวิตจากสงครามปลดปล่อยต่อนโปเลียน โอเปร่าของ Kavos โดดเด่นท่ามกลางผลงานสมัยใหม่เนื่องจากทักษะของนักดนตรีมืออาชีพการพึ่งพาคติชนวิทยาของรัสเซียและความมีชีวิตชีวาของการแสดง แต่ก็ไม่ได้สูงเกินกว่าระดับของ "โอเปร่าแห่งความรอด" มากมายของนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสที่แสดงบนเวทีเดียวกัน Kavos ไม่สามารถสร้างมหากาพย์พื้นบ้านที่น่าเศร้าที่ Glinka สร้างขึ้นในอีกยี่สิบปีต่อมาโดยใช้โครงเรื่องเดียวกัน

นักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดในสามคนแรกของศตวรรษที่ 19 ควรได้รับการยอมรับ A. N. Verstovsky ซึ่งได้รับการกล่าวถึงในฐานะผู้แต่งเพลงสำหรับเพลงโวเดอวิลล์ โอเปร่าของเขา "Pan Tvardovsky" (โพสต์, 1828), "Askold's Grave" (โพสต์, 1835), "Vadim" (โพสต์, 1832) และอื่น ๆ ถือเป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาโอเปร่ารัสเซียก่อน Glinka งานของ Verstovsky สะท้อนให้เห็นถึงลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกของรัสเซีย สมัยโบราณของรัสเซีย, ประเพณีบทกวีของ Kievan Rus, เทพนิยายและตำนานเป็นพื้นฐานของโอเปร่าของเขา องค์ประกอบเวทย์มนตร์มีบทบาทสำคัญในพวกเขา ดนตรีของ Verstovsky ซึ่งมีรากฐานมาจากศิลปะพื้นบ้านอย่างลึกซึ้งได้ซึมซับต้นกำเนิดของชาวบ้านในความหมายที่กว้างที่สุด วีรบุรุษของเขาเป็นแบบอย่างของศิลปะพื้นบ้าน ในฐานะปรมาจารย์ด้านละครโอเปร่า Verstovsky ได้สร้างฉากที่เต็มไปด้วยสีสันโรแมนติกด้วยเนื้อหาอันน่าอัศจรรย์ ตัวอย่างของสไตล์ของเขาคือโอเปร่า "Askold's Grave" ซึ่งยังคงอยู่ในละครมาจนถึงทุกวันนี้ มันแสดงให้เห็นถึงคุณสมบัติที่ดีที่สุดของ Verstovsky - ของขวัญสำหรับทำนอง, ไหวพริบละครที่ยอดเยี่ยม, ความสามารถในการสร้างภาพลักษณ์ที่มีชีวิตชีวาและมีเอกลักษณ์ของตัวละคร

ผลงานของ Verstovsky อยู่ในยุคก่อนคลาสสิกของโอเปร่ารัสเซียแม้ว่าความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของพวกเขาจะยิ่งใหญ่มาก แต่ก็สรุปและพัฒนาคุณสมบัติที่ดีที่สุดทั้งหมดของการพัฒนาดนตรีโอเปร่ารัสเซียในยุคก่อนและร่วมสมัย

ตั้งแต่ยุค 30 ศตวรรษที่สิบเก้า โอเปร่ารัสเซียกำลังเข้าสู่ยุคคลาสสิก ผู้ก่อตั้งโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย M.I. Glinka (1804-1857) ได้สร้างโอเปร่าทางประวัติศาสตร์และโศกนาฏกรรม "Ivan Susanin" (1830) และโอเปร่ามหากาพย์เทพนิยาย "Ruslan และ Lyudmila" (1842) เสาหลักเหล่านี้วางรากฐานสำหรับสองกระแสที่สำคัญที่สุดในละครเพลงรัสเซีย: โอเปร่าทางประวัติศาสตร์และโอเปร่ามหากาพย์ที่มีมนต์ขลัง; หลักการสร้างสรรค์ของ Glinka ได้รับการนำไปใช้และพัฒนาโดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซียรุ่นต่อๆ ไป

Glinka พัฒนาขึ้นในฐานะศิลปินในยุคที่ถูกบดบังด้วยแนวคิดเรื่อง Decembrism ซึ่งทำให้เขาสามารถยกระดับเนื้อหาทางอุดมการณ์และศิลปะของโอเปร่าของเขาให้สูงขึ้นใหม่ที่สำคัญ เขาเป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียคนแรกที่มีผลงานภาพลักษณ์ของผู้คนโดยทั่วไปและลึกซึ้งกลายเป็นศูนย์กลางของงานทั้งหมด แก่นเรื่องความรักชาติในงานของเขาเชื่อมโยงกับหัวข้อการต่อสู้เพื่อเอกราชของประชาชนอย่างแยกไม่ออก

โอเปร่ารัสเซียช่วงก่อนหน้าได้เตรียมการปรากฏตัวของโอเปร่าของ Glinka แต่ความแตกต่างเชิงคุณภาพจากโอเปร่ารัสเซียรุ่นก่อนนั้นมีความสำคัญมาก ในโอเปร่าของ Glinka ความสมจริงของความคิดเชิงศิลปะไม่ได้แสดงออกมาในแต่ละแง่มุม แต่ทำหน้าที่เป็นวิธีการสร้างสรรค์แบบองค์รวมที่ช่วยให้เราสามารถให้ภาพรวมทางดนตรีและละครของแนวคิด ธีม และเนื้อเรื่องของโอเปร่าได้ กลินกาเข้าใจปัญหาเรื่องสัญชาติในรูปแบบใหม่: สำหรับเขาแล้ว มันไม่เพียงหมายถึงการพัฒนาทางดนตรีของเพลงพื้นบ้านเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการสะท้อนที่ลึกซึ้งและหลากหลายในดนตรีแห่งชีวิต ความรู้สึก และความคิดของผู้คน การเปิดเผยคุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะ รูปลักษณ์ทางจิตวิญญาณของพวกเขา นักแต่งเพลงไม่ได้ จำกัด ตัวเองให้สะท้อนถึงชีวิตพื้นบ้าน แต่ได้รวบรวมคุณลักษณะทั่วไปของโลกทัศน์พื้นบ้านไว้ในดนตรี โอเปร่าของกลินกาเป็นผลงานทางดนตรีและละครที่สำคัญ ไม่มีบทสนทนา เนื้อหาแสดงผ่านดนตรี แทนที่จะใช้โอเปร่าการ์ตูนเดี่ยวและร้องประสานเสียงเดี่ยวที่ยังไม่ได้รับการพัฒนา กลินกาสร้างรูปแบบโอเปร่าขนาดใหญ่ที่มีรายละเอียด พัฒนาพวกเขาด้วยความเชี่ยวชาญด้านซิมโฟนิกอย่างแท้จริง

ใน "Ivan Susanin" Glinka ยกย่องอดีตที่กล้าหาญของรัสเซีย ภาพทั่วไปของชาวรัสเซียรวมอยู่ในโอเปร่าพร้อมกับความจริงทางศิลปะที่ยิ่งใหญ่ การพัฒนาละครเพลงมีพื้นฐานมาจากการต่อต้านของวงการดนตรีระดับชาติต่างๆ

“ Ruslan และ Lyudmila” เป็นโอเปร่าที่เป็นจุดเริ่มต้นของโอเปร่ารัสเซียพื้นบ้าน ความสำคัญของ "รุสลัน" สำหรับดนตรีรัสเซียนั้นยิ่งใหญ่มาก โอเปร่าไม่เพียงมีอิทธิพลต่อประเภทละครเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเภทซิมโฟนิกด้วย ความกล้าหาญที่กล้าหาญและมหัศจรรย์อย่างลึกลับรวมถึงภาพลักษณ์ตะวันออกที่เต็มไปด้วยสีสันของ "Ruslan" ได้เติมพลังให้กับดนตรีรัสเซียมาเป็นเวลานาน

หลังจาก Glinka, A. S. Dargomyzhsky (1813-1869) ซึ่งเป็นศิลปินทั่วไปแห่งยุค 40-50 พูด ศตวรรษที่สิบเก้า Glinka มีอิทธิพลอย่างมากต่อ Dargomyzhsky แต่ในขณะเดียวกันคุณสมบัติใหม่ก็ปรากฏขึ้นในงานของเขาซึ่งเกิดจากสภาพทางสังคมใหม่ธีมใหม่ที่มาถึงงานศิลปะรัสเซีย ความเห็นอกเห็นใจอันอบอุ่นต่อบุคคลที่อับอายการรับรู้ถึงอันตรายของความไม่เท่าเทียมกันทางสังคมทัศนคติเชิงวิพากษ์ต่อระเบียบสังคมสะท้อนให้เห็นในงานของ Dargomyzhsky ที่เกี่ยวข้องกับแนวคิดเรื่องความสมจริงเชิงวิพากษ์ในวรรณคดี

เส้นทางของ Dargomyzhsky ในฐานะนักแต่งเพลงโอเปร่าเริ่มต้นด้วยการสร้างโอเปร่า "Esmeralda" โดยอิงจาก V. Hugo (โพสต์ในปี 1847) และผลงานโอเปร่ากลางของผู้แต่งควรได้รับการพิจารณาว่าเป็น "The Mermaid" (อิงจากละครของ A. S. Pushkin) จัดแสดงในปี พ.ศ. 2399 ในโอเปร่าเรื่องนี้พรสวรรค์ของ Dargomyzhsky ได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่และกำหนดทิศทางของงานของเขา ละครเรื่องความไม่เท่าเทียมกันทางสังคมระหว่างนาตาชาลูกสาวของมิลเลอร์กับเจ้าชายซึ่งรักกันดึงดูดนักแต่งเพลงเนื่องจากความเกี่ยวข้องของธีม Dargomyzhsky ปรับปรุงด้านดราม่าของโครงเรื่องด้วยการลดองค์ประกอบอันน่าอัศจรรย์ลง "Rusalka" เป็นโอเปร่าบทกวีและจิตวิทยาประจำวันของรัสเซียเรื่องแรก ดนตรีของเธอเป็นเพลงพื้นบ้านที่ลึกซึ้ง บนพื้นฐานของเพลง ผู้แต่งได้สร้างภาพชีวิตของวีรบุรุษ พัฒนารูปแบบการกล่าวร้ายในส่วนของตัวละครหลัก และพัฒนาฉากทั้งมวล ทำให้พวกเขากลายเป็นละครอย่างมีนัยสำคัญ

โอเปร่าเรื่องสุดท้ายของ Dargomyzhsky เรื่อง "The Stone Guest" ตามข้อมูลของพุชกิน (โพสต์ในปี พ.ศ. 2415 หลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลง) เป็นของอยู่แล้ว อีกช่วงหนึ่งในการพัฒนาโอเนราของรัสเซีย Dargomyzhsky กำหนดหน้าที่ในการสร้างภาษาดนตรีที่สมจริงซึ่งสะท้อนถึงน้ำเสียงพูด นักแต่งเพลงที่นี่ละทิ้งรูปแบบโอเปร่าแบบดั้งเดิม - อาเรีย, วงดนตรี, คอรัส; ส่วนเสียงร้องของโอเปร่ามีชัยเหนือส่วนออเคสตรา "The Stone Guest" ถือเป็นจุดเริ่มต้นของทิศทางหนึ่งของยุคต่อมาของโอเปร่ารัสเซีย ซึ่งเรียกว่า Chamber recitative opera ซึ่งต่อมาแสดงโดย "Mozart และ Salieri" โดย Rimsky-Korsakov, “The Miserly Knight” โดย Rachmaninov และคนอื่นๆ ลักษณะเฉพาะของโอเปร่าเหล่านี้คือทั้งหมดเขียนด้วยข้อความเต็มของ "โศกนาฏกรรมเล็ก ๆ น้อย ๆ " ของพุชกินโดยไม่มีการเปลี่ยนแปลง

ในยุค 60 โอเปร่ารัสเซียได้เข้าสู่ขั้นตอนใหม่ของการพัฒนา ผลงานของนักประพันธ์เพลงจากวง Balakirev (“The Mighty Handful”) และ Tchaikovsky ปรากฏบนเวทีรัสเซีย ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ความคิดสร้างสรรค์ของ A. N. Serov และ A. G. Rubinstein พัฒนาขึ้น

ผลงานโอเปร่าของ A. N. Serov (1820-1871) ซึ่งมีชื่อเสียงในฐานะนักวิจารณ์เพลงไม่สามารถนับได้ว่าเป็นปรากฏการณ์ที่สำคัญมากของโรงละครรัสเซีย อย่างไรก็ตาม ครั้งหนึ่งโอเปร่าของเขามีบทบาทเชิงบวก ในโอเปร่า "จูดิธ" (โพสต์ พ.ศ. 2406) Serov ได้สร้างผลงานที่มีลักษณะเป็นวีรบุรุษและรักชาติโดยอิงจากแผนการในพระคัมภีร์ ในโอเปร่า "Rogneda" (op. และ post. ในปี 1865) เขาหันไปสู่ยุคของ Kievan Rus โดยต้องการสานต่อแนว "Ruslan" อย่างไรก็ตาม โอเปร่ายังไม่ลึกพอ สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือโอเปร่าเรื่องที่สามของ Serov เรื่อง "The Power of the Enemy" ซึ่งสร้างจากละครเรื่อง "Don't Live the Way You Want" ของ A. N. Ostrovsky (โพสต์ในปี 1871) ผู้แต่งตัดสินใจสร้างเพลงโอเปร่าซึ่งเพลงควรอิงจากแหล่งข้อมูลหลัก อย่างไรก็ตาม โอเปร่าไม่มีคอนเซ็ปต์ดราม่าใดๆ เลย และดนตรีของโอเปร่าก็ไม่ได้ยกระดับความเป็นภาพรวมที่สมจริง

A. G. Rubinstein (1829-1894) เริ่มต้นจากการเป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าโดยการแต่งโอเปร่าทางประวัติศาสตร์เรื่อง “Battle of Kulikovo” (1850) เขาสร้างโอเปร่าโคลงสั้น ๆ "Feramors" และโอเปร่าโรแมนติก "Children of the Steppes" โอเปร่าที่ดีที่สุดของ Rubinstein "The Demon" หลังจาก Lermontov (1871) ยังคงอยู่ในละคร โอเปร่านี้เป็นตัวอย่างของโอเปร่าบทกวีของรัสเซียซึ่งหน้าที่มีความสามารถมากที่สุดอุทิศให้กับการแสดงความรู้สึกของตัวละคร ฉากประเภทของ " The Demon" ซึ่งผู้แต่งใช้ดนตรีพื้นบ้านของ Transcaucasia นำมาซึ่งรสชาติของท้องถิ่น โอเปร่า "The Demon" ประสบความสำเร็จในหมู่คนรุ่นราวคราวเดียวกันซึ่งมองเห็นภาพลักษณ์ของชายในยุค 40-50 ในตัวละครหลัก

ผลงานโอเปร่าของผู้แต่ง The Mighty Handful และ Tchaikovsky เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับสุนทรียภาพใหม่แห่งยุค 60 สภาพสังคมใหม่ทำให้เกิดงานใหม่สำหรับศิลปินชาวรัสเซีย ปัญหาหลักของยุคนี้คือปัญหาในการสะท้อนวิถีชีวิตชาวบ้านในงานศิลปะที่ซับซ้อนและไม่สอดคล้องกัน อิทธิพลของแนวคิดของนักปฏิวัติพรรคเดโมแครต (ส่วนใหญ่คือ Chernyshevsky) สะท้อนให้เห็นในสาขาความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีโดยโน้มน้าวใจต่อธีมและโครงเรื่องที่เป็นสากลการวางแนวมนุษยนิยมของผลงานและการเชิดชูพลังทางจิตวิญญาณอันสูงส่งของผู้คน ประเด็นทางประวัติศาสตร์มีความสำคัญเป็นพิเศษในเวลานี้

ความสนใจในประวัติศาสตร์ของคนในช่วงหลายปีที่ผ่านมานั้นเป็นเรื่องปกติไม่เพียง แต่สำหรับนักแต่งเพลงเท่านั้น วิทยาศาสตร์เชิงประวัติศาสตร์กำลังพัฒนาอย่างกว้างขวาง นักเขียน กวี และนักเขียนบทละครหันมาสนใจประเด็นทางประวัติศาสตร์ จิตรกรรมประวัติศาสตร์กำลังพัฒนา ยุคแห่งการปฏิวัติ การลุกฮือของชาวนา และขบวนการมวลชนกระตุ้นความสนใจอย่างสูงสุด สถานที่สำคัญถูกครอบครองโดยปัญหาความสัมพันธ์ระหว่างประชาชนกับพระราชอำนาจ โอเปร่าทางประวัติศาสตร์ของ M. P. Mussorgsky และ N. A. Rimsky-Korsakov อุทิศให้กับหัวข้อนี้

โอเปร่าของ M. P. Mussorgsky (1839-1881) "Boris Godunov" (1872) และ "Khovanshchina" (สร้างโดย Rlmsky-Korsakov ในปี 1882) เป็นของสาขาโศกนาฏกรรมทางประวัติศาสตร์ของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย ผู้แต่งเรียกสิ่งเหล่านั้นว่า "ละครเพลงพื้นบ้าน" เนื่องจากการล้อเลียนเป็นศูนย์กลางของงานทั้งสอง แนวคิดหลักของ "Boris Godunov" (ตามโศกนาฏกรรมในชื่อเดียวกันของพุชกิน) คือความขัดแย้ง: กษัตริย์ - ประชาชน แนวคิดนี้ถือเป็นหนึ่งในแนวคิดที่สำคัญและเฉียบแหลมที่สุดในยุคหลังการปฏิรูป Mussorgsky ต้องการค้นหาความคล้ายคลึงกับความทันสมัยในเหตุการณ์ในอดีตของ Rus ความขัดแย้งระหว่างผลประโยชน์ของประชาชนและอำนาจเผด็จการแสดงให้เห็นในฉากที่ขบวนการประชาชนกลายเป็นการลุกฮืออย่างเปิดเผย ในขณะเดียวกันผู้แต่งก็ให้ความสนใจอย่างมากกับ "โศกนาฏกรรมแห่งมโนธรรม" ที่ซาร์บอริสประสบ ภาพลักษณ์ที่หลากหลายของ Boris Godunov เป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าระดับโลก

Khovanshchina ละครเพลงเรื่องที่สองของ Mussorgsky อุทิศให้กับการลุกฮือของ Streltsy เมื่อปลายศตวรรษที่ 17 องค์ประกอบของการเคลื่อนไหวที่ได้รับความนิยมในทุกความรุนแรงนั้นแสดงออกมาอย่างน่าอัศจรรย์ด้วยดนตรีของโอเปร่าซึ่งมีพื้นฐานมาจากการคิดใหม่อย่างสร้างสรรค์ของศิลปะเพลงพื้นบ้าน เพลงของ "Khovanshchina" เช่นเดียวกับเพลงของ "Boris Godunov" มีลักษณะเป็นโศกนาฏกรรมอย่างสูง พื้นฐานของธีมอันไพเราะของโอเปร่าทั้งสองคือการสังเคราะห์เพลงและหลักการประกาศ นวัตกรรมของ Mussorgsky เกิดจากแนวคิดใหม่และวิธีแก้ปัญหาละครเพลงที่เป็นต้นฉบับอย่างล้ำลึก บังคับให้เราจัดอันดับโอเปร่าทั้งสองของเขาให้อยู่ในความสำเร็จสูงสุดของละครเพลง

โอเปร่า "Prince Igor" โดย A. P. Borodin (1833-1887) ยังเป็นของกลุ่มผลงานดนตรีประวัติศาสตร์ด้วย (เนื้อเรื่องได้รับแรงบันดาลใจจาก "The Tale of Igor's Campaign") แนวคิดเรื่องความรักต่อมาตุภูมิแนวคิดเรื่องการรวมเป็นหนึ่งต่อหน้าศัตรูถูกเปิดเผยโดยผู้แต่งพร้อมดราม่าอันยิ่งใหญ่ (ฉากใน Putivl) นักแต่งเพลงได้รวมเอาความยิ่งใหญ่ของแนวมหากาพย์เข้ากับโอเปร่าของเขาด้วยการเริ่มต้นโคลงสั้น ๆ คำสั่งของ Glinka ถูกนำมาใช้ในศูนย์รวมบทกวีของค่าย Polovtsian; ในทางกลับกันภาพวาดดนตรีตะวันออกของ Borodin เป็นแรงบันดาลใจให้นักแต่งเพลงชาวรัสเซียและโซเวียตหลายคนสร้างภาพลักษณ์แบบตะวันออก ของขวัญอันไพเราะอันน่าทึ่งของ Borodin แสดงออกในรูปแบบการร้องโอเปร่าอย่างกว้างขวาง โบโรดินไม่มีเวลาแสดงโอเปร่าให้จบ “Prince Igor” สร้างเสร็จโดย Rimsky-Korsakov และ Glazunov และในฉบับของพวกเขาได้จัดแสดงบนเวทีในปี 1890

ประเภทของละครเพลงประวัติศาสตร์ยังได้รับการพัฒนาโดย N. L. Rimsky-Korsakov (1844-1908) เสรีชน Pskov ที่กบฏต่อ Ivan the Terrible (โอเปร่า "Pskov Woman", 1872) บรรยายโดยนักแต่งเพลงด้วยความยิ่งใหญ่อันยิ่งใหญ่ พระฉายาลักษณ์ของกษัตริย์คือร่มเงาของละครอย่างแท้จริง องค์ประกอบโคลงสั้น ๆ ของโอเปร่าที่เกี่ยวข้องกับนางเอกโอลก้าทำให้ดนตรีสมบูรณ์ขึ้นโดยแนะนำลักษณะของความอ่อนโยนและความนุ่มนวลที่ยอดเยี่ยมในแนวคิดที่น่าสลดใจ

P. I. Tchaikovsky (1840-1893) ซึ่งมีชื่อเสียงมากที่สุดในด้านจิตวิทยาและจิตวิทยาของเขาเป็นผู้เขียนโอเปร่าทางประวัติศาสตร์สามเรื่อง โอเปร่า "The Oprichnik" (1872) และ "Mazeppa" (1883) อุทิศให้กับเหตุการณ์ที่น่าทึ่งจากประวัติศาสตร์รัสเซีย ในโอเปร่าเรื่อง The Maid of Orleans (พ.ศ. 2422) นักแต่งเพลงหันไปหาประวัติศาสตร์ของฝรั่งเศสและสร้างภาพลักษณ์ของ Joan of Arc นางเอกชาวฝรั่งเศสประจำชาติ

ลักษณะเฉพาะของโอเปร่าทางประวัติศาสตร์ของไชคอฟสกีคือความเกี่ยวพันกับโอเปร่าเนื้อเพลงของเขา ผู้แต่งเผยให้เห็นถึงลักษณะเฉพาะของยุคสมัยที่ปรากฎผ่านชะตากรรมของแต่ละคน ภาพของฮีโร่ของเขาโดดเด่นด้วยความลึกและความจริงในการถ่ายทอดโลกภายในที่ซับซ้อนของบุคคล

นอกจากละครเพลงประวัติศาสตร์พื้นบ้านในอุปรากรรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19 แล้ว สถานที่สำคัญถูกครอบครองโดยโอเปร่าเทพนิยายพื้นบ้านซึ่งมีการแสดงอย่างกว้างขวางในผลงานของ N. A. Rimsky-Korsakov โอเปร่าเทพนิยายที่ดีที่สุดของ Rimsky-Korsakov คือ "The Snow Maiden" (1881), "Sadko" (1896), “ Kashey the Immortal” (1902) และ“ Golden Cockerel" (1907) สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยโอเปร่า "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" (1904) ซึ่งเขียนขึ้นจากเนื้อหาจากตำนานพื้นบ้านเกี่ยวกับการรุกรานของตาตาร์ - มองโกล

โอเปร่าของ Rimsky-Korsakov ทำให้ประหลาดใจด้วยการตีความประเภทเทพนิยายพื้นบ้านที่หลากหลาย ไม่ว่าจะเป็นการตีความบทกวีเกี่ยวกับแนวคิดพื้นบ้านโบราณเกี่ยวกับธรรมชาติที่แสดงในเทพนิยายที่ยอดเยี่ยมเกี่ยวกับ Snow Maiden หรือภาพอันทรงพลังของ Novgorod โบราณหรือภาพของรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ในภาพเชิงเปรียบเทียบของอาณาจักร Kashcheev ที่หนาวเย็นจากนั้นก็เสียดสีระบบเผด็จการที่เน่าเปื่อยในภาพยอดนิยมเทพนิยาย (“ The Golden Cockerel”) ในกรณีที่แตกต่างกัน วิธีการแสดงละครเพลงของตัวละครและเทคนิคของละครเพลงของ Rimsky-Korsakov นั้นแตกต่างกัน อย่างไรก็ตาม ในโอเปร่าทั้งหมดของเขา เราสัมผัสได้ถึงความเข้าใจอันลึกซึ้งเชิงสร้างสรรค์ของผู้แต่งเกี่ยวกับโลกแห่งความคิดพื้นบ้าน ความเชื่อพื้นบ้าน และโลกทัศน์ของผู้คน พื้นฐานของดนตรีโอเปร่าของเขาคือภาษาของเพลงพื้นบ้าน การพึ่งพาศิลปะพื้นบ้าน การแสดงลักษณะของตัวละครผ่านการใช้แนวเพลงพื้นบ้านต่างๆ ถือเป็นลักษณะทั่วไปของ Rimsky-Korsakov

จุดสุดยอดของความคิดสร้างสรรค์ของ Rimsky-Korsakov คือมหากาพย์อันยิ่งใหญ่เกี่ยวกับความรักชาติของผู้คนใน Rus ในโอเปร่า "The Legend of the Invisible City of Kitezh และ the Maiden Fevronia" ซึ่งผู้แต่งมีความสูงอย่างมากในด้านดนตรีและดนตรีไพเราะ ของธีม

ในบรรดาโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียประเภทอื่น ๆ หนึ่งในสถานที่สำคัญเป็นของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยาซึ่งเริ่มต้นด้วย "Rusalka" ของ Dargomyzhsky ตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของประเภทนี้ในดนตรีรัสเซียคือ Tchaikovsky ผู้แต่งผลงานที่ยอดเยี่ยมซึ่งรวมอยู่ในละครโอเปร่าระดับโลก: "Eugene Onegin" (พ.ศ. 2420-2421), "The Enchantress" (2430), "The Queen of Spades" (2433) ), “Iolanta” (1891) ). นวัตกรรมของไชคอฟสกีเชื่อมโยงกับทิศทางการทำงานของเขา ซึ่งอุทิศให้กับแนวคิดเรื่องมนุษยนิยม การประท้วงต่อต้านความอัปยศอดสูของมนุษย์ และศรัทธาในอนาคตที่ดีกว่าของมนุษยชาติ โลกภายในของผู้คน ความสัมพันธ์ ความรู้สึกของพวกเขาถูกเปิดเผยในโอเปร่าของไชคอฟสกีโดยการผสมผสานประสิทธิภาพการแสดงละครเข้ากับการพัฒนาดนตรีไพเราะที่สอดคล้องกัน ผลงานโอเปร่าของไชคอฟสกีเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของศิลปะดนตรีและการแสดงละครระดับโลกแห่งศตวรรษที่ 19

โอเปร่าตลกมีผลงานจำนวนน้อยกว่าในผลงานโอเปร่าของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย อย่างไรก็ตาม แม้แต่ตัวอย่างบางส่วนเหล่านี้ก็ยังโดดเด่นด้วยความคิดริเริ่มระดับชาติ ไม่มีความสว่างหรือความตลกขบขันอยู่ในนั้น ส่วนใหญ่อิงจากเรื่องราวของโกกอลจากเรื่อง “Evenings on a Farm near Dikanka” โอเปร่า-คอมเมดี้แต่ละเรื่องสะท้อนถึงลักษณะเฉพาะของผู้แต่ง ในโอเปร่าของไชคอฟสกี "Cherevichki" (พ.ศ. 2428; ในฉบับพิมพ์ครั้งแรก - "Blacksmith Vakula", พ.ศ. 2417) องค์ประกอบโคลงสั้น ๆ มีอำนาจเหนือกว่า; ใน May Night โดย Rimsky-Korsakov (1878) - มหัศจรรย์และเป็นพิธีกรรม; ใน "Sorochinskaya Fair" โดย Mussorgsky (ยุค 70 ยังไม่เสร็จ) - ตลกล้วนๆ โอเปร่าเหล่านี้เป็นตัวอย่างของทักษะในการสะท้อนชีวิตผู้คนในรูปแบบตัวละครตลกได้อย่างสมจริง

โอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียมาพร้อมกับปรากฏการณ์คู่ขนานหลายอย่างในโรงละครดนตรีรัสเซีย เราหมายถึงผลงานของนักแต่งเพลงที่ไม่ได้สร้างผลงานที่มีความสำคัญยั่งยืนแม้ว่าพวกเขาจะมีส่วนช่วยในการพัฒนาโอเปร่ารัสเซียก็ตาม ที่นี่เราต้องตั้งชื่อโอเปร่าของ C. A. Cui (1835-1918) ซึ่งเป็นสมาชิกของวง Balakirev นักวิจารณ์เพลงที่มีชื่อเสียงในยุค 60-70 โอเปร่าของ Cui "William Ratcliffe" และ "Angelo" ซึ่งไม่ทิ้งสไตล์โรแมนติกตามอัตภาพไม่มีดราม่าและบางครั้งก็มีดนตรีที่สดใส การสนับสนุนในภายหลังของ Cui มีความสำคัญน้อยกว่า ("The Captain's Daughter", "Mademoiselle Fifi" ฯลฯ ) โอเปร่าคลาสสิกประกอบเป็นผลงานของผู้ควบคุมวงและผู้อำนวยการดนตรีของโอเปร่าในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก E. F. Napravnik (1839-1916) ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือโอเปร่า Dubrovsky ของเขาซึ่งแต่งตามประเพณีของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ ของไชคอฟสกี

ของนักประพันธ์เพลงที่แสดงเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 บนเวทีโอเปร่าเราต้องตั้งชื่อ A.S. Arensky (1861-1906) ผู้แต่งโอเปร่าเรื่อง Dream on Volga", "Raphael" และ "Nal and Damayanti" รวมถึง M. M. Ishyulitova-Ivanova (1859-1935) ซึ่งมีโอเปร่า "Asya" ตาม I. S. Turgenev เขียนในลักษณะโคลงสั้น ๆ ของ Tchaikovsky ความโดดเด่นในประวัติศาสตร์ของโอเปร่ารัสเซียคือ "Oresteia" โดย S. I. Taneyev (1856-1915) ตามข้อมูลของ Aeschylus ซึ่งสามารถอธิบายได้ว่าเป็นการแสดงละคร

ในเวลาเดียวกัน S. V. Rachmaninov (พ.ศ. 2416-2486) ทำหน้าที่เป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าซึ่งในตอนท้ายของเรือนกระจก (พ.ศ. 2435) ได้แต่งบทเพลง oneru "Aleko" ตามประเพณีของไชคอฟสกี โอเปร่าในเวลาต่อมาของ Rachmaninov - Francesca da Rimini (1904) และ The Miserly Knight (1904) - เขียนในรูปแบบของ Cantata Operas; การแสดงบนเวทีจะถูกบีบอัดให้มากที่สุดและองค์ประกอบทางดนตรีและไพเราะก็ได้รับการพัฒนาอย่างมาก ดนตรีของโอเปร่าเหล่านี้มีความสามารถและสดใส ถือเป็นรูปแบบการสร้างสรรค์อันเป็นเอกลักษณ์ของผู้แต่ง

จากปรากฏการณ์ศิลปะโอเปร่าที่มีนัยสำคัญน้อยกว่าเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 มาตั้งชื่อโอเปร่าโดย A. T. Grechaninov (2407-2499)“ Dobrynya Nikitich” ซึ่งลักษณะเฉพาะของโอเปร่าคลาสสิกในเทพนิยายและมหากาพย์ทำให้เกิดเนื้อเพลงโรแมนติกเช่นเดียวกับโอเปร่าของ A. D. Kastalsky (2399-2469) “ Klara Milich” ซึ่งผสมผสานองค์ประกอบของธรรมชาติเข้ากับเนื้อเพลงที่จริงใจและน่าประทับใจ

ศตวรรษที่ 19 เป็นยุคของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย นักแต่งเพลงชาวรัสเซียสร้างผลงานชิ้นเอกในโอเปร่าประเภทต่างๆ: ละคร, มหากาพย์, โศกนาฏกรรมที่กล้าหาญ, ตลก พวกเขาสร้างสรรค์ละครเพลงที่เป็นนวัตกรรมใหม่ ซึ่งเกิดขึ้นโดยมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเนื้อหาที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของโอเปร่า บทบาทที่สำคัญในการกำหนดของฉากพื้นบ้านมวลชนการกำหนดลักษณะตัวละครที่หลากหลายการตีความรูปแบบโอเปร่าแบบดั้งเดิมใหม่และการสร้างหลักการใหม่ของความสามัคคีทางดนตรีของงานทั้งหมดเป็นคุณลักษณะเฉพาะของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย

โอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียซึ่งพัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของความคิดก้าวหน้าเชิงปรัชญาและสุนทรียภาพภายใต้อิทธิพลของเหตุการณ์ในชีวิตสาธารณะ กลายเป็นหนึ่งในแง่มุมที่น่าทึ่งของวัฒนธรรมประจำชาติรัสเซียในศตวรรษที่ 19 เส้นทางการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าของรัสเซียในศตวรรษที่ผ่านมาทั้งหมดขนานไปกับขบวนการปลดปล่อยอันยิ่งใหญ่ของชาวรัสเซีย นักแต่งเพลงได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดอันสูงส่งในด้านมนุษยนิยมและการรู้แจ้งในระบอบประชาธิปไตย และผลงานของพวกเขาถือเป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของงานศิลปะที่สมจริงอย่างแท้จริงสำหรับเรา