Головна › Огляди › Накладення одного барвистого шару в інший називається. Послідовність малювання від більшого до меншого, від загального до часткового

Накладення одного барвистого шару в інший називається. Послідовність малювання від більшого до меншого, від загального до часткового

|| Розділ 3 || Розділ 4 || Розділ 5 || Розділ 6 || Розділ 7 || Розділ 8 || Розділ 9 || Розділ 10 || Розділ 11 || Розділ 12

Виконуючи мальовничий твір, необхідно дотримуватись певної послідовності. Зазвичай художник починає роботу над картиною або настінним розписом із виконання кількох ескізів невеликого розміру, в яких конкретизує свій задум. З цією ж метою він може виконати етюди з натури.

Потім митець виконує малюнок майбутньої картини. Він може використовувати для цього олівець, вугілля або рідко розведену фарбу та тонку кисть. Можливе виготовлення так званої "кальки" або "картону" у тому випадку, коли малюнок необхідно перевести на якусь поверхню. Іноді художники пропускають цей етап роботи та починають одразу писати фарбами без попереднього малюнка.

Існує багато способів нанесення фарб на площину. Одні художники вважають за краще використовувати прийом лесування: наносити тонкі прозорі шари поверх висохлого барвистого шару. Інші досягають потрібного кольору відразу за одне покриття, а треті використовують роздільні мазки.

Художник може одночасно працювати над малюнком, композицією, ліпленням форм, передачею простору та колоритом. Так любив працювати П. Сезанн, особливо коли він писав свої пейзажі чи натюрморти з натури.

Однак такий шлях доступний не кожному. Треба мати чудову зорову пам'ять, точним малюнком, композиційним мисленням, бездоганним почуттям кольору.

Більшість художників вважають за краще вести роботу від загального до приватного, поступово наносячи основний колір предметів і стежачи за моделюванням обсягу. Потім уточнюють нюанси кольору, колірні рефлекси, загальний колорит картини. На останньому етапі знову переходять до узагальнення. Задля досягнення цілісності твору можна забрати зайві деталі, послабити контрасти, виділити головне. Так любив працювати чудовий художник А. А. Іванов. Він провів величезну підготовчу роботу до створення картини " Явлення Христа народу " . Численні мальовничі етюди, виставлені поруч із цією картиною у Третьяковській галереї, допомагають простежити творчий пошук автора.

У навчальних цілях краще працювати над мальовничою композицією послідовно. Дізнатися деякі секрети та таємниці живопису допоможуть вам висловлювання майстрів, вміщені в кінці цієї книги.

Художники-живописці передають красу навколишнього світу за допомогою фарб. Можна вибрати будь-яку основу: полотно, папір, картон, дошку, стіну та ін. Основа зазвичай ґрунтується спеціальними складами. Мальовники використовують різноманітні фарби: гуаш, акварель, темперу масляні та ін. Фарби наносять на основи? круглими та плоскими пензлями різної товщини. Іноді застосовують для цього мастихін ніж, ганчірку, навіть наносять фарбу пальцем, але краще все ж таки створювати мальовничі твори за допомогою спеціальних інструментів, а не підручними засобами. Технік письма, її особливості багато в чому залежить від властивостей фарб, розчинників, інструментів.

Із чого починати малювати? Таким питанням нерідко задаються художники-початківці, коли приступають до роботи. Проте досвідчені рисувальники давно знають відповідь на нього, тому що в класичній художній школі є чудовий принцип роботи. Малювати або писати слід від загального до приватного, від більшого до меншого.

Щоб зрозуміти це наочно, досить згадати, як малюють маленькі діти. Часто дитина зосереджується на докладному малюванні будь-якого предмета, не замислюючись про його розміри і про те, як він вписується в оточення. Діти можуть намалювати маленьку фігурку на великому аркуші. Трапляється так, що намальований предмет знаходиться десь у кутку аркуша, а довкола порожній простір. Діти через свій вік не сприймають весь лист як єдине ціле, тому малюють все окремо.

Щось подібне відбувається коли художники-початківці приступають до малюнка або живопису. Хочеться передати всю красу окремої деталі, намалювати її в подробицях, не замислюючись про єдність картини, про те, як ця деталь має бути підпорядкована оточенню. Але коли на «сумлінно» опрацьований фрагмент подивишся здалеку, відійшовши від мольберта, то бачиш, що все не так вже й добре, як здавалося поблизу. Сама деталь може і вдалася на славу, проте не вписалася в решту малюнку, тому в цілому вийшло все криво. Розглянемо це з прикладу.

Припустимо, художник малює портрет. І починає роботу відразу з промальовування ока, забувши про все інше. Далі малює ніс, губи, все обличчя та контури голови. Згодом завершує весь портрет. Т. е. почав малюнок з ока, а закінчив усім силуетом голови (дивіться ілюстрацію). У результаті, саме око вийшло, але змістилося убік. Те саме сталося і з носом, і з губами. Тому портрет вийшов не лише несхожим, а й кривим.

Але чому таке сталося? Тому що художник спочатку почав малювати малі об'єкти, а потім закінчив великими формами. Т. е. вів роботу від меншого до більшого. Але якби він почав роботу з контурів голови, овалу обличчя (тобто з великого), а потім перейшов до носа, губ, очей (меншого) — вищеописаної помилки не сталося б (точніше, ймовірність цього була б меншою). Адже, намітивши основу великих форм, набагато легше вписати до неї дрібні деталі. Легше порівняти відстані та пропорції. А якщо починати з дрібниць, не визначивши великих силуетів, підігнати одне до одного згодом буде дуже складно. Тому митці використовують послідовність малювання від більшого до меншого. І хоча сам собою цей спосіб не гарантує успіху, він значно допомагає в роботі. Але хіба ж не можна малювати так, як хочеться? У будь-якій послідовності? Великі майстри з великим досвідом можуть почати малюнок від точки А і закінчити в точці В, не замислюючись про послідовність. Вони все виходить вже на інтуїтивному рівні, оскільки за плечима величезний досвід. Але в більшості випадків рекомендується починати роботу не з дрібниць, а із загальних, великих мас, дивлячись на картину загалом. Адже й великі майстри, навіть якщо й порушують класичні етапи малюнка, в думці все одно бачать картину цілком, не фрагментарно.

Бачити ціле серед дрібних деталей дуже важливо з цілого ряду причин. Одна з них – це вміння узагальнювати. Без узагальнення не можна уявити ні малюнок, ні живопис. Узагальнення це не тільки спосіб полегшити роботу. За допомогою узагальнення художники створюють ілюзію, коли живопис чи малюнок здатні оживати. Візьмемо, наприклад, букет квітів. Якщо його почати писати з окремих пелюсток, і таким докладним листом продовжувати роботу до кінця, то живопис може не тільки містити помилки, а й бути менш виразним, «сухим». Однак, якщо художник почне роботу з великих мас, узагальнюючи та поєднуючи квіти в групи, а потім писатиме окремі квітки докладно, то така послідовність допоможе не заплутатися у відтінках, бачити головне, оживляти живопис. Пожвавлювати ефектом відбору, коли митець узагальнює другорядне та виділяє головне. Сусідство докладного та узагальненого створює ілюзію, в якій зображуваний вигляд ніби оживає.

Такий відбір вимагає від людини вміння бачити картину загалом, вміння звертати увагу на основне, не зосереджуватись на дрібницях. Коли у художника щодо цього «поставлене око», він зможе краще визначити, що потрібно узагальнити і як це зробити. Дивлячись на картину під таким кутом, художник зможе точніше визначити пропорції, краще побачити колірні та тонові стосунки.

Створюючи мальовничий твір, необхідно дотримуватись певної послідовності. Зазвичай митець починає роботу з картиною або настінним розписом з кількох композиційних ескізів невеликого розміру, в яких конкретизує своп задум. З цією метою він може виконати етюди з натури.

Для створення цікавого мальовничого полотна необхідно вчитися бачити в навколишньому житті цікаві події, персонажі, мотиви, ракурси та статки. Постійне виконання нарисів, замальовок та етюдів з натури розвиває не тільки око та руку, а й композиційне мислення.

Побачити цікавий композиційний мотив у житті не так просто. Допомогти цьому може рамка-видошукач, яку нескладно виготовити самим. Головне, щоб її протилежні сторони залишалися рухливими, тоді можна буде легко змінювати формат, збільшувати або зменшувати коло об'єктів, що входять у поле зору. Якщо немає рамки, то можна просто скласти долоні гак, як показано на малюнку.

Вибір найвиразнішого сюжету для композиції теж непросте завдання. Той самий сюжет сотні людей сприймають і тлумачать по-різному, тобто створюють свою версію. Під сюжетом треба розуміти те, що безпосередньо зображує художник на полотні, а зміст чи тема може бути набагато ширшим, тобто за однією темою можна створити твори з різними сюжетами.

Важливо ще до початку зображення спробувати уявити майбутню картину. Як правило, спочатку митець виконує кілька невеликих ескізів, щоб знайти найвиразнішу композицію. На цьому етапі визначається формат картини (витягнутий по вертикалі, прямокутний, квадратний, витягнутий по горизонталі та ін.) та її розмір.

Витягнутий вгору формат надає зображенню відчуття стрункості та височини. Формат у вигляді прямокутника, розташованого по горизонталі, зручний для зображення епічної дії. Ми вже говорили про те, що формат, побудований на основі пропорції золотого перерізу, добре підходить для зображення широкого мотиву пейзажу. Формат, отриманий способом збільшення квадрата повною діагоналлю, однаково зручний для зображення пейзажу, натюрморту та тематичної композиції.

Надмірне збільшення формату але вертикалі перетворює зображення на сувій, а надмірне збільшення формату але горизонталі диктує застосування панорамної чи фризової композиції. При виборі формату слід враховувати розташування основних об'єктів композиції – по горизонталі чи вертикалі, розвиток сюжету – зліва направо, у глибину картини тощо.

Формат у вигляді квадрата краще використовувати для створення врівноважених статичних композицій тому, що вони подумки співвідносяться з рівними центральними осями і рівними сторонами меж зображення.

Композиція в овалі та колі будується щодо уявних взаємно перпендикулярних центральних осей. Тут чітко мають бути виражені верх і низ зображення. Овал часто застосовують як формат для портрета, так як ця конфігурація легко співвідноситься з овалом людської особи або контуром погрудного зображення.

Художники використовують і формати складної конфігурації, що складаються з поєднання двох геометричних фігур, наприклад, напівкрута і прямокутника.

В ескізі промальовуються загальна композиційна схема, розташування тт взаємозв'язок основних дійових осіб без детального промальовування. Можливе тонове та кольорове рішення ескізу. Далі переходять до малюнка композиції, потім мальовничого її втілення.

Один із цікавих етапів роботи - збір натурного матеріалу: спостереження навколишнього життя, нариси та замальовки вдома та на вулиці залежно від обраного сюжету. Можна збирати натурний матеріал відразу після вибору сюжету або зайнятися після першого ескізу композиції.

Потім художник виконує малюнок майбутньої картини, використовуючи олівець, вугілля або рідко розведену фарбу та тонку кисть. Можливе виготовлення так званої кальки або картону, якщо малюнок необхідно перевести на якусь поверхню. Якщо щось не виходить у малюнку, можна ще раз вирушити на етюди, опрацювати деталі, що спричинили труднощі, а потім уточнити малюнок із використанням зібраного натурного матеріалу. Можна навіть створити новий композиційний зеки.", з урахуванням виконаних нарисів та замальовок з натури, уточнити задум.

Після цього переходять до мальовничого рішення полотна. Спочатку рідко розведеними фарбами виконують підмалювань, в якому визначаються загальні колірні та тонові відносини предметів, їх локальний колір. Потім приступають до основного етапу - власне мальовничого рішення полотна. Найкраще вести роботу від загальної до приватної, поступово наносячи основний колір предметів і елелю за моделюванням обсягу. Необхідно уточнити контрасти та нюанси кольору, колірні рефлекси, загальний колорит картини. На останньому етапі знову переходять до узагальнення. Задля досягнення цілісності твору слід забрати зайві літали, послабити контрасти, виділити головне.

Перелічені етапи виконання мальовничого твору дуже важливі, особливо у навчальних цілях. Проте буває, художники відмовляються від якогось етапу. Усі працюють по-різному. Одні виконують детально розроблений ескіз, інші пишуть відразу начисто, без попереднього малюнка олівцем. Хтось наполегливо шукає в натурі всі літали для картини, робить етюди за різних станів природи, малює натурників у відповідних костюмах та позах, вивчає необхідний історичний пли мистецтвознавчий матеріал. Інший митець більше довіряє своїй зоровій пам'яті та уяві і взагалі відмовляється від вивчення натури.

Художник може одночасно працювати над малюнком, композицією, ліпленням форми, передачею простору та колоритом. Так любив працювати П. Сезанн, особливо коли писав свої пейзажі чи натюрморти з натури. Однак такий шлях доступний не кожному. Треба мати чудову зорову пам'ять, точним малюнком, композиційним мисленням, бездоганним почуттям кольору.

Більшість художників вважають за краще виконувати всі необхідні етапи для створення живописного твору. Так любив працювати Л.А.Іванов. Він провів величезну підготовчу роботу до картини «Явление Христа народу». Численні мальовничі етюди, виставлені у Державній Третьяковській галереї, допомагають простежити творчий пошук автора.

Усе сказане про роботу над живописним твором не треба розуміти як постійний, обов'язковий і незмінний порядок. Проте дотримання правил допомагає досягти добрих результатів, опанувати майстерність.

Надіслати свою гарну роботу до бази знань просто. Використовуйте форму нижче

Студенти, аспіранти, молоді вчені, які використовують базу знань у своєму навчанні та роботі, будуть вам дуже вдячні.

Правило передачі руху.Об'єкт на картині виглядатиме таким, що рухається за наступних умов:

* якщо на кардині використовуються одна або кілька діагональних ліній, напрямів руху; *якщо залишити вільний простір перед об'єктом, що рухається;

*якщо вибрати певний момент руху, який найяскравіше відбиває його характер, є його кульмінацією.

Крім цього, зображення здаватиметься рухомим, якщо воно відтворює не один якийсь момент руху, а його послідовні фази. Наприклад, на давньоєгипетському рельєфі. Кожна з фігур застигла у певному положенні, але, розглядаючи композицію по колу, можна побачити послідовність у русі.

Рух зрозумілий лише за розгляді твори загалом, а чи не окремих моментів руху. Вільний простір перед об'єктом, що рухається, дає можливість подумки продовжити рух, як би запрошує нас рухатися разом з ним.

В іншому випадку, коли об'єкт зображений надто близько до краю аркуша, здається, що рух неможливо продовжити.

Підкреслити рух можна за допомогою напряму ліній малюнку. Наприклад, якщо всі лінії спрямовані вглиб листа. Виразність руху досягається, якщо зобразити героя в останній момент найвищої напруги його сил. Також відчуття руху дає розмите фон. неясні, нечіткі контури об'єктів. Велика кількість вертикальних чи горизонтальних ліній фону може загальмувати рух.

Зміна напряму руху часом його прискорює чи уповільнює. Особливість нашого зору полягає у тому. що ми читаємо текст ліворуч, і легше сприймається рух ліворуч, воно здається швидше.

Правило передачі статики.Композиція вважається статичною за наступних умов;

*якщо на картині відсутні діагональні напрямки;

якщо об'єкти зображені у спокійних (статичних) по sax, немає кульмінації дії;

якщо композиція є симетричною, врівноваженою чи побудовано основі простих геометричних схем (трикутник, коло, овал, квадрат, прямокутник).

Відчуття спокою може виникнути у творі мистецтва та за інших умов.

Наприклад, на картині К.Коровіна «Взимку», незважаючи на наявність діагональних напрямків, кінь із санями стоїть спокійно, немає відчуття руху з таких причин: геометричний та композиційний центри картини збігаються, композиція врівноважена, а вільний простір перед конем перегороджений деревом.

Виділення сюжетно-композиційного центру: Створюючи композицію, необхідно визначити, що буде головним у картині, і подбати про те, як виділити це головне, тобто сюжетно-композиційний центр, який часто називають «смисловим центром» або «зоровим центром» картини.

Звичайно, у сюжеті не все однаково важливо, і другорядні частини підкоряються головному. Центр композиції включає сюжетну зав'язку, основну дію та головних дійових осіб.

Композиційний центр має насамперед привертати увагу. Центр виділяють освітленістю, кольором, укрупненням зображення, контрастами та іншими засобами.

Не лише у творах живопису, а й у графіку, скульптурі, декоративному мистецтві, архітектурі виділяють композиційний центр. Наприклад, майстри Відродження воліли, щоб композиційний центр збігався із центром полотна.

Розміщуючи головних героїв таким чином, художники хотіли підкреслити їхню важливу роль, значущість для сюжету.

Художники вигадали безліч варіантів побудови картини при розміщенні центру композиції в будь-якому місці полотна. Цей прийом був успішно використаний передачі руху, динаміки подій, швидкого розгортання сюжету на картині В.Сурикова «Бояриня Морозова».

Картина Рембрандта "Повернення блудного сина" - класичний приклад композиції, де головне сильно зсунуто від центру для найточнішого розкриття основної ідеї твору.

Сюжет цієї картини навіяний євангельською притчею. На порозі рідного дому зустрілися батько та син, що повернувся після поневірянь світом. Мальовнича лайка мандрівника. Рембрандт ніби передає розповідь про тяжкий шлях, пройдений сином.

Можна довго розглядати цю спину, співчуючи стражданням заблудлого. Глибина простору виникає за рахунок послідовного ослаблення світлотіньових та колірних контрастів, починаючи від першого плану. Фактично вона будується фігурами свідків сієни прохання, що розчиняються поступово в напівтемряві.

Сліпий батько поклав руки на плечі сина на вибачення. У цьому жесті - мудрість, біль і туга, накопичена за роки, прожиті в тривозі, і всепрощення. Головне у картині Рембрандт виділяє світлом, зосереджуючи на ньому нашу увагу.

Композиційний центр знаходиться майже на краю картини. Художник врівноважує композицію фігурою старшого сина, що стоїть праворуч. Розміщення головного смислового центру однієї третини відстані по висоті відповідає закону золотого перерізу.

З давніх-давен його використовували художники для досягнення найбільшої виразності своїх творінь.

Правило золотого перерізу у композиції(Однієї третини). Для виявлення композиційного центру найбільш важливий елемент зображення мають відповідно до пропорції золотого перерізу, тобто приблизно на відстані "Дот цілого. Пропорційні співвідношення сторін зображуваних об'єктів і самого полотна для досягнення гармонії повинні відроїтися на основі золотого перерізу.

Картини з двома чи більшою кількістю композиційних центрів дозволяють показати кілька подій, що відбуваються одночасно і рівних за своєю значимістю.

Розглянемо картину Веласкеса «Меніни» та її схему. Один композиційний центр картини – юна інфанта. До неї з двох боків схилилися фрейліни - мінини. У геометричному центрі полотна знаходяться дві контрастують між собою плями однакової форми та однакового розміру. Вони протилежні, як день і ніч, один білий, інший чорний – це два виходи у світ – інший композиційний центр картини.

Один вихід - двері, освітлені сонцем. Інший - дзеркало, в якому відображається королівське подружжя. Другий вихід можна як вихід у світське суспільство. Контраст світлого та темного початку у картині можна розуміти як суперечку між художником та владикою.

Персонажі, зображені художником, досить численні, щоб глядач, у якого уявою, міг скласти портрети, пов'язані подібністю чи контрастують між собою (художник і король, придворні та еліта, краса і каліцтво, дитину й батьки, люди і тварини).

На одній картині можна використати відразу кілька способів, щоб виділити головне.

Наприклад, прийом «ізоляції» (зображення головного у відриві від інших предметів) можна використовувати, виділяючи основне розміром та кольором.

Важливо прийоми виділення сюжетно-композиційного центру використовувати не формально, а так. щоб найкращим чином розкрити задум та зміст твору.

Передача симетрії та асиметрії у композиції.Художники різних епох використовували симетричну побудову картини. Симетричними були багато стародавніх мозаїків. Художники епохи Відродження часто будували свої композиції за законами симетрії. Така побудова дозволяє досягти враження спокою, величності, особливої урочистості та значущості подій. У симетричній композиції люди або предмети розташовані майже дзеркально до центральної осі картини.

Симетрія в мистецтві заснована на реальній дійсності, рясніє симетричними формами.

Наприклад, симетрично влаштовані фігура людини, метелик, сніжинка тощо. Симетричні композиції - статичні (стійкі), ліва та права половини врівноважені.

В асиметричній композиції розташування об'єктів може бути найрізноманітнішим залежно від сюжету та задуму твору, ліва та права половини не врівноважені.

Передача рівноваги у композиції.У симетричній композиції усі частини врівноважені, асиметрична композиція може бути врівноваженою та неврівноваженою. Велика світла пляма врівноважується маленькою темною.

Багато маленьких за розміром плям можна врівноважити одним великим. Варіантів безліч: врівноважуються частини по масі, гону та кольору. Рівновага стосується як самих фігур, і проміжків з-поміж них.

Спеціальні вправи розвивають почуття рівноваги композиції. Необхідно навчитися врівноважувати великі та малі величини, світле та темне, різноманітні силуети та кольорові плями. Тут корисно згадати свій досвід перебування рівноваги на гойдалках.

Кожен легко зрозуміє, що одного підлітка можна врівноважити, якщо посадити на інший кінець гойдалок двох малюків. А малюк може хитатися навіть із дорослим, який сяде не на край гойдалки, а ближче до центру.

Такий же експеримент можна зробити з вагами. Подібні порівняння допомагають врівноважити різні частини картини за розміром, тоном та кольором для досягнення гармонії, тобто знайти рівновагу в композиції.

В асиметричній композиції рівновага іноді зовсім відсутня, якщо значеннєвий центр знаходиться ближче до краю картини. Враження від картини змінюється, якщо побачити її дзеркальне зображення. Цю властивість нашого зору теж необхідно враховувати у процесі пошуку рівноваги у композиції.

Композиційні правила, прийоми та засоби засновані на багатому творчому досвіді художників багатьох поколінь, але техніка композиції не стоїть на місці, вона постійно розвивається, збагачуючись творчою практикою нових майстрів. Якісь прийоми композиції стають класичними, але з'являються нові, оскільки життя ставить перед мистецтвом інші завдання.

3 . Гуаш як один із матеріалів та технік живопису

3.1 Мальовничі художні матеріали та техніки роботи

Художники-живописці передають красу навколишнього світу за допомогою фарб: гуаші, акварелі, темпери, масляних та ін. Можна вибрати будь-яку основу: полотно, папір, картон, дошку, стіну та ін. Основу зазвичай ґрунтують спеціальними складами. Фарби наносять на основу круглими та плоскими кистями різної товщини. Іноді при цьому застосовують мастихин. ніж. ганчірку, навіть палець, але краще все ж таки використовувати спеціальні інструменти, а не підручні засоби.

Фарби викладають на палітру та змішують, щоб отримати потрібний колірний відтінок. Палітра – це невелика тонка дошка прямокутної, овальної чи іншої форми. Палітру для масляної живописуроблять в основному з дерева, а для роботи аквареллю та гуашшю-- із білого пластику, іноді з поглибленнями для фарб. Як палітра часом використовую! білий блюдце, кахельна плитка або аркуш паперу. Перелік фарб, якими користується художник, також називають палітрою. У цьому значенні термін «палітра» близький до поняття «колорит».

Техніка письма, її особливості багато в чому залежить від властивостей фарб, розчинників, інструментів. До кінця XVII - початку XVIII ст. художники та підмайстри готували фарби самостійно, доручалося це зазвичай учням. Вони подрібнювали каміння на порошок і змішували його з клеєм, олією чи яйцем. Промислове виготовлення фарб зробило палітру кольорів більш різноманітною.

Фарби для живопису мають особливі назви. Найчастіше ці назви пов'язані з хімічними чи природними елементами (мінералами, рослинами), у тому числі вони виготовлені. Основа всіх фарб - пігмент - це різні барвники, або барвники. Вони бувають мінерального, хімічного, органічного(тварини або рослинного) походження. Для приготування фарб пігменти тонко розтирають у порошок і змішують із сполучними матеріалами (олією, клеєм та ін.). Органічні пігменти поступаються міцністю мінеральним. Зараз застосовують переважно штучні пігменти, як найбільш стійкі.

Часто назва фарб походить від сполучної речовини, що використовується для їхнього приготування. Наприклад, основа масляних фарб - лляне або якесь інше масло. Клейові фарби – це акварель, гуаш, темпера. Розповімо докладніше про клейові фарби, оскільки саме вони найчастіше використовуються в практиці навчання образотворчому мистецтву в педучилищах і в початковій школі.

Гуаш- непрозора (корпусна, криюча) фарба, яка розлучається водою. Твір мистецтва, виконаний такими фарбами, теж зветься «гуаш». Гуашові фарби виготовляють із пігментів та клею з додаванням білил. На відміну від акварелі, шар фарби, нанесений на папір, не прозорий, а матовий, щільний, з бархатистою поверхнею, яку надає домішка білил. При висиханні кольору гуаші дещо вибілюються (висвітлюються), що має враховувати митець у процесі малювання. Гуашеві яскраві фарби, під час роботи можливі виправлення, сюїт лише покласти поверх невдалого місця інший колір. Темні тони можна перекривати світлими. У гуаш додають білила для отримання світлішого тону.

3. 2 Послідовність виконання художнього твору

3. 3 Методика роботи над мальовничим зображенням натюрморту

живопис гуашовий колір композиція

Живопис натюрморту має основне значення у процесі. Це необхідний етап постановки руки, ока, розвитку відчуття кольору, цілісності бачення. Через натюрморт пізнається реальний світ у всьому його різноманітті. Натюрморт - це випадковий набір предметів. Активне ставлення до натури, почуття краси повинні виявлятися кожному етапі

Послідовність зображення натюрморту із побутових предметів: Перший етап.Виконує детальний малюнок натюрморту тонкими лініями, виявлення основних пропорційних відносин та конструкції предметів.

Другий етап.Виконання підмальовки. Перша прокладка локальних кольорів предметів та драпірування. Колір предметів складається на палітрі з використанням біл іл.

Третій етап.Виявлення колірних та тонових відносин. Пророблення та уточнення деталей світлим по темному та темному по світлому. Гуаш дозволяє вносити зміни у роботу; якщо щось не вийшло, перекрийте один колір іншим. Узагальнення та завершення роботи.

Послідовність зображення пейзажу Гуаш: Перший етап.Виконання малюнка композиції краєвиду. Малюнок пензлем легкий та вільний, з використанням фарби теплого чи холодного кольору залежно від колориту картини.

Другий етап.Прокладає основний колір неба, крон дерев, води. Передача вірних тональних та колірних відносин.

Третій етап.Промальовування деталей, узагальнення та завершення роботи. Досягнення колористичної єдності краєвиду.

3. 4 Методика роботи над живописом голови людини

Живопис голови людини будується на загальних засадах створення мальовничих зображень. Зупинимося на деяких методичних особливостях виконання етюдів голови. Завдання зображення голови зводяться до передачі її будови, ліплення форми кольором, виявлення індивідуальних якостей натури. Необхідно передати колірне багатство живого людського тіла, зв'язок голови людини з довкіллям.

Малюнок під живопис може бути виконаний олівцем, вугіллям, можна малювати відразу пензлем. Треба тонкими лініями передати конструктивну будову голови, її положення у просторі, намітити межі світлотіні.

Робота, як завжди, ведеться від загального до приватного: спочатку в підмальовці визначають загальні тональні та колірні відносини великих площин, потім невеликими мазками ліплять форму, промальовують деталі і на останньому етапі узагальнюють для досягнення цілісності.

Починати роботу краще з найтемнішого місця в натурі. Тіні на обличчі дуже прозорі. майже не приховують живого кольору обличчя. Порівнюючи з ними освітлені частини дина., Легше буде знайти півтони. Білий колір паперу тимчасово замінює освітлені поверхні. Не поспішайте виписувати кожну вію, якщо інші частини особи ще не вирішені хоча б узагальнено. Проробіть одночасно всі частини натури, працюйте методом відносин. Під час передачі об'єму голови слідкуйте за тим. щоб мазки лягали формою. Тонка колірна різноманітність залежить від безлічі рефлексів. Колір обличчя та одягу завжди набуває відтінку, додаткового до кольору фону.

На останній стадії роботи уважно поставтеся до виразності силуету голови, його дотику з ([юном. Десь необхідно розчинити лінії контуру, а в інших місцях, навпаки, зробити їх чіткішими. Якщо мальовничий має цілісне бачення натури, він правильно завершить роботу.

Послідовність виконання мальовничого етюду голови живої моделі: Перший етап.Виконання малюнка пензлем. Намітьте загальну форму голови та її положення у просторі. Промалюйте частини липа, форму зачіски без зайвих деталей.

Другий етап.Прокладання основного кольору обличчя, волосся, фону, дотримання вірних тональних та колірних відносин.

Третій етап.Прописування деталей, узагальнення та завершення роботи, досягнення портретної подібності, передача характеру та образу моделі.

3. 5 Методика роботи над живописом зображення фігури людини

Фігуру людини у навчальних цілях зображують але пояс і на повне зростання. Живопис фігури вимагає знання пластичної анатомії, перспективи, законів квітознавства. Корисно перед роботою дав живописним зображенням фігури людини виконати кілька етюдів цього об'єкта однією фарбою (гризайль).

На початку роботи важливо не просто посадити або поставити натуру в певну позу, а вивчити її характерні особливості та рухи, продумати вибір костюма. Тому рекомендується виконати мальовничі нариси натури. У процесі пошуку найбільш вдалою композиційного рішення в ескізах слід визначити пластичне розміщення фігури у вибраному форматі, загальний колорит. Характер моделі вирішує всю побудову композиції.

У підмальовці визначають основи тонального та колірного рішення. Далі, передаючи об'ємні, матеріальні та просторові якості моделі, необхідно ліпити форму мазками та працювати стосунками.

Зображуючи фігуру людини, обов'язково треба знаходити колірні відносини у зв'язку з навколишніми предметами та тлом. Одне й те ж драпірування поруч із освітленою частиною натури здаватиметься дещо темнішим, а в сусідстві з її темними місцями — дещо світлішим.

На останньому етапі слід звернути увагу на матеріальні та фактурні характеристики обличчя, волосся, одягу. Обличчя та руки завжди опрацьовують ретельніше, ніж аксесуари та фон. Важливо вчасно завершити роботу, уникнути подрібнення, зайвої опрацьованості деталей та ескізної незавершеності. Можливі різноманітні творчі підходи до зображення постаті людини.

Послідовність виконання мальовничого етюду фігури людини: Перший етап.Виконання малюнка пензлем. Намічають загальний рух фігури, її пропорції та положення у просторі. Промальовують голову, шию. торі, руки, ноги без зайвих деталей.

Другий етап.Прокладає основний колір тіла, волосся, одягу, фону, передачу вірних тональних і колірних відносин.

Третій етап.Промальовування деталей, узагальнення та завершення роботи, передача характеру та образу моделі.

Розміщено на Allbest.ru

Подібні документи

Методи створення композиції на площині за допомогою комп'ютера. Характеристики та образотворчі засоби композиції. Значення форми посилення емоційного впливу твори. Основні засади її побудови, засоби досягнення гармонії.

контрольна робота , доданий 14.02.2011

Графічна композиція як структурний принцип твору, основні образотворчі засоби, особливості організації. Класифікація та види, а також функціональні можливості плями, принципи та основні етапи побудови композиції за його допомогою.

курсова робота , доданий 16.06.2015

Значення кольору в декоративній композиції як образотворчого та виразного засобу. Основні властивості кольорів, їхнє психологічне сприйняття. Історичний розвиток колористичних тенденцій, особливості гармонійних поєднань кольорів у костюмі.

курсова робота , доданий 03.05.2011

Особливості побудови композиції у декоративному живописі. Основні етапи роботи над тематичною виставою "Мода". Способи та прийоми виконання художнього твору. Знання техніки та матеріалів живопису, використання її в дизайні середовища.

курсова робота , доданий 01.03.2014

Аналіз історичних аспектів виникнення та розвитку лакового мініатюрного живопису в Росії. Основні теми мисливського жанру. Етапи роботи над створенням композиції на тему "Качине полювання". Розробка технологічної послідовності розпису шкатулки.

дипломна робота , доданий 29.07.2012

Проблеми композиції, її закономірності, прийоми, засоби вираження та гармонізації. Приклади асиметричної побудови композиції. Асиметрія як спосіб досягнення рівноваги. Супідрядність елементів - засіб поєднання асиметричної композиції.

реферат, доданий 14.10.2014

Абстрактний експресіонізм другої половини ХХ століття. Творчість Жан-Мішель Баскія, Г. Базеліца, Н. Олів'єра. Можливості змішаної техніки у мальовничій композиції: колаж, живопис акриловими та олійними фарбами з використанням графічних матеріалів.

дипломна робота , доданий 10.07.2015

Формальні ознаки композиції картини. Цілісність, підпорядкованість другорядного головному. Врівноваженість (статична та динамічна). Типи та форми, прийоми та засоби композиції та їх характеристика. Естетичний аспект формальної композиції.

реферат, доданий 20.11.2012

Значення ритму як організуючого початку композиції, особливості її побудови мистецтво різних історичних періодів. Просторовий вплив та види контрастних проявів кольору. Поняття художнього образу, його створення у графічному дизайні.

курсова робота , доданий 16.04.2012

Засоби виразності у мальовничій композиції пейзажу. Методичні засади організації тематичного малювання на тему "Пейзаж-настрій" на уроках образотворчого мистецтва в загальноосвітній школі. Із досвіду роботи над композицією картини.

Потім митець виконує малюнок майбутньої картини. Він може використовувати для цього олівець, вугілля або рідко розведену фарбу та тонку кисть. Можливе виготовлення так званої "кальки" або "картону" в тому випадку, коли малюнок необхідно перевести на якусь поверхню. Іноді художники пропускають цей етап роботи та починають одразу писати фарбами без попереднього малюнка.

104. П. СЕЗАНН. В лісі

Більшість художників вважають за краще вести роботу від загального до приватного, поступово наносячи основний колір предметів і стежачи за моделюванням обсягу. Потім уточнюють нюанси кольору, колірні рефлекси, загальний колорит картини. На останньому етапі знову переходять до узагальнення. Задля досягнення цілісності твору можна забрати зайві деталі, послабити контрасти, виділити головне. Так любив працювати чудовий художник А. А. Іванов. Він провів величезну підготовчу роботу перед створенням картини «Явление Христа народу». Численні мальовничі етюди, виставлені поруч із цією картиною у Третьяковській галереї, допомагають простежити творчий пошук автора.

105. А. А. ІВАНОВ. Явлення Христа народу

106. А. А. ІВАНОВ. Голова Іоанна Хрестителя. Етюд до картини «Явление Христа народу»

Художники-живописці передають красу навколишнього світу за допомогою фарб. Можна вибрати будь-яку основу: полотно, папір, картон, дошку, стіну та ін. Основа зазвичай ґрунтується спеціальними складами. Мальовники використовують різноманітні фарби: гуаш, акварель, темперу, масляні та ін. Фарби наносять на основу круглими та плоскими кистями різної товщини. Іноді застосовують для цього мастихін, ніж, ганчірку, навіть наносять фарбу пальцем, але краще все ж таки створювати мальовничі твори за допомогою спеціальних інструментів, а не підручними засобами. Техніка письма, її особливості багато в чому залежить від властивостей фарб, розчинників, інструментів.

107. Акварельні, гуашеві та олійні фарби

108 а. Акварель б. Гуаш ст. Масло

До кінця XVII – початку XVIII століть художники та підмайстри готували фарби самостійно, доручалося це зазвичай учням, які подрібнювали каміння на порошок та змішували його з клеєм, олією чи яйцем. При промисловому виготовленні фарб палітра кольорів стала різноманітнішою.

Фарби для живопису мають особливі назви. Дуже часто ці назви говорять нам про те, з яких хімічних чи природних елементів (мінералів, рослин) вони виготовлені. Основа всіх фарб – пігмент (тонко розтертий кольоровий порошок). Часто назва фарб походить від того, яка речовина використовується для їх приготування. Наприклад, для масляних фарб основою служить лляне або якесь інше масло. Клейові фарби – це акварель, гуаш, темпера. За старих часів виготовляли яєчну темперу на основі жовтка курячого яйця.

Популярне в рубриці: