Vanguard Jazz. Avantgarde-Jazz Avantgarde-Jazz

25. April 2013

„Die Avantgarde existiert im Namen des Widerstands gegen das Populäre und das, was rein kommerzieller Natur ist …“

Robert McKee, Kunsttheoretiker und Drehbuchautor

Innovative Jazzmusik, die in den späten 50er und frühen 60er Jahren des letzten Jahrhunderts entstand und klanglich dem Free Jazz sehr nahe kam, war eine Mischung aus Avantgarde-Sound mit Elementen des traditionellen Jazz. Das war Avantgarde-Jazz – eines der kraftvollsten musikalischen Phänomene des 20. Jahrhunderts.

Wie ein Blitz

Die Entwicklung des Avantgarde-Jazz auf globaler Ebene wurde von einer so hellen und farbenfrohen Persönlichkeit wie John Coltrane beeinflusst. Dieser großartige Jazzmusiker wurde zu einer wirklich bedeutenden Persönlichkeit in der Geschichte der Jazzmusik, die die Improvisationsschule und insbesondere den Avantgarde-Jazz beeinflusste.

„Mein Hauptziel ist es, ein spirituelles Leben zu führen und es in meiner Musik auszudrücken. Ich glaube, wenn man so lebt, kann man problemlos spielen, denn Musik wird ein Teil eines solchen Lebens. Musik steckt sehr, sehr tief in uns. In jedem von uns. Meine Musik ist Ausdruck von Erfahrung, Glauben und meinem Wesen…“ – diese Worte Coltranes charakterisieren seine Arbeit am besten.

In den 1940er Jahren war dieser Musiker wenig bekannt und spielte hauptsächlich in kleinen Orchestern. Doch 1955 wurde John Coltrane Teil der damals beliebten Miles Davis-Band (auf die wir etwas später zurückkommen werden). Aber es war nur eine Bühne. Nach einer Weile hört die Zusammenarbeit zwischen Miles und John auf zu bestehen. Zu Beginn der 60er Jahre begann John Coltrane Solomusik zu schaffen, die sein zukünftiges Schaffen bestimmte. So entstehen seine legendärsten Alben A Love Supreme, Giant Steps, Africa/Brass und Coltrane Jazz. Diese Werke sind zu einer Lektüre für das Studium der Grundlagen des Avantgarde-Jazz geworden. Und das Album „A Love Supreme“ erhielt zwei Grammy-Nominierungen und wurde zu seinem meistverkauften Werk.

Avante-Garten

Der in den 1960er Jahren entstandene Avantgarde-Jazz zeichnete sich durch den verzweifelten Wunsch aus, den traditionellen Jazz von den „Fesseln“ zu befreien und dadurch die Harmonie des Rhythmus zu stärken. Diese Richtung begann, auf radikal neue musikalische Ausdrucksmittel im Jazz zu setzen, es traten ungewöhnliche, bisher unbekannte Techniken auf. „Wenn es keine klaren Grenzen gibt, gibt es mehr Raum für fruchtbare Kreativität, für die Suche nach neuen Klangfacetten“, sagten viele Avantgarde-Jazzkünstler. Und sie hatten Recht.

Dieser großartige Musiker, dessen Liebe in den Herzen von Millionen Menschen auf der ganzen Welt lebt, wurde nur 41 Jahre alt. Seine Karriere war wie ein Blitz, hell, kraftvoll, aber kurz. John Coltrane wurde im Alter von 33 Jahren populär und ist immer noch eine der brillantesten Persönlichkeiten der Jazzwelt. Darüber hinaus wurde er von der African Orthodox Church of the Harveyites heiliggesprochen.

Umstritten und genial

Ein schüchterner Junge, der in Illinois lebt, einem Staat, der oft von Tornados und Gewitterwolken heimgesucht wird, träumt davon, ein akademischer Künstler und der talentierteste Jazzmusiker zu werden, und hat alles erreicht, was er wollte. Die ganze Welt erkannte den großen Musiker, dessen Name Miles Davis ist.

Dieser Mann stand an den Ursprüngen der Entwicklung verschiedener Bereiche der Jazzmusik – Cool Jazz, Modal Jazz, Fusion und Avantgarde-Jazz. Seine großartigen Werke definierten ein für alle Mal den Standard des Jazz-Sounds für drei Generationen von Musikliebhabern.

Davis‘ Arbeit ermöglicht es, die Dynamik der Entwicklung der zeitgenössischen Jazzmusik zu verfolgen, vom Bebop (Ende der 40er Jahre des 20. Jahrhunderts) bis hin zu modernen experimentellen Nischen und Stilen.

Im Vergleich zu anderen Jazzmusikern beschränkte sich Miles Davis nie auf einen bestimmten Stil. Er verliebte sich in die Zuhörer, gerade weil er eine unglaubliche Bandbreite an Klängen annahm. Die Vielseitigkeit seines Talents wurde von vielen Kritikern und Jazzexperten hervorgehoben. Und Duke Ellington verglich seine Schaffensfähigkeit mit der Arbeit von Picasso. Die Musik von Miles Davis ist kontrovers und gleichzeitig unendlich gesättigt. Später wurde es zu seinem Markenzeichen.

Davis‘ Karriere war herausfordernd und kontrovers. In den 50er Jahren wurde er drogenabhängig und trat vier Jahre lang nicht in der Jazzszene auf. Solche „Angriffe“ ereigneten sich später. Dennoch ließ eine neue Runde der Popularität nicht lange auf sich warten. In den späten 1960er Jahren beschloss Davis, inspiriert von der Rockmusik, mit Elektrowerkzeugen zu experimentieren. Er verzichtete völlig auf den von Jazzmustern geprägten Sound. Davis entwickelte eine völlig neue Art des Arrangements, bei dem recht lange Kompositionen kombiniert und mit kurzen Riffs „zementiert“ wurden.

In den 70er Jahren verwirklichte Miles Davis seinen Lebenstraum – eine neue Art von Jazzshow, die bei Kennern des Avantgarde-Jazz äußerst beliebt wurde. Danach wurde der Musiker ein gern gesehener Gast auf vielen europäischen und amerikanischen Jazz- und Rockfestivals. Aber Davis' Gesundheitszustand verschlechterte sich unaufhaltsam, und der Tod von Freunden, eine Krankheit (Lungenentzündung), ein schwerer Autounfall, erneut Drogen und rechtliche Probleme führten zu Apathie und anhaltender Depression. Nach 1975 stand Miles Davis sechs Jahre lang nicht auf der Bühne.

Jahre später wurde seine Rückkehr auf die Bühne mit der Aufnahme „The Man With A Horn“ von 1981 angekündigt.

Sein neuer Spielstil, Funk Rock Jazz, wurde mit dem 1986 erschienenen Album Tutu eingeführt. Es wurde als „Soundtrack des Jahrzehnts“ bezeichnet.

Bis zu seinem Tod (1991) tourte Miles Davis weiter und begeisterte mit unnachahmlichen Darbietungen seiner avantgardistischen Jazzkompositionen. Fans des Genres wissen, wie großartig Davies‘ Themen wie Seven Steps To Heaven, All Blues, Bitches brew, So What, Solar, Tune Up und Milestones klingen.

Zu den Errungenschaften von Miles Davis gehört die Schaffung eines einzigartigen Trompetenspielstils, der später einen großen Einfluss auf die Arbeit von Musikern hatte, die im Cool- und Bebop-Stil spielten. Er stand auch am Ursprung so interessanter Trends im Jazz wie Jazz-Rock und Fusion. Davis war unnachahmlich!

Es gibt einen Puls!

Avantgarde-Jazz existiert heute in den unterschiedlichsten und teilweise bizarren Formen. Es handelt sich um ernsthafte Konzeptkunst. Die zeitgenössische Avantgarde-Jazzmusik zeichnet sich durch eine vielseitige Mischung aus Stilen, Ästhetik und Klang aus. Während wir die Kompositionen dieses Genres genießen, spüren wir einen spontanen Übergang von der Schönheit des traditionellen Jazz-Sounds zur exzentrischen Anziehungskraft der Avantgarde. Avantgarde-Jazz ist selbstverständlich, als Teil unserer Realität, die jeden Tag in unseren Adern, in uns selbst pulsiert.

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/ Avantgarde-Jazz (aus der französischen Avantgarde Vorhut)- Konventioneller Name für Stilgruppen und Trends im modernen Jazz, der sich auf die Modernisierung der Musiksprache, auf die Entwicklung neuer, nicht-traditioneller Ausdrucksmittel und -techniken (im Bereich Atonalität, modale Improvisation und Komposition, Sonoristik, Elektronik) konzentriert Klangsynthese usw.). Es ist üblich, Avantgarde-Jazz als Free Jazz, „Third Trend“, Electronic Jazz, einige experimentelle Formen des Hard Bop, Cooljazz, Jazz-Rock usw. zu bezeichnen.

Anordnung / Arrangement (englisch „arrange arrangieren“, „ordnen“, „ordnen“) - Musikalische Darbietung, die für eine bestimmte Besetzung von Interpreten konzipiert und in Notenschrift aufgezeichnet ist. Im Jazz ist das Arrangement eine Möglichkeit, die Gesamtidee einer Ensemble- oder Orchesterinterpretation zu fixieren und der Hauptträger stilistischer Qualitäten, wodurch es nicht weniger wichtig wird als die Komposition in der akademischen Musik.

Archaischer (früher) Blues/ Archaischer (früher) Blues – Die älteste, traditionelle Art des Blues, die sich vermutlich in der ersten Hälfte des letzten Jahrhunderts im Süden der USA entwickelt hat und eine enge Verbindung zu afrikanischen Ursprüngen sowie anderen traditionellen aufweist Genres der amerikanischen Neger-Volksmusik (z. B. Arbeitslied, Holler, Ballade und Spiritual).

Archaischer (früher) Jazz/ Archaischer (früher) Jazz – Bezeichnung für die ältesten, traditionellen Jazzarten, die es seit der Mitte des letzten Jahrhunderts in einigen südlichen US-Bundesstaaten gibt. Der archaische Jazz wurde insbesondere durch die Musik der schwarzen und kreolischen Blaskapellen des 19. Jahrhunderts repräsentiert. Die Zeit des archaischen Jazz ging der Entstehung des New Orleans (klassischen) Stils voraus.

Sound Attack / Attack – Eines der wichtigen dynamischen Merkmale der Klangerzeugung im Jazz, verbunden mit dem ersten Moment der Klangaufnahme beim Spielen eines Musikinstruments oder beim Singen. Es kann scharf akzentuiert, aggressiv oder entspannt sein. Die Qualität des Klangangriffs wird maßgeblich vom Jazz-Sound bestimmt.

Afrikanisches „Handklavier“/ Afrikanisches Handklavier – In Afrika (an der Westküste und im südlichen Teil des Kontinents) weit verbreitetes Zupfrohr-Musikinstrument, das dem Xylophon ähnelt, mit einer Resonanzkörperlänge von 10 cm bis zu einem Meter und mit einer oder mehreren Reihen darauf befindliche Stimmzungen unterschiedlicher Größe aus Holz oder Metall, entsprechend Klängen unterschiedlicher Tonhöhen. Es hat viele lokale Namen – Sanza, Mbira, Mbila, Kalimba, Ndimba, Ndandi, Izhari, Mganga, Likembe, Selimba usw. Während der europäischen Kolonisierung Amerikas wurde Sanza von Negersklaven nach Kuba gebracht, wo es noch heute existiert.

Basis / Basis (englischer Unterteil, Sockel, Stütze)- Ein Ensemble oder Teil eines Ensembles, das die Funktion der begleitenden Solisten wahrnimmt.

Ballade / Ballade (von lat. ballo ich tanze)- Eine Liedgattung, die bei vielen Völkern anzutreffen ist und ihren Ursprung in alten Reigentanzliedern hat. Die typischen Merkmale der Ballade sind eine Kombination aus epischer Erzählung und Lyrik, strophische Form, langsames oder gemäßigtes Tempo sowie die Entwicklung der Handlung und des musikalischen Materials. In der Volksmusik amerikanischer Schwarzer hat sich ein origineller Balladentypus entwickelt, der einige Gemeinsamkeiten mit dem Blues aufweist und eine Verbindung zu afrikanischen Traditionen behält. Im Jazz hat sich der lyrische Balladenstil des Instrumentalspiels und -gesangs weit verbreitet.

Banjo / Banjo (Bonjo) – Ein Saitenzupfinstrument afrikanischen Ursprungs, das mit der Mandoline und der Gitarre verwandt ist. Es ist in der Folk-Mueing-Praxis amerikanischer Schwarzer sowohl als Solo- als auch als Begleitinstrument äußerst verbreitet. Die ursprünglichen Genres der Neger-Volksmusik für das Banjo trugen zur Entstehung des Ragtime und früher Formen des Jazz bei.

Barbershop Harmonie(„Friseurharmonie“) / Barbershop-Harmonie (engl. Barbershop Barbershop)- Eine Art harmonische Begleitung einer Melodie, die auf der parallelen chromatischen Bewegung von Stimmen bei der Verbindung von Akkorden (hauptsächlich Septakkorde) basiert. Diese Stimmführungstechnik entspricht dem Fingersatz des Banjos, in dessen Spielpraxis sich offenbar dieser eigentümliche harmonische Stil herausgebildet hat. Es wird auch angenommen, dass sein Ursprung mit der Existenz der Tradition halbfolkloreischer Amateurmusik im alten Amerika zusammenhängt, die von kleinen Ensembles gespielt wurde, die in Friseurläden spielten, die damals ein beliebter Ort für Erholung und Unterhaltung der Stadtbewohner waren (z. B Friseurläden verfügten normalerweise über eine Bar sowie einen Raum zum Singen und Tanzen. Barbershop-Ensembles beeinflussten die Entwicklung des amerikanischen Minstrel-Theaters (siehe Minstrel-Show) und des Ragtime.

Fasshausstil/ Barrel-House-Stil, Barrel-House-Piano (dt. Fasshausschenke, Bierhaus)- Entstanden in der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts und verbreitete sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts. archaischer Stil des Negro Piano Jazz. Barrel-House-Musik wurde auf dem Klavier in scharf synkopierter, perkussiver Weise ohne Pedal gespielt, mit einer klaren Trennung der Funktionen der rechten und linken Hand des Pianisten (in der rechten Hand eine freie synkopierte Melodie, in der linken Hand). Teilbegleitung wie „Bass-Akkord“ mit streng gehaltener metrischer Pulsation). Der Barrel-House-Stil wurde auch in kleinen Ensembles praktiziert, zu denen neben dem Klavier auch Banjo, Gitarre, Mandoline, Mundharmonika, Bass und Schlagzeug sowie primitive Volksinstrumente (Kazoo, Krug, „singende Säge“, Waschbrett, mit Seidenpapier usw. kämmen).

Abprallen / Abprallen (englischer Sprung, Sprung)- 1. Eine Art Swing, elastische rhythmische Bewegung in mäßigem Tempo mit Betonung der Haupttaktschläge. Das Gegenteil von Jump mit seinem einfachen, leicht geschwungenen Beat und dem sehr schnellen Tempo. 2. Modischer nordamerikanischer Tanz in gemäßigtem Tempo im 4/4-Takt, der einem langsamen Foxtrott ähnelt.

Begin / Veguine – Ein Tanz lateinamerikanischen Ursprungs (vermutlich von der Insel Martinique), im Vierfachtakt, in moderatem Tempo. Es hat einige Ähnlichkeiten mit Tango und Rumba. Erhielt in den 30er Jahren internationale Verbreitung. 20. Jahrhundert Die Melodie „Begine the Beguine“ aus K.Porters Musical „Jubilee“ (1935) ist eines der beliebtesten Jazzthemen.

Bebop – siehe Bop.

Big Band (großes Orchester) / Big Band - Eine charakteristische Spielart eines Jazzorchesters, die sich durch eine bestimmte Instrumentenzusammensetzung (mit der Hauptrolle der Blasinstrumente), eine spezifische Aufteilung der Instrumentalgruppen (Sektionen) und eine besondere Ensembletechnik auszeichnet Spielen (eine Kombination arrangierter Abschnitte mit Improvisationen von Solisten, Verwendung spezieller Arten der Orchesterbegleitung - Hintergrund sowie spezieller Arten metrorhythmischer Pulsation, Mischen von Klangfarben usw.). Die Anzahl der Musiker in einer Big Band beträgt 10 – 20 Personen. Typische Besetzung: 4 Trompeten, 4 Posaunen, 5 Saxophone und eine Rhythmusgruppe (Klavier, Gitarre, Bass, Schlagzeug); einige andere Varianten sind möglich. Es soll eine Saxophon-Sektion (Blätter), eine Blechbläser-Sektion (Brustschwimmen) und eine Rhythmus-Sektion haben; Dazu können eine Holzbläsergruppe (Woods) sowie eine Streichergruppe hinzugefügt werden. Die Entwicklung der Big Band begann in den 20er und frühen 30er Jahren. Auf dieser Grundlage entstand der Swing – einer der Grundstile des Orchesterjazz.

Beat / Beat (englisch beat) – Im weitesten Sinne – ein metrorhythmisches Pulsieren in der Musik. Im Jazz wird die Art des Beats (Groundbeat, Off-Beat, On-Beat, Too-Beat, Four-Beat usw.) durch die Interpretation der metrischen Struktur des Takts, das Verhältnis von Gleichheit und rhythmischen Akzenten bestimmt. der Grad ihrer Übereinstimmung oder Nichtübereinstimmung. Einem regelmäßigen, streng organisierten Takt steht in der Regel ein freierer und flexiblerer Rhythmus gegenüber. Ständig auftretende Mikromischungen rhythmischer Akzente relativ zu Beats verstärken den Eindruck von Impulsivität, innerer Konflikthaftigkeit und Spannung der musikalischen Bewegung.

Blockakkorde / Blockchords – Jazz-Piano-Spieltechnik, die auf paralleler monorhythmischer Akkordbewegung in den Teilen beider Hände des Pianisten basiert. Ein anderer bekannter Name dafür ist die Technik der gefesselten Hände. Erstmals in den frühen 40er Jahren entwickelt. Anschließend fand diese Art der Akkordstruktur Anwendung in der Aufführungspraxis kleiner Ensembles (Combos) und Big Bands.

Blues / Blues (vermutlich aus dem amerikanischen Idiom „sich blau fühlen, traurig sein“ oder aus dem Englischen „blue devils melancholy“,

Blues; Blau bedeutet auch Blau) Das traditionelle Genre der afroamerikanischen Musik, das eine der höchsten Errungenschaften der Negermusikkultur darstellt. Eng mit der afrikanischen Herkunft verbunden, ist sie in der Volksmusik der Schwarzen Süd-, Mittel- und Nordamerikas in vielen Genrevarianten vertreten. Laut Forschern entwickelte sich der Blues aus einer Reihe schwarzer Folk-Gesangsgenres, zu denen Arbeitslied, Holler, schwarze Ballade und Spirituals am wichtigsten sind. Das helle und einzigartige Aussehen des Blues manifestiert sich in den charakteristischen Merkmalen seiner Intonationsstruktur, seinem Modus, seiner Melodie, seiner Harmonie und seiner Form. Die Blues-Tradition ist in fast allen großen Jazzstilen vertreten; die führenden akademischen Komponisten des 20. Jahrhunderts thematisierten sie in ihren Werken. (darunter Ravel, Milhaud, Gershwin, Copland, Honegger, Martin und andere); Unter ihrem Einfluss entstanden viele Formen und Genres zeitgenössischer Pop- und Tanzmusik.

Blues-Form – Eine charakteristische Art der Blues-Strophenstruktur. Am häufigsten bezieht sich die Blues-Form auf die klassische zwölftaktige AAB-Frage-und-Antwort-Struktur mit einer wiederholten „Frage“ A und einer einmaligen „Antwort“ B, basierend auf dem Prinzip der „Änderung zum dritten Mal“. Diese Struktur entspricht einem bestimmten funktional-harmonischen Modell (Quadrat) mit einer typischen Blues-Trittfrequenz D-S-T, die in der europäischen Musik keine Entsprechungen hat. Die Stabilität des immer wieder wiederholten „Blues-Quadrats“ dient als organisierender Faktor bei der melodischen Improvisation. Die Spezifität der Bluesform kann sich auch in thematischen Strukturen anderer Tonleitern (8, 10, 16, 20, 24, 32 Takte) manifestieren.

„Blaue Töne“ / Blaue Noten – Zonen labiler (instabiler) Intonation einzelner Bundschritte, die nicht mit der in der europäischen Praxis akzeptierten Einteilung der Oktave in Töne und Halbtöne übereinstimmen. Typisch sowohl für Jazz als auch für die gesamte Negermusik im Allgemeinen. Im siebenstufigen Klang (Heptatonik) liegen sie am häufigsten auf den Stufen III und VII („Blues-Terz“ und „Blues-Septime“) und werden bedingt als abgesenkte Stufen III und VII des Dur notiert. Die Unzulänglichkeit der Wahrnehmung von „Blues-Tönen“ durch die Europäer führte zur Entstehung einer falschen Vorstellung vom Neger-Blues als trauriger, trauriger Musik (aus der Sicht europäischer Normen, Absenkung der Stufen III und VII des Dur). Modus erzeugt eine Art „Ominor“-Dur).

„Blues-Skala“/ Blaue Tonleiter – Ein bedingtes Konzept, das die europäische Idee der Tonleiterbasis der Negermusik (hauptsächlich Blues) widerspiegelt, begrenzt durch das gleichschwebende Temperamentsystem und das zugehörige Notationssystem. In Übereinstimmung mit dieser Idee wird die „Blues-Tonleiter“ als siebenstufiges natürliches Dur mit zusätzlichen „6 Blues-Tönen“ betrachtet – abgesenkte III- und VII-Stufen. Tatsächlich sind diese „Stufen“ Teil spezieller Internierungszonen, deren Tonhöhenvolumen sich von ähnlichen Stufen der europäischen Skala unterscheidet.

Big Band – Siehe Big Band.

Bongos / Vongos – lateinamerikanische Variante der Snaredrums (vermutlich indischer Herkunft). Üblicherweise wird ein Block aus zwei unterschiedlich großen Bongs verwendet, die durch einen Holzblock miteinander verbunden sind. In der Pop- und Tanzmusik verbreiteten sich Bongos nach dem Zweiten Weltkrieg. Im Jazz werden sie gelegentlich verwendet.

Bop/Thief – Jazzstil, der sich Anfang der 40er Jahre entwickelte. Das Geschlecht ist auch unter den Namen „Bebop“, „Beebap“, „Ribap“ und „Mintons-Style“ bekannt. Fast alle dieser Namen (mit Ausnahme des letzten) sind lautmalerischen Ursprungs und werden mit der Ausübung von Scat-Gesang in Verbindung gebracht. Der Begriff „Mintons-Stil“ leitet sich vom Namen des Harlem-Clubs „Minton's Playhouse“ ab, in dem die ersten Bop-Musiker, seine Gründer, auftraten. Bop ersetzte den Swing und entwickelte sich zu einer neuen, experimentellen Richtung des Negro-Jazz kleiner Ensembles ( Combos). Die wichtigsten Trends, die Bop charakterisieren - die Modernisierung des alten Hot Jazz, der Kult der freien Solo-Improvisation, Innovation im Bereich Melodie, Rhythmus, Harmonie, Form und andere Ausdrucksmittel. Bop gilt als der erste bedeutende Stil von Moderner Jazz.

Boper / Boper – Ein Musiker, der Bop spielt.

Brass Band / Brass Band (engl. Brass – Kupfer, Blechbläser; Band – Orchester) Einer der Namen der Negro Brass Band, der sich auf die Zeit des archaischen Jazz bezieht. Gelegentlich im klassischen Jazz und in den Namen moderner Dixieland-Jazz-Ensembles zu finden. Siehe auch Blaskapelle.

Break/Vreak (engl. Durchbruch, Pause, Veränderung) – Eine kurze Solo-Improvisationseinlage, die den Klang des Ensembles unterbricht. Es kann die Rolle einer Kadenz-„Antwort“ spielen (siehe Frage-Antwort-Prinzip), die einen beliebigen Abschnitt eines Jazzstücks vervollständigt oder eine Einleitung in den begleiteten Improvisationschor eines Solisten darstellt.

Breakdown (Breakdown) / Breakdown (englisch break-down Zusammenbruch, Verwirrung, Durcheinander)- Schneller, temperamentvoller Neger-Volkstanz. In der Mitte des neunzehnten Jahrhunderts. erlangte dank des Minstrel-Theaters große Popularität (siehe Minstrel-Show). Es wurde hier in der abschließenden Aufführung der Massentanzszenen verwendet, die auf der freien kollektiven Improvisation aller Teilnehmer aufbauten. Der Begriff bezog sich auch auf den verwandten Boogie-Woogie-Klavierstil, der in den ersten beiden Jahrzehnten dieses Jahrhunderts in Chicago populär war.

Brücke / Brücke (englische Brücke, Kreuzung)- Ein Zwischenabschnitt in der Struktur eines Jazzthemas, der dem letzten Reprisenabschnitt vorangeht (z. B. das dritte achttaktige B in einer Standard-AABA-Strophe mit zweiunddreißig Takten). Enthält Elemente der thematischen Entwicklung oder des Kontrasts, die als zusätzliche Anreize für Improvisationen dienen. Andere Namen für die Brücke sind Rilis (dt. Releas – Befreiung) und Channel (dt. Kanal – Weg, Quelle).

Boogie-Woogie / Boogie Woogie (lautmalerisch) – Piano-Blues-Stil, eine der frühesten Spielarten des Negro-Instrumental-Blues (zusammen mit archaischem Gitarren-Blues, 6-Arrel-House-Blues usw.). Vermutlich ist es das Ergebnis der Übertragung der Banjo- und Gitarrentechnik, die zur Begleitung des Blues-Gesangs verwendet wird, auf die Praxis des Klaviermusikspiels nordamerikanischer Schwarzer. Der Boogie-Woogie-Stil entstand in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in den USA. Es verbreitete sich in den ersten Jahrzehnten unseres Jahrhunderts dank der sogenannten. Hausmietparty. Seine klassischen Bilder stammen aus den 20er Jahren. Während der Swing-Periode gelangte Boogie-Woogie in das Repertoire der 6G-Bands. Die charakteristischen Merkmale des Piano-Boogie-Woogie sind die Abhängigkeit von der Blues-Tradition, das Vorherrschen von Metro-Rhythmen und Off-Beat-Phrasierung, die Sättigung mit Breaks und Riffs, Improvisation, technische Virtuosität, eine spezifische Art der Begleitung (Walkin-Bass – „Wandern“) Bass") und Rhythmen in der linken Hand des Pianisten (Shuffle-Rhythmus). Einige Merkmale des Jazz-Boogie-Woogie (zwölftaktiger Blues-Quadrat, motorischer Rhythmus, schnelles Tempo, Ostinato-Wiederholung von Bassfiguren) wurden in den 30er Jahren zu Attributen, die geschaffen wurden. die kommerzielle Unterhaltungsindustrie eines modischen exzentrischen Tanzes mit demselben Namen, der seit 1945 in Europa beliebt ist.

Hintergrund / Baskground (Englischer Hintergrund, Hintergrund)- Ein Begriff, der die Begleitung einer führenden Melodiestimme oder eines Solistenparts bezeichnet. Folgende Arten von Hintergrund werden unterschieden: 1) Akkord (der Hintergrund ist eine Folge von Akkorden, die dem harmonischen Quadrat des Themas entspricht); 2) melodisch (der Hauptstimme stehen kontrapunktische melodische Begleitstimmen gegenüber); 3) Riff (basierend auf der Technik der Riffs – sich im Ostinato wiederholende melodische Muster); 4) Bass (die Rolle der Begleitung übernimmt die Basslinie, die die funktional-harmonische Unterstützung der Melodie darstellt); 5) rhythmisch (in Form einer klar organisierten rhythmischen Pulsation mit Akzenten auf den Hauptschlägen des Taktes); 6) gemischt (Merkmale der oben genannten Typen kombinieren).

„Jazz Age“ – Siehe „Jazz Age“.

Westküsten-Jazz (Westküsten-Jazz)/West Coast Jazz – Eine Stilrichtung des modernen Jazz, die in den 50er Jahren in mehreren kalifornischen Städten entstand. (Die ersten Muster stammen aus dem Jahr 1949). Der Westküsten-Jazz entstand vor allem unter dem Einfluss von Progressive- und Bop-Stilen, weist aber auch andere stilistische Verbindungen auf – mit symphonischem Jazz, Swing, Cool Jazz und mit europäischer akademischer Musik. Es zeichnet sich durch emotionale Zurückhaltung, Strenge in Form und Stimmführung, eine Tendenz zur Verwendung linear-kontrapunktischer Techniken, eine Vorliebe für gemäßigte Tempi und abgerundete Kantilenenmelodien (im Geiste von Balladen und Evergreens), Sanftheit der Klangerzeugung (in diesem Sinne Westküsten-Jazz ist eher kühl und nicht heiß-dkazu), Verfeinerung der harmonischen und klanglichen Mittel, eine Kombination aus einer diatonischen lado-tonalen Basis mit Chromismen, die sie „kolorieren“, und verschiedenen Modulationstechniken, ein „entspannter“ Charakter von Lead Pulsation und neben einem ruhigen, gleichmäßigen Rhythmus eine Tendenz zur vollständigen, symmetrischen Phrasierung. Die Verbindung zwischen Westküsten-Jazz und traditionellem Jazz wird durch die Verwendung dieses Stils durch Musiker angezeigt.

Simultane Gruppenimprovisation. Im Bereich der Kammermusik ist es für den West Coast Jazz typisch, Techniken der Aufführungstechnik großer Orchester zu übernehmen (bis hin zur Umwandlung des gesamten Ensembles in eine einzige Instrumentalgruppe, ähnlich einer Big-Band-Sektion). In der Orchesterpraxis des West Coast Jazz ist der gegenteilige Trend zu beobachten – hin zu einem kammermusikalischen Spielstil, Individualisierung der Klangfarben, Stärkung der Rolle der Soloimprovisation. Bemerkenswert ist auch die Einbeziehung solcher Instrumente in die Instrumentierung, die bisher in Jazz-Ensembles selten verwendet wurden, wie Oboe, Englischhorn, Fagott, Bassklarinette, Basstrompete, Bastrombone, Horn, Harfe, Streichinstrumente; Üblich ist die Kombination tiefer Holzbläser mit Saxophonen. Der Westküsten-Jazzstil trug wesentlich zur Entwicklung des europäisierten Konzertjazz bei.

Vaudeville / Vaudeville – Im modernen Sinne – eine Art Alltagskomödie mit Musiknummern, Couplets, Tänzen, Pantomimen und Trickszenen. In den USA ist das sogenannte. Amerikanischer Wühlmaus (und als seine Variante - Neger-Vaudeville), dessen Besonderheiten mit den nationalen Besonderheiten der Handlung und Musik, mit einem Appell an lokale Folklore und Alltagsstoffe sowie mit den Einflüssen des Minstrel-Theaters verbunden sind (siehe Minstrel-Show).

„Revival of Dixieland and New Orleans Jazz“ – Siehe Revival.

Fragen und Antworten(Verantwortungs-)Prinzip / Responsorial Prinzip (responsorisch, responsorium) (von lat.respondeo zu antworten) - eines der universellen Grundprinzipien der musikalischen Gestaltung, das eine solche Verbindung zwischen den Elementen der Form (Gebäude, Abschnitte, Teile; Motive, Phrasen, Sätze usw.) vorsieht, bei der diese Elemente komplementäre Paare bilden. Das Vorhandensein einer musikalischen Konstruktion, die die Funktion einer „Frage“ erfüllt (und daher Eigenschaften wie Instabilität, Unvollständigkeit, Offenheit aufweist), ist ein Faktor, der die Entstehung einer „Antwort“-Konstruktion bestimmt (stabiler und vollständiger, das Vorherige wiederherstellend). gestörtes dynamisches Schichtgleichgewicht). Das frageentsprechende Prinzip findet in vielen europäischen Musikformen Anwendung (Imitation, Reprise, Refrain; basierend auf konzentrischer Planung, Spiegelsymmetrie, periodischer Wiederholung usw.). Der einfachste Weg, dieses Prinzip in der Aufführungspraxis umzusetzen, ist der sogenannte. Antiphon (lat. antiphonos – Gegenklang) – der Wechsel zweier Gruppen des Ensembles, der Appell zwischen den Solisten, zwischen Solist und Ensemble. Reaktionstechnik in der afroamerikanischen Musik(Arbeitslied, Holler, Spiritual, Blues) und Jazz wird durch eine außergewöhnliche Vielfalt an Mitteln und Techniken repräsentiert - von den einfachsten (Appell) bis zu den komplexesten (im Bereich der Improvisations- und Kompositionslogik, Harmonie und Melodie, in der Verteilung von Funktionen zwischen einzelnen Interpreten und Instrumentalgruppen).

East Coast Jazz – Sehen Sie sich East Coast Jazz an.

Harlem Jazz / Harlem Jazz – der allgemeine Name einer Reihe von Stilen des Negro Jazz der 20er und 30er Jahre, deren Entstehung mit dem Musikleben von New York Harlem verbunden ist. Hier wurde ein origineller Blues-Performance-Stil (Harlem Blues) entwickelt, eine eigene Schule des Piano-Jazz entstand (Harlem Stride Style) und auch eine besondere Art des Kammer- und Orchester-Swings (Harlem Jump) entstand. In den 20er Jahren. Das Neger-Vaudeville erreichte in Harlem seinen Höhepunkt. Auf dieselbe Zeit datiert auch der Beginn der fruchtbaren Konzert- und Kompositionstätigkeit von Duke Ellington, der mit seinem Orchester in vielen Clubs in Harlem auftrat und hier eine Reihe origineller Stilkonzepte (Dschungelstil, Konzertstil, lyrischer „Mood Style“) kreierte Zeit. Beeinflusst von den Traditionen des Harlem Jazz der 40er Jahre. Es entwickelte sich der Bebop-Stil (siehe Bop).

Hemiola / Hemiola (Hemiole) (lat. eineinhalb)- Art der rhythmischen Gruppierung, bei der Gruppen von Dauern gebildet werden, die in ihrer Gesamtlänge nicht mit den Taktzyklen des Haupttakts übereinstimmen (z. B. 3 Zweitaktgruppen in 2 Dreitakttakten usw.). Die daraus resultierende Diskrepanz zwischen metrischen und rhythmischen Akzenten erweckt den Eindruck eines vorübergehenden Taktwechsels, verletzt dessen Stabilität und dynamisiert dadurch die musikalische Darbietung. Dieses Prinzip ist sehr charakteristisch für afrikanische Rhythmen, von denen es auf die afroamerikanische Musik und den Jazz übertragen wurde (siehe auch Patteri, Stampfen).

„Sprechende Trommeln“/ Talkint-Trommeln – Eine spezielle Art afrikanischer Trommeln, die für die Übertragung von Nachrichten über große Entfernungen (bis zu 10 – 15 km) entwickelt wurden. Mit dem Gerät der „sprechenden Trommeln“ können Sie Klänge mit einem breiten Spektrum an Tonhöhen und Klangfarben extrahieren. Dadurch kann der Darsteller mithilfe eines Systems spezieller Tonsignale unterschiedlichste Informationen verschlüsseln und übertragen. Variationen in Tonhöhe und Klangfarbe des Trommelklangs werden in der Regel durch die unterschiedliche Spannkraft der Membran über ihren gesamten Bereich zwischen der Mitte und den Rändern erreicht. Einige der Techniken des Spielens der „sprechenden Trommeln“ haben in der Jazzpraxis des Spielens auf Schlaginstrumenten Anwendung gefunden.

Gospellied (dt. Evangelium – Evangelium; Lied – Lied)- Ein Genre religiöser Negerlieder zu evangelischen Themen, das in den 1930er Jahren in den Vereinigten Staaten weit verbreitet war. Im Gegensatz zu anderen spirituellen Genres der Neger mit folkloristischem Ursprung (wie Spiritual, Jubilee usw.) wurden Text und Musik von Goepelsongs hauptsächlich von professionellen Autoren erstellt. Ein Gospel-Song unterscheidet sich von einem Chor-Spiritual auch dadurch, dass er meist für Soloaufführungen gedacht ist und viel enger mit der Blues-Tradition verbunden ist, stärker von Improvisationen durchdrungen ist und eine entwickelte Instrumentalbegleitung haben kann (während das Spiritual normalerweise aufgeführt wird). eine Carella).

Funkiger Stil

Mitte der 1950er Jahre begann sich der Jazz von der nicht-griechischen Essenz des Jazz zu entfernen. Um dies zu vermeiden, wandten sich viele Musiker der Volksmusik amerikanischer Schwarzer zu. Dieser Sound ist immer noch im traditionellen Blues und den religiösen Gospels vorhanden. Einige Interpreten begannen, die komplexen Harmonien aufzugeben, die die ersten Bopper in den Jazz eingeführt hatten. Die melodischen und rhythmischen Linien sind einfacher geworden.

Die sich entwickelnde neue Richtung im Jazz nahm auf natürliche Weise den Blues auf, der in einem langsamen oder mittleren Tempo mit einem besonderen Ausdruck, basierend auf einem ausgeprägten Beat, verwendet wurde. Es war demokratischer und für ein breiteres Publikum gedacht als die Arbeit des innovativen Boper. Dieser Stil wird Funky genannt. Das Wort „funky“ ist umgangssprachlich und bedeutet eine verstärkende Definition eines scharfen, stechenden Geruchs oder Geschmacks. Im Jazz ist es ein Synonym für alltägliche, „echte“ Musik. Jazz-Funk war ein kommerzieller Erfolg und war auf den meisten damals veröffentlichten Vinylplatten vertreten. Allerdings erlangte es in den 70er und 80er Jahren mit dem Aufkommen analoger Synthesizer große Popularität und wurde zum Jazz für die Tanzfläche.

Von besonderer Bedeutung in der Geschichte des Funky Jazz sind: die Gruppe des berühmten Schlagzeugers Art Blakey (Art Blackey) „Jazz Messengers“, Horace Silver – der Vater des Jazz-Funk, Ronald Kirk, Julian Adderley und andere.

Free-Jazz. Vorhut

Der Beginn der 60er Jahre ist die Zeit des Aufkommens von Protestwellen, sozialer Instabilität, unabhängig von der Hautfarbe (Hippie-Bewegung, Anarchismus, Leidenschaft für orientalische Mystik). Diese Gefühle trugen zur Entstehung des „Free Jazz“ (Free Jazz) bei, der sich grundlegend vom Mainstream-Sound unterschied und völlig neu war. Die Kombination der Fülle spiritueller und ästhetischer Erfahrungen mit einem grundlegend neuen Ansatz zur Organisation des musikalischen Materials grenzte den neuen Jazz vollständig vom Bereich der Populärkunst ab. Die Musiker, die ihn schufen, waren besessen von der Idee, den Jazz von scheinbaren Barrieren zu „befreien“. Sie sahen sie in der Abfolge von Akkorden, bekannten Harmonien, Takten, in temperierter Stimmung, kurz gesagt, in allem, worauf europäische Musik und Jazz basieren. Für die Musiker ging es vor allem um ultimative Ausdruckskraft, spirituelle Nacktheit, Ekstase.

Der Free Jazz der 60er Jahre hatte eine gewisse ideologische Komponente, die hauptsächlich auf chaotischen Forderungen nach Meinungs- und Liebesfreiheit, nach sozialer Aktivität und Einheitlichkeit der Bemühungen beruhte. Diese Ideen sind für viele Mitglieder der Jazz-Avantgarde zum kreativen Credo geworden. Kriterium für die Bewertung ihrer Arbeit war für einige Musiker nicht mehr die Zustimmung des Publikums, sondern das Vorhandensein einer emotionalen Beziehung zwischen den Interpreten. Der kollektiven Improvisation wurde der Vorzug gegeben. Schlaginstrumente wurden nach vorne geschoben. Alle Mitglieder des Ensembles galten als gleichwertig.

Die ersten Erfahrungen der neuen Jazzmusiker Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp und Albert Ayler haben die Bindung an die Mainstream-Normen nicht gebrochen. Die ersten Free-Jazz-Aufnahmen berufen sich noch immer auf harmonische Gesetze. Doch nach und nach entfernt sich der Free Jazz völlig von der Tradition. Als Ornette Coleman dem New Yorker Publikum Free Jazz vollständig vorstellte, kamen viele Bebop-Musiker und Jazz-Experten zu dem Schluss, dass diese Musik nicht nur als Jazz, sondern tatsächlich als Musik betrachtet werden könne. So wurden ehemalige Radikale in weniger als 15 Jahren zu Konservativen. Ein Meilenstein für den New Jazz war die 1960 von Ornette Colemans Doppelbesetzung aufgenommene CD „Free Jazz“.

Free Jazz überschneidet sich oft mit anderen Avantgarde-Bewegungen, die beispielsweise seine Form und Abfolge rhythmischer Strukturen nutzen können. Seit seiner Gründung ist Free Jazz Eigentum einer kleinen Anzahl von Menschen geblieben und findet sich meist im Untergrund, hat jedoch einen sehr starken Einfluss auf den modernen Mainstream. Trotz der völligen Verleugnung hat sich im Free Jazz eine gewisse Normativität herausgebildet, die es ermöglicht, ihn von anderen New Jazz-Trends abzugrenzen. Diese Konventionen betreffen den allgemeinen Plan des Stücks, das Zusammenspiel der Musiker, die rhythmische Unterstützung und natürlich den emotionalen Plan. Es ist anzumerken, dass im Free Jazz eine alte Form der kollektiven Improvisation wieder aufgetaucht ist. Charakteristisch für den Free Jazz ist es geworden, mit einer „offenen Form“ zu arbeiten, die nicht an bestimmte Strukturen gebunden ist. Die Ablehnung des „New Jazz“ aus europäischen Musiknormen führte zu einem enormen Interesse an außereuropäischen Kulturen, vor allem an östlichen. John Coltrane nahm die indische Musik sehr ernst, Don Cherry die indonesische und chinesische und Farow Sanders die arabische. Darüber hinaus ist diese Ausrichtung nicht oberflächlich, dekorativ, sondern sehr tiefgreifend, mit dem Wunsch, den gesamten Charakter nicht nur der entsprechenden Musik, sondern auch ihres ästhetischen und spirituellen Umfelds zu verstehen und aufzunehmen.

Zu Beginn der 70er Jahre begann das Interesse am Free Jazz die kreativen Musiker Europas zu fesseln, die oft seine Prinzipien der „Freiheit“ mit den Entwicklungen der europäischen Musikpraxis des 20. Jahrhunderts verbanden – Atonalität, serielle Technik, Aleatorik, Sonoristik, usw. Andererseits entfernen sich einige Führer des Free Jazz vom extremen Radikalismus und bewegen sich in den 80er Jahren hin zu einigen Kompromissen, wenn auch Originalversionen der Musik. Unter ihnen sind Ornette Coleman mit dem Prime Time-Projekt, Archie Shepp und andere.