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Was der Musorgsky in der Galerie gesehen hat. Analyse der Arbeit von M.P.

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Einführung

Das erste große fertige Werk nach der Oper „Boris Godunow“ war „Bilder einer Ausstellung“. Dies wurde zu einer neuen Seite nicht nur im Werk Mussorgskys selbst, sondern auch in der Klavierprogrammmusik seiner Zeit.

Im schwierigen Leben von Mussorgsky wurde der Juni 1874 zu einer seltenen Insel der reinen Freude und des völligen Rausches der Kreativität.

Zu dieser Zeit schuf der Komponist ein Werk, das in der Weltmusikliteratur wirklich einzigartig ist - die Klaviersuite "Bilder einer Ausstellung".

Der Titel entspricht genau dem Inhalt: „Bilder“ wurden von Mussorgsky unter dem Eindruck der posthumen Ausstellung des Künstlers und Architekten V. K. Hartmann geschrieben.

Hartmann war ein lebhafter, kommunikativer, begeisterungsfähiger Mensch. Der Reichtum an Fantasie und Vorstellungskraft, Einfallsreichtum in allerlei Erfindungen und Schabernack machten den Künstler in einer freundlichen Gesellschaft unentbehrlich. Mit Mussorgsky verband Hartmann eine herzliche Freundschaft und gegenseitigen Respekt. Daher schockierte die schreckliche Nachricht vom plötzlichen Tod eines Freundes im Jahr 1873 Modest Petrovich. Mussorgsky betitelte sein Werk, geboren unter dem Eindruck einer Ausstellung im Gedenken an einen Freund, ursprünglich Hartmann.

Die Organisatoren der Ausstellung sammelten Gemälde, Aquarelle, Architekturprojekte, Skizzen von Theaterkulissen und Kostümen, Zeichnungen aus dem Leben sowie künstlerische Produkte - zum Beispiel eine Steinuhr im russischen Stil in Form einer Hütte auf Hühnerbeinen, Zangen zum Nüsse knacken. Dabei handelte es sich um Genreszenen und Typen, die Hartmann auf seinen Reisen in Italien, Frankreich und Polen zeichnete, sowie der russischen Nationaldichtung und dem russischen Leben entlehnte. Davon übersetzte Mussorgsky 10 Werke in die Sprache der Musik, die eine vorursprüngliche Suite bildeten - eine Abwechslung von Bildskizzen.

„Bilder einer Ausstellung“ entstanden von ihm auf dem Höhepunkt der Inspiration und in ungewöhnlich kurzer Zeit – für 3 Wochen im Juni 1874. Während der Arbeit sagt er zu Stasov: „Mein lieber Generallissime, Hartmann kocht wie Boris kocht“, Geräusche und Gedanken hängen in der Luft, ich schlucke und esse zu viel, ich habe kaum Zeit, auf Papier zu kratzen. Ich möchte es schneller und zuverlässiger machen ... Ich halte es immer noch für erfolgreich.“ MP Mussorgsky in den Erinnerungen seiner Zeitgenossen. Moskau, 2009

Diese Anerkennung des Glücks ist besonders wertvoll, weil der Autor immer streng zu sich selbst war, bis hin zur Befangenheit.

Er ging sehr frei an die Interpretation bestimmter Werke von Hartmann heran. Als Grundlage für eine separate Ausgabe der Suite nahm er die Handlung der einen oder anderen Zeichnung, Skizze oder des Layouts und ließ dann seiner Fantasie freien Lauf. So entstand eine ganze Reihe musikalischer Skizzen. Darunter waren Alltags- und Naturbilder, Porträts, Comic- und sogar Märchenszenen.

1. Die Struktur der Arbeit

Die Einheit, die Bilder einer Ausstellung durch die Entwicklung des Refrains erhalten, erschöpft bei weitem nicht die Mittel der Einheit, die in diesem Werk verwendet werden. „Walk“ ist ein Refrain der ganz besonderen Art. Das ist nicht der übliche Hauptgedanke im Rondo, sondern eher eine Art Hintergrund, vor dem sich die Spielbilder entfalten, eine Art Verkörperung des „Blickwinkels“ des Autors in der Wahrnehmung aller Bilder. Daher ist der Refrain mit der Verkörperung des Subjekts der Erfahrungen verbunden (erinnern wir uns an Stasovs Interpretation davon), des Spielbildes - mit den Objekten der Erfahrungen. Der Refrain spielt also hier einerseits eine größere Rolle als die konstruktive Befestigung der gesamten Suite, andererseits eine geringere als im üblichen Rondo.

Stellen Sie sich für eine Weile vor, dass die Suite überhaupt keinen Refrain hat und aus einer Reihe von Stücken besteht. In diesem Fall können Sie jedoch Faktoren finden, die zu ihrer Vereinigung zu einem einzigen Ganzen beitragen.

Alle Stücke-Bilder der Suite sind klar in zwei Gruppen unterteilt - schnell und langsam.

Die ersten (schnellen) decken alle ungeraden Zahlen ab:

Nr. 1 - "Wichtel",

Nr. 3 - "Tuillier-Garten",

Nr. 5 - "Ballett der ungeschlüpften Küken",

Nr. 7 - Limoges. Markt",

Nr. 9 - "Baba Yaga".

Alle Stücke dieser Gruppe (mit Ausnahme von „Gnome“) zeichnen sich durch einen lebhaften Bildcharakter, gemeinsame Merkmale, die für die Gattung Scherzo charakteristisch sind, und (mit Ausnahme von „Gnome“) durch das Vorherrschen der Dur-Tonart aus. Symmetrie findet sich in der Anordnung der Stücke. Die äußersten und mittleren Zahlen (1., 5., 9.) enthalten deutlich kontrastierende Formen mit sehr klaren und definierten Schnittkanten. Gleichzeitig wurde das zentrale Stück – „Das Ballett der ungeschlüpften Küken“ – in klarster Form mit einem klassischen Trio geschrieben. Von Natur aus ist dies ein reiner Witz – die Verkörperung des Scherzo-Genres in seinem ursprünglichen Verständnis und das einzige Stück in der Suite, das vom Komponisten notiert wurde: Scherzino. Die extremen Stücke werden durch die Fabelhaftigkeit, die Phantastik der in ihnen verkörperten Charaktere und die damit verbundene Eckigkeit der melodischen Umrisse, die Schärfe des Rhythmus zusammengeführt; Die Nummern 3 und 7 enthalten keine signifikanten internen Kontraste. Ihre Plots sind ähnlich. Dies sind Originalskizzen französischer Alltagsszenen Berchenko R. E. Komponistenrichtung von Mussorgsky. Moskau: URSS, 2003. .

Die zweite Gruppe besteht aus Stücken, die in langsamem Tempo und in Moll geschrieben sind:

Nr. 2 -- "Altes Schloss",

Nr. 4 - "Vieh",

Nr. 6 - "Zwei Juden",

Nr. 8 - "Katakomben",

Nr. 8a - „Mit den Toten in einer toten Sprache“ (Variante des Refrains).

Nr. 10 - "Bogatyr Gates" - das endgültige synthetische Finale der Suite.

Die zweite Gruppe ist gekennzeichnet durch die Entwicklung von der reinen Lyrik („Altes Schloss“) über charakteristische dramatische Stücke („Vieh“ und „Zwei Juden“) zum Drama („Katakomben“).

Die an das letzte Stück anschließende Version des Refrains „Mit den Toten in einer toten Sprache“ bringt uns zurück zum Text, wenn auch ganz anderer Natur als im „Alten Schloss“. Dadurch entsteht auch Symmetrie.

Die extremen Stücke sind leise, wie weit weg von der Realität. Einerseits ein Bild der Vergangenheit („The Old Castle“), andererseits ein „musikalischer Nachruf“ auf einen verstorbenen Freund („With the Dead in a Dead Language“). Drei Mittelstücke sind laute, dramatische Bilder: „Vieh“, ein von Ochsen gezogener polnischer Karren, ist ein Symbol bäuerlicher Armut, „Zwei Juden“ ist die Verkörperung des gesellschaftlichen Gegensatzes zwischen Reichtum und Armut, „Katakomben“ ist ein tragisches Bild der Vergangenheit.

Diese Spielbilder sind kurz, aber bedeutsam im Konzept. Von den fünf langsamen Stücken basiert nur eines – und es ist gerade das zentrale“ (Nr. 6, „Zwei Juden“) – auf thematischem Kontrast, die restlichen vier sind mono-düster.

In den schnellen Spielen waren von fünf nur zwei in einer Dunkelheit. Der sukzessive Kontrast von ungeraden und geraden Zahlen ist der übliche periodische Gegensatz von schnellen und langsamen Werken. Aber ihre Beziehung ist von besonderem Interesse. Schließlich schafft die allgemeine Reihenfolge der Stücke nach Art des Inhalts eine vielteilige Symmetrie.

Schnelle Stücke des Scherzo-Typs (bis einschließlich Baba Yaga) überwiegen, und langsame Stücke finden vor ihrem Hintergrund statt. Daher sind die ersten eine Art Genre-Refrain:

"Bilder einer Ausstellung" von Mussorgsky ist ein würdiger und unerschöpflicher Gegenstand für zahlreiche Studien. Diese Arbeit kann aus vielen verschiedenen Blickwinkeln betrachtet werden. Dieser Artikel analysiert nur die allgemeinen Kompositionsprinzipien, die die vollständige Einheit dieser einzigartigen Suite gewährleisten. Denn im Gegensatz zu vielen anderen Werken dieser Gattung werden „Bilder einer Ausstellung“ als integrales, nicht zyklisches Werk wahrgenommen, obwohl jedes der Stücke des Zyklus abgeschlossen und eigenständig ist.

Die Einheit jedes zyklischen Werks (nennen wir es zyklische Einheit) basiert hauptsächlich auf einer ideologischen und figurativen Grundlage und in viel geringerem Maße auf einer strukturellen und thematischen. Daher sind die Regelmäßigkeiten der zyklischen Form und insbesondere der Suite beweglich, vielfältig und erscheinen in vielen Fällen in einer einzigartig individuellen Form. Gleichzeitig ist jedoch ein allgemeiner Trend festzustellen: Die Stärke der zyklischen Einheit hängt von der Einheit und den besonderen Eigenschaften des ideologischen Inhalts ab. Die Vielzahl der Teile der zyklischen Form ergibt sich in diesem Fall aus der Tatsache, dass die eigentliche Idee des Werks die Aufteilung des musikalischen Ganzen in eine Reihe separater unabhängiger Stücke erfordert. Diese Bedingungen werden von der Suite „Bilder einer Ausstellung“ vollumfänglich erfüllt. Der Vergleich von Mussorgskys Musik mit den künstlerischen Prototypen von Hartmann (einige sind uns in Reproduktionen überliefert, andere sind aus Beschreibungen bekannt) legt nahe, dass die Handlungen des Künstlers durch die kreative Vorstellungskraft des Komponisten erheblich verändert wurden.

So evoziert zum Beispiel das Modell eines Spielzeugs – eines Gnoms – bei Mussorgsky ein zutiefst tragisches Bild eines vom Schicksal gekränkten Menschen. Andere Objekte musikalischer Verkörperung werden demselben kreativen Umdenken unterzogen. Mussorgsky vermittelte mit Klängen nicht so sehr, was direkt in den Gemälden und Skizzen von Hartmann zu sehen war, sondern was er selbst dahinter sah Kholopov Yu. N. Mussorgsky als Komponist des XX. Jahrhunderts // Mussorgsky und Musik des XX. Jahrhunderts Moskau, 2009. .

Die Geschlossenheit der Suite spiegelt sich vor allem in der Sonderrolle des Stücks „The Walk“ wider. Die Bedeutung von „Walk“ ist wohlbekannt – es verbindet die Funktionen eines der Teile der Suite mit der Funktion eines Refrains. Die Kombination von Funktionen ist einer der Faktoren der zyklischen Einheit von Bildern einer Ausstellung. Daher sollte die Analyse des letzteren mit der „Weiterführung“ des Refrains in Form der Suite beginnen. Der Einfachheit halber werden in Zukunft alle seine Nummern in eine Reihe von Refrains und Spielbildern (wie Episoden eines Rondos) unterteilt.

2. Analyse von Form und musikalischem Material

Betrachten Sie als Beispiel für die Analyse nur langsame Stücke:

1. "Im alten Schloss" . Die modale Natur des Stücks ist ein natürliches Moll (gis-moll) mit einigen Komplikationen im Entwicklungsprozess hin zur phrygischen Tonart (zweite untere Stufe). Die Abweichung in den Bereich der Subdominante erzeugt auch eine phrygische Variante des Molls und führt zu einer engen Berührung der Akkorde im Abstand eines Tritonus. Die intonatorische Grundlage des Stücks ist eine melodische Melodie, nicht ohne die Beteiligung von Trichord-Gesängen mit einer großen Rolle des anfänglichen „Aufrufs“, der aufsteigenden Quarte und der anschließenden „dichten“ Sekundenzüge. Ein ruhiger Rhythmus ergänzt das Bild und bildet eine künstlerisch begründete Statik.

2. "Vieh" . Die modale Natur des Stücks ähnelt dem vorherigen Beispiel, das gleiche Gis-Moll mit einem phrygischen Farbton und Tritonus-Nebeneinanderstellungen. Die Intonationsbasis ist zwar ähnlich wie im vorherigen Beispiel, aber in vielerlei Hinsicht neu. Darüber hinaus enthält die schwere Akkordtextur, die klare Bildassoziationen schafft, gewisse dramatische Ausdrucksmöglichkeiten, die sich im gemeinsamen Handeln aller Komponenten der Tonsprache voll entfalten. Außerdem bemerken wir die Symmetrie abc c1b1a1 der ersten integralen melodischen Wendung dieses Stücks: In diesem Fall ist „a1“ eine Entwicklung von „b“.

3. Zwei Juden“ Die Dramatik des Stücks ist eng mit seinem Modalsystem verbunden, das auf dem natürlichen und harmonischen Moll mit dem IV-Erhöhungsschritt mit dem phrygischen Modus im Mittelteil basiert. Dies allein bringt dieses Stück The Gnome näher. Darüber hinaus enthält die anfängliche melodische Wendung die gleiche Betonung der Terz der Tonika, die uns vom "Gnome" bekannt ist. Als nächstes achten wir auf den absteigenden Chromatismus im Code des Stückes. Die Symmetrie der Anfangsphase des Stücks ist ebenfalls wichtig. Der Rhythmus des Stücks ist hell individuell und bildet einen Kontrast zwischen den beiden Abschnitten, verbunden mit den sozialen Eigenschaften der Charaktere. Die Vorschlagsnote und die Aufspaltung des starken Taktes im Trio des Stücks spielen eine besonders große ausdrucksstarke Rolle.

4. "Katakomben". Der Modus des Stücks ist im Grunde ein chromatisch kompliziertes Moll mit einem phrygischen Element. Hervorzuheben ist der Ausdruckswert der absteigenden Chromatik im Bass, der Assoziationen an antike Gattungen weckt. Dann erscheint d-moll, also eine Moll-Tonart im Abstand einer kleinen Terz, die sich durch eine Abweichung in ihre Subdominante (g-moll) offenbart, die auf dem dominanten Bass erklingt. Damit enthält „Catacombs“ die stärkste diatonische Verletzung in der Reihe der langsamen Stücke.

5. "Mit den Toten in einer toten Sprache" Zu dem, was über dieses Stück als Variante des Refrains gesagt wurde, soll noch folgendes hinzugefügt werden. Von großer Bedeutung ist die absteigende Chromatik der Oberstimme, die die ohnehin schon gestörte Diatonik der Unterstimme „untergräbt“. Ein Blick auf „chromatisches Singen“ verstärkt diesen Prozess. Eine wesentliche Rolle in der gesamten "Atmosphäre" des Stücks spielt das Tremolo der Oberstimme. Erinnern wir uns an die Bemerkung des Autors zum Manuskript: "Die Schädel glühten leise...". Aller Wahrscheinlichkeit nach spiegelt das Tremolo direkt das „Glühen“ wider – schließlich ist dies Mussorgskys bevorzugte Technik, wie zum Beispiel in der entsprechenden Strophe von Marthas Lied in „Chovanshchina“ von Vasiliev A. Russisches Labyrinth. Biographie von M. P. Mussorgsky. Pskow: Regionaldruckerei Pskow, 2008. . Das Bild hier kommt dem nahe, was wir bei den schnellen Spielen beobachtet haben. Die Ähnlichkeit liegt in einer merklichen Verletzung des Diatonismus in den Katakomben, ähnlich dem gleichen Phänomen in Baba Yaga. Aber es gibt auch Unterschiede: Zum einen sind die langsamen Anfangsstücke ihrem lyrischen und lyrisch-dramatischen Charakter entsprechend („In the Old Castle“ und „Vieh“) diatonischer als schnelle Stücke. Daher ist die Durchentwicklung in den Stücken der untersuchten Gruppe schneller, intensiver. Zweitens kommt es nach der maximalen Abkehr von der Diatonik („Katakomben“) zu einer leichten Abnahme der Rolle der Chromatik (Rückkehr zur Position des Stücks „Zwei Juden“), wodurch der Anschein einer offenen Welle entsteht.

Die Intonations-"Bögen" innerhalb der langsamen Stücke sind einfach. Die typischsten „Bogen“-Verbindungen lassen sich in den Stücken „Im alten Schloss“ und „Vieh“ feststellen (erinnern wir uns, welche Rolle die zweite untere Stufe und die Abweichung in die Subdominante darin spielen). Eine wichtige Rolle spielt auch das Verhältnis des konzentrischen Typs, der zwischen den extremen Stücken „In the Old Castle“ und „With the Dead in a Dead Language“ gebildet wird – sie werden vom Pianissimo-Klang dominiert, die allgemeine Weichheit bemerkt in der Analyse der Statik.

Der gesamte Zyklus "Bilder einer Ausstellung" lässt sich in mehrere große Abschnitte gliedern. Die Grenze der ersten beiden verläuft zwischen dem Stück „Cattle“ und dem vierten Refrain. Hier wird, wie oben erwähnt, ein scharfer Tonsprung (gis-moll - d-moll) gebildet, der Beginn des zweiten Abschnitts bildet die Füllung dieses Sprungs. An dieser Stelle verläuft die Grenze zwischen subdominanter und dominanter Tonsphäre. Nach dem vierten Refrain setzt eine Tendenz zu größerer Einheit ein. Die vierte Passage des Refrains im harmonischen Moll ist der Beginn von "Störungen" - die erste Manifestation des Einflusses chromatischer Verletzungen der Diatonik und des Moll der Stückbilder auf die reine Diatonik und das Dur des Refrains. Die Linie zwischen dem zweiten und dem dritten Abschnitt ist die fünfte Passage des Refrains in seiner Anfangstonart B-dur, gefolgt von dem Stückbild Limoges in der Haupttonart des Es-dur-Zyklus, das die Rolle einer tonalen Reprise spielt.

Es ist auch notwendig, gruppenübergreifende intonatorische und strukturelle Verbindungen zu beachten. Der Refrain korreliert hauptsächlich mit langsamen Stücken. Die Stücke „Im Alten Schloss“ und „Vieh“ sind in ihnen durch eine große Rolle im Dreiklang vereint.

Auch strukturelle Analogien fallen auf – der symmetrische Aufbau der „eigentlichen thematischen Körnung“ (der erste Zweitakt) von „Walks“ spiegelt sich in der Symmetrie der Anfangskonstruktionen der Stücke „Vieh“ und „Zwei Juden“ wider. Allerdings gibt es auch hier deutliche Unterschiede. Wenn sich die Symmetrie in „The Walk“ bis zu einer lakonischen Zweitaktzelle erstreckt, dann deckt sie in den anderen beiden Stücken detailliertere Konstruktionen ab, was durch die Kürze des Refrains und den größeren Umfang der Stücke erklärt wird.

Die Verbindungen zwischen dem Refrain und den schnellen Stücken sind schwach und von zufälliger Natur, was sich natürlich aus dem scharfen Kontrast zwischen Figur und Gattung dieser beiden Stückgruppen ergibt.

Die Analogien zwischen den beiden Arten von Schauspielbildern sind eindeutiger und beruhen hauptsächlich auf der modalen Gemeinsamkeit aller Stücke dramatischer Natur. Dies sind Stücke - "Zwerg", "Zwei Juden", "Katakomben", "Mit den Toten in einer toten Sprache". Sie werden (wie teilweise oben angedeutet) durch folgenden Komplex intonatorischer und modaler Phänomene vereint: Moll mit erhöhter Stufe IV, phrygisches Moll, absteigende Chromatik, chromatischer Gesang.

Dazu müssen wir ähnliche Registeropposition innerhalb dieser beiden Stücke hinzufügen, geschlossene Klappen.

Der Hauptkontrast, der die Einheit der modalen und intonatorischen Entwicklung bestimmt, ist der Kontrast der meist reinen Diatonik des natürlichen Durs des Refrains und verschiedenartiger chromatischer Störungen des natürlichen Durs und Molls in den Bildstücken; der Kontrast der Trichordstruktur des Refrains und der Chromatik der Spielbilder. Der Kampf zwischen den beiden Sphären führt zu einer Verstärkung des Ansturms der Chromatik, zu einem „Angriff“ auf die ursprünglich rein diatonische und trichorde Natur des Refrains. Seine größte Stärke erreicht "Storm" in den Stücken "Catacombs", "With the Dead" und "Baba Yaga". In letzterem wüten lange Zeit auf Fortissimo-Klängen mit lebhafter rhythmischer Bewegung Kräfte, die versuchen, die Diatonik des Refrains, die Diatonik des Hauptstimmungshintergrunds von „Pictures at an Exhibition“ zu „explodieren“. . Dieser reißende Strom dringt mit großer Wucht (es gibt keine Zäsur zwischen den Stücken) in das Finale des Zyklus ein und verkehrt sich sofort in sein Gegenteil – in eine dynamisierte und endgültige Wiederholung der ursprünglichen reinen Diatonik und des Trichords. So macht der Kampf der diatonischen Grundlage des Zyklus mit den „feindlichen“ Kräften letztere zu einem schöpferischen Prinzip, das zur Rekonstruktion der ursprünglichen These auf einer stärkeren Basis beiträgt. Dies ist die Essenz und Logik der modalen Intonation durch Entwicklung Fedyakin S. R. Mussorgsky // Das Leben bemerkenswerter Menschen. Moskau: Junge Garde, 2009. .

Auch bei Bildern einer Ausstellung ist die Textur der wichtigste Gestaltungsfaktor. Eine wichtige Rolle in der durchgehenden Entwicklung der Suite spielt der Kontrast der Register benachbarter Stücke, dessen Stärke gegen Ende des Zyklus zunimmt. Besonders deutlich wird seine Wirkung dort, wo zwei benachbarte Stückbilder ohne Unterbrechung mit Hilfe von attacca verbunden werden.

Beachten Sie den Kontrast zwischen der hohen Lage des „Ballett der ungeschlüpften Küken“ und der tiefen Lage des unmittelbar folgenden Stücks „Zwei Juden“. Hinzu kommt der Kontrast der eigentlichen Textur. Stark voneinander verschieden und drei aufeinanderfolgende Stücke: Limoges, Catacombs und With the Dead in a Dead Language.

Das Prinzip des Übergangs vom ersten der oben genannten Stücke (Lomoges) zum zweiten wiederholt sich im Übergang von Baba Yaga zum Finale - die gleiche Art der Klavierdarbietung - abwechselnde Schläge der rechten und linken Hand, die einen großartigen bilden Kaskade von Tönen.

Abschluss

Als Ergebnis der Analyse lassen sich folgende Faktoren der „zyklischen Einheit“ der Suite „Bilder einer Ausstellung“ formulieren:

1. Querschnittsentwicklung in struktureller Hinsicht - von der Zerstückelung zur größeren Einheit.

2. End-to-End-Entwicklung in Bezug auf die modale Intonation basierend auf dem Kontrast von diatonischem und trichordischem Refrain mit unterschiedlichen Formen ihrer chromatischen Komplikation. "Sturm" der Diatonik am Ende des Zyklus.

3. Verallgemeinern, Synthetisieren und Zusammenfassen endgültig.

4. Das Vorhandensein eines gemeinsamen dynamischen Höhepunkts des Zyklus.

5. Konzentrizität in der Anordnung der Spielbilder.

6. Die Organisation des Zyklus ähnelt der nichtzyklischen doppelt dreiteiligen Form.

7. Die Einführung des Refrains in die Suite, das Vorhandensein von "Bögen", Intonationsverbindungen.

In den letzten beiden rein kompositorischen Faktoren manifestieren sich Regelmäßigkeiten, deren Einfluss sich in vielen zyklischen Werken des 19. Jahrhunderts nachweisen lässt, die über die Normen einer streng geregelten Symphonie oder Sonate hinausgehen.

Es geht nicht nur um die Durchdringung von Referenzen oder die Bildung einer doppelten Dreigliedrigkeit. Eine einzige kontinuierliche Entwicklung, das Vorhandensein eines gemeinsamen Höhepunkts in Mussorgskys Suite sind auch Faktoren, die hauptsächlich nichtzyklischen Formen innewohnen.

Zwei gegenläufige Verschiebungen spielen bei der Komposition von Bilder einer Ausstellung eine entscheidende Rolle. Dies ist eine besondere, neue Form der Umsetzung eines dramatischen Mittels, das auf dem Prinzip der vorläufigen Umlenkung der Handlung auf die dem eigentlichen Ziel gegenüberliegende Seite beruht. Diese Technik ist eine Manifestation des wesentlichen Prinzips des künstlerischen Einflusses nicht nur in der Musik, sondern auch in anderen Künsten. Das andere ist das „Prinzip der multiplen und konzentrierten Aktion“, was bedeutet, dass „ein wesentliches künstlerisches Ergebnis, eine wichtige Ausdruckswirkung ... normalerweise nicht mit einem Mittel, sondern mit mehreren Mitteln erreicht wird, die auf dasselbe Ziel gerichtet sind“ – verkörpert im Komposition "Bilder einer Ausstellung" ist besonders anschaulich. Die Einführung des Prinzips einer nicht-zyklischen Form in eine zyklische, Rondalität und Rondalität (doppelte Dreiteiligkeit) in eine Suite ist das erste Glied in der Kette dieser Mittel. Weitere Anknüpfungspunkte sind die Transformation des Refrains in einen Passing-Refrain und die damit verbundene kompositorische Modulation von der Suite zur kontrast-kompositen Form. Dies ist die erste Konsequenz der Einführung des Prinzips der nicht-zyklischen Form in eine zyklische - immerhin nimmt die kontrastreiche Form eine Zwischenposition zwischen ihnen ein, wodurch es möglich ist, die Prinzipien der durchgehenden Entwicklung klarer als in zu manifestieren einen Zyklus und gleichzeitig die Zusammensetzung von Kontrasten eines zyklischen Typs nicht berauben. Die entstehende Durchentwicklung wiederum verschmilzt die einzelnen Stufen der Form, da die beiden vorfinalen Höhepunkt-Kadenzen (innerhalb der entstehenden Kontrast-Kompositform) die Zone der kompositorischen Vorbereitung des letzten höchsten Schlusshöhepunkts bilden. So entsteht eine einzige wellenförmige Linie aufsteigender kompositorischer und damit zusammenhängender modal-intonaler Entwicklung vom „Walk“ bis zu den „Bogatyr Gates“. Diese ganze Kette von Faktoren, die miteinander kombiniert werden, bildet jene spezielle individuelle Form zyklischer Einheit, die Mussorgsky in diesem speziellen Werk gefunden hat. Die schöpferische Vorstellungskraft des Komponisten transformierte die einzelnen disparaten Eindrücke aus Hartmanns Gemälden.

Verzeichnis der verwendeten Literatur

Musikalische Kompositionssuite

1. Berchenko R. E. Komponist Richtung Mussorgsky. Moskau: URSS, 2003. - 400 S.

2. Vasilyeva A. Russisches Labyrinth. Biographie von M. P. Mussorgsky. Pskow: Regionaldruckerei Pskow, 2008. - 255 p.

3. M. P. Mussorgsky in den Erinnerungen seiner Zeitgenossen. Moskau, 2009. - 279 p.

4. Fedyakin S. R. Mussorgsky // Das Leben wunderbarer Menschen. Moskau: Junge Garde, 2009. - 378 p.

5. Kholopov Yu N. Mussorgsky als Komponist des 20. Jahrhunderts // Mussorgsky und die Musik des 20. Jahrhunderts. Moskau, 2009. - 320 S.

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Entstehungs- und Erscheinungsgeschichte

Anlass für die Entstehung von „Bilder einer Ausstellung“ war eine Ausstellung mit Gemälden und Zeichnungen des berühmten russischen Künstlers und Architekten Viktor Hartman (1834 – 1873), die an der Akademie der Künste auf Initiative von V.V. Stasov im Anschluss organisiert wurde mit dem plötzlichen Tod des Künstlers. Auf dieser Ausstellung wurden Hartmanns Gemälde verkauft. Von jenen Werken des Künstlers, auf denen Mussorgskys Bilder geschrieben wurden, sind in unserer Zeit nur sechs erhalten.

Viktor Alexandrowitsch Hartmann (1834 - 1873) war ein herausragender russischer Architekt und Künstler. Er absolvierte den Kurs an der Akademie der Künste, nach dem Studium des praktischen Baugewerbes, hauptsächlich unter der Anleitung seines Onkels P. Gemillen, verbrachte mehrere Jahre im Ausland, fertigte überall Skizzen von Baudenkmälern an, fixierte Volkstypen und Szenen des Straßenlebens mit Bleistift und Aquarell. Als er dann eingeladen wurde, an der Organisation der Allrussischen Manufakturausstellung von 1870 in St. Petersburg teilzunehmen, fertigte er etwa 600 Zeichnungen an, nach denen verschiedene Pavillons der Ausstellung gebaut wurden. Diese Zeichnungen zeigen die unerschöpfliche Vorstellungskraft, den feinen Geschmack und die große Originalität des Künstlers. Für diese Arbeit wurde ihm 1872 der Titel eines Akademikers würdig. Danach schuf er mehrere architektonische Projekte (das Tor, das in Kiew gebaut werden sollte, in Erinnerung an die Ereignisse vom 4. April 1866, das Volkstheater in St. Petersburg und andere), fertigte Zeichnungen von Kulissen und Kostümen an Die Oper „Ruslan und Ljudmila“ von M. Glinka nahm 1872 an der Organisation der Polytechnischen Ausstellung in Moskau teil. Nach seinen Entwürfen wurde ein Haus für die Druckerei von Mamontov and Co., ein Landhaus für Mamontov und mehrere Privathäuser gebaut.

Mussorgsky, der den Künstler gut kannte, war schockiert über seinen Tod. Er schrieb an V. Stasov (2. August 1873): „Wir Narren werden in solchen Fällen normalerweise von den Weisen getröstet: „Er“ existiert nicht, aber was er geschafft hat, existiert und wird existieren; und sie sagen, wie viele Menschen haben so einen glücklichen Anteil - nicht zu vergessen. Wieder der Spielball (mit Meerrettich für Tränen) aus einer menschlichen Eitelkeit. Zur Hölle mit deiner Weisheit! Wenn „er“ nicht umsonst lebte, sondern erstellt, was für ein Schurke muss man also sein, um sich mit der Freude am „Trost“ damit zu versöhnen, dass „er“ aufgehört zu erstellen. Frieden gibt es nicht und kann es nicht geben, Trost gibt es nicht und soll es nicht geben - das ist schlaff.

Einige Jahre später, im Jahr 1887, als der Versuch einer zweiten Ausgabe von „Bilder einer Ausstellung“ unternommen wurde (die erste, herausgegeben von N. A. Rimsky-Korsakov, wurde vorgeworfen, von der Absicht des Autors abgewichen zu sein; wir werden einige dieser Abweichungen erwähnen in unseren Kommentaren) schrieb V. Stasov im Vorwort: ... flotte, elegante Skizzen eines Genremalers, viele Szenen, Typen, Figuren aus dem Alltag, eingefangen aus der Sphäre dessen, was um ihn herum raste und kreiste - auf den Straßen und in Kirchen, in Pariser Katakomben und polnischen Klöstern, in römischen Gassen und Limoges-Dörfern, Faschingstypen à la Gavarni, Arbeiter in Bluse und Pateri auf einem Esel mit Regenschirm unter dem Arm, betende französische Greise, von unten lächelnde Juden eine Kippa, Pariser Lumpensammler, niedliche Esel, die sich an einem Baum reiben, Landschaften mit einer malerischen Ruine, wunderbare Weiten über der Stadt …“

An „Pictures“ arbeitete Mussorgsky mit außerordentlichem Enthusiasmus. In einem der Briefe (an V. Stasov) schrieb er: „Hartmann kocht, als Boris kochte“, Geräusche und Gedanken hingen in der Luft, ich schlucke und esse zu viel, ich habe kaum Zeit, auf Papier zu kratzen (. ..). Ich möchte es schneller und zuverlässiger machen. Meine Physiognomie ist in den Zwischenspielen sichtbar ... Wie gut es funktioniert. Während Mussorgsky an diesem Zyklus arbeitete, wurde das Werk als "Hartmann" bezeichnet; später tauchte der Name „Bilder einer Ausstellung“ auf.

Viele Zeitgenossen empfanden die Klavierversion von „Pictures“ des Autors als Nicht-Klavierwerk, das sich nicht für eine Aufführung eignet. Daran ist etwas Wahres, im „Enzyklopädischen Wörterbuch“ von Brockhaus und Efron lesen wir: „Lassen Sie uns auf eine andere Reihe hinweisen Musikalische Skizzen mit dem Titel "Bilder einer Ausstellung", 1874 für Klavier geschrieben, in Form von musikalischen Illustrationen für Aquarelle von V. A. Hartmann. Es ist kein Zufall, dass es viele Orchestrierungen dieses Werkes gibt. Die Orchestrierung von M. Ravel aus dem Jahr 1922 ist die berühmteste, außerdem erlangte Bilder einer Ausstellung in dieser Orchestrierung im Westen Anerkennung. Darüber hinaus gibt es auch unter den Pianisten keine einheitliche Meinung: Einige führen das Werk in der Version des Autors auf, andere, insbesondere V. Horowitz, fertigen seine Transkription an. In unserer Sammlung werden „Bilder einer Ausstellung“ in zwei Versionen präsentiert – in der originalen Pianoforte-Version (S. Richter) und orchestriert von M. Ravel, was einen Vergleich ermöglicht.

Plots und Musik

Bilder einer Ausstellung ist eine Folge von zehn Theaterstücken, die jeweils von einer von Hartmanns Geschichten inspiriert sind. Mussorgsky „erfand“ eine absolut wunderbare Art, diese seine musikalischen Bilder zu einem einzigen künstlerischen Ganzen zu verbinden: Zu diesem Zweck verwendete er das musikalische Material der Einführung, und da die Menschen normalerweise in der Ausstellung herumlaufen, nannte er diese Einführung „The Walk“. .

Wir sind also zur Ausstellung eingeladen ...

Gehen

Diese Einleitung stellt nicht den wesentlichen – sinnvollen – Teil der Ausstellung dar, sondern ist ein wesentliches Element der gesamten musikalischen Komposition. Erstmals wird das musikalische Material dieser Einführung vollständig präsentiert; später wird das Motiv „Walk“ in unterschiedlichen Fassungen – mal ruhiger, mal aufgeregter – als Intermezzo zwischen den Stücken verwendet, was die psychische Befindlichkeit des Betrachters in der Ausstellung perfekt zum Ausdruck bringt, wenn er sich von einem Bild zum anderen bewegt. Gleichzeitig erreicht Mussorgsky mit maximalem Kontrast die Schaffung einer Einheit des gesamten Werkes. Musical- und das spüren wir deutlich visuell auch (Gemälde von W. Hartmann) - der Inhalt der Stücke. In Bezug auf seine Entdeckung, wie man die Stücke verbinden kann, äußerte sich Mussorgsky (in dem oben zitierten Brief an V. Stasov): gehen]) (...) Meine Physiognomie ist in den Zwischenspielen sichtbar.“

Die Farbgebung von „Walks“ fällt sofort ins Auge – ihr deutlich spürbarer russischer Charakter. Der Komponist gibt in seiner Bemerkung einen Hinweis: nelModusRussisch[ital. - im russischen Stil]. Aber diese Bemerkung allein würde nicht ausreichen, um ein solches Gefühl zu erzeugen. Mussorgsky erreicht dies auf mehreren Wegen: Erstens durch einen musikalischen Modus: "Walk" wurde zumindest anfänglich im sogenannten pentatonischen Modus geschrieben, also mit nur fünf Tönen (daher der Begriff, der auf dem Wort basiert "Penta", dann gibt es "Fünf") - die Klänge, die sich mit dem benachbarten sogenannten bilden Halbton. Verbleibend und im Thema verwendet, werden sie durch voneinander getrennt ganzen Ton. Die in diesem Fall ausgeschlossenen Geräusche sind la Und Es Wenn der Charakter skizziert wird, verwendet der Komponist außerdem bereits alle Klänge der Tonleiter. Die pentatonische Tonleiter an sich verleiht der Musik einen ausgesprochen volkstümlichen Charakter (hier ist es nicht möglich, auf die Gründe für ein solches Gefühl einzugehen, aber sie existieren und sind bekannt). Zweitens die rhythmische Struktur: zunächst ungerader (5/4) und gerader (6/4) Zeitkampf (oder Wechsel?), die zweite Hälfte des Stücks ist schon ganz in dieser geraden Taktart. Diese scheinbare Unbestimmtheit der rhythmischen Struktur, oder besser gesagt, der Mangel an Rechtwinkligkeit darin, ist auch eines der Merkmale des Lagerhauses der russischen Volksmusik.

Mussorgsky versah diese seine Arbeit mit ziemlich detaillierten Bemerkungen über die Art der Aufführung - Tempi, Stimmungen usw. Sie benutzten dafür, wie es in der Musik üblich ist, die italienische Sprache. Die Bemerkung zum ersten "Walk" lautet wie folgt: AllegroGiusto,nelModusRussisch,SenzaAllergie,mapokosostenuto. In Veröffentlichungen, die Übersetzungen solcher italienischer Bemerkungen liefern, kann man eine solche Übersetzung davon sehen: „Bald, im russischen Stil, ohne Eile, etwas zurückhaltend.“ Eine solche Wortfolge hat wenig Sinn. Wie spielt man: „bald“, „ohne Eile“ oder „etwas zurückhaltend“? Tatsache ist, dass erstens in einer solchen Übersetzung ein wichtiges Wort unbeachtet blieb Giusto, was wörtlich „richtig“, „proportional“, „genau“ bedeutet; in Bezug auf die Interpretation – „der Art des Stücks entsprechendes Tempo“. Der Charakter dieses Stücks wird durch das erste Wort der Bemerkung bestimmt - Allegro, und in diesem Fall ist es notwendig, es im Sinne von "zügig" (und nicht "schnell") zu verstehen. Dann fügt sich alles zusammen, und die ganze Bemerkung wird übersetzt: "heiter spielen, in einem angemessenen Tempo, im russischen Geist, gemächlich, etwas zurückhaltend". Vermutlich wird uns jeder zustimmen, dass uns dieser Geisteszustand gewöhnlich beim ersten Betreten der Ausstellung befällt. Eine andere Sache sind unsere Empfindungen von neuen Eindrücken von dem, was wir gesehen haben ...

In manchen Fällen entpuppt sich das Motiv als „Walking“. Bindemittel für benachbarte Stücke (das passiert beim Umzug von Nr. 1 „Zwerg“ nach Nr. 2 „Altes Schloss“ oder von Nr. 2 nach Nr. 3 „Garten der Tuilerien“; diese Reihe lässt sich leicht fortsetzen – im Laufe der Arbeit diese Übergänge, im wörtlichen und übertragenen Sinne, unverkennbar erkennbar), bei anderen - im Gegenteil - scharf Trennung(In solchen Fällen wird „The Walk“ als mehr oder weniger eigenständiger Abschnitt bezeichnet, wie z. B. zwischen Nr. 6 „Zwei Juden, reich und arm“ und Nr. 7 „Limoges. Markt“). Je nachdem, in welchem Kontext das „Geh“-Motiv auftaucht, findet Mussorgsky jedes Mal besondere Ausdrucksmittel dafür: Manchmal ist das Motiv nah an seiner ursprünglichen Version, wie wir nach Nr. 1 hören (wir sind noch nicht weit hineingekommen). unser Gang durch die Ausstellung ), dann klingt es nicht mehr so moderat und sogar schwer (nach „Starogozamok“; Anmerkung in Noten: pesante[in Mussorgski - pesamento- eine Art Hybrid aus Französisch und Italienisch] -Ital. hart).

M. Mussorgsky baut den ganzen Zyklus so auf, dass er jeden Ton von Symmetrie und Vorhersagbarkeit vollständig vermeidet. Dies charakterisiert auch die Interpretation des musikalischen Materials des „Walk“: Der Zuhörer (alias Zuschauer) bleibt entweder unter dem Eindruck des Gehörten (= Gesehenen), dann schüttelt er im Gegenteil seine Gedanken und Empfindungen ab Bild, das er sieht. Und nirgendwo wiederholt sich genau dieselbe Stimmung. Und das alles mit der Einheit des Themenmaterials "Walks"! Mussorgsky erscheint in diesem Zyklus als ungewöhnlich subtiler Psychologe.

Hartmanns Zeichnung zeigte ein Weihnachtsspielzeug: Nussknacker in Form eines kleinen Wichtels. Für Mussorgsky erweckt dieses Stück den Eindruck von etwas Unheimlicherem als nur einem Weihnachtsbaumspielzeug: Die Analogie mit den Nibelungen (einer tief in Berghöhlen lebenden Zwergenrasse - die Figuren von R. Wagners Ring des Nibelungen) scheint nicht so zu sein lächerlich. Auf jeden Fall ist Mussorgskys Gnom bitterer als die Gnome von Liszt oder Grieg. In der Musik gibt es scharfe Kontraste: Fortissimo[ital. – sehr laut] wird ersetzt durch piano [ital. - leise], lebhafte (vorgetragen von S. Richter - ungestüme) Phrasen wechseln sich mit Bewegungsstopps ab, Melodien im Unisono stehen akkordisch angelegten Episoden gegenüber. Wenn Sie den Autorentitel dieses Stücks nicht kennen, dann wirkt es in der äußerst einfallsreichen Orchestrierung von M. Ravel eher wie ein Porträt eines Märchenriesen (und nicht wie ein Zwerg) und jedenfalls nicht wie ein Musical Verkörperung des Bildes eines Christbaumschmucks (wie bei Hartmann).

Wie Sie wissen, reiste Hartmann durch Europa, und eine seiner Zeichnungen zeigte ein altes Schloss. Um seine Größe zu vermitteln, stellte der Künstler einen Sänger, einen Troubadour mit einer Laute, vor seinem Hintergrund dar. So erklärt V. Stasov diese Zeichnung (es gibt keine solche Zeichnung im Katalog der posthumen Ausstellung des Künstlers). Aus dem Bild folgt nicht, dass der Troubadour ein Lied voller Traurigkeit und Hoffnungslosigkeit singt. Aber genau diese Stimmung transportiert Mussorgskys Musik.

Auffallend ist die Komposition des Stücks: Alle 107 Takte sind weiter aufgebaut eins unveränderlicher Bass-Sound - sol-scharf! Diese Technik in der Musik wird Orgelpunkt genannt und wird ziemlich oft verwendet; sie geht in der Regel dem Beginn einer Reprise voraus, also jenem Teil des Werks, in dem nach einer gewissen Entwicklung das ursprüngliche musikalische Material wiederkehrt. Aber es ist schwierig, ein anderes Werk des klassischen Musikrepertoires zu finden, in dem Alle arbeiten vom Start zum Ziel auf einer Orgelstation errichtet worden wäre. Und dies ist nicht nur Mussorgskys technisches Experiment – der Komponist hat ein wahres Meisterwerk geschaffen. Diese Technik eignet sich sehr gut für ein Stück mit dieser Handlung, also für die musikalische Verkörperung des Bildes eines mittelalterlichen Troubadours: Die Instrumente, auf denen sich die Musiker damals begleiteten, hatten eine Basssaite (wenn wir von einer Saite sprechen). Instrument, zum Beispiel ein Fidel) oder eine Pfeife (wenn es um Wind geht - zum Beispiel Dudelsack), die nur einen Ton machte - einen dicken tiefen Bass. Sein Klang erzeugte lange Zeit eine gewisse Steifheit. Es ist diese Hoffnungslosigkeit – die Hoffnungslosigkeit der Bitte des Troubadours –, die Mussorgsky mit Tönen gemalt hat.

Die Gesetze der Psychologie erfordern Kontrast, damit der künstlerische und emotionale Eindruck lebendig wird. Und dieses Spiel bringt diesen Kontrast. Der Jardin des Tuileries, oder besser gesagt der Jardin des Tuileries (so heißt es übrigens in der französischen Version des Namens) ist ein Ort im Zentrum von Paris. Es erstreckt sich etwa einen Kilometer vom Place Carousel bis zum Place de la Concorde. Dieser Garten (jetzt sollte er eher ein Platz genannt werden) ist ein beliebter Ort für Spaziergänge von Parisern mit Kindern. Hartmanns Gemälde zeigte diesen Garten mit vielen Kindern und Kindermädchen. Der Tuileriengarten, erobert von Hartmann-Mussorgsky, ist ungefähr dasselbe wie der Newski-Prospekt, erobert von Gogol: „Um zwölf Uhr überfallen Hauslehrer aller Nationen den Newski-Prospekt mit ihren Haustieren in Batistkragen. Die englischen Joneses und die französischen Koks gehen Hand in Hand mit den ihrer elterlichen Obhut anvertrauten Haustieren und erklären ihnen mit anständiger Solidität, dass die Schilder über den Läden gemacht werden, um durch sie herausfinden zu können, was in den Läden selbst ist . Gouvernanten, blasse Fräulein und rosige Slawinnen, gehen majestätisch hinter ihren leichten, zappeligen Mädchen her und befehlen ihnen, ihre Schultern ein wenig höher zu heben und gerade zu bleiben; Kurz gesagt, der Newski-Prospekt ist zu dieser Zeit der pädagogische Newski-Prospekt.

Dieses Stück gibt sehr genau die Stimmung jener Tageszeit wieder, als dieser Garten von Kindern bewohnt wurde, und es ist merkwürdig, dass sich die von Gogol bemerkte "Unruhe" (von Mädchen) in Mussorgskys Bemerkung widerspiegelte: capriccioso (italienisch - launisch).

Bemerkenswert ist, dass dieses Stück in dreiteiliger Form geschrieben ist, und wie es sich für eine solche Form gehört, bildet der Mittelteil einen gewissen Kontrast zu den äußersten. Die Erkenntnis dieser im Allgemeinen einfachen Tatsache ist nicht an sich wichtig, sondern nach den sich daraus ergebenden Schlussfolgerungen: Ein Vergleich der Klavierfassung (vorgetragen von S. Richter) mit der Orchesterfassung (Besetzung von M. Ravel) legt nahe, dass Richter , die dieser Kontrast eher glättet als betont, sind die Beteiligten an der Szene nur Kinder, vielleicht Jungen (ihr kollektives Porträt wird in den äußersten Teilen gezeichnet) und Mädchen (der mittlere Teil, anmutiger in Rhythmus und melodischem Muster). Was die Orchesterversion betrifft, so taucht im mittleren Teil des Stücks das Bild von Kindermädchen auf, das heißt von jemandem eines Erwachsenen, der versucht, den Streit der Kinder sanft zu schlichten (ermahnende Intonationen der Streicher).

V. Stasov, der die „Bilder“ der Öffentlichkeit vorstellte und Erläuterungen zu den Stücken dieser Suite gab, erklärte, dass der Redneck ein polnischer Karren auf riesigen Rädern ist, der von Ochsen gezogen wird. Die dumpfe Monotonie der Arbeit der Ochsen wird durch das Ostinato vermittelt, das heißt, sich ständig wiederholender elementarer Rhythmus - vier gleichmäßige Schläge pro Schlag. Und so zieht es sich durch das ganze Stück. Die Akkorde selbst sind im unteren Register platziert, sie erklingen Fortissimo(Italienisch - sehr laut). So in Mussorgskys Originalmanuskript; in der Ausgabe von Rimsky-Korsakov - Klavier. Vor dem Hintergrund von Akkorden erklingt eine traurige Melodie, die einen Fahrer darstellt. Die Bewegung ist ziemlich langsam und schwer. Anmerkung des Verfassers: Zeitmoderat,pesante(Italienisch - die ganze Zeit mäßig, hart). Der stets monotone Klang vermittelt Hoffnungslosigkeit. Und der Ochse ist nur eine „allegorische Figur“ – wir Zuhörer spüren deutlich die verheerende Wirkung jeder langweiligen, ermüdenden, sinnlosen (Sisyphus-)Arbeit auf die Seele.

Der Fahrer fährt auf seinen Ochsen ab: das Geräusch verstummt (bis ppp), werden die Akkorde ausgedünnt, "austrocknen" zu Intervallen (also zwei gleichzeitig erklingenden Tönen) und am Ende zu einem - wie am Anfang des Stücks - Ton; die Bewegung verlangsamt sich auch - zwei (statt vier) treffen auf die Stange. Anmerkung des Autors hier - perdendosi(Italienisch - Einfrieren).

Achtung! Drei Theaterstücke – „Das alte Schloss“, „Der Tuileriengarten“, „Vieh“ – sind ein kleines Triptychon in der gesamten Suite. In seinen äußersten Teilen ist die allgemeine Tonart gis-Moll; im Mittelteil - Parallel-Dur (H-Dur). Gleichzeitig drücken diese von Natur aus verwandten Tonarten dank der Vorstellungskraft und dem Talent des Komponisten polare emotionale Zustände aus: Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit in den extremen Teilen (im Bereich des leisen und im Bereich des lauten Klangs) und erhaben Aufregung - im Mittelstück.

Wir gehen zu einem anderen Bild über ... (Das Thema "Walks" klingt ruhig).

Der Titel ist mit einem Bleistiftautograph von M. Mussorgsky versehen.

Nochmals Kontrast: Ochsen werden durch Küken ersetzt. Alles andere: statt moderat,pesante – lebendigleggiero(Italienisch - lebendig und leicht), statt massiver Akkorde Fortissimo im unteren Register - verspielte Vorschlagsnoten (kleine Noten, als würden sie mit den Hauptakkorden mitklicken) im oberen Register auf Klavier(ruhig). All dies soll eine Vorstellung von kleinen flinken Kreaturen geben, die außerdem noch nicht geschlüpft sind. Wir müssen dem Einfallsreichtum von Hartmann Tribut zollen, der es geschafft hat, eine Form für zu finden ungeschlüpft Küken; Dies ist seine Zeichnung, die eine Skizze von Kostümen für die Figuren in G. Gerbers Ballett "Trilby" darstellt, das 1871 von Petipa am Bolschoi-Theater inszeniert wurde.)

Und wieder der maximale Kontrast zum vorherigen Spiel.

Es ist bekannt, dass Hartmann dem Komponisten zu seinen Lebzeiten zwei seiner Zeichnungen schenkte, die er während seines Aufenthaltes in Polen angefertigt hatte – „Ein Jude mit Pelzmütze“ und „Armer Jude. Sandomierz. Stasov erinnerte sich: "Mussorgsky hat die Ausdruckskraft dieser Bilder sehr bewundert." Dieses Stück ist also streng genommen kein Bild „aus der Ausstellung“ (sondern aus Mussorgskys persönlicher Sammlung). Aber natürlich beeinflusst dieser Umstand nicht unsere Wahrnehmung des musikalischen Inhalts von Bildern. Mussorgsky gerät in diesem Stück fast an den Rand der Karikatur. Und hier zeigte sich seine Fähigkeit, das Wesen des Charakters zu vermitteln, ungewöhnlich hell, fast sichtbarer als in den besten Werken großer Künstler (Wanderer). Die Aussagen von Zeitgenossen sind bekannt, dass er die Fähigkeit hatte, alles mit Tönen darzustellen.

Mussorgsky trug zur Entwicklung eines der ältesten Themen in Kunst und Literatur wie auch im Leben bei, das eine andere Gestaltung erhielt: entweder in Form einer Handlung von "Glück und Pech" oder "Fett und Dünn", oder "Fürst und Bettler", oder "Die Küche der Dicken und die Küche der Mageren".

Für die klangliche Charakterisierung eines wohlhabenden Juden verwendet Mussorgsky das Baritonregister, und die Melodie erklingt in Oktavverdopplung. Das nationale Flair wurde mit einer speziellen Waage erreicht. Hinweise zu diesem Bild: Andante.Grabenergico(Italienisch - gemächlich; wichtig, energisch). Die Sprache der Figur wird durch Angaben verschiedener Artikulationen vermittelt (diese Angaben sind für den Darsteller äußerst wichtig). Der Ton ist laut. Alles wirkt imposant: Maximen reich dulden keine Einwände.

Der arme Jude wird im zweiten Teil des Stücks dargestellt. Er verhält sich buchstäblich wie Porfiry (Tschechows dünn) mit seinem „hi-hi-s“ (wie wunderbar dieses Kriechen durch eine sich schnell wiederholende Note mit daran „befestigten“ Vorschlagsnoten vermittelt wird), als ihm plötzlich klar wird, welche „Höhen“, wie sich herausstellt, sein Freund aus dem Gymnasium in der Vergangenheit erreicht. Im dritten Teil des Stücks verbinden sich beide musikalischen Bilder – die Monologe der Figuren werden hier zum Dialog, oder vielleicht genauer gesagt, es sind dieselben Monologe, die gleichzeitig gesprochen werden: jeder behauptet das seine. Plötzlich verstummen beide, merken plötzlich, dass sie einander nicht zuhören (allgemeine Pause). Und hier ist der letzte Satz. arm: ein Motiv voller Sehnsucht und Hoffnungslosigkeit (Anmerkung: condolore[ital. - mit Sehnsucht; leider]) - und die Antwort reich: laut ( Fortissimo), entschieden und kategorisch.

Das Stück hinterlässt einen ergreifenden, vielleicht sogar deprimierenden Eindruck, wie immer, wenn es mit offenkundiger sozialer Ungerechtigkeit konfrontiert wird.

Wir sind in der Mitte des Zyklus angelangt – nicht so sehr rechnerisch (in Bezug auf die Anzahl der bereits erklingenden und noch verbleibenden Zahlen), sondern in Bezug auf den künstlerischen Eindruck, den uns dieses Werk als Ganzes vermittelt. Und Mussorgsky, das klar erkennend, gönnt dem Zuhörer eine längere Pause: Hier erklingt der „Walk“ fast genau in der Fassung, in der er zu Beginn des Werks erklang (der letzte Ton ist um einen „Extra“-Takt erweitert: eine Art der theatralischen Geste - ein erhobener Zeigefinger: „Es wird noch etwas passieren!...“).

Das Autogramm enthält eine Notiz (auf Französisch, später von Mussorgsky gestrichen): „Große Neuigkeiten: Herr Pimpan aus Ponta-Pontaleon hat gerade seine Kuh gefunden: Runaway. „Ja, Madame, das war gestern. - Nein, Ma'am, es war der dritte Tag. Ja, Ma'am, eine Kuh streifte durch die Nachbarschaft. „Nun, nein, Madam, die Kuh ist überhaupt nicht herumgelaufen. Usw."".

Die Handlung des Stücks ist komisch einfach. Ein Blick auf die Musikseiten lässt unwillkürlich vermuten, dass die „Franzosen“ in diesem Zyklus – dem Markt der Tuileriengärten in Limoges – Hartmann-Mussorgsky in der gleichen emotionalen Tonlage sahen. Lesungen der Performer beleuchten diese Stücke auf unterschiedliche Weise. Dieses Stück, das "Basarfrauen" und ihren Streit darstellt, klingt energischer als ein Kinderstreit. Gleichzeitig ist anzumerken, dass die Interpreten, um die Wirkung zu verstärken und die Kontraste zu schärfen, in gewissem Sinne die Anweisungen des Komponisten ignorieren: sowohl bei S. Richter als auch bei der Aufführung des Staatsorchesters unter der Leitung von E. Svetlanov , das Tempo ist im Wesentlichen sehr schnell Presto. Irgendwo ist ein Gefühl von schneller Bewegung. Mussorgsky wird vorgeschrieben Allegretto. Er malt mit Klängen eine lebhafte Szenerie, die sich weiter abspielt eins Ort, umgeben von "Brown'scher Bewegung" Tolyp, wie es auf jedem überfüllten und geschäftigen Markt zu beobachten ist. Wir hören einen Strom von Umgangssprache, eine starke Zunahme der Klangfülle ( Crescendi), scharfe Akzente ( sforzandi). Am Ende, in der Aufführung dieses Stücks, beschleunigt sich die Bewegung noch mehr, und auf dem Kamm dieses Wirbelsturms „fallen“ wir in ...

... Wie man sich nicht an die Zeilen von A. Maykov erinnert!

ex tenebris lux

Deine Seele trauert. Von dem Tag - Von einem sonnigen Tag - fiel Du bist mitten in der Nacht und, alles verfluchend, Eine Phiole hat schon einen Sterblichen aufgenommen ...

Vor dieser Nummer im Autograph befindet sich Mussorgskys Notiz auf Russisch: „NB: Lateinischer Text: mit den Toten in einer Totensprache. Schön wäre ein lateinischer Text: Der schöpferische Geist des verstorbenen Hartmann führt mich zu den Schädeln, ruft ihnen zu, die Schädel prahlen leise.

Hartmanns Zeichnung ist eine der wenigen erhaltenen, auf der Mussorgsky seine „Bilder“ schrieb. Es zeigt den Künstler selbst mit seiner Begleiterin und einer weiteren Begleitperson, die mit einer Laterne den Weg erhellt. Um Gestelle mit Totenköpfen.

V. Stasov beschrieb dieses Stück in einem Brief an N. Rimsky-Korsakov: „Im selben zweiten Teil [„ Bilder einer Ausstellung “. - BIN.] gibt es mehrere Zeilen von ungewöhnlich poetischer. Das ist die Musik zu Hartmanns Bild „Katakomben von Paris“, alles aus Totenköpfen bestehend. Beim Musoryanin (wie Stasov liebevoll Mussorgsky nannte. - BIN.) wird zuerst ein düsterer Kerker dargestellt (in langen, gezogenen Akkorden, oft orchestral, mit großen Fermaten). Dann geht das Thema der ersten Promenade auf dem Tremolando in Moll über – die Lichter in den Schildkröten leuchten auf, und dann erklingt plötzlich Hartmanns magischer, poetischer Ruf nach Mussorgsky.

Hartmanns Zeichnung zeigte eine Uhr in Form von Baba Yagas Hütte auf Hühnerbeinen, Mussorgsky fügte Baba Yagas Schleppe in einem Mörser hinzu.

Betrachtet man „Bilder einer Ausstellung“ nicht nur als eigenständiges Werk, sondern im Kontext von Mussorgskys Gesamtwerk, dann zeigt sich, dass die destruktiven und schöpferischen Kräfte in seiner Musik in Kontinuität bestehen, obwohl in jedem Moment eine davon überwiegt . So finden wir in diesem Spiel eine Kombination aus unheimlichen, mystischen schwarzen Farben einerseits und hellen Farben andererseits. Und die Intonationen sind hier von zweierlei Art: einerseits bösartig gewagt, beängstigend, durchdringend scharf, andererseits peppig, fröhlich einladend. Eine Gruppe von Intonationen deprimiert gewissermaßen, die zweite hingegen inspiriert, aktiviert. Das Bild von Baba Yaga steht nach landläufiger Meinung im Mittelpunkt von allem, was grausam ist, gute Motive zerstört und die Umsetzung guter, guter Taten stört. Allerdings zeigt der Komponist Baba Yaga von dieser Seite (Bemerkung am Anfang des Stücks: wild[ital. - wild]), führte die Geschichte auf eine andere Ebene und stellte die Idee der Zerstörung der Idee des Wachstums und des Sieges guter Prinzipien gegenüber. Gegen Ende des Stücks wird die Musik immer impulsiver, das freudige Klingen wächst, und am Ende erwächst aus den Tiefen der dunklen Register des Klaviers eine riesige Schallwelle, die schließlich allerlei düstere Impulse auflöst und selbstlos das Kommen des siegreichsten, jubelndsten Bildes des Zyklus vorbereiten - der Hymne "The Bogatyr Gates".

Dieses Stück eröffnet eine Reihe von Bildern und Werken, die alle Arten von Teufelei, bösen Geistern und Besessenheit darstellen - "Nacht auf dem kahlen Berg" von M. Mussorgsky selbst, "Baba Yaga" und "Kikimora" von A. Lyadov, Leshy in "The Snow Maiden" von N. Rimsky-Korsakov, "Delusion" von S. Prokofjew ...

Anlass für dieses Stück war Hartmanns Skizze für das Stadttor in Kiew, das zur Erinnerung daran aufgestellt werden sollte, dass Kaiser Alexander II. beim Attentat auf ihn am 4.

In der Musik von M. Mussorgsky fand die Tradition solcher Schlussfeierszenen in russischen Opern einen lebendigen Ausdruck. Das Stück wird genau als ein solches Opernfinale wahrgenommen. Sie können sogar auf einen bestimmten Prototyp hinweisen - den Chor "Glory", der "Life for the Tsar" ("Ivan Susanin") von M. Glinka beendet. Das letzte Stück von Mussorgskys Zyklus ist der intonatorische, dynamische und strukturelle Höhepunkt des gesamten Werks. Der Komponist selbst hat das Wesen der Musik mit den Worten umrissen: Meister.KonGrandezza(Italienisch - feierlich, majestätisch). Das Thema des Stücks ist nichts weiter als eine jubelnde Version der Melodie „Walks“. Das ganze Werk endet mit einem festlich-freudigen, kraftvollen Glockengeläut. Mussorgsky legte den Grundstein für die Tradition eines solchen Glockengeläuts, das mit anderen Mitteln als der Glocke neu erschaffen wurde – das Erste Klavierkonzert in b-Moll von P. Tschaikowsky, das Zweite Klavierkonzert in c-Moll von S. Rachmaninow, sein erstes Präludium C-klein für Klavier ...

„Bilder einer Ausstellung“ von M. Mussorgsky ist ein völlig neuartiges Werk. Alles ist neu darin - Musiksprache, Form, Tonaufnahmetechniken. Wunderbar als Werk Klavier Repertoire (obwohl es von Pianisten lange Zeit als „nicht-pianistisch“ angesehen wurde - wiederum aufgrund der Neuheit vieler Techniken, zum Beispiel Tremolo in der 2. Hälfte des Stücks „With the Dead in a Dead Language“), es erscheint in seiner ganzen Pracht in Orchesterarrangements. Neben der von M. Ravel gibt es noch einige davon, und unter ihnen ist S. P. Gorchakova (1954) die am häufigsten aufgeführte. Transkriptionen von "Pictures" wurden für verschiedene Instrumente und für verschiedene Kompositionen von Interpreten angefertigt. Eine der brillantesten ist die Orgeltranskription des bedeutenden französischen Organisten Jean Guillou. Einzelne Stücke dieser Suite sind auch außerhalb des Kontextes dieser Schöpfung von M. Mussorgsky weithin bekannt. So dient das Thema von den "Bogatyr Gates" als Rufzeichen des Radiosenders "Voice of Russia".

©Alexander MAYKAPAR

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Beschriftungen der Folien:

Mussorgskys musikalisches Gemälde Klaviersuite „Bilder einer Ausstellung“

Bildergalerie

Zeichnungen von W. Hartmann

MP Mussorgsky russischer Komponist (1839-1881)

Victor Hartman, russischer Künstler, Architekt, Designer (1834-1873)

Klaviersuite „Bilder einer Ausstellung“ Die Suite besteht aus 10 Stücken: Zwerg Altes Schloss Tuileriengarten Vieh Ballett der ungeschlüpften Küken Zwei Juden, Reiche und Arme Limoges-Markt Katakomben. Römisches Grab. Hütte auf Hühnerbeinen Bogatyrsky Gate

Eine Suite ist ein Musikstück, das aus mehreren unabhängigen Teilen besteht, die durch eine gemeinsame Idee verbunden sind. "Gehen"

Eine Hütte auf Hühnerbeinen

Ballett der ungeschlüpften Küken W. Hartmann. Kostümentwurf für das Ballett „Trilby“

Vorschau:

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Beschriftungen der Folien:

Bogatyr-Tore

Kreative Aufgabe! (finden Sie ein Paar) Instrumental Timbre Sound 7 Noten Komponist Instrumente Palette 7 Regenbogenfarben Farben, Pinsel Künstler Färbung Färbung

Moritz Ravel

Lieber Freund! Wir laden Sie zum Ausstellungskonzert ein. Schülerzeichnungen zu Mussorgskys Musik werden präsentiert. Wir erwarten Sie am Samstag, 14. November im Musikunterricht um 12 Uhr Einladungskarte

1. Wenn Sie auf dem Bild einen Fluss sehen, oder Fichten und Reif, oder einen Garten und Wolken, oder eine verschneite Ebene, oder ein Feld und eine Hütte, muss das Bild LANDSCHAFT heißen. Grigory Gladkov - "Über Gemälde"

2. Wenn Sie auf dem Bild eine Tasse Kaffee auf dem Tisch sehen, oder ein Fruchtgetränk in einer großen Karaffe, oder eine Rose in Kristall, oder eine Bronzevase, oder eine Birne, oder einen Kuchen, oder alle Gegenstände auf einmal, wissen Sie Bescheid dass dies STILLLEBEN ist.

3. Wenn Sie sehen, dass uns jemand vom Bild aus ansieht, oder ein Prinz in einem alten Regenmantel, oder ein Bergsteiger in einem Gewand, ein Pilot oder eine Ballerina, oder Kolya, Ihre Nachbarin, muss das Bild ein PORTRÄT heißen .

Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit

Vorschau:

Musikunterricht in der 5. Klasse. Thema des Unterrichts: „Musikalische Malerei von Mussorgsky. Klaviersuite Bilder einer Ausstellung“ ist Teil der Sektion „Musik und bildende Kunst“ und ist auf 1 Stunde (Unterricht) ausgelegt.

Da die Schüler den Zyklus „Bilder einer Ausstellung“ von M. Mussorgsky aus der zweiten, sowie dritten und vierten Klasse kennen, ist diese UnterrichtsstundeUnterrichtserweiterung des erworbenen Wissens.

Das Ziel des Unterrichts: Erweiterung der Kenntnisse, weitere Bekanntschaft mit dem Werk Mussorgskys, Festigung der engen Beziehung zwischen Musik und Malerei in den Köpfen der Studenten. Entwicklung eines Sinns für Schönheit, kreatives Denken, Vorstellungskraft, Entwicklung der auditiven Wahrnehmung von Musik durch die eigene Kreativität der Schüler.

Aufgaben: 1. Pädagogisch: Rufen Sie eine emotionale Reaktion auf Musik hervor.

Kultivieren Sie ein Gefühl von Respekt und Liebe für

Kreativität von M. P. Mussorgsky und V. A. Hartman.

2. Lehrreich:Zum Kennenlernen der Stücke aus der Klaviersuite „Bilder einer Ausstellung“. Bestimmen Sie die musikalischen Ausdrucksmittel.

3. Entwicklung. Die Fähigkeit entwickeln, musikalische Werke zu analysieren, die Ausdrucksmittel mit dem Inhalt der Werke zu vergleichen.

Unterrichtsausstattung: Audioaufnahme - CD, Präsentation, Wörterbuch der ästhetischen Emotionen, Mood Maps, Computer, Projektor, Leinwand

Unterrichtsart : kombiniert.

Methoden und methodische Techniken: Konversation, Bild-Ton- und Bild-Bild-Methoden, teilweise Suchmethoden.

Während des Unterrichts

Zeit organisieren:

musikalischer Gruß;

Sich warm laufen.

Blitzumfrage

Was ist eine „Software“?
Kommt die Einleitung am Anfang oder am Ende des Stückes?
Wie viele Noten gibt es in der Musik?
Was ist „Tempo“?
Wie heißt ein Ensemble, das aus drei Interpreten besteht?
Was ist „Oper“?
Wie heißen viele Menschen, die zusammen singen?
Was ist „Dynamik“?
Wie heißt ein Ensemble, das aus zwei Personen besteht?
Welche Form hat das Lied?

Wir sprechen oft über die Verbindung von Musik mit Literatur und bildender Kunst. ( Folie 2 Gemäldeausstellung)

Was sehen Sie auf dieser Folie? (Kunstgalerie, Ausstellung) Lassen Sie uns gehen und sehen, was in der Ausstellung interessant ist.(Folie 3 ) Schauen Sie sich diese Bilder an, sie sind anders. Aber etwas verbindet sie. Was denken Sie?(Sie befinden sich in derselben Ausstellung.)

Wir sagen, wenn es nicht genug Worte gibt, um Gefühle und Stimmungen auszudrücken, hilft uns Musik. Und kann Musik irgendwelche Bilder, Plots in unserer Vorstellung zeichnen?(Vielleicht )

Worüber werden wir heute sprechen?

Über die Verbindung zwischen Musik und bildender Kunst und wir gehen zu einer Gemäldeausstellung, und die Musik eines russischen Komponisten wird uns dabei helfen ( Folie 4 - Porträt von Mussorgsky) - nennen Sie es.

Was weißt du über ihn? Die Jungs hatten die Aufgabe, der Zeit voraus zu sein - einen Bericht über Mussorgsky vorzubereiten. Einer der Studenten spricht.

Neben der Geschichte sehen wir uns ein Fragment des Films über Mussorgsky an und beantworten dann einige Fragen. ( Folie 5)

MP Mussorgsky war eine sehr ungewöhnliche Person. Um die Leibeigenen zu befreien, weigerte er sich, die Lösegeldzahlungen zu leisten, und blieb ohne Existenzmittel zurück. Sein ganzes Leben war eine große Arbeitsleistung.

Die Musik, die er schrieb, wurde von seinen Zeitgenossen, seinen Freunden nicht verstanden - Komponisten kritisierten das Geschriebene oft scharf. Inzwischen gibt es in den Werken dieses Komponisten viele malerische, farbenfrohe Momente. M. P. Mussorgsky schuf viele national lebendige musikalische Bilder, in denen er die Einzigartigkeit des russischen Charakters offenbart.

Eines der Hauptmerkmale von MP Mussorgskys Musik ist eine Melodie, die auf der Intonation der menschlichen Sprache aufbaut.

Mussorgsky hatte einen Freund Viktor Hartmann ( Folie 6 ) und erzähl uns davon .... (Vorabaufgabe)

Hartmann war einer der wenigen Freunde Mussorgskys. V. A. Hartman war eine fröhliche, lebhafte Person, die schnell erfand und sehr hohe Ansprüche an sich selbst und andere stellte. Völlig unerwartet starb er im Alter von 39 Jahren. Und seine Freunde organisierten, um die Erinnerung an den Künstler zu ehren, eine Ausstellung mit Werken eines talentierten Künstlers.

Mussorgsky war schockiert und aufgeregt. In nur drei Wochen schuf er eine Komposition für Klavier mit dem Titel „Bilder einer Ausstellung“.

Wir gehen also zu einer Ausstellung von Gemälden mit Hilfe von Mussorgskys Musik.

Was denken Sie: Welchen Namen hat der Komponist seiner Musik gegeben? ( Folie 7)

„Bilder einer Ausstellung“. Es gibt 10 Stücke in der Klaviersuite, aber wir werden uns nur auf einige konzentrieren. Wir werden versuchen zu beweisen, dass Mussorgsky nicht nur ein musikalisches Arrangement für jede Zeichnung geschrieben hat, sondern seine eigenen „Bilder“ geschaffen hat, die sich manchmal völlig von Hartmanns Skizzen unterscheiden, und seine eigene Vision angeboten hat. Natürlich beschränkte er sich nicht auf einfache musikalische Illustrationen für Gemälde, sondern dachte das Gesehene neu und schuf ein lebendiges, in Tönen erzähltes Theaterspektakel.

Erinnern wir uns: Was ist eine Suite? Nach Antwort - Folie 8)

"Gehen"

Der „Walk“-Zyklus ist befestigt, erklingt mehrfach und führt uns gleichsam von Bild zu Bild. Hier stellte sich Mussorgsky dar, wie er von Malerei zu Malerei wechselte. Stellen Sie sich vor, Sie gehen von Bild zu Bild. Ändert sich Ihre Stimmung je nach Bildinhalt? Was denkst du: Ändert sich die Stimmung des Walks? (verändert sich) Deshalb klingt "Walk" etwas verändert, d.h. variiert.

Versuchen Sie, zu dieser Musik zu „laufen“.

Was siehst du auf diesem Bild? Welche Stimmung? ( Folie 9) Dies "Uhr im russischen Stil." Antworten der Kinder: Märchenhütte usw.

Hören Sie zu und denken Sie nach, ähnelt die Art der Musik diesem Haus?(Nein, hier hat sich der Komponist seine eigene Geschichte ausgedacht, nicht wie eine Zeichnung.)

Mussorgsky löste sich von dieser Skizze und präsentierte seiner Fantasie die Herrin dieses Hauses. Was ist ihr Name? Natürlich Baba Yaga. Was ist sie? Was in der Musik veranlasste eine solche Antwort?

Rechts. Es scheint also, dass ein böser Geist aus der Ferne fliegt, klopft, sich schnell nähert und schon ganz in der Nähe pfiff und in seinem Mörser stürmte und einen Besen fuhr.Im Mittelteil wird ein Zauberwald gezeigt: Töne zittern, rauschen, ein mysteriöses Klopfen ist zu hören - ein paar Striche zeigen die nächtliche Natur.

Folie 10 " Ballett der ungeschlüpften Küken»

Vorbild des Stücks waren Hartmanns Skizzen für die Kostüme des Trilby-Balletts. In "Trilby" gab es eine Folge, in der eine Gruppe junger Schüler und Schüler der Theaterschule auftrat. Insgesamt entwarf Hartmann 17 Kostümentwürfe für das Ballett, von denen bis heute 4 erhalten sind.

Lassen Sie uns hören, wie Mussorgsky es geschafft hat, diese Szene darzustellen. Um Ihre Einstellung zur Musik auszudrücken, können Sie das Wörterbuch der Emotionen, Gefühle und Bilder verwenden.

(Ein Fragment des Stücks „Das Ballett der ungeschlüpften Küken“ erklingt.)

Welche Ausdrucksmittel hat der Komponist verwendet?(Hohe Lage, schnelles Tempo, ausgefallener Rhythmus, viele Verzierungen.)
Rechts.
Folie 11 " Stadttore in Kiew»
„Bogatyr Gates“ nach der Skizze von V. A. Hartman „City Gates in Kyiv“. Wie sieht die Skizze des Tores aus? (Heldenhelm)

Dieses Stück ist in der Intonation russischen Volksliedern nahe. Der Charakter ist majestätisch, feierlich.

(Ein Fragment des Stücks „Bogatyr Gates“ erklingt.)

Folie 12 „Zwei Juden, reich und arm.“

Diese Zeichnungen inspirierten den Komponisten zu seiner musikalischen Skizze, in der wir den Dialog zweier Juden beobachten können. Hören Sie sich den Auszug an und erzählen Sie uns von Ihren Eindrücken.(Die Sprache der Reichen ist gebieterisch, unhöflich, und die Sprache der Armen ist zitternd, stammelnd)

Bitte beachten Sie, dass die Musik vom Orchester aufgeführt wurde.

Es gibt mehrere Bearbeitungen dieser Suite für Orchester, aber die erfolgreichste und beliebteste ist die Orchestrierung des französischen Komponisten Maurice Ravel ( Folie 14).

Und jetzt schlage ich vor, eine kreative Aufgabe zu erledigen: ein Paar finden. ( Folie 13)

Die Bilder von Victor Hartmann inspirierten Mussorgsky zur Musik. Und auf der Grundlage von Mussorgskys Musik entsteht eine neue, synthetische Kunstform – die Animation. DMal sehen, wie sich der Filmregisseur I. Kovalevskaya das Bild von Baba Yaga vorgestellt hat, der den Cartoon basierend auf dem Musikwerk "Baba Yaga" aus dem Klavierzyklus "Pictures at an Exhibition" erstellt hat. ( Folie 15)
Viele Bilder waren ausverkauft und ihr Schicksal ist unbekannt, daher können wir sie nicht sehen, aber wir können unsere Bilder mit Hilfe von Mussorgskys Musik präsentieren. (Folie 16) Die Jungs malen ihre Bilder gerne nach ihren Eindrücken von der Musik. Ich schlage auch vor, dass Sie Ihr eigenes Bild als Hausaufgabe zeichnen.
"Quiz"
- Wie heißt der Theaterzyklus nach Skizzen und Gemälden von V. A. Hartman?("Bilder einer Ausstellung")
- Wie viele Spiele sind im Zyklus?(Zehn.)
- Für welches Instrument wurde der Zyklus geschrieben?(Für Klavier.)
- Was hat Victor Hartman mit der Arbeit von M.P. Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“ (MP Mussorgsky besuchte die posthume Ausstellung von V. Hartmann. Das war der Leitgedanke hinter der Entstehung der Arbeit „Bilder einer Ausstellung“)
- Gibt es eine Fassung für Orchester?(Ja.)
- Wer hat das Orchesterarrangement dieser Suite gemacht? (Der französische Komponist Maurice Ravel)

Am Ende der Lektion schlage ich vor, das Lied "About Pictures" von Gennady Gladkov zu lernen.

Viktor Hartmann.

"Bilder einer Ausstellung" (1876).

Das erste Werk, das nach "Boris Godunov" im Jahr seiner ersten Produktion erschien, war die Suite " Bilder von der Ausstellung". Als Stasov nach dem Tod Hartmanns eine Ausstellung seiner Werke in St. Petersburg organisierte, schrieb Mussorgsky davon inspiriert eine Suite und widmete sie dem Andenken seines verstorbenen Freundes.

Dies ist das größte und zugleich bedeutendste aller von Mussorgsky komponierten Werke für Klavier. Diesmal übertrug der Komponist seine erstaunliche Kunst, reale Szenen in Klänge zu malen, das Erscheinungsbild lebender Menschen nachzubilden, auf den Bereich der Klaviermusik und eröffnete dem Instrument völlig neue Farb- und Ausdrucksmöglichkeiten.

All dies wird durch die Passage des Leitthemas vereint, das die Suite eröffnet, dann in einer Reihe von Verbindungen zwischen "Bildern" erscheint und schließlich in das Finale führt. Laut dem Komponisten stellte er sich mit diesem Thema dar, wie er durch die Ausstellung von Hartmanns Werken ging (daher der Name " Gehen“ dem Intro und den Verbindungsepisoden zugeordnet). Aber gleichzeitig gab Mussorgsky dem Thema einen verallgemeinernden Charakter. Sogar Anklänge an epische und lobende Volkslieder sind darin zu hören, und das Klavier überträgt zeitweise erfolgreich den Klang des Chores. Dies ist im Wesentlichen weniger ein Selbstporträt als vielmehr die Verkörperung des russischen Volksgeistes. Das Thema "Walks" wiederholt sich in der gesamten Suite und ändert ständig sein Aussehen. Es klingt entweder ruhig oder angespannt, oder leicht oder traurig, je nachdem, mit welchen Bildern es verglichen wird. Aber der majestätische und volkstümliche Charakter darin bleibt ausnahmslos erhalten. Insgesamt bietet die Suite eine bunte Bilderfolge. Bei aller Vielfalt ist jedoch jede von Mussorgskys charakteristischer Lebensauffassung geprägt.

Hier ist die Folge mit dem Titel Zwerg". Bizarre Brüche in der Melodie, krampfhafter Rhythmus vermitteln die Eskapaden dieses lustigen, hässlichen Männchens. Aber nein, nein, ja, Intonationen von Klagen und Stöhnen brechen durch; Sie lassen uns warmherzig und mitfühlend mit dem verborgenen Kummer dieser mittellosen Kreatur umgehen. - Zutiefst poetisches Bild " altes Schloss". Eine mittelalterliche Burg wird von der Fantasie angezogen und ein wandernder Troubadour-Ritter singt davor. Eine von Herzen kommende traurige Melodie erklingt – eines der besten unter Mussorgskys Instrumentalthemen. Es erzählt von der Vergangenheit, dem Unwiderruflichen. - Doch dann ertönt ein fröhliches Getöse: Das sind die Kinder, die sich in einem der Parks von Paris vergnügen (" Tuilerien"). - Folge " Bauer“ weckt die Vorstellung von ländlicher Natur. Man hört das herannahende Knarren eines Wagens, die Schreie eines Bauern, der Ochsen antreibt. Hier sang er ein trauriges Lied. Sie ist seinen unglücklichen Gedanken verwandt. Und schon fährt der Wagen weg, und das Lied verklingt. - Darauf folgt ein halb phantastisches, halb scherzhaft leichtes, anmutiges Scherzo " Ballett der ungeschlüpften Küken“(es ist inspiriert von Skizzen von Ballettkostümen).

Aber was ist es? Als gäbe es einen Dialog. Mussorgsky übertrug seine Kunst der wahrheitsgetreuen Übermittlung menschlicher Sprache auf den instrumentalen Bereich. Zwei Personen unterhalten sich. Einer von ihnen spricht autoritativ, wichtig und hält sich für unangreifbar. Der andere kitzelt, bettelt, bettelt. Das ist eine Szene Zwei Juden, reich und arm».

Die Intonationen der Reichen werden immer strenger und unerbittlicher, die Sprache der Zweiten wird immer trauriger und trauriger. Ganz am Ende werden zwei kurze Sätze gegenübergestellt: der verzweifelte Ausruf des armen Mannes und der gewaltige Schrei des reichen Mannes. – Dann folgt die heiterste und heiterste der Nummern der Suite –“ Limoges. Markt"(Limoges ist eine Stadt in Frankreich.). Sie können das unaufhörliche Klatschgeplapper hören, das den Stadtklatsch aneinander weitergibt. - Plötzlich bricht das fröhliche Gespräch ab. Die Farben verdichten sich. Eine Reihe von Akkorden, die in Unbeweglichkeit erstarrt sind, evoziert Bilder eines düsteren Kerkers, des Todes, des Verfalls. Nur manchmal wird die Benommenheit von traurigen Ausrufen unterbrochen. Dieses Bild ist " Katakomben. Römisches Grab».

Hier beschrieb Mussorgsky den Zustand eines Mannes, der vergeblich versucht, in das finstere Geheimnis des Todes einzudringen. Das scharfe, noch nicht erkaltete Schmerzgefühl, das der Tod Hartmanns in der Seele des Komponisten hervorrief, wirkte nach. - Eine direkte Fortsetzung der "Katakomben" ist die Folge " Mit den Toten in einer toten Sprache". Noch stärker kommt hier die Trauer um die Toten zum Ausdruck. Das Thema „Walks“ klingt traurig und herzlich in hoher Lage. Dann tauchen immer wieder Anklänge einer traurigen Frage auf. - Schwere Gedanken werden durch ein kontrastierendes Bild im Geiste der Volksliteratur ersetzt. Das - " Eine Hütte auf Hühnerbeinen».

Im Bild der fabelhaften Baba Yaga verschmolz ein schrecklicher, finsterer Anfang auf bizarre Weise mit Humor. Die Musik hat Kraft und Reichweite. Das Erscheinen von Volkstanzrhythmen wird, wie in der Szene bei Kromy von Boris Godunov, zum Ausdruck einer ungezügelten Macht. Und im Finale der Suite, genannt „ Bogatyr-Tore“, wird die gewaltige Kraft des Volkes bereits offen und direkt besungen.

Es entsteht ein helles, malerisches Bild. Die Glocken läuten. Wanderer, die aus fernen Ländern in die Hauptstadt Kiew kamen, ziehen mit Gesang vorbei. Allmählich wächst ein Gefühl von Festlichkeit. Die Klangfülle des Klaviers nimmt eine fast orchestrale Brillanz und Grandiosität an. Der Schluss ist voller heller, mutiger Lebensbejahung. Hier erinnert Mussorgsky an Glinka, besonders mit der mächtigen Hymne „Glory“ von Ivan Susanin.

Klavierzyklus M.P. Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“ ist ein originelles, unvergleichliches Musikstück, das zum Repertoire der berühmtesten Pianisten auf der ganzen Welt gehört.

Die Entstehungsgeschichte des Zyklus

1873 starb plötzlich der Künstler W. Hartmann. Er war erst 39 Jahre alt, der Tod erwischte ihn in der Blüte seines Lebens und Talents, und für Mussorgsky, der ein Freund und gleichgesinnter Künstler war, war sie ein echter Schock. „Welches Entsetzen, welch Trauer! - er schrieb an V. Stasov. "Dieser inkompetente Narr mäht den Tod nieder, ohne zu überlegen ..."

Sagen wir ein paar Worte über den Künstler V.A. Hartmann, weil ohne eine Geschichte über ihn kann die Geschichte von M. Mussorgskys Klavierzyklus nicht vollständig sein.

Viktor Alexandrowitsch Hartman (1834-1873)

V.A. Hartmann

V.A. Hartmann wurde in St. Petersburg in der Familie eines französischen Stabsarztes geboren. Früh verwaist und in der Familie einer Tante aufgewachsen, deren Ehemann ein berühmter Architekt war - A. P. Gemilian.

Hartman absolvierte erfolgreich die Academy of Arts und arbeitete in verschiedenen Arten und Genres der Kunst: Er war Architekt, Bühnenbildner (er beschäftigte sich mit der Gestaltung von Performances), Künstler und Ornamentalist, einer der Gründer des Pseudo-Russischen Stil in der Architektur. Der pseudorussische Stil ist ein Trend in der russischen Architektur des 19. bis frühen 20. Jahrhunderts, der auf den Traditionen der alten russischen Architektur und Volkskunst sowie auf Elementen der byzantinischen Architektur basiert.

Erhöhtes Interesse an der Volkskultur, insbesondere an der Bauernarchitektur des XVI-XVII Jahrhunderts. Zu den berühmtesten Gebäuden des pseudorussischen Stils gehörte die von V. Hartmann geschaffene Mamontov-Druckerei in Moskau.

Das Gebäude der ehemaligen Druckerei von Mamontov. zeitgenössische Fotografie

Gerade der Wunsch in seiner Arbeit nach russischer Originalität brachte Hartmann den Teilnehmern der Mighty Handful, zu denen auch Mussorgsky gehörte, näher, Hartmann bemühte sich, russische Volksmotive in seine Projekte einzubringen, was von V. V. Stasov unterstützt wurde. Mussorgsky und Hartmann lernten sich 1870 in seinem Haus kennen und wurden Freunde und Gleichgesinnte.

Von einer kreativen Reise nach Europa zurückgekehrt, begann Hartmann mit der Gestaltung der Allrussischen Manufakturausstellung in St. Petersburg und erhielt 1870 für diese Arbeit den Titel eines Akademikers.

Ausstellung

Eine posthume Ausstellung mit Werken von V. Hartmann wurde 1874 auf Initiative von Stasov organisiert. Es zeigte Ölgemälde, Skizzen, Aquarelle, Skizzen von Theaterkulissen und Kostümen sowie Architekturprojekte des Künstlers. Auf der Ausstellung waren auch einige Produkte zu sehen, die Hartmann mit seinen eigenen Händen hergestellt hat: eine Uhr in Form einer Hütte, eine Zange zum Knacken von Nüssen usw.

Lithographie nach einer Skizze von Hartmann

Mussorgsky besuchte die Ausstellung, sie machte einen großen Eindruck auf ihn. Es entstand die Idee, eine Software-Klaviersuite zu schreiben, deren Inhalt die Werke des Künstlers sein sollten.

Natürlich interpretiert ein so mächtiges Talent wie Mussorgsky die Exponate auf seine eigene Weise. So zeigt die Skizze zum Ballett „Trilby“ Hartmanns Küken im Panzer. Mussorgsky verwandelt diese Skizze in das Ballett der ungeschlüpften Küken. Die Uhrenhütte inspirierte den Komponisten zu einer musikalischen Zeichnung von Baba Yagas Flug usw.

Klavierzyklus von M. Mussorgsky „Bilder einer Ausstellung“

Der Zyklus wurde sehr schnell erstellt: in drei Wochen im Sommer 1874. Das Werk ist V. Stasov gewidmet.

Im selben Jahr erhielten "Bilder" den Untertitel des Autors "Erinnerungen an Viktor Hartmann" und wurden zur Veröffentlichung vorbereitet, aber erst 1876, nach Mussorgskys Tod, veröffentlicht. Es vergingen jedoch noch einige Jahre, bis dieses Originalwerk in das Repertoire der Pianisten aufgenommen wurde.

Bezeichnend ist, dass der Komponist in dem Theaterstück „The Walk“, das die einzelnen Stücke des Zyklus verbindet, sich selbst meinte, durch die Ausstellung zu gehen und sich von Bild zu Bild zu bewegen. Mussorgsky schuf in diesem Zyklus ein psychologisches Porträt, das in die Tiefen seiner Charaktere eindrang, was natürlich nicht in Hartmanns einfachen Skizzen war.

Also, zu Fuß. Aber dieses Stück variiert ständig, zeigt einen Wechsel in der Stimmung des Autors, und auch sein Ton ändert sich, was eine Art Vorbereitung auf das nächste Stück ist. Manchmal klingt die Melodie von "Walks" schwerfällig, was auf die Gangart des Autors hinweist.

"Zwerg"

Dieses Stück ist in der Tonart Es-Moll geschrieben. Grundlage ist Hartmanns Skizze, die Nussknacker („Nussknacker“) in Form eines Gnoms auf krummen Beinen darstellt. Zuerst schleicht sich der Gnom, rennt dann von Ort zu Ort und friert ein. Der mittlere Teil des Stücks zeigt die Gedanken (oder seine Ruhe) des Charakters, und dann beginnt er, als hätte er vor etwas Angst, seinen Lauf mit Stopps erneut. Der Höhepunkt ist die chromatische Linie und der Abgang.

"Altes Schloss"

Die Tonart ist gis-Moll. Das Stück entstand nach einem Aquarell von Hartmann, das dieser während seines Architekturstudiums in Italien anfertigte. Die Zeichnung zeigte eine alte Burg, vor der ein Troubadour mit einer Laute gezeichnet wurde. Mussorgsky schuf eine wunderschöne langgezogene Melodie.

« Garten der Tuilerien. Kinder streiten sich nach dem Spielen»

Geben Sie H-Dur ein. Die Intonationen, das Tempo der Musik, ihre Dur-Tonleiter zeigen eine alltägliche Szene von Kinderspielen und Streitereien.

"Bydło" (übersetzt aus dem Polnischen - "Vieh")

Das Stück zeigt einen polnischen Karren auf großen Rädern, der von Ochsen gezogen wird. Der schwere Schritt dieser Tiere wird durch einen monotonen Rhythmus und grobe Schläge der unteren Registertasten vermittelt. Gleichzeitig erklingt eine traurige Bauernmelodie.

"Ballett der ungeschlüpften Küken"

Dies ist eines der beliebtesten Stücke des Zyklus. Es entstand in der Tonart F-Dur nach Hartmanns Skizzen für die Kostüme zu Y. Gerbers Ballett Trilby, inszeniert von Petipa am Bolschoi-Theater (1871). In einer Episode des Balletts, wie V. Stasov schrieb, „lief eine Gruppe kleiner Schüler und Schüler der Theaterschule als Kanarienvögel verkleidet auf der Bühne herum. Andere wurden wie in eine Rüstung in die Eier eingeführt. Insgesamt entwarf Hartmann 17 Kostümentwürfe für das Ballett, 4 davon sind bis heute erhalten.

V. Hartmann. Kostümentwurf für das Ballett „Trilby“

Das Thema des Stückes ist nicht ernst, die Melodie verspielt, erhält aber, in klassischer Form gestaltet, einen zusätzlichen komischen Effekt.

"Samuel Goldenberg und Shmuyle", in der russischen Version "Zwei Juden, reich und arm"

Das Stück entstand auf der Grundlage zweier Zeichnungen, die Hartmann Mussorgsky überreichte: „Ein Jude mit Pelzmütze. Sandomierz“ und „Sandomierz [Jude]“, gegründet 1868 in Polen. Laut Stasov "bewunderte Mussorgsky die Ausdruckskraft dieser Bilder sehr." Diese Zeichnungen dienten als Prototypen für das Stück. Der Komponist kombinierte nicht nur zwei Porträts zu einem, sondern zwang diese Charaktere auch, untereinander zu sprechen und ihre Charaktere zu enthüllen. Die Rede des ersten klingt selbstbewusst, mit imperativen und moralisierenden Intonationen. Die Sprache des armen Juden ist im Gegensatz zu der ersten: auf den Spitzentönen mit einem scheppernden Ton (flamboyante Töne), mit traurigen und flehenden Intonationen. Dann erklingen beide Themen gleichzeitig in zwei verschiedenen Tonarten (des-Moll und b-Moll). Das Stück endet mit ein paar lauten Tönen in einer Oktave, es ist anzunehmen, dass die Reichen das letzte Wort haben.

„Limousine. Markt . Große Neuigkeiten "

Hartmanns Zeichnung ist nicht erhalten, aber die Melodie des Stücks in Es-Dur vermittelt das lärmende Treiben des Marktes, auf dem Sie alle Neuigkeiten erfahren und darüber diskutieren können.

« Katakomben. Römisches Grab»

Hartmann stellte sich selbst, V. A. Kenel (einen russischen Architekten) und einen Führer mit einer Laterne in der Hand in den römischen Katakomben in Paris dar. Auf der rechten Seite des Bildes sind schwach beleuchtete Totenköpfe zu sehen.

V. Hartmann "Katakomben von Paris"

Der Kerker mit dem Grab wird in der Musik mit dem Thema entsprechenden Unisonos von zwei Oktaven und leisen „Echos“ dargestellt. Die Melodie erscheint zwischen diesen Akkorden wie Schatten der Vergangenheit.

"Hütte auf Hühnerbeinen (Baba Yaga)"

Hartmann hat eine Skizze einer eleganten Bronzeuhr. Mussorgsky hat ein lebendiges, einprägsames Bild von Baba Yaga. Es ist mit Dissonanzen gezeichnet. Zuerst erklingen mehrere Akkorde, dann werden sie häufiger, imitieren einen „Anlauf“ – und einen Flug im Mörser. Die Ton-"Malerei" zeigt sehr deutlich das Bild von Baba Yaga, ihrem lahmen Gang (immerhin ein "Knochenbein").

"Bogatyr-Tore"

Das Stück basiert auf Hartmanns Skizze zur architektonischen Gestaltung der Kiewer Stadttore. Am 4. April (nach altem Stil) April 1866 wurde ein erfolgloser Anschlag auf das Leben von Alexander II. unternommen, der später offiziell als „Ereignis vom 4. April“ bezeichnet wurde. Zu Ehren der Errettung des Kaisers wurde in Kiew ein Torprojektwettbewerb organisiert. Hartmanns Projekt wurde im altrussischen Stil erstellt: eine Kuppel mit einem Glockenturm in Form eines heroischen Helms und einer Dekoration über dem Tor in Form eines Kokoshniks. Später wurde der Wettbewerb jedoch abgesagt und die Projekte nicht umgesetzt.

V. Hartmann. Skizze für das Gate-Projekt in Kiew

Mussorgskys Stück zeichnet ein Bild vom Triumph des Volkes. Der langsame Rhythmus verleiht dem Stück Erhabenheit und Feierlichkeit. Die breite russische Melodie wird durch ein ruhiges Thema ersetzt, das an Kirchengesang erinnert. Dann setzt das erste Thema mit neuer Kraft ein, eine weitere Stimme wird hinzugefügt, und im zweiten Teil erklingt ein echtes Glockengeläut, das von den Klängen des Klaviers erzeugt wird. Zuerst ist das Klingeln in Moll zu hören und geht dann in Dur über. Immer kleinere Glocken gesellen sich zur großen Glocke, und am Ende erklingen kleine Glocken.

Orchestrierungen des Zyklus von M. Mussorgsky

Helle und malerische "Bilder einer Ausstellung", geschrieben für Klavier, wurden wiederholt für das Symphonieorchester arrangiert. Die erste Orchestrierung wurde von Rimsky-Korsakovs Schüler M. Tushmalov durchgeführt. Rimsky-Korsakov selbst hat auch ein Stück des Zyklus „Das alte Schloss“ orchestriert. Aber die berühmteste orchestrale Verkörperung von „Pictures“ war das Werk von Maurice Ravel, einem leidenschaftlichen Bewunderer von Mussorgskys Werk. Ravels Orchestrierung wurde 1922 geschaffen und wurde so populär wie die Klavierversion des Autors.

Das Orchester in der Orchesterfassung von Ravel umfasst 3 Flöten, eine Piccoloflöte, 3 Oboen, ein Englischhorn, 2 Klarinetten, eine Bassklarinette, 2 Fagotte, ein Kontrafagott, ein Altsaxophon, 4 Hörner, 3 Trompeten, 3 Posaunen, a Tuba, Pauke, Triangel, kleine Trommel, Peitsche, Rassel, Becken, große Trommel, Tom-Tom, Glocken, Glocke, Xylophon, Celesta, 2 Harfen, Streicher.

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