Zur nationalen Bedeutung von Ostrovskys Werk. Der Wert von Ostrovskys Dramaturgie

Der Dramatiker hat politische und philosophische Probleme, Mimik und Gestik fast nicht in seine Arbeit einfließen lassen, indem er mit den Details ihrer Kostüme und ihrer alltäglichen Umgebung gespielt hat. Um die komischen Effekte zu verstärken, brachte der Dramatiker meist unbedeutende Personen in die Handlung ein – Verwandte, Bedienstete, Bekannte, zufällige Passanten – und Nebenumstände des Alltags. Dies sind zum Beispiel Chlynovs Gefolge und der Herr mit einem Schnurrbart in The Hot Heart oder Apollo Murzavetsky mit seinem Tamerlane in der Komödie Wolves and Sheep oder der Schauspieler Schastlivtsev unter Neschastlivtsev und Paratov in The Forest and The Dowry usw. The Der Dramatiker suchte nach wie vor den Charakter der Figuren nicht nur im Verlauf der Ereignisse, sondern nicht minder auch durch die Besonderheiten ihrer alltäglichen Dialoge zu offenbaren - "charakterologische" Dialoge, die er in "His People .. .".
So fungiert Ostrovsky in der neuen Schaffensperiode als etablierter Meister mit einem kompletten System dramatischer Kunst. Sein Ruhm, seine sozialen und theatralischen Verbindungen wachsen weiter und werden komplexer. Die große Fülle der in der neuen Zeit geschaffenen Stücke war das Ergebnis einer ständig wachsenden Nachfrage nach Ostrovskys Stücken von Zeitschriften und Theatern. In diesen Jahren arbeitete der Dramatiker nicht nur selbst unermüdlich, sondern fand die Kraft, weniger begabten und unerfahrenen Schriftstellern zu helfen und sich manchmal aktiv mit ihnen an ihrer Arbeit zu beteiligen. So wurden in kreativer Zusammenarbeit mit Ostrovsky eine Reihe von Stücken von N. Solovyov geschrieben (die besten davon sind „The Marriage of Belugin“ und „Wilde Frau“) sowie P. Nevezhin.
Ständig zur Inszenierung seiner Stücke auf den Bühnen der Moskauer Maly- und St. Petersburger Alexandria-Theater beitragend, kannte Ostrovsky den Stand der Theaterangelegenheiten, die hauptsächlich unter der Zuständigkeit des bürokratischen Staatsapparats standen, gut und war sich ihrer grellen Wirkung bitter bewusst Mängel. Er sah, dass er nicht die adelige und bürgerliche Intelligenz in ihrer ideologischen Suche darstellte, wie es Herzen, Turgenew und teilweise Goncharov taten. In seinen Stücken zeigte er den gesellschaftlichen Alltag einfacher Vertreter der Kaufmannsklasse, der Bürokratie, des Adels, ein Leben, in dem sich persönliche, insbesondere Liebeskonflikte, familiäre, monetäre, vermögensrechtliche Interessen manifestierten.
Aber Ostrovskys ideologisches und künstlerisches Bewusstsein für diese Aspekte des russischen Lebens hatte eine tiefe nationale und historische Bedeutung. Durch die alltäglichen Beziehungen jener Menschen, die die Herren und Herren des Lebens waren, offenbarte sich ihr allgemeiner sozialer Zustand. So wie das feige Verhalten eines jungen Liberalen, des Helden von Turgenjews Erzählung „Asya“, nach der treffenden Bemerkung Tschernyschewskis bei einer Verabredung mit einem Mädchen ein „Krankheitssymptom“ des gesamten edlen Liberalismus sei, so die politische Schwäche Die alltägliche Tyrannei und das räuberische Verhalten von Kaufleuten, Beamten und Adligen wirkten als Symptom einer schrecklicheren Krankheit ihrer völligen Unfähigkeit, ihren Aktivitäten zumindest teilweise eine landesweit fortschrittliche Bedeutung zu verleihen.
Das war in der Vorreformzeit ganz natürlich und selbstverständlich. Dann war die Tyrannei, die Arroganz und die Raubzüge der Voltovs, Wyshnevskys, Ulanbekovs eine Manifestation des „dunklen Königreichs“ der Leibeigenschaft, das bereits zum Untergang verurteilt war. Und Dobrolyubov wies zu Recht darauf hin, dass Ostrovskys Komödie zwar „keinen Schlüssel zur Erklärung vieler der darin dargestellten bitteren Phänomene liefern kann“, aber dennoch „leicht zu vielen analogen Überlegungen in Bezug auf jenes Leben führen kann, das sie nicht direkt betrifft“. Und der Kritiker erklärte dies damit, dass die von Ostrovsky gezüchteten „Typen“ kleiner Tyrannen „nicht sind. enthalten selten nicht nur ausschließlich kaufmännische oder bürokratische, sondern auch allgemeine (d. h. landesweite) Merkmale. Mit anderen Worten, Ostrovskys Stücke von 1840-1860. indirekt alle "dunklen Königreiche" des autokratisch-feudalen Systems entlarvt.
In den Jahrzehnten nach der Reform änderte sich die Situation. Dann sei „alles auf den Kopf gestellt“ worden und das neue, bürgerliche System des russischen Lebens habe sich allmählich „eingepasst“. Und die Frage, wie genau dieses neue System "angepasst" wurde, war von enormer nationaler Bedeutung, inwieweit die neue herrschende Klasse, die russische Bourgeoisie, am Kampf um die Abschaffung der Überreste des "dunklen Königreichs" der Leibeigenschaft teilnehmen und das gesamte autokratische Grundbesitzersystem.
Fast zwanzig von Ostrovskys neuen Stücken zu zeitgenössischen Themen gaben eine klare negative Antwort auf diese fatale Frage. Der Dramatiker hat nach wie vor die Welt der privaten Sozial-, Haushalts-, Familien- und Eigentumsverhältnisse dargestellt. In den allgemeinen Tendenzen ihrer Entwicklung war ihm nicht alles klar, und seine "Leier" machte in dieser Hinsicht manchmal nicht ganz "richtige Töne". Aber im ganzen hatten Ostrovskys Stücke eine gewisse Sachorientierung. Sie entlarvten sowohl die Überreste des alten „dunklen Königreichs“ der Despotie als auch das neu entstehende „dunkle Königreich“ der bürgerlichen Raubzüge, des Geldhypes, der Zerstörung aller moralischen Werte in einer Atmosphäre des allgemeinen Kaufens und Verkaufens. Sie zeigten, dass russische Geschäftsleute und Industrielle nicht in der Lage sind, sich für die Verwirklichung der Interessen der nationalen Entwicklung einzusetzen, dass einige von ihnen, wie Chlynov und Akhov, nur in der Lage sind, sich groben Vergnügungen hinzugeben, andere, wie Knurov und Berkutov, können dies alles um sich herum nur ihren räuberischen „Wolfs“-Interessen unterordnen, und für Dritte wie Vasilkov oder Frol Pribytkov werden die Profitinteressen nur von äußerem Anstand und sehr engen kulturellen Anforderungen gedeckt. Ostrovskys Stücke skizzierten neben den Plänen und Absichten ihres Autors objektiv eine gewisse Aussicht auf die nationale Entwicklung - die Aussicht auf die unvermeidliche Zerstörung aller Überreste des alten "dunklen Königreichs" des autokratischen Leibeigenen-Despotismus, nicht nur ohne die Beteiligung von die Bourgeoisie, nicht nur über ihren Kopf, sondern zusammen mit der Zerstörung ihres eigenen räuberischen "dunklen Reiches"
Die in Ostrovskys Alltagsstücken dargestellte Realität war eine Lebensform ohne landesweiten progressiven Inhalt und offenbarte daher leicht interne komische Widersprüche. Ostrovsky widmete seiner Offenlegung sein herausragendes dramatisches Talent. Ausgehend von der Tradition der realistischen Komödien und Erzählungen Gogols und deren Umstrukturierung gemäß den neuen ästhetischen Ansprüchen der „Naturschule“ der 1840er Jahre, formuliert von Belinsky und Herzen, zeichnete Ostrovsky die komische Widersprüchlichkeit des Gesellschafts- und Alltagslebens nach die herrschenden Schichten der russischen Gesellschaft, tauchen in die "Weltdetails" ein, betrachten das "Geflecht der täglichen Beziehungen" Faden für Faden. Dies war die Hauptleistung des von Ostrovsky geschaffenen neuen dramatischen Stils.

Literaturaufsatz zum Thema: Die Bedeutung von Ostrovskys Werk für die ideologische und ästhetische Entwicklung der Literatur

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Komposition

Alexander Nikolaevich Ostrovsky... Das ist ein ungewöhnliches Phänomen. Seine Rolle in der Entwicklungsgeschichte der russischen Dramaturgie, der darstellenden Künste und der gesamten nationalen Kultur kann kaum hoch genug eingeschätzt werden. Für die Entwicklung des russischen Dramas tat er so viel wie Shakespeare in England, Lone de Vega in Spanien, Molière in Frankreich, Goldoni in Italien und Schiller in Deutschland. Trotz der Schikanen durch die Zensur, das Theater- und Literaturkomitee und die Direktion der kaiserlichen Theater, trotz der Kritik reaktionärer Kreise gewann Ostrovskys Dramaturgie von Jahr zu Jahr mehr Sympathie sowohl bei demokratischen Zuschauern als auch bei Künstlern.

Ostrovsky entwickelte die besten Traditionen der russischen Dramaturgie, nutzte die Erfahrung fortschrittlicher ausländischer Dramaturgie, lernte unermüdlich das Leben seines Heimatlandes kennen, kommunizierte ständig mit den Menschen und verband sich eng mit der fortschrittlichsten zeitgenössischen Öffentlichkeit. Ostrovsky wurde zu einer herausragenden Darstellung des Lebens seiner Zeit, der die Träume von Gogol, Belinsky und anderen fortschrittlichen Persönlichkeiten verkörperte, Literatur über den Auftritt und Triumph russischer Persönlichkeiten auf der nationalen Bühne.
Die schöpferische Tätigkeit von Ostrovsky hatte einen großen Einfluss auf die gesamte weitere Entwicklung des progressiven russischen Dramas. Von ihm haben unsere besten Dramatiker gelernt, er hat gelehrt. Es war zu ihm, dass aufstrebende Dramatiker ihrer Zeit angezogen wurden.

Die Stärke von Ostrovskys Einfluss auf die Schriftsteller seiner Zeit kann durch einen Brief an die Dramatikerdichte A. D. Mysovskaya belegt werden. „Weißt du, wie groß dein Einfluss auf mich war? Es war nicht die Liebe zur Kunst, die mich dazu gebracht hat, Sie zu verstehen und zu schätzen, im Gegenteil, Sie haben mir beigebracht, Kunst zu lieben und zu respektieren. Dass ich der Versuchung widerstanden habe, in die Arena des jämmerlichen literarischen Mittelmaßes zu verfallen, nicht billigen Lorbeeren aus süßsauren Halbbildungshänden hinterherjagte, verdanke ich allein Ihnen. Sie und Nekrasov haben mich dazu gebracht, mich in Gedanken und Arbeit zu verlieben, aber Nekrasov hat mir nur den ersten Anstoß gegeben, Sie sind die Richtung. Als ich Ihre Werke las, wurde mir klar, dass Reimen keine Poesie und eine Reihe von Sätzen keine Literatur ist und dass der Künstler nur durch die Verarbeitung des Geistes und der Technik ein echter Künstler wird.
Ostrovsky hatte nicht nur einen starken Einfluss auf die Entwicklung des heimischen Dramas, sondern auch auf die Entwicklung des russischen Theaters. Die kolossale Bedeutung von Ostrovsky für die Entwicklung des russischen Theaters wird in einem Gedicht betont, das Ostrovsky gewidmet ist und 1903 von M. N. Yermolova auf der Bühne des Maly-Theaters gelesen wurde:

Auf der Bühne das Leben selbst, von der Bühne weht die Wahrheit,
Und die strahlende Sonne streichelt und wärmt uns ...
Die Live-Sprache gewöhnlicher, lebender Menschen klingt,
Auf der Bühne kein „Held“, kein Engel, kein Bösewicht,
Aber nur ein Mann ... Glücklicher Schauspieler
Hast es eilig, die schweren Fesseln schnell zu sprengen
Zustände und Lügen. Worte und Gefühle sind neu

Aber in den Geheimnissen der Seele klingt ihnen die Antwort, -
Und alle Münder flüstern: Gesegnet sei der Dichter,
Die schäbigen Lametta-Deckel abgerissen
Und bringe ein helles Licht in das Reich der Finsternis

Die berühmte Schauspielerin schrieb 1924 in ihren Memoiren darüber: „Zusammen mit Ostrovsky erschienen die Wahrheit selbst und das Leben selbst auf der Bühne ... Das Wachstum des ursprünglichen Dramas begann, voller Reaktionen auf die Moderne ... Sie begannen, darüber zu sprechen Arme, Gedemütigte und Beleidigte.“

Die realistische Richtung, gedämpft durch die Theaterpolitik der Autokratie, fortgesetzt und vertieft von Ostrovsky, lenkte das Theater auf den Weg der engen Verbindung mit der Realität. Nur es hat das Theater als nationales, russisches Volkstheater zum Leben erweckt.

„Sie haben der Literatur eine ganze Bibliothek von Kunstwerken geschenkt, Sie haben Ihre eigene besondere Welt für die Bühne geschaffen. Sie allein haben das Gebäude fertiggestellt, auf dessen Fundament die Grundsteine ​​von Fonvizin, Griboyedov, Gogol gelegt wurden. Dieser wunderbare Brief wurde neben anderen Glückwünschen im Jahr des fünfunddreißigsten Jahrestages der literarischen und theatralischen Tätigkeit von Alexander Nikolaevich Ostrovsky von einem anderen großen russischen Schriftsteller - Goncharov - erhalten.

Aber viel früher, über das allererste Werk des noch jungen Ostrovsky, das in Moskvityanin veröffentlicht wurde, schrieb ein subtiler Kenner der Eleganz und ein sensibler Beobachter V. F. Odoevsky: Dieser Mann ist ein großes Talent. Ich betrachte drei Tragödien in Rus: „Gestrüpp“, „Wehe von Witz“, „Inspektor“. Ich habe Nummer vier auf Konkurs gesetzt.

Von einer so vielversprechenden ersten Einschätzung bis zu Goncharovs Jubiläumsbrief, ein erfülltes, arbeitsreiches Leben; Arbeit und führte zu einem so logischen Bewertungsverhältnis, weil Talent zuallererst große Arbeit an sich selbst erfordert und der Dramatiker nicht vor Gott gesündigt hat - er hat sein Talent nicht im Boden vergraben. Nach der Veröffentlichung des ersten Werkes im Jahr 1847 hat Ostrovsky seitdem 47 Theaterstücke geschrieben und mehr als zwanzig Theaterstücke aus europäischen Sprachen übersetzt. Und alles in allem gibt es in dem von ihm geschaffenen Volkstheater etwa tausend Schauspieler.
Kurz vor seinem Tod, im Jahr 1886, erhielt Alexander Nikolajewitsch einen Brief von L. N. Tolstoi, in dem der brillante Prosaautor zugab: „Ich weiß aus Erfahrung, wie die Leute Ihre Sachen lesen, hören und sich merken, und deshalb möchte ich Ihnen jetzt helfen werden Sie schnell zu dem, was Sie zweifellos sind - ein Schriftsteller des ganzen Volkes im weitesten Sinne.

Das gesamte kreative Leben von A.N. Ostrovsky war untrennbar mit dem russischen Theater verbunden und seine Verdienste um die russische Bühne sind wirklich unermesslich. Er hatte allen Grund, am Ende seines Lebens zu sagen: "... das russische Schauspielhaus hat nur ein Ich. Ich bin alles: die Akademie, der Philanthrop und die Verteidigung. Außerdem ... wurde ich der Leiter der Bühnenkunst."

Ostrovsky beteiligte sich aktiv an der Inszenierung seiner Stücke, arbeitete mit Schauspielern zusammen, war mit vielen von ihnen befreundet und korrespondierte mit ihnen. Er bemühte sich sehr, die Moral der Schauspieler zu verteidigen und versuchte, eine Theaterschule in Russland zu gründen, sein eigenes Repertoire.

1865 organisierte Ostrovsky in Moskau einen Künstlerkreis, dessen Zweck darin bestand, die Interessen der Künstler, insbesondere der Provinzkünstler, zu schützen und ihre Ausbildung zu fördern. 1874 gründete er die Society of Dramatic Writers and Opera Composers. Er verfasste Memoranden an die Regierung über die Entwicklung der darstellenden Künste (1881), leitete das Maly-Theater in Moskau und das Alexandrinsky-Theater in St. Petersburg, war verantwortlich für das Repertoire der Moskauer Theater (1886) und war Leiter von die Theaterschule (1886). Er "baute" ein ganzes "Gebäude des russischen Theaters", bestehend aus 47 Originalstücken. "Sie haben der Literatur eine ganze Bibliothek von Kunstwerken geschenkt", schrieb I. A. Goncharov an Ostrovsky, "Sie haben Ihre eigene spezielle Welt für die Bühne geschaffen. Wir Russen können stolz sagen: Wir haben unser eigenes russisches Nationaltheater."

Ostrovskys Werk bildete eine ganze Epoche in der Geschichte des russischen Theaters. Fast alle seine Stücke wurden zu seinen Lebzeiten im Maly-Theater aufgeführt, sie brachten mehrere Generationen von Künstlern hervor, die zu wunderbaren Meistern der russischen Bühne heranwuchsen. Ostrovskys Stücke haben in der Geschichte des Maly-Theaters eine so bedeutende Rolle gespielt, dass es stolz Ostrovsky-Haus genannt wird.

Ostrovsky inszenierte seine Stücke meist selbst. Er kannte das innere, vor den Augen des Publikums verborgene Hinterbühnenleben des Theaters gut. Das Wissen des Dramatikers über das Schauspielleben manifestierte sich deutlich in den Stücken "Der Wald" (1871), "Der Komiker des 17. Jahrhunderts" (1873), "Talente und Bewunderer" (1881), "Schuldig ohne Schuld" (1883) .

In diesen Werken treten vor uns lebende Typen von Provinzschauspielern unterschiedlicher Rollen auf. Das sind Tragiker, Komödianten, "erste Liebhaber". Aber unabhängig von der Rolle ist das Leben der Schauspieler in der Regel nicht einfach. Indem er ihr Schicksal in seinen Stücken darstellte, versuchte Ostrovsky zu zeigen, wie schwierig es für eine Person mit einer subtilen Seele und einem Talent ist, in einer unfairen Welt der Seelenlosigkeit und Ignoranz zu leben. Gleichzeitig könnten sich die Schauspieler im Bild von Ostrovsky als fast Bettler herausstellen, wie Neschastlivtsev und Schastlivtsev in Les; gedemütigt und durch Trunkenheit ihr menschliches Aussehen verlieren, wie Robinson in „Mitgift“, wie Shmaga in „Schuldig ohne Schuld“, wie Erast Gromilov in „Talente und Bewunderer“.

In der Komödie "The Forest" enthüllte Ostrovsky das Talent der Schauspieler des russischen Provinztheaters und zeigte gleichzeitig ihre demütigende Position, die zur Landstreicherei verdammt war und auf der Suche nach ihrem täglichen Brot umherwanderte. Als sie sich treffen, haben Schastlivtsev und Neschastlivtsev keinen Cent Geld und keine Prise Tabak. Es stimmt, Neschastvittsev hat ein paar Klamotten in seinem selbstgemachten Rucksack. Er hatte sogar einen Frack, aber um die Rolle spielen zu können, musste er ihn in Chisinau "gegen das Kostüm von Hamlet" eintauschen. Das Kostüm war für den Schauspieler sehr wichtig, aber um die notwendige Garderobe zu haben, wurde viel Geld benötigt ...

Ostrovsky zeigt, dass der Provinzschauspieler auf der unteren Stufe der sozialen Leiter steht. In der Gesellschaft gibt es Vorurteile gegen den Beruf des Schauspielers. Nachdem Gurmyzhskaya erfahren hat, dass ihr Neffe Neschastlivtsev und sein Kamerad Schastlivtsev Schauspieler sind, erklärt sie arrogant: "Morgen früh werden sie nicht hier sein. Ich habe kein Hotel, keine Taverne für solche Herren." Wenn die örtlichen Behörden das Verhalten des Schauspielers nicht mögen oder er keine Papiere hat, wird er verfolgt und kann sogar aus der Stadt ausgewiesen werden. Arkady Schastlivtsev wurde „dreimal von Kosaken mit Peitschen vier Meilen weit aus der Stadt geschmissen“. Wegen der Unordnung, der ewigen Irrfahrten trinken die Schauspieler. Der Besuch von Tavernen ist ihre einzige Möglichkeit, der Realität zu entfliehen, zumindest für eine Weile, um die Probleme zu vergessen. Schastlivtsev sagt: "... Wir sind ihm gleichgestellt, beide Schauspieler, er ist Neschastlivtsev, ich bin Schastlivtsev, und wir sind beide Trunkenbolde", und erklärt dann bravourös: "Wir sind ein freies, wandelndes Volk - wir schätzen das Wirtshaus am meisten." Aber diese Clownerie von Arkashka Schastlivtsev ist nur eine Maske, die den unerträglichen Schmerz der sozialen Demütigung verbirgt.

Trotz des schwierigen Lebens, der Widrigkeiten und des Grolls bewahren viele Minister von Melpomene Freundlichkeit und Edelmut in ihrer Seele. In "The Forest" schuf Ostrovsky das lebendigste Bild eines edlen Schauspielers - des Tragikers Neschastlivtsev. Er porträtierte einen „lebenden“ Menschen, mit einem schweren Schicksal, mit einer traurigen Lebensgeschichte. Der Schauspieler trinkt viel, aber während des Stücks verändert er sich, die besten Eigenschaften seiner Natur werden offenbart. Neschastlivtsev zwingt Vosmibratov, das Geld an Gurmyzhskaya zurückzugeben, und führt eine Aufführung durch, gibt gefälschte Bestellungen auf. In diesem Moment spielt er mit einer solchen Kraft, mit einem solchen Glauben, dass das Böse bestraft werden kann, dass er einen echten Lebenserfolg erzielt: Vosmibratov gibt Geld. Dann gibt Neschastlivtsev Aksyusha sein letztes Geld und arrangiert ihr Glück. Neschastlivtsev spielt nicht mehr. Seine Handlungen sind keine theatralische Geste, sondern ein wahrhaft edler Akt. Und als er am Ende des Stückes den berühmten Monolog von Karl Mohr aus F. Schillers „Räuber“ ausspricht, werden die Worte des Schiller-Helden im Wesentlichen zu einer Fortsetzung seiner eigenen zornigen Rede. Die Bedeutung der Bemerkung, die Neschastlivtsev Gurmyzhskaya und ihrem gesamten Unternehmen zuwirft: "Wir sind Künstler, edle Künstler und Komiker, seid ihr", liegt darin, dass Kunst und Leben seiner Ansicht nach untrennbar miteinander verbunden sind und der Schauspieler nicht ein Heuchler, kein Heuchler, seine Kunst basiert auf echten Gefühlen und Erfahrungen.

In der poetischen Komödie „Komödiant des 17. Jahrhunderts“ schlägt der Dramatiker die frühen Seiten der Geschichte der Nationalszene auf. Der talentierte Komiker Yakov Kochetov hat Angst, Künstler zu werden. Nicht nur er, sondern auch sein Vater sind sich sicher, dass dies ein verwerflicher Beruf ist, dass Possenreißer eine Sünde sind, schlimmer als die nichts sein kann, denn das waren die Vorkonstruktionsvorstellungen der Menschen in Moskau im 17. Jahrhundert. Aber Ostrovsky stellte die Verfolger von Possenreißern und ihre "Aktionen" den Liebhabern und Eiferern des Theaters in der vorpetrinischen Ära gegenüber. Der Dramatiker zeigte die besondere Rolle von Bühnenaufführungen in der Entwicklung der russischen Literatur und formulierte den Zweck der Komödie, "... bösartig und böse lustig zu zeigen, es lächerlich zu machen. ... Menschen durch die Darstellung von Moral zu lehren."

In dem Drama "Talents and Admirers" zeigte Ostrovsky, wie schwierig das Schicksal der mit einem riesigen Bühnengeschenk ausgestatteten Schauspielerin ist, die sich leidenschaftlich dem Theater widmet. Die Stellung des Schauspielers im Theater, sein Erfolg hängt davon ab, ob er von den wohlhabenden Zuschauern gemocht wird, die die ganze Stadt in ihren Händen halten. Schließlich lebten die Provinztheater hauptsächlich von Spenden lokaler Gönner, die sich als Meister des Theaters fühlten und den Schauspielern ihre Bedingungen diktierten. Alexandra Negina von "Talents and Admirers" weigert sich, an Intrigen hinter den Kulissen teilzunehmen oder auf die Launen ihrer wohlhabenden Bewunderer einzugehen: Prinz Dulebov, Beamter Bakin und andere. Negina kann und will sich nicht mit dem leichten Erfolg der anspruchslosen Nina Smelskaya zufrieden geben, die bereitwillig die Gunst reicher Verehrer annimmt und sich tatsächlich in eine gepflegte Frau verwandelt. Prinz Dulebov, beleidigt von Neginas Weigerung, beschloss, sie zu ruinieren, riss eine Benefizvorstellung ab und überlebte buchstäblich vom Theater. Sich vom Theater zu trennen, ohne das sie sich ihre Existenz nicht vorstellen kann, bedeutet für Negina, sich mit einem elenden Leben mit einer süßen, aber armen Studentin Petya Meluzov zufrieden zu geben. Sie hat nur einen Ausweg: sich in den Unterhalt eines anderen Verehrers zu begeben, des wohlhabenden Gutsbesitzers Velikatov, der ihr Rollen und durchschlagenden Erfolg in seinem Theater verspricht. Er nennt seinen Anspruch auf das Talent und die Seele von Alexandra glühende Liebe, aber im Wesentlichen ist es ein offener Deal zwischen einem großen Raubtier und einem hilflosen Opfer. Was Knurov in "Dowry" nicht leisten musste, erledigte Velikatov. Larisa Ogudalova hat es geschafft, sich auf Kosten des Todes von den goldenen Ketten zu befreien, Negina hat sich diese Ketten angelegt, weil sie sich ein Leben ohne Kunst nicht vorstellen kann.

Ostrovsky wirft dieser Heldin vor, die weniger geistige Mitgift hatte als Larisa. Gleichzeitig erzählte er uns mit Kummer von dem dramatischen Schicksal der Schauspielerin, das seine Teilnahme und sein Mitgefühl hervorrief. Kein Wunder, wie E. Kholodov feststellte, ist ihr Name derselbe wie Ostrovsky selbst - Alexandra Nikolaevna.

In dem Drama Schuldig ohne Schuld wendet sich Ostrovsky erneut dem Thema des Theaters zu, obwohl seine Probleme viel umfassender sind: Es spricht vom Schicksal von Menschen, die ihres Lebens beraubt sind. Im Mittelpunkt des Dramas steht die herausragende Schauspielerin Kruchinina, nach deren Auftritten das Theater buchstäblich „vom Applaus zerfällt“. Ihr Bild gibt Anlass, darüber nachzudenken, was die Bedeutung und Größe der Kunst ausmacht. Zunächst einmal, glaubt Ostrovsky, ist dies eine große Lebenserfahrung, eine Schule der Entbehrungen, Qualen und Leiden, die seine Heldin zufällig durchgemacht hat.

Kruchininas ganzes Leben außerhalb der Bühne ist "Trauer und Tränen". Diese Frau wusste alles: die harte Arbeit eines Lehrers, den Verrat und die Abreise eines geliebten Menschen, den Verlust eines Kindes, eine schwere Krankheit, Einsamkeit. Zweitens ist es spiritueller Adel, ein mitfühlendes Herz, Glaube an das Gute und Respekt vor einer Person und drittens ein Bewusstsein für die hohen Aufgaben der Kunst: Kruchinina bringt dem Betrachter hohe Wahrheit, die Ideen von Gerechtigkeit und Freiheit. Mit ihrem Wort von der Bühne will sie „die Herzen der Menschen verbrennen“. Und zusammen mit einem seltenen Naturtalent und einer gemeinsamen Kultur ermöglicht all dies, das zu werden, was aus der Heldin des Stücks geworden ist – ein Universalidol, dessen „Glanz donnert“. Kruchinina schenkt ihren Zuschauern das Glück des Kontakts mit dem Schönen. Und deshalb schenkt ihr der Dramatiker selbst im Finale auch ihr persönliches Glück: die Suche nach ihrem verschollenen Sohn, dem mittellosen Schauspieler Neznamov.

Der Verdienst von A. N. Ostrovsky vor der russischen Bühne ist wirklich unermesslich. Seine Stücke über Theater und Schauspieler, die die Umstände der russischen Realität in den 70er und 80er Jahren des 19. Jahrhunderts genau widerspiegeln, enthalten bis heute aktuelle Gedanken zur Kunst. Es sind Gedanken über das schwierige, manchmal tragische Schicksal talentierter Menschen, die sich auf der Bühne verwirklichen und sich völlig verbrennen; Gedanken über das Glück der Kreativität, die volle Hingabe, über die erhabene Mission der Kunst, die Güte und Menschlichkeit zu bekräftigen.

Der Dramatiker selbst drückte sich aus, offenbarte seine Seele in den von ihm geschaffenen Stücken, vielleicht besonders offen in Stücken über Theater und Schauspieler, in denen er sehr überzeugend zeigte, dass man selbst in den Tiefen Russlands, in den Provinzen, talentierte, desinteressierte treffen kann Menschen, die in der Lage sind, von den höchsten Interessen zu leben. . Vieles in diesen Stücken stimmt mit dem überein, was B. Pasternak in seinem wunderbaren Gedicht „Oh, if just I would have know that it happen ...“ geschrieben hat:

Wenn eine Linie ein Gefühl diktiert

Es schickt einen Sklaven auf die Bühne,

Und hier endet die Kunst.

Und der Boden und das Schicksal atmen.

Ostrovsky schrieb für das Theater. Das ist die Besonderheit seiner Gabe. Die von ihm geschaffenen Bilder und Lebensbilder sind für die Bühne bestimmt. Deshalb ist die Sprache von Ostrovskys Charakteren so wichtig, deshalb klingen seine Werke so hell. Kein Wunder, dass Innokenty Annensky ihn einen Realisten-Hörer nannte. Ohne Inszenierung auf der Bühne waren seine Werke wie unvollendet, weshalb Ostrovsky das Verbot seiner Stücke durch die Theaterzensur so hart traf. Die Komödie „Our People – Let’s Settle“ durfte nur zehn Jahre, nachdem Pogodin es geschafft hatte, sie in einer Zeitschrift zu veröffentlichen, im Theater aufgeführt werden.

Mit einem Gefühl unverhohlener Genugtuung schrieb A. N. Ostrovsky am 3. November 1878 an seinen Freund, den Künstler des Theaters von Alexandria, A. F. Burdin: „Die Mitgift“ wurde einstimmig als das beste aller meiner Werke anerkannt. Ostrovsky lebte "Mitgift", zeitweise nur auf sie, sein vierzigstes Ding, richtete "seine Aufmerksamkeit und Kraft", wollte sie auf das Gründlichste "beenden". Im September 1878 schrieb er an einen seiner Bekannten: „Ich arbeite mit aller Kraft an meinem Stück; es sieht nicht schlecht aus." Bereits einen Tag nach der Premiere, am 12. November, konnte Ostrovsky erfahren und lernte zweifellos von Russkiye Vedomosti, wie es ihm gelang, "das gesamte Publikum bis hin zu den naivsten Zuschauern zu ermüden". Denn sie - das Publikum - ist dem Spektakel, das er ihr bietet, eindeutig "entwachsen". In den 1970er Jahren wurde Ostrovskys Verhältnis zu Kritikern, Theatern und Publikum immer komplizierter. Die Zeit, in der er Ende der fünfziger und Anfang der sechziger Jahre allgemeine Anerkennung genoss, wurde von einer anderen abgelöst, die sich in verschiedenen Kreisen immer mehr der Abkühlung zum Dramatiker zuwandte.

Die Theaterzensur war strenger als die Literaturzensur. Das ist kein Zufall. Theaterkunst ist ihrem Wesen nach demokratisch, sie ist direkter als die Literatur, sie richtet sich an die breite Öffentlichkeit. Ostrovsky schrieb in seiner „Anmerkung über die Situation der dramatischen Kunst in Russland in der Gegenwart“ (1881), dass „die dramatische Poesie dem Volk näher ist als andere Zweige der Literatur. Alle anderen Werke sind für gebildete Menschen geschrieben, aber Dramen und Komödien werden für das ganze Volk geschrieben; Dramatiker müssen sich das immer vor Augen halten, sie müssen klar und stark sein. Diese Volksnähe entwertet die dramatische Poesie keineswegs, sondern verdoppelt im Gegenteil ihre Kraft und lässt sie nicht vulgär und kleinlich werden. Ostrovsky spricht in seiner „Note“ darüber, wie sich das Theaterpublikum in Russland nach 1861 ausdehnte. Ostrovsky schreibt an einen neuen, kunstfremden Zuschauer, Ostrovsky schreibt: „Die schöne Literatur ist ihm noch langweilig und unverständlich, die Musik auch, nur das Theater bereitet ihm volle Freude, da erlebt er wie ein Kind alles, was auf der Bühne passiert, sympathisiert mit dem Guten und erkennt das Böse, klar dargestellt." Für ein „frisches“ Publikum, schrieb Ostrovsky, „sind starkes Drama, groß angelegte Komödie, trotziges, offenes, lautes Lachen, heiße, aufrichtige Gefühle erforderlich.“

Laut Ostrovsky ist es das Theater, das seine Wurzeln in der Volksshow hat und die Fähigkeit hat, die Seelen der Menschen direkt und stark zu beeinflussen. Zweieinhalb Jahrzehnte später wird Alexander Blok über Poesie schreiben, dass ihre Essenz in der Hauptsache darin besteht, „wandelnde“ Wahrheiten zu sein, in der Fähigkeit, sie dem Herzen des Lesers zu vermitteln, was das Theater hat:

Weiter so, trauernde Nörgler!
Schauspieler, beherrsche das Handwerk,
Um von der wandelnden Wahrheit
Alle fühlten sich krank und leicht!

("Balagan", 1906)

Die große Bedeutung, die Ostrovsky dem Theater beimaß, seine Gedanken zur Theaterkunst, zur Stellung des Theaters in Russland, zum Schicksal der Schauspieler - all das spiegelte sich in seinen Stücken wider. Zeitgenossen sahen Ostrovsky als Nachfolger der dramatischen Kunst von Gogol. Aber die Neuheit seiner Stücke wurde sofort bemerkt. Bereits 1851 wies der junge Kritiker Boris Almazov in dem Artikel „Ein Traum anlässlich einer Komödie“ auf die Unterschiede zwischen Ostrovsky und Gogol hin. Die Originalität von Ostrovsky bestand nicht nur darin, dass er nicht nur die Unterdrücker, sondern auch ihre Opfer porträtierte, nicht nur darin, dass Gogol, wie I. Annensky schrieb, hauptsächlich ein Dichter des „Visuellen“ und Ostrovskys „Hören“ war “ Eindrücke.

Die Originalität und Neuheit von Ostrovsky manifestierte sich auch in der Wahl des Lebensmaterials, im Thema des Bildes - er beherrschte neue Ebenen der Realität. Er war der Entdecker, Columbus, nicht nur von Zamoskvorechye, - den wir nur nicht sehen, dessen Stimmen wir in den Werken von Ostrovsky nicht hören! Innokenty Annensky schrieb: „... Dies ist ein Virtuose der Klangbilder: Kaufleute, Wanderer, Fabrikarbeiter und Lehrer der lateinischen Sprache, Tataren, Zigeuner, Schauspieler und Sexarbeiter, Bars, Angestellte und kleine Bürokraten - Ostrovsky gab eine riesige Galerie von typischen Reden ...“ Schauspieler, theatralische Umgebung - auch der neue Lebensstoff, den Ostrovsky beherrschte - alles, was mit dem Theater zusammenhängt, schien ihm sehr wichtig.

Im Leben von Ostrovsky selbst spielte das Theater eine große Rolle. Er beteiligte sich an der Produktion seiner Stücke, arbeitete mit Schauspielern, war mit vielen von ihnen befreundet, korrespondierte. Er hat sich sehr bemüht, die Rechte der Schauspieler zu verteidigen und versucht, eine Theaterschule in Russland zu gründen, sein eigenes Repertoire. Künstler des Maly Theatre N.V. Rykalova erinnerte sich: „Nachdem Ostrovsky die Truppe besser kennengelernt hatte, wurde er unser eigener Mann. Die Gruppe liebte ihn sehr. Alexander Nikolaevich war ungewöhnlich liebevoll und höflich zu allen. Unter dem damaligen Leibeigenenregime, als die Bosse zum Künstler „du“ sagten, als der Großteil der Truppe aus Leibeigenen bestand, erschien Ostrovskys Behandlung allen wie eine Art Offenbarung. Normalerweise inszenierte Alexander Nikolajewitsch seine Stücke selbst ... Ostrovsky versammelte eine Truppe und las ihr ein Stück vor. Er war bemerkenswert gut im Lesen. Alle Charaktere kamen aus ihm heraus, als ob sie lebendig wären ... Ostrovsky kannte das innere, vor den Augen des Publikums verborgene Backstage-Leben des Theaters gut. Beginnend mit dem Wald "(1871) entwickelt Ostrovsky das Thema des Theaters, schafft Bilder von Schauspielern, schildert ihr Schicksal - diesem Stück folgen "Komiker des 17. Jahrhunderts" (1873), "Talente und Bewunderer" (1881) , „Schuld ohne Schuld“ (1883).

Die Stellung der Schauspieler im Theater, ihr Erfolg hing davon ab, ob sie von den wohlhabenden Zuschauern, die in der Stadt den Ton angaben, gemocht wurden oder nicht. Schließlich lebten die Provinztruppen hauptsächlich von Spenden lokaler Mäzene, die sich als Meister des Theaters fühlten und ihre Bedingungen diktieren konnten. Viele Schauspielerinnen lebten von teuren Geschenken wohlhabender Fans. Die Schauspielerin, die ihre Ehre schätzte, hatte es schwer. In "Talente und Bewunderer" schildert Ostrovsky eine solche Lebenssituation. Domna Panteleevna, Mutter von Sasha Negina, beschwert sich: „Meine Sasha ist nicht glücklich! Er hält sich sehr sorgfältig, naja, es gibt keine solche Disposition zwischen der Öffentlichkeit: keine besonderen Geschenke, nichts wie die anderen, die ... wenn ... ".

Nina Smelskaya, die bereitwillig die Schirmherrschaft wohlhabender Fans annimmt und sich im Wesentlichen in eine gehaltene Frau verwandelt, lebt viel besser und fühlt sich im Theater viel selbstbewusster als die talentierte Negina. Aber trotz des schwierigen Lebens, der Widrigkeiten und des Grolls behalten viele Menschen, die ihr Leben der Bühne und dem Theater gewidmet haben, nach dem Vorbild von Ostrovsky Freundlichkeit und Adel in ihrer Seele. Das sind vor allem Tragiker, die auf der Bühne in einer Welt hoher Leidenschaften leben müssen. Natürlich sind Adel und geistige Großzügigkeit nicht nur den Tragikern eigen. Ostrovsky zeigt, dass wahres Talent, eine uneigennützige Liebe zur Kunst und zum Theater Menschen erheben. Dies sind Narokov, Negina, Kruchinina.

In den frühromantischen Erzählungen brachte Maxim Gorki seine Einstellung zum Leben und zu den Menschen zum Ausdruck, seine Sicht auf die Epoche. Die Helden vieler dieser Geschichten sind die sogenannten Landstreicher. Der Autor porträtiert sie als mutige, starkherzige Menschen. Das Wichtigste für sie ist die Freiheit, die die Landstreicher, wie wir alle, auf ihre Weise verstehen. Sie träumen leidenschaftlich von einem besonderen Leben, weit weg vom Gewöhnlichen. Aber sie können sie nicht finden, also gehen sie umher, trinken zu viel, begehen Selbstmord. Einer dieser Menschen wird in der Geschichte "Chelkash" dargestellt. Chelkash - „ein alter vergifteter Wolf, den Havanesern wohlbekannt, ein eingefleischter Säufer und l

In Fets Poesie ist das Liebesgefühl aus Widersprüchen gewoben: Es ist nicht nur Freude, sondern auch Qual und Leid. In Fetovs „Liedern der Liebe“ gibt sich der Dichter so ganz dem Liebesgefühl hin, dem Rausch der Schönheit der Geliebten, der an sich schon Glück bringt, in dem selbst leidvolle Erlebnisse große Glückseligkeit sind. Aus den Tiefen des Weltdaseins erwächst die Liebe, die zum Gegenstand von Fets Inspiration geworden ist. Die innerste Sphäre der Seele des Dichters ist die Liebe. In seinen Gedichten legte er verschiedene Schattierungen von Liebesgefühlen fest: nicht nur helle Liebe, bewundernde Schönheit, Bewunderung, Freude, Glück der Gegenseitigkeit, sondern auch

Ende der 90er Jahre des 19. Jahrhunderts war der Leser erstaunt über das Erscheinen von drei Bänden mit Essays und Geschichten eines neuen Schriftstellers, M. Gorki. „Großes und originelles Talent“ – so lautete das allgemeine Urteil über den neuen Schriftsteller und seine Bücher. Die wachsende Unzufriedenheit in der Gesellschaft und die Erwartung entscheidender Veränderungen ließen romantische Tendenzen in der Literatur zunehmen. Diese Tendenzen spiegelten sich besonders deutlich in der Arbeit des jungen Gorki wider, in Geschichten wie "Chelkash", "Old Woman Izergil", "Makar Chudra", in revolutionären Liedern. Die Helden dieser Geschichten sind Menschen „mit der Sonne im Blut“, stark, stolz, schön. Diese Helden sind Gorkis Traum

Vor mehr als hundert Jahren fanden in einer kleinen Provinzstadt in Dänemark - Odense auf der Insel Fünen - außergewöhnliche Ereignisse statt. Ruhige, leicht verschlafene Straßen von Odense waren plötzlich von Musik erfüllt. Eine Prozession von Handwerkern mit Fackeln und Bannern marschierte am hell erleuchteten alten Rathaus vorbei und grüßte einen großen, blauäugigen Mann, der am Fenster stand. Wem zu Ehren entzündeten die Einwohner von Odense im September 1869 ihre Feuer? Es war Hans Christian Andersen, kurz zuvor zum Ehrenbürger seiner Geburtsstadt gewählt. Zu Ehren Andersens besangen seine Landsleute die Heldentat eines Mannes und Schriftstellers,

Das literarische Leben Russlands wurde aufgewühlt, als Ostrovskys erste Stücke in es eintraten: zuerst in der Lektüre, dann in Zeitschriftenveröffentlichungen und schließlich von der Bühne. Das vielleicht größte und am tiefsten geschätzte kritische Vermächtnis seiner Dramaturgie hinterließ Ap.A. Grigoriev, ein Freund und Bewunderer der Arbeit des Schriftstellers, und N.A. Dobroljubow. Dobrolyubovs Artikel "Ein Lichtstrahl im dunklen Königreich" über das Drama "Thunderstorm" ist bekannt geworden, ein Lehrbuch.

Kommen wir zu den Schätzungen von Ap.A. Grigorjew. Ein ausführlicher Artikel mit dem Titel „Nach Ostrovskys Gewitter. Briefe an Ivan Sergeevich Turgenev “(1860), widerspricht in vielerlei Hinsicht der Meinung von Dobrolyubov, argumentiert mit ihm. Die Meinungsverschiedenheit war grundlegend: Zwei Kritiker hielten an einem unterschiedlichen Verständnis von Nationalität in der Literatur fest. Grigoriev betrachtete die Nationalität nicht so sehr als Spiegelbild der künstlerischen Arbeit des Lebens der arbeitenden Massen wie Dobrolyubov, sondern als Ausdruck des allgemeinen Volksgeistes, unabhängig von Position und Klasse. Aus der Sicht von Grigoriev reduziert Dobrolyubov die komplexen Themen von Ostrovskys Stücken auf die Denunziation der Tyrannei und des "dunklen Königreichs" im Allgemeinen und weist dem Dramatiker nur die Rolle eines Satirikers und Denunzianten zu. Aber nicht der "böse Humor des Satirikers", sondern die "naive Wahrheit des Volksdichters" - das ist die Stärke von Ostrovskys Talent, wie Grigoriev es sieht. Grigoriev nennt Ostrovsky "einen Dichter, der in allen Bereichen des Volkslebens spielt". „Der Name für diesen Schriftsteller, für einen so großen Schriftsteller, ist trotz seiner Mängel kein Satiriker, sondern ein Volksdichter“ - dies ist die Hauptthese von Ap.A. Grigorieva in einer Polemik mit N.A. Dobroljubow.

Die dritte Position, die nicht mit den beiden genannten übereinstimmt, wurde von D.I. Pisarev. In dem Artikel "Motive des russischen Dramas" (1864) bestreitet er vollständig alles Positive und Helle, das Ap.A. Grigoriev und N.A. Dobrolyubov war auf dem Bild von Katerina in The Thunderstorm zu sehen. Der „Realist“ Pisarev sieht das anders: Das russische Leben „enthält keine Neigungen zur selbständigen Erneuerung“, und nur Menschen wie V.G. Belinsky, der Typ, der im Bild von Bazarov in „Väter und Söhne“ von I.S. Turgenew. Die Dunkelheit von Ostrovskys künstlerischer Welt ist hoffnungslos.

Lassen Sie uns abschließend auf die Position des Dramatikers und der Persönlichkeit des öffentlichen Lebens A.N. Ostrovsky im Kontext des Kampfes in der russischen Literatur zwischen den ideologischen Strömungen des russischen Sozialdenkens - Slawophilismus und Westernismus. Die Zeit von Ostrovskys Zusammenarbeit mit der Zeitschrift Moskvityanin des Abgeordneten Pogodin wird oft mit seinen slawophilen Ansichten in Verbindung gebracht. Aber der Schriftsteller war viel breiter als diese Positionen. Eine Aussage aus dieser Zeit, die von jemandem aufgefangen wurde, als er von seinem Zamoskvorechye aus auf den Kreml am gegenüberliegenden Ufer blickte und sagte: „Warum wurden diese Pagoden hier gebaut?“ (scheinbar eindeutig „verwestlichend“), spiegelte auch nicht seine wahren Bestrebungen wider. Ostrovsky war weder ein Westler noch ein Slawophiler. Das kraftvolle, originelle Volkstalent des Dramatikers blühte während der Entstehung und des Aufstiegs der russischen realistischen Kunst auf. Das Genie von P.I. Tschaikowsky; entstand um die Wende der 1850-1860er Jahre XIX Jahrhundert kreative Gemeinschaft russischer Komponisten "Mighty Handful"; Russische realistische Malerei blühte auf: I.E. Repin, V.G. Perov, I. N. Kramskoy und andere große Künstler - so intensiv war das Leben in der talentierten zweiten Hälfte der bildenden und musikalischen Kunst in vollem Gange XIX Jahrhunderte. Das Porträt von A. N. Ostrovsky gehört zum Pinsel von V. G. Perov, N. A. Rimsky-Korsakov schafft eine Oper, die auf dem Märchen „The Snow Maiden“ basiert. EIN. Ostrovsky trat natürlich und zu Recht in die Welt der russischen Kunst ein.

Was das Theater selbst betrifft, so spricht der Dramatiker selbst bei der Einschätzung des künstlerischen Lebens der 1840er Jahre - der Zeit seiner ersten literarischen Recherchen - von einer großen Vielfalt ideologischer Bewegungen und künstlerischer Interessen, einer Vielzahl von Kreisen, stellt dies aber gleichzeitig fest alle verband eine gemeinsame, theaterbegeisterung . Die Schriftsteller der 1840er Jahre, die der Naturschule angehörten, alltägliche Schriftsteller-Essayisten (die erste Sammlung der Naturschule hieß "Physiologie von St. Petersburg", 1844-1845) enthielten einen Artikel von V.G. Belinsky "Alexandrinsky-Theater". Das Theater wurde als ein Ort wahrgenommen, an dem die Klassen der Gesellschaft aufeinanderprallten, „um genug voneinander zu sehen“. Und dieses Theater wartete auf einen Dramatiker dieser Größenordnung, der sich in A.N. Ostrowski. Die Bedeutung von Ostrovskys Werk für die russische Literatur ist überaus groß: Er war wirklich der Nachfolger der Gogol-Tradition und der Gründer eines neuen, nationalen russischen Theaters, ohne das das Erscheinen von A.P. Tschechow. Die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts in der europäischen Literatur gab keinen einzigen Dramatiker, der in seiner Größenordnung mit A. N. Ostrovsky vergleichbar war. Anders verlief die Entwicklung der europäischen Literatur. Die französische Romantik von V. Hugo, George Sand, der kritische Realismus von Stendhal, P. Mérimée, O. de Balzac, dann das Werk von H. Flaubert, der englische kritische Realismus von C. Dickens, W. Thackeray, C. Bronte ebnete den Weg nicht für Drama, sondern für Epos vor allem - für den Roman und (nicht so auffällig) für die Texte. Die Probleme, Charaktere, Handlungen, die Darstellung des russischen Charakters und des russischen Lebens in Ostrovskys Stücken sind so national einzigartig, so verständlich und übereinstimmend mit dem russischen Leser und Zuschauer, dass der Dramatiker keinen solchen Einfluss auf den weltweiten literarischen Prozess hatte wie später Tschechow tat. Und der Grund dafür war in vielerlei Hinsicht die Sprache von Ostrovskys Stücken: Es stellte sich als unmöglich heraus, sie zu übersetzen, die Essenz des Originals zu bewahren und das Besondere und Besondere zu vermitteln, mit dem er den Zuschauer fasziniert.

Quelle (gekürzt): Mikhalskaya, A.K. Literatur: Grundstufe: Klasse 10. Um 14 Uhr Teil 1: Konto. Zulage / A.K. Michalskaja, O. N. Zaitsev. - M.: Trappe, 2018