Durch die Hallen des Ateneum Museums: die berühmtesten und interessantesten Exponate. Finnische Künstler Ein finnischer Kunsthistoriker entdeckte zufällig ein verschollenes Werk von Albert Edelfelt in den Sammlungen eines russischen Regionalmuseums

Das majestätische Gebäude der Akademie der Künste schmückt den Newa-Damm zwischen der 3. und 4. Linie der Wassiljewski-Insel. Es ist eines der besten Denkmäler der klassischen Architektur.

Die Autoren des Projekts sind A. F. Kokorinov und J. B. Delamotte. Die kaiserliche „Akademie der drei edelsten Künste“ („Kolmen paataiteen akatemia“) – Malerei, Bildhauerei und Architektur – wurde 1757 in der Ära von Königin Elisabeth gegründet. In zweieinhalb Jahrhunderten ihrer Tätigkeit hat die Akademie viele Generationen von Meistern der bildenden Kunst hervorgebracht: Maler, Bildhauer, Architekten. Unter ihnen sind große Künstler, deren Werke in den Museen von St. Petersburg, Moskau und vielen europäischen Hauptstädten präsentiert werden.

Architekten und Bildhauer - Absolventen der Akademie bauten und dekorierten viele Städte in Russland und im Ausland. Vieles wurde von ihnen in St. Petersburg gebaut. Ihre Werke befinden sich auch in Finnland, denn die Akademie der Künste war viele Jahre lang ein Ort der aktiven Kommunikation zwischen russischer und finnischer Kunst. Die besten finnischen Künstler wurden mit dem Titel „Akademiker der Schönen Künste“ ausgezeichnet. Unter ihnen waren V. Runeberg, KG. Nystrem. Aber der erste sollte natürlich AZdelfelt heißen.

Albert Edelfelt (Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854-1905)

Der größte Meister der Historienmalerei, des Porträts, des Alltagsgenres. Der erste im Ausland bekannte finnische Künstler. Albert" wurde in der Nähe von Porvoo in einer Architektenfamilie geboren. Er studierte zwei Jahre an der Universität Helsinki, bevor er sich entschloss, sich der Malerei zu widmen. Seine künstlerische Ausbildung erhielt er an der Akademie der Schönen Künste in Antwerpen, dann in Paris an der School of Fine Arts eine Reihe von Gemälden zu historischen Themen... Doch dann wendet sich der Künstler Genreszenen aus der Natur zu, in denen sich seine Liebe zu seiner Heimat und sein Interesse am Leben der einfachen Menschen lebhaft manifestieren... Dies sind Gemälde: "Auf dem Meer", "Jungen am Wasser", "Frauen aus Ruokolahti", "Waschfrauen", "Fischer von fernen Inseln".

1881 lebte und arbeitete A. Edelfelt lange Zeit in St. Petersburg und kommunizierte mit russischen Künstlern. 1881 präsentierte ein junger finnischer Künstler seine Arbeiten der St. Petersburger Akademie der Künste. Er hatte großen Erfolg: Er wurde zum Mitglied der St. Petersburger Akademie der Künste gewählt. In Tsarskoye Selo wurde eine persönliche Ausstellung für ihn organisiert. Eines der Gemälde wurde von der kaiserlichen Familie gekauft. Der Autor erhielt neue Aufträge von der königlichen Familie, die ihm Ruhm einbrachten.

Während seines Aufenthalts in Zarskoje Selo lernte der Künstler Zarewitsch Alexander kennen und fertigte in seinem Auftrag für den Gatschina-Palast eine Reihe von Werken an, insbesondere eine Kopie des Gemäldes „Auf dem Meer“, das unter seinen anderen Werken wird in der Eremitage aufbewahrt. Edelfelts Alltagsskizzen: „Gute Freunde“ und „Im Kinderzimmer“ – wurden auch von Alexander III. Diese Gemälde hatten Wiederholungen, die sich in ausländischen Museen befinden.

Das Verdienst von Edelfelt war die Organisation einer Reihe gemeinsamer Ausstellungen in Russland, dank derer das russische Publikum die Arbeit vieler finnischer Künstler kennenlernte.

Edelfelts Haupttätigkeit kann als Porträtmalerei bezeichnet werden. Er arbeitete viel im Auftrag, insbesondere des königlichen Hofes, und schuf offizielle Porträts. Aber die besten in seiner Porträtarbeit sind: "Porträt der Mutter des Künstlers" (1883), "Louis Pasteur" (1885), "Porträt von Larin Paraske" (1893), "Porträt von Aino Akte" (1901).

Offizielle Präsentationen und langjährige freundschaftliche Kontakte.

Der erste finnische Künstler, der Ende des 19. Jahrhunderts in der Kaiserlichen Akademie der Künste ausstellte, war der Maler Albert Edelfelt. Nach einer Reise nach Westeuropa im Jahr 1881 präsentierte der junge finnische Künstler seine Arbeiten an der Akademie der Künste in St. Petersburg. Er war ein großer Erfolg - ihm wurde der Titel eines Akademikers verliehen. In Tsarskoye Selo wurde eine persönliche Ausstellung für ihn organisiert. Eines der Gemälde wurde von der kaiserlichen Familie gekauft.

Der Autor erhielt neue Aufträge von der königlichen Familie, die ihm Ruhm einbrachten. Die Nähe des Künstlers zur kaiserlichen Familie trug zur Popularität der finnischen Malerei in Russland bei. Dank der Popularität und Autorität von A. Edelfelt in Russland spiegelte sich die Kunst Finnlands in gemeinsamen finnisch-russischen Kunstausstellungen in St. Petersburg und Moskau wider, beginnend mit der Ausstellung in Nischni Nowgorod im Jahr 1882.

Finnische Künstler in der Eremitage

Die Eremitage hat sieben Gemälde von AEdelfelt und eine Reihe von Zeichnungen. Neben dem erwähnten Gemälde „Auf dem Meer“, das sich in der ersten Version im Göteborger Museum befindet, ist die alltägliche Gemäldekomposition „Gute Freunde“ (1881) zu erwähnen, von der sich Wiederholungen in Göteborg und Helsinki befinden. Ihr charakterlich nahe steht das Gemälde „In der Kinderstube“ (1885), das ebenfalls von Alexander III. für den Gatschina-Palast gekauft wurde. Eines der demokratischsten Werke von Edelfelt ist das Gemälde "Washerwomen" (1898, Hermitage), das von Petersburger Kritikern genehmigt wurde.

Das Porträtgenre, in dem AEdelfelt besonders stark war, ist in der Eremitage durch ein Porträt der Frau des Moskauer Künstlertheaterschauspielers M. V. Dyakovskaya-Gay-mouth vertreten. Die Eremitage-Sammlung enthält auch Beispiele für die landschaftlichen Fähigkeiten des finnischen Künstlers. Dies sind das Gemälde „Blick auf Porvoo“ (1898) und die Radierung „Kiefer im Schnee“. Es sollte erwähnt werden, dass die Werke von AEdelfelt auch im Kiewer Museum aufbewahrt werden - das Gemälde "Fischer von fernen Inseln" und im Moskauer Museum. A. S. Puschkin: "Porträt von Varvara Myatleva".

Darüber hinaus verfügt die Eremitage über Gemälde von Juho Risanen, Eero Nelimark und Henry Erickson.

Finnische Künstler an der Akademie der Künste St. Petersburg

Der Architekt K. G. Nystrem (1856-1917) leistete einen großen Beitrag zum architektonischen Erscheinungsbild der finnischen Hauptstadt. Es genügt, die luxuriösen Gebäude des Ständehauses, des Staatsarchivs, zu nennen, die die Umgebung des Senatsplatzes schmücken. Man erinnere sich an das ehemalige Zollhaus und Lagerhaus in Katajanokka, dem ersten überdachten Markt in der Nähe von Kauppa-tori. Aber nur wenige wissen, dass der Architekt KG.Nystrem auch in St. Petersburg tätig war. Nach seinem Projekt wurde das Gebäude der chirurgischen Klinik des Medizinischen Instituts auf der Petrograder Seite gebaut.

Nystrom war Professor an der Akademie der Künste und erhielt den Titel Akademiker der Architektur.

Der Künstler J. Rissanen wird als eines der originellsten, stärksten und zutiefst nationalen Talente der finnischen Malerei des letzten Jahrhunderts bezeichnet. Er malte Porträts, Genrebilder aus dem Volksleben. Nach dem Studium an der Zeichenschule in Helsinki wurde er zum Studium an die St. Petersburger Akademie der Künste geschickt, wo er 1897-98 einen Kurs unter der Leitung von I. E. Repin belegte. Das Studium in St. Petersburg, die Kommunikation mit russischen Künstlern und die ganze Atmosphäre des kreativen Lebens in St. Petersburg, das vor Leidenschaft brodelt, haben die Arbeit des Künstlers auf eine neue Höhe gehoben. Danach arbeitete er viele Jahre erfolgreich in Finnland und im Ausland. Es lohnt sich, mehr über sein Studium und sein Leben in St. Petersburg zu erzählen.

Rissanen Juho (Julio Rissanen, 1873-1950)

Juho Rissanen wurde in der Nähe von Kuopio in der Familie eines Landarbeiters geboren. Als Kind hatte er es schwer, zeitweise musste er sogar betteln, als sein Vater, ein Trinker, starb (erfroren). 1896 trat Juho Rissanen in die zentrale Kunst- und Industriezeichenschule der Finnischen Kunstgesellschaft in Helsinki, dann in Turku, ein.

Als Kind besuchte Rudolf Koivu die Pfarrkirche von St. Petersburg, wo er die finnische und russische Alphabetisierung erlernte. Seit seiner Kindheit liebte er es zu zeichnen und zog die Aufmerksamkeit der Lehrer in St. Petersburg auf sich. Er wurde zum Studium geschickt, aber er musste seinen Lebensunterhalt verdienen. Und erst 1907 gelang es R. Koivu, sein Studium der Malerei an der Zeichenschule der Finnischen Gesellschaft der Kunstliebhaber fortzusetzen.

Dort war er Schüler von Huto Simberg, dem Autor des berühmten „Wounded Angel“. H. Simberg erbte von seinem Lehrer Gallen-Kallela den Glauben an die Fantasie und die mystische Kraft der Natur. Anschließend studierte Rudolf Koivu 1914 in Paris und 1924 in Italien. Nach Finnland zurückgekehrt, schloss er sich dem Künstlerkreis der „November-Gruppe“ an, blieb aber der realistischen Malweise treu und malte seine Landschaften in einem zurückhaltenden, ruhigen Stil des Impressionismus. Viel wichtiger als ein Maler war Koivu ein Zeichner und Illustrator.

Er zeigte eine ungewöhnlich lebhafte und lebhafte Vorstellungskraft und illustrierte Dutzende von Märchenbüchern, darunter das finnische Topelius "Vorlesen für Kinder", deutsch - "Geschichten der Brüder Grimm", arabische Märchen "Tausend und eine Nacht von Scheherez-dy", usw. Koivu illustrierte gerne Weihnachtszeitungen, finnische Kalender und andere Veröffentlichungen, entwickelte sich weiter und ließ sich eindeutig von russischen Illustratoren beeinflussen, ein seltener, effektiver, bunt dekorierter Stil. Sein Sinn für Humor manifestiert sich neben fabelhaften Bildern und Zeichnungen auch in Karikaturen, die bei seinen Zeitgenossen erfolgreich waren. Leider kam nach seinem Tod im Jahr 1947 eine Sammlung (Sammlung) seiner Gemälde und Zeichnungen heraus.

Schulman Carl Allan (Carl Allan Schulman, 1863-1937)

Ein Architekt, ein Mann mit glänzenden Talenten und Schicksal. Carl Allan erhielt seine architektonische Ausbildung in Finnland, nachdem er während seines Studiums von den innovativen Ideen junger finnischer Modernisten durchdrungen war: E. Saari-nen, G. Giselius, A. Lindren. Er war von modernen Ideen angezogen. Da der junge Architekt K.A. Shulman arbeitet im Ausland: in Argentinien, Deutschland, Holland, Schweden.

Als er in seine Heimat zurückkehrte, bekam er die Gelegenheit, das Khallila-Resort auf der Karelischen Landenge zu bauen. Der Erfolg dieses Gebäudes erregte Aufmerksamkeit in St. Petersburg. 1901 stand er gegenüber der Kirche der Ikone der Gottesmutter von Wladimir. Am Wettbewerb nahmen 88 Architekten teil. Daraufhin vertraute der Eigentümer des Hauses, Baron von Besser, Shulman den Bau an. Das sechsstöckige Jugendstilhaus schmückte den Platz mit seiner einzigartigen Farbe. Die unteren Stockwerke werden durch große Öffnungen von Fenstervitrinen geöffnet.

Und in den oberen Stockwerken gibt es eine ungewöhnliche Galerie, über deren Mitte sich ein Turm erhebt, der dem Helm eines Helden ähnelt. Die Steindetails des Gebäudes bestehen aus finnischem Topfstein. Sie ergeben ein für den Jugendstil charakteristisches Ornamentmuster, das Pflanzen und Tiere darstellt. Über dem Eingang - das Wappen des Besitzers - Baron von Besser. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts beherbergte dieses Haus den Empfang des kaiserlichen Amtes sowie das „Haus des Fleißes für Frauen“. Jetzt wird das Haus auf Vladimirskaya rekonstruiert. Es wird Teil des Einkaufskomplexes Vladimirsky Passage sein.

Das Haus in der Wladimirskaja ist das einzige Gebäude in St. Petersburg, das von einem der Gründer der finnischen Schule der nördlichen Moderne erbaut wurde, die später in der nördlichen Hauptstadt weit verbreitet war.

Dann wurde es von St. Petersburger Architekten vorgestellt und entwickelt: Flidval, N. V. Vasiliev, A. F. Bubyr. Was K. Shulman betrifft, so arbeitete er viele Jahre als Provinzarchitekt in der Stadt Wyborg, wo er 10 mehrstöckige Gebäude im Stil der Nordmoderne schuf. Darüber hinaus war K.A. Shulman eine prominente Persönlichkeit in der finnischen Architektenvereinigung, er fungierte als professioneller Musiker-Dirigent. Chorgruppen unter seiner Leitung traten erfolgreich in St. Petersburg, Finnland und im Ausland auf.

Gripenberg Odert Sebastian (Odert Sebastian Gripenberg, 1850-1939)

Gripenberg Odert Sebastian, Architekt; Geboren in Kurkijoki. Als Sohn wohlhabender und adliger Eltern studierte Odert an der Kadettenschule in Hamina und dann an der St. Petersburger Akademie für Militärtechnik. Dort erhielt er eine militärische Bauausbildung, verließ die Armee jedoch 1875. Er beschloss, professioneller Architekt zu werden. In dieser Zeit tauchten in der St. Petersburger Architektur neue Baumethoden auf. Eklektizismus - die Verwendung von Techniken aus früheren Epochen: Renaissance, Gotik, Barock - wurde mit der Suche nach neuen dekorativen Details für die Bearbeitung der Fassaden von mehrstöckigen Gebäuden kombiniert. Dies sind die berühmten Gebäude von A. K. Serebryakov, P. Yu. Syuzor, A. E. Belogrud.

1878 verteidigte Gripenberg sein Diplom als Architekt an der Polytechnischen Schule, danach studierte er wieder in Wien. 1879-87. er arbeitete als Architekt in Helsinki. Seine ersten Werke spiegeln das Verlangen nach der Renaissance und den offensichtlichen Einfluss seines Lehrers Shes-trem wider. In Zukunft manifestiert sich der Wunsch nach einer ausgeprägten starken Gliederung und Aufteilung der Gebäudevolumen. Dies sind solche Werke wie das Gebäude der Gesellschaft finnischer Schriftsteller, das Erste Geschäftszentrum, dann das alte Gebäude von Helsingin Sanomat, das Gebäude der Sparkasse von Turku.

1887 wurde er zum Oberbaumeister des Amtes für öffentliches Bauwesen ernannt, von wo er 1904 als Direktor der Industrie- und Handelskammer in den Senat wechselte.

Gripenberg war Vorstandsvorsitzender der Aktiengesellschaft „Finnisches Theaterhaus“ und Geschäftsführer bei der Errichtung des Gebäudes des Nationaltheaters sowie Vorstandsvorsitzender der Versicherungsgesellschaft „Pohjola“. . OS Gripenberg war von 1892 bis 1901 der erste Vorsitzende des finnischen Architektenclubs und einer der Gründer der finnischsprachigen Technikergesellschaft.

Fanny (Maria) Churberg in Finnland geboren 12. Dezember 1845 in Vasa. Finnischer Landschaftsmaler, einer der größten Meister ihrer Zeit, ihr Vater Matthias (Matias Churberg) stammte aus einer Bauernfamilie, war aber Arzt von Beruf, seine Mutter Maria war die Tochter eines Priesters. Fanny war das dritte Kind in einer Familie mit sieben Kindern.Vier ihrer Geschwister starben in früher Kindheit, und so wuchs Fanny mit zwei älteren Brüdern, Valdemar und Torsten, auf. Als Fanny zwölf war, starb ihre Mutter und sie musste den Großteil der Verantwortung für den Haushalt übernehmen.Später wurde sie auf eine Mädchenschule in Porvoo geschickt und kehrte mit 18 Jahren nach Vaasa zurück. INIhr Vater starb im Alter von 20 Jahren.Fanny pflegte ihn in den letzten Monaten seines Lebens Tag und Nacht.Nach dem Tod ihres Vaters zogen sie und ihre Brüder nach Helsinki, wo sie bei ihrer Tante lebten.Fanny zeichnete seit ihrer Kindheit leidenschaftlich gern, etwa um 1865 herum begann schließlich ihre künstlerische Ausbildung in Helsinki mit Privatunterricht bei Alexander Frosterus-Saltin, Emma Gülden und Adolf Berndt Lindholm ( Alexandra Frosterus-Såltin, Emma Gyldén und Berndt Adolf Lindholm).Sie setzte ihr Studium in Düsseldorf in Deutschland fort, kehrte für den Sommer immer nach Finnland zurück und malte viel.Sie war eine der ersten finnischen Künstlerinnen, die in Paris kreative Reisen nach Frankreich unternahm.Obwohl Fannys Werk weitgehend im Stil der Düsseldorfer Schule der Landschaftsmalerei blieb, äußerte sie offen ihre Begeisterung dafür, vor allem die Landschaft mit ihren dramatischen Situationen darzustellen, wobei sie sich auf die Technik des schnellen Pinselstrichs und der zurückhaltenden Farbigkeit stützte.Ihre Arbeit unterschied sich stark von der Arbeit ihrer Zeitgenossen, es hing von ihrem eigenen Gefühl für die Motive ab, zum Beispiel die angespannte Atmosphäre vor einem Gewitter auf freiem Gelände oder der tiefe, sumpfige Kern des Waldes, all das nahm sie in ihr wahr eigene Weise, auf Finnisch ... Ich muss sagen, dass Fannys Ausstellungsarbeiten zu ihrer Zeit starker Kritik ausgesetzt waren, was natürlich ihre Standhaftigkeit untergrub, Zweifel aufkommen ließ, sie manchmal den Glauben an ihr Talent verlor, aber weiter schrieb Sie selber.

Im Wald.

Old Vaasa, Heimat von Fanny.Zeichnung 1840. Johann Knutsson .Vaasa ist eine Küstenstadt im Westen Finnlands an der Küste des Bottnischen Meerbusens. Die Stadt ist das Verwaltungszentrum der Provinz Österbotten. , in dieser Provinz hatte Fannys Vater ein altes Anwesen, in dem Fanny und ihre Brüder, aufgewachsen, als Kind einen Haushalt führen wollten ... Aber das Schicksal entschied anders ...

Landschaft mit Blick auf den Fluss. Das Gemälde zeigt wahrscheinlich das Ernten und Trocknen von Schilf auf Felsbrocken.

Ort am Rhein Das Bild wurde gemalt, als Fanny in Düsseldorf studierte, als sich in den Künstlerkreisen Deutschlands ein starker Trend entwickelte, nach dem Leben zu malen, als die Natur als ihre Lehrmeisterin betrachtet wurde und die Künstler meist in Gruppen an den Südrhein gingen ....

Landschaft mit Stapeln.

Winterroggen in Stapeln.

Frühlingslandschaft.

Wasserfall.

Verwitterte Felsen, die mit Wald bewachsen sind.

Mondlandschaft.

Wald (Skizze).

Wald (Skizze).

Alter Baum (Skizze).

Sommergrün.

August.

Herbstliche Landschaft.

Abend.

Winterabend.

Winterlandschaft.

Winterlandschaft nach Sonnenuntergang.

Winterlandschaft.

Uusimaa Landschaft.

Dämmerung im Wald.

Landschaft.

See in den Alpen.

Birken in der Nähe des Wassers.

Kiefer.

Im Leben war sie so einsam wie diese ihre Kiefer ... Fanny, trotz der fruchtbaren Jahre nach ihrem Studium in Bezug auf ihre Karriere als Künstlerin - sie hinterließ in dieser Zeit 300 Werke, lebte sie noch ziemlich kurz und traurig Nach dem Tod ihrer Eltern blieb ihr ein Haus und trotz der Tatsache, dass ihre älteren Brüder ihnen, ihren beiden älteren Brüdern, ihr Leben und den nicht so großen Verdienst des Künstlers widmeten, ging zu ihrem Unterhalt, das alte Herrenhaus, das einst Einnahmen brachte, verschuldete sich. Fanny ist ihren Brüdern sehr ans Herz gewachsen, aber als sie schon 32 Jahre alt ist, heiratet einer der Brüder und geht, und als Fanny schon 37 ist, stirbt der zweite an einer langwierigen Tuberkulose. Sie malte bis zu ihrem 35. Lebensjahr, dann hatte sie keine Lust mehr zu zeichnen, blieb aber dem künstlerischen Leben bewusst.Oktobermorgen 1882 sie hat sie verlassen...

Mondlandschaft.

Morgenlaune.

Sommerlandschaft.

Landschaft.

Landschaft in Lappland.

Stillleben mit Gemüse und Räucherhering.

Stillleben

Kunst aus Finnland

M. Bezrukova (Malerei und Grafik); I. Tsagarelli (Skulptur); O. Shvidkovsky S. Khan-Magomedov (Architektur)

Die Gründung der finnischen Nationalschule für Bildende Kunst geht auf die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts zurück. 1809 wurde Finnland gemäß dem Frieden von Friedrichsham als Großherzogtum Teil des Russischen Reiches, und das Land, das etwa 600 Jahre lang schwedische Provinz war, erhielt relative Unabhängigkeit. Zuvor war die Kunst Finnlands schwedischen und über Schweden dänischen Einflüssen ausgesetzt. Volkstraditionen wurden nur in den Legenden des Epos "Kalevala", in handgewebten Teppichen - "ruyu" - und Holzschnitzereien bewahrt. Diese lebendigen Traditionen dienten als Grundlage für den Aufstieg des nationalen Selbstbewusstseins in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, das durch die Aktivitäten des Historikers und Philologen H. G. Portan, des Schriftstellers Runeberg und des Sammlers der Kalevala-Runen von erleichtert wurde Lönnrot. In diesen Jahren traten eine Reihe von Künstlern auf, die sich zum Ziel setzten, eine nationale Schule für Malerei und Bildhauerei zu gründen. Eine große Rolle bei ihrer Gründung spielt die Finnische Kunstgesellschaft, die 1846 unter der Leitung von Robert Ekman (1808-1873) entstand. Er war der Autor von Genrebildern, die mit dokumentarischer Genauigkeit geschrieben wurden, und finnische Historiker nennen ihn den "Vater der finnischen Kunst". Ekmans Arbeit trug dazu bei, die Kunst dem Volksleben näher zu bringen. In der Landschaftsmalerei ebnet Werner Holmberg (1830-1860) den Weg für die Nationallandschaft. Der wahre Aufstieg der finnischen Malerei fällt jedoch in die 1880er bis 1890er Jahre. und ist mit den Namen A. Gallen-Kallela, A. Edelfelt, E. Jarnefelt und P. Halonen verbunden. Die Kunst dieser Maler ist in den goldenen Fundus der finnischen Kunstkultur eingegangen und stellt den wertvollsten Teil ihres Beitrags zur Weltkunst dar.

Albert Edelfelt (1854-1905) war der erste finnische Künstler, der weltweite Berühmtheit erlangte. Sein Werk nimmt einen wichtigen Platz in der Entwicklungsgeschichte der finnischen Malerei ein. Edelfelt, ursprünglich Schwede, studierte zunächst in Helsinki, dann an der Kunstakademie Antwerpen und vervollständigte seine Ausbildung in Paris bei J. L. Gerome. Der Name Edelfelt ist mit der Geburt des Impressionismus in Finnland verbunden.

Edelfelt beginnt als Historienmaler („Der schwedische König Karl beleidigt 1537 den Leichnam seines feindlichen Statthalters Flemming“, 1878; Helsinki, Ateneum), doch die eigentliche Blütezeit seines Schaffens liegt in der Anlehnung an Themen aus dem Leben der Menschen. Die besten Leinwände des Künstlers sind "Frauen aus Ruokolahti" (1887), "Fischer von fernen Inseln" (1898; beide - Helsinki, Ateneum, "Storyteller Paraske" (1893; deutsche Privatsammlung), die sich durch nationale Themen auszeichnen und die Helligkeit der Bildsprache. Babakh aus Ruokolahti "der Künstler stellt eine Szene aus dem Volksleben nach - vier Bäuerinnen in Trachten unterhalten sich in der Nähe des Kirchenzauns. Der ständige Wunsch, eine subtilere Übertragung der Licht- und Luftumgebung zu schaffen ein ganzheitlicher Farbklang des Bildes, die Ausdruckskraft der Bildform, die freie Bewegung des Pinsels sind die charakteristischen Merkmale von Edelfelts Manier - Maler.

Edelfelt war ein herausragender Porträtmaler, der uns eine Galerie seiner Zeitgenossen hinterlassen hat; Zu den besten Porträts gehören "Porträt von L. Pasteur" (1885), "Porträt des Sängers A. Akte" (1901), "Porträt der Mutter" (1883; alle - Helsinki, Ateneum). Eines der letzten Werke Edelfelts war das Monumentalgemälde „Die Feier der Eröffnung der Universität in Åbo“ (1904) für die Aula der Universität in Helsinki.

Eero Järnefelt (1863-1937) trat in die Geschichte der finnischen Malerei als Sänger des Lebens eines finnischen Bauern, als gefühlvoller Landschaftsmaler und ausgezeichneter Porträtmaler ein. Er studierte an der Zeichenschule der Society of Artists in Helsinki, dann an der St. Petersburger Akademie und in Paris. Seine besten Werke schuf er in den 1880er und 1890er Jahren: Waschfrauen am Ufer (1889; Helsinki, Privatsammlung), Rückkehr aus dem Beerenwald (1888; Hämeenlinna, Kunstmuseum), Zwangsarbeit (1893; Helsinki, Ateneum). Alle wurden auf der Grundlage direkter Eindrücke geschrieben. So erzählt das Gemälde "Zwangsarbeit" von der Knochenarbeit der Bauern, die Baumstümpfe entwurzeln und ausbrennen. Stumm vorwurfsvoll blickt eine Teenagerin mit rußigem Gesicht den Betrachter an. Järnefelt schuf gestochen scharfe Porträts einiger finnischer Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens („Portrait of Professor Danielson-Kalmar“, 1896; Helsinki, Privatsammlung).

Demokratischen Charakter hat auch die Kunst von Peka Halonen (1865-1933), der zunächst in Helsinki, dann in Paris und Italien studierte. Halonen beherrschte brillant die Bildtechnik der Arbeit im Freien und wandte sein ganzes Können auf das Bild seines Volkes und seiner heimischen Natur an. So sind seine „Wood Rafters at the Fire“ (1893; Helsinki, Ateneum) von einem warmen Gefühl für die raue Natur und die armen Menschen Finnlands durchdrungen. Halonen löst Alltagsthemen in einem monumental-epischen Plan, und gleichzeitig offenbart er sich in Landschaften als subtiler Poet: ein stilles Kaff der Bucht, karelische Häuser, eine stürmische Prozession des nördlichen Frühlings – alles hier ist von lyrischem Gefühl durchdrungen . Obwohl Järnefelt und Halonen in den 30er Jahren starben, entstanden ihre besten Werke in den 1890er Jahren, und die Kunst dieser Maler entwickelte sich immer noch ganz in den Traditionen des 19. Jahrhunderts.

Im Gegensatz dazu spiegelte das Werk des bedeutendsten finnischen Künstlers Axel Gallen-Kallela (1865-1931) die Widersprüche wider, die für die Kunst des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts charakteristisch waren. In den 1900er Jahren Gallen-Kallela wurde zu einem der führenden Künstler des aufkommenden Jugendstils und überwand erst allmählich, in den letzten zwei Jahrzehnten seines Lebens, die Moderne und kehrte zur realistischen Malerei zurück.

In der frühen Schaffensphase hatte Bastien-Lepage einen großen Einfluss auf den jungen Künstler. Bereits die Arbeit der zweiten Hälfte der 1880er Jahre. zeugen von der Reife und Beherrschung des Talents des Künstlers. Das Gemälde Die erste Stunde (1889; Helsinki, Ateneum), das eine Dorfhütte darstellt, in der ein alter Fischer einem lesenden Mädchen zuhört, ist von Zügen eines echten Realismus geprägt. Gallen-Kallela reist viel durch das Land, um das Leben der Menschen zu vertiefen, und malt Landschaften und Genrebilder (Der Hirte von Panajärvi, 1892; Helsinki, Privatsammlung). In den 1890er Jahren erweitert sich der Themenkreis Gallens, er wendet sich dem karelisch-finnischen Nationalepos „Kalevala“ zu und schafft eine Reihe von Werken zu den Themen des Epos (Triptychon „Die Legende von Aino“, 1891, Helsinki, Ateneum; „Die Entführung des Sampo ", 1896, Turku, Museum of Art; ", 1897, Helsinki, Ateneum, "Jokahainen's Revenge", 1903, Radierung). Immer mehr von der Phantasie und dem Heldentum der Kalevala mitgerissen, begann Gallen nach neuen Stilmitteln zu suchen, um rationale Spezifika auszudrücken, aber diese Suche führte ihn zur modernistischen Stilisierung, die für die Kunst des frühen 20. Jahrhunderts charakteristisch war. Allmählich nimmt in seiner Arbeit das Interesse am großen Thema Volksleben ab. Die Verbindung von Mystik und Naturalismus kennzeichnete seine Fresken in der Grabkapelle von Yuselius in Pori (1901-1903). In den Wandmalereien des finnischen Pavillons auf der Weltausstellung in Paris 1900 finden sich Züge der Moderne. Während seiner langen Karriere schuf Gallen viele Landschaften, Porträts, arbeitete als Illustrator (Illustrationen für den Roman „Sieben Brüder“ von Alexis Kivi) ; Nicht alles in seinem Vermächtnis kann bedingungslos akzeptiert werden, aber in seinen besten Werken verschiedener Jahre, die vor der Zeit der Begeisterung für die Moderne und in den 20er Jahren entstanden sind, finden wir echte realistische Kraft, tiefe Nationalität, die das Recht gibt, Gallen-Kallela zu betrachten große nationale Künstler, die ihrem Land Ruhm brachten; nicht umsonst schätzte ihn M. Gorki so sehr, der viele Jahre mit ihm korrespondierte.

Auch Helena Schjerfbeck (1862-1946), die ihre künstlerische Ausbildung in St. Petersburg erhielt, war eine begabte Künstlerin. Ihr Gemälde Das genesende Kind (1888; Helsinki, Ateneum) gehört zu den besten Errungenschaften der realistischen finnischen Malerei. Aber mit der Verbreitung am Ende des 19. Jahrhunderts. Moderne in Finnland Schjerfbeck entfernt sich wie viele ihrer Kollegen vom Realismus. Widersprüchlich war auch das von mystischen und symbolischen Zügen geprägte Werk von Juho Simberg (1873-1917). Der Einfluss der Moderne hat auch im Werk des sehr demokratischen Künstlers Juho Rissanen (1879-1950) seine Spuren hinterlassen.

Zu Beginn des neuen Jahrhunderts verstärkten sich formalistische Tendenzen in der Kunst Finnlands. Eine Abkehr von realistischen nationalen Traditionen beginnt, ein Rückzug von den Aufgaben der demokratischen Kunst. 1912 erschien die Septem-Gruppe, deren ideologischer Kopf Magnus Enkel (1870-1925) war; dazu gehörten V. Tome, M. Oinonen und andere. 1916 wurde unter der Leitung von Tyukko Sallinen (1879-1955) eine weitere große Gruppe gegründet - "November". Die Künstler, die diesen Gruppierungen angehörten, beschäftigten sich zu Lasten des Kunstinhalts gern mit Licht- und Farbproblemen („Septem“) oder strebten nach einem verzerrten, deformierten Abbild der Wirklichkeit („November“) Die bedeutendste neuere Gruppierung ist die Prism-Gruppe, die 1956 entstand und Künstler vereint, die auf unterschiedliche Weise arbeiten. Dazu gehören Sigrid Schaumann (geb. 1877), Ragnar Eklund (1892-1960) – Vertreter der älteren Malergeneration, sowie der überwiegend abstrakt arbeitende Sam Vanni (geb. 1908) und andere.

Ab Ende der 50er Jahre. Der Abstraktionismus erfasst alle großen Kreise finnischer Künstler. Aber auch eine Reihe von Malern wie Lennart Segerstrode (geb. 1892), Sven Grönvall (geb. 1908), Eva Sederström (geb. 1909), Eero Nelimarkka (geb. 1891) und andere arbeiten weiter realistische Traditionen.

Einen bedeutenden Platz in der Kunst Finnlands nimmt die Grafik ein, deren Blüte im 19. Jahrhundert mit den Namen Gallen-Kallela, A. Edelfelt, J. Simberg verbunden war. Heute sind die Nachfolger der besten demokratischen Traditionen in der grafischen Kunst Finnlands Erkki Tanttu (geb. 1917), Lennart Segerstrole, Vilho Askola (geb. 1906) und andere Meister. Trotz der unterschiedlichen kreativen Arbeitsweisen und Genres, in denen sie arbeiten, eint sie der Wunsch, das konkrete Leben des heutigen Finnlands zu zeigen, die Liebe zum einfachen Mann. L. Segerstrole, ein Vertreter der älteren Grafikergeneration, widmet seine Blätter „The Seal Hunters“ (1938), „After the Storm“ (1938, Kaltnadelradierung) dem Thema Arbeit, sie sind von Sympathie für das Einfache durchdrungen arbeitender Mensch. E. Tanttu besingt die Schönheit der Arbeit in seinen Stichen „Wald wird getragen“ (1954), „Rafters“ (1955) usw. E. Tanttu. Seine Blätter zeichnen sich durch eine monumentale Interpretation des Menschenbildes und ein poetisches Bild der heimischen Natur aus. Die Schönheit und Strenge der finnischen Landschaft wird in seinen grafischen Arbeiten „Wintermorgen“ (1956), „Lake in Lappi-Ebi“ (1958) von V. Askola vermittelt.

Ein bemerkenswerter Meister der Buchillustration ist Tapio Tapiovaara (geb. 1908), der Autor grafischer Blätter zu akuten sozialen Themen („Ereignisse in Kemi 1949“, 1950).

Einen bedeutenden Platz im künstlerischen Leben Finnlands nimmt die weit entwickelte Skulptur ein. Die ersten Lehrer finnischer Bildhauer waren schwedische Meister. Der Begründer der finnischen Bildhauerei ist Karl Eneas Sjöstrand (1828-1906), der 1856 in der damaligen finnischen Hauptstadt Turku ankam. Er wurde eingeladen, H. G. Portan, dem größten Sammler des finnischen Epos, ein Denkmal zu setzen; Bis heute genießt dieses Denkmal wohlverdiente Anerkennung. Gleichzeitig interessierte er sich für das Kalevala-Epos und führte eine Reihe von Werken zu den Themen des Epos auf (Kullervo Speaks His Sabre, 1867; Helsinki, Hesperia Park). Sjostrand ist nicht nur als Künstler bekannt, sondern vor allem als Meister, der seine eigene Schule organisiert hat. Die realistischen Traditionen dieser Schule lassen sich bis Anfang des 20. Jahrhunderts zurückverfolgen.

Zu seinen Schülern gehörten so berühmte finnische Bildhauer wie Walter Runenberg (1836-1920) und Johannes Takkanen (1849-1885). Diese Meister waren Vertreter zweier Entwicklungslinien der finnischen Bildhauerei. Nachdem sie ihre Kunstausbildung bei Sjöstrand begonnen hatten, setzten sie diese in Kopenhagen und Rom fort, aber ihre Schicksale nahmen einen anderen Verlauf. Für den Sohn eines berühmten finnischen Dichters, der den herrschenden schwedischen Kreisen nahe stand, Walter Runenberg, war der Weg zur Kunst einfach und leicht. Sowohl in seiner Heimat als auch in Paris, wo er sich ab Mitte der 1870er Jahre niederließ, feierten seine klassischen Porträts und Denkmäler voller äußerem Pathos und Idealisierung Erfolge („Psyche mit dem Adler des Jupiter“, 1875, Marmor, Helsinki. Ateneum allegorisch Skulptur „Trauriges Finnland“, 1883, Bronze). Aber trotz des Erfolgs und der behördlichen Anordnungen tat dieser Meisterklassiker nichts für die Entwicklung der finnischen Nationalskulptur - er führte sie nur in den Mainstream der römischen akademischen Schule jener Zeit ein, viel schwieriger war es für Johannes Takkanen, den Sohn von ein armer Bauer. Der talentierte Bildhauer, der sein ganzes kurzes Leben lang mit Armut zu kämpfen hatte (er starb im Alter von 36 Jahren in Rom, fast als Bettler, unter Menschen, die nicht einmal die letzten Worte des Sterbenden verstehen konnten), fand keine Anerkennung. Takkanen konnte sein Talent nicht offenbaren - seine Kraft auf die Umsetzung monumentaler Skulpturen anzuwenden. Aber auch die erhaltenen kleinen Figuren zeugen von der großen und originellen Begabung des Meisters. Takkanen wurde zu Recht als Sängerin von weiblicher Schönheit bezeichnet, seine Figuren sind voller Lyrik und Weichheit („Chained Andromeda“, 1882; „Aino“ - ein Motiv aus Kalevala, 1876; beide - Helsinki, Ateneum).

Einfachheit, Natürlichkeit, nationale Typen und Bilder - all dies wirkte für das klassische Rom zu gewagt und ungewöhnlich. Takkanen erhielt keine Unterstützung aus seiner Heimat. So verlor Finnland seinen ersten nationalen Künstler.

In den 1880-1890er Jahren. Skulptur wird zu einem der führenden Genres in Finnland. Denkmäler für bedeutende Persönlichkeiten werden in Städten errichtet, Parkskulpturen und Reliefs werden geschaffen, um öffentliche und private Gebäude zu schmücken. Das Hauptaugenmerk aller monumentalen Skulpturen lag auf der Förderung nationaler Ideen; In diesen Jahrzehnten wurden die künstlerische Ausrichtung der finnischen Bildhauer und die Wege, denen die moderne finnische Bildhauerei folgen wird, am klarsten definiert. Die salontraditionelle Linie wurde sehr deutlich durch das Werk von Wille Wallgren (1855-1940) vertreten. Emil Wikström (1864-1942) war der klügste Meister, der die Volkstraditionen der finnischen Bildhauerei entwickelte.

Wallgren ließ sich um 1880 in Paris nieder. Kleine Genrefiguren von Wallgren (Maryatta, 1886, Marmor, Turku, Museum of Art; Echo, 1887, Marmor; Spring, 1895, Gold, beide - Helsinki, Ateneum usw.). Seine Werke zeichnen sich durch künstlerische Zierlichkeit, Sinnlichkeit und oft Zuckersüße aus. In den späten 1890er Jahren Er beginnt sich von langgestreckten Proportionen, einer geschwungenen Konturlinie mitreißen zu lassen. Im Laufe der Jahre manifestiert sich eine zunehmende Hinwendung zu Dekoration und Literatur. Als Wallgren versuchte, seine koketten Mädchen in monumentalen Formen darzustellen (Havis-Amanda-Brunnen in Helsinki, 1908), scheiterte er, da er ein Meister der kleinen Formen war.

Anders als Wallgren, Emil Wikström erst in den 1890er Jahren. zollt der französischen Salonvirtuosität Tribut (The Dream of Innocence, 1891; Helsinki, Ateneum). Bereits in den 1900er Jahren. seine Kunst lässt ihn reifen. Die Geschichte und Moderne Finnlands werden zu den Hauptthemen seiner Werke. Auch die Verarbeitung des Materials verändert sich, etwas Anspruchsvolles weicht einer starken plastischen Form. Dies ist eines seiner zentralen Werke – ein Fries an der Hauptfassade des Repräsentantenhauses des Seimas (1902, Helsinki). Diese grandiose Komposition aus Bronze besteht aus allegorischen Szenen, die über die Geschichte des finnischen Volkes, seine Arbeit und den Unabhängigkeitskampf erzählen. Wikström ist auch als Meister der Porträt- und Monumentalskulptur bekannt. 1886 fertigte er ein erfolgreiches Porträt des Malers Gallen-Kallela (Bronze, Helsinki, Ateneum) an, 1902 ein Denkmal für den Sammler des Kalevala-Epos Lönnrot (Helsinki), die Komposition "Wood Rafters". Eines seiner letzten Werke war ein Denkmal für I. V. Snellman (1923, Helsinki). Die Monumental- und Porträtarbeiten von Wikström zeichnen sich durch einen tiefen Realismus aus, die Fähigkeit, das Charakteristischste, Typische in der porträtierten Person zu finden.

Wikströms Schüler war Emil Halonen (1875-1950), der die Volkstraditionen der Holzschnitzerei wiederbelebte. Er besitzt zahlreiche Kiefernreliefs ("The Deer Buster", 1899), Holzskulpturen ("Young Girl", 1908; beide Werke - Helsinki, Ateneum). Die interessanteste Arbeit von Halonen waren die Reliefs für den finnischen Pavillon auf der Weltausstellung in Paris im Jahr 1900 (Helsinki, Ateneum), die auf etwas archaische Weise hergestellt wurden und die volkstümliche Holzschnitzerei imitierten; einfach und prägnant reproduzierten sie szenen des volkslebens. Die von Halonen entwickelten Holzschnitztechniken wurden von Bildhauern wie Albin Kaasinen (geb. 1892) und Hannes Autere (geb. 1888), Schöpfern von Szenen aus dem Volksleben, fortgesetzt und weiterentwickelt, die mit viel Humor und Geschick von ihren Zeitgenossen erzählen.

1910 wurde auf Initiative von Felix Nylund (1878-1940) der Verband finnischer Bildhauer gegründet, der eine wichtige organisatorische Rolle spielte. Das frühe Werk von Nylund selbst ist geprägt von dem Wunsch nach einer verallgemeinerten plastischen Form, bei gleichzeitigem Interesse an den psychologischen Eigenschaften des Modells. Besonders gut sind seine Kinderporträts (Erwin, 1906, Marmor; Helsinki, Ateneum), die sich durch Frische und Wärme auszeichnen. Später interessierte sich Nylund, wie die meisten Künstler der älteren Generation, für modernistische Strömungen und entfernte sich vom Realismus.

Die zehnten und zwanziger Jahre waren in der finnischen Kunst durch eine Hinwendung zum Expressionismus und dann zum Abstraktionismus gekennzeichnet. Die Suche nach „selbsttragendem Volumen“, „reiner Form“ usw. beginnt, und nur wenige Bildhauer schaffen es, diesen fremden Einflüssen zu widerstehen. Unter ihnen ist vor allem der größte moderne realistische Bildhauer zu nennen, der Finnland zu Weltruhm verholfen hat - Väinö Aaltonen (geb. 1894).

Aaltonen erhielt seine künstlerische Ausbildung an der Zeichenschule in Turku unter der Leitung von V. Westerholm. Die Schule brachte Maler hervor, aber entgegen den Annahmen seiner Lehrer wurde Aaltonen Bildhauer. Die Kunst der Bildhauerei zog ihn von Kindheit an an, sie war seine Berufung. Aaltonen ist der Meister, der in Finnland Granitfelsen aus dem ewigen Schlaf erweckt haben soll. Schwarzer und roter Granit wurde zu Aaltonens Lieblingsmaterial. Das Spektrum dieses Künstlers ist ungewöhnlich breit: Er schuf eine riesige Porträtgalerie von Zeitgenossen, Parkskulpturen und Statuen von Sportlern, Grabsteine ​​und monumentale Reliefs, die Regierungs- und öffentliche Gebäude schmücken, Kammerskulpturen aus Holz und Terrakotta, Ölgemälde und Temperamalereien Themen von "Kalevala". Bereits die frühen Arbeiten Aaltonens – eine Serie sogenannter „Maids“ („Wandering Girl“, 1917–1922, Granit; „Seated Young Girl“, 1923–1925, Granit; alle in Privatsammlungen) – weckten das Interesse der Öffentlichkeit mit ihrer großen Lyrik, Wärme und Poesie in der Darstellung eines nackten weiblichen Körpers und der außergewöhnlichen Weichheit der Verarbeitung des Materials. In den gleichen Jahren beschäftigte sich Aaltonen auch mit dem Thema des nackten männlichen Körpers und schuf eines seiner Meisterwerke – die Statue des Läufers Paavo Nurmi (1924-1925, Bronze; Helsinki); die Leichtigkeit, das Selbstvertrauen und die Freiheit eines starken, muskulösen Körpers werden von der Bildhauerin perfekt vermittelt. Nurmi berührt kaum den Sockel mit seinem Fuß und scheint vorwärts zu fliegen.

Aaltonen begann sich in seiner Jugend mit Porträtkunst zu beschäftigen und arbeitet bis heute in diesem Genre. Er kann als einer der Schöpfer der modernen finnischen skulpturalen Porträtmalerei angesehen werden. Seine Kunst basiert auf einem tiefen Eindringen in die innere Welt des Porträtierten und einer strengen Auswahl der Elemente, die die Charakteristika des Modells ausmachen.

Zu den besten Porträtarbeiten von Aaltonen gehört das Porträt der Schriftstellerin Maria Jotuni (1919, Marmor; Privatsammlung) mit freundlichem, leicht traurigem Gesicht; der strenge, von Kraft und Würde erfüllte Kopf von V. Westerholm (1925, Granit; Privatsammlung) vermittelt die tiefe Konzentration des Lehrers Aaltonen. Schöne Porträts des Komponisten Jean Sibelius (1935, Marmor; Pori, Sibelius-Haus-Museum), dessen mächtiger Kopf aus einem Steinblock zu wachsen scheint, und des Dichters Aarro Hellaakoski (1946, Bronze; Privatsammlung), wo der ultimative Lakonismus von Ausdrucksformen und -mittel stören nicht, das Erscheinungsbild dieses desillusionierten Jugendfreundes Aaltonen nachzubilden.

Von großem Interesse sind die monumentalen Werke von Aaltonen. Seine nackten Figuren auf der Brücke in Tampere (1927-1929, Bronze) sind in ihrer Bildinterpretation zutiefst national. Schön in ihrer strengen Zurückhaltung ist die Heldin von Kalevala, Maryatta (1934, Bronze; Eigentum des Autors): Eine junge Frau in einem zu Boden fallenden Kleid steht da, ihr Kind hoch in den Armen haltend, ihr Blick ist voller Traurigkeit und Zärtlichkeit, die Umrisse ihrer schlanken Silhouette sind glatt. Das Denkmal für Alexis Kivi (1934, Bronze) in Helsinki zeichnet das traurige Bild des großen finnischen Schriftstellers nach, der früh in Armut starb, ohne zu Lebzeiten Anerkennung zu erhalten. Bittere Gedanken überwältigen einen Mann, der in Gedanken versunken dasitzt, den Kopf gesenkt, die Hände hilflos auf die Knie fallen. Strenge Formen eines sehr kompakten Denkmals fügen sich gut in das Ensemble der Stadt ein.

Unter den monumentalen Reliefs von Aaltonen nimmt das Denkmal zu Ehren der ersten finnischen Siedler in Delaware (Kanada; 1938, roter Granit) einen besonderen Platz ein - dies ist vielleicht eines der nationalsten seiner Werke. Das Denkmal ist eine Platte, deren Längsseiten mit Reliefs verziert sind. Besonders gut ist das Relief "Abschied von der Heimatküste". Weit im Meer sind die Umrisse eines Schiffes sichtbar, und im Vordergrund, nahe der felsigen Küste, erstarrten die Trauernden in strengem Schweigen; In wenigen Minuten bringt das Boot die Draufgänger zum Schiff, das auf der Suche nach einem besseren Leben in unbekannte Länder fährt. Immer Pathos, Effekte und plötzliche Bewegungen vermeidend, wählte Aaltonen den Moment, in dem alle Worte bereits gesagt waren – es gab einen Moment der Stille. Der extremen Lässigkeit der plastischen Lösung des Reliefs steht die klare Ausarbeitung der Konturzeichnung der Figuren gegenüber.

Diese nationale Besonderheit finden wir sowohl in Typen als auch in der Interpretation von Bildern in Aaltonens Gemälden und grafischen Arbeiten wie "Kullervo" (1930-1940, Tempera), im poetischen "Return from the Evening Melking" (1939, Zeichnung; beides sind Eigentum des Autors).

Die Themen Frieden und Freundschaft zwischen den Völkern, die Solidarität der Arbeitnehmer liegen Aaltonen sehr am Herzen. Auf das Jahr 1952 geht das Bronzedenkmal „Friendship“ zurück, das die Freundschaft zwischen der finnischen Stadt Turku und der schwedischen Stadt Göteborg symbolisiert (in beiden Städten wurden Denkmäler errichtet). Ein großer Beitrag für die Sache des Friedens war Aaltonens Skulptur „Peace“ in Lahti (1950-1952, Granit), die die Welt in Form einer monumentalen Figur einer Frau mit hoch erhobenen Armen darstellt, als ob sie den Weg zum Krieg versperrt . Für diese Skulptur wurde Aaltonen 1954 vom Weltfriedensrat mit einer Goldmedaille ausgezeichnet.

Trotz der Tatsache, dass der Abstraktionismus als offizieller Trend in den letzten Jahrzehnten einen ziemlich starken Platz in der finnischen Bildhauerei eingenommen hat, lässt eine große Gruppe junger Künstler, die die realistischen Grundlagen der Kunst sowohl in der Porträt- als auch in der Monumentalskulptur innovativ entwickeln, Abstraktionisten nicht zu führenden Platz. Unter den Meistern des Realismus sind bedeutende Künstler wie Essi Renvall (geb. 1911) und Aimo Tukiyainen (geb. 1917) zu nennen. Essi Renvall ist eine Künstlerin von subtilem, lyrischem Talent, sie besitzt viele Porträts ihrer Zeitgenossen („Onni Okkonen“, Bronze), ihre Kinderbilder sind besonders reizvoll. Neben Porträts schafft Renvall auch verallgemeinerte Bilder gewöhnlicher Menschen („Textile Woman“, Bronze; Park in Tampere). Renvall arbeitet in Marmor und Bronze, und um die Ausdruckskraft zu verstärken, verwendet er neuerdings Einlegearbeiten mit farbigen Steinen und Metall. Aimo Tukiyainen schafft monumental interpretierte Porträts (Portrait of Tovio Pekkanen, 1956, Bronze) und Denkmäler (Monument to Eet Salin, 1955, Bronze); Dieses Denkmal in der Mitte des Pools stellt einen müden Mann in Arbeitskleidung dar, der kniet, um sich den Staub aus dem Gesicht zu waschen.

Die in den letzten Jahrzehnten florierende Medaillenkunst Finnlands ist weitgehend dem Kampf um die Festigung des Friedens gewidmet. Die Medaillen von Aaltonen, Gerda Kvist (geb. 1883) und anderen Meistern, die herausragenden Zeitgenossen und Ereignissen gewidmet sind, sind überraschend dünn, harmonisch und plastisch.

Die neunziger Jahre des 19. Jahrhunderts waren von einem entscheidenden Wendepunkt in der Entwicklung der finnischen Architektur geprägt, die sich, weg vom traditionellen klassizistischen Akademismus, auf den Weg der Suche im Geiste einer neuen nationalromantischen Strömung begab. Die für diese Zeit charakteristische Aufmerksamkeit für die finnische und karelische Volksarchitektur war mit dem Wachstum der nationalen Identität verbunden und spiegelte gleichzeitig den Trend zur Verwendung lokaler Materialien wider, der sich in der westeuropäischen (insbesondere englischen und schwedischen) Architektur manifestierte. Im letzten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts entstanden die Studien der Architekten J. Blomsted und V. Suksdorf („Karelische Bauten und dekorative Formen“, 1900), die Werke finnischer Künstler, die die eigentümliche Schönheit dieses nördlichen Landes, der Musik, zelebrieren Jan Sibedius (symphonisch das Gedicht "Finnland", die Legende "Tuonel Swan", "Frühlingslied"), zeichnet Bilder von der rauen Natur der Region.

In dieser Atmosphäre bildet sich eine Galaxie herausragender finnischer Architekten, unter denen Lare Sonk, Herman Geselius, Armas Lindgren und vor allem Eliel Saarinen (1873-1950) den prominentesten Platz einnehmen. Sonck war einer der ersten, der in diesen Jahren mit Blockbauten und grobem Steinmauerwerk eine besondere Ausdruckskraft der Architektur der Nationalromantik erreichte. Seine Kathedrale in Tampere (1902-1907) erlangte aufgrund der Emotionalität des Bildes, der Kraft und Harmonie der Idee breiten und wohlverdienten Ruhm.

Auf der Weltausstellung in Paris 1900 fand der von Geselius, Lindgren und Saarinen geschaffene finnische Pavillon breite Anerkennung, der sich vor der Kulisse einer Masse eklektischer und überladener Bauten durch seine Schlichtheit und kompositorische Klarheit abhob. Eines der auffälligsten Werke dieser Zeit ist ein Wohnhaus in Vtreska, das 1902 von einer Gruppe von Architekten für sich selbst gebaut wurde. Das Gebäude zeichnet sich durch außergewöhnliche Monumentalität, malerische Komposition der Massen aus und verschmilzt organisch mit der umgebenden Natur. Die freie Planung der Räumlichkeiten und die Nutzung der Ausdrucksmöglichkeiten von Holz und Granit werden in diesem Gebäude zu einem Höchstmaß an Perfektion gebracht.

Von großer Bedeutung für die finnische Architektur dieser Zeit war, wie die finnischen Architekten selbst zugeben, die Verbindung mit der zeitgenössischen russischen Kunstkultur, in der in jenen Jahren ein weit verbreitetes Interesse daran bestand, die Traditionen der Volksarchitektur, der angewandten Kunst und der Folklore ( Dieser Einfluss wurde durch die Existenz enger kultureller Verbindungen zwischen russischer und finnischer Kunst bestimmt. Insbesondere Eliel Saarinen war ordentliches Mitglied der St. Petersburger Akademie der Künste und unterhielt ständige Kontakte zu Persönlichkeiten der russischen Kultur wie M. Gorki, I. Grabar, N. Roerich und anderen.).

Bis zum Ende des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts in Finnland zeichnet sich eine neue Richtung ab, die im Charakter der russischen Moderne nahe steht, sich aber in großer Prägnanz und Zurückhaltung von ihr unterscheidet. Eliel Saarinen ist auch hier der größte Meister. In seinen Projekten des Friedenspalastes in Den Haag (1905), des finnischen Landtags (1908), des Rathauses in Tallinn (1912) und insbesondere des fertiggestellten Projekts des Bahnhofs in Helsinki (1904-1914) war Saarinens bevorzugte Methode einen massiven Turm gegenüberzustellen, und ein schweres horizontales Volumen wird entwickelt, das ihr als unerschütterliches Fundament dient. Dieses Thema erreicht seinen Höhepunkt im Projekt des Hausmuseums der Nationalkultur, bekannt als die Kalevala-Häuser in Munkkiniemi (1921), wo das Gebäude, schön in seinem Design und seiner proportionalen Struktur, mit seiner Schwere seiner Formen einer Festung ähnelt Struktur, die wie durch die Bearbeitung der Spitze eines Granitfelsens entsteht. Das von Saarinen entwickelte Bild eines öffentlichen Gebäudes ist etwas schroff und düster, aber es ist einzigartig originell und organisch mit den nationalen Merkmalen der finnischen Architektur verbunden.

Auch Saarinens erste städtebauliche Arbeiten gehören in diese Zeit (Canberra-Wettbewerbsprojekt, 1912; Munkkiniemi-Haaga-Masterplan, 1910-1915), in der sich der Wunsch nach maximaler Monumentalisierung großer Stadtkomplexe mit aufkommenden neuen Vorstellungen über den Körper verbindet die Besiedlung und die Differenzierung ihrer Einzelteile.

Das Ende des Ersten Weltkriegs und die Gewährung der staatlichen Unabhängigkeit Finnlands auf Initiative von V. I. Lenin war im Bereich der Architektur von einer Reihe großer städtebaulicher Arbeiten geprägt. Das bedeutendste davon war das Groß-Helsinki-Projekt (1918), das Eliel Saarinen zu einer der anerkannten Autoritäten in der Weltstadtplanung machte. Das Projekt vollzog die Ausdifferenzierung der Wohngebiete der Hauptstadt und die Dezentralisierung der Siedlung in Trabantenstädten mit einer bisher nicht erreichten Durchgängigkeit. Die von Seen und Buchten gegliederten Vorstadtgebiete nutzte der Autor exzellent, um einzelne Wohnanlagen zu lokalisieren, die sich organisch in die Natur einfügen.

In den 20-30er Jahren. In Finnland werden eine Reihe großer und architektonisch bedeutender öffentlicher und gewerblicher Gebäude gebaut. Unter ihnen sticht das Parlamentsgebäude hervor (1931, Architekt I. Sirene). Charakteristisch ist, dass dieses Gebäude in ausgewogenen, strengen Formen des Neoklassizismus gehalten ist, die sich bis in die 1930er Jahre erhalten haben. starke Position in Finnland.

Interessant und moderner in seinen Formen wurde 1926-1931 in Helsinki gebaut. ein weiterer prominenter Vertreter der finnischen Architektur, Sigurd Frosterus, Kaufhaus Stockman. Seine äußeren Formen spiegelten den Monumentalismus wider, der der damaligen finnischen Architektur innewohnt. Die auf der Basis eines Stahlbetonskeletts errichteten Innenräume des Kaufhauses erhielten eine für Neubauten dieser Art charakteristische große, weit geöffnete und frei gestaltbare Verkaufsfläche.

Aus den 30er Jahren. 20. Jahrhundert Die führende Persönlichkeit der finnischen Architektur ist Alvar Aalto (geb. 1898), ein talentierter Architekt, der aus einer Försterfamilie stammte und später wie Eliel Saarinen Weltruhm erlangte und einer der größten Architekten unserer Zeit wurde. 1929-1933. A. Aalto baut in Paimio im Südwesten Finnlands ein Tuberkulose-Sanatorium, das vollständig im Geiste des europäischen Funktionalismus gestaltet ist und sich gleichzeitig durch lokale Originalität auszeichnet - außergewöhnliche Reinheit und Frische seiner architektonischen Formen, freie Komposition von Volumen, organische Verbindung mit dem Relief- und Waldlandschaft der Region. Zusammen mit dem Bauhausgebäude in Dessau von W. Gropius und den Werken von Le Corbusier ist dieses Gebäude eines der berühmtesten und wegweisendsten in der Entwicklung der modernen Architektur. Ein weiteres Werk von A. Aalto sowie das Sanatorium in Paimio, das zu Recht als eines der besten europäischen Gebäude der 30er Jahre gilt, war das Bibliotheksgebäude in Wyborg. Es lenkt die Aufmerksamkeit auf die sorgfältig durchdachte funktionale Basis des Plans, die Wahrhaftigkeit der äußeren Erscheinung des Gebäudes und große emotionale Aussagekraft. Im Hörsaal der Bibliothek wurde eine spezielle hölzerne Akustikdecke mit krummliniger Form verwendet, die dem Innenraum für diese Jahre eine Originalität und eine neue Form verlieh.

Das Verdienst von Aalto an diesem und an einer Reihe anderer Gebäude bestand darin, dass er sich, nachdem er die rationalistische Grundlage des Konstruktivismus erkannt und auf finnischem Boden angewandt hatte, von Anfang an gegen seine Beschränkungen wandte und begann, die ästhetischen Prinzipien einer neuen Richtung zu entwickeln Suche nach seiner künstlerischen Sprache. Aalto bemerkte, dass "der technische Funktionalismus nicht der einzige in der Architektur sein kann" und dass eine der wichtigen Aufgaben der modernen Architektur "darin besteht, psychologische Probleme zu lösen". Weitere bedeutende Werke von A. Aalto sind der finnische Pavillon auf der Internationalen Ausstellung in New York, Maireas Villa in Noormarku und die Holzverarbeitungsfabrik in Sunil (1936-1939). In der neuesten Arbeit fungiert Aalto auch als Stadtplaner: Er schafft nicht nur einen Komplex von Industrieanlagen, sondern auch eine Wohnsiedlung für Arbeiter, die die besten Traditionen der finnischen Architektur fortsetzt - unter Berücksichtigung und sorgfältiger Nutzung der natürlichen Umwelt.

Neuerungen in der Architektur öffentlicher Gebäude werden von Eric Brugmann (1891-1955) vorgestellt. Er ist der erste in den skandinavischen Ländern, der den Innenraum mit Hilfe eines Glasfensters weit in den umgebenden Raum öffnet (die Kapelle in Turku, 1938-1941), um eine neue künstlerische Wirkung und eine neue Einheit von zu schaffen Architektur und Natur.

Ein wichtiger Bau dieser Zeit war auch der Olympische Komplex in Helsinki, der ein hervorragendes Stadion (1934-1952, Architekten Irjo Lindgren und Toivo Jantti) und das Olympische Dorf (Architekten X. Eklund und M. Välikangas) umfasst, das das erste wurde Satellitenstadt der finnischen Hauptstadt.

Nach dem Zweiten Weltkrieg stabilisierte sich die finnische Wirtschaft dank der sich ausweitenden Handelsbeziehungen mit der Sowjetunion schnell, und finnische Architekten konnten mit der Umsetzung einer Reihe von zuvor nur skizzierten städtebaulichen Ideen und Massenbauten beginnen. Ihr größtes und bedeutendstes Werk, das große Resonanz fand, war der Bau der Gartenstadt Tapiola, 9 km von Helsinki entfernt ( Die Autoren von Tapiola: Architekten O, Meyerman und I. Siltavuori (Generalplan), A. Blomstead, V. Revell, M. Tavio, A. Ervi, K. und X. Siren, T. Nironen und andere. Der Bau erfolgt seit 1952 durch eine eigens gegründete Wohnungsbaugenossenschaft.). Beim Bau von Tapiola versuchten die Architekten, die für kapitalistische Großstädte charakteristische Trennung des Menschen von der Natur zu überwinden. Die Stadt für 15.000 Einwohner wurde inmitten von natürlichem Grün auf einem zerklüfteten Gelände mit Aufschlüssen der Granitbasis des Festlandes erbaut und erstreckt sich über eine Fläche von mehr als 230 Hektar. Besonderes Augenmerk wird auf den Schutz von Wildtieren und malerischen, nahezu unberührten Landschaften gelegt. Charakteristischerweise nimmt die Wohnbebauung nur 25 Prozent des Landes ein, während freie Grünflächen - 75 Prozent. Tatsächlich handelt es sich hier nicht um städtebaulich durchsetzte Grünflächen, sondern um Häuser – in einer naturbelassenen Waldmasse, die sich in ihrer Lage an bestehende Baumgruppen, Topographie, Felsvorsprünge und Sonneneinstrahlung anlehnen. Das Netz aus asphaltierten Straßen, die in malerischen Streifen entlang der Unterschiede in der natürlichen Erdoberfläche angelegt sind, wurde auf das notwendige Minimum reduziert.

Das Zentrum von Tapiola (1954-1962, Architekt Aarne Ervi) ist charakteristisch für neue Ideen zum Bau eines urbanen Ensembles. Freier und zugleich klar differenzierter Raum wird darin gut organisiert, dynamische Kontraste von architektonischen Vertikalen und Spreizungen, horizontale Volumen werden geschaffen, Fußgänger- und Verkehrswege werden getrennt. Das Prinzip der Öffentlichkeit verbindet sich hier mit etwas Intimität, regelmäßigen Motiven - mit Malerischem (zum Beispiel wird die klare Geometrie des mit Platten gepflasterten Platzes in der Nähe von Geschäftsgebäuden durch Baumgruppen belebt, die dort erhalten sind, wo sie vor Baubeginn in Freiheit gewachsen sind) . Die Struktur der Wohnanlagen in Tapiola berücksichtigt die Bedürfnisse verschiedener Bevölkerungsgruppen: nach Alterszusammensetzung und Familienstand. Dazu kommt (und das ist typisch für die gesamte Praxis des kapitalistischen Städtebaus) eine Differenzierung des Bauens nach sozialem Status und materieller Absicherung der Bürger. Dementsprechend wurden verschiedene Gebäudetypen verwendet - von 8-11-stöckigen Turmhäusern bis zu 1-2-stöckigen Doppelhäusern.

Tapiola hat eine Reihe interessanter neuer Typen öffentlicher Gebäude entwickelt, wie zum Beispiel die pavillonartige Schule, die von den Architekten Kaja und Heikki Siren entworfen wurde. Das Gebäude der Mennin-Kaisentie-Straße, ausgeführt von dem Architekten A. Blomsted, ist in seiner Architektur eigentümlich. Die Straße führt am Fuße eines Granitmassivs vorbei, auf dem sich eine Gruppe mehrstöckiger Gebäude befindet. Auf der anderen Seite befindet sich eine Reihe von Doppelhaushälften mit Blick auf den Wald und die Seen. Der Rhythmus abwechselnder, geometrisch einfacher, ein- und zweistöckiger Volumen, die sich an der Wende zwischen Rasen und Wald erstrecken, die Kontraste von hellen, glatten Wänden und Glasfenstern, die Vielfalt in der Farbe der Gebäude, die Kerzen von Kiefern, zwischen denen eine Reihe von Gebäuden verlegt ist - all dies schafft eine vielfältige, außergewöhnlich ausdrucksstarke und malerische architektonische und räumliche Komposition.

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Es sei darauf hingewiesen, dass neben Tapiola im Nachkriegsfinnland eine Reihe anderer bemerkenswerter Wohngebiete und -komplexe gebaut wurden.

Auch beim Bau von öffentlichen Gebäuden und Verwaltungsgebäuden haben finnische Architekten beachtliche Erfolge erzielt. 1958 baute A. Aalto das Haus der Kultur in Helsinki für Arbeiterorganisationen, in dem er eine freie Kombination aus sich organisch entwickelnden Volumen und krummlinigen Ziegelflächen verwendete. Das asymmetrisch gelegene Amphitheater zeichnet sich nicht nur durch die Frische seiner Formen aus, sondern auch durch seine hervorragende Akustik, die es zu einem der besten Säle dieser Art in Europa macht. Dem gleichen Autor gehört das ausgezeichnete Gebäude der Sozialversicherungsanstalten in Helsinki (1952), in dem der Architekt versuchte, den offiziellen Geist solcher Gebäude zu überwinden, der Gebäudekomplex des Gemeinderates in Säjunyatealo (1956), der im Wesentlichen das Zentrum darstellt des Mikrobezirks und umfasst eine Reihe von Elementen des öffentlichen Dienstes, der Verwaltung das Gebäude der Firma "Rautatalo", das mit Kupfer und Bronze ausgekleidet ist. Es sei darauf hingewiesen, dass finnische Architekten häufig Blech- und Profilmetallfassaden (Kupfer, Bronze, eloxiertes und glattes Aluminium) verwenden, was ihren Gebäuden eine besondere Ausdruckskraft verleiht.

Eine der größten nach dem Krieg gebauten Bildungseinrichtungen ist das Arbeiterinstitut in Turku (1958, Architekt A. Ervi), in dem der Architekt die Kontraste eines frei organisierten umgebenden Raums und die klare Geometrie von Gebäuden nutzte, die sich um einen gepflasterten Hof gruppierten mit Platten mit einem rechteckigen Becken und einer Skulpturengruppe. In Schulen und anderen Bildungsgebäuden verwenden finnische Architekten häufig universelle Hallen und Auditorien, indem sie Systeme mit verschiebbaren Trennwänden und mechanisch einziehbaren Amphitheaterbänken verwenden, um die Möglichkeit zu schaffen, die Art des Innenraums, die Raumkapazität usw. auf unterschiedliche Weise zu variieren.

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Überall bleiben die Hauptmerkmale der modernen finnischen Architektur Einfachheit und Zweckmäßigkeit, große emotionale Ausdruckskraft, taktvoller Einsatz von Farbe, die Verwendung natürlicher und traditioneller lokaler Materialien in Finnland (Holz, Granit) und - am wichtigsten - die Fähigkeit, sich organisch in die Architektur einzufügen natürliche Umgebung, um alle Möglichkeiten zu nutzen, die das Mikrorelief, die Fülle von Seen, die Einbuchtung der Küste, die malerische und unberührte Natur der Waldregion dem Architekten nahelegen. Dieses letzte Merkmal ist nicht nur in Wohn- und öffentlichen, sondern auch in den meisten Industriegebäuden deutlich zu sehen, die wie das Kraftwerk am Oulun-Yoki-Fluss (1949, Architekt A. Ervi) auf natürliche Weise aus einem von Granitfelsen umgebenen Sockel wachsen schlanke und leicht düstere Kiefern. .

Zu beachten ist jedoch, dass der begrenzte Bauumfang praktisch nicht die notwendige wirtschaftliche Basis für eine industrielle, typisierte Massenbaufertigung bot. Die Hauptgebäude werden nach individuellen Projekten erstellt. Nur vorgefertigte einstöckige Holzhäuser, die hauptsächlich für ländliche Gebiete bestimmt sind, werden industriell in speziellen Hausbaufabriken hergestellt.

Finnische Architekten gehen sehr zurückhaltend mit dem Gesamtkunstwerk um und beschränken sich in der Regel nur auf das Bemalen von Häusern, was mit großem Geschick geschieht. In städtebaulichen Ensembles finden sich Schmuck- und Gedenkskulpturen, kunsthandwerkliche Elemente und kleine architektonische Formen werden mit viel Fingerspitzengefühl eingesetzt.

Der finnische Künstler Berndt Lindholm (1841-1914).

Bernd Adolf Lindholm Berndt Adolf Lindholm, (Loviisa 20. August 1841 – 15. Mai 1914 in Göteborg, Schweden) war ein finnischer Maler, gilt auch als einer der ersten finnischen Impressionisten. Lindholmwar auch der erste skandinavische Künstler, der zum Studium nach Paris ging. PEr erhielt seinen ersten Zeichenunterricht in Porvoo bei dem Künstler Johan Knutson und wechselte dann an die Zeichenschule der Finnischen Kunstgesellschaft in Turku. 1856-1861. er ist ein Schüler von Ekman.1863-1865 Lindholm setzte sein Auslandsstudium an der Düsseldorfer Kunstakademie fort.Er verließ Deutschland und zusammen mit ( Hjalmar Münsterhelm) Magnus Hjalmar Münsterhjelm (1840-1905)(Thulos 19. Oktober 1840 - 2. April 1905) kehrte in seine Heimat Karlsruhe zurück (1865-1866), wo er begann, Privatunterricht zu nehmenHans Fredrik Gude (1825-1903)und ging dann 1873-1874 zweimal nach Paris, wo sein Lehrer Leon Bonnat war. In Frankreicheng mit dem Barbizon Charles-Francois Daubigny kommuniziert.Er schätzte auch die Arbeit von Theodore Rousseau und bewunderte die Arbeit von Jean-Baptiste Camille Corot.Die erste Einzelausstellung fand im Herbst 1870 in Helsinki statt, wo Lindholm großen Anklang fand. 1873 wurde der Akademie der Künste der Titel eines Akademikers für das Gemälde "Wald in der Provinz Savolas" und andere verliehen., 1876 wurde er auf der Weltausstellung in Philadelphia mit einer Medaille ausgezeichnet; 1877 erhielt er den Finnischen Staatspreis Lindholmüberwiegend im Ausland gelebt. 1876 ​​zog er nach Göteborg und arbeitete als Museumskurator (1878-1900). Er unterrichtete auch an der Göteborger Schule für Zeichnen und Malen, wurde dann zum Präsidenten der Akademie der Schönen Künste und zum Mitglied der Königlich Schwedischen Akademie gewählt..Er war vielseitiger als sein Künstlerfreund und Rivale Magnus Hjalmar Münsterhelm der der romantischen Landschaft Zeit seines Lebens treu blieb.Anfangs malte Lindholm auch typisch romantische Landschaften, um sich dann unter dem Einfluss der französischen Freilichtmalerei allmählich dem Realismus anzunähern. Am Ende seiner Karriere wechselte er nur noch zu Küsten- und Meereslandschaften, das ist auch bekannt Lindholm beteiligte sich an der Illustration des Buches von Zacharias Topelius - (Zacharias Topelius, 1818-1898) - einem der bemerkenswertesten Vertreter der finnischen Literatur. Dichter, Romancier, Geschichtenerzähler, Historiker und Publizist – er verdiente Liebe und Anerkennung, sowohl in der Heimat als auch weit über seine Grenzen hinaus. Topelius schrieb auf Schwedisch, obwohl er auch fließend Finnisch sprach. Die Werke von Topelius wurden in mehr als zwanzig Sprachen übersetzt. Er besaß eine ungewöhnlich vielseitige Begabung und erstaunliche Arbeitskraft, die Gesamtsammlung seiner Werke umfasst 34 Bände. (Z. Topelius. Reise durch Finnland. Herausgegeben von F. Tilgman, 1875. Aus dem Schwedischen übersetzt von F. Heuren. Enthält viele Stiche von Originalgemälden von A. von Becker, A. Edelfelt, R. V. Ekman, V. Holmberg, K.E. Janson, O. Kleine, I. Knutson, B. Lindholm, G. Munstergelm und B. Reingold). Lindholms 10 Illustrationen sind dem Imatra-Wasserfall gewidmet.In Finnland wurden die Werke des Künstlers während seines Aufenthaltes in Frankreich nicht voll gewürdigt, fast alle befinden sich in Privatsammlungen.

Felsstrand . Weiter... ">

Von der Sonne beleuchtete Felsen.

Rand eines Pinienwaldes.

Waldlandschaft mit Holzfällerfigur.

Der Fluss, der durchfließt felsige Gegend

Haferernte.

Küste

Winterlandschaft im Mondlicht

Blick von der Küste.

Boote auf dem Pier

Stapel.

Landschaft mit Birken

Meereslandschaft.

Meereslandschaft.

Blick auf die Felsen.

Sehnsucht

Sonnenschein herein Wald.

Blick auf Ladoga.

Fischer im Morgennebel

Schiffe am Horizont.

Montmartre, Paris.

Von der Insel Porvoo

Kühe auf der Weide

Das Interesse an Kunst in entwickelten Ländern bleibt jederzeit aktuell!
In Finnland entwickelt sich die zeitgenössische Kunst weiter und zieht viele Fans mit ihrer Kühnheit, Selbstgenügsamkeit und natürlich einzigartigen nationalen Techniken an.
Heute wie vor vielen Jahren zeigt die finnische zeitgenössische Kunst eine besondere Verbindung zwischen den Finnen und der Natur. Skandinavisches Design lockt mit seiner Einfachheit und natürlichen Note. Das Thema der Interaktion zwischen einem Menschen und allen Lebewesen, die ihn umgeben, nimmt in der finnischen zeitgenössischen Kunst immer noch eine Schlüsselstellung ein. Finnische Künstler, Fotografen und Designer lassen sich für ihre Arbeit weiterhin von dem wirklich Lebendigen und Grundlegenden inspirieren: Mensch, Natur, Schönheit, Musik.

Der Korrespondent des Kultur- und Informationsportals Finmaa traf sich mit einer bekannten finnischen Gegenwartskünstlerin, Kaarina Helenius, und versuchte herauszufinden, wie und wie eine zeitgenössische Künstlerin in Finnland lebt.

Finmaa:— Was bedeutet zeitgenössische Kunst heute in Finnland?
- Zeitgenössische Kunst würde ich als Werke charakterisieren, die mit Hilfe anderer, neuer Techniken entstanden sind. Alte Tricks können auch verwendet werden, aber mit einem neuen Blick auf alte Dinge.

Finmaa:— Wie stark ist die Nachfrage nach zeitgenössischer Kunst, wenn wir über das Interesse eines echten Käufers sprechen? Kann man davon in Finnland leben?
— Zeitgenössische Kunst ist in Finnland sehr gefragt. Die Finnen interessieren sich besonders für die Arbeit junger Künstler. Allerdings gibt es in Finnland nicht viele Künstler, die allein von der Kunst leben. Üblicherweise hat der Künstler eine Berufsausbildung und übt parallel andere Arbeiten aus. Ich bin zum Beispiel Grafikdesigner. Ich habe meine eigene Werbeagentur und arbeite tagsüber in meinem Büro. Ich mache gerne beides, also genieße ich es, zwei Arten von Arbeit zu machen.

Finmaa:— Sie leben und arbeiten in Hämeenlinna. Was ist Ihrer Meinung nach die richtige Atmosphäre für Kreativität in dieser Stadt oder in Finnland im Allgemeinen?
— Hämeenlinna ist eine kleine Stadt, die im Vergleich zu anderen Kulturstädten in Finnland günstig gelegen ist. Von hier aus gelangen Sie bequem nach Helsinki oder Tampere. Hämeenlinna ist eine sehr ruhige Stadt, es ist sicher hier zu leben und es ist einfach kreativ zu sein. Zum Beispiel befindet sich mein Atelier, in dem ich meine Bilder zeichne, auf dem Gelände der ehemaligen Kaserne. Es hat eine sehr ruhige und friedliche Atmosphäre, wunderschöne Natur und einen großartigen Ort zum Wandern.

Finmaa:— Was inspiriert Sie bei Ihrer Arbeit? Wie entstehen die Bilder Ihrer Bilder?
-Ich bin inspiriert von Musik, Mode und Natur. Ich entwerfe alle Bilder in meinem Kopf und wenn ich anfange zu zeichnen, weiß ich schon, was passieren soll.

Finmaa:— Wie lange dauert eine Arbeit, fallen Ihnen Ihre Bilder leicht oder ist es wirklich eine schwierige und mühsame Arbeit?
Ein Anstrich dauert ca. 2-4 Wochen. Ich verwende Ölfarben, die ich mit Strichen auf das Material auftrage. Ich zeichne alle Bilder zuerst in meinem Kopf, es gibt viele Ideen. Wenn es in meiner Arbeit Menschenbilder gibt, lade ich echte Menschen ein und mache Skizzen aus der Natur, und dann beginne ich, basierend auf der Skizze, ein Bild zu zeichnen. Ich versuche, die Skizze so gut wie möglich zu zeichnen, da die Zeit immer begrenzt ist. Abends nach meiner Haupttätigkeit und am Wochenende arbeite ich in meinem Atelier.

Finmaa:- Du zeichnest die Natur, ist diese Richtung heute eher gefragt oder ist es dein Selbstausdruck?
— In meiner Arbeit versuche ich nicht, modische Gemälde zu schaffen oder mich auf nackte Menschen zu konzentrieren. Ich möchte immer Gefühle oder Ereignisse zeigen. Der Mensch ist nur ein Teil der Idee.

Finmaa: Wie kam Ihr Interesse am Zeichnen auf? Wo hast du angefangen?
— Ich habe eine professionelle künstlerische Ausbildung. Ich habe an einer Kunstschule in der Stadt Hyvinkää studiert. Ich habe auch einen Hintergrund in Handel und Grafikdesign.
Ich habe mich im Alter von 18 Jahren durch Zufall in das Zeichnen verliebt. Dieser Beruf gefiel mir, und ich studierte als professioneller Künstler. Wenig später habe ich gemerkt, dass mir dieser Beruf gefällt und ich ernsthaft in diesem Bereich arbeiten möchte. Nach der Kunstschule habe ich Grafikdesign studiert, was mir auch sehr gut gefallen hat. In Finnland ist es trotz staatlicher Unterstützung schwierig, nur Künstler zu sein. So begann meine Karriere in der Kunst. Später hatte ich meine eigenen Ausstellungen, die in verschiedenen Städten Finnlands stattfanden.

Finmaa:— Auf welche Schwierigkeiten stößt ein Künstler oder Designer bei seiner Arbeit in Finnland?
— Künstler können in Finnland mit finanzieller Unterstützung durch den Staat rechnen, aber das reicht nicht für ein normales Leben. Die wirtschaftliche Situation des Landes wirkt sich auch auf den Verkauf von Gemälden aus.

Finmaa:- An was arbeitest du jetzt?
– Jetzt male ich Bilder für meine nächste Ausstellung, die im Mai 2016 in Russland in der Stadt St. Petersburg stattfinden wird. Außerdem plane ich für 2016 und 2017 mehrere Ausstellungen in Finnland.

Finmaa: Was machst du sonst noch gerne in deiner Freizeit? Hast du ein Hobby?
— Ich habe fast keine Freizeit, aber ich liebe es zu joggen und manchmal gehe ich ins Fitnessstudio.

Finmaa:- Reisen Sie gerne? Haben Sie es geschafft, Russland zu besuchen und in welcher Stadt? Was hat dir gefallen und was ist dir in Erinnerung geblieben?
— Das erste Mal, dass es mir gelang, Russland zu besuchen, war im März 2015. Dann habe ich im Haus-Finnland auf der Bolshaya Konyushennaya Street gelebt. Diese Stadt hat mir sehr gut gefallen und ich bin bereits im September ein zweites Mal hierher gekommen. Ich mag die russische Nationalküche sehr. Auch die Menschen in St. Petersburg sind sehr freundlich und einladend. Ich interessiere mich sehr für zeitgenössische Kunst und Design junger russischer Künstler. St. Petersburg hat viele Designzentren, Ausstellungsgalerien und Modegeschäfte. Ich spreche kein Russisch, ich kenne nur ein paar Wörter, aber ich möchte diese Sprache lernen. Ich war noch nicht in anderen russischen Städten, aber ich bin bereit, immer wieder nach St. Petersburg zu kommen!

Finmaa:— Wenn Sie einen Traum haben?
— Ich möchte wirklich weiterhin das tun, was ich liebe, und neue Projekte erstellen. Kürzlich habe ich am Design einer Silberschmucklinie für ein finnisches Unternehmen gearbeitet. Das Projekt war sehr erfolgreich und ich freue mich auf die weitere Arbeit in diesem Bereich.

Finmaa, 2016.
Hämeenlinna, Finnland