Thema: Das Phänomen der lateinamerikanischen Literatur. Literatur Lateinamerikas Magischer Realismus im Werk von G

Diktaturen, Staatsstreiche, Revolutionen, die schreckliche Armut einiger und der fantastische Reichtum anderer und gleichzeitig - gewalttätiger Spaß und Optimismus der einfachen Leute. So kann man die meisten Länder Lateinamerikas im 20. Jahrhundert kurz beschreiben. Und vergessen Sie nicht die erstaunliche Synthese verschiedener Kulturen, Völker und Glaubensrichtungen.

Die Paradoxien der Geschichte und die überbordenden Farben haben viele Schriftsteller dieser Region dazu inspiriert, echte literarische Meisterwerke zu schaffen, die die Weltkultur bereichert haben. Wir werden über die auffälligsten Werke in unserem Material sprechen.

Sandkapitäne. Jorge Amado (Brasilien)

Einer der Hauptromane von Jorge Amado, dem berühmtesten brasilianischen Schriftsteller des 20. Jahrhunderts. „Captains of the Sand“ ist die Geschichte einer Bande von Straßenkindern, die in den 1930er-Jahren im Bundesstaat Bahia auf Diebes- und Raubjagd gingen. Dieses Buch bildete die Grundlage für den in der UdSSR sehr beliebten Film "Generäle der Sandgrube".

Adolfo Bioy Casares (Argentinien)

Das berühmteste Buch des argentinischen Schriftstellers Adolfo Bioy Casares. Ein Roman, der geschickt zwischen Mystik und Science-Fiction balanciert. Der Protagonist landet auf der Flucht vor Verfolgung auf einer fernen Insel. Dort trifft er auf seltsame Menschen, die ihn nicht beachten. Wenn er sie Tag für Tag beobachtet, lernt er, dass alles, was auf diesem Stück Land passiert, ein vor langer Zeit aufgenommener holografischer Film ist, eine virtuelle Realität. Und es ist unmöglich, diesen Ort zu verlassen ... während die Erfindung eines gewissen Morel am Werk ist.

Älterer Präsident. Miguel Angel Asturien (Guatemala)

Miguel Ángel Asturias - Nobelpreis für Literatur für 1967. In seinem Roman porträtiert der Autor einen typischen lateinamerikanischen Diktator - Senior President, in dem er das ganze Wesen einer grausamen und sinnlosen autoritären Herrschaft widerspiegelt, die darauf abzielt, sich durch Unterdrückung und Einschüchterung der einfachen Leute zu bereichern. Dieses Buch handelt von einem Mann, für den die Herrschaft über ein Land bedeutet, seine Bewohner zu berauben und zu töten. Wenn wir uns an die Diktatur desselben Pinochets (und anderer nicht weniger blutiger Diktatoren) erinnern, verstehen wir, wie genau sich diese künstlerische Prophezeiung Asturiens herausgestellt hat.

Königreich der Erde. Alejo Carpentier (Kuba)

Der kubanische Schriftsteller Alejo Carpentier erzählt in seinem historischen Roman Das Königreich der Erde von der geheimnisvollen Welt der Menschen auf Haiti, deren Leben untrennbar mit Mythologie und Voodoo-Magie verbunden ist. Tatsächlich hat der Autor diese arme und mysteriöse Insel auf die literarische Weltkarte gesetzt, in der Magie und Tod mit Spaß und Tanz verflochten sind.

Spiegel. Jorge Luis Borges (Argentinien)

Eine Sammlung ausgewählter Kurzgeschichten des bedeutenden argentinischen Schriftstellers Jorge Luis Borges. In seinen Kurzgeschichten bezieht er sich auf die Motive der Suche nach dem Sinn des Lebens, Wahrheit, Liebe, Unsterblichkeit und kreativer Inspiration. Der Autor verwendet meisterhaft die Symbole der Unendlichkeit (Spiegel, Bibliotheken und Labyrinthe) und gibt nicht nur Antworten auf Fragen, sondern lässt den Leser über die Realität um ihn herum nachdenken. Die Bedeutung liegt schließlich nicht so sehr in den Suchergebnissen, sondern im Prozess selbst.

Tod von Artemio Cruz. Carlos Fuentes (Mexiko)

Carlos Fuentes erzählt in seinem Roman die Lebensgeschichte von Artemio Cruz, einem ehemaligen Revolutionär und Verbündeten von Pancho Villa und heute einer der reichsten Magnaten Mexikos. Durch einen bewaffneten Aufstand an die Macht gekommen, beginnt Cruz, sich wie wild zu bereichern. Um seine Gier zu befriedigen, zögert er nicht, auf Erpressung, Gewalt und Terror gegen jeden zurückzugreifen, der sich ihm in den Weg stellt. In diesem Buch geht es darum, wie unter dem Einfluss von Macht selbst die höchsten und besten Ideen sterben und Menschen sich bis zur Unkenntlichkeit verändern. Tatsächlich ist dies eine Art Antwort auf den „Senior President“ von Asturien.

Julio Cortazar (Argentinien)

Eines der berühmtesten Werke der postmodernen Literatur. Der berühmte argentinische Schriftsteller Julio Cortazar erzählt in diesem Roman die Geschichte von Horacio Oliveira, einem Mann, der in einem schwierigen Verhältnis zur Außenwelt steht und über den Sinn seiner eigenen Existenz nachdenkt. In The Classics Game wählt der Leser selbst die Handlung des Romans aus (der Autor bietet im Vorwort zwei Lesemöglichkeiten an - nach einem von ihm speziell entwickelten Plan oder in der Reihenfolge der Kapitel), und der Inhalt des Buches wird davon abhängen direkt nach seiner Wahl.

Stadt und Hunde. Mario Vargas Llosa (Peru)

Die Stadt und die Hunde ist ein autobiografischer Roman des berühmten peruanischen Schriftstellers und Literaturnobelpreisträgers 2010 Mario Vargas Llosa. Die Handlung des Buches spielt in den Mauern einer Militärschule, wo versucht wird, aus jugendlichen Kindern „echte Männer“ zu machen. Die Methoden der Erziehung sind einfach - zuerst eine Person zu brechen und zu demütigen und sie dann in einen gedankenlosen Soldaten zu verwandeln, der nach der Charta lebt.

Nach der Veröffentlichung dieses Antikriegsromans wurde Vargas Llosa des Verrats und der Unterstützung der ecuadorianischen Emigranten beschuldigt. Und mehrere Exemplare seines Buches wurden auf dem Exerzierplatz der Kadettenschule von Leoncio Prado feierlich verbrannt. Dieser Skandal machte den Roman jedoch nur beliebter, der zu einem der besten literarischen Werke Lateinamerikas des 20. Jahrhunderts wurde. Es wurde auch mehrfach gedreht.

Gabriel Garcia Marquez (Kolumbien)

Legendärer Roman von Gabriel Garcia Marquez - kolumbianischer Meister des magischen Realismus, Gewinner des Literaturnobelpreises 1982. Darin erzählt der Autor die 100-jährige Geschichte der Provinzstadt Macondo, die mitten im Dschungel Südamerikas steht. Dieses Buch gilt als Meisterwerk der lateinamerikanischen Prosa des 20. Jahrhunderts. Tatsächlich gelang es Marquez in einem Werk, den ganzen Kontinent mit all seinen Widersprüchen und Extremen zu beschreiben.

Wenn ich weinen will, weine ich nicht. Miguel Otero Silva (Venezuela)

Miguel Otero Silva ist einer der größten Schriftsteller Venezuelas. Sein Roman „Wenn ich weinen will, weine ich nicht“ widmet sich dem Leben dreier junger Menschen – eines Aristokraten, eines Terroristen und eines Banditen. Trotz ihrer unterschiedlichen sozialen Herkunft teilen sie alle das gleiche Schicksal. Jeder ist auf der Suche nach seinem Platz im Leben, und jeder ist dazu bestimmt, für seinen Glauben zu sterben. In diesem Buch zeichnet der Autor meisterhaft ein Bild Venezuelas während der Militärdiktatur und zeigt auch die Armut und Ungleichheit dieser Zeit.

Der Sieg über den Faschismus führte zu Störungen und der Zerstörung des Kolonialsystems in einer Reihe ehemals abhängiger Länder des afrikanischen Kontinents und Lateinamerikas. Die Befreiung von militärischer und wirtschaftlicher Vorherrschaft, die Massenmigration während des Zweiten Weltkriegs führten zum Wachstum nationaler Identität. Die Befreiung aus kolonialer Abhängigkeit in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts führte zur Entstehung neuer literarischer Kontinente. Als Ergebnis dieser Prozesse traten Konzepte wie der neue lateinamerikanische Roman, moderne afrikanische Prosa und ethnische Literatur in den Vereinigten Staaten und Kanada in den Leser- und literarischen Alltag ein. Ein weiterer wichtiger Faktor war das Wachstum des planetarischen Denkens, das das "Schweigen" ganzer Kontinente und den Ausschluss kultureller Erfahrungen nicht zuließ.

Bemerkenswert ist, dass in den 1960er Jahren. in Russland nimmt die sogenannte "multinationale Prosa" Gestalt an - Schriftsteller aus den Reihen der indigenen Völker Zentralasiens, des Kaukasus und Sibiriens.

Die Wechselwirkung traditioneller Literaturen mit neuen Realitäten bereicherte die Weltliteratur und gab Impulse zur Entwicklung neuer mythopoetischer Bilder. Etwa Mitte der 1960er Jahre. Es wurde deutlich, dass ethnische Literaturen, die zuvor zum Untergang oder zur Assimilation verurteilt waren, innerhalb der vorherrschenden Zivilisationen überleben und sich auf ihre eigene Weise entwickeln konnten. Das auffälligste Phänomen der Beziehung zwischen dem ethnokulturellen Faktor und der Literatur war der Aufstieg der lateinamerikanischen Prosa.

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts konnten die Literaturen der lateinamerikanischen Länder nicht mit den Ländern Europas (und sogar des Ostens) konkurrieren, weil. waren meist ästhetische Epigonen. Ab der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts begannen jedoch viele junge Schriftsteller, ihren kreativen Weg zu gehen und sich dabei auf lokale Traditionen zu konzentrieren. Nachdem sie die Erfahrungen der europäischen Experimentalschule aufgegriffen hatten, konnten sie einen originellen nationalen literarischen Stil entwickeln.

Für die 1960er-70er Jahre. es gibt eine Periode des sogenannten "Booms" des lateinamerikanischen Romans. In diesen Jahren verbreitete sich der Begriff „magischer Realismus“ in der europäischen und lateinamerikanischen Kritik. Im engeren Sinne bezeichnet es eine bestimmte Strömung in der lateinamerikanischen Literatur der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Im weitesten Sinne wird es als Konstante des lateinamerikanischen künstlerischen Denkens und als gemeinsames Merkmal der Kultur des Kontinents verstanden.

Das Konzept des lateinamerikanischen magischen Realismus soll ihn hervorheben und von der europäischen Mythologie und Fantasie unterscheiden. Diese Merkmale wurden deutlich in den ersten Werken des lateinamerikanischen magischen Realismus verkörpert – A. Carpentiers Erzählung „The Dark Kingdom“ (1949) und der Roman von M.A. Asturias "Maize People" (1949).

Bei ihren Helden ist der persönliche Ansatz gedämpft und interessiert den Autor nicht. Helden agieren als Träger des kollektiven mythologischen Bewusstseins. Das wird zum Hauptthema des Bildes. Gleichzeitig verlagern Schriftsteller ihre Sicht auf einen zivilisierten Menschen hin zu einem primitiven Menschen. Lateinamerikanische Realisten beleuchten die Realität durch das Prisma des mythologischen Bewusstseins. Dadurch erfährt die abgebildete Realität phantastische Transformationen. Die Werke des magischen Realismus bauen auf dem Zusammenspiel künstlerischer Mittel auf. Das „zivilisierte“ Bewusstsein wird erfasst und mit dem mythologischen verglichen.

Lateinamerika ging im 20. Jahrhundert zur Blüte der künstlerischen Kreativität über. Auf dem Kontinent haben sich die unterschiedlichsten Gebiete entwickelt. Der Realismus entwickelte sich aktiv, ein elitärer Modernist (mit Anklängen an den europäischen Existentialismus), und dann entstand eine postmoderne Richtung. Jorge Luis Borges, Julio Cartasar Octavio Paz entwickelten die aus Europa entlehnte Technik und Techniken des „Bewusstseinsstroms“, der Idee der Absurdität der Welt, der „Entfremdung“ und des Spieldiskurses.

Lateinamerikanische Elite-Autoren – Octavio Paz, Juan Carlos Onetti, Mario Vergas Llos – sprachen mit sich selbst und versuchten, ihre persönliche Einzigartigkeit zu enthüllen. Sie suchten nach nationaler Identität innerhalb der Grenzen gut entwickelter europäischer Erzähltechniken. Dies verschaffte ihnen nur eine sehr begrenzte Bekanntheit.

Die Aufgabe der „magischen Realisten“ war eine andere: Sie adressierten ihre Botschaft direkt an die Menschheit und verbanden das Nationale und das Universelle in einer einzigartigen Synthese. Dies erklärt ihren phänomenalen Erfolg weltweit.

Die Poetik und künstlerischen Prinzipien des lateinamerikanischen magischen Realismus wurden unter dem Einfluss der europäischen Avantgarde geformt. Das allgemeine Interesse an primitivem Denken, Magie und primitiver Kunst, das die Europäer im ersten Drittel des 20. Jahrhunderts erfasste, weckte das Interesse lateinamerikanischer Schriftsteller an Indianern und Afroamerikanern. Im Schoß der europäischen Kultur wurde das Konzept eines grundlegenden Unterschieds zwischen vorrationalem und zivilisiertem Denken geschaffen. Dieses Konzept wird von lateinamerikanischen Schriftstellern aktiv weiterentwickelt.

Von den Avantgardisten, vor allem den Surrealisten, entlehnten lateinamerikanische Schriftsteller bestimmte Prinzipien der phantastischen Transformation der Realität. Der europäische abstrakte „Wilde“ fand in den Werken des magischen Realismus ethnokulturelle Konkretheit und Klarheit.

Das Konzept des unterschiedlichen Denkens wurde in den Bereich der kulturellen und zivilisatorischen Konfrontation zwischen Lateinamerika und Europa projiziert. Der europäische surrealistische Traum wurde durch einen realen Mythos ersetzt. Gleichzeitig stützten sich lateinamerikanische Schriftsteller nicht nur auf die indische und südamerikanische Mythologie, sondern auch auf die Traditionen amerikanischer Chroniken des 16.-17. Jahrhunderts. und ihre Fülle an wundersamen Elementen.

Die ideologische Grundlage des magischen Realismus war der Wunsch des Autors, die Originalität der lateinamerikanischen Realität und Kultur zu identifizieren und zu bestätigen, die mit dem mythologischen Bewusstsein eines Indianers oder Afroamerikaners kombiniert ist.

Der lateinamerikanische magische Realismus hatte einen bedeutenden Einfluss auf die europäische und nordamerikanische Literatur und insbesondere auf die Literatur der Länder der Dritten Welt.

1964 schrieb der costaricanische Schriftsteller Joaquín Gutierrez in einem Artikel „Am Vorabend einer großen Blüte“ reflektierte das Schicksal des Romans in Lateinamerika: „Wenn man von den charakteristischen Merkmalen des lateinamerikanischen Romans spricht, sollte man zunächst darauf hinweisen, dass er relativ jung ist. Seit seiner Gründung sind kaum mehr als hundert Jahre vergangen, und es gibt Länder in Lateinamerika, in denen der erste Roman erst in unserem Jahrhundert erschien. Während der dreihundertjährigen Kolonialzeit der Geschichte Lateinamerikas wurde kein einziger Roman veröffentlicht – und unseres Wissens auch nicht geschrieben! Und ich denke, es kann mit Sicherheit vorhergesagt werden, dass er am Vorabend einer Ära großen Wohlstands steht ... Ein kolossaler Romanautor ist in unserer Literatur noch nicht erschienen, aber wir hinken ihm nicht hinterher. Erinnern wir uns an das, was am Anfang gesagt wurde – dass unser Roman etwas über hundert Jahre alt ist – und warten wir noch etwas..

Diese Worte sind für den lateinamerikanischen Roman visionär geworden. 1963 erschien der Roman The Hopscotch Game von Julio Cortazar und 1967 One Hundred Years of Solitude von Gabriel Garcia Marquez, die zu Klassikern der lateinamerikanischen Literatur wurden.

Thema: Japanische Literatur.

1868 fanden in Japan Ereignisse statt, die als Meiji-Restauration (übersetzt als „erleuchtete Herrschaft“) bezeichnet wurden. Es gab eine Wiederherstellung der Macht des Kaisers und den Fall des Systems der Samurai-Herrschaft des Shogunats. Diese Ereignisse führten dazu, dass Japan dem Weg der europäischen Mächte folgte. Die Außenpolitik ändert sich dramatisch, die "Türöffnung" wird angekündigt, das Ende der äußeren Isolation, die mehr als zwei Jahrhunderte andauerte, und eine Reihe von Reformen. Diese dramatischen Veränderungen im Leben des Landes spiegelten sich in der Literatur der Meiji-Zeit (1868-1912) wider. In dieser Zeit sind die Japaner von überbordender Begeisterung für alles Europäische zur Enttäuschung, von grenzenloser Freude zur Verzweiflung übergegangen.

Ein charakteristisches Merkmal der traditionellen Methode der Japaner ist die Gleichgültigkeit des Autors. Der Autor beschreibt alles, was in der alltäglichen Realität in den Blick kommt, ohne Schätzungen abzugeben. Der Wunsch, Dinge darzustellen, ohne etwas von sich selbst vorzustellen, erklärt sich aus der buddhistischen Einstellung zur Welt als nicht existent, illusorisch. In gleicher Weise werden ihre eigenen Erfahrungen beschrieben. Die Essenz der traditionellen japanischen Methode liegt genau in der Unschuld des Autors gegenüber dem, was auf dem Spiel steht, der Autor „folgt dem Pinsel“, der Bewegung seiner Seele. Der Text enthält eine Beschreibung dessen, was der Autor gesehen oder gehört, erlebt hat, aber es besteht kein Wunsch zu verstehen, was passiert. In ihnen gibt es keinen traditionellen europäischen Analytismus. Daiseku Suzukis Worte über die Zen-Kunst können der gesamten klassischen japanischen Literatur zugeschrieben werden: „Sie versuchten, mit einem Pinsel zu vermitteln, was sie von innen bewegt. Sie selbst wussten nicht, wie sie den inneren Geist ausdrücken sollten, und drückten ihn mit einem Schrei oder einem Pinselstrich aus. Vielleicht ist das überhaupt keine Kunst, weil es keine Kunst in dem gibt, was sie getan haben. Und wenn, dann ist es sehr primitiv. Aber ist es? Hätte uns die „Zivilisation“, also die Künstlichkeit, gelingen können, wenn wir nach Unart strebten? Genau das war Ziel und Grundlage aller künstlerischen Suche.

In der buddhistischen Weltanschauung, die die Grundlage der japanischen Literatur bildet, kann es keinen Wunsch geben, das menschliche Leben zu erforschen, seine Bedeutung zu verstehen, weil. die Wahrheit liegt auf der anderen Seite der sichtbaren Welt und ist dem Verständnis nicht zugänglich. Es kann nur in einem besonderen Geisteszustand, in einem Zustand höchster Konzentration erfahren werden, wenn der Mensch mit der Welt verschmilzt. In diesem Denksystem gab es keine Vorstellung von der Erschaffung der Welt, der Buddha hat die Welt nicht erschaffen, aber verstanden. Daher wurde der Mensch nicht als potentieller Schöpfer angesehen. Aus Sicht der buddhistischen Theorie ist ein Lebewesen kein Wesen, das in der Welt lebt, sondern ein Wesen, das die Welt erfährt. Eine Analysemethode, die eine Teilung voraussetzt, konnte in diesem Wertesystem nicht auftauchen. Daher die gleichgültige Haltung gegenüber dem Dargestellten, wenn sich der Schriftsteller sowohl als Teilnehmer als auch als Zuschauer der beschriebenen Ereignisse fühlt.

Daher ist die traditionelle japanische Literatur nicht von Qual, Wehklagen, Zweifel geprägt. Es hat keine inneren Kämpfe, den Wunsch, das Schicksal zu ändern, das Schicksal herauszufordern, all das durchdringt die europäische Literatur, beginnend mit der antiken Tragödie.

Seit vielen Jahrhunderten ist das ästhetische Ideal in der japanischen Poesie verkörpert.

Yasunari Kawabata (1899-1975) ist ein Klassiker der japanischen Literatur. 1968 erhielt er den Nobelpreis für „Schriften, die mit großer Kraft die Essenz des japanischen Denkens zum Ausdruck bringen“.

Yasunari Kawabata wurde in Osaka in eine Arztfamilie geboren. Er verlor früh seine Eltern und dann seinen Großvater, der an seiner Erziehung beteiligt war. Er lebte bei Verwandten und fühlte sich bitter verwaist. In seiner Schulzeit träumte er davon, Künstler zu werden, doch seine Leidenschaft für Literatur stellte sich als stärker heraus. Seine erste Schreiberfahrung war "Das Tagebuch eines Sechzehnjährigen", in dem Stimmungen von Traurigkeit und Einsamkeit erklangen.

Studienjahre verbrachte er an der Universität Tokio, wo Kawabata Yasunari Anglistik und Japanische Philologie studierte. Zu dieser Zeit fand die Bekanntschaft mit der Arbeit großer japanischer und europäischer Schriftsteller sowie mit der russischen Literatur statt. Nach seinem Universitätsabschluss arbeitet er als Rezensent, veröffentlicht Rezensionen veröffentlichter Bücher. In diesen Jahren gehörte er zu einer Gruppe „neosensualistischer“ Schriftsteller, die sensibel für neue Tendenzen in der Literatur der europäischen Moderne waren. Eine der Kurzgeschichten von Kawabat Yasunari, "Crystal Fantasy" (1930), wurde oft als "Joyceian" bezeichnet, in Struktur und Schreibstil war der Einfluss des Autors von "Ulysses" zu spüren. Die Geschichte ist ein Strom von Erinnerungen an die Heldin, ihr ganzes Leben taucht in einer Reihe von „kristallinen“ Momenten auf, die in ihrer Erinnerung aufblitzen. Kawabata reproduzierte den Bewusstseinsstrom und übertrug die Arbeit der Erinnerung. Kawabata wurde weitgehend von Joyce und Proust geleitet. Wie andere Schriftsteller des 20. Jahrhunderts ließ er modernistische Experimente nicht außer Acht. Aber gleichzeitig bleibt er ein Sprecher für die Originalität und Originalität des japanischen Denkens. Kawabata behält starke Verbindungen zur nationalen japanischen Tradition. Kawabata schrieb: Inspiriert von der modernen westlichen Literatur habe ich manchmal versucht, ihre Bilder nachzuahmen. Aber im Grunde bin ich Orientale und habe meinen eigenen Weg nie aus den Augen verloren. ».

Die Poetik der Werke von Kawabata Yasunari ist geprägt von folgenden traditionellen japanischen Motiven:

Die Unmittelbarkeit und Klarheit der Übermittlung eines durchdringenden Gefühls für Natur und Mensch;

Verschmelzung mit der Natur

Liebe zum Detail;

Die Fähigkeit, die bezaubernde Schönheit in alltäglichen und kleinen Dingen zu offenbaren;

Lakonismus bei der Wiedergabe von Stimmungsnuancen;

Stille Traurigkeit, vom Leben verliehene Weisheit.

All dies lässt Sie die Harmonie des Lebens mit seinen ewigen Geheimnissen spüren.

Die Besonderheit der poetischen Prosa von Kawabat Yasunari manifestierte sich in den Geschichten "Dancer from Isis" (1926), "Snowy Country" (1937), "Thousand Cranes" (1949), "Lake" (1954), in den Romanen " Moan of the Mountain“ (1954), „Old Capital“ (1962). Alle Werke sind von Lyrik, einem hohen Maß an Psychologik durchdrungen. Sie beschreiben japanische Traditionen, Bräuche, Besonderheiten des Lebens und Verhaltens der Menschen. So wird beispielsweise in der Erzählung „A Thousand Cranes“ der Ritus des Teetrinkens, die „Teezeremonie“, die im Leben der Japaner von großer Bedeutung sind, in allen Einzelheiten wiedergegeben. Die Ästhetik der Teezeremonie sowie andere, immer detailreiche Bräuche schirmen Kawabat keineswegs von den Problemen der Neuzeit ab. Er überlebte zwei Weltkriege, die Zerstörung von Hiroshima und Nagasaki durch Atombombenexplosionen, er erinnert sich an die japanisch-chinesischen Kriege. Daher liegen ihm Traditionen, die mit dem Konzept von Frieden, Harmonie und Schönheit verbunden sind, besonders am Herzen, und nicht mit der Verherrlichung militärischer Macht und Samurai-Künste. Kawabata schützt die Seelen der Menschen vor der Grausamkeit der Konfrontation

Kawabatas Werk entwickelte sich unter dem Einfluss der Zen-Ästhetik. In Übereinstimmung mit den Lehren des Zen wird die Realität als unteilbares Ganzes verstanden, und die wahre Natur der Dinge kann nur intuitiv erfasst werden. Nicht Analyse und Logik, sondern Gefühl und Intuition bringen uns näher an die Enthüllung der Essenz der Phänomene, des ewigen Mysteriums. Nicht alles lässt sich in Worte fassen und nicht alles muss zu Ende gesagt werden. Genug Erwähnung, Hinweis. Der Charme des Understatements hat eine beeindruckende Kraft. Diese in der japanischen Poesie über Jahrhunderte entwickelten Prinzipien werden auch im Werk von Kawabata verwirklicht.

Kawabata sieht die Schönheit des Gewöhnlichen, seiner Lebensumgebung. Er zeigt die Natur, die Pflanzenwelt, Szenen des Alltags auf lyrische Weise, mit der durchdringenden Weisheit der Menschheit. Der Schriftsteller zeigt das Leben der Natur und das Leben des Menschen in ihrer Gemeinsamkeit, in einer verschmolzenen Durchdringung. Dies offenbart ein Gefühl der Zugehörigkeit zum Absoluten der Natur, dem Universum. Kawabata hat die Fähigkeit, die Atmosphäre der Realität nachzubilden, dafür wählt er authentische Farben und Gerüche seines Heimatlandes genau aus.

Einer der zentralen Punkte der Ästhetik japanischer Kunst ist die Vorstellung vom traurigen Charme der Dinge. Das Schöne in der klassischen japanischen Literatur hat eine elegische Färbung, poetische Bilder sind von Traurigkeit und Melancholie durchdrungen. In der Poesie gibt es wie in einem traditionellen Garten nichts Überflüssiges, nichts Unnötiges, aber es gibt immer Fantasie, Andeutungen, eine Art Unvollständigkeit und Überraschung. Das gleiche Gefühl entsteht beim Lesen von Kawabats Büchern, der Leser entdeckt die komplexe Einstellung des Autors zu seinen Figuren: Sympathie und Sympathie, Barmherzigkeit und Zärtlichkeit, Bitterkeit, Schmerz. Kreativität Kawabata ist voller traditioneller japanischer Kontemplation, Humor, subtilem Verständnis der Natur und ihrer Auswirkungen auf die menschliche Seele. Es offenbart die innere Welt eines Menschen, der nach Glück strebt. Eines der Hauptthemen seiner Arbeit ist Traurigkeit, Einsamkeit, die Unmöglichkeit der Liebe.

Im Alltäglichsten, in einem kleinen Detail des langweiligen Alltags, wird etwas Wesentliches offenbart, das den Geisteszustand einer Person offenbart. Details stehen ständig im Fokus von Kawabats Vision. Die objektive Welt unterdrückt jedoch nicht die Bewegung des Charakters, die Erzählung enthält eine psychologische Analyse und zeichnet sich durch großen künstlerischen Geschmack aus.

Viele Kapitel von Kawabatas Werken beginnen mit Zeilen über die Natur, die gleichsam den Ton für die weitere Erzählung angeben. Manchmal ist die Natur nur ein Hintergrund, vor dem sich das Leben der Helden entfaltet. Aber manchmal scheint es eine eigenständige Bedeutung anzunehmen. Der Autor scheint uns zu drängen, von ihr zu lernen, ihre unbekannten Geheimnisse zu begreifen und in Verbindung mit der Natur eigentümliche Wege der moralischen, ästhetischen Verbesserung des Menschen zu sehen. Kawabats Kreativität ist geprägt von einem Sinn für die Erhabenheit der Natur, die Verfeinerung der visuellen Wahrnehmung. Durch die Bilder der Natur offenbart er die Bewegungen der menschlichen Seele, und deshalb sind viele seiner Werke facettenreich, haben einen verborgenen Subtext. Die Kawabata-Sprache ist ein Beispiel für den japanischen Stil. Kurz, geräumig, tief, es hat Bilder und eine makellose Metapher.

Die Poesie der Rose, hohe schriftstellerische Fähigkeiten, die humanistische Idee der Fürsorge für Natur und Mensch, für die Traditionen der nationalen Kunst – all dies macht die Kunst von Kawabata zu einem herausragenden Phänomen in der japanischen Literatur und in der globalen Kunst des Wortes .

Der Inhalt des Artikels

Lateinamerikanische Literatur- die Literatur der Völker Lateinamerikas, die durch einen gemeinsamen historischen Weg (Kolonisierung nach dem Einmarsch der Europäer und die Befreiung der meisten von ihnen nach der Überwindung des Kolonialismus im 19. Jahrhundert) und Gemeinsamkeiten des gesellschaftlichen Lebens gekennzeichnet sind. Die meisten lateinamerikanischen Länder sind auch durch eine gemeinsame Sprache – Spanisch – und damit durch den Einfluss des spanischen Kulturerbes geprägt. Hinzu kommen teilweise portugiesische Einflüsse, wie in Brasilien, und französische, wie in Haiti, die auch die Sprache beeinflussten. Die Komplexität der in Lateinamerika stattfindenden kulturellen Prozesse liegt in der Schwierigkeit der Selbstidentifikation sowohl einzelner Völker als auch der gesamten Region als Ganzes.

Die europäisch-christliche Tradition, die von den Eroberern in Lateinamerika gebracht wurde, kam in Kontakt mit der autochthonen Kultur. Gleichzeitig klaffte eine große Lücke zwischen der aus Spanien mitgebrachten Buchliteratur und der Volkskunst. Unter diesen Bedingungen wirkten die Chroniken der Entdeckung der Neuen Welt und der Eroberung sowie die kreolischen Chroniken des 17. Jahrhunderts als Epos für die lateinamerikanische Literatur.

Literatur der präkolumbianischen Zeit.

Die Kultur der Völker des präkolumbianischen Amerikas war aufgrund ihrer unterschiedlichen Entwicklungsstufen sehr heterogen. Hatten die Völker der Karibik und des Amazonas keine Schriftsprache und blieben nur ihre mündlichen Überlieferungen erhalten, so hinterließen die hochentwickelten Hochkulturen der Inkas, Maya und Azteken Schriftdenkmäler unterschiedlichster Gattungen. Dies sind mythologische und historische epische, poetische Werke zum Thema militärische Fähigkeiten, philosophische und Liebeslyrik, dramatische Werke und Prosaerzählungen.

Unter den epischen Werken der Azteken sticht ein teilweise erhaltenes Epos über den Kulturhelden Quetzalcoatl hervor, der Menschen erschuf und ihnen Mais schenkte. In einem der Fragmente steigt Quetzalcoatl in das Reich der Toten hinab, um die Gebeine der Toten zu erlangen, aus denen neue Generationen wachsen sollen. Darüber hinaus sind zahlreiche poetische Werke der Azteken erhalten geblieben: Hymnendichtung und Lyrik, die sich durch eine Vielzahl von Handlungen auszeichnet, die sich durch eine gut entwickelte Symbolik von Bildern auszeichnen (Jaguar - Nacht, Adler - Sonne, Quetzal (Taube) Federn - Reichtum und Schönheit). Die meisten dieser Werke sind anonym.

Viele literarische Werke der Maya-Völker sind in den Aufzeichnungen des 16. und 17. Jahrhunderts in lateinischer Sprache überliefert. Die berühmtesten historischen Chroniken Annalen der Kakchikels, heilige Bücher Chilam Balam und episch Popol Vuh.

Annalen der Kakchikels- historische Chroniken der Berg-Maya, ein Prosawerk, dessen erster Teil über die Geschichte der Kaqchikel- und Quiche-Völker vor der spanischen Eroberung erzählt, der zweite Teil über die Ankunft der Spanier im Land und ihre Eroberung der Land.

Popol Vuh (Buch des Volkes) ist ein episches Werk, das zwischen 1550 und 1555 in rhythmischer Prosa in der guatemaltekischen Maya-Quiche-Sprache geschrieben wurde. Popol Vuh wurde von einem indischen Autor geschaffen, der die besten Eigenschaften seines Volkes singen wollte - Mut, Mut, Loyalität gegenüber den Interessen des Volkes. Der Autor erwähnt die mit der Eroberung verbundenen Ereignisse nicht und beschränkt die Erzählung bewusst auf die indische Welt und Weltanschauung. Das Buch enthält alte kosmogonische Mythen über die Erschaffung der Welt und die Taten der Götter, die mythischen und historischen Legenden des Volkes der Quiche - ihre Herkunft, Begegnungen mit anderen Völkern, Geschichten von langen Wanderungen und der Schaffung ihres eigenen Staates und zeichnet die Chronik der Herrschaft der Quiche-Könige bis 1550 nach. Das Originalbuch wurde im 18. Jahrhundert entdeckt Dominikanermönch Francisco Jimenez im Hochland von Guatemala. Er kopierte den Maya-Text und übersetzte ihn ins Spanische. Das Original ging später verloren. Buch Popol Vuh war für die Selbstidentifikation der Völker Lateinamerikas von erheblicher Bedeutung. Also zum Beispiel nach eigenem Bekunden an der Übersetzung arbeiten Popol Vuha die Weltanschauung eines so bedeutenden zukünftigen Autors wie Miguel Angel Asturias völlig verändert.

Bücher Chilam Balam(Bücher Prophet Jaguar) - im 17.-18. Jahrhundert in lateinischer Sprache aufgezeichnet. Yucatán Maya-Bücher. Dies ist eine umfangreiche Sammlung prophetischer Texte, die speziell in einer vagen Sprache verfasst und mit mythologischen Bildern gesättigt sind. Wahrsagen in ihnen werden nach zwanzigjährigen Perioden (katuns) und jährlichen Perioden (tuns) gemacht. Nach diesen Büchern wurden die Vorhersagen der Ereignisse des Tages sowie das Schicksal der Neugeborenen bestimmt. Prophetische Texte sind durchsetzt mit astrologischen und mythologischen Texten, medizinischen Rezepten, Beschreibungen alter Maya-Riten und historischen Chroniken aus der Zeit des Erscheinens des Itza-Stammes in Yucatan (10.-11. Jahrhundert) bis zur frühen Kolonialzeit. Ein Teil der Fragmente ist eine Aufzeichnung alter hieroglyphischer Bücher in lateinischer Sprache. Derzeit sind 18 Bücher bekannt Chilam Balam.

Poetische Werke der Maya sind kaum erhalten, obwohl solche Werke zweifellos vor der Eroberung existierten. Die poetische Kreativität der Maya-Völker lässt sich anhand der Zusammenstellung von Ah-Bam im 18. Jahrhundert beurteilen. Sammlung Liederbuch von Zytbalche. Es enthält sowohl lyrische Liebes- als auch Kultgesänge - Hymnen zu Ehren verschiedener Gottheiten, Hymnen an die aufgehende Sonne.

Historische Chroniken und epische Werke der Inkas sind bis heute nicht erhalten, jedoch sind viele Beispiele der poetischen Kreativität dieser Völker erhalten geblieben. Dazu gehören die Hymnen Hali und Halya, die während verschiedener Rituale aufgeführt und an die Götter gerichtet wurden, um die Heldentaten der Inka-Kommandanten zu preisen. Außerdem hatten die Inkas liebeslyrische Lieder „aravi“ und elegische Lieder „huanca“, die während Trauerzeremonien gesungen wurden.

Literatur der Eroberungszeit (1492–1600).

Columbus war es, der die Worte besaß, die dann viele Male von lateinamerikanischen Chronisten wiederholt wurden und in der Folge entscheidend für die Meister der lateinamerikanischen Literatur des 20. Jahrhunderts wurden, die versuchten, die Geschichte neu zu betrachten und Leben in Lateinamerika. Columbus sagte, dass er für die "Dinge", die er in den "Indien" getroffen habe, keine Namen finden könne, es gibt nichts Vergleichbares in Europa.

Bezeichnend ist auch, dass Kolumbus unter den Helden des „neuen“ historischen Romans, einer der führenden Gattungen der lateinamerikanischen Literatur der 1980er–90er Jahre, die von einem Umdenken in der Geschichte des Kontinents geprägt ist, einen beachtlichen Platz einnimmt ( Hunde im Paradies A. Gruppe, Schlaflosigkeit des Admirals A. Roa Bastos), aber der erste in der Reihe ist die Geschichte von A. Carpentier, der dieses Genre vorwegnahm Harfe und Schatten.

In den Schriften des Sprachwissenschaftlers, Ethnographen, Historikers und Theologen Bernardino de Sahagún (1550–1590) Allgemeine Geschichte der Dinge von Neuspanien(veröffentlicht 1829-1831) präsentierte klar und genau Informationen über die Mythologie, Astrologie, religiöse Feiertage und Bräuche der Indianer, erzählte über die Staatsstruktur, achtete auf einheimische Tiere, Pflanzen und Mineralien sowie die Geschichte der Eroberung .

Auch der spanische Historiker und Dominikanermönch Bartolome de Las Casas (1474–1566) war aus eigener Erfahrung mit der Geschichte der Erschließung neuer Länder bestens vertraut – als Kaplan der Abteilung des Eroberers Diego Velasquez de Cuellar nahm er daran teil die Eroberung Kubas. Als Belohnung für die Teilnahme an dieser Expedition erhielt er eine Ecomyenda, ein riesiges Stück Land samt Bewohnern. Bald begann er unter den dort lebenden Indianern zu predigen. Apologetische Geschichte Indiens, die er 1527 begann (veröffentlicht 1909), Die kürzeste Nachricht über die Zerstörung Indiens(1552) und sein Hauptwerk Geschichte Indiens(veröffentlicht 1875-1876) sind Werke, die die Geschichte der Eroberung erzählen, und der Autor steht ausnahmslos auf der Seite der versklavten und gedemütigten Indianer. Die Schärfe und die kategorischen Urteile sind so, dass nach der Anordnung des Autors Geschichte Indiens sollte bis zu seinem Tod nicht veröffentlicht werden.

Bartolome de Las Casas stützte sich auf seine eigenen Eindrücke und verwendete in seiner Arbeit dennoch andere Quellen, aber ob es sich um Archivdokumente oder um Zeugenaussagen von Teilnehmern an den Ereignissen handelt, sie alle dienen dazu, zu beweisen, dass die Eroberung sowohl gegen menschliche Gesetze verstößt als auch göttlichen Vorschriften und muss daher sofort gestoppt werden. Gleichzeitig wird die Geschichte der Eroberung Amerikas vom Autor als Eroberung und Zerstörung des „irdischen Paradieses“ dargestellt (dieses Bild hat das künstlerische und historiografische Konzept einiger lateinamerikanischer Autoren des 20. Jahrhunderts maßgeblich beeinflusst). Nicht nur die Schriften von Bartolome de Las Casas (es ist bekannt, dass er mehr als acht Dutzend verschiedene Werke geschaffen hat), sondern auch seine Handlungen sind auffallend und charakteristisch. Seine Haltung gegenüber den Indianern (er lehnte Ecomienda ab), der Kampf um ihre Rechte brachte ihm schließlich den königlichen Titel „Schutzpatron der Indianer von ganz Indien“. Außerdem war er der erste in Amerika, der eine Tonsur erhielt. Trotz der Tatsache, dass die Hauptwerke von de Las Casas aus dem 19. Jahrhundert stammen. waren wenig bekannt, seine Briefe beeinflussten Simon Bolivar und andere Kämpfer für die Unabhängigkeit Mexikos in hohem Maße.

Von besonderem Interesse sind die fünf "Berichte", die der Konquistador Fernan Cortes (1485-1547) an Kaiser Karl V. schickte. Diese eigentümlichen Berichte (der erste Brief ist verschollen, drei erschienen in den 1520er Jahren, der letzte 1842) sagen aus, was sie sind sah während der Eroberung Zentralmexikos, etwa der Beschlagnahme von Gebieten nahe der Hauptstadt des Aztekenstaates Tenochtitlan und einem Feldzug in Honduras. In diesen Dokumenten ist der Einfluss des Ritterromans erkennbar (die Taten der Konquistadoren und ihr moralischer Charakter werden als die Taten von Rittern mit ihrem Ritterkodex dargestellt), während der Autor die eroberten Indianer als Kinder betrachtet, die Schutz und Schutz brauchen, was seiner Meinung nach nur ein starker Staat mit einem idealen Herrscher an der Spitze leisten kann). Sendungen, die sich durch hohen literarischen Wert und ausdrucksstarke Details auszeichnen, wurden von lateinamerikanischen Autoren immer wieder als Quelle künstlerischer Themen und Bilder verwendet.

Etwas ähnliches zu diesen "Berichten" und Brief an König Don Manuel(1500), gerichtet an den Monarchen von Portugal, dessen Autor Peru Vaz di Caminha während der Expedition von Admiral Pedro Alvares Cabral begleitete, der Brasilien entdeckte.

Bernal Diaz del Castillo (1495 oder 1496-1584) kam als Soldat mit Fernand Cortes nach Mexiko und daher Die wahre Geschichte der Eroberung Neuspaniens(1563, veröffentlicht 1632) bestand auf seinem Recht, im Namen eines Zeugen der Ereignisse zu sprechen. Er argumentiert mit der offiziellen Geschichtsschreibung und schreibt in einfacher Umgangssprache über die Details des Feldzugs, ohne Cortes und seine Mitarbeiter zu überschätzen, sie aber nicht wegen ihrer Härte und Gier zu kritisieren, wie es manche Autoren tun. Dennoch sind auch die Indianer nicht Gegenstand seiner Idealisierung – gefährliche Feinde, die in den Augen des Chronisten jedoch nicht ohne positive menschliche Züge sind. Mit einigen Ungenauigkeiten in Bezug auf Namen und Daten ist der Essay wegen seiner Besonderheit, der Komplexität der Bilder der Charaktere interessant und kann in mancher Hinsicht (Unterhaltung, Lebendigkeit der Erzählung) mit einem Ritterroman verglichen werden.

Der peruanische Chronist Filipe Guaman Poma de Ayala (1526 oder 1554-1615) hinterließ ein einziges Werk - Erste neue Chronik und gute Regierung an dem er vierzig Jahre gearbeitet hat. Das erst 1908 entdeckte Werk ist ein spanischer Text, aber mit Quechua durchsetzt, und die Hälfte des umfangreichen Manuskripts ist mit Zeichnungen mit Bildunterschriften besetzt (einzigartige Beispiele für Piktographie). Der Autor, ein zum Katholizismus konvertierter Inder und einige Zeit in spanischen Diensten, hält die Eroberung für einen gerechten Akt: Durch die Bemühungen der Konquistadoren kehren die Indianer auf den rechtschaffenen Weg zurück, den sie während der Inkaherrschaft verloren haben (Es sei darauf hingewiesen, dass der Autor der königlichen Familie von Yarovilkov angehörte, die von den Inkas in den Hintergrund gedrängt wurde), und die Christianisierung trägt zu einer solchen Rückkehr bei. Der Chronist hält den Völkermord an den Indianern für ungerecht. Die Chronik, vielfältig komponiert, die sowohl Legenden als auch autobiographische Motive, Erinnerungen und satirische Passagen aufnahm, enthält Ideen zur gesellschaftlichen Neuordnung.

Ein anderer peruanischer Chronist, Inca Garcilaso de la Vega (ca. 1539–ca. 1616), ein Mestizo (seine Mutter war eine Inka-Prinzessin, sein Vater ein hochgeborener spanischer Adliger), eine europäisch gebildete Person, die dennoch wusste Geschichte und Kultur der Indianer perfekt, wurde als Autor Essays berühmt Echte Kommentare, die über die Herkunft der Inkas, der Herrscher von Peru, über ihren Glauben, ihre Gesetze und ihre Regierung in einer Zeit des Krieges und einer Zeit des Friedens, über ihr Leben und ihre Siege, über alles, was dieses Reich und diese Republik vor der Zeit war, erzählen Ankunft der Spanier(1609), dessen zweiter Teil unter dem Titel veröffentlicht wurde Allgemeine Geschichte Perus(veröffentlicht 1617). Der Autor, der sowohl Archivdokumente als auch mündliche Erzählungen von Priestern verwendete, glaubte, dass die Indianer und Spanier vor Gott gleich sind, und verurteilte die Schrecken der Eroberung, behauptet gleichzeitig, dass die Eroberung selbst, die das Christentum zur indigenen Bevölkerung bringt, ist ein Segen für sie, obwohl die Kultur und Bräuche der Inkas auch vom Autor gelobt werden. Diese Arbeit beeinflusste nach Ansicht einiger Forscher T. Campanella, M. Montaigne und französische Aufklärer. Unter anderem Werke desselben Autors, Übersetzung Dialoge über die Liebe Leon Ebreo (veröffentlicht 1590) und Florida(1605), historisches Werk über die Expedition des Eroberers Hernando de Soto.

Werke, die im Genre eines epischen Gedichts entstanden sind, grenzen teilweise an die Werke der Chronisten an. So ist das Gedicht araucana(der erste Teil erschien 1569, der zweite 1578, der dritte 1589) des Spaniers Alonso de Ercilia y Zunigi (1533–1594), der an der Niederschlagung des Indianeraufstandes beteiligt war und nach seinen direkten Eindrücken schuf ein Werk, das dem spanischen Krieg und den Araucan-Indianern gewidmet war. Spanische Schriftzeichen ein Araukan Prototypen haben und bei ihren ursprünglichen Namen genannt werden, ist es auch wichtig, dass der Autor inmitten der Ereignisse begann, ein Gedicht zu schreiben, der erste Teil wurde auf Papierfetzen und sogar auf Baumrindenstücken begonnen. Die Indianer des Autors, der sie idealisiert, erinnern zudem etwas an die alten Griechen und Römer (dies unterscheidet Araukan aus Werken zum Thema Eroberung) werden die Indianer als stolzes Volk, als Träger einer Hochkultur dargestellt. Das Gedicht erlangte immense Popularität und führte zu einer Reihe ähnlicher Werke.

So ist der Soldat und spätere Priester Juan de Castellanos (1522–1605 bzw. 1607) der Autor Elegien über die Glorious Men of the Indies(der erste Teil wurde 1598 veröffentlicht, der zweite 1847, der dritte 1886), schrieb er sein Werk zunächst in Prosa, dann aber unter dem Einfluss Araukaner, verwandelte es in ein in königlichen Oktaven geschriebenes Heldengedicht. Die poetische Chronik, die die Biografien von Menschen skizziert, die während der Eroberung Amerikas berühmt wurden (darunter Christoph Kolumbus), verdankt viel der Literatur der Renaissance. Eine bedeutende Rolle spielten die eigenen Eindrücke des Autors von dem Gedicht und die Tatsache, dass er viele seiner Helden persönlich kannte.

Im Streit mit dem Gedicht araucana ein episches Gedicht geschaffen Gezähmter Arauco(1596) Der Kreole Pedro de Ogni (1570?–1643?), ein Vertreter der chilenischen und peruanischen Literatur. Der Autor, der an den Kämpfen gegen die aufständischen Indianer teilgenommen hat, beschreibt die Taten des Vizekönigs von Peru, des Marquis de Canette. Von seinen anderen Werken sollte man eine poetische Chronik nennen Erdbeben in Lima(1635) und ein religiöses Gedicht Ignazius von Kantabrien(1639), Ignatius von Loyola gewidmet.

Die epischen Gedichte von Martin del Barco Centenera Argentinien und die Eroberung des Rio de la Plata und andere Ereignisse in den Königreichen Peru, Tucuman und dem Bundesstaat Brasilien(1602) und Gaspar Perez de Villagra Geschichte von New Mexico(1610) sind nicht so sehr als poetische Werke interessant, sondern als dokumentarische Beweise.

Bernardo de Balbuena (1562–1627), Spanier, der als Kind nach Mexiko gebracht wurde, später Bischof von Puerto Rico, berühmt für ein Gedicht in acht Kapiteln Die Pracht von Mexiko-Stadt(Hrsg. - 1604), das zu einem der ersten Werke im kreolischen Barockstil wurde. Die glänzende und reiche Stadt wird als Paradies auf Erden präsentiert, und der "wilde Indianer" verliert neben all diesem Glanz. Von den erhaltenen Werken dieses Autors (viel ging verloren, als seine persönliche Bibliothek während des holländischen Angriffs auf San Jose 1625 zerstört wurde) kann man auch ein heroisch-phantastisches Gedicht nennen Bernardo oder der Sieg bei Ronceval(1604) und Hirtenroman Das goldene Zeitalter in der Selva Eriphile von Dr. Bernardo de Balbuena, in dem er den pastoralen Stil von Theokrit, Virgil und Sannazaro authentisch nachempfindet und angenehm imitiert(1608), wo Poesie mit Prosa kombiniert wird.

Episches Gedicht Prosopopoeia(veröffentlicht 1601) des brasilianischen Dichters Bento Teixeira, thematisch mit Brasilien verbunden, entstand unter starkem Einfluss des Gedichts Lusiaden Portugiesischer Dichter Luis de Camões.

Erstellt Chroniktexte und José de Anchieta (1534-1597), den Spitznamen "Apostel Brasiliens" für seine Missionsarbeit. Dennoch blieb er als Begründer der lateinamerikanischen Dramaturgie in der Literaturgeschichte, deren Stücke nach Geschichten aus der Bibel oder hagiografischer Literatur Elemente der lokalen Folklore enthalten.

Im Allgemeinen die Chroniken des 16. Jahrhunderts. lassen sich in zwei Typen unterteilen: Das sind Chroniken, die versuchen, das Bild der Neuen Welt so vollständig wie möglich wiederzugeben, indem sie es in den Kontext der Weltgeschichte einführen („Allgemeine Geschichten“), und Ich-Erzählungen, die von erstellt werden direkte Teilnehmer an bestimmten Veranstaltungen. Der erste kann mit dem „neuen“ Roman korreliert werden, der sich in der lateinamerikanischen Literatur des 20. Jahrhunderts entwickelt hat, und der zweite mit der sogenannten „Literatur der Beweise“, dh der Sachliteratur, die teilweise eine Reaktion darauf ist Der „neue“ Roman.

Die Werke der Chronisten des 16. und 17. Jahrhunderts spielten in der modernen lateinamerikanischen Literatur eine besondere Rolle. Im 20. Jahrhundert zum ersten Mal veröffentlicht oder veröffentlicht, sind die Werke dieser Autoren (zusätzlich zu den oben genannten sind die Werke von Hernando de Alvarado Tesosomoka, Fernando de Alba Ixtlilxochitl, Bernardino de Sahagun, Pedro de Ciesa de Leon, Joseph de Acosta usw.) hatte einen enormen Einfluss auf das Selbstbewusstsein und die Kreativität fast aller lateinamerikanischen Schriftsteller, unabhängig davon, in welchem ​​​​Genre sie arbeiten. Alejo Carpentier bemerkte also, dass er seine kreativen Einstellungen genau nach der Entdeckung dieser Chroniken überarbeitete. Miguel Angel Asturias nannte die Chronisten in seiner Dankesrede für den Nobelpreis die ersten lateinamerikanischen Schriftsteller Die wahre Geschichte der Eroberung Neuspaniens Bernal Diaz del Castillo - der erste lateinamerikanische Roman.

Das Pathos der Entdeckung einer neuen Welt und die Benennung der darin gefundenen Dinge, die beiden wichtigsten Mythologeme, die mit der Neuen Welt verbunden sind - die Metapher des "irdischen Paradieses" und die Metapher der "fleischgewordenen Hölle", die von den Anhängern der Utopie manipuliert wurden oder dystopisches Denken, Interpretation der Geschichte Lateinamerikas, sowie die Atmosphäre der Erwartung Das „Wunder“, das die Schriften der Chronisten färbte – all dies hat die Suche nach lateinamerikanischer Literatur des 20. Jahrhunderts nicht nur vorweggenommen, sondern auch aktiv beeinflusst es, das dieselben Suchen definiert, zielte hauptsächlich auf die Selbstidentifikation der lateinamerikanischen Kultur ab. Und in diesem Sinne sind die Worte von Pablo Neruda zutiefst wahr, der in seiner Nobelrede über moderne lateinamerikanische Schriftsteller sagte: "Wir sind Chronisten, spät geboren."

Aufstieg der Kolonialliteratur (1600–1808).

Mit der Stärkung des Kolonialsystems entwickelte sich auch die lateinamerikanische Kultur. Die erste Druckpresse in Lateinamerika erschien um 1539 in Mexiko-Stadt (Neuspanien) und 1584 in Lima (Peru). So erhielten die beiden Hauptstädte der größten Vizekönigreiche des spanischen Kolonialreiches, die nicht nur um Glanz und Reichtum, sondern auch um Erleuchtung wetteiferten, die Möglichkeit einer eigenen Druckerei. Dies ist besonders wichtig, da beide Städte 1551 das Universitätsprivileg erhielten. Zum Vergleich: Brasilien hatte nicht nur keine Universität, auch das Drucken selbst war bis zum Ende der Kolonialzeit verboten).

Es gab viele Menschen, die ihre Freizeit dem Schreiben widmeten. Das Theater entwickelte sich, und zwar während des gesamten 16. Jahrhunderts. Theaterhandlungen dienten als eines der Mittel der Missionstätigkeit, es gab auch Theaterstücke, die in den Sprachen der indigenen Bevölkerung von der Zeit vor der Eroberung erzählten. Die Autoren dieser Werke waren Kreolen, und in abgelegenen Ecken gab es solche Theaterwerke bis Mitte des 19. Jahrhunderts. Das am weitesten verbreitete Repertoire ist jedoch mit den spanischen oder portugiesischen Theatertraditionen verbunden. Der aus Mexiko stammende Juan Ruiz de Alarcón y Mendoza (1581–1639) ist einer der größten spanischen Dramatiker des „goldenen Zeitalters“ der spanischen Literatur ( cm. SPANISCHE LITERATUR).

Auch die Poesie blüht auf. An dem Poesiewettbewerb, der 1585 in Mexiko-Stadt stattfand, nahmen mehr als dreihundert Dichter teil. Eine wichtige Rolle spielte die Entstehung des späten 16. und frühen 17. Jahrhunderts. und dauerte bis in die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts. Der kreolische Barock ist ein künstlerischer Stil, der von regionalen, rein lateinamerikanischen Merkmalen geprägt ist. Dieser Stil wurde unter dem starken Einfluss solcher Spielarten des spanischen Barocks wie dem „Konzeptismus“ von Francisco Quevedo und dem „Kulterismus“ von Luis de Gongora geformt, dem die erwähnten Dichterferien in Mexiko-Stadt oft gewidmet waren.

Die charakteristischen Merkmale dieses Stils lassen sich in den Gedichten von Bernardo de Balbuena und Pedro de Ogni sowie im Gedicht unterscheiden Christin(1611) Diego de Ojeda. Sie sind auch in den Werken von Francisco Bramont Matias de Bocanegra, Fernando de Alba Ixtlilxochitpla, Miguel de Guevara, Arias de Villalobos (Mexiko), Antonio de Leon de Pinela, Antonio de la Calancha, Fernando de Valverde (Peru), Francisco Gaspar de Villarroel-i-Ordoñez (Chile), Hernando Dominguez Camargo, Jacinto Evia, Antonio Bastides (Ecuador).

Von den mexikanischen Dichtern, deren Werke sich durch lokale Originalität auszeichnen - Luis Sandoval y Zapata, Ambrosio Solis y Aguirre, Alonso Ramirez Vargas, Carlos Siguenza y Gongora, das Werk der Dichterin Juana Ines de la Cruz (1648 oder 1651 –1695). Diese Frau mit schwerem Schicksal, die Nonne wurde, schrieb auch Prosa und dramatische Werke, aber ihre Liebeslyrik hatte den größten Einfluss auf die entstehende lateinamerikanische Literatur.

Der peruanische Dichter Juan del Valle y Caviedes (1652 oder 1664–1692 oder 1694) kultivierte in seinen Gedichten das Bild eines schlecht gebildeten Dichters, während er die Verse meisterhaft beherrschte und seine zeitgenössische Literatur perfekt beherrschte. Seine Sammlung satirischer Gedichte Zahn des Parnassos konnte erst 1862 und in der Form, in der der Autor es vorbereitete, 1873 veröffentlicht werden.

Der brasilianische Dichter Grigorio de Matus Guerra (1633–1696) war wie Juan del Valle y Caviedes von Francisco Queveda beeinflusst. Guerras Gedichte waren der Öffentlichkeit weithin bekannt, aber die beliebtesten waren nicht Liebes- oder religiöse Texte, sondern Satire. Seine sarkastischen Epigramme richteten sich nicht nur gegen Angehörige der herrschenden Klasse, sondern auch gegen Indianer und Mulatten. Die Unzufriedenheit der Behörden mit diesen Satiren war so groß, dass der Dichter 1688 nach Angola verbannt wurde, von wo er kurz vor seinem Tod zurückkehrte. Doch seine Popularität in der Masse war so groß, dass das „Teufelsmundstück“, wie der Dichter auch genannt wurde, zu einem der Helden der brasilianischen Kultur wurde.

Der kreolische Barock mit seinen zentralen Themen „kreolische Heimat“ und „kreolischer Ruhm“ sowie die Fülle und der Reichtum Lateinamerikas, die als stilistische Dominante den metaphorischen und allegorischen Dekor beeinflussten, prägten den Begriff des Barock, der sich in entwickelte Das 20. Jahrhundert. Alejo Carpentier und Jose Lezama Lima.

Besonders hervorzuheben sind zwei epische Gedichte, die ohne Rücksicht auf den kreolischen Barock entstanden sind. Gedicht Uruguay(1769) José Basilio da Gama ist eine Art Bericht über eine gemeinsame portugiesisch-spanische Expedition, deren Ziel ein Indianerreservat im Tal des Uruguay-Flusses ist, das unter der Kontrolle der Jesuiten steht. Und wenn die Originalversion dieses Werks offen pro-jesuitisch ist, dann ist die Version, die das Licht der Welt erblickte, absolut entgegengesetzt, was den Wunsch des Dichters widerspiegelt, sich die Gunst der Machthaber zu verdienen. Dieses Werk, das nicht im vollen Sinne als historisch bezeichnet werden kann, ist dennoch eines der wichtigsten Werke der brasilianischen Literatur der Kolonialzeit. Besonders interessant sind die lebhaften Szenen aus dem Leben der Indianer. Das Werk gilt als das erste Werk, in dem sich die Züge des Indigenismus deutlich manifestierten, einer Strömung in der kreolischen Kunst Lateinamerikas, die von einem Interesse an der Lebens- und Geisteswelt der Indianer geprägt ist.

Erwähnenswert und episches Gedicht Karamura(1781) des brasilianischen Dichters José de Santa Rita Duran, der vielleicht als erster die Indianer zum Thema eines literarischen Werks machte. Ein episches Gedicht in zehn Liedern, dessen Protagonist Diego Alvarez, Karamuru, wie ihn die Indianer nennen, der Entdeckung Bayas gewidmet ist. Das Leben der Indianer und brasilianische Landschaften nehmen in dieser Arbeit einen wichtigen Platz ein. Das Gedicht blieb das Hauptwerk des Autors, der die meisten seiner Kreationen zerstörte, da sie von der Öffentlichkeit nicht sofort anerkannt wurden. Beide Gedichte sollten als Vorboten der Romantik verstanden werden, die bald in der lateinamerikanischen Literatur aufkam.

Romane wurden in Lateinamerika verboten, daher erschien diese Art von Literatur viel später, aber ihr Platz wurde von Werken historischer und biografischer Natur eingenommen. Eines der besten Werke dieser Art ist die Satire des Peruaners Antonio Carrio de la Bandera (1716–1778) Leitfaden für blinde Reisende(1776). Der Autor, ein Postbeamter, der wegen Verfolgungsgefahr unter Pseudonym schrieb, wählte für sein Buch die Form einer Geschichte über eine Reise von Buenos Aires nach Lima.

Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhunderts. Zwei große Paradigmen der lateinamerikanischen Kultur reifen heran. Einer von ihnen hängt mit der Politisierung der künstlerischen und Lebensposition von Schriftstellern zusammen, ihrer direkten Teilnahme an politischen Ereignissen (und in Zukunft wird dieser Zustand für alle fast obligatorisch). Der brasilianische Revolutionär Joaquín José de Silva Javier (1748-1792) leitete die sogenannte „Verschwörung der Dichter“, an der berühmte Schriftsteller teilnahmen. Der von ihm angeführte Aufstand gegen die portugiesische Herrschaft in Brasilien wurde niedergeschlagen und sein Anführer nach einem mehrjährigen politischen Prozess hingerichtet.

Das zweite Paradigma ist die komplexe Beziehung zwischen „Territorialität“ und „Extraterritorialität“, die für eine bestimmte Art von lateinamerikanischem Bewusstsein charakteristisch ist. Freizügigkeit auf dem ganzen Kontinent, in der kreative Entdeckungen und Meinungen ausgetauscht werden (zum Beispiel lebt der Venezolaner A. Bello in Chile, der Argentinier D.F. Sarmiento lebt in Chile und Paraguay, der Kubaner Jose Marti lebt in den USA, Mexiko und Guatemala), im 20. Jahrhundert . verwandelt sich in eine Tradition des erzwungenen Exils oder der politischen Emigration.

Literatur des 19. Jahrhunderts.

Romantik.

Die politische Unabhängigkeit von Spanien und Portugal bedeutete nicht das Ende der Despotie. Wirtschaftliche Instabilität, soziale Ungleichheit, die Unterdrückung von Indianern und Schwarzen – all das war Alltag für die allermeisten lateinamerikanischen Staaten. Die Situation selbst trug zur Entstehung satirischer Werke bei. Der Mexikaner José Joaquín Fernández de Lisardi (1776–1827) schafft einen Schelmenroman Das Leben und die Taten von Periquillo Sarniento, von ihm selbst zur Erbauung seiner Kinder beschrieben(Bände 1-3 - 1813, Bände 1-5 - 1830-1831), der als erster lateinamerikanischer Roman gilt.

Der Unabhängigkeitskrieg, der in Lateinamerika von 1810 bis 1825 dauerte, beeinflusste nicht nur die patriotischen Gefühle der Lateinamerikaner, sondern verursachte auch einen großen Aufschwung in der lateinamerikanischen Poesie. Der Ecuadorianer José Joaquín de Olmedo (1780–1847), der in seiner Jugend anakreontische und bukolische Lyrik schrieb, schuf ein lyrisch-episches Gedicht Sieg bei Junin. Lied von Bolivar(veröffentlicht 1825), das ihm große Berühmtheit einbrachte.

Der Venezolaner Andres Bello (1781-1865), Wissenschaftler und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, Autor zahlreicher Werke über Geschichte, Philosophie, Philologie und Jurisprudenz, wurde als Dichter berühmt, der die klassizistischen Traditionen verteidigte. Zu seinen bemerkenswertesten Werken gehört das Gedicht Appell an die Poesie(1823) und Ode Landwirtschaft in den Tropen(1826) - ein Fragment eines epischen Gedichts, das nie geschrieben wurde Amerika. Sein Gegner, der im Streit um die Literatur die Positionen der Romantik verteidigte, der argentinische Schriftsteller und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens Domingo Faustino Sarmiento (1811–1888), ist ein äußerst aufschlussreiches Beispiel für einen lateinamerikanischen Schriftsteller. Als Kämpfer gegen die Diktatur von Juan Manuel Rosas gründete er mehrere Zeitungen. Sein bekanntestes Werk ist Zivilisation und Barbarei. Biographie von Juan Facundo Quiroga. Erscheinungsbild, Sitten und Gebräuche der Republik Argentinien(veröffentlicht 1845), in dem er das Leben eines Mitarbeiters von Rosas erzählt und die argentinische Gesellschaft erforscht. Anschließend setzte der Schriftsteller, während er das Amt des argentinischen Präsidenten innehatte, die Bestimmungen, die er in seinen Büchern verteidigte, in die Praxis um.

Der Kubaner Jose Maria Heredia y Heredia (1803–1839), ein Kämpfer für die Zerstörung der kolonialen Abhängigkeit Kubas von Spanien, lebte fast sein ganzes Leben im politischen Exil. Wenn in seiner Arbeit Auf den Teocalli in Cholula(1820) ist der Kampf zwischen Klassizismus und Romantik noch spürbar, dann in Ode Niagara(1824) gewinnt den romantischen Anfang.

Derselbe Gegensatz zwischen Zivilisation und Barbarei, wie im Buch von D.F. Sarmiento, findet sich auch in den Werken anderer argentinischer Schriftsteller, insbesondere im Roman von José Marmol (1817–1871) Amalie(journal var. - 1851), dem ersten argentinischen Roman, und in einem künstlerischen und journalistischen Essay schlachten(veröffentlicht 1871) von Esteban Echeverria (1805–1851).

Unter den Werken des romantischen Genres sind die Romane zu erwähnen Maria(1867) Kolumbianer Jorge Isaacs (1837–1895), Cecilia Valdes oder Angel Hill(1. Aufl. - 1839) Kubaner Cirilo Villaverde (1812-1894), Cumanda oder Drama unter den wilden Indianern(1879) des Ecuadorianers Juan Leon Mera (1832-1894), geschaffen im Sinne des Indigenismus.

Die Gaucho-Literatur, ein beispielloses literarisches Genre, das in Argentinien und Uruguay geboren wurde, hat Werke wie das Gedicht von Rafael Oblegado hervorgebracht Santos Wega(1887) über einen legendären Sänger und humorvoll geschrieben fausto(1866) Estanislao del Campo. Die höchste Errungenschaft in diesem Genre ist jedoch das lyrisch-epische Gedicht des Argentiniers José Hernandez (1834–1886) Martin Fiero(der erste Teil - 1872, der zweite Teil - 1879). Dieses Gedicht ist genau wie Facundo(1845) von D.F. Sarmiento, wurde zum Vorläufer der später entwickelten „tellurischen Literatur“. Scalabrini Ortiz, E. Mallea, E. Martinez Estrada. Die Hauptthese des Tellurismus lautet, unter Wahrung der Möglichkeit des geheimen Einflusses der Natur auf den Menschen dem Einfluss geografischer Faktoren auf die Kultur zu entkommen, in die geschichtliche Existenz einzutreten und damit von einer uneigentlichen Kultur zu einer echten durchzubrechen.

Realismus und Naturalismus.

Eine natürliche Reaktion auf die Anziehungskraft der Romantik auf alles Ungewöhnliche und Helle war das Interesse einiger Autoren am Alltag, seinen Besonderheiten und Traditionen. Der Costumbrismus, eine der Strömungen der lateinamerikanischen Literatur, dessen Name auf das spanische „el costumbre“, was übersetzt „Gebrauch“ oder „Gebrauch“ bedeutet, zurückgeht, wurde stark vom spanischen Kostümbrismus beeinflusst. Sketche und moralistische Essays prägen diese Richtung, oft werden Ereignisse in einer satirischen oder humorvollen Perspektive dargestellt. Kostümbrismus verwandelte sich anschließend in einen realistischen regionalistischen Roman.

Der für die lateinamerikanische Literatur dieser Zeit übliche Realismus ist jedoch nicht typisch. Das Werk des chilenischen Prosaautors Alberto Blest Gana (1830–1920) entwickelt sich unter dem starken Einfluss der europäischen Literaturtradition, insbesondere der Romane von Honore de Balzac. Romane aus Ghana: Arithmetik der Liebe (1860), Martin Riva (1862), Rakes Ideal(1853). Eugenio Cambacérès (1843–188), ein argentinischer Naturforscher, der sich von den Romanen von Émile Zola inspirieren ließ, schuf Romane wie pfeifendes Ungeziefer(1881–1884) und Ohne Zweck (1885).

Die Verbindung von Realismus und Naturalismus prägte den Roman des Brasilianers Manuel António de Almeida (1831–1861) Erinnerungen eines Polizeisergeanten(1845). Dieselben Tendenzen lassen sich in der Prosa des Brasilianers Aluisio Gonçalves Azeveda (1857–1913) nachweisen, zu dessen berühmtesten Werken die Romane gehören Mulatte(1881) u Pension(1884). Der Realismus prägte die Romane des Brasilianers Joaquín Maria Machado de Assis (1839–1908), dessen Werk die lateinamerikanische Literatur im Allgemeinen beeinflusste.

Moderne (letztes Viertel des 19. Jahrhunderts - 1910er Jahre).

Die lateinamerikanische Moderne, die sich durch ihre enge Verbindung zur Romantik auszeichnet, wurde von so großen Phänomenen der europäischen Kultur wie der "Parnassischen Schule" ( cm. PARNAS), Symbolismus, Impressionismus usw. Dabei ist für ihn neben der europäischen Moderne bezeichnend, dass die Moderne Lateinamerikas in der überwältigenden Mehrheit durch poetische Werke repräsentiert wird.

Eine der prominentesten Persönlichkeiten der lateinamerikanischen Literatur des 19. Jahrhunderts sowie der lateinamerikanischen Moderne ist der kubanische Dichter, Denker und Politiker José Julián Martí (1853–1895), der den Titel vom kubanischen Volk für sich erhielt nationaler Befreiungskampf gegen die spanische Kolonialherrschaft "Apostel". Sein kreatives Erbe umfasst nicht nur Poesie - einen poetischen Zyklus Ismaelillo(1882), Sammlungen freie Verse(veröffentlicht 1913) und einfache Verse(1891), sondern auch ein Roman tödliche Freundschaft(1885), nah an der Literatur der Moderne, Skizzen und Essays, von denen es zu beachten ist Unser Amerika(1891), wo Lateinamerika dem angelsächsischen Amerika gegenübersteht. H.Marti ist auch ein ideales Beispiel eines lateinamerikanischen Schriftstellers, dessen Leben und Werk verschmolzen und dem Kampf für das Wohl von ganz Lateinamerika untergeordnet sind.

Als weiterer bedeutender Vertreter der lateinamerikanischen Moderne ist der Mexikaner Manuel Gutiérrez Najera (1859-1895) zu nennen. Zu Lebzeiten dieses Autors erblickte die Sammlung das Licht der Welt zerbrechliche Geschichten(1883), der ihn als Prosaschriftsteller vertritt, während poetische Werke nur in nachgelassenen Büchern gesammelt wurden Gedichte von Manuel Gutiérrez Najera(1896) u Poesie (1897).

Auch der Kolumbianer José Asunción Silva (1865–1896) erlangte erst nach seinem frühen Tod Berühmtheit (aufgrund finanzieller Schwierigkeiten, auch weil ein erheblicher Teil seiner Manuskripte bei einem Schiffbruch umkam, beging der Dichter Selbstmord). Seine Gedichtsammlung wurde 1908 veröffentlicht, während der Roman Tischgespräch– erst 1925.

Der Kubaner Julian del Casal (1863–1893), der Zeitungsaufsätze schrieb, die die Aristokratie entlarvten, wurde vor allem als Dichter berühmt. Zu seinen Lebzeiten wurden Sammlungen veröffentlicht Blätter im Wind(1890) u Träume(1892) und ein posthum veröffentlichtes Buch Büsten und Reime(1894) kombinierte Gedichte und Kurzprosa.

Die zentrale Figur der lateinamerikanischen Moderne war der nicaraguanische Dichter Ruben Dario (1867–1916). Seine Sammlung Azurblau(1887, add. - 1890), die Gedicht- und Prosaminiaturen verband, wurde zu einem der wichtigsten Meilensteine ​​in der Entwicklung dieser literarischen Richtung und in der Sammlung Heidnische Psalmen und andere Gedichte(1896, rev. - 1901) war der Höhepunkt der lateinamerikanischen Moderne.

Prominente Persönlichkeiten der modernistischen Bewegung sind der Mexikaner Amado Nervo (1870–1919), Autor zahlreicher Bücher, darunter Gedichtbände. Gedichte (1901), Exodus und Blumen der Straße (1902), Abstimmung (1904), Gärten meiner Seele(1905) und Märchenbücher wandernde Seelen (1906), Sie(1912); Der Peruaner José Santos Chocano (1875–1934), der aktiv am politischen Leben Lateinamerikas teilnahm, einschließlich des Kampfes in der Armee von Francisco Villa während der mexikanischen Revolution. Nach dem Sturz des Präsidenten von Guatemala, Manuel Estrada Cabrera, dessen Berater er war, wurde er zum Tode verurteilt, überlebte aber. 1922 kehrte José Santos Chocano in seine Heimat zurück und wurde mit dem Titel „Nationaldichter Perus“ ausgezeichnet. Modernistische Tendenzen spiegeln sich in den zu Sammlungen zusammengefassten Gedichten wider Seele Amerikas(1906) u fiat lux (1908).

Zu erwähnen ist auch der Bolivianer Ricardo Jaimes Freire (1868–1933), Autor der Sammlungen Das barbarische Kastilien(1897) u Träume sind Leben(1917), Kolumbianer Guillermo Valencia (1873–1943), Autor von Sammlungen Gedichte(1898) u Riten(1914), Uruguayer Julio Herrera y Reissiga (1875–1910), Autor von Gedichtzyklen verlassene Parks, Osterzeit, Wasseruhr(1900–1910), sowie der Uruguayer José Enrique Rodo (1871–1917), einer der größten lateinamerikanischen Denker, der sich in einem Essay mit der Idee der kulturellen Synthese auseinandersetzte Ariel(1900) und vertrat die Idee, dass Lateinamerika eine solche Synthese durchführen sollte.

Abseits steht die brasilianische Moderne, die in den frühen 1920er Jahren entstand, deren Begründer und zentrale Figuren Mario Raul Morais de Andrade (1893-1945) und José Oswald de Andrade (1890-1954) waren.

Die positive Bedeutung der lateinamerikanischen Moderne spiegelte sich nicht nur darin wider, dass diese literarische Bewegung viele talentierte Autoren in ihren Reihen versammelte, sondern auch darin, dass sie die poetische Sprache und poetische Technik aktualisierte.

Die Moderne beeinflusste auch jene Meister aktiv, die sich später von ihrem Einfluss befreien konnten. So begann der argentinische Dichter und Prosaschriftsteller Leopoldo Lugones (1874–1938) als Modernist, was sich in Gedichtsammlungen niederschlug. Goldene Berge(1897) u Dämmerung im Garten(1906). Enrique González Martinez (1871-1952), ausgehend von den Bestimmungen der Moderne, in der Sammlung geheime Pfade(1911) brach mit dieser Tradition und befürwortete ein neues poetisches System.

20. Jahrhundert.

Lateinamerikanische Literatur des 20. Jahrhunderts nicht nur ungewöhnlich reich, ihre Stellung unter anderen Nationalliteraturen hat sich grundlegend gewandelt. Die Veränderungen spiegelten sich bereits darin wider, dass die chilenische Dichterin Gabriela Mistral (1889-1957), die erste der lateinamerikanischen Schriftstellerinnen, 1945 mit dem Nobelpreis ausgezeichnet wurde.

Eine große Rolle bei diesem qualitativen Sprung spielte die Avantgarde-Suche, die die meisten berühmten lateinamerikanischen Schriftsteller durchliefen. Der chilenische Dichter Vicente Huidobro (1893-1948) vertrat das Konzept des „Kreationismus“, wonach der Künstler seine eigene ästhetische Realität schaffen muss. Zu seinen Gedichtbänden gehören Sammlungen in spanischer Sprache Äquatorial(1918) u Bürger des Vergessens(1941) und Sammlungen in französischer Sprache quadratischer Horizont (1917), Plötzlich (1925).

Der chilenische Dichter Pablo Neruda (1904–1973), der 1971 den Nobelpreis erhielt, begann in der Avantgarde-Poetik zu schreiben und wählte „freie Verse“ als die seinem Denken am besten entsprechende poetische Form. Im Laufe der Zeit wandte er sich der Poesie zu , die direktes politisches Engagement widerspiegelte . Zu seinen Büchern gehören Sammlungen Dämmerung (1923), Wohnsitz - Grundstück(1933, zusätzlich - 1935), Oden an einfache Dinge (1954), Neue Oden an einfache Dinge (1955), Vögel Chiles (1966), himmlische Steine(1970). Sein letztes Buch in seinem Leben Nixon Murder Motivation und Lob für die chilenische Revolution(1973) spiegelte die Gefühle wider, die der Dichter nach dem Sturz der Regierung von Präsident Salvador Allende erlebte.

Eine weitere bedeutende Figur der lateinamerikanischen Literatur ist der mexikanische Dichter und Essayist Octavio Paz (1914–1998), Nobelpreisträger 1990, Autor zahlreicher Bücher, darunter auch Sammlungen wilder Mond (1933), menschliche Wurzel (1937), Sonnenstein (1957), Salamander (1962).

Der Ultraismus, eine literarische Avantgardebewegung, begann mit dem argentinischen Dichter und Prosaautor Jorge Luis Borges (1899–1986), einem der am meisten verehrten und zitierten Autoren des 20. Jahrhunderts. Seine Sammlungen von Kurzgeschichten machten ihn berühmt. Allgemeine Geschichte der Schande (1935), Garten der sich gabelnden Pfade (1941), Fiktion (1944), Aleph (1949), Macher (1960).

Der Negrismus, eine literarische Bewegung, deren Ziel es war, ein afroamerikanisches Erbe zu entwickeln und eine Negerweltanschauung in die Literatur einzuführen, leistete einen bedeutenden Beitrag zur lateinamerikanischen Literatur. Zu den Schriftstellern dieser Strömung gehören der Puertoricaner Luis Pales Matos (1898–1959) und der Kubaner Nicolas Guillén (1902–1989).

Der Peruaner Cesar Vallejo (1892–1938) hatte einen aktiven Einfluss auf die Poesie Lateinamerikas. In den ersten Sammlungen Schwarze Herolde(1918) u Trilse(1922) entwickelt er avantgardistische Poetik, während die Sammlung menschliche Verse(1938), veröffentlicht nach dem Tod des Dichters, spiegelte die Veränderungen wider, die in seiner Poetik stattgefunden hatten.

Die Stücke des Argentiniers Roberto Arlt (1900-1942) und des Mexikaners Rodolfo Usigli (1905-1979) entstanden unter dem offensichtlichen Einfluss der europäischen Dramaturgie.

Zu den Entwicklern des Regionalromans gehören der Uruguayer Horacio Quiroga (1878–1937), der Kolumbianer José Eustasio Rivera (1889–1928), der Argentinier Ricardo Guiraldes (1886–1927), der Venezolaner Romulo Gallegos (1864–1969), die Mexikaner Mariano Azuela (1873-1952). Der Ecuadorianer Jorge Icaza (1906–1978), die Peruaner Ciro Alegria (1909–1967) und Jose Maria Arguedas (1911–1969), der Guatemalteker Miguel Angel Asturias (1899–1974), Nobelpreisträger von 1967, trugen zur Entwicklung des Indigenismus bei.

Einer der größten Prosaautoren des 20. Jahrhunderts. – Argentinier Eduardo Mallea (1903–1982), Ernesto Sabato (1911–2011), Julio Cortazar (1924–1984), Manuel Puig (1933–1990), Uruguayer Juan Carlos Onetti (1909–1994), Mexikaner Juan Rulfo (1918– 1984) und Carlos Fuentes (geb. 1929), die Kubaner José Lezama Lima (1910–1976) und Alejo Carpentier (1904–1980), der Brasilianer Jorge Amado (1912).

Der Nobelpreis wurde 1982 an den Kolumbianer Gabriel Garcia Marquez (geb. 1928) und 2004 an den Peruaner Mario Vargas Llosa (geb. 1936) verliehen.

Berenice Vesnina

Literatur:

Literaturgeschichte Lateinamerikas. Von der Antike bis zum Ausbruch des Unabhängigkeitskrieges. Buch. 1.M., 1985
Literaturgeschichte Lateinamerikas. Vom Unabhängigkeitskrieg bis zum Abschluss der nationalen Staatskonsolidierung (1810er–1870er Jahre). Buch. 2. M., 1988
Literaturgeschichte Lateinamerikas. Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts (1880–1910). Buch. 3.M., 1994
Literaturgeschichte Lateinamerikas. XX Jahrhundert: 20–90er Jahre. Buch. 4. Teil 1–2. M., 2004


Lateinamerikanische Literatur- Dies ist die Literatur lateinamerikanischer Länder, die einen einheitlichen Sprach- und Kulturraum bilden (Argentinien, Venezuela, Kuba, Brasilien, Peru, Chile, Kolumbien, Mexiko usw.). Die Entstehung der lateinamerikanischen Literatur geht auf das 16. Jahrhundert zurück, als sich im Zuge der Kolonialisierung die Sprache der Eroberer auf dem Kontinent ausbreitete. In den meisten Ländern ist Spanisch weit verbreitet, in Brasilien - Portugiesisch, in Haiti - Französisch. Infolgedessen wurden die Anfänge der lateinamerikanischen spanischsprachigen Literatur von den Eroberern, christlichen Missionaren, gelegt, und infolgedessen war die lateinamerikanische Literatur zu dieser Zeit zweitrangig, d.h. eindeutig europäischen Charakter haben, religiös, predigt oder journalistischen Charakter haben. Allmählich begann die Kultur der Kolonialisten mit der Kultur der indigenen indianischen Bevölkerung und in einer Reihe von Ländern mit der Kultur der Negerbevölkerung zu interagieren - mit der Mythologie und Folklore der aus Afrika vertriebenen Sklaven. Auch nach Beginn des 19. Jahrhunderts setzte sich die Synthese verschiedener Kulturmodelle fort. Infolge von Befreiungskriegen und Revolutionen wurden unabhängige Republiken Lateinamerikas gebildet. Es war Anfang des 19. Jahrhunderts. bezieht sich auf den Beginn der Bildung eigenständiger Literaturen in jedem Land mit ihren inhärenten nationalen Besonderheiten. Das Ergebnis: Die eigenständigen orientalischen Literaturen des lateinamerikanischen Raums sind eher jung. In dieser Hinsicht gibt es einen Unterschied: Die lateinamerikanische Literatur ist 1) jung, existiert als ursprüngliches Phänomen seit dem 19. Jahrhundert, sie basiert auf der Literatur von Einwanderern aus Europa - Spanien, Portugal, Italien usw., und 2) die alte Literatur der Ureinwohner Lateinamerikas: Indianer (Azteken, Inkas, Malteken), die ihre eigene Literatur hatten, aber diese ursprüngliche mythologische Tradition ist heute praktisch abgebrochen und entwickelt sich nicht weiter.
Die Besonderheit der lateinamerikanischen künstlerischen Tradition (der sogenannte „künstlerische Code“) besteht darin, dass sie synthetischer Natur ist, die sich aus der organischen Kombination unterschiedlichster kultureller Schichten herausgebildet hat. Mythologische Universalbilder sowie neu gedachte europäische Bilder und Motive der lateinamerikanischen Kultur werden mit ursprünglich indianischen und eigenen historischen Traditionen kombiniert. In den Werken der meisten lateinamerikanischen Schriftsteller ist eine Vielzahl von heterogenen und zugleich universellen figurativen Konstanten vorhanden, die im Rahmen der lateinamerikanischen Kunsttradition ein einheitliches Fundament für einzelne künstlerische Welten bilden und ein einzigartiges Weltbild prägen hat sich über fünfhundert Jahre seit der Entdeckung der Neuen Welt durch Kolumbus gebildet. Die reifsten Werke von Marquez, Fuentos bauen auf dem kulturellen und philosophischen Gegensatz auf: „Europa – Amerika“, „Alte Welt – Neue Welt“.
Die Literatur Lateinamerikas, die hauptsächlich auf Spanisch und Portugiesisch existiert, entstand im Prozess der Interaktion zwischen zwei verschiedenen reichen kulturellen Traditionen – der europäischen und der indischen. Die indigene Literatur in Amerika entwickelte sich in einigen Fällen nach der spanischen Eroberung weiter. Von den erhaltenen Werken der präkolumbianischen Literatur wurde das meiste von Missionsmönchen niedergeschrieben. Bis heute bleibt die Hauptquelle für das Studium der aztekischen Literatur das zwischen 1570 und 1580 entstandene Werk von Fray B. de Sahagun „The History of the Things of New Spain“. Auch die kurz nach der Eroberung niedergeschriebenen Meisterwerke der Literatur der Maya-Völker sind erhalten geblieben: eine Sammlung historischer Legenden und kosmogonischer Mythen „Popol-Vuh“ und prophetische Bücher „Chilam-Balam“. Dank der Sammeltätigkeit der Mönche sind uns Proben der „präkolumbianischen“ peruanischen Poesie überliefert, die in der mündlichen Überlieferung existierten. Ihre Arbeit im gleichen 16. Jahrhundert. ergänzt durch zwei berühmte Chronisten indischer Herkunft - Inca Garcilaso de La Vega und F. G. Poma de Ayala.
Die Hauptschicht der lateinamerikanischen Literatur in spanischer Sprache bilden Tagebücher, Chroniken und Botschaften (die sogenannten Berichte, d. h. Berichte über militärische Operationen, diplomatische Verhandlungen, Beschreibungen von Feindseligkeiten usw.) der Pioniere und Konquistadoren selbst. Christoph Columbus skizzierte seine Eindrücke von den neu entdeckten Ländern im "Tagebuch der ersten Reise" (1492-1493) und drei Briefberichten an das spanische Königspaar. Columbus interpretiert amerikanische Realitäten oft auf fantastische Weise und lässt zahlreiche geografische Mythen und Legenden wieder aufleben, die die westeuropäische Literatur von der Antike bis ins 14. Jahrhundert füllten. Die Entdeckung und Eroberung des Aztekenreichs in Mexiko spiegelt sich in fünf Briefen wider, die E. Cortes zwischen 1519 und 1526 an Kaiser Karl V. sandte. Ein Soldat der Cortes-Abteilung, B. Diaz del Castillo, beschrieb diese Ereignisse in The True History of the Conquest of New Spain (1563), einem der besten Bücher der Eroberungsära. Im Prozess der Entdeckung der Länder der Neuen Welt wurden in den Köpfen der Konquistadoren alte europäische Mythen und Legenden wiederbelebt und verändert, kombiniert mit indischen Legenden („Der Brunnen der ewigen Jugend“, „Sieben Städte von Sivola“, „ Eldorado“ usw.). Die beharrliche Suche nach diesen mythischen Orten bestimmte den gesamten Verlauf der Eroberung und teilweise auch die frühe Besiedelung von Territorien. Eine Reihe literarischer Denkmäler der Eroberungsepoche werden durch ausführliche Zeugnisse der Teilnehmer solcher Expeditionen vorgestellt. Unter den Werken dieser Art sind die interessantesten das berühmte Buch „Shipwrecks“ (1537) von A. Cabeza de Vaca, der in achtjähriger Wanderschaft als erster Europäer das nordamerikanische Festland in westlicher Richtung durchquerte, und „The Narrative of the New Discovery of the Glorious Great Amazon River“ von Fry G. de Carvajal.
Ein weiterer Korpus spanischer Texte aus dieser Zeit besteht aus Chroniken, die von spanischen, manchmal indischen Historiographen erstellt wurden. Der Humanist B. de Las Casas kritisierte in seiner Geschichte Indiens als erster die Eroberung. 1590 veröffentlichte der Jesuit H. de Acosta The Natural and Moral History of the Indies. In Brasilien schrieb G. Soares de Sousa eine der informativsten Chroniken dieser Zeit - "Beschreibung von Brasilien im Jahr 1587 oder Nachrichten von Brasilien". Zu den Ursprüngen der brasilianischen Literatur gehört auch der Jesuit J. de Anchieta, Autor von Chroniken, Predigten, lyrischen Gedichten und religiösen Theaterstücken (auto). Die wichtigsten Dramatiker des 16. Jahrhunderts waren E. Fernandez de Eslaia, Autor religiöser und weltlicher Stücke, und J. Ruiz de Alarcón. Die höchsten Errungenschaften im Genre der epischen Poesie waren das Gedicht „The Greatness of Mexico“ (1604) von B. de Balbuena, „Elegies about the gloriomen of the Indies“ (1589) von J. de Castellanos und „Araucan“ ( 1569-1589) von A. de Ercilly-i-Zunigi, der die Eroberung Chiles beschreibt.
Während der Kolonialzeit orientierte sich die Literatur Lateinamerikas an in Europa (d. h. in den Metropolen) populären literarischen Strömungen. Die Ästhetik des spanischen Goldenen Zeitalters, insbesondere des Barock, drang schnell in die intellektuellen Kreise Mexikos und Perus ein. Eines der besten Werke lateinamerikanischer Prosa des 17. Jahrhunderts. - Die Chronik des Kolumbianers J. Rodriguez Freile "El Carnero" (1635) ist eher künstlerisch als ein historiographisches Stilwerk. Noch deutlicher manifestierte sich das künstlerische Setting in der Chronik des Mexikaners C. Siguenza y Gongora „The Misadventures of Alonso Ramirez“, einer fiktiven Geschichte eines Schiffbrüchigen. Wenn die Prosaschriftsteller des 17. Jahrhunderts nicht das Niveau eines vollwertigen künstlerischen Schreibens erreichen konnte und auf halbem Weg zwischen Chronik und Roman stehen blieb, erreichte die Poesie dieser Zeit einen hohen Entwicklungsgrad. Die mexikanische Nonne Juana Inés de La Cruz (1648-1695), eine bedeutende Persönlichkeit der Literatur der Kolonialzeit, schuf unübertroffene Beispiele lateinamerikanischer Barocklyrik. Peruanische Poesie des 17. Jahrhunderts. philosophische und satirische Orientierung dominierten die Ästhetik, die sich in den Arbeiten von P. de Peralta Barnuevo und J. del Valle y Caviedes manifestierte. In Brasilien waren die bedeutendsten Schriftsteller dieser Zeit A. Vieira, der Predigten und Abhandlungen verfasste, und A. Fernandez Brandon, Autor des Buches Dialogue on the Splendors of Brazil (1618).
Der Entstehungsprozess des kreolischen Selbstbewusstseins am Ende des 17. Jahrhunderts. ist deutlich geworden. Eine kritische Haltung gegenüber der kolonialen Gesellschaft und die Notwendigkeit, sie neu zu organisieren, kommen in dem satirischen Buch des Peruaners A. Carrio de La Vandera „Der Führer der blinden Wanderer“ (1776) zum Ausdruck. Dasselbe aufklärerische Pathos behauptete der Ecuadorianer F. J. E. de Santa Cruz y Espejo in dem Buch „New Lucian from Quito, or the Awakener of Minds“, geschrieben im Genre des Dialogs. Mexikaner H.H. Fernandez de Lisardi (1776-1827) begann seine Laufbahn in der Literatur als Dichter-Satiriker. 1816 veröffentlichte er den ersten lateinamerikanischen Roman, Periquillo Sarniento, in dem er sozialkritische Ideen im Rahmen des Schelmentums zum Ausdruck brachte. Zwischen 1810-1825 In Lateinamerika entfaltete sich der Unabhängigkeitskrieg. In dieser Zeit erreichte die Poesie die größte öffentliche Resonanz. Ein bemerkenswertes Beispiel für die Verwendung der klassizistischen Tradition ist die Heldenode „Das Lied von Bolivar oder der Sieg bei Junin“ des Ecuadorianers H.Kh. Olmedo. A. Bello wurde zum spirituellen und literarischen Führer der Unabhängigkeitsbewegung und bemühte sich, lateinamerikanische Probleme in den Traditionen des Neoklassizismus in seinen Gedichten zu reflektieren. Der drittwichtigste Dichter dieser Zeit war H.M. Heredia (1803-1839), deren Poesie zum Übergangsstadium vom Neoklassizismus zur Romantik wurde. In der brasilianischen Poesie des 18. Jahrhunderts. Die Philosophie der Aufklärung wurde mit stilistischen Neuerungen kombiniert. Seine größten Vertreter waren T.A. Gonzaga, M.I. da Silva Alvarenga und I.J. ja Alvarenga Peixoto.
In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts Die lateinamerikanische Literatur war vom Einfluss der europäischen Romantik geprägt. Der Kult um die individuelle Freiheit, die Ablehnung der spanischen Tradition und ein erneutes Interesse an amerikanischen Themen waren eng mit dem wachsenden Selbstbewusstsein der Entwicklungsländer verbunden. Der Konflikt zwischen europäischen Zivilisationswerten und der Realität der amerikanischen Länder, die kürzlich das koloniale Joch abgeworfen haben, hat sich in der Opposition "Barbarei - Zivilisation" verfestigt. Dieser Konflikt spiegelte sich am schärfsten und tiefsten in der argentinischen historischen Prosa in dem berühmten Buch von D.F. Sarmiento, Zivilisation und Barbarei. Das Leben von Juan Facundo Quiroga“ (1845), in dem Roman von H. Marmol „Amalia“ (1851-1855) und in der Geschichte von E. Echeverriya „Schlachthaus“ (um 1839). Im 19. Jahrhundert Viele romantische Schriften wurden in der lateinamerikanischen Kultur geschaffen. Die besten Beispiele dieses Genres sind „Maria“ (1867) des Kolumbianers H. Isaacs, der Roman des Kubaners S. Villaverde „Cecilia Valdes“ (1839), der dem Problem der Sklaverei gewidmet ist, und der Roman des Ecuadorianers H. L. Mera „Kumanda oder Drama unter den Wilden“ (1879), das das Interesse lateinamerikanischer Schriftsteller an indischen Themen widerspiegelt. Im Zusammenhang mit der romantischen Leidenschaft für das Lokalkolorit Argentiniens und Uruguays entstand eine originelle Richtung – die gauchistische Literatur (von gáucho). Ein Gaucho ist eine natürliche Person ("Mensch-Tier"), die in Harmonie mit der Wildnis lebt. Vor diesem Hintergrund - das Problem "Barbarei - Zivilisation" und die Suche nach dem Ideal der Harmonie zwischen Mensch und Natur. Ein unübertroffenes Beispiel gautschistischer Poesie war das lyrisch-epische Gedicht des Argentiniers H. Hernandez „Gaucho Martin Fierro“ (1872). Das Gaucho-Thema fand seinen vollsten Ausdruck in einem der berühmtesten Werke der argentinischen Prosa - Ricardo Guiraldes' Roman Don Segundo Sombra (1926), der das Bild eines edlen Gaucho-Lehrers darstellt.
Die argentinische Literatur enthält neben gauschistischer Literatur auch Werke, die in einem speziellen Tango-Genre geschrieben wurden. In ihnen wird die Handlung von der Pampa und dem Selva in die Stadt und ihre Vororte verlegt, und als Ergebnis erscheint ein neuer Randheld, der Erbe des Gauchos - ein Bewohner der Außenbezirke und Vororte einer Großstadt, a bandit, ein compadrito kumanek mit einem messer und einer gitarre in seinen händen. Features: Angststimmung, emotionale Schwankungen, der Held ist immer "out" und "contra". Einer der ersten, der sich der Poetik des Tangos zuwandte, war der argentinische Dichter Evarsito Carriego. Der Einfluss des Tangos auf die argentinische Literatur in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. bezeichnenderweise erlebten Vertreter verschiedener Richtungen seinen Einfluss, die Poetik des Tangos manifestierte sich besonders deutlich im Werk des frühen Borges. Borges selbst nennt sein Frühwerk "die Mythologie der Vorstädte". In Borges wird aus dem vormals marginalen Vorstadthelden ein Nationalheld, er verliert seine Greifbarkeit und wird zum archetypischen Bildsymbol.
Der Initiator und größte Vertreter des Realismus in der lateinamerikanischen Literatur war der Chilene A. Blest Gana (1830-1920), und der Naturalismus fand seine beste Verkörperung in den Romanen des Argentiniers E. Cambaceres "The whistle of a varmint" (1881-1884 ) und „Ohne Zweck“ (1885).
Die größte Figur in der lateinamerikanischen Literatur des 19. Jahrhunderts. wurde ein Kubaner J. Marti (1853-1895), ein herausragender Dichter, Denker, Politiker. Er verbrachte die meiste Zeit seines Lebens im Exil und starb im kubanischen Unabhängigkeitskrieg. In seinen Werken bejahte er den Begriff der Kunst als sozialen Akt und verneinte jede Form von Ästhetizismus und Elitismus. Martí veröffentlichte drei Gedichtsammlungen – „Free Poems“ (1891), „Ismaelillo“ (1882) und „Simple Poems“ (1882). Seine Poesie zeichnet sich durch die Spannung des lyrischen Gefühls und die Tiefe des Gedankens mit äußerer Einfachheit und Klarheit der Form aus.
In den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts in Lateinamerika erklärte sich die Moderne. Unter dem Einfluss der französischen Parnassianer und Symbolisten geformt, tendierte die spanisch-amerikanische Moderne zu exotischen Bildern und proklamierte den Kult der Schönheit. Der Beginn dieser Bewegung ist mit der Veröffentlichung der Gedichtsammlung „Azure“ (1888) des nicaraguanischen Dichters Ruben Dari „o (1867-1916) verbunden. In der Galaxie seiner zahlreichen Anhänger, des Argentiniers Leopold Lugones (1874- 1938), der Autor der symbolistischen Sammlung „Golden Mountains“ (1897), sticht der Kolumbianer J. A. Silva hervor, der Bolivianer R. Jaimes Freire, der das Buch „Barbarian Castalia“ (1897) schuf, ein Meilenstein für die gesamte Bewegung , die Uruguayer Delmira Agustini und J. Herrera y Reissig, die Mexikaner M. Gutierrez Najera, A. Nervo und S. Diaz Miron, die Peruaner M. Gonzalez Prada und J. Santos Chocano, der Kubaner J. del Casal.Das beste Beispiel Prosa der Moderne stellte der Roman Der Ruhm des Don Ramiro (1908) des Argentiniers E. Laretta dar. In der brasilianischen Literatur fand das neue modernistische Selbstbewusstsein seinen höchsten Ausdruck in der Poesie von A. Gonçalvis Días (1823-1864).
An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. weit verbreitet ist das Genre der Erzählung, Kurzroman, Kurzgeschichte (Alltag, Krimi), das noch kein hohes Niveau erreicht hat. In den 20er Jahren. Das zwanzigste Jahrhundert wurde von den sogenannten geprägt. erstes neuartiges System. Der Roman wurde hauptsächlich durch die Gattungen des gesellschafts- und gesellschaftspolitischen Romans repräsentiert, diesen Romanen fehlte noch eine komplexe psychologische Analyse, Verallgemeinerung, und infolgedessen gab die damalige Romanprosa keine signifikanten Namen. Der größte Vertreter des realistischen Romans der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. wurde J. Mashchado de Assis. Der tiefgreifende Einfluss der parnassischen Schule in Brasilien spiegelte sich in den Werken der Dichter A. de Oliveira und R. Correia wider, und die Poesie von J. da Cruz y Sousa war vom Einfluss französischer Symbolik geprägt. Gleichzeitig unterscheidet sich die brasilianische Version der Moderne radikal von der spanisch-amerikanischen. Die brasilianische Moderne entstand in den frühen 1920er Jahren durch die Kreuzung nationaler soziokultureller Konzepte mit avantgardistischen Theorien. Die Gründer und spirituellen Führer dieser Bewegung waren M. di Andrade (1893-1945) und O. di Andrade (1890-1954).
Die tiefe spirituelle Krise der europäischen Kultur um die Jahrhundertwende zwang viele europäische Künstler, sich auf der Suche nach neuen Werten in Länder der Dritten Welt zu wenden. Die in Europa lebenden lateinamerikanischen Schriftsteller nahmen ihrerseits diese Tendenzen auf und verbreiteten sie weit, was die Art ihrer Arbeit nach der Rückkehr in ihre Heimat und die Entwicklung neuer literarischer Strömungen in Lateinamerika weitgehend bestimmte.
Die chilenische Dichterin Gabriela Mistral (1889-1957) erhielt als erste lateinamerikanische Schriftstellerin den Nobelpreis (1945). Allerdings vor dem Hintergrund der lateinamerikanischen Poesie der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Ihre Texte, thematisch und formal einfach, werden eher als Ausnahme wahrgenommen. Seit 1909, als Leopold Lugones die Sammlung „Sentimental Lunar“ veröffentlichte, ist die Entwicklung von l.-a. Die Poesie ging einen ganz anderen Weg.
Gemäß dem Grundprinzip des Avantgardismus wurde Kunst als Erschaffung einer neuen Wirklichkeit verstanden und einer nachahmenden (hier Mimesis) Widerspiegelung der Wirklichkeit entgegengesetzt. Diese Idee bildete den Kern des Kreationismus, einer Strömung, die der chilenische Dichter Vincente Huidobro (1893-1948) nach seiner Rückkehr aus Paris ins Leben rief. Vincent Uidobro nahm aktiv an der dadaistischen Bewegung teil. Er wird als Vorläufer des chilenischen Surrealismus bezeichnet, während die Forscher festhalten, dass er die beiden Grundlagen der Bewegung - Automatismus und Traumkult - nicht akzeptierte. Diese Richtung basiert auf der Idee, dass der Künstler eine Welt erschafft, die sich von der realen unterscheidet. Der berühmteste chilenische Dichter war Pablo Neruda (1904, Parral -1973, Santiago. Richtiger Name - Neftali Ricardo Reyes Basualto), Nobelpreisträger von 1971. Manchmal versuchen sie, das poetische Erbe (43 Sammlungen) von Pablo Neruda als surrealistisch zu interpretieren, aber das ist ein strittiger Punkt. Einerseits besteht eine Verbindung zum Surrealismus von Nerudas Poesie, andererseits steht er außerhalb literarischer Gruppierungen. Neben seiner Verbindung zum Surrealismus ist Pablo Neruda als äußerst politisch engagierter Dichter bekannt.
Mitte der 1930er Jahre. erklärte sich selbst zum größten mexikanischen Dichter des 20. Jahrhunderts. Octavio Paz (geb. 1914), Nobelpreisträger (1990) In seinen philosophischen Texten, die auf freien Assoziationen aufbauen, werden die Poetik von T. S. Eliot und Surrealismus, indianische Mythologie und östliche Religionen synthetisiert.
In Argentinien wurden Avantgarde-Theorien in der ultraistischen Bewegung verkörpert, die Poesie als eine Reihe eingängiger Metaphern betrachtete. Einer der Gründer und der größte Vertreter dieses Trends war Jorge Luis Borges (1899-1986). Auf den Antillen standen der Puertoricaner L. Pales Matos (1899-1959) und der Kubaner N. Guillen (1902-1989) an der Spitze des Negrismus, einer kontinentalen literarischen Bewegung, die darauf abzielte, die afroamerikanische Schicht des Lateins zu identifizieren und zu etablieren Amerikanische Kultur. Die negristische Strömung spiegelte sich im Werk des frühen Alejo Carpentier (1904, Havanna – 1980, Paris) wider. Carpentier wurde in Kuba geboren (sein Vater ist Franzose). Sein erster Roman, Ekue-Yamba-O! wurde 1927 in Kuba begonnen, in Paris geschrieben und 1933 in Madrid veröffentlicht. Während der Arbeit an dem Roman lebte Carpentier in Paris und war direkt an den Aktivitäten der Gruppe der Surrealisten beteiligt. 1930 unterzeichnete Carpentier unter anderem die bretonische Broschüre The Corpse. Vor dem Hintergrund einer surrealistischen Leidenschaft für das „Wunderbare“ erforscht Carpentier das afrikanische Weltbild als Verkörperung einer intuitiven, kindlichen, naiven Wahrnehmung des Lebens. Schon bald gilt Carpenier als „Dissident“ unter den Surrealisten. 1936 trug er zur Ausreise von Antonin Artaud nach Mexiko bei (er blieb dort etwa ein Jahr) und kehrte kurz vor dem Zweiten Weltkrieg nach Kuba, nach Havanna, zurück. Unter Fidel Castro hatte Carpentier eine glänzende Karriere als Diplomat, Dichter und Romanautor. Seine bekanntesten Romane sind The Age of Enlightenment (1962) und The Vicissitudes of Method (1975).
Auf avantgardistischer Basis entstand das Werk eines der originellsten lateinamerikanischen Dichter des 20. Jahrhunderts. - Peruaner Cesar Vallejo (1892-1938). Von den ersten Büchern – „Black Heralds“ (1918) und „Trilse“ (1922) – bis zu der posthum veröffentlichten Sammlung „Human Poems“ (1938) drückten seine Texte, die von Reinheit der Form und inhaltlicher Tiefe geprägt waren, einen schmerzhaften Ausdruck aus Gefühl des Verlustes eines Menschen in der modernen Welt. , ein trauriges Gefühl der Einsamkeit, das nur in der brüderlichen Liebe Trost findet, die sich mit den Themen Zeit und Tod beschäftigt.
Mit der Verbreitung der Avantgarde in den 1920er Jahren. Lateinamerikanisch. Die Dramaturgie orientierte sich an den wichtigsten europäischen Theatertrends. Der Argentinier R. Arlt und der Mexikaner R. Usigli schrieben eine Reihe von Stücken, in denen der Einfluss europäischer Dramatiker, insbesondere L. Pirandelo und J. B. Shaw, deutlich sichtbar war. Später in l.-a. das Theater stand unter dem Einfluss von B. Brecht. Aus dem modernen l.-a. Dramatiker heben sich hervor E. Carballido aus Mexiko, die Argentinierin Griselda Gambaro, die Chilenin E. Wolff, die Kolumbianerin E. Buenaventura und die Kubanerin J. Triana.
Der Regionalroman, der im ersten Drittel des 20. Jahrhunderts entstand, konzentrierte sich auf die Darstellung lokaler Besonderheiten - Natur, Gauchos, Latifundisten, Politik auf Provinzebene usw.; oder er stellte die Ereignisse der nationalen Geschichte nach (zum Beispiel die Ereignisse der mexikanischen Revolution). Die größten Vertreter dieser Strömung waren der Uruguayer O. Quiroga und der Kolumbianer J. E. Rivera, der die grausame Welt der Selva beschrieb; der Argentinier R. Guiraldes, der Nachfolger der Traditionen der gauchistischen Literatur; der Initiator des mexikanischen Revolutionsromans M. Azuela und der berühmte venezolanische Prosaautor Romulo Gallegos (war 1947-1948 Präsident von Venezuela). Romulo Gallegos ist vor allem für die Romane Dona Barbare und Cantaclaro (laut Marquez das beste Buch von Gallegos) bekannt.
Neben dem Regionalismus in der Prosa der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Indigenismus entwickelte sich - ein literarischer Trend, der den aktuellen Stand der indischen Kulturen und die Merkmale ihrer Interaktion mit der Welt der Weißen widerspiegeln sollte. Die repräsentativsten Persönlichkeiten des spanisch-amerikanischen Indigenismus waren der Ecuadorianer J. Icaza, der Autor des berühmten Romans Huasipungo (1934), der Peruaner S. Alegria, der Schöpfer des Romans In a Large and Strange World (1941), und J.M. Arguedas, der in dem Roman „Deep Rivers“ (1958) die Mentalität des modernen Quechua widerspiegelte, der Mexikaner Rosario Castellanos und der Nobelpreisträger (1967), der guatemaltekische Prosaautor und Dichter Miguel Angel Asturias (1899-1974). Miguel Angel Asturias ist vor allem als Autor des Romans The Señor President bekannt. Die Meinungen zu diesem Roman sind geteilt. Zum Beispiel hält Marquez ihn für einen der schlechtesten Romane, die in Lateinamerika produziert wurden. Neben großen Romanen schrieb Asturias auch kleinere Werke, wie Legends of Guatemala und viele andere, die ihn des Nobelpreises würdig machten.
Der Anfang des „neuen Lateinamerikanischen Romans“ wurde Ende der 30er Jahre gelegt. Das zwanzigste Jahrhundert, in dem Jorge Luis Borges in seinem Werk eine Synthese aus lateinamerikanischen und europäischen Traditionen schafft und zu seinem eigenen, ursprünglichen Stil gelangt. Die Grundlage für die Vereinigung verschiedener Traditionen in seiner Arbeit sind universelle universelle Werte. Nach und nach nimmt die lateinamerikanische Literatur Züge der Weltliteratur an und wird in geringerem Maße regional, ihr Fokus liegt auf universellen, universellen Werten, und in der Folge werden Romane immer philosophischer.
Nach 1945 war mit der Intensivierung des nationalen Befreiungskampfes in Lateinamerika ein progressiver Trend verbunden, in dessen Folge die Länder Lateinamerikas eine echte Unabhängigkeit erlangten. Wirtschaftliche Erfolge von Mexiko und Argentinien. Kubanische Volksrevolution von 1959 (Führer - Fidel Castro). Damals entstand eine neue lateinamerikanische Literatur. Für die 60er. Konto für die sog. "Boom" der lateinamerikanischen Literatur in Europa als logische Folge der kubanischen Revolution. Vor diesem Ereignis war in Europa wenig oder nichts über Lateinamerika bekannt, diese Länder wurden als weit rückständige Länder der „Dritten Welt“ wahrgenommen. Infolgedessen weigerten sich Verlage in Europa und in Lateinamerika selbst, lateinamerikanische Romane zu drucken. Zum Beispiel musste Marquez, nachdem er um 1953 seine erste Geschichte, Fallen Leaves, geschrieben hatte, etwa vier Jahre auf die Veröffentlichung warten. Nach der kubanischen Revolution entdeckten Europäer und Nordamerikaner nicht nur das bis dahin unbekannte Kuba für sich, sondern auf der Welle des Interesses an Kuba auch ganz Lateinamerika und mit ihm seine Literatur. Lateinamerikanische Prosa existierte lange vor ihrem Boom. Juan Rulfo veröffentlichte 1955 Pedro Paramo; Carlos Fuentes präsentierte gleichzeitig „The Edge of Cloudless Clarity“; Alejo Carpentier hat schon lange vorher seine ersten Bücher veröffentlicht. Im Zuge des lateinamerikanischen Booms durch Paris und New York haben die lateinamerikanischen Leser dank der positiven Kritiken europäischer und nordamerikanischer Kritiker entdeckt und erkannt, dass sie ihre eigene, originelle und wertvolle Literatur haben.
In der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. das Konzept eines integralen Systems tritt an die Stelle des lokalen neuartigen Systems. Der kolumbianische Prosaautor Gabriel García Márquez prägte den Begriff „totaler“ oder „integrierender Roman“. Ein solcher Roman sollte eine Vielzahl von Themen umfassen und ein Synkretismus des Genres sein: eine Verschmelzung von Elementen eines philosophischen, psychologischen und Fantasy-Romans. Näher am Anfang der 40er Jahre. Das eigentliche Konzept der neuen Prosa wird im 20. Jahrhundert theoretisch geformt. Lateinamerika versucht sich als eine Art Individualität zu verwirklichen. Die neue Literatur umfasst nicht nur den magischen Realismus, andere Genres entwickeln sich: Sozial- und Alltagsromane, gesellschaftspolitische Romane und nicht-realistische Strömungen (Argentinier Borges, Cortazar), aber immer noch ist die führende Methode der magische Realismus. "Magischer Realismus" in der lateinamerikanischen Literatur wird mit der Synthese von Realismus und Folklore und mythologischen Ideen in Verbindung gebracht, und Realismus wird als Fantasie und fabelhafte, wunderbare, fantastische Phänomene als Realität wahrgenommen, die sogar noch materieller ist als die Realität selbst. Alejo Carpentier: „Die vielfältige und widersprüchliche Realität Lateinamerikas selbst erzeugt das „Wunderbare“ und man muss es nur in der Kunstsprache darstellen können.“
Seit den 1940er Jahren Die Europäer Kafka, Joyce, A. Gide und Faulkner begannen, einen bedeutenden Einfluss auf die lateinamerikanischen Schriftsteller auszuüben. In der lateinamerikanischen Literatur wurden formale Experimente jedoch in der Regel mit sozialen Fragen und manchmal mit offenem politischem Engagement verbunden. Bildeten die Regionalisten und Indigenisten lieber das ländliche Umfeld, so überwiegt in den Romanen der neuen Welle der urbane, kosmopolitische Hintergrund. Der Argentinier R. Arlt zeigte in seinen Arbeiten die innere Widersprüchlichkeit, Niedergeschlagenheit und Entfremdung des Städters. Die gleiche düstere Atmosphäre herrscht in der Prosa seiner Landsleute - E. Mallea (geb. 1903) und E. Sabato (geb. 1911), dem Autor des Romans "Über Helden und Gräber" (1961). Ein düsteres Bild des urbanen Lebens zeichnet der Uruguayer J. C. Onetti in den Romanen The Well (1939), A Brief Life (1950), The Skeleton Junta (1965). Borges, einer der berühmtesten Schriftsteller unserer Zeit, tauchte in eine autarke metaphysische Welt ein, die durch das Spiel der Logik, die Verflechtung von Analogien, die Konfrontation zwischen den Vorstellungen von Ordnung und Chaos geschaffen wurde. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts l.-a. Literatur präsentierte eine unglaubliche Fülle und Vielfalt an künstlerischer Prosa. Der Argentinier J. Cortazar lotet in seinen Erzählungen und Romanen die Grenzen von Realität und Fantasie aus. Der Peruaner Mario Vargas Llosa (geb. 1936) enthüllte die innere Verbindung von l.-a. Korruption und Gewalt mit einem Machismo-Komplex (Macho). Der Mexikaner Juan Rulfo, einer der größten Schriftsteller dieser Generation, hat in der Sammlung von Kurzgeschichten „The Plain on Fire“ (1953) und dem Roman (Geschichte) „Pedro Paramo“ (1955) ein tiefes mythologisches Substrat offenbart, das die Moderne definiert Wirklichkeit. Juan Rulfos Roman „Pedro Paramo“ nennt Marquez, wenn nicht der beste, nicht der umfangreichste, nicht der bedeutendste, so doch der schönste aller Romane, die je auf Spanisch geschrieben wurden. Marquez sagt über sich selbst, wenn er "Pedro Paramo" schreiben würde, würde ihm alles egal sein und er würde für den Rest seines Lebens nichts anderes mehr schreiben.
Der weltberühmte mexikanische Schriftsteller Carlos Fuentes (geb. 1929) widmete seine Werke dem Studium des Nationalcharakters. In Kuba stellte J. Lezama Lima den Prozess des künstlerischen Schaffens im Roman Paradise (1966) nach, während Alejo Carpentier, einer der Pioniere des „magischen Realismus“, im Roman „The Age of Enlightenment“ französischen Rationalismus mit tropischer Sensibilität verband. (1962). Aber das "magischste" der l.-a. Schriftsteller gilt als Autor des berühmten Romans „Hundert Jahre Einsamkeit“ (1967), Kolumbianer Gabriel Garcia Marquez (geb. 1928), Nobelpreisträger 1982. So L.-a. Romane wie The Betrayal of Rita Hayworth (1968) des Argentiniers M. Puig, Three Sad Tigers (1967) des Kubaners G. Cabrera Infante, Obscene Bird of the Night (1970) des Chilenen J. Donoso und andere.
Das interessanteste Werk der brasilianischen Literatur im Genre der dokumentarischen Prosa ist das Buch "Sertana" (1902), geschrieben von dem Journalisten E. da Cunha. Brasilianische Gegenwartsliteratur wird repräsentiert von Jorge Amado (geb. 1912), dem Schöpfer vieler regionaler Romane, die von einem Zugehörigkeitsgefühl zu sozialen Problemen geprägt sind; E. Verisima, der das Stadtleben in den Romanen Crossroads (1935) und Only Silence Remains (1943) reflektierte; und der größte brasilianische Schriftsteller des 20. Jahrhunderts. J. Rosa, der in seinem berühmten Roman Paths of the Great Sertan (1956) eine besondere künstlerische Sprache entwickelt hat, um die Psychologie der Bewohner der riesigen brasilianischen Halbwüsten zu vermitteln. Andere brasilianische Schriftsteller sind Raquel de Queiroz (Three Marys, 1939), Clarice Lispector (The Hour of the Star, 1977), M. Souza (Galves, The Emperor of the Amazon, 1977) und Nelida Pignon (Heat Things, 1980). .

Literatur:
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Mamontov S. P., Vielfalt und Einheit der Kulturen, "Lateinamerika", 1972, Nr. 3;
Torres-Rioseco A., Große lateinamerikanische Literatur, M., 1972.

Vortrag Nr. 26

Literatur Lateinamerikas

Planen

1. Besonderheiten der lateinamerikanischen Literatur.

2. Magischer Realismus im Werk von G. G. Marquez:

a) Magischer Realismus in der Literatur;

b) ein kurzer Überblick über das Leben und den Schaffensweg des Schriftstellers;

c) die ideologische und künstlerische Originalität des Romans Hundert Jahre Einsamkeit.

1. Besonderheiten der lateinamerikanischen Literatur

Mitte des 20. Jahrhunderts erlebt der lateinamerikanische Roman einen regelrechten Boom. Die Werke der argentinischen Schriftsteller Jorge Luis Borges und Julio Cortazar, des Kubaners Alejo Carpentier, des Kolumbianers Gabriel Garcia Marquez, des mexikanischen Schriftstellers Carlos Fuentes und des peruanischen Prosaautors Mario Vargas Lluos werden nicht nur außerhalb ihrer Länder, sondern auch außerhalb des Kontinents weithin bekannt. Etwas früher erlangten der brasilianische Prosaschriftsteller Jorge Amado und der chilenische Dichter Pablo Neruda weltweite Anerkennung. Das Interesse an der lateinamerikanischen Literatur kam nicht von ungefähr: Es war die Entdeckung der Kultur eines fernen Kontinents mit seinen eigenen Bräuchen und Traditionen, Natur, Geschichte und Kultur. Aber es geht nicht nur um den kognitiven Wert der Werke lateinamerikanischer Schriftsteller. Die Prosa Südamerikas hat die Weltliteratur mit Meisterwerken bereichert, deren Aussehen natürlich ist. Die lateinamerikanische Prosa der 1960er und 1970er Jahre machte den Mangel an Epik wett. Die oben aufgeführten Autoren sprachen im Namen der Menschen und erzählten der Welt von der Bildung neuer Nationen als Folge der europäischen Invasion des von Indianerstämmen bewohnten Kontinents, die die Präsenz von Vorstellungen über das Universum im Unterbewusstsein der Menschen widerspiegelte existierte in der präkolumbianischen Ära, offenbarte die Bildung einer mythopoetischen Vision von natürlichen und sozialen Umwälzungen unter den Bedingungen der Synthese verschiedener internationaler Kulturen. Darüber hinaus erforderte die Anziehungskraft auf das Genre des Romans von lateinamerikanischen Schriftstellern, Genremuster an spezifische Literatur anzupassen und anzupassen.

Der Erfolg lateinamerikanischer Schriftsteller war das Ergebnis der Verschmelzung von Geschichte und Mythos, epischer Tradition und avantgardistischer Suche, des raffinierten Psychologismus der Realisten und der Vielfalt der Bildformen des spanischen Barock. In der Vielfalt der Begabungen lateinamerikanischer Schriftsteller gibt es etwas, das sie verbindet, meist ausgedrückt durch die Formel „magischer Realismus“, in der die organische Einheit von Tatsache und Mythos fixiert ist.

2. Magischer Realismus im Werk von G. G. Marquez

A. Magischer Realismus in der Literatur

Der Begriff des magischen Realismus wurde von dem deutschen Kritiker F. Roch in seiner Monographie „Post-Expressionismus“ (1925) eingeführt, wo er die Herausbildung des magischen Realismus als eine neue Methode in der Kunst feststellte. Der Begriff magischer Realismus wurde ursprünglich von Franz Roch verwendet, um ein Gemälde zu beschreiben, das eine veränderte Realität darstellt.

Der Magische Realismus ist eine der radikalsten Methoden der künstlerischen Moderne, basierend auf der Ablehnung der für den klassischen Realismus charakteristischen Ontologisierung visueller Erfahrung. Elemente dieses Trends sind objektiv bei den meisten Vertretern der Moderne zu finden (obwohl nicht alle sich zu dieser Methode bekennen).

Der Begriff des magischen Realismus in Bezug auf die Literatur wurde erstmals 1931 vom französischen Kritiker Edmond Jaloux vorgeschlagen. Er schrieb: "Die Rolle des magischen Realismus besteht darin, in der Realität das Seltsame, Lyrische und sogar Fantastische zu finden - jene Elemente, die das alltägliche Leben für poetische, surrealistische und sogar symbolische Transformationen zugänglich machen."

Später verwendete der Venezolaner Arturo Uslar-Petri denselben Begriff, um die Arbeit einiger lateinamerikanischer Schriftsteller zu beschreiben. Der kubanische Schriftsteller Alejo Carpentier (ein Freund von Uslar-Petri) verwendete im Vorwort zu seiner Erzählung „Das Königreich der Erde“ (1949) den Begriff „lo real maravilloso“ (ungefähre Übersetzung – wundersame Wirklichkeit). Carpentiers Idee war es, eine Art erhöhte Realität zu beschreiben, in der seltsam wirkende Elemente des Wunderbaren auftauchen können. Die Werke von Carpentier hatten einen starken Einfluss auf den europäischen Boom des Genres, der in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts begann.

Elemente des magischen Realismus:

• Fantasy-Elemente können intern konsistent sein, werden aber nie erklärt;
• die Schauspieler akzeptieren die Logik der magischen Elemente und stellen sie nicht in Frage;
• zahlreiche Details der Sinneswahrnehmung;
• Symbole und Bilder werden oft verwendet;
• Emotionen und Sexualität des Menschen als soziales Wesen werden oft sehr detailliert beschrieben;
• der Lauf der Zeit wird so verzerrt, dass er zyklisch ist oder zu fehlen scheint. Eine andere Technik ist der Zusammenbruch der Zeit, wenn die Gegenwart die Vergangenheit wiederholt oder ihr ähnelt;
• Ursache und Wirkung werden vertauscht – zum Beispiel kann ein Charakter vor tragischen Ereignissen leiden;
• enthält Elemente der Folklore und/oder Legenden;
• Ereignisse werden aus alternativen Blickwinkeln dargestellt, dh die Stimme des Erzählers wechselt von der dritten in die erste Person, es gibt häufige Übergänge zwischen den Blickwinkeln verschiedener Charaktere und einen inneren Monolog über gemeinsame Beziehungen und Erinnerungen;
• die Vergangenheit kontrastiert mit der Gegenwart, das Astrale mit dem Physischen, die Charaktere miteinander;
• das offene ende des werks lässt den leser selbst bestimmen, was wahrer und dem aufbau der welt entsprechender war – phantastisch oder alltäglich.

B. Ein kurzer Überblick über Leben und Werk des Schriftstellers

Gabriel García Márquez(geb. 1928) ist zentral für die Prozessliteratur der lateinamerikanischen Länder. Nobelpreisträger (1982). Der kolumbianische Schriftsteller konnte anhand spezifischen historischen Materials die allgemeinen Muster der Zivilisationsbildung in Südamerika aufzeigen. Er kombinierte den alten präkolumbianischen Glauben der Völker, die einen fernen Kontinent bewohnten, mit den Traditionen der europäischen Kultur und enthüllte die Originalität des nationalen Charakters der Kreolen und Indianer. Er schuf das Heldenepos seines Volkes, das auf dem Material des Kampfes basiert für die Unabhängigkeit unter der Führung von Simon Bolivar, der Präsident von Kolumbien wurde. Daneben offenbarte Marquez eindrucksvoll die tragischen Folgen der Bürgerkriege, die Lateinamerika seit zwei Jahrhunderten erschüttern.

Der zukünftige Schriftsteller wurde in der Kleinstadt Aracataca an der Atlantikküste in eine erbliche Militärfamilie hineingeboren. Er studierte an der Juristischen Fakultät in Bogota und arbeitete mit der Presse zusammen. Als Korrespondent einer Zeitung der Hauptstadt besuchte er Rom und Paris.

1957 kam er während der Weltfestspiele der Jugend und Studenten nach Moskau. Seit den frühen 1960er Jahren lebt Marquez hauptsächlich in Mexiko.

In der Arbeit spielt die Handlung in einem abgelegenen kolumbianischen Dorf. Irgendwo in der Nähe liegt die in der Geschichte erwähnte Stadt Macondo, in der sich alle Ereignisse des Romans Hundert Jahre Einsamkeit (1967) konzentrieren werden. Aber wenn in der Geschichte "Niemand schreibt an den Colonel" der Einfluss von E. Hemingway spürbar ist, der ähnliche Charaktere darstellte, dann macht sich im Roman die Tradition von W. Faulkner bemerkbar, der eine winzige Welt, in der die Gesetze des Universums widerspiegeln.

In den nach Hundert Jahren Einsamkeit entstandenen Werken entwickelt der Schriftsteller ähnliche Motive weiter. Nach wie vor beschäftigt ihn das aktuelle Problem der lateinamerikanischen Länder: "Der Tyrann und das Volk". In dem Roman „Herbst des Patriarchen“ (1975) entwirft Marquez das allgemeinste Bild des Herrschers eines namenlosen Landes. Mit grotesken Bildern macht der Autor das auf Unterdrückung und freiwilliger Unterwerfung basierende Verhältnis zwischen dem totalitären Herrscher und dem Volk sichtbar, das für die politische Geschichte der lateinamerikanischen Länder im 20. Jahrhundert charakteristisch ist.

B. Ideologische und künstlerische Originalität des Romans „Hundert Jahre Einsamkeit“

Hundert Jahre Einsamkeit wurde 1967 in Buenos Aires veröffentlicht. Der Schriftsteller ging 20 Jahre lang zu dieser Arbeit. Der Erfolg war überwältigend. Die Auflage betrug in 3,5 Jahren mehr als eine halbe Million Exemplare, was für Lateinamerika sensationell ist. Die Welt spricht von einer neuen Ära in der Geschichte des Romans und des Realismus. Auf den Seiten zahlreicher Werke blitzte der Begriff "magischer Realismus" auf. So wurde der Erzählstil definiert, der Marquez' Roman und den Werken vieler lateinamerikanischer Schriftsteller innewohnt.

Der „magische Realismus“ ist von grenzenloser Freiheit geprägt, mit der die Schriftsteller Lateinamerikas die Sphäre der Erdung des Alltags und die Sphäre der innersten Bewusstseinstiefen vergleichen.

Die Stadt Macondo, gegründet vom Vorfahren des Clans der Familie Buenía, dem neugierigen und naiven José Arcadio, ist seit hundert Jahren das Zentrum des Geschehens. Dies ist ein symbolisches Bild, in dem das lokale Flair eines halb ländlichen Dorfes und die Merkmale der Stadt, die für die moderne Zivilisation charakteristisch sind, verschmolzen sind.

Unter Verwendung folkloristischer und mythologischer Motive und der Parodie verschiedener künstlerischer Traditionen schuf Marquez eine phantasmagorische Welt, deren Geschichte, die die realen historischen Merkmale Kolumbiens und ganz Lateinamerikas bricht, auch als Metapher für die Entwicklung der Menschheit insgesamt verstanden wird.

Der exzentrische Jose Arcadio Buendia, der Gründer der verzweigten Familie Buendia, erlag in dem von ihm gegründeten Dorf Macondo der Versuchung der Zigeunerin Melquíades und glaubte an die wundersame Kraft der Alchemie.

Der Autor führt die Alchemie in den Roman ein, nicht nur um die Exzentrik von José Arcadio Buendia zu zeigen, der abwechselnd die Magie des Magnetismus, der Lupe und des Fernglases liebte. Tatsächlich befahl José Arcadio Buendía, „der klügste Mann des Dorfes, die Häuser so zu bauen, dass niemand mehr Mühe aufwenden musste als die anderen, um zum Fluss zu gehen, um Wasser zu holen; Er markierte die Straßen so intelligent, dass in den heißen Stunden des Tages die gleiche Menge Sonnenlicht auf jede Wohnung fiel. Alchemie im Roman ist eine Art Refrain der Einsamkeit, nicht der Exzentrizität. Der Alchemist ist ebenso exzentrisch wie einsam. Und doch ist Einsamkeit primär. Man kann durchaus sagen, dass die Alchemie das Los der einsamen Exzentriker ist. Außerdem ist Alchemie eine Art Abenteurertum, und im Roman sind fast alle Männer und Frauen des Buendia-Clans Abenteurer.

Die spanische Forscherin Sally Ortiz Aponte glaubt, dass "der Stempel der Esoterik auf der lateinamerikanischen Literatur liegt". Der auf lateinamerikanischen Boden gefallene Wunder- und Hexenglaube, der besonders für das europäische Mittelalter charakteristisch war, wurde mit indianischen Mythen angereichert. Magie als integraler Bestandteil des Seins ist nicht nur in den Werken von Marquez präsent, sondern auch in anderen großen lateinamerikanischen Schriftstellern – den Argentiniern Jorge Luis Borges und Julio Cortazar, dem Guatemalteken Miguel Angel Asturias und dem Kubaner Alejo Carpentier. Fiktion als literarisches Mittel ist im Allgemeinen charakteristisch für die spanischsprachige Literatur.

Seit über einem Jahrtausend jagen Alchemisten den Stein der Weisen. Schließlich glaubte man, dass der Glückliche, der es besitzt, nicht nur sagenhaft reich wird, sondern auch ein Allheilmittel gegen alle Krankheiten und Altersleiden erhält.

Der Held des Romans brauchte einen Stein der Weisen, da er von Gold träumte: „Von der Einfachheit der Formeln zum Verdoppeln von Gold verführt, machte Jose Arcadio Buendia Ursula mehrere Wochen lang den Hof und lockte ihre Erlaubnis, alte Münzen aus der geschätzten Kiste zu holen und zu vermehren sie so oft wie viele Teile getrennt werden können das Quecksilber ... José Arcadio Buendía warf dreißig Dublonen in einen Topf und schmolz sie zusammen mit dem Orpiment, Kupferspänen, Quecksilber und Blei. Dann goss er alles in einen Topf mit Rizinusöl und kochte es bei starker Hitze, bis ein dicker, stinkender Sirup entstand, der nicht doppeltem Gold, sondern gewöhnlicher Melasse ähnelte. Nach verzweifelten und riskanten Versuchen der Destillation, dem Schmelzen mit den sieben Planetenmetallen, der Behandlung mit hermetischem Quecksilber und Vitriol, dem wiederholten Kochen in Schmalz – aus Mangel an seltenem Öl – verwandelte sich Ursulas kostbares Erbe in verbrannte Grieben, die nicht vom Boden abgerissen werden konnten Der Topf.

Wir glauben nicht, dass García Márquez die Chemie ausdrücklich der Alchemie entgegengesetzt hat, aber es stellte sich heraus, dass Abenteurer und Verlierer mit der Alchemie in Verbindung gebracht wurden und ganz anständige Menschen mit der Chemie verwandt waren. Die lateinamerikanische Forscherin Maria Eulalia Montener Ferrer enthüllt die Etymologie des Nachnamens Buendia, der wie der übliche Gruß buen dia – Guten Tag – klingt. Es stellt sich heraus, dass dieses Wort lange Zeit eine andere Bedeutung hatte: Es war der Name der hispanischen Einwanderer aus der Alten Welt - "Verlierer und mittelmäßige Menschen".

Die Handlung des Romans setzt sich im 19. Jahrhundert fort. Dieser Zeitpunkt ist jedoch bedingt, da der Autor die Ereignisse als in diesem bestimmten Zeitraum und immer auftretend darstellt. Die Konturen der Datteln sind vage, daher entsteht das Gefühl, dass die Familie Buendia in archaischen Zeiten geboren wurde.

Eine der seltsamen Umwälzungen des Romans hängt mit dem Gedächtnisverlust der alten und jungen Buendia und dann aller Einwohner von Macondo zusammen. Der Verlust der Vergangenheit bedroht die Menschen mit Selbstwert- und Integritätsverlust. Das Epos erfüllt die Funktion des historischen Gedächtnisses. In Kolumbien gab es, wie in anderen Ländern dieses Kontinents, kein Heldenepos. Marquez übernimmt eine außergewöhnliche Mission: den Mangel an Epik mit seiner Arbeit zu kompensieren. Der Autor sättigt die Erzählung mit Mythen, Legenden und Überzeugungen, die in der lateinamerikanischen Gesellschaft existierten. All dies verleiht dem Roman eine volkstümliche Note.

Das Heldenepos verschiedener Völker widmet sich der Bildung des Clans und dann der Familie. Der Zusammenschluss einzelner Clans zu einem einzigen Clan war das Ergebnis von Kriegen, die die Menschen in Freunde und Feinde spalteten. Aber Marquez ist ein Schriftsteller des 20. Jahrhunderts, daher ist er, obwohl er eine ethisch neutrale Art der Nachbildung von Kampfereignissen beibehält, dennoch davon überzeugt, dass der Krieg und insbesondere der Bürgerkrieg die größte Katastrophe der modernen Zivilisation sind.

Der Roman zeichnet die Familienchronik von sechs Generationen von Buendia nach. Manche Verwandte entpuppen sich als Gäste auf Zeit in der Familie und auf der Erde, sterben jung oder verlassen das Haus des Vaters. Andere, wie Big Mama, bleiben ein Jahrhundert lang die Wächter des Familienherds. In der Familie Buendía gibt es Anziehungs- und Abstoßungskräfte. Blutsbande sind untrennbar, aber Amarantas versteckter Hass auf die Frau ihres Bruders treibt sie in die Kriminalität. Und die überpersönliche Sehnsucht nach der Familie verbindet Jose Arcadio und Rebeca nicht nur durch die Familie, sondern auch durch die Ehe. Beide werden in die Familie Buendia adoptiert und festigen durch die Eheschließung ihre Hingabe an die Familie. All dies geschieht nicht als Ergebnis einer Berechnung, sondern auf einer unterbewussten intuitiven Ebene.

Die Rolle des epischen Helden wird im Roman von Aureliano Buendia gegeben. Was bringt einen Amateurdichter und einen bescheidenen Juwelier dazu, sein Handwerk aufzugeben, die Werkstatt zu verlassen und in die weite Welt zu ziehen, ohne eigentlich politische Ideale zu haben? Dafür gibt es im Roman nur eine Erklärung: So wurde er für ihn geschrieben. Der epische Held errät seine Mission und führt sie aus.

Aureliano Buendia erklärte sich selbst zum Zivil- und Militärherrscher und gleichzeitig zum Oberst. Er ist kein richtiger Oberst, er hat am Anfang nur zwanzig junge Schläger unter den Armen. Im Bereich von Politik und Krieg verzichtet Marquez nicht auf groteske und phantastische Schreibtechniken, sondern strebt nach Authentizität bei der Darstellung politischer Umwälzungen.

Die Biographie des Helden beginnt mit dem berühmten Satz: „Oberst Aureliano Buendia hat zweiunddreißig bewaffnete Aufstände angezettelt und alle zweiunddreißig verloren. Er hatte siebzehn männliche Kinder von siebzehn Frauen, und alle seine Söhne wurden in einer einzigen Nacht getötet, bevor der älteste von ihnen fünfunddreißig Jahre alt war.

Oberst Aureliano Buendia erscheint in der Geschichte in verschiedenen Gestalten. Untergebene und seine Umgebung sehen ihn im Bereich des Helden, seine Mutter betrachtet ihn als Henker seines eigenen Volkes und seiner Familie. Er zeigt Wunder des Mutes und ist unverwundbar gegen Kugeln, Gift und Dolche, aber wegen seines leichtsinnigen Wortes sterben alle seine Söhne.

Als Idealist führt er eine Armee von Liberalen an, erkennt aber bald, dass seine Verbündeten sich nicht von Feinden unterscheiden, da sie beide um Macht und Landbesitz kämpfen. Nachdem Colonel Buendia an die Macht gekommen ist, ist er zu völliger Einsamkeit und Degradierung der Persönlichkeit verdammt. In seinen Träumen die Heldentaten von Bolivar wiederholend und die politischen Slogans von Che Guevara vorwegnehmend, träumt der Oberst von einer Revolution in ganz Lateinamerika. Der Autor beschränkt die revolutionären Ereignisse auf den Rahmen einer Stadt, in der ein Nachbar im Namen seiner eigenen Ideen einen Nachbarn erschießt, Bruder - Bruder. Der Bürgerkrieg in der Interpretation von Marquez ist ein Bruderkrieg im wörtlichen und übertragenen Sinne.

Die Familie Buendia ist dazu bestimmt, hundert Jahre zu bestehen. Die Namen der Eltern und Großväter werden sich in den Nachkommen wiederholen, ihre Schicksale werden unterschiedlich sein, aber jeder, der bei der Geburt die Namen Aureliano oder Jose Arcadio erhält, wird familiäre Eigenheiten und Exzentrizitäten, übermäßige Leidenschaften und Einsamkeit erben.

Einsamkeit, die allen Marques-Charakteren innewohnt, ist eine Leidenschaft für Selbstbestätigung, indem man auf geliebten Menschen herumtrampelt. Besonders deutlich wird die Einsamkeit, als Oberst Aureliano auf dem Höhepunkt seines Ruhms einen Kreis von drei Metern Durchmesser um sich ziehen lässt, damit sich ihm niemand, nicht einmal seine Mutter, zu nähern wagt.

Nur die Urahnin Ursula ist frei von egoistischen Gefühlen. Mit ihrem Untergang stirbt auch die Familie aus. Die Buendias werden die Segnungen der Zivilisation berühren, sie werden vom Bankenfieber erfasst, einige von ihnen werden reich, einige werden bankrott gehen. Aber die Zeit der Billigung bürgerlicher Gesetze ist nicht ihre Zeit. Sie gehören der geschichtlichen Vergangenheit an und verlassen Macondo lautlos einer nach dem anderen. Eine unkenntlich veränderte Stadt, gegründet von den ersten Buendia, wird von einem Orkan zerstört.

Die stilistische Vielfalt des Romans "Hundert Jahre Einsamkeit", das komplexe Verhältnis von Fantasie (dem wichtigsten konstruktiven Element der künstlerischen Welt des Schriftstellers) und Realität, spiegelt die Mischung aus prosaischem Ton, Poesie, Fantasie und Groteske wider die Meinung des Autors, die sehr "phantastische lateinamerikanische Realität", unglaublich und alltäglich zugleich, die am anschaulichsten die Methode des "magischen Realismus" illustriert, die von den lateinamerikanischen Prosaautoren der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts erklärt wurde.

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