Biographie von Albrecht Dürer. Schullexikon Dürer Künstlerwerk

Details Kategorie: Bildende Kunst und Architektur der Renaissance (Renaissance) Posted on 26.12.2016 17:45 Views: 3341

Albrecht Dürer ist ein vielseitiger Meister, ein wahrer Universalmensch, der als „Leonardo da Vinci des Nordens“ gilt.

Er zeichnete sich durch Malerei, Zeichnung, Gravur, Exlibris und Glasmalerei aus. Dürer erlangte Berühmtheit als Mathematiker (vor allem als Geometer). Er fertigte drei berühmte Holzschnitte an, die Karten der südlichen und nördlichen Hemisphäre des Sternenhimmels und der östlichen Hemisphäre der Erde darstellen. Er verfasste mehrere Abhandlungen, die zu den ersten Werken in Nordeuropa wurden, die sich der theoretischen Systematisierung des Wissens über Kunst widmeten. Er schuf das vor allem für Künstler bestimmte Werk „Anleitung zum Messen mit Zirkel und Lineal“. In den letzten Jahren seines Lebens widmete Albrecht Dürer der Verbesserung der Verteidigungsanlagen, die durch die Entwicklung von Schusswaffen verursacht wurde, große Aufmerksamkeit.
Auch auf dem Gebiet der Druckgraphik kannte Dürer seinesgleichen – auf dem Gebiet des Holzschnitts galt er als Meister auf europäischem Niveau.
Albrecht Dürer (1471-1528)- Deutscher Maler und Grafiker, einer der größten Meister der nördlichen Renaissance.

Albrecht Dürer. Selbstporträt (1500). Alte Pinakothek (München)

Frühe Jahre und Jugend

A. Dürer wurde 1471 in Nürnberg in der Familie des ungarischen Juweliers Albrecht Dürer geboren. Es gab 18 Kinder in der Familie. Albrecht Jr. war das dritte Kind und der zweite Sohn der Familie.

A. Dürer. Barbara Dürer, geb. Holper, die Mutter des Künstlers. Deutsches Nationalmuseum (Nürnberg)

A. Dürer. Albrecht Dürer der Ältere, der Vater des Künstlers. Uffizien (Florenz)

Zunächst mieteten die Dürers die Hälfte des Hauses von dem Juristen und Diplomaten Johann Pirckheimer. Sein Sohn Johann Willibald wurde zu einem der aufgeklärtesten Menschen Deutschlands, Dürer war Zeit seines Lebens mit ihm befreundet.
Albrecht besuchte eine Lateinschule. Schmuck zog ihn nicht an, er entschied sich für Malerei. Mit 15 Jahren trat Albrecht in das Atelier des damals berühmten Nürnberger Künstlers Michael Wolgemuth ein. Dort beherrschte er auch den Holzstich.

Reisen

1490 begannen Dürers Reisen, deren Zweck es war, Fähigkeiten von den Meistern Deutschlands und anderer Länder zu erwerben: Schweiz, Niederlande. Im Elsass erlernte er bei Ludwig Schongauer die Kupferstichtechnik. In Basel arbeitete er mit Georg Schongauer zusammen, um einen neuen Stil der Buchillustration zu entwickeln. Es wird vermutet, dass Dürer hier an der Entstehung der berühmten Holzschnitte zum „Narrenschiff“ von Sebastian Brant beteiligt war.

Illustration von A. Dürer

In Straßburg schuf A. Dürer sein „Selbstbildnis mit Distel“ (1493) und schickte es in seine Geburtsstadt.

Vielleicht markierte dieses Selbstporträt den Beginn eines neuen Abschnitts im persönlichen Leben des Künstlers und war als Geschenk für seine Verlobte gedacht. 1494 kehrte er nach Nürnberg zurück und heiratete bald darauf die Tochter der väterlichen Freundin, Kupferschmiedin, Musikerin und Mechanikerin Agnese Frey.

A. Dürer. Agnes Dürer. Federzeichnung (1494)

Mit der Heirat stieg Dürers gesellschaftlicher Status – nun hatte er das Recht, ein eigenes Unternehmen zu gründen. Das Familienleben des Künstlers war jedoch aufgrund der unterschiedlichen Charaktere und Ansichten der Ehepartner nicht glücklich. Sie hatten keine Kinder.
1494 ging Dürer nach Italien. Und 1495 eröffnete er seine eigene Werkstatt in Nürnberg und beschäftigte sich die nächsten 10 Jahre mit Gravuren. Später beschäftigte er sich mit dem Kupferstich. Dürer schuf 15 Holzschnitte für das Buch Apokalypse. Sie brachten ihm europäischen Ruhm. Auch für andere Werke, unter anderem von antiken Autoren, wurden Illustrationen erstellt.
Im letzten Jahrzehnt des fünfzehnten Jahrhunderts der Künstler schuf mehrere Bildporträts und ein Selbstporträt.

A. Dürer. Selbstporträt (1498). Prado-Museum (Madrid)

1502 starb sein Vater und Albrecht kümmerte sich um seine Mutter und seine beiden jüngeren Brüder (Endres und Hans).
1505 ging Dürer nach Venedig und blieb dort 2 Jahre. Er lernte die Arbeiten der Künstler der venezianischen Schule kennen, was seinen Malstil beeinflusste. Die Gemälde von Giovanni Bellini machten einen besonderen Eindruck auf ihn.
Dann besuchte der Künstler Bologna, Padua, Rom.

Museum Dürerhaus

Nach seiner Rückkehr nach Nürnberg kaufte Dürer ein Haus in der Zisselgasse, das heutige Dürer-Haus-Museum.
Im Auftrag des Nürnberger Kaufmanns Matthias Landauer malte er den Altar „Anbetung der Heiligen Dreifaltigkeit“.

Landauer Altar (1511). Kunsthistorisches Museum (Wien)

Aber seine Hauptanstrengungen zielten darauf ab, die Fähigkeiten des Gravierens und ab 1515 das Ätzen (eine Art Gravieren auf Metall) zu verbessern.
Seit 1512 wurde Kaiser Maximilian I. zum wichtigsten Förderer des Künstlers.

A. Dürer "Bildnis Maximilians I."

Dürer beginnt mit der Arbeit an seinen Aufträgen: Er führt den Arc de Triomphe auf, beschäftigt sich mit monumentalen Holzschnitten (3,5 m x 3 m), die aus Drucken von 192 Tafeln bestehen. Die grandiose Komposition zu Ehren Maximilians sollte die Wand schmücken. Als Vorbild dienten ihm die antiken römischen Triumphbögen. 1513 beteiligte er sich zusammen mit anderen Künstlern an der Illustration (Federzeichnungen) eines der fünf Exemplare des Gebetbuchs von Kaiser Maximilian.

Seite aus dem Gebetbuch

1520 reiste der Künstler mit seiner Frau in die Niederlande. Hier arbeitete er im Genre der Porträtgrafik, traf sich mit lokalen Meistern und half ihnen bei der Arbeit am Triumphbogen für den feierlichen Einzug Kaiser Karls. In den Niederlanden war Dürer, ein berühmter Künstler, überall ein gern gesehener Gast. Der Magistrat von Antwerpen wollte ihn sogar in der Stadt behalten und bot ihm eine jährliche Zulage von 300 Gulden, ein Haus als Geschenk, Unterstützung, Zahlung aller seiner Steuern. Doch 1521 kehrten die Dürers nach Nürnberg zurück.

letzten Lebensjahre

In seinen letzten Lebensjahren war Dürer viel als Maler tätig. Eines der bedeutendsten Gemälde der letzten Jahre ist das Diptychon „Vier Apostel“, das er 1526 dem Rat der Stadt überreichte. Es war sein letztes Werk. Zurück in den Niederlanden erkrankte Dürer an einer unbekannten Krankheit – vielleicht war es Malaria. Er litt bis zu seinem Lebensende an Anfällen dieser Krankheit. Bis in die letzten Tage bereitete Dürer seine theoretische Abhandlung über die Proportionen zur Veröffentlichung vor. Albrecht Dürer starb am 6. April 1528 in seiner Geburtsstadt Nürnberg.

Künstlerische Arbeit von Albrecht Dürer

Malen

Dürer träumte seit seiner Kindheit vom Malen. Seine Bilder zeichnen sich durch ungewöhnliches Denken und ständige Suche nach Ausdrucksmitteln aus.
In Venedig schuf der Künstler das Gemälde „Christus unter den Lehrern“ (1506).

Brett, Öl. 65x80 cm Thyssen-Bornemisza-Museum (Madrid)

Dürer stellte auf diesem Bild eine Verschwörung aus dem Evangelium dar, die erzählt, wie Joseph, Maria und der 12-jährige Jesus zur Osterfeier in Jerusalem ankamen. Als es Zeit war, nach Hause zurückzukehren, blieb Jesus in Jerusalem. Drei Tage lang suchten besorgte Eltern nach ihm und fanden ihn schließlich im Tempel in Jerusalem, wo er mit gelehrten Weisen debattierte: „Drei Tage später fanden sie ihn im Tempel, wie er unter den Lehrern saß, ihnen zuhörte und fragte sie Fragen; Alle, die ihn hörten, staunten über sein Verständnis und seine Antworten.“
Der Künstler verzichtet auf Details und lässt mit einer Nahaufnahme der Gesichter der Weisen und Christi die "Spannung des Streits" spüren. Im Zentrum der Komposition stehen die Hände von Jesus, der seine Argumente in einem Gespräch zählt, und die Hände eines der Lehrer, die von „Nervosität und Verlegenheit“ zeugen. Dieser Weise hat eine helle Karikaturerscheinung, die zu mehreren Interpretationen Anlass gab. Es wird angenommen, dass Dürer die Theorie der vier Temperamente illustriert hat, die den menschlichen Charakteren zugrunde liegen.
Er schuf viele Altarbilder.

Heller-Altar (1507-1511)

Der „Geller Altar“ ist ein Altarbild in Form eines Triptychons, das Albrecht Dürer zusammen mit Matthias Grunewald im Auftrag des Patriziers Jacob Heller für die Kirche des Dominikanerklosters in Frankfurt am Main geschaffen hat Hauptsächlich. Ein Teil davon ist nur in einer Kopie aus dem 16. Jahrhundert erhalten. Künstler Jobst Harrich.

Albrecht Dürer "Vier Apostel" (1526). Öl. 215x76 cm Alte Pinakothek (München)

Das Bild (Diptychon) besteht aus zwei vertikalen schmalen Flügeln, die aneinander befestigt sind. Auf dem linken Flügel sind die Apostel Johannes und Petrus dargestellt, auf dem rechten - Markus und Paulus. Die Apostel sind im selben Raum, stehen auf derselben Etage. Kompositorisch und spirituell sind sie eins. Dürer schafft ein künstlerisches Beispiel menschlicher Charaktere und Köpfe, die nach den hohen Sphären des Geistes streben - das ist die Vorstellung des Meisters von einem solchen Menschen, wie er sein sollte.
Dürer überreichte das Gemälde seiner Geburtsstadt Nürnberg, es befand sich im Saal des Rathauses, wo die wichtigsten Angelegenheiten der Stadtverwaltung entschieden wurden. Maximilian I. forderte die Übersendung des Gemäldes nach München.
Im Erwachsenenalter arbeitete Dürer intensiv am Porträt und setzte die Tradition fort, die sich in der Malerei Nordeuropas entwickelt hatte: Das Modell wurde in einer Dreiviertelansicht vor dem Hintergrund einer Landschaft dargestellt, alle Details wurden sehr sorgfältig und sorgfältig herausgearbeitet realistisch.
Mit dem Namen Dürer ist die Herausbildung des nordeuropäischen Selbstporträts als eigenständige Gattung verbunden.

Zeichnungen von Albrecht Dürer

Dürer offenbart sich als Künstler am meisten in der Zeichnung, weil. seine bildnerische arbeit hing hauptsächlich von der willkür der kunden ab, und in der zeichnung war er frei.
Ungefähr tausend Zeichnungen von Dürer sind erhalten, einschließlich seiner Studentenarbeiten. Die Zeichnungen des Künstlers zeigen Landschaften, Porträts, Skizzen von Menschen, Tieren und Pflanzen. Tierische und botanische Zeichnungen sind geprägt von Beobachtung, Treue in der Übertragung der natürlichen Formen des Bildgegenstandes.

A. Dürer "Hase". Papier, Aquarell, Gouache, Tünche. 25,1 x 22,6 cm Galerie Albertina (Wien)

Grafiken von Albrecht Dürer

Nach der Veröffentlichung der Apokalypse wurde Dürer in Europa als Meisterstecher berühmt.
Albrecht Dürer schuf 374 Holzschnitte und 83 Kupferstiche. Gedruckte Grafiken wurden zu seiner Haupteinnahmequelle. Neben traditionellen biblischen und neuantiken entwickelte Dürer auch alltägliche Sujets im Kupferstich.
Dürers Kupferstich „Adam und Eva“ (1504) ist ein Meisterwerk der Metallgravur.

A. Dürer "Adam und Eva" (1504)

1513-1514. Dürer schuf drei graphische Blätter, Meisterwerke der Kupferstichkunst, die unter dem Namen „Meisterstiche“ in die Kunstgeschichte eingegangen sind: „Ritter, Tod und Teufel“, „Der heilige Hieronymus in der Zelle“ und „Melancholie“.

A. Dürer "Melancholie". Kupferstich. 23,9 x 18,8 cm Staatliche Eremitage (Petersburg)

"Melancholia" gilt als eines der mysteriösesten Werke von Dürer, es zeichnet sich durch die Komplexität und Nichtoffensichtlichkeit der Idee, die Helligkeit von Symbolen und Allegorien aus.

Exlibris von Albrecht Dürer

Exlibris- ein Lesezeichen, das den Besitzer des Buches bestätigt. Das Exlibris wird auf das linke Vorsatzblatt des Buches geklebt oder gestempelt.
Insgesamt sind 20 Exlibris von Dürer bekannt, davon sind 7 im Projekt und 13 fertig. Das erste Exlibris fertigte Dürer für seinen Freund, Schriftsteller und Bibliophilen Willibald Pirckheimer an. Der Künstler fertigte 1523 sein eigenes Exlibris mit dem Wappen der Dürer an. Das Bild einer offenen Tür auf dem Schild weist auf den Namen „Dürer“ hin. Adlerflügel und schwarze Männerhaut sind Symbole der süddeutschen Heraldik; sie wurden auch von der Nürnberger Familie von Dürers Mutter benutzt.

Wappen von Albrecht Dürer (1523)

Dürer war der erste Künstler, der sein Wappen und das berühmte Monogramm (ein Großbuchstabe A und ein D darin eingraviert) schuf und verwendete, später hatte er viele Nachahmer.

Dürers Monogramm

Glasfenster von Albrecht Dürer

Es ist nicht bekannt, ob Dürer persönlich an Glasarbeiten beteiligt war, aber viele von ihnen wurden nach seinen Skizzen hergestellt.

Mose empfängt die Zehn Gebote. Glasfenster nach einer Zeichnung von Albrecht Dürer für die Kirche St. Jakob in Straubing (1500)

Albrecht Dürer war ein berühmter Mathematiker (Geometer), er machte ein magisches Quadrat: Er ordnete die Zahlen von 1 bis 16 so an, dass sich nicht nur senkrecht, waagerecht und diagonal die Summe 34 ergibt, sondern auch in allen vier Vierteln, im mittleren Viereck und sogar beim Addieren von Zahlen aus vier Eckzellen. Die Summe aller Zahlenpaare, die symmetrisch zur Mitte des Quadrats liegen, ist 17.

Dürers magisches Quadrat (Fragment seines Kupferstichs „Melancholie“)

Albrecht Dürer (deutsch: Albrecht Dürer, 21. Mai 1471, Nürnberg - 6. April 1528, Nürnberg) war ein deutscher Maler und Grafiker, einer der größten Meister der westeuropäischen Renaissance. Anerkannt als größter europäischer Meister des Holzschnitts, der ihn zur Kunst erhoben hat. Der erste Kunsttheoretiker unter den nordeuropäischen Künstlern, Autor eines praktischen Leitfadens zur bildenden und dekorativen Kunst in deutscher Sprache, der die Notwendigkeit einer vielseitigen Entwicklung von Künstlern befürwortete. Begründer der vergleichenden Anthropometrie. Darüber hinaus hinterließ er einen bemerkenswerten Eindruck in der militärischen Ingenieurskunst. Der erste europäische Künstler, der eine Autobiografie verfasste.

Der zukünftige Künstler wurde am 21. Mai 1471 in Nürnberg in der Familie des Juweliers Albrecht Dürer, der Mitte des 15. Jahrhunderts aus Ungarn in diese deutsche Stadt kam, und Barbara Holper geboren. Die Dürers hatten achtzehn Kinder, einige starben, wie Dürer der Jüngere selbst schrieb, "in ihrer Jugend, andere als sie heranwuchsen". 1524 lebten nur noch drei der Dürer-Kinder - Albrecht, Hans und Endres.

Der zukünftige Künstler war das dritte Kind und der zweite Sohn in der Familie. Sein Vater, Albrecht Dürer der Ältere, übersetzte seinen ungarischen Familiennamen Aytosi (ungarisch Ajtósi, vom Namen des Dorfes Aytosh, vom Wort ajtó – „Tür“) wörtlich ins Deutsche als Türer; später wurde es unter dem Einfluss der fränkischen Aussprache umgewandelt und begann, Dürer geschrieben zu werden. Albrecht Dürer der Jüngere erinnerte sich an seine Mutter als eine fromme Frau, die ein schwieriges Leben führte. Möglicherweise durch ihre häufigen Schwangerschaften geschwächt, war sie oft krank. Dürers Pate war der berühmte deutsche Verleger Anton Koberger.

Die Dürers mieteten für einige Zeit die Hälfte des Hauses (neben dem zentralen Markt der Stadt) von dem Rechtsanwalt und Diplomaten Johann Pirckheimer. Daher die enge Bekanntschaft zweier Familien unterschiedlicher städtischer Stände: der Pirckheimer Patrizier und der Dürer Handwerker. Mit Johanns Sohn Willibald, einem der aufgeklärtesten Menschen Deutschlands, war Dürer der Jüngere Zeit seines Lebens befreundet. Dank ihm gelangte der Künstler später in den Kreis der Nürnberger Humanisten, deren Anführer Pirkheimer war, und wurde dort zu einer eigenen Person.

Ab 1477 besuchte Albrecht eine Lateinschule. Zunächst zog der Vater seinen Sohn an, um in einer Schmuckwerkstatt zu arbeiten. Albrecht wollte jedoch malen. Obwohl der ältere Dürer die Zeit bedauerte, die er damit verbracht hatte, seinen Sohn zu unterrichten, gab er seinen Bitten nach, und im Alter von 15 Jahren wurde Albrecht in die Werkstatt des führenden Nürnberger Künstlers dieser Zeit, Michael Wolgemuth, geschickt. Dürer selbst sprach darüber in der von ihm am Ende seines Lebens geschaffenen „Familienchronik“, einer der ersten Autobiographien der westeuropäischen Kunstgeschichte.

Wolgemut Dürer beherrschte nicht nur die Malerei, sondern auch die Gravur auf Holz. Wolgemuth fertigte zusammen mit seinem Stiefsohn Wilhelm Pleidenwurff Stiche für Hartmann Schedels Chronik an. Bei der Arbeit an dem meist illustrierten Buch des 15. Jahrhunderts, das in Fachkreisen als Buch der Chronik gilt, wurde Wolgemut von seinen Schülern unterstützt. Einer der Stiche dieser Edition, „Totentanz“, wird Albrecht Dürer zugeschrieben.

Der Überlieferung nach endete das Studium 1490 mit Wanderjahren, in denen der Lehrling bei Meistern aus anderen Bereichen Fertigkeiten erlernte. Dürers Studienreise dauerte bis 1494. Seine genaue Reiseroute ist unbekannt, er bereiste eine Reihe von Städten in Deutschland, der Schweiz und (laut einigen Forschern) den Niederlanden, um sich weiter in der bildenden Kunst und der Verarbeitung von Materialien zu verbessern. 1492 hielt sich Dürer im Elsass auf. Er hatte nicht die Zeit, wie er wollte, den in Colmar lebenden Martin Schongauer zu sehen, einen Künstler, dessen Werk den jungen Künstler, einen renommierten Kupferstecher, stark beeinflusste. Schongauer starb am 2. Februar 1491. Dürer wurde von den Brüdern des Verstorbenen (Kaspar, Paul, Ludwig) ehrenvoll empfangen und Albrecht hatte Gelegenheit, einige Zeit im Atelier des Künstlers zu arbeiten. Vermutlich mit Hilfe von Ludwig Schongauer beherrschte er die Kupferstichtechnik, die damals vor allem von Juwelieren praktiziert wurde. Später zog Dürer nach Basel (vermutlich vor Anfang 1494), das damals eines der Zentren des Buchdrucks war, zum vierten Bruder von Martin Schongauer, Georg. Um diese Zeit erschienen in den in Basel gedruckten Büchern Illustrationen in einem neuen, zuvor uncharakteristischen Stil. Der Autor dieser Illustrationen erhielt von Kunsthistorikern den Namen „Master Bergman Printing House“. Nach dem Fund der gestochenen Tafel des Titelblattes zur Ausgabe der St. Hieronymus“ von 1492, rückseitig mit dem Namen Dürer signiert, wurden ihm die Werke des „Druckmeisters Bergman“ zugeschrieben. In Basel dürfte Dürer an der Entstehung der berühmten Holzschnitte zum „Narrenschiff“ von Sebastian Brant beteiligt gewesen sein (Erstausgabe 1494, 75 Stiche für dieses Buch werden dem Künstler zugeschrieben). Es wird angenommen, dass Dürer in Basel an Stichen für die Veröffentlichung von Terenz' Komödien (unvollendet geblieben, nur 13 von 139 Tafeln wurden abgeschnitten), Der Ritter der Wende (45 Stiche) und ein Gebetbuch (20 Stiche) gearbeitet hat. (Der Kunstkritiker A. Sidorov hielt es jedoch nicht für sinnvoll, alle Basler Stiche Dürer zuzuschreiben).

Dies ist Teil eines Wikipedia-Artikels, der unter der CC-BY-SA-Lizenz verwendet wird. Vollständiger Text des Artikels hier →

Der Inhalt der gewaltig tobenden Ära, ihre ideologischen Errungenschaften spiegeln sich tief im Werk des großen deutschen Denkers Albrecht Dürer (1471–1528). Dürer verallgemeinerte die realistischen Suchen seiner Vorgänger und Zeitgenossen zu einem ganzheitlichen System künstlerischer Anschauungen und legte damit den Grundstein für eine neue Etappe in der Entwicklung der deutschen Kunst. Die Neugier des Geistes, die Vielseitigkeit der Interessen, das Streben nach Neuem, der Mut zu großen Unternehmungen, die Intensität und Weite der Wahrnehmung des Lebens stellten ihn neben die großen Italiener - Leonardo da Vinci, Raffael und Michelangelo. Die Anziehung zur idealen harmonischen Schönheit der Welt, der Wunsch, einen Weg zur Erkenntnis der rationalen Naturgesetze zu finden, durchziehen sein Werk.

Begeistert die turbulenten Ereignisse unserer Zeit wahrnehmend, war sich Dürer deren Widerspruch zu klassischen Idealen bewusst und schuf zutiefst nationaltypische Bilder der Menschen seines Landes, voller innerer Kraft und Zweifel, willensstarker Energie und Gedanken. Als Dürer die Realität beobachtete, war er überzeugt, dass die lebendige Natur nicht in klassische Formeln passen kann. Dürers Werk besticht durch Kontraste. Sie vereint Rationalität und Gefühl, Sehnsucht nach Monumentalität und Detailverliebtheit. An der Grenze zwischen zwei Epochen lebend, spiegelte Dürer in seiner Kunst die Tragödie sozialer Krisen wider, die in der Niederlage des Bauernkrieges endeten.

Dürer wurde in Nürnberg geboren. Schon früh in der Werkstatt seines Vaters, einem Goldschmied, dann bei dem Künstler Wolgemut und während der Wanderjahre in den deutschen Landen, nahm Dürer das Erbe der deutschen Kunst des 15. Jahrhunderts in sich auf, doch die Natur wurde zu seiner wichtigsten Lehrmeisterin. Kunst war für Dürer wie für Leonardo eine Form des Wissens. Daher sein außerordentliches Interesse an der Natur, an allem, was dem Künstler auf seinen Reisen begegnet ist. Dürer zeichnete als erster in Deutschland einen nackten Körper nach der Natur. Er malte Landschaftsaquarelle, stellte Tiere, Vorhänge, Blumen etc. dar. Seine tadellos akkuraten Zeichnungen sind von einer berührenden und liebevollen Liebe zum Detail durchdrungen. Dürer studierte Mathematik, Perspektive, Anatomie, interessierte sich für Natur- und Geisteswissenschaften. Zweimal reiste Dürer nach Italien und verfasste eine Reihe wissenschaftlicher Abhandlungen (Guide to Measurement, 1525; Four Books on Human Proportions, 1528).

Der innovative Anspruch des Künstlers manifestierte sich auf seinen Reisen nach Süddeutschland, in die Schweiz und nach Venedig. Nach seiner Rückkehr nach Nürnberg, wo Dürer seine Werkstatt gründete, entfalteten sich seine vielseitigen Aktivitäten. Er malte Porträts, legte den Grundstein für die deutsche Landschaft, transformierte biblische und evangelische Traditionen und gab ihnen neuen Lebensinhalt. Die Gravur erregte die besondere Aufmerksamkeit des Künstlers: zuerst Holzschnitte, dann Kupferstiche. Dürer erweiterte das Fach Grafik und zog literarische und alltägliche Sujets an. In seinen Stichen erschienen Bilder von Bauern, Bürgern, Bürgern, Rittern usw. Die höchste schöpferische Leistung dieser Jahre ist eine Serie von Holzschnitten von sechzehn Blättern zum Thema der Apokalypse (1498), die unter den deutschen Massen dieser Zeit beliebt war . In dieser Serie verschränkte Dürer mittelalterliche religiöse Ansichten mit verstörenden Stimmungen, die durch gesellschaftliche Ereignisse unserer Zeit verursacht wurden. Die in der Apokalypse geschilderten schrecklichen Szenen von Tod und Bestrafung erlangten im vorrevolutionären Deutschland aktuelle Bedeutung. Dürer hat viele subtile Natur- und Lebensbeobachtungen in Stiche eingebracht: Architektur, Trachten, Typen, Landschaften des modernen Deutschlands. Die Weite der Welt, ihre pathetische Wahrnehmung, die für Dürers Stiche charakteristische Spannung der Formen und Bewegungen waren der deutschen Kunst des 15. Jahrhunderts unbekannt; gleichzeitig lebt der rastlose Geist der deutschen Spätgotik in den meisten Blättern Dürers. Die Komplexität und Komplexität der Kompositionen, die stürmische Ornamentik der Linien, die Dynamik der Rhythmen scheinen im Einklang mit der mystischen Erhebung der Visionen der Apokalypse zu stehen.

Schreckliches Pathos geht von dem Blatt „Vier Reiter“ aus. An vernichtender Impulsgewalt und düsterem Ausdruck sucht diese Komposition in der damaligen deutschen Kunst ihresgleichen. Tod, Gericht, Krieg und Pest rasen wütend über die Erde und zerstören alles auf ihrem Weg. Scharfe Gesten, Bewegungen, düstere Gesichter sind voller Wut und Wut. Die ganze Natur ist in Aufruhr. Wolken, Kleidervorhänge, Pferdemähnen flattern heftig, zittern und bilden ein komplexes rhythmisches Muster aus kalligraphischen Linien. Menschen unterschiedlichen Alters und Klassen sind entsetzt.

Auf dem Blatt „Der Kampf des Erzengels Michael mit dem Drachen“ wird das Pathos eines erbitterten Kampfes durch die Kontraste von Licht und Schatten, den rastlos intermittierenden Rhythmus der Linien betont. Im heroischen Bild eines jungen Mannes mit inspiriertem und entschlossenem Gesicht, in einer von der Sonne erleuchteten Landschaft mit ihren grenzenlosen Weiten, drückt sich der Glaube an den Sieg eines lichten Anfangs aus. Dürer nutzte die damals bekannte Xylographie-Technik und erweiterte ihre Ausdruckskraft, indem er einige Techniken der Gravur auf Kupfer einführte. Die zuvor dominierende scharfe Kontur der Zeichnung, schwach gefüllt mit parallelen Schraffuren, ersetzte er durch eine flexiblere Zeichnung, gefüllt mit einer Verdickungs- oder Verdünnungslinie, fügte der Form angepasste Striche ein, setzte Kreuzlinien ein, die tiefe Schatten gaben.

Im Jahr 1500 kam es zu einem Wendepunkt im Werk Dürers. Das Pathos und Drama der frühen Werke wurde durch Balance und Harmonie ersetzt. Die Rolle einer ruhigen Erzählung, die von lyrischen Erfahrungen durchdrungen ist, hat zugenommen (Zyklus "Das Leben Mariens"). Der Künstler studierte Proportionen, arbeitete an dem Problem, einen nackten Körper darzustellen. Mit dem Kupferstich „Adam und Eva“ (1504) versuchte Dürer das klassische Schönheitsideal zu verkörpern. Das Volumen der abgerundeten, fast skulpturalen Form wird betont durch runde Striche, die gleichsam über die Fläche gleiten über die Struktur der Form. Die malerisch interpretierte Waldlandschaft enthält organisch Menschen- und Tierfiguren, die verschiedene Symbole verkörpern.

Dieselben Suchen zeichnen sich auch durch das malerische „Selbstbildnis“ (1500, München, Alte Pinakothek) aus, in dem Dürer sein Bild durch das Prisma des klassischen Ideals transformiert und die Prinzipien der klassischen Komposition anwendet. Gleichzeitig sucht er hier einen Ausdruck tiefer moralischer Vollkommenheit – die Züge eines Predigers, der zur Selbsterkenntnis aufruft. Die freie Komposition früher Selbstporträts wurde durch frontale, statische, streng bemessene Proportionen, leuchtende Farben - gedämpfte bräunliche Farbe ersetzt. Individuelle Charakterzüge werden etwas idealisiert. Aber der intensive Blick, die Wellen des ruhelos windenden Haares, die nervöse Geste der Hand verraten die Unruhe der Stimmung. Die Klarheit der Renaissance-Ideen über die Menschen dieser Zeit koexistierte mit einer aufgeregten Wahrnehmung der Welt. Während der zweiten Reise nach Venedig (1506-1507) mit der malerischen Kultur der Venezianer vertraut gemacht, entwickelte Dürer ein Gefühl für Farben und wandte sich der Lösung des Lichtproblems zu. Mit "höchster Sorgfalt" arbeitete er in der Technik der Ölmalerei, wobei er auf der Untermalung fünf oder sechs, manchmal acht Pads in Grisaille verwendete.

In der zwei Meter hohen Altarkomposition „Das Fest des Rosenkranzes“ (1506, Prag, Nationalgalerie) entschied sich Dürer für ein religiöses Thema, im Wesentlichen als Gruppenporträt zahlreicher Stifter verschiedener Klassen, dargestellt vor dem Hintergrund eines sonnige Berglandschaft in der Nähe des Marienthrons. Die harmonische Ausgewogenheit des Ganzen, die strenge Figurenpyramide im Mittelteil bringen die Komposition näher an die Werke der Hochrenaissance. Der Künstler erreicht eine ungewöhnliche Weichheit seiner Bildsprache, einen Reichtum an Farbnuancen, einen Eindruck der Luftigkeit der Umgebung. Im „Bildnis einer Frau“ (1506, Berlin, Staatliche Museen) bewies Dürer die Kunst, feinste Licht- und Schattenübergänge wiederzugeben, und brachte ihn damit der Malerei Giorgiones näher. Das Bild zieht mit Aufrichtigkeit und Reichtum an psychologischen Schattierungen an.

Das Studium der Werke italienischer Meister führte Dürer dazu, die Reste der spätgotischen Kunst zu überwinden, aber von den idealen klassischen Bildern wandte er sich wieder höchst individuellen, voller Dramatik zu. Drei Meisterstiche auf Kupfer erschienen – „Ritter, Tod und Teufel“ (1513), „Heiliger Hieronymus“ (1514), „Melancholie“ (1514), die den Höhepunkt seines Schaffens markieren. In traditionellen Plots voller Symbole und Anspielungen verallgemeinerte Dürer die Vorstellung der damaligen Humanisten von den verschiedenen Aspekten menschlicher Geistestätigkeit. Der Stich „Heiliger Hieronymus“ offenbart das Ideal eines Humanisten, der sich dem Verständnis höherer Wahrheiten verschrieben hat. Bei der Lösung des Themas, in der alltäglichen Interpretation des Wissenschaftlerbildes spielt das Interieur die Hauptrolle, das der Künstler in eine emotionale poetische Umgebung verwandelt. Die Figur des Hieronymus, eingetaucht in Übersetzungen heiliger Bücher, steht im Mittelpunkt kompositorischer Linien, die viele alltägliche Details des Innenraums unterwerfen und den Wissenschaftler vor der Unruhe und Hektik der Welt schützen. Jeromes Zelle ist keine düstere asketische Zuflucht, sondern ein bescheidenes Zimmer eines modernen Hauses. Die alltagsintime demokratische Deutung des Hieronymusbildes erfolgt außerhalb der offiziellen kirchlichen Deutung, vielleicht unter dem Einfluss der Lehren der Reformatoren. Die durch das Fenster brechenden Sonnenstrahlen erfüllen den Raum mit einer zitternden Bewegung. Das flüchtige Spiel von Licht und Schatten belebt den Raum, verbindet die Formen der Objekte organisch mit ihm, inspiriert die Umgebung, schafft den Eindruck von Behaglichkeit. Die stabilen horizontalen Linien der Komposition betonen die Stimmung des Friedens.

Der Stich „Ritter, Tod und Teufel“ offenbart die Welt der spannungsgeladenen Beziehungen zwischen Mensch und Umwelt, sein Pflicht- und Moralverständnis. Der Weg des gepanzerten Reiters ist voller Gefahren. Aus dem düsteren Dickicht des Waldes springen Gespenster zu ihm herüber – der Teufel mit der Hellebarde und der Tod mit der Sanduhr, die ihn an die Vergänglichkeit alles Irdischen, an die Gefahren und Versuchungen des Lebens erinnern. Ohne darauf zu achten, folgt der Reiter entschlossen dem eingeschlagenen Weg. In seiner strengen Erscheinung - die Anspannung des Willens, erleuchtet vom Licht der Vernunft, die moralische Schönheit eines pflichttreuen Menschen, der sich mutig der Gefahr stellt.

Die Idee von "Melancholia" wurde noch nicht enthüllt, aber das Bild einer kraftvollen geflügelten Frau beeindruckt durch seine Bedeutung und psychologische Tiefe. Gewebt aus vielen semantischen Nuancen, komplexesten Symbolen und Anspielungen weckt es verstörende Gedanken, Assoziationen, Erlebnisse.

Melancholie ist die Verkörperung eines höheren Wesens, eines mit Intelligenz ausgestatteten Genies, das alle Errungenschaften des menschlichen Denkens jener Zeit besitzt und danach strebt, die Geheimnisse des Universums zu durchdringen, aber besessen ist von Zweifeln, Angst, Enttäuschung und Sehnsucht, die kreative Suche begleiten. Unter den zahlreichen Objekten des Wissenschaftlerbüros und der Schreinerei bleibt die geflügelte Melancholie inaktiv. Der düstere kalte Himmel, beleuchtet vom phosphoreszierenden Licht eines Kometen und eines Regenbogens, eine über der Bucht fliegende Fledermaus – ein Vorbote von Dämmerung und Einsamkeit – verstärkt die Tragik des Bildes. Aber hinter der tiefen Nachdenklichkeit von Melancholia verbirgt sich ein intensiver kreativer Gedanke, der kühn die Geheimnisse der Natur durchdringt. Der Ausdruck der grenzenlosen Kraft des menschlichen Geistes bringt das Bild der Melancholie näher an die dramatischen Bilder der Decke der Sixtinischen Kapelle, dem Grab der Medici. „Melancholia“ gehört zu den Werken, die „die ganze Welt in Erstaunen versetzten“ (Vasari).
Dürers künstlerische Sprache in Kupferstichen ist subtil und vielfältig. Dürer verwendete Parallel- und Querstriche, gepunktete Linien. Dank der Einführung der Kaltnadeltechnik (Stich "Saint Jerome") erreichte er eine erstaunliche Transparenz der Schatten, einen Reichtum an Halbtonvariationen und ein Gefühl von vibrierendem Licht. Von 1515 bis 1518 gehören Dürers Versuche in einer neuen, damals erst aufkommenden Radiertechnik dazu.

Einen großen Platz im Werk Dürers nimmt das Porträt ein, ausgeführt in Zeichnung, Gravur und Malerei. Der Künstler betonte die wesentlichsten charakteristischen Merkmale des Modells. In dem in Kohle ausgeführten „Bildnis einer Mutter“ (1514, Berlin, Staatliche Museen, Kupferstichkabinett) in einem asymmetrischen Altersgesicht mit abgemagerten Zügen sind die Spuren der Mühsal und Zerstörung des Lebens in die Augen eingeprägt. Angespannte, lockige, ausdrucksstarke Linien verstärken die helle Ausdruckskraft des Bildes. Skizzenhaft, stellenweise dick und schwarz, stellenweise verleiht ein leichter Strich der Zeichnung ein dynamisches Aussehen.

In den 20er Jahren des 16. Jahrhunderts machten sich die Strömungen der gewaltigen und mutigen Epoche der Bauernkriege und der Reformation in der Kunst Dürers stärker bemerkbar. In seinen Porträts waren Menschen mit starkem Geist, rebellisch und nach der Zukunft strebend. In ihrer Körperhaltung - die Anspannung des Schreis, in ihren Gesichtern - die Erregung von Gefühlen und Gedanken. So der willensstarke, von hohen geistigen Impulsen und Ängsten erfüllte Bernhard von Resten (1521, Dresden, Gemäldegalerie), der tatkräftige Holzschuer (1526, Berlin-Dahlem, Gemäldegalerie), „Der Unbekannte mit der schwarzen Baskenmütze“ (1524, Madrid, Prado) mit dem Siegel unbezähmbarer Leidenschaften an der Macht. Dürers kreative Suche wurde durch Die vier Apostel (1526, München, Alte Pinakothek) vervollständigt. Die Bilder der Apostel: willensstark, mutig, aber düster, mit zornigem Paulusblick, phlegmatischer, langsamer Petrus, philosophisch nachdenklich, mit vergeistigtem Johannesgesicht und aufgeregt aktiver Markus sind scharf individuell, voll innerer Glut. Zugleich verkörpern sie die Züge des fortgeschrittenen Volkes der Zeit des Deutschen Bauernkriegs, der „die kommenden Klassenkämpfe prophetisch ankündigte“. Dies sind bürgerliche Bilder von Verfechtern der Wahrheit. Klangvolle Farbkontraste der Kleidung - hellgrün, leuchtend rot, hellblau, weiß - verstärken den Ausdruck von Bildern. Die mächtigen, lebensgroßen Figuren schließend, ruhig in den schmalen, zwei Meter langen Türen stehend, erreicht der Künstler eine spirituelle Spannung, einen Ausdruck zurückhaltender Erhabenheit. Dieses Spätwerk Dürers übertrifft an Monumentalität alles, was er bisher in der Malerei gemacht hat.

Dürers Werk bestimmte die Leitlinie in der Kunst der deutschen Renaissance. Sein Einfluss auf zeitgenössische Künstler war groß; es drang sogar bis nach Italien, bis nach Frankreich vor. Gleichzeitig mit Dürer und nach ihm erschien eine Galaxie bedeutender Künstler. Darunter Lucas Cranach d. Ä. (1472–1553), der auf subtile Weise die Harmonie von Natur und Mensch spürt, und Matthias Gotthardt Neithardt, genannt Mattpas Grunewald (1475–1528), der mit großer Vorstellungskraft ausgestattet ist und mit mystischen Völkern in Verbindung gebracht wird Lehren und die gotische Tradition. Dürers Werk ist durchdrungen vom Geist der Rebellion, der verzweifelten Raserei oder des Jubels, der hohen Intensität der Gefühle und des schmerzhaften Ausdrucks von aufblitzenden, dann verblassenden, dann verblassenden, dann flammenden Farben und Lichtern.

Der spätere Vater des Künstlers kam 1455 aus dem kleinen ungarischen Dorf Eytas nach Deutschland. Er beschloss, sich in der fortschrittlichen, geschäftlichen und wohlhabenden Stadt Deutschlands zu dieser Zeit niederzulassen - Nürnberg, das zu Bayern gehörte.

Blick auf Nürnberg. Schedels Weltchronik, 1493

1467, als er bereits etwa 40 Jahre alt war, heiratete er die junge Tochter des Goldschmieds Jerome Holper. Damals war Barbara erst 15 Jahre alt.

Porträts des Vaters - Albrecht Dürer der Ältere, 1490 und 1497.

Ihr brillanter Sohn wurde am 21. Mai 1471 in Nürnberg als drittes Kind der Familie geboren. Insgesamt brachte Barbara Dürer in ihrer Ehe 18 Kinder zur Welt. Albrecht hatte Glück – er war einer dieser drei Jungen, die bis ins Erwachsenenalter überlebten. Er hatte überhaupt keine eigenen Kinder, wie seine beiden Brüder Endres und Hans.

Der Vater des zukünftigen Künstlers arbeitete als Schmuckmeister. Sein Name war auch Albrecht Dürer (1427–1502). Mutter war im Haushalt beschäftigt, ging fleißig in die Kirche, gebar viel und war oft krank. Einige Zeit nach dem Tod ihres Vaters zog Barbara Dürer zu Albrecht dem Jüngeren. Sie half bei der Umsetzung der Arbeit ihres Sohnes. Sie starb in seinem Haus am 17. Mai 1514 im Alter von 63 Jahren. Dürer sprach respektvoll von seinen Eltern als großen Arbeitern und frommen Menschen.

Porträts der Mutter - Barbara Dürer (geborene Holper), 1490 und 1514.

Der Schaffens- und Lebensweg von Albrecht Dürer

Albrecht Dürer ist der größte Maler und unübertroffene Kupferstecher nicht nur in Deutschland, sondern auch in der gesamten westeuropäischen Kunst der Renaissance in Nordeuropa. Er besaß eine einzigartige Technik des geschnitzten Kupferstichs.

Welcher Weg führte Dürer zu so hoher Anerkennung?

Der Vater wollte, dass sein Sohn sein Geschäft weiterführt und Juwelier wird. Dürer der Jüngere lernte ab seinem elften Lebensjahr in der väterlichen Werkstatt, doch der Junge fühlte sich zur Malerei hingezogen. Mit dreizehn Jahren schuf er sein erstes Selbstporträt mit einem Silberstift. Die Technik, mit einem solchen Bleistift zu arbeiten, ist sehr schwierig. Die von ihm gezogenen Linien können nicht korrigiert werden. Dürer war stolz auf dieses Werk und schrieb später: „Ich habe mich 1484, als ich noch ein Kind war, in einen Spiegel gemalt. Albrecht Dürer. Außerdem machte er die Inschrift spiegelverkehrt.

Selbstportrait von Albrecht Dürer, 1484

Dürer der Ältere musste den Interessen seines Sohnes weichen. Im Alter von 15 Jahren trat der junge Mann aufgrund einer Vereinbarung zwischen seinem Vater und dem erblichen Nürnberger Künstler Mikael Wolgemut in sein Atelier ein, um dort zu studieren. Bei Wolgemuth studierte er sowohl Malerei als auch Holzstich und half bei der Erstellung von Buntglasfenstern und Altarbildern. Nach seinem Abschluss begab sich Dürer als Lehrling auf eine Reise, um die Erfahrungen von Meistern aus anderen Regionen kennenzulernen, seine Fähigkeiten zu verbessern und seinen Horizont zu erweitern. Die Reise dauerte von 1490 bis 1494 – in seinen sogenannten „wunderbaren Jahren“ der Ausbildung eines jungen Künstlers. Während dieser Zeit besuchte er Städte wie Straßburg, Colmar und Basel.

Er sucht nach seinem eigenen künstlerischen Stil. Ab Mitte der 1490er Jahre bezeichnete Albrecht Dürer sein Werk mit den Initialen „AD“.

Er perfektionierte die Kupferstichtechnik in Colmar mit drei Brüdern des berühmten Meisters Martin Schongauer. Er selbst lebte nicht mehr. Dann wechselte Dürer zum vierten Bruder von Schongauer nach Basel – einem der damaligen Zentren des Buchdrucks.

1493 schuf Dürer der Jüngere während seiner Studienreise ein weiteres, diesmal in Öl gemaltes Selbstbildnis und schickte es nach Nürnberg. Er stellte sich mit einer Distel in der Hand dar. Nach einer Version symbolisierte diese Pflanze die Treue zu Christus, nach einer anderen die männliche Treue. Vielleicht stellte er sich mit diesem Porträt seiner zukünftigen Frau vor und machte deutlich, dass er ein treuer Ehemann sein würde. Einige Kunsthistoriker glauben, dass dieses Porträt ein Geschenk an die Braut war.

Selbstporträt mit Distel, 1493. Dürer ist 22 Jahre alt.

Danach kehrte Albrecht nach Nürnberg zurück, um zu heiraten. Der Vater arrangierte eine Ehe mit der Tochter eines wohlhabenden örtlichen Kaufmanns. Am 7. Juli 1494 fand die Hochzeit von Albrecht Dürer und Agnes Frey statt.

Porträt von Dürers Frau, My Agnes, 1494

Einige Zeit nach der Eheschließung folgte eine weitere Reise mit längerer Strecke. Diesmal durch die Alpen nach Venedig und Padua. Dort lernt er die Arbeiten herausragender italienischer Künstler kennen. Macht Kopien von Stichen von Andrea Mantegna und Antonio Pollaiolo. Beeindruckt ist Albrecht auch davon, dass Künstler in Italien nicht mehr als einfache Handwerker gelten, sondern einen höheren Stellenwert in der Gesellschaft haben.

1495 tritt Dürer seine Rückreise an. Nebenbei malt er Landschaften in Aquarell.

Aus Italien zurückgekehrt, kann er sich endlich eine eigene Werkstatt leisten.

Für die nächsten Jahre spiegelt sein Malstil den Einfluss italienischer Maler wider. 1504 malte er das Gemälde „Die Anbetung der Heiligen Drei Könige“. Dieses Gemälde gilt heute als eines der herausragendsten Gemälde Albrecht Dürers aus der Zeit von 1494-1505.

Von 1505 bis Mitte 1507 besuchte er erneut Italien. Besucht Bologna, Rom und Venedig.

1509 erwirbt Albrecht Dürer ein großes Haus in Nürnberg und verbringt dort fast zwanzig Jahre seines Lebens.

Im Juli 1520 reist der Künstler mit seiner Frau Agnes in die Niederlande. Er besucht die alten Zentren der holländischen Malerei - Brügge, Brüssel, Gent. Überall macht er Architekturskizzen, sowie Skizzen von Menschen und Tieren. Trifft sich mit anderen Künstlern, lernt den größten Wissenschaftler Erasmus von Rotterdam kennen. Dürer ist längst berühmt und wird überall mit Respekt und Ehrungen empfangen.

In Aachen wird er Zeuge der Krönung Kaiser Karls V. Später trifft er sich mit ihm, um die vom Vorgängerkaiser Maximilian I. erhaltenen Privilegien zu erweitern, deren Befehle er ausführte.

Leider erkrankt Dürer während einer Reise in die Niederlande an einer „wunderbaren Krankheit“, vermutlich Malaria. Er wird von Anfällen gequält und eines Tages schickt er dem Arzt eine Zeichnung mit seinem Bild, auf der er mit dem Finger auf eine schmerzhafte Stelle zeigt. Die Abbildung wird von einer Erklärung begleitet.

Stiche von Albrecht Dürer

Unter seinen Zeitgenossen macht sich Albrecht Dürer vor allem als Kupferstichkünstler einen Namen. Seine virtuosen Werke zeichnen sich durch große Formate, feine und präzise Zeichnung, Charaktererfassung und komplexe Komposition aus. Dürer beherrschte die Technik des Gravierens sowohl auf Holz als auch auf Kupfer perfekt. Von Anfang bis Ende führt der Meister alle Arbeiten zur Erstellung von Gravuren selbst durch, inkl. Schnitzen mit beispiellosen Details und feinen Linien. Dabei verwendet er Werkzeuge, die er nach eigenen Zeichnungen anfertigt. Macht zahlreiche Drucke, deren Auflagen in ganz Europa weit verbreitet sind. So wurde er Verleger seiner Werke. Seine Stiche waren weithin bekannt, sehr beliebt und verkauften sich gut. Sein Prestige stärkte maßgeblich eine Stichserie „Apokalypse“ in der Ausgabe von 1498.

Dürers Meisterwerke gelten als „Meisterstiche“: 1513 stanzte er einen Kupferstich „Ritter, Tod und Teufel“, 1514 zwei ganze: „Der heilige Hieronymus in der Zelle“ und „Melancholie“.

Das vielleicht berühmteste Bild eines Nashorns ist das sogenannte "Dürer-Nashorn", das 1515 geschaffen wurde. Er selbst habe dieses seltsame Tier für Deutschland nicht gesehen. Der Künstler stellte sich sein Aussehen anhand von Beschreibungen und Zeichnungen anderer Personen vor.

"Dürers Nashorn", 1515

Albrecht Dürers magisches Quadrat

1514 schuf der Meister, wie oben erwähnt, den Stich "Melancholia" - eines seiner geheimnisvollsten Werke. Das Bild ist gefüllt mit einer Fülle von symbolischen Details, die noch Interpretationsspielraum lassen.

In der rechten oberen Ecke hat Dürer ein Quadrat mit Zahlen ausgeschnitten. Seine Besonderheit ist, dass, wenn Sie Zahlen in beliebiger Richtung hinzufügen, die resultierenden Beträge immer gleich dem 34. sind. Dieselbe Zahl erhält man, wenn man die Zahlen in jedem der vier Viertel zählt; im mittleren Viereck und beim Addieren von Zahlen aus den Zellen in den Ecken des großen Quadrats. Und in die beiden mittleren Zellen der unteren Reihe hat der Künstler das Jahr eingetragen, in dem der Stich erstellt wurde - 1514.

Gravur "Melancholie" und Dürers magisches Quadrat,1514

Zeichnungen und Aquarelle von Dürer

In einem seiner frühen Landschaftsaquarelle stellte Dürer am Ufer der Pegnitz eine Mühle und eine Zeichenwerkstatt dar, in der Kupferdraht hergestellt wurde. Auf der anderen Seite des Flusses liegen Dörfer in der Nähe von Nürnberg, Berge sind in der Ferne blau.

Ziehhaus an der Pegnitz, 1498

Eine der berühmtesten Zeichnungen, „Der junge Hase“, wurde 1502 gezeichnet. Der Künstler gab das Datum seiner Entstehung an und setzte seine Initialen „AD“ direkt unter das Bild des Tieres.

1508 malte er mit zum Gebet gefalteten Händen weiß auf blaues Papier. Dieses Bild wird immer noch am häufigsten repliziert und sogar in eine skulpturale Version übersetzt.

Hände im Gebet, 1508

Experten zufolge sind bis heute mehr als 900 Zeichnungen von Albrecht Dürer erhalten.

Durer, Proportionen und Nacktheit

Dürer ist fasziniert von dem Wunsch, die idealen Proportionen der menschlichen Figur zu finden. Er untersucht sorgfältig die nackten Körper von Menschen. 1504 entsteht ein herausragender Kupferstich „Adam und Eva“. Für das Adamsbild nimmt sich der Künstler Pose und Proportionen der Marmorstatue des Apollo Belvedere zum Vorbild. Diese antike Statue wurde Ende des 15. Jahrhunderts in Rom gefunden. Die Idealisierung der Proportionen unterscheidet Dürers Werk von den damals akzeptierten mittelalterlichen Kanons. Auch in Zukunft zog er es vor, reale Formen in ihrer Vielfalt darzustellen.

1507 schrieb er ein malerisches Diptychon zum gleichen Thema.

Er war der erste deutsche Künstler, der nackte Menschen darstellte. Im Weimarer Schloss wird ein Porträt von Dürer aufbewahrt, in dem er sich so offen und so vollständig nackt wie möglich darstellt.

Selbstporträt eines nackten Dürer, 1509

Selbstportraits

Albrecht Dürer malte Selbstporträts von der Kindheit bis ins hohe Alter. Jeder von ihnen hat seine eigene Begeisterung und oft Innovation. Das Selbstporträt, das die zeitgenössische Öffentlichkeit schockierte, wurde im Jahr 1500 gemalt. Darauf tritt der 28-jährige Albrecht gewagt auf, weil er dem Ebenbild Christi selbst ähnelt.

Selbstbildnis, 1500. Dürer ist 28 Jahre alt.

Darüber hinaus ist das Porträt in vollem Gesicht geschrieben. Damals wurde eine solche Pose zum Schreiben von Heiligenbildern verwendet, und weltliche Porträts in Nordeuropa wurden in einer Dreivierteldrehung des Modells erstellt. Auch in diesem Porträt lässt sich die fortwährende Suche des Künstlers nach idealen Proportionen nachvollziehen.

Der Tod von Albrecht Dürer und sein Andenken

Der Künstler starb am 6. April 1528, anderthalb Monate vor seinem 57. Geburtstag, in seiner Nürnberger Heimat. Sein Abgang war nicht nur für Deutschland ein großer Verlust, Albrecht Dürer wurde damals von allen großen Köpfen Europas betrauert.

Er wurde auf dem Nürnberger Johanniterfriedhof beigesetzt. Der deutsche Humanist Willibald Pirkheimer, ein Freund seines Lebens, schrieb für den Grabstein: „Unter diesem Hügel liegt das Sterbliche an Albrecht Dürer.“

Grabstein von Albrecht Dürer

Seit 1828 ist im Dürerhaus das Museum Albrecht-Dürer-Haus in Betrieb.

Ähnliche Videos

Quellen:

• Buch: Dürer. S. Sarnitsky. 1984.
• "Deutsche Gravur"

Albrecht Dürer (1471-1528) war ein großer deutscher Maler und Grafiker. Er hinterließ ein reiches Erbe: Gemälde, Stiche, Abhandlungen. Dürer verbesserte die Kunst des Holzschnitts, schrieb Werke zur Theorie der Malerei. Kein Wunder, dass er der „Nördliche Leonardo da Vinci“ genannt wird. Dürers Werke haben einen hohen universellen Wert, vergleichbar mit den Werken der Genies der italienischen Renaissance.

Biografie

Jugend

Albrecht Dürer, der Vater des Künstlers, kam aus Ungarn nach Nürnberg. Er war Juwelier. Mit 40 heiratete er die 15-jährige Barbara Holper. Das Paar hatte 18 Kinder, aber nur 4 Kinder überlebten das Erwachsenenalter. Unter ihnen war Albrecht der Jüngere, der spätere große Künstler, der am 21. Mai 1471 geboren wurde.

Der kleine Albrecht ging auf eine Lateinschule, wo er lesen und schreiben lernte. Die Schmuckkunst erlernte er zunächst von seinem Vater. Der Junge zeigte jedoch ein Talent zum Zeichnen, und sein Vater schickte ihn widerwillig zum Studium zu dem berühmten deutschen Künstler Michael Wolgemut. Dort lernte der junge Mann nicht nur zu malen, sondern auch zu gravieren.

Am Ende seines Studiums, 1490, machte sich Dürer auf den Weg, um bei anderen Meistern Erfahrungen zu sammeln. 4 Jahre lang besuchte er Straßburg, Basel, Colmar. Während der Reise studierte Albrecht bei den Söhnen des berühmten Kupferstechers Martin Schongauer.

1493 heiratet Dürer Agnes Frey. Es war eine Scheinehe, seine Frau Albrecht wurde von seinem Vater abgeholt, während sein Sohn zu Besuch in Straßburg war. Die Ehe war kinderlos und nicht ganz glücklich, aber das Paar lebte bis zuletzt zusammen. Nach seiner Heirat konnte Albrecht Dürer seine Werkstatt eröffnen.

Italien

1494 reiste der deutsche Künstler zum ersten Mal nach Italien. Er lebte etwa ein Jahr in Venedig und besuchte Padua. Dort sah er zum ersten Mal die Arbeit italienischer Künstler. Nach seiner Rückkehr in die Heimat wurde Albrecht Dürer bereits ein berühmter Meister. Besonders großen Ruhm brachten ihm Stiche ein. Nach dem Tod seines Vaters im Jahr 1502 kümmert sich Albrecht um seine Mutter und seine Brüder.

1505 reist der Künstler erneut nach Italien, um sich mit lokalen Plagiatoren auseinanderzusetzen, die seine Stiche kopieren. In Venedig, das von Albrecht geliebt wurde, lebte er zwei Jahre lang und studierte die venezianische Malschule. Besonders stolz war Dürer auf seine Freundschaft mit Giovanni Bellini. Er besuchte auch Städte wie Rom, Bologna, Padua.

Patronat von Maximilian I

Nach der Rückkehr aus Italien kauft Dürer ein großes Haus, das bis heute erhalten ist. Jetzt gibt es ein Museum des Künstlers.

Gleichzeitig ist er Mitglied des Großen Nürnberger Rates. Der Meister arbeitet viel an künstlerischen Aufträgen und Stichen.

1512 nahm Kaiser Maximilian I. den Künstler unter seine Schirmherrschaft, Dürer fertigte mehrere Aufträge für ihn an. Anstatt die Arbeit zu bezahlen, setzte der Kaiser dem Künstler eine jährliche Rente zu. Sie sollte von der Stadt Nürnberg zu Lasten der Staatskasse gezahlt werden. Nach dem Tod von Maximilian I. im Jahr 1519 weigerte sich die Stadt jedoch, Dürers Rente zu zahlen.

Reise in die Niederlande

Das Tagebuch von Albrecht Dürer beschreibt ausführlich die Reise in die Niederlande, die er mit seiner Frau 1520-1521 unternahm. Während dieser Reise lernt Dürer die Arbeit lokaler Künstler kennen. Er war schon ziemlich berühmt, und er wurde überall herzlich empfangen und zeigte Ehrungen. In Antwerpen wurde ihm sogar angeboten zu bleiben, Geld und ein Haus versprochen. In den Niederlanden traf der Meister Erasmus von Rotterdam. Er wird bereitwillig von lokalen Aristokraten, Wissenschaftlern und wohlhabenden Bourgeois beherbergt.

Dürer unternahm eine so lange Reise, um seine Ansprüche auf die Pension Karls V., der neuer Kaiser des Heiligen Römischen Reiches wurde, zu bestätigen. Der Künstler wohnte seiner Krönung in Aachen bei. Karl V. gewährte Dürers Bitte. 1521 kehrte der Meister heim in seine Geburtsstadt Nürnberg.

In den Niederlanden erkrankte Dürer an Malaria. Die Krankheit quälte ihn lange 7 Jahre. Der große Künstler starb am 6. April 1528. Er war 56 Jahre alt.

Das Erbe Albrecht Dürers

Malen

In der Malerei war Dürer ebenso vielseitig wie in seinen anderen Berufen. Er malte althergebrachte Altarbilder, biblische Szenen und Porträts. Die Bekanntschaft mit italienischen Meistern hatte einen großen Einfluss auf den Künstler. Dies macht sich besonders bei den direkt in Venedig entstandenen Gemälden bemerkbar. Seine Originalität verliert Dürer jedoch nicht. Sein Werk ist eine Verschmelzung der deutschen Tradition mit den humanistischen Idealen der italienischen Renaissance.

Altarbilder und Gemälde zu biblischen Themen

Die Arbeit eines Künstlers des 15.-16. Jahrhunderts war ohne christliche Sujets undenkbar. Und Albrecht Dürer ist da keine Ausnahme. Er malte eine Reihe von Madonnen („Madonna mit Birne“, „Pflegemadonna“, „Madonna mit Nelke“, „Madonna mit Kind und St. Anna“ usw.); mehrere Altarbilder („Rosenkranzfest“, „Anbetung der Heiligen Dreifaltigkeit“, „Dresdner Altar“, „Sieben Schmerzen der Jungfrau Maria“, „Jabach-Altar“, „Paumgartner-Altar“ etc.), Gemälde zu biblischen Motiven Themen („Vier Apostel“, „Der heilige Hieronymus“, „Adam und Eva“, „Die Anbetung der Könige“, „Jesus unter den Schriftgelehrten“ usw.).

Die Werke der "italienischen Periode" des Meisters zeichnen sich durch die Helligkeit und Transparenz der Farben, glatte Linien aus. Ihre Stimmung ist lyrisch und fröhlich. Dies sind solche Werke wie "Das Fest des Rosenkranzes", das Diptychon "Adam und Eva", "Die Anbetung der Könige", "Der Paumgartner Altar", "Madonna mit einem Chizhik", "Jesus unter den Schriftgelehrten".

Als erster in Deutschland versucht Dürer, basierend auf dem Wissen der Antike, harmonische Proportionen zu schaffen. Diese Versuche wurden vor allem im Diptychon „Adam und Eva“ verkörpert.

In reiferen Werken manifestiert sich bereits ein Drama, es erscheinen mehrfigurige Kompositionen („Das Martyrium von Zehntausend Christen“, „Die Anbetung der Heiligen Dreifaltigkeit“, „Die Jungfrau und das Kind mit der heiligen Anna“).

Dürer war schon immer ein gottesfürchtiger Mensch. Während der Ausbreitung der Reformation sympathisierte er mit den Ideen von Martin Luther und Erasmus von Rotterdam, was seine Werke teilweise beeinflusste.

Mit dem Diptychon „Vier Apostel“ überreichte Dürer seiner Geburtsstadt sein letztes großformatiges Werk. Die monumentalen Bilder der Apostel werden als Ideal von Geist und Seele dargestellt.

Selbstportraits

In der deutschen Malerei war Dürer ein Pionier der Gattung des Selbstporträts. In dieser Kunst übertraf er seine Zeitgenossen. Das Selbstporträt war für Dürer eine Möglichkeit, seine Fähigkeiten zu verbessern und seinen Nachkommen eine Erinnerung an sich selbst zu hinterlassen. Dürer ist kein einfacher Handwerker mehr, wie man ihn damals für Künstler hielt. Er ist ein Intellektueller, ein Meister, ein Denker, der ständig nach Perfektion strebt. Das versucht er in seinen Bildern zu zeigen.

Albrecht Dürer malte sein erstes Selbstporträt als Knabe im Alter von 13 Jahren. Er war sehr stolz auf diese Zeichnung, die mit italienischem Silberstift gemacht wurde, der nicht gelöscht werden kann. Dieses Porträt entstand vor seinem Wechsel zu Michael Wolgemuth und zeigt das große Talent des kleinen Albrecht.

Im Alter von 22 Jahren malte der Künstler ein Selbstporträt mit einer Distel in Öl. Es war das erste eigenständige Selbstporträt in der europäischen Malerei. Vielleicht malte Albrecht das Bild, um es seiner zukünftigen Frau Agnes zu schenken. Dürer porträtierte sich in schicker Kleidung, den Blick auf den Betrachter gerichtet. Auf der Leinwand steht die Aufschrift „Meine Angelegenheiten werden von oben bestimmt“, in den Händen eines jungen Mannes hält er eine Pflanze, deren Name auf Deutsch wie „männliche Treue“ klingt. Andererseits galt die Distel als Symbol für das Leiden Christi. Vielleicht wollte der Künstler damit zeigen, dass er dem Willen seines Vaters folgt.

Nach 5 Jahren schafft Dürer sein nächstes Selbstporträt. In dieser Zeit wird der Künstler zum gefragten Meister, er ist weit über die Grenzen seines Heimatlandes bekannt. Er hat eine eigene Werkstatt. Er ist bereits nach Italien gereist. Dies ist auf dem Bild sichtbar. Albrecht zeigt sich vor einer Landschaft im modischen italienischen Outfit mit teuren Lederhandschuhen. Er ist wie ein Edelmann gekleidet. Selbstbewusst, mit Selbstachtung blickt er den Betrachter an.

Dann, im Jahr 1500, malt Albrecht Dürer das nächste ölgefüllte Selbstbildnis in Pelzkleidung. Traditionell wurden Modelle in einer Dreiviertelansicht dargestellt. Im vollen Gesicht werden normalerweise Heilige oder Könige gemalt. Auch hier war Dürer ein Innovator, der sich ganz dem Betrachter zugewandt darstellte. Langes Haar, ein ausdrucksstarker Blick, eine fast segnende Geste einer anmutigen Hand, die das Fell auf reicher Kleidung sortiert. Dürer identifiziert sich bewusst mit Jesus. Gleichzeitig wissen wir, dass der Künstler ein gottesfürchtiger Christ war. Die Inschrift auf der Leinwand lautet „Ich, Albrecht Dürer von Nürnberg, habe mich mit 28 Jahren mit ewigen Farben erschaffen.“ „Er hat sich selbst mit ewigen Farben erschaffen“ – diese Worte weisen darauf hin, dass der Künstler sich mit dem Schöpfer vergleicht und eine Person auf die gleiche Ebene mit Gott stellt. Die Ähnlichkeit mit Christus ist kein Stolz, sondern die Pflicht des Gläubigen. Das Leben muss mit Würde gelebt werden, indem man Härten und Schwierigkeiten standhaft erträgt. Das ist das Lebenscredo des Meisters.

Oft hat sich Dürer in seinen Bildern selbst gemalt. Zu dieser Zeit verwendeten viele Künstler diese Technik. Seine Bilder sind in den Werken bekannt: "Das Fest des Rosenkranzes", "Anbetung der Dreifaltigkeit", "Yabakhs Altar", "Qual der zehntausend Christen", "Gellers Altar".

1504 Selbstbildnis als Musiker im Gemälde "Jabachs Altar"

Albrecht Dürer hinterließ viele Selbstporträts. Nicht alle sind zu uns gekommen, aber genug von ihnen haben überlebt, um sich ein Urteil über das Bild des Meisters zu verschiedenen Zeitpunkten seines Lebens zu bilden.

Porträts

Albrecht Dürer war ein berühmter Porträtmaler seiner Zeit. Könige und Patrizier bestellten ihre Bilder bei ihm. Gerne malte er auch Zeitgenossen – Freunde, Kunden, einfach Fremde.

Die ersten Porträts, die er schuf, waren die seiner Eltern. Sie stammen aus dem Jahr 1490. Dürer sprach von seinen Eltern als fleißigen und gottesfürchtigen Menschen, und so malte er sie.

Porträts waren für den Künstler nicht nur eine Möglichkeit, Geld zu verdienen, sondern auch eine Chance, sich in der Gesellschaft auszudrücken. Vorbilder von Albrecht Dürer waren Kaiser Maximilian I., Friedrich III. von Sachsen, Christian II. von Dänemark. Neben den Großen dieser Welt malte Dürer Kaufleute, Vertreter des Klerus, humanistische Wissenschaftler usw.

Meistens stellt der Künstler seine Modelle in einer Dreivierteldrehung bis zur Taille dar. Der Blick wird zum Betrachter oder zur Seite gelenkt. Der Hintergrund wird so gewählt, dass er nicht vom Gesicht der Person ablenkt, sehr oft ist es eine unscheinbare Landschaft.

In Porträts verbindet Dürer die Detaillierung traditioneller deutscher Malerei und die von den Italienern wahrgenommene Fokussierung auf die innere Welt eines Menschen.

Allein während seiner Reise in die Niederlande malte der Künstler etwa 100 Porträts, was auf sein Interesse an der Darstellung einer Person hinweist.

Seine berühmtesten Porträts sind: ein junger Venezianer, Maximilian I., Erasmus von Rotterdam, die Kaiser Karl der Große und Sigismund.

Zeichnungen und Stiche

Gravuren

Dürer war vor allem als unübertroffener Kupferstecher bekannt. Der Künstler fertigte Gravuren sowohl auf Kupfer als auch auf Holz an. Dürers Holzschnitte unterschieden sich von seinen Vorgängern durch Handwerkskunst und Liebe zum Detail. 1498 schuf der Künstler eine Stichserie „Apokalypse“, die aus 15 Blättern bestand. Dieses Thema war Ende des 15. Jahrhunderts sehr aktuell. Kriege, Epidemien und Hungersnöte ließen unter den Menschen eine Vorahnung des Endes der Zeit entstehen. "Apocalypse" brachte Dürer eine beispiellose Popularität im In- und Ausland.

Es folgte eine Reihe von Stichen "Große Passion", "Leben Mariens". Der Meister stellt die biblischen Ereignisse in den zeitgenössischen Raum. Die Menschen sehen vertraute Landschaften, gekleidet wie sie sind, Charaktere und vergleichen alles, was passiert, mit sich selbst und ihrem Leben. Dürer strebte danach, Kunst für das einfache Volk verständlich zu machen und gleichzeitig das künstlerische Können auf eine nie dagewesene Höhe zu heben.

Seine Stiche waren sehr beliebt, sie begannen sogar gefälscht zu werden, in deren Zusammenhang Dürer seine zweite Reise nach Venedig unternahm.

Neben Serien arbeitet der Künstler auch an Einzelzeichnungen. 1513 ‒ 1514 erschienen drei der berühmtesten Stiche: „Ritter, Tod und Teufel“, „Heiliger Hieronymus in der Zelle“ und „Melancholie“. Diese Werke gelten als Krönung des Künstlers als Kupferstecher.

Als Kupferstecher arbeitete Dürer in verschiedenen Techniken und Gattungen. Nach ihm blieben etwa 300 Stiche übrig. Nach dem Tod des Meisters wurden seine Werke bis ins 18. Jahrhundert weit verbreitet.

Zeichnung

Albrecht Dürer ist auch als talentierter Zeichner bekannt. Das grafische Erbe des Meisters ist beeindruckend. Mit deutscher Sorgfalt bewahrte er alle seine Zeichnungen auf, dank derer uns etwa 1000 davon überliefert sind. Der Künstler bildete sich ständig weiter und fertigte Skizzen und Skizzen an. Viele von ihnen sind zu eigenständigen Meisterwerken geworden. So sind beispielsweise die Zeichnungen „Betende Hände“, „Porträt einer Mutter“, „Nashorn“ usw. weithin bekannt.

Dürer war der erste unter den europäischen Künstlern, der die Aquarelltechnik weit verbreitete. Aquarell ist seit dem 15. Jahrhundert in Europa bekannt. Dies waren trockene Farben, die zu Pulver gemahlen wurden. Es wurde hauptsächlich für die Gestaltung von Büchern verwendet.

1495 Ansicht von Innsbruck

Von Dürer ist eine Reihe von Landschaften in Aquarell bekannt: „Blick auf den Arco“, „Schloss in den Alpen“, „Schloss in Trient“, „Blick auf Innsbruck“, „Hof des alten Schlosses in Innsbruck“ usw.

Überraschend detaillierte naturalistische Zeichnungen von Dürer: "Junger Hase", "Torfstück", "Iris", "Veilchen" usw.

Wissenschaftliche Abhandlungen und andere schriftliche Quellen

Als Mann der Renaissance hat uns Dürer nicht nur ein riesiges künstlerisches Erbe hinterlassen. Mit einer wissenschaftlichen Denkweise interessierte er sich für Mathematik, Geometrie und Architektur. Wir wissen, dass er mit den Werken von Euklid, Vitruv und Archimedes vertraut war.

1515 fertigte der Künstler Stiche an, die den Sternenhimmel und eine geografische Karte darstellten.

1507 begann Dürer mit seinen Arbeiten zur Theorie der Malerei. Dies waren die ersten schriftlichen Abhandlungen zu diesem Thema. Wir kennen die „Anleitung zum Messen mit Zirkel und Lineal“, „Vier Proportionsbücher“. Leider konnte der Meister die Arbeit an der Erstellung eines vollständigen Leitfadens für Anfängerkünstler nicht abschließen.

Außerdem schuf er 1527 den „Leitfaden zur Befestigung von Städten, Burgen und Schluchten“. Die Entwicklung von Schusswaffen führte laut dem Künstler dazu, dass neue Befestigungsanlagen gebaut werden mussten.

Neben wissenschaftlichen Arbeiten hinterließ Dürer Tagebücher und Briefe, aus denen wir viel über sein Leben und seine Zeitgenossen wissen.

Die Renaissance schenkte der Menschheit mehrere Titanen des Geistes – Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffael. Albrecht Dürer ist in Nordeuropa zweifellos solchen großen Persönlichkeiten zuzurechnen. Das Vermächtnis, das er hinterlassen hat, ist erstaunlich. In vielen Bereichen seiner Tätigkeit wurde er zum Innovator. Es gelang ihm, in seinem Werk den Humanismus der italienischen Renaissance mit der Kraft und spirituellen Kraft der deutschen Gotik zu verbinden.