Die berühmtesten Opern der Welt. Geschichte der Gattung Opernwerke russischer Komponisten des 19. Jahrhunderts

Der Autor des Essays ist N. V. Tumanina

Die russische Oper ist der wertvollste Beitrag zur Schatzkammer des Weltmusiktheaters. Geboren in der Epoche der klassischen Blütezeit der italienischen, französischen und deutschen Oper, der russischen Oper im 19. Jahrhundert. andere nationale Opernschulen nicht nur eingeholt, sondern auch überflügelt. Der multilaterale Charakter der Entwicklung des russischen Operntheaters im 19. Jahrhundert. trug zur Bereicherung der realistischen Weltkunst bei. Die Werke russischer Komponisten eröffneten einen neuen Bereich der Opernkreativität, führten neue Inhalte ein, neue Prinzipien für den Aufbau musikalischer Dramaturgie und brachten die Opernkunst anderen Arten musikalischer Kreativität näher, vor allem der Symphonie.

Die Geschichte der russischen klassischen Oper ist untrennbar mit der Entwicklung des gesellschaftlichen Lebens in Russland, mit der Entwicklung des fortgeschrittenen russischen Denkens verbunden. Durch diese Verbindungen zeichnete sich die Oper bereits im 18. Jahrhundert aus, nachdem sie in den 70er Jahren, der Ära der Entwicklung der russischen Aufklärung, als nationales Phänomen entstanden war. Die Entstehung der russischen Opernschule wurde von aufklärerischen Ideen beeinflusst, die sich in dem Wunsch ausdrückten, das Leben der Menschen wahrheitsgemäß darzustellen.

So nimmt die russische Oper von Anfang an Gestalt als demokratische Kunst an. Die Handlungsstränge der ersten russischen Opern brachten oft Ideen gegen die Leibeigenschaft auf, die auch für das russische Schauspieltheater und die russische Literatur am Ende des 18. Jahrhunderts charakteristisch waren. Diese Tendenzen hatten sich jedoch noch nicht zu einem ganzheitlichen System entwickelt, sie drückten sich empirisch in Szenen aus dem bäuerlichen Leben aus, in der Darstellung ihrer Unterdrückung durch Gutsbesitzer, in einer satirischen Darstellung des Adels. Dies sind die Handlungen der ersten russischen Opern: "Unglück aus der Kutsche" von V. A. Pashkevich (ca. 1742-1797), Libretto von Ya. B. Kniazhnin (post, 1779); "Kutscher auf einem Setup" E. I. Fomina (1761-1800). In der Oper "Der Müller - ein Zauberer, ein Betrüger und ein Heiratsvermittler" mit einem Text von A. O. Ablesimov und Musik von M. M. Sokolovsky (in der zweiten Version - E. I. Fomina) wird die Idee des Adels der Arbeit von ein Bauer wird zum Ausdruck gebracht und edle Prahlerei wird lächerlich gemacht. In der Oper von M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor" werden ein Wucherer und ein Bestechungsgeldnehmer in satirischer Form dargestellt.

Die ersten russischen Opern waren Theaterstücke mit musikalischen Episoden im Handlungsablauf. Gesprächsszenen waren dabei sehr wichtig. Die Musik der ersten Opern war eng mit russischen Volksliedern verbunden: Die Komponisten bedienten sich in großem Umfang der Melodien bestehender Volkslieder, bearbeiteten sie und machten sie zur Grundlage der Oper. In "Melnik" zum Beispiel werden alle Eigenschaften der Charaktere mit Hilfe von Volksliedern anderer Art gegeben. In der Oper "St. Petersburg Gostiny Dvor" wird eine Volkshochzeitszeremonie mit großer Genauigkeit wiedergegeben. Mit "Coachmen on a Frame" schuf Fomin das erste Beispiel einer Volkschoroper und legte damit eine der typischen Traditionen der späteren russischen Oper fest.

Die russische Oper entwickelte sich im Kampf um ihre nationale Identität. Die Politik des königlichen Hofes und der Spitze der Adelsgesellschaft, die ausländische Truppen bevormundete, richtete sich gegen die Demokratie der russischen Kunst. Die Figuren der russischen Oper mussten Opernkünste an den Mustern der westeuropäischen Oper erlernen und gleichzeitig die Eigenständigkeit ihrer nationalen Regie verteidigen. Dieser jahrelange Kampf wurde zu einer Bedingung für die Existenz der russischen Oper, die in neuen Stadien neue Formen annahm.

Zusammen mit der Opernkomödie im 18. Jahrhundert. andere Operngattungen erschienen ebenfalls. 1790 fand am Hof ​​eine Aufführung unter dem Titel „Olegs erste Verwaltung“ statt, deren Text von Kaiserin Katharina II. geschrieben wurde, und die Musik wurde gemeinsam von den Komponisten K. Canobbio, J. Sarti und V. A. Pashkevich komponiert Die Aufführung war weniger opernhafter als vielmehr oratorischer Natur und kann gewissermaßen als erstes Beispiel der im 19. Jahrhundert so weit verbreiteten musikhistorischen Gattung gelten. Im Werk des herausragenden russischen Komponisten D. S. Bortnyansky (1751-1825) wird die Operngattung durch die lyrischen Opern „Der Falke“ und „Der rivalisierende Sohn“ repräsentiert, deren Musik im Hinblick auf die Entwicklung von Opernformen und Können angelegt werden kann auf Augenhöhe mit modernen Beispielen der westeuropäischen Oper.

Das Opernhaus wurde im 18. Jahrhundert genutzt. große Popularität. Nach und nach drang die Oper aus der Hauptstadt in die Gutstheater ein. Festungstheater an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. gibt einzelne hochkünstlerische Beispiele für die Aufführung von Opern und Einzelrollen. Es werden talentierte russische Sänger und Schauspieler nominiert, wie zum Beispiel die Sängerin E. Sandunova, die auf der Bühne der Hauptstadt auftrat, oder die Leibeigene Schauspielerin des Sheremetev-Theaters P. Zhemchugova.

Künstlerische Leistungen der russischen Oper des 18. Jahrhunderts. gab der rasanten Entwicklung des Musiktheaters in Russland im ersten Viertel des 19. Jahrhunderts Impulse.

Die Verbindungen des russischen Musiktheaters mit den Ideen, die das geistige Leben der Epoche bestimmten, wurden während des Vaterländischen Krieges von 1812 und in den Jahren der Dekabristenbewegung besonders verstärkt. Das Thema Patriotismus, das sich in historischen und zeitgenössischen Handlungen widerspiegelt, wird zur Grundlage vieler dramatischer und musikalischer Darbietungen. Die Ideen des Humanismus, der Protest gegen soziale Ungleichheit inspirieren und befruchten die Theaterkunst.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. von Oper im vollen Sinne des Wortes kann man noch nicht sprechen. Gemischte Genres spielen im russischen Musiktheater eine wichtige Rolle: Tragödie mit Musik, Varieté, komische Oper, Opernballett. Vor Glinka kannte die russische Oper keine Werke, deren Dramaturgie sich nur auf Musik ohne gesprochene Episoden stützte.

O. A. Kozlovsky (1757-1831), der Musik für die Tragödien von Ozerov, Katenin, Shakhovsky schuf, war ein herausragender Komponist von "Tragödien über Musik". Die Komponisten A. A. Alyabyev (1787-1851) und A. N. Verstovsky (1799-1862) arbeiteten erfolgreich im Genre des Varietés, die Musik für eine Reihe von Varietés mit humorvollem und satirischem Inhalt komponierten.

Oper aus dem frühen 19. Jahrhundert entwickelte die Traditionen der Vorperiode. Ein charakteristisches Phänomen waren alltägliche Aufführungen, begleitet von Volksliedern. Beispiele dieser Art sind Aufführungen: „Yam“, „Gatherings“, „Girlfriend“ usw., deren Musik der Amateurkomponist A. N. Titov (1769-1827) geschrieben hat. Aber damit war das reiche Theaterleben der Epoche noch lange nicht erschöpft. Die Neigung zu den damals typischen romantischen Tendenzen drückte sich in der Begeisterung der Gesellschaft für märchenhaft-phantastische Aufführungen aus. Besonders erfolgreich war die mehrteilige Dnjepr-Meerjungfrau (Lesta). Die Musik zu diesen Opern, die gleichsam die Kapitel des Romans bildeten, wurde von den Komponisten S. I. Davydov, K. A. Kavos geschrieben; teilweise wurde die Musik des österreichischen Komponisten Cauer verwendet. "Die Dnjepr-Meerjungfrau" hat die Bühne lange nicht verlassen, nicht nur wegen der unterhaltsamen Handlung, die in ihren Grundzügen die Handlung von Puschkins "Meerjungfrau" vorwegnimmt, nicht nur dank der luxuriösen Inszenierung, sondern auch dank der melodische, einfache und zugängliche Musik.

Der italienische Komponist K. A. Kavos (1775-1840), der schon in jungen Jahren in Russland arbeitete und sich sehr um die Entwicklung der russischen Opernaufführung bemühte, unternahm den ersten Versuch, eine historisch-heroische Oper zu schaffen. 1815 inszenierte er in St. Petersburg die Oper Ivan Susanin, in der er ausgehend von einer der Episoden des Kampfes des russischen Volkes gegen die polnische Invasion zu Beginn des 17. Jahrhunderts versuchte, eine nationalpatriotische Stimmung zu schaffen Leistung. Diese Oper reagierte auf die Stimmung der Gesellschaft, die den Befreiungskrieg gegen Napoleon überlebte. Die Oper von Kavos zeichnet sich unter den modernen Werken durch das Können eines professionellen Musikers, das Vertrauen in die russische Folklore und die Lebendigkeit der Handlung aus. Dennoch erhebt sie sich nicht über das Niveau der zahlreichen „Rettungsopern“ französischer Komponisten, die auf derselben Bühne marschieren; Kavos konnte darin nicht das volkstümlich-tragische Epos schaffen, das Glinka zwanzig Jahre später mit derselben Handlung schuf.

Der größte Komponist des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts. A. N. Werstowski, der als Autor von Varietémusik erwähnt wurde, sollte anerkannt werden. Seine Opern "Pan Tvardovsky" (veröffentlicht 1828), "Askold's Grave" (veröffentlicht 1835), "Vadim" (veröffentlicht 1832) und andere bildeten eine neue Etappe in der Entwicklung der russischen Oper vor Glinka. Die charakteristischen Merkmale der russischen Romantik spiegelten sich im Werk von Verstovsky wider. Russische Antike, poetische Traditionen der Kiewer Rus, Märchen und Legenden bilden die Grundlage seiner Opern. Eine bedeutende Rolle spielt dabei das magische Element. Verstovskys Musik, tief geerdet, auf Volksliedkunst basierend, hat im weitesten Sinne volkstümliche Ursprünge aufgenommen. Seine Charaktere sind typisch für die Volkskunst. Als Meister der Operndramaturgie schuf Werstowski romantisch bunte Szenen mit fantastischem Inhalt. Ein Beispiel für seinen Stil ist die Oper „Askolds Grab“, die sich bis heute im Repertoire erhalten hat. Es zeigte die besten Eigenschaften von Verstovsky - ein melodisches Geschenk, ein ausgezeichnetes dramatisches Flair, die Fähigkeit, lebendige und charakteristische Bilder von Charakteren zu schaffen.

Verstovskys Werke gehören der vorklassischen Periode der russischen Oper an, obwohl ihre historische Bedeutung sehr groß ist: Sie fassen die besten Qualitäten der vergangenen und gegenwärtigen Periode in der Entwicklung der russischen Opernmusik zusammen und entwickeln sie weiter.

Aus den 30er Jahren. 19. Jahrhundert Die russische Oper tritt in ihre klassische Periode ein. Der Begründer der russischen Opernklassiker M. I. Glinka (1804-1857) schuf die historische und tragische Oper „Ivan Susanin“ (1830) und das fabelhafte Epos „Ruslan und Ljudmila“ (1842). Diese Opern legten den Grundstein für zwei der wichtigsten Strömungen des russischen Musiktheaters: historische Oper und magisches Epos. Glinkas kreative Prinzipien wurden von der nächsten Generation russischer Komponisten umgesetzt und weiterentwickelt.

Glinka entwickelte sich als Künstler in einer Zeit, die von den Ideen des Dekabrismus überschattet wurde, wodurch er den ideologischen und künstlerischen Gehalt seiner Opern auf eine neue, bedeutende Höhe heben konnte. Er war der erste russische Komponist, in dessen Werk das verallgemeinerte und tiefe Bild des Volkes zum Mittelpunkt des gesamten Werkes wurde. Das Thema Patriotismus in seiner Arbeit ist untrennbar mit dem Thema des Kampfes des Volkes für die Unabhängigkeit verbunden.

Die vorherige Periode der russischen Oper bereitete das Erscheinen von Glinkas Opern vor, aber ihr qualitativer Unterschied zu früheren russischen Opern ist sehr bedeutsam. In Glinkas Opern manifestiert sich der Realismus des künstlerischen Denkens nicht in seinen privaten Aspekten, sondern wirkt als ganzheitliche kreative Methode, die es uns ermöglicht, Idee, Thema und Handlung der Oper musikalisch und dramatisch zu verallgemeinern. Glinka verstand das Problem der Nationalität neu: Für ihn bedeutete es nicht nur die musikalische Entwicklung von Volksliedern, sondern auch eine tiefe, facettenreiche Reflexion des Lebens, Fühlens und Denkens der Menschen in der Musik, das Offenlegen der charakteristischen Merkmale seiner spirituellen Erscheinung. Der Komponist beschränkte sich nicht darauf, das Volksleben zu reflektieren, sondern verkörperte die typischen Merkmale der volkstümlichen Weltanschauung in der Musik. Glinkas Opern sind integrale musikalische und dramatische Werke; Sie haben keine gesprochenen Dialoge, der Inhalt wird durch Musik ausgedrückt. Statt separater, unausgearbeiteter Solo- und Chornummern der komischen Oper erschafft Glinka große, detailreiche Opernformen und entwickelt sie mit echtem symphonischem Können.

In "Ivan Susanin" besang Glinka die heroische Vergangenheit Russlands. Mit großer künstlerischer Wahrheit werden in der Oper typische Bilder des russischen Volkes verkörpert. Die Entwicklung des Musikdramas beruht auf dem Gegensatz verschiedener nationaler Musiksphären.

„Ruslan und Ljudmila“ ist eine Oper, die den Beginn der volkstümlichen epischen russischen Opern markierte. Die Bedeutung von „Ruslan“ für die russische Musik ist sehr groß. Die Oper beeinflusste nicht nur theatralische Genres, sondern auch symphonische. Majestätisch heroisch und geheimnisvoll magisch, sowie farbenfroh-orientalische Bilder von "Ruslan" nährten lange Zeit die russische Musik.

Auf Glinka folgte A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), ein typischer Künstler der Ära der 40-50er Jahre. 19. Jahrhundert Glinka hatte einen großen Einfluss auf Dargomyzhsky, aber gleichzeitig tauchten in dessen Werk neue Qualitäten auf, die aus neuen sozialen Bedingungen hervorgingen, neue Themen, die in die russische Kunst kamen. Warmes Mitgefühl für eine gedemütigte Person, das Bewusstsein für die Schädlichkeit sozialer Ungleichheit und eine kritische Haltung gegenüber der sozialen Ordnung spiegeln sich in der Arbeit von Dargomyzhsky wider, die mit den Ideen des kritischen Realismus in der Literatur verbunden ist.

Dargomyzhskys Weg als Opernkomponist begann mit der Schaffung der Oper „Esmeralda“, die nach V. Hugo (aufgegeben 1847) und dem zentralen Opernwerk des Komponisten als „Meerjungfrau“ (nach dem Drama von A. S. Puschkin) inszeniert werden sollte 1856 In dieser Oper wurde das Talent von Dargomyzhsky vollständig offenbart und die Richtung seiner Arbeit bestimmt. Das Drama der sozialen Ungleichheit zwischen den sich liebenden Töchtern des Müllers Natascha und dem Prinzen zog den Komponisten mit der Aktualität des Themas an. Dargomyzhsky verstärkte die dramatische Seite der Handlung, indem er das fantastische Element herabsetzte. Rusalka ist die erste russische alltagslyrisch-psychologische Oper. Ihre Musik ist zutiefst volkstümlich; Auf Liedbasis schuf der Komponist lebendige Heldenbilder, entwickelte einen deklamatorischen Stil in den Rollen der Hauptfiguren, entwickelte Ensembleszenen und dramatisierte sie signifikant.

Dargomyzhskys letzte Oper, The Stone Guest, nach Puschkin (aufgegeben 1872, nach dem Tod des Komponisten), gehört zu einer anderen Periode in der Entwicklung der russischen Oper. Dargomyzhsky stellte sich darin die Aufgabe, eine realistische Musiksprache zu schaffen, die Sprachintonationen widerspiegelt. Der Komponist hat hier die traditionellen Opernformen – Arien, Ensemble, Chor – aufgegeben; die Vokalpartien der Oper überwiegen gegenüber dem Orchesterpart, Der steinerne Gast legte den Grundstein für eine der Richtungen der nachfolgenden Periode der russischen Oper, die sogenannte Kammerrezitativoper, die später von Rimski-Korsakows Mozart und Salieris Rachmaninows präsentiert wurde Der geizige Ritter und andere. Die Besonderheit dieser Opern besteht darin, dass sie alle auf dem unveränderten Volltext von Puschkins „kleinen Tragödien“ basieren.

In den 60er Jahren. Die russische Oper ist in eine neue Phase ihrer Entwicklung eingetreten. Die Werke der Komponisten des Balakirev-Kreises („The Mighty Handful“) und Tschaikowskys erscheinen auf der russischen Bühne. In denselben Jahren entfaltete sich die Arbeit von A. N. Serov und A. G. Rubinshtein.

Das Opernwerk des als Musikkritiker berühmt gewordenen A. N. Serov (1820-1871) kann nicht zu den ganz bedeutenden Phänomenen des russischen Theaters gezählt werden. Einmal spielten seine Opern jedoch eine positive Rolle. In der Oper "Judith" (Post, 1863) schuf Serov ein Werk heroisch-patriotischer Natur, das auf einer biblischen Geschichte basiert; In der Oper Rogneda (komponiert und inszeniert 1865) wandte er sich der Ära der Kiewer Rus zu und wollte die Linie der Ruslan fortsetzen. Die Oper war jedoch nicht tief genug. Von großem Interesse ist Serovs dritte Oper, The Enemy Force, basierend auf A. N. Ostrovskys Drama Don't Live As You Want (veröffentlicht 1871). Der Komponist entschied sich für eine Liedoper, deren Musik auf Primärquellen beruhen sollte. Die Oper hat jedoch kein einziges dramatisches Konzept, und ihre Musik erreicht nicht die Höhe realistischer Verallgemeinerung.

A. G. Rubinshtein (1829-1894) begann als Opernkomponist mit der Komposition der historischen Oper Die Schlacht von Kulikovo (1850). er schuf die lyrische Oper Theramors und die romantische Oper Children of the Steppes. Rubinsteins beste Oper, The Demon after Lermontov (1871), ist im Repertoire erhalten geblieben. Diese Oper ist ein Beispiel für eine russische lyrische Oper, in der die talentiertesten Seiten dem Ausdruck der Gefühle der Figuren gewidmet sind. Die Genreszenen von The Demon, in denen der Komponist die Volksmusik Transkaukasiens verwendete, bringen ein lokales Flair ein. Die Oper Der Dämon war ein Erfolg bei Zeitgenossen, die in der Hauptfigur das Bild eines Mannes der 1940er und 1950er Jahre sahen.

Das Opernschaffen der Komponisten von The Mighty Handful und Tschaikowsky war eng mit der neuen Ästhetik der 1960er Jahre verbunden. Neue gesellschaftliche Bedingungen stellen russische Künstler vor neue Aufgaben. Das Hauptproblem der Zeit war das Problem der Reflexion des Volkslebens in seiner ganzen Komplexität und Widersprüchlichkeit in den Kunstwerken. Die Wirkung der Ideen der revolutionären Demokraten (vor allem Tschernyschewski) spiegelte sich im Bereich des musikalischen Schaffens wider durch die Hinwendung zu universell bedeutsamen Themen und Handlungssträngen, die humanistische Ausrichtung der Werke und die Verherrlichung der hohen geistigen Kräfte der Musik Menschen. Von besonderer Bedeutung ist in dieser Zeit das historische Thema.

Das Interesse an der Geschichte ihres Volkes in jenen Jahren ist nicht nur für Komponisten typisch. Die Geschichtswissenschaft selbst entwickelt sich weit; Schriftsteller, Dichter und Dramatiker wenden sich dem historischen Thema zu; Entwicklung der Historienmalerei. Die Epochen der Staatsstreiche, Bauernaufstände, Massenbewegungen sind von größtem Interesse. Einen wichtigen Platz nimmt das Problem des Verhältnisses zwischen Volk und königlicher Macht ein. Diesem Thema sind die historischen Opern von M. P. Mussorgsky und N. A. Rimsky-Korsakov gewidmet.

Opern von M. P. Mussorgsky (1839-1881), Boris Godunov (1872) und Khovanshchina (vollendet von Rimsky-Korsakov 1882) gehören zum historischen und tragischen Zweig der russischen klassischen Oper. Der Komponist nannte sie „volkstümliche Musikdramen“, da in beiden Werken der Mensch im Mittelpunkt steht. Die Hauptidee von "Boris Godunov" (basierend auf der gleichnamigen Tragödie von Puschkin) ist ein Konflikt: der Zar - das Volk. Diese Idee war eine der wichtigsten und schärfsten in der Zeit nach der Reform. Mussorgsky wollte in den Ereignissen der Vergangenheit von Rus eine Analogie zur Gegenwart finden. Der Widerspruch zwischen Volksinteressen und autokratischer Macht zeigt sich in den Szenen, in denen sich eine Volksbewegung in einen offenen Aufstand verwandelt. Gleichzeitig widmet der Komponist der „Tragödie des Gewissens“, die Zar Boris erlebt hat, große Aufmerksamkeit. Das facettenreiche Bild von Boris Godunov ist eine der höchsten Errungenschaften der Weltoper.

Mussorgskys zweites Musikdrama Chowanschtschina ist den Strelitzen-Aufständen Ende des 17. Jahrhunderts gewidmet. Das Element der Volksbewegung in all seiner überbordenden Kraft kommt in der Musik der Oper wunderbar zum Ausdruck, basierend auf dem kreativen Umdenken der Volksliedkunst. Die Musik von "Khovanshchina" ist wie die Musik von "Boris Godunov" von hoher Tragik geprägt. Grundlage der melodischen Meile beider Opern ist die Synthese von Gesang und deklamatorischen Anfängen. Mussorgskys Innovation, geboren aus der Neuheit seiner Konzeption, und die zutiefst originelle Lösung der Probleme der musikalischen Dramaturgie lassen uns seine beiden Opern zu den höchsten Errungenschaften des Musiktheaters zählen.

Die Oper von A. P. Borodin (1833-1887) "Prince Igor" grenzt auch an die Gruppe historischer Musikwerke (ihre Handlung war "The Tale of Igor's Campaign"). Die Idee der Liebe zum Vaterland, die Idee der Vereinigung angesichts des Feindes wird vom Komponisten mit großer Dramatik offenbart (Szenen in Putivl). Der Komponist verband in seiner Oper die Monumentalität des epischen Genres mit einem lyrischen Beginn. In der poetischen Verkörperung des polowzischen Lagers werden die Vorschriften von Glinka umgesetzt; wiederum inspirierten Borodins musikalische Bilder des Ostens viele russische und sowjetische Komponisten zu orientalischen Bildern. Borodins wunderbare melodische Begabung manifestierte sich im breiten Gesangsstil der Oper. Borodin hatte keine Zeit, die Oper zu beenden; Prinz Igor wurde von Rimski-Korsakow und Glasunow vollendet und 1890 in ihrer Fassung aufgeführt.

Das Genre des historischen Musikdramas wurde auch von N. A. Rimsky-Korsakov (1844-1908) entwickelt. Die Rebellion der Freien von Pskow gegen Iwan den Schrecklichen (Oper Die Frau von Pskow, 1872) wird vom Komponisten mit epischer Erhabenheit dargestellt. Das Bild des Königs ist voller echter Dramatik. Das lyrische Element der Oper, das mit der Heldin Olga verbunden ist, bereichert die Musik und fügt dem majestätischen tragischen Konzept Merkmale erhabener Zärtlichkeit und Weichheit hinzu.

P. I. Tschaikowsky (1840-1893), am bekanntesten für seine lyrisch-psychologischen Opern, war der Autor von drei historischen Opern. Die Opern Oprichnik (1872) und Mazepa (1883) sind dramatischen Ereignissen der russischen Geschichte gewidmet. In der Oper Die Jungfrau von Orleans (1879) wandte sich der Komponist der Geschichte Frankreichs zu und schuf das Bild der französischen Nationalheldin Jeanne d’Arc.

Ein Merkmal von Tschaikowskys historischen Opern ist ihre Verwandtschaft mit seinen lyrischen Opern. Der Komponist offenbart in ihnen die charakteristischen Züge der dargestellten Epoche durch die Schicksale einzelner Menschen. Die Bilder seiner Helden zeichnen sich durch die Tiefe und Wahrhaftigkeit der Übermittlung der komplexen inneren Welt einer Person aus.

Neben volksgeschichtlichen Musikdramen in der russischen Oper des 19. Jahrhunderts. Einen wichtigen Platz nehmen Volksmärchenopern ein, die im Werk von N. A. Rimsky-Korsakov weit verbreitet sind. Rimski-Korsakows beste Märchenopern sind „Das Schneewittchen“ (1881), „Sadko“ (1896), „Kashchei der Unsterbliche“ (1902) und „Der goldene Hahn“ (1907). Einen besonderen Platz nimmt die Oper The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia (1904) ein, die auf Volkslegenden über die tatarisch-mongolische Invasion basiert.

Opern von Rimsky-Korsakov verblüffen mit der Vielfalt der Interpretationen des Volksmärchengenres. Entweder ist dies eine poetische Interpretation alter Volksvorstellungen über die Natur, ausgedrückt in einem wunderbaren Märchen über das Schneewittchen, oder ein kraftvolles Bild des alten Nowgorod oder ein Bild Russlands zu Beginn des 20. Jahrhunderts. im allegorischen Bild des kalten Kashcheev-Königreichs, dann eine echte Satire auf das verrottete autokratische System in märchenhaften Volksbildern („Der goldene Hahn“). In verschiedenen Fällen unterscheiden sich die Methoden der musikalischen Darstellung der Charaktere und die Techniken der musikalischen Dramaturgie von Rimsky-Korsakov. In allen seinen Opern spürt man jedoch das tiefe kreative Eindringen des Komponisten in die Welt der Volksideen, des Volksglaubens, in das Weltbild der Menschen. Grundlage der Musik seiner Opern ist die Sprache der Volkslieder. Das Vertrauen in die Volkskunst, die Charakterisierung von Schauspielern durch die Verwendung verschiedener Volksgenres ist ein typisches Merkmal von Rimsky-Korsakov.

Der Höhepunkt der Arbeit von Rimsky-Korsakov ist das majestätische Epos über den Patriotismus der Menschen in Rus in der Oper „Die Legende von der unsichtbaren Stadt Kitezh und der Jungfrau Fevronia“, in der der Komponist einen großen Höhepunkt musikalischer und symphonischer Verallgemeinerung erreichte Thema.

Unter anderen Spielarten der russischen klassischen Oper gehört die lyrisch-psychologische Oper zu den wichtigsten Orten, deren Beginn Dargomyzhskys Rusalka legte. Der größte Vertreter dieses Genres in der russischen Musik ist Tschaikowsky, der Autor brillanter Werke, die zum weltweiten Opernrepertoire gehören: Eugen Onegin (1877-1878), The Enchantress (1887), The Queen of Spades (1890), Iolanta (1891) ). Tschaikowskys Innovation ist mit der Richtung seiner Arbeit verbunden, die den Ideen des Humanismus, dem Protest gegen die Demütigung des Menschen und dem Glauben an eine bessere Zukunft für die Menschheit gewidmet ist. Die innere Welt der Menschen, ihre Beziehungen, ihre Gefühle werden in Tschaikowskys Opern offenbart, indem sie theatralische Wirksamkeit mit der konsequenten symphonischen Entwicklung der Musik verbinden. Das Opernwerk von Tschaikowsky ist eines der größten Phänomene der Weltmusik- und Theaterkunst des 19. Jahrhunderts.

Eine kleinere Anzahl von Werken ist in der Opernarbeit russischer Komponisten der Komödienoper vertreten. Diese wenigen Proben zeichnen sich jedoch durch ihre nationale Identität aus. Es gibt keine unterhaltsame Leichtigkeit, Komik in ihnen. Die meisten von ihnen basierten auf Gogols Geschichten aus Abende auf einem Bauernhof in der Nähe von Dikanka. Jede der Opernkomödien spiegelte die individuellen Eigenschaften der Autoren wider. In Tschaikowskys Oper „Tscherewitschki“ (1885; in der ersten Fassung – „Schmied Vakula“, 1874) überwiegt das lyrische Element; in "May Night" von Rimsky-Korsakov (1878) - fantastisch und rituell; in Mussorgskys Sorochinskaya Fair (70er Jahre, nicht fertig) - rein komödiantisch. Diese Opern sind Beispiele für die Fähigkeit der realistischen Reflexion des Lebens der Menschen im Genre der Komödie der Charaktere.

An die russischen Opernklassiker schließen sich eine Reihe sogenannter Parallelphänomene im russischen Musiktheater an. Wir denken an das Werk von Komponisten, die keine Werke von bleibender Bedeutung geschaffen haben, obwohl sie ihren eigenen Beitrag zur Entwicklung der russischen Oper geleistet haben. Hier ist es notwendig, die Opern von Ts. A. Cui (1835-1918), einem Mitglied des Balakirev-Kreises, einem prominenten Musikkritiker der 60-70er Jahre, zu nennen. Cuis Opern „William Ratcliffe“ und „Angelo“, die den konventionell romantischen Stil nicht verlassen, sind frei von Drama und stellenweise heller Musik. Cuis spätere Unterstützungen sind von geringerer Bedeutung ("The Captain's Daughter", "Mademoiselle Fifi" usw.). Begleitend zur klassischen Oper war das Werk des herausragenden Dirigenten und musikalischen Leiters der Oper in St. Petersburg, E. F. Napravnik (1839-1916). Am bekanntesten ist seine Oper „Dubrovsky“, die in der Tradition der lyrischen Opern von Tschaikowsky komponiert wurde.

Von den Komponisten, die Ende des 19. Jahrhunderts auftraten. Auf der Opernbühne müssen wir A. S. Arensky (1861-1906), den Autor der Opern Traum an der Wolga, Raphael und Nal und Damayanti, sowie M. M. Ippolitov-Ivanov (1859-1935), dessen Oper Asya, nennen I. S. Turgenev, wurde in der lyrischen Manier von Tschaikowsky geschrieben. Es ragt heraus in der Geschichte der russischen Oper „Oresteia“ von S. I. Taneyev (1856-1915), so Aischylos, die als Theateroratorium bezeichnet werden kann.

Zur gleichen Zeit war S. V. Rachmaninow (1873-1943) als Opernkomponist tätig und komponierte bis zum Ende des Konservatoriums (1892) eine Onera in einem Akt „Aleko“, die in der Tradition von Tschaikowsky stand. Rachmaninows spätere Opern – Francesca da Rimini (1904) und The Miserly Knight (1904) – wurden in der Art von Opernkantaten geschrieben; bei ihnen ist das Bühnengeschehen maximal komprimiert und der musikalische und symphonische Ansatz sehr entwickelt. Die Musik dieser Opern, talentiert und hell, trägt den Stempel der Originalität des kreativen Stils des Autors.

Von den weniger bedeutenden Phänomenen der Opernkunst des frühen 20. Jahrhunderts. Nennen wir die Oper von A. T. Grechaninov (1864-1956) "Dobrynya Nikitich", in der die charakteristischen Merkmale einer sagenhaft epischen klassischen Oper romantischen Texten Platz machten, sowie die Oper von A. D. Kastalsky (1856-1926) "Clara Milic". “, in der sich Elemente des Naturalismus mit aufrichtiger, beeindruckender Lyrik verbinden.

XIX Jahrhundert - die Ära der russischen Opernklassiker. Russische Komponisten haben Meisterwerke in verschiedenen Genres der Oper geschaffen: Drama, Epos, heroische Tragödie, Komödie. Sie schufen ein innovatives Musikdrama, das in enger Verbindung mit den innovativen Inhalten der Oper entstand. Die wichtige, prägende Rolle volkstümlicher Massenszenen, die facettenreiche Charakterisierung der Figuren, die Neuinterpretation traditioneller Opernformen und die Schaffung neuer Prinzipien der musikalischen Einheit des Gesamtwerks sind charakteristische Merkmale der russischen Opernklassiker.

Die russische klassische Oper, die sich unter dem Einfluss des fortschrittlichen philosophischen und ästhetischen Denkens und unter dem Einfluss der Ereignisse des öffentlichen Lebens entwickelte, wurde zu einem der bemerkenswerten Aspekte der russischen Nationalkultur des 19. Jahrhunderts. Der gesamte Entwicklungsweg der russischen Oper im vergangenen Jahrhundert verlief parallel zur großen Befreiungsbewegung des russischen Volkes; Komponisten wurden von hohen Ideen des Humanismus und der demokratischen Aufklärung inspiriert, und ihre Werke sind für uns großartige Beispiele wirklich realistischer Kunst.

Die Geschichte der Oper in unserem Land als musikalische und dramatische Gattung, die aus dem Westen kam, begann jedoch lange vor der Produktion von Glinkas Leben für den Zaren (Iwan Susanin), der ersten russischen klassischen Oper, die am 27. November 1836 uraufgeführt wurde.

Wenn Sie es versuchen, können die Anfänge der russischen Oper in der Antike gefunden werden, da das musikalische und dramatische Element russischen Volksritualen wie Hochzeitszeremonien, Rundtänzen sowie kirchlichen Aufführungen der mittelalterlichen Rus innewohnt als Voraussetzungen für die Entstehung der russischen Oper angesehen. Mit noch größerem Grund kann man die Geburt der russischen Oper in den volkstümlichen Aufführungen des 16. und 17. Jahrhunderts, in den Schuldramen der Kiewer und Moskauer Akademien zu biblischen Themen sehen. All diese musikalischen und historischen Elemente werden sich in den Werken zukünftiger russischer Opernkomponisten widerspiegeln.

Am 17. Oktober 1672 fand die Uraufführung der „Esther“ („Akt des Artaxerxes“) von Johann Gottfried Gregory statt, die zehn Stunden bis zum Morgen dauerte. Musik war in die Aktion eingebunden – ein Orchester aus Deutschen und Hofleuten, die „Orgeln, Gamben und andere Instrumente“ spielten, vielleicht wirkten auch die Chöre der „Landessänger“ mit. Der Zar war fasziniert, alle Teilnehmer der Aufführung wurden freundlich behandelt, großzügig belohnt und durften sogar die Hand des Zaren küssen - "sie waren in den Händen des großen Souveräns", einige erhielten Ränge und Gehälter, Gregor selbst erhielt vierzig Zobel für einen hundert Rubel (Maß der Pelzkasse).

Die folgenden Stücke von Gregory wurden bereits in Moskau in den Gemächern des Kreml gespielt, das Publikum war dem König nahe: Bojaren, Karussells, Adlige, Beamte; Es gab spezielle Orte für die Königin und die Prinzessinnen, die mit häufigen Gittern eingezäunt waren, damit sie für die Öffentlichkeit nicht sichtbar waren. Die Aufführungen begannen um 22 Uhr und dauerten bis zum Morgen. War im „Akt des Artaxerxes“ die Beteiligung der Musik eher zufällig, so erschien 1673 ein opernähnliches Schauspiel auf der Bühne. Höchstwahrscheinlich handelte es sich um eine Umarbeitung des Librettos von Rinuccinis Oper „Eurydike“, die eine der ersten Opern überhaupt war und in zahlreichen Bearbeitungen europaweit weite Verbreitung fand.

Johann Gregor gründete 1673 sogar eine Theaterschule, in der 26 Spießbürgerkinder „Komödie“ studierten. 1675 wurde Gregory jedoch krank und ging zur Behandlung in die deutschen Länder, starb jedoch bald in der Stadt Merserburg, wo er begraben wurde, und die Theaterschule wurde geschlossen. Nach dem Tod von Zar Alexei Michailowitsch im Jahr 1676 zeigte der neue Zar Fjodor Alekseevich kein Interesse am Theater, der Hauptmäzen Artamon Matveev wurde nach Pustozersk ins Exil geschickt, die Theater wurden abgebaut. Das Spektakel hörte auf, aber der Gedanke blieb, dass es erlaubt war, da der Souverän selbst darüber amüsiert war.

Nachdem er den größten Teil seines Lebens in Russland verbracht hatte, blieb Gregory hinter den modernen Theatertrends zurück und die Komödien, die er inszenierte, waren veraltet, aber der Beginn der dramatischen und Opernkunst in Russland war gelegt. Der nächste Appell an das Theater und seine Wiederbelebung erfolgte fünfundzwanzig Jahre später, während der Zeit von Peter I.

Seitdem sind vier Jahrhunderte vergangen, aber die Oper gilt immer noch als eines der beliebtesten Musikgenres. Das Verständnis der Opernmusik ist für jedermann zugänglich, dabei helfen Worte und Bühnenhandlungen, und Musik verstärkt die Eindrücke des Dramas und drückt mit ihrer innewohnenden Kürze aus, was manchmal schwer in Worte zu fassen ist.

Derzeit interessiert sich die russische Öffentlichkeit für die Opern von S. M. Slonimsky, R. K. Shchedrin, L. A. Desyatnikov, V. A. Kobekin, A. V. Tchaikovsky - obwohl es schwierig ist, können Sie sie sehen, indem Sie Tickets für das Bolschoi-Theater kaufen. Das berühmteste und beliebteste Theater unseres Landes ist natürlich das Bolschoi-Theater - eines der Hauptsymbole unseres Staates und seiner Kultur. Sobald Sie das Bolschoi besucht haben, können Sie die Vereinigung von Musik und Schauspiel voll und ganz erleben.

Am 9. Dezember 1836 (27. November, alter Stil) fand auf der Bühne des St. Petersburger Bolschoi-Theaters die Uraufführung von Mikhail Ivanovich Glinkas Oper Ein Leben für den Zaren statt, die den Beginn einer neuen Ära in der russischen Opernmusik markierte .

Mit dieser Oper begann der wegweisende Weg des ersten russischen klassischen Komponisten, der ihn auf Weltniveau brachte. Wir werden über die bedeutendsten musikalischen Entdeckungen von Glinka sprechen.

Erste Nationaloper

M. I. Glinka verwirklichte seine wahre Bestimmung während seiner Reisen in Europa. Weit weg von seiner Heimat beschloss der Komponist, eine echte russische Oper zu schaffen, und begann, nach einer geeigneten Handlung dafür zu suchen. Auf Anraten von Zhukovsky entschied sich Glinka für eine patriotische Geschichte - eine Legende über die Leistung von Ivan Susanin, der sein Leben im Namen der Rettung seines Heimatlandes gab.

Zum ersten Mal in der Welt der Opernmusik trat ein solcher Held auf - von einfacher Herkunft und mit den besten Eigenschaften eines nationalen Charakters. Zum ersten Mal in einem Musikwerk dieser Größenordnung erklangen die reichsten Traditionen der nationalen Folklore und des russischen Songwritings. Das Publikum nahm die Oper mit einem Knall an, Anerkennung und Ruhm kamen dem Komponisten zu. In einem Brief an seine Mutter schrieb Glinka:

„Letzte Nacht wurden meine Wünsche endlich erfüllt, und meine lange Arbeit wurde von glänzendstem Erfolg gekrönt. Das Publikum nahm meine Oper mit außerordentlicher Begeisterung an, die Schauspieler verloren vor Eifer die Beherrschung … der Landesfürst … dankte mir und unterhielt sich lange mit mir …“.

Die Oper wurde von Kritikern und Kulturschaffenden hoch geschätzt. Odoevsky nannte es "den Beginn eines neuen Elements in der Kunst - die Periode der russischen Musik".

Märchenhaftes Epos kommt zur Musik

1837 begann Glinka mit der Arbeit an einer neuen Oper, diesmal mit dem Gedicht Ruslan und Ljudmila von A. S. Puschkin. Die Idee, das Märchenepos zu vertonen, kam Glinka noch zu Lebzeiten des Dichters, der ihm beim Libretto helfen sollte, aber Puschkins Tod störte diese Pläne.

Die Uraufführung der Oper fand 1842 statt - am 9. Dezember, genau sechs Jahre nach Susanin, brachte aber leider nicht den gleichen durchschlagenden Erfolg. Die aristokratische Gesellschaft, angeführt von der kaiserlichen Familie, begegnete der Produktion mit Feindseligkeit. Kritiker und sogar Befürworter von Glinka reagierten zweideutig auf die Oper.

„Am Ende des 5. Aktes verließ die kaiserliche Familie das Theater. Als der Vorhang heruntergelassen wurde, fingen sie an, mich zu rufen, aber sie applaudierten sehr unfreundlich, währenddessen wurde eifrig gezischt, und zwar hauptsächlich von der Bühne und dem Orchester.

erinnerte sich der Komponist.

Der Grund für diese Reaktion war die Innovation von Glinka, mit der er sich der Gründung von Ruslan und Lyudmila näherte. Der Komponist kombinierte in diesem Werk völlig unterschiedliche Motive und Bilder, die dem russischen Hörer bisher unvereinbar erschienen – lyrisch, episch, folkloristisch, orientalisch und fantastisch. Außerdem ließ Glinka die Form der italienischen und französischen Opernschule dem Betrachter vertraut.

Dieses spätere fabelhafte Epos wurde in den Werken von Rimsky-Korsakov, Tschaikowsky, Borodin verstärkt. Aber damals war das Publikum einfach noch nicht bereit für diese Art von Revolution in der Opernmusik. Glinkas Oper galt lange als kein Bühnenwerk. Einer ihrer Verteidiger, der Kritiker V. Stasov, nannte sie sogar „eine Märtyrerin unserer Zeit“.

Anfänge der russischen symphonischen Musik

Nach dem Scheitern von Ruslan und Lyudmila ging Glinka ins Ausland, wo er weiter kreierte. 1848 erschien die berühmte "Kamarinskaya" - eine Fantasie über die Themen zweier russischer Lieder - Hochzeit und Tanz. Russische symphonische Musik stammt aus Kamarinskaya. Wie sich der Komponist erinnerte, schrieb er es sehr schnell, weshalb er es Fantasie nannte.

„Ich kann Ihnen versichern, dass ich mich beim Komponieren dieses Stücks von dem einzigen inneren musikalischen Gefühl leiten ließ und nicht darüber nachdachte, was bei Hochzeiten passiert, wie unsere orthodoxen Menschen leben.“

sagte Glinka später. Es ist interessant, dass „Experten“ in der Nähe von Kaiserin Alexandra Feodorovna ihr erklärten, dass man an einem Ort der Arbeit deutlich hören kann, wie „ein betrunkener Mann an die Tür der Hütte klopft“.

So hat Glinka durch die beiden beliebtesten russischen Lieder eine neue Art von symphonischer Musik zugelassen und den Grundstein für ihre weitere Entwicklung gelegt. Tschaikowsky kommentierte das Werk wie folgt:

„Die gesamte russische symphonische Schule ist wie die ganze Eiche in einem Bauch in der symphonischen Fantasie „Kamarinskaja“ enthalten.

Der Inhalt des Artikels

RUSSISCHE OPER. Die russische Opernschule ist – neben der italienischen, deutschen, französischen – von globaler Bedeutung; Dies betrifft hauptsächlich eine Reihe von Opern, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entstanden sind, sowie mehrere Werke des 20. Jahrhunderts. Eine der beliebtesten Opern auf der Weltbühne Ende des 20. Jahrhunderts. - Boris Godunow M. P. Mussorgsky, oft auch gesagt Pik-Dame P. I. Tschaikowsky (selten seine anderen Opern, hauptsächlich Eugen Onegin); genießt großen Ruhm Prinz Igor A. P. Borodin; von 15 Opern von N.A. Rimsky-Korsakov erscheint regelmäßig Der goldene Hahn. Unter den Opern des 20. Jahrhunderts. das größte Repertoire Feuerengel S. S. Prokofjew und Lady Macbeth aus dem Distrikt Mzensk D. D. Schostakowitsch. Damit ist natürlich der Reichtum der nationalen Opernschule nicht erschöpft.

Das Erscheinen der Oper in Russland (18. Jahrhundert).

Die Oper war eines der ersten westeuropäischen Genres, das auf russischem Boden Fuß fasste. Bereits in den 1730er Jahren entstand eine italienische Hofoper, für die ausländische Musiker schrieben, die in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts in Russland wirkten, öffentliche Opernaufführungen erschienen; Auch Opern werden in Festungstheatern aufgeführt. Die erste russische Oper wird betrachtet Melnik - ein Zauberer, ein Betrüger und ein Heiratsvermittler Mikhail Matveyevich Sokolovsky nach einem Text von A. O. Ablesimov (1779) ist eine Alltagskomödie mit Musiknummern von Liedcharakter, die den Grundstein für eine Reihe populärer Werke dieses Genres legte - eine frühe komische Oper. Unter ihnen ragen Opern von Wassili Alekseevich Pashkevich (ca. 1742–1797) heraus ( Geizig, 1782; Sankt Petersburg Gostiny Dvor, 1792; Ärger von der Kutsche, 1779) und Evstigney Ipatovich Fomin (1761–1800) ( Kutscher auf Sockel, 1787; Amerikaner, 1788). Im Genre der Opera seria wurden zwei Werke des größten Komponisten dieser Zeit, Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751–1825), zu französischen Librettos geschrieben - Falke(1786) u Rival Son oder Modern Stratonics(1787); Es gibt interessante Experimente in den Genres Melodrama und Musik für eine dramatische Aufführung.

Oper vor Glinka (19. Jahrhundert).

Im nächsten Jahrhundert wächst die Popularität des Operngenres in Russland noch mehr. Die Oper war der Höhepunkt der Bestrebungen russischer Komponisten des 19. Jahrhunderts, und selbst diejenigen von ihnen, die kein einziges Werk in diesem Genre hinterlassen haben (z. B. M. A. Balakirev, A. K. Lyadov), haben viele Jahre über bestimmte Opernprojekte nachgedacht. Die Gründe dafür liegen auf der Hand: Erstens war die Oper, wie Tschaikowsky feststellte, eine Gattung, die es ermöglichte, „die Sprache der Massen zu sprechen“; zweitens ermöglichte die Oper, die großen ideologischen, historischen, psychologischen und anderen Probleme, die die Köpfe der russischen Bevölkerung im 19. Jahrhundert beschäftigten, künstlerisch zu beleuchten; Schließlich gab es in der jungen Berufskultur eine starke Anziehungskraft auf Genres, die neben der Musik das Wort, die Bühnenbewegung und die Malerei umfassten. Darüber hinaus hat sich bereits eine gewisse Tradition entwickelt - ein Erbe, das in der Musik- und Theatergattung des 18. Jahrhunderts hinterlassen wurde.

In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts Hof- und Privattheater verkümmerten, das Monopol konzentrierte sich in den Händen des Staates. Das Musik- und Theaterleben beider Hauptstädte war sehr lebhaft: Das erste Viertel des Jahrhunderts war die Blütezeit des russischen Balletts; im 19. Jahrhundert gab es in St. Petersburg vier Theatertruppen – russische, französische, deutsche und italienische, von denen die ersten drei sowohl Schauspiel als auch Oper aufführten, die letzte – nur Oper; mehrere Truppen arbeiteten auch in Moskau. Das italienische Unternehmen erwies sich als das stabilste - noch in den frühen 1870er Jahren musste der junge Tschaikowsky, der auf einem kritischen Gebiet agierte, um eine anständige Position der Moskauer Russischen Oper gegenüber der italienischen kämpfen; Raek Um die Wende der 1870er Jahre entstand auch Mussorgsky, in einer seiner Episoden wird die Leidenschaft des Petersburger Publikums und der Kritiker für berühmte italienische Sänger lächerlich gemacht.

Boildieu und Cavos.

Unter den ausländischen Komponisten, die in dieser Zeit nach St. Petersburg eingeladen wurden, ragen die Namen des berühmten französischen Autors Adrien Boildieu heraus ( cm. BUALDIEU, FRANCOIS ADRIENE) und der Italiener Caterino Cavos (1775–1840) , der 1803 Dirigent der russischen und italienischen Oper wurde, leitete 1834-1840 nur die russische Oper (und trug in dieser Funktion zur Produktion von Leben für den König Glinka, obwohl er bereits 1815 seine eigene Oper über dieselbe Handlung komponierte, die einen bedeutenden Erfolg hatte), war Inspektor und Direktor aller Orchester der kaiserlichen Theater, schrieb viel über russische Handlungen - wie Märchen ( Prinz der Unsichtbarkeit Und Ilja der Held zum Libretto von I. A. Krylov, Swetlana nach dem Libretto von V. A. Zhukovsky und anderen) und patriotisch ( Ivan Susanin zum Libretto von A. A. Shakhovsky, Kosakischer Dichter nach einem Libretto desselben Autors). Die beliebteste Oper des ersten Viertels des Jahrhunderts, die beliebteste Oper des ersten Viertels des Lesta oder die Dnjepr-Meerjungfrau Kavos und Stepan Ivanovich Davydov (1777–1825). 1803 wurde das Wiener Singspiel in St. Petersburg aufgeführt. Donau-Meerjungfrau Ferdinand Cauer (1751-1831) mit zusätzlichen Musiknummern von Davydov - in Übersetzung Dnjepr Meerjungfrau; 1804 erschien in St. Petersburg der zweite Teil desselben Singspiels mit eingefügten Kavos-Nummern; dann wurden - allein von Davydov - russische Fortsetzungen komponiert. Die Mischung aus fantastischen, realnationalen und blöden Plänen hielt sich lange im russischen Musiktheater (in der westeuropäischen Musik können die frühromantischen Opern von K. M. Weber als Analogien dienen - kostenloser Schütze Und Oberon, die zur gleichen Art von Märchensingspiel gehören).

Als zweite Leitlinie des Opernschaffens in den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. die Haushaltskomödie aus dem "volkstümlichen" Leben sticht hervor - ebenfalls ein aus dem letzten Jahrhundert bekanntes Genre. Dazu gehören zum Beispiel Opern in einem Akt Yam oder Poststation(1805), Versammlungen oder eine Folge von Yam (1808), Devishnik oder Filatkins Hochzeit(1809) von Alexei Nikolaevich Titov (1769–1827) zu einem Libretto von A.Ya. Die Oper wurde lange im Repertoire gehalten. Alte Weihnachtszeit Der Tscheche Franz Blima über den Text des Historikers A. F. Malinowski nach dem Volksritual; Die "Lied" -Opern von Daniil Nikitich Kashin (1770–1841) waren erfolgreich Natalya, Bojarentochter(1803) nach dem Roman von N. M. Karamzin, überarbeitet von S. N. Glinka und Olga die Schöne(1809) zu einem Libretto desselben Autors. Diese Linie blühte besonders während des Krieges von 1812 auf. Musikalische und patriotische Darbietungen, die in Eile komponiert wurden und eine sehr einfache, "aktuelle" Handlungsbasis mit Tanz, Gesang und Gesprächen kombinierten (die Namen sind typisch: Miliz oder Liebe zum Vaterland, Kosake in London, Urlaub im Lager der alliierten Armeen am Montmartre, Kosaken und preußischer Freiwilliger in Deutschland, Die Rückkehr der Miliz) markierte den Beginn des Divertissements als besondere Musik- und Theatergattung.

Werstowski.

Der größte russische Opernkomponist vor Glinka war A. N. Werstowski (1799–1862) ( cm. WERSTOWSKI, ALEXEY NIKOLAEVICH). Chronologisch fällt die Ära von Werstowski mit der Ära von Glinka zusammen: obwohl die erste Oper des Moskauer Komponisten ist Pan Twardowski(1828) erschien früher Leben für den König, Die beliebtesten Askolds Grab- im selben Jahr wie Glinkas Oper und Werstowskis letzte Oper, Blitz(1857), nach dem Tod von Glinka. Der große (wenn auch meist rein Moskauer) Erfolg von Werstowskis Opern und die "Überlebensfähigkeit" der erfolgreichsten von ihnen - Askolds Grab- aufgrund der Attraktivität für Zeitgenossen von Handlungen, die auf den Motiven "der ältesten russisch-slawischen Legenden" (natürlich sehr bedingt interpretiert) und Musik aufgebaut sind, in deren Intonationsstruktur nationales Russisch, Westslawisch und Moldawisch-Zigeuner alltägliche Intonationen sind vielfältig. Es ist offensichtlich, dass Werstowski die große Opernform nicht beherrschte: In fast allen seinen Opern wechseln sich musikalische „Nummern“ mit langen Gesprächsszenen ab (die Versuche des Komponisten, Rezitative in seinen späteren Werken zu schreiben, ändern daran nichts), Orchesterfragmente sind es meist uninteressant und nicht malerisch, dennoch klangen Opern dieses Komponisten, um es mit den Worten eines Zeitgenossen zu sagen, „etwas vertraut“, „herrlich bodenständig“. Das „edle Gefühl der Vaterlandsliebe“, das diese „legendären“ Opern erweckten, lässt sich mit den Eindrücken des Publikums von den Romanen des ständigen Librettisten des Komponisten Zagoskin vergleichen.

Glinka.

Obwohl die Musik der Prä-Glinka-Ära mittlerweile hinreichend erforscht ist, wirkt das Erscheinen von Michail Iwanowitsch Glinka (1804–1857) immer wieder wie ein Wunder. Die grundlegenden Qualitäten seiner Gabe sind tiefer Intellektualismus und subtile Kunstfertigkeit. Glinka kam bald auf die Idee, eine „große russische Oper“ zu schreiben, also ein Werk eines erhabenen, tragischen Genres. Ursprünglich (1834) nahm das Thema von Ivan Susanins Kunststück, das dem Komponisten von V. A. Zhukovsky angedeutet wurde, die Form eines Bühnenoratoriums mit drei Gemälden an: das Dorf Susanin, ein Zusammenstoß mit den Polen, ein Triumph. Allerdings dann Leben für den König(1836) wurde zu einer echten Oper mit einem kraftvollen Choranfang, der der Tradition der nationalen Kultur entsprach und den zukünftigen Weg der russischen Oper weitgehend vorgab. Glinka war der erste der russischen Autoren, der das Problem der musikalischen Bühnensprache löste, und was die musikalischen „Nummern“ anbelangt, die in traditionellen Solo-, Ensemble- und Chorformen geschrieben waren, erwiesen sich als mit so neuen Intonationsinhalten gefüllt, dass Assoziationen damit einhergingen Italienische oder andere Modelle wurden überwunden. Außerdem rein Leben für den König die stilistische Vielfalt der bisherigen russischen Oper wurde überwunden, als Genreszenen „auf Russisch“, lyrische Arien „auf Italienisch“ und dramatische Momente „auf Französisch“ oder „Deutsch“ geschrieben wurden. Viele russische Musiker der nächsten Generationen, die diesem heroischen Drama Tribut zollen, bevorzugten jedoch immer noch Glinkas zweite Oper - Ruslan und Ludmila(nach Puschkin, 1842) und sah in diesem Werk eine ganz neue Richtung (es wurde von N. A. Rimsky-Korsakov und A. P. Borodin fortgesetzt). Aufgaben der Oper Ruslana- ganz anders als in Puschkins Werk: die erste Neuschöpfung des altrussischen Geistes in der Musik; der „authentische“ Osten in seinen verschiedenen Erscheinungsformen – „träge“ und „militant“; Fantasy (Naina, Chernomor Castle) ist völlig originell und steht der Fantasy von Glinkas fortschrittlichsten Zeitgenossen - Berlioz und Wagner - in nichts nach.

Dargomyschski.

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813–1869) begann seine Karriere als Opernkomponist recht jung, in der zweiten Hälfte der 1830er Jahre, als er von der Uraufführung inspiriert wurde Leben für den König, begann Musik zum französischen Libretto von V. Hugo zu schreiben Esmeralda.

Die Handlung der nächsten Oper entstand schon vor der Produktion Esmeralda(1841), und es war Puschkins Meerjungfrau, die allerdings erst 1856 auf der Bühne erschien. Meerjungfrauen erwies sich auch als nah am modernen Musikleben. Im Gegensatz zu Glinkas virtuoser Instrumentierung besteht Dargomyzhskys Orchester aus bescheidenen, schönen Volkschören Meerjungfrauen sind ganz traditioneller Natur, und der dramatische Hauptinhalt konzentriert sich auf Solopartien und vor allem auf großartige Ensembles, und in der melodischen Farbgebung werden echte russische Elemente mit slawisch-kleinrussischem und polnischem kombiniert. Dargomyzhskys letzte Oper, Gast aus Stein(nach Puschkin, 1869, inszeniert 1872), ein völlig neuartiges, ja experimentelles Werk in der Gattung der „Gesprächsoper“ (Operndialog). Der Komponist kam hier ohne entwickelte Gesangsformen wie eine Arie aus (die einzigen Ausnahmen sind zwei von Lauras Liedern), ohne ein Symphonieorchester, und als Ergebnis erschien ein ungewöhnlich raffiniertes Werk, in dem die kürzeste melodische Phrase oder sogar eine Konsonanz sein kann große und eigenständige Ausdruckskraft erlangen.

Serow.

Später als Dargomyzhsky, aber früher als die Kuchkisten und Tschaikowsky, machte sich Alexander Nikolaevich Serov (1820–1871) im Operngenre einen Namen. Seine erste Oper Judith(1863), erschien, als der Autor bereits über vierzig Jahre alt war (vorher hatte Serov als Musikkritiker einen beachtlichen Ruhm erlangt, aber als Komponist hatte er nichts Bemerkenswertes geschaffen). Das Stück von P. Giacometti (speziell für die berühmte Tragödin Adelaide Ristori geschrieben, die in dieser Rolle in St. Petersburg und Moskau für Furore sorgte) nach einer biblischen Geschichte über eine Heldin, die ihr Volk aus der Sklaverei rettet, entsprach voll und ganz der Aufregung Zustand der russischen Gesellschaft um die Wende der 1860er Jahre. Reizvoll war auch der farbige Kontrast zwischen dem strengen Judäa und dem in Luxus getauchten Assyrien. Judith gehört zum Genre der "großen Oper" vom Typ Meyerbeer, das auch auf der russischen Bühne neu war; es hat einen starken oratorischen Anfang (detaillierte Chorszenen, die dem Geist der biblischen Legende am ehesten entsprechen und im klassischen Oratorienstil des Händel-Typs getragen werden) und gleichzeitig theatralisch und dekorativ (Divertissement mit Tänzen). Mussorgsky rief an Judith die erste nach Glinka "ernsthaft interpretierte" Oper auf der russischen Bühne. Durch den herzlichen Empfang ermutigt, machte sich Serov sofort an die Arbeit an einer neuen Oper, jetzt auf einer russischen historischen Handlung, - Roggen. Das „historische Libretto“ laut Chronik verursachte viele Vorwürfe der Unglaubwürdigkeit, Tatsachenverdrehung, „Prägung“, Falschheit der vermeintlich gemeinsamen Sprache etc.; Musik enthielt trotz der Masse an "gemeinsamen Orten" spektakuläre Fragmente (unter denen natürlich die Varangianische Ballade von Rogneda den ersten Platz einnimmt - sie ist immer noch im Konzertrepertoire zu finden). Nach Rognedy(1865) machte Serov eine sehr scharfe Wendung und wandte sich dem Drama des modernen Lebens zu - dem Stück von A. N. Ostrovsky Lebe nicht so, wie du willst und damit der erste Komponist zu werden, der es wagte, eine "Oper der Moderne" zu schreiben - Feindliche Kraft (1871).

„Mächtiger Haufen“.

Das Erscheinen der neuesten Opern von Dargomyzhsky und Serov liegt nur geringfügig vor der Produktionszeit der ersten Opern der Komponisten von The Mighty Handful. Die Kutschkistische Oper hat einige „generische“ Züge, die sich bei so unterschiedlichen Künstlern wie Mussorgsky, Rimsky-Korsakov und Borodin manifestieren: eine Vorliebe für russische Themen, insbesondere historische und märchenmythologische; großes Augenmerk nicht nur auf die "sichere" Entwicklung der Handlung, sondern auch auf die Phonetik und Semantik des Wortes und überhaupt auf die Gesangslinie, die auch bei einem sehr entwickelten Orchester immer im Vordergrund steht; eine sehr bedeutende Rolle von Chorszenen (meistens "Volksszenen"); "durch" und nicht "nummerierte" Art musikalischer Dramaturgie.

Mussorgsky.

Opern bilden, wie andere Genres, die mit vokaler Intonation verbunden sind, den Hauptteil des Vermächtnisses von Modest Petrovich Mussorgsky (1839–1881): Als junger Mann begann er seine musikalische Reise mit einem Opernplan (einer nicht realisierten Oper). Gan Isländer nach V. Hugo) und verstarb, wobei zwei Opern unvollendet blieben - Chowanschtschina Und Sorochinskaya-Messe(die erste war im Clavier ganz fertig, aber fast ohne Instrumentierung; in der zweiten wurden die Hauptszenen komponiert).

Das erste große Werk des jungen Mussorgsky in der zweiten Hälfte der 1860er Jahre war die Oper Salambo(nach G. Flaubert 1866; unvollendet geblieben; in einem späteren autobiographischen Dokument wird das Werk nicht als „Oper“, sondern als „Szenen“ bezeichnet und wird in dieser Eigenschaft heute aufgeführt). Hier ist ein völlig originelles Bild des Ostens entstanden - weniger das exotische "karthagische", als vielmehr das russisch-biblische, das Parallelen in der Malerei ("biblische Skizzen" von Alexander Ivanov) und in der Poesie (z. B. Alexei Khomyakov) aufweist. Die entgegengesetzte "antiromantische" Richtung wird durch Mussorgskys zweite unvollendete frühe Oper repräsentiert - Hochzeit(nach Gogol, 1868). Diese, so die Definition des Autors, „Studie für eine Kammerprüfung“ setzt die Linie fort Gast aus Stein Dargomyzhsky, schärft sie aber so weit wie möglich, indem er Prosa anstelle von Poesie wählt, eine Handlung, die völlig „real“ und darüber hinaus „modern“ ist, und erweitert damit die Experimente der „romantischen Bühne“ auf die Skala des Operngenres Dargomyzhsky unternahm ( Titularberater, Wurm usw.) und Mussorgsky selbst.

Boris Godunow

(1. Auflage - 1868-1869; 2. Auflage - 1872, aufgeführt 1874) hat einen Untertitel "nach Puschkin und Karamzin", es basiert auf Puschkins Tragödie, aber mit bedeutenden Einfügungen des Komponisten. Bereits in der ersten, eher kammermusikalischen Fassung der Oper konzentrierte man sich auf das Persönlichkeitsdrama als ein Drama von „Schuld und Strafe“ ( Boris Godunow- zeitgenössisch Verbrechen und Strafen F. M. Dostojewski) entfernte sich Mussorgsky sehr weit von jeglichen Opernkanons – sowohl in Bezug auf die Intensität der Dramaturgie und die Schärfe der Sprache als auch in der Interpretation der historischen Handlung. Arbeiten an der zweiten Auflage Boris Godunow, die sowohl einen etwas traditionelleren „polnischen Akt“ als auch eine für eine Oper recht ungewöhnliche Szene eines Volksaufstands („Unter dem Kromy“) beinhaltete, dürfte Mussorgsky bereits an die Weiterentwicklung des Präzedenzfalls „Zeit der Wirren“ gedacht haben – die Razin-Aufstand, die Streltsy-Unruhen, die Spaltung, die Pugachevshchina , d.h. mögliche und nur teilweise verkörperte Handlungen ihrer zukünftigen Opern - die musikhistorische Chronik Russlands. Aus dieser Sendung wurde nur das Drama der Trennung ausgetragen - Chowanschtschina, mit der Mussorgsky unmittelbar nach Fertigstellung der zweiten Auflage begann Boris Godunow, sogar gleichzeitig mit seiner Fertigstellung; Gleichzeitig taucht in den Dokumenten die Idee eines „Musikdramas unter Beteiligung der Wolga-Kosaken“ auf, und später markiert Mussorgsky seine Aufnahmen von Volksliedern „Für die letzte Oper Pugachevshchina».

Boris Godunow, insbesondere in der Erstausgabe, stellt einen Operntypus mit einer durchgängigen musikalischen Handlung dar, bei der vollendete Fragmente nur dann erscheinen, wenn sie durch die Bühnensituation bedingt sind (der Lobgesang, die Klage der Prinzessin, die Polonaise auf einem Ball). im Palast usw.). IN Chowanschtschina Mussorgsky stellte sich die Aufgabe, eine nach seinen Worten „sinnvolle/berechtigte“ Melodie zu schaffen, und das Lied wurde zu ihrer Grundlage, d.h. nicht instrumentaler Natur (wie in einer klassischen Arie), sondern eine strophische, frei variierbare Struktur - in "reiner" Form oder in Kombination mit einem rezitativen Element. Dieser Umstand bestimmte weitgehend die Form der Oper, die unter Beibehaltung der Kontinuität und des Flusses der Handlung viel mehr "vollständige", "gerundete" Nummern - und Chorsätze ( Chowanschtschina in viel größerem Umfang als Boris Godunow, Choroper - "Volksmusikdrama") und Solo.

Im Gegensatz zu Boris Godunow, das mehrere Jahre auf der Bühne des Mariinsky-Theaters stand und zu Lebzeiten des Autors veröffentlicht wurde, Chowanschtschina Erstmals aufgeführt in Rimski-Korsakows Ausgabe anderthalb Jahrzehnte nach dem Tod des Autors, wurde es Ende der 1890er Jahre an der Moskauer Privaten Russischen Oper von S.I. im Mariinski-Theater Chowanschtschina erschien dank der Bemühungen des gleichen Chaliapin im Jahr 1911 fast gleichzeitig mit den Aufführungen der Oper in Paris und London durch das Djagilew-Unternehmen (drei Jahre zuvor hatte Djagilews Pariser Produktion einen sensationellen Erfolg). Boris Godunow). Im 20. Jahrhundert wiederholte Versuche wurden unternommen, um wiederzubeleben und zu vervollständigen Hochzeit Und Sorochinskaya-Messe in verschiedenen Ausgaben; für den zweiten war die Referenz die Rekonstruktion von V.Ya.Shebalin.

Rimski-Korsakow.

Das Erbe von Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844–1908) repräsentierte viele der wichtigsten Musikgenres, aber seine größten Errungenschaften, wie die von Mussorgsky, waren mit der Oper verbunden. Sie zieht sich durch das ganze Leben des Komponisten: ab 1868, dem Beginn der Komposition der ersten Oper ( Pskowitjanka), bis 1907 die Fertigstellung der letzten, fünfzehnten Oper ( Der goldene Hahn). Rimsky-Korsakov beschäftigte sich ab Mitte der 1890er Jahre besonders intensiv mit diesem Genre: In den nächsten anderthalb Jahrzehnten schuf er 11 Opern. Bis Mitte der 1890er Jahre fanden alle Uraufführungen von Rimski-Korsakows Opern im Mariinski-Theater statt; Später, ab Mitte der 1890er Jahre, begann die Zusammenarbeit des Komponisten mit S. I. Mamontows Moskauer Privatoper, wo die meisten späten Opern Korsakows entstanden Sadko. Diese Zusammenarbeit spielte eine besondere Rolle bei der Entstehung einer neuen Art von Design und Regieentscheidung einer Musikaufführung (sowie bei der kreativen Entwicklung solcher Künstler des Mammutkreises wie K. A. Korovin, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel).

Die redaktionelle Tätigkeit von Rimsky-Korsakov ist absolut einzigartig: Dank ihm zum ersten Mal Chowanschtschina Und Prinz Igor, die nach dem Tod von Mussorgsky und Borodin unvollendet blieb (die Version der Borodino-Oper entstand zusammen mit A. K. Glazunov); er instrumentiert Gast aus Stein Dargomyzhsky (und zweimal: für die Uraufführung 1870 und erneut 1897-1902) und veröffentlicht Hochzeit Mussorgsky; in seiner Ausgabe erlangte weltweite Berühmtheit Boris Godunow Mussorgsky (und obwohl die Autorenversion zunehmend bevorzugt wird, läuft die Korsakow-Version weiterhin in vielen Theatern); schließlich bereitete Rimsky-Korsakov (zusammen mit Balakirev, Ljadow und Glasunow) Glinkas Opernpartituren zweimal für die Veröffentlichung vor. Damit stellt Rimsky-Korsakovs Werk in Bezug auf die Gattung Oper (wie auch in vielen anderen Aspekten) eine Art Kernstück der russischen Klassik dar und verbindet die Ära von Glinka und Dargomyzhsky aus dem 20. Jahrhundert.

Unter den 15 Opern von Rimsky-Korsakov gibt es keine Gattungen desselben Typs; selbst seine Märchenopern unterscheiden sich in vielerlei Hinsicht voneinander: Schnee Mädchen(1882) - "Frühlingsmärchen", Das Märchen vom Zaren Saltan(1900) - "nur ein Märchen", Koschei der Unsterbliche(1902) - "Herbstmärchen", Der goldene Hahn(1907) - "eine Fiktion in den Gesichtern." Diese Liste ließe sich fortsetzen: Pskowitjanka(1873) - Opernchronik, Mlada(1892) - Opernballett, Heiligabend(1895) - laut Definition des Autors "Weihnachtsgeschichte", Sadko(1897) - epische Oper, Mozart und Salieri(1898) - Kammer "dramatische Szenen", Die Legende der unsichtbaren Stadt Kitezh und der Jungfrau Fevronia(1904) - Operngeschichte (oder "liturgisches Drama"). Zu den traditionelleren Operntypen gehört die lyrische Komödie. Mai Nacht(nach Gogol, 1880), lyrisches Drama über eine russische historische Handlung königliche Braut(nach L.A. May, 1899; und der Prolog zu dieser Oper Boyarina Vera Sheloga, 1898) und zwei weniger berühmte (und weniger erfolgreiche) Opern aus der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. - Pan-Gouverneur(1904) über polnische Motive u Servilia(1902) nach einem Theaterstück von May, das im Rom des ersten Jahrhunderts n. Chr. spielt.

Im Wesentlichen reformierte Rimsky-Korsakov die Operngattung im Rahmen seiner eigenen Kreativität und ohne irgendwelche theoretischen Parolen zu verkünden. Diese Reform war verbunden mit dem Rückgriff auf die bereits etablierten Muster der russischen Schule (on Ruslana und Ljudmila Glinka und die ästhetischen Prinzipien des Kuchkismus), Volkskunst in ihren unterschiedlichsten Erscheinungsformen und die ältesten Formen des menschlichen Denkens - Mythos, Epos, Märchen (letzterer Umstand bringt den russischen Komponisten zweifellos seinem älteren Zeitgenossen Richard Wagner näher zu den Hauptparametern seiner eigenen Rimsky-Korsakov kam zum Opernkonzept selbst, bevor er sich mit der Tetralogie und Wagners späteren Opern bekannt machte). Ein typisches Merkmal von Rimsky-Korsakovs "mythologischen" Opern, die mit dem slawischen Sonnenkult verbunden sind ( Mai Nacht, Heiligabend, Mlada, Märchenopern), ist eine „Multi-Welt“: Die Handlung spielt sich in zwei oder mehr „Welten“ ab (Menschen, Naturelemente und ihre Personifikationen, heidnische Gottheiten), und jede „Welt“ spricht ihre eigene Sprache, die entspricht der Selbsteinschätzung Rimski-Korsakows als Komponist eines „objektiven“ Lagerhauses. Für Opern der mittleren Periode, ab Mai Nacht Vor Nächte vor Weihnachten, die Sättigung der musikalischen Handlung mit rituellen und rituellen Szenen (verbunden mit den Feiertagen des alten Bauernkalenders - im Allgemeinen spiegelt sich das gesamte heidnische Jahr in den Opern von Rimsky-Korsakov wider); In späteren Werken erscheint Ritualismus, „Satzung“ (einschließlich christlich-orthodoxer und oft eine Synthese des „alten“ und „neuen“ Volksglaubens) in einer indirekteren und raffinierteren Form. Obwohl die Opern des Komponisten im 19. Jahrhundert regelmäßig aufgeführt wurden, erfuhren sie erst um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert eine wirkliche Wertschätzung. und später, im Silbernen Zeitalter, auf das dieser Meister am meisten eingestimmt war.

Borodin.

Absicht Prinz Igor Alexander Porfirjewitsch Borodin (1833–1877) gehört in dieselbe Epoche wie die Pläne Boris Godunow, Chowanschtschina Und Pskowiter, d.h. Ende der 1860er - Anfang der 1870er Jahre war die Oper jedoch aufgrund verschiedener Umstände auch zum Zeitpunkt des Todes des Autors im Jahr 1886 und ihrer Uraufführung (in der überarbeiteten Fassung von Rimsky-Korsakov und Glazunov) nicht vollständig fertiggestellt fand fast gleichzeitig mit statt Pik-Dame Tschaikowsky (1890). Es ist charakteristisch, dass Borodin im Gegensatz zu seinen Zeitgenossen, die sich für historische Opernhandlungen den dramatischen Ereignissen der Regierungszeit von Iwan dem Schrecklichen, Boris Godunow und Peter dem Großen zuwandten, das älteste epische Denkmal als Grundlage nahm - Ein Wort über Igors Regiment. Als prominenter Naturwissenschaftler wandte er eine wissenschaftliche Herangehensweise an das Opernlibretto an, griff die Interpretation der schwierigen Stellen des Denkmals auf, studierte die Epoche der Handlung, sammelte Informationen über die in erwähnten alten Nomadenvölker Wort. Borodin hatte eine ausgewogene und realistische Sicht auf das Problem der Opernform und versuchte nicht, es vollständig zu verändern. Das Ergebnis war ein Werk, das nicht nur im Allgemeinen und im Detail schön, sondern einerseits schlank und ausgewogen und andererseits ungewöhnlich originell wirkte. In der russischen Musik des 19. Jahrhunderts. Es ist schwierig, eine "authentischere" Wiedergabe der bäuerlichen Folklore zu finden als im Poselyanischen Chor oder Jaroslawnas Klage. Der Chorprolog zur Oper, wo die "Skazka" Intonation der altrussischen Szenen von Glinka ist Ruslana, ähnlich einem mittelalterlichen Fresko. Orientalische Motive Prinz Igor(„Polovtsian section“) in Bezug auf Stärke und Authentizität der „Steppen“-Färbung sind in der Weltkunst beispiellos (neuere Studien haben gezeigt, wie sensibel sich Borodin für die östliche Folklore erwiesen hat, sogar vom Standpunkt der Musikethnographie). Und diese Authentizität wird auf natürlichste Weise mit der Verwendung ganz traditioneller Formen einer großen Arie kombiniert - den Merkmalen des Helden (Igor, Konchak, Yaroslavna, Vladimir Galitsky, Konchakovna), dem Duett (Vladimir und Konchakovna, Igor und Yaroslavna). ) und andere, sowie mit Elementen, die aus der westeuropäischen Musik in Borodins Stil eingeführt wurden (zum Beispiel "Schumanisms", zumindest in derselben Arie von Jaroslawna).

Cui.

In einer Rezension der Kuchkistischen Oper ist auch der Name Caesar Antonovich Cui (1835–1918) als Autor von fast zwei Dutzend Opern zu den unterschiedlichsten Themen zu nennen (von Kaukasischer Gefangener basierend auf Puschkins Gedicht und Engel von Hugo vor Fräulein Fifi nach G. de Maupassant), die ein halbes Jahrhundert lang erschienen und auf der Bühne aufgeführt wurden. Bis heute sind alle Opern von Cui fest in Vergessenheit geraten, aber für sein erstes reifes Werk in diesem Genre sollte eine Ausnahme gemacht werden - William Ratcliff nach G. Heine. Ratcliff wurde die erste Oper des Balakirev-Kreises, die auf die Bühne kam (1869), und hier wurde zum ersten Mal der Traum einer neuen Generation von Operndramen verkörpert.

Tschaikowsky.

Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky (1840–1893) hatte wie Rimski-Korsakow und Mussorgski sein ganzes Leben lang eine starke Anziehungskraft auf das Genre der Oper (und im Gegensatz zu den Kutschkisten auch auf das Ballett): seine erste Oper, Gouverneur(nach A. N. Ostrovsky, 1869), bezieht sich auf den Beginn der unabhängigen kreativen Tätigkeit; Uraufführung des letzten Iolanthe, fand weniger als ein Jahr vor dem plötzlichen Tod des Komponisten statt.

Tschaikowskys Opern sind zu einer Vielzahl von Themen geschrieben - historische ( Oprichnik, 1872; Jungfrau von Orléans, 1879; Mazepa, 1883), komisch ( Schmied Vakula, 1874, und die Fassung des zweiten Autors dieser Oper - Tscherewitschki, 1885), Lyrik ( Eugen Onegin, 1878; Jolanta, 1891), lyrisch-tragisch ( Zauberin, 1887; Pik-Dame, 1890) und je nach Thema unterschiedlich aussehen. Nach Tschaikowskys Verständnis erhielten jedoch alle von ihm gewählten Plots eine persönliche, psychologische Färbung. Lokalkolorit, Darstellung von Ort und Zeit des Geschehens interessierten ihn relativ wenig – Tschaikowsky ging vor allem als Schöpfer eines lyrischen Musikdramas in die russische Kunstgeschichte ein. Tschaikowsky hatte wie die Kuchkisten kein einheitliches, universelles Opernkonzept, und er verwendete alle bekannten Formen frei. Obwohl der Stil Gast aus Stein immer „übertrieben“ erschien, war er doch etwas von der Idee des Operndialogs beeinflusst, was sich in der Bevorzugung einer musikalischen Dramaturgie eines durchgängigen, durchgehenden Typs und melodischer Singsangsprache anstelle von „förmlichem“ Rezitativ widerspiegelte (hier Tschaikowsky, kamen jedoch nicht nur von Dargomyzhsky, sondern noch mehr von Glinka, insbesondere von den von ihm tief verehrten Leben für den König). Gleichzeitig zeichnet sich Tschaikowsky in viel größerem Maße als die Petersburger (mit Ausnahme von Borodin) durch eine Kombination der Kontinuität des musikalischen Handelns mit der Klarheit und Zergliederung der inneren Formen jeder Szene aus - er tut es nicht traditionelle Arien, Duette und anderes aufzugeben, besitzt meisterhaft die Form eines komplexen "finalen" Ensembles (was sich in Tschaikowskys Leidenschaft für die Kunst Mozarts im Allgemeinen und seine Opern im Besonderen widerspiegelte). Не принимая вагнеровских сюжетов и с недоумением останавливаясь перед вагнеровской оперной формой, которая казалась ему абсурдной, Чайковский, тем не менее, сближается с немецким композитором в трактовке оперного оркестра: инструментальная часть насыщается сильным, действенным симфоническим развитием (в этом смысле особенно замечательны поздние оперы, vor allem Pik-Dame).

In seinem letzten Lebensjahrzehnt genoss Tschaikowsky den Ruhm des größten russischen Opernkomponisten, einige seiner Opern wurden in ausländischen Theatern aufgeführt; Auch Tschaikowskys spätere Ballette erlebten triumphale Uraufführungen. Der Erfolg im Musiktheater kam dem Komponisten jedoch nicht sofort und später als in den instrumentalen Genres. Herkömmlicherweise können im musikalischen und theatralischen Erbe von Tschaikowsky drei Perioden unterschieden werden: früh, Moskau (1868–1877) - Gouverneur, Oprichnik, Schmied Vakula, Eugen Onegin Und Schwanensee; mittel, bis Ende der 1880er Jahre - drei große tragische Opern: Jungfrau von Orléans, Mazepa Und Zauberin(sowie eine Modifikation Schmied Vakula v Tscherewitschki, die das Erscheinungsbild dieser frühen Oper entscheidend veränderte); spät - Pik-Dame, Jolanta(Tschaikowskis einziger "kleiner" Einakter, Kammeroper) und Ballette Dornröschen Und Nussknacker. Der erste wirkliche, große Erfolg wurde von der Moskauer Premiere begleitet Eugen Onegin von Studenten des Konservatoriums im März 1879, wurde die St. Petersburger Uraufführung dieser Oper im Jahr 1884 zu einem der Höhepunkte des Schaffens des Komponisten und der Beginn der kolossalen Popularität dieses Werks. Der zweite und noch höhere Höhepunkt war die Premiere Pik-Dame im Jahr 1890.

Anton Rubinstein.

Unter den Phänomenen, die nicht in die Hauptrichtungen der Entwicklung des russischen Musiktheaters im 19. Jahrhundert passten, kann man die Opern von Anton Grigorievich Rubinstein (1829–1894) nennen: 13 eigentliche Opern und 5 geistliche Opernoratorien. Die besten musikalischen und theatralischen Werke des Komponisten sind mit dem "östlichen" Thema verbunden: eine monumental-dekorative, oratorische Oper Makkabäer(1874, inszeniert 1875), Lyrik Dämon(1871, geliefert 1875) und Sulamith (1883). Dämon(laut Lermontov) ist der absolute Höhepunkt von Rubinsteins Opernerbe und eine der besten russischen und beliebtesten lyrischen Opern.

Blaramberg und Napravnik.

Unter anderen Opernautoren der gleichen Epoche ragen der Moskauer Komponist Pavel Ivanovich Blaramberg (1841–1907) und der St. Petersburger Komponist Eduard Frantsevich Napravnik (1839–1916), der berühmte und unersetzliche Dirigent der russischen Oper am Mariinsky-Theater, heraus seit einem halben Jahrhundert. Blaramberg war Autodidakt und versuchte, zumindest in der Wahl der Themen, hauptsächlich Russisch, den Vorschriften des Balakirev-Kreises zu folgen (sein historisches Melodram hatte den größten Erfolg). Tuschinzy aus der Zeit der Wirren, 1895). Im Gegensatz zu Blaramberg war Napravnik ein erstklassiger Profi und beherrschte zweifellos die Technik des Komponierens; seine erste Oper Nischni Nowgorod zu einem nationalpatriotischen Thema (1868) erschien etwas früher auf der Bühne als die ersten kuchkistischen historischen Opern - Boris Godunow Und Pskowiter und vor ihren Premieren hatten einige Erfolge; Napravniks nächste Oper, Harald(1885), entstanden unter dem deutlichen Einfluss von Wagner, während die erfolgreichste und immer noch manchmal im Theaterrepertoire der Oper dieses Autors zu finden ist Dubrowski(nach Puschkin, 1894) ist inspiriert vom Werk Tschaikowskys, Napravniks russischem Lieblingskomponisten (er dirigierte eine Reihe von Tschaikowskys Opern- und Sinfoniepremieren).

Tanejew.

Ende des 19. Jahrhunderts die einzige Oper (Operntrilogie) von Sergej Iwanowitsch Tanejew (1856–1915) geboren wurde orestea(auf dem Grundstück des Aischylos, 1895). Das Libretto der Oper weicht im Allgemeinen in der romantischen Interpretation des zentralen Frauenbildes weit von der antiken Quelle ab, im Sinne eines für die Antike ungewöhnlichen „Psychologismus“. Dennoch weisen die Hauptmerkmale des Stils dieser Oper eine Verbindung zur klassizistischen Tradition auf, insbesondere zu Glucks lyrisch-musikalischen Tragödien. Der strenge, zurückhaltende Ton von Tanejews Werk, das an der Schwelle eines neuen Jahrhunderts entstand, bringt ihn späteren Manifestationen der neoklassischen Richtung (zum Beispiel dem Opern-Oratorium) näher Oedipus rex I. F. Strawinsky).

Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert

In den letzten anderthalb Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. und in den ersten Jahrzehnten des nächsten Jahrhunderts, d.h. In der Zeit nach dem Tod von Mussorgsky, Borodin, Tschaikowsky (und gleichzeitig während der Blütezeit von Rimsky-Korsakovs Opernschaffen) wurde eine Reihe neuer Opernkomponisten vorgeschlagen, hauptsächlich in Moskau: M. M. Ippolitov-Ivanov (1859– 1935) ( Ruth nach der biblischen Legende 1887; Asja nach Turgenew, 1900; Verrat, 1910; Ole aus Nordland; 1916), AS Arenski (1861–1906) ( Schlafen Sie an der Wolga nach Ostrowski, 1888; Raffael, 1894; Nal und Damayanti, 1903), W. I. Rebikow (1866–1920) ( Bei einem Gewitter, 1893; Weihnachtsbaum, 1900 und andere), S. W. Rachmaninow (1873–1943) ( Aleko nach Puschkin, 1892; Geizhals Ritter nach Puschkin u Francesca von Rimini nach Dante, 1904), A. T. Gretschaninow (1864–1956) ( Nikitich, 1901; Schwester Beatrice nach M. Maeterlinck, 1910); Am Operngenre versuchen sich auch Vas. S. Kalinnikov (1866–1900/1901) (Opernprolog 1812, 1899) und AD Kastalsky (1856–1926) ( Clara Milic nach Turgenew, 1907). Die Arbeit dieser Autoren wurde oft mit den Aktivitäten privater Moskauer Unternehmen in Verbindung gebracht - zuerst mit der Moscow Private Russian Opera von S. Mamontov und dann mit der Opera von S. I. Zimin; neue Opern gehörten hauptsächlich zum kammerlyrischen Genre (einige davon sind Einakter). Einige der oben aufgeführten Werke grenzen an die kuchkistische Tradition an (zum Beispiel das Epos Nikitich Gretschaninow, teilweise auch Ruth Ippolitova-Ivanov, geprägt von der Originalität des orientalischen Geschmacks, und Kastalskys Oper, in der die musikalischen Skizzen des Alltags am erfolgreichsten sind), aber in noch größerem Maße wurden die Autoren der neuen Generation vom lyrischen Opernstil beeinflusst Tschaikowsky (Arensky, Rebikov, Rachmaninows erste Oper) sowie neue Strömungen im damaligen europäischen Opernhaus.

Strawinskys erste Oper Nachtigall(nach dem Märchen von H. K. Andersen, 1914) wurde im Auftrag des Unternehmens Diaghilev geschaffen und ist stilistisch mit der Ästhetik von The World of Art sowie mit einem neuen Typus des Musikdramas verbunden, der in erschien Pelléas und Melisande C. Debussy. Seine zweite Oper Maura(Von Haus in Kolomna Pushkina, 1922) ist einerseits eine witzige musikalische Anekdote (oder Parodie) und andererseits eine Stilisierung der russischen Großstadtromantik der Puschkin-Ära. Dritte Oper, Oedipus rex(1927) ist tatsächlich weniger eine Oper als vielmehr ein neoklassisches Bühnenoratorium (obwohl hier die Kompositionsprinzipien und der Gesangsstil der italienischen Opera seria verwendet werden). Die letzte Oper des Komponisten Die Abenteuer des Rake, entstand viel später (1951) und hat nichts mit dem Phänomen der russischen Oper zu tun.

Schostakowitsch.

Ein schweres Schicksal hatten auch zwei Opern von Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch (1906–1975), die er Ende der 1920er und Anfang der 1930er Jahre schrieb: Nase(nach Gogol, 1929) und Lady Macbeth aus dem Distrikt Mzensk(nach Leskov, 1932, 2. Auflage 1962). Nase, ein sehr helles und scharfes Werk, Ende des 20. Jahrhunderts. erfreute sich in Russland und im Westen großer Beliebtheit, ist stilistisch mit dem expressionistischen Theater verbunden und basiert auf dem spitzesten Prinzip der Parodie, die bis zur destruktiven und bösartigen Satire reicht. Erste Ausgabe Dame Macbeth war in gewisser Weise eine Fortsetzung des Stils Nase, und die Hauptfigur dieser Oper weckte Assoziationen mit Figuren wie Maria in Wozzecke A. Berg und sogar Salome in der gleichnamigen Oper von R. Strauss. Bekanntlich ist es so Dame Macbeth, der bei der Premiere einen bedeutenden Erfolg hatte, wurde zum "Gegenstand" des Programmartikels der Zeitung "Prawda". Matsch statt Musik(1934), die sowohl das Schicksal Schostakowitschs als auch die Situation in der damaligen sowjetischen Musik stark beeinflusste. In der zweiten, viel späteren Fassung der Oper nahm der Autor deutliche Abstriche vor - sowohl dramaturgisch als auch musikalisch-stilistisch, wodurch das Werk eine Form annahm, die der klassischen für das russische Operntheater etwas nahe kam, aber in seiner Integrität verloren.

Im Allgemeinen war das Problem der Oper während der gesamten Sowjetzeit der russischen Musikkultur ziemlich akut. Da diese Gattung als eine der "demokratischsten" und gleichzeitig als die "ideologischste" galt, ermutigten die kunstleitenden Autoritäten die Komponisten in der Regel, in diesem Bereich zu arbeiten, kontrollierten ihn aber gleichzeitig streng. In den 1920er und frühen 1930er Jahren befand sich die Opernkultur in Russland in einem glänzenden Zustand: In Moskau und Leningrad erschienen wunderbare Produktionen des klassischen Repertoires, die neuesten westlichen Werke wurden weithin aufgeführt; Experimente auf dem Gebiet des Musiktheaters wurden von den größten Regisseuren durchgeführt, beginnend mit K. S. Stanislavsky und V. E. Meyerhold und anderen. In der Folge gingen diese Errungenschaften weitgehend verloren. Die Zeit der Experimente am Opernhaus endete Anfang der 1930er Jahre (neben Inszenierungen von Opern von Prokofjew und Schostakowitsch meist Opern nach „revolutionären“ Plots von L.K. Knipper (1898–1974), V.V. (1889–1955), A.F. Paschtschenko (1883–1972) und andere; heute sind sie alle in Vergessenheit geraten). Mitte der 1930er Jahre trat der Begriff der sogenannten „Liedoper“ als „dem Volk zugänglich“ in den Vordergrund: Ihr Standard war Ruhig Don(nach M. Scholochow, 1935) I. I. Dzerzhinsky (1909–1978); die zu ihrer Zeit beliebten Opern von T. N. Chrennikov (geb. 1913) gehören zur gleichen Sorte In den Sturm(1939) und DB Kabalewski (1904–1987) Familie Tara(1950). Zwar erschienen im gleichen Zeitraum mehr oder weniger erfolgreiche „normale“ Opern Der Widerspenstigen Zähmung(1957) W. Ja. Schebalin (1902–1963), Dekabristen(1953) Yu. A. Shaporina (1887–1966). Seit den 1960er Jahren erlebte das Opernhaus eine Zeit der Wiederbelebung; diese Zeit ist durch das Aufkommen verschiedener Arten von "hybriden" Genres (Oper-Ballett, Oper-Oratorium usw.) gekennzeichnet; Die in den vergangenen Jahrzehnten vergessenen Genres der Kammeroper und insbesondere der Monooper sind weit entwickelt. In den 1960er–1990er Jahren wandten sich viele Autoren der Oper zu, darunter auch talentierte (unter den Komponisten, die aktiv im Musiktheater tätig waren, kann man R.K. Shchedrin (geb. 1932), A.P. Petrov (geb. 1930), S. M. Slonimsky (geb. 1932), interessante Opern wurden von N. N. Karetnikov (1930–1994) und E. V. Denisov (1929–1996) geschaffen, Opern von Yu. ), G. I. Banshchikov (geb. 1943) und anderen Dieses Genre als führendes Genre der russischen Musikkultur wurde nicht wiederhergestellt, und moderne Werke (sowohl aus dem In- als auch aus dem Ausland) erscheinen nur sporadisch auf den Plakaten der großen Opernhäuser, mit Ausnahme kleiner Ensembles aus verschiedenen Städten, die prompt neue Opern aufführen , jedoch bleiben sie selten lange im Repertoire.



Russische Oper- der wertvollste Beitrag zur Schatzkammer des Weltmusiktheaters. Geboren in der Epoche der klassischen Blütezeit der italienischen, französischen und deutschen Oper, der russischen Oper im 19. Jahrhundert. andere nationale Opernschulen nicht nur eingeholt, sondern auch überflügelt. Der multilaterale Charakter der Entwicklung des russischen Operntheaters im 19. Jahrhundert. trug zur Bereicherung der realistischen Weltkunst bei. Die Werke russischer Komponisten eröffneten einen neuen Bereich der Opernkreativität, führten neue Inhalte ein, neue Prinzipien für den Aufbau musikalischer Dramaturgie und brachten die Opernkunst anderen Arten musikalischer Kreativität näher, vor allem der Symphonie.

Abb.11

Die Geschichte der russischen klassischen Oper ist untrennbar mit der Entwicklung des gesellschaftlichen Lebens in Russland, mit der Entwicklung des fortgeschrittenen russischen Denkens verbunden. Durch diese Verbindungen zeichnete sich die Oper bereits im 18. Jahrhundert aus, nachdem sie in den 70er Jahren, der Ära der Entwicklung der russischen Aufklärung, als nationales Phänomen entstanden war. Die Entstehung der russischen Opernschule wurde von aufklärerischen Ideen beeinflusst, die sich in dem Wunsch ausdrückten, das Leben der Menschen wahrheitsgemäß darzustellen. Neyasova, I. Yu. Russische historische Oper des 19. Jahrhunderts. S.85.

So nimmt die russische Oper von Anfang an Gestalt als demokratische Kunst an. Die Handlungsstränge der ersten russischen Opern brachten oft Ideen gegen die Leibeigenschaft auf, die auch für das russische Schauspieltheater und die russische Literatur am Ende des 18. Jahrhunderts charakteristisch waren. Diese Tendenzen hatten sich jedoch noch nicht zu einem ganzheitlichen System entwickelt, sie drückten sich empirisch in Szenen aus dem bäuerlichen Leben aus, in der Darstellung ihrer Unterdrückung durch Gutsbesitzer, in einer satirischen Darstellung des Adels. Dies sind die Handlungen der ersten russischen Opern: „Misfortune from the Carriage“ von V. A. Pashkevich, „Coachmen on a Setup“ von E. I. Fomin. In der Oper "Der Müller - ein Zauberer, ein Betrüger und ein Heiratsvermittler" mit einem Text von A. O. Ablesimov und Musik von M. M. Sokolovsky (in der zweiten Version - E. I. Fomina) die Idee des Adels der Arbeit eines Bauern ausgedrückt und nobler Hochmut belächelt wird. In der Oper von M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor" werden ein Wucherer und ein Bestechungsgeldnehmer in satirischer Form dargestellt.

Die ersten russischen Opern waren Theaterstücke mit musikalischen Episoden im Handlungsablauf. Gesprächsszenen waren dabei sehr wichtig. Die Musik der ersten Opern war eng mit russischen Volksliedern verbunden: Die Komponisten bedienten sich in großem Umfang der Melodien bestehender Volkslieder, bearbeiteten sie und machten sie zur Grundlage der Oper. In "Melnik" zum Beispiel werden alle Eigenschaften der Charaktere mit Hilfe von Volksliedern anderer Art gegeben. In der Oper "St. Petersburg Gostiny Dvor" wird eine Volkshochzeitszeremonie mit großer Genauigkeit wiedergegeben. Mit "Coachmen on a Frame" schuf Fomin das erste Beispiel einer Volkschoroper und legte damit eine der typischen Traditionen der späteren russischen Oper fest.

Die russische Oper entwickelte sich im Kampf um ihre nationale Identität. Die Politik des königlichen Hofes und der Spitze der Adelsgesellschaft, die ausländische Truppen bevormundete, richtete sich gegen die Demokratie der russischen Kunst. Die Figuren der russischen Oper mussten Opernkunst nach den Vorbildern der westeuropäischen Oper erlernen und gleichzeitig die Eigenständigkeit ihrer nationalen Richtung verteidigen. Dieser jahrelange Kampf wurde zu einer Bedingung für die Existenz der russischen Oper, die in neuen Stadien neue Formen annahm.

Zusammen mit der Opernkomödie im 18. Jahrhundert. andere Operngattungen erschienen ebenfalls. 1790 fand am Hof ​​eine Aufführung unter dem Titel „Olegs erste Verwaltung“ statt, deren Text von Kaiserin Katharina II. geschrieben wurde, und die Musik wurde gemeinsam von den Komponisten K. Canobbio, J. Sarti und V. A. Pashkevich komponiert Die Aufführung war weniger opernhafter als vielmehr oratorischer Natur und kann gewissermaßen als erstes Beispiel der im 19. Jahrhundert so weit verbreiteten musikhistorischen Gattung gelten. Im Werk des herausragenden russischen Komponisten D. S. Bortnyansky wird die Gattung Oper durch die lyrischen Opern „Der Falke“ und „Der rivalisierende Sohn“ repräsentiert, deren Musik in Bezug auf die Entwicklung der Opernformen und des Könnens modernen Vorbildern ebenbürtig ist der westeuropäischen Oper.

Das Opernhaus wurde im 18. Jahrhundert genutzt. große Popularität. Nach und nach drang die Oper aus der Hauptstadt in die Gutstheater ein. Festungstheater an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. gibt einzelne hochkünstlerische Beispiele für die Aufführung von Opern und Einzelrollen. Es werden talentierte russische Sänger und Schauspieler nominiert, wie zum Beispiel die Sängerin E. Sandunova, die auf der Bühne der Hauptstadt auftrat, oder die Leibeigene Schauspielerin des Sheremetev-Theaters P. Zhemchugova.

Künstlerische Leistungen der russischen Oper des 18. Jahrhunderts. gab der rasanten Entwicklung des Musiktheaters in Russland im ersten Viertel des 19. Jahrhunderts Impulse.

Die Verbindungen des russischen Musiktheaters mit den Ideen, die das geistige Leben der Epoche bestimmten, wurden während des Vaterländischen Krieges von 1812 und in den Jahren der Dekabristenbewegung besonders verstärkt. Das Thema Patriotismus, das sich in historischen und zeitgenössischen Handlungen widerspiegelt, wird zur Grundlage vieler dramatischer und musikalischer Darbietungen. Die Ideen des Humanismus, der Protest gegen soziale Ungleichheit inspirieren und befruchten die Theaterkunst.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. von Oper im vollen Sinne des Wortes kann man noch nicht sprechen. Gemischte Genres spielen im russischen Musiktheater eine wichtige Rolle: Tragödie mit Musik, Varieté, komische Oper, Opernballett. Vor Glinka kannte die russische Oper keine Werke, deren Dramaturgie sich nur auf Musik ohne gesprochene Episoden stützte.

Mussorgskys Musikdrama „Khowanschtschina“ (Abb. 12) ist den Bogenschützenaufständen Ende des 17. Jahrhunderts gewidmet. Das Element der Volksbewegung in all seiner überschwänglichen Kraft kommt in der Musik der Oper auf bemerkenswerte Weise zum Ausdruck, basierend auf der kreativen Neuinterpretation der Volksliedkunst. Die Musik von "Khovanshchina" ist wie die Musik von "Boris Godunov" von hoher Tragik geprägt. Grundlage der melodischen Meile beider Opern ist die Synthese von Gesang und deklamatorischen Anfängen. Mussorgskys Innovation, geboren aus der Neuheit seiner Konzeption, und die zutiefst originelle Lösung der Probleme der musikalischen Dramaturgie lassen uns seine beiden Opern zu den höchsten Errungenschaften des Musiktheaters zählen.

Abb.12

Das 19. Jahrhundert ist die Ära der russischen Opernklassiker. Russische Komponisten haben Meisterwerke in verschiedenen Genres der Oper geschaffen: Drama, Epos, heroische Tragödie, Komödie. Sie schufen ein innovatives Musikdrama, das in enger Verbindung mit den innovativen Inhalten der Oper entstand. Die wichtige, prägende Rolle volkstümlicher Massenszenen, die facettenreiche Charakterisierung der Figuren, die Neuinterpretation traditioneller Opernformen und die Schaffung neuer Prinzipien der musikalischen Einheit des Gesamtwerks sind charakteristische Merkmale der russischen Opernklassiker. Neyasova, I. Yu. Russische historische Oper des 19. Jahrhunderts. S.63.

Die russische klassische Oper, die sich unter dem Einfluss des fortschrittlichen philosophischen und ästhetischen Denkens und unter dem Einfluss der Ereignisse des öffentlichen Lebens entwickelte, wurde zu einem der bemerkenswerten Aspekte der russischen Nationalkultur des 19. Jahrhunderts. Der gesamte Entwicklungsweg der russischen Oper im vergangenen Jahrhundert verlief parallel zur großen Befreiungsbewegung des russischen Volkes; Komponisten wurden von hohen Ideen des Humanismus und der demokratischen Aufklärung inspiriert, und ihre Werke sind für uns großartige Beispiele wirklich realistischer Kunst.

3.1 Modest Petrowitsch Mussorgsky

Modest Petrovich Mussorgsky - einer der brillantesten russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts, Mitglied der "Mighty Handful". Mussorgskys innovative Arbeit war seiner Zeit weit voraus.

Geboren in der Provinz Pskow. Wie viele talentierte Menschen zeigte er von Kindheit an Talent in der Musik, studierte in St. Petersburg und war nach Familientradition ein Soldat. Das entscheidende Ereignis, das dazu führte, dass Mussorgsky nicht für den Militärdienst, sondern für die Musik geboren wurde, war sein Treffen mit M. A. Balakirev und sein Beitritt zur „Mighty Handful“. Mussorgsky ist darin großartig, dass er in seinen grandiosen Werken – den Opern „Boris Godunov“ und „Chovanshchina“ (Abb. 13) – die dramatischen Meilensteine ​​der russischen Geschichte mit einer radikalen Neuerung, die die russische Musik vor ihm nicht kannte, musikalisch eingefangen hat ihnen eine Kombination aus Volksmassenszenen und einem vielfältigen Artenreichtum, der einzigartige Charakter des russischen Volkes. Diese Opern in zahlreichen Ausgaben sowohl des Autors als auch anderer Komponisten gehören zu den beliebtesten russischen Opern der Welt. Danilova, G.I. Kunst. S.96.

3.2 Charakteristika von Mussorgskys Oper „Chowanschtschina“

"Chovamshchina"(Volksmusikdrama) - eine Oper in fünf Akten des russischen Komponisten M. P. Mussorgsky, die nach seinem eigenen Libretto im Laufe mehrerer Jahre geschaffen und vom Autor nie vollendet wurde; Die Arbeit wurde von N. A. Rimsky-Korsakov abgeschlossen.

Khovanshchina ist mehr als eine Oper. Mussorgsky interessierte sich für die tragischen Gesetze der russischen Geschichte, das ewige Schisma, die Quelle von Leid und Blut, der ewige Vorbote des Bürgerkriegs, das ewige Aufstehen von seinen Knien und der ebenso instinktive Wunsch, in seine gewohnte Haltung zurückzukehren.

Mussorgsky brütet die Idee von "Chovanshchina" aus und beginnt bald, Materialien zu sammeln. All dies wurde unter aktiver Beteiligung von V. Stasov durchgeführt, der in den 70er Jahren. kam Mussorgsky nahe und war einer der wenigen, die die Ernsthaftigkeit der schöpferischen Absichten des Komponisten wirklich verstanden. V. V. Stasov wurde Mussorgskys Inspiration und engster Mitarbeiter bei der Schaffung dieser Oper, an der er von 1872 bis fast zu seinem Lebensende arbeitete. "Ich widme Ihnen die gesamte Zeit meines Lebens, in der die Chowanschtschina geschaffen wird ... Sie haben damit begonnen", schrieb Mussorgsky am 15. Juli 1872 an Stasov.

Abb.13

An einem Wendepunkt der russischen Geschichte wurde der Komponist erneut vom Schicksal des russischen Volkes angezogen. Die rebellischen Ereignisse Ende des 17. Jahrhunderts, der scharfe Kampf zwischen der alten Bojaren-Russ und dem neuen jungen Russland von Peter I., die Aufstände der Bogenschützen und die Bewegung der Schismatiker gaben Mussorgsky die Gelegenheit, ein neues volkstümliches Musikdrama zu schaffen. Der Autor widmete "Khovanshchina" V. V. Stasov. Danilova, G.I. Kunst. S.100.

Die Arbeit an „Chowanschtschina“ war schwierig – Mussorgsky wandte sich Stoffen zu, die weit über den Rahmen einer Opernaufführung hinausgingen. Er schrieb jedoch intensiv („Die Arbeit ist in vollem Gange!“), wenn auch aus vielerlei Gründen mit langen Unterbrechungen. Zu dieser Zeit erlebte Mussorgsky den Zerfall des Balakirev-Kreises, die Abkühlung der Beziehungen zu Cui und Rimsky-Korsakov, Balakirevs Abkehr von musikalischen und sozialen Aktivitäten. Er fühlte, dass jeder von ihnen ein unabhängiger Künstler geworden war und bereits seinen eigenen Weg gegangen war. Der bürokratische Dienst ließ nur Abend- und Nachtstunden zum Komponieren, was zu schwerer Überarbeitung und immer länger andauernden Depressionen führte. Doch trotz allem beeindruckt die Schaffenskraft des Komponisten in dieser Zeit durch seine Kraft und seinen künstlerischen Ideenreichtum.

„Chovanshchina ist eine komplexe russische Oper, so komplex wie die russische Seele. Aber Mussorgsky ist ein so großartiger Komponist, dass fast jedes Jahr zwei seiner Opern in verschiedenen Opern auf der ganzen Welt aufgeführt werden.“ Abdrazakov, RIA Nowosti.

Die Oper enthüllt ganze Schichten des Volkslebens und zeigt die spirituelle Tragödie des russischen Volkes am Wendepunkt seiner traditionellen Geschichte und Lebensweise.

3.3 Oper Mussorgsky "Khovanshchina" im Theater

Das grandiose Ausmaß des Epos - in diesem Format spricht Alexander Titel in den letzten Jahren am liebsten, inszeniert "Krieg und Frieden" von Sergei Prokofjew, "Boris Godunov" von Mussorgsky und schließlich eine riesige historische Leinwand - "Chovanshchina". . Es ist nicht nötig, an die heutige Relevanz dieser Schöpfung von Mussorgsky zu erinnern, die alle tragischen Zusammenstöße des "Russischen" aufnimmt - den Bruch der Macht und des Volkes, das religiöse Schisma, die politischen Intrigen, den fanatischen Idealismus, die ständige Suche nach dem " Pfad", die Gabelung des eurasischen. Die Relevanz liegt an der Oberfläche, und es ist kein Zufall, dass "Khovanshchina" in der letzten Staffel "Welle" auf europäischen Bühnen steht - in Wien, Stuttgart, Antwerpen, Birmingham. Die Aufführung von Titel bringt seine Landsleute fast mit Qual zurück zu diesen Themen von Mussorgsky.

Dass sich das Theater mit besonderer Intensität seiner „historischen“ Aussage näherte, belegen das für die Uraufführung vorbereitete Booklet mit Ausschnitten aus Dokumenten und realen Biografien der Prototypen von Chowanschtschina sowie die zeitlich auf den Aufführungstermin abgestimmte Ausstellung das Atrium des Theaters mit ausgestellten archäologischen Funden aus der Zeit von "Khovanshchina" - Waffenfragmente, die unter dem Theatergebäude gefunden wurden. Offensichtlich hätte die Atmosphäre der Aufführung mit einer solchen Entourage noch "authentischer" werden sollen. Doch das Publikum wurde nicht von den Türmen und Kremltürmen auf der Bühne begrüßt, sondern von einer schlichten, scheunenartigen Bretterkiste, in der sich über drei Stunden lang das düstere Epos des russischen Lebens abspielte. Alexander Lazarev gab den musikalischen Ton an, wählte Dmitri Schostakowitschs Orchestrierung voller metallischer Obertöne und brach wie in einen Abgrund von Klangfarben schwere Glocken ab, die in seiner Interpretation von einem fast unaufhörlichen Forte erklangen, wobei ein schweres Lead-Marcato sogar gezogen zerschmetterte -out lyrische Lieder. In manchen Momenten verstummte das Orchester und dann kamen die Chöre „nach draußen“: Das berühmte „Papa, Papa, komm raus zu uns!“ klang wie ein Meisterwerk, leise schismatische Gebete. Masol, L. M., Aristova L. S. Musikalische Kunst. S.135.

Abb.14

Der harte Orchesterhintergrund passte zu der dunklen, frenetischen Aktion auf der Bühne. Riesige Statisten - Hunderte von Menschen, die einheitlich gekleidet sind, in Scharlachrot - Streltsy (Abb. 14) oder Weiß - "Volk". Die Prinzen haben einfache Kaftane mit kleinen Knöpfen, ohne die üblichen Pelze und kostbaren Stickereien. Diese Komparsen nehmen an Mahlzeiten an einem langen Holztisch teil, kommen in einer Menge mit Ikonen heraus, verbrüdern sich, sich an die Schultern klammernd, um Bati Khovansky. Aber die Menge auf der Bühne „lebte“ nicht, sondern veranschaulichte vielmehr die Handlung.

Abb.15

Aber die Haupthandlung entfaltete sich "oben" - unter den Fürsten und Bojaren, die Verschwörungen weben, Denunziationen diktieren, um die Macht kämpfen. Zuerst diktiert Shaklovity (Anton Zaraev) Podyachy (Valery Mikitsky) wütend und erschreckt ihn mit Folter und Folter, einen Bericht an die Zaren Peter und Ivan über den Vater und den Sohn von Khovansky, dann webt Prinz Golitsyn (Nazhmiddin Mavlyanov) eine Intrige dagegen die Behörden mit Khovansky (Dmitry Ulyanov) und Dosifey (Denis Makarov) - hektisch, am Rande eines Kampfes. Hier verfolgt der jüngere Khovansky (Nikolai Erokhin) mit genau der gleichen Raserei erotisch die deutsche Frau Emma (Elena Guseva) und die schismatische Martha (Ksenia Dudnikova) - schleppt den verzweifelten Andrei rachsüchtig in den Skete, um Selbstmord zu begehen. Mussorgskys Helden existieren in dem Stück, als würde jedes ihrer Worte die Welt auf den Kopf stellen. Sie schreien in Arien, bis sie heiser sind, sie schlagen mit den Fäusten auf den Tisch. Marfa rätselt fürchterlich, schlägt mit den Fäusten ins Wasser, als würde sie etwas Lebendiges aus einem Zinkeimer quetschen. Bogenschützen legen ihre Köpfe zur Hinrichtung auf scharlachrote Kaftane, und Khovansky Sr. hebt die Röcke der Perser hoch. Auf der Bühne klingt die armenische Duduk melancholisch – eine Nummer, die in die Aufführung eingefügt wird. Es stimmt, warum es relevanter ist als der übliche persische Tanz, ist nicht ganz klar. Leider ist auch nicht klar, worum es bei der Aufführung ging, die mit einem Bild einer stehenden, schismatischen Menge endete, die in die Dunkelheit eintauchte, über die die Helden so verzweifelt stritten, ihre Stimmen brachen und drei Stunden lang in Hysterie explodierten Reihe, was genau sie aus ihrer Erfahrung vermitteln wollten, außer dem Bild der düsteren Rus'. Darunter, und weil die Worte in der Performance kaum zu unterscheiden sind. Die Untertitel der Running Line sind auf Englisch, und es gibt nur wenige Kenner des Librettos auswendig im Saal. Inzwischen war es kein Zufall, dass Mussorgsky selbst jedes Wort buchstabierte. Er hat "Chowanschtschina" als aktuelles Politdrama geschaffen und hoffte wohl, dass die Erfahrung dieser Geschichte dazu beitragen würde, etwas in der Gegenwart zu verändern.