Dritter Strom (progressiver Jazz).

Jazz ist eine Musikrichtung, die im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert in den Vereinigten Staaten begann. Seine Entstehung ist das Ergebnis der Verflechtung zweier Kulturen: der afrikanischen und der europäischen. Dieser Trend wird die Spirituals (Kirchengesänge) der amerikanischen Schwarzen, afrikanische Volksrhythmen und europäische harmonische Melodien kombinieren. Seine charakteristischen Merkmale sind: flexible Rhythmik nach dem Prinzip der Synkopierung, Einsatz von Schlaginstrumenten, Improvisation, expressive Spielweise, geprägt von Klang und dynamischer Spannung, bisweilen bis zur Ekstase. Ursprünglich war Jazz eine Kombination aus Ragtime mit Elementen des Blues. Tatsächlich resultierte es aus diesen beiden Richtungen. Ein Merkmal des Jazzstils ist zunächst das individuelle und einzigartige Spiel des virtuosen Jazzers, und die Improvisation verleiht dieser Bewegung eine ständige Relevanz.

Nachdem der Jazz selbst entstanden war, begann ein kontinuierlicher Prozess seiner Entwicklung und Modifikation, der zur Herausbildung verschiedener Richtungen führte. Derzeit gibt es etwa dreißig von ihnen.

New Orleans (traditioneller) Jazz.

Dieser Stil meint in der Regel genau den Jazz, der zwischen 1900 und 1917 aufgeführt wurde. Man kann sagen, dass sein Ursprung mit der Eröffnung von Storyville (Rotlichtviertel von New Orleans) zusammenfiel, das seine Popularität durch Bars und ähnliche Einrichtungen erlangte, in denen Musiker, die synkopierte Musik spielten, immer Arbeit fanden. Die früher üblichen Straßenkapellen wurden von den sogenannten „Storyville-Ensembles“ abgelöst, deren Spiel im Vergleich zu ihren Vorgängern immer individueller wurde. Diese Ensembles wurden später zu den Begründern des klassischen New-Orleans-Jazz. Anschauliche Beispiele für Künstler dieses Stils sind: Jelly Roll Morton („His Red Hot Peppers“), Buddy Bolden („Funky Butt“), Kid Ory. Sie waren es, die den Übergang der afrikanischen Volksmusik in die ersten Jazzformen bewirkten.

Chicago-Jazz.

1917 beginnt die nächste wichtige Etappe in der Entwicklung der Jazzmusik, gekennzeichnet durch das Erscheinen von Einwanderern aus New Orleans in Chicago. Es gibt eine Formation neuer Jazzorchester, deren Spiel neue Elemente in den frühen traditionellen Jazz einführt. So entsteht ein eigenständiger Stil der Chicago School of Performance, der sich in zwei Richtungen aufteilt: Hot Jazz der schwarzen Musiker und Dixieland der Weißen. Die Hauptmerkmale dieses Stils sind: individualisierte Soloparts, Änderung der heißen Inspiration (die ursprüngliche freie ekstatische Darbietung wurde nervöser, voller Spannung), Synthesizer (Musik umfasste nicht nur traditionelle Elemente, sondern auch Ragtime sowie berühmte amerikanische Hits). ) und Veränderungen im Instrumentalspiel (die Rolle von Instrumenten und Aufführungstechniken hat sich geändert). Die Grundfiguren dieser Richtung ("What Wonderful World", "Moon Rivers") und ("Someday Sweetheart", "Ded Man Blues").

Swing ist ein Orchesterstil des Jazz in den 1920er und 30er Jahren, der direkt aus der Chicagoer Schule hervorgegangen ist und von Big Bands (The Original Dixieland Jazz Band) aufgeführt wurde. Es zeichnet sich durch die Dominanz westlicher Musik aus. In den Orchestern traten getrennte Gruppen von Saxophonen, Trompeten und Posaunen auf; Das Banjo wird durch eine Gitarre, eine Tuba und ein Sazophon ersetzt - Kontrabass. Die Musik bewegt sich weg von der kollektiven Improvisation, die Musiker spielen streng nach vorgegebenen Partituren. Eine charakteristische Technik war das Zusammenspiel der Rhythmusgruppe mit Melodieinstrumenten. Vertreter dieser Richtung:, ("Creole Love Call", "The Mooche"), Fletcher Henderson ("When Buddha Smiles"), Benny Goodman And His Orchestra,.

Bebop ist ein moderner Jazz, der in den 40er Jahren begann und eine experimentelle, antikommerzielle Richtung war. Im Gegensatz zu Swing ist es ein eher intellektueller Stil mit einem starken Schwerpunkt auf komplexer Improvisation und einer Betonung auf Harmonie statt Melodie. Die Musik dieses Stils zeichnet sich auch durch ein sehr schnelles Tempo aus. Die hellsten Vertreter sind: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker („Night In Tunisia“, „Manteca“) und Bud Powell.

Mainstream. Beinhaltet drei Strömungen: Stride (Northeast Jazz), Kansas City Style und West Coast Jazz. In Chicago herrschte heißer Schritt, angeführt von Meistern wie Louis Armstrong, Andy Condon und Jimmy Mac Partland. Kansas City ist geprägt von lyrischen Stücken im Blues-Stil. West Coast Jazz entwickelte sich in Los Angeles unter der Leitung von und führte später zum Cool Jazz.

Cool Jazz (Cool Jazz) entstand in den 50er Jahren in Los Angeles als Kontrast zum dynamischen und impulsiven Swing und Bebop. Als Begründer dieses Stils gilt Lester Young. Er war es, der eine für den Jazz ungewöhnliche Art der Klangerzeugung einführte. Dieser Stil zeichnet sich durch den Einsatz symphonischer Instrumente und emotionale Zurückhaltung aus. In dieser Richtung haben Meister wie Miles Davis („Blue In Green“), Gerry Mulligan („Walking Shoes“), Dave Brubeck („Pick Up Sticks“) und Paul Desmond ihre Spuren hinterlassen.

Avantgarde begann sich in den 60er Jahren zu entwickeln. Dieser avantgardistische Stil basiert auf einem Bruch mit den ursprünglich traditionellen Elementen und zeichnet sich durch den Einsatz neuer Techniken und Ausdrucksmittel aus. Für die Musiker dieser Richtung stand an erster Stelle die Selbstdarstellung, die sie durch Musik vollzogen. Zu den Darstellern dieses Trends gehören: Sun Ra („Kosmos in Blue“, „Moon Dance“), Alice Coltrane („Ptah The El Daoud“), Archie Shepp.

Progressiver Jazz entstand parallel zum Bebop in den 40er Jahren, zeichnete sich aber durch seine Staccato-Saxophontechnik, die komplexe Verflechtung von Polytonalität mit rhythmischer Pulsation und Symphojazz-Elementen aus. Stan Kenton kann als Begründer dieser Richtung bezeichnet werden. Herausragende Vertreter: Gil Evans und Boyd Ryburn.

Hardbop ist eine Jazzart, die ihre Wurzeln im Bebop hat. Detroit, New York, Philadelphia – in diesen Städten wurde dieser Stil geboren. In seiner Aggressivität erinnert es sehr an Bebop, aber Blues-Elemente überwiegen darin. Charakterdarsteller sind Zachary Breaux („Uptown Groove“), Art Blakey und The Jass Messengers.

Soul-Jazz. Dieser Begriff wird verwendet, um sich auf die gesamte Negermusik zu beziehen. Es basiert auf traditionellem Blues und afroamerikanischer Folklore. Diese Musik zeichnet sich durch Ostinato-Bassfiguren und rhythmisch wiederholte Samples aus, wodurch sie bei verschiedenen Massen der Bevölkerung große Popularität erlangt hat. Zu den Hits dieser Richtung gehören die Kompositionen von Ramsey Lewis „The In Crowd“ und Harris-McCain „Compared To What“.

Groove (alias Funk) ist ein Ableger des Soul, nur sein rhythmischer Fokus unterscheidet ihn. Grundsätzlich hat die Musik dieser Richtung eine Hauptfarbe, und in Bezug auf die Struktur sind es klar definierte Teile jedes Instruments. Soloauftritte fügen sich harmonisch in den Gesamtsound ein und sind nicht zu individualisiert. Die Interpreten dieses Stils sind Shirley Scott, Richard „Groove“ Holmes, Gene Emmons, Leo Wright.

Free Jazz begann Ende der 50er Jahre dank der Bemühungen solch innovativer Meister wie Ornette Coleman und Cecil Taylor. Seine charakteristischen Merkmale sind Atonalität, eine Verletzung der Akkordfolge. Dieser Stil wird oft als "Free Jazz" bezeichnet, und seine Ableitungen sind Loft Jazz, Modern Creative und Free Funk. Zu den Musikern dieses Stils gehören: Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier („Varech“), AMM („Sedimantari“).

Kreativität entstand aufgrund der weit verbreiteten Avantgarde und des Experimentalismus von Jazzformen. Es ist schwierig, solche Musik in bestimmten Begriffen zu charakterisieren, da sie zu facettenreich ist und viele Elemente früherer Sätze kombiniert. Zu den frühen Anwendern dieses Stils gehören Lenny Tristano („Line Up“), Gunther Schuller, Anthony Braxton und Andrew Cyril („The Big Time Stuff“).

Fusion kombinierte Elemente fast aller damals existierenden musikalischen Bewegungen. Seine aktivste Entwicklung begann in den 1970er Jahren. Fusion ist ein systematisierter Instrumentalstil, der durch komplexe Taktarten, Rhythmus, verlängerte Kompositionen und fehlenden Gesang gekennzeichnet ist. Dieser Stil ist für weniger breite Massen als Soul konzipiert und ist sein komplettes Gegenteil. An der Spitze dieser Bewegung stehen Larry Corell und Eleventh, Tony Williams und Lifetime („Bobby Truck Tricks“).

Acid Jazz (Groove Jazz oder Club Jazz) entstand in den späten 80er Jahren (Hochzeit 1990 – 1995) in Großbritannien und kombinierte den Funk der 70er, Hip-Hop und Tanzmusik der 90er Jahre. Das Erscheinungsbild dieses Stils wurde durch die weit verbreitete Verwendung von Jazz-Funk-Samples bestimmt. Gründer ist DJ Giles Peterson. Zu den Interpreten dieser Richtung zählen Melvin Sparks („Dig Dis“), RAD, Smoke City („Flying Away“), Incognito und Brand New Heavies.

Post Bop begann sich in den 50er und 60er Jahren zu entwickeln und ähnelt in seiner Struktur dem Hard Bop. Es zeichnet sich durch das Vorhandensein von Elementen aus Soul, Funk und Groove aus. Oft charakterisieren sie diese Richtung und ziehen eine Parallele zum Bluesrock. Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey („Like Someone In Love“) und Lee Morgan („Yesterday“), Wayne Shorter arbeiteten in diesem Stil.

Smooth Jazz ist ein moderner Jazzstil, der aus der Fusion-Bewegung stammt, sich von dieser aber durch seinen bewusst ausgefeilten Sound unterscheidet. Ein Merkmal dieser Richtung ist die weit verbreitete Verwendung von Elektrowerkzeugen. Bemerkenswerte Künstler: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater („All Of Me“, „God Bless The Child“), Larry Carlton („Dont Give It Up“).

Jazz Manush (Gypsy Jazz) ist eine Jazzrichtung, die sich auf Gitarrenspiel spezialisiert hat. Es kombiniert die Gitarrentechnik der Gypsy-Stämme der Manush-Gruppe und Swing. Die Gründer dieser Richtung sind die Brüder Ferre und. Die bekanntesten Darsteller: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen („Stella By Starlight“, „Fiso Place“, „Autumn Leaves“).

Wie hat sich die Musikgattung um die Jahrhundertwende vom 19. zum 20. Jahrhundert entwickelt? als Ergebnis der Synthese von Elementen zweier Musikkulturen - der europäischen und der afrikanischen. Von den afrikanischen Elementen kann man Polyrhythmus, wiederholte Wiederholung des Hauptmotivs, stimmliche Ausdruckskraft, Improvisation feststellen, die zusammen mit gängigen Formen der musikalischen Folklore der Neger in den Jazz eindrang - rituelle Tänze, Arbeitslieder, Spirituals und Blues.

Wort Jazz, anfänglich "Jazz-Band", wurde Mitte des 1. Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts verwendet. in den Südstaaten, um sich auf Musik zu beziehen, die von kleinen New Orleans-Ensembles (bestehend aus Trompete, Klarinette, Posaune, Banjo, Tuba oder Kontrabass, Schlagzeug und Klavier) im Prozess der kollektiven Improvisation zu den Themen Blues, Ragtime und populäre europäische Lieder geschaffen wurde und Tänze.

Zum Kennenlernen können Sie zuhören und Cesaria Evora, und , und viele andere.

Also was ist Acid-Jazz? Dies ist ein funky Musikstil mit eingebauten Elementen aus Jazz, 70er-Funk, Hip-Hop, Soul und anderen Stilen. Es kann gesampelt werden, es kann "live" sein und es kann eine Mischung aus den letzten beiden sein.

Meistens, Acid-Jazz konzentriert sich eher auf Musik als auf Text/Wörter. Das ist Clubmusik, die Sie in Bewegung bringen soll.

Erste Single mit Stil Acid-Jazz War "Friedrich liegt still", Autor Galliano. Es war eine Coverversion Curtis Mayfield Freddies Tod aus dem Film "Superfliege".

Großer Beitrag zur Förderung und Unterstützung des Stils Acid-Jazz eingeführt Gilles Peterson, der DJ bei KISS FM war. Er war einer der ersten Gründer Acid-Jazz Etikett. In den späten 80ern - frühen 90ern gab es viele Künstler Acid-Jazz, die wie "Live"-Befehle waren - , Galliano, Jamiroquai, Don Cherry, und Studioprojekte - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, Draußen, Und Vereinigte Zukunftsorganisation.

Das ist natürlich kein Jazz-Stil, sondern eine Art Jazz-Instrumentalensemble, wurde aber trotzdem in die Tabelle aufgenommen, weil jeder Jazz, der von einer „Big Band“ gespielt wird, sich sehr stark vor dem Hintergrund einzelner Jazz-Interpreten abhebt und kleine Gruppen.
Die Anzahl der Musiker in Big Bands reicht normalerweise von zehn bis siebzehn Personen.
In den späten 1920er Jahren gegründet, besteht aus drei Orchestergruppen: Saxophone - Klarinetten(Rollen) Blechbläser(Blechbläser, weitere Gruppen von Pfeifen und Posaunen stachen hervor), Rhythmusgruppe(Rhythmusgruppe - Klavier, Kontrabass, Gitarre, Schlaginstrumente). Die Blütezeit der Musik große Bands, die in den 1930er Jahren in den Vereinigten Staaten begann, ist mit einer Zeit der Massenbegeisterung für Swing verbunden.

Später, bis heute, spielten und spielen Big Bands Musik verschiedener Stilrichtungen. Im Wesentlichen beginnt die Ära der Big Bands jedoch viel früher und reicht bis in die Zeit der amerikanischen Minstrel-Theater der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zurück, die das aufführende Personal oft auf mehrere hundert Schauspieler und Musiker anwachsen ließen. Hören Die Original Dixieland Jazz Band, King Oliver's Creole Jazz Band, das Glenn Miller Orchestra und sein Orchester und Sie werden den ganzen Charme des von Big Bands dargebotenen Jazz zu schätzen wissen.

Jazzstil, der sich Anfang bis Mitte der 40er Jahre des 20. Jahrhunderts entwickelte und die Ära des modernen Jazz einleitete. Es zeichnet sich durch ein schnelles Tempo und komplexe Improvisationen aus, die eher auf Harmonien als auf Melodien basieren.
Das superschnelle Aufführungstempo wurde von Parker und Gillespie eingeführt, um Laien von ihren neuen Improvisationen fernzuhalten. Unter anderem ist ein schockierendes Auftreten zu einem Markenzeichen aller Bebopites geworden. Dizzy Gillespies gebogene Trompete, Parker und Gillespies Verhalten, Monks lächerliche Hüte usw.
Als Reaktion auf die Allgegenwärtigkeit des Swing entstanden, entwickelte der Bebop seine Prinzipien im Umgang mit Ausdrucksmitteln weiter, entdeckte aber gleichzeitig auch eine Reihe gegensätzlicher Tendenzen.

Im Gegensatz zu Swing, der meist die Musik großer kommerzieller Tanzbands ist, ist Bebop eine experimentelle kreative Richtung im Jazz, die hauptsächlich mit der Praxis kleiner Ensembles (Combos) verbunden ist und in ihrer Richtung antikommerziell ist.
Die Bebop-Phase war eine bedeutende Verschiebung des Schwerpunkts im Jazz von populärer Tanzmusik zu hochkünstlerischer, intellektueller, aber weniger mainstreamiger "Musik für Musiker". Bop-Musiker bevorzugten komplexe Improvisationen, die auf Akkordschlägen statt auf Melodien basierten.
Die Hauptinitiatoren der Geburt waren: Saxophonist, Trompeter, Pianisten Bud Powell Und Thelonischer Mönch, Schlagzeuger Max Roch. Falls Sie es wollen Bop sein, Hören , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.

Einer der Stile des modernen Jazz, der um die Wende der 40er - 50er Jahre des 20. Jahrhunderts auf der Grundlage der Entwicklung der Errungenschaften von Swing und Bop entstand. Der Ursprung dieses Stils ist vor allem mit dem Namen des Neger-Swing-Saxophonisten verbunden. L. Jung, der die dem Klangideal des Hot Jazz entgegengesetzte „kalte“ Art der Klangextraktion (den sogenannten Lester-Sound) entwickelte; er führte auch zum ersten Mal den Begriff "cool" ein. Darüber hinaus finden sich die Voraussetzungen des Cool Jazz im Schaffen vieler Bebop-Musiker, wie z. C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jackson und andere.

Gleichzeitig Cooler Jazz weist erhebliche Unterschiede auf bop. Dies manifestierte sich in der Abkehr von jenen Traditionen des Hot Jazz, denen der Bop folgte, in der Absage an übermäßige rhythmische Ausdruckskraft und intonatorische Instabilität, an der bewussten Betonung einer spezifisch schwarzen Farbe. Gespielt in diesem Stil: , Stan Getz, Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.

Mit dem allmählichen Niedergang der Rockmusik ab Anfang der 70er Jahre, mit dem Nachlassen des Ideenflusses aus der Welt des Rock, ist die Fusion-Musik geradliniger geworden. Gleichzeitig begannen viele zu erkennen, dass der elektrische Jazz kommerzieller werden könnte, und Produzenten und einige Musiker begannen, nach solchen Kombinationen von Stilen zu suchen, um den Umsatz zu steigern. Es ist ihnen wirklich gelungen, eine Art Jazz zu kreieren, die für den durchschnittlichen Hörer zugänglicher ist. In den vergangenen zwei Jahrzehnten sind viele unterschiedliche Kombinationen entstanden, für die Veranstalter und Publizisten gerne den Begriff „Modern Jazz“ verwenden, um die „Fusionen“ des Jazz mit Elementen aus Pop, Rhythm and Blues und „Weltmusik“ zu beschreiben.

Das Wort "Crossover" bezieht sich jedoch genauer auf die Essenz der Sache. Crossover und Fusion erreichten ihr Ziel und vergrößerten das Publikum für Jazz, vor allem dank denen, die genug von anderen Stilen hatten. In einigen Fällen verdient diese Musik Aufmerksamkeit, obwohl der darin enthaltene Jazzanteil im Allgemeinen auf Null reduziert ist. Beispiele für Crossover-Stile reichen von (Al Jarreau) und Gesangsaufnahmen (George Benson) bis (Kenny G), "Spyro Gyra" Und " " . In all dem ist ein Jazz-Einfluss, aber dennoch passt diese Musik in den Bereich der Pop-Art, die von repräsentiert wird Gerald Albright, George Duke, Saxophonist Bill Evans, Dave Grusin,.

Dixieland- die breiteste Bezeichnung des Musikstils der frühesten Jazzmusiker aus New Orleans und Chicago, die von 1917 bis 1923 Schallplatten aufgenommen haben. Dieses Konzept erstreckt sich auch auf die Zeit der späteren Entwicklung und Wiederbelebung des New Orleans Jazz - New-Orleans-Revival Fortsetzung nach den 1930er Jahren. Einige Historiker Attribut Dixieland nur zur Musik weißer Bands, die im New-Orleans-Jazz-Stil spielen.

Im Gegensatz zu anderen Formen des Jazz, das Repertoire der Musiker an Stücken Dixieland blieb ziemlich begrenzt und bot endlose Variationen von Themen innerhalb derselben Melodien, die im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts komponiert wurden, und umfasste Ragtime, Blues, One-Steps, Two-Steps, Märsche und populäre Melodien. Für Performance-Stil Dixieland Charakteristisch war die komplexe Verflechtung einzelner Stimmen in die kollektive Improvisation des gesamten Ensembles. Der Solist, der das Solo eröffnete, und andere Solisten, die weiter spielten, widersetzten sich sozusagen dem "Riffing" der restlichen Blechbläser bis zu den Schlussphrasen, die normalerweise von den Trommeln in Form von Viertakt-Refrains ausgeführt werden, die wiederum vom gesamten Ensemble beantwortet wurden.

Die wichtigsten Vertreter dieser Epoche waren Die Original Dixieland Jazz Band, Joe King Oliver und sein berühmtes Orchester, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke und Jimmy McPartland. Dixieland-Musiker suchten im Wesentlichen nach einer Wiederbelebung des klassischen New-Orleans-Jazz vergangener Zeiten. Diese Versuche waren sehr erfolgreich und werden dank nachfolgender Generationen bis heute fortgesetzt. Die erste Wiederbelebung der Dixieland-Tradition fand in den 1940er Jahren statt.
Hier sind nur einige der Jazzmusiker, die Dixieland gespielt haben: Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena Jazzband, Turk Murphys Jazzband.

Eine eigene Nische in der Gemeinschaft der Jazzstile seit Anfang der 70er Jahre besetzte das deutsche Unternehmen ECM (Ausgabe Zeitgenössischer Musik- Verlag für zeitgenössische Musik), der nach und nach zum Zentrum einer Vereinigung von Musikern wurde, die sich weniger zur Verbundenheit mit der afroamerikanischen Herkunft des Jazz bekennen, als vielmehr zur Lösung verschiedenster künstlerischer Aufgaben, die sich nicht auf a bestimmten Stil, aber im Einklang mit dem kreativen Improvisationsprozess.

Im Laufe der Zeit entwickelte sich jedoch ein gewisses Gesicht des Unternehmens, was zur Trennung der Künstler dieses Labels in eine groß angelegte und ausgeprägte Stilrichtung führte. Die Ausrichtung des Labelgründers Manfred Eicher (Manfred Eicher), verschiedene Jazz-Idiome, Weltfolklore und neue akademische Musik zu einem einzigen impressionistischen Sound zu verbinden, ermöglichte es, mit diesen Mitteln Tiefe und philosophisches Verständnis von Lebenswerten zu beanspruchen.

Das in Oslo ansässige Hauptaufnahmestudio der Firma korreliert offensichtlich mit der führenden Rolle im Katalog skandinavischer Musiker. Allen voran die Norweger Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen. Die Geographie von ECM umfasst jedoch die ganze Welt. Hier sind die Europäer Dave Holland, Tomasz Stanko, John Surman, Eberhard Weber, Rainer Brüninghaus, Mikhail Alperin und Vertreter außereuropäischer Kulturen Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem und viele andere. Nicht weniger repräsentativ ist die American Legion - Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie, Leo Smith. Der anfängliche revolutionäre Impuls der Verlagspublikationen verwandelte sich im Laufe der Zeit in einen meditativ distanzierten Klang offener Formen mit sorgsam ausgeschliffenen Klangschichten.

Einige Mainstream-Anhänger leugnen den von den Musikern eingeschlagenen Weg in diese Richtung; Der Jazz als Weltkultur entwickelt sich jedoch trotz dieser Einwände und liefert sehr beeindruckende Ergebnisse.

Im Gegensatz zur Raffinesse und Coolness des coolen Stils, der Rationalität des Progressiven an der Ostküste der Vereinigten Staaten, entwickelten junge Musiker Anfang der 50er Jahre den scheinbar schon erschöpften Bebop-Stil weiter. Das für die 50er Jahre charakteristische Wachstum des Selbstbewusstseins der Afroamerikaner spielte bei diesem Trend eine wichtige Rolle. Die Aufmerksamkeit wurde erneut darauf gelenkt, den afroamerikanischen Improvisationstraditionen treu zu bleiben. Gleichzeitig wurden alle Errungenschaften des Bebop bewahrt, aber sowohl im Bereich der Harmonie als auch im Bereich der rhythmischen Strukturen wurden viele coole Errungenschaften hinzugefügt. Musiker der neuen Generation hatten in der Regel eine gute musikalische Ausbildung. Dieser Strom heißt "Hardbop" stellte sich als recht zahlreich heraus. Die Trompeter stimmten ein Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, Pianisten Thelonious Monk, Horace Silver, Schlagzeuger ArtBlake, Saxophonisten Sonny Rollins, Hank Mobley, Cannonball Adderley, Kontrabassist Paul Kammern und viele andere.

Für die Entwicklung eines neuen Stils war eine weitere technische Neuerung von Bedeutung, die im Erscheinen von Langspielplatten bestand. Jetzt können Sie lange Soli aufnehmen. Für Musiker ist dies zu einer Versuchung und einer schwierigen Prüfung geworden, da sich längst nicht jeder umfassend und prägnant zu Wort melden kann. Trompeter waren die ersten, die sich diese Vorteile zunutze machten und Dizzy Gillespies Stil zu einem ruhigeren, aber tieferen Spiel modifizierten. Die einflussreichsten waren Fette Navarro Und Clifford Braun. Diese Musiker konzentrierten sich nicht auf virtuose Hochgeschwindigkeitspassagen in den oberen Registern, sondern auf durchdachte und logische Melodielinien.

Hot Jazz gilt als die Musik der New-Orleans-Pioniere der zweiten Welle, deren höchste kreative Aktivität mit der Massenflucht der New-Orleans-Jazzmusiker in den Norden, hauptsächlich nach Chicago, zusammenfiel. Dieser Prozess, der kurz nach der Schließung von Storyville aufgrund des Eintritts der Vereinigten Staaten in den Ersten Weltkrieg und der Erklärung von New Orleans zum Militärhafen aus diesem Grund begann, markierte die sogenannte Chicago-Ära in der Geschichte des Jazz . Der Hauptvertreter dieser Schule war Louis Armstrong. Während er noch im King Oliver Ensemble auftrat, veränderte Armstrong das Konzept der Jazzimprovisation revolutionär und wechselte von traditionellen Schemata der kollektiven Improvisation zur Aufführung einzelner Soloparts.

Schon der Name dieser Art von Jazz ist mit der emotionalen Intensität verbunden, die für die Art der Aufführung dieser Solopartien charakteristisch ist. Der Begriff Hot war ursprünglich ein Synonym für Jazz-Soloimprovisation, um die Unterschiede in der Herangehensweise an das Solospiel hervorzuheben, die in den frühen 1920er Jahren auftraten. Später, mit dem Verschwinden der kollektiven Improvisation, wurde dieser Begriff mit der Art der Aufführung von Jazzmaterial in Verbindung gebracht, insbesondere mit einem besonderen Klang, der den instrumentalen und vokalen Aufführungsstil bestimmt, dem sogenannten Hotting oder der heißen Intonation: eine Kombination von Besonderem Methoden der Rhythmisierung und spezielle Intonationsmerkmale.

Die vielleicht umstrittenste Bewegung in der Geschichte des Jazz entstand mit dem Aufkommen des „Free Jazz“. Obwohl die Elemente Freier Jazz existierte lange vor dem Erscheinen des Begriffs selbst in "Experimenten" Coleman Hawkins, Pee Wee Russell und Lenny Tristano, aber erst Ende der 1950er Jahre durch die Bemühungen von Pionieren wie Saxophonisten und Pianisten Cecil Taylor, nahm diese Richtung als eigenständiger Stil Gestalt an.

Was diese beiden Musiker mit anderen gemacht haben, darunter John Coltrane, Albert Euler und Gemeinden wie Sun Ra Orchester und eine Gruppe namens The Revolutionary Ensemble bestand aus verschiedenen Änderungen in der Struktur und dem Gefühl der Musik.
Zu den Neuerungen, die mit Fantasie und großer Musikalität eingeführt wurden, gehörte der Verzicht auf die Akkordfolge, die es der Musik ermöglichte, sich in jede Richtung zu bewegen. Eine weitere grundlegende Veränderung fand sich im Bereich Rhythmus, wo „Swing“ entweder neu definiert oder ganz ignoriert wurde. Mit anderen Worten: Pulsation, Metrum und Groove waren nicht länger ein wesentliches Element dieser Interpretation des Jazz. Eine weitere Schlüsselkomponente war mit Atonalität verbunden. Nun baute der musikalische Spruch nicht mehr auf dem üblichen Tonsystem auf.

Schrille, bellende, krampfhafte Töne erfüllten diese neue Klangwelt vollständig. Free Jazz existiert auch heute noch als praktikable Ausdrucksform und ist tatsächlich kein so umstrittener Stil mehr wie zu Beginn seiner Entstehung.

Die vielleicht umstrittenste Bewegung in der Geschichte des Jazz entstand mit dem Aufkommen des „Free Jazz“.

Eine moderne Stilrichtung, die in den 1970er Jahren auf der Basis des Jazz-Rock entstand, eine Synthese aus Elementen europäischer akademischer Musik und außereuropäischer Folklore.
Die interessantesten Kompositionen des Jazzrock zeichnen sich durch Improvisation aus, kombiniert mit kompositorischen Lösungen, der Verwendung harmonischer und rhythmischer Prinzipien der Rockmusik, der aktiven Verkörperung der Melodie und des Rhythmus des Ostens, der Einführung elektronischer Verarbeitungs- und Synthesemittel Klang in Musik.

In diesem Stil hat sich der Anwendungsbereich modaler Prinzipien erweitert, die Menge verschiedener Modi, einschließlich exotischer, hat sich erweitert. In den 70er Jahren wurde Jazzrock unglaublich populär, die aktivsten musikalischen Kräfte kamen dazu. In Bezug auf die Synthese verschiedener musikalischer Mittel weiter entwickelt, wurde Jazz-Rock "Fusion" (Legierung, Fusion) genannt. Ein zusätzlicher Impuls für "Fusion" war eine weitere (nicht die erste in der Geschichte des Jazz) Anspielung auf europäische akademische Musik.

In vielen Fällen wird Fusion tatsächlich zu einer Kombination aus Jazz mit normalem Pop und leichtem Rhythm and Blues; Überkreuzung. Die Ambitionen der Fusion-Musik nach musikalischer Tiefe und Empowerment bleiben unerfüllt, obwohl die Suche in seltenen Fällen fortgesetzt wird, beispielsweise in Bands wie "Tribal Tech" und den Ensembles von Chick Corea. Hören: Wetterbericht, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, von New Niacin, Tunnels, CAB.

Modern Funk bezieht sich auf die populären Stilrichtungen des Jazz der 70er und 80er Jahre, in denen Begleiter im Stil des Black Pop Soul spielen, während Solo-Improvisationen kreativer und jazziger Natur sind. Die meisten Saxophonisten dieses Stils verwenden ihre eigenen einfachen Phrasen, die aus Bluesschreien und Stöhnen bestehen. Sie bauen auf einer Tradition auf, die von Saxophon-Soli in Rhythm-and-Blues-Gesangsaufnahmen übernommen wurde, wie King Curtis auf „Coasters“. Junior Walker mit den Gesangsgruppen des Labels Motown, David Sanborn mit „Blues Band“ von Paul Butterfield. Prominente Figur in diesem Genre - die oft solo in diesem Stil spielte Hank Crawford mit funky Begleitung. Ein Großteil der Musik , und ihre Schüler verwenden diesen Ansatz. , arbeiten ebenfalls im Stil des "Modern Funk".

Der Begriff hat zwei Bedeutungen. Erstens ist es ein Ausdrucksmittel im Jazz. Eine charakteristische Pulsationsart, die auf ständigen Abweichungen des Rhythmus von den Referenzanteilen beruht. Dadurch entsteht der Eindruck einer großen inneren Energie in einem instabilen Gleichgewichtszustand. Zweitens der Stil des orchestralen Jazz, der sich um die Wende der 1920er und 1930er Jahre als Ergebnis der Synthese von negro- und europäischen Stilformen der Jazzmusik herausbildete.

ursprüngliche Definition „Jazzrock“ war am deutlichsten: eine Kombination aus Jazz-Improvisation mit der Energie und den Rhythmen der Rockmusik. Bis 1967 existierten die Welten von Jazz und Rock fast getrennt. Aber zu diesem Zeitpunkt wird Rock kreativer und komplexer, Psychedelic Rock, Soul-Musik erscheint. Gleichzeitig langweilten sich einige Jazzmusiker beim reinen Hardbop, wollten aber auch keine schwer wahrnehmbare Avantgarde-Musik spielen. Infolgedessen begannen sich die beiden unterschiedlichen Idiome auszutauschen und ihre Kräfte zu bündeln.

Seit 1967 Gitarrist Larry Coryell, Vibraphonist Gary Burton, 1969 Schlagzeuger Billy Cobham Mit der Gruppe „Dreams“, in der die Brecker-Brüder spielten, begannen sie, neue stilistische Weiten zu erkunden.
Ende der 60er Jahre hatte Miles Davis das Potenzial, zum Jazz-Rock überzugehen. Er war einer der Schöpfer des modalen Jazz, auf dessen Grundlage er mit 8/8-Rhythmen und elektronischen Instrumenten einen neuen Schritt unternimmt, indem er die Alben "Bitches Brew", "In a Silent Way" aufnimmt. Zusammen mit ihm gibt es zu dieser Zeit eine brillante Galaxie von Musikern, von denen viele später zu den grundlegenden Figuren dieser Richtung werden - (John McLaughlin), Joe Zawinul(Joe Zawinul) Herbie Hancock. Askese, Prägnanz und philosophische Kontemplation, die für Davis charakteristisch sind, erwiesen sich im neuen Stil als höchst willkommen.

Bis Anfang der 1970er Jahre Jazz-Rock hatte seine eigene ausgeprägte Identität als kreativer Jazzstil, obwohl er von vielen Jazzpuristen verspottet wurde. Die Hauptgruppen der neuen Richtung waren "Return To Forever", "Wetterbericht", "The Mahavishnu Orchestra", verschiedene Ensembles Meilen davis. Sie spielten hochwertigen Jazz-Rock, der eine Vielzahl von Techniken aus Jazz und Rock kombinierte. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, Trio, Andy Summers, Erik Truffaz- unbedingt anhören, um zu verstehen, wie vielfältig Progressive- und Jazz-Rock-Musik ist.

Stil Jazz-Rap war ein Versuch, die afroamerikanische Musik vergangener Jahrzehnte mit einer neuen dominanten Form der Gegenwart zusammenzubringen, die es erlaubte, dem ersten Element davon - der Fusion - Tribut zu zollen und neues Leben einzuhauchen und auch den Horizont des zweiten zu erweitern . Die Rhythmen des Jazz-Rap waren komplett dem Hip-Hop entlehnt, während die Samples und Klangtexturen hauptsächlich aus Cool Jazz, Soul-Jazz und Hard Bop stammten.

Dieser Stil war der coolste und berühmteste Hip-Hop, und viele Künstler zeigten ein afrozentrisches politisches Bewusstsein und verliehen diesem Stil historische Authentizität. Angesichts der intellektuellen Neigung dieser Musik ist es keine Überraschung, dass Jazz-Rap nie zu einem Liebling der Straßenpartys wurde; aber dann dachte niemand darüber nach.

Die Vertreter des Jazz-Rap selbst bezeichneten sich als Anhänger einer positiveren Alternative zur Hardcore-/Gangsta-Bewegung, die Anfang der 90er Jahre den Rap von den führenden Positionen verdrängte. Sie versuchten, Hip-Hop an Zuhörer zu verbreiten, die die wachsende Aggression der städtischen Musikkultur nicht akzeptieren oder verstehen können. So fand Jazz-Rap den Großteil seiner Fans in Studentenwohnheimen und wurde auch von einer Reihe von Kritikern und weißen Alternative-Rock-Fans unterstützt.

Team Einheimische Sprachen (Afrika Bambaataa)– dieses New Yorker Kollektiv afroamerikanischer Rap-Gruppen – ist zu einer mächtigen Kraft geworden, die diesen Stil repräsentiert Jazz-Rap und umfasst solche Gruppen wie A Tribe Called Quest, De La Soul und The Jungle Brothers. Begannen ihre Arbeit bald Digitale Planeten Und Bande Stern erlangte ebenfalls Bekanntheit. Mitte der späten 90er Jahre begann alternativer Rap in eine große Anzahl von Substilen aufzubrechen, und Jazz-Rap wurde selten ein Element des neuen Sounds.

Müde von den Klischees von Big Bands und ausschließlich kommerziellen Projekten mit ausgedienten Techniken, begann sich Anfang der 40er Jahre des letzten Jahrhunderts die Richtung des progressiven Jazz zu entwickeln. Vertreter dieser Richtung experimentierten ständig mit Musik auf dem Gebiet der Tonalität und Harmonie und stützten sich dabei auf die Errungenschaften europäischer Komponisten.

Darsteller

Die abgedroschenen Jazztechniken befriedigten die jungen Interpreten nicht mehr, die Anfang der 40er Jahre des letzten Jahrhunderts den Jazz-Olymp eroberten. Mit der Erfahrung europäischer Musiker versuchen sie, von der traditionellen Aufführung im Stile von Big Bands wegzukommen. Ihre Suche führt zu neuen Formen des Swing, gebrochenen Rhythmen, Polytonalität, Verschiebung etablierter Akzente, Einführung ungewöhnlicher Instrumente.

Die Popularisierung des progressiven Jazz ist eng mit dem Namen Stan Kenton und seiner Band verbunden, die mehrere Alben unter dem Namen „Artistry“ einspielten. Haben die Arrangeure Gil Evans, Boyd Rybairn, Pete Rugolo, die Sängerin Christy June, Kay Winding (Posaune), Ed Safransky (Kontrabass), Shelley Maine (Schlagzeug) mit diesem Stil experimentiert? Miles Ahead, Porgy und Imp, Spanish Drawings sind eine Reihe progressiver Jazzalben, die vom Miles Davis Orchestra mit Gil Evans aufgenommen wurden. Kurz vor seinem Tod wandte sich Davis wieder dem Experimentieren mit einer progressiven Richtung zu und nahm Evans' alte Arrangements mit der Quincy Jones Band auf.

STIL PROGRESSIV (PROGRESSIVE JAZZ)

Zur gleichen Zeit, als sich der Bebop-Jazzstil im amerikanischen Osten in New York etablierte, tauchte im Westen der Vereinigten Staaten ein experimenteller Stil auf, der als progressiver Jazz (Stil progressiv). Obwohl es scheint: Ist Fortschritt in der Kunst möglich? Ein solches Konzept ist vielmehr auf das Gebiet der Technologie oder auf den Entwicklungsprozess der Gesellschaft anwendbar. Schließlich können wir nicht sagen, dass Tschaikowsky fortschrittlicher war als Bach oder Beethoven. Daher könnte man den progressiven Stil als Erweiterung des Jazz-Frameworks bezeichnen. Dieser Stil hat (im Gegensatz zum Bebop) keine Revolution im Bereich Melodie, Harmonie, Rhythmus, Klang und Improvisation gemacht, obwohl versucht wurde, den verblassenden Swing-Stil wiederzubeleben. Neuerungen betrafen nur die Erweiterung des Orchesters selbst, Arrangements, Formen. Progressive ist Orchestermusik.

Progressiv (Englisch, progressiv) ist eine Stilrichtung des modernen Jazz, die in den 1940er Jahren entstand. und geprägt von Experimenten im Bereich der Synthese von Jazz und europäischer Kompositionstechnik. Diese Synthese spiegelt sich in der Arbeit einiger weißer Big Bands wider. Einer der Hauptvertreter des progressiven Stils - Pianist und Komponist Stan Kenton(1912-1979).

Kenton wuchs in Los Angeles auf, studierte bei privaten Musiklehrern und spielte später in regelmäßigen Tanzbands. Gleichzeitig setzte er seine Selbstbildung fort: Er nahm Unterricht in Musiktheorie, Harmonielehre, Dirigieren und Komposition. 1939 stellte er sein erstes Orchester zusammen, das sich durch die Aufführung komplex arrangierter Stücke auszeichnete. Die folgenden Orchester, die von Kenton nach 1941 gegründet wurden, erregten die Aufmerksamkeit der Zuhörer mit "symphonisiertem" Jazz. Stan Kenton war betört Bartok, Hindemith, Strawinsky und vor allem Wagner.(Die Platte „Kenton spielt Wagner“ wurde sogar aufgenommen.) Kenton führte in die Orchester Instrumente ein, die in klassischen Kompositionen verwendet wurden – Hörner, Oboen, Tuben, Fagotte, Streichinstrumente. (Es sollte beachtet werden, dass einige Jahrzehnte später einige Jazzmusiker, die traditionelle klassische Instrumente spielten, herausragende Erfolge erzielten. Zum Beispiel der russische Hornist und der Flügelhornist Arkadi Schilkloper(geboren 1956).)

Mit der Erweiterung der Kenton-Orchester kam es auch zu einer Erweiterung der Spielzeit der aufgeführten Stücke. Die Neuerungen dieses Stils bestanden in dem Versuch, Jazz und Klassik zu kombinieren, um Jazz-Konzertformen zu schaffen. Stan Kenton bewertete seinen Beitrag zur Kunst: „Die moderne Menschheit durchläuft eine musikalische Phase, die es vorher nicht gab und nicht geben konnte. Moderne Musik enthält alle Arten von spirituellen Enttäuschungen und Hoffnungen, die traditionelle Musik nicht nur befriedigen, sondern sich sogar vorstellen könnte. Es enthält die Freude an der Kreativität und gibt Ihnen Zufriedenheit, kompensiert manchmal sogar interne Unzufriedenheit, die durch externe Ursachen verursacht wird. Deshalb betrachte ich Jazz als die neue Musik, die gerade rechtzeitig zu uns kam. Unsere Musik ist progressiver Jazz."

Die Popularität des Orchesters wurde durch die Arbeit wunderbarer Musiker und Sänger gefördert, Originalarrangements von zwei hochklassigen professionellen Meistern: Pita Rugolo Und Bob Grettinger. Mehrere Stücke wurden unter dem allgemeinen Namen Artistik geschrieben: „Artistry in Percussion“, „Artistry in Boogie“, „Artistry in Tango“, „Artistry in Harlem Swing“, „Artistry in Bass“. Progressiver Jazz war ein ambitionierter Konzertstil voller phantasievoller Inhalte, aber die Stücke erwiesen sich als schwerfällig und schwer, und das Orchester selbst wurde von einigen Musikern mit einem „muskulösen Gewichtheber“ verglichen. Der berühmte Schöpfer des Jazz at the Philharmonic, Norman Grantz, äußerte sich scharf über das Kenton Orchestra: „Ich habe das Kenton Orchestra all die Jahre verfolgt, und die einzigen Dinge in seinem Repertoire, die mir gefallen haben, waren Erdnussverkäufer, Liebhaber, Wie hoch der Mond und dergleichen. Es ist eine Schande, ein solches Orchester zusammenzustellen, das eine großartige Swingband sein könnte, und Gott weiß was zu spielen! Stan muss viele Bücher gelesen haben oder so. Weil er wunderbares Material und tolle junge Musiker hatte, soweit ich weiß. Aber Stan ist zu wortreich – sein Orchester auch. Diese Band ist ein kompletter Betrug, sie benutzt alle möglichen Possen und Werbeslogans. Was bedeutet dieses „progressiv“, sagen Sie mir um Himmels willen?.. In einem Jahr stellte Stan ein zwanzigköpfiges Tanzorchester zusammen, und im nächsten Jahr hat er ein vierzigköpfiges Konzertorchester. Ich werde nicht überrascht sein, wenn er jetzt achtzig Menschen versammelt und in einem anderen Jahr - alle hundertsechzig. Wenn er etwas zu sagen hatte, konnte er es mit so viel Erfolg mit sechzehn Musikern tun. Das ist natürlich die subjektive Aussage eines Unternehmers, der kein professioneller Musikkritiker war. Aber kompetentere Jazzforscher bewerteten Kentons Musik positiv, da sie die Grenzen dieser Kunst sicherlich erweitert.

Es gab einige Big-Band-Leader, die bissig sagten, Musik in solch pompösem Stil dürfe nur für Elefanten gespielt werden, nicht aber für Jazz-Fans. Gleichzeitig zollten sie Kenton Tribut und stellten den korrekten Klang eines unglaublich großen Orchesters fest, das aus hervorragenden Musikern bestand. Das Kenton Orchestra klang „richtig“, weil die Jazzmänner an ihren Anführer glaubten, ihn als Person liebten und respektierten. Solche Beziehungen im Orchester beruhten auf Gegenseitigkeit. Manchmal wurde Kenton nach Kritik von düsteren Gedanken über die Inflexibilität seines Orchesters, schlechten Musikgeschmack und Zweifel an der Richtigkeit des gewählten Stils heimgesucht. Dann hatte der Anführer die Idee, die Musik zu verlassen und Psychiater zu werden. Aber das Hauptgeschäft seines Lebens war immer noch die Musik. IN bei ende des krieges, 1944, kamen zur kapelle: Anita O’Day(später ein sehr berühmter Sänger), Tenorsaxophonisten Stan Getz Und David Matthews der hervorragende Arrangements für das Orchester gemacht hat. Mit dem Ende des Krieges kehrten viele Solisten zum Orchester zurück, das in dieser Zeit zum swingendsten aller Kreationen von Stan Kenton wurde. Das Repertoire des Orchesters bestand nun aus Balladen und populären Melodien. IN Ende 1947 begannen Big Bands allmählich von der Bildfläche zu verschwinden. Aber Kenton gab nicht auf. Er sammelte neue große und ungewöhnliche Kompositionen von Musikern, gab Konzerte in Theatern. Die leidenschaftliche und rastlose Art des Bandleaders bewegte ihn zu neuen Dingen. IN 1950 stellte Kenton ein Orchester zusammen, um großangelegte Avantgarde-Werke wie z Stadt aus Glas Bob Grettinger. Zwei Jahre später kehrte der Bandleader jedoch zur Swingmusik zurück. IN In dieser Zeit ist das Orchester weithin anerkannt, Solisten arbeiten darin - Lee Konitz, Zoot Sims, Frank Rosolino. IN Ende der 1950er Jahre Stan Kenton beginnt Jazz an amerikanischen Universitäten zu unterrichten. Im Wesentlichen leistete er Pionierarbeit in der Jazzausbildung in den USA. Sogenannt Kenton-Kliniken zog viele Studenten an. Einige Jazzmusiker argumentierten, dass Kentons musikalische und pädagogische Tätigkeit für den Jazz unermesslich wichtiger sei als seine musikalischen Leistungen.

Stil progressiv hatte keine direkten Anhänger, obwohl einige seiner Techniken und Methoden später im symphonischen Jazz verwendet wurden. IN 1940er Das Stan Kenton Orchestra gewann den ersten Platz bei Zeitschriftenwettbewerben Niedergeschlagen Und Metronom.IN 1960er Prämiert wurden die besten Aufnahmen des neuen Orchesters, bestehend aus 27 Musikern Grammys.IN In diesem Orchester leistete Kenton Pionierarbeit bei der Verwendung von vier Mellophonen und schuf dann ein Orchester, das Musik der „dritten Strömung“ spielte, die manchmal als symphonischer Jazz bezeichnet wird. Und in den 1970er Jahren. der musiker trat mit einer band auf jazzfestivals auf und verarbeitete elemente des damals beliebten freejazz und der rockmusik in den arrangements. Jazzkritiker, die den Musiker für immer in das "Pantheon of Fame" des Magazins wählen niedergeschlagen, schätzte die Arbeit von Stan Kenton sehr und strebte in seiner Arbeit nach neuen Idealen.

• Zit. von: Shapiro N. Hören Sie, was ich Ihnen sagen werde. Die Geschichte des Jazz, erzählt von den Menschen, die ihn gemacht haben. S. 316.
• Zit. von: Shapiro N. Hören Sie, was ich Ihnen sagen werde. Die Geschichte des Jazz, erzählt von den Menschen, die ihn gemacht haben. S. 316-317.