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Gemälde von großem Wert und Schmutz. Die Hauptsache ist, keine Farbe zu sparen

Effizienz der Öffentlichkeitsarbeit: „Brillante“ Muffs

Wenn ich einen Pinsel in die Hand nehme und irgendeine Landschaft oder ein Porträt auf die Leinwand male, dann kann jeder, der meine Arbeit betrachtet, mit Sicherheit sagen: Was für ein Klecks! Und es wird richtig sein, denn ich kann nicht zeichnen. Mein Klecks könnte jedoch für Millionen von Dollar verkauft werden, wenn ich einen Ruf als großer Künstler hätte. Theoretisch ist es schwer vorstellbar, dass meine ungemalten, aber nicht weniger schrecklichen Bilder als großartige Kunstwerke angepriesen und für „verrücktes Geld“ verkauft werden könnten. Aber im wirklichen Leben geschah dies mehr als einmal – die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts und das gesamte 20. Jahrhundert ist ein kontinuierlicher Siegeszug des Kleckses in der Kunst.

Von der Geburtsstunde der modernen Malerei, deren Vater als der Italiener Giotto di Bondone (1267-1337) gilt, und in den folgenden Jahrhunderten entwickelte sich die Fähigkeit des Künstlers, die Realität auf jeder zum Zeichnen geeigneten Oberfläche (Leinwand, Wand oder Tafel) darzustellen ). Fotografie gab es damals noch nicht, aber viele wollten ein eigenes Porträt oder ein Bild ihrer Verwandten haben. Auch die Aussicht auf die umliegenden Wälder und Felder wurde geschätzt. Nach wie vor hängen wir gerne Reproduktionen diverser Gemälde in unseren Wohnungen auf, und wem es die materiellen Gegebenheiten erlauben, dann gleich die Originale. Im Mittelalter schmückten reiche Leute auch gerne die Wände von Häusern und Schlössern mit Gemälden, und einige der Reichen trugen riesige Sammlungen zusammen. Jemand hat es aus Liebe zum Malen getan, andere - um ihren Status zu verbessern.

Neben den Reichen brauchte die Kirche auch Kunstwerke. Die Kirche brauchte keine Gemälde, die das wirkliche Leben darstellten – sie brauchte biblische Szenen, die wie echte aussehen würden – wie Fotografien von realen Ereignissen (obwohl sie damals keine Ahnung von Fotografien hatten). Die Menschen mussten an Christus, Maria, die Apostel und andere religiöse Figuren glauben, und dafür mussten die biblischen Figuren wie lebende Menschen aussehen.

Was waren die Wünsche der Kunden - so waren die Bilder. Verrückte Ideen, die von ungeschickter Hand auf die Leinwand gezeichnet wurden, nutzten niemandem. Niemand würde ein Porträt von sich kaufen, das nicht wie das Original aussehen würde, und erst recht eines, das im Prinzip nicht dem Bild einer Person ähnelt. Um ein Porträt zu malen, brauchte man damals einen Künstler, der das Handwerk eines Malers beherrschte. Da Sie kein Profi sind, können Sie keine Gemälde verkaufen und Ihren Lebensunterhalt verdienen. Wer schon Gemälde sammelte, brauchte nicht nur Abdrücke der Realität – er wollte exklusive Dinge, die niemand wiederholen konnte. Das heißt, der Künstler musste einem realistischen Bild etwas Eigenes hinzufügen - einen bestimmten einzigartigen Stil, damit sein Bild sich von der Masse hochwertiger Handwerksprodukte abhebt. Es könnte eine einzigartige Technik wie Leonardo da Vinci sein, ein innovativer Einsatz von Licht und Schatten wie Van Eyck, fantastische Bilder wie Bosch ...

15-17 Jahrhunderte in Europa ist die Blütezeit der Weltmalerei. Zu dieser Zeit erschien in den wirtschaftlich entwickelten Staaten Europas (Venedig, Florenz, Niederlande, Flandern, Deutschland) eine ausreichende Anzahl von Kunden für Gemälde - dank dessen erhielten wir eine ganze Galaxie herausragender Künstler, deren Werke noch schmücken die berühmtesten Museen der Welt. Neben so allgemein anerkannten großen Malern der Renaissance wie Leonardo da Vinci, Raffael und Michelangelo Buonarroti arbeiteten zu dieser Zeit mehrere Dutzend weitere ebenso herausragende Künstler: der Niederländer Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, die Italiener Giorgione, Tizian, Correggio, Caravaggio, die Deutschen Albrecht Dürer, Hans Holbein Jr., der Spanier Diego Velazquez... Sie alle hatten eine originelle Art, die Realität darzustellen, aber bei der Gleichzeitig einte sie die Tatsache, dass sie alle hervorragende, ausschließlich realistische Bilder schrieben. Realistisch ist die Handlung nicht - die gleichen biblischen Bilder waren es noch nie. Realistisch - durch die abgebildete Ähnlichkeit mit dem wirklichen Leben. Keiner hat Würfel oder Quadrate gemalt - angeblich sieht er die Welt so, denn "Meisterwerke" in einem ähnlichen Stil würden keinen Käufer finden. Die Kunden der Gemälde waren damals einfache Leute – wie unser Nikita Chruschtschow. Es gibt eine Geschichte, die er einmal zu einem der Gemälde auf einer Ausstellung der Abstraktionisten gefragt hat: „Was ist das für ein Arsch?“. Ich stelle fest, dass in Bezug auf die Gemälde von Raphael oder Correggio noch nie jemand so etwas gesagt hat, einschließlich Chruschtschow - jeder, der Augenlicht hat, versteht, was darauf abgebildet ist: Madonnen in Form schöner Frauen und keine schrecklichen und unverständlichen Kreaturen wie in den Gemälden von Picasso. Jeder herausragende Künstler war in gewisser Weise ein Innovator, aber alle innovativen Techniken in der Malerei machten nur Sinn, wenn der Künstler das Leben in all seinen Erscheinungsformen angemessen darstellen konnte. Die Neuheit im Bild wurde aus Gründen des Realismus und nicht an sich verwendet. Wir können sagen, dass die Maler versuchten, wie Baumeister zu arbeiten - jedes Haus muss ein Fundament, Wände und ein Dach haben, und alle Experimente waren nur in diesem Rahmen erlaubt.

Als Profis erreichten Renaissance-Künstler den Höhepunkt der Malerei. Und wir können mit Sicherheit sagen, dass es unmöglich ist, Raphael oder Van Eyck zu übertreffen - sie können nur wiederholt werden. Oder etwas Eigenes kreieren, was im Laufe der Jahre immer schwieriger geworden ist. Schon im 17. Jahrhundert gab es weniger herausragende Künstler als im 16. Jahrhundert, und im 18. Jahrhundert kann man sie an den Fingern abzählen. Vor dem Hintergrund der Meister der Renaissance ist es äußerst schwierig, sich abzuheben - dies ist das höchste Können, das im Prinzip nur wenige erreichen können.

Und vor einem solchen Hintergrund, wo es viele Handwerker und wenige herausragende Meister gibt, findet in der Welt der Kunst eine echte Revolution statt - "große Künstler" begannen künstlich geschaffen zu werden. Das war im Mittelalter schwierig.- Ohne die Medien sind PR-Technologien wirkungslos, da Informationen durch Gerüchte übermittelt werden müssen, die sie verzerren. Vor allem, wenn es um die Verbreitung von Informationen über große Entfernungen geht. Nur die Medien können schnell und effektiv das Bild eines jeden Objekts (Produkt, Marke) als ideal und notwendig im Leben schaffen und in das Massenbewusstsein einführen. Es ist kein Zufall, dass, als in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts die Presse eine immer wichtigere Rolle im Leben der Staaten Westeuropas zu spielen begann, die bereits in die Ära der industriellen Revolution eingetreten waren, dann „große Künstler eines neuen Typs“ begannen zu erscheinen. Mit anderen Worten - Muffins.

Wer hat die Käufer von Gemälden speziell auf regelrechten Klecks umgeleitet? Da sind viele von denen. Im Grunde sind das Menschen, die sich in den Medien mit Kunstkritik beschäftigt haben, aber auch solche, die Ausstellungen organisiert haben. Zum Beispiel hat der Kritiker Roger Fry die Postimpressionisten „gewaschen“, der Franzose Guillaume Apollinaire hat die Produkte von Matisse und Picasso bei den Verbrauchern beworben. Aber noch wichtiger für den Gemäldemarkt war die Tatsache, dass weltweit immer mehr wohlhabende Sammler auftauchten – vor allem in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Wozu Sammlungen sammeln, wenn wirklich herausragende Kunstwerke in staatlichen Museen oder im Besitz von Kirchen sind, die ihre Meisterwerke um kein Geld verkaufen? - Von dem, was als modisch gilt. Was in Mode kam, wurde von Käufern erworben.

Und wie entstand die Mode für diesen oder jenen „Maler“? Im Grunde fing alles mit einem Skandal an. Ende des 19. Jahrhunderts bedeutete das bloße Zurschaustellen eines schrecklichen Kleckses in der Öffentlichkeit unter dem Deckmantel von Kunstwerken einen öffentlichen Skandal. Es war eine echte Herausforderung für die Gesellschaft. Die Leute, die „solche“ sahen, waren empört, all dies wurde in der Presse und an böhmischen Orten verschoben, der Ruhm des Autors und seiner Bilder wuchs - und so erschien die Mode für diese oder jene Figur. Zuerst in engen Kreisen und dann, wenn Sie Glück haben, erfuhr die breite Öffentlichkeit von der Entstehung eines neuen "großen Malers". „Wenn sie über dich reden, dann existierst du“ – das ist die Grundregel der PR. Wenn du berühmt wirst, dann kauft zumindest jemand deine Bilder – unabhängig von ihrem künstlerischen Wert dieser Klecks - das ist auch eine heiße Ware, also fegten solche Gemälde buchstäblich den Markt. Viele große Muffs der Zukunft begannen mit realistischen Gemälden, wechselten aber rechtzeitig zum Klecksen. Und einige mussten nichts ändern - sie wussten es anfangs nicht wie man zeichnet.

Zu verschiedenen Zeiten gab es eine Mode für eine künstlerische Richtung, dann für eine andere - Impressionismus, Postimpressionismus, Abstraktionismus, Kubismus, Expressionismus .... Und Mode ist der Hauptmotor des Handels. Kaum war der „Künstler“ zur Marke geworden – seither ging alles, was unter dieser Marke produziert wurde, „wie warme Semmeln“. Dabei war es egal, was genau dieser oder jener „Künstler“ malte – die Modebranche arbeitet nach anderen Gesetzen als das Handwerk. Die Mode für diesen oder jenen Muff kam natürlich nicht sofort auf, und zunächst gingen die „Lorbeeren“ in Form von riesigem Geld nicht an die Künstler selbst, sondern an die Käufer von Gemälden. Erst gegen Ende der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts tauchte das verrückte Geld auf, das für modische Kleckse auf Auktionen bezahlt wurde. Eine große Anzahl von Menschen mit leichtem Geld, das auf den Weltfinanzmärkten sowie bei der Plünderung von Staatseigentum in Russland erworben wurde, wusste einfach nicht, wohin sie sie bringen sollten - infolgedessen wurde jeder auf Leinwand geschmierte Kot zu einer äußerst heißen Ware .

Mit wem begann der Siegeszug der Kleckserei in der Kunst?

Den Weg für die Impressionisten und Kubisten ebnete der Engländer Joseph Turner, der in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts „schuf“. Sein einziger Verdienst als Künstler war, dass er nicht sehr gut darin war, Landschaften zu malen. Er hatte auch fast gute Gemälde, aber er wurde bekannt für offene Kleckse, wie das Gemälde „Segeln nach Venedig“. Wenn Venedig dasselbe wäre wie auf seinem Bild, wäre kaum jemand dorthin gesegelt ... Turner schockierte einst einfach die Öffentlichkeit, wodurch er berühmt wurde. Es gibt eine Karikatur von ihm - Turner steht mit einem Pinsel (mit dem man damals Zäune bemalte) vor einem Gemälde und malt etwas...

Als nächstes nahm der Franzose Edgar Degas den Taktstock in die Hand - er konnte zeichnen und manchmal machte er wunderbare Bilder, aber aus irgendeinem Grund fühlte sich Edgar dazu hingezogen, die hässlichsten nackten Frauen zu malen, die sich zum Waschen fertig machten, sich waschen oder einfach nur Wasserbehandlungen beendeten. .. - Für solche Zeichnungen werden sie wegen Inkompetenz aus dem 1. Kunstschulkurs ausgeschlossen, aber Degas wurde vor allem dank ihnen populär.

Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts begann die Zahl der Muffins dramatisch zuzunehmen.

Zu dieser Zeit schaffen die „großen Impressionisten“ Claude Monet (nicht zu verwechseln mit dem berühmten Künstler Edouard Manet) und Auguste Renoir. Renoir wusste, wie man zeichnet, aber er wurde, wie Degas, oft zum direkten Beschmieren gebracht. Auch Monet versuchte zunächst, ein richtiger Künstler zu werden, erkannte aber, dass ihm das nicht gelingen würde – folglich kann er als einer der markantesten Nachfolger von Joseph Turners Werk bezeichnet werden – Monets Landschaften sind fast so schrecklich wie die seines Vorgängers.

Sein wichtigstes „Meisterwerk“ ist „Kathedrale von Rouen, Westfassade im Sonnenlicht“ – ein typischer Kinderfleck. Monet hat viele Werke in diesem „Stil“ genietet, und alle sind bis heute beliebt: „Water Lilies“ (ohne Namen erkennt man nicht sofort, dass es sich um Lilien auf dem Wasser handelt ...) ging für 36,7 Millionen Dollar (2007. ), Waterloo Bridge (Bild unten) für 35,9 Millionen Dollar verkauft (2007),

„Teich mit Seerosen…“ (im Vergleich zu „Waterloo Bridge“ kann man es sogar als Gemälde bezeichnen) – für 33 Millionen Dollar (1998). Die Zeitung Times führte 2009 eine Umfrage unter Lesern durch, deren Ergebnisse die beliebtesten Künstler des 20. Jahrhunderts ermittelten - Claude Monet belegte den 4. Platz!

Um die Jahrhundertwende kamen auch die Post-Impressionisten zur Sache: Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Wer von ihnen war der „größere“ oder, anders gesagt, modischere Künstler unserer Zeit? Cezanne hat mindestens ein Gemälde, das man als „interessant“ bezeichnen kann – er malte es im Alter von 27 Jahren. Dann ging alles noch viel schlimmer - ohne Aufklärung, Klecks um Klecks. Allerdings ist er definitiv nicht der "Größte". Die Preise für einige seiner Gemälde belaufen sich auf mehrere zehn Millionen Dollar (das teuerste von ihnen - "Still Life with a Jug and Drapery" wurde für 60,5 Millionen Dollar (!) gekauft), aber die Beliebtheit seiner Werke unter Sammlern ist eindeutig geringer als die Popularität von Gauguins Werken und noch mehr von Van Gogh Aber die Leser von The Times setzen Cezanne auf den 2. Platz unter den Künstlern des 20. Jahrhunderts!

Der psychisch kranke Van Gogh malte als unbegabter 5- bis 7-jähriger Junge, der nie erwachsen wurde. Einmal wurde er in einer psychiatrischen Klinik behandelt, was jedoch nicht half, und im Alter von 40 Jahren beging er Selbstmord. Seine Biografie gleicht eher einer Biografie eines „großen Künstlers“. Dies belegen die Preise seiner Gemälde - 40,3 Millionen Dollar für ein schreckliches Porträt von Madame Ginoux, 40,5 Millionen Dollar für "Sonnenblumen", 47,5 Millionen Dollar für "Bäuerin mit Strohhut", 53, 9 Millionen Dollar für Schwertlilien, 57 Dollar Millionen für Cypress Wheat Field, 71 Millionen Dollar für ein Selbstporträt und 82,5 Millionen Dollar für Dr. Gachet. Dieser Gachet betreute Van Gogh übrigens kurz vor seinem Selbstmord – wahrscheinlich beschloss der „Künstler“, sich mit seinem charakteristischen Porträt an dem Arzt für seine Arbeit zu rächen.

Van Goghs Liebhaber Gauguin malte als Junge etwas älter als Van Goghs Junge. Das ist für ihn als „großen Künstler“ ein klares Minus. Außerdem war Gauguin nicht so verrückt wie Van Gogh, obwohl es in seiner Biografie eine wunderbare Episode gibt, als er Van Gogh besuchte und ihm schließlich das Ohr abschnitt - das ist wirklich ein gewichtiger Anspruch auf "Größe"! Allerdings ist die Nachfrage nach Gauguins Gemälden nicht so groß wie nach Van Gogh – nur wenige seiner Gemälde wurden für mehr als 30 Millionen Dollar verkauft.

Der fast zwerghafte Toulouse-Lautrec war verrückt nach den hässlichen französischen Huren, die er in seinen nicht minder hässlichen Gemälden verkörperte. Wenn Sie sich das Bild unten unter dem bedingten Namen "Huren auf Inspektion" ansehen, haben Sie eine Vorstellung von der kreativen Art von Toulouse-Lautrec.

Er war eher ein Meister der Skizze, aber er machte sich nie die Mühe, ein vollwertiges Bild zu schreiben. Verglichen mit Gauguin und Van Gogh ist Toulouse-Lautrec völlig unbeliebt, und der Norweger Munch ist ihnen eindeutig nicht gewachsen, obwohl seine Biografie sehr persönlich ist: Er litt ständig unter schrecklichen Depressionen und wurde mehrmals wegen psychischer Störungen behandelt. Mehrere seiner Gemälde erscheinen in der Liste der "100 teuersten Gemälde der Geschichte", aber das ist alles.

Aber der Österreicher Gustav Klimt ist wirklich der größte Post-Impressionist. Er ist so beliebt wie Van Gogh und sein teuerstes Gemälde wurde für 135 Millionen Dollar gekauft! Und was für den großen Künstler des 20. Jahrhunderts am überraschendsten ist – das Bild zeigt eine Frau mit menschlichem Gesicht! Der gesamte verbleibende Platz wird von einem typischen Klecks eingenommen, aber das Gesicht erwies sich als realistisch. Und andere Gemälde von Klimt, auf denen Menschen abgebildet sind, ähneln diesem Bild - dieselben Gesichter unter dem "postimpressionistischen" Klecks.

Die Leute respektieren auch Klimt - Platz 3 unter den besten Künstlern des 20. Jahrhunderts - nur Picasso und Cezanne sind vorn.

Gehen wir weiter ins 20. Jahrhundert. Wie Wendy Beckett in ihrer Geschichte der Malerei schrieb: „Zwei Könige in der Kunst des 20. Jahrhunderts – Henri Matisse und Pablo Picasso.“ Es ist schwer zu sagen, warum genau diese beiden, denn es gab Hunderte solcher Muffs, aber die Wege der Mode sind unergründlich. Pablo belegte übrigens laut einer Leserumfrage der Times den 1. Platz.

Der Spanier Pablo Picasso konnte zeichnen, wollte es aber nicht. Er war weit entfernt vom Niveau Da Vincis (wer es nicht glaubt – siehe sein frühes Gemälde „Junge mit Pfeife“ – nicht schlecht, aber nicht überragend), aber einfach gute Gemälde waren schon im 20. Jahrhundert irrelevant. Daubing wurde immer modischer und Pablo beschloss, auf Geheiß der Wellen zu segeln. Und das hat er super gemacht!

1907 malte er das Gemälde „Die Mädchen von Avignon“ – es wurde das erste Werk im kubistischen Genre. Zuerst war es dem Künstler peinlich, diesen Fleck Fremden zu zeigen, was im Allgemeinen verständlich ist: Fünf absolut schreckliche Kreaturen schauen Sie vom Bild aus an und anderen solchen Unsinn zu zeigen, ist, als würde man öffentlich sagen: Ich bin verrückt! Ich bin ein kompletter Psycho! Aber Pablo wagte es, sein "Meisterwerk" zu enthüllen und nicht erraten. Niemand versteckte ihn in einem Krankenhaus und Picasso verunstaltete weiterhin die Leinwände. Er verwirklichte das Postulat des dialektischen Materialismus: Quantität entwickelt sich zu Qualität. In diesem Fall Reputation. Picasso malte etwa 70 Jahre lang und es ist nicht verwunderlich, dass er zum beliebtesten Muff unserer Zeit wurde.

Sein Porträt von Dora Maar (erworben für 95,2 Millionen Dollar bei einer Auktion im Jahr 2006, Bild oben), Woman Seated in a Garden (49,5 Millionen Dollar im Jahr 1999), Dream (48,4 Millionen Dollar im Jahr 1997), „Nude in a black chair“ (45,1 Millionen Dollar). Dollar im Jahr 1999) - in den "Goldenen Fonds" des Kleckses des 20. Jahrhunderts aufgenommen.

Es gab viele glorreiche Maler im 20. Jahrhundert – viel mehr als große Künstler in der Renaissance, was nicht verwunderlich ist: zu zerbrechen – nicht zu bauen, Leinwände zu verderben – nicht zu malen. Auch unser Vasya Kandinsky und Kasimir Malewitsch wurden auf diesem Gebiet beachtet - obwohl sie herausragend sind, sind sie im weltweiten Vergleich keine großen Muffs. Natürlich haben die Russen ihre eigene besondere Spiritualität, aber im Klecks hat sie sich nicht zu sehr manifestiert. Mitte des 20. Jahrhunderts begannen der Amerikaner Pollack und der Niederländer de Kooning, „abstrakte Expressionisten“, dafür den Ton anzugeben.

Alles in unserer Welt ist relativ, und vor dem Hintergrund von Pollack und seinen Brüdern wirken sogar Monet oder Gauguin wie gute Künstler. Kunstkritiker haben diese höchste Stufe der Beklebung als „abstrakten Expressionismus“ bezeichnet, und ich würde sagen, dass dies eine völlige Wahnsinnsbeklebung ist! Ihre prominentesten Vertreter waren nicht nur die bereits erwähnten Willem de Kooning und Jackson Pollack, sondern auch Mark Rothko, ein Amerikaner russischer Herkunft. Diese drei sind nur der Höhepunkt des Kleckses des 20. Jahrhunderts!

Ein abstrakter Expressionist ist eine Person, die im Prinzip nicht zeichnet. Van Gogh malte mindestens auf dem Niveau eines 5-jährigen Kindes, aber Pollak konnte dieses Niveau nicht einmal erreichen. Um die Geschichte der Malerei von Wendy Beckett zu zitieren: „Pollack war der erste, der den Pinsel, die Palette und alle Konventionen der Handlung aufgab. Er tanzte in Ekstase auf den auf dem Boden ausgebreiteten Leinwänden, völlig eingetaucht in Kreativität, spritzte und goß Farben unter vollständiger Kontrolle. „Die Malerei“, sagte er, „hat ein Eigenleben. Ich versuche, sie zu lassen." Auch hier gibt es nichts zu kommentieren - der Mann war sehr, sehr krank. Das Foto seines Gemäldes bestätigt dies.

Mark Rothko ist ein noch schlechterer Künstler als Pollack. Sie werden sagen, dass das nicht sein kann - schließlich habe ich gerade gesagt, dass Pollak nicht zeichnen kann. Vielleicht! Pollacks Bilder ähneln zumindest chaotischen Tapeten, Rothkos sind nur Leinwände, die mit verschiedenen Farben bemalt sind - zum Beispiel ist die Oberseite schwarz und die Unterseite grau. Oder noch mehr "hervorragende Arbeit" - unten ist Purpur, oben - eine Art Dunkelgelb und in der Mitte - Weiß.

Das Gemälde heißt "White Center" und wurde 2007 bei Sotheby's gekauft. für 72,8 Millionen Dollar. - fast 73 Millionen für eine beschädigte Leinwand! Und das ist übrigens der 12. Platz in der Liste der teuersten Gemälde der Welt! Aber das teuerste Gemälde der Welt heute (2010) gehört Jackson Pollack und heißt "No. 5" - 2006 bei Sotheby's für 140 Millionen Dollar verkauft! Die westliche Welt ist nicht nur voller verrückter Künstler – es gibt eine riesige Anzahl verrückter Millionäre. Das einfache Volk ist übrigens auch im Westen nicht sehr gesund – in einer Umfrage der Zeitung Times belegte Pollack den 7. Platz unter den beliebtesten Künstlern des 20. Jahrhunderts.

Sein, wie man so schön sagt, „ewiger Rivale“ Willem de Kooning belegte in dieser Umfrage den 9. Platz. Ich würde ihn als den lustigsten aller Muffs bezeichnen. Koonings teuerstes Gemälde, Frau Nr. 3 (erworben 2006 für 137,5 Millionen Dollar!), wird jeden gesunden Menschen zum Lachen bringen. Noch lustiger ist Woman with a Bicycle.

Ich glaube, Willem hatte einige Probleme mit Frauen, also hat er sich subtil an ihnen gerächt.

Am Beispiel von Pollack, Kooning und Rothko sehen wir deutlich, wo der Kunstmarkt heute steht. Wäre Chruschtschow am Leben, hätte er gesagt: Voller Arsch!

Also, dank der magischen Kraft von Pu blic Beziehungen die Kleckse mancher Geistesgestörter wurden als herausragende Kunstwerke anerkannt und mit den Leinwänden der großen Renaissance-Künstler gleichgesetzt. Erstmals zeigte sich die Kraft der PR so deutlich gerade in der Promotion von Muffs. Bis ins 19. Jahrhundert PR wirksam nur in der Politik agiert (Geschichte und Religion dienten auch politischen Zielen und können nicht losgelöst von der Politik betrachtet werden). Bei der Ankündigung mittelmäßiger Muffs als genialer Künstler stoßen wir auf ein Phänomen, wenn PR zeichnete sich im Bereich Mode aus. Und es war so wirkungsvoll und nachhaltig, dass wir auch heute noch, mehr als ein Jahrhundert nachdem der Klecks mittelmäßiger Psychopathen in Mode gekommen ist, viele Menschen treffen, die aufrichtig glauben, dass Van Gogh ein großartiger Künstler ist. Noch mehr Millionen wissen, wer Van Gogh ist. Mehrere hundert reiche Müßiggänger, die nicht wissen, was sie mit ihrem Geld anfangen sollen, kaufen modische Kleckse auf Auktionen. Alle anderen hören von einem Multi-Millionen-Dollar-Kauf von Daub, dann noch einem. Nun, sie können keine 30 Millionen Dollar für offene Fäkalien bezahlen, oder? - so argumentiert der Laie. - Sie können, auch wenn sie es können ... Hauptsache, es ist modisch.

Wenn ich mir einige der Gemälde ansehe, die heute versteigert werden, möchte ich weinen. Weinen, denn diese Leinwände sehen aus wie ein Klecks eines Kindes, stehen aber wie eine Villa in Miami. Es ist an der Zeit, die teuersten absurden Meisterwerke zu präsentieren, die die Auktion für Millionen von Dollar verlassen haben.

„Green and White“ von Ellsworth Kelly – 1,6 Millionen Dollar

blogspot

Dies ist nicht nur ein gezackter grüner Kreis auf weißem Hintergrund. Dies ist ein Beispiel für Malerei, bei der das Hauptobjekt die Farbe selbst ist. Diese Kreation wurde 2008 bei Christie's in New York ersteigert.

Tatsächlich finden Sie in den übrigen Gemälden des Künstlers keine komplexen Muster und realistischen Landschaften - nur die einfachsten Figuren auf weißem, schwarzem oder hellem Hintergrund.

Der blaue Narr, Christopher Wool – 5 Millionen Dollar

Das Gemälde wurde 2010 bei Christie's (New York) versteigert. Der moderne amerikanische Künstler Christopher Wool ging weiter als seine Kollegen und begann, neben „Klecksen“ und „Kritzeln“, Inschriften in großen Buchstaben auf Leinwände zu setzen.

Dass eines der teuersten Werke aus dieser Serie eine Leinwand mit der Aufschrift „FOOL“ (Narr) war, ist nicht ohne Ironie.

„Das Raumkonzept. Warten, Lucio Fontana – 12,8 Millionen Dollar

Quelle: Forbes

Die weiße Schlitzleinwand wurde 2015 bei Sotheby's London verkauft. Der Künstler Lucio Fontana ist bekannt für seine „barbarische“ Haltung gegenüber seinen Leinwänden – er schnitt und durchbohrte sie gnadenlos. Aber er tat es so, dass er später dem Betrachter das „verstümmelte“ Bild zeigen konnte.

Für den Meister verkörperten seine Schlitze die Unendlichkeit selbst. „Wenn ich mich vor einen meiner Schlitze setze und anfange, darüber nachzudenken, spüre ich plötzlich, dass mein Geist befreit ist. Ich fühle mich wie ein Mensch, der den Fesseln der Materie entkommen ist und der unendlichen Weite der Gegenwart und der Zukunft angehört“, sagte Fontana.

Gemälde „Taube Stern von Joan Miró 36,9 Millionen Dollar

karenruimy

Eines der teuersten Lose der Sotheby's-Auktion, die 2012 in der britischen Hauptstadt stattfand. Dies ist das erste Gemälde auf unserer Liste, auf das gemalt zu sein scheint. Nur was?

Die Leinwand wurde von dem spanischen Surrealisten Joan Miro geschaffen. Der Maler hungerte einst, weshalb er oft Halluzinationen an den Wänden beobachtete. Der Schöpfer übertrug die Bilder, die er sah, auf die Gemälde. Jetzt werden seine Bilder für Millionen von Dollar verkauft.

Schlafendes Mädchen von Roy Lichtenstein – 44,8 Millionen Dollar

New York Times

Sleeping Girl kam 2012 bei Sotheby's in New York unter den Hammer. Für die Arbeit von Lichtenstein, der einst als "der schlechteste Künstler Amerikas" bezeichnet wurde, geben sie heute sagenhaftes Geld.

Roy Lichtenstein ist dafür bekannt, Gemälde zu schaffen, die auf Comics basieren: Der Künstler hat einfach die Arbeit anderer Leute genommen und neu gezeichnet und etwas Eigenes hinzugefügt. Dafür musste er die Angriffe der Kritik über sich ergehen lassen, was ihn aber auch berühmt machte. Gemälde aus Liechtenstein tauchen immer wieder in den Listen der teuersten Gemälde auf.

Ohne Titel, Cy Twombly – 69,6 Millionen Dollar

Gazeta

Das Gemälde wurde 2014 bei der New Yorker Auktion des Auktionshauses Christie's versteigert. Wenn ein Kind das zeichnet, ist es ein Gekritzel. Aber wenn ein gehypter Künstler es tut, ist es ein Meisterwerk, für das es sich lohnt, verrücktes Geld zu bezahlen. Andere Werke von Twombly sind alle die gleichen Kritzeleien und genauso unverschämt teuer.

„Black Fire“ von Barnett Newman – 84,2 Millionen Dollar

Bloomberg

Dieses Meisterwerk wurde 2014 bei Christie's in New York verkauft. Signatur Barnett Newman - vertikale Linien, die den Spitznamen "Blitz" tragen.

Andere Gemälde des Meisters unterscheiden sich von dem oben vorgestellten, außer vielleicht in der Farbe, aber in der Breite dieser Blitze. Die Preise für die Gemälde des Künstlers steigen von Auktion zu Auktion.

„Orange, Rot, Gelb“ von Marco Rothko – 86,9 Millionen Dollar

Oder nur eine objektive Bestätigung, dass die Originale dieser "Meisterwerke" in Wirklichkeit nur ein publizierter Klecks sind, der sich einfach kopieren lässt?

Die Schließung des Center for Visual Culture an der Mohyla Academy führte nicht nur zu einer scharfen Kontroverse in der Gesellschaft. Aber es hat mich auch zum Nachdenken gebracht, was alles, was unter dem Deckmantel von Kunstwerken angeboten wird, wirklich ist.

Skandal in den Künstlerkreisen der USA! Dutzende Gemälde, die als neu gefundene Meisterwerke der abstrakten Malerei galten, entpuppten sich als Fälschungen. Was ist das - ein fataler Fehler von Experten oder ein unglaubliches Talent von Betrügern? Oder nur eine objektive Bestätigung, dass die Originale dieser "Meisterwerke" in Wirklichkeit nur ein publizierter Klecks sind, der sich einfach kopieren lässt?

Vor fast 17 Jahren betrat eine wenig bekannte Kunsthändlerin aus Long Island (New York), Glafira Rosales, die luxuriösen Räumlichkeiten der Galerie von Knoedler & Company mit einem Gemälde, das ihrer Meinung nach vom Künstler Mark Rothko (einem führenden Vertreter) gemalt wurde der künstlerischen Leitung). .n abstrakter Expressionismus - ca.).

Sie zeigte Ann Friedman, der neuen Präsidentin von New Yorks ältester Kunstgalerie, Knoedler, eine kleine Tafel mit zwei dunklen Wolken auf einem blassen Pfirsichhintergrund.

„Diese Arbeit hat mich sofort auf den ersten Blick interessiert“, erinnerte sich Frau Friedman später. Sie war so leidenschaftlich, dass sie den Job schließlich für sich selbst erwarb.

In den nächsten zehn Jahren besuchte Mrs. Rosales häufig das Herrenhaus der Knoedler Gallery mit seiner üppig verzierten Decke und trug Werke bekannter modernistischer Künstler wie Jackson Pollock, Willem de Kooning und Robert Motherwell.

Alle von ihnen erschienen zuerst auf dem Markt. Alle, sagte sie, gehörten einem Sammler, den Ms. Rosales nicht nennen wollte.

Die Gemälde wurden sowohl von der Knoedler Gallery als auch von Ann Friedman begeistert aufgenommen: Mindestens zwanzig Werke wurden weiterverkauft, von denen eines für 17 Millionen Dollar verkauft wurde.

Heute bezeichnen eine Reihe von Experten diese Werke als Fälschung. Einer wurde durch einen Gerichtsbeschluss offiziell als „Fälschung“ abgestempelt, während andere vom FBI untersucht werden. Die Galerie Knoedler hat nach 165 Jahren im Geschäft ihre Pforten geschlossen und verklagt einen Kunden, der eines von Rosales' Gemälden gekauft hat (die Galerie sagt, die Schließung sei eine geschäftliche Entscheidung im Zusammenhang mit der Klage gewesen). Frau Friedman, die immer noch behauptet, dass die Gemälde echt sind, tritt auch in diesem Gerichtsverfahren auf.

Es gab in den letzten Jahren nur wenige Ereignisse, die den Kunstmarkt so erschüttert haben wie diese mysteriöse Geschichte, wie ein obskurer Kunsthändler eine erstaunliche Menge obskurer Gemäldeschätze entdecken konnte, die von den Titanen des abstrakten Expressionismus geschaffen wurden. Jede der möglichen Erklärungen trägt die Bürde der Unplausibilität.

Wenn die Gemälde echt sind, warum enthält dann die Farbe einiger von ihnen Pigmente, die zum Zeitpunkt ihrer Entstehung noch nicht erfunden waren?

Wenn sie gefälscht sind, wer sind dann diese übernatürlich talentierten Fälscher, die die Experten in die Irre führen konnten?

Und wenn die Gemälde echt, aber gestohlen sind, warum haben sich ihre Besitzer nicht gemeldet, nachdem die Geschichte veröffentlicht wurde?

Leider weigert sich die einzige Person, die dieses Rätsel lösen könnte, Frau Rosales, zumindest öffentlich zu sprechen. Allerdings wurden einige Details aus Gerichtsdokumenten und Interviews mit anderen Beteiligten in diesem Fall "durchgesickert". Und sie reichen aus, um zu beschreiben, was passiert ist.

Dame Rosales, 55, eine charismatische und gebildete Frau mexikanischer Herkunft, und ihr Ehemann Jose Carlos Bergantinos Diaz, ursprünglich aus Spanien, führten einst eine kleine Galerie, King Fine Arts, in Manhattan an der West 19th Street. Das Paar, das Konten bei den Top-Auktionen Sotheby's und Christie's hatte, sagte vor Gericht aus, dass es Gemälde von berühmten Künstlern besaß oder verkaufte, darunter Andy Warhol, den Herr Bergantinos als Freund bezeichnete.

Aufgrund dieser Daten erscheint es seltsam, dass Frau Rosales Vermittler wie die Galerie Knoedler kontaktiert hat, deren Aufträge in ihren eigenen Aufträgen „ein Stück abbeißen“. Ein Teil der Antwort darauf könnte in der Distanz zwischen Rosales und Friedmans Status in der Kunstwelt liegen.

Frau Friedman war groß, sehr dünn und sehr selbstbewusst und leitete eine der angesehensten Galerien in den Vereinigten Staaten. Sie traf sich beim Frühstück mit High-End-Sammlern, Käufern, die ohne mit der Wimper zu zucken mehrere Millionen für ein Gemälde auslegten. Sie und ihr Mann, der Immobilienkaufmann Robert Friedman, waren selbst Sammler.

Die beiden Frauen wurden von Galeriemitarbeiter Jaime Andrade vorgestellt, der Frau Rosales auf einer Cocktailparty begegnete. Laut Ann Friedman habe Rosales ihr zunächst nur gesagt, dass sie die Interessen ihrer Freundin vertrete, die Immobilien in Mexiko-Stadt und Zürich besitzt und deren Namen sie geheim zu halten verpflichtet sei. Dies überraschte niemanden, erklärte Friedman, private Sammler ziehen es oft vor, anonym zu bleiben. Im Laufe der Zeit tauchten jedoch weitere Details über den Eigentümer auf. Rosales erzählte ihr, dass sie das Gemälde von ihrem Vater geerbt habe, der die Gemälde mit Hilfe von David Herbert, einem 1995 verstorbenen New Yorker Händler, gesammelt habe.

Herbert plante angeblich, auf der Grundlage dieser Werke eine neue Galerie zu gründen, die vom Besitzer der Sammlung finanziert werden sollte. Doch die beiden Gründer flohen, und am Ende landeten die Gemälde im Keller des Sammlers, wo sie bis zu seinem Tod aufbewahrt wurden.

Ms. Rosales besitzt ein Porträt von Herbert von Ellsworth Kelly, das kürzlich Teil einer Ausstellung im Brooklyn Museum war. Was sie nicht hat, sind Eigentumsnachweise für die mehr als zwei Dutzend modernistischen Gemälde, die sie auf den Markt gebracht hat.

Der Verkauf von Werken eines bekannten Künstlers ohne Provenienznachweis ist eine seltene Situation. Beim Umgang mit undokumentierten Gemälden, die theoretisch, wie ein Anwalt sagte, „in Ms. Rosales' Garage“ hätten gemalt werden können, konzentrierte sich Ann Friedman auf das, was wirklich zählte – Qualität, Werke als solche.

Und sie waren außergewöhnlich“, sagte Friedman. Sie lud mehrere Experten ein, ihre eigenen Eindrücke von Gemälden von Rothko, Pollock, Barnett Newman, Clifford Stills und anderen zu überprüfen – Leinwände, die vom Händler Rosales zur Verfügung gestellt wurden. Claude Cernuchi, der Autor des Buches über Pollock, hat das kleine Gemälde „Untitled, 1950“ signiert „J. Pollock. Die National Gallery of Art, die eine beeindruckende Sammlung von Rothkos Arbeiten auf Papier besitzt, sagte, zwei von Rothkos Gemälden seien echt.

Vor dem Jahr 2000 hatte Mrs. Friedman selbst drei von Rosales Angeboten gekauft: Rothko von ihrem ersten Treffen, Untitled 1959 für 200.000 Dollar, Pollock für 300.000 Dollar und Motherwell für 20.000 Dollar. „Wenn Ann Friedman irgendwelche Zweifel an diesen Werken gehabt hätte, hätten sie und ihr Mann nicht Hunderttausende von Dollar in sie investiert“, sagte ihr Anwalt bei dieser Gelegenheit.

Die Wolken zogen sich 2003 zusammen, als ein leitender Angestellter der Investmentbank Goldman Sachs ein (angebliches) Pollock-Gemälde mit dem Titel Untitled 1949, das er von der Knoedler Gallery gekauft hatte, authentifizieren wollte. Er schenkte Cortin der International Foundation for Artistic Research, einer unabhängigen gemeinnützigen Organisation. Und nach der Analyse weigerte sich die anonyme Kommission, die Echtheit des Gemäldes zu bestätigen, und stellte Stil und Herkunft in Frage.

Der Käufer verlangte eine Rückerstattung. Mrs. Friedman gab ihm umgehend zwei Millionen Dollar und kaufte die weiß, schwarz und rot gebeizte Leinwand selbst in Partnerschaft mit der Galerie und ihrem kanadischen Theaterkollegen David Mirvish. Herr Mirvish, selbst ein ehemaliger Kunsthändler, sagte, er kümmere sich nicht um anonyme Bewertungen (er und Knoedler investierten auch in zwei andere Werke von Pollock, die von Rosales zur Verfügung gestellt wurden).

Schätzungen wurden aber auch aus anderen Quellen eingeholt. 2006 holte Mirvis den Künstler Frank Stella in die Galerie, der ein Zeitgenosse der Abstrakten Expressionisten war. Nachdem sie mehrere Leinwände von Rosales untersucht hatte, sagte Stella: „Jeder von ihnen ist zu gut, um echt zu sein, aber wenn man sie in einem allgemeinen Kontext, als Gruppe, sieht, versteht man, dass sie echt sind“ – zumindest ist es so geht es darum Das Gespräch wurde vor Gericht von Ann Friedman bezeugt.

Am eindrucksvollsten ist, dass die Rosales-Gemälde auf dem Markt bestätigt wurden. Frau Friedman bestätigte, dass sie insgesamt 15 oder 16 Werke über die Knoedler Gallery verkauft hat, die sich auf insgesamt zwischen 27 und 37 Millionen US-Dollar belaufen.

Das teuerste Gemälde war "Untitled 1950", angeblich von Pollock, das 2007 über einen Vermittler von einem Londoner Hedgefonds-Direktor namens Pierre Lagrange gekauft wurde. Die Galerie hatte zusammen mit Mr. Mirvish ein paar Jahre zuvor ein Gemälde mit einem Durcheinander aus schwarzen, roten und weißen Linien auf einem hellen silbernen Hintergrund für 2 Millionen Dollar gekauft. Lagrange zahlte 17 Millionen.

Das ist der echte Pollock. Und sobald die Experten nicht sofort bemerkt haben, wie sehr diese auf die Leinwand geschmierten Linien den auf der gefälschten Leinwand geschmierten Linien überlegen sind?

Wenige Tage nach dem Deal mit Lagrange lud Mrs. Friedman mehrere Mitarbeiter der gemeinnützigen Daedalus Foundation, die Robert Motherwell zum Schutz des künstlerischen Erbes der Moderne gegründet hatte, in die Galerie Knoedler ein. Sie wollte, dass sie ihr letztes Motherwell sehen.

Es war das siebte Gemälde, das die Kunsthändlerin Rosales innerhalb von acht Jahren an Friedman oder einen anderen New Yorker Händler, Julian Weisman, verkauft hatte. Das Gemälde mit großen schwarzen Strichen und Flecken, die über die Leinwand verstreut sind, scheint zu Motherwells angesehener Serie gehört zu haben, die als Spanische Elegien bekannt ist. Mitarbeiter der Stiftung haben bereits mehrere dieser neuen „Elegien“ gesehen und als echt erkannt.

Doch wenige Wochen nach dem Besuch der Galerie Knoedler begannen einige ihrer Mitglieder während einer Sitzung des Stiftungsrates, die Echtheit der Signaturen und den Stil der neu entdeckten „Elegien“ in Frage zu stellen. Der Präsident der Stiftung, Jack Flam, sagte, er habe bald erfahren, dass andere Werke „aus Rosales“, die Pollock und Richard Diebenkorn zugeschrieben werden, mit Skepsis aufgenommen wurden.

Nicht alle in der Stiftung entschieden, dass sie Alarm schlagen müssten. Joan Banach, Motherwells persönliche Assistentin und erfahrene Mitarbeiterin der Stiftung, sagte, Flam habe uneingeschränkte Behauptungen über die Echtheit der Gemälde gemacht und damit gegen die Bewertungsverfahren der Stiftung verstoßen. Daraufhin verklagte sie die Stiftung mit der Behauptung, sie sei wegen Kritik an Herrn Flem entlassen worden (die Stiftung bestreitet dies).

„Wahrscheinlich“, so bewertete Frau Banach in den Gerichtsakten die Echtheit der Motherwell-Gemälde, die die Galerie Knoedler über Rosales erworben hatte.

Aber der Vorsitzende der Stiftung, Jack Flam, war entschlossen zu beweisen, dass diese Gemälde gefälscht waren. Er stellte einen Privatdetektiv ein, um die Aktivitäten von Rosales und ihrem Ehemann zu untersuchen, und bestand auf einer Reihe forensischer Untersuchungen.

An einem kühlen Januarabend im Jahr 2009 trafen sich Flem und Friedman, um die Ergebnisse zu besprechen. Sie setzten sich in den falschen Saal, wo zwei „Elegien“ hingen, von denen eine Mrs. Friedman gehörte. Der Forensiker kam zu dem Schluss, dass beide Pigmente enthielten, die zehn Jahre nach 1953 und 1955 erfunden wurden – die auf den Leinwänden angegebenen Daten.

Ann Friedman widersprach diesen Ergebnissen. Künstler erhielten oft neue Pigmente zum Experimentieren, noch bevor sie patentiert und auf den Markt gebracht wurden. Doch die Dädalus-Stiftung behauptete sich: Der Kunsthändler Rosales wurde später in Gerichtsdokumenten als „die Schlüsselperson, die eine Serie von sieben gefälschten ‚spanischen Elegien‘ auf den Markt brachte“ bestätigt.

Der Streit um Motherwells Gemälde erreichte bald das FBI, das eine Untersuchung einleitete. Der Anwalt von Rosales räumte ein, dass gegen seine Mandantin ermittelt werde, und fügte hinzu, dass sie „nie wissentlich Gemälde verkauft habe, weil sie wusste, dass sie gefälscht waren“.

Ann Friedman erhielt im September 2009 einen Haftbefehl des FBI, obwohl ihr Anwalt sagt, dass das FBI sie nicht als Gegenstand einer Untersuchung betrachtet. Sie zog sich im folgenden Monat aus der Galerie zurück. Sowohl Friedman als auch die Galerie behaupten, dass die Untersuchung nichts mit ihrer Entlassung zu tun hatte, die darauf zurückzuführen war, dass Friedman nicht bereit war, die Galerie Knoedler mit einer anderen Galerie zusammenzulegen.

Allerdings war es viel schwieriger, sich von den Problemen mit Rosales' Gemälden zu lösen. Eine der „Elegien“ wurde im vergangenen Jahr zur Grundlage eines Rechtsstreits einer irischen Galerie, die dieses Gemälde kaufte und nach einem Skandal die Rückgabe von 650.000 Dollar dafür forderte.

Die Daedalus-Stiftung war in diesen Prozess verwickelt, weil er es war, der nach forensischer Überprüfung alle über Rosales erhaltenen "Elegien" für gefälscht erklärte. Einschließlich derer, die er zuvor informell als echt anerkannt hatte – und darunter war das Gemälde, das an die Iren verkauft wurde.

Die Klage wurde im Oktober abgeschlossen. Rosales erklärte sich bereit, den größten Teil der Kosten und Anwaltskosten des Gemäldes zu übernehmen, und das Gemälde selbst wurde auf Wunsch der Daedalus Foundation auf der Rückseite mit einem "Fake" -Tintenstempel versehen, der nicht entfernt werden konnte. Dädalus erklärte einmal, das Gemälde sei echt, und ein anderes Mal, dass es gefälscht sei. Trotzdem behauptet die andere Seite durch ihre Anwälte immer noch, dass das Gemälde echt ist.

Wenige Wochen später wurde ein weiteres Bild zum Streitgrund. Pierre Lagrange ließ sich von seiner Frau scheiden und sie wollten Untitled 1950 verkaufen. Aber die Auktionen Sotheby's und Christie's weigerten sich, sich mit diesem Gemälde zu befassen, da seine Herkunft zweifelhaft war und es im vollständigen Katalog von Pollocks Werken fehlt. Lagrange forderte die Galerie Knoedler auf, das Gemälde zurückzunehmen, und ordnete seine eigene forensische Untersuchung der Leinwand an.

Am 29. November trafen die Ergebnisse der Analyse ein: Die beiden im Gemälde verwendeten gelben Pigmente wurden erst nach Pollocks Tod 1956 erfunden. Das Fazit wurde an die Galerie Knoedler geschickt. Am nächsten Tag gab sie ihre Schließung bekannt.

Im Dezember trafen sich Rosales und Friedman erneut – aber dieses Mal fand das Treffen im Bundesbezirksgericht von Manhattan statt, wo sie auf die Klage von Mr. Lagrange vorgeladen wurden. Er wollte seine 17 Millionen zurück.

Dieses Gemälde von Motherwell trägt nun dauerhaft den Stempel „Fälschung“ auf der Rückseite. Gleichzeitig bestätigte derselbe Kunstfonds, der zuvor auf dem Erscheinen dieser Marke bestand, die Echtheit des Gemäldes. Foto: Robert Caplin für die New York Times

Die beiden Frauen begrüßten sich kurz, worauf Rosales sich dem fünften Zusatzartikel der US-Verfassung zuwandte, der einem Bürger das Recht gibt, sich nicht selbst zu belasten. Seitdem haben sie laut ihren Anwälten nicht kommuniziert.

Ob ein Gericht oder eine kriminalpolizeiliche Untersuchung eine überzeugende Antwort auf das Mysterium dieser Werke geben kann, ist derzeit noch nicht absehbar.

Die Echtheit ist schwer zu bestätigen. Die Pigmentdatierung gilt allgemein als zuverlässige Methode, ist aber nicht unbedingt das entscheidende Argument. Zum Beispiel hat Mark Golden, CEO von Golden Artist Colors, dessen Vater Sam experimentelle Farben für Künstler wie Pollock geschaffen hat, seine Überzeugung zum Ausdruck gebracht, dass sein Vater nie die Gelbtöne in dem zweifelhaften Gemälde gemacht hat. Er stellte jedoch fest, dass einzelne Bestandteile dieser Pigmente in den späten 1940er Jahren existierten.

In Strafsachen liegt die Messlatte noch höher. Die Staatsanwaltschaft muss beweisen, dass die Werke von Rosales gefälscht sind – und darüber sind sich selbst Experten nicht einig. Und wenn sie gefälscht sind, müssen die Behörden beweisen, dass Frau Rosales in Betrug verwickelt war und nicht auf die gleiche Weise in die Irre geführt wurde.

Inzwischen nimmt das Gemälde „Untitled 1950“, das Epizentrum des Zivilprozesses, nicht mehr den Ehrenplatz an der Wand in Mr. Lagrange’s Wohnzimmer ein. Das 15" mal 28" große Board ist in der Kunstwelt zu einem Waisenkind geworden und befindet sich in einer Art Kunsthölle. Und er wartet darauf, dass sie entweder als Meisterwerk in den Himmel gehoben oder als Fälschung diffamiert wird.

Patricia Cohen, Die New York Times

Übersetzung aus dem Original ins Ukrainische:TEXTE , ursprünglich"Geeignet für Suing" Von PATRICIA COHEN Veröffentlicht: 22. Februar 2012

Heutzutage gibt es viele seltsame Leute, die zig Millionen Dollar für etwas geben, das einem gewöhnlichen Menschen wie mir als reines Gekritzel erscheint). Auf jeden Fall schlage ich vor, mich mit den derzeit zehn teuersten Gemälden der Welt vertraut zu machen!

Jemand wird sie mögen, jemand wird solche Kunst nicht verstehen, aber die Tatsache, dass es Menschen gab, die bereit waren, viel Geld für sie zu geben, ist eine unbestreitbare Tatsache.

Also Platz 10 auf der Liste die teuersten Gemälde Wir haben Gustav Klimts Zweites Porträt von Adele Bloch-Bauer, das für 89,1 Millionen Dollar verkauft wurde. Ein bisschen Geschichte. 1912 malte der österreichische Künstler Gustav Klimt ein Porträt von Adele Bloch-Bauer II – der Frau von Ferdinand Bloch-Bauer, einem wohlhabenden Industriellen dieser Zeit, der verschiedene Arten von Kunst förderte, darunter Gustav Klimt selbst) Adele Bloch-Bauer war die einziges Modell, das Klimt zweimal gemalt hat - sie erscheint auch in The First Portrait of Adele Bloch-Bauer. Anscheinend hat Ferdinand den Künstler gut gesponsert;)

9. Platz - ein Selbstporträt von Vincent van Gogh, für das bei der Auktion 90,1 Millionen Dollar bezahlt wurden. Im Allgemeinen malte der Däne Van Gogh gerne Selbstporträts - und alle zusammen mit den berühmten "Sonnenblumen". sind beliebt und sind seine berühmtesten Gemälde. Insgesamt malte er von 1886 bis 1889 mehr als 12 Selbstporträts.

Auf dem 8. Platz - das Gemälde "Dora Maar mit einem Kätzchen" von Pablo Picasso, dessen Preis 97 Millionen Dollar betrug. Das 1941 gemalte Gemälde zeigt Picassos kroatische Geliebte Dora Maar auf einem Stuhl sitzend mit einem Kätzchen auf der Schulter (obwohl es eher so aussieht, als würde das Kätzchen immer noch auf der Stuhllehne laufen). Als ich dieses Bild sah, wurde mir plötzlich klar, dass Picassos Kätzchen am besten herauskamen))

Den 7. Platz belegt wieder ein Gemälde von Van Gogh, nur diesmal kein Selbstportrait) 97,5 Millionen Dollar musste der Käufer für das Gemälde „Iris“ zahlen, aber es sieht zumindest mehr oder weniger wie ein Gemälde aus – I würde nicht einmal 10 Dollar dafür bereuen! Dies ist eines der ersten Werke von Van Gogh, geschrieben von ihm während seines Aufenthalts im Krankenhaus von St. Paul de Mousol in der französischen Provinz Sanremo ein Jahr vor seinem Tod 1890

In der 6. Zeile - wieder Picasso) Es scheint, dass sie sich entschieden haben, mit Van Gogh zu "messen" =) Auf jeden Fall für das Gemälde von Pablo Picasso "Junge mit Pfeife" aus der persönlichen Sammlung von John Hay Whitney bei Sotheby's gehalten in New York am 5. Mai 2004, gab 104,1 Millionen US-Dollar zu einem Startpreis von 70 Millionen US-Dollar. Viele Kunsthistoriker glauben jedoch, dass ein solch himmelhoher Preis eher mit dem großen Namen des Künstlers als mit dem tatsächlichen historischen Wert seines Gemäldes verbunden war.

Platz 5 sozusagen, der Äquator der Liste die teuersten Gemälde, wird von Pierre-August Renoir mit dem Gemälde „Ball auf Montmartre“ besetzt. Zum Zeitpunkt des Verkaufs war dieses Gemälde zusammen mit Van Goghs „Porträt des Dr. Gachet“ das teuerste jemals verkaufte Gemälde – und beide gehörten dem japanischen Industriellen Saito. Eine interessante Geschichte ist mit ihm verbunden - Tatsache ist, dass Saito nach seinem Tod (und es geschah 1991) diese beiden Gemälde mit ihm vermachte, was eine Welle der Empörung auf der ganzen Welt auslöste. Seine Weggefährten entschieden sich jedoch anders und verkauften Renoir angesichts der drohenden Insolvenz bei Sotheby's für 122,8 Millionen Dollar – der Käufer wollte anonym bleiben, aber man geht davon aus, dass sich das Gemälde inzwischen in der Schweiz befindet.

Auf dem 4. Platz - wieder Van Gogh, mit dem bereits erwähnten „Portrait of Doctor Gachet“. Tatsächlich gibt es zwei Versionen dieses Gemäldes, beide gemalt im Jahr 1890, in den letzten Lebensmonaten des Künstlers – und in beiden sitzt der Arzt am Tisch und stützt seinen Kopf auf seine rechte Hand, aber der Unterschied zwischen ihnen kann sein auch mit bloßem Auge zu sehen. Dieses Gemälde wurde für 129,7 Millionen Dollar verkauft.

Das Gemälde, das auf der „bronzenen“, dritten Stufe unserer Liste ganz am Anfang steht, haben wir bereits erwähnt – das ist das „Erste Porträt der Adele Bloch-Bauer“ von Gustav Klimt. Wie Sie sehen können, ist dieses Porträt besser und teurer geworden.) Es wurde 1907 gemalt und nach Informationen aus spezialisierten Quellen 2006 an den Eigentümer der New Yorker Galerie Neue Galerie Ronald Lauder für 135 Millionen US-Dollar verkauft, was machte das Gemälde zum teuersten aller Zeiten oder verkaufte es damals

An zweiter Stelle steht ein für mich völlig unverständlicher Klecks namens „Woman 3“ des abstrakten Expressionisten Willem de Kooning, obwohl man, wenn man sich den Künstler selbst und seine anderen Gemälde anschaut, im Grunde sagen kann, dass dies die Krönung von ihm ist Werk))) „Frau 3“ ist eines von sechs Gemälden des Künstlers, in denen überraschenderweise eine Frau das zentrale Thema ist) Die 170 mal 121 cm große Leinwand wurde 1953 gemalt und im November 2006 von David Geffen an verkauft Milliardär Stephen Cohen für 137,5 Millionen Dollar und ist damit das zweitteuerste Gemälde der Welt, das jemals verkauft wurde.

Also zuerst auf der Liste „Die teuersten Gemälde der Welt“ im Moment ist „No. 5, 1948“, geschrieben von Jackson Pollock, einem amerikanischen Künstler, der einen bedeutenden Beitrag zur Bewegung des abstrakten Expressionismus geleistet hat. Das Gemälde wurde auf eine 2,5 x 1,2 Meter große Faserplatte gemalt, indem eine kleine Menge brauner und gelber Spritzer darauf aufgetragen wurden, wodurch das Gemälde wie ein riesiges Nest wirkte. Dieses Pollock-Meisterwerk wurde für eine Rekordsumme von 142,7 Millionen Dollar verkauft.

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