RomantikKünstler der romantischen Schule. Was ist Romantik? Das Zeitalter der Romantik

1.1 Hauptmerkmale der Romantik

Romantik - (Französisch Romantisme, aus dem mittelalterlichen Französisch Romant - Roman) - eine Kunstrichtung, die sich um die Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert innerhalb der allgemeinen literarischen Bewegung herausgebildet hat. in Deutschland. Es ist in allen Ländern Europas und Amerikas weit verbreitet. Der höchste Höhepunkt der Romantik fällt auf das erste Viertel des 19. Jahrhunderts.

Das französische Wort romantisme geht auf die spanische Romanze (im Mittelalter hießen die spanischen Romanzen so und dann die Ritterromanze) zurück, die englische Romantik, die sich bis ins 18. Jahrhundert entwickelte. in romantique und bedeutet dann "seltsam", "fantastisch", "malerisch". Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. die Romantik wird zur Bezeichnung einer neuen Richtung gegenüber dem Klassizismus.

In die Antithese "Klassizismus" - "Romantik" eintretend, ging die Richtung von der Opposition des klassizistischen Regelanspruchs zur romantischen Regelfreiheit aus. Das Zentrum des künstlerischen Systems der Romantik ist das Individuum, und sein Hauptkonflikt besteht zwischen Individuum und Gesellschaft. Die entscheidende Voraussetzung für die Entwicklung der Romantik waren die Ereignisse der Französischen Revolution. Die Entstehung der Romantik ist mit der Anti-Aufklärungsbewegung verbunden, deren Ursachen in der Enttäuschung über die Zivilisation, über den gesellschaftlichen, industriellen, politischen und wissenschaftlichen Fortschritt liegen, die zu neuen Kontrasten und Widersprüchen, Nivellierung und geistiger Verwüstung des Individuums führte.

Die Aufklärung predigte die neue Gesellschaft als die „natürlichste“ und „vernünftigste“. Die besten Köpfe Europas begründeten und prognostizierten diese Gesellschaft der Zukunft, aber die Realität entpuppte sich als außerhalb der Kontrolle der "Vernunft", der Zukunft - unvorhersehbar, irrational, und die moderne Gesellschaftsordnung begann, die Natur des Menschen und seine zu bedrohen persönliche Freiheit. Die Ablehnung dieser Gesellschaft, der Protest gegen Spiritualitätslosigkeit und Egoismus schlägt sich bereits in Sentimentalität und Vorromantik nieder. Die Romantik drückt diese Ablehnung am schärfsten aus. Auch auf verbaler Ebene stellte sich die Romantik gegen die Aufklärung: Die nach Natürlichkeit, "Einfachheit", allen Lesern zugängliche Sprache der romantischen Werke war das Gegenteil der Klassik mit ihren edlen, "erhabenen" Themen, typisch z. für die klassische Tragödie.

Bei den späteren westeuropäischen Romantikern nimmt der Gesellschaftspessimismus kosmische Ausmaße an, wird zur »Jahrhundertkrankheit«. Die Helden vieler romantischer Werke zeichnen sich durch Stimmungen der Hoffnungslosigkeit und Verzweiflung aus, die einen universellen Charakter annehmen. Die Perfektion ist für immer verloren, die Welt wird vom Bösen regiert, das uralte Chaos lebt wieder auf. Das für alle romantische Literatur charakteristische Thema der "schrecklichen Welt" wurde am deutlichsten im sogenannten "schwarzen Genre" (im vorromantischen "Gothic Novel" - A. Radcliffe, C. Maturin, im " drama of rock" oder "tragedy of rock", - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), sowie in den Werken von Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe und N. Hawthorne.

Gleichzeitig stützt sich die Romantik auf Ideen, die die „schreckliche Welt“ herausfordern – vor allem die Ideen der Freiheit. Die Enttäuschung der Romantik ist eine Enttäuschung in der Realität, aber Fortschritt und Zivilisation sind nur eine Seite davon. Die Ablehnung dieser Seite, der Mangel an Glauben an die Möglichkeiten der Zivilisation bieten einen anderen Weg, den Weg zum Idealen, zum Ewigen, zum Absoluten. Dieser Weg muss alle Widersprüche auflösen, das Leben komplett verändern. Dies ist der Weg zur Vollkommenheit, „zum Ziel, dessen Erklärung jenseits des Sichtbaren gesucht werden muss“ (A. De Vigny). Für einige Romantiker beherrschen unverständliche und mysteriöse Kräfte die Welt, denen gehorcht werden muss und nicht versuchen, das Schicksal zu ändern (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Für andere provozierte das „globale Übel“ Protest, forderte Rache, Kampf (früher A. S. Puschkin). Gemeinsam war ihnen allen, dass sie im Menschen eine Einheit sahen, deren Aufgabe sich keineswegs auf die Lösung gewöhnlicher Probleme beschränkte. Im Gegenteil, ohne den Alltag zu leugnen, versuchten die Romantiker, das Geheimnis der menschlichen Existenz zu lüften, indem sie sich der Natur zuwandten und ihren religiösen und poetischen Gefühlen vertrauten.

Ein romantischer Held ist eine komplexe, leidenschaftliche Person, deren innere Welt ungewöhnlich tief und endlos ist; es ist ein ganzes Universum voller Widersprüche. Romantiker interessierten sich für alle Leidenschaften, hohe und niedrige, die einander entgegengesetzt waren. Hohe Leidenschaft - Liebe in all ihren Erscheinungsformen, niedrige - Gier, Ehrgeiz, Neid. Die niedere materielle Praxis der Romantik stand im Gegensatz zum Leben des Geistes, insbesondere Religion, Kunst und Philosophie. Das Interesse an starken und lebhaften Gefühlen, alles verzehrenden Leidenschaften, an den geheimen Bewegungen der Seele sind charakteristische Merkmale der Romantik.

Sie können über Romantik als eine besondere Art von Persönlichkeit sprechen - eine Person mit starken Leidenschaften und hohen Ambitionen, die mit der Alltagswelt nicht vereinbar ist. Außergewöhnliche Umstände begleiten diese Natur. Fantasy, Volksmusik, Poesie, Legenden werden für Romantiker attraktiv - alles, was anderthalb Jahrhunderte lang als untergeordnete Genres galt, die keine Aufmerksamkeit verdienen. Die Romantik ist geprägt von der Behauptung der Freiheit, der Souveränität des Individuums, der gesteigerten Aufmerksamkeit für das Individuum, dem Einzigartigen im Menschen, dem Kult des Individuums. Das Vertrauen in den Selbstwert eines Menschen wird zum Protest gegen das Schicksal der Geschichte. Oft wird der Held eines romantischen Werks zu einem Künstler, der die Realität kreativ wahrnehmen kann. Der klassischen „Nachahmung der Natur“ steht die gestalterische Energie des Künstlers gegenüber, der die Wirklichkeit transformiert. Es erschafft eine eigene, besondere Welt, schöner und realer als die empirisch wahrgenommene Realität. Kreativität ist der Sinn des Daseins, sie repräsentiert den höchsten Wert des Universums. Romantiker verteidigten leidenschaftlich die kreative Freiheit des Künstlers, seine Vorstellungskraft, und glaubten, dass das Genie des Künstlers den Regeln nicht gehorcht, sondern sie erschafft.

Romantiker wandten sich verschiedenen historischen Epochen zu, sie wurden von ihrer Originalität angezogen, angezogen von exotischen und mysteriösen Ländern und Umständen. Das Interesse an der Geschichte wurde zu einer der dauerhaften Eroberungen des künstlerischen Systems der Romantik. Er äußerte sich in der Schaffung des Genres des historischen Romans, dessen Begründer W. Scott ist, und des Romans im Allgemeinen, der in der betrachteten Epoche eine führende Position einnahm. Romantiker geben historische Details, den Hintergrund, die Farbe einer bestimmten Epoche genau und genau wieder, aber romantische Charaktere werden außerhalb der Geschichte gegeben, sie stehen in der Regel über den Umständen und hängen nicht von ihnen ab. Gleichzeitig sahen Romantiker den Roman als Mittel zum Verständnis der Geschichte und drangen aus der Geschichte in die Geheimnisse der Psychologie und dementsprechend der Moderne ein. Das Interesse an Geschichte spiegelte sich auch in den Werken von Historikern der französischen romantischen Schule wider (O. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).

In der Ära der Romantik findet die Entdeckung der Kultur des Mittelalters statt, und die für die vergangene Ära charakteristische Bewunderung für die Antike lässt auch am Ende des XVIII - Anfangs nicht nach. 19. Jahrhundert Die Vielfalt nationaler, historischer, individueller Merkmale hatte auch eine philosophische Bedeutung: Der Reichtum eines einzigen Weltganzen besteht aus der Gesamtheit dieser individuellen Merkmale, und das Studium der Geschichte jedes einzelnen Volkes ermöglicht es, in den Worten nachzuzeichnen von Burke, ununterbrochenes Leben durch neue Generationen, die aufeinander folgen.

Die Ära der Romantik war geprägt von der Blüte der Literatur, die sich unter anderem durch die Leidenschaft für soziale und politische Probleme auszeichnete. Bei dem Versuch, die Rolle des Menschen in fortlaufenden historischen Ereignissen zu verstehen, tendierten romantische Schriftsteller zu Genauigkeit, Konkretheit und Zuverlässigkeit. Dabei spielt sich die Wirkung ihrer Werke oft in einem für Europäer ungewohnten Umfeld ab – etwa im Osten und in Amerika, oder für Russen im Kaukasus oder auf der Krim. So sind romantische Dichter überwiegend Lyriker und Dichter der Natur, und daher nimmt in ihrem Werk (aber wie bei vielen Prosaautoren) die Landschaft einen bedeutenden Platz ein - vor allem das Meer, die Berge, der Himmel, die stürmischen Elemente , mit denen der Held komplexe Beziehungen verbindet. Die Natur kann der leidenschaftlichen Natur eines romantischen Helden ähneln, sich ihm aber auch widersetzen, sich als feindliche Kraft erweisen, mit der er kämpfen muss.

Ungewöhnliche und lebendige Bilder von Natur, Leben, Leben und Bräuchen ferner Länder und Völker inspirierten auch Romantiker. Sie suchten nach Merkmalen, die die grundlegende Grundlage des nationalen Geistes bilden. Die nationale Identität manifestiert sich hauptsächlich in der mündlichen Volkskunst. Daher das Interesse an Folklore, die Verarbeitung von Folklorewerken, die Schaffung eigener Werke auf der Grundlage der Volkskunst.

Die Entwicklung der Gattungen historischer Roman, Fantasy-Erzählung, lyrisch-episches Gedicht, Ballade ist das Verdienst der Romantiker. Ihre Innovation manifestierte sich auch in der Lyrik, insbesondere in der Verwendung von Polysemie des Wortes, der Entwicklung von Assoziativität, Metaphern, Entdeckungen auf dem Gebiet der Verse, des Metrums und des Rhythmus.

Die Romantik ist gekennzeichnet durch eine Synthese von Gattungen und Gattungen, ihre Durchdringung. Das romantische Kunstsystem basierte auf einer Synthese von Kunst, Philosophie und Religion. Für einen Denker wie Herder zum Beispiel dienen Sprachforschung, philosophische Lehren und Reiseaufzeichnungen der Suche nach Wegen zur revolutionären Erneuerung der Kultur. Viele Errungenschaften der Romantik wurden vom Realismus des 19. Jahrhunderts übernommen. - ein Hang zur Fantasie, Groteske, eine Mischung aus Hoch und Tief, Tragik und Komik, die Entdeckung des "subjektiven Menschen".

Im Zeitalter der Romantik blüht nicht nur die Literatur auf, sondern auch viele Wissenschaften: Soziologie, Geschichte, Politikwissenschaft, Chemie, Biologie, Evolutionslehre, Philosophie (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, Naturphilosophie, Das Wesen der was darauf hinausläuft, dass die Natur - eines der Gewänder Gottes, "das lebendige Gewand der Gottheit") ist).

Romantik ist ein kulturelles Phänomen in Europa und Amerika. In verschiedenen Ländern hatte sein Schicksal seine eigenen Merkmale.

1.2 Romantik in Russland

Zu Beginn des zweiten Jahrzehnts des 19. Jahrhunderts nimmt die Romantik einen Schlüsselplatz in der russischen Kunst ein und enthüllt mehr oder weniger vollständig ihre nationale Identität. Es ist äußerst riskant, diese Originalität auf ein Merkmal oder gar die Summe von Merkmalen zu reduzieren; was wir vor uns haben, ist vielmehr die Richtung des Prozesses, sowie sein Tempo, seine Zwanghaftigkeit - wenn wir die russische Romantik mit den älteren "Romantiken" der europäischen Literaturen vergleichen.

Wir haben diese forcierte Entwicklung bereits in der Vorgeschichte der russischen Romantik - im letzten Jahrzehnt des 18. Jahrhunderts - beobachtet. - in den ersten Jahren des 19. Jahrhunderts, als es eine ungewöhnlich enge Verflechtung vorromantischer und sentimentaler Tendenzen mit den Tendenzen des Klassizismus gab.

Die Überschätzung der Vernunft, die Hypertrophie der Sensibilität, der Kult der Natur und des natürlichen Menschen, elegische Melancholie und Epikureismus verbanden sich mit Elementen der Systematik und Rationalität, die sich besonders im Bereich der Poetik zeigten. Stile und Genres wurden gestrafft (hauptsächlich durch die Bemühungen von Karamzin und seinen Anhängern), es gab einen Kampf gegen übermäßige Metaphern und Sprachverzierungen um ihrer "harmonischen Genauigkeit" willen (Puschkins Definition des charakteristischen Merkmals der von Schukowski gegründeten Schule). und Batyushkov).

Die Schnelligkeit der Entwicklung hinterließ Spuren in der reiferen Phase der russischen Romantik. Die Dichte der künstlerischen Entwicklung erklärt auch, dass es schwierig ist, klare chronologische Stationen in der russischen Romantik zu erkennen. Literaturhistoriker teilen die russische Romantik in folgende Perioden ein: die Anfangszeit (1801 - 1815), die Reifezeit (1816 - 1825) und die Zeit ihrer Entwicklung nach Oktober. Dies ist ein beispielhaftes Schema, weil. mindestens zwei dieser Perioden (die erste und die dritte) sind qualitativ heterogen und weisen nicht zumindest die relative prinzipielle Einheitlichkeit auf, die beispielsweise die Perioden der Jenaer und der Heidelberger Romantik in Deutschland auszeichnete.

Die Romantik in Westeuropa – insbesondere in der deutschen Literatur – begann im Zeichen der Vollständigkeit und Ganzheit. Alles Uneinige strebte nach Synthese: in der Naturphilosophie und in der Soziologie und in der Erkenntnistheorie und in der Psychologie - persönlich und sozial und natürlich im künstlerischen Denken, das all diese Impulse vereinte und sozusagen , gab ihnen neues Leben. .

Der Mensch wollte mit der Natur verschmelzen; Persönlichkeit, individuell - mit dem Ganzen, mit den Menschen; intuitives Wissen - mit logischem; unbewusste Elemente des menschlichen Geistes - mit den höchsten Sphären der Reflexion und Vernunft. Obwohl das Verhältnis der gegensätzlichen Momente zuweilen widersprüchlich erschien, ließ die Tendenz zur Vereinigung ein besonderes emotionales Spektrum der Romantik entstehen, bunt und bunt, mit einem Vorherrschen eines hellen Durtons.

Erst allmählich wuchs die Konfliktnatur der Elemente zu ihrer Antinomie heran; die Idee der angestrebten Synthese löste sich in der Idee von Entfremdung und Konfrontation auf, die optimistische Dur-Stimmung wich einem Gefühl von Enttäuschung und Pessimismus.

Die russische Romantik kennt beide Phasen des Prozesses - sowohl die anfängliche als auch die letzte; Damit forcierte er jedoch die allgemeine Bewegung. Die endgültigen Formen erschienen, bevor die ursprünglichen Formen blühten; Zwischenstücke zerknitterten oder fielen ab. Vor dem Hintergrund der westeuropäischen Literaturen wirkte die russische Romantik gleichzeitig weniger und romantischer: Sie war ihnen an Reichtum, Verzweigung, Breite des Gesamtbildes unterlegen, aber an Gewissheit mancher Endergebnisse übertroffen.

Der wichtigste gesellschaftspolitische Faktor, der die Entstehung der Romantik beeinflusst hat, ist der Dekabrismus. Die Brechung der dekabristischen Ideologie in die Ebene des künstlerischen Schaffens ist ein äußerst komplexer und langwieriger Prozess. Lassen Sie uns jedoch nicht aus den Augen verlieren, dass es gerade künstlerischen Ausdruck erlangt hat; dass die dekabristischen Impulse in ganz konkrete literarische Formen gekleidet wurden.

Oft wurde der „literarische Dekabrismus“ mit einem gewissen Imperativ außerhalb des künstlerischen Schaffens identifiziert, wenn alle künstlerischen Mittel einem außerliterarischen Ziel untergeordnet werden, das wiederum aus der dekabristischen Ideologie stammt. Dieses Ziel, diese "Aufgabe" sei durch "Silben- oder Gattungszeichen" eingeebnet oder gar verdrängt worden. In Wirklichkeit war alles viel komplizierter.

Die spezifische Natur der russischen Romantik ist in den Texten dieser Zeit deutlich sichtbar, d.h. im lyrischen Verhältnis zur Welt, im Hauptton und in der Perspektive der Position des Autors, in dem, was gemeinhin das "Bild des Autors" genannt wird. Betrachten wir die russische Poesie unter diesem Gesichtspunkt, um uns zumindest eine oberflächliche Vorstellung von ihrer Vielfalt und Einheit zu machen.

Die russische romantische Poesie hat eine ziemlich breite Palette von "Bildern des Autors" offenbart, die sich manchmal nähern, manchmal im Gegenteil, polemisieren und einander gegenüberstellen. Aber immer ist das „Bild des Autors“ eine solche Verdichtung von Emotionen, Stimmungen, Gedanken oder alltäglichen und biografischen Details (die „Fetzen“ der im Gedicht stärker vertretenen Verfremdungslinie des Autors gelangen in das lyrische Werk) , was aus dem Gegensatz zur Umwelt folgt. Die Verbindung zwischen dem Einzelnen und dem Ganzen ist gebrochen. Der Geist der Konfrontation und Disharmonie weht über das Erscheinungsbild des Autors, auch wenn es an sich unkompliziert und klar erscheint.

Die Vorromantik kannte im Grunde zwei Formen des textlichen Ausdrucks des Konflikts, die man als lyrische Gegensätze bezeichnen kann - die elegische und die epikureische Form. Die romantische Poesie hat sie zu einer Reihe komplexer, tiefer und individuell differenzierter entwickelt.

Aber so wichtig die oben genannten Formen an sich auch sind, sie erschöpfen natürlich nicht den ganzen Reichtum der russischen Romantik.

Die Romantik in der bildenden Kunst basierte weitgehend auf den Ideen von Philosophen und Schriftstellern. In der Malerei, wie in anderen Kunstformen, zog Romantiker alles Ungewöhnliche, Unbekannte an, seien es ferne Länder mit ihren exotischen Bräuchen und Trachten (Delacroix), die Welt mystischer Visionen (Blake, Friedrich, Präraffaeliten) und Magisches Träume (Runge) oder düstere Tiefen des Unterbewusstseins (Goya, Fusli). Inspirationsquelle für viele Künstler war das künstlerische Erbe der Vergangenheit: der Alte Orient, das Mittelalter und die Proto-Renaissance (Nazarener, Präraffaeliten).

Im Gegensatz zum Klassizismus, der die klare Kraft des Geistes verherrlichte, besangen die Romantiker leidenschaftliche, stürmische Gefühle, die den ganzen Menschen erfassen. Die frühesten Antworten auf neue Trends waren Porträts und Landschaften, die zu den beliebtesten Genres der romantischen Malerei werden.

Blütezeit Portrait-Genre wurde mit dem Interesse der Romantiker an der hellen menschlichen Individualität, Schönheit und dem Reichtum ihrer spirituellen Welt in Verbindung gebracht. Das Leben des menschlichen Geistes überwiegt in einem romantischen Porträt das Interesse an körperlicher Schönheit, an der sinnlichen Plastizität des Bildes.

In einem romantischen Porträt (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) offenbart sich immer die Einzigartigkeit jedes Menschen, die Dynamik, das intensive Schlagen des Innenlebens, die rebellische Leidenschaft werden vermittelt.

Auch die Romantiker interessieren sich für die Tragödie einer gebrochenen Seele: Psychisch Kranke werden oft zu Helden der Werke (Gericault „Verrückter, spielsüchtiger“, „Kinderdieb“, „Wahnsinniger, der sich als Feldherr einbildet“).

Landschaft von Romantikern als Verkörperung der Seele des Universums konzipiert; die natur erscheint wie die menschliche seele in dynamik, ständiger variabilität. Die für den Klassizismus charakteristischen geordneten und geadelten Landschaften wurden durch Bilder einer spontanen, widerspenstigen, mächtigen, sich ständig verändernden Natur ersetzt, die der Verwirrung der Gefühle romantischer Helden entspricht. Romantiker liebten es besonders, Stürme, Gewitter, Vulkanausbrüche, Erdbeben, Schiffbrüche zu schreiben, die eine starke emotionale Wirkung auf den Betrachter haben konnten (Gericault, Friedrich, Turner).

Die für die Romantik charakteristische Poetisierung der Nacht – einer fremden, surrealen Welt, die nach ihren eigenen Gesetzen lebt – führte zur Blüte des „Nachtgenres“, das sich in der romantischen Malerei gerade unter deutschen Künstlern zu einem beliebten Begriff entwickelt.

Eines der ersten Länder in der bildenden Kunst, aus denen sich die Romantik entwickelte, warDeutschland .

Einen spürbaren Einfluss auf die Entwicklung des Genres der romantischen Landschaft hatte die KreativitätCaspar DavidFriedrich (1774-1840). Sein künstlerisches Erbe wird von Landschaften dominiert, die Berggipfel, Wälder, das Meer, die Meeresküste sowie die Ruinen alter Kathedralen, verlassener Abteien und Klöster darstellen („Kreuz in den Bergen“, „Kathedrale“, „Abtei unter Eichen “). Sie haben normalerweise ein Gefühl unveränderlicher Traurigkeit aus dem Bewusstsein des tragischen Verlustes eines Menschen auf der Welt.

Der Künstler liebte jene Naturzustände, die seiner romantischen Wahrnehmung am ehesten entsprachen: Frühmorgens, Abenduntergang, Mondaufgang („Zwei beim Mondblick“, „Klosterfriedhof“, „Landschaft mit Regenbogen“, „Mondaufgang über dem Meer“, „ Kreidefelsen auf der Insel Rügen“, „Auf einem Segelboot“, „Hafen bei Nacht“).

Die ständigen Charaktere seiner Werke sind einsame Träumer, die in die Betrachtung der Natur versunken sind. In weite Fernen und endlose Höhen blickend, schließen sie sich den ewigen Geheimnissen des Universums an, sie werden in die schöne Welt der Träume entführt. Friedrich vermittelt diese wundervolle Welt mit Hilfe von magisch strahlendem Licht.- strahlende Sonne oder mysteriöser Mond.

Friedrichs Arbeit wurde von seinen Zeitgenossen bewundert, darunter I. W. Goethe und W. A. Schukowski, dank dessen viele seiner Gemälde von Russland erworben wurden.

Maler, Grafiker, Dichter und KunsttheoretikerPhilipp Otto Runge (1777-1810), widmete sich hauptsächlich der Porträtgattung. In seinen Werken poetisiert er die Bilder gewöhnlicher Menschen, oft seiner Lieben („Wir Drei“ - ein Selbstporträt mit Braut und Bruder, ist nicht erhalten geblieben; „Kinder der Familie Hülzenbeck“, „Bildnis der Eltern des Künstlers“, „Selbstbildnis“). Runges tiefe Religiosität kam in Gemälden wie „Christus am Ufer des Tiberiassees“ und „Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“ (nicht vollendet) zum Ausdruck. Seine Überlegungen zur Kunst fasste der Künstler in der theoretischen Abhandlung „The Color Sphere“ zusammen.

Der Wunsch, die religiösen und moralischen Grundlagen in der deutschen Kunst wiederzubeleben, ist mit der schöpferischen Tätigkeit von Künstlern verbunden Nazarener Schule (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sütter,P. von Cornelius). Zu einer Art religiöser Bruderschaft zusammengeschlossen („Union of St. Luke“) lebten die „Nazarener“ in Rom nach dem Vorbild einer klösterlichen Gemeinschaft und malten Bilder zu religiösen Themen. Sie betrachteten die italienische und deutsche Malerei als Vorbild für ihre kreative Suche.XIV - XVJahrhundert (Perugino, Frühraffael, A. Dürer, H. Holbein der Jüngere, L.Cranach). In dem Gemälde „Der Triumph der Religion in der Kunst“ imitiert Overbeck direkt Raffaels „Athener Schule“ und Cornelius in „Die Reiter der Apokalypse“ – Dürers gleichnamigen Stich.

Die Mitglieder der Bruderschaft betrachteten die Haupttugenden des Künstlers als spirituelle Reinheit und aufrichtigen Glauben und glaubten, dass "nur die Bibel Raffael zu einem Genie gemacht hat". Sie führten ein einsames Leben in den Zellen eines verlassenen Klosters und erhoben ihren Dienst an der Kunst zur Kategorie des spirituellen Dienstes.

Die „Nazarener“ tendierten zu großen monumentalen Formen, versuchten mit Hilfe der neu belebten Freskentechnik hohe Ideale zu verkörpern. Einige der Gemälde wurden von ihnen gemeinsam ausgeführt.

In den 1820er und 30er Jahren zerstreuten sich die Mitglieder der Burschenschaft über ganz Deutschland und erhielten führende Positionen an verschiedenen Kunstakademien. Nur Overbeck lebte bis zu seinem Tod in Italien, ohne seine künstlerischen Prinzipien zu ändern. Die besten Traditionen der „Nazarener“ wurden lange Zeit in der Historienmalerei bewahrt. Ihre ideologische und moralische Suche hatte Auswirkungen auf die englischen Präraffaeliten sowie auf die Arbeit von Meistern wie Schwind und Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), gebürtiger Österreicher, wirkte in München. In Staffeleiarbeiten schildert er vor allem das Aussehen und Leben altdeutscher Provinzstädte mit ihren Bewohnern. Es ist mit großer Poesie und Lyrik gemacht, mit Liebe zu seinen Charakteren.

Karl Spitzweg (1808-1885) - Münchener Maler, Grafiker, genialer Zeichner, Karikaturist, erzählt auch nicht ohne Sentimentalität, aber mit viel Humor vom urbanen Leben ("Armer Dichter", "Morgenkaffee").

Schwind und Spitzweg werden normalerweise mit einem Trend in der deutschen Kultur in Verbindung gebracht, der als Biedermeier bekannt ist.Biedermeier - dies ist einer der beliebtesten Stile der Zeit (vor allem im Bereich des Alltags, aber auch in der Kunst) . Er stellte die Bürger, den Durchschnittsmann auf der Straße, in den Vordergrund. Das zentrale Thema der Biedermeier-Malerei war das tägliche Leben eines Menschen, das in enger Verbindung mit seinem Zuhause und seiner Familie fließt. Biedermeiers Interesse nicht für die Vergangenheit, sondern für die Gegenwart, nicht für das Große, sondern für das Kleine, trug zur Herausbildung einer realistischen Tendenz in der Malerei bei.

Französische Romantikschule

Die konsequenteste Schule der Romantik in der Malerei entwickelte sich in Frankreich. Sie entstand als Opposition zum Klassizismus, degenerierte zu einem kalten, rationalen Akademismus und brachte solche großen Meister hervor, die den dominierenden Einfluss der französischen Schule für das gesamte 19. Jahrhundert bestimmten.

Künstler der französischen Romantik tendierten zu Handlungssträngen voller Dramatik und Pathos, innerer Spannung, weit weg vom „düsteren Alltag“. In ihrer Verkörperung reformierten sie die Bild- und Ausdrucksmittel:

Mit dem Namen sind die ersten glänzenden Erfolge der Romantik in der französischen Malerei verbundenTheodora Gericault (1791-1824), der früher als andere einen rein romantischen Sinn für den Konflikt der Welt zum Ausdruck bringen konnte. Schon in seinen ersten Arbeiten ist der Wunsch zu erkennen, die dramatischen Ereignisse unserer Zeit zu zeigen. So spiegelten beispielsweise die Gemälde „Der Offizier der berittenen Schützen im Angriff“ und „Der verwundete Kürassier“ die Romantik der napoleonischen Zeit wider.

Gericaults Gemälde "Das Floß der Medusa", das dem jüngsten Ereignis des modernen Lebens gewidmet ist - dem Tod eines Passagierschiffs aufgrund des Verschuldens der Reederei - fand große Resonanz. . Géricault schuf eine gigantische Leinwand von 7 x 5 m, die den Moment darstellt, in dem Menschen am Rande des Todes ein rettendes Schiff am Horizont sehen. Extreme Spannung wird durch eine harte, düstere Farbgebung, eine diagonale Komposition, betont. Dieses Gemälde ist zu einem Symbol des modernen Géricault France geworden, das wie Menschen, die vor einem Schiffbruch fliehen, Hoffnung und Verzweiflung erlebt hat.

Das Thema seines letzten großen Gemäldes – „Race at Epsom“ – fand der Künstler in England. Es zeigt Pferde, die wie Vögel fliegen (Géricaults Lieblingsbild, der als Teenager ein ausgezeichneter Reiter wurde). Der Eindruck von Schnelligkeit wird durch eine bestimmte Technik verstärkt: Die Pferde und Jockeys sind sehr sorgfältig geschrieben, und der Hintergrund ist breit.

Nach dem Tod von Géricault (er starb auf tragische Weise in der Blüte seines Lebens und seines Talents) wurde sein junger Freund zum anerkannten Oberhaupt der französischen Romantiker.Eugène Delacroix (1798-1863). Delacroix war umfassend begabt, besaß musikalisches und literarisches Talent. Seine Tagebücher, Artikel über Künstler sind die interessantesten Dokumente der Epoche. Seine theoretischen Studien der Farbgesetze hatten einen großen Einfluss auf die späteren Impressionisten und insbesondere auf W. Van Gogh.

Delacroix' erstes Gemälde, das ihm Ruhm einbrachte, war "Dante und Virgil" ("Dantes Boot"), geschrieben auf der Handlung der "Göttlichen Komödie". Sie traf ihre Zeitgenossen mit leidenschaftlichem Pathos, der Kraft der düsteren Farbe.

Der Höhepunkt der Arbeit des Künstlers war "Freedom on the Barricades" ("Freedom Leading the People"). Die Glaubwürdigkeit einer realen Tatsache (das Bild entstand inmitten der Julirevolution 1830 in Frankreich) verschmilzt hier mit einem romantischen Freiheitstraum und der Symbolik der Bilder. Eine schöne junge Frau wird zum Symbol des revolutionären Frankreichs.

Die Reaktion auf moderne Ereignisse war das frühere Gemälde „Massaker auf Chios“, das dem Kampf des griechischen Volkes gegen die türkische Herrschaft gewidmet war. .

Nach einem Besuch in Marokko entdeckte Delacroix die exotische Welt des arabischen Ostens, der er viele Gemälde und Skizzen widmete. In „Women of Algeria“ wurde die Welt des muslimischen Harems erstmals dem europäischen Publikum präsentiert.

Der Künstler schuf auch eine Reihe von Porträts von Vertretern der kreativen Intelligenz, von denen viele seine Freunde waren (Porträts von N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz usw.).

In der späteren Phase seines Schaffens beschäftigte sich Delacroix mit historischen Themen, arbeitete als Wandmaler (Wandmalereien in der Abgeordnetenkammer, im Senat) und als Grafiker (Illustrationen zu Werken von Shakespeare, Goethe, Byron).

Die Namen englischer Maler der Romantik - R. Benington, J. Constable, W. Turner - sind mit dem Landschaftsgenre verbunden. In diesem Bereich haben sie wirklich eine neue Seite aufgeschlagen: Die heimische Natur fand in ihrer Arbeit eine so breite und liebevolle Reflexion, die kein anderes Land zu dieser Zeit kannte.

John Konstabler (1776-1837) begann als einer der ersten in der Geschichte der europäischen Landschaft, Skizzen vollständig nach der Natur zu malen und wandte sich der direkten Naturbeobachtung zu. Seine Bilder sind einfach in den Motiven: Dörfer, Bauernhöfe, Kirchen, ein Flussstreifen oder ein Meeresstrand: Haycart, Detham Valley, Salisbury Cathedral from the Bishop's Garden. Die Arbeiten von Constable dienten als Anstoß für die Entwicklung einer realistischen Landschaft in Frankreich.

Wilhelm Turner (1775-1851) - Marinemaler . Ihn lockte die stürmische See, Regengüsse, Gewitter, Überschwemmungen, Tornados: „Die letzte Fahrt des Schiffes„ Courageous “,„ Gewitter über Piazzetta. Kühne koloristische Suche, seltene Lichteffekte verwandeln seine Gemälde zuweilen in leuchtende, phantasmagorische Spektakel: „The Fire of the London Parliament“, „Snowstorm. Das Schiff verlässt den Hafen und gibt Notsignale, trifft auf seichtes Wasser. .

Turner besitzt das erste Gemälde einer auf Schienen fahrenden Dampflokomotive – ein Symbol der Industrialisierung. In Rain, Steam and Speed ​​rast eine Dampflokomotive durch einen nebligen Regendunst die Themse entlang. Alle materiellen Objekte scheinen zu einem Fata Morgana-Bild zu verschmelzen, das das Gefühl von Geschwindigkeit perfekt vermittelt.

Turners einzigartige Untersuchung von Licht- und Farbeffekten nahm in vielerlei Hinsicht die Entdeckungen der französischen Maler des Impressionismus vorweg.

1848 in England entstandenBruderschaft der Präraffaeliten (von lateinisch prae – „vorher“ und Raffael), die Künstler vereinte, die die zeitgenössische Gesellschaft und die Kunst der akademischen Schule nicht akzeptieren. Ihr Ideal sahen sie in der Kunst des Mittelalters und der Frührenaissance (daher der Name). Die Hauptmitglieder der Bruderschaft -William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. In ihren frühen Arbeiten verwendeten diese Künstler die Abkürzung RV anstelle von Signaturen. .

Mit den Romantikern der Präraffaeliten verband sich eine Liebe zur Antike. Sie wandten sich biblischen Themen zu („Das Licht der Welt“ und „Der untreue Hirte“ von W. H. Hunt; „Die Kindheit Mariens“ und „Die Verkündigung“ von D. G. Rossetti), Handlungen aus der Geschichte des Mittelalters und Theaterstücken W. Shakespeare („Ophelia“ von Millais).

Um menschliche Figuren und Gegenstände in ihrer natürlichen Größe zu malen, vergrößerten die Präraffaeliten die Leinwände, Landschaftsskizzen wurden nach der Natur angefertigt. Die Charaktere in ihren Gemälden hatten Prototypen unter echten Menschen. So porträtierte D. G. Rossetti seine Geliebte Elizabeth Siddal in fast allen seinen Werken und blieb seiner Geliebten wie ein mittelalterlicher Ritter auch nach ihrem frühen Tod treu („Blue Silk Dress“, 1866).

Der Ideologe der Präraffaeliten warJohn Russin (1819-1900) - Englischer Schriftsteller, Kunstkritiker und Kunsttheoretiker, Autor der berühmten Buchreihe "Modern Artists".

Die Arbeit der Präraffaeliten beeinflusste viele Künstler maßgeblich und wurde zum Vorboten der Symbolik in Literatur (W. Pater, O. Wilde) und bildender Kunst (O. Beardsley, G. Moreau etc.).

Der Spitzname „Nazarener“ stammt möglicherweise vom Namen der Stadt Nazareth in Galiläa, wo Jesus Christus geboren wurde. Nach einer anderen Version entstand es in Analogie zum Namen der alten jüdischen Religionsgemeinschaft der Naziriten. Es ist auch möglich, dass der Name der Gruppe von der traditionellen Bezeichnung der im Mittelalter gebräuchlichen und aus dem Selbstporträt von A. Dürer bekannten Frisur „Alla Nazarena“ stammt: die Art, lange Haare zu tragen, im Scheitel Mitte, wurde von Overbeck wieder eingeführt.

Biedermeier(deutsch „tapfer Meyer“, Philister) – der Nachname einer Kunstfigur aus der Gedichtsammlung des deutschen Dichters Ludwig Eichrodt. Eichrodt schuf eine Parodie auf eine reale Person – Samuel Friedrich Sauter, einen alten Lehrer, der naive Poesie schrieb. Eichrodt betonte in seiner Karikatur die Spießbürgerlichkeit des Biedermeier-Denkens, das zu einer Art parodistischem Sinnbild der Zeit wurde. geschwungene Striche in schwarzen, braunen und grünlichen Farben vermitteln die Wut des Sturms. Der Blick des Betrachters scheint im Zentrum eines Strudels zu stehen, das Schiff scheint ein Spielzeug aus Wellen und Wind zu sein.

Der Beginn des 19. Jahrhunderts - die Zeit des kulturellen und spirituellen Aufschwungs in Russland. Wenn Rußland in der wirtschaftlichen und gesellschaftspolitischen Entwicklung hinter den fortgeschrittenen europäischen Staaten zurückblieb, so hielt es in kulturellen Errungenschaften nicht nur mit ihnen Schritt, sondern überflügelte sie oft. Die Entwicklung der russischen Kultur in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts basierte auf den Wandlungen der Vorzeit. Das Eindringen von Elementen kapitalistischer Verhältnisse in die Wirtschaft erhöhte den Bedarf an gebildeten und gebildeten Menschen. Städte wurden zu den wichtigsten kulturellen Zentren.

Neue Gesellschaftsschichten wurden in gesellschaftliche Prozesse hineingezogen. Die Kultur entwickelte sich vor dem Hintergrund des immer stärker werdenden nationalen Selbstbewusstseins des russischen Volkes und hatte in dieser Hinsicht einen ausgeprägten nationalen Charakter. Bedeutenden Einfluss auf Literatur, Theater, Musik, bildende Kunst hatte Vaterländischen Krieg von 1812 die in einem beispiellosen Ausmaß das Wachstum des nationalen Selbstbewusstseins des russischen Volkes, seine Festigung beschleunigte. Es gab eine Annäherung mit dem russischen Volk anderer Völker Russlands.

Der Beginn des 19. Jahrhunderts wird zu Recht als goldenes Zeitalter der russischen Malerei bezeichnet. Zu dieser Zeit erreichten russische Künstler ein Niveau an Fähigkeiten, das ihre Werke mit den besten Beispielen europäischer Kunst auf eine Stufe stellte.

Drei Namen eröffnen die russische Malerei des 19. Jahrhunderts - Kiprensky , Tropinin , Wenezianow. Jeder hat eine andere Herkunft: ein unehelicher Grundbesitzer, ein Leibeigener und ein Nachkomme eines Kaufmanns. Jeder hat seinen eigenen kreativen Anspruch – ein Romantiker, ein Realist und ein „Dorflyriker“.

Trotz seiner frühen Leidenschaft für die Historienmalerei ist Kiprensky vor allem als herausragender Porträtmaler bekannt. Wir können das zu Beginn des 19. Jahrhunderts sagen. er wurde der erste russische Porträtmaler. Die alten Meister, die im 18. Jahrhundert berühmt wurden, konnten mit ihm nicht mehr mithalten: Rokotov starb 1808, Levitsky, der ihn um 14 Jahre überlebte, malte aufgrund einer Augenkrankheit nicht mehr, und Borovikovsky, der nicht wenige überlebte Monate vor dem Aufstand der Dekabristen sehr wenig gearbeitet.

Kiprensky hatte das Glück, ein künstlerischer Chronist seiner Zeit zu werden. „Geschichte in Gesichtern“ kann man seine Porträts nennen, die viele Teilnehmer an jenen historischen Ereignissen darstellen, deren Zeitgenosse er war: die Helden des Krieges von 1812, Vertreter der Dekabristenbewegung. Als nützlich erwies sich die Technik des Bleistiftzeichnens, deren Ausbildung an der Akademie der Künste große Aufmerksamkeit geschenkt wurde. Kiprensky schuf im Wesentlichen ein neues Genre - ein bildliches Porträt.

Kiprensky schuf viele Porträts von Persönlichkeiten der russischen Kultur, und das berühmteste unter ihnen ist natürlich das von Puschkin. Es wurde in Auftrag gegeben Delviga, ein Lyzeumsfreund des Dichters, im Jahr 1827. Zeitgenossen bemerkten die verblüffende Ähnlichkeit des Porträts mit dem Original. Das Bild des Dichters wird vom Künstler von alltäglichen Merkmalen befreit, die dem im selben Jahr entstandenen Porträt Puschkins von Tropinin innewohnen. Alexander Sergeevich wurde vom Künstler im Moment der Inspiration gefangen genommen, als er von einer poetischen Muse besucht wurde.

Der Tod holte den Künstler während seiner zweiten Italienreise ein. In den letzten Jahren lief vieles nicht rund bei dem berühmten Maler. Die kreative Flaute begann. Kurz vor seinem Tod wurde sein Leben von einem tragischen Ereignis überschattet: Zeitgenossen zufolge wurde der Künstler zu Unrecht des Mordes beschuldigt und hatte Angst, das Haus zu verlassen. Auch die Heirat mit seiner italienischen Schülerin verschönerte seine letzten Tage nicht.

Nur wenige trauerten um den russischen Maler, der in einem fremden Land starb. Zu den wenigen, die wirklich begriffen, was für einen Meister die nationale Kultur verloren hatte, gehörte der Künstler Alexander Ivanov, der sich zu dieser Zeit in Italien aufhielt. In jenen traurigen Tagen schrieb er: Kiprensky „war der erste, der den russischen Namen in Europa bekannt machte“.

Tropinin ging als herausragender Porträtmaler in die Geschichte der russischen Kunst ein. Er sagte: „Ein Porträt einer Person wird zur Erinnerung an Menschen gemalt, die ihm nahe stehen und ihn lieben.“ Nach Angaben von Zeitgenossen malte Tropinin etwa 3.000 Porträts. Ob dem so ist, ist schwer zu sagen. In einem der Bücher über den Künstler gibt es eine Liste mit 212 genau identifizierten Gesichtern, die Tropinin porträtiert hat. Er hat auch viele Werke mit dem Titel "Portrait of an Unknown (Unknown)". Tropinin wurde von staatlichen Würdenträgern, Adligen, Kriegern, Geschäftsleuten, kleinen Beamten, Leibeigenen, Intellektuellen und Persönlichkeiten der russischen Kultur gestellt. Unter ihnen: der Historiker Karamzin, der Schriftsteller Zagoskin, der Kunstkritiker Odoevsky, die Maler Bryullov und Aivazovsky, der Bildhauer Vitali, der Architekt Gilardi, der Komponist Alyabyev, die Schauspieler Shchepkin und Mo-chalov, der Dramatiker Suchovo-Kobylin.

Eines der besten Werke von Tropinin ist ein Porträt seines Sohnes. Ich muss sagen, dass eine der "Entdeckungen" der russischen Kunst des 19. Jahrhunderts. Da war ein Porträt eines Kindes. Im Mittelalter galt das Kind als kleiner Erwachsener, der noch nicht erwachsen war. Kinder wurden sogar in Outfits gekleidet, die sich nicht von Erwachsenen unterschieden: Mitte des 18. Jahrhunderts. Mädchen trugen enge Korsetts und weite Röcke mit Fijma. Erst zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Sie sahen ein Kind in einem Kind. Künstler gehörten zu den ersten, die dies taten. Im Porträt von Tropinin steckt viel Einfachheit und Natürlichkeit. Der Junge posiert nicht. Etwas interessiert drehte er sich kurz um: Sein Mund war geöffnet, seine Augen leuchteten. Das Aussehen des Kindes ist überraschend charmant und poetisch. Golden zerzaustes Haar, ein offenes, kindlich rundliches Gesicht, ein lebhafter Blick intelligenter Augen. Man spürt, mit welcher Liebe der Künstler das Porträt seines Sohnes gemalt hat.

Tropinin schrieb zweimal Selbstporträts. Auf einem späteren, datiert 1846, ist der Künstler 70 Jahre alt. Er stellte sich mit einer Palette und Pinseln in den Händen dar und stützte sich auf einen Mastabl - einen speziellen Stock, der von Malern verwendet wird. Hinter ihm ist das majestätische Panorama des Kreml. In seinen jungen Jahren besaß Tropinin heroische Kraft und gute Laune. Dem Selbstporträt nach zu urteilen, behielt er auch im Alter die Kraft seines Körpers. Ein rundes Gesicht mit Brille strahlt Gutmütigkeit aus. Der Künstler starb 10 Jahre später, aber sein Bild blieb im Gedächtnis seiner Nachkommen - ein großartiger, freundlicher Mann, der die russische Kunst mit seinem Talent bereicherte.

Wenezianow entdeckte das bäuerliche Thema in der russischen Malerei. Er war der erste unter den russischen Künstlern, der die Schönheit seiner heimischen Natur auf seinen Leinwänden zeigte. Das Landschaftsgenre wurde an der Akademie der Künste nicht bevorzugt. Er belegte den vorletzten Platz in der Bedeutung und hinterließ noch mehr Verabscheuungswürdiges - jeden Tag. Nur wenige Meister malten die Natur und bevorzugten italienische oder imaginäre Landschaften.

In vielen Arbeiten von Venetsianov sind Natur und Mensch untrennbar miteinander verbunden. Sie sind so eng wie ein Bauer mit dem Land, seinen Gaben verbunden. Seine bekanntesten Werke – „Heuernte“, „Auf dem Acker. Frühling“, „Auf der Ernte. Sommer“ – schafft der Künstler in den 20er Jahren. Es war der Höhepunkt seines Schaffens. Niemand in der russischen Kunst konnte das bäuerliche Leben und Werk der Bauern so liebevoll und so poetisch darstellen wie Wenezianow. Auf dem Bild „Auf dem Ackerland. Frühling“ striegelt eine Frau ein Feld. Diese harte, anstrengende Arbeit sieht auf Wenezianows Leinwand erhaben aus: eine Bäuerin in elegantem Sommerkleid und Kokoshnik. Mit einem schönen Gesicht und einem flexiblen Körper ähnelt sie einer alten Göttin. Am Zaumzeug zwei gehorsame Pferde führend, die an eine Egge gespannt sind, geht sie nicht, sondern scheint über dem Feld zu schweben. Das Leben fließt ruhig, gemessen, friedlich. Seltene Bäume werden grün, weiße Wolken ziehen über den Himmel, endlos scheint das Feld, an dessen Rand ein Baby auf seine Mutter wartet.

Das Gemälde "In der Ernte. Sommer" scheint das vorherige fortzusetzen. Die Ernte ist reif, die Felder sind goldene Stoppelähren – es ist Erntezeit. Im Vordergrund, die Sichel beiseite legend, stillt eine Bäuerin ein Kind. Der Himmel, das Feld, die Menschen, die daran arbeiten, sind für den Künstler untrennbar miteinander verbunden. Dennoch ist das Hauptthema seiner Aufmerksamkeit immer eine Person.

Wenezianow schuf eine ganze Galerie von Porträts von Bauern. Das war neu für die russische Malerei. Im 18. Jahrhundert. Menschen aus dem Volk und noch mehr Leibeigene interessierten die Künstler wenig. Laut Kunsthistorikern war Venetsianov der erste in der Geschichte der russischen Malerei, der „den russischen Volkstyp eingefangen und neu erschaffen hat“. "Schnitter", "Mädchen mit Kornblumen", "Mädchen mit Kalb", "Schlafender Hirte" sind wunderbare Bilder von Bauern, die von Venetsianov verewigt wurden. Einen besonderen Platz im Werk des Künstlers nahmen Porträts von Bauernkindern ein. Wie gut ist "Zakharka" - ein Junge mit großen Augen, Stupsnase und großen Lippen und einer Axt auf der Schulter! Zakharka scheint eine energische Bauernnatur zu verkörpern, die von Kindheit an an Arbeit gewöhnt ist.

Alexey Gavrilovich hat nicht nur als Künstler, sondern auch als hervorragender Lehrer eine gute Erinnerung an sich selbst hinterlassen. Bei einem seiner Besuche in St. Petersburg nahm er einen jungen Künstler als Schüler auf, dann einen anderen, einen dritten ... So entstand eine ganze Kunstschule, die unter dem Namen Venetian in die Kunstgeschichte einging. Seit einem Vierteljahrhundert haben es etwa 70 talentierte junge Männer durchlaufen. Venetsianov versuchte, leibeigene Künstler aus der Gefangenschaft zu befreien und war sehr besorgt, wenn dies nicht klappen sollte. Der talentierteste seiner Schüler - Grigory Soroka - wurde nie von seinem Landbesitzer freigelassen. Er erlebte die Aufhebung der Leibeigenschaft, beging aber, von der Allmacht des ehemaligen Besitzers zur Verzweiflung getrieben, Selbstmord.

Viele von Venetsianovs Studenten lebten bei voller Bezahlung in seinem Haus. Sie begriffen die Geheimnisse der venezianischen Malerei: festes Festhalten an den Gesetzen der Perspektive, genaue Beachtung der Natur. Unter seinen Schülern gab es viele talentierte Meister, die die russische Kunst spürbar geprägt haben: Grigory Soroka, Alexei Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov. "Venezianer" - liebevoll seine Haustiere genannt.

So lässt sich argumentieren, dass im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts die kulturelle Entwicklung Russlands rasant zunahm und diese Zeit als goldenes Zeitalter der russischen Malerei bezeichnet wird.

Russische Künstler haben ein Niveau erreicht, das ihre Werke mit den besten Beispielen europäischer Kunst auf eine Stufe stellt.

Die Verherrlichung der Leistung des Volkes, die Idee seines spirituellen Erwachens, die Anklage der Seuchen des feudalen Russlands - das sind die Hauptthemen der bildenden Kunst des 19. Jahrhunderts.

In der Porträtmalerei sind die Merkmale der Romantik – die Unabhängigkeit der menschlichen Persönlichkeit, ihre Individualität, die Freiheit, Gefühle auszudrücken – besonders ausgeprägt.

Viele Porträts von Persönlichkeiten der russischen Kultur, ein Kinderporträt, wurden erstellt. Das bäuerliche Thema, die Landschaft, die die Schönheit der heimischen Natur zeigte, kommt in Mode.

Zusammenfassung der Prüfung

Thema: "Romantik als Trend in der Kunst".

Aufgeführt Schüler 11 "B" Klasse Sekundarschule Nr. 3

Boiprav Anna

Weltkunstlehrer

Kultur Butsu T.N.

Brest, 2002

1. Einführung

2. Ursachen der Romantik

3. Die Hauptmerkmale der Romantik

4. romantischer Held

5. Romantik in Russland

a) Literatur

b) Malen

c) Musik

6. Westeuropäische Romantik

ein Gemälde

b) Musik

7. Fazit

8. Referenzen

1. EINLEITUNG

Wenn Sie in das erklärende Wörterbuch der russischen Sprache schauen, finden Sie mehrere Bedeutungen des Wortes "Romantik": 1. Eine Strömung in Literatur und Kunst des ersten Viertels des 19. Jahrhunderts, gekennzeichnet durch die Idealisierung der Vergangenheit, Isolation von der Realität, dem Personen- und Menschenkult. 2. Eine Richtung in Literatur und Kunst, durchdrungen von Optimismus und dem Wunsch, in lebendigen Bildern die hohe Bestimmung des Menschen zu zeigen. 3. Ein Geisteszustand, der von der Idealisierung der Realität durchdrungen ist, verträumte Kontemplation.

Wie aus der Definition hervorgeht, ist Romantik ein Phänomen, das sich nicht nur in der Kunst, sondern auch im Verhalten, in der Kleidung, im Lebensstil und in der Psychologie von Menschen manifestiert und in kritischen Momenten des Lebens auftritt, sodass das Thema Romantik auch heute noch aktuell ist . Wir leben um die Jahrhundertwende, wir befinden uns in einer Übergangsphase. In dieser Hinsicht gibt es in der Gesellschaft Unglauben an die Zukunft, Misstrauen gegenüber Idealen, es besteht der Wunsch, aus der umgebenden Realität in die Welt der eigenen Erfahrungen zu entkommen und sie gleichzeitig zu verstehen. Es sind diese Merkmale, die für die romantische Kunst charakteristisch sind. Deshalb habe ich für die Recherche das Thema „Romantik als Trend in der Kunst“ gewählt.

Die Romantik ist eine sehr große Schicht verschiedener Kunstarten. Ziel meiner Arbeit ist es, Entstehungsbedingungen und Ursachen der Romantik in verschiedenen Ländern nachzuzeichnen, die Entwicklung der Romantik in Kunstformen wie Literatur, Malerei und Musik zu untersuchen und zu vergleichen. Meine Hauptaufgabe bestand darin, die Hauptmerkmale der Romantik hervorzuheben, die für alle Arten von Kunst charakteristisch sind, um festzustellen, welchen Einfluss die Romantik auf die Entwicklung anderer Kunstrichtungen hatte.

Bei der Entwicklung des Themas habe ich Lehrbücher über Kunst verwendet, darunter Autoren wie Filimonova, Vorotnikov und andere, enzyklopädische Veröffentlichungen, Monographien, die verschiedenen Autoren der Ära der Romantik gewidmet sind, biografische Materialien von Autoren wie Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova und anderen.

2. GRÜNDE FÜR DEN URSPRUNG DER ROMANTIK

Je näher wir der Moderne kommen, desto kürzer werden die Zeitspannen der Dominanz des einen oder anderen Stils. Der Zeitraum vom Ende des 18. bis zum 1. Drittel des 19. Jahrhunderts. gilt als Epoche der Romantik (aus dem französischen Romantique; etwas Geheimnisvolles, Seltsames, Unwirkliches)

Was hat die Entstehung eines neuen Stils beeinflusst?

Dies sind drei Hauptereignisse: die Große Französische Revolution, die Napoleonischen Kriege, der Aufstieg der nationalen Befreiungsbewegung in Europa.

Die Donner von Paris hallten durch ganz Europa. Der Slogan „Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit!“ übte eine ungeheure Anziehungskraft auf alle europäischen Völker aus. Mit der Bildung bürgerlicher Gesellschaften begann die Arbeiterklasse als eigenständige Kraft gegen das Feudalsystem vorzugehen. Der gegensätzliche Kampf dreier Klassen – des Adels, des Bürgertums und des Proletariats – bildete die Grundlage der historischen Entwicklung des 19. Jahrhunderts.

Das Schicksal Napoleons und seine Rolle in der europäischen Geschichte für zwei Jahrzehnte, 1796-1815, beschäftigten die Köpfe der Zeitgenossen. "Der Herrscher der Gedanken" - A.S. sprach über ihn. Puschkin.

Für Frankreich waren dies Jahre der Größe und des Ruhms, allerdings auf Kosten des Lebens Tausender von Franzosen. Italien sah in Napoleon seinen Befreier. Die Polen setzten große Hoffnungen in ihn.

Napoleon handelte als Eroberer im Interesse der französischen Bourgeoisie. Für die europäischen Monarchen war er nicht nur ein militärischer Gegner, sondern auch ein Repräsentant der fremden Welt des Bürgertums. Sie hassten ihn. Zu Beginn der napoleonischen Kriege gab es in seiner "Großen Armee" viele direkte Teilnehmer an der Revolution.

Auch die Persönlichkeit Napoleons selbst war phänomenal. Der junge Mann Lermontov antwortete auf den 10. Todestag Napoleons:

Er ist ein Weltfremder. Alles an ihm war ein Rätsel.

Der Tag der Erhöhung – und der Fall der Stunde!

Dieses Geheimnis zog besonders die Aufmerksamkeit von Romantikern auf sich.

In Verbindung mit den napoleonischen Kriegen und der Reifung des nationalen Selbstbewusstseins ist diese Zeit durch den Aufstieg der nationalen Befreiungsbewegung gekennzeichnet. Deutschland, Österreich, Spanien kämpften gegen die napoleonische Besatzung, Italien – gegen das österreichische Joch, Griechenland – gegen die Türkei, in Polen kämpften sie gegen den russischen Zarismus, Irland – gegen die Briten.

Erstaunliche Veränderungen vollzogen sich vor den Augen einer Generation.

Am stärksten brodelte Frankreich: der turbulente fünfte Jahrestag der Französischen Revolution, Aufstieg und Fall Robespierres, die Feldzüge Napoleons, Napoleons erste Abdankung, seine Rückkehr von der Insel Elba („Hundert Tage“) und das Finale

Niederlage von Waterloo, der düstere 15. Jahrestag des Restaurationsregimes, die Julirevolution von 1860, die Februarrevolution von 1848 in Paris, die in anderen Ländern eine revolutionäre Welle auslöste.

In England infolge der industriellen Revolution in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Maschinenproduktion und kapitalistische Verhältnisse wurden etabliert. Die Parlamentsreform von 1832 ebnete dem Bürgertum den Weg zur Staatsmacht.

In den Ländern Deutschland und Österreich behielten feudale Herrscher die Macht. Nach dem Sturz Napoleons gingen sie hart mit der Opposition um. Aber auch auf deutschem Boden wurde die 1831 aus England eingeführte Dampflokomotive zu einem Faktor des bürgerlichen Fortschritts.

Industrielle Revolutionen, politische Revolutionen veränderten das Gesicht Europas. „Die Bourgeoisie hat in weniger als hundert Jahren ihrer Klassenherrschaft zahlreichere und grandiosere Produktivkräfte geschaffen als alle früheren Generationen zusammen“, schrieben die deutschen Gelehrten Marx und Engels 1848.

So markierte die Große Französische Revolution (1789-1794) einen besonderen Meilenstein, der die neue Ära vom Zeitalter der Aufklärung trennte. Nicht nur die Staatsformen, die soziale Struktur der Gesellschaft, die Klassenzugehörigkeit veränderten sich. Das ganze jahrhundertelang erleuchtete Ideensystem wurde erschüttert. Die Aufklärer haben die Revolution ideologisch vorbereitet. Aber sie konnten nicht alle Folgen vorhersehen. Das „Reich der Vernunft“ fand nicht statt. Aus der Revolution, die die Freiheit des Individuums proklamierte, erwuchs die bürgerliche Ordnung, der Habgier- und Egoismusgeist. Dies war die historische Grundlage für die Entwicklung der künstlerischen Kultur, die eine neue Richtung vorschlug - die Romantik.

3. HAUPTMERKMALE DER ROMANTIK

Romantik als Methode und Richtung in der künstlerischen Kultur war ein komplexes und umstrittenes Phänomen. In jedem Land hatte er einen hellen Nationalausdruck. Es ist nicht einfach, Merkmale in Literatur, Musik, Malerei und Theater zu finden, die Chateaubriand und Delacroix, Mickiewicz und Chopin, Lermontov und Kiprensky vereinen.

Romantiker besetzten verschiedene soziale und politische Positionen in der Gesellschaft. Sie alle rebellierten gegen die Ergebnisse der bürgerlichen Revolution, aber sie rebellierten auf unterschiedliche Weise, da jeder sein eigenes Ideal hatte. Doch bei aller Vielseitigkeit und Vielfalt hat die Romantik stabile Züge.

Die Enttäuschung in der Neuzeit führte zu einem Sonderfall Interesse an der Vergangenheit: zu vorbürgerlichen Gesellschaftsformationen, zur patriarchalischen Antike. Viele Romantiker waren geprägt von der Vorstellung, dass die malerische Exotik der Länder des Südens und Ostens – Italien, Spanien, Griechenland, Türkei – einen poetischen Kontrast zum langweiligen bürgerlichen Alltag darstellt. In diesen damals noch wenig zivilisierten Ländern suchten die Romantiker helle, starke Charaktere, eine originelle, bunte Lebensart. Das Interesse an der nationalen Vergangenheit führte zu einer Vielzahl historischer Werke.

In dem Bestreben, sich irgendwie über die Prosa des Seins zu erheben, die vielfältigen Fähigkeiten des Individuums zu befreien und sich letztendlich in Kreativität zu verwirklichen, widersetzten sich die Romantiker der Formalisierung der Kunst und der für den Klassizismus charakteristischen direkten und vernünftigen Herangehensweise an sie. Sie kamen alle aus Leugnung der Aufklärung und der rationalistischen Kanone des Klassizismus, was die schöpferische Initiative des Künstlers behinderte, und wenn die Klassik alles geradlinig einteilt, in gut und schlecht, in schwarz und weiß, dann teilt die Romantik nichts geradlinig. Der Klassizismus ist ein System, die Romantik nicht. Die Romantik hat die Weiterentwicklung der Neuzeit vom Klassizismus zum Sentimentalismus vorangetrieben, der das Innenleben eines Menschen im Einklang mit der weiten Welt zeigt. Und die Romantik stellt der inneren Welt die Harmonie entgegen. Mit der Romantik beginnt der echte Psychologismus zu erscheinen.

Die Hauptaufgabe der Romantik war Bild der inneren Welt, spirituelles Leben, und dies könnte auf dem Material von Geschichten, Mystik usw. Es galt, das Paradoxon dieses Innenlebens, seine Irrationalität, aufzuzeigen.

In ihrer Fantasie verwandelten die Romantiker die unattraktive Realität oder begaben sich in die Welt ihrer Erfahrungen. Die Kluft zwischen Traum und Wirklichkeit, der Gegensatz von schöner Fiktion und objektiver Realität, lag im Herzen der gesamten romantischen Bewegung.

Die Romantik stellt zum ersten Mal das Problem der Sprache der Kunst. „Kunst ist eine ganz andere Sprache als die Natur; aber es enthält auch dieselbe Wunderkraft, die ebenso heimlich und unbegreiflich auf die menschliche Seele einwirkt“ (Wackenroder und Tieck). Ein Künstler ist ein Interpret der Sprache der Natur, ein Vermittler zwischen der Welt des Geistes und den Menschen. „Dank der Künstler entsteht die Menschheit als ganze Individualität. Künstler der Moderne vereinen die Welt der Vergangenheit mit der Welt der Zukunft. Sie sind das höchste geistige Organ, in dem die Lebenskräfte ihres äußeren Menschseins aufeinandertreffen und wo sich zuerst das innere Menschsein manifestiert“ (F. Schlegel).

Die Romantik war jedoch keine homogene Strömung: Ihre ideologische Entwicklung ging in unterschiedliche Richtungen. Unter den Romantikern waren reaktionäre Schriftsteller, Anhänger des alten Regimes, die von der feudalen Monarchie und dem Christentum sangen. Auf der anderen Seite äußerten fortschrittlich denkende Romantiker demokratischen Protest gegen feudale und alle Arten von Unterdrückung, verkörperten den revolutionären Impuls des Volkes für eine bessere Zukunft.

Die Romantik hinterließ eine ganze Ära in der Weltkunstkultur, ihre Vertreter waren: in der Literatur V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz und andere; in der bildenden Kunst von E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky und anderen; in der Musik von F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin ua Sie entdeckten und entwickelten neue Genres, schenkten dem Schicksal der menschlichen Persönlichkeit besondere Aufmerksamkeit, offenbarten die Dialektik von Gut und Böse, meisterhaft offenbarte menschliche Leidenschaften usw.

Die Kunstformen gleichten sich in ihrer Bedeutung mehr oder weniger an und brachten großartige Kunstwerke hervor, obwohl die Romantiker der Musik den Vorrang auf der Leiter der Künste einräumten.

4. ROMANTISCHER HELD

Wer ist ein romantischer Held und wie ist er?

Das ist ein Individualist. Ein Übermensch, der zwei Stadien durchlebt hat: Vor dem Zusammenstoß mit der Realität lebt er in einem „rosa“ Zustand, er ist besessen von der Sehnsucht nach Leistung, Veränderung der Welt; Nach einem Zusammenstoß mit der Realität hält er diese Welt weiterhin für vulgär und langweilig, aber er wird kein Skeptiker, kein Pessimist. Mit dem klaren Verständnis, dass man nichts ändern kann, degeneriert der Wunsch nach Leistung zu einem Wunsch nach Gefahr.

Romantiker konnten jedem kleinen Ding, jeder konkreten Tatsache, allem Einzigartigen ewigen, bleibenden Wert verleihen. Joseph de Maistre nennt es "die Pfade der Vorsehung", Germaine de Stael - "den fruchtbaren Busen des unsterblichen Universums". Chateaubriand weist im "Genius des Christentums" in einem der Geschichte gewidmeten Buch direkt auf Gott als den Beginn der historischen Zeit hin. Die Gesellschaft erscheint als ein unerschütterliches Band, „der Lebensfaden, der uns mit unseren Vorfahren verbindet und den wir bis zu unseren Nachkommen verlängern müssen“. Nur das Herz eines Menschen, nicht sein Verstand, kann die Stimme des Schöpfers verstehen und hören, durch die Schönheit der Natur, durch tiefe Gefühle. Die Natur ist göttlich, sie ist eine Quelle der Harmonie und der schöpferischen Kräfte, ihre Metaphern werden von Romantikern oft in das politische Lexikon übertragen. Für Romantiker wird der Baum zum Symbol der Familie, der spontanen Entwicklung, der Wahrnehmung der Säfte des Heimatlandes, eines Symbols der nationalen Einheit. Je unschuldiger und sensibler die Natur eines Menschen ist, desto leichter hört er die Stimme Gottes. Ein Kind, eine Frau, ein edler Jüngling sehen öfter als andere die Unsterblichkeit der Seele und den Wert des ewigen Lebens. Der Glücksdurst der Romantiker beschränkt sich nicht auf den idealistischen Wunsch nach dem Reich Gottes nach dem Tod.

Neben der mystischen Liebe zu Gott braucht der Mensch echte, irdische Liebe. Unfähig, das Objekt seiner Leidenschaft zu besitzen, wurde der romantische Held zum ewigen Märtyrer, der dazu verdammt war, im Jenseits auf ein Treffen mit seiner Geliebten zu warten, "denn große Liebe ist der Unsterblichkeit würdig, wenn sie einen Menschen das Leben kostet".

Einen besonderen Platz im Werk der Romantiker nimmt das Problem der Entwicklung und Erziehung des Individuums ein. Die Kindheit ist gesetzlos, ihre momentanen Impulse verletzen die öffentliche Moral und gehorchen ihren eigenen Regeln des kindlichen Spiels. Bei einem Erwachsenen führen ähnliche Reaktionen zum Tod, zur Verurteilung der Seele. Auf der Suche nach dem himmlischen Reich muss ein Mensch die Gesetze der Pflicht und der Moral verstehen, nur dann kann er auf das ewige Leben hoffen. Da den Romantikern die Pflicht durch ihren Wunsch, ewiges Leben zu erlangen, diktiert wird, verleiht die Erfüllung der Pflicht persönliches Glück in seiner tiefsten und mächtigsten Manifestation. Zu der moralischen Pflicht kommt die Pflicht tiefer Gefühle und erhabener Interessen hinzu. Ohne die Verdienste verschiedener Geschlechter zu vermischen, befürworten Romantiker die Gleichberechtigung der spirituellen Entwicklung von Männern und Frauen. Ebenso diktiert die Liebe zu Gott und seinen Institutionen die Bürgerpflicht. Das persönliche Streben findet seine Vollendung in der gemeinsamen Sache, im Streben der ganzen Nation, der ganzen Menschheit, der ganzen Welt.

Jede Kultur hat ihren eigenen romantischen Helden, aber Byron gab in seinem Werk Charld Harold eine typische Darstellung des romantischen Helden. Er setzte die Maske seines Helden auf (er sagt, dass es keine Distanz zwischen dem Helden und dem Autor gibt) und schaffte es, den romantischen Kanon einzuhalten.

Alle romantischen Werke zeichnen sich durch charakteristische Merkmale aus:

Erstens gibt es in jedem romantischen Werk keine Distanz zwischen dem Helden und dem Autor.

Zweitens urteilt der Autor des Helden nicht, aber selbst wenn etwas Schlechtes über ihn gesagt wird, ist die Handlung so aufgebaut, dass der Held keine Schuld trägt. Die Handlung in einem romantischen Werk ist normalerweise romantisch. Romantiker bauen auch eine besondere Beziehung zur Natur auf, sie mögen Stürme, Gewitter, Katastrophen.

5. ROMANTIK IN RUSSLAND.

Die Romantik in Russland unterschied sich von der westeuropäischen zugunsten einer anderen historischen Umgebung und einer anderen kulturellen Tradition. Die Französische Revolution kann nicht zu den Ursachen ihres Entstehens gezählt werden, ein sehr enger Kreis von Menschen hatte Hoffnungen auf Veränderungen in ihrem Verlauf. Und die Ergebnisse der Revolution waren völlig enttäuschend. Die Frage des Kapitalismus in Russland zu Beginn des 19. Jahrhunderts. stand nicht. Daher gab es keinen solchen Grund. Der eigentliche Grund war der Vaterländische Krieg von 1812, in dem sich die ganze Kraft der Volksinitiative manifestierte. Aber nach dem Krieg bekamen die Menschen den Willen nicht. Unzufrieden mit der Realität zog der beste Adel im Dezember 1825 auf den Senatsplatz. Dieser Akt hinterließ auch bei der kreativen Intelligenz seine Spuren. Die turbulenten Nachkriegsjahre wurden zum Umfeld, in dem die russische Romantik entstand.

Die Romantik, und darüber hinaus unsere Russische, entwickelte sich und formte sich zu unseren ursprünglichen Formen. Die Romantik war keine einfache Literatur, sondern ein Lebensphänomen, eine ganze Ära der moralischen Entwicklung, eine Ära, die ihre eigene besondere Farbe hatte, führte eine besondere durch Aussichten im Leben ... Lassen Sie den romantischen Trend von außen kommen, aus dem westlichen Leben und der westlichen Literatur, er fand in der russischen Natur den Boden für seine Wahrnehmung und spiegelte sich daher in völlig originellen Phänomenen wider, wie der Dichter und Kritiker Apollon Grigoriev bewertet - dies ist ein einzigartiges kulturelles Phänomen, und seine Charakterisierung zeigt die wesentliche Komplexität der Romantik , aus deren Eingeweiden der junge Gogol hervorging und mit der er nicht nur zu Beginn seiner Schriftstellerkarriere, sondern sein ganzes Leben lang verbunden war.

Apollon Grigoriev hat die Art des Einflusses der romantischen Schule auf die Literatur und das Leben, einschließlich der damaligen Prosa, genau bestimmt: kein einfacher Einfluss oder eine Anleihe, sondern ein charakteristischer und kraftvoller Lebens- und Literaturtrend, der in der jungen russischen Literatur völlig originelle Phänomene hervorbrachte.

a) Literatur

Die russische Romantik wird normalerweise in mehrere Perioden unterteilt: die anfängliche (1801-1815), die reife (1815-1825) und die Periode der postdezembristischen Entwicklung. In Bezug auf die Anfangszeit fällt jedoch die Konventionalität dieses Schemas auf. Denn die Anfänge der russischen Romantik sind mit den Namen Schukowski und Batjuschkow verbunden, Dichter, deren Werk und Weltanschauung sich nur schwer nebeneinander stellen und innerhalb desselben Zeitraums vergleichen lassen, so unterschiedlich sind ihre Ziele, Bestrebungen und Temperamente. In den Gedichten beider Dichter ist immer noch der gebieterische Einfluss der Vergangenheit, der Ära des Sentimentalismus, zu spüren, aber wenn Schukowski noch tief darin verwurzelt ist, dann ist Batyushkov neuen Trends viel näher.

Belinsky bemerkte zu Recht, dass Schukowskis Arbeit gekennzeichnet ist durch "Beschwerden über unvollkommene Hoffnungen, die keinen Namen hatten, Traurigkeit über verlorenes Glück, aus dem Gott weiß, woraus es bestand". Tatsächlich unternahm die Romantik in der Person von Schukowski noch ihre ersten schüchternen Schritte und würdigte die sentimentale und melancholische Sehnsucht, eine vage, kaum wahrnehmbare Sehnsucht des Herzens, mit einem Wort, jenen komplexen Gefühlskomplexen, die in der russischen Kritik waren "Romantik des Mittelalters" genannt.

In Batyushkovs Gedichten herrscht eine ganz andere Atmosphäre: die Freude am Sein, offene Sinnlichkeit, eine Hymne an das Vergnügen.

Schukowski gilt zu Recht als prominenter Vertreter des russischen ästhetischen Humanismus. Fern von starken Leidenschaften, selbstzufrieden und sanftmütig stand Schukowski unter dem spürbaren Einfluss der Ideen von Rousseau und der deutschen Romantik. In der Folge legte er großen Wert auf die ästhetische Seite in Religion, Moral und sozialen Beziehungen. Die Kunst erhielt von Schukowski eine religiöse Bedeutung, er wollte in der Kunst eine „Offenbarung“ höherer Wahrheiten sehen, sie war ihm „heilig“. Es ist typisch für deutsche Romantiker, Poesie und Religion zu identifizieren. Dasselbe finden wir bei Schukowski, der schrieb: "Poesie ist Gott in den heiligen Träumen der Erde." In der deutschen Romantik war ihm die Anziehung zum Jenseits, zur „Nachtseite der Seele“, zum „Unaussprechlichen“ in Natur und Mensch besonders nahe. Die Natur in Schukowskis Gedichten ist von Mysterien umgeben, seine Landschaften sind gespenstisch und fast unwirklich, wie Spiegelungen im Wasser:

Wie sich Weihrauch mit der Kühle der Pflanzen verschmilzt!

Wie süß in der Stille am Ufer die Jets plätschern!

Wie leise ist der Wind der Marshmallows auf dem Wasser

Und flexibles Weidenflattern!

Die sensible, zarte und verträumte Seele von Zhukovsky scheint an der Schwelle „dieses mysteriösen Lichts“ süß zu gefrieren. Der Dichter, mit dem treffenden Ausdruck von Belinsky, „liebt und taucht sein Leiden ein“, aber dieses Leiden sticht sein Herz nicht mit grausamen Wunden, denn selbst in Angst und Traurigkeit ist sein inneres Leben ruhig und heiter. Wenn er in einer Botschaft an Batyushkov, „den Sohn der Glückseligkeit und des Spaßes“, den epikureischen Dichter „relativ zur Muse“ nennt, ist es daher schwierig, an diese Beziehung zu glauben. Vielmehr glauben wir dem tugendhaften Schukowski, der dem Sänger der irdischen Freuden freundlich rät: „Wonne abweisen, Träume sind tödlich!“

Batyushkov ist eine Figur in allem Gegenteil von Schukowski. Er war ein Mann starker Leidenschaften, und sein kreatives Leben wurde 35 Jahre früher beendet als seine physische Existenz: Als sehr junger Mann stürzte er in den Abgrund des Wahnsinns. Freud und Leid widmete er sich mit gleicher Kraft und Leidenschaft: Sowohl im Leben als auch in seiner poetischen Fassung war ihm – anders als Schukowski – die „goldene Mitte“ fremd. Seine Poesie ist zwar auch geprägt vom Lob der reinen Freundschaft, der Freude einer „demütigen Ecke“, aber seine Idylle ist keineswegs bescheiden und ruhig, denn Batiushkov kann sie sich ohne die träge Wonne leidenschaftlicher Genüsse und den Rausch des Lebens nicht vorstellen. Zuweilen wird der Dichter von sinnlichen Freuden so mitgerissen, dass er bereit ist, die bedrückende Weisheit der Wissenschaft rücksichtslos abzulehnen:

Ist es in den Wahrheiten traurig

Düstere Stoiker und langweilige Weise,

Sitzend in Trauerkleidern,

Zwischen Trümmern und Särgen

Werden wir die Süße unseres Lebens finden?

Von ihnen sehe ich Freude

Es fliegt wie ein Schmetterling aus Dornenbüschen.

Für sie gibt es keinen Reiz in den Reizen der Natur,

Die Mädchen singen nicht für sie, sie verflechten sich in Reigen;

Für sie, wie für die Blinden,

Frühling ohne Freude und Sommer ohne Blumen.

Echte Tragödie klingt selten in seinen Gedichten. Erst am Ende seines schöpferischen Lebens, als er Anzeichen einer Geisteskrankheit zu zeigen begann, wurde eines seiner letzten Gedichte diktiert aufgenommen, in dem die Motive der Sinnlosigkeit des irdischen Daseins deutlich erklingen:

Erinnerst du dich, was du gesagt hast?

Abschied vom Leben, grauhaariger Melchisedek?

Der Mensch wurde als Sklave geboren

Wird sich als Sklave ins Grab legen,

Und der Tod wird es ihm kaum sagen

Warum ging er durch das Tal der wunderbaren Tränen,

Gelitten, geweint, ertragen,

In Russland entwickelte sich die Romantik als literarische Strömung in den zwanziger Jahren des 19. Jahrhunderts. Seine Ursprünge waren Dichter, Prosaschreiber, Schriftsteller, und sie schufen die russische Romantik, die sich von der „westeuropäischen“ durch ihren nationalen, ursprünglichen Charakter unterschied. Die russische Romantik wurde von den Dichtern der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts entwickelt, und jeder Dichter brachte etwas Neues mit. Die russische Romantik war weit entwickelt, erhielt charakteristische Merkmale und wurde zu einem eigenständigen Trend in der Literatur. In "Ruslan und Ljudmila" A.S. Puschkin gibt es Zeilen: "Es gibt einen russischen Geist, dort riecht es nach Russland." Dasselbe gilt für die russische Romantik. Die Helden romantischer Werke sind poetische Seelen, die nach "hoch" und schön streben. Aber es gibt eine feindliche Welt, die es dir nicht erlaubt, Freiheit zu fühlen, was diese Seelen unverständlich macht. Diese Welt ist rau, also flieht die poetische Seele in eine andere, wo es ein Ideal gibt, sie strebt nach dem „Ewigen“. Die Romantik basiert auf diesem Konflikt. Aber die Dichter reagierten unterschiedlich auf diese Situation. Schukowski, Puschkin, Lermontow bauen, ausgehend von einer Sache, die Beziehung ihrer Helden und der Welt um sie herum auf unterschiedliche Weise auf, daher hatten ihre Helden unterschiedliche Wege zum Ideal.

Die Realität ist schrecklich, unhöflich, unverschämt und egoistisch, es gibt keinen Platz für die Gefühle, Träume und Wünsche des Dichters, seiner Helden. "Wahr" und ewig - in der anderen Welt. Daher das Konzept der zwei Welten, der Dichter strebt auf der Suche nach einem Ideal nach einer dieser Welten.

Schukowskis Position war nicht die Position einer Person, die in einen Kampf mit der Außenwelt eintrat, die ihn herausforderte. Es war ein Weg durch die Einheit mit der Natur, ein Weg der Harmonie mit der Natur, in einer ewigen und schönen Welt. Zhukovsky drückt nach Meinung vieler Forscher (einschließlich Yu.V. Mann) sein Verständnis dieses Einheitsprozesses in The Inexpressible aus. Einheit ist der Flug der Seele. Die Schönheit, die dich umgibt, erfüllt deine Seele, sie ist in dir, und du bist darin, die Seele fliegt, weder Zeit noch Raum existieren, aber du existierst in der Natur, und in diesem Moment lebst du, du möchtest über diese Schönheit singen , aber es gibt keine Worte, um Ihren Zustand auszudrücken, es gibt nur ein Gefühl der Harmonie. Du lässt dich von den Menschen um dich herum nicht stören, prosaische Seelen, dir steht mehr offen, du bist frei.

Puschkin und Lermontov näherten sich diesem Problem der Romantik unterschiedlich. Es besteht kein Zweifel, dass der Einfluss, den Schukowski auf Puschkin ausübte, sich in dessen Werk widerspiegeln musste. Puschkins Frühwerk ist von „bürgerlicher“ Romantik geprägt. Unter dem Einfluss von "Der Sänger im Lager der russischen Krieger" Zhukovsky und den Werken von Griboyedov schreibt Puschkin eine Ode an "Liberty", "To Chaadaev". In letzterem nennt er:

"Mein Freund! Lasst uns mit wunderbaren Impulsen unsere Seelen dem Vaterland weihen ...". Dies ist der gleiche Wunsch nach dem Ideal, den Schukowski hatte, nur Puschkin versteht das Ideal auf seine eigene Weise, daher ist der Weg zum Ideal für den Dichter ein anderer. Er will und kann nicht allein nach dem Ideal streben, der Dichter fordert ihn. Puschkin betrachtete die Realität und das Ideal anders. Man kann es nicht als Rebellion bezeichnen, dies ist eine Reflexion über die rebellischen Elemente. Dies spiegelte sich in der Ode "Sea" wider. Das ist die Stärke und Kraft des Meeres, das Meer ist frei, es hat sein Ideal erreicht. Auch der Mensch muss frei werden, sein Geist muss frei sein.

Die Suche nach einem Ideal ist das Hauptmerkmal der Romantik. Es manifestierte sich in den Arbeiten von Schukowski, Puschkin und Lermontow. Alle drei Dichter suchten die Freiheit, aber sie suchten sie auf unterschiedliche Weise, sie verstanden sie unterschiedlich. Schukowski suchte die vom "Schöpfer" gesandte Freiheit. Wenn eine Person Harmonie gefunden hat, wird sie frei. Für Puschkin war die Freiheit des Geistes wichtig, die sich in einer Person manifestieren sollte. Für Lermontov ist nur der rebellische Held frei. Rebellion für die Freiheit, was gibt es Schöneres? Diese Einstellung zum Ideal hat sich in den Liebeslyriken der Dichter erhalten. Meiner Meinung nach ist diese Beziehung zeitbedingt. Obwohl sie alle fast im selben Zeitraum arbeiteten, die Zeit ihrer Arbeit war unterschiedlich, entwickelten sich die Ereignisse mit außergewöhnlicher Geschwindigkeit. Auch die Charaktere der Dichter beeinflussten ihre Beziehung stark. Der ruhige Zhukovsky und der rebellische Lermontov sind völlig gegensätzlich. Aber die russische Romantik entwickelte sich gerade, weil die Natur dieser Dichter anders war. Sie führten neue Konzepte, neue Charaktere, neue Ideale ein, gaben ein vollständiges Bild davon, was Freiheit ist, was das wirkliche Leben ist. Jeder von ihnen stellt seinen eigenen Weg zum Ideal dar, dies ist das Wahlrecht für jeden Einzelnen.

Das Aufkommen der Romantik war sehr beunruhigend. Die menschliche Individualität stand nun im Mittelpunkt der ganzen Welt. Das menschliche „Ich“ begann als Grundlage und Sinn allen Seins interpretiert zu werden. Das menschliche Leben begann, als Kunstwerk, Kunst betrachtet zu werden. Die Romantik war im 19. Jahrhundert sehr verbreitet. Aber nicht alle Dichter, die sich Romantiker nannten, vermittelten die Essenz dieses Trends.

Schon jetzt, am Ende des 20. Jahrhunderts, können wir auf dieser Basis die Romantiker des letzten Jahrhunderts in zwei Gruppen einteilen. Eine und wahrscheinlich umfangreichste Gruppe ist diejenige, die die „formellen“ Romantiker vereinigte. Es ist schwierig, sie der Unaufrichtigkeit zu unterstellen, im Gegenteil, sie geben ihre Gefühle sehr genau wieder. Unter ihnen sind Dmitry Venevitinov (1805-1827) und Alexander Polezhaev (1804-1838). Diese Dichter verwendeten die romantische Form und hielten sie für die geeignetste, um ihr künstlerisches Ziel zu erreichen. Also schreibt D. Venevitinov:

Ich spüre, wie es in mir brennt

Heilige Flamme der Inspiration

Aber der Geist schwebt dem dunklen Ziel entgegen...

Werde ich eine verlässliche Klippe finden,

Wo kann ich meinen festen Fuß ausruhen?

Dies ist ein typisches romantisches Gedicht. Es verwendet traditionelles romantisches Vokabular - dies ist sowohl „die Flamme der Inspiration“ als auch „aufsteigender Geist“. So beschreibt der Dichter seine Gefühle. Aber nicht mehr. Der Dichter ist an den Rahmen der Romantik gebunden, an ihre „verbale Erscheinung“. Alles ist auf einige Briefmarken vereinfacht.

Vertreter einer anderen Gruppe von Romantikern des 19. Jahrhunderts waren natürlich A. S. Puschkin und M. Lermontov. Diese Dichter hingegen füllten die romantische Form mit ihrem eigenen Inhalt. Die romantische Periode im Leben von A. Puschkin war kurz, daher hat er nur wenige romantische Werke. „Gefangener des Kaukasus“ (1820-1821) ist eines der frühesten romantischen Gedichte von A.S. Puschkin. Vor uns liegt eine klassische Version eines romantischen Werkes. Der Autor gibt uns kein Porträt seines Helden, wir kennen nicht einmal seinen Namen. Und das ist nicht verwunderlich - alle romantischen Helden sind einander ähnlich. Sie sind jung, schön... und unglücklich. Auch die Handlung des Werkes ist klassisch romantisch. Als russischer Gefangener bei den Tscherkessen verliebt sich eine junge Frau aus Tscherkessen in ihn und hilft ihm bei der Flucht. Aber er liebt hoffnungslos einen anderen ... Das Gedicht endet tragisch - die tscherkessische Frau stürzt sich ins Wasser und stirbt, und der Russe, befreit aus "physischer" Gefangenschaft, fällt in eine andere, schmerzhaftere Gefangenschaft - Gefangenschaft der Seele. Was wissen wir über die Vergangenheit des Helden?

Ein langer Weg führt nach Russland...

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Wo er schreckliches Leid umarmte,

Wo das hektische Leben ruiniert ist

Hoffnung, Freude und Sehnsucht.

Er kam auf der Suche nach Freiheit in die Steppe, versuchte, seinem früheren Leben zu entfliehen. Und jetzt, wo das Glück so nah schien, musste er wieder laufen. Aber wo? Zurück in die Welt, wo er „schreckliches Leid erduldete“.

Abtrünniger des Lichts, Freund der Natur,

Er verließ seine Heimat

Und flog in ein fernes Land

Mit einem fröhlichen Gespenst der Freiheit.

Doch der „Geist der Freiheit“ blieb nur ein Gespenst. Er wird den romantischen Helden für immer verfolgen. Ein weiteres romantisches Gedicht ist "Zigeuner". Darin gibt der Autor dem Leser erneut kein Porträt des Helden, wir kennen nur seinen Namen - Aleko. Er kam ins Lager, um wahres Vergnügen und wahre Freiheit kennenzulernen. Ihr zuliebe hat er alles aufgegeben, was ihn früher umgab. War er frei und glücklich? Es scheint, dass Aleko liebt, aber mit diesem Gefühl kommen nur Unglück und Verachtung zu ihm. Aleko, die sich so sehr nach Freiheit sehnte, konnte den Willen in einem anderen Menschen nicht erkennen. In diesem Gedicht manifestierte sich ein weiteres äußerst charakteristisches Merkmal der Weltanschauung des romantischen Helden - Egoismus und völlige Unvereinbarkeit mit der Außenwelt. Aleko wird nicht mit dem Tod bestraft, sondern noch schlimmer - mit Einsamkeit und Streit. Er war allein in der Welt, vor der er floh, aber in einer anderen, so begehrenswerten, wurde er wieder allein gelassen.

Bevor er „Der Gefangene des Kaukasus“ schrieb, sagte Puschkin einmal: „Ich bin nicht geeignet, der Held eines romantischen Gedichts zu sein“; Gleichzeitig schrieb Puschkin 1820 sein Gedicht "Das Licht der Welt erlosch ...". Darin finden Sie alle Vokabeln, die der Romantik innewohnen. Das ist die „ferne Küste“ und „düsterer Ozean“ und „Aufregung und Sehnsucht“, die den Autor quälen. Der Refrain zieht sich durch das ganze Gedicht:

Woge unter mir, mürrischer Ozean.

Es ist nicht nur in der Beschreibung der Natur vorhanden, sondern auch in der Beschreibung der Gefühle des Helden.

... Aber die ehemaligen Herzwunden,

Tiefe Wunden der Liebe, nichts geheilt ...

Lärm, Lärm, gehorsames Segel,

Sorge unter mir, düsterer Ozean ...

Das heißt, die Natur wird zu einer anderen Figur, einem anderen lyrischen Helden des Gedichts. Später, im Jahr 1824, schrieb Puschkin das Gedicht „To the Sea“. Der romantische Held darin, wie in "Das Licht der Welt erlosch ...", wurde wieder selbst zum Autor. Hier bezieht sich Puschkin auf das Meer als traditionelles Symbol der Freiheit. Das Meer ist ein Element, das Freiheit und Glück bedeutet. Puschkin konstruiert dieses Gedicht jedoch unerwartet:

Du hast gewartet, du hast gerufen... Ich war angekettet;

Hier wurde meine Seele zerrissen:

Bezaubert von mächtiger Leidenschaft,

Ich bin an der Küste geblieben...

Wir können sagen, dass dieses Gedicht die romantische Periode von Puschkins Leben vervollständigt. Es wurde von einem Mann geschrieben, der weiß, dass der romantische Held nach dem Erreichen der sogenannten „körperlichen“ Freiheit nicht glücklich wird.

In den Wäldern, in den Wüsten schweigen

Ich werde übertragen, voll von dir,

Deine Felsen, deine Buchten...

Zu diesem Zeitpunkt kommt Puschkin zu dem Schluss, dass wahre Freiheit nur in einem Menschen existieren kann und nur sie ihn wirklich glücklich machen kann.

Die Variante von Byrons Romantik lebte und spürte in seinem Werk zuerst in der russischen Kultur Puschkin, dann Lermontow. Puschkin hatte die Gabe, Menschen Aufmerksamkeit zu schenken, und doch ist das romantischste der romantischen Gedichte im Werk des großen Dichters und Prosaautors zweifellos Der Brunnen von Bachtschissarai.

Das Gedicht „The Fountain of Bakhchisaray“ setzt Puschkins Suche im Genre eines romantischen Gedichts nur fort. Und es ist sicher, dass der Tod des großen russischen Schriftstellers dies verhindert hat.

Das romantische Thema in Puschkins Werk erhielt zwei verschiedene Optionen: Es gibt einen heroischen romantischen Helden ("Gefangener", "Räuber", "Flüchtling"), der sich durch einen starken Willen auszeichnet, der eine grausame Prüfung gewalttätiger Leidenschaften durchlaufen hat, und es gibt ein leidender Held, bei dem subtile emotionale Erfahrungen unvereinbar sind mit der Grausamkeit der Außenwelt ("Exil", "Gefangener"). Der passive Anfang in romantischer Gestalt erhielt nun bei Puschkin eine weibliche Gestalt. Der Brunnen von Bakhchisaray entwickelt genau diesen Aspekt des romantischen Helden.

In "Prisoner of the Caucasus" wurde dem "Gefangenen" alle Aufmerksamkeit geschenkt und dem "Circassian" sehr wenig Aufmerksamkeit geschenkt, jetzt im Gegenteil - Khan Girey ist nichts weiter als eine undramatische Figur, und tatsächlich ist die Hauptfigur eine Frau, sogar zwei - Zarema und Maria. Die in früheren Gedichten gefundene Lösung der Dualität des Helden (durch das Bild der angeketteten Brüder) wird auch hier von Puschkin verwendet: Der passive Anfang wird im Gesicht zweier Charaktere dargestellt - der eifersüchtigen, leidenschaftlich verliebten Zarema und der traurigen , verlorene Hoffnung und Liebe Mary. Beide sind zwei widersprüchliche Leidenschaften romantischer Natur: Enttäuschung, Niedergeschlagenheit, Hoffnungslosigkeit und gleichzeitig spirituelle Glut, Intensität der Gefühle; Der Widerspruch wird im Gedicht auf tragische Weise gelöst - der Tod Marias brachte auch Zarema kein Glück, da sie durch mysteriöse Bande verbunden sind. So überschattete in „Die Räuberbrüder“ der Tod eines der Brüder für immer das Leben des anderen.

B. V. Tomashevsky bemerkte jedoch zu Recht: „Die lyrische Isolierung des Gedichts hat auch zu einem gewissen Mangel an Inhalt geführt ... Der moralische Sieg über Zarema führt nicht zu weiteren Schlussfolgerungen und Überlegungen ... „Prisoner of the Caucasus“ hat eine klare Fortsetzung in Puschkins Werk: Sowohl Aleko als auch Eugene Onegin erlauben ... Fragen, die im ersten südlichen Gedicht gestellt werden. "Der Brunnen von Bachtschissarai" hat keine solche Fortsetzung ... "

Puschkin suchte und identifizierte den verwundbarsten Punkt in der romantischen Position eines Menschen: Er will alles nur für sich.

Lermontovs Gedicht "Mtsyri" spiegelt auch die charakteristischen Merkmale der Romantik nicht vollständig wider.

Es gibt zwei romantische Helden in diesem Gedicht, wenn es sich also um ein romantisches Gedicht handelt, dann ist es sehr eigenartig: Erstens wird der zweite Held vom Autor durch eine Epigraphik vermittelt; Zweitens verbindet sich der Autor nicht mit Mtsyri, der Held löst das Problem des Eigenwillens auf seine eigene Weise, und Lermontov denkt im gesamten Gedicht nur daran, dieses Problem zu lösen. Er beurteilt seinen Helden nicht, aber er rechtfertigt ihn auch nicht, aber er nimmt eine bestimmte Position ein - Verständnis. Es stellt sich heraus, dass die Romantik in der russischen Kultur in Reflexion umgewandelt wird. Es stellt sich Romantik in Bezug auf Realismus heraus.

Man kann sagen, dass Puschkin und Lermontov es nicht geschafft haben, Romantiker zu werden (obwohl Lermontov es einmal geschafft hat, die romantischen Gesetze einzuhalten - im Drama „Maskerade“). Durch ihre Experimente zeigten die Dichter, dass in England die Position eines Individualisten fruchtbar sein konnte, nicht aber in Russland. Obwohl Puschkin und Lermontov keine Romantiker wurden, ebneten sie den Weg für die Entwicklung des Realismus. 1825 wurde das erste realistische Werk veröffentlicht: "Boris Godunov", dann "The Captain's Daughter", "Eugene Onegin", "A Hero of Our Time" und viele andere.

b) Malen

In der bildenden Kunst manifestierte sich die Romantik am deutlichsten in Malerei und Grafik, weniger expressiv in Skulptur und Architektur. Russische romantische Maler waren prominente Vertreter der Romantik in der bildenden Kunst. In ihren Gemälden drückten sie den Geist der Freiheitsliebe, des aktiven Handelns aus und appellierten leidenschaftlich und temperamentvoll an die Manifestation des Humanismus. Die alltäglichen Leinwände russischer Maler zeichnen sich durch Relevanz und Psychologismus aus, beispielloser Ausdruck. Vergeistigte, melancholische Landschaften sind wieder derselbe Versuch der Romantik, in die Menschenwelt einzudringen, zu zeigen, wie ein Mensch in der sublunaren Welt lebt und träumt. Die russische romantische Malerei unterschied sich von der ausländischen. Dies wurde durch die historische Situation und Tradition bestimmt.

Merkmale der russischen romantischen Malerei:

Die Ideologie der Aufklärung schwächte sich ab, brach aber nicht zusammen wie in Europa. Daher war die Romantik nicht ausgeprägt.

Die Romantik entwickelte sich parallel zum Klassizismus, oft verflochten mit ihm.

Die akademische Malerei in Russland hat sich noch nicht erschöpft.

Romantik in Russland war kein stabiles Phänomen, Romantiker wurden vom Akademismus angezogen. Mitte des 19. Jahrhunderts. Die romantische Tradition ist fast ausgestorben.

In Russland tauchten bereits in den 1790er Jahren Werke im Zusammenhang mit der Romantik auf (die Werke von Feodosy Yanenko "Travellers Caught in a Storm" (1796), "Self-Portrait in a Helmet" (1792). Der Prototyp ist in ihnen offensichtlich - Salvator Rosa, sehr beliebt an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. Später wird der Einfluss dieses protoromantischen Künstlers im Werk von Alexander Orlovsky spürbar. Räuber, Lagerfeuerszenen, Schlachten begleiteten seine gesamte Karriere. Wie in anderen Ländern , Künstler der russischen Romantik brachten Porträts, Landschaften und Genreszenen in eine völlig neue emotionale Stimmung.

In Russland begann sich die Romantik zuerst zu manifestieren Porträtgemälde. Im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts verlor sie weitgehend den Kontakt zum Hochadel. Porträts von Dichtern, Künstlern, Kunstmäzenen und dem Bild gewöhnlicher Bauern nahmen einen bedeutenden Platz ein. Dieser Trend war besonders ausgeprägt in der Arbeit von O.A. Kiprensky (1782 - 1836) und V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Vasily Andreevich Tropinin strebte eine lebendige, entspannte Charakterisierung einer Person an, die durch sein Porträt zum Ausdruck kommt. Porträt eines Sohnes (1818), "Porträt von A. S. Puschkin" (1827), "Selbstporträt" (1846) verblüffen nicht mit einer Ähnlichkeit des Porträts mit den Originalen, sondern mit einem ungewöhnlich subtilen Eindringen in die innere Welt einer Person.

Porträt eines Sohnes- Arsenia Tropinina ist eine der besten in der Arbeit des Meisters. Exquisite, weiche goldene Farben, die an die Valerie-Malerei des 18. Jahrhunderts erinnern. Allerdings im Vergleich zu einem typischen Kinderporträt in der Romantik des 18. Jahrhunderts. hier fällt die unvoreingenommene gestaltung auf - dieses kind posiert sehr wenig. Arsenys Blick gleitet am Betrachter vorbei, er ist lässig gekleidet, das Tor wird wie zufällig aufgerissen. Der Mangel an Repräsentativität liegt in der außergewöhnlichen Fragmentierung der Komposition: Der Kopf füllt fast die gesamte Fläche der Leinwand aus, das Bild ist bis auf die Schlüsselbeine abgeschnitten, und so rückt das Gesicht des Jungen automatisch in Richtung des Betrachters.

Außerordentlich interessante Schöpfungsgeschichte "Porträt von Puschkin". Wie üblich kam Tropinin zur ersten Bekanntschaft mit Puschkin zu Sobolevskys Haus auf dem Hundespielplatz, wo der Dichter damals lebte. Der Künstler fand ihn in seinem Büro, wo er mit Welpen herumhantierte. Gleichzeitig wurde offenbar nach dem ersten Eindruck, den Tropinin so schätzte, eine kleine Skizze geschrieben. Lange Zeit blieb er seinen Verfolgern verborgen. Nur fast hundert Jahre später, 1914, wurde es von P.M. Shchekotov, der schrieb, dass von allen Porträts von Alexander Sergeevich „seine Gesichtszüge am besten zum Ausdruck kommen ... die blauen Augen des Dichters sind hier von besonderer Brillanz erfüllt, die Kopfdrehung ist schnell und die Gesichtszüge sind ausdrucksstark und beweglich . Zweifellos sind hier die wahren Züge von Puschkins Gesicht festgehalten, denen wir individuell in dem einen oder anderen der uns überlieferten Porträts begegnen. Es bleibt rätselhaft“, fügt Shchekotov hinzu, „warum diese bezaubernde Skizze nicht die gebührende Aufmerksamkeit von Verlegern und Kennern des Dichters erhalten hat.“ Dies erklärt sich aus den Qualitäten der kleinen Skizze: Es gab weder die Brillanz der Farben noch die Schönheit des Pinselstrichs noch meisterhaft geschriebene „Karussells“ darin. Und Puschkin ist hier keine beliebte "Vitia", kein "Genie", sondern vor allem ein Mann. Und es ist kaum einer Analyse zugänglich, warum in der monochromen graugrünen, olivfarbenen Skala, in den hastigen, wie zufälligen Pinselstrichen einer fast unscheinbaren Etüde ein so großer menschlicher Gehalt steckt. In Anlehnung an das ganze Leben und die nachfolgenden Porträts von Puschkin kann diese Studie in Bezug auf die Stärke der Menschheit nur neben der Figur von Puschkin platziert werden, die vom sowjetischen Bildhauer A. Matveev gemeißelt wurde. Aber das war nicht die Aufgabe, die sich Tropinin stellte, das war nicht die Art von Puschkin, die sein Freund sehen wollte, obwohl er befahl, den Dichter in einer einfachen, heimeligen Form darzustellen.

Nach Einschätzung des Künstlers war Puschkin „der Zarendichter“. Aber er war auch ein Volksdichter, er war sein eigener und allen nahe. „Die Ähnlichkeit des Porträts mit dem Original ist verblüffend“, schrieb Polevoy am Ende, obwohl er den Mangel an „schnellem Sehen“ und „lebhaftem Gesichtsausdruck“ bemerkte, der Puschkin mit jedem neuen Eindruck verändert und wiederbelebt .

Im Porträt ist alles bis ins kleinste Detail durchdacht und verifiziert, und gleichzeitig gibt es nichts Absichtliches, nichts, was der Künstler eingebracht hat. Sogar die Ringe, die die Finger des Dichters schmücken, werden so hervorgehoben, dass Puschkin selbst ihnen im Leben Bedeutung beimaß. Unter den malerischen Offenbarungen von Tropinin beeindruckt das Porträt von Puschkin mit der Klangfülle seiner Bandbreite.

Tropinins Romantik hat deutlich sentimentale Ursprünge zum Ausdruck gebracht. Es war Tropinin, der das Genre begründete, etwas idealisiertes Porträt eines Mannes aus dem Volk („Die Spitzenklöpplerin“ (1823)). „Sowohl Kenner als auch Nicht-Kenner“, schreibt Svinin etwa "Spitzenmacherin" -- kommen zur Bewunderung beim Betrachten dieses Bildes, das wirklich alle Schönheiten der bildenden Kunst verbindet: die Angenehmheit des Pinsels, die richtige, fröhliche Beleuchtung, die Farbe ist klar, natürlich, außerdem offenbart dieses Porträt die Seele einer Schönheit und das schlauen neugierigen Blick, den sie jemandem zuwirft, der in diesem Moment eingetreten ist. Ihre an den Ellbogen entblößten Arme blieben mit ihrem Blick stehen, die Arbeit hörte auf, ein Seufzer flog aus der jungfräulichen Brust, die mit einem Musselintuch bedeckt war - und all dies ist mit einer solchen Wahrheit und Einfachheit dargestellt, dass dieses Bild sehr leicht falsch sein kann für das erfolgreichste Werk des glorreichen Traums. Nebensachen wie ein Spitzenkissen und ein Handtuch werden mit großer Kunst arrangiert und mit Endgültigkeit ausgearbeitet ... ”

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts war Twer ein bedeutendes kulturelles Zentrum Russlands. Alle prominenten Persönlichkeiten Moskaus waren hier für literarische Abende. Hier traf der junge Orest Kiprensky A. S. Puschkin, dessen später gemaltes Porträt zur Perle der weltweiten Porträtkunst wurde, und A. S. Puschkin wird ihm Gedichte widmen, in denen er ihn „den Liebling der leichtfüßigen Mode“ nennen wird. Porträt von Puschkin Die Pinsel von O. Kiprensky sind die lebende Verkörperung eines poetischen Genies. In der entschlossenen Kopfwendung, in den kräftig vor der Brust gekreuzten Armen, offenbart das ganze Erscheinungsbild des Dichters ein Gefühl von Unabhängigkeit und Freiheit. Über ihn sagte Puschkin: „Ich sehe mich wie in einem Spiegel, aber dieser Spiegel schmeichelt mir.“ In der Arbeit am Porträt von Puschkin treffen Tropinin und Kiprensky zum letzten Mal aufeinander, obwohl dieses Treffen nicht persönlich stattfindet, sondern viele Jahre später in der Kunstgeschichte, wo in der Regel zwei Porträts des größten russischen Dichters entstehen werden verglichen, gleichzeitig erstellt, aber an verschiedenen Orten - einer in Moskau. Ein weiterer in St. Petersburg. Nun ist dies ein Treffen von Meistern, die in ihrer Bedeutung für die russische Kunst ebenso groß sind. Obwohl Bewunderer von Kiprensky behaupten, dass die künstlerischen Vorteile auf der Seite seines romantischen Porträts liegen, in dem der Dichter in seine eigenen Gedanken versunken dargestellt wird, allein mit der Muse, sind die Nationalität und die Demokratie des Bildes eindeutig auf der Seite von Tropininskys Puschkin.

Somit spiegelten die beiden Porträts zwei Bereiche der russischen Kunst wider, konzentriert in zwei Hauptstädten. Und spätere Kritiker werden schreiben, dass Tropinin für Moskau das war, was Kiprensky für St. Petersburg war.

Eine Besonderheit von Kiprenskys Porträts ist, dass sie den spirituellen Charme und den inneren Adel einer Person zeigen. Das Porträt eines mutigen und gefühlsstarken Helden sollte das Pathos der freiheitsliebenden und patriotischen Stimmungen eines fortgeschrittenen russischen Menschen verkörpern.

vor „Porträt von E. V. Davydov“(1809) zeigt die Figur eines Offiziers, der den für die Romantik jener Jahre so typischen Kult einer starken und mutigen Persönlichkeit unmittelbar zum Ausdruck brachte. Die fragmentarisch gezeigte Landschaft, in der ein Lichtstrahl mit der Dunkelheit ringt, lässt die seelischen Ängste des Helden erahnen, doch in seinem Gesicht spiegelt sich verträumte Sensibilität. Kiprensky suchte das "Menschliche" in einer Person, und das Ideal verschleierte ihm nicht die persönlichen Eigenschaften des Charakters des Modells.

Porträts von Kiprensky zeigen, wenn Sie sie mit Ihrem geistigen Auge betrachten, den geistigen und natürlichen Reichtum eines Menschen, seine intellektuelle Stärke. Ja, er hatte das Ideal einer harmonischen Persönlichkeit, wie seine Zeitgenossen sprachen, aber Kiprensky versuchte nicht, dieses Ideal buchstäblich auf ein künstlerisches Bild zu projizieren. Bei der Schaffung eines künstlerischen Bildes ging er von der Natur aus, als würde er messen, wie weit oder nah sie einem solchen Ideal ist. Tatsächlich sind viele der von ihm Dargestellten am Vorabend des Ideals, darauf gerichtet, während das Ideal selbst nach den Vorstellungen der romantischen Ästhetik kaum erreichbar ist und alle romantische Kunst nur ein Weg dorthin ist.

Kiprensky bemerkt die Widersprüche in der Seele seiner Helden und zeigt sie in ängstlichen Momenten des Lebens, wenn sich das Schicksal ändert, alte Ideen zusammenbrechen, die Jugend geht usw., scheint Kiprensky zusammen mit seinen Modellen zu erleben. Daher die besondere Beteiligung des Porträtmalers an der Interpretation künstlerischer Bilder, die dem Porträt eine intime Note verleiht.

In der frühen Schaffensphase von Kiprensky werden Sie keine Gesichter sehen, die mit Skepsis infiziert sind, Analysen, die die Seele zersetzen. Dies wird später kommen, wenn die romantische Zeit ihren Herbst überdauert und anderen Stimmungen und Gefühlen Platz macht, wenn die Hoffnungen auf den Triumph des Ideals einer harmonischen Persönlichkeit zusammenbrechen. In allen Porträts des 18. Jahrhunderts und den in Twer ausgeführten Porträts zeigt Kiprensky einen kühnen Pinsel, der leicht und frei eine Form baut. Die Komplexität der Techniken, das Wesen der Figur änderte sich von Werk zu Werk.

Es ist bemerkenswert, dass Sie auf den Gesichtern seiner Helden keine heroische Freude sehen werden, im Gegenteil, die meisten Gesichter sind eher traurig, sie geben sich Gedanken. Es scheint, dass diese Leute über das Schicksal Russlands besorgt sind, sie denken mehr an die Zukunft als an die Gegenwart. In Frauenbildern, die Ehefrauen darstellen, Schwestern von Teilnehmern an bedeutenden Ereignissen, strebte Kiprensky auch nicht nach bewusst heroischer Hochstimmung. Das Gefühl von Leichtigkeit, Natürlichkeit überwiegt. Dabei steckt in allen Porträts so viel wahrer Adel der Seele. Frauenbilder ziehen mit ihrer bescheidenen Würde und Integrität der Natur an; in den Gesichtern der Menschen kann man einen neugierigen Gedanken, eine Bereitschaft zur Askese erahnen. Diese Bilder fielen mit den reifenden ethischen und ästhetischen Ideen der Dekabristen zusammen. Ihre Gedanken und Bestrebungen wurden dann von vielen geteilt (die Gründung von Geheimgesellschaften mit bestimmten sozialen und politischen Programmen fällt in den Zeitraum 1816-1821), der Künstler wusste davon, und daher können wir sagen, dass seine Porträts von Teilnehmern an den Ereignissen von 1812–1814, in denselben Jahren entstandene Bauernbilder – eine Art künstlerische Parallele zu den aufkommenden Konzepten des Dekabrismus.

Das helle Siegel des romantischen Ideals ist markiert „Porträt von V. A. Zhukovsky“(1816). Der Künstler, der im Auftrag von S. S. Uvarov ein Porträt schuf, beschloss, seinen Zeitgenossen nicht nur das Bild des in Literaturkreisen bekannten Dichters zu zeigen, sondern auch ein gewisses Verständnis für die Persönlichkeit des romantischen Dichters zu demonstrieren. Vor uns liegt eine Art Dichter, der die philosophische und verträumte Tendenz der russischen Romantik zum Ausdruck brachte. Kiprensky stellte Zhukovsky in einem Moment kreativer Inspiration vor. Der Wind hat dem Dichter die Haare zerzaust, die Bäume spritzen in der Nacht verstörend mit ihren Zweigen, die Ruinen alter Gebäude sind kaum noch zu sehen. So sollte der Schöpfer romantischer Balladen aussehen. Dunkle Farben verstärken die Atmosphäre des Geheimnisvollen. Auf Anraten von Uvarov malt Kiprensky einzelne Fragmente des Porträts nicht zu Ende, damit „übertriebene Vollständigkeit“ Geist, Temperament und Emotionalität nicht auslöscht.

Viele Porträts wurden von Kiprensky in Tver gemalt. Als er Ivan Petrovich Vulf, einen Gutsbesitzer aus Tver, malte, blickte er außerdem mit Rührung auf das Mädchen, das vor ihm stand, seine Enkelin, die zukünftige Anna Petrovna Kern, der eines der faszinierendsten lyrischen Werke gewidmet war - A. S. Puschkins Gedicht „Ich erinnere mich an einen wunderbaren Moment ... Solche Vereinigungen von Dichtern, Künstlern und Musikern wurden zur Manifestation eines neuen Kunsttrends - der Romantik.

„Young Gardener“ (1817) von Kiprensky, „Italian Noon“ (1827) von Bryullov, „Reaper“ oder „Reaper“ (1820s) von Venetsianov sind Werke der gleichen typologischen Reihe, die sich auf die Natur konzentrieren und klar mit Gebrauch geschrieben wurden Die Aufgabe jedes einzelnen Künstlers, die ästhetische Perfektion der einfachen Natur zu verkörpern, führte jedoch zu einer gewissen Idealisierung von Erscheinungen, Kleidern und Situationen, um eine Bildmetapher zu schaffen.Indem er das Leben und die Natur beobachtete, dachte der Künstler sie neu , das Sichtbare zu poetisieren, in dieser qualitativ neuen Verbindung von Natur und Imagination mit der Erfahrung von Meistern der Antike und der Renaissance Bilder entstehen zu lassen, die der Kunst zuvor unbekannt waren, und ist eines der Merkmale der Romantik in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die metaphorische Natur, die im Allgemeinen für diese Werke von Venetsianov und Bryullov charakteristisch ist, war eines der wichtigsten Merkmale der Romantik, als russische Künstler mit dem westeuropäischen romantischen Porträt noch wenig vertraut waren. "Bildnis eines Vaters (A. K. Schwalbe)"(1804) wurde von Orest Kiprensky über die Kunst und das Porträtgenre im Besonderen geschrieben.

Die bedeutendsten Errungenschaften der russischen Romantik sind Werke des Porträtgenres. Die hellsten und besten Beispiele der Romantik stammen aus der Frühzeit. Lange vor seiner Italienreise im Jahr 1816 sah Kiprensky, innerlich bereit für eine romantische Inkarnation, die Gemälde der alten Meister mit neuen Augen. Dunkle Farben, durch Licht hervorgehobene Figuren, brennende Farben, intensive Dramaturgie haben ihn stark geprägt. „Porträt eines Vaters“ ist zweifellos unter dem Eindruck von Rembrandt entstanden. Aber der russische Künstler übernahm nur äußere Techniken des großen Holländers. "Portrait of a Father" ist ein absolut eigenständiges Werk, das über eine eigene innere Energie und künstlerische Ausdruckskraft verfügt. Eine Besonderheit von Landschaftsporträts ist die Lebendigkeit ihrer Darstellung. Hier gibt es keine Bildhaftigkeit – die sofortige Übertragung dessen, was er gesehen hat, auf Papier schafft eine einzigartige Frische des grafischen Ausdrucks. Daher erscheinen uns die in den Zeichnungen abgebildeten Personen nah und verständlich.

Ausländer nannten Kiprensky den Russen Van Dyck, seine Porträts befinden sich in vielen Museen auf der ganzen Welt. Der Nachfolger der Arbeit von Levitsky und Borovikovsky, der Vorgänger von L. Ivanov und K. Bryullov, Kiprensky, verlieh der russischen Kunstschule mit seiner Arbeit europäischen Ruhm. Mit den Worten von Alexander Ivanov: "Er war der Erste, der den russischen Namen nach Europa brachte ...".

Das für die Romantik charakteristische gesteigerte Interesse an der Persönlichkeit eines Menschen bestimmte die Blüte der Porträtgattung in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, in der das Selbstporträt zum dominierenden Merkmal wurde. Die Entstehung eines Selbstporträts war in der Regel keine zufällige Episode. Immer wieder schrieben und zeichneten Künstler selbst, und diese Werke wurden zu einer Art Tagebuch, das verschiedene Befindlichkeiten und Lebensabschnitte widerspiegelte, und zugleich zu einem Manifest an die Zeitgenossen. Selbstportrait war kein übliches Genre, der Künstler schrieb für sich selbst, und hier wurde er wie nie zuvor frei im Selbstausdruck. Russische Künstler malten im 18. Jahrhundert selten Originalbilder, einzig die Romantik mit ihrem Kult des Individuellen, Außergewöhnlichen trug zum Aufstieg dieser Gattung bei. Die Vielfalt der Selbstporträttypen spiegelt das Selbstverständnis der Künstler als reiche und facettenreiche Persönlichkeit wider. Sie treten entweder in der üblichen und natürlichen Rolle des Schöpfers auf („Selbstbildnis in einer Samtmütze“ von A. G. Varnek, 1810er Jahre), dann stürzen sie sich in die Vergangenheit, als ob sie es an sich selbst versuchen würden („Selbstbildnis in einem Helm und Rüstung“ von F. I. Yanenko , 1792), oder erscheint meistens ohne professionelle Attribute, die Bedeutung und den Selbstwert jeder Person bekräftigend, befreit und weltoffen, suchend und umhereilend, wie zum Beispiel F. A. Bruni und O. A. Orlovsky in Selbstporträts der 1810er Jahre. Dialogbereitschaft und Offenheit, charakteristisch für die figurative Lösung der Werke der 1810-1820er Jahre, werden nach und nach abgelöst von Ermüdung und Enttäuschung, Eintauchen, Rückzug in sich selbst ("Selbstbildnis" von M. I. Terebenev). Dieser Trend spiegelte sich in der Entwicklung der Porträtgattung insgesamt wider.

Selbstporträts von Kiprensky erschienen, was erwähnenswert ist, in kritischen Momenten des Lebens zeugten sie vom Aufstieg oder Fall der mentalen Stärke. Durch seine Kunst betrachtete der Künstler sich selbst. Allerdings benutzte er nicht, wie die meisten Maler, einen Spiegel; er malte sich hauptsächlich nach seiner idee, er wollte seinen geist ausdrücken, aber nicht sein aussehen.

„Selbstbildnis mit Bürsten hinter dem Ohr“ auf einer Verweigerung aufgebaut, und zwar einer deutlich demonstrativen in der äußeren Verherrlichung des Bildes, seiner klassischen Normativität und idealen Konstruktion. Gesichtszüge werden im Allgemeinen ungefähr umrissen. Seitenlicht fällt auf das Gesicht und hebt nur die Seitenmerkmale hervor. Einzelne Lichtreflexe fallen auf die Figur des Künstlers, ausgelöscht auf einem kaum sichtbaren Vorhang, der den Hintergrund des Porträts darstellt. Hier ist alles dem Ausdruck von Leben, Gefühlen, Stimmungen untergeordnet. Dies ist ein Blick auf die romantische Kunst durch die Kunst des Selbstporträts. Die Auseinandersetzung des Künstlers mit den Geheimnissen der Kreativität drückt sich im geheimnisvoll romantischen „Sfumato des 19. Jahrhunderts“ aus. Ein eigentümlicher Grünton schafft eine besondere Atmosphäre der künstlerischen Welt, in deren Mittelpunkt der Künstler selbst steht.

Fast gleichzeitig mit diesem Selbstporträt und geschrieben „Selbstbildnis im rosa Halstuch“, wo ein anderes Bild verkörpert ist. Ohne direkten Hinweis auf den Beruf eines Malers. Das Bild eines jungen Mannes wird nachempfunden, der sich wohl, natürlich und frei fühlt. Die Bildoberfläche der Leinwand ist fein konstruiert. Der Pinsel des Künstlers trägt souverän Farbe auf. Große und kleine Striche hinterlassen. Die Farbgebung ist hervorragend entwickelt, die Farben sind nicht hell, sie verbinden sich harmonisch miteinander, die Beleuchtung ist ruhig: Das Licht ergießt sich sanft auf das Gesicht des jungen Mannes und umreißt seine Züge, ohne unnötigen Ausdruck und Verformung.

Ein weiterer herausragender Maler war Wenezianow. 1811 erhielt er von der Akademie den Titel eines Akademikers, der für „Selbstporträt“ und „Porträt von K. I. Golovachevsky mit drei Schülern der Akademie der Künste“ ernannt wurde. Das sind außergewöhnliche Werke.

Venetsianov erklärte sich selbst zu einer wahren Meisterschaft in "Selbstportrait" 1811. Es wurde anders geschrieben, als andere Künstler sich damals selbst malten - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek und sogar der Leibeigene V. Tropinin. Allen gemeinsam war, sich in einem romantischen Heiligenschein zu sehen, ihre Selbstporträts waren eine Art poetische Auseinandersetzung mit der Umwelt. Die Exklusivität des künstlerischen Charakters manifestierte sich in der Pose, Gestik, in der Außergewöhnlichkeit des speziell konzipierten Kostüms. In "Selbstporträt" von Venetsianov bemerken die Forscher zunächst den strengen und intensiven Ausdruck einer beschäftigten Person ... Korrekte Effizienz, die sich von jener demonstrativen "künstlerischen Nachlässigkeit" unterscheidet, die durch Morgenmäntel oder kokett angezeigt wird verschobene Hüte anderer Künstler. Venitsianov sieht sich nüchtern an. Kunst ist für ihn kein inspirierter Impuls, sondern vor allem eine Angelegenheit, die Konzentration und Aufmerksamkeit erfordert. Klein im Format, fast monochrom in seiner olivfarbenen Farbgebung, äußerst akkurat geschrieben, ist es einfach und komplex zugleich. Er zieht nicht mit der Außenseite des Gemäldes an, sondern hält mit seinem Blick inne. Die ideal dünnen Ränder des dünnen Goldrahmens der Brille verstecken sich nicht, sondern betonen vielmehr die scharfe Schärfe der Augen, die nicht so sehr auf die Natur gerichtet sind (der Künstler hat sich selbst mit Palette und Pinsel in den Händen dargestellt), sondern in die Tiefen seiner eigenen Gedanken. Eine große breite Stirn, die von direktem Licht beleuchtete rechte Gesichtshälfte und eine weiße Hemdbrust bilden ein Lichtdreieck, das zunächst den Blick des Betrachters auf sich zieht, der im nächsten Moment der Bewegung des rechten folgt Hand, die einen dünnen Pinsel hält, gleitet auf die Palette. Gewellte Haarsträhnen, glänzende Umrandungen, eine lose Schleife am Kragen, eine weiche Schulterlinie und schließlich ein breiter Halbkreis der Palette bilden ein bewegliches System aus glatten, fließenden Linien, in denen sich drei Hauptpunkte befinden : winziger Glanz der Pupillen und das scharfe Ende der Hemdvorderseite, das sich fast mit Palette und Pinsel schließt. Eine solche fast mathematische Berechnung bei der Konstruktion der Komposition des Porträts verleiht dem Bild teilweise eine innere Gelassenheit und gibt Anlass zu der Annahme, dass der Autor einen analytischen Verstand hat, der zu wissenschaftlichem Denken neigt. Von Romantik, die damals in der Darstellung von Künstlern selbst so häufig war, ist im „Selbstbildnis“ nichts zu spüren. Dies ist ein Selbstporträt eines Künstlerforschers, eines Künstlerdenkers und eines harten Arbeiters.

Andere Arbeit - Porträt von Golovachevsky- als eine Art Handlungskomposition konzipiert: Die ältere Generation von Meistern der Akademie in der Person des alten Inspektors gibt Anweisungen an die wachsenden Talente: den Maler (mit einer Mappe mit Zeichnungen. Der Architekt und der Bildhauer. Aber Venetsianov nicht Lassen Sie in diesem Bild auch nur einen Hauch von Künstlichkeit oder Didaktik zu: Der gute alte Mann Golovachevsky interpretiert Teenagern freundlich eine gelesene Seite in einem Buch.Die Aufrichtigkeit des Ausdrucks findet Unterstützung in der malerischen Struktur des Bildes: es ist gedämpft, subtil und schön harmoniert bunte Töne erwecken den Eindruck von Ruhe und Ernsthaftigkeit Die Gesichter sind wunderschön gemalt, voller innerer Bedeutung Das Porträt war eine der höchsten Errungenschaften der russischen Porträtmalerei.

Und in Orlovskys Werk des 18. Jahrhunderts erscheinen Porträtarbeiten, meist in Form von Zeichnungen. Bis 1809 entstand ein so emotional reiches Porträtblatt wie "Selbstportrait". Ausgeführt mit einem saftigen, freien Strich aus Rötel und Kohle (mit Kreidehervorhebung), besticht Orlovskys „Selbstporträt“ durch seine künstlerische Integrität, Charakterisierung des Bildes und Kunstfertigkeit der Darbietung. Gleichzeitig erlaubt es einem, einige besondere Aspekte von Orlovskys Kunst zu erkennen. "Selbstporträt" Orlovsky zielt natürlich nicht darauf ab, das typische Erscheinungsbild des Künstlers jener Jahre genau wiederzugeben. Vor uns - in vielerlei Hinsicht absichtlich. Der übertriebene Auftritt eines „Künstlers“, der sein eigenes „Ich“ der umgebenden Realität gegenüberstellt, kümmert er sich nicht um den „Anstand“ seines Auftretens: Kamm und Bürste berührten sein üppiges Haar nicht, auf seiner Schulter ist der Rand ein karierter Regenmantel direkt über einem Heimtrikot mit offenem Kragen. Eine scharfe Kopfdrehung mit einem „düsteren“ Blick unter den verschobenen Augenbrauen, ein enger Schnitt des Porträts, in dem das Gesicht aus der Nähe dargestellt wird, Lichtkontraste - all dies zielt darauf ab, den Haupteffekt des Gegensatzes zu erzielen der abgebildeten Person zur Umgebung (und damit zum Betrachter).

Das Pathos der Behauptung der Individualität – eines der fortschrittlichsten Merkmale in der Kunst dieser Zeit – bildet den ideologischen und emotionalen Hauptton des Porträts, erscheint jedoch in einem besonderen Aspekt, der in der russischen Kunst dieser Zeit fast nie zu finden ist. Die Bejahung der Persönlichkeit geht nicht so sehr von der Enthüllung des Reichtums ihrer inneren Welt aus, sondern von einer mehr äußeren Art, alles abzulehnen, was sie umgibt. Gleichzeitig sieht das Bild natürlich erschöpft und begrenzt aus.

Solche Lösungen sind in der damaligen russischen Porträtkunst schwer zu finden, wo schon Mitte des 18. Jahrhunderts bürgerliche und humanistische Motive laut klangen und die Persönlichkeit der Person nie starke Bindungen zur Umwelt löste. Von einer besseren demokratischen Gesellschaftsordnung träumend, waren die besten Menschen Russlands jener Zeit keineswegs losgelöst von der Realität, sie lehnten bewusst den individualistischen Kult der „persönlichen Freiheit“ ab, der auf dem von der bürgerlichen Revolution gelockerten Boden Westeuropas blühte . Dies zeigte sich deutlich als Spiegelung realer Faktoren in der russischen Porträtkunst. Man muss nur Orlovskys „Selbstbildnis“ mit dem Simultanen vergleichen "Selbstportrait" Kiprensky (z. B. 1809), so dass der gravierende innere Unterschied zwischen den beiden Porträtmalern sofort ins Auge fällt.

Kiprensky „heroisiert“ auch die Persönlichkeit eines Menschen, aber er zeigt seine wahren inneren Werte. Im Gesicht des Künstlers unterscheidet der Betrachter die Merkmale eines starken Geistes, Charakters und moralischer Reinheit.

Das gesamte Erscheinungsbild von Kiprensky ist mit erstaunlichem Adel und Menschlichkeit bedeckt. Er ist in der Lage, in der umgebenden Welt zwischen „gut“ und „böse“ zu unterscheiden und das zweite abzulehnen, das erste zu lieben und zu schätzen, Gleichgesinnte zu lieben und zu schätzen. Gleichzeitig haben wir zweifellos eine starke Individualität vor uns, stolz auf das Bewusstsein des Wertes seiner persönlichen Qualitäten. Genau das gleiche Konzept des Porträtbildes liegt dem bekannten Heldenporträt von D. Davydov von Kiprensky zugrunde.

Orlovsky löst im Vergleich zu Kiprensky sowie einigen anderen russischen Porträtmalern dieser Zeit das Bild einer „starken Persönlichkeit“ begrenzter, geradliniger und nach außen hin auf, wobei er sich klar auf die Kunst des bürgerlichen Frankreichs konzentriert. Wenn man sein „Selbstporträt“ betrachtet, kommen einem unwillkürlich die Porträts von A. Gro, Gericault in den Sinn. Orlovskys Profil „Selbstporträt“ von 1810 mit seinem Kult der individualistischen „inneren Stärke“ ist jedoch bereits ohne die scharfe „Skizzenform“ des „Selbstporträts“ von 1809 oder "Porträt von Duport". In letzterem verwendet Orlovsky, ebenso wie in Self-Portrait, eine spektakuläre, „heroische“ Pose mit einer scharfen, fast kreuz und quer verlaufenden Bewegung von Kopf und Schultern. Er betont die unregelmäßige Struktur von Duports Gesicht, sein zerzaustes Haar, mit dem Ziel, ein Porträtbild zu schaffen, das in seinem einzigartigen, zufälligen Charakter autark ist.

„Die Landschaft sollte ein Porträt sein“, schrieb K. N. Batyushkov. Die meisten Künstler, die sich dem Genre zuwandten, hielten in ihrer Arbeit an diesem Setting fest. Landschaft. Zu den offensichtlichen Ausnahmen, die sich von der fantastischen Landschaft angezogen fühlten, gehörten A. O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("Blick in die Umgebung von Rom", 1809); P. V. Basin ("Der Himmel bei Sonnenuntergang am Stadtrand von Rom", "Abendlandschaft", beide - 1820er Jahre). Sie schufen spezifische Typen, bewahrten die Unmittelbarkeit der Empfindung, den emotionalen Reichtum und erreichten mit Kompositionstechniken einen monumentalen Klang.

Der junge Orlrovsky sah in der Natur nur titanische Kräfte, die nicht dem Willen des Menschen unterworfen waren und eine Katastrophe, eine Katastrophe verursachen konnten. Der Kampf eines Mannes mit einem tobenden Meereselement ist eines der Lieblingsthemen des Künstlers seiner „rebellischen“ romantischen Zeit. Es wurde zum Inhalt seiner Zeichnungen, Aquarelle und Ölgemälde von 1809-1810. Die tragische Szene ist im Bild dargestellt "Schiffswrack"(1809(?)). In tiefster Dunkelheit, die auf den Boden gefallen ist, zwischen tobenden Wellen, klettern ertrinkende Fischer hektisch auf die Küstenfelsen, auf denen ihr Schiff zerschellte. In kräftigen Rottönen gehalten, verstärkt die Farbe das Gefühl der Angst. Schrecklich sind die Überfälle mächtiger Wellen, die einen Sturm ankündigen, und auf einem anderen Bild - "Am Meer"(1809). Es spielt auch eine große emotionale Rolle im stürmischen Himmel, der den größten Teil der Komposition einnimmt. Obwohl Orlovsky die Kunst der Luftperspektive nicht beherrschte, werden die allmählichen Übergänge von Plänen hier harmonischer und weicher gelöst. Die Farbe ist heller geworden. Wunderschön spielen auf einem rotbraunen Hintergrund die roten Flecken der Kleidung der Fischer. Unruhiges und ängstliches Meereselement in Aquarell "Segelboot"(um 1812). Und auch wenn der Wind nicht das Segel schüttelt und die Wasseroberfläche nicht kräuselt wie beim Aquarell „Meereslandschaft mit Schiffen“(um 1810) verlässt den Betrachter nicht die Vorahnung, dass auf die Ruhe ein Sturm folgen wird.

Bei aller Dramatik und Emotion der Gefühle sind Orlovskys Seestücke nicht so sehr das Ergebnis seiner Beobachtung atmosphärischer Phänomene, sondern das Ergebnis einer direkten Nachahmung der Klassiker der Kunst. Insbesondere J. Vernet.

Die Landschaften von S. F. Shchedrin hatten einen anderen Charakter. Sie sind erfüllt von der Harmonie des Zusammenlebens von Mensch und Natur ("Terrasse am Meer. Cappuccini bei Sorrento", 1827). Zahlreiche Ansichten von Neapel und der Umgebung seines Pinsels erfreuten sich außerordentlichen Erfolges und großer Beliebtheit.

Die Schaffung eines romantischen Bildes von St. Petersburg in der russischen Malerei ist mit der Arbeit von M. N. Vorobyov verbunden. Auf seinen Leinwänden erschien die Stadt eingehüllt in geheimnisvolle St. Petersburger Nebel, einen weichen Dunst weißer Nächte und eine von Meeresfeuchtigkeit gesättigte Atmosphäre, in der die Konturen von Gebäuden gelöscht werden und das Mondlicht das Sakrament vervollständigt. Derselbe lyrische Anfang zeichnet die von ihm vorgetragenen Ansichten der Umgebung von St. Petersburg aus ("Sonnenuntergang am Stadtrand von St. Petersburg", 1832). Aber die nördliche Hauptstadt wurde von Künstlern auch auf andere, dramatische Weise als Arena für die Kollision und den Kampf natürlicher Elemente gesehen (V. E. Raev, Alexander Column during a Thunderstorm, 1834).

Die brillanten Gemälde von I. K. Aivazovsky verkörperten anschaulich die romantischen Ideale des Rausches vom Kampf und der Kraft der Naturkräfte, der Ausdauer des menschlichen Geistes und der Fähigkeit, bis zum Ende zu kämpfen. Einen großen Platz im Erbe des Meisters nehmen jedoch nächtliche Meereslandschaften ein, die bestimmten Orten gewidmet sind, an denen der Sturm dem Zauber der Nacht weicht, einer Zeit, die nach Ansicht der Romantiker von einem geheimnisvollen Innenleben erfüllt ist, und wo die malerische Suche des Künstlers darauf gerichtet ist, außergewöhnliche Lichteffekte zu extrahieren ("Ansicht von Odessa in einer Mondnacht", "Ansicht von Konstantinopel im Mondlicht", beide - 1846).

Das Thema der natürlichen Elemente und eines überraschten Mannes, ein beliebtes Thema der romantischen Kunst, wurde von Künstlern der 1800-1850er Jahre unterschiedlich interpretiert. Die Arbeiten basieren auf wahren Begebenheiten, aber die Bedeutung der Bilder liegt nicht in ihrer objektiven Nacherzählung. Ein typisches Beispiel ist das Gemälde von Pyotr Basin "Erdbeben in Rocca di Papa bei Rom"(1830). Es widmet sich weniger der Beschreibung eines bestimmten Ereignisses als vielmehr der Darstellung der Angst und des Schreckens eines Menschen, der mit einer Manifestation der Elemente konfrontiert ist.

Die Koryphäen der russischen Malerei dieser Epoche waren K.P. Brjullow (1799-1852) und A.A. Iwanow (1806 - 1858). Der russische Maler und Zeichner K.P. Bryullov beherrschte bereits als Student der Akademie der Künste die unvergleichliche Kunst des Zeichnens. Bryullovs Werk wird normalerweise in vor „Der letzte Tag von Pompeji“ und danach unterteilt. Was wurde vorher geschaffen....?!

„Italienischer Morgen“ (1823), „Ermilia mit den Hirten“ (1824) nach dem Gedicht von Torquatto Tasso „Die Befreiung Jerusalems“, „Italienischer Mittag“ („Italian Woman Harvesting Grapes“, 1827), „Reiterin“ ( 1830), „Bathseba“ (1832) – all diese Gemälde sind von einer hellen, unverhüllten Lebensfreude durchdrungen. Solche Werke standen im Einklang mit den frühen epikureischen Gedichten von Puschkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. Die alte Art, die auf der Nachahmung der großen Meister beruhte, befriedigte Bryullov nicht und er schrieb „Italienischer Morgen“, „Italienischer Mittag“, „Bathseba“ unter freiem Himmel.

Während der Arbeit an dem Porträt malte Bryullov nur den Kopf nach dem Leben. Alles andere wurde ihm oft von seiner Fantasie diktiert. Die Frucht einer solchen freien kreativen Improvisation ist "Fahrer". Die Hauptsache im Porträt ist der Kontrast eines erhitzten, hochfliegenden Tieres mit geschwollenen Nasenlöchern und funkelnden Augen und einer anmutigen Reiterin, die die rasende Energie eines Pferdes ruhig zurückhält (Tiere zu zähmen ist ein Lieblingsthema klassischer Bildhauer, Bryullov löste es in der Malerei). .

IN "Bathseba" die künstlerin nimmt die biblische geschichte zum vorwand, um einen nackten körper im freien zu zeigen und das spiel von licht und reflexen auf heller haut zu vermitteln. In „Bathseba“ schuf er das Bild einer jungen Frau voller Freude und Glück. Der nackte Körper leuchtet und glänzt, umgeben von Olivgrün, Kirschkleidern, einem transparenten Reservoir. Die weichen, elastischen Formen des Körpers sind wunderschön mit dem weiß werdenden Stoff und der Schokoladenfarbe der arabischen Frau, die Bathseba bedient, kombiniert. Die fließenden Linien der Körper, des Teiches und der Stoffe geben der Bildkomposition einen fließenden Rhythmus.

Malerei ist ein neues Wort in der Malerei geworden "Der letzte Tag von Pompeji"(1827-1833). Sie machte den Namen des Künstlers zu seinen Lebzeiten unsterblich und sehr berühmt.

Die Handlung wurde offenbar unter dem Einfluss seines Bruders Alexander gewählt, der die pompejanischen Ruinen intensiv studierte. Aber die Gründe für das Schreiben des Bildes liegen tiefer. Gogol bemerkte dies, und Herzen sagte direkt, dass sie in The Last Day of Pompeji ihren Platz gefunden haben, vielleicht als unbewusste Reflexion der Gedanken und Gefühle des Künstlers, verursacht durch die Niederlage des dekabristischen Aufstands in Russland. Nicht ohne Grund platzierte Bryullov unter den Opfern der tobenden Elemente im sterbenden Pompeji sein Selbstporträt und verlieh anderen Figuren des Bildes die Züge seiner russischen Bekannten.

Auch die italienische Entourage von Bryullov spielte eine Rolle, die ihm von den revolutionären Stürmen erzählen konnte, die in den vergangenen Jahren durch das Land Italien fegten, von dem traurigen Schicksal der Carbonari in den Jahren der Reaktion.

Das grandiose Bild des Todes von Pompeji ist vom Geist des Historismus durchdrungen, es zeigt den Wechsel von einer historischen Epoche zur anderen, die Unterdrückung des alten Heidentums und den Beginn eines neuen christlichen Glaubens.

Dramatisch nimmt der Künstler den Lauf der Geschichte wahr, den Epochenwechsel als Schock für die Menschheit. In der Mitte der Komposition verkörperte eine Frau, die von einem Streitwagen fiel und zu Tode zerschmettert wurde, anscheinend den Tod der antiken Welt. Aber in der Nähe des Körpers der Mutter platzierte der Künstler ein lebendes Baby. Mit Kindern und Eltern, einem jungen Mann und einer alten Mutter, Söhnen und einem gebrechlichen Vater zeigte der Künstler, dass die alten Generationen in die Geschichte eingehen und die neuen kommen, um sie zu ersetzen. Die Geburt einer neuen Ära auf den Ruinen einer alten, zerfallenden Welt ist das wahre Thema von Bryullovs Malerei. Welche Veränderungen die Geschichte auch bringt, die Existenz der Menschheit hört nicht auf, und ihr Durst nach Leben bleibt ungebrochen. Das ist die Grundidee hinter „Der letzte Tag von Pompeji“. Dieses Bild ist eine Hymne an die Schönheit der Menschheit, die in allen Zyklen der Geschichte unsterblich bleibt.

Die Leinwand wurde 1833 auf der Mailänder Kunstausstellung ausgestellt und löste eine Flut begeisterter Reaktionen aus. Das verwitterte Italien wurde erobert. Bryullovs Schüler G. G. Gagarin bezeugt: „Dieses großartige Werk hat in Italien grenzenlose Begeisterung ausgelöst. Die Städte, in denen das Gemälde ausgestellt war, veranstalteten feierliche Empfänge für den Künstler, Gedichte wurden ihm gewidmet, er wurde mit Musik, Blumen und Fackeln durch die Straßen getragen ... Überall wurde er als bekanntes, triumphierendes Genie mit Ehren empfangen, verständlich und von allen geschätzt.

Der englische Schriftsteller Walter Scott (ein Vertreter der romantischen Literatur, berühmt für seine historischen Romane) verbrachte eine Stunde in Bryullovs Atelier, über das er sagte, dass dies kein Bild, sondern ein ganzes Gedicht sei. Die Kunstakademien von Mailand, Florenz, Bologna und Parma wählten den russischen Maler zu ihrem Ehrenmitglied.

Bryullovs Leinwand rief begeisterte Reaktionen von Puschkin und Gogol hervor.

Vesuvius zev öffnete sich - Rauch strömte in eine Keulenflamme

Weit entwickelt wie ein Kampfbanner.

Die Erde ist besorgt - von den taumelnden Säulen

Idole fallen!..

Puschkin schrieb unter dem Eindruck des Gemäldes.

Beginnend mit Bryullov sind Wendepunkte in der Geschichte zum Hauptthema der russischen Historienmalerei geworden, die grandiose Volksszenen darstellt, in denen jede Person am historischen Drama teilnimmt, in dem es keine Haupt- und Nebenrolle gibt.

"Pompeji" gehört im Allgemeinen zum Klassizismus. Die Künstlerin brachte die Plastizität des menschlichen Körpers auf der Leinwand gekonnt zum Vorschein. Alle spirituellen Bewegungen der Menschen wurden von Bryullov übertragen, hauptsächlich in der Sprache der Plastizität. Separate Zahlen, die in einer stürmischen Bewegung gegeben werden, werden in ausgewogenen, eingefrorenen Gruppen gesammelt. Lichtblitze betonen die Formen von Körpern und erzeugen keine starke Bildwirkung. Die Komposition des Gemäldes, das in der Mitte einen starken Durchbruch in die Tiefe hat und ein außergewöhnliches Ereignis im Leben Pompejis darstellt, war jedoch von der Romantik inspiriert.

Die Romantik als Weltanschauung existierte in Russland in ihrer ersten Welle vom Ende des 18. Jahrhunderts bis in die 1850er Jahre. Die Linie der Romantik in der russischen Kunst hörte in den 1850er Jahren nicht auf. Das von den Romantikern für die Kunst entdeckte Thema des Seinszustandes wurde später von den Künstlern der Blauen Rose weiterentwickelt. Die direkten Erben der Romantiker waren zweifellos die Symbolisten. Romantische Themen, Motive, Ausdrucksmittel gingen in die Kunst verschiedener Stile, Richtungen, kreativer Assoziationen ein. Das romantische Weltbild oder Weltbild erwies sich als eines der lebhaftesten, hartnäckigsten und fruchtbarsten.

Romantik als allgemeine Haltung, die vor allem für junge Menschen charakteristisch ist, als Wunsch nach idealer und kreativer Freiheit, lebt immer noch in der Weltkunst.

c) Musik

Romantik in ihrer reinsten Form ist ein Phänomen der westeuropäischen Kunst. Russische Musik des 19. Jahrhunderts. von Glinka bis Tschaikowsky wurden die Merkmale des Klassizismus mit den Merkmalen der Romantik kombiniert, das führende Element war ein helles, originelles nationales Prinzip. Die Romantik in Russland erlebte einen unerwarteten Aufschwung, als dieser Trend der Vergangenheit anzugehören schien. Zwei Komponisten des 20. Jahrhunderts, Skrjabin und Rachmaninow, haben Merkmale der Romantik wie den ungezügelten Flug der Fantasie und die Seelenfülle der Texte wiederbelebt. Daher das 19. Jahrhundert das Zeitalter der klassischen Musik genannt.

Die Zeit (1812, der Aufstand der Dekabristen, die darauf folgende Reaktion) hinterließ ihre Spuren in der Musik. Welches Genre wir auch nehmen – Romantik, Oper, Ballett, Kammermusik – überall haben russische Komponisten ihr neues Wort gesagt.

Die Musik Russlands mit all ihrer Salon-Eleganz und der strikten Einhaltung der Traditionen des professionellen Instrumentalkomponierens, einschließlich des Komponierens von Sonaten und Symphonikern, basiert auf der einzigartigen modalen Färbung und rhythmischen Struktur der russischen Folklore. Einige verlassen sich weitgehend auf Alltagslieder, andere auf originelle Formen des Musizierens und wieder andere auf die uralte Modalität altrussischer Bauernweisen.

Anfang des 19. Jahrhunderts - dies sind die Jahre der ersten und strahlenden Blüte des Romance-Genres. Die bescheidenen aufrichtigen Texte klingen immer noch und erfreuen die Zuhörer. Alexander Alexandrowitsch Aljabyjew (1787-1851). Er schrieb Romanzen zu den Versen vieler Dichter, aber die Unsterblichen sind es "Nachtigall" zu den Versen von Delvig, "Winterstraße", "Ich liebe dich" zu Puschkins Gedichten.

Alexander Egorowitsch Warlamow (1801-1848) schrieb Musik für dramatische Aufführungen, aber wir kennen ihn eher aus berühmten Romanzen „Rotes Sommerkleid“, „Weck mich nicht im Morgengrauen“, „Ein einsames Segel wird weiß“.

Alexander Lwowitsch Gurilew (1803-1858)- Komponist, Pianist, Geiger und Lehrer, er besitzt solche Romanzen wie „Die Glocke läutet eintönig“, „Im Morgengrauen einer nebligen Jugend“ usw.

Den prominentesten Platz nehmen hier die Romanzen von Glinka ein. Niemand sonst hatte eine so natürliche Verschmelzung von Musik mit der Poesie von Puschkin, Schukowski, erreicht.

Michail Iwanowitsch Glinka (1804-1857)- ein Zeitgenosse von Puschkin (5 Jahre jünger als Alexander Sergejewitsch), ein Klassiker der russischen Literatur, wurde zum Begründer der musikalischen Klassiker. Sein Werk gehört zu den Höhepunkten der russischen und weltweiten Musikkultur. Es verbindet auf harmonische Weise den Reichtum der Volksmusik mit den höchsten Errungenschaften des Komponistenhandwerks. Glinkas zutiefst volkstümlich realistisches Werk spiegelte die kraftvolle Blüte der russischen Kultur in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts wider, die mit dem Vaterländischen Krieg von 1812 und der Dekabristenbewegung verbunden war. Leichter, lebensbejahender Charakter, Harmonie der Formen, Schönheit ausdrucksvoller und melodiöser Melodien, Vielfalt, Brillanz und Subtilität der Harmonien sind die wertvollsten Eigenschaften von Glinkas Musik. In der berühmten Oper "Iwan Susanin"(1836) erhielt einen brillanten Ausdruck der Idee des Volkspatriotismus; Die moralische Größe des russischen Volkes wird auch in der Märchenoper verherrlicht“ Ruslan und Ludmila“. Orchesterwerke von Glinka: „Fantasy-Walzer“, „Nacht in Madrid“ und vor allem "Kamarinskaja", bilden die Grundlage der russischen klassischen Symphonie. Bemerkenswert in Bezug auf die Kraft des dramatischen Ausdrucks und die Helligkeit der Merkmale der Musik für die Tragödie "Prinz Cholmsky". Glinkas Gesangstexte (Romanzen „Ich erinnere mich an einen wunderbaren Moment“, „Zweifel“) ist eine unübertroffene Verkörperung der russischen Poesie in der Musik.

6. WESTEUROPÄISCHE ROMANTIK

ein Gemälde

Wenn Frankreich der Vorfahre des Klassizismus wäre, dann, „um die Wurzeln der ... romantischen Schule zu finden“, schrieb einer seiner Zeitgenossen, „müssen wir nach Deutschland gehen. Sie wurde dort geboren, und dort formten die modernen italienischen und französischen Romantiker ihren Geschmack.

fragmentiert Deutschland kannte den revolutionären Aufschwung nicht. Vielen deutschen Romantikern war das Pathos fortschrittlicher Gesellschaftsideen fremd. Sie idealisierten das Mittelalter. Sie ergaben sich unerklärlichen spirituellen Impulsen und sprachen über die Aufgabe des menschlichen Lebens. Die Kunst vieler von ihnen war passiv und kontemplativ. Ihre besten Werke schufen sie im Bereich der Porträt- und Landschaftsmalerei.

Ein herausragender Porträtmaler war Otto Runge (1777-1810). Porträts dieses Meisters mit äußerer Ruhe überraschen mit einem intensiven und intensiven Innenleben.

Das Bild des romantischen Dichters wird von Runge ins Auge gefasst "Selbstporträt". Er untersucht sich sorgfältig und sieht einen dunkelhaarigen, dunkeläugigen, ernsten, energiegeladenen, nachdenklichen, in sich gekehrten und willensstarken jungen Mann. Der romantische Künstler will sich selbst kennenlernen. Die Art der Ausführung des Porträts ist schnell und ausladend, als ob die spirituelle Energie des Schöpfers bereits in der Textur des Werkes vermittelt werden sollte; in einem dunklen Farbbereich treten Hell-Dunkel-Kontraste auf. Kontrast ist eine charakteristische Bildtechnik romantischer Meister.

Das wechselhafte Spiel der Stimmungen eines Menschen einzufangen, in seine Seele zu schauen, wird ein Künstler eines romantischen Lagerhauses immer versuchen. Und in dieser Hinsicht werden ihm Kinderporträts als fruchtbares Material dienen. IN Porträt der Hülsenbecker Kinder(1805) vermittelt Runge nicht nur die Lebendigkeit und Unmittelbarkeit eines kindlichen Charakters, sondern findet auch eine besondere Aufnahme für eine helle Stimmung, die die Freilichtöffnungen des 2. Obergeschosses erfreut. 19. Jahrhundert Der Hintergrund im Bild ist eine Landschaft, die nicht nur von der koloristischen Begabung des Künstlers und seiner bewundernden Einstellung zur Natur zeugt, sondern auch von der Entstehung neuer Probleme bei der meisterhaften Wiedergabe räumlicher Beziehungen, heller Schattierungen von Objekten im Freien. Ein Meisterromantiker, der sein „Ich“ mit den Weiten des Universums verschmelzen möchte, strebt danach, die sinnlich erfahrbare Erscheinung der Natur einzufangen. Aber bei dieser Sinnlichkeit des Bildes sieht er lieber das Symbol der großen Welt, „die Idee des Künstlers“.

Runge, einer der ersten Künstler der Romantik, hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Künste zu vereinen: Malerei, Skulptur, Architektur, Musik. Der Gesamtklang der Künste sollte die Einheit der göttlichen Kräfte der Welt zum Ausdruck bringen, deren jedes Teilchen den Kosmos als Ganzes symbolisiert. Der Künstler fantasiert und verstärkt sein philosophisches Konzept mit den Ideen des berühmten deutschen Denkers des 1. Stocks. 17. Jahrhundert Jakob Böhme. Die Welt ist eine Art mystisches Ganzes, von dem jedes Teilchen das Ganze ausdrückt. Diese Idee ist mit den Romantikern des gesamten europäischen Kontinents verwandt. In poetischer Form formulierte es der englische Dichter und Maler William Blake so:

Sehen Sie die Ewigkeit in einem Moment

Eine riesige Welt - im Sandspiegel,

In einer einzigen Handvoll - Unendlichkeit

Und der Himmel ist in einem Kelch einer Blume.

Der Runge-Zyklus oder, wie er es nannte, das „fantastische musikalische Gedicht“ "Tageszeiten"- Morgen, Mittag, Nacht - der Ausdruck dieses Konzepts. Er hinterließ in Poesie und Prosa eine Erklärung seines konzeptuellen Modells der Welt. Das Bild einer Person, Landschaft, Licht und Farbe sind Symbole für den sich ständig verändernden Kreislauf des natürlichen und menschlichen Lebens.

Ein weiterer herausragender deutscher Maler der Romantik, Caspar David Friedrich (1774-1840), zog die Landschaft allen anderen Gattungen vor und malte in seinem siebzigjährigen Leben ausschließlich Naturbilder. Das Hauptmotiv von Friedrichs Schaffen ist die Idee der Einheit von Mensch und Natur.

„Hören Sie auf die Stimme der Natur, die in uns spricht“, fordert der Künstler seine Schüler auf. Die innere Welt einer Person verkörpert die Unendlichkeit des Universums, daher kann eine Person, nachdem sie sich selbst gehört hat, die spirituellen Tiefen der Welt begreifen.

Die Hörposition bestimmt die Hauptform der „Kommunikation“ eines Menschen mit der Natur und ihrem Bild. Dies ist die Größe, das Mysterium oder die Erleuchtung der Natur und der Bewusstseinszustand des Betrachters. Zwar lässt Friedrich die Figur sehr oft nicht in den Landschaftsraum seiner Bilder „eintreten“, aber in der subtilen Durchdringung der figurativen Struktur der weitläufigen Weiten wird die Anwesenheit eines Gefühls, eines menschlichen Erlebens spürbar. Der Subjektivismus in der Landschaftsdarstellung kommt erst mit den Werken der Romantik in die Kunst und lässt die lyrische Offenbarung der Natur durch die Meister des 2. Stocks erahnen. 19. Jahrhundert Forscher stellen in den Werken Friedrichs eine „Erweiterung des Repertoires“ von Landschaftsmotiven fest. Der Autor interessiert sich für das Meer, die Berge, die Wälder und die verschiedenen Schattierungen des Naturzustands zu verschiedenen Jahres- und Tageszeiten.

1811-1812 gekennzeichnet durch die Schaffung einer Reihe von Berglandschaften als Ergebnis der Reise des Künstlers in die Berge. „Morgen in den Bergen“ stellt malerisch eine neue natürliche Realität dar, die in den Strahlen der aufgehenden Sonne geboren wurde. Rosa-lila Töne umhüllen und nehmen ihnen Volumen und materielle Schwere. Die Jahre der Schlacht mit Napoleon (1812-1813) wenden Friedrich patriotischen Themen zu. Illustrierend, inspiriert vom Drama Kleists, schreibt er "Grab des Arminius"- eine Landschaft mit den Gräbern altgermanischer Helden.

Friedrich war ein subtiler Meister der Seestücke: „Zeitalter“, „Mondaufgang über dem Meer“, „Tod der „Nadezhda“ im Eis“.

Die letzten Werke des Künstlers - "Ruhe auf dem Feld", "Großer Sumpf" und "Erinnerungen an das Riesengebirge", "Riesengebirge" - eine Reihe von Gebirgszügen und Steinen im Vordergrund verdunkelt. Dies ist anscheinend eine Rückkehr zu dem erlebten Gefühl des Sieges eines Menschen über sich selbst, der Freude am Aufstieg zum „Gipfel der Welt“, dem Wunsch nach hellen, unbesiegten Höhen. Die Gefühle des Künstlers komponieren in besonderer Weise diese Bergmassen, und wieder wird die Bewegung von der Dunkelheit der ersten Schritte zum zukünftigen Licht gelesen. Der Berggipfel im Hintergrund wird als Zentrum der spirituellen Bestrebungen des Meisters hervorgehoben. Das Bild ist, wie jedes Werk der Romantiker, sehr assoziativ und erfordert unterschiedliche Lese- und Interpretationsebenen.

Friedrich ist sehr genau in der Zeichnung, musikalisch harmonisch im rhythmischen Aufbau seiner Bilder, in denen er versucht, durch die Emotionen von Farbe und Lichteffekten zu sprechen. „Vielen wird wenig gegeben, wenigen wird viel gegeben. Jeder öffnet die Seele der Natur auf eine andere Weise. Daher wagt es niemand, seine Erfahrung und seine Regeln als verbindliches, unbedingtes Gesetz auf einen anderen zu übertragen. Niemand ist das Maß aller. Jeder trägt in sich ein Maß nur für sich selbst und für mehr oder weniger mit ihm verwandte Naturen “, beweist diese Reflexion des Meisters die erstaunliche Integrität seines Innenlebens und seiner Kreativität. Die Einzigartigkeit des Künstlers ist nur in der Freiheit seines Schaffens spürbar – darauf steht der Romantiker Friedrich.

Formaler scheint die Loslösung von den Künstlern - "Klassikern" - Vertretern des Klassizismus eines anderen Zweiges der romantischen Malerei in Deutschland - den Nazarenern - zu sein. In Wien gegründet und in Rom angesiedelt (1809-1810), vereinte die „Union des Hl. Lukas“ die Meister mit der Idee, die monumentale Kunst religiöser Themen wiederzubeleben. Das Mittelalter war eine beliebte Geschichtsepoche der Romantiker. Aber auf ihrer künstlerischen Suche wandten sich die Nazarener den Traditionen der Malerei der Frührenaissance in Italien und Deutschland zu. Overbeck und Geforr waren die Initiatoren einer neuen Allianz, der sich später Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich anschlossen.

Diese Bewegung der Nazarener entsprach ihren eigenen Formen der Opposition gegen die klassizistischen Akademiker in Frankreich, Italien und England. Beispielsweise gingen in Frankreich die sogenannten „primitiven“ Künstler aus Davids Werkstatt hervor und in England die Präraffaeliten. Ganz im Sinne der romantischen Tradition betrachteten sie Kunst als „Ausdruck der Zeit“, „den Geist des Volkes“, doch ihre thematischen oder formalen Präferenzen, die zunächst wie ein Slogan der Vereinigung klangen, wendeten sich nach einiger Zeit in dieselben doktrinären Prinzipien wie die der Akademie, die sie leugneten.

Die Kunst der Romantik in Frankreich in besonderer Weise entwickelt. Das Erste, was sie von ähnlichen Bewegungen in anderen Ländern unterschied, war ihr aktiv offensiver („revolutionärer“) Charakter. Dichter, Schriftsteller, Musiker, Künstler verteidigten ihre Positionen nicht nur durch die Schaffung neuer Werke, sondern auch durch die Teilnahme an Zeitschriften- und Zeitungskontroversen, die von Forschern als „romantischer Kampf“ bezeichnet werden. Die berühmten V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz und viele andere französische Schriftsteller, Komponisten und Journalisten „schärften ihre Federn“ in romantischen Kontroversen.

Die romantische Malerei in Frankreich entsteht als Gegensatz zur klassizistischen Schule Davids, der akademischen Kunst, die allgemein als "Schule" bezeichnet wird. Aber das muss in einem weiteren Sinne verstanden werden: Es war ein Widerstand gegen die offizielle Ideologie der reaktionären Epoche, ein Protest gegen ihre kleinbürgerlichen Beschränkungen. Daher die pathetische Natur romantischer Werke, ihre nervöse Erregung, ihre Anziehungskraft auf exotische Motive, auf historische und literarische Handlungen, auf alles, was vom „düsteren Alltag“ wegführen kann, daher dieses Spiel der Fantasie, und manchmal im Gegenteil. Tagträumen und völliger Bewegungsmangel.

Die Vertreter der „Schule“, die Akademiker, rebellierten vor allem gegen die Sprache der Romantiker: ihre aufgeregt heiße Farbgebung, ihre Modellierung der Form, nicht die der „Klassik“ vertraute, statuenhaft-plastische, sondern auf starke Kontraste bauende von Farbflecken; ihr ausdrucksstarkes Design, das bewusst auf Präzision und Klassik verzichtet; ihre kühne, manchmal chaotische Komposition, ohne Majestät und unerschütterliche Ruhe. Ingres, der unversöhnliche Feind der Romantiker, sagte bis zu seinem Lebensende, dass Delacroix „mit einem verrückten Besen schreibt“, und Delacroix warf Ingres und allen Künstlern der „Schule“ Kälte, Rationalität, Bewegungsmangel vor, dass sie schreiben nicht, sondern "malen" ihre Bilder. Aber dies war kein einfacher Zusammenprall zweier heller, völlig unterschiedlicher Persönlichkeiten, es war ein Kampf zwischen zwei verschiedenen künstlerischen Weltanschauungen.

Dieser Kampf dauerte fast ein halbes Jahrhundert, die Romantik in der Kunst gewann nicht leicht und nicht sofort, und der erste Künstler dieser Richtung war Theodore Gericault (1791-1824) - ein Meister der heroischen monumentalen Formen, der in seinem Werk beides klassizistisch kombinierte Merkmale und Merkmale der Romantik selbst und schließlich ein kraftvoller realistischer Anfang, der die Kunst des Realismus in der Mitte des 19. Jahrhunderts stark beeinflusste. Aber zu seinen Lebzeiten wurde er nur von wenigen engen Freunden geschätzt.

Der Name Theodore Zhariko ist mit den ersten glänzenden Erfolgen der Romantik verbunden. Bereits in seinen frühen Gemälden (Militärporträts, Pferdebilder) traten antike Ideale vor der unmittelbaren Wahrnehmung des Lebens zurück.

Im Salon von 1812 zeigt Géricault ein Bild "Offizier der kaiserlichen Ranger zu Pferd während des Angriffs." Es war das Jahr des Höhepunkts des Ruhms Napoleons und der Militärmacht Frankreichs.

Die Bildkomposition zeigt den Reiter in einer ungewöhnlichen Perspektive des „plötzlichen“ Moments, in dem sich das Pferd aufbäumt und sich der Reiter, die fast senkrechte Haltung des Pferdes haltend, dem Betrachter zuwendet. Das Bild eines solchen Moments der Instabilität, der Unmöglichkeit der Haltung verstärkt die Wirkung der Bewegung. Das Pferd hat einen Stützpunkt, es muss zu Boden fallen, sich in den Kampf einklinken, der es in einen solchen Zustand gebracht hat. In diesem Werk floss vieles zusammen: Gericaults bedingungsloser Glaube an die Möglichkeit eines Menschen, seine eigenen Kräfte zu besitzen, eine leidenschaftliche Liebe zur Darstellung von Pferden und der Mut eines unerfahrenen Meisters, das zu zeigen, was zuvor nur Musik oder die Sprache der Poesie vermitteln konnte – die Begeisterung für eine Schlacht, der Beginn eines Angriffs, die äußerste Belastung eines Lebewesens . Der junge Autor baute sein Bild auf die Übertragung der Bewegungsdynamik auf, und es war ihm wichtig, den Betrachter zum „Denken“, Malen mit „innerem Sehen“ und einem Gespür für das, was er darstellen wollte, anzuregen.

Frankreich hatte praktisch keine Traditionen einer solchen Dynamik der bildnerischen Erzählung der Romantik, außer vielleicht in den Reliefs gotischer Tempel, denn als Gericault zum ersten Mal nach Italien kam, war er überwältigt von der verborgenen Kraft von Michelangelos Kompositionen. „Ich habe gezittert“, schreibt er, „ich habe an mir gezweifelt und konnte mich lange nicht von diesem Erlebnis erholen.“ Aber schon früher wies Stendhal in seinen polemischen Artikeln auf Michelangelo als Vorläufer einer neuen Stilrichtung in der Kunst hin.

Gericaults Gemälde kündigte nicht nur die Geburt eines neuen künstlerischen Talents an, sondern würdigte auch die Leidenschaft und Enttäuschung des Autors über die Ideen Napoleons. Es gibt mehrere andere Arbeiten zu diesem Thema: Carabinieri-Offizier“, „Kürassier-Offizier vor dem Angriff“, „Porträt eines Carabinieri“, „Verwundeter Kürassier“.

In der Abhandlung „Überlegungen zum Stand der Malerei in Frankreich“ schreibt er, dass „Luxus und Kunst ... zu einer Notwendigkeit und gleichsam Nahrung für die Phantasie geworden sind, die das zweite Leben eines zivilisierten Menschen ist . .. Da die Künste nicht unbedingt notwendig sind, erscheinen sie nur, wenn die wesentlichen Bedürfnisse befriedigt sind und wenn Überfluss vorhanden ist. Ein von Alltagssorgen befreiter Mann begann, Vergnügen zu suchen, um die Langeweile loszuwerden, die ihn inmitten der Zufriedenheit unweigerlich überkommen würde.

Ein solches Verständnis für die erzieherische und humanistische Rolle der Kunst demonstrierte Gericault nach seiner Rückkehr aus Italien im Jahr 1818 – er beginnt, sich mit Lithographie zu beschäftigen und repliziert eine Vielzahl von Themen, darunter die Niederlage Napoleons ( „Rückkehr aus Russland“).

Gleichzeitig wendet sich der Künstler der Darstellung des Untergangs der Fregatte Meduza vor der Küste Afrikas zu, die die damalige Gesellschaft in Aufregung versetzte. Die Katastrophe ereignete sich durch die Schuld eines unerfahrenen Kapitäns, der unter Schirmherrschaft auf den Posten berufen wurde. Die überlebenden Passagiere des Schiffes, der Chirurg Savigny und der Ingenieur Correar, sprachen ausführlich über den Unfall.

Dem sterbenden Schiff gelang es, das Floß abzuwerfen, auf das eine Handvoll Geretteter stieg. Zwölf Tage lang wurden sie durch das tosende Meer getragen, bis sie der Erlösung begegneten – dem Schiff „Argus“.

Gericault interessierte sich für die Situation der ultimativen Spannung der menschlichen geistigen und körperlichen Stärke. Das Gemälde zeigte 15 überlebende Passagiere auf einem Floß, als sie die Argus am Horizont sahen. „Das Floß der Medusa“ war das Ergebnis einer langen Vorarbeit des Künstlers. Er fertigte viele Skizzen des tobenden Meeres an, Porträts von geretteten Menschen im Krankenhaus. Zunächst wollte Gericault den Kampf der Menschen auf einem Floß miteinander zeigen, entschied sich dann aber für das heroische Verhalten der Gewinner des Meereselements und der staatlichen Nachlässigkeit. Die Menschen haben das Unglück mutig ertragen, und die Hoffnung auf Erlösung hat sie nicht verlassen: Jede Gruppe auf dem Floß hat ihre eigenen Merkmale. Bei der Konstruktion der Komposition wählte Gericault einen Blickwinkel von oben, der es ihm ermöglichte, die Panoramaabdeckung des Raums (die Meeresentfernungen sind sichtbar) und die Darstellung zu kombinieren und alle Bewohner des Floßes sehr nahe in den Vordergrund zu bringen. Die Bewegung baut auf dem Kontrast der hilflos im Vordergrund liegenden Figuren und der ungestümen Gruppe auf, die dem vorbeifahrenden Schiff Signale gibt. Die Klarheit des Rhythmus der wachsenden Dynamik von Gruppe zu Gruppe, die Schönheit nackter Körper, die dunkle Farbe des Bildes setzen eine gewisse Note der Konventionalität des Bildes. Doch darum geht es dem aufmerksamen Betrachter nicht, dem die Konventionalität der Sprache sogar hilft, das Wichtigste zu verstehen und zu fühlen: die Kampf- und Siegesfähigkeit eines Menschen. Der Ozean rauscht. Das Segel stöhnt. Die Seile klingeln. Das Floß knistert. Der Wind treibt die Wellen und reißt die schwarzen Wolken in Fetzen.

Ist es nicht Frankreich selbst, getrieben vom Sturm der Geschichte? dachte Eugene Delacroix, der neben dem Gemälde stand. „Das Floß der Medusa hat Delacroix geschockt, rief er und sprang wie ein Wahnsinniger aus Gericaults Werkstatt, die er oft besuchte.

Solche Leidenschaften kannten die Kunst Davids nicht.

Aber Gericaults Leben endete tragisch früh (er war todkrank, nachdem er von einem Pferd gefallen war), und viele seiner Pläne blieben unvollendet.

Géricaults Innovation eröffnete neue Möglichkeiten, um die Bewegung zu vermitteln, die die Romantiker beunruhigte, die zugrunde liegenden Gefühle einer Person, die koloristische strukturelle Ausdruckskraft des Bildes.

Géricaults Erbe bei seiner Suche war Eugene Delacroix. Zwar durfte Delacroix doppelt so lange leben wie er, und es gelang ihm nicht nur, die Richtigkeit der Romantik zu beweisen, sondern auch die neue Richtung in der Malerei des 2. Stocks zu segnen. 19. Jahrhundert - Impressionismus.

Bevor Eugene mit dem Schreiben begann, studierte er an der Lerain-Schule: Er malte nach dem Leben, kopierte die großen Rubens, Rembrandt, Veronese, Tizian im Louvre ... Der junge Künstler arbeitete 10-12 Stunden am Tag. Er erinnerte sich an die Worte des großen Michelangelo: „Die Malerei ist eine eifersüchtige Geliebte, sie fordert den ganzen Menschen …“

Delacroix war sich nach den Demonstrationsauftritten von Géricault wohl bewusst, dass die Zeit starker emotionaler Umwälzungen in der Kunst gekommen war. Zunächst versucht er anhand bekannter literarischer Plots eine für ihn neue Zeit zu begreifen. Sein Gemälde „Dante und Vergil“, präsentiert im Salon von 1822, ist ein Versuch, durch die historischen Assoziationsbilder zweier Dichter: Antike – Vergil und Renaissance – Dante – auf einen kochenden Kessel, die „Hölle“ der Neuzeit, zu blicken. Einmal nahm Dante in seiner "Göttlichen Komödie" Virgils Land als Eskorte in alle Sphären (Himmel, Hölle, Fegefeuer). In Dantes Werk entstand durch die Erfahrung der Erinnerung an die Antike im Mittelalter eine neue Renaissance-Welt. Das Symbol der Romantik als Synthese aus Antike, Renaissance und Mittelalter entstand im „Schrecken“ der Visionen von Dante und Virgil. Aber die komplexe philosophische Allegorie erwies sich als eine gute emotionale Illustration der Zeit vor der Renaissance und als ein unsterbliches literarisches Meisterwerk.

Delacroix wird versuchen, durch seinen eigenen Herzschmerz eine direkte Antwort in den Herzen seiner Zeitgenossen zu finden. Junge Menschen jener Zeit, die vor Freiheit und Hass auf die Unterdrücker brennen, sympathisieren mit dem Befreiungskrieg Griechenlands. Der romantische Barde von England, Byron, geht dorthin, um zu kämpfen. Delacroix sieht den Sinn der neuen Ära in der Darstellung eines spezifischeren historischen Ereignisses – des Kampfes und Leidens des freiheitsliebenden Griechenlands. Er beschäftigt sich mit der Verschwörung des Todes der Bevölkerung der griechischen Insel Chios, die von den Türken erobert wurde. Im Salon von 1824 zeigt Delacroix ein Gemälde "Massaker auf der Insel Chios". vor dem Hintergrund einer endlosen Weite des hügeligen Geländes. Die noch immer vom Rauch der Feuer und des unaufhörlichen Kampfes schreien, zeigt der Künstler mehrere Gruppen von verwundeten, erschöpften Frauen und Kindern. Sie hatten die letzten Minuten der Freiheit vor der Annäherung der Feinde. Der Türke auf einem sich aufbäumenden Pferd rechts scheint über dem gesamten Vordergrund und der Vielzahl der dort befindlichen Leidenden zu schweben. Wunderschöne Körper, Gesichter faszinierter Menschen. Übrigens wird Delacroix später schreiben, dass griechische Skulpturen von Künstlern in Hieroglyphen verwandelt wurden, die die wahre griechische Schönheit des Gesichts und der Figur verbargen. Aber der Maler enthüllt die „Schönheit der Seele“ in den Gesichtern der besiegten Griechen und dramatisiert die Ereignisse so sehr, dass er, um ein einziges dynamisches Spannungstempo aufrechtzuerhalten, zur Verformung der Winkel der Figur übergeht. Diese „Fehler“ wurden bereits durch Gericaults Werk „aufgelöst“, aber Delacroix demonstriert einmal mehr das romantische Credo, dass Malerei „nicht die Wahrheit einer Situation, sondern die Wahrheit eines Gefühls“ ist.

1824 verlor Delacroix seinen Freund und Lehrer Géricault. Und er wurde der Anführer des neuen Gemäldes.

Jahre vergingen. Nach und nach erschienen Bilder: „Griechenland auf den Ruinen von Missalunga“, „Tod des Sardanapalus“ ua Der Künstler wurde zum Ausgestoßenen in den offiziellen Kreisen der Malerei. Aber die Julirevolution von 1830 änderte die Situation. Sie entzündet den Künstler mit der Romantik von Siegen und Errungenschaften. Er malt ein Bild „Freiheit auf den Barrikaden“.

1831 sahen die Franzosen im Pariser Salon zum ersten Mal das Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“ von Eugene Delacroix, das den „drei glorreichen Tagen“ der Julirevolution von 1830 gewidmet war. Die Leinwand beeindruckte die Zeitgenossen mit der Kraft, der Demokratie und dem Mut der künstlerischen Entscheidung. Der Legende nach rief ein angesehener Bürger aus: „Sie sagen - der Schulleiter? Sag es mir besser - der Kopf der Rebellion! Nach der Schließung des Salons beeilte sich die Regierung, es dem Autor zurückzugeben, erschrocken über die bedrohliche und inspirierende Anziehungskraft, die von dem Bild ausging. Während der Revolution von 1848 wurde es im Luxemburger Palast erneut öffentlich ausgestellt. Und wieder zurück zum Künstler. Erst nachdem die Leinwand 1855 auf der Weltausstellung in Paris ausgestellt wurde, landete sie im Louvre. Bis heute wird hier eine der besten Schöpfungen der französischen Romantik aufbewahrt – ein inspirierter Zeitzeugenbericht und ein ewiges Denkmal für den Freiheitskampf des Volkes.

Welche künstlerische Sprache hat der junge französische Romantiker gefunden, um diese beiden scheinbar gegensätzlichen Prinzipien zu verschmelzen - eine breite, allumfassende Verallgemeinerung und eine konkrete Realität, die in ihrer Nacktheit grausam ist?

Paris der berühmten Julitage 1830. Luft gesättigt mit grauem Rauch und Staub. Eine schöne und majestätische Stadt, die in einem Staubnebel verschwindet. In der Ferne erheben sich kaum wahrnehmbar, aber stolz die Türme der Kathedrale Notre Dame – ein Symbol für Geschichte, Kultur und den Geist des französischen Volkes. Von dort aus, aus der verrauchten Stadt, über die Ruinen von Barrikaden, über die Leichen toter Kameraden, schreiten die Aufständischen hartnäckig und entschlossen voran. Jeder von ihnen kann sterben, aber der Schritt der Rebellen ist unerschütterlich – sie sind beseelt vom Willen zum Sieg, zur Freiheit.

Diese inspirierende Kraft verkörpert das Bild einer schönen jungen Frau, die in einem leidenschaftlichen Ausbruch nach ihr ruft. Mit unerschöpflicher Energie, freier und jugendlicher Bewegungsschnelligkeit gleicht sie einer griechischen Göttin

Nick gewinnt. Ihre starke Figur ist in ein Chitonkleid gekleidet, ihr Gesicht mit perfekten Zügen, mit brennenden Augen, ist den Rebellen zugewandt. In einer Hand hält sie das dreifarbige Banner Frankreichs, in der anderen eine Waffe. Auf dem Kopf befindet sich eine phrygische Mütze - ein altes Symbol der Befreiung aus der Sklaverei. Ihr Schritt ist schnell und leicht – so gehen Göttinnen. Gleichzeitig ist das Bild einer Frau echt - sie ist die Tochter des französischen Volkes. Sie ist die führende Kraft hinter der Bewegung der Gruppe auf den Barrikaden. Von ihm, wie von einer Lichtquelle im Energiezentrum, gehen Strahlen aus, die sich mit Durst und Siegeswillen aufladen. Diejenigen, die ihm in unmittelbarer Nähe stehen, bringen auf ihre Weise ihr Engagement für diesen inspirierenden und inspirierenden Aufruf zum Ausdruck.

Rechts ist ein Junge, ein Pariser Gamen, der Pistolen schwingt. Er ist der Freiheit am nächsten und gleichsam entfacht von ihrer Begeisterung und Freude am freien Impuls. In einer flinken, knabenhaft ungeduldigen Bewegung ist er seinem Vorbild sogar ein wenig voraus. Dies ist der Vorläufer des legendären Gavroche, den Victor Hugo zwanzig Jahre später in Les Misérables porträtierte: „Gavroche, voller Inspiration, strahlend, hat es sich zur Aufgabe gemacht, das Ganze in Gang zu setzen. Er huschte hin und her, er ging hoch, er ging runter

nieder, stieg wieder auf, raschelte, funkelte vor Freude. Es scheint, dass er hierher gekommen ist, um alle aufzuheitern. Hatte er ein Motiv dafür? Ja, natürlich, seine Armut. Hatte er Flügel? Ja, natürlich, seine Fröhlichkeit. Es war eine Art Wirbelwind. Es schien die Luft mit sich selbst zu füllen, überall gleichzeitig präsent zu sein ... Riesige Barrikaden spürten es auf seinem Rückgrat.

Gavroche in Delacroix‘ Gemälde ist die Verkörperung der Jugend, ein „schöner Impuls“, eine freudige Annahme der leuchtenden Idee der Freiheit. Zwei Bilder – Gavroche und Liberty – scheinen sich zu ergänzen: Das eine ist ein Feuer, das andere eine davon entzündete Fackel. Heinrich Heine erzählte, welch lebhaftes Echo die Gestalt Gavroches bei den Parisern hervorrief. "Verdammt! rief ein Lebensmittelhändler aus, "diese Jungs haben wie Riesen gekämpft!"

Auf der linken Seite ist ein Student mit einer Waffe. Früher galt es als Selbstporträt des Künstlers. Dieser Rebell ist nicht so schnell wie Gavroche. Seine Bewegung ist zurückhaltender, konzentrierter, sinnvoller. Hände drücken selbstbewusst den Lauf der Waffe, das Gesicht drückt Mut aus, feste Entschlossenheit, bis zum Ende zu stehen. Das ist ein zutiefst tragisches Bild. Der Student ist sich der Unausweichlichkeit der Verluste bewusst, die die Rebellen erleiden werden, aber die Opfer erschrecken ihn nicht – der Wille zur Freiheit ist stärker. Hinter ihm steht ein ebenso mutiger wie entschlossener Arbeiter mit Säbel. Verwundet zu Füßen der Freiheit. Er erhebt sich nur mit Mühe, um noch einmal zur Freiheit aufzublicken, um mit ganzem Herzen jene Schönheit zu sehen und zu fühlen, für die er stirbt. Diese Figur bringt einen äußerst dramatischen Anfang in den Klang von Delacroix' Leinwand. Wenn die Bilder von Gavroche, Liberty, dem Studenten, dem Arbeiter – fast schon Sinnbilder, die Verkörperung des unerbittlichen Willens der Freiheitskämpfer – den Betrachter inspirieren und auffordern, dann ruft der Verwundete nach Mitgefühl. Der Mensch verabschiedet sich von der Freiheit, verabschiedet sich vom Leben. Er ist noch ein Impuls, eine Bewegung, aber schon ein verblassender Impuls.

Seine Figur ist übergangsweise. Der Blick des Betrachters, immer noch fasziniert und mitgerissen von der revolutionären Entschlossenheit der Rebellen, senkt sich zum Fuß der Barrikade, bedeckt mit den Körpern der glorreichen toten Soldaten. Der Tod wird vom Künstler in aller Nacktheit und Evidenz der Tatsache dargestellt. Wir sehen die blauen Gesichter der Toten, ihre nackten Körper: Der Kampf ist erbarmungslos, und der Tod ist ein ebenso unvermeidlicher Begleiter der Rebellen wie die schöne Inspiratorin Freiheit.

Aber nicht genau gleich! Von dem schrecklichen Anblick am unteren Bildrand heben wir wieder den Blick und sehen eine schöne junge Gestalt – nein! Leben gewinnt! Der so sicht- und fühlbar verkörperte Freiheitsgedanke ist so zukunftsorientiert, dass der Tod in seinem Namen nicht furchtbar ist.

Der Künstler zeigt nur eine kleine Gruppe von Rebellen, lebende und tote. Aber die Verteidiger der Barrikade scheinen ungewöhnlich zahlreich. Die Komposition ist so aufgebaut, dass die Gruppe der Kämpfer nicht begrenzt, nicht in sich geschlossen ist. Sie ist nur ein Teil einer endlosen Lawine von Menschen. Der Künstler gibt gleichsam ein Fragment der Gruppe wieder: Der Bildrahmen schneidet die Figuren links, rechts und unten ab.

Normalerweise erhält die Farbe in den Werken von Delacroix einen emotionalen Klang und spielt eine dominierende Rolle bei der Schaffung eines dramatischen Effekts. Die Farben, mal tobend, mal verblassend, gedämpft, erzeugen eine gespannte Atmosphäre. In Freiheit auf den Barrikaden weicht Delacroix von diesem Prinzip ab. Sehr genau, unmissverständlich die Farbe wählend, mit breiten Strichen auftragend, vermittelt der Künstler die Atmosphäre der Schlacht.

Doch die Farbpalette ist zurückhaltend. Delacroix konzentriert sich auf die Reliefmodellierung der Form. Dies erforderte die figurative Lösung des Bildes. Schließlich hat der Künstler mit der Darstellung eines bestimmten gestrigen Ereignisses auch diesem Ereignis ein Denkmal gesetzt. Daher sind die Figuren fast skulptural. Daher stellt jede Figur als Teil eines einzigen Ganzen des Bildes auch etwas in sich Geschlossenes dar, stellt ein in eine vollendete Form gegossenes Symbol dar. Daher wirkt Farbe nicht nur emotional auf die Gefühle des Betrachters, sondern trägt eine symbolische Last. Hier und da blitzt im braungrauen Raum ein feierlicher Dreiklang aus Rot, Blau, Weiß auf – die Farben des Banners der Französischen Revolution von 1789. Die wiederholte Wiederholung dieser Farben unterstützt den kraftvollen Akkord der Trikolore, die über den Barrikaden weht.

Delacroix' Gemälde "Freiheit auf den Barrikaden" ist in seinem Umfang ein komplexes, grandioses Werk. Hier verbinden sich die Authentizität des unmittelbar Gesehenen und die Symbolik der Bilder; Realismus, der brutalen Naturalismus und ideale Schönheit erreicht; rau, schrecklich und erhaben, rein.

Das Gemälde „Die Freiheit auf den Barrikaden“ festigt den Sieg der Romantik in der französischen Malerei. In den 30er Jahren zwei weitere Historienbilder: "Schlacht von Poitiers" Und "Die Ermordung des Bischofs von Lüttich".

1822 besuchte der Künstler Nordafrika, Marokko, Algerien. Die Reise hat ihn nachhaltig beeindruckt. In den 50er Jahren tauchten Gemälde in seinem Werk auf, inspiriert von Erinnerungen an diese Reise: „Löwenjagd“, „Marokkaner beim Satteln“ und andere Helle Kontrastfarben verleihen diesen Gemälden einen romantischen Klang. In ihnen erscheint die Technik eines breiten Strichs.

Delacroix hielt als Romantiker seinen Seelenzustand nicht nur in der Bildsprache fest, sondern auch in literarischer Form seiner Gedanken. Er beschrieb gut den Prozess der kreativen Arbeit des romantischen Künstlers, seine Farbexperimente, Reflexionen über die Beziehung zwischen Musik und anderen Kunstformen. Seine Tagebücher wurden zur Lieblingslektüre für Künstler nachfolgender Generationen.

Die französische Romantikerschule machte bedeutende Fortschritte auf dem Gebiet der Bildhauerei (Rud und sein Marseillaise-Relief), der Landschaftsmalerei (Camille Corot mit seinen Lichtluftbildern der Natur Frankreichs).

Dank der Romantik nimmt die persönliche subjektive Vision des Künstlers die Form eines Gesetzes an. Der Impressionismus wird die Barriere zwischen dem Künstler und der Natur vollständig zerstören und die Kunst zum Eindruck erklären. Romantiker sprechen von der Fantasie des Künstlers, „der Stimme seiner Gefühle“, die es ihm erlaubt, die Arbeit zu unterbrechen, wenn der Meister es für notwendig hält, und nicht wie es der akademische Anspruch auf Vollständigkeit verlangt.

Konzentrierten sich Gericaults Fantasien auf die Übertragung von Bewegung, Delacroix auf die magische Kraft der Farbe und die Deutschen fügten noch einen gewissen „Geist der Malerei“ hinzu Spanisch Romantiker in der Person von Francisco Goya (1746-1828) zeigten die folkloristischen Ursprünge des Stils, seinen phantasmagorischen und grotesken Charakter. Goya selbst und sein Werk wirken weit entfernt von jedem stilistischen Rahmen, zumal der Künstler sehr oft den Gesetzmäßigkeiten des Aufführungsmaterials (wenn er beispielsweise Gemälde für gewebte Spalierteppiche anfertigte) oder den Vorgaben des Auftraggebers folgen musste.

Seine Phantasmagorien kamen in Radierserien zum Vorschein „Caprichos“ (1797-1799),„Kriegskatastrophen“ (1810-1820),„Disparantes“ („Torheiten“)(1815-1820), die Wandmalereien des "Hauses der Gehörlosen" und der Kirche San Antonio de la Florida in Madrid (1798). 1792 schwere Krankheit. führte zur völligen Taubheit des Künstlers. Die Kunst des Meisters nach einem körperlichen und seelischen Trauma wird konzentrierter, nachdenklicher, innerlich dynamischer. Die durch Taubheit verschlossene Außenwelt aktivierte Goyas inneres spirituelles Leben.

Bei Radierungen „Caprichos“ Goya erreicht eine außergewöhnliche Kraft in der Übertragung von sofortigen Reaktionen, ungestümen Gefühlen. Die Schwarz-Weiß-Performance erhält dank der kühnen Kombination großer Flecken und des Fehlens der für Grafiken charakteristischen Linearität alle Eigenschaften eines Gemäldes.

Wandmalereien der Kirche St. Antonius in Madrid schafft Goya, wie es scheint, in einem Atemzug. Das Temperament des Strichs, die Lakonie der Komposition, die Ausdruckskraft der Eigenschaften der Charaktere, deren Typus Goya direkt aus der Menge nimmt, sind erstaunlich. Der Künstler schildert das Wunder des Antonius von Florida, der den Ermordeten auferstehen und sprechen ließ, den Mörder nannte und damit den unschuldig Verurteilten vor der Hinrichtung bewahrte. Die Dynamik der fröhlich reagierenden Menge vermittelt Goya sowohl in der Gestik als auch in der Mimik der abgebildeten Gesichter. Im Kompositionsschema der Verteilung der Gemälde im Kirchenraum folgt der Maler Tiepolo, aber die Reaktion, die er beim Betrachter hervorruft, ist nicht barock, sondern rein romantisch, beeinflusst das Gefühl jedes Betrachters und fordert ihn auf, sich zu wenden sich selbst.

Dieses Ziel wird vor allem in der Malerei des Conto del Sordo („Haus der Gehörlosen“) erreicht, in dem Goya ab 1819 lebte. Die Wände der Zimmer sind mit fünfzehn Kompositionen phantastischer und allegorischer Natur bedeckt. Sie wahrzunehmen erfordert eine tiefe Empathie. Bilder entstehen als eine Art Vision von Städten, Frauen, Männern usw. Die aufblitzende Farbe zieht eine Figur hervor, dann eine andere. Die Malerei insgesamt ist dunkel, sie wird dominiert von weißen, gelben, rosaroten Flecken, Aufblitzen beunruhigender Gefühle. Die Radierungen der Folge "Disparanten" .

Goya verbrachte die letzten 4 Jahre in Frankreich. Es ist unwahrscheinlich, dass er wusste, dass Delacroix sich nicht von seinen „Caprichos“ trennte. Und er konnte nicht vorhersehen, wie Hugo und Baudelaire von diesen Radierungen mitgerissen werden würden, welchen großen Einfluss seine Malerei auf Manet haben würde und wie in den 80er Jahren des 19. Jahrhunderts. V. Stasov wird russische Künstler einladen, seine "Disasters of War" zu studieren

Aber angesichts dessen wissen wir, welch großen Einfluss diese „stillose“ Kunst eines kühnen Realisten und inspirierten Romantikers auf die künstlerische Kultur des 19. und 20. Jahrhunderts hatte.

Die fantastische Welt der Träume wird auch in den Werken des englischen Romantikers William Blake (1757-1827) verwirklicht. England war ein klassisches Land der romantischen Literatur. Byron. Shelley wurde zum Banner dieser Bewegung weit über das "neblige Albion" hinaus. In Frankreich wurden die Romantiker in der Zeitschriftenkritik der Zeit der „Romantic Battles“ als „Shakespeareans“ bezeichnet. Das Hauptmerkmal der englischen Malerei war schon immer das Interesse an der menschlichen Persönlichkeit, wodurch sich die Porträtgattung fruchtbar entwickeln konnte. Romantik in der Malerei ist sehr eng mit Sentimentalität verwandt. Das romantische Interesse am Mittelalter brachte eine große historische Literatur hervor. Der anerkannte Meister davon ist V. Scott. In der Malerei bestimmte das Thema Mittelalter das Auftreten der sogenannten Peraphaeliter.

William Blake ist eine erstaunliche Art von Romantiker in der englischen Kulturszene. Er schreibt Gedichte, illustriert eigene und andere Bücher. Sein Talent strebte danach, die Welt in einer ganzheitlichen Einheit zu umfassen und auszudrücken. Seine bekanntesten Werke sind Illustrationen für das biblische „Buch Hiob“, „Die Göttliche Komödie“ von Dante, „Paradise Lost“ von Milton. Er bevölkert seine Kompositionen mit titanischen Heldenfiguren, die ihrer Umgebung einer unwirklichen aufgeklärten oder phantasmagorischen Welt entsprechen. Ein Gefühl von rebellischem Stolz oder Harmonie, das aus Dissonanzen nur schwer zu erzeugen ist, überwältigt seine Illustrationen.

Etwas anders wirken die Landschaftsstiche zu den „Pastoralen“ des römischen Dichters Virgil – sie sind idyllischer romantischer als ihre bisherigen Werke.

Blakes Romantik versucht, eine eigene künstlerische Formel und Existenzform der Welt zu finden.

William Blake, der ein Leben in extremer Armut und Dunkelheit geführt hatte, wurde nach seinem Tod zu den Klassikern der englischen Kunst gezählt.

Im Werk englischer Landschaftsmaler des frühen 19. Jahrhunderts. romantische Hobbies verbinden sich mit einem sachlicheren und nüchterneren Blick auf die Natur.

Romantisch erhabene Landschaften werden von William Turner (1775-1851) geschaffen. Er stellte gerne Gewitter, Regengüsse, Stürme auf See, helle, feurige Sonnenuntergänge dar. Auch wenn er den ruhigen Zustand der Natur malte, übersteigerte Turner oft die Lichtwirkung und intensivierte den Farbklang. Für eine größere Wirkung verwendete er die Technik der Aquarelle und trug Ölfarbe in einer sehr dünnen Schicht auf und malte direkt auf den Untergrund, wodurch schillernde Überläufe erzielt wurden. Ein Beispiel ist das Bild „Regen, Dampf und Geschwindigkeit“(1844). Aber selbst der bekannte Kritiker dieser Zeit, Thackay, konnte das vielleicht innovativste Bild sowohl in Design als auch Ausführung nicht richtig verstehen. „Regen wird durch schmutzige Kittflecken angezeigt“, schrieb er, „die mit einem Spachtel auf die Leinwand gespritzt wurden, Sonnenlicht mit einem matten Schimmer bricht durch sehr dicke Klumpen von schmutzig gelbem Chrom. Schatten werden durch kalte Schattierungen von scharlachrotem Kraplak und Zinnoberflecken in gedämpften Tönen vermittelt. Und obwohl das Feuer im Ofen der Lokomotive rot erscheint, wage ich nicht zu behaupten, dass es nicht mit Kabalt- oder Erbsenfarbe bemalt ist. Ein anderer Kritiker fand in Turners Färbung die Farbe von „Rührei und Spinat“. Die Farben des verstorbenen Turner erschienen den Zeitgenossen im Allgemeinen völlig undenkbar und fantastisch. Es dauerte mehr als ein Jahrhundert, um in ihnen das Körnchen echter Beobachtungen zu erkennen. Aber wie in anderen Fällen war es hier. Ein kurioser Bericht eines Augenzeugen bzw. Zeugen der Geburt von „Rain, steam and speed“ ist erhalten geblieben. In einem Abteil des Westernexpress fuhr eine gewisse Frau Simone, ihr gegenüber saß ein älterer Herr. Er bat um Erlaubnis, das Fenster öffnen zu dürfen, steckte seinen Kopf in den strömenden Regen hinaus und verharrte eine ganze Weile in dieser Position. Als er endlich das Fenster schloss. Wasser tropfte in Strömen von ihm, aber er schloss selig die Augen und lehnte sich zurück, genoss sichtlich, was er gerade gesehen hatte. Eine neugierige junge Frau beschloss, seine Gefühle selbst zu erleben – sie steckte auch ihren Kopf aus dem Fenster. Auch nass geworden. Aber ich hatte einen unvergesslichen Eindruck. Stellen Sie sich ihre Überraschung vor, als sie ein Jahr später auf einer Ausstellung in London Rain, Steam and Speed ​​sah. Jemand hinter ihr bemerkte kritisch: „Extrem typisch für Turner, richtig. Niemand hat jemals eine solche Mischung aus Absurditäten gesehen.“ Und sie, unfähig, sich zurückzuhalten, sagte: "Ich habe gesehen."

Vielleicht ist dies das erste Bild eines Zuges in Malerei. Der Blickwinkel wird von irgendwo oben genommen, was es ermöglichte, eine breite Panoramaabdeckung zu geben. Der Western Express überfliegt die Brücke mit einer für die damalige Zeit absolut außergewöhnlichen Geschwindigkeit (über 150 km/h). Außerdem ist dies wahrscheinlich der erste Versuch, Licht durch Regen darzustellen.

Englische Kunst Mitte des 19. Jahrhunderts. in eine ganz andere Richtung entwickelt als Turners Malerei. Obwohl seine Fähigkeiten allgemein anerkannt waren, folgte ihm keiner der Jugendlichen.

Turner gilt seit langem als Vorläufer des Impressionismus. Es scheint, dass es französische Künstler waren, die seine Suche nach Farbe aus dem Licht heraus hätten weiterentwickeln sollen. Aber das ist überhaupt nicht der Fall. Turners Einfluss auf die Impressionisten geht im Wesentlichen auf Paul Signacs 1899 erschienenes Werk From Delacroix to Neo-Impressionism zurück, in dem er beschrieb, wie „1871, während ihres langen Aufenthalts in London, Claude Manet und Camille Pissarro Turner entdeckten. Sie staunten über die selbstbewusste und magische Qualität seiner Farben, sie studierten seine Arbeit, sie analysierten seine Technik. Zuerst waren sie erstaunt über seine Darstellung von Schnee und Eis, schockiert über die Art und Weise, wie er mit großen, silbrig weißen Flecken, die mit breiten Pinselstrichen flachgelegt wurden, ein Gefühl für das Weiß des Schnees vermitteln konnte, was sie selbst nicht konnten . Sie sahen, dass dieser Eindruck nicht allein mit Tünche erzielt worden war. Und eine Menge mehrfarbiger Striche. Nebeneinander zugefügt, was diesen Eindruck erzeugt, wenn man sie aus der Ferne betrachtet.

In diesen Jahren suchte Signac überall nach einer Bestätigung seiner Theorie des Pointillismus. Aber in keinem von Turners Gemälden, das französische Künstler 1871 in der National Gallery sehen konnten, gibt es eine von Signac beschriebene Technik des Pointillismus, noch gibt es "breite Flecken von Tünche". Tatsächlich war Turners Einfluss auf die Franzosen nicht stärker als in 1870-e und in den 1890er Jahren.

Turner wurde von Paul Signac am genauesten studiert – nicht nur als Vorläufer des Impressionismus, über den er in seinem Buch schrieb, sondern auch als großer innovativer Künstler. Über Turners späte Gemälde „Rain, Steam and Speed“, „Exile“, „Morning“ und „Evening of the Flood“ schrieb Signac an seinen Freund Angrand: Schöner Sinn des Wortes.“

Signacs enthusiastische Einschätzung markierte den Beginn des modernen Verständnisses von Turners malerischer Suche. Aber in den letzten Jahren passiert es manchmal, dass sie den Subtext und die Komplexität der Richtungen seiner Suche nicht berücksichtigen, einseitig Beispiele aus Turners wirklich unvollendeten "Underpaintings" auswählen und versuchen, in ihm den Vorläufer des Impressionismus zu entdecken.

Bei den neuesten Künstlern legt natürlich alles einen Vergleich mit Monet nahe, der selbst den Einfluss Turners auf ihn erkannte. Es gibt sogar ein Grundstück, das in beiden absolut ähnlich ist – nämlich das Westportal der Kathedrale von Rouen. Aber wenn Monet uns eine Studie über die solare Beleuchtung des Gebäudes gibt, gibt er uns keine Gotik, sondern eine Art nacktes Modell, in Turner verstehen Sie, warum der Künstler, der völlig in die Natur versunken ist, sich für dieses Thema interessierte - für seins image Gerade die Kombination aus der überwältigenden Erhabenheit des Ganzen und dem Unendlichen, das in einer Vielzahl von Details auffällt, bringt die Schöpfungen der gotischen Kunst den Werken der Natur näher.

Die Besonderheit der englischen Kultur und romantischen Kunst eröffnete die Möglichkeit der Entstehung des ersten Freilichtkünstlers, der im 19. Jahrhundert den Grundstein für das Lichtluftbild der Natur legte, John Constable (1776-1837). Der Engländer Constable wählt die Landschaft als Hauptgenre seiner Malerei: „The world is great; keine zwei Tage sind gleich, nicht einmal zwei Stunden sind gleich; Seit der Erschaffung der Welt sind an einem Baum keine zwei Blätter gleich, und alle Werke echter Kunst unterscheiden sich wie die Schöpfungen der Natur voneinander“, sagte er.

Mit subtiler Beobachtung unterschiedlicher Naturzustände malte der Konstabler unter freiem Himmel große Ölskizzen, in denen er die Komplexität des Innenlebens der Natur und ihres Alltags vermitteln konnte. („Blick auf Highgate von den Hempstead Hills“, OK. 1834; "Heuwagen" 1821; „Detham Valley“, ca. 1828) gelang dies mit Hilfe von Schreibtechniken. Er malte mit bewegten Strichen, mal dicker und rauer, mal glatter und transparenter. Die Impressionisten würden erst am Ende des Jahrhunderts dazu kommen. Die innovative Malerei von Constable beeinflusste die Werke von Delacroix sowie die gesamte Entwicklung der französischen Landschaft.

Die Kunst von Constable sowie viele Aspekte von Gericaults Werk markierten die Entstehung einer realistischen Richtung in der europäischen Kunst des 19. Jahrhunderts, die sich zunächst parallel zur Romantik entwickelte. Später trennten sich ihre Wege.

Romantiker öffnen die Welt der menschlichen Seele, individuell, anders als alle anderen, aber aufrichtig und daher allen sinnlichen Weltanschauungen nahe. Die Momentanität des Bildes in der Malerei, wie Gelacroix sagte, und nicht seine Konsistenz in der literarischen Darstellung, bestimmte den Fokus der Künstler auf die komplexeste Bewegungsübertragung, für die neue formale und koloristische Lösungen gefunden wurden. Die Romantik hinterließ ein Erbe der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. all diese Probleme und künstlerische Individualität befreit von den Regeln des Akademismus. Das Symbol, das bei den Romantikern die wesentliche Verbindung von Idee und Leben ausdrücken sollte, in der Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. löst sich in der Polyphonie des künstlerischen Bildes auf und fängt die Vielfalt der Ideen und der umgebenden Welt ein.

b) Musik

Die Idee der Kunstsynthese fand ihren Ausdruck in der Ideologie und Praxis der Romantik. Die Romantik in der Musik entstand in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts unter dem Einfluss der Literatur der Romantik und entwickelte sich in enger Verbindung mit ihr, mit der Literatur im Allgemeinen (Hinwendung zu synthetischen Gattungen, vor allem Oper, Lied, Instrumentalminiaturen und musikalische Programmierung). Der für die Romantik charakteristische Appell an die innere Welt des Menschen drückte sich im Kult des Subjektiven aus, der Sehnsucht nach emotional Intensivem, die den Primat von Musik und Lyrik in der Romantik bestimmte.

Musik der 1. Hälfte des 19. Jahrhunderts. schnell entwickelt. Eine neue Musiksprache entstand; in der Instrumental- und Kammermusik erhielt die Miniatur einen besonderen Platz; das Orchester erklang in einem vielfältigen Farbspektrum; die Möglichkeiten des Klaviers und der Violine wurden auf eine neue Weise offenbart; Die Musik der Romantiker war sehr virtuos.

Die musikalische Romantik manifestierte sich in vielen verschiedenen Zweigen, die mit verschiedenen nationalen Kulturen und mit verschiedenen sozialen Bewegungen verbunden waren. So unterscheiden sich beispielsweise der intime, lyrische Stil der deutschen Romantiker und das für die Werke französischer Komponisten charakteristische „oratorische“ bürgerliche Pathos erheblich. Vertreter neuer nationaler Schulen, die auf der Grundlage einer breiten nationalen Befreiungsbewegung entstanden (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), sowie Vertreter der italienischen Opernschule, die eng mit der Risorgimento-Bewegung verbunden sind (Verdi, Bellini) unterscheiden sich in vielerlei Hinsicht von Zeitgenossen in Deutschland, Österreich oder Frankreich, insbesondere durch die Tendenz, die klassischen Traditionen zu bewahren.

Dennoch sind sie alle von einigen allgemeinen künstlerischen Prinzipien geprägt, die es uns erlauben, von einer einzigen romantischen Denkstruktur zu sprechen.

Aufgrund der besonderen Fähigkeit der Musik, die reiche Welt menschlicher Erfahrungen tief und eindringlich zu offenbaren, wurde sie von der romantischen Ästhetik an die erste Stelle unter den anderen Künsten gestellt. Viele Romantiker betonten einen intuitiven Beginn der Musik, schrieben ihr die Eigenschaft zu, das „Unerkennbare“ auszudrücken. Die Werke herausragender romantischer Komponisten hatten eine starke realistische Grundlage. Das Interesse am Leben der einfachen Menschen, die Fülle des Lebens und die Wahrheit der Gefühle, das Vertrauen in die Musik des Alltags bestimmten den Realismus der Arbeit der besten Vertreter der musikalischen Romantik. Reaktionäre Tendenzen (Mystik, Realitätsflucht) sind nur in relativ wenigen Werken der Romantik angelegt. Sie erschienen teilweise in der Oper Euryanta von Weber (1823), in einigen Musikdramen von Wagner, im Oratorium Christ von Liszt (1862) usw.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts tauchten grundlegende Studien der Folklore, Geschichte, antiken Literatur auf, mittelalterliche Legenden, gotische Kunst und die vergessene Kultur der Renaissance wurden wiederbelebt. In dieser Zeit entwickelten sich im Werk des Komponisten in Europa viele nationale Schulen besonderer Art, die dazu bestimmt waren, die Grenzen der gemeinsamen europäischen Kultur erheblich zu erweitern. Russisch, das bald, wenn nicht den ersten, dann einen der ersten Plätze im kulturellen Schaffen der Welt einnahm (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tschaikowsky), Polnisch (Chopin, Moniuszko), Tschechisch (Sauerrahm, Dvorak), Ungarisch ( List), dann Norwegisch (Grieg), Spanisch (Pedrel), Finnisch (Sibelius), Englisch (Elgar) - sie alle verschmolzen mit dem allgemeinen Mainstream des Schaffens des Komponisten in Europa und widersetzten sich keineswegs den etablierten alten Traditionen . Es entstand ein neuer Kreis von Bildern, die die einzigartigen nationalen Merkmale der nationalen Kultur zum Ausdruck brachten, der der Komponist angehörte. Die Intonationsstruktur des Werks ermöglicht es Ihnen, die Zugehörigkeit zu einer bestimmten nationalen Schule sofort nach Gehör zu erkennen.

Komponisten beziehen in die gemeinsame europäische Musiksprache die intonatorischen Wendungen der alten, meist bäuerlichen Folklore ihrer Länder ein. Sie reinigten sozusagen das russische Volkslied von der lackierten Oper, sie führten in das kosmopolitische Intonationssystem des 18. Jahrhunderts Liedwendungen volkstümlicher Alltagsgattungen ein. Das auffälligste Phänomen in der Musik der Romantik, das im Vergleich zur figurativen Sphäre der Klassik besonders lebhaft wahrgenommen wird, ist die Dominanz des lyrisch-psychologischen Prinzips. Eine Besonderheit der musikalischen Kunst im Allgemeinen ist natürlich die Brechung jeglicher Phänomene durch die Sphäre der Gefühle. Musik aller Epochen unterliegt diesem Muster. Aber die Romantiker übertrafen alle ihre Vorgänger im Wert des lyrischen Anfangs in ihrer Musik, in Kraft und Perfektion bei der Vermittlung der Tiefen der inneren Welt eines Menschen, der subtilsten Stimmungsschattierungen.

Das Thema Liebe nimmt darin einen dominierenden Platz ein, denn es ist dieser Geisteszustand, der alle Tiefen und Nuancen der menschlichen Psyche am umfassendsten und vollständigsten widerspiegelt. Aber es ist höchst charakteristisch, dass sich dieses Thema nicht auf die Motive der Liebe im wörtlichen Sinne beschränkt, sondern sich mit den unterschiedlichsten Phänomenen identifiziert. Die rein lyrischen Erfahrungen der Figuren offenbaren sich vor dem Hintergrund eines breiten historischen Panoramas. Die Liebe eines Menschen zu seiner Heimat, zu seinem Vaterland, zu seinem Volk zieht sich wie ein roter Faden durch das Werk aller romantischen Komponisten.

In musikalischen Werken kleiner und großer Formen nimmt das Naturbild einen großen Platz ein, eng und untrennbar mit dem Thema der lyrischen Beichte verwoben. Wie die Bilder der Liebe verkörpert das Bild der Natur den Geisteszustand des Helden, der so oft von einem Gefühl der Disharmonie mit der Realität geprägt ist.

Das Thema Fantasie konkurriert oft mit Naturbildern, die wahrscheinlich durch den Wunsch erzeugt werden, der Gefangenschaft des wirklichen Lebens zu entkommen. Typisch für Romantiker war die Suche nach einer wunderbaren, im Farbenreichtum funkelnden Welt, die dem grauen Alltag entgegensteht. In diesen Jahren wurde die Literatur mit Märchen und Balladen russischer Schriftsteller bereichert. Unter den Komponisten der romantischen Schule erhalten fabelhafte, fantastische Bilder eine national einzigartige Färbung. Die Balladen sind von russischen Schriftstellern inspiriert, und dank dessen entstehen Werke mit einem fantastischen grotesken Plan, die sozusagen die falsche Seite des Glaubens symbolisieren und sich bemühen, die Ideen der Angst vor den Mächten des Bösen umzukehren.

Viele romantische Komponisten traten auch als Musikschriftsteller und -kritiker auf (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt etc.). Die theoretische Arbeit von Vertretern der progressiven Romantik hat einen sehr bedeutenden Beitrag zur Entwicklung der wichtigsten Fragen der Musikkunst geleistet. Die Romantik fand auch in den darstellenden Künsten ihren Ausdruck (der Geiger Paganini, der Sänger A. Nurri und andere).

Die progressive Bedeutung der Romantik in dieser Zeit liegt hauptsächlich in der Aktivität Franz Liszt. Liszts Werk war trotz der widersprüchlichen Weltanschauung im Grunde progressiv, realistisch. Einer der Begründer und Klassiker der ungarischen Musik, ein herausragender nationaler Künstler.

Ungarische Nationalthemen spiegeln sich in vielen von Liszts Werken wider. Liszts romantische, virtuose Kompositionen erweiterten die technischen und Ausdrucksmöglichkeiten des Klavierspiels (Konzerte, Sonaten). Bedeutsam waren Liszts Verbindungen zu Vertretern der russischen Musik, deren Werke er aktiv förderte.

Gleichzeitig spielte Liszt eine große Rolle in der Entwicklung der Weltmusikkunst. Nach Liszt sei „für das Pianoforte alles möglich geworden“. Die charakteristischen Merkmale seiner Musik sind Improvisation, romantisches Hochgefühl, ausdrucksstarke Melodie. Liszt wird als Komponist, Performer, Musiker geschätzt. Hauptwerke des Komponisten: Oper „ Don Sancho oder das Schloss der Liebe„(1825), 13 sinfonische Dichtungen“ Tasso ”, ” Prometheus ”, “Weiler“ und andere, Werke für Orchester, 2 Konzerte für Klavier und Orchester, 75 Romanzen, Chöre und andere ebenso bekannte Werke.

Eine der ersten Manifestationen der Romantik in der Musik war Kreativität Franz Schubert(1797-1828). Schubert ging als größter Begründer der musikalischen Romantik und Schöpfer einer Reihe neuer Gattungen in die Musikgeschichte ein: romantische Symphonie, Klavierminiatur, lyrisch-romantisches Lied (Romanze). Das Wichtigste in seiner Arbeit ist Lied, in denen er besonders viele innovative Tendenzen zeigte. In Schuberts Liedern offenbart sich die innere Welt eines Menschen am tiefsten, seine charakteristische Verbindung zur Volksmusik ist am deutlichsten, eines der wesentlichsten Merkmale seines Talents ist am deutlichsten - die erstaunliche Vielfalt, Schönheit und Anmut der Melodien. Die besten Lieder der Frühzeit sind „ Margarita am Spinnrad ”(1814) , “König des Waldes". Beide Lieder sind nach Goethes Worten geschrieben. Im ersten erinnert sich das verlassene Mädchen an ihre Geliebte. Sie ist einsam und leidet tief, ihr Lied ist traurig. Eine einfache und aufrichtige Melodie wird nur vom monotonen Summen der Brise widergehallt. „Der Waldkönig“ ist ein komplexes Werk. Dies ist kein Lied, sondern eine dramatische Szene, in der drei Charaktere vor uns erscheinen: ein Vater, der auf einem Pferd durch den Wald reitet, ein krankes Kind, das er bei sich trägt, und ein beeindruckender Waldkönig, der einem fiebrigen Jungen erscheint Delirium. Jeder von ihnen hat seine eigene melodische Sprache. Schuberts Lieder "Forelle", "Barkarole", "Morgenständchen" sind nicht weniger berühmt und beliebt. Diese in späteren Jahren geschriebenen Lieder zeichnen sich durch ihre überraschend einfache und ausdrucksstarke Melodie und ihre frischen Farben aus.

Schubert schrieb auch zwei Liederzyklen - „ schöner Müller"(1823), und" Winterweg“(1872) - nach den Worten des deutschen Dichters Wilhelm Müller. In jedem von ihnen werden die Lieder durch eine Handlung vereint. Die Lieder des Zyklus „Die schöne Müllerin“ erzählen von einem kleinen Jungen. Dem Lauf des Baches folgend, begibt er sich auf die Suche nach seinem Glück. Die meisten Lieder in diesem Zyklus haben einen leichten Charakter. Ganz anders die Stimmung des Zyklus „Winterweg“. Ein armer junger Mann wird von einer reichen Braut verstoßen. Verzweifelt verlässt er seine Heimatstadt und zieht um die Welt. Seine Begleiter sind der Wind, ein Schneesturm, eine bedrohlich krächzende Krähe.

Die wenigen hier angeführten Beispiele erlauben es uns, auf die Besonderheiten von Schuberts Songwriting einzugehen.

Schubert liebte es zu schreiben Klaviermusik. Für dieses Instrument schrieb er eine Vielzahl von Werken. Seine Klavierwerke waren wie Lieder nah an der Alltagsmusik und ebenso einfach und verständlich. Die Lieblingsgenres seiner Kompositionen waren Tänze, Märsche und in den letzten Jahren seines Lebens - Improvisation.

Walzer und andere Tänze traten gewöhnlich auf Schuberts Bällen, bei Landspaziergängen auf. Dort improvisierte er sie und nahm sie zu Hause auf.

Wenn wir Schuberts Klavierstücke mit seinen Liedern vergleichen, finden wir viele Gemeinsamkeiten. Zunächst einmal ist es eine große melodische Ausdruckskraft, Anmut, farbenfrohes Nebeneinander von Dur und Moll.

Einer der größten Französisch Komponisten der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts George Bizet, der Schöpfer einer unsterblichen Kreation für das Musiktheater - Opern “Carmen„und wunderbare Musik zum Drama von Alphonse Daudet“ Arlesisch ”.

Bizets Arbeit zeichnet sich durch Genauigkeit und Klarheit des Denkens, Neuheit und Frische der Ausdrucksmittel, Vollständigkeit und Eleganz der Form aus. Bizet zeichnet sich durch die Schärfe der psychologischen Analyse beim Verständnis menschlicher Gefühle und Handlungen aus, die für die Arbeit der großen Landsleute des Komponisten - der Schriftsteller Balzac, Flaubert, Maupassant - charakteristisch ist. Der zentrale Ort im genreübergreifenden Schaffen Bizets gehört der Oper. Die Opernkunst des Komponisten entstand auf nationalem Boden und wurde von den Traditionen des französischen Opernhauses genährt. Als erste Aufgabe seines Schaffens sah Bizet die Überwindung der in der französischen Oper bestehenden Gattungsbeschränkungen, die ihre Entwicklung behindern. Die „große“ Oper erscheint ihm als tote Gattung, die lyrische Oper irritiert mit ihrer Weinerlichkeit und kleinbürgerlichen Borniertheit, die Komik verdient mehr Aufmerksamkeit als andere. Zum ersten Mal erscheinen in Bizets Oper saftige und lebhafte häusliche und Massenszenen, die das Leben und lebendige Szenen vorwegnehmen.

Bizets Musik zu Alphonse Daudets Drama „Arlesisch“ ist vor allem für zwei Konzertsuiten bekannt, die aus ihren besten Nummern bestehen. Bizet verwendete einige authentische provenzalische Melodien : „Marsch der Heiligen Drei Könige“ Und "Tanz der munteren Pferde".

Bizets Oper Carmen“ ist ein musikalisches Drama, das mit überzeugender Wahrhaftigkeit und mit fesselnder künstlerischer Kraft die Liebes- und Todesgeschichte seiner Helden vor dem Publikum entfaltet: des Soldaten Jose und der Zigeunerin Carmen. Opera Carmen wurde auf der Grundlage der Traditionen des französischen Musiktheaters geschaffen, brachte aber gleichzeitig auch viele neue Dinge mit. Basierend auf den besten Errungenschaften der Nationaloper und der Reformierung ihrer wichtigsten Elemente schuf Bizet ein neues Genre - ein realistisches Musikdrama.

In der Geschichte des Opernhauses des 19. Jahrhunderts nimmt die Oper Carmen einen der ersten Plätze ein. Seit 1876 begann ihr Siegeszug auf den Bühnen der Opernhäuser von Wien, Brüssel und London.

Die Manifestation einer persönlichen Beziehung zur Umwelt wurde von Dichtern und Musikern vor allem in Unmittelbarkeit, emotionaler „Offenheit“ und Leidenschaft des Ausdrucks ausgedrückt, um den Zuhörer mit Hilfe der unaufhörlichen Intensität des Tons zu überzeugen Anerkennung oder Geständnis.

Diese neuen Strömungen in der Kunst hatten entscheidenden Einfluss auf die Entstehung Lyrische Oper. Sie entstand als Gegenpol zur „großen“ und komischen Oper, konnte aber an deren Eroberungen und Errungenschaften auf dem Gebiet der Operndramaturgie und der musikalischen Ausdrucksmittel nicht vorbeigehen.

Eine Besonderheit des neuen Operngenres war die lyrische Interpretation jeder literarischen Handlung - zu einem historischen, philosophischen oder modernen Thema. Die Helden der lyrischen Oper sind mit den Merkmalen gewöhnlicher Menschen ausgestattet, ohne Exklusivität und etwas Übertreibung, die für eine romantische Oper charakteristisch sind. Der bedeutendste Künstler auf dem Gebiet der lyrischen Oper war Charles Gounod.

Unter dem ziemlich zahlreichen Opernerbe von Gounod ist die Oper „ Faust" nimmt einen besonderen und, könnte man sagen, außergewöhnlichen Platz ein. Ihr weltweiter Ruhm und ihre Popularität werden von Gounods anderen Opern nicht erreicht. Die historische Bedeutung der Oper Faust ist besonders groß, weil sie nicht nur die beste, sondern im Wesentlichen die erste unter den Opern der neuen Richtung war, über die Tschaikowsky schrieb: „Es ist unmöglich zu leugnen, dass Faust geschrieben wurde, wenn nicht mit Genie, dann mit außergewöhnlichem Können und ohne nennenswerte Identität.“ Im Bild von Faust werden die scharfe Widersprüchlichkeit und „Verzweigung“ seines Bewusstseins, die ewige Unzufriedenheit, die durch den Wunsch, die Welt zu kennen, verursacht wird, geglättet. Gounod konnte nicht die ganze Vielseitigkeit und Komplexität des Bildes von Goethes Mephistopheles vermitteln, der den Geist der militanten Kritik dieser Zeit verkörperte.

Einer der Hauptgründe für die Popularität von "Faust" war, dass er das Beste und grundlegend Neue an der jungen Gattung der lyrischen Oper konzentrierte: eine emotional direkte und lebendig individuelle Übertragung der Innenwelt der Opernfiguren. Die tiefe philosophische Bedeutung von Goethes Faust, der die historischen und gesellschaftlichen Schicksale der gesamten Menschheit am Beispiel des Konflikts der Hauptfiguren aufzuzeigen suchte, verkörperte Gounod in Form eines humanen lyrischen Dramas von Margarete und Faust.

Französischer Komponist, Dirigent, Musikkritiker Hektor Berlioz als größter romantischer Komponist, Schöpfer der Programmsymphonie, Erneuerer auf dem Gebiet der musikalischen Form, der Harmonielehre und insbesondere der Instrumentierung in die Musikgeschichte eingegangen. In seiner Arbeit fanden sie eine lebendige Verkörperung der Merkmale des revolutionären Pathos und Heldentums. Berlioz kannte M. Glinka, dessen Musik er sehr schätzte. Er war mit den Führern der "Mighty Handful" befreundet, die seine Schriften und kreativen Prinzipien begeistert annahmen.

Er schuf 5 musikalische Bühnenwerke, darunter die Oper „ Benvenuto Cillini ”(1838), “ Trojaner ”,”Beatrice und Benedikt(basierend auf Shakespeares Komödie Viel Lärm um nichts, 1862); 23 Vokal- und Symphoniewerke, 31 Romanzen, Chöre, er schrieb die Bücher „Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration“ (1844), „Evenings in the Orchestra“ (1853), „Through Songs“ (1862), „Musical Curiosities“ (1859), „Memoiren“ (1870), Artikel, Rezensionen.

Deutsch Komponist, Dirigent, Dramatiker, Publizist Richard Wagner ging als einer der größten musikalischen Schöpfer und bedeutenden Reformer der Opernkunst in die Geschichte der weltweiten Musikkultur ein. Ziel seiner Reformen war es, ein monumentales programmatisches vokal-sinfonisches Werk in dramatischer Form zu schaffen, das alle Arten von Opern- und Symphoniemusik ersetzen sollte. Ein solches Werk war ein musikalisches Drama, in dem die Musik in einem kontinuierlichen Strom fließt und alle dramatischen Verbindungen miteinander verschmilzt. Wagner lehnte den fertigen Gesang ab und ersetzte ihn durch eine Art emotional reiches Rezitativ. Einen großen Platz in Wagners Opern nehmen eigenständige Orchesterepisoden ein, die einen wertvollen Beitrag zur weltweiten symphonischen Musik darstellen.

Wagners Hand gehört zu 13 Opern:“ Der fliegende Holländer“ (1843), „Tannhäuser“ (1845), „Tristan und Isolde“ (1865), „Gold des Rheins“ (1869) usw.; Chöre, Klavierstücke, Romanzen.

Ein weiterer herausragender deutscher Komponist, Dirigent, Pianist, Lehrer und Musiker war Felix Mendelssohn Bartholdy. Ab seinem 9. Lebensjahr begann er als Pianist aufzutreten, mit 17 schuf er eines der Meisterwerke - eine Ouvertüre zu einer Komödie " C er ist in einer Sommernacht" Shakespeare. 1843 gründete er in Leipzig das erste Konservatorium Deutschlands. Im Werk Mendelssohns, „einem Klassiker unter den Romantikern“, verbinden sich romantische Züge mit der klassischen Denkweise. Seine Musik zeichnet sich durch helle Melodie, Demokratismus des Ausdrucks, Mäßigung der Gefühle, Ruhe des Denkens, das Vorherrschen heller Emotionen, lyrische Stimmungen, nicht ohne einen leichten Hauch von Sentimentalität, makellose Formen, brillante Handwerkskunst aus. R. Schumann nannte ihn „Mozart des 19. Jahrhunderts“, G. Heine – „ein musikalisches Wunder“.

Autor von landschaftsromantischen Symphonien („schottisch“, „italienisch“), Programmkonzertouvertüren, einem beliebten Violinkonzert, Stückzyklen für Pianoforte „Lied ohne Worte“; die Opern Camachos Hochzeit Er schrieb Musik für das dramatische Stück Antigone (1841), Ödipus in Colon (1845) von Sophokles, Atalia von Racine (1845), Shakespeares Ein Sommernachtstraum (1843) und andere; Oratorien "Paul" (1836), "Elia" (1846); 2 Konzerte für Klavier und 2 für Violine.

IN Italienisch Musikkultur ein besonderer Platz gehört Giuseppe Verdi - einem herausragenden Komponisten, Dirigenten und Organisten. Das Hauptgebiet von Verdis Schaffen ist die Oper. Er trat vor allem als Sprecher der heroisch-patriotischen Gefühle und nationalen Befreiungsideen des italienischen Volkes auf. In den Folgejahren widmete er sich in seinen Opern dramatischen Konflikten, die durch soziale Ungleichheit, Gewalt, Unterdrückung und angeprangertes Böses ausgelöst wurden. Charakteristische Merkmale von Verdis Werk: Volksmusik, dramatisches Temperament, melodische Helligkeit, Verständnis für die Gesetzmäßigkeiten der Szene.

Er schrieb 26 Opern: „ Nabucco“, „Macbeth“, „Troubadour“, „La Traviata“, „Othello“, „Aida" usw . , 20 Romanzen, Vokalensembles .

Jung norwegisch Komponist Edvard Grieg (1843-1907) strebte nach der Entwicklung der nationalen Musik. Dies drückte sich nicht nur in seiner Arbeit aus, sondern auch in der Förderung der norwegischen Musik.

Während seiner Jahre in Kopenhagen schrieb Grieg viel Musik: „ Poetische Bilder“ Und "Humoreske", Sonate für Klavier und erste Violinsonate, Lieder. Mit jedem neuen Werk wird das Bild Griegs als norwegischer Komponist deutlicher. In den subtil lyrischen "Poetischen Bildern" (1863) brechen noch zaghaft nationale Züge durch. Die rhythmische Figur findet sich oft in der norwegischen Volksmusik; es wurde charakteristisch für viele von Griegs Melodien.

Griegs Werk ist umfangreich und facettenreich. Grieg schrieb Werke verschiedener Genres. Piano Concerto and Ballades, drei Sonaten für Violine und Klavier und eine Sonate für Cello und Klavier zeugt das Quartett von Griegs ständigem Verlangen nach großen Formen. Gleichzeitig blieb das Interesse des Komponisten an Instrumentalminiaturen unverändert. Im gleichen Maße wie das Hammerklavier war der Komponist von der kammervokalen Miniatur angezogen - einer Romanze, einem Lied. Seien Sie bei Grieg nicht der Hauptdarsteller, das Feld des symphonischen Schaffens ist geprägt von Meisterwerken wie den Suiten „ Per Gounod ”, “Aus Holbergs Zeiten". Eine der charakteristischen Gattungen von Griegs Schaffen ist die Verarbeitung von Volksliedern und -tänzen: in Form von einfachen Klavierstücken, einem Suitenzyklus für Klavier zu vier Händen.

Griegs Musiksprache ist strahlend originell. Die Individualität des Komponistenstils wird vor allem durch seine tiefe Verbundenheit mit der norwegischen Volksmusik bestimmt. Grieg verwendet in großem Umfang Genremerkmale, Intonationsstrukturen, rhythmische Formeln von Volkslied- und Tanzmelodien.

Griegs bemerkenswerte Beherrschung der Variations- und Variantenentwicklung einer Melodie wurzelt in Volkstraditionen der wiederholten Wiederholung einer Melodie mit ihren Änderungen. „Ich habe die Volksmusik meines Landes aufgenommen.“ Hinter diesen Worten verbirgt sich Griegs ehrfürchtige Haltung gegenüber der Volkskunst und die Erkenntnis ihrer entscheidenden Rolle für sein eigenes Schaffen.

7. ABSCHLUSS

Auf der Grundlage des oben Gesagten können die folgenden Schlussfolgerungen gezogen werden:

Die Entstehung der Romantik wurde von drei Hauptereignissen beeinflusst: der Französischen Revolution, den Napoleonischen Kriegen, dem Aufstieg der nationalen Befreiungsbewegung in Europa.

Romantik als Methode und Richtung in der künstlerischen Kultur war ein komplexes und umstrittenes Phänomen. In jedem Land hatte er einen hellen Nationalausdruck. Romantiker besetzten verschiedene soziale und politische Positionen in der Gesellschaft. Sie alle rebellierten gegen die Ergebnisse der bürgerlichen Revolution, aber sie rebellierten auf unterschiedliche Weise, da jeder sein eigenes Ideal hatte. Doch bei aller Vielseitigkeit und Vielfalt hat die Romantik stabile Züge:

Sie alle entstammen der Verleugnung der Aufklärung und der rationalistischen Kanone des Klassizismus, die die schöpferische Initiative des Künstlers behinderten.

Sie entdeckten das Prinzip des Historismus (Aufklärer beurteilten die Vergangenheit antihistorisch, für sie gab es „vernünftig“ und „unvernünftig“). Wir haben menschliche Charaktere in der Vergangenheit gesehen, geprägt von ihrer Zeit. Das Interesse an der nationalen Vergangenheit führte zu einer Vielzahl historischer Werke.

Interesse an einer starken Persönlichkeit, die sich der ganzen Welt um sich herum widersetzt und sich nur auf sich selbst verlässt.

Aufmerksamkeit für die innere Welt des Menschen.

Die Romantik war sowohl in den Ländern Westeuropas als auch in Russland weit verbreitet. Die Romantik in Russland unterschied sich jedoch von der westeuropäischen zugunsten eines anderen historischen Rahmens und einer anderen kulturellen Tradition. Der wahre Grund für die Entstehung der Romantik in Russland war der Vaterländische Krieg von 1812, in dem sich die ganze Macht der Volksinitiative manifestierte.

Merkmale der russischen Romantik:

Die Romantik stellte sich nicht gegen die Aufklärung. Die Ideologie der Aufklärung schwächte sich ab, brach aber nicht zusammen wie in Europa. Das Ideal eines aufgeklärten Monarchen hat sich nicht erschöpft.

Die Romantik entwickelte sich parallel zum Klassizismus, oft verflochten mit ihm.

Die Romantik in Russland manifestierte sich auf unterschiedliche Weise in verschiedenen Kunstarten. In der Architektur wurde es überhaupt nicht gelesen. In der Malerei versiegte sie Mitte des 19. Jahrhunderts. Er tauchte nur teilweise in der Musik auf. Vielleicht nur in der Literatur manifestierte sich die Romantik konsequent.

In der bildenden Kunst manifestierte sich die Romantik am deutlichsten in Malerei und Grafik, weniger expressiv in Skulptur und Architektur.

Romantiker öffnen die Welt der menschlichen Seele, individuell, anders als alle anderen, aber aufrichtig und daher allen sinnlichen Weltanschauungen nahe. Die Momentanität des Bildes in der Malerei, wie Delacroix sagte, und nicht seine Konsistenz in der literarischen Aufführung, bestimmte den Fokus der Künstler auf die komplexeste Bewegungsübertragung, für die neue formale und koloristische Lösungen gefunden wurden. Die Romantik hinterließ ein Erbe der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. all diese Probleme und künstlerische Individualität befreit von den Regeln des Akademismus. Das Symbol, das bei den Romantikern die wesentliche Verbindung von Idee und Leben ausdrücken sollte, in der Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. löst sich in der Polyphonie des künstlerischen Bildes auf und fängt die Vielfalt der Ideen und der umgebenden Welt ein. Romantik in der Malerei ist eng mit Sentimentalität verwandt.

Dank der Romantik nimmt die persönliche subjektive Vision des Künstlers die Form eines Gesetzes an. Der Impressionismus wird die Barriere zwischen dem Künstler und der Natur vollständig zerstören und die Kunst zum Eindruck erklären. Romantiker sprechen von der Fantasie des Künstlers, „der Stimme seiner Gefühle“, die es ihm erlaubt, die Arbeit zu unterbrechen, wenn der Meister es für notwendig hält, und nicht wie es der akademische Anspruch auf Vollständigkeit verlangt.

Die Romantik hinterließ eine ganze Ära in der Weltkunstkultur, ihre Vertreter waren: in der russischen Literatur Schukowski, A. Puschkin, M. Lermontov und andere; in der bildenden Kunst E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin und andere; in der Musik von F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin ua Sie entdeckten und entwickelten neue Genres, schenkten dem Schicksal der menschlichen Persönlichkeit besondere Aufmerksamkeit, offenbarten die Dialektik von Gut und Böse, meisterhaft offenbarte menschliche Leidenschaften usw.

Die Kunstformen gleichten sich in ihrer Bedeutung mehr oder weniger an und brachten großartige Kunstwerke hervor, obwohl die Romantiker der Musik den Vorrang auf der Leiter der Künste einräumten.

Die Romantik als Weltanschauung existierte in Russland in ihrer ersten Welle vom Ende des 18. Jahrhunderts bis in die 1850er Jahre. Die Linie der Romantik in der russischen Kunst hörte in den 1850er Jahren nicht auf. Das von den Romantikern für die Kunst entdeckte Thema des Seinszustandes wurde später von den Künstlern der Blauen Rose weiterentwickelt. Die direkten Erben der Romantiker waren zweifellos die Symbolisten. Romantische Themen, Motive, Ausdrucksmittel gingen in die Kunst verschiedener Stile, Richtungen, kreativer Assoziationen ein. Das romantische Weltbild oder Weltbild erwies sich als eines der lebhaftesten, hartnäckigsten und fruchtbarsten.

Romantik als allgemeine Haltung, die vor allem für junge Menschen charakteristisch ist, als Wunsch nach idealer und kreativer Freiheit, lebt immer noch in der Weltkunst.

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Die Romantik als Richtung in der Malerei bildete sich Ende des 18. Jahrhunderts in Westeuropa heraus. Die Romantik erreichte ihren Höhepunkt in der Kunst der meisten westeuropäischen Länder in den 1920er und 1930er Jahren. 19. Jahrhundert.

Der Begriff "Romantik" selbst stammt vom Wort "Roman" (im 17. Jahrhundert wurden literarische Werke, die nicht in Latein, sondern in davon abgeleiteten Sprachen - Französisch, Englisch usw. - verfasst wurden, Romane genannt. Später wurde alles Unverständliche und Mysteriöse als romantisch bezeichnet.

Als kulturelles Phänomen hat sich die Romantik aus einem besonderen Weltbild herausgebildet, das durch die Folgen der Französischen Revolution entstanden ist. Desillusioniert von den Idealen der Aufklärung schufen die Romantiker im Streben nach Harmonie und Integrität neue ästhetische Ideale und künstlerische Werte. Im Mittelpunkt ihrer Aufmerksamkeit standen die herausragenden Charaktere mit all ihren Erfahrungen und ihrem Wunsch nach Freiheit. Der Held der romantischen Werke ist eine herausragende Person, die sich durch den Willen des Schicksals in schwierigen Lebensumständen befand.

Obwohl die Romantik als Protest gegen die Kunst des Klassizismus entstand, stand sie dieser in vielerlei Hinsicht nahe. Romantiker waren teilweise solche Vertreter des Klassizismus wie N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.

Die Romantiker brachten in die Malerei ursprüngliche nationale Züge ein, also etwas, was der Kunst der Klassiker fehlte.
Der größte Vertreter der französischen Romantik war T. Gericault.

Theodor Géricault

Theodore Gericault, der große französische Maler, Bildhauer und Grafiker, wurde 1791 in Rouen in eine wohlhabende Familie geboren. Das Talent des Künstlers zeigte sich schon früh in ihm. Anstatt den Schulunterricht zu besuchen, saß Géricault oft im Stall und zeichnete Pferde. Schon damals versuchte er nicht nur die äußeren Merkmale der Tiere auf Papier zu übertragen, sondern auch ihr Temperament und ihren Charakter zu vermitteln.

Nach seinem Abschluss am Lyceum im Jahr 1808 wurde Géricault Schüler des damals berühmten Malers Carl Vernet, der für seine Fähigkeit berühmt war, Pferde auf Leinwand darzustellen. Der junge Künstler mochte jedoch Vernets Stil nicht. Bald verlässt er die Werkstatt und studiert bei einem anderen, nicht weniger talentierten Maler als Vernet, P. N. Guerin. Während seines Studiums bei zwei berühmten Künstlern führte Gericault ihre Traditionen in der Malerei dennoch nicht fort. J. A. Gros und J. L. David sollten wohl als seine eigentlichen Lehrer gelten.

Gericaults frühe Werke zeichnen sich dadurch aus, dass sie so nah wie möglich am Leben sind. Solche Gemälde sind ungewöhnlich ausdrucksstark und pathetisch. Sie zeigen die enthusiastische Stimmung des Autors bei der Einschätzung der Welt um ihn herum. Ein Beispiel ist ein Gemälde mit dem Titel „Offizier der kaiserlichen Ranger bei einem Angriff“, das 1812 geschaffen wurde. Dieses Gemälde wurde erstmals von Besuchern des Pariser Salons gesehen. Sie nahmen die Arbeit des jungen Künstlers mit Bewunderung an und schätzten das Talent des jungen Meisters.

Das Werk entstand in jener Zeit der französischen Geschichte, als Napoleon auf dem Höhepunkt seines Ruhms stand. Die Zeitgenossen vergötterten ihn, den großen Kaiser, dem es gelang, den größten Teil Europas zu erobern. In einer solchen Stimmung, unter dem Eindruck der Siege von Napoleons Armee, wurde das Bild gemalt. Die Leinwand zeigt einen Soldaten im Galopp auf einem Pferd. Sein Gesicht drückt Entschlossenheit, Mut und Furchtlosigkeit im Angesicht des Todes aus. Ganze Komposition
ungewöhnlich dynamisch und emotional. Der Betrachter bekommt das Gefühl, dass er selbst zum echten Teilnehmer des auf der Leinwand dargestellten Geschehens wird.

Die Figur eines tapferen Soldaten taucht mehr als einmal im Werk von Géricault auf. Unter diesen Bildern sind die Helden der Gemälde „Offizier der Carabinieri“, „Offizier des Kürassiers vor dem Angriff“, „Porträt eines Carabinieri“, „Verwundeter Kürassier“, die zwischen 1812 und 1814 entstanden, von besonderem Interesse. Das letzte Werk ist insofern bemerkenswert, als es auf der nächsten Ausstellung im Salon im selben Jahr präsentiert wurde. Dies ist jedoch nicht der Hauptvorteil der Zusammensetzung. Noch wichtiger war, dass es die Veränderungen zeigte, die im kreativen Stil des Künstlers stattgefunden hatten. Wenn sich in seinen ersten Gemälden aufrichtige patriotische Gefühle widerspiegelten, dann wird in den Werken aus dem Jahr 1814 das Pathos in der Darstellung von Helden durch Drama ersetzt.

Ein ähnlicher Stimmungsumschwung des Künstlers war wiederum mit den damaligen Ereignissen in Frankreich verbunden. 1812 wurde Napoleon in Russland besiegt, wodurch er, der einst ein brillanter Held war, von seinen Zeitgenossen den Ruhm eines erfolglosen Militärführers und eines arroganten stolzen Mannes erwirbt. Géricault verkörpert seine Enttäuschung vom Ideal im Gemälde „Der verwundete Kürassier“. Die Leinwand zeigt einen verwundeten Krieger, der versucht, das Schlachtfeld so schnell wie möglich zu verlassen. Er stützt sich auf einen Säbel – eine Waffe, die er vielleicht noch vor ein paar Minuten in der Hand gehalten hat, hoch erhoben.

Es war Géricaults Unzufriedenheit mit Napoleons Politik, die seinen Eintritt in die Dienste Ludwigs XVIII. diktierte, der 1814 den französischen Thron bestieg. Die Tatsache, dass der junge Künstler nach der zweiten Machtergreifung Napoleons in Frankreich (der Hundert-Tage-Periode) seine verlässt Heimatland zusammen mit Bourbonen. Aber auch hier erwartete ihn eine Enttäuschung. Der junge Mann konnte nicht ruhig zusehen, wie der König alles zerstört, was während der Herrschaft Napoleons erreicht wurde. Hinzu kam unter Ludwig XVIII. eine Verschärfung der feudal-katholischen Reaktion, das Land rollte immer schneller zurück und kehrte zum alten Staatssystem zurück. Das konnte ein junger, fortschrittlich denkender Mensch nicht akzeptieren. Sehr bald verlässt der junge Mann, der den Glauben an seine Ideale verloren hat, die von Ludwig XVIII geführte Armee und greift wieder zu Pinsel und Farbe. Diese Jahre können in der Arbeit des Künstlers nicht als hell und bemerkenswert bezeichnet werden.

1816 unternahm Gericault eine Reise nach Italien. Nachdem er Rom und Florenz besucht und die Meisterwerke berühmter Meister studiert hat, liebt der Künstler die Monumentalmalerei. Michelangelos Fresken, die die Sixtinische Kapelle schmückten, beschäftigen ihn besonders. Zu dieser Zeit entstanden Werke von Géricault, die in ihrer Größe und Majestät in vielerlei Hinsicht an die Leinwände der Maler der Hochrenaissance erinnern. Unter ihnen sind die interessantesten „Die Entführung der Nymphe durch den Zentauren“ und „Der Mann, der den Stier wirft“.

Die gleichen Züge des altmeisterlichen Stils finden sich auch in dem um 1817 entstandenen Gemälde „Lauf freier Pferde in Rom“, das Reiterwettkämpfe bei einem der in Rom stattfindenden Karnevale darstellt. Ein Merkmal dieser Komposition ist, dass sie vom Künstler aus zuvor angefertigten Naturzeichnungen zusammengestellt wurde. Außerdem unterscheidet sich die Art der Skizzen deutlich vom Stil des gesamten Werkes. Handelt es sich bei ersteren um Szenen, die das Leben der Römer – der Zeitgenossen des Künstlers – beschreiben, so finden sich in der Gesamtkomposition Bilder mutiger antiker Helden, als entstammen sie antiken Erzählungen. Darin folgt Gericault dem Weg von J. L. David, der, um das Bild eines heroischen Pathos zu vermitteln, seine Helden in antike Formen kleidete.

Bald nach dem Malen dieses Bildes kehrt Gericault nach Frankreich zurück, wo er Mitglied des Oppositionszirkels um den Maler Horace Vernet wird. Nach seiner Ankunft in Paris interessierte sich der Künstler besonders für Grafiken. 1818 schuf er eine Reihe von Lithografien zu einem militärischen Thema, von denen die bedeutendste „Rückkehr aus Russland“ war. Die Lithographie stellt die besiegten Soldaten der französischen Armee dar, die durch ein schneebedecktes Feld wandern. Lebensecht und wahrheitsgetreu sind die Figuren verkrüppelter und kriegsmüder Menschen dargestellt. Pathos und Heldenpathos sind in der Komposition nicht vorhanden, wie es für Gericaults Frühwerke typisch war. Der Künstler versucht, den wahren Stand der Dinge wiederzugeben, all die Katastrophen, die die von ihrem Kommandanten verlassenen französischen Soldaten in einem fremden Land ertragen mussten.

In der Arbeit "Rückkehr aus Russland" wurde zum ersten Mal das Thema des Kampfes des Menschen mit dem Tod gehört. Allerdings kommt dieses Motiv hier noch nicht so deutlich zum Ausdruck wie in den späteren Werken Géricaults. Ein Beispiel für solche Leinwände kann ein Gemälde mit dem Titel "Das Floß der Medusa" sein. Es wurde 1819 geschrieben und im selben Jahr im Pariser Salon ausgestellt. Die Leinwand zeigt Menschen, die mit dem tobenden Element Wasser kämpfen. Die Künstlerin zeigt nicht nur ihre Leiden und Qualen, sondern auch den Wunsch, um jeden Preis als Sieger aus dem Kampf gegen den Tod hervorzugehen.

Die Handlung der Komposition wird von einem Ereignis bestimmt, das im Sommer 1816 stattfand und ganz Frankreich erregte. Die damals berühmte Fregatte „Medusa“ lief auf Riffe und sank vor der Küste Afrikas. Von den 149 Menschen, die sich auf dem Schiff befanden, konnten nur 15 fliehen, darunter der Chirurg Savigny und der Ingenieur Correard. Nach ihrer Ankunft in ihrer Heimat veröffentlichten sie ein kleines Buch, das von ihren Abenteuern und ihrer glücklichen Rettung erzählte. Aus diesen Erinnerungen erfuhren die Franzosen, dass das Unglück durch die Schuld des unerfahrenen Kapitäns des Schiffes geschah, der dank der Schirmherrschaft eines edlen Freundes an Bord kam.

Die von Gericault geschaffenen Bilder sind ungewöhnlich dynamisch, plastisch und ausdrucksstark, was der Künstler durch lange und sorgfältige Arbeit erreicht hat. Um schreckliche Ereignisse wirklich auf der Leinwand darzustellen, um die Gefühle von Menschen zu vermitteln, die auf See sterben, trifft sich der Künstler mit Augenzeugen der Tragödie, studiert lange Zeit die Gesichter ausgemergelter Patienten, die in einem der Krankenhäuser in Paris behandelt werden , sowie Matrosen, die Schiffswracks entkommen konnten. In dieser Zeit schuf der Maler eine Vielzahl von Porträtarbeiten.

Das tosende Meer ist auch voller tiefer Bedeutung, als würde es versuchen, ein zerbrechliches Holzfloß mit Menschen zu verschlucken. Dieses Bild ist ungewöhnlich ausdrucksstark und dynamisch. Es wurde wie die Figuren der Menschen aus der Natur gezeichnet: Der Künstler fertigte mehrere Skizzen an, die das Meer während eines Sturms darstellen. Gericault arbeitete an einer monumentalen Komposition und griff immer wieder auf zuvor erstellte Skizzen zurück, um die Natur der Elemente vollständig widerzuspiegeln. Deshalb hinterlässt das Bild beim Betrachter einen großen Eindruck, überzeugt ihn vom Realismus und der Wahrhaftigkeit des Geschehens.

„Das Floß der Medusa“ präsentiert Géricault als einen bemerkenswerten Meister der Komposition. Der Künstler hat lange darüber nachgedacht, wie er die Figuren im Bild anordnen könnte, um die Intention des Autors am besten zum Ausdruck zu bringen. Im Laufe der Arbeiten wurden einige Änderungen vorgenommen. Die dem Gemälde vorangestellten Skizzen deuten darauf hin, dass Gericault zunächst den Kampf der Menschen auf dem Floß miteinander darstellen wollte, später aber von einer solchen Deutung des Geschehens abwich. In der endgültigen Version stellt die Leinwand den Moment dar, in dem bereits verzweifelte Menschen das Argus-Schiff am Horizont sehen und ihre Hände danach ausstrecken. Die letzte Hinzufügung zum Bild war die menschliche Figur, die unten auf der rechten Seite der Leinwand platziert wurde. Sie war es, die der Komposition den letzten Schliff gab, die danach einen zutiefst tragischen Charakter annahm. Es ist bemerkenswert, dass diese Änderung vorgenommen wurde, als das Gemälde bereits im Salon ausgestellt war.

Mit ihrer Monumentalität und gesteigerten Emotionalität erinnert Gericaults Malerei in vielerlei Hinsicht an die Werke der Meister der Hochrenaissance (vor allem Michelangelos Das Jüngste Gericht), die der Künstler auf Reisen in Italien kennenlernte.

Das Gemälde "Das Floß der Medusa", das zu einem Meisterwerk der französischen Malerei wurde, war ein großer Erfolg in oppositionellen Kreisen, die es als Spiegelung revolutionärer Ideale sahen. Aus den gleichen Gründen wurde das Werk vom höchsten Adel und den offiziellen Vertretern der schönen Künste Frankreichs nicht akzeptiert. Deshalb wurde die Leinwand damals nicht vom Staat vom Autor gekauft.

Enttäuscht über den Empfang seiner Schöpfung in der Heimat geht Gericault nach England, wo er sein Lieblingswerk dem britischen Hof vorstellt. In London nahmen Kunstkenner das berühmte Gemälde mit großer Begeisterung auf.

Gericault wendet sich an englische Künstler, die ihn mit ihrer Fähigkeit überzeugen, die Realität aufrichtig und wahrheitsgemäß abzubilden. Gericault widmet dem Leben und Leben der englischen Hauptstadt einen Zyklus von Lithografien, darunter die Werke, die die Titel „The Great English Suite“ (1821) und „The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery“ (1821) erhielten. sind von größtem Interesse. In letzterem stellte der Künstler einen Londoner Landstreicher dar, der die Eindrücke widerspiegelte, die der Maler beim Studium des Lebens der Menschen in den Arbeitervierteln der Stadt erhielt.

Derselbe Zyklus umfasste Lithografien wie „The Flanders Smith“ und „At the Gates of the Adelphin Shipyard“, die dem Betrachter ein Bild des Lebens der einfachen Leute in London präsentierten. Interessant in diesen Arbeiten sind Bilder von Pferden, schwer und übergewichtig. Sie unterscheiden sich merklich von diesen anmutigen und anmutigen Tieren, die von anderen Künstlern gemalt wurden - Zeitgenossen von Géricault.

In der Hauptstadt Englands beschäftigt sich Gericault nicht nur mit der Erstellung von Lithografien, sondern auch von Gemälden. Eines der auffälligsten Werke dieser Zeit war das 1821 entstandene Gemälde "Race at Epsom". Auf dem Bild zeigt der Künstler Pferde, die mit voller Geschwindigkeit rasen und deren Beine den Boden überhaupt nicht berühren. Diese schlaue Technik (das Foto bewies, dass Pferde während des Laufs keine solche Position der Beine haben können, das ist die Fantasie des Künstlers) wird vom Meister verwendet, um der Komposition Dynamik zu verleihen, um dem Betrachter den Eindruck von Blitz- schnelle Bewegung der Pferde. Dieses Gefühl wird durch die genaue Übertragung der Plastizität (Posen, Gesten) menschlicher Figuren sowie durch die Verwendung von hellen und satten Farbkombinationen (rot, braun, weiße Pferde; tiefblau, dunkelrot, weiß-blau und golden) verstärkt. gelbe Jacken von Jockeys).

Das Thema Pferderennen, das mit seinem besonderen Ausdruck seit langem die Aufmerksamkeit des Malers auf sich zieht, wurde in den von Géricault geschaffenen Werken nach Abschluss der Arbeiten über Pferderennen in Epsom mehr als einmal wiederholt.

1822 verließ der Künstler England und kehrte in seine Heimat Frankreich zurück. Hier beschäftigt er sich mit der Schaffung großer Leinwände, ähnlich den Werken der Renaissance-Meister. Darunter sind "Negerhandel", "Öffnen der Türen des Gefängnisses der Inquisition in Spanien". Diese Gemälde blieben unvollendet – der Tod verhinderte, dass Gericault die Arbeit vollendete.

Von besonderem Interesse sind Porträts, deren Entstehung Kunsthistoriker der Zeit von 1822 bis 1823 zuschreiben. Der Entstehungsgeschichte ihres Schaffens gebührt besondere Aufmerksamkeit. Tatsache ist, dass diese Porträts von einem Freund des Künstlers in Auftrag gegeben wurden, der als Psychiater in einer Klinik in Paris arbeitete. Sie sollten zu einer Art Illustration werden, die verschiedene Geisteskrankheiten einer Person demonstriert. So entstanden die Porträts „Verrückte alte Frau“, „Verrückt“, „Verrückt, stellt sich einen Kommandanten vor“ gemalt. Dem Meister der Malerei war es nicht so wichtig, die äußeren Anzeichen und Symptome der Krankheit zu zeigen, sondern den inneren, seelischen Zustand eines Kranken zu vermitteln. Auf den Leinwänden erscheinen tragische Bilder von Menschen vor dem Betrachter, dessen Augen voller Schmerz und Trauer sind.

Unter den Porträts von Géricault nimmt ein Negerporträt einen besonderen Platz ein, das sich derzeit in der Sammlung des Museums von Rouen befindet. Eine entschlossene und willensstarke Person blickt den Betrachter von der Leinwand aus an, bereit, bis zum Ende mit ihm feindlich gesinnten Kräften zu kämpfen. Das Bild ist ungewöhnlich hell, emotional und ausdrucksstark. Der Mann auf diesem Bild ist jenen willensstarken Helden sehr ähnlich, die Gericault zuvor in großen Kompositionen gezeigt hatte (etwa auf dem Gemälde „Das Floß der Medusa“).

Gericault war nicht nur ein Meister der Malerei, sondern auch ein ausgezeichneter Bildhauer. Seine Arbeiten in dieser Kunstform zu Beginn des 19. Jahrhunderts waren die ersten Beispiele romantischer Skulpturen. Unter solchen Werken ist die ungewöhnlich ausdrucksstarke Komposition „Nymphe und Satyr“ von besonderem Interesse. In Bewegung eingefrorene Bilder vermitteln präzise die Plastizität des menschlichen Körpers.

Théodore Gericault starb 1824 in Paris bei einem Sturz von einem Pferd auf tragische Weise. Sein früher Tod überraschte alle Zeitgenossen des berühmten Künstlers.

Die Arbeit von Gericault markierte eine neue Etappe in der Entwicklung der Malerei nicht nur in Frankreich, sondern auch in der Weltkunst - der Zeit der Romantik. In seinen Werken überwindet der Meister den Einfluss klassischer Traditionen. Seine Werke sind ungewöhnlich farbenfroh und spiegeln die Vielfalt der Natur wider. Durch die Einführung menschlicher Figuren in die Komposition strebt der Künstler danach, die inneren Gefühle und Emotionen einer Person so vollständig und lebendig wie möglich zu offenbaren.

Nach Gericaults Tod wurden die Traditionen seiner romantischen Kunst von dem jüngeren Zeitgenossen des Künstlers, E. Delacroix, aufgegriffen.

Eugène Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, der berühmte französische Künstler und Grafiker, der Nachfolger der romantischen Traditionen, die sich im Werk von Géricault entwickelt hatten, wurde 1798 geboren. Ohne seine Ausbildung am kaiserlichen Lyzeum abzuschließen, ging Delacroix 1815 zum Studium zu ihm der berühmte Meister Guerin. Die künstlerischen Methoden des jungen Malers entsprachen jedoch nicht den Anforderungen des Lehrers, sodass ihn der junge Mann nach sieben Jahren verlässt.

Delacroix studiert bei Guerin und widmet viel Zeit dem Studium der Arbeit von David und den Meistern der Malerei der Renaissance. Die Kultur der Antike, deren Traditionen auch David folgte, hält er für grundlegend für die Entwicklung der Weltkunst. Daher waren die ästhetischen Ideale für Delacroix die Werke von Dichtern und Denkern des antiken Griechenlands, unter denen der Künstler besonders die Werke von Homer, Horaz und Marcus Aurelius schätzte.

Die ersten Werke von Delacroix waren unvollendete Leinwände, auf denen der junge Maler den Kampf der Griechen mit den Türken widerspiegeln wollte. Dem Künstler fehlten jedoch das Geschick und die Erfahrung, um ein ausdrucksstarkes Bild zu schaffen.

1822 stellte Delacroix seine Arbeiten im Pariser Salon unter dem Titel Dante und Virgil aus. Diese ungewöhnlich emotionale und leuchtende Leinwand ähnelt in vielerlei Hinsicht dem Werk von Géricault „Das Floß der Medusa“.

Zwei Jahre später wurde dem Publikum des Salons ein weiteres Gemälde von Delacroix, Das Massaker von Chios, präsentiert. Darin verkörperte sich der langjährige Plan des Künstlers, den Kampf der Griechen mit den Türken zu zeigen. Die Gesamtkomposition des Bildes besteht aus mehreren Teilen, die getrennt platzierte Personengruppen bilden, von denen jeder seinen eigenen dramatischen Konflikt hat. Überhaupt erweckt das Werk den Eindruck einer tiefen Tragödie. Das Gefühl von Spannung und Dynamik wird durch die Kombination von glatten und scharfen Linien verstärkt, die die Figuren der Figuren bilden, was zu einer Veränderung der Proportionen der vom Künstler dargestellten Person führt. Aber gerade dadurch bekommt das Bild einen realistischen Charakter und Lebensglaubwürdigkeit.

Die kreative Methode von Delacroix, die im "Massaker von Chios" ihren vollen Ausdruck findet, ist weit entfernt von dem klassischen Stil, der damals in den offiziellen Kreisen Frankreichs und unter Vertretern der bildenden Kunst akzeptiert wurde. Deshalb stieß das Bild des jungen Künstlers im Salon auf scharfe Kritik.

Trotz des Scheiterns bleibt der Maler seinem Ideal treu. 1827 erschien ein weiteres Werk, das dem Thema des Unabhängigkeitskampfes des griechischen Volkes gewidmet war - "Griechenland auf den Ruinen von Missolonghi". Die auf der Leinwand abgebildete Figur einer entschlossenen und stolzen Griechin verkörpert hier das unbesiegte Griechenland.

1827 führte Delacroix zwei Werke auf, die die kreative Suche des Meisters auf dem Gebiet der Mittel und Methoden des künstlerischen Ausdrucks widerspiegelten. Dies sind die Leinwände "Tod des Sardanapalus" und "Marino Faliero". Auf der ersten wird die Tragik der Situation in der Bewegung menschlicher Gestalten vermittelt. Nur das Bild von Sardanapal selbst ist hier statisch und ruhig. In der Komposition von „Marino Faliero“ ist nur die Figur der Hauptfigur dynamisch. Der Rest der Helden schien bei dem Gedanken an das, was passieren würde, vor Entsetzen zu erstarren.

In den 20er Jahren. 19. Jahrhundert Delacroix führte eine Reihe von Werken auf, deren Handlungen berühmten literarischen Werken entnommen waren. 1825 besuchte der Künstler England, die Geburtsstadt von William Shakespeare. Unter dem Eindruck dieser Reise und der Tragödie des berühmten Dramatikers Delacroix entstand im selben Jahr die Lithografie „Macbeth“. In der Zeit von 1827 bis 1828 schuf er eine Lithografie „Faust“, die dem gleichnamigen Werk Goethes gewidmet ist.

Im Zusammenhang mit den Ereignissen in Frankreich im Jahr 1830 führte Delacroix das Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“ auf. Das revolutionäre Frankreich wird im Bild einer jungen, starken Frau präsentiert, gebieterisch, entschlossen und unabhängig, die kühn die Menge anführt, in der die Gestalten eines Arbeiters, eines Studenten, eines verwundeten Soldaten, eines Pariser Gamen auffallen (ein Bild, das vorwegnahm Gavroche, der später in Les Misérables von V. Hugo auftrat).

Diese Arbeit unterschied sich deutlich von ähnlichen Arbeiten anderer Künstler, die nur an der wahrheitsgetreuen Übermittlung eines Ereignisses interessiert waren. Die von Delacroix geschaffenen Leinwände waren von hohem Heldenpathos geprägt. Die Bilder hier sind verallgemeinerte Symbole der Freiheit und Unabhängigkeit des französischen Volkes.

Mit der Machtübernahme von Louis Philippe – dem von Delacroix gepredigten königlich-bürgerlichen Heldentum und erhabenen Gefühlen – gab es keinen Platz mehr im modernen Leben. 1831 unternahm der Künstler eine Reise in afrikanische Länder. Er reiste nach Tanger, Meknès, Oran und Algier. Zur gleichen Zeit besucht Delacroix Spanien. Das Leben des Ostens fasziniert den Künstler mit seinem schnellen Fluss buchstäblich. Er fertigt Skizzen, Zeichnungen und eine Reihe von Aquarellarbeiten an.

Nach einem Besuch in Marokko malt Delacroix Leinwände, die dem Osten gewidmet sind. Außergewöhnlich dynamisch und ausdrucksstark sind die Gemälde, in denen der Künstler Pferderennen oder die Schlacht der Mauren zeigt. Im Vergleich dazu wirkt die 1834 entstandene Komposition „Algerische Frauen in ihren Gemächern“ ruhig und statisch. Es hat nicht jene ungestüme Dynamik und Spannung, die den früheren Arbeiten des Künstlers eigen ist. Delacroix tritt hier als Meister der Farbe auf. Die Farbgebung des Malers spiegelt in ihrer Gesamtheit die bunte Vielfalt der Palette wider, die der Betrachter mit den Farben des Orients assoziiert.

Von der gleichen Langsamkeit und Gemessenheit ist auch das etwa 1841 entstandene Gemälde „Jüdische Hochzeit in Marokko“ geprägt, das dank der akkuraten Wiedergabe der Originalität des nationalen Interieurs durch den Künstler eine geheimnisvolle orientalische Atmosphäre schafft. Die Komposition wirkt überraschend dynamisch: Der Maler zeigt, wie sich Menschen die Treppe hinaufbewegen und den Raum betreten. Das in den Raum einfallende Licht macht das Bild realistisch und überzeugend.

Orientalische Motive waren noch lange in den Werken von Delacroix präsent. So widmeten sich bei der 1847 im Salon organisierten Ausstellung von sechs von ihm präsentierten Werken fünf dem Leben und Leben des Ostens.

In den 30-40er Jahren. Im 19. Jahrhundert erscheinen neue Themen im Werk von Delacroix. Zu dieser Zeit schafft der Meister Werke zu historischen Themen. Unter ihnen verdienen die Gemälde „Protest von Mirabeau gegen die Auflösung der Generalstaaten“ und „Boissy d'Angles“ besondere Aufmerksamkeit. Die 1831 im Salon gezeigte Skizze des letzteren ist ein anschauliches Beispiel für Kompositionen zum Thema Volksaufstand.

Die Gemälde „Die Schlacht von Poitiers“ (1830) und „Die Schlacht von Taybur“ (1837) widmen sich dem Bild des Volkes. Bei allem Realismus werden hier die Dynamik des Kampfes, die Bewegung der Menschen, ihre Wut, Wut und ihr Leid gezeigt. Der Künstler versucht, die Emotionen und Leidenschaften eines Menschen zu vermitteln, der vom Wunsch gepackt ist, um jeden Preis zu gewinnen. Es sind die Menschenfiguren, die die dramatische Natur des Ereignisses in erster Linie vermitteln.

Sehr oft stehen sich in den Werken von Delacroix Sieger und Besiegte scharf gegenüber. Besonders deutlich wird dies auf dem 1840 entstandenen Gemälde „Die Eroberung Konstantinopels durch die Kreuzfahrer“. Im Vordergrund ist eine von Trauer überwältigte Menschengruppe zu sehen. Dahinter liegt eine entzückende, bezaubernde Landschaft mit ihrer Schönheit. Auch die Figuren siegreicher Reiter sind hier platziert, deren beeindruckende Silhouetten mit den traurigen Figuren im Vordergrund kontrastieren.

„Die Eroberung von Konstantinopel durch die Kreuzfahrer“ präsentiert Delacroix als bemerkenswerten Koloristen. Helle und satte Farben verstärken jedoch nicht den tragischen Anfang, der durch traurige Figuren in der Nähe des Betrachters zum Ausdruck kommt. Im Gegenteil, eine reiche Palette schafft das Gefühl eines Urlaubs, der zu Ehren der Gewinner arrangiert wurde.

Nicht weniger farbenfroh ist die im selben Jahr 1840 entstandene Komposition „Die Gerechtigkeit des Trajan“. Die Zeitgenossen des Künstlers erkannten dieses Bild als eines der besten unter allen Gemälden des Malers. Besonders interessant ist die Tatsache, dass der Meister im Laufe der Arbeit auf dem Gebiet der Farbe experimentiert. Sogar die Schatten nehmen eine Vielzahl von Schattierungen von ihm an. Alle Farben der Komposition entsprechen exakt der Natur. Der Ausführung der Arbeiten gingen lange Beobachtungen des Malers auf Farbtonveränderungen in der Natur voraus. Der Künstler hat sie in sein Tagebuch eingetragen. Dann bestätigten die Wissenschaftler den Aufzeichnungen zufolge, dass die Entdeckungen von Delacroix auf dem Gebiet der Tonalität vollständig mit der damals geborenen Farblehre übereinstimmten, deren Gründer E. Chevreul ist. Darüber hinaus vergleicht der Künstler seine Entdeckungen mit der Palette der venezianischen Schule, die für ihn ein Beispiel für malerisches Können war.

Porträts nehmen in Delacroix' Gemälden einen besonderen Platz ein. Der Meister wandte sich selten diesem Genre zu. Er malte nur die Menschen, mit denen er schon lange bekannt war, deren geistige Entwicklung vor dem Künstler stattfand. Daher sind die Bilder in den Porträts sehr ausdrucksstark und tief. Dies sind die Porträts von Chopin und George Sand. Das dem berühmten Schriftsteller gewidmete Gemälde (1834) zeigt eine edle und willensstarke Frau, die ihre Zeitgenossen entzückt. Das Porträt von Chopin, das vier Jahre später, 1838, gemalt wurde, ist ein poetisches und spirituelles Bild des großen Komponisten.

Ein interessantes und ungewöhnlich ausdrucksstarkes Porträt des berühmten Geigers und Komponisten Paganini, gemalt von Delacroix um 1831. Paganinis Musikstil ähnelt in vielerlei Hinsicht der Malweise des Künstlers. Paganinis Werk zeichnet sich durch den gleichen Ausdruck und die intensive Emotionalität aus, die für die Werke des Malers charakteristisch waren.

Landschaften nehmen im Werk von Delacroix einen kleinen Platz ein. Sie erwiesen sich jedoch als sehr bedeutsam für die Entwicklung der französischen Malerei in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die Landschaften von Delacroix sind geprägt von dem Wunsch, das Licht und das schwer fassbare Leben der Natur genau wiederzugeben. Anschauliche Beispiele dafür sind die Gemälde „Himmel“, in denen durch schneeweiße Wolken, die über den Himmel schweben, ein Gefühl von Dynamik entsteht, und „Das Meer, sichtbar von den Ufern von Dieppe“ (1854), in dem der Maler meisterhaft vermittelt das Gleiten leichter Segelboote auf der Meeresoberfläche.

1833 erhielt der Künstler vom französischen König den Auftrag, einen Saal im Bourbon-Palast zu malen. Die Arbeit an der Schaffung eines monumentalen Werkes dauerte vier Jahre. Bei der Ausführung des Auftrages ließ sich der Maler vor allem davon leiten, dass die Bilder äußerst einfach und prägnant und für den Betrachter verständlich waren.
Das letzte Werk von Delacroix war das Gemälde der Kapelle der Heiligen Engel in der Kirche Saint-Sulpice in Paris. Es entstand in der Zeit von 1849 bis 1861. Mit hellen, satten Farben (Rosa, Hellblau, Lila, auf aschblauem und gelbbraunem Hintergrund platziert) erzeugt der Künstler in den Kompositionen eine freudige Stimmung, die den Betrachter hervorruft verzückte Freude zu empfinden. Die Landschaft, die in dem Gemälde „Die Vertreibung des Iliodor aus dem Tempel“ als eine Art Hintergrund enthalten ist, vergrößert optisch den Raum der Komposition und die Räumlichkeiten der Kapelle. Auf der anderen Seite fügt Delacroix, als wolle er die Isolation des Raums betonen, eine Treppe und eine Balustrade in die Komposition ein. Die dahinter platzierten Menschenfiguren wirken fast wie flache Silhouetten.

Eugène Delacroix starb 1863 in Paris.

Delacroix war der gebildetste unter den Malern der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Viele Sujets seiner Malerei sind den literarischen Werken berühmter Meister der Feder entnommen. Eine interessante Tatsache ist, dass der Künstler seine Figuren meistens ohne Modell gemalt hat. Das wollte er seinen Anhängern beibringen. Malen ist laut Delacroix etwas Komplexeres als das primitive Kopieren von Linien. Der Künstler glaubte, dass Kunst in erster Linie in der Fähigkeit liegt, die Stimmung und die kreative Absicht des Meisters auszudrücken.

Delacroix ist Autor mehrerer theoretischer Arbeiten zu den Themen Farbe, Methode und Stil des Künstlers. Diese Werke dienten den Malern nachfolgender Generationen als Leuchtturm bei der Suche nach eigenen künstlerischen Mitteln zur Gestaltung von Kompositionen.