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Zeitgenössische belgische Künstler. Flämische Künstler des 17. Jahrhunderts Gemälde belgischer Künstler

Die zeitgenössische belgische Künstlerin Deborah Missoorten wurde in Antwerpen, Belgien, geboren und lebt dort, wo sie als freischaffende professionelle Künstlerin arbeitet. Sie absolvierte die Akademie der bildenden Künste mit einem Abschluss in Theaterkostümdesign.

Belgische zeitgenössische Künstler. Jean-Claude Dresse

Jean-Claude ist einer der wenigen zeitgenössischen Künstler, der die großen Vorbilder der Vergangenheit nach seinen persönlichen Vorstellungen überarbeiten und bearbeiten konnte. Er füllt seine Werke so mit Emotionen, dass sie den Betrachter an die Quelle dieser Emotionalität zurückführen, bereichert durch die Bemühungen des Autors, ein sorgfältig entwickeltes Konzept von Bild, Farbe und Harmonie. Der Künstler tut dies, um uns Freude am Enträtseln der Geheimnisse rund um diese Quelle zu machen.

Ich versuche, das Unsichtbare zu zeigen. Juan Maria Bölle

Juan Maria Bolle ist ein berühmter flämischer (belgischer) Künstler, der im Dezember 1958 in Vilvoorde bei Brüssel, Belgien, geboren wurde. 1976 absolvierte er die Royal Athenaeum High School in seiner Heimatstadt. 1985 schloss er sein Studium am St. Lucas Institute of Arts in Brüssel ab.

Leidenschaft braucht kein Etikett. Peter Semick

Peter Seminck ist ein berühmter belgischer Künstler, der 1958 in Antwerpen geboren wurde. Ausgebildet an der Schoten Art Academy, erhielt er zunächst einen Bachelor- und dann einen Master-Abschluss in Bildender Kunst. Er beschränkt sich nicht auf Themen, er malt verschiedene Gemälde, meist in Öl auf Leinwand. Lebt und arbeitet derzeit in Malle, einem Vorort von Antwerpen, Belgien.

Zeitgenössischer belgischer Künstler. Debora Missoorten

Belgische zeitgenössische Künstler. Frédéric Dufoor

zeitgenössischer Künstler Frédéric Dufort wurde 1943 in Tournai, Belgien, geboren und erhielt seine Ausbildung am Institut Saint-Luc in Tournai und später an der Akademie von Mons. Nach einer kurzen Pause wurde er im Atelier von Louis Van Lint am Institut Saint-Luc in Brüssel eingeschrieben. Seit 1967 unterrichtete er nach seinem Abschluss 10 Jahre lang am Institut für grafische Kommunikation und nahm dann eine Lehrtätigkeit am Institut Saint-Luc in Brüssel auf, wo er bis Dezember 1998 tätig war.

Mussin Irjan. zeitgenössische Malerei

Musin Irzhan, modern Künstler, wurde 1977 in Alma-Ata, Kasachstan, geboren. Von 1992 bis 1995 studierte er an der Kunstschule in Alma-Ata. Dann trat er 1999 in die Akademie der Künste von I. E. Repin in St. Petersburg ein und schloss sie erfolgreich ab. Danach studierte er mehrere Jahre Modern malen an der Kunsthochschule „RHoK“ in Brüssel und an der Akademie der Schönen Künste in Antwerpen.
Seit 2002 stellt er immer wieder aus und nimmt an verschiedenen Wettbewerben teil, bei denen er mehrfach Preise gewonnen und Auszeichnungen erhalten hat. Seine Bilder befinden sich in Privatsammlungen in England, Frankreich, Holland, den USA, Kolumbien, Belgien und Russland. Lebt und arbeitet derzeit in Antwerpen, Belgien.

Paul Ledent. Zeitgenössischer Autodidakt. Landschaften und Blumen

Das Hauptthema der Gemälde dieses Künstlers ist die Tierwelt, Landschaften und den Jahreszeiten, aber Paul widmete der Kraft, Energie und Schönheit des menschlichen Körpers viel Arbeit.

Paul Ledent. Zeitgenössischer Autodidakt. Menschen

Paul Legend wurde 1952 in Belgien geboren. Doch zur Malerei kam er nicht sofort, sondern erst 1989. Er begann mit Wasserfarben, stellte aber schnell fest, dass dies nicht das war, was er brauchte, Ölmalerei würde seiner Denkweise eher entsprechen.
Das Hauptthema von Pauls Gemälden ist die Tierwelt, Landschaften und den Jahreszeiten, aber er widmete viele Werke der Kraft, Energie und Schönheit des menschlichen Körpers.

Eulen Gürtel Belgischer Künstler. Christiane Vleugels

Stéphane Heurion. Aquarellzeichnungen

Paul Ledent wurde 1952 in Belgien geboren. Für die Malerei entschied er sich nicht sofort, sondern erst nach mehrjähriger Tätigkeit als Ingenieur im Jahr 1989. Paul begann mit Wasserfarben, hatte aber schnell das Gefühl, dass die Ölmalerei seiner Denkweise besser entsprechen würde.

Cedric Leonard jung Designer aus Belgien. Geboren 1985. Er schloss sein Studium an der St. Luc School of the Arts mit einem Bachelor in Bildender Kunst ab. Kurz darauf begann er bei einem kleinen Unternehmen als Webmaster zu arbeiten. Derzeit arbeitet er als freiberuflicher Designer. Cedric strebt bei allem, was er tut, nach Originalität und glaubt an die Anziehungskraft moderner Visuals.

Entlang des Weges gibt es mehrere Museen. In diesem Artikel erzähle ich Ihnen von den Königlichen Museen der Schönen Künste in Brüssel. Vielmehr ist es ein ganzer Komplex bestehend aus sechs Museen.

Vier im Zentrum von Brüssel:

*Museum für antike Kunst.
Eine wunderbare Sammlung alter Meister aus dem 15. bis 18. Jahrhundert.
Der Großteil dieser Sammlung besteht aus Gemälden südniederländischer (flämischer) Künstler. Die Meisterwerke von Meistern wie Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel the Elder, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens und anderen …
Die Sammlung entstand während der Französischen Revolution, als viele Kunstwerke von den Invasoren beschlagnahmt wurden. Ein bedeutender Teil wurde nach Paris transportiert, und aus dem, was gelagert wurde, wurde das Museum 1801 von Napoleon Bonaparte gegründet. Alle beschlagnahmten Wertgegenstände kehrten erst nach der Absetzung Napoleons von Paris nach Brüssel zurück. Seit 1811 ging das Museum in den Besitz der Stadt Brüssel über. Mit der Entstehung des Vereinigten Königreichs der Niederlande unter König Wilhelm I. wurden die Mittel des Museums erheblich erweitert.

Robert Campin. "Verkündigung", 1420-1440

Jakob Jordanes. Satyr und Bauern, 1620

*Museum für moderne Kunst.
Die Sammlung zeitgenössischer Kunst umfasst Werke vom Ende des 18. Jahrhunderts bis zur Gegenwart. Die Grundlage der Sammlung bilden die Arbeiten belgischer Künstler.
Das berühmte Gemälde von Jacques-Louis David - Der Tod von Marat ist im alten Teil des Museums zu sehen. Die Sammlung veranschaulicht den belgischen Neoklassizismus und basiert auf Werken, die der belgischen Revolution und der Gründung des Landes gewidmet sind.
Es wird nun in Form von Wechselausstellungen im sogenannten „Patio“-Raum der Öffentlichkeit präsentiert. Diese ermöglichen eine regelmäßige Rotation zeitgenössischer Kunstwerke.
Das Museum beherbergt „Salome“ von Alfred Stevens, dem berühmtesten Vertreter des belgischen Impressionismus. Und auch so berühmte Werke wie „Russische Musik“ von James Ensor und „Zärtlichkeit der Sphinx“ von Fernand Khnopf werden präsentiert. Unter den im Museum vertretenen Meistern des 19. Jahrhunderts ragen die Meisterwerke von Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet und Henri Fantin-Latour heraus. Französische Malerei des späten 19. Jahrhunderts. vertreten durch „Portrait of Suzanne Bambridge“ von Paul Gauguin, „Spring“ von Georges Seurat, „Bay“ von Paul Signac, „Two Disciples“ von Edouard Vuillard, Landschaft von Maurice Vlaminck und Skulptur von Auguste Rodin „Caryatid“, „Portrait of ein Bauer" von Vincent van Gogh (1885. ) und Stillleben mit Blumen von Lovis Corinth.

Jean Louis David. "Tod des Marat", 1793

Gustav Wappers. "Folge der Septembertage", 1834

* Magritte-Museum.
Juni 2009 eröffnet. Zu Ehren des belgischen surrealistischen Malers René Magritte (21. November 1898 – 15. August 1967). Die Sammlung des Museums umfasst mehr als 200 Werke in Öl auf Leinwand, Gouache, Zeichnungen, Skulpturen und bemalte Objekte sowie Werbeplakate (er arbeitete viele Jahre als Plakat- und Werbekünstler in einer Papierfabrik), alte Fotografien und gedrehte Filme von Magritte selbst.
Ende der 20er Jahre unterzeichnete Magritte einen Vertrag mit der Galerie Cento in Brüssel und widmete sich damit ganz der Malerei. Er schuf das surrealistische Gemälde "The Lost Jockey", das er als sein erstes erfolgreiches Gemälde seiner Art betrachtete. 1927 organisiert er seine erste Ausstellung. Kritiker erkennen es jedoch als erfolglos an und Magritte reist nach Paris, wo er Andre Breton trifft und sich seinem Kreis von Surrealisten anschließt. Er erwirbt einen charakteristischen Stil, der seine Bilder wiedererkennbar macht. Nach seiner Rückkehr nach Brüssel setzt er seine Arbeit in einem neuen Stil fort.
Das Museum ist auch ein Forschungszentrum für das Erbe des surrealistischen Künstlers.

*Museum des Endes des Jahrhunderts (Fin de siècle).
Das Museum versammelt Werke des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, des sogenannten „Ende des Jahrhunderts“, überwiegend mit avantgardistischem Charakter. Malerei, Bildhauerei und Grafik einerseits, aber auch angewandte Kunst, Literatur, Fotografie, Film und Musik andererseits.
Vertreten sind hauptsächlich belgische Künstler, aber auch Werke ausländischer Meister, die in den Kontext passen. Werke von Künstlern, die Mitglieder der großen progressiven Bewegungen belgischer Künstler dieser Zeit waren.

Und zwei in den Vororten:

*Wirtz-Museum
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - Belgischer Maler (1806-1865). 1835 malte er sein erstes bedeutendes Gemälde, Der Kampf der Griechen mit den Trojanern um den Besitz der Leiche des Patroklos, das nicht für eine Ausstellung in Paris angenommen wurde, aber in Belgien große Begeisterung hervorrief. Es folgte: „Der Tod des hl. Dionysius", das Triptychon "Die Grablegung" (mit den Figuren von Eva und Satan auf den Flügeln), "Die Flucht nach Ägypten", "Der Aufstand der Engel" und das beste Werk des Künstlers "Der Triumph Christi" . Die Originalität des Konzepts und der Komposition, die Kraft der Farben, das kühne Spiel der Lichteffekte und der schwungvolle Pinselstrich gaben der Mehrheit der Belgier Anlass, Wirtz als den Erwecker ihrer alten nationalen Historienmalerei, als den direkten zu betrachten Erbe von Rubens. Je weiter, desto exzentrischer wurden seine Geschichten. Für seine meist enormen Werke sowie für Experimente in der Anwendung der von ihm erfundenen Mattmalerei baute ihm die belgische Regierung eine umfangreiche Werkstatt in Brüssel. Hier sammelte Wirtz, der keines seiner Gemälde verkaufte und nur als Porträtaufträge existierte, alle seiner Meinung nach kapitalen Werke und vermachte sie zusammen mit der Werkstatt selbst als Vermächtnis dem belgischen Volk. Jetzt ist diese Werkstatt das Wirtz Museum. Es speichert bis zu 42 Gemälde, einschließlich der oben genannten sechs.

*Meunier-Museum
Das Museum wurde zu Ehren von Constantin Meunier (1831-1905) eröffnet, der in einer armen Einwandererfamilie aus dem belgischen Kohlebergbaugebiet Borinage geboren und aufgewachsen war. Von Kindesbeinen an war er mit der schwierigen sozialen Lage und dem oft elenden Dasein der Bergleute und ihrer Familien vertraut. Meunier hielt seine Eindrücke vom Leben in der Bergbauregion in plastischen Formen fest und demonstrierte einen Arbeiter als harmonisch entwickelte Persönlichkeit. Der Bildhauer hat ein solches Arbeiterbild entwickelt, das seinen Stolz und seine Stärke widerspiegelt und sich seines Berufes als Verlader oder Hafenarbeiter nicht schämt. In Anbetracht einiger Idealisierungen, mit denen Meunier seine Helden schuf, muss man auch seinen großen historischen Verdienst anerkennen, der darin besteht, dass er als einer der ersten Meister einen körperlich arbeitenden Menschen zum zentralen Thema seines Werks gemacht und ihn als Schöpfer gezeigt hat voller innerer Würde.

N. Stepanlin (Bildende Kunst); O. Shvidkovsky, S. Khan-Magomedov (Architektur)

Bereits im letzten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts. In der Kunst Belgiens treten die ersten Anzeichen einer Abkehr von den demokratischen, volkstümlichen Grundlagen auf, die das Werk des größten belgischen Künstlers Constantin Meunier geprägt haben. Die Vitalität und Erhabenheit von Meuniers Bildern waren für seine jüngeren Zeitgenossen unzugänglich. In der Zukunft entwickelt sich das Schicksal der belgischen Kunst in vielerlei Hinsicht widersprüchlich und dramatisch.

Der realistische Trend, der im 19. Jahrhundert in der belgischen Malerei entstand, wurde von Meistern wie Leon Frederic (1856-1940), Eugene Larmanet (1864-1940) und anderen entwickelt. Gewöhnliche Menschen, ihr Alltag - das ist das Thema der Werke dieser Meister, aber in ihrer Interpretation weichen sie von der heroischen Monumentalität, Aktivität und Integrität ab, die so charakteristisch für Skulpturen und Gemälde von C. Meunier sind. Menschen auf den Leinwänden von L. Frederick erscheinen viel gewöhnlicher, alltäglicher. Mystische Tendenzen verbinden sich in der belgischen Kunst mit Elementen des Naturalismus, fotografischer Genauigkeit in der Übertragung von Landschaft, Schrift, mit einer besonderen Niedergeschlagenheit, die den Betrachter an die Ewigkeit der tragischen Hoffnungslosigkeit der Weltordnung denken lässt. Selbst ein in seinem Thema so bedeutendes Werk wie „Abend des Streiks“ von E. Larmans (1894), ganz zu schweigen vom Gemälde „Tod“ (1904; beide - Brüssel, Museum of Modern Art), zeichnet sich durch eine Stimmung aus von Verzweiflung und Ziellosigkeit des Handelns.

Am charakteristischsten für die Entwicklung der belgischen Kunst ist das Werk von James Ensor (1860-1949). Von der genrerealistischen Malerei gelangt Ensor allmählich zur Symbolik. Die phantastischen, unheimlichen Bilder dieses Künstlers, seine Sehnsucht nach Allegorien, der Darstellung von Masken und Skeletten, nach trotzig greller, fast lauter Farbigkeit, war zweifellos eine Art Protest gegen die kleinbürgerliche Borniertheit und Vulgarität der bürgerlichen Welt. Ensors Satire entbehrt jedoch eines konkreten sozialen Gehalts, sie scheint eine Satire auf die Menschheit zu sein, und in diesen Eigenschaften seiner Kunst ist es unmöglich, den Keim weiterer formalistischer Abweichungen in der Kunst Belgiens zu übersehen.

J. Ensor nimmt einen besonderen Platz in der Grafik Belgiens ein. Seine originellen, von nervöser Energie erfüllten Radierungen sind sehr ausdrucksstark, sie vermitteln eine Atmosphäre innerer Erregung und Beklemmung. Besonders dramatisch sind die Landschaften „View of Mariakerke“ (1887) und „The Cathedral“ (1886; beide im Kupferstichsaal der Königlichen Bibliothek in Brüssel), die auf einem scharfen und paradoxen Kontrast zwischen der majestätischen Schöpfung des Menschen und der Menge aufbauen schwärmt wie ein aufgeschreckter Ameisenhaufen am Fuße des gotischen Tempels. Die Verbindung von Satire mit Fantasie – die nationale Tradition der belgischen Kunst, die auf I. Bosch zurückgeht – findet hier eine neue und scharfe Brechung.

Die mit dem Namen Maurice Maeterlinck verbundene literarische Symbolik, das Auftreten neuer stilistischer Phänomene im Zusammenhang mit dem Jugendstil (Architekt A. van de Velde und andere) in der belgischen Architektur und angewandten Kunst spielte eine bedeutende Rolle in der bildenden Kunst von Belgien. Unter ihrem Einfluss in den Jahren 1898-1899. die „1. Latem-Gruppe“ wurde gegründet (benannt nach dem Ort, an dem sich die Künstler niederließen, dem Dorf Latem-Saint-Martin in der Nähe von Gent). Diese Gruppe wurde vom Bildhauer J. Minnet geleitet, ihr gehörten G. van de Wusteine, V. de Sadeler und andere an. Ihre Arbeit basierte auf der Idee der Priorität der "höheren" spirituellen Welt vor der Realität. Diese Meister überwanden impressionistische Tendenzen und versuchten, sich "von der Oberfläche der Phänomene zu entfernen", "um die spirituelle Schönheit der Dinge auszudrücken". Die Latemianer wandten sich nationalen Bildtraditionen zu, den holländischen Primitiven des 14. bis 16. Jahrhunderts, aber in ihrem Werk, das die Ideen der Symbolik am vollsten ausdrückte und sich dann im Zeichen des immer stärkeren Expressionismus entwickelte, waren sie im Wesentlichen sehr weit entfernt von den Traditionen, auf die sie sich bezogen. II In den strengen, schönen Landschaften von Valerius de Sadeler (1867-1914) und in den von Mystik durchdrungenen Werken des jüngeren Mitglieds der Gruppe - Gustav van de Wusteine (1881-1947) - ist kein Platz für das Bild einer Person.

Zu Beginn des Jahrhunderts erfuhr auch der Pointillismus eine ziemlich starke Entwicklung, deren hellster Vertreter in Belgien Theo van Reiselberghe (1862-1926) war.

In den frühen 20er Jahren. die „Gruppe 2. Latem“ entstand, die unter dem Einfluss des Expressionismus arbeitete, obwohl der Expressionismus selbst in Belgien, verbunden mit den tragischen Ereignissen des Ersten Weltkriegs, eine besondere Färbung annahm. Der Leiter dieser Richtung war Constant Permeke (1886-1952). Auf den großen, breit gemalten Leinwänden dieses Meisters sind die der belgischen Kunst vertrauten Themen – Land, Meer, Bauernbilder – in Tönen von Tragödie und tiefer geistiger Verwirrung gemalt. Durch all die bewusste Verformung, die Betonung der spirituellen Begrenztheit und Rohheit von Permekes Bauernbildern bricht seine Anteilnahme und Sympathie für Menschen durch, die es dem Künstler ermöglichten, emotional beeindruckende Bilder zu schaffen. Die düstere, stumpfe Farbgebung, die Unschärfe der Handlung, die Unbeweglichkeit menschlicher Charaktere vermitteln die Stimmung trauriger Vorahnungen und Hoffnungslosigkeit („Die Verlobten“, 1923; Brüssel, Museum of Modern Art).

Gustave de Smet (1877-1943), Jean Brusselmans (1884-1953) überarbeiteten die Prinzipien des Expressionismus auf ihre eigene Weise, die ersten, indem sie die Formen vereinfachten und großen Wert auf die kompositorische Harmonie ihrer Gemälde legten, die zweiten, indem sie sie verstärkten zu einer durchdringenden Kraft das Farbsystem ihrer Landschaften. Das Interesse an Farbe als Träger emotionaler Wirkung in der Malerei verband Brusselmans mit der Gruppe der Brabanter Fauvisten, zu der R. Woutsrs, E. Taitgat und F. Cox gehörten. Von besonderem Wert ist die Kunst von Rick Wouters (1882-1916). Die Leidenschaft für leuchtend dekorative Farbkombinationen verdeckt für diesen Künstler nicht die psychologischen Qualitäten seiner Modelle; im Gegensatz zu den französischen Fauvisten sucht Wauters die Plastizität, das Volumen der Dinge – so seine „Lesson“ (1912; Brüssel, Museum of Fine Arts), das späte „Self-Portrait with a Black Bandage“ (1915; Antwerpen , Sammlung L. van Bogart), „Nele in Rot“ (1915; Privatsammlung).

Seit den 30er Jahren. In Belgien entwickelt sich der Surrealismus, von dem zwei Vertreter weithin bekannt werden - dies sind R. Magritte (geb. 1898) und P. Delvaux (geb. 1897). Diese Meister zeichnen sich durch eine Kombination aus reiner Salonhübschheit mit einer kranken Fantasie in den Kombinationen einzelner Teile der Komposition, obsessiven Ideen eines erotischen Plans usw. aus. Gleichzeitig „intimistisch“ Künstler Albert van Dyck (1902- 1951) arbeitete Jacques Mas (geb. 1905) mit ihnen zusammen. ), die ihre Kreativität auf eng intime Landschafts- und Genremalerei beschränkten. Die Maler L. van Lint (geb. 1909) und R. Slabbink (geb. 1914) wurden zunächst mit den „Intimisten“ in Verbindung gebracht, die in die Nachkriegszeit und vor allem in die 1950er Jahre einzogen. zur abstrakten Malerei, die in Belgien weit verbreitet und anerkannt war.

Nur wenige der Meister der belgischen Malerei sind im 20. Jahrhundert geblieben. in realistischen Positionen. Der bedeutendste von ihnen ist Isidore Opsomer (geb. 1878), der Autor scharfer, lebendiger Ausdrucks- und tiefenpsychologischer Porträts („Portrait of K. Huysmans“, 1927; Antwerpen, Königliches Museum der Schönen Künste). Opsomer schuf eine Reihe von Stillleben, sehr malerisch, frisch und in leuchtenden Farben.

Soziale Themen, die Themen des Kampfes des belgischen Volkes für seine Rechte sind in den Werken von Pierre Polus (geb. 1881) und Kurt Peiser (1887-1962) und insbesondere des jungen progressiven Künstlers Roger Somville (geb. 1923) zu hören. , der auch im Bereich Monumentalmalerei, Glasmalerei und Teppichkunst tätig ist. Große thematische Gemälde zu den Themen des Kampfes des belgischen Volkes werden von E. Dubrenfo, L. Deltour, R. Saumville geschaffen, diese Künstler arbeiten in engem Kontakt mit Architekten.

Die moderne belgische Grafikschule zeichnet sich durch eine kühne Aussage zu neuen Themen und neuen stilistischen Problemen aus. Neben dem bereits genannten D. Ensor war Jules de Breuker (1870-1945) der größte Radierer Belgiens. Seine Blätter widmen sich dem Leben in städtischen Slums, den sozialen Kontrasten der modernen kapitalistischen Welt. Breakers durchdringender Blick sieht die tragikomische Seite des Lebens, und trotz der analytischen Natur seiner Arbeit sind sie mit tiefem Mitgefühl für die Menschen angefacht. In diesem Sinne sind viele von Breakers Blättern ("Death soars over Flanders", 1916) mit den Volkstraditionen der belgischen Kunst verbunden.

Der prominenteste Vertreter der modernen belgischen Grafik ist Frans Mazerel (geb. 1889), der auch auf dem Gebiet der Monumental- und Staffeleimalerei tätig war. Maserels schöpferische Tätigkeit ist untrennbar mit den Interessen der fortgeschrittenen Kreise nicht nur der belgischen, sondern auch der französischen und deutschen Intelligenz verbunden. Ausgehend vom Ersten Weltkrieg, als Maserel mit einer Serie scharfer antimilitaristischer Zeitungszeichnungen herauskam, behauptet er sich als ein Meister, der sein gesamtes Werk dem Kampf der Menschheit für hohe humanistische Ideale widmete. Während dieser Zeit war Maserel eng mit führenden Journalisten und Künstlern verbunden und mit Romain Rolland befreundet; Gleichzeitig begann seine Arbeit als Illustrator, es entstanden die ersten Holzschnittserien („Der Kreuzweg eines Mannes“, 1918; „Mein Stundenbuch“, 1919 usw.) - In diesen Serien, wie In einer stillen Chronik verläuft der Lebensweg des modernen Menschen, sein Kampf, das Wachstum seines Bewusstseins, seine Freuden und Leiden. Die Schärfe der Kontraste, die Kürze und die Ausdruckskraft der visuellen Mittel bringen Maserels Stiche oft näher an das Plakat heran.

Zusammen mit den größten Meistern der modernen europäischen Kultur strebt F. Mazerel nach der organischen Entwicklung der Traditionen der demokratischen Kultur des 19. Jahrhunderts, der Traditionen des Realismus und Humanismus und einer hohen, effektiven Philanthropie. Gleichzeitig strebte Maserel, während er die grundlegenden sozialen Probleme unserer Zeit in der Kunst löste, ständig danach, die Mittel der realistischen Kunst zu erweitern, um eine neue realistische Bildsprache zu schaffen, die dem modernen Weltbild entspricht.

Die Sprache von Maserels Stichen ist geprägt von Kürze, Prägnanz, gesättigt mit tiefen metaphorischen Assoziationen. Mazerels Blätter haben einen Subtext, bei aller expressiven Eingängigkeit entfalten sie ihren Inhalt nach und nach. Die Tiefe der Absicht des Autors verbirgt sich nicht nur in jedem Blatt, sondern auch im Verhältnis der Blätter jeder thematischen Reihe, in ihrer Reihenfolge, in ihrer Handlung und emotionalen Differenz und ideologischen und künstlerischen Einheit. Die für den Stich charakteristische Kontrastsprache wird bei Maserel zu einer flexiblen Waffe sozialer Charakterisierung, dient der Vermittlung feinster lyrischer Erlebnisse und direkter agitatorischer Ansprache.

Prächtig ist eine Stichserie, die der modernen Stadt gewidmet ist („City“, 1925). Die Ausdruckskraft der Zeichnung und der gesamten Komposition gerät nie in übermäßige Deformation, Maserels Sprache ist verständlich. Auch unter Zuhilfenahme der Symbolik (Sirene, 1932) weicht der Künstler nicht von der bildnerischen Konkretheit ab, er strebt bewusst nach Klarheit, nach der Möglichkeit, mit seiner Kunst zu den Menschen zu sprechen. Optimistische Töne sind in Maserels neuesten Werken, seinen Serien "From Black to White" (1939), "Youth" (1948), in den Gemälden des Künstlers besonders stark. Maserel enthüllt die Laster der modernen bürgerlichen Gesellschaft und verliert nie ein klares soziales Kriterium, er glaubt an fortschrittliche Kräfte, glaubt an den endgültigen Sieg und die Größe des Menschen. Zutiefst Volkskunst Maserel ist von der Idee des Kampfes für den Frieden durchdrungen, Maserel ist ein Beispiel für einen Künstlerkämpfer, der mit seiner Kunst den hohen Idealen der Gerechtigkeit dient. „Ich bin kein Ästhet genug, um nur ein Künstler zu sein“, sagte Maserel.

Etwas abseits in der belgischen Grafik ist L. Spilliart (1881-1946), der den Einfluss des Expressionismus kaum zu spüren bekam, ein Meister der lyrischen, in Farbe zurückhaltenden Aquarelle („Windstoß“, 1904; „Weiße Kleider“). , 1912).

Die bedeutendste Figur der belgischen Bildhauerei des 20. Jahrhunderts ist Georges Minnet (1866-1941). Als Schüler Rodins hatte Minne wenig mit den schöpferischen Prinzipien seines Lehrers zu tun, viel mehr Einfluss auf seine Persönlichkeitsbildung hatte seine Freundschaft mit Maeterlinck. Basierend auf abstrakten, allgemeinen Ideen verleiht Minne seiner Arbeit eine etwas abstrakte Spiritualität. Dies ist ein Meister der subtilen und präzisen Übertragung von Gesten; Der ständige Wunsch, eher Konzepte als spezifische Manifestationen menschlicher Gefühle auszudrücken, führt den Bildhauer zu einigen weit hergeholten Bildern, Verzerrungen der plastischen Form. So seine „Mutter trauert um ihr Kind“ (1886, Bronze; Brüssel, Museum für Moderne Kunst), „Junger Mann auf den Knien“ (1898, Marmor; Essen, Museum Folkwang). 1908-1912. Minnet wendet sich der Gegenwart zu, seine Porträts belgischer Arbeiter basieren auf sorgfältiger Naturbeobachtung und setzen die Tradition der Bildhauerei des 19. Jahrhunderts fort. Am Ende seines Lebens tauchen in Zeichnungen zu religiösen Themen die für Minnes Werk charakteristischen symbolischen und mystischen Züge wieder auf.

Im Allgemeinen entwickelt sich die moderne belgische Bildhauerei im Zeichen der naturalistischen und formalistischen Suche, mit Ausnahme der Arbeiten von Ch. Leple (geb. 1903), der emotionale, schöne Porträtbüsten und skulpturale Kompositionen schafft, und O. Jespers (geb . 1887), ein Meister, der absichtlich Neger-Primitive imitiert.

Die für dieses Land traditionelle Medaillenkunst wird in Belgien stark entwickelt. Moderne belgische dekorative Keramik (Werkstatt in Dura), dekorative Skulptur (Meister P. Kay; geb. 1912), bemalte dekorative Gefäße mit dem Wunsch nach dekorativer Helligkeit, Natürlichkeit von Formen und Dekor, einer organischen Verbindung mit modernem architektonischem Interieur.

Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts. In Belgien gibt es ein schnelles Wachstum von Industrie- und Handelsstädten, das auf der intensiven Entwicklung der natürlichen Ressourcen des Landes (Eisenerz und Kohle) und der räuberischen Ausbeutung riesiger afrikanischer Kolonien basiert. Die für Belgien charakteristische spontane Ansiedlung von Industrie, Privatbesitz und die administrative Unabhängigkeit der Vororte (Gemeinden) behinderten die normale Entwicklung und das Wachstum großer Städte, deren Wiederaufbauarbeiten sich hauptsächlich auf die Verbesserung des Zentrums und die Entwicklung beschränkten des Stadtverkehrs. Die Verschärfung der Wohnungsnot führte zu verschiedenen Formen des Wohnungsbaus von "billigen" Wohngebäuden für Arbeiter: Aktiengesellschaften, Genossenschaften und gemeinnützige Gesellschaften.

In dieser Zeit begann in den belgischen Städten ein umfangreicher Bau neuer Arten von Industrie-, Geschäfts- und öffentlichen Gebäuden, der sowohl die Entwicklung der Wirtschaft als auch insbesondere das Aufkommen eines neuen Kunden wie der gewerkschaftlich organisierten Arbeiterklasse widerspiegelte - der Bau sogenannter Volkshäuser auf Genossenschaftsbasis (z. B. in Brüssel, entworfen von dem Architekten V. Horta in den Jahren 1896-1899), wo Handels-, Kultur-, Bildungs- und Büroräume in einem Gebäude vereint wurden.

In den frühen 1890er Jahren Belgien wird zu einem der Hauptzentren (in der europäischen Architektur) des Kampfes gegen die Kanons des Klassizismus und Eklektizismus (einschließlich der sogenannten Nationalromantik). Die belgischen Architekten A. van de Velde, V. Horta, P. Ankar, deren Arbeit in dieser Zeit von der Ablehnung des stilistischen Eklektizismus der Architektur des 19. Jahrhunderts geprägt war, waren die Ursprünge der Entstehung eines neuen „Stils “ – Europäischer Jugendstil. und ständige Versuche, einen modernen Stil zu finden, der auf der Nutzung der Möglichkeiten neuer Materialien und Designs basiert und neue funktionale Anforderungen an Gebäude berücksichtigt.

Henri van de Velde (1863-1957) war einer der größten Vertreter und Ideologen der europäischen Moderne. Er widersetzte sich den Kanons der Klassiker und der „Fassade“, kämpfte für eine dreidimensionale Komposition, für eine neue Herangehensweise an die Gestaltung von Innenräumen und Haushaltsgegenständen. Gleichzeitig war er gegen die Einführung industrieller Massenproduktionsmethoden in die Prozesse des Bauens und der Herstellung von Haushaltsgegenständen, verteidigte handwerkliche Methoden zur Herstellung von Haushaltsprodukten und befürwortete die Individualität jedes Projekts.

Der zweitgrößte Befürworter des Jugendstils, Victor Horta (1861–1947), war der Architekt, der die gestalterischen Prinzipien des Jugendstils nicht nur zum ersten Mal praktisch anwandte (das Herrenhaus in der Turen-Straße in Brüssel, 1892–1893), sondern auch bestimmt auch weitgehend die Richtung der Suche nach dem architektonischen Dekor dieses »Stils«. Um die Wende 1880-1890. Er beschäftigte sich mehrere Jahre mit intensiven formal-ästhetischen Laborrecherchen nach einem neuen Dekor und verwendete als erster die elastische Mäanderlinie des „Peitschenhiebs“ (Horta-Linie), die dann zu einem der charakteristischen Merkmale aller Dekorationen wurde Jugendstil und wurde Ende 1890 bis Anfang 1900 in fast allen europäischen Ländern am weitesten verbreitet.

Zur Entwicklung kreativer Richtungen der belgischen Architektur der 20-30er Jahre. Die Tatsache, dass Belgien vor dem Krieg eines der Hauptzentren für die Entwicklung der Moderne war, konnte nicht umhin, Auswirkungen zu haben, und so bedeutende Architekten wie van de Velde und Horta arbeiteten in den Nachkriegsjahren intensiv weiter, obwohl sie sich davon entfernten orthodoxe Moderne, waren aber in ihrer Arbeit weit entfernt von radikaler Innovation. Van de Velde versuchte in dieser Zeit zwar, die rationalistischen Aspekte der Moderne herauszuarbeiten. Allerdings erlebte er in seinem Schaffen tatsächlich eine Phase, die von den rationalistischen Strömungen in der europäischen Architektur der Vorkriegsjahre im Großen und Ganzen bereits überschritten war. Unter dem Einfluss der amerikanischen Architektur (er war 1916-1919 in den USA) versuchte Horta, den Neoklassizismus in der belgischen Architektur zu verbreiten, indem er eine vereinfachte Ordnung ohne dekorative Elemente verwendete (Palace of Fine Arts in Brüssel, 1922-1928).

Rationalistischer Trend in der Architektur Belgiens in den 20-30er Jahren. war in erster Linie mit der Arbeit junger Architekten verbunden, deren Hauptbetätigungsfeld der sogenannte „soziale“ Bau billiger Wohnungen war, der von Kommunen und Genossenschaften mit staatlichen Darlehen durchgeführt wurde. Dieser Bau erforderte aufgrund der äußerst begrenzten Mittel, die ihm zugewiesen wurden, die Verwendung neuer effektiver Baumaterialien und Strukturen in ihren Projekten, um eine rationale Anordnung der Wohnungen zu schaffen. Der Bau billiger Häuser war eigentlich ein kreatives Labor, in dem Architekten unter den Bedingungen der Sparmaßnahmen versuchten, eine relativ komfortable Unterkunft für Arbeiter zu schaffen, und versuchten, die Prinzipien der Typisierung und Errungenschaft der angewandten Wissenschaften (z. B. die Anforderung der Sonneneinstrahlung) anzuwenden , dh Beleuchtung mit direktem Sonnenlicht), führte in den Massenwohnungen moderne sanitäre und technische Einrichtungen, Zentralheizung, Strom, Müllschlucker und Einbaumöbel ein und versuchte auch, das architektonische Bild des Gebäudes mit seiner neuen funktionalen und konstruktiven Verbindung zu verbinden Basis.

Einer der ersten modernen Wohnkomplexe nicht nur in Belgien, sondern auch in Europa wurde 1922-1925 von Victor Bourgeois (1897-1962) in der Nähe von Brüssel entworfen. das Dorf Cite Modern (moderne Stadt). Hier wurden für diese Jahre neue Planungstechniken angewendet: In den Quartieren wurden spezielle landschaftlich gestaltete Erholungsplätze geschaffen, Spielplätze für Kinder eingerichtet und Häuser unter Berücksichtigung der vorteilhaftesten Ausrichtung platziert. Darüber hinaus verfolgte Bourgeois das Prinzip der günstigsten Wohnungsausrichtung so konsequent, dass er eine Reihe von Häusern entwarf, die aufgrund der allgemeinen Zusammensetzung des Dorfgrundrisses nicht in Nord-Süd-Richtung angeordnet werden konnten (z um einen geschlossenen Raum des zentralen Platzes zu schaffen), entwarf er mit Leisten (Sägezahn im Grundriss). Wohnungen in den Häusern des Dorfes wurden mit Querlüftung und mit obligatorischer Beleuchtung aller Räume mit Tageslicht konzipiert. Das äußere Erscheinungsbild der Häuser spiegelte die für Stahlbeton charakteristischen Merkmale wie Flachdach, Eck- und Liegefenster sowie leichte Vordächer über den Eingängen wider.

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Von großem Interesse im Hinblick auf die Entwicklung rationalistischer Tendenzen in der belgischen Nachkriegsarchitektur ist der Schulbau, wo die Suche nach einer funktionalen Lösung für den Grundriss und die volumetrisch-räumliche Zusammensetzung des Gebäudes unter Berücksichtigung der neuen Anforderungen von der Bildungsprozess wurde genauso durchgeführt wie beim Bau billiger Wohnungen, unter Bedingungen strengster Kosteneinsparungen.

Neue Trends auf dem Gebiet der Architektur, wenn auch nur mit Mühe, haben sich dennoch beim Bau einzigartiger öffentlicher Gebäude durchgesetzt. Die Internationale Ausstellung von 1935 in Brüssel wurde zu einer Art Arena für den Kampf rationalistischer Strömungen mit Neoklassizismus und Eklektizismus, deren traditionelles Aussehen viele Pavillons ihre moderne konstruktive Grundlage verbargen. So zum Beispiel der Große Jahrhundertpalast, der nach dem Entwurf des Architekten Jean van Peek erbaut wurde. Die kühne Gestaltung der Decke seiner riesigen Halle (Stahlbeton-Parabelbögen) zeigt sich nicht in der äußeren Erscheinung des Gebäudes, dessen Fassade eine im Geiste des Neoklassizismus stilisierte Stufenkomposition ist. Doch bereits auf dieser Ausstellung wurden in einigen Pavillons (wenn auch nicht in den Hauptpavillons) neue Materialien und Strukturen (Glas, Stahlbeton) mutig eingesetzt, um das Erscheinungsbild eines modernen Gebäudes zu schaffen.

Die Zerstörungen durch den Zweiten Weltkrieg erforderten umfangreiche Restaurierungsarbeiten. Im Gegensatz zum Restaurierungsbau nach dem Ersten Weltkrieg, als der Wunsch vorherrschte, vieles in seiner früheren Form wiederherzustellen, wurde die Restaurierung unter den neuen Bedingungen mit Wiederaufbauarbeiten kombiniert, insbesondere in alten Stadtteilen, in denen komplizierte Planung und enge Straßen den Verkehr verursachten Schwierigkeiten. Ausgestrahlte Stadtpläne, die im Nachkriegsbelgien in großer Zahl erstellt wurden, liefen schließlich auf spezifische Maßnahmen hinaus, um den Verkehr in der zentralen Region von Brüssel zu entfesseln, die zeitlich mit der Organisation der Internationalen Ausstellung in Brüssel von 1958 zusammenfielen. Um das Verkehrsnetz der Innenstadt vom Durchgangsverkehr der Passagiere zwischen zwei Sackgassen-Bahnhöfen in Brüssel zu entlasten, verband ein Durchgangstunnel deren Gleise mit einem unterirdischen Bahnhof in der Innenstadt.

Der Wohnungsbau im Nachkriegsbelgien ist von großem Interesse. Hier können wir die Überwindung der Traditionen des Städtebaus mit Einfamilienhäusern mit "vertikalen" Wohnungen feststellen, deren einzelne Räumlichkeiten sich auf mehreren Etagen befinden, und einen entscheidenden Übergang zum Bau moderner Typen von Wohngebäuden (Schnitt, Galerie , Turm), zu Wohnkomplexen zusammengefasst, darunter eine Reihe öffentlicher Gebäude (hauptsächlich Haushalte und Gewerbe). Solche Wohnkomplexe befinden sich normalerweise auf unbebauten Grundstücken: die Kiel-Komplexe in Antwerpen (Architekten R. Brahm, R. Mas und V. Marmans, 1950-1955), am Manevrov-Platz in Lüttich (Projekt von Architekten der Gruppe EGAU, 1956) und andere. Wohnkomplexe werden in der Regel mit Häusern verschiedener Typen bebaut, und um die Fläche des unbebauten Gebiets zu vergrößern, werden viele Häuser auf oft V-förmigen Stützen platziert, was die Zusammensetzung neuer belgischer Wohnkomplexe ergibt Räumlichkeit, eine gewisse formale Schärfe und Originalität.

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In dicht bebauten Altstädten, wo Häuser unterschiedlicher Epochen mit schmalen mehrstöckigen Fassaden in kontinuierlichen Reihen entlang der Straßen stehen, müssen neue Häuser in diesen „Schichtkuchen“ eingebaut werden. Darüber hinaus versuchen belgische Architekten in diesen Fällen nicht, das äußere Erscheinungsbild benachbarter Häuser zu imitieren, sondern mutig ein modernes Gebäude aus Beton und Glas in eine Reihe von Häusern verschiedener Epochen einzuführen, was dem gesamten Gebäude eine besondere Note verleiht. Diese Neubauten sind in der Regel rentable Häuser, bei deren Gestaltung die Architekten wahrhaft virtuoses Geschick und Einfallsreichtum beweisen müssen, da ein schmales Grundstück es ermöglicht, Fensteröffnungen nur an den Hausrissen (zur Straße und zur in den Hof).

Seit der zweiten Hälfte der 50er Jahre. In der belgischen Architektur nahm der Einfluss der amerikanischen Variante des Funktionalismus, der Schule von Mies van der Rohe, zu. Dies gilt zunächst für den Bau von Bürogebäuden, darunter das 1958 nach dem Projekt des Architekten Hugo van Cuijk erbaute Sozialversicherungsgebäude in Brüssel. Dieses Gebäude, das sich erfolgreich auf einem der höchsten Punkte der Stadt befindet, ist ein flaches, hohes Glasprisma mit rechteckiger Basis, als würde es aus einem breiteren Stylobat wachsen. Das Gebäude schließt perspektivisch eine der Hauptverkehrsadern der Stadt und ist das kompositorische Zentrum eines komplexen, aber ausdrucksstarken Ensembles, das die umliegenden multitemporalen Gebäude und einen malerisch angelegten schattigen Platz vor dem Gebäude umfasst, auf dem zahlreiche Msnier-Skulpturen stehen werden im Freien aufgestellt. Diese realistischen Skulpturen stehen in scharfem Kontrast zum modernen Erscheinungsbild des Gebäudes, dessen urbaner Charakter durch den Strom von Autos, die entlang der modernen Autobahn rasen, die in den Tunnel in der Nähe des Gebäudes mündet, noch betont wird.

Eines der berühmtesten und zweifellos eines der besten Werke der belgischen Architektur der Nachkriegszeit ist das Gebäude des neuen Brüsseler Flugterminals, das im Zusammenhang mit der Ausstellung von 1958 von dem Architekten M. Brunfo gebaut wurde. In der Planung und räumlichen Gestaltung dieses Gebäudes werden sowohl rein zweckdienliche als auch künstlerische Aufgaben erfolgreich gelöst. Das Innere des Haupt-Operationssaals macht den größten Eindruck. Die Halle ist mit 50 m langen freitragenden Aluminiumbindern bedeckt, die auf ^-förmigen Stützen ruhen. Eine der Längswände der Halle wurde zu einer riesigen Glasscheibe zur Sommerwiese umfunktioniert.

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Ein bedeutendes Ereignis im belgischen Architekturleben war die Internationale Brüsseler Ausstellung im Jahr 1958. Belgische Architekten waren direkt an der Schaffung vieler Ausstellungspavillons und anderer Gebäude beteiligt, deren Bau mit ihrer Eröffnung verbunden war. Unter diesen Gebäuden kann man so besondere Strukturen wie das Atomium (Ingenieur A. Waterkeyn, Architekten A. und J. Polak) bemerken, die als symbolische Denkmäler eingestuft werden können; Pavillon "Reinforced Concrete Arrow" - mit einer Auskragung von 80 m (Ingenieur A. Paduard, Architekt J. van Dorselaer), der die konstruktiven Möglichkeiten von Stahlbeton demonstrierte, sowie der im Zentrum von Brüssel errichtete Pavillon des Informationszentrums , dessen Decke eine sattelförmige Hülle ist, die auf zwei Stahlbetonstützen in Form eines hyperbolischen Paraboloids ruht, die aus einer dreischichtig verleimten Holzplatte bestehen (Architekten L. J. Bochet, J. P. Blondel und O. F. Philippon, Ingenieur R. Sarge) .

Kultur

Belgische Künstler

Der Höhepunkt der Blüte der Malerei in Belgien fällt in die Zeit der burgundischen Herrschaft im 15. Jahrhundert. Während der Renaissance malten Künstler Porträts mit komplizierten Details. Dies waren lebendige und nicht idealisierte Gemälde, in denen die Künstler versuchten, ein Höchstmaß an Realismus und Klarheit zu erreichen. Dieser Malstil erklärt sich aus dem Einfluss der neuen holländischen Schule.

Für die belgische Malerei war das 20. Jahrhundert das zweite goldene Zeitalter. Aber Künstler haben sich in der Malerei bereits von den Prinzipien des Realismus zurückgezogen und sich dem Surrealismus zugewandt. Einer dieser Künstler war Rene Magritte.

Die belgische Malerei hat eine alte Tradition, auf die die Belgier zu Recht stolz sind. Das Rubenshausmuseum befindet sich in Antwerpen und das Königliche Museum der Schönen Künste in Brüssel. Sie wurden zu einer Manifestation des tiefen Respekts der Belgier für ihre Künstler und alten Traditionen in der Malerei.

Flämische Primitivisten

Auch am Ende des Mittelalters in Europa wurde der Malerei in Flandern und Brüssel Aufmerksamkeit geschenkt. Jan Van Eyck (um 1400-1441) revolutionierte die flämische Kunst. Er war der Erste, der mit Öl haltbare Farben herstellte und Farben auf Leinwand oder Holz mischte. Diese Innovationen ermöglichten es, die Gemälde länger aufzubewahren. Während der Renaissance begann sich die Tafelmalerei zu verbreiten.

Jan Van Eyck wurde der Gründer der flämischen Primitivismus-Schule, die das Leben in leuchtenden Farben und in Bewegung auf Leinwänden darstellte. In der Genter Kathedrale befindet sich ein Altarpolyptychon „Die Anbetung des Lammes“, das von dem berühmten Künstler und seinem Bruder geschaffen wurde.

Der flämische Primitivismus in der Malerei zeichnet sich durch besonders realistische Porträts, klare Beleuchtung und sorgfältige Darstellung von Kleidung und Stofftexturen aus. Einer der besten Künstler, der in dieser Richtung arbeitete, war Rogierde la Pasture (Rogier van der Weyden) (um 1400-1464). Eines der berühmten Gemälde von Rogirde la Pasture ist Kreuzabnahme. Der Künstler verband die Kraft religiöser Gefühle und Realismus. Die Gemälde von Rogierde la Pasture inspirierten viele belgische Künstler, die die neue Technik erbten.

Die Möglichkeiten der neuen Technik wurden von Dirk Bouts (1415-1475) erweitert.

Hans Memling (ca. 1433-1494) gilt als der letzte flämische Primitivist, dessen Gemälde das Brügge des 15. Jahrhunderts darstellen. Die ersten Gemälde, die europäische Industriestädte darstellen, wurden von Joachim Patinir (ca. 1475-1524) gemalt.

Bruegel-Dynastie

Die belgische Kunst im frühen 16. Jahrhundert wurde stark von Italien beeinflusst. Der Maler Jan Gossaert (ca. 1478-1533) studierte in Rom. Um Bilder für das Herrscherhaus der Herzöge von Brabant zu malen, wählte er mythologische Sujets.

Im 16.-17. Jahrhundert. Den größten Einfluss auf die flämische Kunst hatte die Familie Bruegel. Einer der besten Maler der flämischen Schule war Pieter Brueghel der Ältere (um 1525-1569). Er kam 1563 nach Brüssel. Seine bekanntesten Werke sind Leinwände, die komische Bauernfiguren darstellen. Sie bieten Gelegenheit, in die Welt des Mittelalters einzutauchen. Eines der berühmten Gemälde von Pieter Brueghel dem Jüngeren (1564-1638), der Leinwände zu religiösen Themen malte, ist Die Volkszählung in Bethlehem (1610). Jan Brueghel der Ältere (1568-1625), auch bekannt als Brueghel the Velvet, malte komplizierte Stillleben mit Blumen vor einem Hintergrund aus Samtvorhängen. Jan Brueghel der Jüngere (1601-1678) malte prächtige Landschaften und war Hofmaler.

Künstler von Antwerpen

Das Zentrum der belgischen Malerei verlagerte sich im 17. Jahrhundert von Brüssel nach Antwerpen – dem Zentrum Flanderns. Dies wurde maßgeblich dadurch beeinflusst, dass einer der ersten weltberühmten flämischen Künstler Peter Paul Rubens (1577-1640) in Antwerpen lebte. Rubens malte prächtige Landschaften, Bilder mit mythologischer Handlung und war Hofmaler. Aber am bekanntesten sind seine Leinwände, die aufgedunsene Frauen darstellen. Die Popularität von Rubens war so groß, dass die flämischen Weber eine große Sammlung von Wandteppichen mit seinen großartigen Gemälden anlegten.

Rubens' Schüler, der Hofporträtmaler Anthony van Dyck (1599-1641), erlangte als zweiter Antwerpener Maler Weltruhm.

Jan Bruegel der Ältere ließ sich in Antwerpen nieder und sein Schwiegersohn David Teniers II (1610-1690) gründete 1665 die Akademie der Schönen Künste in Antwerpen.

Europäischer Einfluss

Im 18. Jahrhundert blieb der Einfluss von Rubens auf die Kunst bestehen, so dass es keine wesentlichen Veränderungen in der Entwicklung der flämischen Kunst gab.

Ab Anfang des 19. Jahrhunderts war ein starker Einfluss anderer europäischer Schulen auf die Kunst Belgiens zu spüren. François Joseph Navez (1787-1869) fügte der flämischen Malerei den Neoklassizismus hinzu. Constantin Meunier (1831-1905) bevorzugte den Realismus. Guillaume Vogels (1836-1896) malte im impressionistischen Stil. Förderer der romantischen Malerei war der Brüsseler Künstler Antoine Wirtz (1806-1865).

Verstörende, verzerrte und verschwommene Gemälde von Antoine Wirtz, wie das um 1830 entstandene Werk „Hasty Cruelty“, stehen am Beginn des Surrealismus in der Kunst. Fernand Khnopff (1858-1921), bekannt für seine erschreckenden Porträts dubioser Frauen, gilt als früher Vertreter der belgischen symbolistischen Schule. Seine Arbeit wurde von Gustav Klimt, einem deutschen Romantiker, beeinflusst.

James Ensor (1860-1949) war ein weiterer Künstler, dessen Werk sich vom Realismus zum Surrealismus bewegte. Auf seinen Leinwänden sind oft mysteriöse und gruselige Skelette abgebildet. Gesellschaft der Künstler "LesVingt" (LesXX) in den Jahren 1884-1894. organisierte eine Ausstellung mit Werken berühmter ausländischer Avantgarde-Künstler in Brüssel und belebte damit das kulturelle Leben in der Stadt.

Surrealismus

Seit Anfang des 20. Jahrhunderts ist Cezannes Einfluss in der belgischen Kunst zu spüren. Während dieser Zeit tauchten die Fauves in Belgien auf und zeigten helle Landschaften, die in die Sonne getaucht waren. Ein prominenter Vertreter des Fauvismus war der Bildhauer und Künstler Rick Wauters (1882-1916).

Der Surrealismus tauchte Mitte der zwanziger Jahre des 20. Jahrhunderts in Brüssel auf. Rene Magritte (1898-1967) wurde zu einem prominenten Vertreter dieser Kunstrichtung. Der Surrealismus begann sich im 16. Jahrhundert zu entwickeln. Phantasmagorische Gemälde von Pieter Brueghel dem Älteren und Bosch wurden in diesem Stil gemalt. Auf Magrittes Gemälden gibt es keine Orientierungspunkte, er definierte seinen surrealistischen Stil als „eine Rückkehr vom Vertrauten zum Fremden“.

Paul Delvaux (1897-1989) war ein schockierender und emotionalerer Künstler, seine Leinwände zeigen bizarre, elegante Innenräume mit nebligen Figuren.

Die CoBrA-Bewegung setzte sich 1948 für abstrakte Kunst ein. Der Abstraktionismus wurde durch Konzeptkunst ersetzt, angeführt von Marcel Brudtaers (1924-1976), einem Installationsmeister. Broodtaers stellten vertraute Gegenstände dar, wie zum Beispiel einen mit Muscheln gefüllten Topf.

Wandteppiche und Spitzen

Belgische Wandteppiche und Spitzen gelten seit über 600 Jahren als Luxus. Im 12. Jahrhundert begann die Herstellung von handgefertigten Wandteppichen in Flandern, später in Brüssel, Tournai, Oudenarde und Mechelen.

Ab Anfang des 16. Jahrhunderts begann sich in Belgien die Klöppelkunst zu entwickeln. Spitze wurde in allen Provinzen gewebt, aber Spitze aus Brüssel und Brügge wurde am meisten geschätzt. Oft wurden die geschicktesten Klöpplerinnen von Aristokraten unterstützt. Für den Adel galten schöne Wandteppiche und erlesene Spitzen als Zeichen ihrer Stellung. In den 15-18 Jahrhunderten. Spitzen und Wandteppiche waren die wichtigsten Exportgüter. Und heute gilt Belgien als Geburtsort der besten Wandteppiche und Spitzen.

Die flämischen Städte Tournai und Arras (heute in Frankreich gelegen) wurden zu Beginn des 13. Jahrhunderts zu berühmten europäischen Zentren der Weberei. Handwerk und Handel entwickelten sich. Die Technik ermöglichte es, filigranere und teurere Arbeiten zu machen; der Wolle wurden Fäden aus echtem Silber und Gold hinzugefügt, was die Produktkosten noch weiter erhöhte.

Die Revolution in der Herstellung von Wandteppichen wurde von Bernard van Orley (1492-1542) gemacht, der flämischen Realismus und italienischen Idealismus in Zeichnungen kombinierte. Später wurden die flämischen Meister nach Europa gelockt, und Ende des 18. Jahrhunderts ging der ganze Ruhm der flämischen Wandteppiche an die Pariser Manufaktur über.

Belgien das ganze Jahr über

Das belgische Klima ist typisch für Nordeuropa. Aus diesem Grund können Feiern sowohl auf der Straße als auch zu Hause durchgeführt werden. Die Wetterbedingungen ermöglichen es den Künstlern der Hauptstadt perfekt, sowohl in Stadien als auch in alten Gebäuden aufzutreten. Die Einwohner Belgiens wissen den Wechsel der Jahreszeiten zu nutzen. Zum Beispiel wird im Sommer ein Blumenfest in der Hauptstadt eröffnet. Der Grand Place ist jeden zweiten August mit Millionen von Blumen bedeckt. Die Eröffnung der Tanz-, Film- und Theatersaison findet im Januar statt. Hier warten Premieren von „Autokinos“ bis hin zu alten Klöstern auf ihre Zuschauer.

In Brüssel können Sie das ganze Jahr über den Durchgang verschiedener Festivals beobachten. Hier können Sie luxuriöse, lebensfrohe historische Prozessionen sehen. Sie finden seit dem Mittelalter jedes Jahr statt. Hier werden die neuesten experimentellen Künste Europas gezeigt.

Feiertage

Neujahr - 1. Januar
Ostern - schwimmendes Datum
Sauberer Montag - schwimmendes Datum
Tag der Arbeit - 1. Mai
Himmelfahrt - schwebendes Datum
Tag der Dreifaltigkeit - schwimmendes Datum
Spirituosen Montag - schwimmendes Datum
Belgischer Nationalfeiertag – 21. Juli
Mariä Himmelfahrt - 15. August
Allerheiligen - 1. November
Waffenstillstand - 11. November
Weihnachten - 25. Dezember

Frühling

Wenn die Frühlingstage in Belgien länger werden, wird das kulturelle Leben wiederbelebt. Touristen fangen an, hierher zu kommen. Musikfestivals finden direkt auf der Straße statt. Wenn die Stadtparks blühen, werden die weltbekannten tropischen Gewächshäuser von Laiken für Besucher geöffnet. Belgische Schokoladenhersteller sind damit beschäftigt, alle Arten von Süßigkeiten für die bedeutenden Osterfeiertage vorzubereiten.

Internationales Fantasy-Filmfestival (3. und 4. Woche). Fans von Wundern und Kuriositäten warten in den Kinos der Hauptstadt auf neue Filme.
Ars Music (Mitte März - Mitte April). Dieser Feiertag ist eines der besten europäischen Festivals. Berühmte Künstler kommen dazu. Oft finden Konzerte im Museum Alter Meister statt. Alle Musikkenner sind bei diesem Festival anwesend.
Euroantique (letzte Woche). Das Heysel-Stadion ist voll von Besuchern und Händlern, die Antiquitäten kaufen oder verkaufen möchten.
Ostern (Ostersonntag). Man glaubt, dass vor Ostern Kirchenglocken nach Rom fliegen. Bei ihrer Rückkehr hinterlassen sie Ostereier in den Feldern und Wäldern speziell für Kinder. So werden jedes Jahr mehr als 1000 bemalte Eier von Erwachsenen im Königlichen Park versteckt, und die Kinder aus der ganzen Stadt versammeln sich, um sie zu suchen.

April

Frühlingsbarock auf Sablon (3. Woche). Der berühmte Place de la Grande Sablon versammelt junge belgische Talente. Sie spielen Musik aus dem 17. Jahrhundert.
Königliche Gewächshäuser in Laiken (12 Tage, Daten variieren). Wenn Kakteen und allerlei exotische Pflanzen zu blühen beginnen, werden die persönlichen Gewächshäuser der belgischen Königsfamilie extra für die Öffentlichkeit geöffnet. Die Zimmer sind aus Glas und mit Eisen veredelt. Eine große Anzahl verschiedener seltener Pflanzen wird hier vor schlechtem Wetter bewahrt.
Festival in Flandern (Mitte April - Oktober) Dieses Festival ist ein musikalisches Fest, das alle möglichen Stile und Richtungen mischt. Mehr als 120 berühmte Orchester und Chöre treten hier auf.
"Bildschirmszenen". (3. Woche - Ende). Speziell für das Publikum werden täglich neue europäische Filme präsentiert.

Feier des Europatages (7.-9. Mai). Aufgrund der Tatsache, dass Brüssel die europäische Hauptstadt ist, wird dies bei der Feier noch einmal betont. So trägt beispielsweise auch Mannequin Pis einen blauen Anzug, der mit gelben Sternen verziert ist.
Kunstin-Festival der Künste (9.-31. Mai). An diesem Festival nehmen junge Theaterschauspieler und Tänzer teil.
Queen Elizabeth Competition (Mai - Mitte Juni). Dieser Musikwettbewerb versammelt Fans der Klassiker. Dieser Wettbewerb läuft seit über vierzig Jahren. Dort treten junge Pianisten, Geiger und Sänger auf. Berühmte Dirigenten und Solisten wählen unter ihnen die würdigsten Interpreten aus.
20 km Rennen in Brüssel (letzten Sonntag). Laufen in der Hauptstadt, an der mehr als 20.000 Amateure und Profis aktiv teilnehmen.
Jazz-Rallye (letzter freier Tag). Kleine Jazz-Ensembles treten in Bistros und Cafés auf.

Sommer

Im Juli eröffnet in Ommengang die Saison der höfischen Pracht. Das ist ein ziemlich alter Brauch. Eine riesige Prozession zieht über den Grand Place und die umliegenden Straßen. Zu dieser wunderbaren Jahreszeit hört man die Musik verschiedenster Richtungen. Künstler können an verschiedenen Orten Musik spielen, wie dem riesigen König-Baudouin-Stadion in IJsel oder in kleinen Café-Bars. Am Unabhängigkeitstag kommen alle Belgier zur Messe Midi. Es findet auf dem Platz statt, wo die Tabletts aufgestellt und Wege gebaut werden.

Brussels Summer Festival (Anfang Juni - September). Konzertprogramme finden in berühmten alten Gebäuden statt.
Festival in der Wallonie (Juni - Oktober). Die Durchführung einer Reihe von Galakonzerten in Brüssel und Flandern ermöglicht es, dem Publikum die begabtesten jungen belgischen Solisten und Orchesterspieler vorzustellen.
Festivalcafé "Cooler" (letzte Woche). Drei Tage lang findet in der umgebauten Lagerhalle von Tour-e-Taxi ein hochmodisches Programm statt. Das Publikum wird von afrikanischen Trommlern, Salsa, ethnischer Musik und Acid Jazz erwartet.
Musikfestival (letzter freier Tag). Benefizveranstaltungen und Konzerte finden zwei Wochen hintereinander in Rathäusern und Museen statt, die der Weltmusik gewidmet sind.

Juli

Ommegang (1. Wochenende im Juli). Touristen kommen aus der ganzen Welt, um diese Aktion zu sehen. Dieses Fest findet seit 1549 in Brüssel statt. Diese Prozession (oder, wie es genannt wird, "Umweg") geht um den Grand Place und alle angrenzenden Straßen herum und bewegt sich im Kreis. Mehr als 2000 Teilnehmer nehmen hier teil. Dank der Kostüme verwandeln sie sich in Renaissance-Städter. Die Parade geht an hochrangigen belgischen Beamten vorbei. Tickets müssen im Voraus bestellt werden.
Jazz-Folkfestival "Brosella" (2. Ruhetag). Das Festival findet im Osseghem Park statt. Es zieht alle berühmten Musiker aus Europa an.
Sommerfestival in Brüssel (Juli - August). Zu dieser Jahreszeit spielen Musiker in der Unter- und Oberstadt klassische Stücke.
Messe Midi (Mitte Juli - Mitte August). Durchführung der Messe am berühmten Brüsseler Bahnhof Gardu-Midi. Diese Veranstaltung dauert einen ganzen Monat. Es ist sehr beliebt bei Kindern. Diese Messe gilt als die größte in Europa.

Belgischer Tag (21. Juli). Durchführung einer Militärparade zu Ehren des Unabhängigkeitstages, der seit 1831 gefeiert wird, und anschließendes Feuerwerk im Brüsseler Park.
Tage der offenen Tür im Königspalast (letzte Juliwoche - 2. Septemberwoche). Die Türen des Königspalastes werden für Besucher geöffnet. Diese Veranstaltung findet sechs Wochen hintereinander statt.

August

Maibaum (Meiboom) (9. August). Dieses Fest entstand im Jahr 1213. Die Teilnehmer dieser Aktion verkleiden sich in riesigen Kostümen - Puppen. Die Prozession führt durch die Unterstadt. Es hält am Grand Place, dann wird dort ein Maibaum aufgestellt.
Blumenteppich (Mitte August, alle 2 Jahre). Dieser Feiertag findet alle zwei Jahre statt. Dies ist eine Hommage an die Blumenzucht in Brüssel. Der gesamte Grand Place ist mit frischen Blumen bedeckt. Die Gesamtfläche eines solchen Teppichs beträgt ca. 2000 m².

Herbst

Im Herbst zieht die belgische Unterhaltung unters Dach - in Cafés oder Kulturzentren, in denen Sie moderne Musik hören können. An den „Tagen des Denkmals“ hat die Öffentlichkeit die Möglichkeit, sich an der Architektur zu erfreuen, indem sie Privathäuser besucht, die zu anderen Zeiten für die Öffentlichkeit geschlossen sind, und die dort befindlichen Sammlungen besichtigt.

September

Geburtstags-Mannequin Pis (letzter freier Tag).
Die berühmte Skulptur eines pissenden Jungen ist in einen anderen Anzug gekleidet, der von einem hochrangigen ausländischen Gast gespendet wurde.

Festival "Happy City" (erster freier Tag).
Derzeit finden etwa 60 Konzerte in drei Dutzend der besten Brüsseler Cafés statt.
Botanische Nächte (letzte Woche).
Das französische Kulturzentrum „Les Botaniques“, das sich in den ehemaligen Gewächshäusern des Botanischen Gartens befindet, veranstaltet eine Reihe von Konzerten, die alle Kenner der Jazzmusik begeistern werden.
Tage des Denkmals (2. oder 3. freier Tag).
Viele denkmalgeschützte Gebäude und Privathäuser sowie geschlossene Kunstsammlungen öffnen für wenige Tage ihre Türen für Besucher.

Oktober

Audi Jazz Festival (Mitte Oktober - Mitte November).
Überall im Land sind die Klänge des Jazz zu hören und verdünnen die herbstliche Langeweile. Lokale Künstler spielen, aber einige europäische Stars treten oft im Palast der Schönen Künste in Brüssel auf.

Winter

Im Winter regnet und schneit es in Belgien normalerweise, daher werden fast alle Veranstaltungen in dieser Zeit nach drinnen verlegt. Kunstgalerien veranstalten Weltklasse-Ausstellungen und das Brussels Film Festival beherbergt die Arbeiten sowohl etablierter Meister als auch junger Talente. Vor den Weihnachtsfeiertagen wird die Unterstadt hell erleuchtet und an Weihnachten werden die Tische der Belgier mit traditionellen Gerichten geschmückt.

"Sablon's Nocturne" (letzter freier Tag). Alle Geschäfte und Museen des Grande Sablon sind erst am späten Abend geschlossen. Kutschen mit angespannten Pferden fahren mit Kunden über den Jahrmarkt und auf dem Hauptplatz kann jeder echten Glühwein probieren.

Dezember

Nikolaustag (6. Dezember).
Der Legende nach kommt an diesem Tag der Schutzpatron von Weihnachten, der Weihnachtsmann, in die Stadt, und alle belgischen Kinder erhalten Süßigkeiten, Schokolade und andere Geschenke.
Weihnachten (24.-25. Dezember).
Wie in anderen katholischen Ländern wird Weihnachten in Belgien am Abend des 24. Dezember gefeiert. Die Belgier tauschen Geschenke aus und am nächsten Tag besuchen sie ihre Eltern. Bis zum 6. Januar zieren allerlei Weihnachtsattribute die Straßen der Hauptstadt.

Januar

Königstag (6. Januar).
An diesem Tag werden spezielle Mandel-"Königskuchen" zubereitet und jeder, der nach der dort versteckten Erbse suchen möchte. Derjenige, der es findet, wird für die ganze festliche Nacht zum König erklärt.
Brussels Film Festival (Mitte - Ende Januar).
Premiere neuer Filme unter Beteiligung europäischer Filmstars.

Februar

Antiquitätenmesse (2. und 3. Woche).
Der Palast der Schönen Künste versammelt Antiquitätenhändler aus der ganzen Welt.
Internationales Comicfestival (2. und 3. Woche).
Comicautoren und -künstler kommen in die Stadt, die einen starken Einfluss auf die Kunst des Comiczeichnens hatte, um Erfahrungen auszutauschen und neue Arbeiten zu präsentieren.

Vielfältiger und bunter als die flämische Architektur und Bildhauerei entfaltet sich die flämische Malerei des 17. Jahrhunderts in ihrer prachtvollen Blüte. Noch deutlicher als in diesen Künsten tritt hier aus einer Mischung aus nördlichen und südlichen Fundamenten das ewig Flämische als unzerstörbarer nationaler Schatz hervor. Die zeitgenössische Malerei hat in keinem anderen Land ein so reiches und buntes Themenfeld erfasst. In neuen oder restaurierten Tempeln warteten Hunderte von gigantischen Barockaltären auf auf große Leinwände gemalte Heiligenbilder. In Palästen und Häusern sehnten sich riesige Wände nach mythologischen, allegorischen und Genre-Staffeleibildern; Ja, und die Porträtmalerei, die sich im 16. Jahrhundert zum lebensgroßen Porträt entwickelte, blieb eine im wahrsten Sinne des Wortes große Kunst, die bestechende Natürlichkeit mit der Vornehmheit des Ausdrucks verband.

Neben dieser großen Malerei, die Belgien mit Italien und Frankreich teilte, blühte hier in Fortführung alter Traditionen originale Kabinettmalerei, meist auf kleinen Holz- oder Kupfertafeln, ungewöhnlich reich, alles Dargestellte umfassend, religiöse, mythologische oder allegorische Themen nicht vernachlässigend, bevorzugt das Alltagsleben aller Bevölkerungsschichten, insbesondere der Bauern, Droschkenfahrer, Soldaten, Jäger und Seeleute in all seinen Erscheinungsformen. Die gestalteten Landschafts- oder Raumhintergründe dieser kleinfigurigen Gemälde wurden in den Händen einiger Meister zu eigenständigen Landschafts- und Architekturbildern. Abgerundet wird diese Serie durch Bilder von Blumen, Früchten und Tieren. Zu den Baumschulen und Menagerien der regierenden Erzherzöge in Brüssel brachte der Überseehandel Wunder der Flora und Fauna. Der Reichtum ihrer Formen und Farben konnte von den Künstlern, die alles beherrschten, nicht übersehen werden.

Trotzdem gab es in Belgien keinen Boden mehr für monumentale Wandmalerei. Mit Ausnahme von Rubens' Gemälden in der Antwerpener Jesuitenkirche und einigen kirchlichen Landschaftsserien schufen die großen Meister Belgiens ihre großformatigen Gemälde auf Leinwand, Wand- und Deckengemälde für fremde Herrscher und den Niedergang der Brüsseler Technik der Wandteppiche die Rubens' Teilnahme nur einen vorübergehenden Aufschwung brachte, machte die Teilnahme anderer belgischer Meister, wie Jordans und Teniers, überflüssig. Aber die belgischen Meister nahmen eine bekannte, wenn auch nicht so tief wie die niederländische, Beteiligung an der Weiterentwicklung der Gravur und Radierung. Die gebürtigen Niederländer waren vor Rubens sogar die besten Stecher, und die Teilnahme der größten belgischen Maler: Rubens, Jordanses, Van Dycks, Brouwers und Teniers an der „Malstich“-Radierung, ist teils nur eine Nebensache, teils sogar zweifelhaft.

Antwerpen, die wohlhabende niederdeutsche Handelsstadt an der Schelde, ist heute mehr denn je die Hauptstadt der niederniederländischen Malerei. Die Brüsseler Malerei, vielleicht nur in der Landschaft auf der Suche nach eigenständigen Wegen, wurde zu einem Zweig der Antwerpener Kunst; selbst die Malerei der alten flämischen Kunstzentren Brügge, Gent und Mecheln lebte zunächst nur von ihrer Beziehung zu den Antwerpener Werkstätten. Aber im wallonischen Teil Belgiens, nämlich in Lüttich, kann man eine eigenständige Anziehungskraft auf die Italiener und Franzosen verfolgen.

Zur allgemeinen Geschichte der flämischen Malerei des 17. Jahrhunderts neben den Sammlungen literarischer Quellen von Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool und Weyermann, den Lexika von Immerseel, Kramm und Wurzbach, konsolidierte, nur teilweise veraltete Bücher von Michiels, Waagen, Waters, Rigel und Philippi sind wichtig . Angesichts der herausragenden Bedeutung der Schelde-Kunst kann man auch die Geschichte der Antwerpener Kunst von Van den Branden und Rooses erwähnen, die natürlich Ergänzungen und Änderungen erfordert. Das diesbezügliche Kapitel des Autors dieses Buches in seiner und Woltmanns Geschichte der Malerei ist im Detail bereits überholt.

Die flämische Malerei des 17. Jahrhunderts erlangte völlige Freiheit der Bildgestaltung und -ausführung, innere Einheit von Zeichnung und Farbe, die fließendste Weite und Kraft in den schöpferischen Händen ihres großen Meisters Peter Paul Rubens, der Antwerpen zum zentralen Ort des Exports machte Gemälde für ganz Europa. An Meistern, die am Übergang zwischen der alten und der neuen Richtung standen, mangelte es jedoch nicht.

In den nationalrealistischen Sektoren mit kleinen Figuren vor dem Hintergrund einer entwickelten Landschaft lebten nur noch Anklänge an die Größe und Unmittelbarkeit von Pieter Brueghel dem Älteren. Die Wiedergabe der Landschaft in der Übergangszeit bleibt innerhalb des von Giliss Van Coninxloo geschaffenen "Bühnenstils" mit seinem büscheligen Baumlaub und unter Umgehung der Schwierigkeiten der Luft- und Linearperspektive durch die Entwicklung separater, sich nacheinander abwechselnder, unterschiedlich farbiger Töne. Auch die Begründer der vorliegenden Landschaftsmalerei, die Antwerpener Brüder Matthäus und Paul Bril (1550-1584 und 1554-1626), gingen von diesem bedingten Stil aus, über dessen Entwicklung so gut wie nichts bekannt ist. Matthäus Bril tauchte plötzlich als Maler von Landschaftsfresken im Vatikan in Rom auf. Nach seinem frühen Tod entwickelte Paul Bril, der Freund seines Bruders im Vatikan, den damals neuen niederländischen Landschaftsstil weiter. Nur wenige authentische Gemälde von Matthäus sind erhalten; um so mehr von Paulus, über dessen Kirchen- und Palastlandschaften im Vatikan, im Lateran, im Rospigliosi-Palast in Santa Cecilia und Santa Maria Maggiore in Rom ich an anderer Stelle berichtet habe. Erst allmählich gehen sie unter dem Einfluss der freieren, mit größerer Einheitlichkeit ausgeführten Landschaften von Annibale Carracci zu dem oben angedeuteten ausgewogenen Übergangsstil über. Die Weiterentwicklung von Bril, die Teil der allgemeinen Geschichte der Landschaftsmalerei ist, spiegelt sich in seinen zahlreichen, teils von Jahren geprägten kleinen Landschaften auf Brettern (1598 in Parma, 1600 in Dresden, 1601 in München, 1608 und 1624 in Dresden , 1609, 1620 und 1624 - im Louvre, 1626 - in St. Petersburg), normalerweise reich an Bäumen, versuchen selten, ein bestimmtes Gebiet zu vermitteln. Auf jeden Fall gehört Paul Bril zu den Begründern des Landschaftsstils, aus dem die Kunst von Claude Lorrain hervorgegangen ist.

In den Niederlanden entwickelte der Antwerpener Josse de Momper (1564 - 1644), am besten vertreten in Dresden, den Koninxloo-Bühnenstil in elegant gemalten, nicht besonders baumreichen Berglandschaften, auf denen "drei Hintergründe", manchmal mit dem Zusatz a viertens sonnenbeschienen, erscheinen normalerweise in seiner ganzen braun-grün-grau-blauen Schönheit.

Der Einfluss älterer Gemälde von Bril spiegelt sich im zweiten Sohn von Peter Brueghel d. Ä., Jan Brueghel d. Ä. (1568 - 1625), wider, der vor seiner Rückkehr nach Antwerpen 1596 in Rom und Mailand tätig war. Criveli und Michel haben ihm eigene Werke gewidmet. Er malte meist kleine, manchmal Miniaturbilder, die den Eindruck einer Landschaft erwecken, auch wenn sie biblische, allegorische oder Genrethemen darstellen. Sie halten fest am Coninksloo-Stil mit büscheligem Blattwerk fest, obwohl sie die gegenseitigen Übergänge der drei Hintergründe subtiler vermitteln. Charakteristisch für Jan Brueghels Vielseitigkeit ist, dass er Landschaftshintergründe für Figurenmaler wie Balin, Figuren für Landschaftsmaler wie Momper, Blumenkränze für Meister wie Rubens malte. Bekannt für seinen frisch und subtil ausgeführten "Fall" des Haager Museums, in dem Rubens Adam und Eva und Jan Brueghel Landschaft und Tiere malte. Seine eigenen Landschaften, reichlich ausgestattet mit einem kunterbunten Volksleben, den Himmel mit seinen Wolken noch nicht besonders ausdrucksstark vermittelnd, sind überwiegend von Flüssen bewässerte Hügellandschaften, Ebenen mit Windmühlen, Dorfstraßen mit Wirtshausszenen, Kanäle mit bewaldeten Ufern, belebte Landstraßen auf bewaldeten Höhen und Waldwegen mit Holzfällern und Jägern, lebhaft und treu beobachtet. Frühe Gemälde von ihm sind im Mailänder Ambrosiana zu sehen. Sie ist am besten in Madrid vertreten, gut in München, Dresden, St. Petersburg und Paris. Von besonderer Bedeutung im Sinne der Suche nach neuen Wegen war seine Blumenmalerei, die nicht nur die Schönheit der Formen und die Leuchtkraft der Farben seltener Farben, sondern auch deren Kombinationen auf überzeugende Weise vermittelte. Bilder der Farben seines Pinsels besitzen Madrid, Wien und Berlin.

Unter seinen Mitarbeitern dürfen wir Hendrik van Balen (1575 - 1632) nicht übersehen, dessen Lehrer als zweiter Lehrer von Rubens, Adam van Noort, gilt. Seine Altarbilder (zum Beispiel in der Jakobskirche in Antwerpen) sind unerträglich. Berühmt wurde er durch seine kleinen, glatt gemalten, zuckrigen Gemälde auf Tafeln mit Inhalten hauptsächlich aus antiken Fabeln, z. B. Das Fest der Götter im Louvre, Ariadne in Dresden, Sammeln des Mannas in Braunschweig, aber auch seine Gemälde dieser Art fehlen künstlerische Frische und Unmittelbarkeit.

Der oben beschriebene Landschaftsstil des Übergangs setzte sich jedoch unter schwachen Nachahmern bis zum Beginn des 18. Jahrhunderts fort. Hier können wir nur die stärksten Meister dieser Richtung nennen, die sie nach Holland überführten, David Winkboons aus Mecheln (1578 - 1629), der von Antwerpen nach Amsterdam zog, malte frische Wald- und Dorfszenen, gelegentlich auch biblische Episoden in einer Landschaft Umgebung, aber am liebsten Tempelfeiertage vor Dorftavernen. Seine besten Bilder in Augsburg, Hamburg, Braunschweig, München, St. Petersburg sind ganz direkt beobachtet und mit blumigen Farben gemalt, nicht ohne Wucht. Rellant Savery von Courtrai (1576 - 1639), dem Kurt Erasmus eine liebevoll geschriebene Studie widmete, studierte im Dienst Rudolfs II. die deutschen Waldberge, danach ließ er sich als Maler und Radierer zunächst in Amsterdam, dann in Utrecht nieder. Seine lichterfüllten, in drei Ebenen allmählich ineinander übergehenden, aber in der Ausführung etwas trocken wirkenden Berg-, Fels- und Waldlandschaften, die in Wien und Dresden gut zu sehen sind, stattete er mit lebenden Gruppen wilder und zahmer Tiere in Jagdszenen, in Bildern aus Paradies und Orpheus. Er gehört auch zu den frühesten selbstständigen Blumenmalern. Adam Willaerts aus Antwerpen (1577, gestorben nach 1649), der 1611 nach Utrecht zog, war ein Vertreter der Seestücke dieses Übergangsstils. Seine Küsten- und Meeresansichten (z. B. in Dresden, bei Weber in Hamburg, in der Liechtenstein-Galerie) sind noch trocken im Muster der Wellen, noch rau in der Darstellung des Schiffslebens, aber bestechend durch die Ehrlichkeit ihres Verhältnisses zur Natur. Schließlich folgt Alexander Kerrinx aus Antwerpen (1600 - 1652), der seine flämische Landschaftskunst nach Amsterdam übertrug, in den Gemälden mit seiner Unterschrift noch Coninxloe, ist aber in den späteren Gemälden von Braunschweig und Dresden offensichtlich von van Goyens bräunlicher niederländischer Tonalität beeinflusst Malerei. . Er gehört also im wahrsten Sinne des Wortes zu den Übergangsmeistern.

Von den zu Hause gebliebenen Antwerpener Meistern dieser Art weist Sebastian Vranks (1573 - 1647) als Landschaftsmaler und Pferdemaler unzweifelhafte Erfolge auf. Er stellt auch Laub in Form von Büscheln dar, meist hängend wie eine Birke, verleiht ihm aber einen natürlicheren Zusammenhang, verleiht dem luftigen Ton eine neue Klarheit und versteht es, den Handlungen der souverän und schlüssig Geschriebenen einen vitalen Charakter zu verleihen Pferde und Reiter seiner Schlacht- und Räuberszenen, die zu sehen sind, z. B. in Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam und bei Weber in Hamburg.

Schließlich entwickelte er in der Architekturmalerei bereits im 16. Jahrhundert auf den Spuren von Steenwick dem Älteren einen Übergangsstil, der darin bestand, den der Natur folgenden Buchstaben allmählich durch künstlerischen Charme zu ersetzen, dessen Sohn Gendrik Steenwick der Jüngere (1580 - 1649 ), der nach London übersiedelte, und neben ihm der wichtigste So Peter Neefs d. Ä. (1578 - 1656), dessen Innenansichten von Kirchen in Dresden, Madrid, Paris und St. Petersburg zu finden sind.

Überhaupt war die flämische Malerei offensichtlich auf dem richtigen Weg, zur kleinen Kunst zurückzukehren, als die große Kunst von Rubens wie die Sonne über ihr aufging und sie mit sich ins Reich des Lichts und der Freiheit trug.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - die Sonne, um die sich die gesamte belgische Kunst des 17. Jahrhunderts dreht, aber gleichzeitig eine der großen Koryphäen der gesamteuropäischen Kunst dieser Zeit. Im Gegensatz zu allen italienischen Barockmalern ist er der Hauptvertreter des Barock in der Malerei. Die Fülle der Formen, die Freiheit der Bewegung, die Beherrschung der Masse, die der barocken Baukunst Pittoreske verleiht, in Rubens’ Gemälden verzichten sie auf die Schwere des Steins und erhalten mit dem berauschenden Luxus der Farben ein eigenständiges, neues Recht existieren. Mit der Kraft der einzelnen Formen, der Erhabenheit der Komposition, der blühenden Fülle von Licht und Farben, der Leidenschaft des Lebens in der Übertragung plötzlicher Handlungen, der Kraft und dem Feuer in der Erregung des körperlichen und geistigen Lebens seines fleischigen Mannes und seiner Frau, bekleidete und unbekleidete Gestalten übertrifft er alle anderen Meister. Der luxuriöse Körper seiner blonden Frauen mit vollen Wangen, vollen Lippen und einem fröhlichen Lächeln strahlt vor Weißheit. Die von der Sonne verbrannte Haut seiner männlichen Helden glüht, und ihre konvexe Stirn wird durch einen kräftigen Bogen der Augenbrauen belebt. Seine Porträts sind die frischesten und gesündesten, nicht die individuellsten und intimsten für ihre Zeit. Niemand verstand es, wilde und zahme Tiere so anschaulich wiederzugeben wie er, obwohl er es aus Zeitmangel in den meisten Fällen seinen Assistenten überließ, sie in seinen Gemälden darzustellen. In der Landschaft, deren Ausführung er auch Gehilfen anvertraute, sah er vor allem die Gesamtwirkung durch atmosphärisches Leben, malte aber selbst noch im hohen Alter erstaunliche Landschaften. Seine Kunst umfasste die ganze Welt geistiger und körperlicher Phänomene, die ganze Komplexität der Vergangenheit und Gegenwart. Altarbilder und wieder Altarbilder malte er für die Kirche. Er malte Porträts und Porträts hauptsächlich für sich und seine Freunde. Mythologische, allegorische, historische Bilder und Jagdszenen schuf er für die Großen dieser Welt. Landschafts- und Genremalerei waren gelegentliche Nebenjobs.

Befehle regneten auf Rubens nieder. Mindestens zweitausend Gemälde kamen aus seinem Atelier. Große Nachfrage nach seiner Kunst verursachte die häufige Wiederholung ganzer Gemälde oder einzelner Teile durch die Hände seiner Schüler und Assistenten. Auf dem Höhepunkt seines Lebens überließ er meist handgemalte Gemälde seinen Assistenten. Es gibt alle Übergänge zwischen seinen eigenen handschriftlichen Arbeiten und den Gemälden des Ateliers, für die er nur Skizzen lieferte. Bei aller Ähnlichkeit der Grundformen und Grundstimmungen weisen seine eigenen Gemälde deutliche stilistische Veränderungen auf, ebenso wie die vieler seiner Zeitgenossen, von hartplastischer Modellierung und dicker, schwerer Schrift hin zu einer leichteren, freieren, hellen Ausführung lebendigere Konturen, hin zu weicher, luftiger Modellierung und stimmungsvollem, illuminiert durch die blumigen Farben der Tonmalerei.

An der Spitze der neuesten Rubensliteratur steht das breit angelegte Gesamtwerk von Max Rooses: The Works of Rubens (1887-1892). Die besten und wichtigsten biographischen Werke sind die von Rooses und Michel. Gesammelte Werke wurden nach Waagen auch von Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg und Wilhelm Bode veröffentlicht. Einzelne Fragen zu Rubens wurden von Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemanns und anderen analysiert. Rubens war als Kupferstecher bei Gimans und Voorthelm-Schnevogt beschäftigt.

Rubens wurde in Siegen bei Köln aus dem angesehenen Antwerpen geboren und erhielt seine erste künstlerische Ausbildung in der Stadt seiner Väter bei Tobias Verhegt (1561 - 1631), einem mittelmäßigen Landschaftsmaler des Übergangsstils, studierte dann vier Jahre bei Adam Van Noort (1562 - 1641), einer der durchschnittlichen Meister des manierierten Italianismus, wie man heute weiß, und arbeitete dann weitere vier Jahre mit Otto Van Ven, einem reich an Fiktionen, leeren Formen eines falschen Klassikers, an wen zunächst schloss er sich eng an und wurde 1598 Zunftmeister. 1908 widmete Habertzwil den drei Lehrern von Rubens ausführliche Artikel. Es ist unmöglich, ein einziges Bild der frühen Antwerpener Periode von Rubens mit Sicherheit festzustellen. Von 1600 bis 1608 lebte er in Italien; zuerst in Venedig, dann hauptsächlich in den Diensten von Vincenzo Gonzaga in Mantua. Aber schon 1601 malte er in Rom für die drei Altäre der Kirche Santa Croce in Gerusalemme die Kreuzauffindung, die Dornenkrönung und die Kreuzerhöhung. Diese drei Gemälde, die heute zur Kapelle eines Krankenhauses im südfranzösischen Grasse gehören, offenbaren den Stil seiner ersten italienischen Periode, noch auf der Suche nach sich selbst, noch beeinflusst von Kopien von Tintoretto, Tizian und Correggio, aber schon voller eigenständigem Streben für Kraft und Bewegung. 1603 ging der junge Meister im Auftrag seines Fürsten nach Spanien. Von den dort gemalten Gemälden zeigen die Figuren der Philosophen Heraklit, Demokrit und Archimedes im Madrider Museum noch immer pompöse, abhängige Formen, aber auch eine starke Wirkung auf die psychologische Tiefe. Nach seiner Rückkehr nach Mantua malte Rubens ein großes dreiteiliges Altarbild, dessen Mittelbild mit der Huldigung der Familie Gonzaga an den hl. Dreifaltigkeit, wurde in zwei Teilen in der Bibliothek von Mantua aufbewahrt, und von den breiten, üppigen Seitengemälden, die die ständig wachsende Kraft der Formen und Handlungen der Massen zeigen, landete die Taufe Christi im Antwerpener Museum und die Verklärung in das Nancy-Museum. 1606 malte der Meister dann in Rom für die Chiesa Nuova erneut ein prächtiges, in seinen lichterfüllten Figuren bereits voll rubensischer Kraft, das Altarbild der Himmelfahrt des hl. Gregory“, heute im Besitz des Musée Grenoble, und bereits 1608 in Rom durch drei andere, keineswegs die besten Gemälde desselben Meisters ersetzt. Deutlicher an Caravaggios Stil erinnert die spektakuläre „Beschneidung Christi“ von 1607 in Sant'Ambrogio in Genua. Forscher wie Rooses und Rosenberg schreiben den Meister jedoch der italienischen Zeit zu, als er die Werke von Tizian, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo und Raffael kopierte und eine Reihe von Gemälden mit seinem Pinsel anscheinend jedoch schrieb später. Große Prunk- und Tugendallegorien in Dresden, aus Mantua stammend, form- und farbstark, wenn sie nicht, wie Michel mit uns meint, um 1608 in Mantua geschrieben wurden, so geben wir eher zusammen mit Bode zu, dass sie gem Rückkehr von Rubens in seine Heimat als mit Roosers, dass sie vor seiner Italienreise nach Antwerpen geschrieben wurden. Auch das souverän gezeichnete und plastisch modellierte Bild des Hieronymus in Dresden offenbart eine eigentümliche, für seine italienische Zeit vielleicht sogar zu ausgeprägte rubensische Manier, der wir dieses Bild nun zuschreiben. Nach der Rückkehr von Rubens 1608 nach Antwerpen wurde er bereits 1609 zum Hofmaler von Albrecht und Isabella ernannt, und sein bereits eigenständiger Stil entwickelte sich schnell zu grandioser Kraft und Erhabenheit.

Überladen in der Komposition, unruhig in den Umrissen, ungleichmäßig in den Lichteffekten ist seine Anbetung der Könige (1609-1610) in Madrid, die jedoch von einer kraftvollen Bewegung geprägt ist. Voller Leben und Leidenschaft, kraftvoll in der muskulösen Modellierung von Körpern, sein berühmtes dreiteiliges Bild „Kreuzerhöhung“ im Antwerpener Dom. Stärkere italienische Erinnerungen sind in gleichzeitigen mythologischen Bildern zu spüren, wie Venus, Amor, Bacchus und Ceres in Kassel und der stämmige, angekettete Prometheus in Oldenburg. Charakteristische Beispiele für ein großformatiges Porträt dieser Zeit sind die Landschaftsporträts von Albrecht und Isabella in Madrid und das prunkvolle Münchner Bild, das in einer Geißblattlaube den Meister selbst mit seiner jungen Frau Isabella Brant darstellt, die 1609 in seine Heimat zurückgebracht wurde , ein unvergleichliches Bild der ruhigen, reinen Glücksliebe.

Die Kunst von Rubens entdeckte zwischen 1611 und 1614 einen weiteren Flug. Das riesige Gemälde „Kreuzabnahme“ mit dem majestätischen „Besuch Maria Elisabeth“ und „Einzug in den Tempel“ an den Flügeln im Antwerpener Dom gilt als das erste Werk, in das der Meister seine Typen und seine Schreibweise einbrachte zur vollen Entfaltung. Wunderbar ist die leidenschaftliche Lebendigkeit der einzelnen Bewegungen, noch wunderbarer die Durchschlagskraft der bildnerischen Darbietung. Auch mythologische Gemälde wie „Romulus und Remus“ in der Kapitolinischen Galerie, „Faun und Faun“ in der Schönborngalerie in Wien gehören in diese Jahre.

Gemälde von Rubens von 1613 und 1614, kompositorisch sicher, mit klar definierten Formen und Farben, sind einige Gemälde, die mit seinem Namen und dem Ausführungsjahr als Ausnahme gekennzeichnet sind. So sind die formreinen, farbschönen Gemälde „Jupiter und Callisto“ (1613), voll magischem Licht „Flucht nach Ägypten“ in Kassel, „Gefrorene Venus“ (1614) in Antwerpen, pathetische „Wehklage“ (1614) in Wien und "Susanna" (1614) in Stockholm, dessen Körper zweifellos angenehmer und besser verstanden ist als der allzu luxuriöse Körper seiner früheren Susanna in Madrid; malerisch schließen sich an diese Bilder starke Symbolbilder des einsamen Gekreuzigten vor dem Hintergrund eines verdunkelten Himmels in München und Antwerpen an.

Von da an häuften sich die Aufträge in Rubens' Atelier in einem solchen Ausmaß, dass er seinen Assistenten eine deutlichere Beteiligung an der Ausführung seiner Bilder einräumte. Die ältesten gehören neben Jan Brueghel dem nach Rubens selbst herausragenden Tier- und Früchtemaler Frans Snyders (1579 - 1657), der den Adler im oben erwähnten Oldenburger Gemälde mit Prometheus malte, und dem lebhaften Landschaftsmaler Jan Wildens ( 1586 - 1653), der ab 1618 für Rubens arbeitete. Der bemerkenswerteste Mitarbeiter war Anton van Dyck (1599 - 1641), der später eine unabhängige Persönlichkeit wurde. Jedenfalls war er, 1618 Meister geworden, bis 1620 die rechte Hand von Rubens. Rubens' eigene Gemälde dieser Jahre kontrastieren den bläulichen Halbschatten des Körpers meist mit einem rötlich-gelben Lichtfleck, während sich die Gemälde mit der klar etablierten Mitarbeit Van Dycks durch ein einheitliches warmes Hell-Dunkel und eine nervösere Bildübertragung auszeichnen. Darunter sechs große, enthusiastisch gemalte Bilder aus dem Leben des römischen Konsuls Decius Moussa im Palais Liechtenstein in Wien, deren Kartons Rubens 1618 für gewebte Teppiche herstellte (erhaltene Exemplare befinden sich in Madrid) und große dekorative Plafondmalereien (nur Skizzen in verschiedenen Sammlungen erhalten), und einige der spektakulären Kompositionen mit vielen Figuren der Altarbilder dieser Kirche, „Das Wunder von St. Xavier“ und „Wunder von St. Ignatius“, aufbewahrt vom Wiener Hofmuseum. Van Dycks Mitwirkung ist auch unbestreitbar bei der großen Kreuzigung in Antwerpen, bei der Longinus hoch zu Ross die Seite des Erlösers mit einem Speer durchbohrt, bei der Madonna mit reuigen Sündern in Kassel und laut Bode auch beim Münchner Dreifaltigkeitstag und im Berliner Lazar, laut Rooses auch bei der dramatischen Löwenjagd und bei der nicht minder dramatischen, leidenschaftlichen und schnellen Entführung der Töchter des Leukippos in München. Alle diese Gemälde glänzen nicht nur mit der kühnen Kraft von Rubens' Komposition, sondern auch mit der durchdringenden Subtilität der Empfindung von Van Dycks Malerei. Unter den handgemalten Gemälden, die zwischen 1615 und 1620 in den Hauptteilen von Rubens selbst gemalt wurden, finden sich auch die besten religiösen Gemälde – voller überschwänglicher, bewegter Massenbewegungen „Das Jüngste Gericht“ in München und voller innerer Bewegtheit „Mariä Himmelfahrt Unserer Lieben Frau“ in Brüssel und in Wien, sowie meisterhafte mythologische Gemälde, luxuriöse „Bacchanalien“ und Bilder von „Thiazos“ in München, Berlin, St. Petersburg und Dresden, in denen die Kraft der überströmenden sinnlichen Lebensfreude, übersetzt vom Römischen ins Flämisch, kommt anscheinend zum ersten Mal voll zum Ausdruck . Hier schließt sich die „Amazonenschlacht“ in München (um 1620) an, eine im Sinne der malerischen Überlieferung heftigster Rauferei und Schlacht unzugängliche, wenn auch klein geschriebene Schöpfung. Dann gibt es lebensgroße nackte Kinder, wie ausgezeichnete Putten mit Fruchtkranz in München, dann heftige Jagdszenen, Löwenjagd, von denen die beste in München ist, und Wildschweinjagd, von denen die beste in Dresden hängt. Es folgen die ersten Landschaftsbilder mit mythologischen Ergänzungen, zum Beispiel die stimmungsvolle Schifffahrt des Aeneas in Berlin, oder mit natürlicher Umgebung, wie die strahlende römische Landschaft mit Ruinen im Louvre (um 1615) und die Landschaften voller Leben „Sommer“ und „Winter (um 1620) in Windsor. Majestätisch vermittelt, breit und wahrheitsgetreu ohne jede Spur alter Manierismen geschrieben, erleuchtet vom Licht aller möglichen Himmelserscheinungen, stehen sie wie Meilensteine in der Geschichte der Landschaftsmalerei.

Klar, majestätisch, kraftvoll erscheinen schließlich die Porträts von Rubens aus dieser fünfjährigen Periode. Eine meisterhafte Arbeit seines Selbstporträts in den Uffizien, seine Porträtgruppe „Vier Philosophen“ im Pitti-Palast ist großartig. In der Blüte ihrer Schönheit steht seine Frau Isabella in den Adelsporträts von Berlin und Den Haag. Um 1620 wurde auch in der Londoner National Gallery ein erstaunliches Porträt von Susanna Fuhrman mit einem Hut mit einer Feder, gefächert mit zartem Hell-Dunkel, gemalt. Die berühmten Männerporträts des Meisters dieser Jahre sind in München und in der Galerie Liechtenstein zu sehen. So leidenschaftlich Rubens Episoden aus der heiligen Weltgeschichte, Jagdszenen und sogar Landschaften darstellte, so ruhig malte er seine Porträtfiguren, verstand es, ihre Körperhülle mit monumentaler Kraft und Wahrheit zu vermitteln, ohne jedoch zu versuchen, innerlich zu vergeistigen, nur im Allgemeinen zu erfassen , Gesichtszüge.

Van Dyck verließ Rubens 1620 und seine Frau Isabella Brant starb 1626. Ein neuer Impuls für seine Kunst war seine Wiederverheiratung mit der schönen jungen Helena Furman im Jahre 1630. Aber auch seine künstlerischen und diplomatischen Reisen nach Paris dienten als Impuls ( 1622, 1623, 1625), Madrid (1628, 1629) und London (1629, 1630). Von den beiden großen historischen Serien mit Allegorien gehören heute 21 riesige Gemälde aus dem Leben von Marie de Medici (die Geschichte wurde von Grossman geschrieben) zu den besten Dekorationen des Louvre. Von der meisterhaften Hand Rubens' entworfen, von seinen Schülern übermalt, von ihm selbst vollendet, sind diese historischen Gemälde mit vielen modernen Porträts und allegorischen mythologischen Figuren im Geiste des modernen Barock gefüllt und präsentieren eine solche Fülle individueller Schönheiten und eine solche künstlerische Harmonie, dass sie werden für immer die besten Gemälde des 17. Jahrhunderts bleiben. Aus einer Serie von Gemälden über das Leben Heinrichs IV. von Frankreich gelangten zwei halbfertige in die Uffizien; Skizzen für andere werden in verschiedenen Sammlungen aufbewahrt. Die neun James I. von England verherrlichenden Gemälde, mit denen Rubens wenige Jahre später die vom Londoner Ruß geschwärzten Plafondfelder des Hauptsaals im Weißen Saal schmückte, sind nicht wiederzuerkennen, gehören aber selbst nicht zu den gelungensten Werken des Meisters .

Von den religiösen Gemälden, die Rubens in den zwanziger Jahren malte, markiert die große feurige „Anbetung der Könige“ in Antwerpen, die 1625 vollendet wurde, mit ihrem freieren und breiteren Pinselstrich, ihrer leichteren Formensprache und ihrer goldenen Farbe erneut einen Wendepunkt in seiner künstlerischen Entwicklung , luftige Farbgebung. . 1626 wurde die luftig-leichte „Maria Himmelfahrt“ des Antwerpener Doms vollendet. Es folgen die malerische, freie „Anbetung der Heiligen Drei Könige“ im Louvre und „Die Erziehung der Jungfrau Maria“ in Antwerpen. In Madrid, wo der Meister Tizian erneut studierte, wurde seine Farbgebung reicher und "blumiger". Die "Madonna" mit ihr anbetenden Heiligen in der Augustinerkirche in Antwerpen ist eine barockere Wiederholung von Tizians Frari-Madonna. Auch ein sinnvoll überarbeiteter Teil des „Triumphs Caesars“ von Mantegna, der sich 1629 in London befindet (jetzt in der National Gallery), konnte ihrem Brief nach zu urteilen auch erst nach dieser Zeit erscheinen. Dieses Jahrzehnt ist besonders reich an großen Porträts des Meisters. Älter, aber immer noch voller wärmender Schönheit, ist Isabella Brant in einem wunderschönen Porträt der Hermitage; schon schärfere Züge werden durch das Porträt in den Uffizien dargestellt. Zu den schönsten und farbenprächtigsten gehört das Doppelporträt seiner Söhne in der Galerie Liechtenstein. Berühmt ist das ausdrucksstarke Porträt von Caspar Gevaert an seinem Schreibtisch in Antwerpen. Und der greise Meister selbst erscheint mit einem dünnen diplomatischen Lächeln auf den Lippen in einem wunderschönen Büstenporträt Arembergs in Brüssel vor uns.

Das letzte Jahrzehnt, das Rubens (1631 - 1640) zufiel, stand unter dem Stern seiner geliebten zweiten Frau Elena Furman, die er in allen Formen malte und die ihm als Vorbild für religiöse und mythologische Malerei diente. Ihre besten Porträts von Rubens gehören zu den schönsten Frauenporträts der Welt: halbfigurig, in reichem Kleid, mit Federhut; lebensgroß, sitzend, in einem luxuriösen, an der Brust offenen Kleid; in kleiner Form neben ihrem Mann beim Spaziergang im Garten - sie ist in der Münchner Pinakothek; nackt, nur teilweise mit einem Pelzmantel bedeckt - im Wiener Hofmuseum; in einem Anzug zum Gehen auf dem Feld - in der Eremitage; mit ihrem Erstgeborenen an den Schärpen, Arm in Arm mit ihrem Ehemann und auch auf der Straße, begleitet von einem Pagen - bei Baron Alphonse Rothschild in Paris.

Die bedeutendsten Kirchenwerke dieser blühenden, strahlenden Spätepoche des Meisters sind der majestätisch und ruhig in der Komposition, in allen Farben des Regenbogens leuchtende Altar von St. Ildefons mit mächtigen Stifterfiguren an den Türen des Wiener Hofmuseums und ein prunkvolles Altarbild in Rubens' eigener Grabkapelle in der Jakobskirche in Antwerpen, mit Heiligen der Stadt gemalt von Gesichtern aus der Nähe des Meisters. Einfachere Werke wie: St. Cecilia in Berlin und die prächtige Bathseba in Dresden stehen ihnen in Ton und Farbe nicht nach. Zu den kostbaren mythologischen Bildern dieser Zeit gehören die glitzernden Urteile des Paris in London und Madrid; und welch leidenschaftliche Lebendigkeit atmet Dianas Jagd in Berlin, wie märchenhaft üppig das Fest der Venus in Wien, welch magisches Licht erleuchtet Orpheus und Eurydike in Madrid!

Vorbereitend für diese Art von Gemälden sind einige Genrebilder des Meisters. So fängt der Charakter des mythologischen Genres die lebensgroße "Hour of Date" in München sinnlich und sinnlich ein.

Vorbilder aller weltlichen Szenen Watteaus sind die berühmten „Gärten der Liebe“ genannten Gemälde mit fliegenden Liebesgöttern, mit Gruppen luxuriös gekleideter Liebespaare bei einem Fest im Garten. Eines der besten Werke dieser Art befindet sich im Besitz von Baron Rothschild in Paris, das andere im Madrider Museum. Die wichtigsten Genrebilder mit kleinen Figuren aus dem Volksleben, gemalt von Rubens, sind der majestätische und vitale, rein rubensische Bauerntanz in Madrid, das Halblandschaftsturnier vor dem Burggraben, im Louvre und der Jahrmarkt in derselben Kollektion, deren Motive bereits an Teniers erinnern.

Auch die meisten realen Landschaften von Rubens gehören in seine letzten Lebensjahre: so die strahlende Landschaft mit Odysseus im Palazzo Pitti, so die Landschaften, neu gestaltet, künstlerisch erklärend, mit einem einfachen und weiten Bild der Umgebung , das flache Areal, in dem sich Rubens' Datscha befand, und mit einem majestätischen, stimmungsvollen Himmelswechsel. Am schönsten sind der feurige Sonnenuntergang in London und die Landschaften mit Regenbogen in München und St. Petersburg.

Was auch immer Rubens unternahm, er verwandelte alles in glänzendes Gold; und wer mit seiner kunst in kontakt kam, als mitarbeiter oder nachahmer, konnte aus seinem teufelskreis nicht mehr ausbrechen.

Von den zahlreichen Rubensschülern erreicht nur Anton van Dyck (1599 - 1641) - dessen Licht sich natürlich wie das Mondlicht der Sonne auf das Licht von Rubens bezieht - mit strahlendem Haupt den Himmel der Kunst. Obwohl Balen als sein eigentlicher Lehrer gilt, nannte ihn Rubens selbst seinen Schüler. Jedenfalls stand seine jugendliche Entwicklung, soweit wir wissen, unter dem Einfluss von Rubens, von dem er nie ganz abweicht, sondern seinem eher beeinflussbaren Temperament entsprechend zu einer nervöseren, sanfteren und subtileren Malweise umarbeitet und weniger stark im Zeichnen. . Ein längerer Aufenthalt in Italien machte ihn schließlich zum Maler und Meister der Farben. Es war nicht seine Sache, Live-Action zu erfinden und dramatisch zu verschärfen, aber er verstand es, Figuren in seinen historischen Gemälden in klar durchdachte Beziehungen zueinander zu setzen und seinen Porträts die subtilen Merkmale des sozialen Status zu vermitteln, die der Lieblingsmaler wurde der Adligen seiner Zeit.

Die neuesten zusammenfassenden Arbeiten zu Van Dyck stammen von Michiels, Giffrey, Kust und Schaeffer. Einzelne Seiten seines Lebens und seiner Kunst wurden von Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti und dem Autor dieses Buches erklärt. Noch heute streiten sie über die Unterscheidung verschiedener Lebensabschnitte, die vor allem mit Reisen verbunden waren. Nach neuesten Forschungen arbeitete er bis 1620 in Antwerpen, 1620 - 1621 in London, 1621 - 1627 in Italien, hauptsächlich in Genua, mit einer Unterbrechung von 1622 bis 1623, durchgeführt, wie Rooses zeigte, wahrscheinlich zu Hause, 1627 - 1628 in Holland, dann wieder in Antwerpen, und ab 1632 als Hofmaler Karls I. in London, wo er 1641 starb, und in dieser Zeit 1634 - 1635 in Brüssel, 1640 und 1641 in Antwerpen und Paris.

Es gibt kaum ein Frühwerk von Van Dyck, in dem nicht der Einfluss von Rubens spürbar wäre. Auch seine frühen Apostolischen Serien zeigen bereits Spuren der rubensischen Manier. Davon sind einige der Originalköpfe in Dresden, andere in Althorp erhalten. Zu den religiösen Gemälden, die Van Dyck nach eigenem Entwurf auf eigene Gefahr und Gefahr von 1618 bis 1620 in den Diensten von Rubens malte, gehören das „Martyrium des hl. Sebastian“ mit der überladenen alten Komposition „Beweinung Christi“ und „Badende Susanna“ in München. „Thomas in St. Petersburg“, „Die Kupferschlange“ in Madrid. Keines dieser Gemälde kann sich einer perfekten Komposition rühmen, aber sie sind gut gemalt und haben eine blumige Farbe. Der Dresdner „Jerome“ ist malerisch und tief in der Seele empfunden und stellt einen lebhaften Kontrast zum benachbarten ruhigeren und rauer geschriebenen Jerome Rubens dar.

Dann folgt: Die Verspottung Christi in Berlin, das stärkste und ausdrucksstärkste dieser Halb-Rubens-Gemälde und wunderschön in der Komposition, zweifellos von Rubens, St. Martin" in Windsor, auf einem Pferd sitzend, einem Bettler einen Mantel hinhaltend. Die vereinfachte und schwächere Wiederholung dieses Martin in der Kirche von Savenham kommt der späteren Art des Meisters näher.

Van Dyck ist ein großer Künstler in dieser Rubens-Ära, besonders in seinen Porträts. Einige von ihnen, die die wohlbekannten Vorzüge beider Meister vereinen, wurden Rubens im 19. Jahrhundert zugeschrieben, bis Bode sie an Van Dyck zurückgab. Sie sind individueller in einzelnen Zügen, nervöser im Ausdruck, weicher und tiefer in der Schrift als die simultanen Portraits von Rubens. Die ältesten dieser Halb-Rubens-Porträts von Van Dyck sind beides Brustbildnisse eines älteren Ehepaares 1618 in Dresden, die schönsten sind die Halbfiguren zweier Ehepaare in der Galerie Liechtenstein: eine Frau mit Goldschnürung auf der Brust , ein Herr, der Handschuhe anzieht, und vor einem roten Vorhang sitzende Dame mit Kind auf dem Schoß, in Dresden. Ihm gehört die prächtige Isabella Brant aus der Eremitage und aus dem Louvre ein Doppelporträt des angeblichen Jean Grusset Richardeau und seines neben ihm stehenden Sohnes. Von den Doppelporträts sind die nebeneinander stehenden Eheleute bekannt – am malerischsten ist das Porträt von Frans Snyders und seiner Frau in sehr forcierten Posen, Jan de Wael und seine Frau in München. In den jugendlichen Selbstbildnissen des Meisters schließlich mit nachdenklicher, selbstbewusster Miene in St. Petersburg, München und London weist schon sein Alter von etwa zwanzig Jahren auf eine frühe Zeit hin.

Von religiösen Gemälden, die Van Dyck zwischen 1621 - 1627 gemalt hat. In Italien, im Süden, blieb eine schöne, von Tizian inspirierte Szene mit der "Münze des Petrus" und "Maria mit dem Kind" im feurigen Heiligenschein, im Palazzo Bianco, die an Rubens erinnert, die "Kreuzigung". der königliche Palast in Genua, malerisch und spirituell zärtlich empfunden, die Grablegung der Galleria Borghese in Rom, das träge Marienhaupt im Palazzo Pitti, die prächtige, strahlende Familie in der Turiner Pinakothek und die kraftvolle, aber recht manierierte Altarbild der Madonna del Rosario in Palermo mit länglichen Figuren. Von den weltlichen Gemälden erwähnen wir hier nur das schöne, im Geiste Giorgiones, das Gemälde mit den drei Lebensaltern im Stadtmuseum in Vincenza und das in seiner Komposition einfache, aber feurige Gemälde „Diana und Endimon“ in Madrid.

Eine souveräne, feste und zugleich sanfte Strichmodellierung in dunklem Hell-Dunkel und eine tiefe, reiche Farbgebung der nach Einheit der Stimmung strebenden italienischen Köpfe manifestieren sich auch in seinen italienischen, insbesondere genuesischen Porträts. Das Reiterporträt von Antonio Giulio Brignole Sale, das in einer kühnen Verkürzung gemalt wurde und fast dem Betrachter zugewandt ist und seinen Hut in der rechten Hand zum Gruß schwenkt, im Palazzo Rossi in Genua, war ein wahrer Indikator für den neuen Weg. Edel, mit barocken Säulen und Draperien im Hintergrund, stehen die Porträts von Signora Geronimo Brignole Sale mit ihrer Tochter Paola Adorio in einem dunkelblauen Seidenkleid mit Goldstickerei und einem jungen Mann in der Kleidung einer edlen Person, aus derselben Sammlung auf der Höhe der absoluten Porträtkunst. Daran schließen sich Porträts der Marchesa Durazzo in hellgelbem Seidendamastkleid mit Kindern vor rotem Vorhang, ein lebhaftes Gruppenporträt von drei Kindern mit Hund und ein edles Knabenporträt in weißem Kleid mit ein Papagei, gehalten im Palazzo Durazzo Pallavicini. In Rom besitzt die Kapitolinische Galerie ein sehr vitales Doppelporträt von Luca und Cornelis de Wael, in Florenz im Palazzo Pitti ein geistig ausdrucksstarkes Porträt von Kardinal Giulio Bentivoglio. Andere Porträts aus Van Dycks italienischer Zeit fanden ihren Weg ins Ausland. Eine der besten gehört Pierpont Morgan in New York, aber sie sind auch in London, Berlin, Dresden und München zu finden.

Der fünfjährige Aufenthalt (1627 - 1632) des Meisters in seiner Heimat nach der Rückkehr aus Italien erwies sich als äußerst fruchtbar. Große, bewegungsreiche Altarbilder, was die mächtigen Kruzifixe in der Kirche St. Zhen in Dendermonde, in der Kirche von Michael in Gent und in der Kirche von Romuald in Meheln und die angrenzende "Kreuzerhöhung" in der Kirche von St. Gens in Courtrai repräsentiert ihn ebenso wenig wie die innerlebenvollen Werke, zu denen wir die Kreuzigung mit dem bevorstehenden im Lille Museum, „Ruhe auf der Flucht“ in München und einzelne gefühlvolle Kreuzigungen in Antwerpen, Wien u München. Diese Gemälde übersetzen die Bilder von Rubens aus der heroischen Sprache in die Sprache der Gefühle. Zu den schönsten Gemälden dieser Zeit zählen die Madonna mit einem knienden Stifterpaar und blumenschenkenden Engeln im Louvre, die Madonna mit dem stehenden Christkind in München und die stimmungsvolle „Klage über Christus“ in Antwerpen, München, Berlin u Paris. Madonnen und Klagen im Allgemeinen waren Van Dycks Lieblingsthemen. Er nahm selten Bilder von heidnischen Göttern auf, obwohl sein Hercules at the Crossroads in den Uffizien, die Bilder von Venus, Vulkan, Wien und Paris zeigen, dass er damit einigermaßen umgehen konnte. Er blieb hauptsächlich Porträtmaler. Aus dieser fünfjährigen Periode sind etwa 150 Porträts seines Pinsels erhalten. Ihre Gesichtszüge sind noch schärfer, in den typisch anmutigen, untätigen Händen ist noch weniger Ausdruck als auf gleichartigen italienischen Gemälden von ihm. Ihre Körperhaltung gesellte sich zu einer etwas aristokratischeren Leichtigkeit, und in der kälteren Farbgebung zeigte sich eine subtilere Grundstimmung. Kleidung fällt normalerweise leicht und frei, aber materiell. Zu den schönsten von ihnen, in voller Größe gemalt, gehören die charakteristischen Porträts der Herrscherin Isabella in Turin, im Louvre und in der Galerie Liechtenstein, Philippe de Roy und seine Frau in der Sammlung Wallace in London, Doppelporträts eines Herrn und eine Dame mit Kind im Arm im Louvre und im Gotischen Museum und noch ein paar Herren- und Damenportraits in München. Zu den ausdrucksstärksten Taillen- und Generationenporträts zählen die Porträts von Bischof Mulderus und Martin Pepin in Antwerpen, Adrian Stevens und seiner Frau in St. Petersburg, Graf Van den Berg in Madrid und Canon Antonio de Tassis in der Galerie Liechtenstein. Der Organist Liberty blickt träge, der Bildhauer Colin de Nole, seine Frau und ihre gemeinsame Tochter blicken langweilig auf die Porträtgruppe in München. Die Porträts eines Herrn und einer Dame in Dresden und Marie Louise de Tassis in der Galerie Liechtenstein zeichnen sich durch eine edle, malerische Haltung aus. Van Dycks Einfluss auf alle Porträts seiner Zeit, insbesondere auf Englisch und Französisch, war enorm; in natürlicher Eigenart und innerer Wahrheit sind seine Porträts jedoch nicht mit denen seiner Zeitgenossen Velázquez und Frans Hals zu vergleichen, um nur einige zu nennen.

Gelegentlich griff Van Dyck aber auch zur Graviernadel. Bekannt für 24 leicht und mit großer Bedeutung ausgeführte Blätter seiner Arbeit. Andererseits beauftragte er andere Stecher, eine große Serie von kleinen, von ihm gemalten Porträts berühmter Zeitgenossen in einem Grauton zu reproduzieren. In der Gesamtsammlung erschien diese „Ikonographie von Van Dyck“ in hundert Blättern erst nach seinem Tod.

Als Hofmaler Karls I. malte Van Dyck in den letzten acht Jahren seines Lebens kleine religiöse und mythologische Gemälde. Dennoch gehören einige der besten Gemälde, die während seines kurzen Aufenthaltes in den Niederlanden entstanden sind, dieser späten Zeit des Meisters an. Es war die letzte und malerischste Darstellung der "Ruhe auf der Flucht nach Ägypten", mit einem Reigen von Engeln und fliegenden Rebhühnern, jetzt in der Eremitage, der reifsten und schönsten "Beweinung Christi" im Antwerpener Museum, nicht nur klar, ruhig und berührend in der Komposition, sondern Ausdruck wahrer Trauer, sondern auch farblich mit ihren wunderschönen Akkorden aus Blau, Weiß und Dunkelgold ein meisterhaftes, bezauberndes Werk. Dann folgen die überaus zahlreichen Porträts der englischen Zeit. Freilich, unter dem Einfluß des Londoner Hoftyps werden seine Köpfe immer maskenhafter, seine Hände werden immer ausdrucksloser; aber die Kleider sind raffinierter und stofflicher in der Schrift, die Farben, deren Silberton erst allmählich zu verblassen begann, gewinnen immer mehr an zartem Reiz. Natürlich richtete Van Dyck auch in London eine Werkstatt mit Großserienfertigung ein, an der zahlreiche Studenten beteiligt waren. Das Familienporträt in Windsor, das das sitzende Königspaar mit zwei Kindern und einem Hund zeigt, ist eine eher schwache Darstellung. Das Reiterportrait des Königs an gleicher Stelle vor dem Triumphbogen ist mit viel Geschmack gemalt, noch malerischer ist sein Reiterportrait in der Nationalgalerie, wirklich malerisch ist das entzückende Portrait des Königs im Jagdanzug im Louvre . Von den Porträts der Königin Henrietta Maria von Van Dyck gehört dasjenige, das Lord Northbrook in London besitzt und die Königin mit ihren Zwergen auf einer Gartenterrasse darstellt, zu den frischesten und frühesten, und das in der Dresdner Galerie, trotz all seiner Vornehmheit, gehört zu den schwächsten und neuesten. Berühmt sind verschiedene Porträts der Kinder des englischen Königs, die zu den attraktivsten Meisterwerken von Van Dyck gehören. Turin und Windsor haben die schönsten Porträts der drei königlichen Kinder; aber das luxuriöseste und schönste von allen ist das Windsor-Porträt mit den fünf Kindern des Königs, mit einem großen und einem kleinen Hund. Von den anderen zahlreichen Porträts von Van Dyck in Windsor läutet das Porträt von Lady Venice Digby mit seinen allegorischen Ergänzungen in Form von Tauben und Liebesgöttern eine neue Ära ein, und das Doppelporträt von Thomas Killigrew und Thomas Carew schlägt mit dem auf Lebensverhältnisse dargestellt, die für unseren Meister ungewöhnlich sind. Das Porträt von James Stuart, mit einem großen Hund, der sich an ihn klammert, im Metropolitan Museum of Art in New York, zeichnet sich durch eine besondere Anmut aus, ein Porträt der Verlobten, der Kinder von Wilhelm II. von Oranien und Henrietta Maria Stuart, in Das Stadtmuseum in Amsterdam ist entzückend. Etwa hundert Porträts aus der englischen Zeit des Meisters sind erhalten.

Van Dyck starb jung. Als Künstler sprach er offenbar alle. Ihm fehlt die Vielseitigkeit, Fülle und Kraft seines großen Lehrers, aber er übertraf alle seine flämischen Zeitgenossen an der Subtilität einer rein malerischen Stimmung.

Andere wichtige Maler, Mitarbeiter und Schüler von Rubens in Antwerpen vor und nach Van Dyck, leben nur Echos der Kunst von Rubens, Sogar Abraham Dipepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodor van Thulden (1606 - 1676) , Erasmus Quellinus (1607 - 1678), der Bruder des großen Bildhauers, und sein Enkel Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) sind nicht so bedeutend, um näher darauf einzugehen. Von eigenständiger Bedeutung sind Vertreter verschiedener realistischer Abteilungen der Rubenswerkstatt. Frans Snyders (1579 - 1657) begann mit einer toten Natur, die er gerne in Lebensgröße, breit, realistisch und dabei dekorativ aufführte; Zeit seines Lebens malte er große, gesunde Beobachtungsbilder von Küchenutensilien und Früchten, wie sie in Brüssel, München und Dresden erhältlich sind. In der Werkstatt von Rubens lernte er auch, lebensgroße Tiere in Jagdszenen lebendig und faszinierend, fast mit der Kraft und Leuchtkraft seines Lehrers, der lebendigen Welt darzustellen. Klassisch sind seine großen Jagdbilder in Dresden, München, Wien, Paris, Kassel und Madrid. Manchmal mit Snyders gleichgesetzt wird sein Schwager Paul de Vos (1590 - 1678), dessen große Tierbilder nicht mit der Frische und Wärme von Snyders' Gemälden mithalten können. Der unter dem Einfluss von Rubens entwickelte neue Landschaftsstil, der auf die alten dreifarbigen Bühnenhintergründe und das traditionelle büschelartige Baumlaub fast vollständig verzichtete, tritt deutlicher in den Gemälden und Radierungen von Lucas van Oudens (1595 - 1672), Assistent in der Spätzeit des Landschaftsmeisters. Seine zahlreichen, meist kleinformatigen Landschaftsbilder, von denen neun in Dresden, drei in St. Petersburg, zwei in München hängen, sind einfache, natürlich gefasste Bilder der reizvollen lokalen Grenzlandschaften zwischen dem Brabanter Hügelland und der flämischen Ebene. Die Darbietung ist breit und akribisch. Seine Farben streben danach, nicht nur den natürlichen Eindruck von grünen Bäumen und Wiesen, bräunlicher Erde und bläulichen Hügelfernen zu vermitteln, sondern auch einen leicht bewölkten, hellen Himmel. Die Sonnenseiten seiner Wolken und Bäume funkeln normalerweise mit gelben Lichtflecken, und unter dem Einfluss von Rubens erscheinen manchmal auch Regenwolken und Regenbögen.

Die Kunst von Rubens löste eine Revolution im niederländischen Kupferstich aus. Zahlreiche Stecher, deren Arbeiten er sichtete, standen in seinen Diensten. Die Ältesten von ihnen, der Antwerpener Cornelis Galle (1576 – 1656) und die Niederländer Jacob Matham (1571 – 1631) und Jan Müller, übersetzten seinen Stil noch in eine ältere Formensprache, aber die Stecher der Rubensschule, eine Reihe von die von Peter Southman aus Harlem (1580 - 1643) eröffnet werden und bis heute mit Namen wie Lukas Forstermann (geb. 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius und Schelte glänzen. Bolswerth, Pieter de Jode der Jüngere und vor allem der große Hell-Dunkel-Stecher Jan Wittdöck (geb. 1604) schafften es, ihre Blätter mit rubensischer Kraft und Bewegung zu erfüllen. Die neue Mezzotinto-Technik, die die Oberfläche der Platte mit einer Spitzhacke aufraute, um darauf eine Zeichnung in weichen Massen herauszukratzen, wurde, wenn nicht erfunden, so doch erstmals von Vallerand Vaillant aus Lille (1623 - 1677), ein Schüler des Rubens-Schülers Erasmus Quellinus, ein berühmter ausgezeichneter Porträtmaler und Originalmaler toter Natur. Da Vaillant diese Kunst jedoch nicht in Belgien, sondern in Amsterdam, wo er hinzog, studierte, kann die flämische Kunstgeschichte ihn nur erwähnen.

Einige bedeutende Antwerpener Meister dieser Zeit, die keine direkten Beziehungen zu Rubens oder seinen Schülern hatten, die sich Caravaggio in Rom anschlossen, bildeten eine römische Gruppe. Klare Umrisse, plastische Modellierung, schwere Schatten von Caravaggio weichen erst in ihren späteren Gemälden von einer freieren, wärmeren, breiteren Malerei ab, die vom Einfluss von Rubens sprach. An der Spitze dieser Gruppe steht Abraham Janssens Van Nuessen (1576 – 1632), dessen Schüler Gerard Zegers (1591 – 1651) sich in seinen späteren Gemälden zweifellos in das Fahrwasser von Rubens bewegte, und Theodore Rombouts (1597 – 1637) lässt dessen Einfluss erkennen Caravaggio in seinem Genre, in Lebensgröße, mit metallisch glänzenden Farben und schwarzen Schatten, Gemälde in Antwerpen, Gent, St. Petersburg, Madrid und München.

Der älteste der damals flämischen Maler, die nicht in Italien waren, Caspar de Crayer (1582 - 1669), zog nach Brüssel, wo er im Wettbewerb mit Rubens nicht über den Eklektizismus hinausging. An ihrer Spitze steht der Antwerpener Jacob Jordaens (1583 - 1678), ebenfalls ein Schüler und Schwiegersohn von Adam Van Noort, dem Oberhaupt der wahrhaft unabhängigen belgischen Realisten jener Zeit, einem der bedeutendsten flämischen herausragenden Maler der Zeit 17. Jahrhundert, neben Rubens und Van Dyck. Rooses widmete ihm auch ein umfangreiches Werk. Rauer als Rubens, ist er direkter und origineller als er. Seine Körper sind noch massiver und fleischiger als die von Rubens, seine Köpfe sind runder und gewöhnlicher. Seine Kompositionen, meist wiederholt, mit leichten Änderungen für verschiedene Gemälde, sind oft schlichter und oft überarbeitet, sein Pinsel ist bei aller Kunst trockener, glatter, manchmal dichter. Trotzdem ist er ein wunderbarer, origineller Kolorist. Er schreibt zunächst frisch und forsch, schwach modellierend in satten Lokalfarben; nach 1631 geht er, von den Reizen Rubens' hingerissen, zu zarterem Hell-Dunkel, zu schärferen Zwischenfarben und zu einem bräunlichen Malton über, aus dem saftig tiefe Grundtöne wirkungsvoll hervorblitzen. Er hat auch alles Dargestellte porträtiert. Seinen größten Erfolg verdankt er lebensgroßen allegorischen und Genrebildern, meist zum Thema Volkssprüche.

Das früheste bekannte Gemälde von Jordaens „Kreuzigung“ von 1617 in der Kirche St. Paul in Antwerpen zeigt den Einfluss von Rubens. Ganz er selbst ist Jordaens 1618 in der „Anbetung der Hirten“ in Stockholm und in einem ähnlichen Bild in Braunschweig, besonders in den frühen Bildern eines Satyrs, der einen Bauern besucht, dem er eine unglaubliche Geschichte erzählt. Das früheste Gemälde dieser Art befindet sich im Besitz von Herrn Celst in Brüssel; gefolgt von Kopien in Budapest, München und Kassel. Zu den frühen religiösen Gemälden gehören auch die ausdrucksstarken Bilder der Evangelisten im Louvre und der Jünger am Grab des Erlösers in Dresden; von den frühen mythologischen Gemälden verdienen Meleager und Atlanta in Antwerpen Erwähnung. Die früheste seiner lebenden Kompositionen von Familienporträtgruppen (um 1622) gehört dem Madrider Museum.

Auch in den nach 1631 entstandenen Gemälden von Jordaens ist der rubensische Einfluss wieder zu erkennen. In seiner Satire auf einen Bauern in Brüssel ist bereits eine Wendung erkennbar. Seine berühmten Darstellungen des „Bohnenkönigs“, von denen Kassel die frühesten Exemplare besitzt – weitere befinden sich im Louvre und in Brüssel – sowie seine unzähligen Bilder des Sprichworts „Was die Alten singen, quietschen die Kleinen“, ein Antwerpener Abschrift davon 1638 datiert. noch farbfrischer als die 1641 entstandenen Dresdner - andere im Louvre und in Berlin - gehören schon zur sanfteren und weicheren Manier des Meisters.

Vor 1642 entstanden mit den groben mythologischen Gemälden „Bacchuszug“ in Kassel und „Ariadne“ in Dresden auch lebendige vorzügliche Porträts von Jan Wirth und seiner Frau in Köln; dann, bis 1652, belebten Gemälde trotz der ruhigeren Linien äußerlich und innerlich, wie St. Ivo in Brüssel (1645), ein großartiges Familienporträt in Kassel und ein lebendiger „Bohnenkönig“ in Wien.

1652 war der Meister mit einer Einladung nach Den Haag in voller Kraft, an der Dekoration des „Waldschlosses“ teilzunehmen, dem die „Vergötterung des Prinzen Friedrich Heinrich“ und „Der Sieg des Todes über den Neid“ von Jordaens verleihen sein Abdruck und 1661 eine Einladung nach Amsterdam, wo er noch erhaltene, aber heute kaum noch zu unterscheidende Gemälde für das neue Rathaus malte.

Das schönste und religiöseste Gemälde seiner späteren Jahre ist Jesus unter den Schriftgelehrten (1663) in Mainz; farbenprächtig, "Tempeleingang" in Dresden und das lichtdurchflutete "Letzte Abendmahl" in Antwerpen.

Wenn Jordaens auch zu grob und uneben ist, um zu den Größten der Großen gezählt zu werden, so nimmt er doch als Antwerpener Bürgermaler und Maler der Bürger einen Ehrenplatz neben Rubens, Fürst der Maler und Maler der Fürsten, ein. Aber gerade wegen seiner Originalität schuf er keine bemerkenswerten Jünger oder Anhänger.

Cornelis de Vos (1585 - 1651) war ein Meister, wie Jordans, der sich eigenständig an die vorrubensische Vergangenheit der flämischen Kunst anschloss, besonders herausragend als Porträtmaler, der mit einer ruhigen, eindringlichen Malweise, einer Eigenart, nach schlichter Wahrheit und Aufrichtigkeit strebte Brillanz in den Augen seiner Figuren und voller Lichtfarbe. Die beste Familienporträtgruppe mit entspannter Komposition gehört dem Brüsseler Museum, und das stärkste Einzelporträt des Zunftmeisters Grapheus gehört Antwerpen. Sehr typisch sind auch seine Doppelporträts des Ehepaares und seiner kleinen Töchter in Berlin.

Im Gegensatz zu seinem rein flämischen Stil mit italienischem Einschlag, der mit mehr oder weniger großen Abweichungen von der überwiegenden Mehrheit der belgischen Maler des 17 der Poussin-Trend folgt den Franzosen. An der Spitze dieser Schule steht Gerard Duffet (1594 - 1660), ein erfinderischer, hochglanzpolierter Akademiker, der vor allem in München bekannt ist. Gérard Leresse (1641 - 1711), ein Schüler seines Schülers Bartolet Flemalle oder Flemal (1614 - 1675), ein träger Nachahmer Poussins, der bereits 1667 nach Amsterdam übersiedelte, verpflanzte diesen den Franzosen nachahmenden akademischen Stil von Lüttich nach Holland Er verfolgte nicht nur als Maler und Grafiker mythologische Themen, sondern auch mit der Feder in seinem Buch, das eine bedeutende Wirkung entfaltet. Er war ein extremer Reaktionär und trug vor allem um die Jahrhundertwende dazu bei, dass der gesunde nationale Trend der niederländischen Malerei in das romanische Fahrwasser überging. „Seleukus und Antiochia“ in Amsterdam und Schwerin, „Parnass“ in Dresden, „Aufbruch der Kleopatra“ im Louvre geben eine hinreichende Vorstellung von ihm.

Leres führt uns schließlich von der großen belgischen Malerei zur kleinen zurück; und diese erlebte zweifellos noch in kleinfigurigen Gemälden mit Landschafts- oder Architekturhintergründen die reife nationale Blüte des 17. Jahrhunderts, die direkt aus dem von den Meistern der Übergangszeit bereiteten Boden wuchs, dank dessen aber völlige Bewegungsfreiheit erlangte der allmächtige Rubens, an manchen Stellen auch dank neuer Einflüsse, französisch und italienisch, oder sogar der Einfluss junger holländischer Kunst auf das Flämische.

Ein echtes Genrebild, das nach wie vor in Flandern die erste Rolle spielte. Gleichzeitig ist eine recht scharfe Grenze zwischen den Meistern, die das Leben der Oberschicht in weltlichen Szenen oder kleinen Gruppenporträts darstellten, und den Malern des Volkslebens in Wirtshäusern, Jahrmärkten und Landstraßen erkennbar. Rubens schuf Beispiele für beide Gattungen. Weltliche Maler stellen im Geiste der Liebesgärten von Rubens Damen und Herren in Seide und Samt dar, die Karten spielen, ein Fest feiern, fröhliche Musik spielen oder tanzen. Einer der ersten unter diesen Malern war Christian van der Lamen (1615 - 1661), bekannt für Gemälde in Madrid, Gotha, besonders in Lucca. Sein erfolgreichster Schüler war Jérôme Janssens (1624 - 1693), der „Tänzer“, dessen Tanzszenen in Braunschweig zu sehen sind. Über ihm als Maler steht Gonzales Kokvets (1618 - 1684), ein Meister aristokratischer Kleingruppenporträts, die Familienmitglieder darstellen, die in Kassel, Dresden, London, Budapest und Den Haag zu Hause vereint sind. Die produktivsten flämischen Schilderer des Volkslebens der unteren Klassen waren die Teniers. Aus der großen Familie dieser Künstler ragen David Teniers der Ältere (1582 - 1649) und sein Sohn David Teniers der Jüngere (1610 - 1690) heraus. Der ältere war wahrscheinlich ein Schüler von Rubens, der jüngere Rubens gab wahrscheinlich freundliche Ratschläge. Beide sind in Landschaft und Genre gleich stark. Es war jedoch nicht möglich, alle Werke des Älteren von den jugendlichen Gemälden des Jüngeren zu trennen. Zweifellos besitzt der Ältere die vier mythologischen Landschaften des Wiener Hofmuseums, das immer noch damit beschäftigt ist, die „drei Ebenen“, „Die Versuchung des hl. Anthony“ in Berlin, „Bergschloss“ in Braunschweig und „Bergschlucht“ in München.

Da David Teniers der Jüngere vom großen Adrien Brouwer von Oudenard (1606-1638) beeinflusst wurde, geben wir letzterem den Vorrang. Brouwer ist Schöpfer und Laie neuer Wege. Bode hat seine Kunst und sein Leben gründlich recherchiert. Er ist in vielerlei Hinsicht der größte niederländische Volksmaler und gleichzeitig einer der inspiriertesten belgischen und niederländischen Landschaftsmaler. Bei ihm, einem Schüler von Frans Hals in Haarlem, war bereits vor 1623 der Einfluss der holländischen Malerei auf das Flämische im 17. Jahrhundert zu sehen. Nach seiner Rückkehr aus Holland ließ er sich in Antwerpen nieder.

Gleichzeitig beweist seine Kunst, dass die einfachsten Beinamen aus dem Leben des einfachen Volkes dank ihrer Leistung den höchsten künstlerischen Wert erlangen können. Von den Niederländern übernahm er die Unmittelbarkeit der Naturwahrnehmung, die bildnerische Leistung, an sich künstlerisch. Als Niederländer erklärt er sich durch strenge Isolation, indem er Momente verschiedener Lebenserscheinungen vermittelt, wie ein Niederländer, mit kostbarem Humor, hebt er Szenen von Rauchen, Kämpfen, Kartenspielen und Wirtshaussaufen hervor.

Die frühesten Gemälde, die er in Holland gemalt hat, bäuerliche Saufgelage, Kämpfe, in Amsterdam, offenbaren in ihren rauen, neugierigen Charakteren die Antworten der altflämischen Übergangskunst. Die Meisterwerke dieser Zeit sind bereits seine Antwerpener „Kartenspieler“ und die Wirtshausszenen des Städel Instituts in Frankfurt. Scharf wird die Weiterentwicklung in „Messer“ und „Dorfbad“ der Münchner Pinakothek: Hier ist die Handlung schon ohne überflüssige Nebenfiguren dramatisch stark; Ausführung in allen Einzelheiten malerisch durchdacht; aus dem goldenen helldunkel der farbe leuchten noch rot- und gelbtöne. Es folgt die reife Spätzeit des Meisters (1633 - 1636) mit individuelleren Figuren, einem kälteren Farbton, in dem sich grüne und blaue Farbstellen abheben. Darunter sind 12 seiner 18 Münchener und die besten seiner vier Dresdener Gemälde. Schmidt-Degener hat ihnen eine Reihe von Gemälden aus Pariser Privatsammlungen beigelegt, deren Echtheit jedoch offenbar nicht immer genau festgestellt ist. Aus diesen Jahren stammen auch die besten Landschaften von Brouwer, in denen die einfachsten Motive der Natur aus der Umgebung von Antwerpen mit einer warmen, strahlenden Übertragung von Luft und Lichtphänomenen aufgefächert werden. "Dunes" in Brüssel, ein Gemälde mit dem Namen des Meisters, beweisen die Echtheit anderer. Sie wirken moderner als all seine anderen flämischen Landschaften. Zu den besten gehören die Mondlicht- und Hirtenlandschaft in Berlin, die Dünenlandschaft mit den roten Dünen in der Bridgewater Gallery und die eindrucksvolle Sonnenuntergangslandschaft, die Rubens in London zugeschrieben wird.

Die Genrebilder der letzten beiden Lebensjahre des Meisters der großen Formate bevorzugen helle, schattierte Schrift und eine deutlichere Unterordnung der Lokalfarben unter einen allgemeinen, grauen Ton. Zu singenden Bauern, würfelspielenden Soldaten und dem Wirtspaar im Trinkhaus der Münchner Pinakothek gesellen sich starke Gemälde, die den Betrieb des Städel Instituts und des Louvre „Smoker“ darstellen. Brouwers originelle Kunst ist immer das komplette Gegenteil aller akademischen Konventionen.

David Teniers d. J., der beliebteste Genremaler der adeligen Welt, 1651 vom Hofmaler und Galeriedirektor des Erzherzogs Leopold Wilhelm aus Antwerpen nach Brüssel eingeladen, wo er hochbetagt starb, ist mit Brouwer im Jahr 1651 nicht zu vergleichen Unmittelbarkeit der Übertragung des Lebens, in der emotionalen Erfahrung des Humors, aber gerade deshalb übertrifft er ihn mit äußerer Raffinesse und urbaner Stilisierung des verstandenen Volkslebens. Er stellte gerne aristokratisch gekleidete Städter in ihren Beziehungen zu den Dorfbewohnern dar, malte gelegentlich weltliche Szenen aus dem Leben der Aristokratie und übertrug sogar religiöse Episoden im Stil seiner Genrebilder, in exquisiten Räumen oder unter wahrheitsgemäß beobachteten, sondern dekorative Landschaften. Versuchung von St. Anthony (in Dresden, Berlin, St. Petersburg, Paris, Madrid, Brüssel) gehört zu seinen Lieblingsthemen. Mehr als einmal malte er auch einen Kerker mit Petersbild im Hintergrund (Dresden, Berlin). Von den mythologischen Themen im Stil seiner Genrebilder nennen wir "Neptun und Amphitrite" in Berlin, das allegorische Gemälde "Fünf Sinne" in Brüssel, poetische Werke - zwölf Gemälde aus "Befreites Jerusalem" in Madrid. Auch seine Bilder von Alchemisten (Dresden, Berlin, Madrid) sind dem Genre der High Society zuzuordnen. Die überwiegende Mehrheit seiner Gemälde, davon 50 in Madrid, 40 in St. Petersburg, 30 in Paris, 28 in München, 24 in Dresden, zeigen die Umgebung von Dorfbewohnern, die sich in ihrer Freizeit vergnügen. Er zeigt sie beim Schlemmen, Trinken, Tanzen, Rauchen, Karten- oder Würfelspielen, auf einer Party, in einem Wirtshaus oder auf der Straße. Seine in ihrer natürlichen Formensprache leichte und freie, schwungvolle und zugleich sanfte Schrift erfährt Veränderungen nur in der Farbe. Der Ton seines „Tempelmahls im Halblicht“ von 1641 in Dresden ist schwer, aber tief und kalt. Dann kehrt er zum Braunton der frühen Jahre zurück, der sich in Gemälden wie dem Kerker von 1642 in St. Petersburg, dem „Zunftbierhaus“ 1643 in München und „Der verlorene Sohn“ schnell zu einem feurigen Goldton entwickelt 1644 im Louvre, flammt heller auf wie der "Tanz" von 1645 in München und die "Würfelspieler" von 1646 in Dresden, wird dann, wie die "Smokers" von 1650 in München zeigen, allmählich grauer und schließlich 1651, in „Bauernhochzeit“ in München, geht in einen edlen Silberton über und wird begleitet von der zunehmend leichteren und flüssigeren Schrift, die Teniers’ Gemälde der fünfziger Jahre auszeichnet, wie etwa seine „Garde“ von 1657 im Buckingham Palace. Endlich nach 1660 sein Pinsel wird weniger sicher, die Färbung ist wieder brauner, trockener und trüber. München besitzt ein Gemälde, das einen Alchemisten darstellt, mit Merkmalen eines Gemäldes eines alten Meisters von 1680.

Unter den Schülern von Brouwer sticht Joos van Kreesbeek (1606 - 1654) hervor, in dessen Gemälden Kämpfe manchmal tragisch enden; Gillis van Tilborch (ca. 1625 - 1678) ist bekannt aus den Schülern von Teniers dem Jüngeren, der auch Familiengruppenporträts im Stil von Kokves malte. Dazu kommen Mitglieder der Malerfamilie Rikavert, von denen vor allem David Rikaert III. (1612 - 1661) zu einer gewissen Selbständigkeit aufstieg.

Neben der nationalen flämischen Kleinfigurenmalerei gibt es eine gleichzeitige, wenn auch nicht gleichwertige, italienisierende Tendenz, deren Meister zeitweise in Italien wirkten und das italienische Leben in all seinen Erscheinungsformen darstellten. Die größten dieser von Raphael oder Michelangelo mitgerissenen Mitglieder der holländischen „Gemeinde“ in Rom waren jedoch die Holländer, auf die wir weiter unten zurückkommen werden. Pieter Van Laer aus Gaarlem (1582 - 1642) ist der eigentliche Begründer dieses Trends, der sowohl die Italiener des Typs Cherkvozzi als auch die Belgier des Typs Jan Mils (1599 - 1668) gleichermaßen beeinflusste. Weniger unabhängig sind Anton Goubau (1616 - 1698), der die römischen Ruinen mit buntem Leben füllte, und Peter Van Blemen, Spitzname Standardaard (1657 - 1720), der italienische Pferdemärkte, Kavallerieschlachten und Lagerszenen bevorzugte. Das italienische Volksleben ist seit der Zeit dieser Meister ein Gebiet geblieben, das jährlich Scharen von Malern aus dem Norden anzieht.

Im Gegenteil, die Landschaftsmalerei entwickelte sich im nationalen flämischen Geist mit Schlachten- und Räuberthemen, angrenzend an Sebastian Vranks, dessen Schüler Peter Snyers (1592 - 1667) von Antwerpen nach Brüssel zog. Sniers' frühe Gemälde, wie die in Dresden, zeigen ihn auf einer recht malerischen Spur. Später, als Schlachtenmaler des Hauses Habsburg, legte er mehr Wert auf topografische und strategische Treue als auf malerische Treue, wie seine großen Gemälde in Brüssel, Wien und Madrid zeigen. Sein bester Schüler war Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), ein Schlachtenmaler Ludwigs XIV. und Professor an der Pariser Akademie, der den von ihm in Luft- und Lichtperspektive verfeinerten Stil von Snyers nach Paris verpflanzte. Im Schloss von Versailles und im Hôtel des Invalides in Paris malte er große Serien von Wandgemälden, makellos in ihrer selbstbewussten Form und dem Eindruck einer malerischen Landschaft. Auch seine Gemälde in Dresden, Wien, Madrid und Brüssel mit Feldzügen, Stadtbelagerungen, Lagern, siegreichem Einzug des Großkönigs zeichnen sich durch ihre helle malerische Feinheit der Wahrnehmung aus. Dieses neuniederländische Schlachtengemälde wurde von Cornelis de Wael (1592-1662), der sich in Genua niederließ, nach Italien übertragen, und nachdem er hier einen perfekteren Pinsel und eine warme Farbe erworben hatte, wandte er sich bald der Darstellung des italienischen Volkslebens zu.

In der eigentlichen belgischen Landschaftsmalerei, die der Verfasser dieses Buches in Die Geschichte der Malerei (seiner eigenen und Woltmanns) näher beschrieben hat, kann man die ursprüngliche, heimische, nur wenig von südlichen Einflüssen berührte Tendenz recht deutlich von der Pseudoklassik unterscheiden Trend, der an Poussin in Italien angrenzte. Die nationale belgische Landschaftsmalerei behielt im Vergleich mit der niederländischen, abgesehen von Rubens und Brouwer, ein Merkmal von etwas äußerer Zierlichkeit; Mit dieser Eigenschaft tauchte sie in der Dekoration von Palästen und Kirchen mit dekorativen Gemäldeserien in einer solchen Fülle auf wie nirgendwo sonst. Der Antwerpener Paul Bril prägte diese Art der Malerei in Rom ein; die später französisierten Belgier Francois Millet und Philippe de Champagne schmückten die Pariser Kirchen mit Landschaftsmalereien. Der Autor dieses Buches schrieb 1890 einen separaten Artikel über Kirchenlandschaften.

Von den Antwerpener Meistern ist vor allem auf Caspar de Witte (1624 - 1681) hinzuweisen, dann auf Peter Spirincks (1635 - 1711), der Kirchenlandschaften besitzt, die fälschlicherweise Peter Risbrak (1655 - 1719) im Chor der Augustiner zugeschrieben werden Kirche in Antwerpen, und besonders auf Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), den Spitznamen "Horizonte" wegen der Klarheit der blauen Bergstrecken seiner erfolgreichen, stark an Duguet erinnernden, aber harten und kalten Gemälde.

Die nationale belgische Landschaftsmalerei dieser Zeit blühte vor allem in Brüssel auf. Sein Vorfahre war Denis Van Alsloot (um 1570 – 1626), der ausgehend vom Übergangsstil in seinen semi-ländlichen, semi-urbanen Gemälden große Kraft, Festigkeit und Klarheit der Malerei entwickelte. Sein großer Schüler Lucas Achtschellingx (1626 - 1699) beteiligte sich unter dem Einfluss von Jacques d'Artois an der Ausschmückung belgischer Kirchen mit biblischen Landschaften mit üppigen dunkelgrünen Bäumen und blauen Hügelabständen in einer weiten, freien, etwas ausladenden Weise. Auch Jacques d'Artois (1613 - 1683), der beste Brüsseler Landschaftsmaler, ein Schüler des fast unbekannten Jan Mertens, schmückte Kirchen und Klöster mit großen Landschaften, deren biblische Szenen von befreundeten Historienmalern gemalt wurden. Seine Landschaften der Kapelle St. Der Autor dieses Buches hat die Ehefrauen des Brüsseler Doms in der Sakristei dieser Kirche gesehen. Kirchenlandschaften waren jedenfalls auch seine großen Gemälde des Hofmuseums und der Liechtenstein-Galerie in Wien. Mit seinen kleinen Zimmerbildern, die die üppige Waldnatur der Umgebung von Brüssel mit ihren gigantischen grünen Bäumen, gelben Sandstraßen, blauen Hügelstrecken, leuchtenden Flüssen und Teichen darstellen, können Sie Madrid und Brüssel und auch Dresden am besten kennenlernen , München und Darmstadt. Mit einer luxuriösen geschlossenen Komposition, tief, mit hellen Farben gesättigt, mit einer klaren Luft mit Wolken, die sich durch goldgelb beleuchtete Seiten auszeichnen, vermitteln sie perfekt den allgemeinen, aber immer noch nur den allgemeinen Charakter der Gegend. Golden, wärmer, dekorativer, wenn man so will, venezianischer gefärbt als d'Artois, sein bester Schüler Cornelis Huysmans (1648 - 1727), dessen beste Kirchenlandschaft "Christus zu Emmaus" der Frauenkirche in Mecheln ist .

In der Küstenstadt Antwerpen entwickelte sich natürlich auch ein Jachthafen. Der Wunsch nach Freiheit und Natürlichkeit des 17. Jahrhunderts wurde hier in den Gemälden verwirklicht, die die Küsten- und Seeschlachten von Andries Aartvelt oder Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventura Peters (1614 - 1652) und Hendrik Mindergout (1632 - 1696) darstellen. die jedoch nicht mit den besten niederländischen Handwerkern der gleichen Branche mithalten können.

Auch in der Architekturmalerei, die gerne das Innere gotischer Kirchen darstellte, fehlte den flämischen Meistern, wie Peter Neefs d. J. (1620 - 1675), der kaum über einen groben Übergangsstil hinausging, der innere, lichtdurchflutete, malerische Charme des Holländischen Bilder von Kirchen.

Je mehr Kühnheit und Helligkeit die Belgier in die Bilder von Tieren, Früchten, toter Natur und Blumen brachten. Aber selbst Jan Fit (1611 - 1661), ein Maler von Küchenutensilien und Früchten, ging nicht weiter als Snyders, der alle Details sorgfältig ausführte und dekorativ zusammenfügte. Auch die Blumenmalerei ging in Antwerpen, zumindest allein, nicht weiter als Jan Brueghel d. Ä. Selbst Brueghels Schüler auf diesem Gebiet, Daniel Seghers (1590 - 1661), übertraf ihn nur in der Breite und dem Luxus der dekorativen Gestaltung, nicht aber im Verständnis für den Reiz der Formen und der schillernden Farben einzelner Farben. Seghers’ Blumenkränze auf den Madonnen großer Figurenmaler und seine seltenen, eigenständigen Blumenbilder wie eine silberne Vase in Dresden offenbaren jedenfalls das klare kalte Licht unvergleichlicher Ausführung. Antwerpen ist im 17. Jahrhundert der Hauptort der niederländischen Blumen- und Obstmalerei, doch verdankt es dies weniger lokalen Meistern als vielmehr dem großen Utrechtianer Jan Davids de Gey (1606 - 1684), der nach Antwerpen zog und seine aufzog Sohn Cornelis, geboren in Leiden de Gay (1631 - 1695), später auch Antwerpener Meister. Aber sie, die größten aller Blumen- und Obstmaler, zeichnen sich durch ihre unendliche Liebe zum Detail und die Kraft der Malerei aus, die in der Lage ist, diese Details innerlich zu verschmelzen, wie Meister des holländischen und nicht des belgischen Typs.

Wir haben gesehen, dass es bedeutende Verbindungen zwischen der flämischen Malerei und der niederländischen, italienischen und französischen Kunst gab. Die Flamen konnten die direkte, intime Wahrnehmung der Holländer, die pathetische Eleganz der Franzosen, den dekorativen Luxus der Formen und Farben der Italiener schätzen, aber sie blieben, abgesehen von Überläufern und Einzelerscheinungen, immer nur ein Viertel davon sich selbst in ihrer Kunst, für die andere Hälfte waren sie innerlich romanisierte und äußerlich germanische Holländer, die Natur und Leben mit starker und ungestümer Begeisterung und im dekorativen Sinne mit Stimmung zu erfassen und wiederzugeben vermochten.

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