Finnische Künstler. Durch die Hallen des Ateneum-Museums: die berühmtesten und interessantesten Exponate finnischer Künstler in der Eremitage

Akseli Gallen-Kallela

Sammon puolustus (1896)

Illustrationen für das Kalevala. " Sampo-Verteidigung«.

Sampo(Flosse. Sampo) - in der karelisch-finnischen Mythologie ein einzigartiges magisches Objekt, das magische Kräfte besitzt und eine Quelle von Glück, Wohlstand und Fülle ist. Im Kalevala-Epos präsentierte sein Schöpfer Elias Lönnrot Sampo in Form einer Windmühle.

Hugo Simberg

Halle (1895)

Halle- Das Frost, wenn ich das richtig verstehe, zum Beispiel im Sommer nachts oder früh morgens

In diesem Sinne vermittelt das Bild das Bild gut.

Helene Schjerfbeck

Toipilas (1888)

toipilas — Rekonvaleszent

Hugo Simberg

Kuoleman puutarha —Todesgarten

Es gibt mehrere Versionen dieses Gemäldes, diese Zeichnung ist ein Fresko aus der Kathedrale in Tampere.

Dieses Bild wurde mir von einem finnischen Mädchen empfohlen, als ich bemerkte, dass es selbst für düstere Finnen irgendwie düster war, antwortete sie mir herzlich: „Tote kümmern sich um Blumenmenschen mitten in der Wüste, und wenn sie zum Schneiden gezwungen werden sie tun es sanft, als ob sie um Vergebung bitten würden ...“

Hugo Simberg

Haavoittunut enkeli -Verwundeter Engel
(1903)

Die Handlung des Bildes entfaltet sich vor einem erkennbaren historischen Hintergrund: Dies ist der Eleintarha-Park (wörtlich „Zoo“) und die Töölö-Bucht in Helsinki. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war der Park ein beliebtes Erholungsgebiet für Arbeiter und beherbergte auch karitative Einrichtungen. Die Straße, auf der sich die Figuren bewegen, ist bis heute erhalten geblieben: Der Zug bewegt sich entlang der damals bestehenden Schule für blinde Mädchen und einer Behindertenunterkunft.

Das Gemälde zeigt zwei Jungen, die auf einer Bahre einen femininen Engel mit verbundenen Augen und einem blutenden Flügel tragen. Einer der Jungen starrt den Betrachter intensiv und stirnrunzelnd an, sein Blick drückt entweder Sympathie für den verwundeten Engel oder Verachtung aus. Die Hintergrundlandschaft ist bewusst karg und karg, vermittelt aber den Eindruck von Ruhe. Die nicht triviale Handlung eröffnet Raum für vielfältige Interpretationen. Die derben Kleidung und Schuhe der Jungen, ihre finsteren, ernsten Gesichter stehen im Kontrast zu der zerbrechlichen Figur eines in ein leichtes Kleid gekleideten Engels, der den Gegensatz von Leben und Tod suggeriert, wobei das Blut auf dem Flügel des Engels und der Augenbinde steht ein Zeichen der Verletzlichkeit und Vergänglichkeit, aber in seiner Hand hält der Engel einen Strauß Schneeglöckchen ist ein Symbol für Wiedergeburt und Genesung. Das Leben hier scheint dem Tod nahe zu sein. Einer der Jungen wandte sich dem Publikum zu, durchbrach den hermetischen Raum des Bildes und machte damit deutlich, dass die Themen Leben und Tod direkt mit ihnen verbunden sind. Simberg selbst weigerte sich, eine Interpretation von The Wounded Angel zu geben, und überließ es dem Betrachter, seine eigenen Schlussfolgerungen zu ziehen.

Das Gemälde hatte einen großen Einfluss auf die finnische Kultur. Hinweise darauf finden sich in vielen Werken der Hoch- und Volkskunst. Das Video der finnischen Metal-Band Nightwish zum Song „Amaranth“ spielt auf das Motiv von „The Wounded Angel“ an.

Albert Edelfelt

Parisin Luxembourgin puistossa — Im Jardin du Luxembourg in Paris.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ja Kissa — alte Frau und Katze

In Gallen-Kallela sind im Allgemeinen alle Gemälde Meisterwerke, das ist wirklich ein Weltklasse-Künstler.

Dieses Bild ist betont naturalistisch geschrieben, aber bei aller Schlichtheit voller Sympathie und Liebe für die einfachsten und ärmsten Menschen.

Das Gemälde wurde 1895 vom Turku Art Museum erworben und ist noch heute dort.

Wort akka Ich übersetze immer mit Mühe - sowohl "Frau" als auch "Großmutter".

Hier zeige ich einen kleinen Vorgeschmack und füge noch ein Bild hinzu Helene Schjerfbeck- auf Russisch lesen wir ihren Namen Helena Schjerfbeck.

Und hier ist ein Strahl von Licht und Wärme.

1882 Malerei, Tanssiaiskengat —Tanzschuhe.

Dies ist wahrscheinlich das traurigste finnische Bild. Zumindest meiner Meinung nach.

Albert Edelfelt

Lapsen ruumissaatto — Beerdigung eines Kindes(wörtlich Trauerzug eines Kindes)

Dies ist die erste Genrekomposition im Freien in der finnischen bildenden Kunst. Sie wurde sozusagen zu einem Fragment des wirklichen Lebens, gesehen und festgehalten von der Künstlerin. Das Bild erzählt von menschlicher Trauer. Edelfelt stellte eine einfache Familie dar, die einen kleinen Sarg auf einem Boot trug. Die raue Landschaft entspricht der Stimmung der Menschen, die ihr Kind auf seiner letzten Reise verabschieden. In ihren traurigen Gesichtern verhaltene Bewegungen - feierliche Traurigkeit, die von der weißen stillen Oberfläche des Sees, dem hellen kalten Himmel, den fernen niedrigen Ufern widerhallt.

"The Funeral of a Child" brachte ihm den Titel eines Akademikers ein, und das Werk wurde in eine Privatsammlung in Moskau gekauft. Gleichzeitig wurde in Tsarskoe Selo eine Personalausstellung organisiert, und Edelfelt wurde Alexander III. Und Maria Feodorovna, die ebenfalls gerne malte, präsentiert.

Die Nähe des Künstlers zum Hof ​​trug zur Popularität der finnischen Malerei in Russland bei. Wir können sagen, dass Edelfelt einer von denen war, die die Kunst Finnlands für Russland entdeckten.

1907 kehrte das Gemälde nach Finnland zurück und befindet sich heute im Ateneum Museum, Helsinki.

Dennoch möchte ich für mich erwähnen, dass in diesem Bild die Einstellung der Finnen zum Tod (der leider ein Teil, der letzte Teil eines jeden Lebens ist) sehr treffend wiedergegeben wird. Es ist sehr streng und zurückhaltend, auch hier gibt es einen Unterschied zu den Russen. Aber diese Strenge und Zurückhaltung spricht nicht für ihre Gefühlslosigkeit, die Finnen tragen das alles nur tief in sich. Tiefer als wir Russen. Aber die Trauer darüber hört nicht auf, Trauer für sie zu sein.

Pekka Halonen

Tienraivaajia Karjalassa — Straßenbauer in Karelien.

Wörtlich wären es "Straßenräumer in Karelien".

raivata- gutes Verb den Weg frei machen
Ich weiß nicht, ob es etwas mit dem Wort zu tun hat raivo — Wut, Raserei

Aber wenn wir uns dieses Bild ansehen, können wir davon ausgehen, dass ja.

Es gibt noch ein weiteres Merkmal der Finnen im Bild - historisch mussten sie in einer äußerst ungünstigen natürlichen Umgebung leben, das heißt, manchmal kämpfen sie nur erbittert um ihre Existenz, daher wahrscheinlich diese Ausdauer, die sie in Arbeit und Widrigkeiten zeigen. So war es zumindest früher.

Hugo Simberg

Noch ein Bild von Hugo Simberg - " Traum«.

Simberg gilt zu Recht als Symbolist, seine Bilder sind äußerst offen für Interpretationen und Interpretationen.

Und gleichzeitig hat seine Malerei immer etwas sehr Nationales.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ja varis — Der Junge und die Krähe.

(1884) Persönlich habe ich das übrigens erst als Erwachsener gelernt Krähe (Varis), relativ gesehen, keine Frau / Frau Krähe (korppi). Tatsächlich gibt es solche Verwirrung glücklicherweise nur im Russischen. Zum Beispiel ist ein Rabe auf Ukrainisch ein „Gauner“ und eine Krähe wird eine „Krähe“ sein. Im Englischen klingt das Wort für Rabe „Rabe“, und die Krähe heißt „Krähe“.

Das Gemälde befindet sich jetzt im Ateneum.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkaisen aiti — Lemminkäinens Mutter.
(1897)

Das Gemälde befindet sich im Ateneum, Helsinki.

Das Gemälde beschreibt eine Szene aus The Kalevala, in der Lemminkäinen getötet und zerstückelt und die Körperteile in den dunklen Fluss Tuonela geworfen werden. Die Mutter des Helden sammelte die Körperteile ihres Sohnes mit einem Rechen und nähte sie zu einem Ganzen zusammen. Auf dem Bild wartet sie auf eine Biene – so schaut sie nach oben – die magischen Honig vom Obergott Ukko bringen wird, der Lemminkäinen wiederbeleben muss.

1933 in Helsinki gegründet. Anfangs vereinte es 23 Künstler verschiedener Fachrichtungen, bis Ende der 1930er Jahre - etwa 45. Der erste Vorsitzende der Gesellschaft war der Architekt und Innenarchitekt L. E. Kurpatov, ab 1934 wurde dieser Posten von E. A. Buman-Kolomiytseva besetzt, ab 1935 - Baron R. A. Shtakelberg (1936 zum Ehrenmitglied gewählt), seit 1936 - V. P. Shchepansky. Die Gesellschaft veranstaltete jährliche Ausstellungen der Arbeiten ihrer Mitglieder (mit Geldpreisen) und jährliche Wohltätigkeitsbälle (normalerweise im Hotel Grand); es gab eine Hilfskasse auf Gegenseitigkeit, es wurden gesellige Abende abgehalten und öffentliche Kunstberichte verlesen. Unter den in verschiedenen Jahren gelesenen Berichten: "Russisches Theater in den letzten 25 Jahren" von S. M. Veselov (1935), "Russische Landschaftsmaler" von V. P. Shchepansky (1936; der Erinnerung an die Künstlerin M. A. Fedorova gewidmet), "Kultur zu Hause " L. E. Kurpatova (1936) und andere. Die Gesellschaft beteiligte sich an der Organisation des jährlichen Tages der russischen Kultur, der am Geburtstag von A. S. Puschkin und 1937 gefeiert wurde - an Veranstaltungen im Zusammenhang mit dem 100. Todestag des Dichters. 1934 wurde beschlossen, eine Kunstwerkstatt zu organisieren und im Sommer gemeinsam ein Sommerhaus für die Arbeit an Skizzen zu mieten.

An den Ausstellungen der Gesellschaft nahmen teil: M. Akutina-Shuvalova, N. P. Bely, A. P. Blaznov, N. Blinov, E. A. Buman-Kolomiytseva, P. Varlachev, V. A. Veiner, S. M. Veselov , V. I. Voutilainen, E. V. Deters, H. Dippel- Shmakov, S. Dobrovolsky, P. S. Zakharov, S. G. Irmanova, I. M. Karpinsky, I. Krasnostovsky, L. Kratz, L L. Kuzmin, N. G. Kuzmina, I. Kurkiranta, L. E. Kurpatov, O. Kurpatova, T. Kurto, A. Lindenberg, P. Lomakin, Baroness M. B. Maidel, M. Milova, M. M. von Mingin, V. Mitinin, M.N. Nemilova, M. Pets-Blaznova, L. Platan, G. Presas, Yu, I. Repin, V. I. Repina, M. Romanov, S. Rumbin, V. P. Semenov-Tyan-Shansky, M. A. Fedorova, T. Schwank, V. Shermanova -Brown, M. N. Shilkin, A. L. von Schultz, G. Schumacher, M. N. Shchepanskaya, V. P. Shchepansky.

Mit dem Ausbruch der Feindseligkeiten gegen Finnland im Jahr 1939 wurden die Aktivitäten der Gesellschaft eingestellt und wurden erst nach dem Krieg aktiver. 1945 wurde die Gesellschaft in den Verband russischer Künstler in Finnland umgewandelt, dessen Vorsitzender I. M. Karpinsky war. Im folgenden Jahr wurde diese Organisation ein kollektives Mitglied der Russischen Kulturdemokratischen Union, und 1947 fand ihre erste Ausstellung im Harhammer Art Salon statt.

Literaturverzeichnis:	Chronik des literarischen Lebens des Russischen im Ausland: Finnland (1918–1938) / Zusammengestellt von: E. Hämäläinen, Yu. A. Azarov // Literaturzeitschrift. Sektion für Sprache und Literatur der Russischen Akademie der Wissenschaften. Institut für wissenschaftliche Information über Sozialwissenschaften der Russischen Akademie der Wissenschaften. – 2006. Nr. 20. S. 271–319.
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Dauerausstellung des Ateneum Museums befindet sich im dritten Stock des Gebäudes (dort sind auch kleine thematische Ausstellungen organisiert), und im zweiten Stock finden temporäre Ausstellungen statt (Plan der Säle). In dieser Notiz werden wir über einige der interessantesten und berühmtesten Gemälde und Skulpturen in der Ateneum-Sammlung sowie über ihre Autoren sprechen: die Berühmten Finnische Maler und Bildhauer. Mehr über die Geschichte des Museums Ateneum und die Architektur des Museumsgebäudes gelesen werden kann. Es bietet auch nützliche Informationen über Eintrittspreise, Öffnungszeiten und das Verfahren für den Besuch des Ateneum-Museums. Achtung: nicht immer sind im Museum alle berühmten Werke gleichzeitig zu sehen.

Werke finnischer Bildhauer

Beginnen wir unseren Spaziergang durch das Ateneum-Museum direkt am Eingang.

In der Lobby werden wir von einer Murmelgruppe begrüßt " Apollo und Marsyas» (1874) des berühmten finnischen Bildhauers Walter Runeberg (Walter Magnus Runeberg) (1838-1920), Autor von Denkmälern für Johan Runeberg und Kaiser Alexander II. in Helsinki. Der Vater des Bildhauers, der Dichter Johan Runeberg, ein Vertreter der nationalromantischen Strömung in der Literatur, führte die Ideale der griechischen und römischen Zivilisation in die finnische Kultur ein, darunter den Wert von Mut und Hingabe. Sein Sohn drückte diese Ideale weiterhin aus, jedoch durch Skulpturen. 1858-62. Walter Runeberg studierte an der Akademie der Schönen Künste in Kopenhagen unter der Leitung des dänischen Bildhauers Hermann Wilhelm Bissen, einem Schüler des berühmten Thorvaldsen, einem international anerkannten Meister der neoklassizistischen Bildhauerei. 1862-1876. Runeberg arbeitete in Rom und studierte weiterhin das klassische Erbe.

In dieser Skulpturengruppe stellte Runeberg den Lichtgott Apollo dar, der mit seiner Kunst den Satyr Marsyas besiegte und Dunkelheit und Bodenständigkeit verkörperte. Die Figur des Apollo ist im Geiste antiker Ideale gestaltet, während sich dieses Bild dem barock-wilden Hirten Marsyas deutlich entgegenstellt. Die Komposition sollte ursprünglich das neue Studentenhaus in Helsinki schmücken und wurde von der Studentenverbindung in Auftrag gegeben, aber dann entschieden die Damen offenbar, dass Runebergs Skulptur zu viel Nacktheit enthielt. Auf die eine oder andere Weise wurde das Werk schließlich der Art Society of Finland geschenkt – und so landete es in der Sammlung des Ateneum Museums.

Am Eingang zu den Hauptausstellungshallen des Ateneums im dritten Stock können Sie weitere interessante Werke sehen Finnische Bildhauer. Besonders attraktiv sind Marmor- und Bronzeskulpturen, elegante Figuren und Vasen von Ville Wallgren (Ville Wallgren) (1855–1940).Ville Wallgren war einer der ersten finnischen Bildhauer, der sich nach einer Grundausbildung in Finnland entschied, sein Studium nicht in Kopenhagen, sondern in Paris fortzusetzen. Seine Wahl wurde von dem bekannten Künstler Albert Edelfelt beeinflusst, der ebenfalls aus Porvoo stammt. Edelfelt half dem impulsiven Landsmann in anderen Lebens- und Berufsangelegenheiten: Beispielsweise erhielt Wallgren mit seiner Hilfe den Auftrag, den berühmten Havis-Amanda-Brunnen (1908) auf dem Esplanade Boulevard fertigzustellen.

Ville Wallgren, der fast 40 Jahre in Frankreich lebte, ist vor allem für seine sinnlichen Frauenfiguren bekannt im Jugendstil. In einem frühen Stadium seines Schaffens porträtierte er jedoch oft junge Männer und hielt an einem eher klassischen Stil fest (Beispiele sind poetische Marmorskulpturen " Echo" (1887) und " Junge spielt mit Krabben(1884), in dem Wallgren menschliche Charaktere und die natürliche Welt verbindet).

Ende des 19. Jahrhunderts erlangte Ville Wallgren weltweite Berühmtheit als bemerkenswerter Meister dekorativer Figuren sowie Vasen, Graburnen und Tränen, die mit Figuren trauernder trauernder Mädchen geschmückt waren. Aber mit nicht weniger Überzeugungskraft porträtierte Lebemann Wallgren die Freuden des Lebens, einschließlich koketter und verführerischer Frauen, wie der gleichen Havis Amanda. Neben der bereits erwähnten Skulptur „Junge, der mit einem Krebs spielt“ (1884), ist sie im dritten Stock des Ateneum-Museums zu sehen Bronzearbeiten von Wille Wallgren: "Träne" (1894), "Frühling (Renaissance)" (1895), "Zwei junge Leute" (1893) und eine Vase (um 1894). Diese exquisiten Arbeiten mit perfekt ausgearbeiteten Details sind klein, aber sie hinterlassen einen starken emotionalen Eindruck und bleiben wegen ihrer Schönheit in Erinnerung.

Ville Wallgren hat als Bildhauer einen langen Weg zurückgelegt, aber als er seine Richtung gefunden und die Unterstützung von Fachleuten in Anspruch genommen hatte, wurde er zu einem der angesehensten und international anerkanntesten Künstler der Geschichte. Finnische Kunst. Zum Beispiel war er der einzige Finne, der für seine Arbeit auf der Weltausstellung in Paris (dies geschah 1900) die Grand-Prix-Medaille erhielt. Die Aufmerksamkeit von Kollegen und Kritikern erregte Wallgren erstmals während der Weltausstellung 1889, wo sein Relief „Christus“ präsentiert wurde. Wieder einmal machte sich der finnische Bildhauer während der symbolistischen Pariser Salons einen Namen Rose + Kreuz 1892 und 1893. Wallgrens Frau war die schwedische Künstlerin und Bildhauerin Antoinette Rostrem ( Antoinette Råström) (1858-1911).

Goldenes Zeitalter der finnischen Kunst: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

In einem der größten Säle im dritten Stock das Ateneum-Museum klassische Gemälde werden präsentiert, darunter das Werk des Freundes Ville Wallgren - Albert Edelfelt (Albert Edelfelt) (1854-1905), das bekannteste der Welt Finnischer Künstler.

Die Aufmerksamkeit des Publikums wird zwangsläufig von dem fabelhaften Bild angezogen " Königin Blanca"(1877) - eines der beliebtesten und beliebtesten Gemälde Finnlands, eine wahre Hymne an die Mutterschaft. Gedruckte Reproduktionen dieses Gemäldes und Stickereien, die es darstellen, sind in Tausenden von Haushalten im ganzen Land zu finden. Edelfelt wurde von der Kurzgeschichte „Die neun Silberschmiede“ von Zacharias Topelius ( De Nio Silverpenningarna), in dem die mittelalterliche Königin von Schweden und Norwegen, Blanca von Namur, ihren Sohn, Prinz Hakon Magnusson, den zukünftigen Ehemann von Margaret I. von Dänemark, mit Liedern unterhält. Das Ergebnis dieser Ehe, organisiert nur Königin Blanca, wurde die Union von Schweden, Norwegen und Dänemark - die Kalmarer Union (1397-1453). Die hübsche Blanca singt für ihren kleinen Sohn über all diese zukünftigen Ereignisse.

In der Ära der Entstehung dieser Leinwand galt die Historienmalerei als die edelste Kunstform und war in den gebildeten Schichten der finnischen Gesellschaft gefragt, da die damalige nationale Identität gerade erst Gestalt annahm. Albert Edelfelt war erst 22 Jahre alt, als er beschloss, ein Gemälde zum Thema mittelalterliche skandinavische Geschichte zu schaffen, und Queen Blanca wurde sein erstes ernsthaftes Werk. Der Künstler versuchte, den Erwartungen seines Volkes gerecht zu werden und die historische Szene so lebendig und authentisch wie möglich zu verkörpern (Edelfelt lebte zum Zeitpunkt des Malens auf einem beengten Dachboden in Paris und studierte auf Drängen seines Lehrers Jean-Leon Gerome). Kostüme aus dieser Zeit, las Bücher über mittelalterliche Architektur und Möbel, besuchte das mittelalterliche Cluny-Museum). Sehen Sie sich an, mit welcher Kunstfertigkeit die glänzende Seide des Kleides der Königin, das Bärenfell auf dem Boden und viele andere Details ausgeschrieben sind (der Künstler hat das Bärenfell eigens im Kaufhaus gemietet). Aber das Wichtigste an dem Bild, zumindest für den modernen Betrachter (und für Edelfelt selbst, der seine Mutter mehr liebte als jeder andere auf der Welt), ist sein warmer emotionaler Inhalt: das Gesicht der Mutter und die Gesten des Kindes, die sich ausdrücken Liebe, Freude und Intimität.

Eine schöne 18-jährige Pariserin diente Königin Blanca als Modell, und ein hübscher italienischer Junge posierte für den Prinzen. Gemälde "Königin Blanca" wurde erstmals 1877 im Pariser Salon der Öffentlichkeit präsentiert, war ein großer Erfolg und wurde in französischen Kunstpublikationen wiederholt. Dann wurde sie in Finnland gezeigt, woraufhin die Leinwand an Aurora Karamzina verkauft wurde. Anschließend gelangte das Gemälde in die Sammlung des Magnaten Hjalmar Linder, der es schenkte das Ateneum-Museum im Jahr 1920.

Ein weiteres Beispiel für frühe Kreativität Albert Edelfelt das traurige Gemälde " Beerdigung eines Kindes"("Transport des Sarges") (1879). Wir haben bereits gesagt, dass Edelfelt in seiner Jugend Historienmaler werden wollte; er bereitete sich darauf während seines Studiums in Antwerpen und dann in Paris vor. Doch Ende der 1870er Jahre änderten sich seine Ideale, er freundete sich mit dem französischen Künstler Bastien-Lepage an und wurde ein Prediger der Freilichtmalerei. Nächste Werke Edelfilz sind bereits ein realistisches Abbild des bäuerlichen Lebens und des lebendigen Lebens ihrer Heimat. Aber das Gemälde „Die Beerdigung eines Kindes“ spiegelt nicht nur die Szene des Alltags wider: Es vermittelt eines der grundlegenden menschlichen Gefühle – die Trauer.

In diesem Jahr besuchte Edelfelt zum ersten Mal die von seiner Mutter gemietete Datscha auf dem Landgut Haikko bei Porvoo (später kam der Künstler jeden Sommer an diese schönen Orte). Das Bild wurde komplett unter freiem Himmel gemalt, wofür eine große Leinwand an Küstenfelsen befestigt werden musste, damit sie nicht im Wind flattert. „Ich dachte nicht, dass es so schwierig ist, im Freien zu malen“, sagte Edelfelt zu einem seiner Freunde. Edelfelt zeichnete die verwitterten Gesichter der Bewohner des Porvoo-Archipels, fuhr mehr als einmal mit Fischern aufs Meer hinaus und stellte sogar ein abgesägtes Fischerboot extra in seine Werkstatt, um die Details originalgetreu wiederzugeben. Edelfilz-Malerei « Funeral of a Child" wurde 1880 im Pariser Salon ausgestellt und erhielt (erstmals) eine Medaille 3. Grades Finnischer Künstler eine solche Ehre erhalten). Französische Kritiker bemerkten die verschiedenen Vorzüge des Bildes, einschließlich der Tatsache, dass es frei von übermäßiger Sentimentalität ist, aber die Würde widerspiegelt, mit der die Charaktere das Unvermeidliche akzeptieren.

Das Bild ist von einer ganz anderen, sonnigen und unbeschwerten Stimmung durchdrungen. Albert Edelfelt « Luxemburger Garten» (1887). Als Edelfelt diese Leinwand malte, war er bereits eine sehr berühmte Persönlichkeit in der Pariser Kunstwelt. Fasziniert von den Pariser Parks mit zahlreichen Kindern und Kindermädchen, die das gute Wetter genießen, beschloss er, diese Schönheit einzufangen. Zu diesem Zeitpunkt lebte der Maler bereits seit mehr als zehn Jahren in Paris, und es ist sogar seltsam, dass dieses Gemälde sein einziges Hauptwerk ist, das das Pariser Leben darstellt. Dies liegt wahrscheinlich an der harten Konkurrenz unter den Künstlern: Es war einfacher, sich in diesem Umfeld abzuheben und an „exotischeren“ finnischen Themen zu arbeiten. Das Gemälde „Gärten von Luxemburg“ ist auch insofern ungewöhnlich, als Edelfelt darin viele Techniken des Impressionismus verwendete. Gleichzeitig arbeitete er im Gegensatz zu den Impressionisten mehr als ein Jahr an dieser Leinwand, sowohl unter freiem Himmel als auch im Atelier. Die Arbeit wurde oft aus banalen Gründen verzögert: durch schlechtes Wetter oder verspätete Modelle. Der selbstkritische Edelfelt hat die Leinwand immer wieder überarbeitet und bis zum letzten Moment verändert, als es Zeit war, das Werk in die Ausstellung zu bringen.

Das Gemälde wurde erstmals auf einer Ausstellung in Berlin gezeigt Galerie Petit im Mai 1887. Edelfelt selbst war mit dem Ergebnis nicht sehr zufrieden: Vor dem Hintergrund der Farbexplosionen in den Gemälden der französischen Impressionisten wirkte seine Leinwand, wie es ihm schien, blutleer, „flüssig“. Die Arbeit wurde jedoch von Kritikern und der Öffentlichkeit gut aufgenommen. In der Folge wurde dieses Gemälde zu einer Art Symbol für die enge Verbundenheit der finnischen Kunst – und insbesondere von Edelfelt – mit Paris, das damals das Epizentrum des künstlerischen Universums war.

Bild " Frauen in der Kirche in Ruokolahti» (1887) Albert Edelfelt schrieb in seinem Sommerworkshop in Haikko - dort entstanden fast alle seine Werke zum Thema Volksleben. Obwohl das Gemälde die Eindrücke einer Reise nach Ostfinnland widerspiegelt, ist bekannt, dass Frauen aus Haikko die Modelle für das Gemälde waren (Fotos von ihnen, die für Edelfelt in seinem Atelier posieren, sind erhalten geblieben). Wie andere große Kompositionen entstand auch diese nicht über Nacht, es wurden immer sorgfältige Vorzeichnungen angefertigt. Das Hauptziel des Künstlers war es jedoch immer, eine spontane Live-Wirkung des „Schnappschusses“ zu erzielen.

Neben den Werken von Albert Edelfelt im Ateneum Museum sind Gemälde eines weiteren Vertreters des goldenen Zeitalters der finnischen Kunst zu sehen, Eero Jarnefelta (Eero Järnefelt) (1863-1937). Nach Abschluss seines Studiums in Finnland ging Järnefelt nach Sankt Petersburg wo er studiert hat Akademie der Künste mit seinem Onkel Mikhail Klodt, kam Repin und Korovin nahe und ging dann, um seine Ausbildung in Paris fortzusetzen. Trotz ausländischer Einflüsse spiegelt Järnefelts Werk die Suche nach nationaler Identität wider, den Wunsch, die Besonderheit seiner Heimatkultur zu betonen ( mehr über Kreativität Eero Jarnefelta lesen ).

Jarnefelt ist vor allem als Porträtmaler und Autor der majestätischen Landschaften des Koli-Gebiets und der Umgebung des Tuusulanjärvi-Sees bekannt, wo sich sein Villa-Atelier Suviranta befand (nebenan befand sich das Ainola-Haus, in dem der Komponist Sibelius mit seiner Frau lebte). Jarnefelts Schwester).

Aber das wichtigste und berühmteste Werk von Eero Järnefelt ist natürlich die Malerei „Unter dem Joch“ („Den Wald ausbrennen“)(1893) (andere Varianten des Namens - " Rückenbeugen für Geld», « Zwangsarbeit"). Die Handlung der Leinwand ist mit der alten Methode der Landwirtschaft verbunden, die darin besteht, den Wald abzubrennen, um Ackerland zu gewinnen (die sogenannte Brandrodungslandwirtschaft). Das Gemälde entstand im Sommer 1893 auf einem Bauernhof Rannan Puurula in Lapinlahti, in der Region Nordsavo. In diesem Jahr ruinierte der Frost zum zweiten Mal die Ernte. Järnefelt arbeitete auf dem Hof ​​einer wohlhabenden Familie und beobachtete die harten Lebens- und Arbeitsbedingungen landloser Arbeiter, die nur bei guter Ernte für ihre Arbeit bezahlt wurden. Parallel dazu fertigte Järnefelt Skizzen einer brennenden Waldlandschaft an, studierte das Verhalten von Feuer und Rauch und filmte auch Dorfbewohner, die schließlich zu den Hauptfiguren seines Bildes wurden.

Nur eine Figur im Bild blickt den Betrachter direkt an: Das ist ein Mädchen, das die Arbeit für eine Weile unterbrochen hat und uns mit einem vorwurfsvollen Gesichtsausdruck ansieht. Ihr Magen war vor Hunger angeschwollen, ihr Gesicht und ihre Kleidung waren rußgeschwärzt, und um ihren Kopf herum stellte Jarnefelt Rauch dar, der einem Heiligenschein ähnelte. Der Künstler malte dieses Bild von einem 14-jährigen Mädchen namens Johanna Kokkonen ( Johanna Kökkonen), Diener auf dem Bauernhof. Die Person im Vordergrund ist Heikki Puurunen ( Heikki Puurunen), der Bruder des Bauern und der Besitzer des Hofes, ist im Hintergrund abgebildet.

Wenn Sie das Bild betrachten, können Sie förmlich die Hitze des Feuers spüren, das gedämpfte Geräusch der Flamme und das Knirschen der Zweige hören. Das Bild hat mehrere Interpretationen, aber seine Hauptbedeutung wird als scharfe Kritik an den unterdrückten Menschen gesehen. Das Mädchen auf dem Bild ist zu einem verallgemeinerten Bild all der armen und hungrigen Kinder, all der benachteiligten Menschen Finnlands geworden. Die Leinwand wurde erstmals 1897 der Öffentlichkeit präsentiert.

Eine ganze große Halle Ateneum-Museum dem Werk eines anderen berühmten Vertreters des goldenen Zeitalters der finnischen bildenden Kunst gewidmet - Akseli Gallena-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Wie andere große finnische Künstler dieser Zeit studierte er bei. Gallen-Kallela erregte während der Weltausstellung 1900 besondere Aufmerksamkeit des Pariser Publikums, als er für den finnischen Pavillon mehrere Fresken nach dem finnischen Epos Kalevala schuf.

Zur Zeit studiere in paris Gallen-Kallela zeichnete oft Szenen, die ihm auf der Straße und in Cafés auffielen. Ein Beispiel für die Kreativität dieser Zeit ist die Malerei "Nackt" ("Ohne Maske") (Demase ) (1888) - fast die einzige erotische Leinwand im Werk von Gallen-Kallela. Es ist bekannt, dass es von einem 23-jährigen Künstler im Auftrag des finnischen Sammlers und Philanthropen Fridtjof Antell geschaffen wurde, der seine Sammlung sexuell expliziter Gemälde auffüllen wollte. Als Antell das Gemälde jedoch sah, weigerte er sich, es anzunehmen, da er das Gemälde offenbar selbst für seinen Geschmack als zu obszön ansah.

Das Gemälde zeigt eine nackte Pariserin (anscheinend eine Prostituierte), die im Atelier des Künstlers auf einem Sofa sitzt, das mit einem traditionellen finnischen Teppich bedeckt ist. Das Bild gibt eine Vorstellung vom böhmischen Lebensstil, deutet aber gleichzeitig an, dass seine Freuden mit dem Tod, einem Sturz, behaftet sind. Der Künstler stellt eine Lilie als Symbol der Unschuld dar, die mit einem betont sinnlichen Modell und einer Gitarre kontrastiert wird, deren Form das erotische Gefühl noch verstärkt. Die Frau sieht sowohl verführerisch als auch einschüchternd aus. Kruzifix, Buddha-Statue und antiker finnischer Teppich Ruyu, die neben dem selbstzufriedenen weiblichen Fleisch abgebildet sind, spielen auf die Entweihung der Heiligen an. Auf dem Tisch im Hintergrund grinste ein Totenschädel – ein häufiges Element in den Gemälden des Vanitas-Genres, das den Betrachter an die Zerbrechlichkeit irdischer Freuden und die Unausweichlichkeit des Todes erinnert. Leinwand Demase erstmals ausgestellt wurde Ateneum-Museum im Jahr 1893.

Viele spätere Arbeiten Gallena-Kallela gewidmet "Kalevale". Bei der Darstellung von Helden des finnischen Epos wie Väinämöinen und Lemminkäinen verwendet der Künstler einen besonderen Stil, hart und ausdrucksstark, voller unnachahmlicher leuchtender Farben und stilisierter Ornamente. Aus diesem Zyklus ist das atemberaubende Bild hervorzuheben „ Lemminkäinens Mutter» (1897). Obwohl das Gemälde eine Illustration des Epos ist, hat es einen globaleren, universelleren Klang und kann als eine Art nordische Pieta betrachtet werden. Dieses durchdringende Lied der Mutterliebe ist eines der umwerfendsten Werke von Gallen-Kallela zum Thema „ Kalevala».

Lemminkäinens Mutter- ein fröhlicher Kerl, ein cleverer Jäger und Frauenverführer - findet seinen Sohn am schwarzen Fluss des Todes (Tuonela River), wo er versuchte, den heiligen Schwan zu erschießen. Der Schwan ist im dunklen Wasser im Hintergrund dargestellt, und Schädel und Knochen sind am felsigen Ufer verstreut und Blumen des Todes sprießen. Das Kalevala erzählt, wie eine Mutter mit einem langen Rechen das Wasser durchkämmt, alle Stücke herausharkt und ihren Sohn daraus wieder zusammenfaltet. Mit Hilfe von Zaubersprüchen und Salben belebt sie Lemminkäinen wieder. Das Bild zeigt den Moment, der der Auferstehung vorausgeht. Es scheint, dass alles weg ist, aber die Sonnenstrahlen dringen in das Reich der Toten ein und geben Hoffnung, und die Biene trägt einen lebensspendenden göttlichen Balsam für die Auferstehung des Helden. Dunkle, gedämpfte Farben verstärken die Stille dieser Unterwelt, während das intensiv blutrote Moos auf den Felsen, das tödliche Weiß von Lemminkäinens Pflanzen und Haut einen Kontrast zu der göttlichen goldenen Farbe der Biene und den Strahlen bildet, die vom Himmel herabströmen.

Für dieses Gemälde wurde der Künstler von seiner eigenen Mutter posiert. Es gelang ihm, ein sehr realistisches Bild mit lebendigem, intensivem Blick zu schaffen (das ist eine echte Emotion: Gallen-Kallela sprach seine Mutter bewusst über etwas Trauriges an, was sie zum Weinen brachte). Gleichzeitig wird das Bild stilisiert, was es ermöglicht, eine besondere mythische Atmosphäre zu schaffen, das Gefühl, dass Ereignisse „auf der anderen Seite“ der Realität stattfinden. Um die emotionale Wirkung zu verstärken, verwendete Gallen-Kallela Tempera anstelle von Ölfarben. Vereinfachte Formen, klare Figurenkonturen und große Farbflächen helfen dabei, eine kraftvolle Komposition zu schaffen. Um die düstere Stimmung des Bildes besser wiederzugeben, stattete der Künstler in seinem Atelierhaus in Ruovesi einen komplett schwarzen Raum aus, dessen einzige Lichtquelle ein Oberlicht war. Außerdem fotografierte er sich nackt auf dem Boden liegend und verwendete diese Bilder, als er die Figur von Lemminkäinen malte.

In einem ganz anderen, idyllischen und fast frivolen Stil präsentiert sich das Triptychon von Gallen-Kallela " Legende von Aino» (1891). Die Komposition ist der Handlung aus Kalevala über das junge Mädchen Aino und den alten Weisen Väinämöinen gewidmet. Aino sollte nach der Entscheidung ihrer Eltern mit Väinämöinen verheiratet werden, aber sie rennt vor ihm davon und zieht es vor, sich selbst zu ertränken. Auf der linken Seite des Triptychons ist die erste Begegnung eines alten Mannes und eines Mädchens in traditioneller karelischer Kleidung im Wald dargestellt, und auf der rechten Seite sehen wir die traurige Aino. Sie bereitet sich darauf vor, sich ins Wasser zu werfen, weint am Ufer und lauscht den Rufen der im Wasser spielenden Seejungfrauen. Schließlich zeigt die mittlere Tafel das Ende der Geschichte: Väinämöinen fährt mit einem Boot aufs Meer hinaus und geht angeln. Nachdem er einen kleinen Fisch gefangen hat, erkennt er darin das Mädchen nicht, das durch seine Schuld ertrunken ist, und wirft den Fisch zurück ins Wasser. Aber in diesem Moment verwandelt sich der Fisch in Aino – eine Meerjungfrau, die über den alten Mann lacht, der sie vermisst hat, und dann für immer in den Wellen verschwindet.

Anfang der 1890er Jahre Gallen-Kallela war ein Anhänger des Naturalismus und brauchte unbedingt echte Vorbilder für alle Figuren und Objekte auf dem Bild. Für das Bild von Väinämöinen mit seinem langen schönen Bart posierte also ein Bewohner eines der karelischen Dörfer für den Künstler. Darüber hinaus trocknete der Künstler Barsche, um das genaueste Bild eines Fisches zu erzielen, der von einem alten Mann erschreckt wird. Sogar das silberne Armband, das an Ainos Hand glänzt, existierte in der Realität: Gallen-Kallela überreichte diesen Schmuck seiner jungen Frau Mary. Sie diente offenbar als Vorbild für Aino. Die Landschaften für das Triptychon wurden von der Künstlerin während ihrer Flitterwochen in Karelien skizziert.

Umrahmt wird die Komposition von einem Holzrahmen mit Ornamenten und Zitaten aus der Kalevala, die von Gallen-Kallela selbst geschrieben wurden. Dieses Triptychon wurde zum Ausgangspunkt der Bewegung Nationalromantik in Finnland- Finnische Version des Jugendstils. Die erste Version dieses Gemäldes fertigte der Künstler 1888-89 in Paris an. (jetzt im Besitz der Bank of Finland). Als das Gemälde zum ersten Mal in Helsinki präsentiert wurde, stieß es auf große Begeisterung, und der Senat beschloss, eine Neufassung auf öffentliche Kosten zu bestellen. Eine solche Idee erscheint im Gefolge der Fennomani-Bewegung, die die finnische Nation idealisierte und romantisierte, ganz natürlich. Darüber hinaus wurde Kunst als ein starkes Mittel zum Ausdruck nationaler finnischer Ideale wahrgenommen. Gleichzeitig begannen Expeditionen von Künstlern nach Karelien auf der Suche nach einem "echten finnischen Stil". Karelien galt als das einzige unberührte Land, in dem Spuren der Kalevala erhalten waren, und Gallen-Kallela selbst empfand dieses Epos als eine Geschichte über vergangene Zeiten nationaler Größe, als Abbild eines verlorenen Paradieses.

Gemälde von Gallen-Kallela " Fluch von Kullervo"(1899) erzählt von einem anderen Helden der Kalevala. Kullervo war ein Jugendlicher von außergewöhnlicher Stärke, ein Waisenkind, das in die Sklaverei gegeben und in die Wildnis geschickt wurde, um Kühe zu hüten. Die böse Herrin, die Frau des Schmieds Ilmarinen, gab ihm Brot für die Reise, in dem ein Stein versteckt war. Beim Versuch, das Brot zu schneiden, zerbrach Kullervo das Messer, die einzige Erinnerung an seinen Vater. Wütend sammelt er eine neue Herde Wölfe, Bären und Luchse, die die Herrin zerreißen. Kullervo entkommt der Sklaverei und kehrt nach Hause zurück, nachdem er erfahren hat, dass seine Familie lebt. Damit enden Kullervos Missgeschicke jedoch nicht. Eine endlose Rachespirale zerstört nicht nur seine neu gefundene Familie, sondern auch sich selbst. Er trifft und verführt zuerst ein Mädchen, das sich als seine Schwester entpuppt, und wegen dieser sündigen Beziehung begeht die Schwester Selbstmord. Bald sterben alle seine Verwandten. Dann tötet sich Kullervo, indem er sich auf das Schwert wirft.

Das Gemälde von Gallen-Kallela zeigt eine Episode, in der Kullervo noch als Hirte dient (im Hintergrund seine Herde, vorne Brot mit gebackenem Stein). Der junge Mann schüttelt die Faust und schwört, sich an seinen Feinden zu rächen. Der Künstler stellte den wütenden Helden vor dem Hintergrund einer sonnigen Frühherbstlandschaft dar, aber im Hintergrund ziehen bereits Wolken auf, und die rot gegossene Eberesche dient als Warnung, als Prophezeiung zukünftigen Blutvergießens. In diesem Bild verbindet sich die Tragödie mit der Schönheit der karelischen Natur, und der rächende Held kann gewissermaßen als Symbol des finnischen Kampfgeistes und des wachsenden Nationalbewusstseins angesehen werden. Auf der anderen Seite haben wir ein Porträt von Wut und Enttäuschung vor uns, der Ohnmacht eines Mannes, der von Fremden erzogen wurde, die seine Familie in einer Atmosphäre von Gewalt und Rache ausgerottet haben und dies sein Schicksal auf tragische Weise geprägt hat.

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Wir beenden diesen Abschnitt mit einer Geschichte über das Werk eines anderen prominenten Vertreters der finnischen Nationalromantik in der Malerei, des berühmten Künstlers des finnischen Goldenen Zeitalters – Pekka Halonen. Pekka Halonen (Pekka Halonen) (1865-1933) wurde in den 1890er Jahren bekannt und erwies sich als vollendeter Meister der Kunst Winterlandschaft. Eines der Meisterwerke dieses Genres ist das Gemälde " Junge Kiefern unter dem Schnee"(1899), als Beispiel betrachtet Finnischer Japanismus und Jugendstil in der Malerei. Weicher, flauschiger Schnee, der die Setzlinge bedeckt und mit verschiedenen Weißtönen spielt, schafft eine friedliche Atmosphäre eines Waldmärchens. Die neblige Luft ist mit kaltem Winterdunst gesättigt, und üppige Schneeschichten betonen die zerbrechliche Schönheit junger Kiefern. Bäume im Allgemeinen waren eines der beliebtesten Motive in der Kreativität. Pekki Halonena. Sein ganzes Leben lang stellte er mit Begeisterung Bäume zu verschiedenen Jahreszeiten dar, und er liebte besonders den Frühling, aber dennoch wurde er gerade als Meister am berühmtesten. Winterlandschaft- nur wenige Maler wagten es, in der Kälte zu schaffen. Pekka Halonen hatte keine Angst vor dem Winter und arbeitete Zeit seines Lebens bei jedem Wetter im Freien. Als Befürworter der Freilichtarbeit verachtete er Künstler, die „die Welt durch ein Fenster betrachten“. Auf Halonens Gemälden knacken Äste vor Frost, Bäume sacken unter dem Gewicht der Schneekappen zusammen, die Sonne wirft bläuliche Schatten auf den Boden und Waldbewohner hinterlassen Fußspuren auf einem weichen weißen Teppich.

Winterlandschaften wurden zu einer Art Nationalsymbol Finnlands, und Pekka Halonen fertigte ein Dutzend Leinwände zum Thema finnische Natur und Volksleben für den finnischen Pavillon auf der Weltausstellung in Paris im Jahr 1900 an. Zu diesem Zyklus gehört zum Beispiel das Gemälde „ Am Loch"(Waschen auf Eis") (1900). Halonens Interesse an der Darstellung des „nördlichen Exotismus“ entstand 1894 während seines Studiums bei Paul Gauguin in Paris.

Typisch Künstler das goldene Zeitalter der finnischen Malerei stammte aus der städtischen Mittelschicht. Eine andere Sache ist Pekka Halonen, der aus einer Familie aufgeklärter Bauern und Handwerker stammte. Er wurde in Lapinlahti (Ostfinnland) geboren und interessierte sich schon früh für Kunst – nicht nur für Malerei, sondern auch für Musik (die Mutter des Künstlers war eine begabte Kantele-Künstlerin; sie vermittelte auch ihrem Sohn eine fürsorgliche Einstellung und Liebe zur Natur und später diese Liebe wurde fast zu einer Religion ). Der junge Mann begann etwas später als seine Kollegen, Malerei zu studieren, aber nach vier Jahren Studium an der Zeichenschule der Art Society of Finland und einem hervorragenden Abschluss konnte Halonen ein Stipendium erhalten, das es ihm ermöglichte, zu gehen Studium im künstlerischen Mekka jener Zeit. Er studierte zunächst an der Académie Julian und nahm ab 1894 dort Privatunterricht Paul Gauguin zusammen mit seinem Freund Vyaino Bloomstead. Während dieser Zeit lernte Halonen Symbolismus, Synthetismus und sogar Theosophie kennen. Die Bekanntschaft mit den neuesten künstlerischen Trends führte ihn jedoch nicht dazu, die realistische Art und Weise aufzugeben, und er lieh sich nicht die helle Palette von Gauguin, aber unter dem Einfluss von Gauguin wurde Halonen ein tiefer Kenner der japanischen Kunst und begann zu sammeln Kopien japanischer Stiche.

Seine Arbeiten zeigen zum Beispiel oft eine gebogene Kiefer, ein beliebtes Motiv in der japanischen Kunst. Darüber hinaus achtet Halonen in vielen Gemälden besonders auf Details, dekorative Zweigmuster oder ein spezielles Schneemuster, und das Thema Winterlandschaften selbst ist in der japanischen Kunst nicht ungewöhnlich. Außerdem zeichnet sich Halonen durch eine Vorliebe für vertikal schmale Leinwände wie "Kakemono", asymmetrische Kompositionen, Nahaufnahmen und ungewöhnliche Winkel aus. Anders als viele andere Landschaftsmaler malte er keine typischen Panoramaansichten von oben; Seine Landschaften sind tief im Wald gemalt, nahe an der Natur, wo die Bäume den Betrachter buchstäblich umgeben und ihn in seine stille Welt einladen. Es war Gauguin, der Halonen dazu inspirierte, seinen eigenen Stil in der Naturdarstellung zu entdecken, und ihn ermutigte, seine Themen in nationalen Wurzeln zu suchen. Wie Gauguin suchte Halonen mit Hilfe seiner Kunst etwas Ursprüngliches, Ursprüngliches zu finden, aber nur wenn der Franzose sein Ideal auf den pazifischen Inseln suchte, versuchte der finnische Künstler, das „verlorene Paradies“ des finnischen Volkes wiederzubeleben in unberührten Wäldern, den heiligen Wildnissen, die in Kalevala beschrieben werden.

Die Arbeit von Pekka Halonen war schon immer von der Suche nach Frieden und Harmonie geprägt. Der Künstler glaubte, dass "Kunst nicht wie Sandpapier die Nerven reizen sollte - sie sollte ein Gefühl des Friedens schaffen". Selbst bei der Darstellung von Bauernarbeit gelang Halonen ruhige, ausgewogene Kompositionen. Also in Arbeit Pioniere in Karelien» (« Straßenbau in Karelien“ (1900) stellte er die finnischen Bauern als unabhängige, intelligente Arbeiter dar, die sich nicht übermäßig anstrengen müssten, um ihre Arbeit zu erledigen. Zudem betonte der Künstler, dass er bestrebt sei, einen dekorativen Gesamteindruck zu erzeugen. Damit reagierte er auf Zeitgenossen, die die unrealistische „heitere Sonntagsstimmung“ des Bildes kritisierten und sich über die zu saubere Kleidung der Arbeiter, die geringen Späne auf dem Boden und das seltsame Aussehen des Bootes in der Mitte des Bildes wunderten Wald. Doch der Künstler hatte eine ganz andere Idee. Pekka Halonen wollte kein Bild von harter, erschöpfender Arbeit schaffen, sondern den ruhigen, gemessenen Rhythmus der bäuerlichen Arbeit vermitteln.

Halonen wurde auch stark von seinen Reisen nach Italien (1896-97 und 1904) beeinflusst, darunter Meisterwerke der Frührenaissance, die er in Florenz sah. Anschließend zog Pekka Halonen mit seiner Frau und seinen Kindern (das Paar hatte insgesamt acht Kinder) an den Tuusula-See, dessen ruhige malerische Umgebung als unerschöpfliche Quelle der Inspiration und fruchtbaren Arbeit abseits von Helsinki diente, „der Quelle von allem Prosaischen und Hässlichen. " Hier, beim Skifahren am See, suchte der Künstler nach einem Platz für sein zukünftiges Zuhause, und 1899 kaufte das Paar ein Grundstück am Ufer, auf dem wenige Jahre später das Atelierhaus von Pekka Halonen entstand – eine nach ihm benannte Villa Haloseniemi (Halosenniemi) (1902). Diese gemütliche Holzwohnung im nationalromantischen Geist wurde vom Künstler selbst entworfen. Heute beherbergt das Haus das Pekka Halonen Museum.

Finnische Symbolisten

Eine der interessantesten Abteilungen in der Sammlung des Ateneum-Museums ist das einzigartige Werk von Hugo Simberg und anderen finnischen Symbolisten.

In einem separaten Raum des Ateneum-Museums ist das berühmte Gemälde „ Verwundeter Engel» (1903) Finnischer Künstler Hugo Simberg. Dieses melancholische Gemälde zeigt eine seltsame Prozession: Zwei mürrische Jungen tragen auf einer Bahre ein weiß gekleidetes Mädchen, einen Engel, mit verbundenen Augen und einem verletzten Flügel. Der Hintergrund des Bildes ist eine kahle Landschaft des frühen Frühlings. In der Hand des Engels ist ein Strauß Schneeglöckchen, die ersten Frühlingsblumen, Symbole der Heilung und des neuen Lebens. . Die Prozession wird von einem schwarz gekleideten Jungen angeführt, der einem Leichenbestatter ähnelt (wahrscheinlich ein Symbol des Todes). Der Blick eines anderen Jungen richtet sich auf uns, dringt direkt in die Seele des Betrachters ein und erinnert uns daran, dass die Themen Leben und Tod für jeden von uns relevant sind. Der gefallene Engel, die Vertreibung aus dem Paradies, Todesgedanken - all diese Themen beschäftigten Künstler besonders - Symbolisten. Der Künstler selbst weigerte sich, vorgefertigte Interpretationen des Gemäldes anzubieten, und überließ es dem Betrachter, seine eigenen Schlüsse zu ziehen.

Hugo Simberg hat lange an diesem Gemälde gearbeitet: Die ersten Skizzen finden sich in seinen Alben von 1898. Einige Skizzen und Fotografien geben einzelne Fragmente der Komposition wieder. Mal wird ein Engel in einer Schubkarre gefahren, mal kein Knabe, sondern kleine Teufelchen werden als Träger dargestellt, dabei bleibt immer die Figur eines Engels im Mittelpunkt, und der Hintergrund ist eine echte Landschaft. Die Arbeit an dem Gemälde wurde unterbrochen, als Simberg schwer erkrankte: Vom Herbst 1902 bis zum Frühjahr 1903 wurde die Künstlerin im Krankenhaus des Diakonisseninstituts in Helsinki behandelt ( Helsingin Diakonissalaitos) im Kallio-Gebiet. Er hatte eine schwere Nervenkrankheit, verschlimmert durch Syphilis (an der der Künstler später starb).

Es ist bekannt, dass Simberg seine Modelle (Kinder) in der Werkstatt und im Eleintarcha-Park neben dem oben genannten Krankenhaus fotografierte. Der im Bild dargestellte Weg existiert noch heute – er verläuft entlang der Küste der Töölönlahti-Bucht. Zu Simbergs Zeiten war der Eleintarcha Park ein beliebtes Erholungsgebiet der Arbeiterklasse. Außerdem waren dort viele karitative Einrichtungen angesiedelt, darunter eine Mädchenschule für Blinde und ein Waisenhaus für Behinderte. Immer wieder beobachtete Simberg die Bewohner des Parks, als er im Frühjahr 1903 von einer schweren Krankheit aufbrach. Anscheinend nahm während dieser langen Spaziergänge die Idee des Bildes endgültig Gestalt an. Neben philosophischen Interpretationen des Gemäldes „Der verwundete Engel“ (ein Symbol der Vertreibung aus dem Paradies, einer kranken menschlichen Seele, der Hilflosigkeit eines Menschen, eines zerbrochenen Traums) sehen einige darin die Verkörperung des schmerzhaften Zustands des Künstlers und sogar eines bestimmten körperlichen Zustands (einigen Berichten zufolge litt Simberg auch an Meningitis).

Simbergs Gemälde Verwundeter Engel war unmittelbar nach seiner Fertigstellung ein großer Erfolg. Die Präsentation fand 1903 auf der Herbstausstellung der Art Society of Finland statt. Anfangs wurde die Leinwand ohne Titel ausgestellt (genauer gesagt, anstelle eines Titels gab es einen Gedankenstrich), was auf die Unmöglichkeit irgendeiner Interpretation hindeutete. Für dieses zutiefst individuelle und emotionale Werk erhielt der Künstler 1904 einen Staatspreis. Die zweite Version von Der verwundete Engel wurde von Simberg ausgeführt, während er das Innere der Kathedrale von Tampere mit Fresken schmückte, wo er mit Magnus Enckel zusammenarbeitete.

Laut einer 2006 in Finnland durchgeführten Umfrage „ Verwundeter Engel“ wurde als das beliebteste Werk in der Ateneum-Sammlung, das beliebteste „Nationalgemälde“ Finnlands und das künstlerische Symbol des Landes anerkannt.

Hugo Simberg (Hugo Simberg) (1873-1917) wurde in der Stadt Hamina geboren, lebte und studierte dann in und dann in, wo er die Schule der Art Society of Finland besuchte. Er verbrachte oft die Sommer auf dem Familiengut in Niemenlautta (Syakkijärvi) an der Küste des Finnischen Meerbusens. Simberg reiste viel in Europa, besuchte London und Paris, besuchte Italien und den Kaukasus. Eine wichtige Etappe in seiner Entwicklung als Künstler kam zu einer Zeit, als Simberg, desillusioniert von der stereotypen akademischen Ausbildung, begann, Privatunterricht bei Akseli Gallen-Kallela in einer abgelegenen Gegend in Ruovesi zu nehmen, wo Gallen-Kallela sein Werkstatthaus baute. Gallen-Kallela schätzte das Talent seines Schülers sehr und sagte ihm eine große Zukunft in der Kunstwelt voraus, indem er Simbergs Arbeit mit wahrheitsgemäßen und leidenschaftlichen Predigten verglich, die jeder hören sollte. Simberg besuchte Ruovesi zwischen 1895 und 1897 dreimal. Hier, in einer Atmosphäre künstlerischer Freiheit, fand er schnell zu seiner eigenen Sprache. Zum Beispiel schrieb er im ersten Herbst seines Aufenthalts in Ruovesi das berühmte Werk „ Einfrieren(1895), das ein wenig an Munchs Der Schrei erinnert. Das Wetterphänomen, die Angst der Bauern auf der ganzen Welt, hat in diesem Fall eine sichtbare Verkörperung, Gesicht und Gestalt erhalten: Es ist eine leichenblasse Gestalt mit großen Ohren, die auf einer Garbe sitzt und mit ihrem tödlichen Atem alles um sich herum vergiftet . Im Gegensatz zu Munchs The Scream, der einige Jahre zuvor fertiggestellt wurde, ruft Simbergs Frost nicht völliges Entsetzen und Verzweiflung hervor, sondern gleichzeitig ein seltsames Gefühl von Bedrohung und Mitleid.

Ein wichtiger Moment in Simbergs Leben war die Herbstausstellung von 1898, nach der er in den Verband finnischer Künstler aufgenommen wurde. Simberg reiste viel in Europa, lehrte und nahm an Ausstellungen teil. Das Ausmaß des Talents des Künstlers wurde jedoch erst nach seinem Tod wirklich gewürdigt. Die Fokussierung auf das Gruselige und Übernatürliche war bei weitem nicht bei allen Kritikern und Zuschauern jener Zeit nachvollziehbar.

Hugo Simberg war einer der größten Finnische Symbolisten. Er wurde nicht von banalen Alltagssituationen angezogen – im Gegenteil, er stellte etwas dar, das Türen zu einer anderen Realität öffnete, Geist und Seele des Betrachters berührte. Er verstand Kunst „als Möglichkeit, einen Menschen mitten im Winter an einen schönen Sommermorgen zu versetzen und zu spüren, wie die Natur erwacht und man selbst mit ihr im Einklang ist. Das ist es, was ich in einem Kunstwerk suche. Es soll uns etwas ansprechen und laut sprechen, damit wir in eine andere Welt entführt werden.

Simberg liebte es besonders, das darzustellen, was nur in der Vorstellung zu sehen ist: Engel, Teufel, Trolle und Bilder des Todes selbst. Aber auch diesen Bildern verlieh er Weichheit und Menschlichkeit. Der Tod in Simberg ist oft wohlwollend und voller Anteilnahme und erfüllt seine Pflichten ohne Begeisterung. Hier kam sie mit drei weißen Blumen, um die alte Frau abzuholen. Der Tod hat es jedoch nicht eilig, sie kann es sich leisten, dem Jungen beim Geigenspiel zuzuhören. Nur die Uhr an der Wand zeigt den Lauf der Zeit an (" Der Tod hört zu“, 1897).

Bei der Arbeit " Todesgarten“ (1896), entstanden während der ersten Studienreise nach Paris, stellte Simberg, wie er selbst sagte, den Ort dar, an den die menschliche Seele unmittelbar nach dem Tod geht, bevor sie in den Himmel geht. Drei Skelette in schwarzen Gewändern pflegen Pflanzenseelen mit der gleichen Liebe wie Mönche einen Klostergarten. Diese Arbeit war für den Künstler von großer Bedeutung. Fast zehn Jahre später wiederholte Simberg es in Form eines großen Freskos in der Kathedrale von Tampere. Der seltsame Charme dieser Arbeit liegt in niedlichen Alltagsdetails (eine Gießkanne, ein an einem Haken hängendes Handtuch), einer friedlichen Atmosphäre und einem sanften Bild des Todes selbst, der keine Zerstörungskraft, sondern die Verkörperung von Fürsorge ist. Interessanterweise finden wir auch in Hans Christian Andersens Märchen „Die Geschichte einer Mutter“ ein ähnliches Bild: Der Geschichtenerzähler beschreibt ein riesiges Gewächshaus des Todes – ein Gewächshaus, in dem hinter jeder Blume oder jedem Baum eine Menschenseele „fixiert“ ist. Der Tod nennt sich Gottes Gärtner: "Ich nehme seine Blumen und Bäume und verpflanze sie in den großen Garten Eden, in ein unbekanntes Land."

Erste Bild des Todes erschien in Simbergs Werk " Der Tod und der Bauer» (1895). Ein kurzer schwarzer Umhang und eine kurze Hose verleihen dem Tod ein mildes, niedergeschlagenes Aussehen. Diese Arbeit wurde von Simberg in Ruovesi während seines Studiums bei Akseli Gallen-Kallela durchgeführt. Im Frühjahr starb die jüngste Tochter des Lehrers an Diphtherie, und „Der Tod und der Bauer“ kann als Ausdruck der Anteilnahme für einen Mann gewertet werden, der ein Kind verloren hat.

Wie Teufel sind die Engel von Hugo Simberg vermenschlicht und daher verwundbar. Sie versuchen, die Menschen auf den Weg des Guten zu lenken, aber die Realität ist alles andere als ideal. Arbeit " Traum“ (1900) wirft beim Betrachter Fragen auf. Warum weint eine Frau, während ein Engel mit ihrem Mann tanzt? Vielleicht verlässt der Ehemann seine Frau für eine andere Welt? Ein anderer Name für dieses Werk war "Buße", daher kann es auf verschiedene Weise interpretiert werden.

Die Bilder von Engeln erschienen erstmals im Herbst 1895 in der Arbeit von Simberg (die Arbeit " Frömmigkeit"). In diesem schelmischen Stück merkt das betende Engelmädchen nicht, dass der benachbarte Engel etwas ganz anderes im Sinn hat. Und tatsächlich sind die Flügel dieses zweiten Engels bei weitem nicht so weiß. Es gibt einen Kampf zwischen Sinnlichkeit und Spiritualität.

Die Uferpromenade im Stadtteil Niemenlautta, wo Simberg seine Sommerzeit fast immer im Elternhaus verbrachte, war an Sommerabenden ein beliebter Treffpunkt für junge Leute. Angezogen von den Klängen des Akkordeons kamen junge Männer und Frauen hierher, um mit dem Boot zu tanzen, sogar von weit her. Immer wieder fertigte Simberg Skizzen von Tänzern an. Aber bei der Arbeit Tanzen Sie am Wasser„(1899) tanzen die Mädchen nicht mit den Jungs, sondern mit den Totenfiguren, wie man sie so oft in Simberg findet. Vielleicht ist der Tod dieses Mal nicht für eine schreckliche Ernte gekommen, sondern will einfach nur am allgemeinen Spaß teilnehmen? Aus irgendeinem Grund spielt das Akkordeon nicht.

Wie du sehen kannst Hugo Simberg- ein höchst origineller Künstler, dessen Werk nicht ohne eigentümliche Ironie ist, aber gleichzeitig von Mystik durchdrungen ist und sich auf die für die Kunst charakteristischen Themen von Gut und Böse, Leben und Tod konzentriert Symbolisten. In den Werken von Simberg verbinden sich tiefe philosophische Fragen mit sanftem Humor und tiefem Mitgefühl. "Armer Teufel", "sanftmütiger Tod", der König der Brownies - all diese Charaktere kamen aus Träumen und Märchen zu seiner Arbeit. Keine vergoldeten Rahmen und glänzenden Leinwände: „Nur die Liebe macht Kunstwerke real. Wenn Wehen ohne Liebe kommen, wird das Kind unglücklich geboren.

Neben den Werken von Hugo Simberg zeigt das Ateneum Museum die Werke von Finnischer symbolistischer Maler Magnus Enkel (Magnus Enckel) (1870-1925), wie Simberg, der an Fresken für die Kathedrale von Tampere (1907) arbeitete. Enkel wurde in der Stadt Hamina in eine Priesterfamilie hineingeboren, studierte dort Malerei und ging 1891 nach Paris, wo er seine Ausbildung an der Julianischen Akademie fortsetzte. Dort interessierte er sich für die Symbolik und die mystischen Ideen des Rosenkreuzers J. Peladan. Von letzterem übernahm Magnus Enkel das androgyne Schönheitsideal, das er in seinen Werken zu verwenden begann. Enckel war fasziniert von der Vorstellung eines verlorenen Paradieses, einer verlorenen Reinheit des Menschen, und sehr kleine Jungen mit ihrer androgynen Schönheit repräsentierten für den Künstler die reinste Form eines Menschen. Auch darf nicht vergessen werden, dass Enkel ein Homosexueller war und oft nackte Jungen und Männer von offen erotischem, sinnlichem Aussehen malte. 1894-95. Der Künstler reiste durch Italien und zu Beginn des 20. Jahrhunderts, unter dem Einfluss der klassischen italienischen Kunst sowie des Postimpressionismus, wurde seine Palette viel bunter und heller. 1909 gründete er zusammen mit den Koloristen Werner Thomé und Alfred Finch die Gruppe September.

Das Frühwerk von Magnus Enkel hingegen ist geprägt von einer gedämpften Bandbreite, einer Farbasketik. Die Palette des Künstlers beschränkte sich damals auf Grau-, Schwarz- und Ockertöne. Ein Beispiel ist das Gemälde Erwachen"(1894), geschrieben von Enkel beim zweiten Besuch des Künstlers in. Die Leinwand zeichnet sich durch Farbminimalismus, eine vereinfachte Komposition und eine unterstrichene Linie der Zeichnung aus - all dies wird verwendet, um die Bedeutung des Bildes zu betonen. Der junge Mann, der das Alter der Pubertät erreicht hat, ist aufgewacht und sitzt nackt auf dem Bett, den Kopf gesenkt, mit ernstem Gesichtsausdruck, in seine Gedanken versunken. Die verdrehte Haltung seines Körpers ist nicht nur eine vertraute Geste des Aufstehens; Dieses Motiv, das oft bei symbolistischen Künstlern zu finden ist, ist komplexer. Pubertät und sexuelles Erwachen/Verlust der Unschuld waren Themen, die viele Zeitgenossen Enckels beschäftigten (vgl. etwa Munchs verstörendes Gemälde Reifung (1894/95)). Das schwarz-weiße Gamma betont die melancholische Stimmung der Begegnung mit der bedrückenden Welt.

Andere Finnischer symbolistischer Maler, obwohl nicht die bekannteste, ist Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (Vaino Blomstedt) (1871-1947). Bloomstedt war Künstler und Textildesigner und wurde insbesondere von der japanischen Kunst beeinflusst. Er studierte zuerst in Finnland und dann bei Pekka Halonen. Wie wir bereits wissen, lernten diese finnischen Künstler während ihres Besuchs in Paris Gauguin kennen, der kürzlich aus Tahiti zurückgekehrt war, und begannen, bei ihm Unterricht zu nehmen. Der impulsive Bloomstedt geriet sofort unter den Einfluss von Gauguin und seinen farbatmenden Leinwänden. Die Suche nach dem verlorenen Paradies im Werk Gauguins stand Bloomstedt sehr nahe. Nur wenn Gauguin dieses Paradies in exotischen Ländern suchte, dann ging es Väinö Bloomstedt, wie vielen finnischen Künstlern jener Zeit, um die Suche nach den Ursprüngen seiner Heimat, dem jungfräulichen Kalevala. Die Helden von Bloomstedts Gemälden sind oft imaginäre oder mythologische Figuren.

Nach der Begegnung mit Gauguin gab Bloomstedt Mitte der 1890er Jahre die realistische Malerei auf und wandte sich ihr zu Symbolismus und leuchtend mehrfarbig Synthetik Palette. Nach der Ideologie des Symbolismus ist realistische Kunst, die auf visueller Beobachtung basiert, zu begrenzt und erlaubt es nicht, das Wichtigste in einer Person zu erfassen, ihre emotionale und spirituelle Essenz, das Geheimnis des Lebens selbst. Jenseits der alltäglichen Realität liegt eine andere Welt, und das Ziel der Symbolisten ist es, diese Welt durch Kunst auszudrücken. Anstatt zu versuchen, eine dreidimensionale Illusion der Realität zu schaffen, griffen symbolistische Künstler auf Stilisierung, Vereinfachung, Dekoration zurück und versuchten, etwas Reines und Poetisches zu finden. Daher ihr Interesse an der frühen italienischen Renaissance, der Verwendung von Tempera- und Freskentechniken. Eines der klarsten Beispiele Symbolik im Werk finnischer Künstler ist ein Bild Väinö Bloomstedt « Francesca"(1897), der den Betrachter in die Welt des Schlafes und des Vergessens eintaucht, eine statische und magische Atmosphäre mit dem berauschenden Duft von Mohn.

Die Inspiration für dieses Gemälde war Dantes Göttliche Komödie, in der der Dichter Francesca da Rimini in der Hölle begegnet und sie ihm die Geschichte ihrer tragischen Liebe zu Paolo erzählt. Das an die Madonna erinnernde Mädchenbild, die „Renaissance“-Landschaft mit dunklen Zypressen und die transluzente Farbfläche des Gemäldes (die Leinwand scheint deutlich durch die Farben hindurch) lassen alte Fresken in italienischen Kirchen erahnen. Zudem ähnelt das Bild durch die besondere Ausführungstechnik teilweise einem heruntergekommenen Gobelin. Das Gemälde wurde von Bloomstedt während einer Italienreise gemalt. Es sieht auch den Einfluss der Kunst der Präraffaeliten.

Frauen in der Kunst: Finnische Künstler

Ateneum-Museum zeichnet sich auch dadurch aus, dass ein bedeutender Teil seiner Sammlung aus Werken besteht weibliche Künstler, darunter weltberühmte wie Finnischer Künstler Helena Schjerfbeck. 2012 veranstaltete das Ateneum Museum eine umfangreiche Ausstellung von Helena Schjerfbecks Werken, die ihrem 150. Geburtstag gewidmet war. Das Ateneum Museum beherbergt die weltweit größte und vollständigste Sammlung von Helena Schjerfbecks Werken (212 Gemälde, Zeichnungen, Skizzenbücher).

Helena Schjerfbeck (Helena Schjerfbeck) (1862-1946) wurde in Helsinki geboren, begann früh Malerei zu studieren und erlangte bereits in ihrer Jugend eine bemerkenswerte Begabung. Helenas Leben war geprägt von einer schweren Hüftverletzung nach einem Treppensturz in der Kindheit. Aus diesem Grund erhielt das Mädchen eine häusliche Ausbildung - sie besuchte keine reguläre Schule, hatte aber viel Zeit zum Zeichnen und wurde ungewöhnlich früh in eine Kunstschule aufgenommen. (Leider erinnerte sich die Hüftverletzung an ein Hinken für den Rest seines Lebens). Nach ihrem Studium in Finnland, unter anderem an der Privatakademie von Adolf von Becker, erhielt Schjerfbeck ein Stipendium und wechselte an die Colarossi Academy, wo sie studierte. 1881 und 1883-84. Sie arbeitete auch in den Künstlerkolonien der Bretagne (Malerei " Junge, der seine kleine Schwester füttert(1881), geschrieben in dieser Region Frankreichs, gilt heute sogar als Beginn der finnischen Moderne). In der Bretagne lernte sie einen unbekannten englischen Künstler kennen und heiratete ihn, doch 1885 löste der Verlobte die Verlobung (seine Familie glaubte, Helenas Hüftprobleme hingen mit Tuberkulose zusammen, an der ihr Vater starb). Helena Schjerfbeck hat nie geheiratet.

In den 1890er Jahren unterrichtete Schjerfbeck an der Schule des Kunstvereins, an der sie selbst einst ihren Abschluss gemacht hatte. 1902 gab sie wegen gesundheitlicher Probleme den Unterricht auf und zog mit ihrer Mutter in eine abgelegene Provinz in Hyvinkää. Der Künstler brauchte Ruhe und führte ein zurückgezogenes Leben, nahm aber weiterhin an Ausstellungen teil. Die „Entdeckung“ Schjerfbecks für die Öffentlichkeit erfolgte 1917: Im Kunstsalon von Ëst Stenman in Helsinki fand die erste Einzelausstellung der Künstlerin statt, die bei Zuschauern und Kritikern großen Erfolg hatte und ihre zurückgezogene Existenz verletzte. Die nächste große Ausstellung fand 1937 in Stockholm statt und begeisterte die Kritiken, gefolgt von einer Reihe ähnlicher Ausstellungen in ganz Schweden. Als ihre Mutter 1935 starb, zog Helena nach Tammisaari und verbrachte ihre letzten Jahre in Schweden in einem Sanatorium in Saltsjöbaden. In Finnland war die Einstellung zu Schjerfbecks Werk lange Zeit umstritten (ihr Talent wurde erst in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts erkannt), während ihre Kunst in Schweden schon früh mit großer Begeisterung aufgenommen wurde. Aber Schjerfbecks wirklich große internationale Anerkennung kam 2007, als große Retrospektiven ihrer Arbeiten in Paris, Hamburg und Den Haag stattfanden.

Unter allen Gemälden von Helena Schjerfbeck sind die weltweit berühmtesten zahlreiche selbstkritische Selbstporträts, die sowohl die Entwicklung ihres Stils als auch die Veränderungen in der Künstlerin selbst nachvollziehen lassen, die ihr alterndes Gesicht gnadenlos fixierte. Insgesamt schrieb Schjerfbeck etwa 40 Selbstporträts, das erste mit 16, das letzte mit 83. Sechs davon befinden sich in der Sammlung Ateneum.

Aber vielleicht das berühmteste Gemälde Helena Schjerfbeck ist die Leinwand Rekonvaleszent(1888), oft als Schmuckstück bezeichnet das Ateneum-Museum. Das vom Publikum hoch geschätzte Gemälde des 26-jährigen Künstlers wurde auf der Weltausstellung in Paris 1889 mit einer Bronzemedaille ausgezeichnet (wo diese Leinwand unter dem Titel „Erstes Grün“ ausgestellt wurde ( Erstklassiges Grün) - so nannte Schjerfbeck selbst das Bild ursprünglich). Das Thema kranker Kinder war in der Kunst des 19. Jahrhunderts weit verbreitet, aber Schjerfbeck zeigt nicht nur ein krankes Kind, sondern ein Kind, das sich erholt. Sie malte dieses Bild in der malerischen Küstenstadt St. Ives in Cornwall im Südwesten Englands, wohin die Künstlerin auf Anraten ihrer österreichischen Freundin 1887-1888 und erneut 1889-1890 ging.

Diese Arbeit wird oft als das letzte Beispiel naturalistischer Lichtmalerei im Werk von Schjerfbeck bezeichnet (später wechselte sie zur stilisierten Moderne und zum fast abstrakten Expressionismus mit einer asketischen Palette). Hier arbeitet die Künstlerin gekonnt mit Licht und lenkt den Blick des Betrachters auf das Gesicht eines sich erholenden Mädchens mit zerzausten Haaren und fiebrig geröteten Wangen, das einen Becher mit einem zerbrechlichen Blütenzweig in den Händen hält – ein Symbol für Frühling und neues Leben. Ein Lächeln umspielt die Lippen des Kindes und drückt die Hoffnung auf Genesung aus. Dieses spannende Bild fesselt den Betrachter, lässt ihn Mitgefühl empfinden. Das Bild kann gewissermaßen als Selbstporträt der Künstlerin bezeichnet werden, die damals gerade versuchte, sich von der Auflösung ihrer Verlobung zu erholen. Es ist auch möglich, dass sich Schjerfbeck auf diesem Bild als Kind darstellte und uns erzählte, was sie selbst fühlte, oft bettlägerig und sich über die ersten Frühlingsboten freuend.

Bitte beachten Sie, dass derzeit Helena Schjerfbecks berühmteste Werke in Schweden „on tour“ sind. Eine Ausstellung findet in Stockholm statt und dauert bis Ende Februar 2013, die andere - in Göteborg (bis August 2013).

Einer noch Finnischer Künstler, dessen Arbeiten im Ateneum Museum zu finden sind, ist Ärger Schernschanz (Sternshantz)(Beda Stjernschantz) (1867–1910). Übrigens ist für 2014 eine große Ausstellung mit Werken dieses Künstlers im Museum geplant. Beda Schernschanz war ein wichtiger Vertreter der Generation Finnische symbolistische Künstler an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Sie wurde in einer aristokratischen Familie in der Stadt Porvoo geboren. 1886 starb ihr Vater und die Familie geriet in finanzielle Schwierigkeiten. Im Gegensatz zu anderen Künstlerinnen musste Shernschantz arbeiten, um ihren Lebensunterhalt zu verdienen. 1891 kam sie zur gleichen Zeit wie eine andere bekannte finnische Künstlerin, Ellen Tesleff, nach Paris, und die Mädchen schrieben sich gemeinsam an der Colarossi-Akademie ein. Bedes Mentor war Magnus Enckell, unter dessen Einfluss sie die Ideen der Symbolik aufnahm. Vertreter dieser Richtung waren überzeugt, dass die Kunst die Natur nicht sklavisch kopieren, sondern der Schönheit, dem Ausdruck subtiler Gefühle und Erfahrungen zuliebe gereinigt werden sollte. Aus Geldmangel lebte Schernschanz nur ein Jahr in Paris. Als sie nach Finnland zurückkehrte, konnte sie keinen Platz für sich finden und ging 1895 auf die estnische Insel Vormsi, wo es eine alte schwedische Siedlung gab, die ihre Sprache, Bräuche und Kleidung bewahrte. Dort malte der Künstler das Bild Überall werden wir von einer Stimme gerufen» (1895). Der Titel des Gemäldes ist ein Zitat aus den damals berühmten „Songs of Finland“ ( Suomen laulu), dessen Text der Dichter Emil Kwanten geschrieben hat. Wie Sie sehen können, war nicht nur Karelien der Ort, an dem finnische Künstler auf der Suche nach unberührter Natur und Menschen waren.

Auf dieser poetischen Leinwand stellte der Künstler eine Gruppe schwedischer Kinder dar, denen es gelang, ihre nationalen Traditionen und ihre Sprache in einer fremden Umgebung zu bewahren. Aus diesem Grund sahen einige Kritiker in dem Bild eine patriotische Bedeutung, zumal das Kantele-Instrument, gespielt von einem der Mädchen, einen wichtigen Platz in der Komposition einnimmt. Ein anderes Mädchen singt, und diese Klänge erfüllen die asketische Landschaft mit Windmühlen. Durch die völlig statischen, eingefrorenen Posen und die Leere der umgebenden Landschaft beginnt der Betrachter gewissermaßen auch der in der Leinwand erklingenden Musik zu lauschen. Es scheint, dass sogar der Wind nachgelassen hat, weder die Blätter noch die Windmühlen bewegen sich, als ob wir uns in einem verzauberten Königreich befinden, einem Ort, der aus der Zeit gefallen ist. Geht man von der symbolistischen Interpretation des Bildes aus, dann vermitteln die frommen und konzentrierten Kindergesichter vor dem Hintergrund dieser mystischen Landschaft den Zustand der Unschuld. Darüber hinaus kommt, wie in vielen anderen Werken der Symbolisten, der Musik, der ätherischesten und edelsten aller Künste, eine besondere Rolle zu.

1897-98. Beda Shernschanz, die ein Stipendium der finnischen Regierung erhalten hatte, reiste durch Italien, aber ihre kreative Tätigkeit nach dieser Zeit endete im Sande. Obwohl das Vermächtnis der Künstlerin klein ist, weckt es das Interesse der Forschung, und für die Zukunft werden eine Reihe von Konferenzen und Publikationen erwartet, die es ermöglichen werden, mehr über die Bedeutung ihres Werks im internationalen Kontext der Wende zu erfahren Jahrhundert.

Ein weiterer interessanter finnischer Künstler aus der gleichen Zeit ist Elin Danielson-Gambogi (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Elin Danielson-Gambogi gehörte der ersten finnischen Generation an Künstlerinnen die eine Berufsausbildung erhalten haben. Sie arbeitete hauptsächlich im Genre eines realistischen Porträts und unterschied sich sowohl im Leben als auch in ihrer Arbeit von ihren Kollegen durch ihre Emanzipation und ihren unkonventionellen Lebensstil. Sie kritisierte die Stellung der Frau in der Gesellschaft, trug Hosen und rauchte, führte ein antikonformistisches Leben und verkehrte mit vielen Künstlern, darunter dem norwegischen Bildhauer Gustav Vigeland (sie hatten 1895 eine Affäre). Ihre Bilder von Frauen in Alltagssituationen wurden von vielen Kritikern als vulgär und anstößig empfunden.

« Selbstportrait» Elin Danielson-Gambogi (1900) wurde zu einer Zeit gemalt, als der Künstler begann, in Europa Anerkennung zu finden. Die Künstlerin wird in ihrem Atelier mit Pinsel und Palette in der Hand dargestellt, und Licht strömt durch den Vorhang vor dem Fenster und erzeugt einen Heiligenschein um ihren Kopf. Das große Format der Leinwand, die Pose und der Blick des Künstlers – all dies drückt eine eigenständige und selbstbewusste Art aus. Für dieses Gemälde wurde Danielson-Gambogi 1900 in Florenz mit einer Silbermedaille ausgezeichnet.

Elin Danielson-Gamboji wurde in einem Dorf in der Nähe der Stadt Pori geboren. 1871 ging die Farm ihrer Familie bankrott und ihr Vater beging ein Jahr später Selbstmord. Trotzdem gelang es der Mutter, Geld zu finden, so dass Elin im Alter von 15 Jahren nach New York zog und begann, Malerei zu studieren. Das Mädchen wuchs in einer freien Atmosphäre auf, außerhalb strenger gesellschaftlicher Tabus. 1883 ging Danielson-Gambogi dorthin, wo sie ihre Ausbildung an der Colarossi-Akademie fortsetzte und im Sommer Malerei in der Bretagne studierte. Dann kehrte die Künstlerin nach Finnland zurück, wo sie mit anderen Malern kommunizierte und an Kunstschulen unterrichtete, und erhielt 1895 ein Stipendium und ging nach Florenz. Ein Jahr später zog sie in das Dorf Antignano und heiratete den italienischen Maler Raffaello Gamboggi. Das Paar hat an zahlreichen Ausstellungen in ganz Europa teilgenommen; Ihre Arbeiten wurden 1900 auf der Weltausstellung in Paris und 1899 auf der Biennale in Venedig gezeigt. Aber zu Beginn des 20. Jahrhunderts begannen familiäre Probleme und finanzielle Schwierigkeiten, Verrat und Krankheit ihres Mannes. Elin Danielson-Gambogi starb an einer Lungenentzündung und wurde in Livorno beigesetzt.

Endlich unter Finnische Künstlerinnen kann nicht angerufen werden Ellen Thesleff (Ellen Thesleff) (1869-1954). Nur wenige finnische Autoren haben eine so frühe Anerkennung erfahren. Bereits 1891 nahm die junge Thesleff mit ihrem wunderbaren Werk „ Echo» ( Kaiku) (1891) zu kritischem Beifall. Damals hatte sie gerade ihren Abschluss an der Privatakademie von Gunnar Berndtson ( GunnarBerndtson) und war auf ihrer ersten Reise, wo das Mädchen mit ihrer Freundin Beda Shernschanz in die Colarossi-Akademie eintrat. In Paris lernte sie die Symbolik kennen, wählte aber von Anfang an einen eigenen, unabhängigen Weg in der Kunst. In dieser Zeit begann sie, Gemälde in asketischen Farben zu malen.

Die wichtigste Inspirationsquelle für Ellena Tesleff war die italienische Kunst. Bereits 1894 ging sie in die Heimat der Frührenaissance, nach Florenz. Hier sah die Künstlerin viele schöne Werke religiöser Malerei, darunter Werke von Botticelli, dessen Werk sie im Louvre bewunderte. Thesleff kopierte auch Klosterfresken. Der Einfluss der spirituellen italienischen Malerei verstärkte ihr Verlangen nach poetischer, erhabener Kunst, und in den folgenden Jahren kam die Farbasketik in ihrem Werk maximal zum Ausdruck. Die typischen Motive ihrer Arbeiten sind strenge, dunkelfarbige Landschaften und menschliche Figuren, gespenstisch und melancholisch.

Ein Beispiel für die Werke dieser Zeit ist die bescheidene Größe " Selbstportrait» (1894-95) Ellen Tesleff, mit Bleistift gezeichnet. Dieses in Florenz entstandene Selbstporträt war das Ergebnis einer zweijährigen Vorarbeit. Das gefühlvolle Gesicht, das aus der Dunkelheit hervortritt, verrät viel über die Künstlerin und ihre damaligen Ideale. Im Einklang mit der Philosophie des Symbolismus stellte sie die grundlegenden Fragen des Seins und studierte menschliche Gefühle. In diesem Selbstporträt kann man die moderne Inkarnation der Kunst von Leonardo da Vinci mit seinen Fragen und Geheimnissen des Lebens sehen. Gleichzeitig ist das Bild sehr persönlich: Es spiegelt Thesleffs Trauer über den zwei Jahre zuvor erfolgten Tod ihres geliebten Vaters wider.

Thesleff wuchs in einer musikalischen Familie auf und sang und musizierte von Kindheit an gerne mit ihren Schwestern. Eines der häufigsten Motive in ihrer Arbeit war das Echo oder der Schrei – die primitivste Form der Musik. Sie stellte auch oft das Spielen der Geige dar - eines der erhabensten und komplexesten Musikinstrumente. Zum Beispiel ein Modell für das Gemälde " Violine spielen“ („Violinist“) (1896) wurde von der Schwester der Künstlerin, Tira Elizaveta, aufgeführt, die ihr in den 1890er Jahren oft Modell stand.

Die Komposition wird in warmen, durchscheinenden Perlmutt-Opal-Tönen gehalten. Der Geiger wandte sich vom Betrachter ab und konzentrierte sich auf das Spiel. Das Thema Musik, verehrt als die spirituellste, göttlichste Kunst, war eines der häufigsten in der Symbolik, aber Künstler stellten selten Musikerinnen dar.

Wie ihr Freund Magnus Enkkel bevorzugte Ellen Thesleff in einem frühen Stadium ihres Schaffens die Farbasketik. Doch dann änderte sich ihr Stil. Unter dem Einfluss von Kandinsky und seinem Münchner Kreis wurde die Künstlerin zur ersten Fauvistin Finnlands und 1912 zur Teilnahme an der Ausstellung des Finnischen Verbandes eingeladen September die sich für helle, reine Farben eingesetzt haben.

Ihre Teilnahme ging jedoch nicht über den Rahmen der Ausstellung hinaus: Tesleff schloss sich keinen Gruppen an, da sie Einsamkeit als normalen Zustand einer starken Persönlichkeit ansah. Sich von der alten grau-braunen Palette entfernend, begann Thesleff in einem reiferen Alter, bunte und vielschichtige Farbfantasien zu kreieren. Mit ihrer Schwester und Mutter besuchte sie immer wieder die Toskana, wo sie sonnige italienische Landschaften malte.

Tesleff hat nie geheiratet, aber sie hat ihren Platz als kreative Person eingenommen. Der Künstler lebte ein langes Leben und erhielt Anerkennung.

Ausländische Kunst im Ateneum

Die Sammlung ausländischer Kunst des Ateneum Museums umfasst über 650 Gemälde, Skulpturen und Zeichnungen, die von so berühmten Meistern wie Cezanne, Wag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn geschaffen wurden.

Aus einer ausländischen Sammlung das Ateneum-Museum herausgreifen Van Goghs „Straße in Auvers-sur-Oise“(1890). Vincent van Gogh malte dieses Gemälde kurz vor seinem Tod in der kleinen Stadt Auvers-sur-Oise ( Auvers-sur-Oise), liegt im Tal eines Nebenflusses der Seine, etwa 30 km nordwestlich von. Van Gogh, der an Anfällen von Geisteskrankheit litt, ging auf Anraten seines Bruders Theo nach Auvers-sur-Oise, um sich von Dr. Paul Gachet behandeln zu lassen. In Auvers-sur-Oise gab es eine Klinik dieses Arztes - eines Mannes, der der Kunst nicht gleichgültig gegenübersteht, mit vielen französischen Künstlern vertraut ist und sich auch mit Van Gogh anfreundet.

Die Stadt Auvers-sur-Oise wurde schließlich zum Todesort des Künstlers, der sich als Last für seinen Bruder und seine Familie empfand. Van Gogh hat sich erschossen und ist dann verblutet. Der Künstler lebte die letzten 70 Tage seines Lebens in Auvers-sur-Oise und fertigte in dieser kurzen Zeit 74 Gemälde an, von denen sich eines heute im Hauptkunstmuseum in Helsinki befindet. Es ist möglich, dass das Gemälde unvollendet geblieben ist (die Grundierung ist an einigen Stellen sichtbar). Die Helligkeit des Himmels hebt den ruhigeren Grünton der Erde und die rötliche Tönung der Ziegeldächer hervor. Es scheint, dass die ganze Szene in spiritueller Bewegung ist, durchdrungen von rastloser Energie.

Eine sehr interessante Geschichte ist die Entstehung des Gemäldes „Straße in Auvers-sur-Oise“. Ateneum-Museum. Nach dem Tod von Van Gogh gehörte es einige Zeit dem Bruder des Künstlers, Theo, und dann seiner Witwe, von der Julien Leclerc die Leinwand kaufte ( Julien Leclercq) ist ein französischer Dichter und Kunstkritiker. Es ist bekannt, dass Leclerc im Jahr 1900 mindestens 11 Van-Gogh-Gemälde von Theos Witwe erwarb. Ein Jahr später organisierte er Van Goghs erste retrospektive Ausstellung, starb jedoch bald unerwartet. Leclercs Frau war die Pianistin Fanny Flodin ( FannyFlodin), Schwester der finnischen Künstlerin und Bildhauerin Hilda Flodin ( Hilde Flodin). 1903 verkaufte Fanny ein Van-Gogh-Gemälde für 2.500 Mark (etwa 9.500 Euro nach heutigem Geldwert) an Vertreter des oben mehrfach erwähnten Sammlers Fridtjof Antell. Diese Leinwand ist geworden erste Gemälde von Wag Gogh Old Church

Albert Gustav Aristide Edelfelt (1854–1905)

Albert Edelfelt wurde 1854 in Finnland in der Nähe von Porvo geboren. Sein Vater war Architekt. Von seinem Vater übernahm er die Liebe zur Musik und zum Zeichnen. Die Mutter war jedoch der zukünftigen Künstlerin am nächsten. Albert Edelfelt war in vielerlei Hinsicht die Schöpfung seiner ehrgeizigen Mutter.

Porträt der Mutter des Künstlers. 1883

Der Junge erhielt seinen ersten Malunterricht an der Schule der Finnischen Kunstgesellschaft in Helsinki. Er beschließt, sich der Malerei zu widmen, und tritt in die Akademie der Schönen Künste in Antwerpen ein, aber ein Jahr später zieht er nach Paris, wo er Unterricht bei L. Jerome nimmt.

Realistischer Vertreter. Erlebte den Einfluss des Impressionismus. Der Autor von historischen Gemälden, Gemälden aus dem Volksleben, Landschaften, Porträts, geprägt von der Freiheit und Ausdruckskraft der künstlerischen Form, der subtilen Übertragung der Licht-Luft-Umgebung, der festlichen Helligkeit der Farbe.

Bereits im Alter von 23 Jahren wurde Edelfelt zur prominentesten Figur der finnischen Malerei und führte den Kampf der jüngeren Künstlergeneration für Realismus und Arbeiten nach der Natur an. Ursprünglich wollte Albert Historienmaler werden. Von ihm wurden patriotische Gemälde erwartet. Das berühmteste Gemälde dieses Plans war Herzog Karls Schändung der Überreste von C. Fleming (1878). Diese Geschichte beleuchtet den Kampf um die Macht in Finnland, der sich Ende des 16. Jahrhunderts entfaltete.

Entweihung von Duke Charles über die Überreste von K. Fleming. 1878

Ein wunderbares Farbenspiel und jugendliche Frische zieht das Gemälde „Königin Blanca mit Kind“ (1877) an.

Doch nach und nach zieht ihn das lebendige Leben seiner Heimat immer mehr an. Die nächsten Werke des Malers entstanden bereits im Stil einer realistischen Darstellung des Volkslebens. Zu Hause reiste Albert mehr als einmal mit Fischern aufs offene Meer, und dann baute er im Atelier in Heiko eigens ein gesägtes Fischerboot zur präzisen Ausführung von Details auf. Der Erfolg des Gemäldes „Das Begräbnis eines Kindes“ (1879) sowie der wirkliche Erfolg des Gemäldes „Am Meer“ (1883) machten Edelfelt zu einem anerkannten Meister in seiner Heimat.

Beerdigung eines Kindes. 1879

Am Meer. 1883

A. Edelfelts Ruf als nationaler Künstler wurde am stärksten durch seine Gemälde aus dem Leben der einfachen Leute in Finnland bestätigt: „Jungen am Wasser“ (1884), „Mädchen mit einem Rechen“ (1886), „Frauen aus Ruoholahti“ ( 1887).

Russischer Kritiker V.V. Stasov schrieb: "Der beste aller ihrer Finnen ist natürlich Edelfelt, und er hat das bemerkenswerteste Bild von Laundress (1889), voller gesunder, frischer Realismus und Leben." Dieses Bild blieb in Russland und befindet sich seit 1930 in der Eremitage.

Waschfrauen. 1889

Die Aufmerksamkeit des Publikums erregt immer wieder das wahrhaft „Pariser Geist“-Gemälde „In den Luxembourg-Gärten“ (1887). In den Freilichtarbeiten dieser Jahre schenkt A. Edelfelt der Licht- und Farbproblematik große Aufmerksamkeit.

In den Luxemburg-Gärten. 1887

Nach einer Reise durch Europa hielt Edelfelt lange Zeit in St. Petersburg an. 1881 kam er zum ersten Mal nach St. Petersburg. Russische Künstler und Gesellschaft begrüßten A. Edelfelt mit Begeisterung: 1881 präsentierte der junge finnische Maler seine Werke dem Hof ​​der St. Petersburger Akademie. Er war ein großer Erfolg: Er erhielt den Titel eines Akademikers und organisierte eine Einzelausstellung in Tsarskoye Selo. Edelfelt wurde der königlichen Familie vorgestellt. Auf Wunsch von Zar Alexander III. fertigte er eine Kopie des Gemäldes „Am Meer“ an und fertigte eine Reihe von Auftragsarbeiten an. Im gleichen Zeitraum schafft der Künstler mehrere Genreporträts, von denen das Porträt der Schwester des Künstlers Berta mit einem Hund in einer Datscha in Heiko das beliebteste war.

Gute Freunde. 1881

Unter dem Titel „Gute Freunde“ (1881) werden Kopien dieses Gemäldes im Ateneum und in Göteborg aufbewahrt. Das Gemälde "In der Kinderstube" (1885) mit ähnlichem Charakter wurde von Alexander III. Für den Gatschina-Palast gekauft. Das Athenium zeigt auch ein in diesen Jahren entstandenes Porträt von Sophie Manzey.

Porträt von Sophie Manzey.

Dank der Popularität und Autorität von A. Edelfelt erlangte die finnische Kunst Anerkennung in Russland. In St. Petersburg traf Edelfelt die jungen Gestalten der neuen russischen Kunst, Sergei Diaghilev und Alexander Benois: „Wir hingen buchstäblich an Edelfelt, in unseren Augen war sein Kopf von einem Heiligenschein der Pariser Anerkennung umgeben“, schrieb Benois später. Die Nähe finnischer und russischer Künstler wurde durch mehrere gemeinsame Ausstellungen geprägt. Die größte davon befand sich 1898 im Museum der Freiherrenschule von Stieglitz. Dort wurden die Werke junger Künstler dieser Zeit präsentiert: Serov, Repin, Vrubel - aus dem Russischen; und M. Enkel, Gallen-Kallela, Yarnefeld - von finnischer Seite. Die Ausstellung stieß beim russischen Publikum auf großes Interesse an der finnischen Kultur und Finnland selbst.

Aber die Hauptform der Kreativität für A. Edelfelt in seinen reifen Jahren war die Porträtmalerei. Edelfelt arbeitete intensiv und erfolgreich im Porträtgenre. Püber die Anordnung der französischen Regierung, schrieb erPorträt von Louis Pasteur (1885). In den 1880er und 1890er Jahren arbeitete Edelfelt intensiv im Auftrag des russischen Königshofs. Aber neben offiziellen Porträts schuf er wunderschöne Kreationen: „Porträt einer Mutter“, „Storyteller Larin Paraske“, Porträts der großen finnischen Schauspielerinnen Aine Akte und Ida Aalberg.

Die Landschaft nimmt in Edelfelts Werk relativ wenig Raum ein. In der Eremitage befinden sich jedoch seine Werke: "Blick auf Porvo", Aquarell "Blick auf den See in Kaukola", Radierung "Kiefer im Schnee". Die Eremitage besitzt auch eine Reihe von Zeichnungen und Illustrationen des bemerkenswerten finnischen Meisters.

Eine Skizze von Edelfelts Werk wäre unvollständig, ohne sein letztes Werk zu erwähnen: In den Jahren 1900-1904 war der Künstler damit beschäftigt, in der Aula der Universität Helsinki eine monumentale Tafel zum Thema zu schaffen: "Eröffnung der Universität in Turku im Jahr 1640 ." Die Komposition entstand in Form eines Paradezuges in Kostümen des 17. Jahrhunderts.

Eröffnung der Universität in Turku 1640 1902 (Klickbar)

Albert Edelfelt starb im August 1905 plötzlich auf einer Datscha bei Porvo. Es war ein Schlag für die finnische Kunst. Aber auch seine Bilder sind für uns interessant und verständlich, da sie seinen Zeitgenossen nahe standen.

Wladimir Losew

Junge Frau im Boudoir. 1879

Auf den Champs Elysees. 1886

Portrait der Schwester des Künstlers Berta Edelfelt. 1884

Porträt der Mutter des Künstlers. 1902

Frau unter einem Regenschirm. 1886

Kinder von Zar Alexander III

Pariser Modell. 1885

Maria Magdalena. 1891

Weh. 1894

Finnische Fischer. 1898

Christus und Maria Magdalena. 1890

Porträt von Louis Pasteur. 1885

Jungs spielen am Strand. 1884

Kleines Boot. 1884

Frau in einem Boot. 1886

Nachbarn sitzen nach der Messe neben der Kirche. 1887

Karelische Frauen. 1887

Mädchen, das eine Socke strickt. 1886

Erdbeere.

Nachdenkliche Frau in der Kirche. 1893

Lösen

Gottesdienst im Uusimaa-Archipel.

Rückkehr von der Taufe.

Porträt einer jungen Frau. 1891

Pariser lesen. 1880

Porträt von Madame Valerie Rado. 1888

Kultur und Kunst sind Erbe und Eigentum jedes Staates. Das „Land der tausend Seen“ ist nicht nur ein Ski- und Angelparadies für Reisende und Touristen, sondern auch ein Ort für diverse Kunsthistoriker und einfach Genießer der Kreativität. Die Kunst ist in Finnland sehr entwickelt, insbesondere die Malerei. Viele Kunstgalerien, Museen und Ausstellungen werden selbst die anspruchsvollsten Kenner der bildenden Kunst begeistern.

Künstler aus dem Suomi-Land, die im 19. Jahrhundert eine europäische Ausbildung erhielten, wurden zum wichtigsten und treibenden Faktor, der der Entwicklung der bildenden Kunst in Finnland Impulse gab. Bevor wir uns mit den Vertretern der finnischen Malerei vertraut machen, wollen wir uns mit der Arbeit des „Vaters der finnischen Kunst und Malerei“ Robert Ekman vertraut machen.

Robert Wilhelm Ekmann

Der 1808 geborene Künstler stellte in seinen Gemälden das Leben gewöhnlicher finnischer Bauern dar, all die Nöte ihres Lebens, und lenkte die Aufmerksamkeit der Gesellschaft auf die Sozialpolitik des finnischen Staates in Bezug auf die Bürger. Als Robert 16 Jahre alt war, ging er nach Stockholm, um an der Schwedischen Kunstakademie zu studieren. Als junges und brillantes Talent erhielt Ekman ein schwedisches Stipendium für sein Talent, und später trug seine Berufung als Künstler dazu bei, dass er zum Studium nach Italien und Frankreich und dann nach Holland ging. In diesen Ländern verbrachte der Meister des Pinsels sieben ganze Jahre von 1837 bis 1844.

Zurück in das Suomi-Land ließ sich Robert Wilhelm in der Stadt Turku nieder, wo er begann, die örtliche Kathedrale mit seinen Wandfresken und Zeichnungen auszumalen. Danach gründete er in der Stadt eine Zeichenschule, die er bis 1873 leitete. Er hat sehr deutlich den Abgrund zwischen Adel und Bauern umrissen. Die Gemälde des Malers schockierten alle mit ihrem einzigartigen und nicht erfundenen Realismus. Der „Vater der finnischen Malerei und Kunst“ starb 1873.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela wurde im April 1863 in der kleinen finnischen Stadt Bjorneborg (moderner Name Pori) geboren. Als Kämpfer für die Unabhängigkeit Finnlands tat der Künstler in seiner Arbeit sein Bestes, um einen Aufruf an die Nation darzustellen, für die Unabhängigkeit ihres Landes zu kämpfen. Die dem Maler innewohnende Moderne ermöglichte es Axel Gallen Kallela, sehr realistische Gemälde zu schaffen. Nach dem Ende des finnischen Bürgerkriegs (1918) beschäftigte sich der Künstler mit Heraldik und Flaggendesign. Mitte des 20. Jahrhunderts lebte und arbeitete der Künstler einige Zeit in den Vereinigten Staaten von Amerika, wo er erfolgreich Ausstellungen seiner Werke veranstaltete. Der Maler starb 1931 in Stockholm an einer Lungenentzündung.

Oskar Kleineh

Der berühmteste finnische Meereslandschaftsmaler wurde im September 1846 in der finnischen Hauptstadt geboren. Die deutschen Wurzeln von Oscar "kamen zur Rettung", was ihm ein Studium in Deutschland, nämlich in Düsseldorf, ermöglichte. Später setzte Kleinech sein Studium in St. Petersburg und Karlsruhe fort. Die größte Popularität des Marinemalers brachten Gemälde mit Meeresstillleben und Landschaften, das Werk eines Autors ist sogar in der St. Petersburger Eremitage ausgestellt. Der Künstler starb 1919 in seiner Geburtsstadt Helsinki.