Vielfalt an musikalischen Bildern. Was ist ein musikalisches Bild oder wie erschafft man seine eigene Gefühlswelt?

Musikalisches Bild

Musik als lebendige Kunst entsteht und lebt aus der Einheit aller Tätigkeitsarten. Die Kommunikation zwischen ihnen erfolgt durch musikalische Bilder. Im Kopf des Komponisten entsteht unter dem Einfluss musikalischer Eindrücke und schöpferischer Vorstellungskraft ein musikalisches Bild, das dann in einem musikalischen Werk verkörpert wird. Ein musikalisches Bild anhören, d.h. Der in musikalischen Klängen verkörperte lebenswichtige Inhalt bestimmt alle anderen Facetten der musikalischen Wahrnehmung.

Mit anderen Worten, ein musikalisches Bild ist ein in Musik verkörpertes Bild (Gefühle, Erfahrungen, Gedanken, Reflexionen, Handlungen einer oder mehrerer Personen; jede Manifestation der Natur, ein Ereignis im Leben einer Person, eines Volkes, einer Menschheit usw.). .)

Ein musikalisches Bild ist die Kombination von Charakter, musikalischen und ausdrucksstarken Mitteln, sozialgeschichtlichen Entstehungsbedingungen, Konstruktionsmerkmalen und dem Stil des Komponisten.

Musikalische Bilder sind:

Lyrisch – Bilder von Gefühlen, Empfindungen;-episch – Beschreibung;-dramatisch - Bilder von Konflikten, Kollisionen;-Märchenbilder-Märchen, unwirklich;-komisch- lustigusw.

Der Komponist nutzt die reichen Möglichkeiten der Musiksprache und schafft ein musikalisches Bild, in demverkörpert die eine oder andere kreative Idee, den einen oder anderen Lebensinhalt.

Textlich Bilder

Das Wort Lyrik kommt vom Wort „Lyra“ – ein altes Instrument, das von Sängern (Rhapsodisten) gespielt wurde und von verschiedenen Ereignissen und erlebten Emotionen erzählte.

Der Text ist ein Monolog des Helden, in dem er über seine Erfahrungen spricht.

Das lyrische Bild offenbart die individuelle spirituelle Welt des Schöpfers. In einem lyrischen Werk gibt es im Gegensatz zu Drama und Epos keine Ereignisse – nur das Geständnis des lyrischen Helden, seine persönliche Wahrnehmung verschiedener Phänomene..

Hier sind die Haupteigenschaften von Liedtexten:-Gefühl-Stimmung-Mangel an Aktion.Werke, die das lyrische Bild widerspiegeln:

1. Beethoven „Sonate Nr. 14“ („Mondschein“)2. Schubert „Serenade“3. Chopin „Präludium“4. Rachmaninow „Vocalise“5. Tschaikowskys „Melodie“

Dramatische Bilder

Das Drama (griechisch Δρα´μα – Handlung) ist (zusammen mit Lyrik, Epos und Lyroepik) eine der Arten von Literatur, die Ereignisse durch die Dialoge der Charaktere vermittelt. Seit der Antike existiert es in folkloristischer oder literarischer Form bei verschiedenen Völkern.

Drama ist ein Werk, das den Handlungsprozess darstellt.Das Hauptthema der dramatischen Kunst waren menschliche Leidenschaften in ihren lebhaftesten Erscheinungsformen.

Die Haupteigenschaften des Dramas:

Ein Mensch befindet sich in einer schwierigen, schwierigen Situation, die ihm aussichtslos erscheint.

Er sucht nach einem Ausweg aus dieser Situation

Er gerät in einen Kampf – entweder mit seinen Feinden oder mit der Situation selbst

So handelt der dramatische Held im Gegensatz zum lyrischen Helden, kämpft und als Ergebnis dieses Kampfes gewinnt er oder stirbt – meistens.

Im Drama stehen nicht Gefühle, sondern Taten im Vordergrund. Aber diese Handlungen können gerade durch Gefühle verursacht werden, und zwar durch sehr starke Gefühle – Leidenschaften. Der Held begeht unter der Kraft dieser Gefühle aktive Handlungen.

Fast alle Shakespeare-Helden gehören zu dramatischen Bildern: Hamlet, Othello, Macbeth.

Sie alle werden von starken Leidenschaften überwältigt, sie alle befinden sich in einer schwierigen Situation.

Hamlet wird vom Hass auf die Mörder seines Vaters und dem Wunsch nach Rache gequält;

Othello leidet unter Eifersucht;

Macbeth ist sehr ehrgeizig, sein Hauptproblem ist der Machthunger, weshalb er beschließt, den König zu töten.

Drama ist ohne einen dramatischen Helden undenkbar: Er ist ihr Nerv, ihr Mittelpunkt, ihre Quelle. Das Leben wirbelt um ihn herum, wie Wasser, das unter der Wirkung eines Schiffspropellers aufgewühlt wird. Selbst wenn der Held untätig ist (wie Hamlet), dann ist dies explosive Untätigkeit. „Der Held sucht nach einer Katastrophe. Ohne Katastrophe ist ein Held unmöglich.“ Wer ist er – ein dramatischer Held? Sklave der Leidenschaft. Nicht er schaut zu, sondern sie treibt ihn in die Katastrophe.Werke mit dramatischen Bildern:1. Tschaikowsky „Pique Dame“
„Die Pique Dame“ ist eine Oper nach der gleichnamigen Erzählung von A. S. Puschkin.

Die Handlung der Oper:

Die Hauptfigur der Oper ist der Offizier Herman, gebürtiger Deutscher, arm und träumt von einer schnellen und einfachen Bereicherung. Im Herzen ist er ein Spieler, hat aber nie Karten gespielt, obwohl er schon immer davon geträumt hat.

Zu Beginn der Oper verliebt sich Herman in die reiche Erbin der alten Gräfin, Lisa. Doch er ist arm und hat keine Chance zu heiraten. Das heißt, es entsteht sofort eine aussichtslose, dramatische Situation: Armut und als Folge dieser Armut die Unfähigkeit, das Mädchen zu erreichen, das er liebt.

Und dann findet Herman durch Zufall heraus, dass die alte Gräfin, Lisas Gönnerin, das Geheimnis der 3 Karten kennt. Wenn Sie dreimal hintereinander auf jede dieser Karten setzen, können Sie ein Vermögen gewinnen. Und Herman setzt sich zum Ziel, diese 3 Karten zu lernen. Dieser Traum wird zu seiner stärksten Leidenschaft, dafür opfert er sogar seine Liebe: Er nutzt Lisa als Mittel, um in das Haus der Gräfin einzudringen und das Geheimnis herauszufinden. Er vereinbart für Lisa einen Termin im Haus der Gräfin, geht aber nicht zu dem Mädchen, sondern zu der alten Frau und fordert sie mit vorgehaltener Waffe auf, ihm drei Karten zu verraten. Die alte Frau stirbt, ohne es ihm zu sagen, doch in der nächsten Nacht erscheint ihm ihr Geist und sagt: „Drei, sieben, Ass.“

Am nächsten Tag gesteht Herman Lisa, dass er für den Tod der Gräfin verantwortlich war. Lisa, die einem solchen Schlag nicht standhalten kann, ertränkt sich im Fluss, und Herman geht in ein Glücksspielhaus und setzt nacheinander drei und sieben. gewinnt, setzt dann ein Ass für das gesamte gewonnene Geld, doch im letzten Moment erscheint statt eines Asses die Pik-Dame in seinen Händen. Und Herman sieht im Gesicht dieser Pik-Dame eine alte Gräfin. Alles, was er gewinnt, verliert er und begeht Selbstmord.

Herman in Tschaikowskys Oper ist völlig anders als die von Puschkin.

Puschkins Herman ist kalt und berechnend, Lisa ist für ihn nur ein Mittel auf dem Weg zur Bereicherung – ein solcher Charakter konnte Tschaikowsky nicht fesseln, der seinen Helden immer lieben musste. Vieles in der Oper entspricht nicht der Geschichte von Puschkin: der Zeitpunkt der Handlung, die Charaktere der Charaktere.

Tschaikowskys Hermann ist ein leidenschaftlicher, romantischer Held mit starken Leidenschaften und einer feurigen Fantasie; er liebt Lisa und erst nach und nach verdrängt das Geheimnis der drei Karten ihr Bild aus Hermans Bewusstsein.

2. Beethoven „Symphonie Nr. 5“Sämtliche Werke Beethovens können als dramatisch bezeichnet werden. Sein persönliches Leben wird zur Bestätigung dieser Worte. Der Kampf ist der Sinn seines ganzen Lebens. Der Kampf gegen die Armut, der Kampf gegen soziale Normen, der Kampf gegen Krankheiten. Der Autor selbst sagte über das Werk „Symphonie Nr. 5“: „Das Schicksal klopft also an die Tür!“

3. Schubert „Der Waldkönig“Es zeigt den Kampf zwischen zwei Welten – der realen und der fantastischen. Da Schubert selbst ein romantischer Komponist ist und die Romantik von einer Faszination für die Mystik geprägt ist, kommt die Kollision dieser Welten in diesem Werk sehr deutlich zum Ausdruck. Die reale Welt wird im Bild eines Vaters dargestellt, er versucht, die Welt ruhig und vernünftig zu betrachten, den Waldkönig sieht er nicht. Fantastische Welt – Waldkönig, seine Töchter. Und das Baby befindet sich an der Schnittstelle dieser Welten. Er sieht den Waldkönig, diese Welt macht ihm Angst und zieht ihn an, und gleichzeitig bezieht er sich auf die reale Welt und bittet seinen Vater um Schutz. Doch am Ende siegt die Fantasiewelt trotz aller Bemühungen des Vaters.„Der Reiter drängt, der Reiter galoppiert,In seinen Händen lag ein totes Baby.

In diesem Werk vermischen sich fantastische und dramatische Bilder. Aus dem dramatischen Bild sehen wir einen heftigen, unversöhnlichen Kampf, aus dem Fantastischen - einen mystischen Blick.

Epische BilderEPOS, [Griechisch. Epos - Wort]Ein Epos ist normalerweise ein Gedicht, das von heldenhaften Menschen handelt. Taten.

Die Ursprünge der epischen Poesie liegen in prähistorischen Geschichten über Götter und andere übernatürliche Wesen.

Episch ist Vergangenheit, denn erzählt von vergangenen Ereignissen im Leben der Menschen, von ihrer Geschichte und ihren Heldentaten;

^ Die Texte sind echt, weil sein Gegenstand sind Gefühle und Stimmungen;

Drama ist die Zukunft, denn Die Hauptsache dabei ist die Aktion, mit deren Hilfe die Helden versuchen, über ihr Schicksal, ihre Zukunft zu entscheiden.

Das erste und einfache Schema für die Einteilung der mit Worten verbundenen Künste wurde von Aristoteles vorgeschlagen, wonach ein Epos eine Geschichte über ein Ereignis ist, das Drama es in Personen darstellt und die Texte mit dem Gesang der Seele antworten.

Der Ort und die Zeit der Handlung der epischen Helden ähneln der realen Geschichte und Geographie (wobei sich das Epos radikal von Märchen und Mythen unterscheidet, die völlig unwirklich sind). Allerdings ist das Epos nicht ganz realistisch, obwohl es auf realen Ereignissen basiert. Vieles davon ist idealisiert und mythologisiert.

Das ist die Eigenschaft unseres Gedächtnisses: Wir verschönern unsere Vergangenheit immer ein wenig, besonders wenn es um unsere große Vergangenheit, unsere Geschichte, unsere Helden geht. Und manchmal ist es auch umgekehrt: Manche historischen Ereignisse und Charaktere kommen uns schlimmer vor, als sie wirklich waren. Eigenschaften des Epos:

Heldentum

Die Einheit des Helden mit seinem Volk, in dessen Namen er Taten vollbringt

Geschichtlichkeit

Fabelhaftigkeit (manchmal kämpft der epische Held nicht nur gegen echte Feinde, sondern auch gegen Fabelwesen)

Wertigkeit (Helden des Epos sind entweder gut oder schlecht, zum Beispiel Helden in Epen – und ihre Feinde, alle Arten von Monstern)

Relative Objektivität (das Epos beschreibt reale historische Ereignisse und der Held kann seine eigenen Schwächen haben)Epische Bilder in der Musik sind nicht nur Bilder von Helden, sondern auch von Ereignissen, Geschichte, es können auch Naturbilder sein, die das Mutterland in einer bestimmten historischen Epoche darstellen.

Das ist der Unterschied zwischen Epos und Lyrik und Drama: Nicht der Held mit seinen persönlichen Problemen steht im Vordergrund, sondern die Geschichte.Werke epischer Natur:1. Borodin „Heroische Symphonie“2. Borodin „Prinz Igor“

Borodin Alexander Porfirievich (1833-1887), einer der Komponisten der „Mighty Handful“.

Alle seine Arbeiten sind vom Thema der Größe des russischen Volkes, der Liebe zum Vaterland und der Liebe zur Freiheit durchdrungen.

Dies ist das Thema sowohl der „Heroischen Symphonie“, die das Bild des mächtigen heroischen Vaterlandes einfängt, als auch der Oper „Fürst Igor“, die auf dem russischen Epos „Die Geschichte von Igors Feldzug“ basiert.

„Die Geschichte von Igors Feldzug“ („Die Geschichte vom Feldzug von Igor, Igor, Swjatoslaws Sohn, Olegs Enkel) ist das berühmteste (als das größte) Denkmal der mittelalterlichen russischen Literatur. Die Handlung basiert auf dem erfolglosen Feldzug von 1185 von russischen Fürsten gegen die Polowzianer, angeführt von Fürst Igor Swjatoslawitsch.

3. Mussorgskys „Bogatyr-Tor“

Märchenhafte Bilder

Der Name selbst deutet auf die Handlung dieser Werke hin. Diese Bilder sind am deutlichsten in den Werken von N.A. Rimsky-Korsakov verkörpert. Dabei handelt es sich um die symphonische Suite „Scheherazade“ nach den Märchen „1001 Nacht“ und seinen berühmten Märchenopern „Das Schneewittchen“, „Das Märchen vom Zaren Saltan“, „Der goldene Hahn“ usw. In Rimsky-Korsakovs Musik erscheinen märchenhafte, fantastische Bilder in enger Verbindung mit der Natur. Am häufigsten verkörpern sie, wie in Werken der Volkskunst, bestimmte Elementarkräfte und Naturphänomene (Frost, Leshy, Meeresprinzessin usw.). Fantastische Bilder enthalten neben musikalischen, malerischen, märchenhaften und phantastischen Elementen auch Merkmale der äußeren Erscheinung und des Charakters realer Menschen. Diese Vielseitigkeit (auf die bei der Analyse der Werke näher eingegangen wird) verleiht Korsakovs musikalischer Fantasie eine besondere Originalität und poetische Tiefe.

Rimsky-Korsakovs Instrumentalmelodien zeichnen sich durch große Originalität, komplexe melodisch-rhythmische Struktur, Beweglichkeit und Virtuosität aus, die der Komponist bei der musikalischen Darstellung fantastischer Charaktere verwendet.

Hier können wir auch fantastische Bilder in der Musik erwähnen.

fantastische Musik
einige Gedanken

Niemand zweifelt mehr daran, dass Science-Fiction-Werke, die jedes Jahr in großer Zahl erscheinen, und Science-Fiction-Filme, von denen viele auch vor allem in den USA produziert werden, sich großer Beliebtheit erfreuen. Wie wäre es mit „Fantasy-Musik“ (oder, wenn Sie es vorziehen, mit „musikalischer Fiktion“)?

Zunächst einmal: Wenn man darüber nachdenkt, gibt es „Fantasy-Musik“ schon seit geraumer Zeit. Ist es nicht möglich, alte Lieder und Balladen (Folklore) einzubeziehen, die von verschiedenen Völkern auf der ganzen Erde komponiert wurden, um legendäre Helden und verschiedene Ereignisse (einschließlich märchenhafter und mythologischer Ereignisse) zu preisen? Und um das 17. Jahrhundert entstanden Opern, Ballette und verschiedene symphonische Werke, die auf verschiedenen Märchen und Legenden basierten. Das Eindringen der Fantasie in die Musikkultur begann im Zeitalter der Romantik. Aber wir können Elemente seiner „Invasion“ leicht in den Werken musikalischer Romantiker wie Mozart, Gluck und Beethoven finden. Die deutlichsten fantastischen Motive sind jedoch in der Musik der deutschen Komponisten R. Wagner, E. T. A. Hoffmann, K. Weber und F. Mendelssohn zu hören. Ihre Werke sind voller gotischer Anklänge, märchenhafter Motive und phantastischer Elemente, eng verknüpft mit dem Thema der Konfrontation zwischen Mensch und umgebender Realität. Man kann nicht umhin, sich an den norwegischen Komponisten Edvard Grieg zu erinnern, der für seine auf Volksepen basierenden musikalischen Leinwände berühmt ist, und an die Werke von Henrik Ibsen „Prozession der Zwerge“, „In der Höhle des Bergkönigs“, „Tanz der Elfen“.
sowie der Franzose Hector Berlioz, in dessen Werk das Thema der Elemente der Naturgewalten deutlich zum Ausdruck kommt. Auch in der russischen Musikkultur manifestierte sich die Romantik auf einzigartige Weise. Voller fantastischer Bilder hatten Mussorgskys Werke „Bilder einer Ausstellung“ und „Nacht auf dem kahlen Berg“, die einen Hexensabbat in der Nacht von Ivan Kupala darstellen, einen enormen Einfluss auf die moderne Rockkultur. Mussorgsky schuf auch die musikalische Interpretation von N.V. Gogols Erzählung „Sorochinskaya Fair“. Das Eindringen literarischer Fiktion in die Musikkultur ist übrigens am deutlichsten in den Werken russischer Komponisten spürbar: „Die Pique Dame“ von Tschaikowsky, „Die Meerjungfrau“ und „Der steinerne Gast“ von Dargomyzhsky, „Ruslan und Ljudmila“. von Glinka, „Der goldene Hahn“ von Rimsky-Korsakov, „Der Dämon“ von Rubinstein usw. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts vollzog der mutige Experimentator Skrjabin, ein Apologet der synthetischen Kunst, eine wahre Revolution in der Musik die Ursprünge der Unterhaltungsmusik. In der symphonischen Partitur schrieb er den leichten Teil als separate Zeile. Seine Werke wie „Das göttliche Gedicht“ (3. Symphonie, 1904), „Gedicht des Feuers“ („Prometheus“, 1910) und „Gedicht der Ekstase“ (1907) sind voller fantastischer Bilder. Und selbst so anerkannte „Realisten“ wie Schostakowitsch und Kabalewski nutzten die Technik der Fantasie in ihren musikalischen Werken. Aber vielleicht beginnt die wahre Blüte der „fantastischen Musik“ (Musik in der Science-Fiction) in den 70er Jahren unseres Jahrhunderts mit der Entwicklung der Computertechnologie und dem Erscheinen der berühmten Filme „2001: Odyssee im Weltraum“ von S. Kubrick (wo übrigens klassische Klassiker sehr erfolgreich eingesetzt wurden, Werke von R. Strauss und I. Strauss) und „Solaris“ von A. Tarkovsky (der in seinem Film zusammen mit dem Komponisten E. Artemyev einer der ersten Russen war) Synthesizer" schufen einen einfach wunderbaren Klanghintergrund, der geheimnisvolle kosmische Klänge mit genialer Musik von J.-S. Bach kombinierte. Ist es möglich, sich die berühmte „Star Wars“-Trilogie von J. Lucas und sogar „Indiana Jones“ (bei dem Steven Spielberg Regie führte – aber es war Lucas‘ Idee!) ohne die feurige und romantische Musik von J. Williams vorzustellen? , aufgeführt von einem Sinfonieorchester.

Mittlerweile (Anfang der 70er Jahre) erreicht die Entwicklung der Computertechnologie ein gewisses Niveau – es erscheinen Musiksynthesizer. Diese neue Technik eröffnet Musikern brillante Perspektiven: Es ist endlich möglich, der Fantasie freien Lauf zu lassen und zu modellieren, erstaunliche, geradezu magische Klänge zu erzeugen, sie in Musik zu verweben, den Klang wie ein Bildhauer zu „formen“!.. Vielleicht ist das so echte Science-Fiction. in der Musik. Von diesem Moment an beginnt eine neue Ära, eine Galaxie der ersten Meistersynthesizer und Autoren und Interpreten ihrer Werke erscheint.

Comic-Bilder

Das Schicksal des Komischen in der Musik war dramatisch. Viele Kunstkritiker erwähnen das Komische in der Musik überhaupt nicht. Der Rest leugnet entweder die Existenz der Musikkomödie oder hält ihre Möglichkeiten für minimal. Der häufigste Standpunkt wurde von M. Kagan gut formuliert: „Die Möglichkeiten, in der Musik ein komisches Bild zu schaffen, sind minimal.“ (...) Vielleicht begann die Musik erst im 20. Jahrhundert, aktiv nach eigenen, rein musikalischen Mitteln zur Schaffung komischer Bilder zu suchen. (...) Und doch hat das Komische trotz der wichtigen künstlerischen Entdeckungen der Musiker des 20. Jahrhunderts nicht an musikalischer Kreativität gewonnen und wird offenbar auch nie den Platz einnehmen, den es seit langem in der Literatur und im dramatischen Theater einnimmt Kunst und Kino.“ .

Der Comic ist also lustig und hat eine weitreichende Bedeutung. Die Aufgabe lautet „Korrektur durch Lachen“. Lächeln und Lachen werden nur dann zu „Begleitern“ des Komischen, wenn sie das Gefühl der Befriedigung ausdrücken, das der spirituelle Sieg eines Menschen über das hervorruft, was seinen Idealen widerspricht, was mit ihnen unvereinbar ist, was ihm feindlich gegenübersteht ihn, denn zu entlarven, was dem Ideal widerspricht, seinen Widerspruch zu erkennen bedeutet, das Böse zu überwinden, sich von ihm zu befreien. Folglich liegt, wie der führende russische Kosmetiker M. S. Kagan schrieb, die Kollision von Realem und Idealem die Grundlage des Komischen. Es sollte daran erinnert werden, dass das Komische im Gegensatz zum Tragischen nur dann auftritt, wenn es anderen kein Leid bereitet und für den Menschen nicht gefährlich ist.

Schattierungen des Komischen sind Humor und Satire. Humor ist eine gutmütige, sanfte Verhöhnung einzelner Mängel und Schwächen eines insgesamt positiven Phänomens. Humor ist freundliches, gutmütiges Lachen, wenn auch nicht zahnlos.

Satire ist die zweite Art von Comic. Im Gegensatz zum Humor ist satirisches Lachen ein bedrohliches, grausames, vernichtendes Lachen. Um das Böse, soziale Missbildungen, Vulgarität, Unmoral und dergleichen so weit wie möglich zu verletzen, wird das Phänomen oft bewusst übertrieben und aufgebauscht.

Alle Kunstformen haben die Fähigkeit, Komik zu schaffen. Über Literatur, Theater, Kino, Malerei muss nicht gesprochen werden – es ist so offensichtlich. Scherzo, einige Bilder in Opern (zum Beispiel Farlaf, Dodon) – verwirklichen das Komische in der Musik. Oder erinnern wir uns an das Finale des ersten Satzes von Tschaikowskys Zweiter Symphonie, geschrieben zum Thema des humorvollen ukrainischen Liedes „Kranich“. Das ist Musik, die den Zuhörer zum Lächeln bringt. Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“ sind voller Humor (zum Beispiel „Ballett der ungeschlüpften Küken“). Rimski-Korsakows „Der goldene Hahn“ und viele musikalische Bilder des zweiten Satzes von Schostakowitschs Zehnter Symphonie sind scharf satirisch.

Architektur ist die einzige Kunstform, die keinen Sinn für Humor hat. Das Komische in der Architektur wäre sowohl für den Betrachter, den Bewohner als auch für den Besucher des Gebäudes oder Bauwerks eine Katastrophe. Ein erstaunliches Paradoxon: Architektur hat ein enormes Potenzial, das Schöne, das Erhabene, das Tragische zu verkörpern, die ästhetischen Ideale der Gesellschaft auszudrücken und zu bestätigen – und ist grundsätzlich der Fähigkeit beraubt, ein komisches Bild zu schaffen.

In der Musik offenbart sich die Komik als Widerspruch durch künstlerische, speziell organisierte Algorithmen und Widersprüchlichkeiten, die immer auch ein Überraschungsmoment enthalten. Beispielsweise ist die Kombination verschiedener Melodien ein musikalisches und komödiantisches Mittel. Dodons Arie in der Oper „Der goldene Hahn“ von N. A. Rimsky-Korsakov basiert auf diesem Prinzip, wobei die Kombination aus Primitivität und Raffinesse eine groteske Wirkung erzeugt (in Dodons Mund hört man die Intonationen des Liedes „Chizhik-Pyzhik“). .
In Musikgenres, die mit Bühnengeschehen oder literarischem Programm verbunden sind, wird der Widerspruch des Komischen erfasst und sichtbar gemacht. Instrumentalmusik kann jedoch das Komische ausdrücken, ohne auf „außermusikalische“ Mittel zurückzugreifen. R. Schumann, der nach seinen eigenen Worten zum ersten Mal Beethovens Rondo in G-Dur gespielt hatte, begann zu lachen, da ihm dieses Werk so vorkam Der lustigste Witz der Welt. Wie groß war sein Erstaunen, als er später in Beethovens Nachlässen eine Notiz entdeckte, dass dieses Rondo den Titel „Wut um einen verlorenen Groschen, ausgeschüttet in Form eines Rondo“ trug. Über das Finale von Beethovens Zweiter Symphonie schrieb derselbe Schumann, dass dies das größte Beispiel für Humor in der Instrumentalmusik sei. Und in den musikalischen Momenten von F. Schubert hörte er die unbezahlten Rechnungen des Schneiders – darin klang so offensichtlicher Alltagsfrust.

Musik nutzt oft Überraschungen, um einen komischen Effekt zu erzielen. So gibt es in einer der Londoner Symphonien von J. Haydn einen Witz: Ein plötzlicher Paukenschlag erschüttert das Publikum und reißt es aus seiner verträumten Zerstreuung. In J. Strauss‘ „Walzer with a Surprise“ wird der sanfte Fluss der Melodie unerwartet durch das Klatschen eines Pistolenschusses unterbrochen. Dies sorgt stets für eine fröhliche Reaktion des Publikums. In „The Seminarist“ von M.P. Mussorgsky werden weltliche Gedanken, die durch die sanfte Bewegung der Melodie vermittelt werden, plötzlich durch Geplapper unterbrochen, was das Auswendiglernen lateinischer Texte verkörpert.

Die ästhetische Grundlage all dieser musikalisch-komischen Mittel ist der Überraschungseffekt.

Komische Märsche

Komische Märsche sind Scherzmärsche. Jeder Witz basiert auf lustigen Absurditäten, lustigen Ungereimtheiten. Darauf müssen wir bei der Musik komischer Märsche achten. Es gab auch komische Elemente im Tschernomor-Marsch. Die Feierlichkeit der Akkorde im ersten Abschnitt (ab dem fünften Takt) entsprach nicht der kurzen, „flackernden“ Dauer dieser Akkorde. Das Ergebnis war eine witzige musikalische Absurdität, die ganz im übertragenen Sinne ein „Porträt“ eines bösen Zwergs zeichnete.

Daher ist Chernomors Marsch auch teilweise komisch. Aber nur zum Teil, denn da steckt noch viel mehr drin. Aber Prokofjews Marsch aus der Sammlung „Kindermusik“ ist vom Anfang bis zum Ende im Geiste eines komischen Marsches gehalten.

Wenn man über ein komisches Bild in der Musik spricht, fallen einem im Allgemeinen sofort die folgenden Musikwerke ein:

Wolfgang Amadeus Mozarts „Die Hochzeit des Figaro“, wo bereits in der Ouvertüre (Einleitung zur Oper) lachende und humorvolle Töne zu hören sind. Und die Handlung der Oper selbst erzählt die Geschichte eines dummen und lustigen Besitzers, des Grafen, und eines fröhlichen und intelligenten Dieners, Figaro, dem es gelang, den Grafen zu überlisten und ihn in eine dumme Lage zu bringen.

Nicht umsonst wurde Mozarts Musik im Film „Trading Places“ mit Eddie Murphy verwendet.

Generell gibt es in Mozarts Werk viele Beispiele für das Komische, und Mozart selbst wurde als „sonnig“ bezeichnet: In seiner Musik ist so viel Sonne, Leichtigkeit und Lachen zu hören.

Ich möchte Sie auch auf Michail Iwanowitsch Glinkas Oper „Ruslan und Ljudmila“ aufmerksam machen. Die beiden Figuren Farlaf und Chernomor hat der Komponist nicht ohne Humor geschrieben. Der dicke, tollpatschige Farlaf träumt von einem leichten Sieg (Treffen mit der Zauberin Naina, die ihm verspricht:

Aber hab keine Angst vor mir:
Ich bin günstig für dich;
Geh nach Hause und warte auf mich.
Wir werden Lyudmila heimlich mitnehmen,
Und Svetozar für deine Leistung
Er wird sie dir zur Frau geben.) Farlaf ist so glücklich, dass ihn dieses Gefühl überwältigt. Für die musikalische Charakterisierung von Farlaf wählt Glinka die Rondo-Form, die auf der wiederholten Rückkehr zum gleichen Gedanken basiert (ein Gedanke beherrscht ihn), und sogar der Bass (tiefe Männerstimme) zwingt ihn, in einem sehr schnellen Tempo, fast trappelnd, zu singen. was einen komischen Effekt hat (er schien außer Atem zu sein).

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Folienunterschriften:

Genres der klassischen Musik

Vokalmusik Instrumentalmusik In welche Gruppen lassen sich alle Musikstücke nach der Art der Aufführung einteilen?

Vokalmusik Unbegleitet Mit Begleitung Große Form Miniaturen Chöre A-Capella-Oper Operette Kantate Oratorium Musical Georgy Sviridov Chor „Wintermorgen“ Sergei Prokofjew Kantate „Alexander Newski“ https://yadi.sk/d/-k6X8UT4cKqCu ♪ ♪ https:// yadi. sk/i/ZczaGRpGcKqNP

Kantate ist ein mehrteiliges Werk für Chor, Solisten und Symphonieorchester. Sergej Prokofjews Kantate „Alexander Newski“ IV Teil „Erhebt euch, russisches Volk!“ ♪ https://yadi.sk/i/n95OXbvUcKqVL ♪ Georgy Sviridov „Winter is Singing“ aus der Kantate „In Memory of Yesenin“ https://yadi.sk/i/s9qbpwCxcKqyg

Das Oratorium ist größer und hat eine dramatische Handlung. ♪ G.-F. Händel „Halleluja“ aus dem Oratorium „Die Schöpfung“ https://yadi.sk/i/4LUzjabTcKqj2

Operette (italienisch: Operette – kleine Oper) ist eine Theateraufführung, bei der sich einzelne Musiknummern mit Dialogen ohne Musik abwechseln. Operetten basieren auf einer komischen Handlung.

St. Petersburger Theater für Musikkomödie

Ein Musical ist ein Musical- und Bühnenwerk, in dem Dialoge, Lieder, Musik ineinandergreifen und Choreografie eine wichtige Rolle spielt. Die Handlungsstränge sind oft berühmten literarischen Werken und Weltdramen entnommen („My Fair Lady“ von Bernard Shaw, „Kiss Me, Kate!“ von Shakespeare, „Man of La Mancha“ von Cervantes, „Oliver!“ von Dickens).

Vokalmusik Unbegleitet Mit Begleitung Große Form Miniaturen Chöre A-Capella-Oper Operette Kantate Oratorium Musiklied Romantik Vokalisation Serenade Balladen Ensembles

Instrumentalmusik in großer Form, Kammermusik, Symphonie, Konzert, Ouvertüre, Symphonische Suite, Symphonische Dichtung, Ballett, Sonate, Etüde, Präludium, Toccata, Fuge, Nocturne, Impromptu, Balladenspiel, Ensembles

Das Konzert ist ein Werk für Soloinstrument und Symphonieorchester in drei Teilen. Eine Sinfonie ist ein Werk für ein Sinfonieorchester in vier Sätzen. Etüde ist eine instrumentale Miniatur zur Schulung der Spieltechnik.

Vorschau:

GBOU-Sekundarschule Nr. 238 mit vertieftem Studium der englischen Sprache

Admiralteysky-Bezirk von St. Petersburg

Lehrerin Dolmatova Marina Borisovna

Entwicklung eines Musikunterrichts in der 7. Klasse.

Thema: „Vielfalt musikalischer Bilder. Kantate"

Ziele:

• Entwicklung der emotionalen Sphäre der Schüler, Förderung ihres musikalischen und ästhetischen Geschmacks, Interesse und Liebe für hochkünstlerische Musik, Wunsch, sie zu hören und aufzuführen.
• Übertragung positiver spiritueller Erfahrungen von Generationen, konzentriert in der Musikkunst.
• Erziehung zur Staatsbürgerschaft und zur Liebe zum Vaterland.

Aufgaben:

Enthüllen Sie die Merkmale des Kantatengenres

Setzen Sie die Bildung emotional-figurativer Ideen anhand des Beispiels fort

Kantaten von S. Prokofjew „Alexander Newski“

Wiederholen und festigen Sie Ihr Wissen über die Genres der klassischen Musik und vertiefen Sie so Ihr Verständnis

Zusammenhänge zwischen dem musikalischen Bild und der Gattung des Werkes.

Arbeiten Sie weiter an den stimmlichen und chorischen Fähigkeiten im Gesang

O. Yurgenstein „The Clock“ und A. Gorodnitskys Lied „Trezzini Palace“

Technologie:

Elemente der Spieletechnologie, Elemente der Technologie für entwicklungsorientierte und differenzierte Bildung, Informationstechnologie.

Unterrichtsart : kombiniert

Musikalisches Material:Audio-, Video- und Filmfragmente (S.S. Prokofjews Kantate „Alexander Newski“, S. Eisensteins Film „Alexander Newski“, G.-F. Händel Halleluja aus dem Oratorium „Messias“, G. Sviridov „Wintermorgen“), O. Yurgenstein „Uhr“, A. Gorodnitsky „Trezzini-Palast“

Ausrüstung: Computer, Multimediaprojektor, Klavier, Gitarre, Schlagzeug

Werkzeuge.

WÄHREND DES UNTERRICHTS

Zeit organisieren

Begrüßung, motivierende Einstellung zur Zusammenarbeit, erfolgreiches Arbeiten. Bekanntgabe der Unterrichtsziele.

Der erste Block der Lektion ist theoretisch

Musikalische Kunst hat, wie jede andere auch, ihre eigene Sprache, ihre eigene Ausdrucksweise, ihre eigenen Charakteristika. In der Musik drückt ein Mensch seine Gedanken und Gefühle ungewöhnlich stark und lebendig aus.

Was sind die Merkmale der Musikkunst?

(unspezifischer musikalischer Klang, Entwicklung der Musik im Laufe der Zeit)

Was drücken musikalische Klänge aus? Wie wirken sie auf uns? Welche Bilder erzeugen Komponisten in ihren Werken? Manchmal ist das gar nicht so einfach zu verstehen. Unsere sensiblen Ohren, offenen Herzen und natürlich unser Wissen können uns helfen.

Wir wissen zum Beispiel, dass es in der Musik verschiedene Genres gibt.

Was ist ein Musikgenre?

(Alltagsgenres – Gesang, Tanz, Marsch und Genres der klassischen Musik, die sich in der Zusammensetzung der Interpreten und der Aufführungsmethode unterscheiden).

Bestimmen Sie beim Hören eines Musikstücks dessen Genre.

Videofragment „Wintermorgen“ von G. Sviridov

(Genre Chor a’capella)

Wenden wir uns noch einmal der Tabelle „Genres der klassischen Musik“ zu und setzen unsere Bekanntschaft mit ihnen fort (Arbeit in einem Notizbuch).

Genres der Vokalmusik mit Begleitung lassen sich in Werke großer Form, also solche, die lange erklingen, aus mehreren Teilen und dementsprechend vielen unterschiedlichen Bildern bestehen, und Miniaturen, also kleine Vokalkompositionen, einteilen. Mir kommt es so vor, als würden Sie gleich das größte, größte Genre der Vokalmusik nennen, denn wir kennen es schon lange.

Welches Genre ist das?

(Oper)

Bei der Aufnahme anderer Genres der großen Vokalmusik kann es natürlich auch vorkommen, dass man auf bekannte Namen stößt.

Heute machen wir uns mit dem Genre der Kantate vertraut. Wir wenden uns einem der markantesten Werke dieses Genres zu – der Kantate „Alexander Newski“ von Sergej Sergejewitsch Prokofjew. Sie werden vor einer schwierigen Aufgabe stehen – das Genre der Kantate zu definieren. Ich möchte Sie daran erinnern, dass hierfür zunächst die Zusammensetzung der Darsteller festgelegt werden muss. Und die zweite Aufgabe ist nicht weniger schwierig. Sie wissen natürlich, wer Alexander Newski ist und können sich die Bandbreite der musikalischen Bilder der Kantate vorstellen. Versuchen Sie, die Musik des Fragments zu charakterisieren, das wir hören werden. Welches musikalische Bild hat Prokofjew geschaffen? Also lasst uns zuhören.

Videofragment der Kantate „Steht auf, russisches Volk“

(Ein Werk für Chor, Orchester, ggf. Solisten.

Appell, Entschlossenheit, Bereitschaft zum Heldentum, das Bild des Vaterlandes – der Mittelteil, basierend auf einem russischen Volkslied.)

Tragen Sie den Begriff „Kantate“ in das Wörterbuch ein und geben Sie den Namen des Beispiels aus der Tabelle ein.

Die Kantate „Alexander Newski“ wurde von Sergej Prokofjew basierend auf der Musik zum Film geschaffen. Es besteht aus 7 Teilen: „Rus unter dem mongolischen Joch“, „Lied über Alexander Newski“, „Kreuzfahrer in Pskow“, „Erhebt euch, russisches Volk“, „Schlacht auf dem Eis“, „Totes Feld“ und „Alexanders Einzug in.“ Pskow“. Alle werden von Chor und Orchester aufgeführt, und nur eines – „Dead Field“ – ist für Mezzosopran geschrieben. Der große Filmregisseur Sergei Eisenstein drehte 1938 den großartigen Film „Alexander Newski“, in dem Musik eine sehr wichtige Rolle spielt. Wir werden uns einen Ausschnitt des Films ansehen, in dem die bereits bekannte Musik des Chores „Rise up, Russian people“ erklingt. Versuchen wir zu sehen und zu hören, welche Rolle Prokofjews Musik spielt und welche Bedeutung sie im Film hat.

Filmfragment aus S. Eisensteins Film „Alexander Newski“

(Musik ist in einem Film nicht nur ein Hintergrund, sondern ein echter Protagonist des Bildes. Musik bringt visuelle Bilder zum Vorschein und macht sie heller und bedeutungsvoller.

Die Hauptmelodie des Chores „Steh auf, russisches Volk“ atmet von Kampfkraft und Mut, der Entschlossenheit, den Feind abzuwehren. Es drückt den inneren Zustand der Charaktere des Films aus, die sich erheben, um das Mutterland zu verteidigen.

Um auf die großen Genres der Vokalmusik zurückzukommen, müssen wir zumindest kurz auf das Oratorium eingehen. Das lateinische „oro“ bedeutet „ich spreche“, „ich bete“. Die Zusammensetzung der Interpreten im Oratorium ist die gleiche wie in der Kantate – Chor, Solisten und Orchester. Aber das Oratorium hat in der Regel eine dramatische Handlung und unterscheidet sich von der Kantate durch seinen größeren Umfang.

In der Vergangenheit wurden Oratorien nur über Themen aus der Heiligen Schrift geschrieben.

Hören wir uns ein sehr berühmtes Fragment aus dem berühmten Oratorium Messias von Georg Friedrich Händel an. Ich denke, Sie werden diese Musik erkennen und wissen, wie dieses Stück heißt.

Videofragment „Halleluja“ aus dem Oratorium G.-F. Händels „Messias“

(„Halleluja“, ein an Gott gerichtetes Lobwort – „lobet Gott“)

Um den ersten Teil unserer Lektion zusammenzufassen: Erinnern wir uns daran, mit welchen Genres der klassischen Musik wir bekannt gemacht wurden?

(Kantate, Oratorium)

Was ist eine Kantate?

(Mehrstimmiges Werk für Chor, Solisten und Orchester.)

Welche Kantate haben wir gehört?

(Sergej Prokofjews Kantate „Alexander Newski“)

In der nächsten Lektion werden wir uns weiter mit den Genres Musik befassen und uns mit den Genres Operette und Musical vertrauter machen.

Zweiter Block – Gesangs- und Chorarbeit

Und jetzt werden wir von aufmerksamen und sachkundigen Zuhörern zu nicht weniger aufmerksamen und sachkundigen Künstlern. Beginnen wir mit dem Sprechgesang „The Hours“, bei dem die aktive Arbeit des Artikulationsapparates sehr wichtig ist.

Aufführung des Sprechgesangs „The Hours“.

Arbeiten Sie an aktiver Klangerzeugung, aktiver Gesangsatmung und klarer Diktion. Vorzeigen des Rhythmus in der Lücke mit Klatschen und präzisem Übergang vom Vorzeigen des Rhythmus zum Gesang.

D m b d m b

Erschwerend für die Aufführungsaufgabe ist die Verwendung von drei Gruppen von Schlaginstrumenten zur Demonstration rhythmischer Akzente. Zum Beispiel, D aus Holz (Löffel, Kisten), M Metall (Dreiecke) und b Arabans (Tamburine).

Sie und ich wissen, wie schwierig es ist, ein Musikstück aufzuführen. Es ist nicht nur notwendig, die Melodie genau zu singen und den Text des Liedes zu lernen, sondern vor allem auch das darin eingebettete Bild zu offenbaren. Natürlich ist in einem Bardenlied wie „Trezini Palace“ von Alexander Gorodnitsky das Bild in erster Linie mit dem Text des Liedes verbunden, und das ist überhaupt nicht einfach. Aber Sie und ich sind Einwohner von St. Petersburg, was bedeutet, dass wir unseren Zuhörern die Liebe zu unserer Stadt vermitteln können, von der Gorodnitskys Lied erfüllt ist.

Um eine vertrauensvolle Stimmung zu schaffen, spielen wir ein Lied mit der Gitarre, so wie Barden normalerweise ihre Lieder singen.

Aufführung von A. Gorodnitskys Lied „Trezini Palace“ mit Gitarrenbegleitung(es ist besser, die Studierenden in die Begleitung einzubeziehen)

Zum Abschluss unserer Lektion möchte ich Sie noch einmal daran erinnern, dass wir heute zwei Genres der klassischen Musik kennengelernt haben.

Welche Genres sind das?

Welche Musikstücke wurden während des Unterrichts gespielt?

Es hat mich sehr gefreut, dass Sie sich heute im Unterricht nicht nur als aufmerksame, einfühlsame Zuhörer, sondern auch als gute und ausdrucksstarke Darsteller erwiesen haben.

(Die Arbeit der Schüler wird sowohl nach jedem Unterrichtsblock als auch am Ende bewertet.)

Das musikalische Bild hat objektive und subjektive Seiten. Es vermittelt die Essenz des Phänomens, seine typischen Merkmale. Ein musikalisches Bild ist eine spezifische Form einer verallgemeinerten Reflexion des Lebens durch die Mittel der Musikkunst. Grundlage des musikalischen Bildes ist das musikalische Thema. Ein musikalisches Bild ist eine Einheit objektiver und subjektiver Prinzipien. Inhalt künstlerisch Das Bild in der Musik ist das menschliche Leben.

Das musikalische Bild verkörpert die wesentlichsten, typischsten Merkmale des Phänomens – das ist Objektivität. Die zweite Seite des Bildes ist subjektiv und mit dem ästhetischen Aspekt verbunden. Das Bild vermittelt ein sich entwickelndes Phänomen. Der subjektive Faktor ist in der Musik von großer Bedeutung, sowohl im kreativen Prozess der Entstehung eines Musikwerks als auch im Prozess seiner Wahrnehmung. Allerdings führt die Übertreibung des subjektiven Prinzips in beiden Fällen zu einem Subjektivismus im Musikbegriff. Wenn man über die Reflexion der subjektiven und emotionalen Seite in der Musik spricht, kann man nicht umhin, darauf aufmerksam zu machen, dass der Musik das Abstrakt Verallgemeinerte unterliegt. Ein Bild in der Musik ist immer ein Spiegelbild des Lebens, das der Künstler durchläuft. Jedes musikalische Bild kann als Leben bezeichnet werden, das sich in der Musik des Komponisten widerspiegelt. Bei der Definition eines musikalischen Bildes muss man nicht nur die Mittel berücksichtigen, mit denen der Komponist es geschaffen hat, sondern auch, was er darin verkörpern wollte. Dabei ist es wichtig, dass auch die inhaltlich und künstlerisch bescheidensten musikalischen Bilder zwangsläufig zumindest eine leichte Weiterentwicklung enthalten.

Das erste Strukturelement der Musik ist der Klang. Er unterscheidet sich vom echten Klang in seiner physikalischen Bedeutung. Musikalischer Klang hat Höhe, Sättigung, Länge und Klangfarbe. Musik als Klangkunst ist weniger angegeben. Eine solche Eigenschaft wie Sichtbarkeit bleibt praktisch außerhalb der Grenzen des musikalischen Bildes. Musik vermittelt die Welt Wirklichkeit und Phänomene durch sensorisch-emotionale Assoziationen, d.h. nicht direkt, sondern indirekt. Deshalb ist die musikalische Sprache die Sprache der Gefühle, Stimmungen, Zustände und dann die Sprache der Gedanken.
Die Spezifität eines musikalischen Bildes ist ein Problem der musikästhetischen Theorie. Im Laufe ihrer Entwicklungsgeschichte hat die Musik auf unterschiedliche Weise gesucht angeben musikalisches Bild. Die Methoden für diese Spezifikation waren unterschiedlich:
1) Tonaufnahme;

2) die Verwendung von Intonationen mit einem klar definierten Genre Zugehörigkeit(Märsche, Lieder, Tänze);

3) Musik programmieren und schließlich

4 ) Aufbau verschiedener synthetischer Verbindungen.

Betrachten wir diese Methoden zur Konkretisierung musikalischer Bilder. Es gibt zwei Arten der Tonaufnahme: Nachahmung und assoziative.

Nachahmung: Imitationen realer Geräusche Wirklichkeit: der Gesang der Vögel (Nachtigall, Kuckuck, Wachtel) in Beethovens „Pastoralisinfonie“, der Klang von Glocken in Berlioz‘ Symphony Fantastique, der Start eines Flugzeugs und die Explosion einer Bombe in Shchedrins Zweiter Symphonie.

Assoziative Tonaufzeichnung basiert auf der Fähigkeit des Bewusstseins, Bilder – Darstellungen durch Assoziation – zu erzeugen. Die Bandbreite solcher Assoziationen ist recht groß: Assoziationen 1) durch Bewegung ("Flug der Hummel "). Beim Zuhörer entstehen Assoziationen aufgrund 2) der Höhe und Qualität des Klangs (Bär – niedrige Tonlage usw.).
Assoziationen stellen eine eigene Form der Assoziationen in der Musik dar3) nach Farbe wenn durch die Wahrnehmung eines Musikstücks eine Vorstellung von der Farbe des Phänomens entsteht.

Assoziative Tonaufnahmen kommen häufiger vor als Nachahmungen. Bezüglich der Verwendung von Intonationen mit einem hellen Genre Zugehörigkeit, dann gibt es hier unendlich viele Beispiele. So gibt es im Scherzo aus Tschaikowskys Symphonie sowohl ein Marschthema als auch das russische Volkslied „Da war eine Birke auf dem Feld ...“.

Von besonderer Bedeutung für die Konkretisierung des musikalischen Bildes ist Programmmusik. In manchen Fällen ist das Programm: 1) der Titel des Werkes selbst oder ein Epigraph. Zu anderen Zeiten präsentiert das Programm 2) den detaillierten Inhalt eines Musikwerks. Bei Sprachsendungen wird zwischen Bild- und Geschichtensendungen unterschieden. Ein Lehrbuchbeispiel kann als Gemälde dienen – „Die Jahreszeiten“ von Tschaikowsky, die Klaviervorspiele des Impressionisten Debussy „Das Mädchen mit flachsblonden Haaren“. Die Namen selbst sprechen für sich.
Das Handlungsprogramm umfasst Musikwerke, die auf einem antiken oder biblischen Mythos, einer Volkslegende oder einem Originalwerk – einem literarischen Genre – basieren, von lyrischen Werken bis hin zu Drama, Tragödie oder Komödie. Story-Programme können sein der Reihe nach entwickelt. Für die symphonische Fantasie „Francesca do Rimini“ nach Dante verwendete Tschaikowsky eine detaillierte Handlung. Dieses Werk basiert auf dem fünften Lied „Hölle“ aus der „Göttlichen Komödie“.

Manchmal wird das Programm eines Musikwerks durch ein Gemälde bestimmt. Programmmusik erweckte das Genre programmatisch zum Leben – instrumental und programmsinfonische Musik. Ist der Hörer mit der Sendung nicht vertraut, wird seine Wahrnehmung im Detail nicht ausreichend sein, besondere Abweichungen treten jedoch nicht auf (der Charakter bleibt in der Wahrnehmung der Musik unverändert). Konkretisierung musikalischer Bilder von Nicht-Programmmusik ( instrumental) erfolgt auf der Ebene der Wahrnehmung und hängt vom subjektiven Faktor ab. Es ist kein Zufall, dass verschiedene Menschen unterschiedliche Gedanken und Gefühle haben, wenn sie Nicht-Programmmusik hören.

Wissenschaftler auf der ganzen Welt versuchen, Fragen nach der Entstehung der objektvisuellen Wahrnehmung von Musik und der Existenz einer unsichtbaren Grenze zwischen der Realität von Klängen und der Illusion von Bedeutung wissenschaftlich und umfassend zu beantworten. Eine solche Forschung kann mit der ewigen Suche nach einem höheren Geist verglichen werden, und es ist notwendig, mit einem Verständnis der Natur der Entstehung eines musikalischen Bildes in einer Komposition zu beginnen.

Was ist ein musikalisches Bild?

Dies ist ein immaterieller Charakter der Komposition, der einen Strauß von Klängen, Gedanken des Komponisten, Interpreten und Zuhörern in ein einziges Energiezentrum ohne Zeit und einen Bezugspunkt für den realen Raum aufgenommen hat.

Die gesamte Komposition stellt einen Fluss sinnlicher Intonationen dar, die eine Vielzahl von Emotionen und Handlungen der Helden ihrer Geschichte begleiten. Ihre Kombination, Konsistenz und Widersprüche zueinander ergeben ein Bild der Komposition, offenbaren Facetten und erweitern die Grenzen der Selbsterkenntnis. Die Schaffung eines musikalischen Bildes in der Musik spiegelt die Palette von Gefühlen und emotionalen Erfahrungen, philosophischen Überlegungen und einer begeisterten Einstellung zur Schönheit wider.

Die wunderbare Welt der musikalischen Bilder

Wenn ein Komponist einen frühen Morgen malt, schafft er musikalische Bilder und lädt das Publikum ein, die Morgendämmerung, den Himmel in verschwommenen Wolken, das Erwachen von Vögeln und Tieren zu spüren. Zu diesem Zeitpunkt verwandelt sich die von Geräuschen erfüllte dunkle Halle augenblicklich in eine Projektion der Morgenlandschaft aus endlosen Feldern und Wäldern.

Die Seele des Zuhörers jubelt, Emotionen überwältigen mit ihrer Frische und Spontaneität. Und das alles, weil der Komponist beim Erstellen einer Melodie Klänge, deren Intonation und bestimmte Musikinstrumente verwendet hat, die das menschliche Gedächtnis auf ähnliche Klangempfindungen ausrichten können. Die Klänge einer Glocke, einer Hirtenpfeife oder das Krähen von Hähnen füllen das assoziative Bild der Melodie so sehr, dass der Handlungszeitpunkt in der Komposition keinen Zweifel lässt – der Morgen. In diesem Fall sprechen wir von konstanten, vorhersehbaren Assoziationen.

I. Haydn, Glinka, Verdi versuchten zu erklären, was das musikalische Bild des Blitzes ist, und N.A. Rimsky-Korsakov gab sich große Mühe, ein musikalisches Bild in der Musik zu schaffen. Für Licht und atmosphärische Bilder wurde Tonaufbau verwendet, und tiefe Töne wurden in die Tiefen der Erde übertragen, um sowohl in der Kunst als auch im wirklichen Leben eine logische Gegenüberstellung von tiefen und hohen Tönen aufrechtzuerhalten.

Zufällige Assoziationen eines musikalischen Bildes

Es gibt auch zufällige Assoziationen, die für jeden Menschen unvorhersehbar und streng individuell sind, wie zum Beispiel seine Lebenserfahrung. Dies sind Gerüche, Stimmungsmerkmale, atypische Beleuchtung, Zufall der Umstände zum Zeitpunkt des Hörens und vieles mehr. Eine Assoziation provoziert immer eine andere, sättigt das musikalische Bild mit zusätzlichen Details und verleiht der gesamten Komposition einen einzigartigen, zutiefst persönlichen Charakter.

Assoziationen, die durch das Hören von Musik entstehen, haben ihr Alter und ihre Relevanz. Deshalb verwandelt sich die realistische visuelle Musik vergangener Jahrhunderte allmählich in die formale, abstraktere Musik unserer Zeit. Spezifische Bildassoziationen werden obsolet. So rufen die Kompositionen von Mozart oder Bach in der Seele eines modernen Hörers nicht die Bilder hervor, die für ihre Zeitgenossen charakteristisch waren. Die Frage, was ein musikalisches Bild in der modernen Musik ist, ist nicht einfach zu beantworten. Elektronische Klänge haben längst Live-Klänge abgelöst, doch den Musikern der Zeit Tschaikowskys und Beethovens wären sie völlig fremd gewesen.

Lyrische Bilder in der Musik

Russische Klassiker wissen genau, worauf es in der Musik ankommt. Im Jahr 1840 schrieb Glinka eine Romanze nach den Gedichten des großen russischen Dichters A. S. Puschkin „Ich erinnere mich an einen wunderbaren Moment“. Der Komponist schuf Bilder eines bezaubernden Moments: die Erinnerung an die ersten Minuten der Bekanntschaft, die Bitterkeit des Abschieds von einem geliebten Menschen und die Freude über ein neues Treffen. Die schwerelose Melodie fließt zunächst sanft, ergießt sich aus sanften Motiven und wird plötzlich von einem instabilen synkopierten Rhythmus unterbrochen.

Rhythmische Akzente, ausdrucksstarke Wiederholungen und die Energie des „progressiven“ Rhythmus des Mittelteils spiegelten die Wirkung der poetischen Silbe so deutlich wider, dass die berühmten Gedichte des verliebten Dichters lebendigere, sinnlichere Emotionen erlangten, die durch ihre Tiefe und Nachwirkung auffielen .

Die ehrfürchtige Liebe zu Ekaterina Ermolaevna Kern und die tiefen Erfahrungen, die diese Beziehung begleiteten, schufen wiederum ein einzigartiges Werk spektakulärer Kontraste, flexibler Optionen und Intonationen und offenbarten neue, wenig erforschte Möglichkeiten für die Gestaltung seiner Bilder.

Was ist ein musikalisches Bild in einer Liebesgeschichte? Dies ist eine aufgeregte Rede, die das Geheimnis der Erlebnisse der Liebenden enthüllt und den Zuhörer zum Zeugen, zum Komplizen und sogar zum geliebten Helden selbst macht, der in eine Welt voller zwiespältiger Gefühle und geheimer Ängste eintaucht.

Ein talentierter Darsteller einer Romanze verschmilzt mit dem Bild des lyrischen Helden, wie einst A. S. Puschkin und Glinka mit ihm eins waren, und das unsichtbare Trio erfasst alle Sinne des Zuhörers, nimmt Besitz von seiner Vorstellungskraft und ergießt sich mit einem Energiefluss in ihn spiritueller Impuls der Liebe und des erlebten Schönheitsleidens.

„Alle Künste, wie auch die Musik, erfordern das Gefühl, das Inspiration mit sich bringt“, sagte Glinka. - Und Formen. Was bedeutet Harmonie und „forme“ bedeutet Schönheit, d.h. Verhältnismäßigkeit der Zusammenstellung eines harmonischen Ganzen... Gefühl und Form sind Seele und Körper. Das erste ist ein Geschenk höchster Gnade, das zweite wird durch Arbeit erworben …“

Lektion 1 – „Die erstaunliche Welt der musikalischen Bilder“ (6. Klasse)

Hallo Leute!

Bitte öffnen Sie Ihre Notizbücher und notieren Sie das Thema unserer Lektion.

„Kunst ist ein Mittel zur Konversation mit Menschen“, sagten M. Mussorgsky und N.A. Rimsky-Korsakov nannte Musik die Kunst des poetischen Denkens, die unserer Sprache ähnelt.

Heute müssen Sie und ich in der Lektion die Frage beantworten: Was ist zwischen musikalischer und gesprochener Sprache ähnlich?

Leute, was ist eurer Meinung nach zwischen musikalischer Sprache und gesprochener Sprache ähnlich? (Antworten der Jungs)

Bitte schauen Sie sich unser „Gänseblümchen“ an – ein Mittel des musikalischen Ausdrucks.

Musikalische und gesprochene Sprache haben etwas gemeinsam – die Intonation.

Lassen Sie uns ein „Gänseblümchen“ skizzieren. Ich sage Ihnen, was Sie in Ihr Notizbuch schreiben sollen.

Während Sie skizzieren, erkläre ich Ihnen, wie sich jedes der musikalischen Ausdrucksmittel auf die musikalische Sprache auswirkt.

Musikalische Intonationen ergeben sich alsoMelodie . Nachfolgend schreiben wir:Melodie ist die Seele eines Musikstücks, seine bedeutendste Seite. Die Entstehung eines musikalischen Bildes hängt davon ab, wie sich die Melodien entwickeln, wie sie sich miteinander verbinden und miteinander interagieren.

Öffnen wir nun das Lehrbuch auf Seite 6 und lesen wir, was ein musikalisches Bild ist. (Lektüre). Schreiben Sie den ersten Satz auf.

Künstlerische Bilder offenbaren verschiedene Facetten der spirituellen Welt eines Menschen, seine Einstellung zu verschiedenen Phänomenen im umgebenden Leben. Wenn wir in die figurative Struktur des Werkes eintauchen, machen wir uns Sorgen, fühlen uns traurig, freuen uns ...

Leute, kennt ihr musikalische Bilder? (Antworten).

Heute stellen wir Ihnen einige musikalische Bilder vor.

Schreiben wir auf, dass ein lyrisches Bild ein Bild ist, das die persönlichen Erfahrungen des Autors vermittelt.

1. A. Rubinstein - Romanze „Mountain Peaks“.

Ein dramatisches Bild ist eine musikalische Interpretation des literarischen Bildes eines Helden. Zeigt Charaktereigenschaften.

2. F. Schubert – „Der Waldkönig“.

Episches Bild – Bilder, die das Mutterland in einer bestimmten historischen Ära darstellen.

3. A. Borodin – Symphonie Nr. 2 „Bogatyrskaya“.

Der erste Abschnitt des Lehrbuchs führt uns in erstaunliche Bilder von Vokal- und Instrumentalmusik ein.

Lesen wir im Lehrbuch, was Vokalmusik ist.

(Lesen...ItalienischVokal…)

Leute, was ist Romantik? (Antworten der Jungs)

Schreiben wir auf, was Romantik ist.

„Romance“ ist eine kurze Musikkomposition für Gesang und Instrumentenbegleitung, geschrieben zu lyrischer Poesie.

Hören wir uns eine weitere russische Romanze an.

4. A. Varlamov – „Rotes Sommerkleid“.

Wie ist diese Romanze?

Zu einem russischen Volkslied.

Welche Gefühle verherrlichen russische Liebesromane?

Liebe zum Menschen, zur Mutter, Liebe zum Mutterland, zur Erde.

Lesen wir, was Instrumentalmusik ist.

Instrumentalmusik ist für das Spielen verschiedener Musikinstrumente gedacht.

Was ist Vokalisierung? (Singen ohne Worte) Lass es uns aufschreiben.

5. S.V. Rachmaninow – Vokalisierung.

Welche musikalischen Bilder sind uns heute begegnet? (Antworten der Jungs)

Die Lektion ist beendet.