Die besten Frauenporträts russischer Künstler. Interessante Schicksale von Frauen, die in den Gemälden russischer Künstler dargestellt sind
Die majestätische und vielfältige russische Malerei erfreut das Publikum immer wieder mit ihrer Unbeständigkeit und Perfektion der Kunstformen. Dies ist die Besonderheit der Werke berühmter Meister der Kunst. Sie überraschten immer wieder mit ihrer ungewöhnlichen Herangehensweise an die Arbeit und ihrer ehrfürchtigen Einstellung zu den Gefühlen und Empfindungen jeder Person. Vielleicht haben russische Künstler deshalb so oft Porträtkompositionen dargestellt, die emotionale Bilder und episch ruhige Motive anschaulich vereinen. Kein Wunder, dass Maxim Gorki einmal sagte, ein Künstler sei das Herz seines Landes, die Stimme einer ganzen Ära. Tatsächlich vermitteln die majestätischen und eleganten Gemälde russischer Künstler anschaulich die Inspiration ihrer Zeit. Wie die Bestrebungen des berühmten Autors Anton Tschechow versuchten viele, den einzigartigen Geschmack ihres Volkes sowie den unstillbaren Traum von Schönheit in die russische Malerei einzubringen. Es ist schwer, die außergewöhnlichen Leinwände dieser Meister der majestätischen Kunst zu unterschätzen, denn unter ihrem Pinsel wurden wirklich außergewöhnliche Werke verschiedener Genres geboren. Akademische Malerei, Portrait, Historienmalerei, Landschaft, Werke der Romantik, Moderne oder Symbolik – sie alle bringen ihren Betrachtern noch heute Freude und Inspiration. Jeder findet in ihnen etwas mehr als farbenfrohe Farben, anmutige Linien und unnachahmliche Genres der Weltkunst. Vielleicht hängt eine solche Fülle von Formen und Bildern, mit denen die russische Malerei überrascht, mit dem enormen Potenzial der sie umgebenden Künstlerwelt zusammen. Levitan sagte auch, dass in jeder Note üppiger Natur eine majestätische und ungewöhnliche Farbpalette steckt. Mit einem solchen Beginn öffnet sich dem Pinsel des Künstlers eine grandiose Weite. Daher zeichnen sich alle russischen Gemälde durch ihre exquisite Strenge und attraktive Schönheit aus, von der es so schwierig ist, sich zu lösen.Die russische Malerei unterscheidet sich zu Recht von der Weltkunst. Tatsache ist, dass die häusliche Malerei bis zum 17. Jahrhundert ausschließlich mit einem religiösen Thema verbunden war. Die Situation änderte sich mit der Machtübernahme des Zarenreformers Peter des Großen. Dank seiner Reformen begannen russische Meister, sich mit weltlicher Malerei zu beschäftigen, und die Ikonenmalerei wurde als separate Richtung getrennt. Das siebzehnte Jahrhundert ist die Zeit von Künstlern wie Simon Ushakov und Iosif Vladimirov. Dann wurde in der russischen Kunstwelt das Porträt geboren und schnell populär. Im 18. Jahrhundert tauchten die ersten Künstler auf, die von der Porträt- zur Landschaftsmalerei wechselten. Auffallend ist die ausgeprägte Sympathie der Meister für Winterpanoramen. Das achtzehnte Jahrhundert wurde auch für die Geburt der Alltagsmalerei in Erinnerung gerufen. Im 19. Jahrhundert gewannen in Russland drei Strömungen an Popularität: Romantik, Realismus und Klassizismus. Nach wie vor wandten sich russische Künstler dem Porträtgenre zu. Damals erschienen weltberühmte Porträts und Selbstporträts von O. Kiprensky und V. Tropinin. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zeigen Künstler immer häufiger das einfache russische Volk in seinem unterdrückten Zustand. Der Realismus wird zum zentralen Trend der Malerei dieser Zeit. Dann erschienen die Wanderers, die nur das wirkliche, wirkliche Leben darstellten. Nun, das zwanzigste Jahrhundert ist natürlich die Avantgarde. Die Künstler dieser Zeit haben sowohl ihre Anhänger in Russland als auch auf der ganzen Welt maßgeblich beeinflusst. Ihre Bilder wurden zu Vorläufern des Abstraktionismus. Die russische Malerei ist eine riesige wunderbare Welt talentierter Künstler, die Russland mit ihren Kreationen verherrlicht haben
Konstantin Makovsky ist ein berühmter russischer Künstler, der viele Gemälde der Bojaren Rus aus dem 17. Jahrhundert gemalt hat. Die Einrichtung der Bojarenchöre, die Kleidung der Helden der Gemälde sowie die Bojaren und Weißdorne selbst sind so zuverlässig wiedergegeben, dass einzelne Kapitel der Geschichte der Rus anhand der Gemälde des Künstlers studiert werden können.
Die Genauigkeit beim Schreiben einzelner Details und Motive von Mustern, die von den Händen russischer Sticker gewebt wurden, oder klarer Ornamente auf geschnitzten Kelchen und Schalen, überrascht und erfreut Betrachter der Vergangenheit und Gegenwart.
Luxuriöse, mit Perlen bestickte Kleider, erstaunlich schöne Kopfbedeckungen der damaligen Zeit, wunderschöne Weißdornen mit kostbaren Halsketten, Bojaren in Brokatkaftanen - alles ist zu spüren, mit welcher Liebe zur russischen nationalen Schönheit und Kultur, zum reichen Erbe unserer Vorfahren, diese Bilder gemalt wurden . Sie können lange in der Nähe jedes von ihnen stehen - bewundern Sie die russischen Muster und fühlen Sie sich stolz und gleichzeitig Traurigkeit, Traurigkeit, die so viel verloren gegangen ist, nicht erhalten wurde und heute nicht erhalten ist. Daher sind solche Gemälde, in denen einzigartige Zeugnisse der Kultur des russischen Landes erhalten geblieben sind, für uns besonders wertvoll.
Biographie des Künstlers Konstantin Makovsky
Konstantin Yegorovich Makovsky (1839 - 1915) wurde in eine Familie hineingeboren, in der eine Atmosphäre der Kunstverehrung herrschte. Viele berühmte Persönlichkeiten aus Kultur und Kunst besuchten ihr Haus. Der Vater des Künstlers, Yegor Ivanovich Makovsky, war im zweiten Viertel des 19. Jahrhunderts einer der größten Sammler in Moskau. Seine Hobbys waren Kunstwerke, meist alte Stiche.
Und Konstantin Yegorovich, der die Leidenschaft seines Vaters geerbt hatte, sammelte alle Meisterwerke der russischen alten Handwerkskunst, aber es war "schöne Antike". Er fügte Wohnzimmern und Werkstätten gekonnt etwas hinzu und verwendete es dann in seinen Gemälden, und etwas, das er einfach in seinen alten großen Ebenholzschrank stellte, damit er später die Schönheit und das Können russischer Meister bewundern und bewundern konnte.
Auf dem Gesims des Kamins standen alte Haushaltsgeräte: silberne Kellen, Tassen, Waschtische, Fächer - Gegenstände aus der Bojarenzeit. Alte Bojarenbrokatkostüme, bunte Sommerkleider, mit Perlen besetzte Handläufe, mit Perlenspitze bestickte Kokoshniks - all dies ist in den Gemälden des Künstlers zu sehen. Und neben den von Konstantin Yegorovich liebevoll gesammelten Dingen nahmen auch Menschen, die sich um ihn versammelten, an seinen Gemälden teil. Manchmal spielten sie Szenen aus dem Leben der Bojaren nach, die dann auf die Leinwand übertragen wurden. Und das weckte zweifellos das große Interesse des Publikums, denn durch die Gemälde von Makovsky waren sie mit dem Wissen über die Geschichte von Rus und die Kultur ihrer Vorfahren verbunden.
Die Tochter des Künstlers erzählte in ihren Memoiren, wie "... luxuriöse" lebende Bilder "aus dem Leben der Bojaren inszeniert wurden ...". Zu diesen Abenden waren manchmal bis zu 150 Personen eingeladen, darunter Vertreter alter Familien, Nachkommen der vom Künstler Abgebildeten. Sie "... geschickt und schön in Brokat- und Samtkleider gekleidet ...", um in ihnen die vom Künstler konzipierte Szene wiederzugeben. So erschienen die Gemälde - "Das Hochzeitsfest", "Die Wahl der Braut" und viele andere Gemälde.
Gemälde von Konstantin Makovsky
Auf den Leinwänden von K.E. Makovsky in hellen, luxuriösen Kostümen aus seiner eigenen Sammlung schuf Bilder von schönen Frauen, den Zeitgenossen des Künstlers. Sie betrachten das Bild und haben das Gefühl, als würde das russische Muster erstrahlen, der mit Seide und Silber bestickte Sarafan der russischen Schönheit glänzt. Und wenn Sie aufpassen, werden wir sehen, dass die Weißdornmädchen auf jedem Bild völlig unterschiedliche Kopfbedeckungen tragen. Tatsächlich war die Sammlung von Kokoshniks und Kopfbedeckungen des Künstlers die reichste und wertvollste Anschaffung.
Sammeln von Objekten der russischen Antike K.E. Makovsky studierte sein ganzes Leben lang weiter. Der Künstler sammelte Meisterwerke russischer Meister, lernte die Geschichte Russlands kennen und ließ sich von neuen Ideen inspirieren, indem er sie bewunderte. Heute rufen seine Gemälde in uns nicht nur Bewunderung für das reichste Erbe unserer Vorfahren hervor, sondern auch den Wunsch, mehr und mehr über unsere Heimat zu erfahren.
Darüber, wie K.E. Makovsky seine Sammlung in seiner Arbeit nutzte, hat der Schriftsteller E.I. Fortunato, der das Glück hatte, sein Modell zu sein.
KE Makovsky war nicht nur ein Künstler. Durch die Kommunikation mit prominenten Historikern wurde er selbst zu einem großen Spezialisten auf dem Gebiet der russischen Antike. K.E. Makovsky bemühte sich, das künstlerische Erbe Russlands zu bewahren. Daher ist es kein Zufall, dass er 1915 Mitglied der Gesellschaft zur Wiederbelebung der künstlerischen Rus wurde, deren Hauptaufgabe es war, die russische Antike zu bewahren, zu studieren und zu fördern.
Es ist bitter und traurig, dass die seit einem halben Jahrhundert gesammelte Sammlung, die einen so wichtigen Platz im Leben des Künstlers eingenommen hat und zum Spiegelbild einer ganzen Epoche der russischen Kultur geworden ist, in Frage gestellt wird Auktion nur sechs Monate nach seinem Tod. Im September 1915 wurde K. E. Makovsky auf einer der Straßen von Petrograd von einem Straßentaxi angefahren. Nach einer schweren Kopfverletzung starb der Künstler zwei Tage später. Der plötzliche Tod machte alle Pläne zunichte...
Mehr als 1.000 Objekte wurden bei der Auktion angeboten, einige davon gingen an die Museen der Hauptstadt: das Russische Museum, die Eremitage, das Museum der Schule für technisches Zeichnen von Baron Stieglitz und Moskauer Museen. Viele Gegenstände wurden von Vertretern Moskauer Antiquitätenfirmen aufgekauft. Authentische Kostüme, Silberkelche, Kellen und Gläser gingen in die Hände prominenter Moskauer Sammler über.
Aber nicht jeder bewunderte die Gemälde von K. Makovsky und seine Arbeitsweise.
Zu Beginn seiner kreativen Karriere teilte K. Makovsky die Ansichten der Wanderer, er malte Bauernkinder („Kinder, die vor einem Gewitter rennen“, „Date“), aber bereits in den 1880er Jahren entfernte sich der Künstler unwiderruflich von ihnen und begann Personalausstellungen zu organisieren.
1883 malte er Das Hochzeitsfest der Bojaren im 17. Jahrhundert, gefolgt von Die Wahl einer Braut von Zar Alexei Michailowitsch (1886), Der Tod von Iwan dem Schrecklichen (1888), Die Braut der Krone anziehen (1890), Kussritus “ (1895,). Die Gemälde waren sowohl in Russland als auch auf internationalen Ausstellungen erfolgreich. Für einige von ihnen wurde K. Makovsky auf der Weltausstellung von 1889 in Paris mit einer Goldmedaille ausgezeichnet.
Die Preise für seine Bilder waren immer hoch. Uhr Tretjakow konnte sie manchmal nicht bekommen. Aber ausländische Sammler kauften bereitwillig Leinwände des "Bojaren" -Zyklus, so dass die meisten Werke des Künstlers Russland verließen.
Dank dieses Erfolgs wurde K. E. Makovsky einer der reichsten Menschen. Sein ganzes Leben lang war er von Luxus umgeben, von dem kein russischer Künstler träumte. Makovsky erfüllte jeden Auftrag zu jedem Thema mit der gleichen Brillanz. Letzteres verursachte viele Missverständnisse und sogar Verurteilungen. Manche beneideten ihn anscheinend um den Erfolg, andere glaubten, dass die Menschen mit ihrem täglichen Leben in den Bildern präsent sein sollten. Aber solche Gemälde wurden nicht so gerne ausverkauft, und viele glaubten, dass Makovsky zu den nachgefragten Themen schrieb, dh um seiner eigenen Bereicherung willen.
Er lebte jedoch immer so, wie er wollte, und schrieb, was er wollte. Seine Vision von Schönheit deckte sich einfach mit den Anforderungen und Ansprüchen jener Menschen, die bereit waren, viel Geld für seine Bilder zu zahlen. Sein leichter Erfolg war der Hauptgrund für die negative Einstellung der Wanderers ihm und seiner Arbeit gegenüber. Ihm wurde vorgeworfen, Kunst und sein Talent für materiellen Gewinn einzusetzen.
K.E. Makovsky begann seine künstlerische Reise zusammen mit den Wanderers und stellte Gemälde zum Thema Volksleben aus. Im Laufe der Zeit änderten sich jedoch seine Interessen und ab den 1880er Jahren wurde er ein erfolgreicher Salonporträtmaler. Dass dies wegen des materiellen Reichtums geschah, ist kaum zu glauben. Davon zeugen schließlich seine zahlreichen Sammlungen und sein facettenreiches Talent. Aber es kann nicht geleugnet werden, dass Makovsky keine Anerkennung im Ausland gesucht hat. Außerdem interessierten sich die Europäer für die russische Geschichte, sodass seine Arbeiten schnell verkauft wurden.
Auch in seinem Privatleben war Makovsky glücklich. Sein angenehmes Aussehen, seine Geselligkeit, sein immer offener und lächelnder Blick mit klaren Augen machten Konstantin Yegorovich immer zu einem gern gesehenen Gast. Er war dreimal verheiratet. Seine erste Frau, Lenochka Burkova, eine Schauspielerin am Alexandrinsky-Theater, lebte ein kurzes Leben bei ihm. Ein charmantes und sanftes Mädchen brachte viel Freude und Wärme in sein Leben. Aber eine Krankheit hat sie schon früh aus dem irdischen Leben gerissen.
Sorglos und gierig nach den Freuden des Lebens tröstete sich Konstantin Yegorovich schnell, als er auf dem Ball ein Mädchen von außergewöhnlicher Schönheit sah - Yulenka Letkova. Das Mädchen war erst sechzehn Jahre alt, und der charmante Maler war sechsunddreißig. Die Hochzeit fand bald darauf statt. Nach zwanzig Jahren eines glücklichen Familienlebens malte Konstantin Yegorovich viele Gemälde, von denen die meisten ein niedliches Bild seiner jungen Frau enthalten. Yulia Pavlovna Makovskaya war viele Jahre seine Muse und Modell für Porträts.
1889 besuchte Konstantin Makovsky die Weltausstellung in Paris, wo er mehrere seiner Gemälde ausstellte. Dort interessierte er sich für die junge Maria Alekseevna Matavtina (1869-1919). 1891 wurde ein unehelicher Sohn Konstantin geboren. Ich musste meiner Frau alles gestehen. Julia Pawlowna hat den Verrat nicht vergeben. Einige Jahre später wurde die Scheidung eingereicht. Und Konstantin Jegorowitsch setzte mit seiner dritten Frau, die er auch als Vorbild benutzte, ein glückliches Familienleben fort. Auf seinen Leinwänden stellte er auch oft seine Kinder aus seiner zweiten und dritten Ehe dar.
Veröffentlichungen der Museumsabteilung
Tatjana vor und nach Puschkin: Porträts aus drei Jahrhunderten
Es wird gelesen, dass der Name Tatyana nach der Veröffentlichung des Romans "Eugene Onegin" populär wurde. Aber auch davor war dieser Name im Adel keine Seltenheit. Wir erinnern an die Porträts von Tatyana aus dem 18. bis 20. Jahrhundert zusammen mit Sofia Bagdasarova.
A. Antropow. Porträt von Prinzessin Tatyana Alekseevna Trubetskoy. 1761. Tretjakow-Galerie
A. Peng. Porträt von Prinzessin Tatyana Borisovna Kurakina. 1. Etage XVIII Jahrhundert, GE
Unbekannter Künstler. Porträt von Anastasia Naryshkina mit ihren Töchtern Tatyana und Alexandra. Anfang der 1710er Jahre, Staatliche Tretjakow-Galerie
Mädchen aus der Familie Romanov wurden bereits im 17. Jahrhundert Tatyana getauft: So hieß beispielsweise die Schwester des ersten Zaren Michail Fedorovich und seine jüngste Tochter. Dann verschwand dieser Name aus der königlichen Dynastie, und die nächste Tatyana erschien in den 1890er Jahren in der kaiserlichen Familie. In den Adelsfamilien des 17. und 18. Jahrhunderts blieb der Name jedoch beliebt. Eine der berühmtesten Tatyana ist Tatyana Shuvalova. Ihr Sohn, Kaiserin Elisabeths Liebling Ivan Shuvalov, wählte den Namenstag seiner Mutter, um ein Dekret zur Gründung der Moskauer Universität zu unterzeichnen. So wurde Tatjanas Tag zum Studententag. Das Porträt von Tatyana Shuvalova ist nicht erhalten.
Das älteste russische Porträt mit Tatjana war offenbar das Familienporträt von Naryshkin aus den 1710er Jahren. Es zeigt die Tochter des ersten Kommandanten von St. Petersburg, des Moskauer Gouverneurs Kirill Naryschkin, mit ihrer Mutter und ihrer Schwester. Ein unbekannter Künstler hat die Gesichter nicht sehr subtil herausgearbeitet, sondern sorgfältig die Muster auf den Stoff und die modische Spitzenfontange (Kopfschmuck) der Mutter geschrieben.
Um ein Porträt der Tochter von Prinz Boris Kurakin – und der Nichte von Kaiserin Evdokia Lopukhina – zu malen, luden sie den Hofmaler des preußischen Königs Antoine Pen ein. Der Direktor der Berliner Akademie der Künste hat in der Tradition des Klassizismus Hell-Dunkel-Kleiderfalten ausgearbeitet und sogar die subtilsten Überläufe teurer Stoffe auf die Schultern von Prinzessin Tatyana Kurakina übertragen.
Prinzessin Tatyana Trubetskaya, die Schwester des Dichters Fyodor Kozlovsky, sieht auf einem Porträt von 1761 beeindruckend aus: Der Künstler Alexei Antropov stellte sie in einem mit roten und grünen Schleifen und Blumen geschmückten Outfit dar. Die Prinzessin voll geschminkt: In jenen Jahren war nicht nur Pudern angesagt, sondern auch Rouge auftragen, Augenbrauen ziehen.
D. Levitsky. Porträt von Tatyana Petrovna Raznatovskaya. 1781. Staatliches Kunstmuseum von Belarus
N. Argunow. Porträt der Ballerina Tatyana Vasilievna Shlykova-Granatova. 1789. Kuskowo
E. Vigée-Lebrun. Porträt von Tatjana Wassiljewna Engelhardt. 1797. Fuji-Museum, Tokio
Zwanzig Jahre später schrieb Dmitry Levitsky Tatyana Raznatovskaya. Eine junge Frau mit stolzer Haltung wirkt edel und elegant. Ihr hellblaues Kleid und ihr weißer Seidenumhang kontrastieren mit dem dunklen, tiefen Hintergrund in der Bildtradition jener Jahre.
Eine der reichsten Frauen Russlands, die Nichte von Prinz Potemkin, Tatyana Engelhardt, heiratete einen der Yusupovs und brachte ihrer Familie ein riesiges Vermögen und den erblichen Namen Tatyana. Auf dem Porträt der zu Besuch weilenden französischen Porträtmalerin Vigée-Lebrun webt Tatiana Engelhardt einen Rosenkranz und ist bereits neu gekleidet – in einem hoch taillierten Kleid.
Forscher glauben, dass der Name Tatiana im XVIII-XIX Jahrhundert unter den Bauern dreimal beliebter war als unter den Adligen. Sheremetevs Leibeigener Maler Nikolai Argunov porträtierte eine Bäuerin, Tatyana Shlykova, eine Schauspielerin in einem Leibeigenentheater, in einem eleganten Bühnenkostüm. Später nahm der Graf "kostbare" Nachnamen für seine schönen Schauspielerinnen auf. Shlykova wurde Granatova und ihre "Kollegen" - Zhemchugova und Turquoise.
A. Brjullow. Porträt von Tatyana Borisovna Potemkina. 1830er VMP
V. Tropinin. Porträt von Tatyana Sergeevna Karpakova. 1818. Museum der Schönen Künste der Republik Tatarstan
K. Reichel. Porträt von Tatjana Wassiljewna Golitsyna. 1816, RM
Unter den auf den Leinwänden von Tatyana verewigten gibt es andere Schauspielerinnen. 1818 porträtierte Vasily Tropinin die junge Tänzerin Karpakova. Ihre Eltern spielten in den kaiserlichen Theatern, und sie selbst liebte Ballett seit ihrer Kindheit. Tatyana Karpakova tanzt seit ihrem 12. Lebensjahr auf der Bühne des Bolschoi-Theaters, ihre Zeitgenossen bewunderten ihre ausdrucksstarken Gesichtsausdrücke, ihre Leichtigkeit im Tanz und ihre tadellose Technik.
Im selben Jahr entstand ein Porträt von Prinzessin Tatyana Golitsyna. Die Schwiegertochter von Natalya Golitsyna, dem Prototyp von Puschkins Pik-Dame, trägt eine schwarze Baskenmütze. Im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts wurden diese Kopfbedeckungen traditionell von verheirateten Damen getragen. Zwar bevorzugten Modefrauen häufiger leuchtende Farben - Himbeere, Grün, Scharlachrot.
„Die Breite der Baskenmütze reicht bis zu zwölf Zoll; der obere Teil von ihnen ist eins, der untere Teil hat eine andere Farbe. Die Materialien, aus denen solche Baskenmützen hergestellt werden, sind ebenfalls unterschiedlich: Satin und Samt. Diese Baskenmützen werden so schief auf den Kopf gesetzt, dass eine Kante fast die Schulter berührt.
Auszug aus einer Modezeitschrift des 19. Jahrhunderts
Ein Aquarell von Alexander Bryullov aus den 1830er Jahren zeigt Tatyana Potemkina. Darauf ist das Model in ein Outfit gekleidet, das nicht nur die Schultern, sondern auch Hals, Ohren und Haare der Prinzessin bedeckt: Potemkina war sehr religiös. Als geistliche Tochter des heiligen Ignatius (Bryanchaninov) kümmerte sie sich um die Verbreitung der Orthodoxie, baute Kirchen, spendete viel Geld für wohltätige Zwecke und erlaubte sich natürlich nicht, einen Ausschnitt zu tragen.
W. Wasnezow. Porträt von Tatyana Anatolyevna Mamontova (1884, Staatliche Tretjakow-Galerie)
I. Repin. Porträt von Tatyana Lvovna Tolstaya (1893, Yasnaya Polyana)
F. Winterhalter. Porträt von Tatyana Alexandrovna Yusupova (1858, GE)
In den Jahren 1825–1837 wurde Alexander Puschkins Eugen Onegin in Teilen veröffentlicht. Tatjana Larina wurde die "erste Tatjana" der russischen Literatur - davor bevorzugten Schriftsteller andere Namen. Nach der Veröffentlichung des Romans wurde der Name viel beliebter - viele benannten ihre Töchter nach der romantischen und tugendhaften Heldin von Puschkin.
Aber nicht so viele Porträts von Tatyana aus diesen Jahren sind erhalten geblieben. Darunter eine Leinwand, auf der der modische Porträtmaler Franz Xaver Winterhalter Tatjana Yusupova porträtierte. Die Heldin des Porträts erbte es von ihrer Großmutter Tatyana Engelhardt, und Yusupova nannte auch eine ihrer Töchter.
Porträts der Töchter von Leo Tolstoi und Anatoly Mamontov wurden in den 1880er und 1890er Jahren von B. Kustodiev geschaffen. Porträt von Tatyana Nikolaevna Chizhova. 1924. Regionales Kunstmuseum Iwanowo
M. Vrubel. Porträt von Tatyana Spiridonovna Lyubatovich als Carmen. 1890er GTG
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde der Name Tatiana in Moskau und der Moskauer Provinz nach Maria, Anna, Catherine und Alexandra der fünftbeliebteste Name.
Das Porträt eines der Tatyanas gehört auch zum Pinsel von Mikhail Vrubel. Die Opernsängerin Tatyana Lubatovich wird als Carmen dargestellt, ein sehr beliebtes Bild unter Künstlern und Heldinnen ihrer Gemälde im frühen 20. Jahrhundert.
1908 malte der Saratower Künstler Alexander Savinov die Leinwand "Harfenistin". Seine Heldin war die Frau des berühmten Philosophen Semyon Frank, Tatyana Frank (geborene Bartseva). Savinov schuf ein ornamentales Porträt mit einem strukturierten Ton und gedämpften Farben in den Traditionen des neuen Stils, der an Dynamik gewinnt - der Moderne.
In diesem künstlerischen Kreis von Tatyana ist das „Porträt der Künstlerin Tatyana Chizhova“ bemerkenswert, das 1924 von Boris Kustodiev gemalt wurde. Der Titel des Bildes ist eine Ungenauigkeit. Nach dem Tod von Kustodiev wurde das Porträt in das Russische Museum überführt und die Abkürzung in der Signatur „Architekt“. als "Künstler" entschlüsselt. Tatsächlich war Tatyana Chizhova Archäologin. Auf dem Porträt ist sie in ihrem Lieblingskleid und mit dem Ring ihrer Großmutter am Finger abgebildet.
Wischnjakow, Iwan Jakowlewitsch
Porträt von S. E. Fermor. OK. 1750
Leinwand, Öl. 138 x 114,5
Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg Das Porträt von Sarah Eleonora Fermor ist eines der besten Werke von Vishnyakov und das poetischste Kinderporträt des 18. Jahrhunderts.
Wie eine alte Inschrift auf der Rückseite der Leinwand bezeugt, wird Sarah Fermor im Alter von zehn Jahren dargestellt. Laut Archivquellen wurde sie 1740 geboren. So entstand das Porträt spätestens 1750.
Ein zehnjähriges Mädchen wird als erwachsene Dame dargestellt. Sie wird in einer feierlichen Pose präsentiert, ihre Gesten sind ein wenig manieriert und auf ihren Lippen liegt ein „weltliches“ Lächeln. Der Hintergrund verleiht dem Portrait einen repräsentativen Pomp. Die dünnen Hände des Mädchens und ihr blasses, dünnes Gesicht mit unregelmäßigen Zügen, voller Lebendigkeit und Emotionalität, wirken wie ein berührender Kontrast der Pracht.
Die Lyrik der Arbeit basiert auf der Farbgebung, die Grau-, Grün- und Blautöne harmonisch kombiniert. Die allgemeine Stimmung wird durch eine "sprechende" Landschaft mit dünnen Bäumen und transparentem Blattwerk unterstützt.
In der Arbeit von Vishnyakov gibt es immer noch eine Verbindung zur Parsun-Tradition. Dies betraf die flächige Abbildung von Figuren, flache Räume und abstrakt gleichmäßige Beleuchtung sowie Schreibkleidung, die das Volumen des Körpers nicht spürt. Neben solchen obsoleten Konventionen zeigt das Porträt den Einfluss der westeuropäischen Malerei mit ihrer natürlichen Authentizität in der Vermittlung von Details. Der Stoff des Kleides ist so genau ausgeschrieben, dass moderne englische Experten darin ein Seidenmuster aus der Mitte des 18. Jahrhunderts erkennen, das in England nach französischen Mustern hergestellt wurde.
Sarah Eleanor ist die Tochter von General-in-Chief V. V. Fermor und seiner Frau Dorothea Elizabeth, geb. Bruce. 1765 heiratete Sarah den „Estlandischen Landrat“ Graf Jacob Pontus Stenbock. Die Heldin von Vishnyakovs Porträt starb nach 1805.
(Text von )
Rokotov, Fjodor Stepanowitsch. Porträt von A.P. Struskaja. 1772. Tretjakow-Galerie
Leinwand, Öl. 59,8 x 47,5
Die Frau auf dem Porträt scheint aus der Dunkelheit aufzutauchen, er ist halb in den Dunst versunken. Nur ausdrucksstarke Augen sind klar definiert - hell, auffällig. Besonders gelungen im Porträt von Struyskaya, sind die Augen in Rokotovs Porträts immer interessant. Sie drücken unterschiedliche Gefühle aus, sind immer besonders leuchtend und bilden den Mittelpunkt des Portraits. Sie sprechen sogar von "Rokotovs Augen" als besonderes "Know-how".
Das Porträt wurde von Nikolai Struysky, dem Ehemann von Alexandra Petrovna, in Auftrag gegeben. Gleichzeitig malte Rokotov auch ein Porträt von Nikolai Struysky selbst. Nikolai Struysky, der auf die gleiche Weise aufgeführt wird, ist noch viel weniger bekannt. Dieses Porträt ist auch in der Tretjakow-Galerie in einem anderen Raum zu sehen.
Vermutlich wurden Paarporträts für die Hochzeit bestellt, und in diesem Fall ist Alexandra Struyskaya auf dem Porträt nicht älter als 18 Jahre.
Rokotov blieb viele Jahre lang ein Freund der Familie Struysky, und Nikolai Struysky war fast der einzige Bewunderer von Rokotovs Talent, und er war der erste, der eine Sammlung seiner Werke sammelte.
Über Nikolai Struysky werden viele widersprüchliche Geschichten erzählt. Er liebte Malerei und Literatur, war im Verlagswesen tätig und blieb dennoch ein Tyrann in seinem Haushalt für die Leibeigenen - ein kleiner Tyrann.
Der "seltsame Herr" hielt sich übrigens für einen Dichter und widmete seiner angebeteten Frau haufenweise ungeschickte, schwerfällige Verse. Ironischerweise ging keiner von ihnen in die Geschichte ein, aber das Gedicht, das nicht der Schönheit selbst, sondern dem Porträt von Rokotov gewidmet war, wurde zu einem Lehrbuch.
Dies ist das berühmte "Porträt" von Nikolai Zabolotsky, gemalt im 20. Jahrhundert, nach dem Tod aller drei Charaktere: des Künstlers und seiner beiden Modelle.
Liebe Malerei, Dichter!
Nur sie, die einzige, ist gegeben
Seelen mit veränderlichen Zeichen
Auf Leinwand übertragen.
Erinnerst du dich, wie aus der Dunkelheit der Vergangenheit
Kaum in Satin gehüllt
Wieder aus dem Porträt von Rokotov
Hat Struyskaya uns angesehen?
Ihre Augen sind wie zwei Wolken
Halb lächeln, halb weinen
Ihre Augen sind wie zwei Lügen
Bedeckt im Nebel des Scheiterns.
Kombination zweier Geheimnisse
Halb Entzücken, halb Angst
Ein Anfall wahnsinniger Zärtlichkeit,
Die Erwartung der Todesqualen.
Wenn es dunkel wird
Und der Sturm kommt
Aus dem Grund meiner Seele flimmern
Ihre schönen Augen.
Borovikovsky Vladimir Lukich
Porträt von MI Lopukhina
1797
Leinwand, Öl
72 x 53,5
„Sie ist schon lange tot, und diese Augen sind nicht mehr da
Und es gibt kein Lächeln, das still zum Ausdruck gebracht wird
Leiden ist der Schatten der Liebe, und Gedanken sind der Schatten der Trauer,
Aber Borovikovsky rettete ihre Schönheit.
So flog ein Teil ihrer Seele nicht von uns weg,
Und es wird dieses Aussehen und diese Schönheit des Körpers geben
Gleichgültige Nachkommen zu ihr zu locken,
Lehre ihn zu lieben, zu leiden, zu vergeben, zu schweigen"
(J. Polonsky)
Borovikovsky hat eine mysteriöse Sache - ein Porträt von M. I. Lopukhina, zweifellos sein bestes Werk, sein Meisterwerk. Zunächst fällt das Licht auf, mit dem die Figur einer Frau überflutet wird, wie T. Alekseeva treffend feststellte, es „absorbiert die Helligkeit der Farbe“ und Farbflecken (wir werden ihre Bemerkung verwenden, die sich jedoch darauf bezieht, jedoch zu einem anderen Porträt von Borovikovsky) "wie aus den Tiefen des Lufthintergrunds". Lopukhina ist in diesen Luftstrom eingetaucht.
Wie immer bei Borovikovsky trägt sie ein weißes Kleid und einen farbigen Schal, wie immer ist sie leicht nach rechts gerückt, damit wir die Landschaft sehen können. Sie ist wiederum ein wenig kokett, äußerst selbstständig und souverän, wirkt mit einigem Trotz. Aber dieses leichte Gleiten über ein junges Gesicht, diese fliegenden Locken, diese zart umrissenen Lippen (sie zittern einfach nicht) – alles in diesem hinreißenden Gesicht ist voller Sanftheit und Lyrik – genau diese Leichtgläubigkeit, die vollkommenes Vertrauen einflößt. Doch das Gefühl von Leichtigkeit, Lyrik und Leichtgläubigkeit verfliegt sofort, man muss ihr nur in die Augen schauen – sie haben das harte Grün einer Traube. Nein, mehr noch: Sie sind entfremdet, fast feindselig. Auf jeden Fall ist die Barriere noch deutlicher und schärfer als bei Rokotovs Modellen. Mit welcher realistischen Geschicklichkeit ist Lopukhinas Gesicht ausgeschrieben, und doch entpuppt sich die höchste Realität als eine unbekannte tiefe Erfahrung, die wir erahnen (die wir genauer gesagt zu enträtseln versuchen). Egal wie unterschiedlich die beiden Künstler sein mögen, sogar polare, in der Art des Schreibens, im Stil, in Bezug auf das Modell, in der Weltanschauung, Borovikovsky nähert sich Rokotov in seinem besten Werk und der gemeinsamen Basis für Annäherung immer noch an ist die Nähe zum Unerkennbaren und das Gefühl eines Schleiers.
Tschaikowskaja O.G. "Wie ein neugieriger Skythe ...": Russisches Porträt und Erinnerungen der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. - M.: Buch, 1990. S.267.
(
Walentin Alexandrowitsch Serow
Von der Sonne erleuchtetes Mädchen (Porträt von M.Ya.Simonovich)
Leinwand, Öl. 89,5 x 71 cm.
Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau.
Maria Yakovlevna Simonovich (1864-1955), seine Cousine, posierte für den Künstler. Die Originalität der Komposition drückte sich darin aus, dass das Modell unter dem Blätterdach von Bäumen platziert wurde. Mit bruchstückhaften Strichen vermittelt Serov das Spiel von Sonnenstrahlen, das Flackern farbiger Schatten. Warme, sanfte Strahlen stören den verzauberten Zustand der jungen Heldin nicht. Ihre entspannte Körperhaltung verstärkt den Eindruck der Auflösung in Lichtreflexe und schillernde Blitze. Nur das Gesicht, die weiße Bluse und die Hände des Mädchens sind mit farbimpressionistischen Reflexen bedeckt, und die Details, die ihre Figur umrahmen, sind in dunklen Farben gemalt. Auffallend ist die Kunst des Künstlers, die Augen des Modells darzustellen, aus denen ein stilles Licht zu fließen scheint. So entsteht ein Bild der Durchdringung von Sonnenlicht und dem Licht der menschlichen Seele.
Somow Konstantin Andrejewitsch
(1869-1939)
Porträt von E. P. Nosova. 1911
Leinwand, Öl. 138,5 x 88 cm
Staatliche Tretjakow-Galerie
1910, als Somov in Moskau ankam und mit der Arbeit an einem Porträt von Evfemia Pavlovna Nosova begann, schrieb er in Briefen: „Blond, dünn, mit blassem Gesicht, stolzem Aussehen und gleichzeitig sehr klug, guter Geschmack .“
Es ist bekannt, dass Evfimiya Pavlovna die Tochter eines der Ryabushinskys war, berühmte Kaufleute und Industrielle in der dritten Generation, direkte Teilnehmer, angeführt vom Architekten Shekhtel, an der Entwicklung des russischen Jugendstils. Sie wurde 1883 geboren (sie geben auch 1881 an, aber das Todesjahr ist zweifelhaft). In dem Buch „K.A. Somov. Die Welt des Künstlers. Briefe. Tagebücher. Urteile von Zeitgenossen. Moskau, 1979, die ich im selben Jahr 1979 in meinen Händen hielt, wurde berichtet, dass E. P. Nosova in Rom lebt.
Das Porträt wurde von Somov bestellt, der nach Moskau kam, um ein Porträt von G. L. Girshman zu malen, offenbar im Zusammenhang mit einer bevorstehenden oder vergangenen Hochzeit im selben Jahr 1910. Bei Geburts- und Sterbedatum herrscht noch völlige Uneinigkeit. Wenn Evfimiya Pavlovna (Name von einer Großmutter aus einer altgläubigen Familie) 1883 geboren wurde, ist es seltsam, dass sie erst mit 27 Jahren heiratet. Sie studierte Musik und Malerei, liebte das Theater, träumte vielleicht von einer Bühne? Und anderen Quellen zufolge wurde sie 1881 geboren, sie starb 1970. Sie hat also erst mit 29 Jahren geheiratet? Ist das eine schöne und reiche Braut?
Es gibt auch Daten zu Geburt und Tod: 1886-1976. Sogar die Tage und Monate sind aufgelistet. Es scheint, dass diese die treuesten sind. Sie heiratet mit 24, und wir sehen eine junge Frau an einem Wendepunkt in ihrem Leben, stolz und eigensinnig in ihrer Jugend. Das von mir erwähnte Buch war zwei oder drei Jahre vor seiner Veröffentlichung fertig zur Veröffentlichung, wenn nicht früher, laut Plan, wurden zu dieser Zeit Bücher veröffentlicht, und Evfemia Pavlovna konnte noch in Rom leben.
Und ihr Porträt von Somov landete zusammen mit ihrer Sammlung in der Tretjakow-Galerie, wo sie es 1917 zur Aufbewahrung übergab. Ihre Sammlung umfasste Gemälde von Rokotov, die damals völlig vergessen waren, Borovikovsky, Kiprensky, Venetsianov. Seltsam, ich erinnere mich nicht, ob ich ein Porträt von E. P. Nosova in den Wänden der Tretjakow-Galerie gesehen habe? Ich weiß vielleicht noch nichts über den Künstler, aber die Art der Schönheit seines Modells hätte meine Aufmerksamkeit sicherlich erregt.
Somov schrieb: „Sie sitzt in einem weißen Satinkleid, verziert mit schwarzer Spitze und Korallen, es ist von Lamanova, sie hat 4 Perlenschnüre um den Hals, ihr Haar ist atemberaubend ... wie eine Art riesiger Käfer auf ihrem Kopf .“ Auch aus der Reproduktion im Buch geht hervor: Evfimiya Pavlovna ist in der Tat ein außergewöhnliches Model. Und das nicht nur im Reichtum, sondern im Stil, ein Kind der russischen Moderne, ihr lebendiges Vorbild, zwar kein Schatten der Dekadenz, aber Schönheit und die Kraft der Lebensbejahung.
Somov schrieb: „Ich war in der Kiste von Nosova, die atemberaubend gekleidet war, ein hellblaues Satinkleid, bestickt mit Perlmuttseide mit rosa Tüllschultern, an ihrem Hals eine Riviera mit langen hängenden Enden aus diamantgroßem Trefl, Verbunden durch Diamanten...“
Evfimiya Pavlovna, Prominente und Sammlerin von Gemälden russischer Künstler des 18. bis frühen 19. Jahrhunderts, 27 Jahre alt. Betrachten wir 24. Das beste Alter weiblicher Schönheit, wenn die Jugend noch durch die reife Weiblichkeit lugt, aber kein Schatten von Frivolität und Eitelkeit, sondern nachdenklicher Ernst und der natürlichste Stolz einer herausragenden Persönlichkeit.
"Sie ist sehr schön. Aber was für eine Qual ihr Kleid ist, es kommt nichts heraus ... “- die Künstlerin gerät direkt in Verzweiflung. Aber Tag für Tag für eine strahlende Schönheit zu posieren, ist keine leichte Aufgabe. Anzumerken ist auch, dass ihr das Kleid von Lamanova nicht leicht gefallen ist. Nicht wegen des Preises. Nadezhda Pavlovna Lamanova (1861-1941) schuf Kleider als Kunstwerk und nicht im Allgemeinen, sondern nach einem Modell, das sich von einer Schaufensterpuppe zu einem lebenden Modell bewegte, Änderungen und Bearbeitungen wie eine Malerin brachte sie oft in Ohnmacht. Die Damen hielten durch, weil sie wussten: Sie würde sich abnutzen, aber das Kleid würde ausfallen wie aus Paris. Aus historischer Sicht ist klar - besser als aus Paris.
Somov notiert: "Ich habe mein Versagen gestanden, sie gibt mir Kraft, sagt, dass sie stur und geduldig ist."
Sie besaß einen künstlerischen Geschmack und wusste, dass sowohl das Kleid von Lamanova als auch ihr Porträt von Somov Meisterwerke sein würden, und sie suchte hartnäckig und geduldig dasselbe wie diese Künstler, jeder in seiner eigenen Sphäre, und ihre eigene Sphäre war das Leben selbst seine höchsten Manifestationen.
Somov, immer unzufrieden mit sich selbst, immer verzweifelt im Arbeitsablauf, hat akribisch dort gearbeitet, wo andere nicht gefunden hätten, was anders zu machen wäre, und etwas Einzigartiges geschaffen. Das Porträt wurde 1911 fertiggestellt. Eine interessante Einschätzung von Mikhail Nesterov, der die bekannte Schönheit in Moskau, einem Teilnehmer an den Treffen der Gesellschaft für freie Ästhetik, nicht gesehen zu haben schien.
Aus einem Brief von M. Nesterov vom 3. März 1911 (Moskau):
„Nun, um mein Schreiben mit Würde zu beenden, erzähle ich Ihnen von dem neuen großen Porträt von Somov mit einer gewissen Nosova, das hier in der Welt der Kunst ausgestellt ist – hier, Bruder, ist ein wahres Meisterwerk! - ein lang ersehntes Werk, auf dem Sie sich entspannen. So ist er durchdringend, zurückhaltend-edel, meisterhaft verarbeitet. Dies ist nicht Levitsky und nicht Kramskoy, sondern etwas, das dem ersten an Schönheit und dem zweiten an Ernsthaftigkeit nahe kommt. Sofort wuchs der Mann zu einem sehr großen Meister heran.
Der Künstler sieht zunächst die Arbeit des Künstlers, mittlerweile ist klar: Grundlage des Erfolgs ist ein außergewöhnliches Vorbild mit seinem Interesse an Kunst, insbesondere an der russischen Malerei des 18. – frühen 19. Jahrhunderts. Und zur Renaissance in Italien.
Evfimia Pavlovna, die V. V. Nosov, den Sohn eines Textilfabrikanten, geheiratet hatte, ließ sich in einem Herrenhaus am Vvedenskaya-Platz nieder, dessen Innenräume sofort nach ihrem Geschmack umgebaut wurden. Sie zog berühmte Architekten und Künstler für ihre Idee an, sogar Valentin Serov, mit dem sie angeblich nicht klar kam, aber höchstwahrscheinlich bald starb, und schickte sogar Mstislav Dobuzhinsky nach Italien, wahrscheinlich um zu besuchen, wo sie bereits gewesen war. und er Bei seiner Rückkehr schuf er ein Fresko im Geiste derjenigen, die im Palast von Cosimo Medici zu sehen waren: Auf einem kobaltblauen Hintergrund mit Vergoldung wird eine mythologische Handlung mit Porträts der Besitzer des Herrenhauses reproduziert. Sie sprechen von Neoklassizismus, wenn es die gleiche Renaissance-Ästhetik wie die von Sandro Botticelli gibt.
Veränderungen im Inneren des Herrenhauses, die Schaffung eines Freskos im Geiste der Renaissance gingen Hand in Hand mit Somovs Arbeit am Porträt von E.P. In der Tat ein Meisterwerk, ein Weltmeisterwerk der russischen Kunst. Somov hat nichts dergleichen. Ein reiner Klassiker unter seinen romantischen Fantasien.
Peter Kile
Serebryakova Zinaida Evgenievna. Hinter der Toilette. Selbstportrait. 1909.
Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau
Leinwand auf Karton, Öl.
75 x 65 cm
Die Komposition wird als Reflexion in einem Spiegel präsentiert, was für das Genre der Selbstporträts traditionell ist. Diese Technik bringt einen Hauch von Intimität und schafft gleichzeitig die nötige Distanz. Die Künstlerin hinter der Morgentoilette scheint sich selbst wie ein posierendes Model von der Seite zu betrachten. Das Motiv „durch den Spiegel“ ruft kein Geheimnis hervor. Selbst Kerzen, die in der Malerei normalerweise die Vergänglichkeit der Zeit symbolisieren, scheinen in der hellen Atmosphäre des Bildes ihre Bedeutung zu vergessen. Der Raum des Raumes ist mit Weißtönen gefüllt. Aus den riesigen glänzenden braunen Augen strahlt das freundliche Gesicht der Heldin Wärme aus. Hände und Haare umrahmen das Gesicht. Anstelle der Attribute der Malerei stehen Attribute weiblicher Schönheit auf dem Schminktisch. Serebryakova demonstriert in keiner Weise ihre Zugehörigkeit zu ihren Künstlerkollegen. Es besteht das Gefühl, dass das Selbstporträt für enge Personen des Familienkreises geschrieben wurde.
ALTMAN Natan Isajewitsch (1889-1970)
"... Altman war beeindruckt von ihrem Aussehen, ihrer großartigen Fähigkeit, die Last ihres plötzlichen Ruhms zu tragen, der dieser jungen Frau in seinem Alter bereits etwas Königliches verlieh. Als Altman Akhmatova bat, für ihn zu posieren, stimmte sie zu, obwohl sie war bereits Besitzer einer atemberaubenden Zeichnung von Modigliani, die Altman jedoch nicht sehen konnte: Anna Andreevna, die junge Frau von Lev Gumilyov, konnte sie niemandem zeigen.N. Altman machte zunächst mit einem Strich eine freundliche Karikatur , heute wenig bekannt. Das berühmte Porträt erschien später, als lange Sitzungen im Dachstudio auf der Wassiljewski-Insel begannen, wo Anna Achmatowa in einem Studentenwohnheim lebte. Natan Altman wohnte in der Nähe, entweder im "möblierten Haus New York", wie später Achmatowa erinnerte, oder in den möblierten Räumen „Knyazhy Dvor“, wie er sich selbst erinnerte. Altman malte eine Frau der futuristischen Ära, die dem urbanen Rhythmus verwandt ist, schrieb darin Selbstbewusstsein, Gesundheit, fast akrobatische Beweglichkeit der Figur. Subtext und versteckte Dramaturgie. Und über die Motive, die Altman zwangen, das Bild von Achmatowa zu überdenken, kann nur spekuliert werden. Als dieses Porträt gemalt wurde, lebte Anna Andreevna allein in St. Petersburg, nachdem sie das Haus von Tsarskoe Selo und Gumilev verlassen hatte. Ihr endgültiger Bruch mit Gumilyov kam, und es war, als ob ein anderes Leben begann, sie erlebte das Gefühl einer neuen Geburt, und wahrscheinlich hatte sie selbst keine Ahnung, wie sie sein würde. Eine solche Schlussfolgerung lässt sich zumindest aus Achmatovs Gedichten über dieses Selbstporträt ziehen:
Wie in einen Spiegel schaute ich ängstlich
Auf einer grauen Leinwand und jede Woche
Umso bitterer und seltsamer war die Ähnlichkeit
Meins mit meinem neuen Bild...
Dies ist eines von Altmans besten Porträts, eines, bei dem seine Leidenschaft, das Unverbundene zu verbinden, eine unerwartete Wirkung hatte. Wenn wir die lyrischen Untertöne weglassen, dann ist das Porträt von Achmatowa ein typisch weltliches Porträt und gleichzeitig ein Avantgarde-Porträt. In einer solchen Mischung von Stilen liegt sowohl Schärfe als auch ästhetische Berechtigung. Das Porträt von Achmatowa wurde 1915 auf einer der Kunstausstellungen in St. Petersburg zur Sensation. Der bekannte Kritiker L. Bruni schrieb, dass "dies kein Ding ist, sondern ein Meilenstein in der Kunst" ... Die Kraft von Altmans Porträt fixierte nicht nur das Bild von Achmatowa in den Köpfen der Zeitgenossen, sondern erwies sich als hypnotisch Viele Jahre später, als es bereits andere Porträts von ihr gab und Achmatowa selbst schon anders war. An das Porträt wurde auch fünf Jahre nach seinem Erscheinen erinnert: „Ich kenne Sie und liebe Sie von dem Tag an, an dem ich Ihr Porträt von Achmatowa gesehen habe“, schrieb Vyach. Ivanov im Album des Künstlers im Jahr 1920. Erinnerte sich zwanzig Jahre später. MV Alpatov, der Akhmatova in den 1930er Jahren zum ersten Mal sah, erinnerte sich an dasselbe Porträt: "In diesem Moment öffnete sich die Tür, und sie selbst betrat den Raum, unhörbar und leicht, als wäre sie von Altmans Porträt heruntergestiegen." Es ist interessant, dass Achmatowa selbst Altmans Porträt nie gemocht hat und immer wieder wiederholt, dass sie Altmans Porträt "wie jede Stilisierung in der Kunst" nicht mag. Sie war intolerant gegenüber dem mythologischen Bild, das sich in den 1910er Jahren herausgebildet hatte und das Achmatowa ihr ganzes Leben lang verfolgt hatte, obwohl ihr eigenes Schicksal überhaupt nicht mit diesem Porträt übereinstimmte.
(
Marina Tsvetaeva "Anna Achmatowa"
Enges, nicht-russisches Lager -
Über den Blättern.
Schal aus türkischen Ländern
Fiel wie ein Mantel.
Sie werden einem übergeben
Unterbrochene schwarze Linie.
Kalt - in Spaß, Hitze -
In deiner Verzweiflung.
Dein ganzes Leben ist eine Erkältung
Und es wird enden - was ist das?
Bewölkt - dunkel - Stirn
Junger Dämon.
Jeder der irdischen
Sie spielen - eine Kleinigkeit!
Und ein unbewaffneter Vers
Zielt auf unser Herz.
Morgens schläfrige Stunde
- Ich glaube, es ist viertel nach fünf, -
ich habe dich geliebt
Anna Achmatowa.
Leute, wir haben unsere Seele in die Seite gesteckt. Dank dafür
für die Entdeckung dieser Schönheit. Danke für die Inspiration und Gänsehaut.
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Zunächst wissen wir zwei Dinge über das Gemälde: seinen Autor und möglicherweise die Geschichte der Leinwand. Aber über das Schicksal derer, die uns von Leinwänden aus betrachten, wissen wir nicht so viel.
Webseite Ich beschloss, über Frauen zu sprechen, deren Gesichter uns vertraut sind, ihre Geschichten jedoch nicht.
Jeanne Samaria
Auguste Renoir, Porträt der Schauspielerin Jeanne Samary, 1877
Die Schauspielerin Jeanne Samary, obwohl sie kein Bühnenstar werden konnte (sie spielte hauptsächlich Dienstmädchen), hatte etwas anderes Glück: Sie lebte einige Zeit unweit der Werkstatt von Renoir, der sie 1877-1878 vier porträtierte, Dadurch wird viel mehr verherrlicht, als es ihre Schauspielkarriere hätte tun können. Zhanna spielte ab ihrem 18. Lebensjahr in Auftritten, mit 25 heiratete sie und bekam drei Kinder, dann schrieb sie sogar ein Kinderbuch. Aber diese charmante Dame lebte leider nicht lange: Im Alter von 33 Jahren erkrankte sie an Typhus und starb.
Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, Dame mit dem Hermelin
1489-1490
Cecilia Gallerani war ein Mädchen aus einer italienischen Adelsfamilie, die bereits im Alter von 10 (!) Jahren verlobt war. Als das Mädchen jedoch 14 Jahre alt war, wurde die Verlobung aus unbekannten Gründen aufgehoben, und Cecilia wurde in ein Kloster geschickt, wo sie den Herzog von Mailand, Ludovico Sforza, traf (oder alles eingerichtet wurde). Eine Affäre begann, Cecilia wurde schwanger und der Herzog siedelte das Mädchen in seinem Schloss an, aber dann war es an der Zeit, eine dynastische Ehe mit einer anderen Frau einzugehen, die natürlich die Anwesenheit ihrer Geliebten in ihrem Haus nicht mochte. Dann, nach der Geburt von Gallerani, nahm der Herzog seinen Sohn für sich und verheiratete ihn mit einem verarmten Grafen.
In dieser Ehe brachte Cecilia vier Kinder zur Welt, unterhielt fast den allerersten literarischen Salon in Europa, besuchte den Herzog und spielte gerne mit seinem Kind von einer neuen Geliebten. Nach einer Weile starb Cecilias Ehemann, der Krieg brach aus, sie verlor ihr Wohlbefinden und fand Zuflucht im Haus der Schwester derselben Frau des Herzogs - in einer so wunderbaren Beziehung gelang es ihr, mit Menschen zusammen zu sein. Nach dem Krieg kehrte Gallerani auf ihr Anwesen zurück, wo sie bis zu ihrem Tod im Alter von 63 Jahren lebte.
Zinaida Yusupova
V.A. Serov, "Porträt der Prinzessin Zinaida Yusupova", 1902
Die reichste russische Erbin, die letzte der Familie Yusupov, Prinzessin Zinaida, sah unglaublich gut aus, und obwohl unter anderem erhabene Personen ihre Gunst suchten, wollte sie aus Liebe heiraten. Sie erfüllte sich ihren Wunsch: Die Ehe war glücklich und brachte zwei Söhne hervor. Yusupova verbrachte viel Zeit und Energie mit karitativen Aktivitäten und setzte sie nach der Revolution im Exil fort. Der geliebte älteste Sohn starb in einem Duell, als die Prinzessin 47 Jahre alt war, und sie konnte diesen Verlust kaum ertragen. Mit dem Beginn der Unruhen verließen die Jussupows St. Petersburg und ließen sich in Rom nieder, und nach dem Tod ihres Mannes zog die Prinzessin zu ihrem Sohn nach Paris, wo sie den Rest ihrer Tage verbrachte.
Maria Lopuchina
V. L. Borovikovsky, „Porträt von M.I. Lopuchina", 1797
Borovikovsky malte viele Porträts russischer Adliger, aber dieses ist das bezauberndste. Maria Lopukhina, ein Mitglied der Grafenfamilie Tolstoi, ist hier im zarten Alter von 18 Jahren abgebildet. Das Porträt wurde kurz nach der Hochzeit von ihrem Ehemann Stepan Avraamovich Lopukhin in Auftrag gegeben. Leichtigkeit und ein leicht hochmütiger Blick scheinen entweder die übliche Pose für ein solches Porträt der Ära des Sentimentalismus zu sein oder Zeichen einer melancholischen und poetischen Veranlagung. Das Schicksal dieses mysteriösen Mädchens stellte sich als traurig heraus: Nur 6 Jahre nach dem Gemälde starb Maria an Schwindsucht.
Giovannina und Amacilia Pacini
Karl Brjullow, Reiterin, 1832
Bryullovs „Reiterin“ ist ein brillantes zeremonielles Porträt, in dem alles luxuriös ist: die Helligkeit der Farben, die Pracht der Vorhänge und die Schönheit der Modelle. Es zeigt zwei Mädchen, die den Nachnamen Pacini trugen: Die älteste Giovannina sitzt auf einem Pferd, die jüngste Amacilia schaut sie von der Veranda aus an. Das Gemälde für Karl Bryullov, ihren langjährigen Liebhaber, wurde von ihrer Adoptivmutter, Gräfin Yulia Pavlovna Samoilova, einer der schönsten Frauen Russlands und Erbin eines kolossalen Vermögens, in Auftrag gegeben. Die Gräfin garantierte ihren erwachsenen Töchtern eine große Mitgift. Aber es stellte sich heraus, dass sie im Alter praktisch ruiniert war, und dann sammelten die Adoptivtöchter von Jovanin und Amacilia durch das Gericht das versprochene Geld und Eigentum von der Gräfin.
Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, Die Geburt der Venus
1482–1486
Das berühmte Gemälde von Botticelli zeigt Simonetta Vespucci, die erste Schönheit der Florentiner Renaissance. Simonetta wurde in eine wohlhabende Familie hineingeboren, im Alter von 16 Jahren heiratete sie Marco Vespucci (ein Verwandter von Amerigo Vespucci, der Amerika „entdeckte“ und dem Kontinent seinen Namen gab). Nach der Hochzeit ließen sich die Frischvermählten in Florenz nieder und wurden am Hof von Lorenzo Medici empfangen, der in jenen Jahren für üppige Feste und Empfänge berühmt war.
Die schöne, gleichzeitig sehr bescheidene und wohlwollende Simonetta verliebte sich schnell in Florentiner Männer. Der Herrscher von Florenz, Lorenzo selbst, versuchte, sich um sie zu kümmern, aber sein Bruder Giuliano suchte sie am aktivsten. Die Schönheit von Simonetta inspirierte viele Künstler dieser Zeit, darunter Sandro Botticelli. Es wird angenommen, dass Simonetta von dem Moment an, als sie sich trafen, das Modell für alle Madonnen und Venus von Botticelli war. Im Alter von 23 Jahren starb Simonetta trotz der Bemühungen der besten Hofärzte an Schwindsucht. Danach stellte der Künstler seine Muse nur noch aus der Erinnerung dar, und in seinem Alter vermachte er, neben ihr begraben zu werden, was auch geschah.
Vera Mamontova
V.A. Serov, "Mädchen mit Pfirsichen", 1887
Das berühmteste Gemälde des Porträtmeisters Valentin Serov wurde im Nachlass des wohlhabenden Industriellen Savva Ivanovich Mamontov gemalt. Seine Tochter, die 12-jährige Vera, posierte zwei Monate lang jeden Tag für den Künstler. Das Mädchen wuchs heran und verwandelte sich in ein charmantes Mädchen, verheiratet aus gegenseitiger Liebe Alexander Samarin, der einer berühmten Adelsfamilie angehört. Nach einer Hochzeitsreise nach Italien ließ sich die Familie in der Stadt Bogorodsk nieder, wo nacheinander drei Kinder geboren wurden. Aber unerwartet starb Vera Savvishna im Dezember 1907, nur 5 Jahre nach der Hochzeit, an einer Lungenentzündung. Sie war erst 32 Jahre alt und ihr Mann hat nie wieder geheiratet.
Alexandra Petrowna Strujskaja
F.S. Rokotow, „Bildnis der Strujskaja“, 1772
Dieses Porträt von Rokotov ist wie ein luftiger Hinweis. Alexandra Struyskaya war 18, als sie einen sehr reichen Witwer heiratete. Der Legende nach schenkte ihr Mann ihr zur Hochzeit nicht weniger als eine neue Kirche. Und sein ganzes Leben lang schrieb er ihr Gedichte. Ob diese Ehe glücklich war, ist nicht sicher bekannt, aber jeder, der in ihrem Haus war, achtete darauf, wie unterschiedlich die Ehepartner sind. In 24 Jahren Ehe brachte Alexandra ihrem Ehemann 18 Kinder zur Welt, von denen 10 im Säuglingsalter starben. Nach dem Tod ihres Mannes lebte sie weitere 40 Jahre, verwaltete das Anwesen fest und hinterließ den Kindern ein anständiges Vermögen.
Zusammen mit ihrem Mann zog Lisa fünf Kinder groß, und ihre Ehe basierte höchstwahrscheinlich auf Liebe. Als ihr Mann an der Pest starb und auch Lisa von dieser schweren Krankheit heimgesucht wurde, scheute sich eine der Töchter nicht davor, ihre Mutter zu sich zu nehmen und sie gehen zu lassen. Mona Lisa erholte sich und lebte einige Zeit mit ihren Töchtern zusammen, die im Alter von 63 Jahren starben.
