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"A Million of Torments": Auszüge aus der kritischen Prosa von Ivan Goncharov. „A Million Torments“ von Chatsky (nach der Komödie A

In Anbetracht der Besonderheiten der Komödie „Woe from Wit“ bemerkte I. A. Goncharov, dass sich in der Gruppe der Schauspieler „das gesamte ehemalige Moskau widerspiegelte, wie ein Lichtstrahl in einem Wassertropfen, ... sein damaliger Geist, historischer Moment und Zoll“. Er bemerkte auch, dass die Komödie nur ein Moralbild geblieben wäre, wenn Chatsky nicht gewesen wäre, der der Tat vom ersten bis zum letzten Wort eine lebendige Seele einhauchte. Ohne die Figur von Chatsky, ohne seine leidenschaftlichen Monologe hätte das Stück keine solche Popularität erlangt, wäre es nicht zu einem der beliebtesten geworden
Werke wahrer Patrioten Russlands.

/> Aber wenn Chatsky ein kluger Mensch für 25 Narren ist, warum steht er dann im letzten Akt verwirrt vor uns, mit „einer Million Qualen“ in der Brust? Ist nur der Zusammenbruch seiner Liebe zu Sophia der Grund? Nein, er kocht vor Empörung, nachdem er in die Welt der „ungeschickten Weisen, schlauen Einfaltspinsel, finsteren alten Frauen, alten Männer ...“ eingetaucht ist. Mit einem Wort, das ausgehende Zeitalter und seine Prinzipien, die ihre Tentakel zum Neuen ziehen, fallen unter dem Hagel seiner Pfeile.
Die letzte Aktion fasst nur die Auseinandersetzungen auf diesem Gebiet zwischen der Famus-Gesellschaft und der Hauptfigur zusammen.
Chatsky ist eine kluge, gebildete Person. Wie andere Charaktere ihn beschreiben, „er
klein mit kopf“, „schreibt herrlich, übersetzt“. Zuvor diente er, bekleidete eine hohe Position, fand darin aber keinen Nutzen, weil er Einzelpersonen und nicht der Sache dienen musste. Und Chatsky will sich nicht „in das Regiment der Narren einfügen“ und Gönner: „Ich würde gerne dienen, es ist widerlich zu dienen“ – sein Credo. Für seine Ansichten, die den allgemein anerkannten widersprechen, wurde er „für einen Versager, einen Wildfang erklärt“, weil er das Anwesen „aus Versehen“ verwaltete, das heißt, er war auf seine Weise drei Jahre lang unterwegs, was in die Augen der Welt trugen nur zur Seltsamkeit seines Verhaltens bei.

Misserfolge und Irrwege haben seine Energien nicht getrübt. Er scheint nicht enttäuscht zu sein, als er bei Famusov zu Hause auftaucht, und seine Gesprächigkeit, Lebhaftigkeit und Witzigkeit stammen nicht nur von einem Rendezvous mit Sophia. Schließlich ist ihm der Rauch des Vaterlandes süß und angenehm, obwohl Chatsky weiß, dass er nichts Neues sehen wird, ist es überall gleich.
Chatsky fühlt sich in Sophia unaufrichtig, eine Art Unwahrheit, und versucht sie als ehrliche Person zu verstehen. Sein Verstand und seine Sinne werden von versteckten Lügen und allem, was er früher getan hat, irritiert
versuchte, herablassend zu sein, empörte ihn. So wird die „Liebesintrige“ „allgemein“.
Kampf“ eines fortgeschrittenen Menschen mit den Obskurantisten seiner Zeit.
Zuallererst ist Chatsky gegen das von Famusov so geliebte „vergangene Jahrhundert“ gegen Unterwürfigkeit, Demut und Angst, Trägheit des Denkens, wenn
Urteile schöpfen aus vergessenen Zeitungen
Ochakov-Zeiten und die Eroberung der Krim.
Er ist angewidert von der gegenseitigen Verantwortung des Adels, von Verschwendung und Festen, vor allem aber von Empörung in ihm
regt zur Leibeigenschaft an, bei der ergebene Diener gegen Windhunde eingetauscht werden,
einzeln verkauft "von Müttern, Vätern verstoßener Kinder". Chatsky kann das nicht
Solche Menschen auch bei der Desertion zu respektieren, erkennt ihr Recht auf einen neuen Prozess nicht an
Jahrhundert. Und sie wiederum halten Leute wie Chatsky für Räuber, für gefährlich
Träumer, die ihnen das Schrecklichste predigen - Freiheit.
Für Chatsky ist Wissenschaft und Kunst Kreativität, hoch und schön, aber für
andere ist es gleichbedeutend mit Feuer. Immerhin ist es bequemer, „damit niemand weiß und nicht lesen lernt“,
bessere Ränge und Drill.
Von Monolog zu Monolog wächst Chatskys Irritation, und dabei geht es nicht nur um Sophia. „Häuser sind neu, Vorurteile sind alt“ – das ist die Hauptsache. Deshalb werden seine Bemerkungen, die sich an die Träger dieser Vorurteile richten, alt und jung, so ätzend. Er säte Feindseligkeit und erntete „eine Million Qualen“.
Das Gerücht über Chatskys Wahnsinn fiel auf fruchtbaren Boden, sonst hätte die Famus-Gesellschaft sein Verhalten nicht erklären können, gallig, wählerisch. Die weiße Krähe hat keinen Platz unter den Schwarzen, sie muss abgelehnt werden. Chatsky mit Verleumdungen abwehrend, seufzen alle
freier, und der Held wird schwächer. So klingt sein Monolog „Ja, kein Urin: eine Million Qualen“.
Beschwerde, und Schmerz reagiert auf das Herz. Nicht nur Chatsky, sondern auch das Vaterland wird durch die bestehende Ordnung, die Dominanz von Ausländern, gedemütigt, wenn „leere, sklavische, blinde Nachahmung“ die nationale Kultur ersetzt und „kluge, kräftige ... Menschen“ sogar Ausländer je nach Sprache akzeptieren der Meister.
Deshalb sehen wir Chatsky in der letzten Szene so empört. Enttäuscht von der Liebe und nachdem er „weder den Klang eines Russen noch ein russisches Gesicht“ gefunden hat, betrogen und verleumdet, flieht Chatsky aus Moskau, „um sich in der Welt umzusehen, wo es eine Ecke für ein beleidigtes Gefühl gibt“, wegzunehmen, wie eine Dornenkrone, „eine Million Qualen“. Aber seine Prinzipien werden nicht entlarvt. Goncharov bemerkte richtig, dass „Chatsky durch die Menge an alter Stärke gebrochen ist, die ihm wiederum zugefügt wird
ein tödlicher Schlag durch die Qualität frischer Kraft.
Ist er wirklich der ewige Lügenbrecher, von dem das Sprichwort „Ein Mann ist kein Krieger“ die Rede ist? Nein, ein Krieger, wenn er Chatsky ist, und außerdem ein Sieger, aber ein fortgeschrittener Krieger, Plänkler und immer ein Opfer.

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"Millionen Qualen" Chatsky

Literatur-Kritik

"Eine Million Qualen" (Artikel von I. A. Goncharov)

Die Komödie „Wehe dem Witz“ hebt sich literarisch ab und hebt sich durch ihre Jugendlichkeit, Frische und stärkere Lebendigkeit von anderen Werken der Welt ab. Sie ist wie ein hundertjähriger Mann, um den herum jeder, der seine Zeit überlebt hat, stirbt und fällt, und er wandelt fröhlich und frisch zwischen den Gräbern alter und den Wiegen neuer Menschen. Und es kommt niemandem in den Sinn, dass er eines Tages an der Reihe sein wird.

Alle Prominenten der ersten Größenordnung betraten natürlich nicht ohne Grund den sogenannten "Tempel der Unsterblichkeit". Sie alle haben viel, während andere, wie zum Beispiel Puschkin, viel mehr Rechte auf Langlebigkeit haben als Griboyedov. Sie können nicht nah sein und eins mit dem anderen setzen. Puschkin ist riesig, fruchtbar, stark, reich. Er ist für die russische Kunst, was Lomonosov für die russische Aufklärung im Allgemeinen ist. Puschkin besetzte seine gesamte Ära, er selbst schuf eine andere, ließ Künstlerschulen entstehen - er nahm alles in seiner Ära mit, außer dem, was Griboyedov schaffte und dem Puschkin nicht zustimmte.

Trotz Puschkins Genies werden seine größten Helden, wie die Helden seiner Zeit, bereits blass und verblassen in der Vergangenheit. Seine brillanten Kreationen, die weiterhin als Vorbilder und Quellen der Kunst dienen, werden selbst Geschichte. Wir haben Onegin, seine Zeit und sein Umfeld studiert, abgewogen, die Bedeutung dieses Typs bestimmt, aber wir finden im modernen Jahrhundert keine lebendigen Spuren dieser Persönlichkeit mehr, obwohl die Schöpfung dieses Typs in der Literatur unauslöschlich bleiben wird. Aber auch die späteren Helden des Jahrhunderts, zum Beispiel Lermontovs Petschorin, die wie Onegin ihre Zeit repräsentierten, versteinerten in der Unbeweglichkeit wie Statuen auf Gräbern. Wir sprechen nicht von ihren mehr oder weniger brillanten Typen, die später auftauchten, denen es gelang, zu Lebzeiten der Autoren ins Grab zu gehen und einige Rechte am literarischen Gedächtnis zu hinterlassen.

Fonvizins „Undergrowth“ wurde die unsterbliche Komödie genannt – und das zu Recht – ihre lebhafte, heiße Zeit dauerte etwa ein halbes Jahrhundert: Das ist enorm für ein Werk aus Worten. Aber jetzt gibt es in The Undergrowth keinen einzigen Hinweis auf das Leben, und die Komödie, die ihren Dienst getan hat, ist zu einem historischen Denkmal geworden.

„Wehe von Wit“ erschien vor Onegin, Pechorin, überlebte sie, ging unbeschadet durch die Gogol-Zeit, lebte diese ein halbes Jahrhundert seit seinem Erscheinen und lebt immer noch sein unvergängliches Leben, wird viele weitere Epochen überleben und alles wird seins nicht verlieren Vitalität.

Warum ist das so und was ist „Wehe aus Witz“ im Allgemeinen?

Die Kritik hat die Komödie nicht von ihrem einstigen Platz entfernt, als wäre sie ratlos, wo sie sie platzieren sollte. Die mündliche Bewertung überflügelte die gedruckte, ebenso wie das Stück selbst der Presse weit voraus war. Aber die gebildete Masse schätzte es tatsächlich. Sie erkannte sofort seine Schönheit und fand keine Mängel, zerschmetterte das Manuskript in Fetzen, in Verse, halbe Verse, verdünnte all das Salz und die Weisheit des Stücks in umgangssprachliche Sprache, als ob sie eine Million in Groschen verwandelte, und so voll von Griboedovs Sprichwörter im Gespräch, dass sie die Komödie buchstäblich bis zur Sättigung zermürbte.

Aber das Stück bestand auch diese Prüfung - und wurde nicht nur nicht vulgär, sondern schien den Lesern lieber zu werden, fand in jedem von ihnen einen Gönner, Kritiker und Freund, wie Krylovs Fabeln, die ihre literarische Kraft nicht verloren ein Buch in Live-Sprache.

Die gedruckte Kritik hat immer nur die Bühnenaufführung des Stücks mehr oder weniger streng behandelt, die Komödie selbst wenig berührt oder sich in fragmentarischen, unvollständigen und widersprüchlichen Rezensionen ausgedrückt. Es wurde ein für alle Mal entschieden, dass die Komödie ein vorbildliches Werk ist – und damit waren sich alle einig.

Was soll ein Schauspieler tun, wenn er an seine Rolle in diesem Stück denkt? Sich auf sein eigenes Gericht zu verlassen - es wird kein Selbstwertgefühl geben, und vierzig Jahre lang auf die Stimme der öffentlichen Meinung hören - es gibt keinen Weg, ohne sich in kleinlichen Analysen zu verlieren. Es bleibt, aus dem unzähligen Chor von Meinungen, die geäußert und geäußert werden, auf einige allgemeine Schlussfolgerungen einzugehen, die meistens wiederholt werden – und darauf bereits Ihren eigenen Bewertungsplan aufzubauen.

Einige schätzen in der Komödie ein Bild der Moskauer Manieren einer bestimmten Epoche, der Schaffung lebender Typen und ihrer geschickten Gruppierung. Das ganze Stück präsentiert sich als eine Art Kreis von Gesichtern, die dem Leser vertraut sind, und außerdem so bestimmt und geschlossen wie ein Kartenspiel. Die Gesichter von Famusov, Molchalin, Skalozub und anderen waren so fest in mein Gedächtnis eingraviert wie Könige, Buben und Damen in die Karten, und jeder hatte eine mehr oder weniger angenehme Vorstellung von allen Gesichtern, außer einem – Chatsky. Sie sind also alle korrekt und streng beschriftet und werden so jedem vertraut. Nur über Chatsky sind viele ratlos: Was ist er? Es ist wie die dreiundfünfzigste einer mysteriösen Karte im Deck. Wenn es im Verständnis anderer Personen wenig Meinungsverschiedenheiten gab, dann sind die Widersprüche in Bezug auf Chatsky im Gegenteil noch nicht beendet und werden vielleicht noch lange nicht enden.

Andere, dem Bild der Moral, der Typentreue gerecht werdend, hegen das epigrammatischere Salz der Sprache, die lebendige Satire – die Moral, mit der das Spiel noch heute, wie eine unerschöpfliche Quelle, jeden für jeden alltäglichen Lebensabschnitt versorgt.

Aber sowohl diese als auch andere Kenner übergehen die "Komödie" selbst, die Handlung, fast mit Schweigen, und viele sprechen ihr sogar eine bedingte Bühnenbewegung ab.

Trotzdem aber gehen bei jedem personellen Wechsel in den Rollen beide Richter ins Theater und es entsteht wieder ein lebhaftes Gespräch über die Aufführung dieser oder jener Rolle und über die Rollen selbst, wie in einem neuen Stück.

All diese vielfältigen Eindrücke und die darauf aufbauende eigene Sichtweise dienen für jeden als beste Definition des Stücks, nämlich dass die Komödie Woe from Wit sowohl ein Sittenbild als auch eine Galerie lebender Typen ist, und eine ewig scharfe, brennende Satire, und gleichzeitig auch Komödie und - sagen wir für uns - vor allem Komödie, die in anderen Literaturen kaum zu finden ist, wenn wir die Gesamtheit aller anderen zum Ausdruck gebrachten Bedingungen akzeptieren. Als Bild ist es ohne Zweifel riesig. Ihre Leinwand fängt einen langen Zeitraum des russischen Lebens ein – von Katharina bis Kaiser Nikolaus. In einer Gruppe von zwanzig Gesichtern spiegelte sich wie ein Lichtstrahl in einem Wassertropfen das ganze ehemalige Moskau, seine Zeichnung, sein damaliger Geist, sein historischer Moment und seine Bräuche. Und das mit einer solchen künstlerischen, objektiven Vollständigkeit und Gewissheit, die uns nur Puschkin und Gogol geschenkt haben.

In dem Bild, wo kein einziger blasser Fleck, kein einziger fremdartiger, überflüssiger Strich und Ton ist, fühlt sich der Betrachter und Leser auch jetzt, in unserer Zeit, unter lebendigen Menschen. Sowohl das Allgemeine als auch die Details - all dies ist nicht komponiert, sondern vollständig aus Moskauer Wohnzimmern übernommen und ins Buch und auf die Bühne übertragen, mit aller Wärme und mit all dem "besonderen Aufdruck" Moskaus - von Famusov bis klein Striche, an Prinz Tugoukhovsky und an den Diener Petersilie, ohne die das Bild nicht vollständig wäre.

Für uns ist es jedoch noch kein vollständig abgeschlossenes Geschichtsbild: Wir haben uns noch nicht so weit von der Epoche entfernt, dass zwischen ihr und unserer Zeit ein unüberwindbarer Abgrund liegt. Die Färbung ist überhaupt nicht geglättet; das Jahrhundert trennte sich nicht wie ein abgeschnittenes Stück von unserem: Wir haben etwas von dort geerbt, obwohl sich die Famusovs, Molchalins, Sagoretskys und andere so verändert haben, dass sie nicht mehr in die Haut von Griboedovs Typen passen. Scharfe Züge sind natürlich obsolet geworden: Kein Famusov wird jetzt zu Narren einladen und Maxim Petrovich, zumindest so positiv und klar, Molchalin selbst vor der Magd als Beispiel geben, gesteht jetzt leise die Gebote, die sein Vater ihm hinterlassen hat ; ein solcher Skalozub, ein solcher Zagoretsky sind selbst in einem fernen Hinterland unmöglich. Aber solange es neben dem Verdienst auch ein Verlangen nach Ehrungen gibt, solange es Handwerker und Jäger gibt, denen es zu gefallen gilt und „Belohnungen entgegennimmt und glücklich lebt“, solange werden Klatsch, Müßiggang, Leere nicht als Laster, sondern als die Elemente des sozialen Lebens - bis dahin natürlich. , die Gesichtszüge der Famusovs, Molchalins und anderer werden in der modernen Gesellschaft flackern, es besteht keine Notwendigkeit, dass dieser „besondere Abdruck“, auf den Famusov stolz war, aus Moskau selbst gelöscht wurde.

Universelle Modelle bleiben natürlich immer bestehen, obwohl auch sie durch vorübergehende Veränderungen zu nicht wiederzuerkennenden Typen werden, so dass Künstler manchmal nach langen Zeiten anstelle der alten Grundzüge der Moral und der menschlichen Natur im Allgemeinen aktualisieren müssen schon einmal in den Bildern, kleiden sie im Geiste ihrer Zeit in neues Fleisch und Blut. Tartuffe ist natürlich ein ewiger Typ, Falstaff ist ein ewiger Charakter, aber beide und viele noch berühmte Prototypen von Leidenschaften, Lastern usw., wie sie, die im Nebel der Antike verschwanden, verloren fast ihr lebendiges Bild und zu einer Idee, zu einem bedingten Begriff, dem geläufigen Namen Laster gemacht, und dienen uns nicht mehr als lebendige Lehre, sondern als Porträt einer historischen Galerie.

Dies ist insbesondere Griboedovs Komödie zuzuschreiben. Das Lokalkolorit ist darin zu grell, und die Bezeichnung selbst der Charaktere ist so streng umrissen und mit einer solchen Detailwirklichkeit versehen, dass sich allgemeinmenschliche Züge unter gesellschaftlichen Stellungen, Ständen, Trachten usw. kaum abheben.

Als modernes Sittenbild war die Komödie „Wehe dem Witz“ teilweise ein Anachronismus, selbst als sie in den 1930er Jahren auf der Moskauer Bühne erschien. Schon Shchepkin, Mochalov, Lvova-Sinetskaya, Lensky, Orlov und Saburov spielten nicht nach der Natur, sondern nach frischer Tradition. Und dann begannen die scharfen Striche zu verschwinden. Chatsky selbst donnert gegen das "vergangene Jahrhundert", als die Komödie geschrieben wurde, und sie wurde zwischen 1815 und 1820 geschrieben.

Wie man vergleicht und sieht (sagt er),
Das aktuelle Jahrhundert und das vergangene Jahrhundert,
Frische Legende, aber kaum zu glauben -

und über seine Zeit drückt er es so aus:

Jetzt atmen alle freier -

Ich habe dein Alter gescholten
Schonungslos -

sagt er zu Famusov.

Folglich ist nur noch wenig vom Lokalkolorit übrig geblieben: Rangleidenschaft, Kriechen, Leere. Aber mit einigen Reformen können sich die Reihen entfernen und sich vor dem Grad der Unterwürfigkeit verstecken, den Molalinsky bereits versteckt und jetzt im Dunkeln verbirgt, und die Poesie der Frucht ist einer strengen und rationalen Richtung in militärischen Angelegenheiten gewichen.

Dennoch gibt es noch einige lebendige Spuren, die verhindern, dass aus dem Bild ein fertiges historisches Flachrelief wird. Diese Zukunft liegt noch weit vor ihr.

Salz, Epigramm, Satire, dieser umgangssprachliche Vers, so scheint es, wird niemals sterben, genau wie der scharfe und ätzende, lebendige russische Geist, der darin verstreut ist und den Gribojedow wie ein Zauberer von Geist in seinem Schloss eingesperrt hat und zerbröckelt dort böswillig mit Fell. Es ist unmöglich, sich vorzustellen, dass jemals eine andere, natürlichere, einfachere, lebensnahere Sprache erscheinen könnte. Prosa und Vers verschmolzen hier zu etwas Untrennbarem, so scheint es, damit es einfacher wäre, sie in Erinnerung zu behalten und den gesamten vom Autor gesammelten Verstand, Humor, Witz und Zorn des russischen Verstandes und der russischen Sprache wieder in Umlauf zu bringen. Diese Sprache wurde dem Autor gegeben, wie die Gruppe dieser Personen gegeben wurde, wie der Hauptsinn der Komödie gegeben wurde, wie alles zusammen gegeben wurde, wie auf einmal, und alles eine außergewöhnliche Komödie bildete - sowohl im engeren Sinne, wie ein Theaterstück, als auch im weiten Sinne, wie eine Komödie. Nichts anderes als eine Komödie hätte es nicht sein können.

Verlassen wir die beiden Hauptaspekte des Stücks, die so deutlich für sich sprechen und daher die Mehrheit der Bewunderer haben – nämlich das Bild der Epoche mit einer Gruppe lebendiger Porträts und das Salz der Sprache –, wenden wir uns zunächst zu die Komödie als Bühnenstück, dann die Komödie im Allgemeinen, ihre allgemeine Bedeutung, ihren Hauptgrund in ihrer sozialen und literarischen Bedeutung, und schließlich, lassen Sie uns über ihre Aufführung auf der Bühne sprechen.

Es ist seit langem üblich zu sagen, dass es keine Bewegung gibt, das heißt, es gibt keine Handlung im Spiel. Wie kommt es zu keiner Bewegung? Es ist - lebendig, kontinuierlich, vom ersten Auftritt von Chatsky auf der Bühne bis zu seinem letzten Wort: "Wagen für mich, Wagen!"

Dies ist eine subtile, intelligente, elegante und leidenschaftliche Komödie, im engen, technischen Sinne, wahr in kleinen psychologischen Details, aber für den Zuschauer schwer fassbar, weil sie durch die typischen Gesichter der Charaktere, die raffinierte Zeichnung, die Farbe maskiert wird Ort, Epoche, die Schönheit der Sprache, all die poetischen Kräfte, die in dem Stück so reichlich verschüttet wurden. Die Handlung, also die eigentliche Intrige darin, erscheint vor diesen kapitalen Aspekten blass, überflüssig, fast unnötig.

Erst beim Herumfahren in der Passage scheint der Zuschauer von einer unerwarteten Katastrophe aufzuwachen, die zwischen den Hauptpersonen ausgebrochen ist, und erinnert sich plötzlich an eine Komödien-Intrige. Aber auch nicht lange. Die enorme, wirkliche Bedeutung der Komödie wächst bereits vor ihm.

Die Hauptrolle ist natürlich die Rolle von Chatsky, ohne die es keine Komödie gäbe, aber vielleicht gäbe es ein Bild der Moral.

Griboyedov selbst schrieb Chatskys Trauer seinem Verstand zu, während Puschkin ihm jeglichen Verstand absprach.

Man könnte meinen, dass Griboyedov ihm aus väterlicher Liebe zu seinem Helden im Titel geschmeichelt hat, als wollte er den Leser warnen, dass sein Held klug ist und alle anderen um ihn herum nicht klug sind.

Sowohl Onegin als auch Petschorin erwiesen sich als unfähig zur Arbeit, zu einer aktiven Rolle, obwohl beide vage verstanden, dass alles um sie herum verfallen war. Sie waren sogar „verbittert“, trugen „Unzufriedenheit“ in sich und irrten wie Schatten „mit sehnsuchtsvoller Faulheit“ umher. Aber die Leere des Lebens, den müßigen Adel verachtend, erlagen sie ihm und dachten nicht daran, sich dagegen zu wehren oder ganz davonzulaufen. Unzufriedenheit und Wut hinderten Onegin nicht daran, schlau zu sein, sowohl im Theater als auch auf einem Ball und in einem modischen Restaurant zu "glänzen", mit Mädchen zu flirten und sie ernsthaft in der Ehe zu umwerben, und Pechorin vor interessanter Langeweile zu glänzen und seine zu muhen Faulheit und Wut zwischen Prinzessin Mary und Bela, und dann vor dem dummen Maxim Maksimovich vorgeben, ihnen gegenüber gleichgültig zu sein: Diese Gleichgültigkeit galt als die Quintessenz des Don Juanismus. Beide schmachteten, erstickten in ihrer Mitte und wussten nicht, was sie wollen sollten. Onegin versuchte zu lesen, gähnte aber und gab auf, weil er und Pechorin mit einer Wissenschaft der „zärtlichen Leidenschaft“ vertraut waren und alles andere „etwas und irgendwie“ lernten - und sie hatten nichts zu tun.

Im Gegenteil, Chatsky bereitete sich anscheinend ernsthaft auf Aktivitäten vor. „Er schreibt und übersetzt gut“, sagt Famusov über ihn, und alle sprechen von seinem hohen Geist. Er reiste natürlich nicht umsonst, studierte, las, nahm anscheinend eine Arbeit auf, stand in Beziehung zu Ministern und zerstreute sich - es ist nicht schwer zu erraten, warum:

Ich würde gerne dienen - es ist widerlich zu dienen! -

er deutet an. Von „sehnsüchtiger Faulheit, müßiger Langeweile“ und noch weniger von „sanfter Leidenschaft“ als Wissenschaft und Beruf ist keine Rede. Er liebt ernsthaft, Sophia als zukünftige Frau zu sehen.

In der Zwischenzeit musste Chatsky einen bitteren Kelch auf den Grund trinken, fand bei niemandem „lebendiges Mitgefühl“ und ging, wobei er nur „eine Million Qualen“ mitnahm.

Weder Onegin noch Pechorin hätten im Allgemeinen so dumm gehandelt, besonders in Sachen Liebe und Heiratsvermittlung. Aber auf der anderen Seite sind sie für uns schon blass geworden und zu steinernen Statuen geworden, und Chatsky bleibt und wird für diese seine "Dummheit" immer am Leben bleiben.

Der Leser erinnert sich natürlich an alles, was Chatsky getan hat. Verfolgen wir ein wenig den Verlauf des Stücks und versuchen wir, das dramatische Interesse der Komödie herauszuheben, jene Bewegung, die sich wie ein unsichtbarer, aber lebendiger Faden durch das ganze Stück zieht und alle Teile und Gesichter der Komödie miteinander verbindet gegenseitig. Chatsky rennt zu Sofya, direkt aus dem Straßenwagen, ohne in seinem Zimmer anzuhalten, küsst leidenschaftlich ihre Hand, sieht ihr in die Augen, freut sich über das Date und hofft, eine Antwort auf sein früheres Gefühl zu finden, findet sie aber nicht. Dabei fielen ihm zwei Veränderungen auf: Sie wurde ihm gegenüber ungewöhnlich hübscher und kühler – auch ungewöhnlich.

Das verwirrte ihn und verärgerte ihn und ärgerte ihn ein wenig. Vergeblich versucht er, seine Konversation mit Humor zu würzen, spielt teils mit dieser seinen Kräften, die Sofya natürlich früher mochte, als sie ihn liebte, teils unter dem Einfluss von Ärger und Enttäuschung. Jeder versteht es, er ging alle durch - von Sophias Vater bis Molchalin - und mit welch treffenden Zügen zeichnet er Moskau, und wie viele dieser Gedichte gingen in die Live-Sprache! Aber alles umsonst: zarte Erinnerungen, Witze - nichts hilft. Er leidet nur unter Kälte von ihr, bis er Molchalin ätzend berührt hat und sie nicht mehr berührt hat. Sie fragt ihn bereits mit versteckter Wut, ob er nicht zufällig „etwas Gutes über jemanden gesagt“ habe, und verschwindet am Eingang ihres Vaters, verrät diesen fast mit dem Kopf von Chatsky, erklärt ihn also zum Helden der Traum schon einmal seinem Vater erzählt.

Von diesem Moment an entbrannte ein hitziges Duell zwischen ihr und Chatsky, die lebhafteste Handlung, eine Komödie im engeren Sinne, an der zwei Personen eng beteiligt sind - Molchalin und Lisa.

Jeder Schritt, fast jedes Wort in dem Stück ist eng mit dem Spiel seiner Gefühle für Sofya verbunden, irritiert von einer Art Lüge in ihrem Handeln, die er bis zum Schluss zu enträtseln versucht. Sein ganzes Gemüt und seine ganze Kraft gehen in diesen Kampf: Er diente als Motiv, als Vorwand für Irritationen für jene „Million von Qualen“, unter deren Einfluss er nur die Rolle spielen konnte, die ihm Gribojedow angedeutet hatte, eine Rolle von viel größerer, höherer Bedeutung als die misslungene Liebe, mit einem Wort, die Rolle, für die die ganze Komödie geboren wurde.

Chatsky bemerkt Famusov fast nicht, antwortet kalt und geistesabwesend auf seine Frage: Wo warst du? - "Ist es jetzt an mir?" - sagt er, und verspricht, wiederzukommen, geht er und sagt von dem, was ihn absorbiert:

Wie schön ist Sofya Pavlovna geworden!

Beim zweiten Besuch spricht er wieder über Sofya Pavlovna: „Ist sie nicht krank? Ist es mit ihrer Traurigkeit passiert? - und wird so sehr von dem durch ihre blühende Schönheit und ihre Kälte ihm gegenüber aufgewärmten Gefühl erfasst, dass er auf die Frage seines Vaters, ob er sie heiraten wolle, zerstreut fragt: „Was brauchst du!“ Und dann fügt er gleichgültig, nur aus Anstand, hinzu:

Lass mich heiraten, was würdest du mir sagen?

Und, fast ohne auf die Antwort zu hören, bemerkt er träge den Rat, „zu dienen“:

Ich würde gerne dienen - es ist widerlich zu dienen!

Er kam nach Moskau und nach Famusov, natürlich wegen Sophia und nur wegen Sophia. Er kümmert sich nicht um andere: Auch jetzt ärgert er sich darüber, dass er statt ihr nur Famusov gefunden hat. "Wie konnte sie nicht hier sein?" - er stellt eine Frage und erinnert sich an seine frühere Jugendliebe, die in ihm „weder die Entfernung noch die Unterhaltung noch den Ortswechsel abgekühlt hat“ und von ihrer Kälte gequält wird.

Er langweilt sich und redet mit Famusov, und nur eine positive Herausforderung an Famusov zu einem Streit bringt Chatsky aus seiner Konzentration:

Das ist es, ihr seid alle stolz;
Sehen Sie, was Väter taten

sagt Famusov und zeichnet dann ein so grobes und hässliches Bild der Unterwürfigkeit, dass Chatsky es nicht ertragen konnte und seinerseits eine Parallele des „vergangenen“ Jahrhunderts mit dem „gegenwärtigen“ Jahrhundert zog.

Aber seine Verärgerung hält sich noch in Grenzen: Er scheint sich zu schämen, dass er es sich in den Kopf gesetzt hat, Famusov von seinen Konzepten abzuschneiden; Er beeilt sich einzufügen, dass „er nicht über seinen Onkel spricht“, den Famusov als Beispiel zitierte, und lädt diesen sogar ein, sein eigenes Alter zu schimpfen, und schließlich versucht er sein Bestes, um das Gespräch zu vertuschen, als er sieht, wie Famusov eingesteckt hat seine Ohren, beruhigt ihn, entschuldigt sich fast.

Streit in die Länge ziehen ist nicht mein Wunsch, -

er sagt. Er ist bereit, in sich selbst zurückzukehren. Aber er wird durch Famusovs unerwartete Anspielung auf das Gerücht über Skalozubs Heiratsvermittlung geweckt:

Es ist, als würde er Sofyushka heiraten ... usw.

Chatsky spitzte die Ohren.

Wie hektisch, was für eine Eile!
„Und Sophie? Gibt es hier wirklich keinen Bräutigam? -

sagt er, und obwohl er dann hinzufügt:

Ah - das erzählt der Liebe das Ende,

Wer wird für drei Jahre weggehen! -

aber er selbst glaubt es noch nicht, dem Beispiel aller Liebenden folgend, bis sich dieser Liebesaxiom zu Ende an ihm ausgewirkt hat.

Famusov bestätigt seinen Hinweis auf Skalozubs Ehe, indem er letzterem den Gedanken an "eine Generalsfrau" aufzwingt und fast eindeutig eine Heiratsvermittlung fordert.

Diese Anspielungen auf die Ehe erweckten Chatskys Verdacht über die Gründe für Sophias Wechsel zu ihm. Er stimmte sogar der Bitte von Famusov zu, "falsche Ideen" aufzugeben und vor dem Gast zu schweigen. Aber die Gereiztheit lag bereits im Crescendo, und er mischte sich in das Gespräch ein, bisher beiläufig, und dann, verärgert über Famusovs unbeholfenes Lob seines Geistes usw., erhebt seinen Ton und beschließt mit einem scharfen Monolog: „Wer sind die Richter? ” usw. Hier beginnt bereits ein anderer Kampf, ein wichtiger und ernster, ein ganzer Kampf. Wie in einer Opernouvertüre erklingt hier in wenigen Worten das Hauptmotiv, das den wahren Sinn und Zweck der Komödie andeutet. Sowohl Famusov als auch Chatsky warfen sich gegenseitig einen Handschuh zu:

Sehen Sie, was Väter taten
Würde durch einen Blick auf die Ältesten lernen! -

Famusovs Militärruf wurde gehört. Und wer sind diese Ältesten und „Richter“?

Für Altersschwäche
Ihre Feindschaft ist mit einem freien Leben unversöhnlich,-

Chatsky antwortet und führt aus -

Die gemeinsten Züge des vergangenen Lebens.

Es wurden zwei Lager gebildet oder einerseits ein ganzes Lager der Famusovs und aller Brüder der "Väter und Ältesten", andererseits ein leidenschaftlicher und mutiger Kämpfer, "der Feind der Suche". Dies ist ein Kampf um Leben und Tod, ein Kampf ums Dasein, wie die neuesten Naturforscher die natürliche Generationenfolge in der Tierwelt definieren. Famusov will ein „Ass“ sein: „von Silber und Gold essen, in einem Zug fahren, alles in Ordnung, reich sein und Kinder reich sehen, in Reihen, in Ordnung und mit einem Schlüssel“ - und so weiter ohne Ende, und all das ist nur dafür, dass er Papiere unterschreibt, ohne zu lesen und vor einer Sache Angst zu haben - "damit sich nicht viele von ihnen ansammeln".

Chatsky eilt zu „einem freien Leben“, „zum Studium von Wissenschaft und Kunst“ und fordert „Dienst an der Sache, nicht an Personen“ usw. Auf wessen Seite steht der Sieg? Die Komödie gibt Chatsky nur "eine Million Qualen" und lässt Famusov und seine Brüder anscheinend in derselben Position, in der sie sich befanden, ohne etwas über die Folgen des Kampfes zu sagen.

Jetzt kennen wir diese Folgen. Sie tauchten mit dem Aufkommen der Komödie, noch im Manuskript, im Licht auf – und fegten wie eine Epidemie ganz Russland!

In der Zwischenzeit geht die Liebesintrige wie gewohnt weiter, korrekterweise mit einer subtilen psychologischen Treue, die in jedem anderen Stück, ohne andere kolossale Griboedov-Schönheiten, dem Autor einen Namen machen könnte.

Sophias Ohnmacht, als sie von Molchalins Pferd fiel, ihre Teilnahme an ihm, so nachlässig ausgedrückt, Chatskys neue Sarkasmen über Molchalin - all dies erschwerte die Aktion und bildete jenen Hauptpunkt, der in piitiks ein Unentschieden genannt wurde. Hier kommt das dramatische Interesse ins Spiel. Chatsky hätte fast die Wahrheit erraten:

Verwirrung, Ohnmacht, Eile, Wut! Schreck!
(anlässlich des Sturzes von Molchalins Pferd)
All das ist zu spüren
Wenn du deinen einzigen Freund verlierst,

sagt er und geht in großer Aufregung, im Verdacht zweier Rivalen.

Im dritten Akt kommt er vor allen anderen zum Ball, um Sophia „ein Geständnis zu erzwingen“ – und kommt mit einem Schauder der Ungeduld direkt zur Sache mit der Frage: „Wen liebt sie?“

Nach einer ausweichenden Antwort gibt sie zu, dass sie seine „Anderen“ bevorzugt. Es scheint klar. Er selbst sieht das ein und sagt sogar:

Und was will ich, wenn alles entschieden ist?
Ich klettere in die Schlinge, aber es ist ihr komisch!

Sie klettert jedoch, wie alle Liebenden, trotz ihres "Verstandes" und schwächelt bereits vor ihrer Gleichgültigkeit. Er wirft eine nutzlose Waffe gegen einen glücklichen Gegner - einen direkten Angriff auf ihn - und gibt sich herab, so zu tun:

Einmal im Leben werde ich so tun

er beschließt - um "das Rätsel zu lösen", aber tatsächlich, um Sofya zu behalten, als sie mit einem neuen Pfeil, der auf Molchalin abgefeuert wurde, davoneilte. Das ist kein Vorwand, sondern ein Zugeständnis, mit dem er um etwas betteln will, um das man nicht erbetteln kann – Liebe, wenn sie nicht da ist. In seiner Rede hört man schon einen flehenden Ton, sanfte Vorwürfe, Klagen:

Aber hat er diese Leidenschaft, dieses Gefühl, diese Leidenschaft...
Damit er außer dir die ganze Welt hat
War es Staub und Eitelkeit?
Damit jeder Herzschlag
Liebe beschleunigt zu dir ... -

er sagt, und schließlich:

Um mir gleichgültiger zu sein, den Verlust zu führen,
Als Mensch - Sie, der mit Ihnen aufgewachsen ist -
Als dein Freund, als dein Bruder,
Lass mich sicher gehen...

Das sind schon Tränen. Er berührt die ernsten Saiten des Gefühls:

Vor Wahnsinn kann ich mich hüten,
Ich werde weiter gehen, um mich zu erkälten, kalt zu werden ... -

schließt er. Dann musste er nur noch auf die Knie fallen und schluchzen. Die Überreste des Geistes bewahren ihn vor nutzloser Demütigung.

Eine so meisterhafte Szene, ausgedrückt in solchen Versen, wird von kaum einem anderen dramatischen Werk dargestellt. Es ist unmöglich, ein Gefühl edler und nüchterner auszudrücken, wie Chatsky es ausdrückte, es ist unmöglich, subtiler und anmutiger aus der Falle zu kommen, als Sofya Pavlovna herauskommt. Nur Puschkins Szenen von Onegin mit Tatjana ähneln diesen subtilen Merkmalen intelligenter Naturen.

Sofya konnte Chatskys neues Misstrauen vollständig loswerden, aber sie selbst wurde von ihrer Liebe zu Molchalin mitgerissen und verdarb das Ganze fast, indem sie sich fast offen in Liebe äußerte. Zu Chatskys Frage:

Warum hast du ihn (Molchalin) so kurz erkannt? -

Sie antwortet:

Ich habe es nicht versucht! Gott hat uns zusammengebracht.

Das reicht aus, um einem Blinden die Augen zu öffnen. Aber Molchalin selbst rettete sie, das heißt seine Bedeutungslosigkeit. In ihrer Begeisterung beeilte sie sich, sein Porträt in voller Länge zu zeichnen, vielleicht in der Hoffnung, mit dieser Liebe nicht nur sie selbst, sondern auch andere, sogar Chatsky, zu versöhnen, ohne zu bemerken, wie das Porträt herauskam:

Sehen Sie, er hat die Freundschaft aller im Haus gewonnen.
Er dient seit drei Jahren beim Priester;
Er wird oft grundlos wütend,
Und er wird ihn mit Schweigen entwaffnen,
Aus Güte der Seele vergib.
Und nebenbei
Ich könnte nach Spaß suchen -
Nichts, von den alten Menschen wird nicht über die Schwelle treten!
Wir toben, wir lachen;
Er wird den ganzen Tag bei ihnen sitzen, glücklich, nicht glücklich.
Spielen...

Größtes Anwesen...
Er ist endlich gefügig, bescheiden, ruhig,
Und es gibt keine Missetaten in der Seele;
Fremde und zufällig schneidet nicht ...
Dafür liebe ich ihn!

Chatsky zerstreute alle Zweifel:

Sie respektiert ihn nicht!
Shalit, sie liebt ihn nicht,
Sie schert sich nicht um ihn! -

er tröstet sich bei ihr mit jedem Lob von Molchalin und schnappt sich dann Skalozub. Aber ihre Antwort, dass er "nicht der Held ihres Romans" sei, zerstörte diese Zweifel. Er verlässt sie ohne Eifersucht, aber auch in Gedanken und sagt:

Wer errät Sie!

Er selbst glaubte nicht an die Möglichkeit solcher Rivalen, aber jetzt war er davon überzeugt. Aber seine Hoffnungen auf Gegenseitigkeit, die ihn bisher erregt hatten, wurden völlig erschüttert, besonders als sie sich nicht bereit erklärte, unter dem Vorwand, »die Zange würde kalt werden«, bei ihm zu bleiben und dann auf seine Bitte gehen zu dürfen In ihrem Zimmer, mit neuer Schärfe auf Molchalin, entwischte sie ihm und schloss sich ein.

Er hatte das Gefühl, dass das Hauptziel der Rückkehr nach Moskau ihn verraten hatte, und er entfernte sich traurig von Sophia. Er, wie er später in der Eingangshalle gesteht, vermutet in ihr von diesem Moment an nur noch Kälte gegenüber allem, und nach dieser Szene wird diese Schwäche nicht wie zuvor "auf Zeichen lebendiger Leidenschaften" zurückgeführt, sondern auf "eine Laune der Verwöhntheit". Nerven." Seine nächste Szene mit Molchalin, die das Wesen des letzteren vollständig beschreibt, bestätigt Chatsky endgültig, dass Sophia diesen Rivalen nicht liebt.

Der Lügner hat mich ausgelacht! -

Er bemerkt es und trifft neue Gesichter.

Die Komödie zwischen ihm und Sophia brach ab; die brennende Gereiztheit der Eifersucht ließ nach, und die Kälte der Hoffnungslosigkeit roch in seine Seele.

Er musste gehen; aber eine andere, lebhafte, lebhafte Komödie dringt auf die Bühne, mehrere neue Perspektiven des Moskauer Lebens öffnen sich gleichzeitig, die nicht nur Chatskys Intrige aus dem Gedächtnis des Zuschauers verdrängen, sondern Chatsky selbst scheint es zu vergessen und sich in die Menge einzumischen. Um ihn gruppieren und spielen neue Gesichter, jedes mit seiner eigenen Rolle. Dies ist ein Ball mit der ganzen Moskauer Atmosphäre, mit einer Reihe lebhafter Bühnenbilder, in denen jede Gruppe eine eigene Komödie bildet, mit einem vollständigen Überblick über die Charaktere, die es geschafft haben, sich in wenigen Worten zu einer fertigen Handlung zu entwickeln.

Spielen die Gorichevs nicht eine komplette Komödie? Dieser Mann, noch vor kurzem ein kräftiger und lebhafter Mann, jetzt gesenkt, bekleidet, wie in einem Schlafrock, im Moskauer Leben, Herr; „Junge-Ehemann, Diener-Ehemann, das Ideal der Moskauer Ehemänner“, nach Chatskys treffender Definition, unter den Schuhen einer süßlichen, niedlichen weltlichen Ehefrau, einer Moskauer Dame?

Und diese sechs Prinzessinnen und die Enkelin Gräfin - all dieses Kontingent von Bräuten, "die laut Famusov wissen, wie man sich mit Taft, Ringelblume und Dunst verkleidet", "hohe Töne singen und sich an Militärs klammern"?

Diese Khlestova, ein Überbleibsel aus dem Katharinenalter, mit einem Mops, mit einem kleinen schwarzhaarigen Mädchen - dieser Prinzessin und Prinz Pjotr Iljitsch - ohne ein Wort, aber so eine sprechende Ruine der Vergangenheit - Zagoretsky, ein offensichtlicher Betrüger, auf der Flucht Gefängnis in den besten Wohnzimmern und zahlt sich mit Unterwürfigkeit aus wie Hundewindeln, und diese N.N. und all ihre Gerüchte, und all der Inhalt, der sie beschäftigt!

Der Zustrom dieser Gesichter ist so reichlich, ihre Porträts sind so geprägt, dass der Betrachter angesichts der Intrige kalt wird und keine Zeit hat, diese schnellen Skizzen neuer Gesichter zu erfassen und ihrem ursprünglichen Dialekt zuzuhören.

Chatsky steht nicht mehr auf der Bühne. Aber bevor er ging, gab er dieser Hauptkomödie, die er mit Famusov im ersten Akt und dann mit Molchalin begann, reichlich Nahrung - diesem Kampf mit ganz Moskau, wo er dann nach den Zielen des Autors ankam.

Bei kurzen, ja augenblicklichen Treffen mit alten Bekannten gelang es ihm, alle mit ätzenden Bemerkungen und Sarkasmus gegen sich aufzurüsten. Bei allerlei Kleinigkeiten ist er schon lebhaft betroffen – und er lässt der Sprache freien Lauf. Er verärgerte die alte Frau Khlestova, gab Gorich unangemessene Ratschläge, unterbrach die Enkelin der Gräfin abrupt und berührte Molchalin erneut.

Aber der Becher lief über. Er verlässt die Hinterzimmer bereits völlig aufgebracht und geht aus alter Freundschaft in der Menge wieder zu Sofya, in der Hoffnung auf zumindest einfache Anteilnahme. Er vertraut ihr seinen Gemütszustand an:

Eine Million Qualen! -

er sagt,

Brüste aus einem freundlichen Laster,
Füße vom Schlurfen, Ohren von Ausrufen,
Und mehr als ein Kopf aus allerlei Kleinigkeiten!
Hier wird meine Seele irgendwie von Trauer zusammengedrückt! -

beschwert er sich bei ihr, ohne zu ahnen, was für eine Verschwörung im feindlichen Lager gegen ihn herangereift ist.

"Eine Million Qualen" und "Wehe"! - das hat er für alles geerntet, was er gesät hat. Bis jetzt war er unbesiegbar: Sein Verstand traf gnadenlos die wunden Stellen der Feinde. Famusov findet nichts, als sich gegen seine Logik zu verschließen und schießt mit Gemeinplätzen der alten Moral zurück. Molchalin verstummt, die Prinzessinnen, Gräfinen weichen von ihm zurück, verbrannt von den Nesseln seines Lachens, und seine frühere Freundin Sophia, die er allein schont, schlau, rutscht aus und versetzt ihm heimlich den Hauptschlag, um ihn für nahe zu erklären , beiläufig, verrückt. Er fühlte seine Stärke und sprach selbstbewusst. Aber der Kampf zermürbte ihn. Er war offensichtlich von diesen "Millionen Qualen" geschwächt, und die Unordnung zeigte sich so deutlich in ihm, dass sich alle Gäste um ihn scharen, wie sich eine Menschenmenge um jedes Phänomen versammelt, das aus dem Rahmen fällt.

Er ist nicht nur traurig, sondern auch gallig, wählerisch. Wie ein Verwundeter nimmt er all seine Kräfte zusammen, fordert die Menge heraus – und schlägt auf alle ein – aber er hatte nicht genug Kraft gegen den vereinten Feind.

Er verfällt in Übertreibung, fast in Sprachrausch und bestätigt nach Meinung der Gäste das von Sophia verbreitete Gerücht über seinen Wahnsinn. Was zu hören ist, ist kein scharfer, giftiger Sarkasmus mehr - in den jedoch eine wahre, bestimmte Idee eingefügt ist -, sondern eine Art bittere Klage, als wäre es eine persönliche Beleidigung, eine Leere oder, wie er selbst sagt, "eine unbedeutendes Treffen mit einem Franzosen aus Bordeaux “, was ihm bei normaler Befindlichkeit kaum aufgefallen wäre.

Er hat aufgehört, sich zu beherrschen und merkt nicht einmal, dass er selbst eine Leistung auf dem Ball zusammenstellt. Er schlägt auch auf patriotisches Pathos, stimmt zu, dass er den Frack gegen „Vernunft und die Elemente“ findet, ärgert sich darüber, dass Madame und Mademoiselle nicht ins Russische übersetzt werden – mit einem Wort, „il divague“ schloss wohl alles über ihn sechs Prinzessinnen und die Gräfin-Enkelin. Er fühlt das selbst und sagt: „In der Menge ist er verwirrt, er ist nicht er selbst!“

Er ist definitiv „nicht er selbst“, beginnend mit dem Monolog „über den Franzosen aus Bordeaux“ und bleibt es bis zum Ende des Stücks. Nur „eine Million Qualen“ werden im Voraus aufgefüllt.

Puschkin, der Chatsky den Verstand verweigerte, hatte wahrscheinlich am meisten die letzte Szene des vierten Akts im Flur bei der Abreise im Sinn. Natürlich hätten weder Onegin noch Pechorin, diese Dandys, das getan, was Chatsky im Flur getan hat. Diese waren zu "in der Wissenschaft der zärtlichen Leidenschaft" ausgebildet, und Chatsky ist anders und übrigens Aufrichtigkeit und Einfachheit und weiß nicht, wie und will nicht angeben. Er ist kein Dandy, kein Löwe. Hier verrät ihn nicht nur sein Verstand, sondern auch der gesunde Menschenverstand, sogar schlichter Anstand. Er hat so einen Unsinn gemacht!

Nachdem er Repetilovs Geschwätz losgeworden war und sich in der Schweiz versteckt hatte, während er auf die Kutsche wartete, spionierte er Sophias Treffen mit Molchalin aus und spielte die Rolle von Othello, ohne das Recht dazu zu haben. Er wirft ihr vor, warum sie ihn „mit Hoffnung gelockt“ habe, warum sie nicht direkt gesagt habe, dass die Vergangenheit vergessen sei. Hier ist kein Wort wahr. Es gab keine Hoffnung für sie. Sie tat nur, dass sie ihn verließ, sprach kaum mit ihm, gestand ihre Gleichgültigkeit, nannte einige alte Kinderromane und das Verstecken in den Ecken "Kindheit" und deutete sogar an, dass "Gott sie mit Molchalin zusammengebracht hat". Und er nur weil

So leidenschaftlich und so niedrig
Es gab eine Verschwendung von zärtlichen Worten,

wütend, für seine eigene nutzlose Demütigung, für den Betrug, den er sich freiwillig auferlegt hat, exekutiert er alle und wirft ihr ein grausames und ungerechtes Wort zu:

Mit dir bin ich stolz auf meine Pause, -

als es nichts zu brechen gab! Schließlich kommt er einfach zum Fluchen und schüttet Galle aus:

Für Tochter und Vater
Und für einen törichten Liebhaber, -

und kocht vor Wut auf alle: „auf die Peiniger der Menge, Verräter, tollpatschige Weise, listige Einfaltspinsel, finstere alte Frauen“ usw. Und er verlässt Moskau, um „eine Ecke für gekränkte Gefühle“ zu suchen und ein gnadenloses Urteil zu fällen und Satz auf alles!

Hätte er eine gesunde Minute gehabt, hätten ihn nicht „eine Million Qualen“ verbrannt, würde er sich natürlich die Frage stellen: Warum und wofür habe ich all diesen Mist gemacht? Und natürlich würde es keine Antwort geben.

Griboedov ist dafür verantwortlich, und nicht umsonst endete das Stück mit dieser Katastrophe. Darin, nicht nur für Sophia, sondern auch für Famusov und alle seine Gäste, brach Chatskys „Geist“, der in einem ganzen Stück wie ein Lichtstrahl funkelte, am Ende in jenen Donner aus, bei dem, wie das Sprichwort sagt, Männer sind getauft.

Vom Donner war Sophia die erste, die sich bekreuzigte, und blieb bis zum Erscheinen von Chatsky, als Molchalin bereits zu ihren Füßen kroch, immer noch dieselbe bewusstlose Sophia Pawlowna, mit derselben Lüge, in der ihr Vater sie großgezogen hatte, in der er lebte er selbst, sein ganzes Haus und der ganze Kreis . Sie erholt sich immer noch nicht von Scham und Entsetzen, als die Maske von Molchalin fiel, freut sie sich zunächst, dass „sie nachts alles herausgefunden hat, dass es keine vorwurfsvollen Zeugen in ihren Augen gibt!“

Aber es gibt keine Zeugen - deshalb ist alles versteckt und bedeckt, Sie können vergessen, vielleicht Skalozub heiraten und auf die Vergangenheit schauen ...

Ja, gar nicht hinsehen. Er erträgt seinen moralischen Sinn, Lisa lässt ihn sich nicht entgehen, Molchalin traut sich nicht, ein Wort zu sagen. Und Ehemann? Aber was für ein Moskauer Ehemann "von den Seiten seiner Frau" wird auf die Vergangenheit zurückblicken!

Das ist ihre Moral und die Moral ihres Vaters und des ganzen Kreises. Inzwischen ist Sofya Pavlovna nicht individuell unmoralisch: Sie sündigt mit der Sünde der Unwissenheit, der Blindheit, in der alle lebten:

Licht bestraft keine Wahnvorstellungen,
Aber Geheimnisse sind für sie erforderlich!

Dieser Vers von Puschkin drückt die allgemeine Bedeutung der konventionellen Moral aus. Sophia hat nie das Licht von ihr gesehen und hätte das Licht ohne Chatsky nicht gesehen - nie, aus Mangel an Chance. Nach der Katastrophe, von dem Moment an, als Chatsky auftauchte, war es nicht mehr möglich, blind zu bleiben. Es ist unmöglich, seine Gerichte durch Vergessen zu umgehen, es mit Lügen zu bestechen oder zu beruhigen. Sie muss ihn respektieren, und er wird für immer ihr „vorwurfsvoller Zeuge“ sein, der Richter ihrer Vergangenheit. Er öffnete ihre Augen.

Vor ihm war sie sich der Blindheit ihrer Gefühle für Molchalin nicht bewusst, und selbst als sie letzteres in der Szene mit Chatsky am Faden analysierte, sah sie selbst kein Licht auf ihn. Sie bemerkte nicht, dass sie ihn selbst zu dieser Liebe rief, an die er vor Angst zitternd nicht zu denken wagte. Sie schämte sich nicht für nächtliche Verabredungen allein, und sie platzte ihm in der letzten Szene sogar vor Dankbarkeit dafür heraus, dass er "in der Stille der Nacht mehr Schüchternheit in seinem Temperament bewahrte!" Dass sie nicht vollständig und unwiderruflich mitgerissen wird, verdankt sie folglich nicht sich selbst, sondern ihm!

Ganz am Anfang platzt sie schließlich noch naiver zum Dienstmädchen heraus:

Denken Sie, wie launisch das Glück ist, -

sagt sie, als ihr Vater frühmorgens Molchalin in ihrem Zimmer fand, -

Es passiert Schlimmeres - weg damit!

Und Molchalin saß die ganze Nacht in ihrem Zimmer. Was meinte sie mit diesem „schlimmer“? Du denkst vielleicht, Gott weiß was: aber honny soit gui mal y pens! Sofya Pavlovna ist überhaupt nicht so schuldig, wie es scheint.

Dies ist eine Mischung aus guten Instinkten mit Lügen, einem lebhaften Geist ohne jede Spur von Ideen und Überzeugungen - Begriffsverwirrung, geistige und moralische Blindheit - all dies hat bei ihr nicht den Charakter persönlicher Laster, sondern erscheint als alltäglich Merkmale ihres Kreises. In ihrer eigenen, persönlichen Physiognomie verbirgt sich etwas Eigenes im Schatten, heiß, zart, ja verträumt. Der Rest gehört der Bildung.

Französische Bücher, die Famusov beklagt, Klavier (immer noch mit Flötenbegleitung), Poesie, Französisch und Tänze – das war die klassische Ausbildung der jungen Dame. Und dann "Kuznetsky Most and Eternal Updates", Bälle wie dieser Ball mit ihrem Vater und diese Gesellschaft - das ist der Kreis, in dem das Leben der "jungen Dame" abgeschlossen wurde. Frauen lernten nur sich vorzustellen und zu fühlen und nicht zu denken und zu wissen. Das Denken schwieg, nur Instinkte sprachen. Aus Romanen, Erzählungen schöpften sie Weltweisheiten – und daraus entwickelten Instinkte hässliche, erbärmliche oder dumme Eigenschaften: Verträumtheit, Sentimentalität, die Suche nach einem Ideal in der Liebe und manchmal Schlimmeres.

In der einschläfernden Stagnation, im hoffnungslosen Meer der Lügen beherrschte die konventionelle Moral die Mehrheit der Frauen draußen, und heimlich wimmelte das Leben, in Ermangelung gesunder und ernsthafter Interessen, im Allgemeinen von jeglichem Inhalt, von jenen Romanen, aus denen die " Wissenschaft der zärtlichen Leidenschaft" entstand. Onegins und Pechorins sind Vertreter einer ganzen Klasse, fast eine Rasse geschickter Gentlemen, jeunes premiers. Diese fortgeschrittenen Persönlichkeiten des hohen Lebens waren solche in den Werken der Literatur, wo sie von der Ritterzeit bis in unsere Zeit, bis Gogol, einen Ehrenplatz einnahmen. Puschkin selbst, ganz zu schweigen von Lermontov, schätzte diesen äußeren Glanz, diese Repräsentativität du bon ton, die Manieren der High Society, unter denen sowohl „Verbitterung“ als auch „sehnsüchtige Faulheit“ und „interessante Langeweile“ lagen. Puschkin verschont Onegin, obwohl er seine Müßiggang und Leere mit einer leichten Ironie berührt, aber bis ins kleinste Detail und mit Vergnügen einen modischen Anzug, Toiletten-Schnickschnack, Klugheit beschreibt - und diese Nachlässigkeit und Unaufmerksamkeit, die sich auf ihn legen, diese Fatuite, posiert , die der Dandy zur Schau stellte. Der Geist einer späteren Zeit nahm seinem Helden und allen „Kavalieren“ wie ihm die verführerischen Gewänder und bestimmte die wahre Bedeutung solcher Herren, indem er sie von der Spitze verdrängte.

Sie waren die Helden und Anführer dieser Romane, und beide Seiten wurden zur Ehe abgerichtet, was alle Romane fast spurlos in sich aufnahm, es sei denn, irgendein nervöser, sentimentaler – mit einem Wort, ein Narr – kam rüber und kündigte an, oder das Held entpuppte sich als so ein aufrichtiger "Verrückter" wie Chatsky.

Aber in Sofya Pavlovna beeilen wir uns, eine Reservierung vorzunehmen, das heißt, in ihrem Gefühl für Molchalin steckt viel Aufrichtigkeit, die stark an Tatjana Puschkin erinnert. Der Unterschied zwischen ihnen wird durch die „Moskauer Prägung“, dann Glätte, die Fähigkeit, sich selbst zu kontrollieren, die in Tatyana auftauchte, als sie Onegin nach ihrer Heirat traf, und bis dahin konnte sie nicht einmal dem Kindermädchen über die Liebe lügen . Aber Tatjana ist ein Dorfmädchen, und Sofja Pawlowna ist ein Moskauer Mädchen, das sich so entwickelt hat.

Inzwischen ist sie in ihrer Liebe ebenso bereit, sich zu verraten wie Tatjana: Beide wandeln wie im Schlafwandeln mit kindlicher Einfachheit vor Begeisterung. Und Sophia beginnt, wie Tatjana, selbst eine Affäre, findet daran nichts Verwerfliches, merkt nicht einmal, dass Sophia über das Lachen des Dienstmädchens überrascht ist, als sie erzählt, wie sie die ganze Nacht mit Molchalin verbringt: „Kein freies Wort! - und so vergeht die ganze Nacht! “, „Der Feind der Unverschämtheit, immer schüchtern, schüchtern! Das bewundert sie an ihm! Es ist lustig, aber es gibt fast eine Art Anmut – und weit entfernt von Unmoral; es braucht ihr kein Wort zu entgehen: schlimmer - das ist auch Naivität. Der große Unterschied besteht nicht zwischen ihr und Tatyana, sondern zwischen Onegin und Molchalin. Sophias Wahl empfiehlt sie natürlich nicht, aber Tatyanas Wahl war auch zufällig, obwohl sie kaum jemanden zur Auswahl hatte.

Wenn Sie sich Sophias Charakter und Umfeld genauer ansehen, sehen Sie, dass es nicht Unmoral (aber natürlich nicht „Gott“) war, die sie zu Molchalin „gebracht“ hat. Zuallererst - der Wunsch, einen geliebten Menschen zu bevormunden, einen armen, bescheidenen Menschen, der es nicht wagt, seine Augen zu ihr zu erheben, ihn zu sich selbst, zu seinem Kreis zu erheben, ihm Familienrechte zu geben. Ohne Zweifel lächelte sie in dieser Rolle, um über ein unterwürfiges Wesen zu herrschen, ihn glücklich zu machen und einen ewigen Sklaven in ihm zu haben. Es ist nicht schuld, dass daraus der zukünftige "Ehemann-Junge, Ehemann-Diener - das Ideal der Moskauer Ehemänner" hervorgegangen ist. In Famusovs Haus konnte man nirgendwo auf andere Ideale stoßen.

Im Allgemeinen ist es schwierig, Sofya Pavlovna nicht mitfühlend zu behandeln: Sie hat starke Neigungen von bemerkenswerter Natur, einen lebhaften Geist, Leidenschaft und weibliche Sanftmut. Es ist verstopft in der Verstopfung, wo kein einziger Lichtstrahl, kein einziger Strom frischer Luft eindrang. Kein Wunder, dass Chatsky sie auch liebte. Nach ihm suggeriert sie allein von all dieser Menge ein trauriges Gefühl, und in der Seele des Lesers gegen sie gibt es nicht das gleichgültige Lachen, mit dem er sich von anderen Gesichtern trennte.

Sie ist natürlich härter als alle anderen, sogar härter als Chatsky, und sie bekommt ihre „Millionen Qualen“.

Chatskys Rolle ist eine passive Rolle: es kann nicht anders sein. Dies ist die Rolle aller Chatskys, obwohl sie gleichzeitig immer siegreich ist. Aber sie wissen nichts von ihrem Sieg, sie säen nur, und andere ernten - und das ist ihr Hauptleiden, das heißt die Aussichtslosigkeit des Erfolgs.

Natürlich hat er Pavel Afanasyevich Famusov nicht zur Vernunft gebracht, nicht nüchtern gemacht und ihn nicht korrigiert. Wenn Famusov bei der Abreise keine „vorwurfsvollen Zeugen“ gehabt hätte, also eine Menge Lakaien und einen Träger, hätte er seine Trauer leicht verkraftet: Er hätte seiner Tochter eine Kopfwäsche verpasst, hätte Liza vorbeigerissen das Ohr und beschleunigte Sophias Hochzeit mit Skalozub. Aber jetzt ist es unmöglich: Am Morgen wird es dank der Szene mit Chatsky ganz Moskau wissen - und vor allem „Prinzessin Marya Aleksevna“. Seine Ruhe wird von allen Seiten gestört – und ihn wohl oder übel über etwas nachdenken lassen, was ihm nicht eingefallen ist. Er wird sein Leben kaum mit einem solchen „Ass“ wie die vorherigen beenden. Die von Chatsky erzeugten Gerüchte konnten nicht umhin, den ganzen Kreis seiner Verwandten und Freunde aufzurütteln. Er selbst fand keine Waffe gegen Chatskys hitzige Monologe. Alle Worte Chatskys werden sich ausbreiten, überall wiederholt werden und ihren eigenen Sturm erzeugen.

Molchalin nach der Szene im Flur kann nicht derselbe Molchalin bleiben. Die Maske wird abgenommen, sie haben ihn erkannt, und er muss sich wie ein ertappter Dieb in einer Ecke verstecken. Gorichi, Zagoretsky, Prinzessinnen - alle fielen unter den Hagel seiner Schüsse, und diese Schüsse werden nicht spurlos bleiben. In diesem noch harmonischen Chor werden andere Stimmen, die gestern noch mutig waren, verstummen, oder andere werden sowohl „dafür“ als auch „dagegen“ zu hören sein. Der Kampf ist gerade entbrannt. Chatskys Autorität war früher bekannt als die Autorität des Geistes, natürlich des Wissens, und so weiter. Gleichgesinnte hat er schon. Skalozub beschwert sich, dass sein Bruder den Dienst verließ, ohne auf den Rang zu warten, und begann, Bücher zu lesen. Eine der alten Frauen schimpft, dass ihr Neffe, Prinz Fjodor, sich mit Chemie und Botanik beschäftigt. Alles, was es brauchte, war eine Explosion, ein Kampf, und er begann hartnäckig und heiß - an einem Tag in einem Haus, aber seine Folgen, wie wir oben sagten, spiegelten sich in ganz Moskau und Russland wider. Chatsky führte zu einer Spaltung, und wenn er für seine eigenen persönlichen Zwecke getäuscht wurde, fand er nicht „den Charme von Treffen, Live-Teilnahme“, dann spritzte er selbst lebendiges Wasser auf den toten Boden und nahm „eine Million Qualen“ mit. , diese Dornenkrone von Chatsky, - Qualen von allem: vom „Verstand“ und noch mehr von „beleidigten Gefühlen“.

Weder Onegin noch Pechorin oder andere Dandys waren für diese Rolle geeignet. Sie wussten mit der Neuheit von Ideen zu glänzen wie mit der Neuheit eines Kostüms, neuen Parfums und so weiter. Nachdem er in die Wildnis gefahren war, erstaunte Onegin alle damit, dass er „nicht in die Hand der Damen passte, er trank Rotwein mit Gläsern, nicht mit Gläsern“, sagte er einfach: „Ja und Nein“ statt „Ja und nein Sir." Stirnrunzelnd blickt er auf das „Preiselbeerwasser“, schimpft enttäuscht den Mond „dumm“ – und den Himmel auch. Er brachte einen neuen für einen Cent mit, und indem er sich „klug“ und nicht wie Chatsky „dumm“ in die Liebe von Lensky und Olga einmischte und Lensky tötete, nahm er keine „Million“ mit, sondern einen „Cent“. “ und quälen!

Jetzt, in unserer Zeit, würden sie Chatsky natürlich vorwerfen, warum er sein „beleidigtes Gefühl“ über öffentliche Angelegenheiten, das Gemeinwohl usw. gestellt hat und nicht in Moskau geblieben ist, um seine Rolle als Kämpfer mit Lügen und Vorurteilen fortzusetzen, eine höhere und wichtigere rolle die rolle des zurückgewiesenen bräutigams?

Ja jetzt! Und damals wäre der Begriff der Öffentlichkeit für die Mehrheit derselbe gewesen wie für Repetilov, die Rede "von der Kamera und der Jury". Die Kritik hat viel gesündigt, indem sie in ihrem Prozess gegen die berühmten Toten den historischen Punkt verlassen hat, vorausgelaufen ist und sie mit modernen Waffen getroffen hat. Wir werden ihre Fehler nicht wiederholen und Chatsky nicht dafür verantwortlich machen, dass in seinen hitzigen Reden an die Gäste von Famusov das Gemeinwohl nicht erwähnt wird, wenn es bereits eine solche Trennung von der „Suche nach Orten, aus Reihen“ gibt. als „Betätigung in Wissenschaft und Kunst“, galt als „Raub und Feuer“.

Die Vitalität von Chatskys Rolle liegt nicht in der Neuheit unbekannter Ideen, brillanter Hypothesen, heißer und mutiger Utopien oder sogar Wahrheiten en herbe: Er kennt keine Abstraktionen. Herolde einer neuen Morgenröte oder Fanatiker oder einfach Boten – all diese fortschrittlichen Boten einer unbekannten Zukunft sind und sollten es – im natürlichen Verlauf der gesellschaftlichen Entwicklung – sein, aber ihre Rollen und Physiognomien sind unendlich vielfältig.

Die Rolle und Physiognomie der Chatskys ist unverändert. Chatsky ist vor allem ein Entlarver von Lügen und allem Obsolet gewordenen, was ein neues Leben, „freies Leben“, übertönt. Er weiß, wofür er kämpft und was ihm dieses Leben bringen soll. Er verliert nicht den Boden unter seinen Füßen und glaubt nicht an ein Gespenst, bis er Fleisch und Blut angezogen hat, nicht von der Vernunft begriffen, die Wahrheit mit einem Wort nicht menschlich geworden ist.

Bevor er von einem unbekannten Ideal mitgerissen wird, vor der Verführung eines Traums, steht er nüchtern da, als er vor der sinnlosen Leugnung von "Gesetzen, Gewissen und Glauben" in Repetilows Geschwätz stehen blieb, und wird sein eigenes sagen:

Hören Sie, lügen Sie, aber kennen Sie das Maß!

Er ist sehr positiv in seinen Forderungen und erklärt sie in einem fertigen Programm, das nicht von ihm, sondern von dem bereits begonnenen Jahrhundert ausgearbeitet wurde. Mit jugendlicher Vehemenz vertreibt er nicht alles, was überlebt hat, von der Bühne, was nach den Gesetzen der Vernunft und Gerechtigkeit, wie nach den Naturgesetzen in der physischen Natur, seine Dauer ausleben muss, die geduldet werden kann und soll . Er fordert einen Platz und Freiheit für sein Alter: Er bittet um Geschäfte, will aber nicht bedient werden und stigmatisiert Unterwürfigkeit und Possenreißer. Er fordert "Dienst an der Sache, nicht an Personen", vermischt nicht "Spaß oder Blödsinn mit Geschäft", wie Molchalin ist er müde in der leeren, müßigen Menge von "Peinigern, finsteren alten Frauen, absurden alten Männern", weigert sich sich vor ihrer Autorität von Altersschwäche, Ritterlichkeit und anderem zu beugen Er ist empört über die hässlichen Manifestationen der Leibeigenschaft, den wahnsinnigen Luxus und die widerlichen Bräuche des „Eingießens von Festen und Verschwendung“ – Phänomene geistiger und moralischer Blindheit und Korruption.

Sein Ideal des „freien Lebens“ ist endgültig: Es ist die Freiheit von all diesen gezählten Ketten der Sklaverei, die die Gesellschaft fesseln, und dann die Freiheit – „den wissenshungrigen Geist in die Wissenschaft zu starren“ oder sich frei „kreativen, hohen Künsten“ hinzugeben und schön", Freiheit "dienen oder nicht dienen", "auf dem Land leben oder reisen", weder als Räuber noch als Brandstifter bekannt sein - und eine Reihe weiterer ähnlicher Schritte in Richtung Freiheit von Unfreiheit.

Sowohl Famusov als auch andere wissen das, und natürlich stimmen alle innerlich mit ihm überein, aber der Kampf ums Dasein hindert sie daran, nachzugeben.

Aus Angst um sich selbst, um sein ruhiges Müßiggang, verstopft Famusov die Ohren und verleumdet Chatsky, wenn er ihm sein bescheidenes Programm des „freien Lebens“ ankündigt. Übrigens -

Wer reist, wer lebt im Dorf -

er sagt, und er erwidert entsetzt:

Ja, er erkennt die Behörden nicht an!

Also lügt er auch, weil er nichts zu sagen hat, und lügt alles, was in der Vergangenheit in Lügen gelebt hat. Die alte Wahrheit wird sich niemals vor der neuen schämen – sie wird diese neue, wahrhaftige und vernünftige Last auf ihre Schultern nehmen. Nur der Kranke, der Unnötige hat Angst, einen weiteren Schritt nach vorne zu machen.

Chatsky ist an der Menge alter Kraft gebrochen und versetzt ihm mit der Qualität frischer Kraft einen tödlichen Schlag.

Er ist der ewige Entlarver von Lügen, versteckt im Sprichwort: „Ein Mann im Feld ist kein Krieger“. Nein, ein Krieger, wenn er Chatsky ist, und außerdem ein Sieger, aber ein fortgeschrittener Krieger, ein Scharmützler und immer ein Opfer.

Chatsky ist bei jedem Wechsel von einem Jahrhundert zum anderen unvermeidlich. Chatskys Position auf der sozialen Leiter ist vielfältig, aber die Rolle und das Schicksal sind alle gleich, von großen staatlichen und politischen Persönlichkeiten, die das Schicksal der Massen kontrollieren, bis hin zu einem bescheidenen Anteil in einem engen Kreis.

Sie alle werden von einem gesteuert: Irritationen mit unterschiedlichen Motiven. Wer, wie Griboyedovs Chatsky, Liebe hat, andere haben Selbstwertgefühl oder Ruhm, aber sie alle bekommen ihre eigene "Million von Qualen", und keine hohe Position wird sie davor bewahren. Den wenigsten aufgeklärten Chatskys wird ein tröstliches Bewusstsein vermittelt, dass sie nicht umsonst gekämpft haben – wenn auch uneigennützig, nicht für sich und nicht für sich selbst, sondern für die Zukunft und für alle, sie haben es getan.

Neben großen und prominenten Persönlichkeiten leben die Chatskys während abrupter Übergänge von einem Jahrhundert zum anderen und werden nicht in die Gesellschaft übertragen, indem sie sich auf Schritt und Tritt wiederholen, in jedem Haus, wo Alt und Jung unter einem Dach zusammenleben, wo Zwei Jahrhunderte stehen sich in überfüllten Familien gegenüber - der Kampf des Frischen mit dem Veralteten, des Kranken mit dem Gesunden geht weiter, und alle kämpfen in Duellen wie Horaces und Curiats - Miniatur-Famusovs und Chatskys.

Jedes Geschäft, das aktualisiert werden muss, verursacht den Schatten von Chatsky, und egal, wer die Zahlen sind, egal, was für ein menschliches Geschäft es gibt - sei es eine neue Idee, ein Schritt in der Wissenschaft, in der Politik, im Krieg - Menschen gruppieren sich, sie können sich nicht von zwei Hauptmotiven des Kampfes lösen: von dem Rat „zu studieren, auf die Alten schauen“ auf der einen Seite und von dem Durst, aus der Routine zum „freien Leben“ zu streben, vorwärts und vorwärts - auf dem anderen.

Deshalb ist Griboedovs Chatsky noch nicht alt geworden und wird kaum alt werden und mit ihm die ganze Komödie. Und die Literatur wird den von Griboedov skizzierten Zauberkreis nicht verlassen, sobald der Künstler den Kampf der Begriffe, den Generationswechsel berührt. Er wird entweder einen Typus von extremen, unreifen, fortgeschrittenen Persönlichkeiten geben, die kaum Zukunft erahnen lassen und daher kurzlebig sind, wie wir in Leben und Kunst schon viel erlebt haben, - oder er wird ein modifiziertes Bild von Chatsky schaffen, wie nach Don Quijote von Cervantes und Hamlet von Shakespeare, ihre endlosen Ähnlichkeiten waren und sind .

In den ehrlichen, hitzigen Reden dieser späteren Chatskys werden Griboyedovs Motive und Worte für immer zu hören sein – und wenn nicht Worte, dann die Bedeutung und der Ton seiner gereizten Monologe Chatskys. Gesunde Helden im Kampf gegen das Alte werden diese Musik nie verlassen.

Und das ist die Unsterblichkeit von Griboedovs Gedichten! Man könnte viele Chatskys anführen, die beim nächsten Epochen- und Generationswechsel im Kampf für eine Idee, für eine Sache, für die Wahrheit, für den Erfolg, für eine neue Ordnung auf allen Ebenen, in allen Schichten des russischen Lebens auftauchten und Arbeit - hochkarätige Großtaten und bescheidene Sesseltaten. Über viele von ihnen wird eine neue Legende geführt, wir haben andere gesehen und gekannt, und andere setzen den Kampf fort. Wenden wir uns der Literatur zu. Erinnern wir uns nicht an eine Geschichte, nicht an eine Komödie, nicht an ein künstlerisches Phänomen, sondern nehmen wir einen der späteren Kämpfer gegen das Alter, zum Beispiel Belinsky. Viele von uns kannten ihn persönlich, und jetzt kennt ihn jeder. Hören Sie sich seine heißen Improvisationen an: Sie klingen nach denselben Motiven und demselben Ton wie Griboedovs Chatsky. Und genauso starb er, zerstört von "einer Million Qualen", getötet von einem Erwartungsfieber und nicht auf die Erfüllung seiner Träume wartend, die keine Träume mehr sind.

Lassen wir die politischen Wahnvorstellungen von Herzen hinter uns, wo er die Rolle eines normalen Helden verließ, von der Rolle von Chatsky, diesem russischen Mann von Kopf bis Fuß, und erinnern wir uns an seine Pfeile, die in verschiedene dunkle, abgelegene Ecken Russlands geworfen wurden, wo sie den Übeltäter gefunden. In seinem Sarkasmus hört man das Echo von Griboyedovs Lachen und die endlose Entwicklung von Chatskys Witzen.

Und Herzen litt unter „einer Million Qualen“, vielleicht am allermeisten unter den Qualen der Repetilows seines eigenen Lagers, denen er zu Lebzeiten nicht den Mut hatte zu sagen: „Lüge, aber erkenne das Maß!“

Aber er nahm das Wort nicht mit ins Grab und gestand nach dem Tod "falsche Scham", die ihn daran hinderte, es zu sagen.

Abschließend noch eine letzte Bemerkung zu Chatsky. Gribojedow wird vorgeworfen, er sei nicht so kunstvoll gekleidet wie die anderen Gesichter der Komödie, in Fleisch und Blut, wenig Vitalität in ihm. Andere sagen sogar, dass dies keine lebende Person, keine Abstraktion, keine Idee, keine wandelnde Moral der Komödie und keine so vollständige und vollständige Schöpfung ist, wie zum Beispiel die Figur von Onegin und anderen dem Leben entrissenen Typen.

Das ist nicht fair. Es ist unmöglich, Chatsky neben Onegin zu stellen: Die strenge Objektivität der dramatischen Form lässt nicht jene Breite und Fülle des Pinsels zu, wie die epische. Sind die anderen Gesichter der Komödie strenger und schärfer umrissen, so verdanken sie dies der Vulgarität und den Kleinigkeiten ihres Wesens, die der Künstler in leichten Skizzen leicht erschöpft. Während in der Persönlichkeit von Chatsky, reich und vielseitig, eine dominante Seite in der Komödie mutig vertreten werden konnte, gelang es Griboyedov, viele andere anzudeuten.

Dann, wenn man sich die Menschentypen in der Menge genauer anschaut, dann sind es fast häufiger als andere diese ehrlichen, heißen, manchmal galligen Persönlichkeiten, die sich nicht brav vor der entgegenkommenden Hässlichkeit verstecken, sondern mutig darauf zugehen und eintreten in einen Kampf, oft ungleich, immer zu ihrem eigenen Schaden und ohne erkennbaren Nutzen für die Sache. Wer kannte nicht oder kennt nicht, jeder in seinem eigenen Kreis, solche klugen, feurigen, edlen Spinner, die in jenen Kreisen, wo das Schicksal sie hinführt, für die Wahrheit, für ehrliche Überzeugung eine Art Chaos anrichten!

Nein. Chatsky ist unserer Meinung nach die lebhafteste Persönlichkeit von allen, sowohl als Person als auch als Darsteller der ihm von Griboyedov zugewiesenen Rolle. Aber, wir wiederholen, seine Natur ist stärker und tiefer als andere Personen und konnte sich daher nicht in der Komödie erschöpfen.

Lassen Sie uns zum Schluss noch einige Bemerkungen über die Aufführung von Comedy auf der Bühne in jüngster Zeit machen, nämlich bei Monakhovs Benefizvorstellung, und darüber, was das Publikum von den Darstellern wünschen könnte.

Wenn der Leser zustimmt, dass in der Komödie, wie wir gesagt haben, die Bewegung von Anfang bis Ende eifrig und ununterbrochen aufrechterhalten wird, dann sollte es von selbst folgen, dass das Stück überaus theatralisch ist. Sie ist, was sie ist. Zwei Komödien scheinen ineinander verschachtelt: eine sozusagen privat, kleinlich, häuslich zwischen Chatsky, Sophia, Molchalin und Lisa; es ist die Intrige der Liebe, das alltägliche Motiv aller Komödien. Wenn die erste unterbrochen wird, plötzlich eine andere dazwischen, und die Handlung wieder verstrickt wird, wird die private Komödie in einem allgemeinen Kampf ausgetragen und zu einem Knoten geknüpft.

Künstler, die über den allgemeinen Sinn und Ablauf des Stückes nachdenken, und jeder in seiner eigenen Rolle, finden ein weites Betätigungsfeld vor. Es ist viel Arbeit, jede noch so kleine Rolle zu überwinden, - um so mehr, je gewissenhafter und subtiler der Künstler zur Kunst wird.

Einige Kritiker fordern die Künstler auf, die historische Treue der Gesichter mit der Farbe der Zeit in allen Details zu erfüllen, sogar in den Kostümen, dh im Stil von Kleidern, Frisuren, einschließlich.

Das ist schwierig, wenn nicht gar unmöglich. Als historische Typen sind diese Gesichter, wie oben erwähnt, noch blass, und jetzt werden Sie keine lebenden Originale finden: Es gibt nichts zu studieren. Genauso ist es mit Kostümen. Altmodische Fracks, mit sehr hoher oder sehr niedriger Taille, Damenkleider mit hohem Mieder, hohe Frisuren, alte Hauben - in all dem werden die Figuren wie Flohmarktflüchtlinge wirken. Eine andere Sache sind die Kostüme des letzten Jahrhunderts, die völlig veraltet sind: Unterhemden, Robrons, Korne, Pulver und so weiter.

Doch bei der Aufführung von „Woe from Wit“ geht es nicht um die Kostüme.

Wir wiederholen, dass es im Spiel im Allgemeinen unmöglich ist, historische Treue zu beanspruchen, da die lebende Spur fast verschwunden ist und die historische Distanz immer noch gering ist. Daher muss der Künstler auf Kreativität zurückgreifen, auf die Schaffung von Idealen entsprechend dem Grad seines Verständnisses der Epoche und der Arbeit von Griboyedov.

Dies ist die erste, dh die Hauptstufenbedingung.

Das zweite ist die Sprache, dh die gleiche künstlerische Darstellung der Sprache wie die Darstellung der Handlung; ohne dieses zweite ist natürlich auch das erste nicht möglich.

In solch erhabenen literarischen Werken wie Woe from Wit, wie Puschkins Boris Godunov und einigen anderen sollte die Aufführung nicht nur Bühne, sondern die literarischste sein, wie eine Aufführung durch ein exzellentes Orchester mit beispielhafter Musik, bei der jede musikalische Phrase unverkennbar gespielt werden muss und jede Note darin. Der Schauspieler als Musiker ist verpflichtet, sein Schauspiel zu beenden, das heißt, an den Klang der Stimme und die Intonation zu denken, die jeder Vers aussprechen sollte: Das bedeutet, an ein subtiles kritisches Verständnis der gesamten Poesie von Puschkin zu denken und Griboedovs Sprache. Bei Puschkin zum Beispiel, bei Boris Godunov, wo es fast keine Handlung oder zumindest keine Einheit gibt, wo die Handlung in getrennte, voneinander getrennte Szenen zerfällt, ist eine andere Aufführung als streng und künstlerisch und literarisch unmöglich. Darin soll jede andere Aktion, jede Bühnenperformance, jede Mimik nur als leichte Würze für die literarische Performance, die Aktion im Wort dienen.

Abgesehen von einigen Rollen kann man das im Großen und Ganzen auch über Woe from Wit sagen. Und das meiste Spiel liegt in der Sprache: Man kann die Unbeholfenheit der Mimik ertragen, aber jedes Wort mit falscher Betonung schneidet einem wie ein falscher Ton ins Ohr

Wir dürfen nicht vergessen, dass das Publikum solche Stücke wie Woe from Wit und Boris Godunov auswendig kennt und nicht nur dem Gedanken, jedem Wort folgt, sondern jeden Aussprachefehler sozusagen mit den Nerven erfühlt. Sie können genossen werden, ohne sie zu sehen, sondern nur zu hören. Diese Stücke wurden und werden oft im Privatleben aufgeführt, einfach durch Lesung zwischen Literaturliebhabern, wenn es einen guten Vorleser im Kreis gibt, der diese Art von literarischer Musik subtil vermitteln kann.

Vor einigen Jahren, so heißt es, sei dieses Stück in bester Petersburger Runde mit vorbildlicher Kunst dargeboten worden, wozu natürlich neben einem subtilen kritischen Verständnis des Stückes auch das Ensemble in Ton, Umgangsformen und vor allem der perfekt lesen können.

Es wurde in den 1930er Jahren in Moskau mit vollem Erfolg aufgeführt. Bis jetzt haben wir den Eindruck dieser Partie bewahrt: Shchepkin (Famusov), Mochalov (Chatsky), Lensky (Molchalin), Orlov (Skalozub), Saburov (Repetilov).

Natürlich wurde dieser Erfolg sehr erleichtert durch den offenen Angriff von der Bühne, die damals mit Neuheit und Mut auf viele Dinge einschlug, die noch keine Zeit hatten, sich zu entfernen, die sie selbst in der Presse nicht zu berühren wagten. Dann drückten Shchepkin, Orlov, Saburov typischerweise noch lebende Bildnisse der verspäteten Famusovs aus, an einigen Stellen der Molchalins, die überlebten, oder der Zagoretskys, die sich in den Parketten hinter dem Rücken ihres Nachbarn versteckten.

All dies gab dem Stück zweifellos großes Interesse, aber außerdem noch die hohen Talente dieser Künstler und die typische Leistung jedes von ihnen in ihrer Rolle, in ihrem Spiel, wie in einem ausgezeichneten Chor Sänger, das außergewöhnliche Ensemble des gesamten Personenstabes schlugen bis in die kleinsten Rollen, und das Wichtigste - sie verstanden und lasen diese außergewöhnlichen Verse feinsinnig, genau mit jenem "Sinn, Gefühl und Arrangement", das für sie notwendig ist. Mochalov, Shchepkin! Letzterer ist natürlich noch heute fast dem gesamten Parterre bekannt und erinnert sich, wie er schon im Alter seine Rollen auf Bühnen und in Salons gelesen hat.

Auch die Inszenierung war vorbildlich – und sollte jetzt und immer vorsichtiger sein als die Inszenierung jedes Balletts, denn die Komödien dieses Jahrhunderts werden die Bühne nicht verlassen, auch wenn spätere vorbildliche Stücke herunterkommen werden.

Jede der Rollen, auch Nebenrollen, subtil und gewissenhaft gespielt, dient dem Künstler als Diplom für eine umfangreiche Rolle.

Leider entspricht die Aufführung eines Stücks auf der Bühne längst nicht mehr seinen hohen Verdiensten, es glänzt weder besonders mit Harmonie in der Aufführung noch mit Gründlichkeit in der Inszenierung, obwohl es getrennt davon in der Aufführung einiger Künstler glückliche Hinweise gibt oder verspricht die Möglichkeit einer subtileren und gründlicheren Aufführung. Aber der allgemeine Eindruck ist, dass der Zuschauer neben ein bisschen Gutem seine „Millionen Qualen“ aus dem Theater holt.

In der Produktion ist es unmöglich, Nachlässigkeit und Armut nicht zu bemerken, die den Betrachter zu warnen scheinen, dass sie schwach und nachlässig spielen werden, daher lohnt es sich nicht, sich um die Frische und Treue des Zubehörs zu kümmern. So ist beispielsweise die Beleuchtung am Ball so schwach, dass man die Gesichter und Kostüme kaum noch erkennen kann, die Gästeschar so flüssig, dass Zagoretsky, statt zu „verschwinden“, wie es im Text der Komödie heißt, ausweicht irgendwo in der Menge von Khlestowas Schelte, muss durch den ganzen leeren Saal laufen, aus dessen Ecken, wie aus Neugier, zwei oder drei Gesichter herausschauen. Überhaupt wirkt alles irgendwie langweilig, altbacken, farblos.

Im Spiel herrscht anstelle eines Ensembles Zwietracht wie in einem Chor, der keine Zeit zum Singen hatte. Im neuen Stück hätte dieser Grund angedeutet werden können, aber man darf nicht zulassen, dass diese Komödie für irgendjemanden in der Truppe neu ist.

Die Hälfte des Stücks verläuft stumm. Zwei, drei Strophen brechen deutlich heraus, die anderen beiden spricht der Schauspieler wie für sich allein – abseits des Zuschauers. Die Schauspieler wollen Griboyedovs Gedichte als Varieté-Text spielen. In der Mimik haben manche viel unnötiges Getue, dieses eingebildete, falsche Spiel. Selbst diejenigen, die zwei oder drei Worte sagen müssen, begleiten sie entweder mit verstärkter, unnötiger Betonung, oder mit zusätzlichen Gesten oder einer Art Gangspiel, um sich auf der Bühne bemerkbar zu machen, obwohl diese zwei oder drei Worte , Klug gesagt, mit Takt, würde viel mehr wahrgenommen werden als alle Körperübungen.

Einige der Schauspieler scheinen zu vergessen, dass die Handlung in einem großen Moskauer Haus spielt. Zum Beispiel lebt Molchalin, obwohl er ein armer kleiner Beamter ist, in bester Gesellschaft, wird in den ersten Häusern akzeptiert, spielt Karten mit edlen alten Frauen, daher wird ihm ein gewisser Anstand in Manieren und Ton nicht vorenthalten. Er sei "einschmeichelnd, ruhig", heißt es in dem Stück über ihn. Dies ist eine Hauskatze, weich, anhänglich, die überall im Haus herumstreift, und wenn sie Unzucht treibt, dann heimlich und anständig. Er kann nicht so wild sein, auch wenn er allein mit ihr auf Liza zustürzt, dass der Schauspieler, der seine Rolle spielt, ihn gelernt hat.

Die Mehrzahl der Künstler kann sich auch nicht rühmen, die oben genannte wichtige Bedingung zu erfüllen: nämlich korrektes, künstlerisches Lesen. Seit langem wird beklagt, dass diese Grundvoraussetzung immer mehr aus der russischen Szene entfernt wird. Ist die Fähigkeit zu lesen, künstlerische Sprache auszusprechen, als ob diese Fähigkeit zusammen mit dem Rezitieren der alten Schule überflüssig oder unnötig geworden wäre, wirklich verdrängt worden? Es gibt sogar häufige Klagen über einige der Koryphäen des Dramas und der Komödie, dass sie sich nicht die Mühe machen, Rollen zu unterrichten!

Was bleibt den Künstlern dann noch übrig? Was verstehen sie unter Rollenspielen? Bilden? Gesichtsausdrücke?

Seit wann tritt diese Vernachlässigung der Kunst auf? Wir erinnern uns sowohl an die St. Petersburger als auch an die Moskauer Szenen in der glänzenden Zeit ihrer Tätigkeit, von Shchepkin, Karatygins bis Samoilov, Sadovsky. Einige Veteranen der alten St. Petersburger Bühne sind noch hier, und unter ihnen erinnern die Namen Samoilov, Karatygin an die goldene Zeit, als Shakespeare, Molière, Schiller und derselbe Griboyedov, den wir jetzt bringen, auf der Bühne erschienen, und all dies wurde zusammen mit einem Schwarm verschiedener Vaudevilles, Remakes aus dem Französischen usw. gegeben. Aber weder diese Änderungen noch die Varietés beeinträchtigten die hervorragende Aufführung von Hamlet, Lear oder The Miser.

Als Reaktion darauf hört man einerseits, dass sich der Geschmack des Publikums verschlechtert hat (was für ein Publikum?), zur Farce geworden ist und dass die Folge davon die Entwöhnung der Künstler von der ernsten Bühne war und ist und ernsthafte, künstlerische Rollen; und andererseits, dass sich die Bedingungen der Kunst selbst geändert haben: von der historischen Art, von der Tragödie, der großen Komödie, die Gesellschaft verließ, wie unter einer schweren Wolke, und wandte sich dem Bürgerlichen zu, dem sogenannten Drama und der Komödie, und schließlich zum Genre.

Eine Analyse dieser „Geschmackskorruption“ oder die Modifizierung der alten Kunstverhältnisse in neue würde uns vom Wehe des Witzes ablenken und vielleicht zu einem anderen, hoffnungsloseren Kummer führen. Nehmen wir lieber den zweiten Einwand (über den ersten zu sprechen lohnt sich nicht, da er für sich spricht) als vollendete Tatsachen und lassen diese Modifikationen zu, obwohl wir nebenbei anmerken, dass Shakespeare und neue historische Dramen auf den Plan treten, wie z "Der Tod von Iwan dem Schrecklichen", " Vasilisa Melentyeva", "Shuisky" und andere, die die Fähigkeit zum Lesen erfordern, über die wir sprechen. Aber schließlich stehen neben diesen Dramen noch andere in Prosa geschriebene Werke der neuen Zeit auf der Bühne, und diese Prosa hat, fast wie die Gedichte von Puschkin und Gribojedow, ihre eigene typische Würde und verlangt die gleiche klare und deutliche Aufführung wie die Lesung der Poesie. Jede Phrase von Gogol ist ebenso typisch und enthält ihre eigene besondere Komik, unabhängig von der allgemeinen Handlung, wie jeder Vers von Griboedov. Und nur eine zutiefst treue, hörbare, deutliche Darbietung, das heißt eine Bühnenaussprache dieser Sätze, kann die Bedeutung ausdrücken, die der Autor ihnen gegeben hat. Auch viele von Ostrovskys Stücken haben zu einem großen Teil diese typische Seite der Sprache, und oft werden Sätze aus seinen Komödien in der Umgangssprache in verschiedenen Anwendungen des Lebens gehört.

Die Öffentlichkeit erinnert sich daran, dass Sosnitsky, Shchepkin, Martynov, Maksimov, Samoilov in den Rollen dieser Autoren nicht nur Typen auf der Bühne geschaffen haben - was natürlich vom Grad des Talents abhängt -, sondern auch die ganze Kraft und vorbildliche Sprache bewahrt haben mit intelligenter und echter Aussprache, die jedem Satz, jedem Wort Gewicht verleiht. Wo, wenn nicht auf der Bühne, kann man exemplarische Lesungen exemplarischer Werke hören wollen?

Über den Verlust dieser sozusagen literarischen Aufführung von Kunstwerken hat die Öffentlichkeit in letzter Zeit wohl zu Recht geklagt.

Neben der Schwäche der Darbietung im allgemeinen Verlauf, bezüglich des richtigen Verständnisses des Stückes, der fehlenden Lesekunst etc., könnte man im Detail auch auf einige Ungenauigkeiten eingehen, aber wir wollen nicht pingelig wirken , zumal kleine oder häufige Ungenauigkeiten, die auf Fahrlässigkeit zurückzuführen sind, verschwinden, wenn die Künstler das Stück mit einer gründlicheren kritischen Analyse behandeln.

Wollen wir, dass unsere Künstler aus der ganzen Masse der Stücke, mit denen sie mit ihren Pflichten überhäuft werden, mit Liebe zur Kunst Kunstwerke herausgreifen – und davon gibt es bei uns so wenige, und übrigens besonders „ Woe from Wit“ - und da sie sie selbst für ihr gewähltes Repertoire komponieren, würden sie sie anders aufführen als alles andere, was sie täglich spielen müssen - und sie werden sicherlich richtig aufführen.

Anmerkungen

Aufwachsen (italienisch).
Er redet Unsinn (Französisch).
Schande über den, der Böses dabei denkt (Französisch).
Erster Liebhaber (Theater, Begriff) (Französisch).
High Society (englisch).
Guter Ton (Französisch).
Torheit (Französisch).
Im Keim (Französisch).

Komposition

Die Hauptrolle ist natürlich die Rolle von Chatsky, ohne die es keine Komödie gäbe, aber vielleicht gäbe es ein Bild der Moral. Chatsky ist nicht nur schlauer als alle anderen Menschen, sondern auch positiv schlau. Seine Rede kocht vor Intelligenz, Witz. Er hat ein Herz, und gleichzeitig ist er tadellos ehrlich. Mit einem Wort, diese Person ist nicht nur intelligent, sondern auch entwickelt, mit Gefühl, oder, wie seine Zofe Lisa empfiehlt, er ist "sensibel und fröhlich und scharfsinnig". Er ist eine aufrichtige und leidenschaftliche Figur. Chatsky sehnt sich nach einem "freien Leben" und fordert "Dienst an der Sache, nicht an Einzelpersonen".

In der Zwischenzeit musste Chatsky einen bitteren Kelch auf den Grund trinken, fand bei niemandem „lebendiges Mitgefühl“ und ging, wobei er nur „eine Million Qualen“ mitnahm.

„Eine Million Qualen“ und „Wehe“! – das hat er für alles geerntet, was er gesät hat. Bis jetzt war er unbesiegbar: Sein Verstand traf gnadenlos die wunden Stellen der Feinde. Er fühlte seine Stärke und sprach selbstbewusst. Aber der Kampf zermürbte ihn. Chatsky sammelt wie ein Verwundeter all seine Kräfte, fordert die Menge heraus und schlägt auf alle ein, aber er hatte nicht genug Kraft gegen den vereinten Feind. Er verfällt in Übertreibung, fast in Sprachrausch und bestätigt nach Meinung der Gäste das von Sophia verbreitete Gerücht über seinen Wahnsinn.

Er hat aufgehört, sich zu beherrschen und merkt nicht einmal, dass er selbst eine Leistung auf dem Ball zusammenstellt. Alexander Andreevich ist definitiv „nicht er selbst“, beginnend mit dem Monolog „über den Franzosen aus Bordeaux“ und bleibt es bis zum Ende des Stücks. Nur „eine Million Qualen“ werden im Voraus aufgefüllt.

Wenn er eine gesunde Minute gehabt hätte, wenn ihn nicht „eine Million Qualen“ verbrannt hätten, hätte er sich natürlich die Frage gestellt: „Warum und wofür habe ich all diesen Mist gemacht?“ Und natürlich würde es keine Antwort geben.

Chatsky ist vor allem ein Denunziant der Lüge und alles Obsolet gewordenen, das ein neues Leben übertönt, „ein freies Leben. Er ist sehr positiv in seinen Forderungen und erklärt sie in einem fertigen Programm, das nicht von ihm, sondern von dem bereits begonnenen Jahrhundert ausgearbeitet wurde. Chatsky fordert Platz und Freiheit für sein Alter: Er bittet um Geschäfte, will aber nicht bedient werden und stigmatisiert Unterwürfigkeit und Possenreißer. Sein Ideal des „freien Lebens“ ist entscheidend: Es ist die Freiheit von allen Fesseln der Sklaverei, die die Gesellschaft fesseln, und dann die Freiheit – „den wissenshungrigen Geist in die Wissenschaft zu starren“ ...

Jeder Fall, der aktualisiert werden muss, verursacht den Schatten von Chatsky. Und egal, wer die Zahlen sind, egal, was für ein menschliches Geschäft es gibt – sei es eine neue Idee, ein Schritt in der Wissenschaft, in der Politik – Menschen werden gruppiert, sie kommen nicht los von den beiden Hauptmotiven der Kampf: vom Ratschlag „am Alten zu lernen“ einerseits und vom Durst, aus der Routine heraus immer weiter ins „freie Leben“ zu streben, andererseits.

Deshalb ist Griboedovs Chatsky noch nicht alt geworden und wird kaum alt werden und mit ihm die ganze Komödie.

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Die Persönlichkeit von Ivan Goncharov ist in die Literaturgeschichte eingegangen. Der Schriftsteller, Literaturkritiker, korrespondierendes Mitglied der Akademie der Wissenschaften von St. Petersburg und echter Staatsrat ist für viele Werke bekannt. Von den wichtigsten - "Oblomov", veröffentlicht in "Notes of the Fatherland", "Cliff" - ein Text, der im "Bulletin of Europe" erschien, sowie "Ordinary History" aus "Contemporary".

1872 erblickte der Text „A Million Torments“ das Licht der Welt. Dies ist der Titel eines von Goncharov veröffentlichten Artikels literaturkritischer Natur. Der Autor wendet sich der Analyse eines anderen Meisterwerks der russischen Literatur zu, das bereits zum Klassiker geworden ist - "Wehe aus Witz". Der russische Kritiker schreibt, dass „Woe from Wit“ seinen rechtmäßigen Platz in der russischen Literatur eingenommen hat, weil der Text relevant und frisch ist. Wenden wir uns einer kurzen Zusammenfassung von Goncharovs kritischer Prosa zu.

Bemerkung zu Griboyedovs Text „Weh dem Witz“

Da sich Goncharov auf Griboyedovs Stück bezieht, halten wir es für sinnvoll, kurz daran zu erinnern, um welche Art von Werk es sich handelt. „Wehe dem Witz“ gilt als eine in Versform verfasste Komödie des russischen Schriftstellers, Diplomaten und Staatsrats Alexander Gribojedow. Das Werk wurde im Stil des Klassizismus geschrieben, aber es ist klar, dass der Autor auch von Romantik und Realismus inspiriert wurde, die in dieser Zeit gerade in Mode gekommen waren. Das Stück ist zutiefst aphoristisch - dieses Merkmal führte dazu, dass Griboedovs Werk in Anführungszeichen gesetzt wurde, von denen viele zu Schlagworten wurden (zum Beispiel die Sätze „Wer sind die Richter?“, „Der Held ist nicht aus meinem Roman“, „ Mit Gefühl, mit Sinn, mit Arrangement“, „Die Legende ist frisch, aber kaum zu glauben“ und andere Ausdrücke).

Ilya Ilyich Oblomov in der Arbeit von Ivan Goncharov "Oblomov" ist eine faule, apathische, übermäßig verträumte Person und völlig unangepasst an das wirkliche Leben. Wir laden die Leser ein, sich damit vertraut zu machen, was in dem Roman das zentrale und auffälligste ist.

Über "Woe from Wit" gibt es neben Goncharovs Text, dem dieser Artikel gewidmet ist, weitere Rezensionen. Über das Stück schrieb zum Beispiel auch Puschkin, der fast als Erster die Bedeutung des Stücks für die Kultur hervorhob:

Wer ist in der Komödie „Woe from Wit“ die schlaue Figur? Antwort: Griboedov. Weißt du, was Chatsky ist? Ein leidenschaftlicher, edler und freundlicher Kerl, der einige Zeit mit einer sehr klugen Person (nämlich mit Griboyedov) verbrachte und sich von seinen Gedanken, Witzen und satirischen Bemerkungen nährte<…>Das erste Zeichen eines intelligenten Menschen ist, auf einen Blick zu wissen, mit wem man es zu tun hat, und keine Perlen vor die Repetilovs und dergleichen zu werfen ...

Kurzbeschreibung des Inhalts von "A Million of Torments"

Griboyedovs Stück sei schwer einzuordnen, sagt der russische Kritiker gleich zu Beginn, weil dieser Text sich von anderen bedeutenden Werken der russischen Literatur abhebt. Das Werk heißt Goncharov stark, jugendlich und frisch, aber auch hartnäckig, denn die Relevanz von „Wehe vom Witz“ verschwindet nicht. Der Autor ist originell, wenn es um Vergleiche und Analogien geht. So zieht Ivan Goncharov Parallelen zwischen Griboyedovs Text und einem hundertjährigen alten Mann: Es scheint, dass der alte Mann sterben muss, aber alle um ihn herum sterben, aber nicht er selbst.

Andererseits ist Gontscharowa überrascht, dass Griboyedovs Werk das Schicksal eines hundertjährigen alten Mannes in der Literatur ereilte. Laut dem Kritiker hat Puschkin "mehr Rechte auf Langlebigkeit". Aber die Charaktere in den Werken von Alexander Sergejewitsch scheinen die Zeit nicht zu überdauern. Puschkins Charaktere sind blass, die Zeit der Helden des russischen Genies ist vorbei und Puschkin selbst ist bereits Geschichte. Mittlerweile ist Gribojedow nicht Geschichte, sondern Moderne.

Goncharov betont, dass „Woe from Wit“ eine Komödie ist, die eine andere Komödie in sich trägt, wie Frieden in der Welt. So kommen mehrere Plots an die Oberfläche. Die erste Handlung ist einer Liebesbeziehung in Paaren Chatsky - Sofia sowie Liza - Molchalin gewidmet. Goncharov kommentiert dieses Phänomen wie folgt:

... Wenn die erste durchbricht, taucht plötzlich eine andere dazwischen auf, und die Handlung wird wieder gebunden, eine private Komödie wird in einen allgemeinen Kampf gespielt und zu einem Knoten geknüpft ...

Puschkin, Lermontov und Griboedov: Vitalität von "Wehe aus Witz"

Trotz der Tatsache, dass das „Mindesthaltbarkeitsdatum“ von Puschkins Texten früher abgelaufen ist, wurden Griboyedovs Werke früher geschaffen als Puschkins. So kam „Woe from Wit“ vor „Eugene Onegin“ und „Hero of Our Time“ unter der Feder des Autors heraus, schaffte es aber, beide Texte zu überleben. "Woe from Wit" konnte sogar den bezaubernden Gogol überleben. Der russische Kritiker ist sich sicher, dass dieses Stück "noch viele Epochen überdauern und seine Vitalität nicht verlieren wird".

Griboyedovs Stück wurde sofort, sobald der Text veröffentlicht war, für Zitate aufgeschnappt. Dies führte jedoch nicht zu einer Vulgarisierung des Textes, wie es normalerweise der Fall ist, wenn der Text an Popularität gewinnt. Goncharov bemerkte im Gegenteil, dass „Wehe aus Witz“ durch eine solche Popularisierung „für die Leser teurer zu werden schien“.

Eine andere Situation wird beobachtet, wenn versucht wird, "Wehe von Wit" auf der Bühne zu inszenieren. Gleichzeitig sollten Schauspieler laut Goncharov einen kreativen Ansatz verfolgen und Ideale schaffen. Außerdem sollten die Schauspieler die Sprache des Stücks künstlerisch darstellen. Griboyedovs Stück basiert natürlich auf realen historischen Motiven, aber der russische Kritiker betont, dass Woe from Wit auf der Bühne nicht unter dem Deckmantel eines Werks gespielt werden kann, das sich auf historische Treue beruft. Nein, Woe from Wit hat eine ziemlich starke künstlerische Glaubwürdigkeit:

… die lebendige Spur ist fast verschwunden, und die historische Distanz ist immer noch nah. Der Künstler muss auf Kreativität und die Schaffung von Idealen zurückgreifen, je nach dem Grad seines Verständnisses der Epoche und der Arbeit von Griboyedov<…>Der Schauspieler als Musiker ist verpflichtet ... an diesen Klang der Stimme und an jene Intonation zu denken, mit der jede Strophe ausgesprochen werden sollte: das heißt - an ein subtiles kritisches Verständnis aller Poesie zu denken ...

„Weh dem Witz“ als Bild der Sitten

In der russischen Literatur spielt Griboyedovs Stück also eine besondere Rolle. Der Autor von "A Million of Torments" hält das Werk für ein spezifisches Sittenbild. Der Autor zeichnet für den Leser eine Galerie lebender Typen, echter Menschen. Aber was ist „Wehe aus Witz“? Laut Goncharov sind dies:

... ewig scharfe, brennende Satire und zugleich Komödie<…>Ihre Leinwand fängt einen langen Zeitraum des russischen Lebens ein - von Katharina bis Kaiser Nikolaus ...

Zum größten Teil erscheint "Woe from Wit" natürlich als komödiantisches Werk. Aber dies ist eine riesige Welt, die dem Leser die Realitäten des Lebens der russischen Kultur zeigt. Besonderes Augenmerk sollte auch auf die Helden von "Woe from Wit" gelegt werden.

Über die Helden von „Woe from Wit“

Es gibt nicht mehr als zwanzig Schlüsselfiguren in Griboedovs Stück, aber der Autor hat es geschafft, in diesen Figuren das ganze alte Moskau, den Geist der Stadt, die historische Situation sowie moralische Prinzipien und Bräuche widerzuspiegeln.

Oppositionsgruppen von Charakteren in "Woe from Wit"

Jede der Zeichengruppen ist einem bestimmten Satz von Eigenschaften zugeordnet. Beispielsweise spielt Chatsky eine passive Rolle, prangert Lügen an, fungiert als Marker für veraltete Dinge und Befehle. Das Bild von Chatsky offenbart, was ein neues, freies Leben verhindert. Das Ideal des Helden ist daher die Freiheit von „allen Ketten der Sklaverei, durch die die Gesellschaft gefesselt ist“. Die Famus-Gruppe versteht einerseits zutiefst, dass Chatsky Recht hat, aber der Wunsch zu überleben und weiter zu existieren hindert die „Brüder“, sich offen auf die Seite des Helden zu stellen.

Ivan Alexandrovich Goncharov ist einer der führenden Prosaautoren des 19. Jahrhunderts. Empfohlen für Liebhaber der Klassiker

Goncharov kommt zu dem Schluss, dass Chatsky der Fels aller Zeiten ist, sodass Woe from Wit nicht an Relevanz verliert. Chatskys Stern wird im Zeitenwechsel besonders hell.

Die Famus-Gruppe zeichnet sich durch einen Durst nach Ehre und Ruhm aus, den Wunsch, zu gefallen und zuzustimmen, um des persönlichen Gewinns willen. Goncharov nennt solche Helden Meister und Jäger, um zu gefallen, Auszeichnungen zu erhalten, um vor allem fröhlich und sorglos zu leben. Eine solche Lebensweise wird von verschiedenen Lastern begleitet: Lügen, Klatsch, Müßiggang und am Ende Leere.

Die Figur von Chatsky im Detail

Was die Karte der Helden betrifft, dh die allgemeine Anordnung der Charaktere in Woe from Wit, ist der Kritiker der Meinung, dass in Griboedovs Text alle Charaktere in zwei Gruppen unterteilt sind. Im ersten symbolischen Lager nahmen die "Famusovs und alle Brüder" ihre Plätze ein, und Chatsky war in der anderen Gruppe. Goncharov nennt Chatsky einen leidenschaftlichen und mutigen Kämpfer, der am Kampf "auf Leben und Tod", am Kampf um die Existenzchance teilnimmt. Diese Lebensweise führt jedoch logischerweise zu Müdigkeit, denn nachdem der Ball überstanden ist, will der Held sicherlich seine Ruhe finden. Zumindest für eine Weile. Goncharov schreibt:

... Er sammelt wie ein Verwundeter all seine Kräfte, fordert die Menge heraus - und schlägt auf alle ein - aber er hatte nicht genug Kraft gegen den vereinten Feind ...

Chatsky wird allmählich für einen Verrückten gehalten: Der Held greift oft zu Übertreibungen, die Rede von Griboedovs Charakter verrät Trunkenheit. Es kommt ein Moment, in dem Chatsky nicht mehr merken kann, dass er sich selbst in einen Ball verwandelt hat, in eine Performance, vor der er geflohen ist.

Chatsky hat einen Schatz, den viele in unserer Zeit verloren zu haben scheinen. Der Held hat ein Herz. Lisa, eine Dienerin, spricht positiv über Chatsky, nennt den Helden sensibel, fröhlich und auf den Punkt klug.

Inzwischen wird das Bild von Chatsky von persönlicher Trauer überschattet. Das Stück heißt "Woe from Wit", aber Goncharov schreibt, dass der Grund für Chatskys persönliches Unglück nicht im Kopf liegt. Das Problem liegt in der mitfühlenden Rolle des Helden Griboyedov.

Die Bitterkeit von Chatskys Schicksal

Goncharov bemerkt, dass Chatskys Schicksal nur im Säen besteht. Die Früchte dieser Aussaat sind dazu bestimmt, für andere Menschen zu ernten. Die Chatskys - wir sprechen im Plural, weil dies ein Typ und nicht nur ein Bild ist - tragen eine Art Dornenkrone auf dem Kopf: Solche Menschen werden von jeder Kleinigkeit gequält, vor allem aber - von einem Zusammenstoß Geist und Mitgefühl, ein unerwidertes Liebesgefühl, der Schmerz einer verletzten Würde. Goncharov spricht folgendermaßen über Chatskys Persönlichkeit:

... Er fordert einen Platz und Freiheit für sein Alter: Er bittet um Geschäfte, will aber nicht bedient werden und stigmatisiert Unterwürfigkeit und Possenreißer ...

So nähern wir uns langsam der Idee eines freien Lebens, die von der Persönlichkeit Chatskys verkörpert wird. Was ist ein freies Leben in der Interpretation von Goncharov? Zunächst einmal ist es eine Gelegenheit, sich nicht auf Sklavenketten zu verlassen, nicht vor Vorgesetzten zu kriechen. Leider haben die Abhängigkeitsketten die Gesellschaft so eingehüllt, dass das Famusov-Lager, obwohl es die Wahrheit der Sachlage versteht, immer noch Angst hat, die Systeme zu brechen oder gegen die etablierte Ordnung zu verstoßen. Welche Rolle spielt Chatsky? Goncharov beantwortet diese Frage in den folgenden Zeilen:

... Er ist der ewige Entlarver der Lügen, versteckt im Sprichwort: "Einer auf dem Feld ist kein Krieger." Nein, ein Krieger, wenn er Chatsky ist, und noch dazu ein Sieger, sondern ein fortgeschrittener Krieger, ein Scharmützler - und immer ein Opfer<…>Die Chatskys leben und werden nicht in die Gesellschaft übersetzt, sie wiederholen sich auf Schritt und Tritt, in jedem Haus, wo Alt und Jung unter einem Dach zusammenleben.<…>Jeder Fall, der aktualisiert werden muss, verursacht den Schatten von Chatsky ...

Wer ist Sofia?

Natürlich konnte Goncharov die Figur von Sofia nicht vergessen. Die Heldin gehört zur Kategorie der Frauen, die „Weltweisheiten aus Romanen und Erzählungen“ schöpfen. Solche Frauen zeichnen sich durch eine lebhafte Vorstellungskraft aus, die Fähigkeit zu fühlen. Aber Sophia ist schwach in den Bereichen, die sich auf Gedanken und Wissen beziehen. Die Heldin strebt jedoch nach Wissen und Gedanken, die jungen Damen damals normalerweise nicht beigebracht wurden.

Unserer Meinung nach ähnelt Sofia dem Typus der sogenannten Turgenjew-Jungfrauen, jedoch sieht Goncharov in dem Bild von Griboedovs Sofia eine Ähnlichkeit mit der Figur von Tatjana aus Puschkins „Eugen Onegin“:

... beide, wie beim Schlafwandeln, schweifen in kindlicher Einfachheit in Begeisterung umher ...

Sophia möchte sich wie eine Gönnerin fühlen. In diesem Bild erscheint also die Heldin im Roman mit Molchalin. Auch Chatskys Gefühle für Sophia spielen in der Arbeit eine wichtige Rolle. Chatsky ist verärgert über die Lügen, die in den Handlungen des Mädchens sichtbar sind. Einerseits fühlt sich Chatsky zu Sophia hingezogen, andererseits dient die Heldin Chatsky als Motiv und Leidensgrund, der am Ende die Seele des Helden verdunkelt. Obwohl Chatsky leidet, gewinnt er dennoch. Der Held versucht, um etwas zu betteln, das mit Bitten nicht empfangen werden kann, nämlich: Liebe:

Aber hat er diese Leidenschaft?
Dieses Gefühl? Ist das Begeisterung?
Damit er außer dir die ganze Welt hat
War es Staub und Eitelkeit?

Gegensatz von Gefühlen und Verstand

Das Hauptdrama des Stücks liegt in der Opposition und Unvereinbarkeit von Verstand und Gefühlen. Goncharov glaubt, dass Chatsky zunächst durch seinen Verstand und seine Gedankenschärfe gerettet wurde, aber die Flamme der Leidenschaft verzehrte die Würde und Persönlichkeit des Helden. Alles, was Chatsky vor der letzten "nutzlosen Demütigung" bewahrt, sind die "Überbleibsel des Verstandes".

Sophia braucht nicht so viel Molchalin, sondern den unbedeutenden Charakter dieses Helden. Das Mädchen gibt jedoch gleichzeitig zu, dass das Treffen mit Chatsky für sie bedeutsam und nicht zufällig ist:

Sehen Sie, er hat die Freundschaft aller im Haus gewonnen;
Er diente drei Jahre lang beim Vater,
Er wird oft grundlos wütend,
Und er wird ihn mit Schweigen entwaffnen<…>
<…>von den Alten werden nicht über die Schwelle treten<…>
<…>Fremde und aufs Geratewohl schneidet nicht,-
Dafür liebe ich ihn...

"Eine Million Qualen" als Trauer von Chatsky

Chatsky verfällt in der Tat in den Wahnsinn, weil er versucht, in Sophias Worten etwas zu finden, was nicht wirklich in diesen Worten steckt. Für den Helden scheint diese Methode ein Versuch zu sein, sich zu beruhigen und zu rechtfertigen.

Nach dem Scheitern mit Sophia stürzt Chatsky in andere Lebenszyklen in Moskau. Zum Beispiel ist die Gorichev-Gruppe - der Besitzer, der völlig untergegangen ist, der zuvorkommende Ehemann, der unter den Fersen einer strengen Frau steht, und die Frau selbst - Frau Goricheva - eine niedliche und zuckersüße Person. Chatsky trifft sich auch mit Khlestova, einer Heldin, die aus der Zeit von Catherine übrig geblieben zu sein scheint, mit Pyotr Iljitsch, einer weiteren Ruine aus der Vergangenheit, mit Zagoretsky, einem offensichtlichen Betrüger, und anderen Helden aus der Kategorie Famusov.

Persönlichkeitstransformationen von Chatsky

Chatskys Geist durchläuft Transformationen. Jetzt zeichnet sich Chatskys Rede durch ätzende Bemerkungen, Zynismus und Sarkasmus aus. Mit diesem Kommunikations- und Verhaltensstil verursacht der Held bei den Menschen um ihn herum Antipathie. Chatsky hat immer noch Hoffnung - Mitgefühl und Sympathie in Sophias Seele zu finden. Der Held weiß jedoch nicht, dass im Famusov-Lager eine Verschwörung gegen ihn vorbereitet wird:

"Eine Million Qualen" und "Wehe" - das hat er für alles geerntet, was er gesät hat. Bis jetzt war er unbesiegbar: Sein Verstand traf gnadenlos die wunden Stellen der Feinde ...

Chatskys Verstand wird in dem Moment schwächer, in dem der Held des endlosen Kampfes müde wird. Die frühere Fröhlichkeit, Schärfe, Niedlichkeit und Sensibilität werden durch Galle, Spitzfindigkeit und Traurigkeit ersetzt. Auch am Ende benimmt sich Chatsky nicht, wie Onegin oder Lermontovs Held, wie ein Dandy. Griboyedovs Held bewahrt weiterhin seine Aufrichtigkeit, leistet sich aber eine fatale Schwäche: Eifersucht überwältigt Chatsky, als der Held das Rendezvous des Mädchens mit Molchalin sieht. Der Mann macht der Heldin Vorwürfe, weil sie ihm Hoffnung gemacht hat. Goncharov betont jedoch, dass Sophia im Gegenteil Chatsky ständig abgestoßen hat:

In der Zwischenzeit ist Sofya Pavlovna nicht individuell unmoralisch: Sie sündigt mit der Sünde der Unwissenheit, der Blindheit, in der alle lebten ...

Goncharovs Schlussfolgerungen

Um die hauptsächliche moralische und ideologische Ausrichtung von Woe from Wit zu vermitteln, wendet sich der russische Kritiker Puschkins Gedichten zu:

Licht bestraft keine Wahnvorstellungen,
Aber Geheimnisse sind für sie erforderlich!

Einerseits hilft Chatsky Sophia dabei, jene unvernünftige Naivität und Blindheit zu verlieren, die zunächst für die Persönlichkeit der Heldin charakteristisch ist. Allerdings kann Sophia Chatsky immer noch keinen Respekt erweisen: Der Held ist ein Beweis für Sophias Fehler und Laster, ein "vorwurfsvoller Zeuge", der dem Mädchen die Augen für das wahre Aussehen von Molchalin öffnet. Sophia erscheint nach Goncharovs Interpretation als eine Art Mischung aus "guten Instinkten" und Lügen, "einem lebhaften Geist" und dem Fehlen auch nur eines Hinweises auf das Vorhandensein von Ideen, eigenen Meinungen und Überzeugungen. Sophia leidet an geistiger und moralischer Blindheit, die eine unüberwindbare Kluft zwischen dem Mädchen und Chatsky darstellt. Dies ist jedoch kein Mangel von Sophia selbst, dies sind Qualitäten, die in ihre Erziehung einfließen. Die Heldin selbst ist heiß, zart und verträumt. Erinnern wir uns, worüber wir am Anfang unseres Artikels gesprochen haben:

... Frauen lernten nur sich vorzustellen und zu fühlen und nicht zu denken und zu wissen ...

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