Stationen von Raphael, Vatikanstadt: Beschreibung, Foto, Lage auf der Karte, Anfahrt. Raffael Santi

Die Welt ist schön, unsere irdische Welt! Das ist das Motto aller Renaissance-Kunst. Der Mensch hat gerade die Schönheit der sichtbaren Welt entdeckt und geschmeckt, und er bewundert sie als das großartigste Schauspiel, geschaffen für die Freude der Augen, für den spirituellen Genuss. Er selbst ist ein Teil dieser Welt, und deshalb bewundert er sie und sich selbst. Die Freude, irdische Schönheit zu betrachten, ist eine lebensspendende, freundliche Freude. Die Aufgabe des Künstlers besteht darin, die Harmonie der Welt immer vollständiger und lebendiger hervorzubringen und dadurch das Chaos zu überwinden, eine bestimmte höhere Ordnung zu bekräftigen, deren Grundlage ein Maß ist, eine innere Notwendigkeit, die Schönheit hervorbringt. Und wozu das alles? Den Menschen jenes festliche Spektakel zu bieten, nach dem sie sich sehnen, das ihre Augen für die Welt öffnet, das sich jedoch nur durch die Inspiration des Künstlers in voller Pracht offenbart. Diese Aufgabe, die größte Aufgabe der Renaissance-Malerei, die zuerst von den Meistern des Trecento unternommen wurde, wurde zu Beginn des Cinquecento von Raffael vollendet.

In mittelalterlichen Kirchen scheinen Malerei, Mosaike oder Buntglasfenster mit der Architektur zu verschmelzen und zusammen mit ihr ein Ganzes zu schaffen, das beim Gläubigen eine feierliche Stimmung hervorrufen soll. Aufgrund ihrer Lage in ihnen sind malerische Kompositionen nicht immer in allen Details gut sichtbar. Die Fotografie hat uns die Möglichkeit gegeben, diese Kompositionen in verschiedenen Aspekten zu sehen, die zuvor oft unbeachtet blieben. In romanischen oder gotischen Kirchen war den Menschen des Mittelalters manchmal nicht klar, dass vor ihnen nicht nur Symbole, nicht nur konventionelle Bilder, die die Ideale ihres Glaubens verherrlichten, sondern auch Kunstwerke waren. Die Bemalung des Tempels erschien ihnen nicht als eigenständige Schöpfung, es tat gut, sie unter dem Gesang des Kirchenchores zu betrachten, der wie die Gewölbe des Tempels mit seinen hohen Bögen ihre Phantasie in die Welt der Träume trug , tröstende Hoffnungen oder abergläubische Ängste. Und deshalb suchten sie in diesem Gemälde nicht nach der Illusion der Realität.

Die Malerei der Renaissance wendet sich an den Betrachter. Wie wundervolle Visionen ziehen Bilder vor seinen Augen vorbei, die eine Welt darstellen, in der Harmonie herrscht. Menschen, Landschaften und Objekte darauf sind die gleichen, die er um sich herum sieht, aber sie sind heller, ausdrucksvoller, schöner. Die Illusion der Realität ist vollständig, aber die Realität, verwandelt durch die Inspiration des Künstlers, Und bewundert sie, den schönen Kinderkopf und den strengen alten Kopf gleichermaßen bewundernd, vielleicht im Leben überhaupt nicht attraktiv. An den Wänden von Palästen und Kathedralen sind Fresken oft auf Augenhöhe gemalt, und in der Komposition blickt eine Figur direkt auf den Betrachter und verbindet ihn mit allen anderen.

Aus dem italienischen Wort übersetzt "Fresko" bedeutet "frisch", "roh". Dies ist das Malen auf nassem Putz, dh in diesen kurzen zehn Minuten, während die Lösung die Farbe noch nicht „ergriffen“ hat und frei aufnimmt. Eine solche Lösung wird von Wandmalern als "reif" bezeichnet. Sie müssen einfach und frei darauf schreiben, und vor allem, sobald der Künstler das Gefühl hat, dass der Pinselstrich seine Glätte verliert und zu „eggen“ beginnt, wird die Farbe nicht absorbiert, sondern verschmiert, als ob „ beim salzen“ der wand muss die arbeit beendet werden: trotzdem haften die farben nicht. Daher ist ein Fresko eine der zeitaufwändigsten Arten der Malerei, die den größten kreativen Aufwand und die größte Gelassenheit erfordert, aber auch, wie der älteste russische Wandmaler N. M. Chernyshev sagte, „Stunden unvergleichlicher Freude“ beschert. Viele große Meister der Weltmalerei beschäftigten sich mit Freskenmalerei - Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, P. Veronese, berühmte russische Ikonenmaler Feofan Grek, Andrei Rublev, Dionysius und unter den Künstlern der Neuzeit - P. Picasso, F. Leger, V. A. Favorsky. Sie arbeiteten wie eine Maschine "ein fresko"(dh roh) und in gewisser Weise "ein Secco"(also trocken). Hier wird auf getrockneten, bereits harten, nur wieder angefeuchteten Kalkputz und mit Kalk vorgemischten Farben gestrichen.

Raffael ist das Ende. Seine ganze Kunst ist äußerst harmonisch, atmet mit der inneren Welt, und der Geist, der Höchste, ist darin mit Philanthropie und spiritueller Reinheit verbunden. Seine Kunst, fröhlich und glücklich, drückt eine Art moralische Befriedigung, Akzeptanz des Lebens in seiner ganzen Fülle und sogar Untergang aus. Anders als Leonardo quält uns Raffael nicht mit seinen Geheimnissen, überwältigt uns nicht mit seiner Allwissenheit, sondern lädt uns freundlich ein, mit ihm die irdische Schönheit zu genießen. Während seines kurzen Lebens gelang es ihm, in der Malerei wahrscheinlich alles auszudrücken, was er konnte, dh das volle Reich der Harmonie, Schönheit und Güte.

Papst Julius II. war eine schillernde und herausragende Persönlichkeit, und seine Rolle in der Geschichte des zeitgenössischen Europas war bedeutend. Im Wesentlichen setzte er das Werk der düsteren Erinnerung an Papst Alexander VI. fort, obwohl er sein ständiger Feind war – in den Versuchen des Papstes, Italien unter der Herrschaft der Römischen Kurie zu vereinen. Dieser Hohepriester hatte ein starkes und entschlossenes Temperament. Trotz seines Ranges und Alters bestieg er ein Pferd und führte selbst die päpstliche Armee in Schlachten. "Nieder mit den Barbaren!" - so lautete sein Schlachtruf, und mit "Barbaren" meinte er die Spanier und die Franzosen, die Italien plünderten und demütigten. Und dieser Schrei, ein Echo des alten Roms der Cäsaren, inspirierte die Italiener in jenen wenigen Jahren zum Kampf, als es schien, dass die päpstliche Macht einen einzigen und unabhängigen italienischen Staat schaffen könnte. Der Papst eroberte Bologna, Perugia und andere Städte, die zuvor nicht seinem Willen unterworfen waren. Seine Politik war nicht nur mutig, sondern auch flexibel. Im Kampf gegen die venezianische Republik, deren Bevölkerung auch Italiener war, zögerte er nicht, ein Bündnis mit den "Barbaren", dh mit denselben Spaniern und Franzosen, einzugehen. Sobald Venedig jedoch besiegt war, schloss er sich ihr an, um gegen Frankreich zu kämpfen.

Wie seine Vorgänger stellte Julius II. die Interessen des Vatikans über die nationalen Interessen Italiens. Kein Wunder, dass Machiavelli das größte Unglück Italiens darin sah, dass die Kirche nicht genügend Kraft hatte, um das Land zu einen, aber stark genug war, seine Vereinigung ohne ihre Führung zu verhindern. Und doch wurde Rom erst unter Papst Julius II. zum größten politischen und kulturellen Zentrum Italiens.

Julius II. war kein besonders subtiler Kunstkenner, aber er verstand, dass Kunst den früheren Glanz der ewigen Stadt wiederbeleben und verherrlichen konnte. Die berühmtesten Architekten arbeiten für ihn in Rom, und er beruft Michelangelo und den jungen Raphael in seine Dienste, nachdem er gehört hat, dass Florenz sie als große Künstler anerkennt. Unter ihm beginnt der Bau des Petersdoms.

1508 kam Raffael auf Einladung von Papst Julius II. Nach Rom und begann sofort mit der Ausführung eines äußerst ehrenvollen Auftrags - der Bemalung der vorderen Räume (Bahnhöfe) des Vatikans. In Rom, wo so viele große Kunstdenkmäler geschaffen oder gesammelt wurden, hinterlassen die vatikanischen Fresken Raffaels (1509-1511) einen der stärksten und überzeugendsten Eindrücke. Sie enthüllten die brillante Gabe des Wandmalers Raphael. In der Stanza della Senyatura befindet sich eine der bemerkenswertesten Schöpfungen Raffaels, die vier Bereiche menschlicher Aktivität darstellt:
- Theologie - "Streit oder Streit um die Kommunion"
- Philosophie - "Schule von Athen"
- Poesie - "Parnass"
- Rechtswissenschaft - "Weisheit, Maß und Stärke".

Der Meister hat auf den Fresken auch die entsprechenden allegorischen Figuren, Szenen zu biblischen und mythologischen Themen dargestellt. Größe und Anmut vereinen sich harmonisch in diesem größten Meisterwerk. Dichter, Weise, Philosophen, Theologen bilden komplexe räumliche Gruppen, die sich inmitten der majestätischen architektonischen Kulisse und Landschaft befinden. Der Künstler zeigt eine Welt, in der ein Mensch majestätisch, weise, selbstbewusst ist. Raphael malte den Traum eines perfekten Mannes, frei und edel. Auf seinen Fresken sind Menschen mit starkem Willen und hoher Würde dargestellt. Der Künstler erscheint hier als Schöpfer eines heroischen Stils, der die Größe und Grandiosität der von ihm geschaffenen Kultur verherrlicht.

Links: Streit um das Abendmahl. Raffael. 1514. Fresko. Vatikan.

Rechts: Erscheinung von St. Ap. Peter und St. Ap. Paul oder Begegnung von Papst Leo I. mit Attila. Raffael. 1514. Fresko. Vatikan.

Das Treffen der Weisen der Antike („The School of Athens“) grenzt an das Treffen der Väter der christlichen Kirche („Disputation“), diese Nachbarschaft offenbart gleichsam zwei Gesichter einer einzigen Wahrheit oder der Triumph des Humanismus im Schoß des Vatikans. Die Vergangenheit verschmilzt mit der Gegenwart: Die Philosophen der Antike unterhalten sich vor den Gewölben des Palastes im Stil der Hochrenaissance, und unter ihnen, am Rande, porträtierte Raffael sich selbst und unter den Kirchenvätern - die Künstler und Dichter Italiens: Dante, Fra Beato Angelico, Bramante. Die Dichter der klassischen Antike kommunizieren mit den Dichtern der Renaissance ( "Parnass"). Gelobt wird die weltliche und kirchliche Gesetzgebung ("Jurisprudenz"). Die nächste Strophe schildert ein wundersames Ereignis aus ferner Vergangenheit, aber der anwesende Papst ist Julius II. selbst („Messe in Bolsena“). Und wieder erscheint Julius II. dem Betrachter als Personifikation des Sieges über Fremde, die es wagten, in die Schätze und die Macht der römischen Kirche einzudringen ( "Das Exil von Heliodor"). Und in einem anderen Fresko - „Den Apostel Petrus aus dem Gefängnis holen“- der Triumph des Lichts über die Dunkelheit könnte als Hoffnung auf Befreiung von den „Barbaren“ empfunden werden. Kein Wunder, dass man über die Fresken Raffaels sagte, sie seien ein wahres Epos Italiens. Jedes Fresko harmoniert perfekt mit der Architektur der Kammern und ist gleichzeitig ein völlig eigenständiges Werk. Der Betrachter geht von einem zum anderen und scheint einer majestätischen Aufführung beizuwohnen.

Links: Feuer in Borgo. Raffael. 1514. Fresko. Vatikan.

Rechts: Parnass. Raffael. 1509-1510. Fresko. Vatikan.

Wenn wir die Geschichte nicht kennen würden, wenn wir noch nie vom Papsttum und der klassischen Antike gehört hätten, von Parnassos und dem Apostel Petrus, würden uns diese Fresken genauso schockieren. Denn ihr Inhalt ist die Größe eines Menschen, seine geistige und körperliche Schönheit, der Flug seiner Gedanken, das ist Weisheit und Adel, die sich in wunderbaren Bildern, in der Anordnung von Figuren, in Stärke, Bedeutung, den Gesetzen eines jeden offenbaren Geste, jede Kopfbewegung, in brillanten Vergleichen, in einer Komposition, die sich mal zu den grandiosesten Errungenschaften der Architektur erhebt, mal sich fließend wie ein grandioses Panorama entfaltet, in einer Art absoluter Leichtigkeit.

Dies ist die Vollendung dessen, was Leonardo da Vinci der Welt erstmals in „Das letzte Abendmahl“ geschenkt hat. Was für Leonardo eine Entdeckung war, ist Raffael doch ein Naturwesen. Und damit vervielfacht er gewissermaßen die Möglichkeiten der Kunst, die Leonardo mit seinem Mailänder Fresko zur Verfügung gestellt hat.

Trotz der Tatsache, dass er sich weder mit solchen Dimensionen des Bildes noch mit einer solchen Technik zuvor auseinandersetzen musste, beweist Raffael seine Fähigkeit, eine Vielzahl von Figuren zu einer harmonischen, harmonischen Komposition zu kombinieren. In dieser Hinsicht kann sein erstes Fresko „Die Schule von Athen“ noch heute als Paradebeispiel dieser Gattung dienen. In einer Reihe späterer vatikanischer Fresken gelang es Raffael, eine noch größere Ausdruckskraft in der Bewegungsübertragung und eine breitere Palette von Lichteffekten zu erreichen.

Raphael Santi ist ein Genie der Hochrenaissance. Lesen Sie unseren Artikel über die Fresken von Raffaels Stanzas (Räume im päpstlichen Vatikanpalast) della Senyatura und Stanza d'Eliodoro, und die Fresken von "Disputation", "Parnassus", "The Expulsion of Eliodor from the Temple" in unserem Artikel.

Raffaels Stanzen im Vatikanischen Palastkomplex sind drei relativ kleine Räume im päpstlichen Vatikanischen Palast, die Raffael zusammen mit seinen Schülern in den Jahren 1508-1517 ausmalte. Diese Appartements gab es bereits unter Papst Nikolausv(1447-1455). Die Stanza della Senyatura (Signaturraum) ist die einzige der drei Strophen, deren Name authentisch geblieben ist, unabhängig von den Werken Raffaels. Die Wände dieses Raumes, der als erster dekoriert wurde, sind mit Fresken geschmückt: „Streit“, „Die Schule von Athen“, „Parnass“ und „Gerechtigkeit“.

"Streit" - das erste Fresko Raffaels in der Stanza della Senyatura. In diesem Fresko, das die Religion darstellt, zeigt Raffaels Art, dass er sich noch nicht vom Einfluss von Künstlern befreit hat, deren Arbeiten zu einem ähnlichen Thema er in Florenz und Rom gesehen hat.

Raffael Santi. Fresko "Streit"

Das Thema des Gemäldes ist der Triumph der höchsten Wahrheit der religiösen Offenbarung. Die Bedeutungsachse der komplexen, aber klaren Komposition dieses Freskos steht im Zentrum – dies ist die Dreieinigkeit: Gottvater, Christus und der Heilige Geist, dessen Symbol – eine Taube in einer Kugel – mit einer Hostie zum Altar herabsteigt (Eucharistik Brot, ein kleiner ungesäuerter Kuchen). Das Bild anderer Ereignisse entwickelt sich horizontal. Neben Christus, umgeben von Glanz und Herrlichkeit, sitzen die Heilige Jungfrau und Johannes der Täufer und auf einer halbkreisförmigen Wolke - die Vorfahren, Propheten, die Heiligen Petrus, Paulus und andere. Unten, symmetrisch an den Seiten des Altars mit den umstrittenen Heiligen Gaben, ist die irdische Kirche dargestellt. Wissenschaftler, Philosophen, Päpste der römisch-katholischen Kirche, deren Glaube die Geschichte geprägt hat, streiten sich. Raphael gab den vier Männern am Altar die Züge von Dante, Savonarola, Bramante und dem Künstler – dem Mönch Fra Beato Angelico. Aber trotz der Meinungsverschiedenheiten des Streits ist das Bild von majestätischer Ruhe erfüllt. Diese Harmonie und kompositorische Einheit wird durch die Konstruktion erreicht - ein Fresko ähnelt einer architektonischen Struktur und ist untrennbar mit dem Raum verbunden, in dem es sich befindet.

Raffael Santi. Fresko "Parnass"

Die Komposition „Poesie“ (sie erhielt später den Namen „Parnassus“) Raphael platzierte sie zwischen „Athenian School“ und „Dispute“ auf der Ostseite der Stanza della Senyatura. Die Handlung des Gemäldes wurde im Geiste der humanistischen Lehren seiner Zeit nach den Ideen von Petrarca, Boccaccio, Salutati entwickelt und personifizierte die IdeeBello- Schönheit schön.

Raphael löste leicht das Problem der visuellen Darstellung der Poesie, die in der Renaissance als „zweite Theologie“ und „göttliche Kunst“ galt. Der Künstler stellte einen Hügel mit einem Wäldchen dar, das Parnass symbolisiert, den berühmten griechischen Berg, der in der Antike als Residenz der Musen galt.

Im Zentrum der Komposition spielt Apollo, der Gott der Musik und Poesie, die Leier da braccio. Diese Leier ist ein offensichtlicher Anachronismus (Verstoß gegen die chronologische Plausibilität), denn die alte Musik kannte überhaupt keine Streichinstrumente. Raphael gab Apollo kein antikes Instrument, sondern eine moderne Leier da braccio an Apollo, um die Hauptidee des gesamten Strophenzyklus zu betonen - die Kontinuität der alten und modernen Kulturen zu Raffael.

Rund um Apollo sind neun Musen und Dichter aus der Antike und der Renaissance. Auf der linken Seite platzierte der Künstler eine mächtige Figur des inspiriert singenden blinden Homer in einem dunkelblauen Pallium (einem langen Wollmantel). Um die Figur Homers rechts mit dem Rücken zum Betrachter auszugleichen, hat der Künstler die Muse Urania in einem roten Gewand dargestellt. Rechts von Urania starrt ein junger dunkelhaariger Mann mit stark gedrehtem Oberkörper den Betrachter an. Dieser Look, der von einem starken Charakter spricht, gehört Michelangelo. Raphael war schockiert über das poetische Talent von Michelangelo und zählte ihn kühn zu den Dichtern, mit denen viele seiner Zeitgenossen übereinstimmten.

Raffael Santi. Fresko "Parnassos". Darstellung von Michelangelo

Die Schöpfung kann den Schöpfer überleben:

Der Schöpfer wird gehen, besiegt von der Natur,

Das Bild, das er aufgenommen hat,

Wird die Herzen für Jahrhunderte erwärmen.

Michelangelo Buonarroti

Genauer lässt sich der Zweck der Kunst nicht definieren.

Das vierte Fresko ist dem Thema Gerechtigkeit gewidmet und besteht aus drei Teilen. Über dem Fenster platzierte der Künstler drei weibliche Figuren, die Weisheit, Maß und Stärke symbolisieren. Links vom Fenster befindet sich ein Bild von Kaiser Justinian mit einem Zivilgesetzbuch und rechts ein Bild von Papst GregorIXmit Kirchenordnung. Sie symbolisieren die Geschichte des kirchlichen und weltlichen Rechts.

Das Freskenensemble Stanza della Senyatura Raphael ist die Verkörperung des humanistischen Traums der Renaissance von der geistigen und körperlichen Vollkommenheit des Menschen, seiner hohen Berufung und seinen schöpferischen Möglichkeiten.

Raffael Santi. Strophe d’Eliodoro

Die dominierende Idee aller Gemälde und Fresken Raffaels aus der Römerzeit ist die Macht der Kirche. Raffaels Wahlspruch – Alle Mächte der Erde sind der Kirche untergeordnet – kommt besonders in den Fresken der Stanza d'Eliodoro zum Ausdruck. Diese Strophe war der zweite der Räume in den vatikanischen Gemächern des Papstes, die Raffael in den Jahren 1511-1514 ausschmückte. Im Auftrag von Papst JuliusII Diese Strophe war Privataudienzen vorbehalten, die der Papst oft bedeutenden politischen und religiösen Persönlichkeiten und Diplomaten gewährte. Die künstlerische Gestaltung der Strophe sollte die Bedeutung dieses Ortes betonen, der das Thema seiner Malerei bestimmte.

Die Themen für die Fresken dieser Strophe waren Legenden und Episoden aus der Geschichte der Kirche, als sie sich angeblich dank göttlicher Intervention der ihr drohenden Gefahr entledigte. Als Katholik und offizieller Maler des päpstlichen Throns schilderte Raffael in vier Fresken dieser Strophe die Größe der Kirche, ihre alles erobernde Macht und den mächtigen Zorn Gottes gegen ihre Feinde und den Papst.

Raffael Santi. Fresko „Die Vertreibung Eliodors aus dem Tempel“

In dem Fresko, das dieser Station den Namen gab, stellte Raffael die Vertreibung des syrischen Führers Eliodor aus dem Tempel von Jerusalem dar (3. Kapitel, 2. Buch der Makkabäer). Eliodor kam zum Tempel Jehovas, um ihn zu plündern und das Gold zu stehlen, das für Witwen und Waisen bestimmt war. Aber der Räuber wurde von Gottes Strafe in Form eines Engels überholt - einem wunderschönen Reiter in goldener Rüstung. Eine Menschenmenge, Frauen und Kinder auf der linken Seite des Freskos, blickt mit Furcht und Staunen auf das Wunder. Etwas überraschend ist das Erscheinen des ruhigen Julius in dieser dynamischen MengeII, die von Drabants (mittelalterlichen deutschen Kriegern) in den Tempel gebracht wird, von denen einer mit den Gesichtszügen des großen deutschen Künstlers Albrecht Dürer ausgestattet ist. In dieser Folge sündigte Rafael gegen die Wahrheit, aber diese falsche Berührung war ganz natürlichXVIJahrhundert. Das Fresko wurde gemalt, um Papst Julius zu verherrlichenIIDaher sind die Hauptthemen des Gemäldes mit historischen oder legendären Ereignissen aus dem Leben von Julius verbundenII: Sieg über die Franzosen, die der Papst aus dem Kirchenstaat vertrieb, und seine wundersame Befreiung aus der Gefangenschaft in Bologna im Jahr 1509. Die Fresken dieser Strophe sind auch deshalb interessant, weil sie die wahre Position selbst eines Genies wie Raffael am Hof ​​des Papstes, die Abhängigkeit des Künstlers von den Trends seiner Zeit und die Unfähigkeit, seine Vision eines historischen Ereignisses darzustellen, zeigen. Raphael begann 1512 mit der Arbeit an dieser Strophe und vollendete das Gemälde zwei Jahre später, und Papst Julius konnte Eliodors Vertreibung vor seinem Tod im Februar 1513 sehen, als die Arbeit an der Strophe in vollem Gange war.

(Residenza Papale) ist berühmt für ihre reich verzierten Säle, die die großen Schätze eines kleinen Staates beherbergen.

Die vielleicht berühmtesten sind diejenigen, in denen sich echte Meisterwerke befinden – die Sixtinische Kapelle mit Fresken von Michelangelo selbst und Raffaels Stanzen, die als Standard der bildenden Kunst der Renaissance bezeichnet werden. Der Vatikan kämpfte in dieser Zeit sowohl um geistliche als auch um weltliche Macht, und alle Werke der Renaissance sollten die Autorität der katholischen Kirche und ihres Oberhauptes stärken.

Der von Touristen am meisten besuchte Ort sind die vier Zimmer, die vom großen Meister gemalt wurden. Stanze di Raffaello, die sich hintereinander im alten Teil des Palastes befinden, erfreuen Touristen mit harmonischer Schönheit und tiefer Bedeutung.

Residenz für den neuen Papst

Als Papst Julius II. den Thron bestieg, wollte er nicht in den Gemächern des bisherigen obersten Herrschers wohnen, sondern wählte ein gemütliches Zimmer im alten Palast. Der Leiter des Vatikans träumte davon, seine Residenz in ein echtes Kunstwerk zu verwandeln, und lud 1503 die besten italienischen Künstler ein, die Innenräume seines Büros mit Fresken zu versehen.

Zwar gefielen die Werke Julius II. nicht, und er befahl verärgert, die Schöpfungen der Meister wegzuspülen. Fünf Jahre später zeigte der Projektleiter, der Architekt Bramante, dem Papa die Skizzen des jungen Malers Raphael, was ihn vollkommen entzückte. Der Papst holte einen 25-jährigen Künstler aus Florenz, der sich als vielversprechend erwies, und beauftragte ihn mit der Bemalung künftiger Wohnräume im Palast, die später als Raffaels Strophen weltweit bekannt wurden.

Der Papst wollte Bilder sehen, die die Kirche verherrlichen, einschließlich der Lobpreisung der Aktivitäten von Julius II. Selbst. Es muss zugegeben werden, dass der Maler die ihm anvertraute Mission brillant bewältigt und unsterbliche Meisterwerke geschaffen hat, die zu wahren Schätzen der Weltkunst geworden sind.

Stanza della Senyatura von Raffael

Die majestätischen Fresken brachten dem jungen Talent Anerkennung und Ruhm sowie den Titel des Begründers einer neuen Kunstrichtung - "römischer Klassizismus". Raffael, der vom Papst das Recht erhielt, Wohnungen zu malen, begann mit einem Raum namens Stanza della Segnatura (Signatursaal), und die Arbeiten dauerten bis 1511. Es wird angenommen, dass sich in diesem Saal, dessen Name nicht mit dem Werk des Meisters in Verbindung gebracht wird, ein Empfangszimmer oder eine Bibliothek eines Papstes befand, und hier wollte Julius II. eine Versöhnung zwischen Antike und Christentum sehen.

Hauptfresko „Schule von Athen“

Raphaels Stationen sind der spirituellen Verbesserung der Menschen und der göttlichen Gerechtigkeit gewidmet. Der Meister schuf vier Fresken, von denen laut Kunsthistorikern die Schule von Athen als die beste gilt. Zwei antike Philosophen, Plato und Aristoteles, sind die zentralen Figuren, die die Welt der Ideen symbolisieren, die in höheren Sphären leben und eng mit irdischen Erfahrungen verbunden sind.

Sie streiten darüber, woher die Wahrheit kommt und wie man sie erreichen kann. Platon steht mit erhobener Hand für die Philosophie des Idealismus, und Aristoteles, der auf den Boden zeigt, erklärt die Vorzüge der empirischen Erkenntnismethode. Die Freskenfiguren sind den Helden des Mittelalters sehr ähnlich, was die enge Beziehung zwischen antiken Philosophen und der damaligen Theologie unterstreicht.

Drei Werke voller Symbolik

Das Wandbild „Dispute“ ist eine Geschichte über die himmlische Kirche und die irdische, und die Handlung der Komposition spielt sich auf zwei Ebenen ab. Gottvater und sein Sohn Jesus, die Jungfrau Maria und Johannes der Täufer sowie die den Heiligen Geist symbolisierende Taube, Seite an Seite mit einem ganzen Heer von Priestern und Laien, unter denen man den italienischen Denker Dante Alighieri erkennen kann. Raphael stellte die Gespräche dar, die die Charaktere über das Sakrament des Sakraments führen. Und sein Symbol - die Hostie (Brot) - steht im Zentrum der Komposition. Aufgrund seiner Schönheit gilt dieses Gemälde als eines der vollkommensten Werke der Malerei.

Das Fresko „Parnassus“ zeigt den wunderschönen Apollo, umgeben von bezaubernden Musen und großen Dichtern jener Zeit. Dies ist die Verkörperung eines idealen Königreichs, in dem die Kunst im Vordergrund steht.

Das letzte Fresko erzählt von Gerechtigkeit und zeigt in allegorischer Form Weisheit, Stärke und Mäßigkeit sowie ein Porträt von Papst Julius II. Selbst, der bei der Gründung des Kirchen- und Zivilrechts anwesend war.

Strophe d’Eliodoro

Nachdem der Künstler den ersten Raum fertig gestrichen hat, geht er zum zweiten über, der dem Thema des göttlichen Schutzes gewidmet ist. Die Arbeit an der Stanza di Eliodoro fiel mit einer Zeit politischer Instabilität zusammen. Und dann beschließt er, einen ganzen Freskenzyklus zu schaffen, der Christen inspirieren und vom Schutz des Herrn durch den Glauben erzählen soll, inspiriert von Rafael Santi.

Der Papst mochte die Strophen mit Handlungen zum Thema historische Ereignisse und Wunder so sehr, dass er den Raum nach dem Namen einer der Fresken umbenannte - „Die Vertreibung von Eliodor aus dem Tempel“, die einen himmlischen Reiter darstellt, der den syrischen König bestraft der versucht, Gold zu stehlen. Auf der linken Seite ist Julius II dargestellt, wie er zum Verbrecher getragen wird.

„Messe in Bolsena“ erzählt von einem Wunder, das die Gemeindemitglieder schockierte. Ein ungläubiger Priester, der den für den Abendmahlsritus verwendeten Kuchen in die Hand nahm, stellte fest, dass es das blutende Fleisch Christi war. Das Fresko zeigt auch den Papst, der während des Gottesdienstes vor dem Zeichen Gottes kniet.

Die wundersame Befreiung des Jüngers Jesus aus der Gefangenschaft mit Hilfe eines Engels ist in der Komposition „Heiligen Petrus aus dem Gefängnis bringen“ festgehalten. Dies ist eine sehr interessante Arbeit in Bezug auf komplexe Winkel sowie das Spiel von Licht und Schatten.

Und das vierte Fresko ist dem Treffen von Papst Leo I. mit dem Anführer der Hunnen, Attila, gewidmet.

Strophe Incendio di Borgo

Dies ist der letzte Raum, an dem Rafael Santi persönlich gearbeitet hat. Die Strophen im Vatikan wurden über mehrere Jahre hinweg gemalt (1513 - 1515), und die Themen der Fresken beziehen sich auf reale Ereignisse in der Geschichte des Heiligen Stuhls. Nach dem Tod von Julius II. wurde Papst Leo X. gekrönt. Dem Papst gefielen die früheren Werke des Malers so gut, dass er den Speisesaal, der später als Stanza dell „Incendio di Borgo“ bekannt wurde, ausmalen ließ.

Das bedeutendste Fresko ist das „Feuer in Borgo“. Das Gebiet des gleichnamigen Bezirks wurde vollständig in Brand gesteckt, und Papst Leo IV., Der die Elemente mit dem Kreuzzeichen stoppte, rettete die gläubige Bevölkerung der italienischen Stadt.

Raffaels Stationen: Constantine's Hall

Es muss gesagt werden, dass Raffael, der mit anderen Projekten beschäftigt war, einen Teil der Arbeit in der dritten Halle seinen Schülern anvertraute, die nach dem Tod des brillanten Schöpfers im Alter von 37 Jahren die vierte Wohnung – Stanza di Constantino – ausmalten.

1517 erhielt der Meister den Auftrag, den letzten Raum zu schmücken, der für üppige Bankette genutzt wurde, aber der Künstler hatte nur Zeit, Skizzen anzufertigen, und die Fresken zum Thema Kaiser Konstantins Sieg über das Heidentum wurden von den talentierten Anhängern des Meisters angefertigt. Vier Kompositionen erzählen von der Macht, die der Herrscher, der das Christentum zur Staatsreligion machte, über das gesamte Römische Reich erhielt. Trotz der Tatsache, dass die Strophe von Konstantin von Raffaels Schülern nach seinen Zeichnungen und nicht von ihm selbst aufgeführt wurde, gehört der Saal immer noch zu den Werken des großen Meisters.

Meisterwerk der Weltkunst

Raphaels Strophen begeistern die Besucher mit talentierter Darbietung, Liebe zum Detail und Realismus. Dies ist ein einzigartiges Kunstwerk, dessen Handlungen äußerst wichtige Themen berühren - menschliche Aktivität, seine spirituelle Perfektion und Selbsterkenntnis.

Um die Werke Raffaels kennenzulernen, müssen Sie den Museumskomplex besuchen, dessen Eintritt mit einem Einzelticket im Wert von 16 Euro möglich ist.

Raffaels Erfolge in Florenz waren so bedeutend, dass sie seinen Namen weithin bekannt machten. 1508 wurde er dank der Schirmherrschaft seines Landsmanns, des großen Architekten Bramante, an den päpstlichen Hof eingeladen und ging nach Rom.

Der päpstliche Thron wurde damals von Julius II. besetzt, der seinen charakteristischen Umfang in die Kunstpolitik Roms einbrachte. Unter ihm wurden die besten Handwerker nach Rom berufen und die Stadt begann sich mit Baudenkmälern, Gemälden und Skulpturen zu schmücken. Bramante begann mit dem Bau von St. Peter; Michelangelo, der zuvor mit der Gestaltung des Grabes von Julius II. beschäftigt war, begann mit der Bemalung der Decke der Sixtinischen Kapelle. Dichter und Gelehrte-Humanisten gruppierten sich um den päpstlichen Hof. In dieser Atmosphäre des kreativen Schaffens, im Austausch mit herausragenden Vertretern der Kultur, trat Raffaels Werk in eine Phase des höchsten Aufstiegs ein.

Laut Vasari bat Bramante, der Chefarchitekt unter Papst Julius II., den Papst, die Bemalung der neu erbauten Hallen seinem entfernten Verwandten und Landsmann anzuvertrauen. So erhielt der Künstler den Auftrag, die vorderen Gemächer des Papstes, die sogenannte Strophe (Strophenzimmer), zu malen, die drei Räume im zweiten Stock des Vatikanpalastes und einen angrenzenden Saal umfassen. Die Bemalung der Strophen sollte dem Ergebnis eines streng durchdachten Programms gewidmet sein Verherrlichung der Kirche.

Der Papst war von den Fähigkeiten des jungen Raphael so begeistert, dass er beschloss, den bereits so berühmten Künstlern wie Luca Signorelli, Pinturicchio, Perugino und Sodoma anvertrauten Auftrag zu annullieren. Raphael begann mit der Arbeit an Fresken, als er erst 25 Jahre alt war. Die Strophen wurden von Raphael zusammen mit seinen Schülern gemalt. innerhalb von 12 Jahren 1509-1517 (der Saal wurde nach dem Tod des Meisters bemalt). Die besten dieser Fresken gehören zu den größten Schöpfungen der Renaissancekunst. Die Wandmalereien verblüffen durch die Tiefe der Konzeption, den figurativen Reichtum, die kompositorische Klarheit und Ordnung sowie die allgemeine Harmonie. Die Wahl der Themen für sie ist zweifellos vom Papst vorgegeben.

Stanza della Segnatura

Der erste Raum, in dem Raffael im Vatikan mit seinen Gemälden begann, war das sogenannte Signaturzimmer - Strophe della Senyatura(Stanza della Segnatura), wo päpstliche Dekrete und Dekrete besiegelt wurden. Diese Strophe war das päpstliche Amt. Es wurde 1508-1511 von Raffael gemalt. Das Thema der Gemälde ist die geistige Aktivität des Menschen.

Inneres der Strophe della Senyatura

Das Thema der Bilder ist die spirituelle Aktivität des Menschen: Theologie, Philosophie, Poesie und Jurisprudenz. Beim Vergleich und der Interpretation dieser Verschwörungen zeigte sich der Wunsch des Papsttums, die Einheit verschiedener Bereiche menschlicher spiritueller Aktivität zu demonstrieren. Dies war besonders wichtig in einer Zeit, in der das Aufblühen einer lebensbejahenden säkularen Kultur dazu führte, dass die Theologie in den Hintergrund gedrängt wurde und die Autorität der Kirche erheblich zurückging.

Stanza della Senyatura war der Saal, in dem alle Gemälde konzipiert und detailliert in Karton ausgearbeitet und von Raffael selbst an der Wand ausgeführt wurden.

Die Handlung der ersten Fresken von Raphael, die gewöhnlich " Disput“, - der Streit der Kirchenväter um das Sakrament des Sakraments. Die Handlung spielt sich auf zwei Ebenen ab – auf der Erde und im Himmel.

Theologen, möglicherweise unter Beteiligung von Papst Julius II. selbst, bestimmten die Personen, die unbedingt in der himmlischen und irdischen Hierarchie abgebildet werden müssen.

Unten, in einer deutlich markierten Mitte, steht ein schlicht geformter Altar mit einem Tabernakel. Es speichert Host (Wafer)- ein flacher Kuchen aus ungesäuertem Teig, der von Katholiken gegessen wird, die die Kommunion empfangen (nur Priester nehmen an Wein und Hostie teil). Auf beiden Seiten des Altars auf einer gestuften Erhebung ließen sich die Kirchenväter, Päpste, Prälaten, Geistlichen, Ältesten und Jünglinge nieder. Ihre Figuren sind in lebendigen, plastisch vollendeten Wendungen und Bewegungen gegeben; ihre ausdrucksstarken silhouetten fallen sofort ins auge. Unter anderen Teilnehmern finden Sie hier Savonarola, ein frommer Mönch-Maler Beato Fra Angelico, Architekt Bramante, Dante. . . Dante zweimal in diesem Raum dargestellt: als Dichter, der den Parnass unter anderen Genies der poetischen Kunst aufsteigt, und als herausragender Theologe in einer erlesenen Gesellschaft in diesem Fresko.

Über der ganzen Figurenmasse im unteren Teil des Freskos erscheint wie eine himmlische Vision die Personifikation der Dreifaltigkeit: Gott der Vater, unter ihm in einem goldenen Strahlenkranz Christus mit der Gottesmutter und Johannes dem Täufer, noch niedriger, als ob sie das geometrische Zentrum des Freskos markieren würde, befindet sich eine Taube in einer Kugel, Symbol des Heiligen Geistes. Zu beiden Seiten sitzen auf schwebenden Wolken 12 Figuren, darunter vier Evangelisten mit Büchern in der Hand, die Apostel Petrus und Paulus. Und all diese riesige Anzahl von Figuren mit einem so komplexen kompositorischen Design ist mit einer solchen Kunst verteilt, dass das Fresko einen Eindruck von erstaunlicher Klarheit und Schönheit hinterlässt. Die Erscheinung der Figuren auf dem Fresko ist so majestätisch, ihre Haltungen und Gesten sind so inspiriert, dass die Debatte vor uns nicht so sehr als Streit um die Gastgeber erscheint, sondern als majestätischer Triumph der Wahrheit und des Glaubens.

Disput

im Himmel

Engel

Heiliger Geist in Form einer Taube und Engel mit den Evangelien

Engel

St. Peter, Ahnherr Adam, Evangelist Johannes, König David, St. Laurentius, Prophet Jeremia

Gottvater, Jungfrau Maria, Jesus Christus, Johannes der Täufer

Judas Maccabeus, Saint Stephen, Moses, Evangelist(?), Ahnherr Abraham, Apostel Paulus

Auf der Erde

Links

Rechte Seite

Beato Fra Angelico, Mönchsmaler

Ambrosius von Mailand, seliger Augustinus

Thomas von Aquin, Papst Innozenz III

Bonaventura, Papst Sixtus IV

Architekt Bramante

Gregor der Große, der heilige Hieronymus mit einem Löwen

Savonarola (hinter dem Mann)

Dante Alighieri

Das beste aller Fresken in den Strophen wird einstimmig als „ Athener Schule"- eine der größten Schöpfungen der Renaissance-Kunst im Allgemeinen und Raffaels im Besonderen. Das Fresko verherrlicht die Kraft des Geistes und umfasst die ganze Welt. Vertreter verschiedener Lehren, die nur formal durch einen einzigen architektonischen Raum vereint sind, gehören größtenteils keiner bestimmten athenischen Schule an, daher ist der Name des grandiosen Freskos bedingt. Es besteht kein Zweifel, dass Raphael mit den Werken großer Philosophen vertraut war und das Wesen der philosophischen Erkenntnismethode verstand, die die Manifestation persönlicher Bestrebungen und Prinzipien des Lebens des Denkers beinhaltet.

Diese Komposition ist einer der eindrucksvollsten Beweise für den Triumph humanistischer Ideen in der Kunst der Renaissance und ihre tiefe Verbundenheit mit der antiken Kultur. In einer grandiosen Enfilade majestätischer Bogenspannen präsentierte Raphael eine Sammlung antiker Denker und Wissenschaftler. Hier sind nicht nur die Athener (die Philosophen Parmenides und sein Schüler Zeno waren keine Bürger Athens) und nicht nur Zeitgenossen, sondern auch Denker, die in anderen Zeiten und in anderen Ländern lebten (der persische Philosoph und Mystiker Zoroaster, der mehrere Jahrhunderte zuvor lebte Platon oder muslimischer Übersetzer und Kommentator von Aristoteles Averroes, der viele Jahrhunderte später lebte). So repräsentiert die „Schule von Athen“ eine ideale Denkergemeinschaft der Klassik, eine Gemeinschaft von Lehrern und Schülern. Indem Raffael diese prominenten Menschen der Vergangenheit darstellt, gibt er ihnen jedoch die Merkmale seiner herausragenden Zeitgenossen.

In der Mitte sind die Figuren dargestellt, die sich an den mächtigen Bogenpfeilern gruppieren, in deren Nischen die Statuen von Apollo und Minerva stehen Plato Und Aristoteles. Sie erwiesen sich nicht nur aufgrund ihrer zentralen Stellung in der Komposition, sondern auch aufgrund der Bedeutung der Bilder als geistiges Zentrum dieser Sammlung. In ihre Haltung, in ihren Gang strömt eine wahrhaft königliche Erhabenheit, so wie wir auf ihren Gesichtern das Siegel eines großen Gedankens spüren. Dies sind die idealsten Bilder des Freskos; Kein Wunder, dass der Prototyp von Platon Leonardo da Vinci war.

Athener Schule

Der Künstler stellte sich einer Aufgabe von unglaublicher Komplexität. Und seine Genialität manifestierte sich in der Herangehensweise an seine Lösung. Er teilte die Philosophen in mehrere getrennte Gruppen ein. Die rechte Gruppe unten im Bild untersucht zwei Globen: die Erde in den Händen des Geographen Ptolemäus(in der Krone) und himmlisch - bei Zoroaster(Astronom und mystischer Philosoph) mit dem Gesicht des Humanisten Pietro Bembo. Zwei junge Männer unterhalten sich mit Wissenschaftlern (einer hat die Gesichtszüge von Raffael selbst (schaut direkt ins Publikum), der andere ist sein Freund, der Maler Sodomie die vor Raffael in dieser Station zu arbeiten begannen).

In der Nähe lösen andere leidenschaftlich ein geometrisches Problem: umgeben von Studenten, schönen jungen Männern, Euklid(oder Archimedes). Tief gebeugt zeichnet er mit einem Zirkel auf eine am Boden liegende Tafel. Euklid stellt einen Architekten dar Bramante mit seiner mächtigen, vergrößerten kahlen Stirn.

Euklid (Bramante)

Zoroaster und Ptolemäus

Rafael und Sodomos Freund

Peripatetik

Fast in der Mitte des Freskos taucht man tief in Gedanken versunken in die Kleidung eines Maurers ein Heraklit Ephesus ist ein Philosoph, der die Rücksichtslosigkeit des Menschen beklagt. In der Tat diese Person Michelangelo. Schockiert von dem mächtigen Talent seines älteren Bruders im Geschäft, lobte Rafael ihn so. Wie ein Bettler auf den Stufen der Treppe, die die Stufen der Wahrheitsfindung symbolisieren, der Begründer der Schule der Zyniker, der Einsamen Diogenes, entfernt von weltlichem Trubel und Diskussionen. Jemand, der vorbeigeht, zeigt auf ihn, als frage er einen Gefährten: Ist das nicht das Los eines wahren Philosophen? Aber er lenkt seine Aufmerksamkeit (und unsere) auf zwei Figuren, die im Zentrum der Komposition stehen. Dies ist der majestätische Greis Platon, weiß mit grauem Haar, mit Porträtzügen von Leonardo da Vinci und dem jung inspirierten Aristoteles. Sie führen einen Dialog – eine ruhige Auseinandersetzung, in der die Wahrheit von den Fesseln von Dogmen und Vorurteilen befreit wird.

Plato (mit dem Buch „Timäus“) repräsentiert die abstrakte Philosophie, und Aristoteles (mit dem Buch „Ethik“) repräsentiert die Naturphilosophie, als ob er durch die Welt um ihn herum gestikulieren würde. Plato zeigt zum Himmel, wo Harmonie, Erhabenheit und höhere Intelligenz herrschen. Aristoteles streckt seine Hand nach der Erde aus, der Welt um die Menschen herum. In diesem Streit kann es keinen Sieger geben, denn sowohl der grenzenlose Kosmos als auch die heimische Erde sind für einen Menschen gleichermaßen notwendig, dessen Wissen für immer andauert.

Die Einheit der Philosophien liegt in der Vielfalt der einzelnen Schulen und persönlichen Meinungen. So entsteht die große Symphonie des menschlichen Wissens. Dies wird nicht durch die Uneinigkeit der Denker in Raum und Zeit behindert. Im Gegenteil, Wissen eint alle, die es aufrichtig anstreben... Und es ist natürlich kein Zufall, dass Menschen jeden Alters, einschließlich Babys, auf dem Bild präsent sind und ihre Gesichter nicht nur konzentriert und nachdenklich, sondern auch ein strahlendes Lächeln.

Heraklit (Michelangelo)

Diogenes

Platon und Aristoteles

Links von Plato Sokrates, den Zuhörern den Verlauf seiner Argumentation durch die Zuhörer erklärend, unter denen der Kommandant hervorsticht Alcibiades in Rüstung und Helm und jung Alexander der Große dessen Lehrer Aristoteles war.

Die Figur eines jungen Mannes ist in der äußersten linken Ecke des Freskos bemerkenswert. Er betritt schnell diese Gruppe von Weisen und hält eine Schriftrolle und ein Buch in seiner Hand; flatternde Falten seines Umhangs und Locken auf seinem Kopf. Der daneben Stehende weist ihm den Weg, und jemand aus dem Umkreis des Sokrates begrüßt ihn. Vielleicht wird so eine neue mutige Idee personifiziert, die neue Streitigkeiten hervorruft, neue Suchen anregt ...

Im Vordergrund links kniend mit einem Buch in den Händen der Ehrwürdige Pythagoras, umringt von Studenten, erklärt verzauberten Zuhörern ein weiteres Theorem. Junger Mann mit langen Haaren Anaxagoras, Philosoph, Mathematiker und Astronom; Er hält eine Schiefertafel. Pythagoras verkörpert Arithmetik und Musik. Hinter ihm sitzt ein Philosoph Anaximander, Schüler des Thales. Links von dieser Gruppe wird angezeigt Epikur mit Weinblättern auf dem Kopf, hinter ihm sieht man den Kopf eines Kleinen Federico Gonzaga. steht in der Nähe Hypatie, Mathematikerin, Philosophin und Astronomin, und Philosophin Parmenides.

Das Auftreten einiger anderer Philosophen und Wissenschaftler ist mehr mit Merkmalen des Lebens ausgestattet. So großartig in seiner lakonischen Ausdruckskraft ist das Bild eines Stoikers, eines Philosophen Damm, oben auf der rechten Seite des Freskos platziert: Bereits in einer Silhouette seiner in einen Umhang gehüllten Gestalt, die durch Zwischenräume von anderen Figuren getrennt ist, wird das Gefühl seiner spirituellen Einsamkeit vermittelt.

Obwohl das Fresko über 50 Figuren enthält, erweckt Raffaels Sinn für Proportionen und Rhythmus einen Eindruck von überraschender Leichtigkeit und Weite.

Sokrates mit Schülern

Pythagoras mit Schülern

Hypatia und Parmenides

Plotin

Das dritte Fresko der Stanza della Senyatura, " Parnass“, - die Personifizierung der Idee von Bello - Beauty, the Beautiful. Das Fresko - eine Allegorie des Reiches der Poesie - zeigt den Patron der Künste, der die Geige (Violine) des Gottes Apollo spielt, zu seinen Füßen fließt die Castal-Taste, die den Dichtern Inspiration gibt. Apollo sitzt umgeben von Musen und Dichtern aus der Antike und der Renaissance. Homer, Pindar, Sappho, Anacreon, Virgil, Ovid, Horace leben in der hellen Welt der Inspiration und Schönheit, im Kreis der Musen; hier sind die großen Italiener Dante, Petrarca, Boccaccio...

"Parnassus" befindet sich wie einige andere Fresken über dem Fenster; Eingeklemmt in die für das Bild vorgesehene Ebene bereitete es zusätzliche kompositorische Schwierigkeiten. Rafael bewies Einfallsreichtum, indem er die Spitze des Berges über dem Fenster platzierte und an seinen Seiten sanfte Hänge hinabführte.

Parnass

Die Figuren auf dem Fresko sind nach bestimmten Stilrichtungen in der Literatur gruppiert - antik und modern bis hin zu Raffael.

Auf einem Fresko altgriechische Dichter Sappho(Porträt einer römischen Kurtisane?) und Alcay(vom Publikum abgewandt), als ob sie diesen „Bogen“ beginnen würden, entlang dem sich das Auge bewegt. Es war kein Zufall, dass Raffael diese beiden Figuren nahe beieinander platzierte. Sie sind Zeitgenossen, ihre Schicksale ähneln sich in vielerlei Hinsicht: Er und sie stammten aus Adelsfamilien, lebten in Mytilene auf der Insel Lesbos, erlebten die Strapazen des Exils, wurden berühmt für Gedichte, die die Liebe verherrlichten. Alcaeus hört Corinne, Petrarca und Anacreon aufmerksam zu.

Corinna Eine antike griechische Dichterin aus Tanagra. Die Werke basieren auf Legenden über das einheimische Böotien. Ihre Werke sind uns nur in Fragmenten überliefert.

Petrarca- Italienischer Dichter (1304-1374), galt als einer der größten Wissenschaftler seiner Zeit. Er schrieb Sonette, Balladen, Madrigale über das Leben und den Tod von Laura. 1341 (zu Ostern) wurde er in Rom auf dem Kapitol mit einem Lorbeerkranz gekrönt. Petrarcas Blick ist auf seinen antiken Vorgänger Alcaeus gerichtet, was seine interessierte Teilnahme an dem Gespräch verrät.

Anakreon- Altgriechischer Lyriker, „Sänger der Liebe“. Die Motive seiner Poesie sind der Genuss der sinnlichen Freuden des Lebens.Nachahmung von Anacreon führte zuAnakreontische PoesieSpätantike, Renaissance und Aufklärung. In Russland finden sich Beispiele anakreontischer Poesie in Derzhavin, Batyushkov, Puschkin ...

Höher dargestellt Dante Alighieri- der größte Dichter Italiens. Er ist vor allem als Autor des epischen Epos „Die Göttliche Komödie“ bekannt.

Zu seiner Rechten Homer, Autor der Ilias und der Odyssee. Legenden beschreiben Homer als blinden Wandersänger. Die Tradition schreibt vor, dass Homer mit einem begleitenden Führer dargestellt wird, der seine Worte mit einem Griffel auf eine gewachste Tafel schreibt.

Hinter Homer "tauscht" Dante mit Virgil "Blicke" aus. Publius Virgil Maro- Römischer Dichter Sein Heldenepos „Aeneis“ über die Wanderungen des Trojanischen Äneas ist der Höhepunkt der klassischen römischen Dichtung; verherrlicht die historische Mission Roms. Die Verbindung der Figuren von Dante und Virgil ist berechtigt: In Dantes Reise durch Hölle und Fegefeuer ("Die Göttliche Komödie") war Dantes Begleiter Virgil.

Als nächstes kommen Apollo und die Musen. Rechts davon stehen Ariosto und Boccaccio als Vertreter der italienischen Literatur nebeneinander. Ariost- Autor von Sittenkomödien, seine Hauptschöpfung ist "Furious Roland". Giovanni Boccaccio- Autor von Gedichten zu Themen der antiken Mythologie. In dem Kurzgeschichtenband "Das Decameron" - das humanistische Ideal der Renaissanceliteratur.

Tibull Und Eigentum, römische Dichter, haben vieles gemeinsam (nebeneinander gestellt): Sie kamen aus dem Umfeld italienischer Bauern, im Zentrum der Werke beider steht das Bild der einzigen Geliebten – „Dame“. Sie wird unter einem bedingten griechischen Namen gesungen, der so gewählt wurde, dass stattdessen ein echter (reimender) Name eingefügt werden kann.

Blickt ins Publikum (was machen wir da) Tibaldi- Italienischer Schriftsteller Er lebte an den Höfen von Ferrari, Mantua und in Rom; hinterließ eine Beschreibung der Plünderung Roms, bei der er selbst alles verlor.

„In der Nase zupfen“ Sannazaro- Italienischer Dichter Sein Hirtenroman Arkadien war ein beliebtes Denkmal der italienischen Literatur.

Es stellte sich heraus, dass Horaz die äußerste Figur rechts im Fresko war und sein Platz genau der Position von Alkaios (der äußersten Figur links) entspricht; Beide werden im Profil angezeigt. Dies ist offenbar kein Zufall: Horaz ahmte Alcaeus in seiner Arbeit nach. Raphael betonte dies mit der Ähnlichkeit ihrer Kleidung.

Horaz- Römischer Dichter In den Büchern der Satiren, Oden, Botschaften - Diskussionen über die Zerbrechlichkeit des Lebens, die Unsterblichkeit der Poesie. Er besingt die bezahlbaren Freuden des Seins (Einsamkeit, Seelenfrieden, Freundschaft, Liebe) und bekennt sich zum Kult der Mäßigung – der „goldenen Mitte“. Das berühmte "Denkmal" von Horaz hat zu vielen Nachahmungen geführt: (Derzhavin, Puschkin) ...

Auf das Publikum zeigen Pindar- Altgriechischer Lyriker. Er schrieb Chorgesänge, Hymnen zu Ehren der Sieger bei Olympischen und anderen Sportspielen.

Alkaios, Corinne, Petrarca, Anakreon, Sappho („die zehnte Muse“)

Der junge Mann ist der Führer von Homer, Dante, Homer, Virgil

Melpomene, Calliope, Terpsichore, Loligimnia, Apollo, Clio, Erato, Thalia

Euterpe, Urania, Ariosto, Boccaccio, Tibull, Propertius, Tibaldi, Sannazaro, Horace, Pindar

Warum braucht Apollo einen Bogen? Dann, um die... Leier zu spielen. Wir können solch ein seltsames Bild nicht nur auf dem Parnassus-Fresko sehen, sondern auch auf anderen Werken von Renaissance-Künstlern.

Dossier. Apollo und Daphne

Provenzalisch. Orpheus

Henrik de Klerk. Midas-Bestrafung

Johann. Streit zwischen Apollo und Marsyas

Lorrain. Landschaft mit Apollo und Hermes

Diese Gemälde zeigen Apollo, wie er ein geigenähnliches Instrument spielt. Eigentlich ist das die Leier. So hieß es damals (XV-XVI Jahrhundert). Heute heißt dieses Tool, um Verwirrung zu vermeiden, " lira da braccio", was bedeutet " Schulterleier».

Dieses Instrument (war auf der gesamten Apenninenhalbinsel verbreitet und wurde einfach Leier genannt. Wahrscheinlich haben die damaligen Künstler es deshalb in die Hände von Apollo „gegeben“. Texte der alten Griechen?

Aber nein, Zithern und alte Leiern sind manchmal auf denselben Leinwänden zu finden. Die Künstler der Renaissance haben nicht vergessen, was die alte Leier ist, weil sie genau die alte Kultur „wiederbelebt“ haben. Und das moderne Instrument für Künstler symbolisierte vielleicht die Verbindung der Zeiten und die Kontinuität der Kulturen. Das ist eigentlich Wiedergeburt.

So auf diesem Fresko genau reproduziert Cithara in der Muse Erato rechts von Apollo. Wir sehen Leier zu Füßen von Sappho. Das Objekt in ihrer Hand, das einem Horn ähnelt, wird zum Stimmen verwendet. Raffael war einer der allerersten, der zuvor eine völlig unbekannte Art von Leier entworfen hatte - ein Instrument aus Schildpatt.

Die Leier wurde von Hermes aus dem Panzer einer Schildkröte hergestellt, und die Ständer wurden aus den Hörnern einer Antilope hergestellt. Hermes zog die Adern der Stiere von Apollo statt Fäden. Es gab sieben Saiten zu Ehren der sieben Töchter des Atlas. Nachdem die Leier fertig war, stimmte Apollo sie und überreichte sie Orpheus, dem Sohn der Muse Calliope. Orpheus zog zwei weitere Fäden, und es waren neun, zu Ehren der neun Musen.

Die Geige und die Leier da braccio sind eng miteinander verwandt: im Design (weniger in der Form), in der Spielweise (auf der Schulter) und im Aufbau der Saiten. Es gab mehrere Unterarten der italienischen Lira: lira da braccio(Sopran), lirone da braccio(Alt), lira da gamba(Bariton), lirone perfetto(Bass), unterschiedlich in der Anzahl der Saiten - von 5 bis 10.

In der Strophe della Senyatura, an der gegenüberliegenden Wand vom "Parnassus" sind abgebildet " Tugenden» (eine Gruppe von drei allegorischen Figuren): Gewalt hält einen Eichenzweig in ihren Händen - ein Symbol der Familie von Papst Julius II. Weisheit Und Mäßigung. Ihre Figuren sind voller Anmut.

Links überreicht Kaiser Justinian Trebonian seinen Kodex. Das Fresko wurde von Raffaels Schülern angefertigt. Rechts übergibt Gregor XI. (wunderschönes Porträt von Julius II.) Dekretale (päpstliche Dekrete) an einen Anwalt.

Tugenden: Stärke, Weisheit, Mäßigkeit

Auf dem Gewölbe über jedem Fresko befindet sich in einem runden Medaillon eine allegorische Figur, die jede dieser Aktivitäten symbolisiert: Theologie, Philosophie, Poesie Und Gerechtigkeit, die die vier spirituellen Kräfte verkörpern - Religion, Wissenschaft, Recht und Schönheit. In den Eckteilen des Gewölbes befinden sich kleine Kompositionen, die inhaltlich ebenfalls auf die entsprechenden Fresken inhaltlich bezogen sind: fallen"("Adam und Eva"), " Apollos Sieg über Marsyas», « Astronomie" Und " Urteil Salomos". Alle Arbeiten dekorativer Natur wurden meisterhaft geplant und ausgeführt.

So wie an den angrenzenden Wänden die christliche Dreieinigkeit und die Kirchenväter im Fresko der „Disputation“ Seite an Seite mit den heidnischen – den Göttern und Dichtern des „Parnassos“ stehen, so findet sich in den Kompositionen des Gewölbes der biblische „Fall“. korreliert mit dem "Sieg des Apollo über Marsyas". Die Tatsache, Bilder der christlichen Religion und der heidnischen Mythologie im Rahmen eines gemeinsamen künstlerischen Konzepts zu verbinden, dient als Beispiel für die wahre Einstellung der Menschen jener Zeit zu religiösen Dogmenfragen. Das offizielle Freskenprogramm der Stanza della Senyatura spiegelte die Ideen wider Versöhnung der christlichen Religion mit der antiken Kultur, gewöhnliche humanistische Wissenschaftler jener Zeit. Und die künstlerische Umsetzung dieses Programms in den Fresken von Rafael Santi wurde zum Beweis Einheit weltlicher und kirchlicher Prinzipien.