Henrik Ibsen. Ibsen Henrik: Biografie, Schaffen, Zitate Ibsen Drama literarisch spielen

Henrik Ibsen ist der erste Name, an den sich jeder Kulturmensch erinnern wird, wenn es um die Literatur Norwegens geht. Aber Ibsens Werk ist nicht mehr norwegisch, sondern Welterbe. Der Dramatiker, der sich für die Wiederbelebung der norwegischen Kultur einsetzte und Folklore mit Sorge behandelte, verließ sein Heimatland für 27 Jahre. Die Stücke, nach denen Ibsen weltweite Anerkennung fand, entstanden in Deutschland und Italien. Und Ibsens Figuren, vom Autor in den starren Rahmen der Handlung getrieben, waren immer lebendig.

Kindheit und Jugend

Am 20. März 1828 wurde in einer wohlhabenden Ibsen-Familie ein Junge geboren, dem seine Eltern den Namen Henryk gaben. 1836 ging die Familie Ibsen bankrott, sie musste ihr gesamtes Vermögen verpfänden, um ihre Gläubiger auszuzahlen.

Dieser gesellschaftliche Stellungswechsel traf den kleinen Henryk hart. Und zuvor nicht durch Geselligkeit ausgezeichnet, schloss sich der Junge vollständig in seiner eigenen kleinen Welt ein. Je heller sich das Talent manifestierte - schon im Gymnasium begann Ibsen, manchmal schrecklich fabelhafte Fantasien in Worte zu kleiden.

In Norwegen, obwohl es 400 Jahre lang eine dänische Kolonie war, konnten sogar die Armen studieren. Aber Henryk musste seinen Lebensunterhalt verdienen, anstatt zu studieren. Der 15-jährige Junge wurde 1843 von seinen Eltern in die Nachbarstadt Grimstad geschickt, wo er eine Apothekerlehre machte.

Die Arbeit in einer Apotheke störte die Kreativität nicht, im Gegenteil, die Seele forderte Selbstverwirklichung. Dank Gedichten, Epigrammen und Karikaturen der Stadtbewohner gewann Henryk 1847 unter der radikalen Jugend von Grimstad an Popularität.

Nach den revolutionären Ereignissen in Europa im Jahr 1848 griff Ibsen politische Texte auf und schrieb das erste Theaterstück Catiline, das nicht populär war.

Literatur

1850 ging der junge Mann nach Christiania (wie Oslo bis 1924 hieß), um an der Universität zu studieren, aber der Studienort wurde von fast politischen Aktivitäten eingenommen: Unterricht an der Sonntagsschule des Arbeitervereins, Protestkundgebungen, Zusammenarbeit mit Arbeiterzeitung und Studentenzeitung.

In drei Jahren wurden drei Theaterstücke geschrieben, und gleichzeitig fand eine Bekanntschaft mit Bjornstjerne Bjornson statt, einem Dramatiker, Theatermann und einer Persönlichkeit des öffentlichen Lebens. Ibsen verstand sich schnell mit ihm, da beide an die Notwendigkeit eines nationalen Selbstbewusstseins der Norweger glaubten.

1852 wandte sich das Glück dem jungen Dramatiker zu – Ibsen wurde nach Bergen eingeladen, an das erste norwegische Nationaltheater, wo er bis 1857 als künstlerischer Leiter fungierte. Frische Stücke von Ibsen erlangten sofort eine Bühnenverkörperung, und es gab auch die Möglichkeit, Theaterküche zu studieren, was definitiv die dramaturgischen Fähigkeiten wachsen ließ.

Von 1857 bis 1862 leitete Ibsen das Norwegische Theater in Christiania und bekämpfte das Christliche Theater, in dem Aufführungen auf Dänisch aufgeführt wurden und die Schauspieler ausschließlich Dänen waren. Und natürlich hörte er nicht auf, beim Schreiben von Theaterstücken auf der Grundlage der norwegischen Sagen zu schaffen. 1863, als Henrik Ibsen den Posten des Direktors bereits niedergelegt hatte, verschmolzen die beiden Theater zu einem, und die Aufführungen fanden nur noch auf Norwegisch statt.

Henrik Ibsen bei der Arbeit

Die stürmische Aktivität des Dramatikers basierte auf dem Wunsch, in Fülle zu leben und das richtige soziale Niveau zu haben, einschließlich öffentlicher Anerkennung. Hier ist zweifellos eine schwierige Kindheit betroffen. Anderthalb Jahre lang bemühte sich Ibsen um ein Schriftstellerstipendium beim Storting (norwegisches Parlament).

Schließlich bekamen Ibsen und seine Familie 1864 mit der Hilfe von Freunden, was er wollte, und verließen ihre Heimat und ließen sich in Italien nieder. Dort schuf er in zwei Jahren zwei Theaterstücke, „Brand“ und „Peer Gynt“, in die er seine ganze Seele, all die gesammelten Erfahrungen, sowohl das Leben als auch die Literatur, einbrachte.

Musik von Edvard Grieg zu Henrik Ibsens Peer Gynt

„Peer Gynt“ wurde von den Dänen und Norwegern negativ wahrgenommen. sprach von dem Stück als dem schlechtesten Werk, das er je gelesen habe. Solveig rettete die Situation. Und auch - der im Auftrag des Dramatikers die Musik zum Stück "Peer Gynt" geschrieben hat.

Ibsens weitere Arbeit fiel aus den Netzwerken norwegischer Sagen in den Mainstream des Realismus. Die Meisterwerke der Dramaturgie „Ein Puppenhaus“, „Geister“, „Wilde Ente“, „Der Baumeister Solnes“ und andere Stücke sprechen von gesellschaftlichen Problemen.

Das Drama "A Doll's House" basierte zum Beispiel auf wahren Begebenheiten. Das Hauptthema der Arbeit ist die „Frauenfrage“, aber nicht nur die Stellung der Frau in der Gesellschaft ist betroffen. Es geht auch um individuelle Freiheit im Allgemeinen. Und der Prototyp der Hauptfigur war Laura Keeler, eine mit Ibsen befreundete Schriftstellerin, die dem jungen 19-jährigen Mädchen tatsächlich riet, sich mit Literatur zu beschäftigen.

In der Bibliographie von Henrik Ibsen findet der Leser weder Romane noch Kurzgeschichten – nur Gedichte, Gedichte und Theaterstücke. Auch seine Tagebücher hat der Dramatiker nicht hinterlassen. Aber die Stücke wurden in den "Goldenen Fonds" des Weltdramas aufgenommen. Bücher mit Ibsens Werken werden in verschiedenen Sprachen veröffentlicht, und seine Aphorismen sind längst zu den Menschen gegangen.

Privatleben

Der junge Ibsen war Frauen gegenüber schüchtern. Henryk hatte jedoch das Glück, Suzanne Thoresen zu treffen. Die energische Tochter eines Priesters wurde 1858 die Frau des Dramatikers und brachte 1859 Ibsens einzigen Sohn Sigurd zur Welt.

Henrik Ibsen war nie in Skandale in Bezug auf sein Privatleben verwickelt. Kreative Naturen sind Menschen, die süchtig und verliebt sind, und Ibsen ist da keine Ausnahme. Trotzdem blieb Suzanne bis zu ihrem Tod seine einzige Frau.

Tod

1891 kehrte Ibsen, nachdem er in Europa berühmt geworden war, aus einem freiwilligen Exil zurück, das 27 Jahre gedauert hatte. Henryk lebte 15 Jahre in Christiania, nachdem er es geschafft hatte, die letzten vier Stücke zu schreiben. Am 23. Mai 1906 endete nach langer schwerer Krankheit die Biographie des norwegischen Dramatikers.

Eine interessante Tatsache wurde von Dr. Edward Bull erzählt. Vor Ibsens Tod versammelten sich Verwandte in seinem Zimmer, und die Krankenschwester bemerkte, dass der Patient heute besser aussieht. Der Dramatiker sagte:

"Im Gegenteil!" - und starb.

Zitate

„Die meisten Menschen sterben, ohne wirklich zu leben. Zum Glück merken sie es einfach nicht."

„Um wirklich zu sündigen, muss diese Angelegenheit ernst genommen werden.“

"Der Stärkste ist der, der alleine kämpft."

„... du liebst manche Menschen mehr als alles andere auf der Welt, aber irgendwie möchtest du am liebsten mit anderen zusammen sein.“

Literaturverzeichnis

• 1850 - Catilina
• 1850 - "Bogatyrsky Kurgan"
• 1852 - "Norma oder die Liebe des Politikers"
• 1853 - "Mittsommernacht"
• 1855 - "Fru Inger von Estrot"
• 1856 - "Fest in Sulhaug"
• 1856 - "Krieger in Helgeland"
• 1857 - Olaf Liljekrans
• 1862 - "Komödie der Liebe"
• 1863 - "Kampf um den Thron"
• 1866 - "Marke"
• 1867 - "Peer Gynt"
• 1869 - "Union der Jugend"
• 1873 - Dilogie "Cäsar und die Galiläer"
• 1877 - "Säulen der Gesellschaft"
• 1879 - "Ein Puppenhaus"
• 1881 - "Geister"
• 1882 - "Volksfeind"
• 1884 - "Wildente"
• 1886 - "Rosmerholm"
• 1888 - "Die Frau vom Meer"
• 1890 - "Hedda Gabler"
• 1892 - "Baumeister Solnes"
• 1894 - "Kleine Eyolfe"
• 1896 - "Jun Gabriel Borkman"
• 1899 - "Wenn wir tot wach sind"

Henrik Ibsen Fotografie

In den Augen seiner Zeitgenossen sah Ibsen aus wie ein echter Riese, der als erster die Falschheit erklärte, die die zeitgenössische öffentliche Moral durchdringt, der als erster ein „Leben nicht durch Lügen“ forderte, als erster die Worte aussprach: „Mensch, sei du selbst." Seine Stimme trug weit. Ibsen wurde nicht nur in seiner Heimat gehört, sondern auch in Frankreich, Deutschland, England, Amerika, sogar in Russland. Er galt als Grundsager, viel einflussreicher und vor allem viel kühner und origineller als etwa der deutsche Philosoph Friedrich Nietzsche. Tatsächlich besetzte Nietzsche in den Augen der Nachkommen die Nische, die die Zeitgenossen Ibsen zuwiesen – offenbar, weil philosophische Texte zeitlich besser erhalten sind als Theaterstücke, die mehr vom Kunstgeschmack der Zeit abhängig sind.

Nietzsches berühmte Worte „Alle Götter sind gestorben“ sind in den Augen des modernen Europäers die Wasserscheide, die eine klare Grenze zwischen der grauen Antike und der leicht erkennbaren Gegenwart zieht. Egal wie man zu diesen Worten und allem, was sie auslösten, empfindet – Verachtung für „Idole“ jeglicher Art, Überhöhung alles individuell Subjektiven, Vernachlässigung von „menschlich, zu menschlich“ zugunsten von „übermenschlich“, das lässt sich nicht leugnen ohne sie wären wir heute wesentlich andere. Der Öffentlichkeit wurde Nietzsche jedoch erst bekannt, als der dänische Kritiker Georg Brandes 1888 in seiner berühmten kulturhistorischen Vorlesung in Kopenhagen auf seine Schriften aufmerksam machte. Währenddessen fragte Peer Gynt aus Ibsens gleichnamigem dramatischen Gedicht von 1867 verzweifelt: "Ist es also wirklich überall leer? .. Weder im Abgrund noch im Himmel ist jemand? .."

Bis 1864 entwickelte sich Ibsens kreative Biographie recht vorhersehbar. Er wurde in der Provinz geboren, in der Familie eines ruinierten Kaufmanns, mit fünfzehn Jahren begann er Gedichte zu schreiben, mit zwanzig beendete er sein erstes Theaterstück ("Catiline") und beschloss fest, sich dem Theater zu widmen. Zuerst zog er nach Christiania (wie Oslo bis 1925 hieß) und dann nach Bergen, wo es damals das einzige Nationaltheater in ganz Norwegen gab, und von 1852 bis 1857 war er dort als Dramatiker und künstlerischer Leiter tätig .

Das Bergener Theater entstand im Zuge des Aufkommens des nationalen Selbstbewusstseins der Norweger, und seine Leiter wollten ihre Inszenierungen der damals vorherrschenden Mode für französische und dänische (aber auch imitierende) Salons, sogenannte „well -gemachte" spielt. Während dieser Zeit schrieb Ibsen auf der Grundlage von "nationalem" Material - isländischen Sagen und norwegischen Volksballaden. So entstanden die Dramen Der Heldenhügel (1850), Fru Inger aus Estrot (1854), Fest in Sulhaug (1855), Olaf Liljekrans (1856), Krieger in Helgeland (1857), Kampf um den Thron“ (1863). Fast alle wurden am Norwegischen Theater aufgeführt, wo der junge Dramatiker vollen Bühnenerfolg feierte. Doch Ibsen, der Ende der 1950er Jahre von den Idealen des Panskandinavismus desillusioniert war, fühlte sich eingeengt im Rahmen der zur Antike stilisierten konventionellen romantischen Dramaturgie.

Ibsen verließ das Theater und zog nach Christiania. Er war fest davon überzeugt, dass das moderne Theater für die Verwirklichung seiner Pläne nicht geeignet war, dass er als Künstler in seiner Heimat keinen Erfolg haben würde, und so ging der Schriftsteller, nachdem er ein Stipendium des norwegischen Parlaments erhalten hatte, 1864 ins Ausland. Der Wunsch nach geistiger Unabhängigkeit, nach Befreiung von allen möglichen "Idolen", einschließlich des norwegischen Patriotismus, hielt ihn fast dreißig Jahre lang von Norwegen fern, während Ibsen hauptsächlich in Italien und Deutschland lebte. Erst 1891, nachdem er seine besten Werke geschrieben und in ganz Europa berühmt geworden war, erlaubte er sich, in seine Heimat zurückzukehren.

Das allererste Werk, das Ibsen im Ausland veröffentlichte, erregte die Aufmerksamkeit eines europäischen Lesers auf ihn. Im Sommer 1865 hat der Schriftsteller in Rom in kurzer Zeit in drei Monaten den Entwurf eines großen Epos, an dem er ein ganzes Jahr gearbeitet hatte, zu einem Drama umgearbeitet. So entstand „Brand“ – ein langatmiges Drama in fünf Akten, zwar in Versen geschrieben, aber das moderne Leben repräsentierend. Die Titelfigur des Dramas – Prest (Gemeindepfarrer) aus einem kleinen norwegischen Dorf am Fjordufer – widmet sein Leben dem kompromisslosen Dienst an Gott und versteht die religiöse Pflicht als ständige Opferbereitschaft, sich von allem zu trennen, was man hat Leben selbst und das Leben seiner Lieben. Brands gläubige Religiosität macht seinem Umfeld Angst, weil sie ganz andere Ziele verfolgt, denen – nach allgemein anerkannter Meinung – Religion dienen sollte. Anstelle von Trost bietet der Priester seinen Gemeindemitgliedern eine ständige Prüfung, lässt sie ihren Willen anstrengen, um danach zu streben, sich als spirituelle Person vollständig zu verwirklichen. „Alles oder nichts“ ist Brands Motto (von Ibsen dem Werk des dänischen Philosophen Soren Kierkegaard entnommen; der russische Leser kennt es als „Entweder – oder“).

So wird aus einem Asketen des christlichen Glaubens schnell ein Asket des individuellen menschlichen Willens, der alles zu überwinden vermag – sowohl harte Lebensumstände als auch die Gesetze des inneren, biologischen Determinismus. Brand hat keine Angst davor, Gott selbst herauszufordern – nicht diesen „glatzköpfigen alten Mann“ mit Brille und Kippa (Brand spricht so respektlos über das Objekt eines traditionellen Kultes), sondern seinen eigenen, Brands Gott, gnadenlos, der von einer Person mehr und mehr verlangt mehr neue Opfer, die keine Minuten der Ruhe gewähren. Angesichts der Schwäche der menschlichen Natur ("Wer Gott gesehen hat, wird sterben", sagt seine Frau vor ihrem Tod), Brand - zwanzig Jahre vor der Veröffentlichung von "Zarathustra"! - strahlt Hoffnung aus der Willensanstrengung, das Fleisch zu verwandeln, den Tod zu überwinden, ein Übermensch zu werden und seine Herde zu den eisigen Berggipfeln zu führen.

Das Beste des Tages

Ibsenovsky Brand ist der Schöpfer seiner selbst, der sein ganzes Leben der „Selbsterschaffung“ gewidmet hat. Seine Rücksichtslosigkeit gegenüber sich selbst und seinen Mitmenschen gleicht der Leidenschaft eines wahren Künstlers, der in Erwartung der Geburt eines Meisterwerks von der Leidenschaft überwältigt wird, seinen Plan um jeden Preis zu verwirklichen. Brand versteht Kreativität als Absage an die Natürlichkeit, an das „Menschliche“, er hat nicht das Recht, sich seine Arbeit durch zufälliges Mitleid oder Feigheit zu verderben.

Das Finale des Dramas bleibt offen – Brand zu beurteilen, sein Leben ein Verbrechen oder eine Heldentat zu nennen, überlässt Ibsen den Lesern – ebenso wie in seinem nächsten dramatischen Gedicht in Versen, geschrieben über eine Art Anti-Brand namens Peer Gynt (1867). In diesem Stück rechnete der Dramatiker mit allem ab, was er zu Hause gelassen hatte. Das Stück "Peer Gynt", voller Fantasie und fabelhafter Folkloremotive, das sich über skandinavische Wildheit, bäuerliche Trägheit, Kleinstadtpatriotismus, die Ohnmacht eines müßigen Verstandes, unbedeutende Lebensverschwendung lustig machte, nannte Ibsen "das Norwegischste" von allem, was er geschaffen hat . Peer Gynt, der sein ganzes Leben lang mit sich selbst zufrieden war, erkennt im Alter, dass er sich eigentlich nur seiner Hauptaufgabe entzog – zu werden, was er werden sollte. Von Himmel und Hölle verstoßen, findet Per Trost bei Solveig, die seit Jahrzehnten auf ihn wartet und vom Warten blind geworden ist. Die berühmte Musik von Edvard Grieg, die wesentlich zur Popularisierung dieses ibsenischen Dramas beitrug, romantisierte die Beziehung zwischen Per und Solveig und milderte Ibsens Absicht. Der Dramatiker selbst gibt, wie im Fall von "Brand", keine Antwort auf die Frage: Reicht die selbstlose Liebe eines anderen Menschen aus, damit Pers ausschweifendes Leben zumindest einen Sinn bekommt, und hat diese Liebe selbst einen Sinn? ?

1873 schuf Ibsen sein letztes Versdrama „Cäsar und der Galiläer“, um dann in der Prosa zu Dramen über die Moderne überzugehen und diese ganz anders darzustellen. Eine weite epische Bandbreite, gemächliche philosophische Monologe, gewalttätige Fantasie, Exotik und Mythologie – all dies geht und macht den Weg frei für den Beginn des Neuen. „Säulen der Gesellschaft“ (1877), „Ein Puppenheim“ (1879), „Gespenster“ (1881), „Volksfeind“ (1882), „Wilde Ente“ (1884) – das sind die Stücke, die die Bühne brachen Grundlage für das "Neue Schauspiel" und damit für den Erneuerungsprozess des Theaterbetriebs in ganz Europa.

Da er vom Theater ausgeschlossen war und nicht hoffte, seine Stücke auf der Bühne zu sehen, konnte sich Ibsen mutige Experimente leisten. Er wandte sich den Erfahrungen der jungen naturalistischen Literatur zu, die den Menschen als abgeleitete Funktion der Umwelt, biologisch und sozialgeschichtlich, proklamierte und der Kunst die Erforschung dieser Umwelt zum Ziel setzte. Fragen der Vererbung und des Temperaments, der Einfluss schlechter Angewohnheiten, der Einfluss des familiären Umfelds, die Prägung durch den Beruf, der soziale und vermögende Status – das ist der Kreis der „Faktoren“, die nach Ansicht der Naturforscher das Schicksal und Wesen von Menschen bestimmen jede Person. Ibsen war nie ein Naturforscher im eigentlichen Sinne des Wortes – er interessierte sich immer noch entweder für Brands Erfahrung der willentlichen Überwindung dieser Faktoren ("Ein Puppenhaus") oder Gynts Erfahrung der Hingabe an sie ("Geister"), aber alle Mit der Zeit wurde der Gegenstand seiner Dramen voller Tragödien, die Geschichte der Persönlichkeitsbildung (die die Naturforscher gerade ablehnten). Aus dem Naturalismus nahm Ibsen jedoch Themen, die für eine „anständige“ Gesellschaft verboten sind, den Wunsch, die verborgenen inneren und äußeren Quellen zu erforschen, die das menschliche Verhalten bestimmen, den Geschmack für eine wörtliche, lebensechte Darstellung der Realität. Vor allem aber erforderte die Berufung auf den Naturalismus im Drama andere Prinzipien für die Organisation der Theaterarbeit.

Das alte Theater basierte auf dem "Benefit"-Schauspielstil. Schauspieler, vor allem bekannte, betraten die Bühne, um ihre Fähigkeit zum Rezitieren und Gestikulieren, zum „Solo“ zu demonstrieren, manchmal zu Lasten des Gesamteindrucks der Aufführung. Die Schauspieltechniken selbst waren formelhaft und für eine enge Reihe von "Charakteren" oder, auf moderne Weise, "Temperamente" ausgelegt. Aufführungen basierten auf einem „Star“ oder einer Gruppe von „Stars“ (manchmal direkt auf der Bühne, die heftig miteinander um die Aufmerksamkeit des Publikums kämpften), alles andere wurde in den Hintergrund gedrängt. Das Bühnenbild war äußerst konventionell, die Kostüme entsprachen mehr dem Geschmack und Anspruch der Schauspieler als den Zielen der Aufführung. Komparsen waren normalerweise willkürliche Leute, die für einen mageren Lohn für einen Abend eingestellt wurden. Der Regisseur in einem solchen Theater war eine kleine Person, die bei der Organisation der Produktion half, aber überhaupt nicht für ihre künstlerischen Vorzüge verantwortlich war. Der Dramatiker, der ein Stück schuf, bereitete es sofort für die eine oder andere Aufführungsgruppe vor, wobei er die Stärken und Schwächen jedes der "Stars" berücksichtigte und versuchte, nicht über seine übliche "heroische" oder "Liebe" hinauszugehen, aber immer Stereotype psychologische Situationen.

Ibsen war der erste, dem es gelang, das Drama im alltäglichen, alltäglichen Leben seiner Zeitgenossen zu finden, die künstlerischen und psychologischen Ausdrucksmittel zu erneuern und die Sklaverei des Dramatikers vor den Traditionen des Schauspiels abzulehnen. Alle berühmten Bühnenreformer des letzten Viertels des 19. Jahrhunderts, Schöpfer experimenteller Theaterclubs in ganz Europa - Andre Antoine (Freies Theater Paris), Otto Brahm (Freies Theater Berlin), Konstantin Stanislavsky (Kunsttheater Moskau); Dramatiker, Schöpfer naturalistischer und symbolistischer Dramen - die Deutschen Gerhart Hauptmann und Josef Schlaf, die Österreicher Frank Wedekind, Hugo von Hofmannsthal, Arthur Schnitzler, der Schwede August Strindberg, die Briten Bernard Shaw und Oscar Wilde, der Ire John Millington Sing, der Belgier Maurice Maeterlinck, die Franzosen Eugene Brie und Paul Claudel, der Spanier Jacinto Benavente y Martinez, der Russe Leo Tolstoi und Anton Tschechow – traten in die Fußstapfen des norwegischen Schriftstellers, inspiriert von seinen Entdeckungen oder abgestoßen von ihnen.

"New Drama" setzte der Dominanz schauspielerischer Launen ein Ende und unterstellte das Theatergeschäft dem Dramatiker und Regisseur. Von nun an philosophisch scharfe, gesellschaftlich bedeutende Probleme, deren Studium der Dramatiker übernahm, und der künstlerische Gesamteindruck der Aufführung, für deren Schaffung der Regisseur verantwortlich war, der die volle Gewalt über das Ensemble der Schauspieler erhielt und gegenüber anderen Mitteln des theatralischen Ausdrucks - Musikbegleitung - in den Vordergrund gestellt wurden, Dekoration, Bühnenbild usw. Die Aufführung war nicht länger eine Ansammlung bekannter Sätze, Gesten, Situationen. "New Drama" hat sich zum Ziel gesetzt, die Gesellschaft und den Menschen zu erforschen, ein "wahres" Leben darzustellen, "Lügen" auf jede erdenkliche Weise zu vermeiden - sowohl ästhetisch (der Schauspieler sollte keine Rolle "spielen", sondern "leben " darin) und ethisch (Dramatiker und Regisseure waren bereit, sich den dunkelsten und unangenehmsten Aspekten des Lebens zuzuwenden, wenn auch nur nicht, um die Realität zu verschönern, um sie "wahrhaftig" in der genauesten, klinisch nackten Form zu zeigen). Die bedingte Kulisse und Entourage "gut gemachter" Stücke wurden durch eine genaue Wiedergabe auf der Bühne alltäglicher Bedingungen und historischer Umstände ersetzt, die Schauspieler begannen, ein solches Bild der Rolle zu erreichen, das nicht nur einen abstrakten psychologischen Zustand vermitteln würde, sondern auch von spezifischen, jeweils einzigartigen sozialen und gesellschaftlichen Bedingungen geprägt, der "Umwelt", in der diese Figur nach dem Plan des Dramatikers aufgewachsen und geformt wurde. "New Drama" führte das Konzept der "vierten Bühne" ein und trennte die Bühne unsichtbar vom Zuschauerraum. Die Schauspieler gingen auf die Bühne, nicht um sich dem Zuschauer zu zeigen, sondern um ein gewöhnliches Leben zu führen, während der Zuschauer sie nur noch wie durch ein Schlüsselloch „angucken“ musste. Dann stellte sich heraus, dass hinter der "vierten Wand", "weg" von neugierigen Blicken, viele interessante und unerwartete Dinge passieren.

Ibsen scheute sich nicht, skandalöse Themen und Situationen auf die Bühne zu bringen. So steht im Mittelpunkt des Stücks „Ein Puppenhaus“ Nora, eine gewöhnliche Frau aus einer gewöhnlichen bürgerlichen Familie, die von den kleinen Sorgen der Herrin eines reichen Hauses lebt und sich liebevoll um ihren Mann und ihre Kinder kümmert. Doch Ibsen entfaltet vor uns ein analytisches Spiel, dringt in Noras Vergangenheit vor, und dann stellt sich heraus, dass sie ein langjähriges Geheimnis hat, das sie eifersüchtig vor ihrem Mann schützt. Hinter der Erscheinung einer hübschen und leicht exzentrischen jungen Frau verbirgt sich ein starker Wille und Charakter, der sich bekundet, sobald Noras Geheimnis ans Licht kommt. Die individuelle Wahrheit ihrer langjährigen Übertretung steht im Konflikt mit der gesellschaftlichen Moral, die Noras Ehemann verkörpert, und Nora erkennt plötzlich, dass die Umgebung, in der sie lebt, nicht impliziert, dass eine alleinstehende Frau eine eigene Wahrheit hat, und weist ihr die Rolle von zu eine dumme Puppe. Und dann verwandelt sich die "Puppe" vor den Augen des Publikums in eine Figur, die mit Brandons starkem Willen ausgestattet ist und bereit ist, die allgemein anerkannten Standards für die Selbstverwirklichung zu überschreiten, die Wahrheit, zu der jede "Lüge" führen kann geopfert werden. Diese neue Nora unterbricht das belehrende Gerede ihres Mannes mit unerwartet harten Worten: „Setz dich, Torvald.

Die Bühnenhandlung weicht der Diskussion - eine typische Technik des reifen Ibsen und ein wichtiges Zeichen des "neuen Dramas" (später entwickelte Shaw diese Technik bis zum Maximum und machte das britische "neue Drama" zu einem "Drama der Ideen") . Wo das alte Drama seinen letzten Vorhang ziehen würde, kommt Ibsen zum Wichtigsten. Die Charaktere hören auf, sich auf der Bühne zu bewegen und diskutieren, was zwischen ihnen passiert ist. Nora sagt ihrem Mann, dass sie ihn und die Kinder verlässt und das Haus verlässt, um "sich selbst und alles andere zu regeln". „Oder hast du keine Pflichten gegenüber deinem Mann und deinen Kindern?“, ruft Torvald erbärmlich aus. "Ich habe andere, die genauso heilig sind." - "Du hast keine! Welche sind das?" - Pflicht zu sich selbst. „Du bist in erster Linie Ehefrau und Mutter.“ „Daran glaube ich nicht mehr. Ich denke, ich bin in erster Linie ein Mensch.“ Das Finale des Stücks ist bezeichnend (und für die damalige Zeit skandalös): Nora verlässt nach einem moralischen Sieg das Puppenhaus, das ihr über Nacht fremd geworden ist.

Noch skandalöser war das Stück "Geister" (vielleicht das "naturalistischste" von Ibsen), das lange Zeit von der Zensur in ganz Europa verfolgt wurde (es wurde erst 1903 uraufgeführt). Auch ihre Hauptfigur ist eine Frau, Fru Alving, die einst, anders als Nora, ihre Menschenwürde nicht schützte und ihr ganzes Leben lang darunter leiden musste. Die schwere Geisteskrankheit ihres Sohnes ist eine Vergeltung für die wilde Vergangenheit ihres Mannes, Frau Alving, deren Abenteuer sie aus Angst, die Ehre der Familie zu gefährden, sorgsam verschwiegen hat. Nur einmal, in ihrer Jugend, lief Frau Alving unausstehlich von zu Hause weg zu einem Mann, bei dem sie, wie es ihr schien, Halt finden konnte. Aber dieser Mann, ein örtlicher Pfarrer, zwang sie aus Gründen der christlichen Moral, zu ihrem verhassten Ehemann zurückzukehren. Erst viele Jahre später, als ihr schwerkranker Sohn einer im Haus lebenden jungen Magd (eigentlich seiner Halbschwester väterlicherseits) eine inzestuöse Abhängigkeit zeigt, hält Frau Alving es nicht aus und wirft demselben Pfarrer Vorwürfe ins Gesicht dass das Leben der Menschen ihres Kreises voller "Geister" sei - das seien "alle möglichen alten, überholten Überzeugungen, Konzepte und dergleichen". "Wir sind so elende Feiglinge, wir haben Angst vor dem Licht!", ruft sie bitter.

In Ibsens Stücken der 1890er Jahre – „Hedda Gabler“ (1890), „Der Baumeister Solness“ (1892), „Rosmersholm“ (1896), „Wenn wir, die Toten, erwachen“ (1899) und andere – eine neue ibsenische Ästhetik , die sich nicht mehr dem Naturalismus, sondern dem Symbolismus zuwendet. Die stolze Hedda Gabler, die aus Liebe zur "Schönheit" den Selbstmord eines Mannes fördert, den sie liebte und der sich ihrer Liebe als unwürdig herausstellte, freut sich, als sie erfährt, dass dieser Mann durch eine von ihr abgefeuerte Kugel gestorben ist vorgeführt. "In der Brust, hast du gesagt?" - "Ja genau". - "Und nicht im Tempel?" - "In der Brust." - "Ja, ja, und auch nichts in der Brust." Aber eine Minute später wird ihr mitgeteilt, dass der Tod ein Unfall war – der Revolver selbst feuerte in dem Moment, als der ehemalige Auserwählte von Hedda eine niedrige Szene in einem Bordell drehte, und die Kugel den Bauch traf … und folgt mir auf den Fersen eines lustigen und vulgären, wie eine Art Fluch! „Aber, gnädiger Gott … das tun sie nicht!“, ruft einer der Charaktere ängstlich aus, als er diesen Tod sieht. Doch die Helden von Ibsens späteren Stücken lösen sich endgültig von naturalistischer Bodenständigkeit und sozialbiologischem Determinismus. Das Prinzip der Marke beginnt in ihnen wieder mit voller Stimme zu sprechen, und das gemütliche Wohnzimmer in norwegischen Villen wird überfüllt vom Druck des kreativen individuellen Willens, der nun als betont zerstörerisches, destruktives Prinzip wirkt.

Hilda Wangel aus „Der Baumeister von Solnes“, ein junges Mädchen, verliebt in einen alten Meister, lebensmüde, vergöttert in ihm einen Künstler, der keine Höhenangst haben kann – beides im wahrsten Sinne des Wortes (Solnes ist der Baumeister von Kirchenglockentürmen) und im metaphysischen gegen seine eigene schwache Natur, seine eigenen Ängste und Schuldgefühle, das Kunststück der Schöpfung wieder aufzunehmen. Solnes unterwirft sich ihrem unbeugsamen Willen und stirbt, indem sie vom Turm fällt. „Jugend ist Vergeltung“, warnt Solnes sich und den Leser; Als würde Hilda ihn wiederholen und den Taktstock der Kreativität aufheben, ruft Hilda am Ende des Stücks begeistert: "Aber er erreichte die Spitze. Und ich hörte die Klänge einer Harfe in der Luft. Mein ... mein Baumeister!"

Ibsen, der in seinen Stücken eine ganze Galerie starker, herausragender Frauenbilder schuf, erwarb sich den Ruf eines Vorkämpfers der weiblichen Emanzipation. Als Befürworter der „Frauenfrage“ hat sich der Schriftsteller selbst jedoch nie verstanden. "Ich ... muss die Ehre ablehnen, bewusst zur Frauenbewegung beizutragen. Ich habe nicht einmal ihr Wesen vollständig verstanden. Die Sache, für die Frauen kämpfen, scheint mir universell. Und wer meine Bücher aufmerksam liest, wird dies verstehen. , as "Wenn auf dem Weg und die Frauenfrage, aber das ist nicht meine ganze Idee. Meine Aufgabe war es, Menschen darzustellen ", schrieb er später.

Tatsächlich porträtierte Ibsen sein ganzes Leben lang nur zwei Menschen – Brand, der er selbst wurde, und Peer Gynt, der sich selbst aufgab. Diese beiden Helden tauchten irgendwie in verschiedenen Stücken des Dramatikers auf, nahmen verschiedene Gestalten an und drückten symbolisch die zwei Seiten eines einzigen persönlichen Paradoxons aus. Beide starben selbst und verursachten ihren Angehörigen viel Leid. Was soll der Betrachter von Ibsen wählen?

Es ist unwahrscheinlich, dass diese Frage heute, hundert Jahre nach dem Tod des Dramatikers, leichter zu beantworten ist als zu seiner Zeit.

„Neues Drama“ (Ibsen, Shaw, Hauptmann, Maeterlinck)

Die Entstehung des sogenannten "neuen Dramas" um die Jahrhundertwende

wir" in den Werken von Ibsen, Strindberg, Shaw, Hauptmann, Me-

terlinka usw.).

Charakteristische Merkmale des "neuen Dramas":

Streben nach der Zuverlässigkeit des Bildes;

Relevanz und Aktualität des Problems;

die soziale Natur des Konflikts;

der Einfluss verschiedener ideologischer und stilistischer Strömungen und Schulen.

wichtigsten Genres. Evolution.

„Neue Dramatik“ als Beginn der Dramaturgie des 20. Jahrhunderts.

Ibsen als Gründer moderne philosophische u

Psychodrama.

Periodisierung von Ibsens Werk.

„Drama der Ideen“ und das Prinzip der retrospektiven („analytischen“) Komposition; das Problem von Ibsens künstlerischer Methode (Synthese der Prinzipien von Realismus, Naturalismus, Symbolismus).

Die ideologische und künstlerische Originalität der Stücke "A Doll's House (Nora)", "Ghosts", "The Builder Solness".

Ästhetische Theorie Symbolist Theater Maeterlinck(Buch

"Schätze der Demütigen"):

das Wesen des Tragischen verstehen;

das Konzept der dualen Welt und das Prinzip des „zweiten Dialogs“;

die Idee von Rock;

Theater der Stille.

Erwartungsmotiv in Einaktern-Parabeln

Maeterlinck „Blind“, „Ungeboten“, „Dort drinnen“.

B. zeigen. Periodisierung der Kreativität. Literaturkritisch

die Aktivitäten des jungen Shaw, der Einfluss des Fabianismus auf den Schriftsteller.

Shaw und Ibsen ("Die Quintessenz des Ibsenismus"). Drama-Features-

turgy Show der 90er. ("Unangenehme Spiele", "Angenehme Spiele").

Das Thema Emanzipation ("Mrs. Warren's Profession"). Innovation

Shaws dramatische Methode: das Genre des Sozialen und Intellektuellen

Diskussionsdrama ("Chocolate Soldier", "Caesar and Cle

opatra", "Pygmalion"). Shaw und der Erste Weltkrieg. Problem

Intelligenzia im Stück "Haus, wo Herzen brechen".

Hauptmanns kreative Methode, Periodisierung der Kreativität.

Naturalismus des frühen Hauptmann ("Vor Sonnenaufgang").

Das Bild des „Massenhelden“ im Drama „Weavers“, der Innovation des Stücks. Neoromantik und Symbolik im Werk von Hauptmann ("Die versunkene Glocke") und K. Hamsun ("Hunger", "Pan", "Victoria", "Mysteries").

Ein Beispiel für ein neues Drama: (Diejenigen, die dieses Werk nicht gelesen haben, verstehen möglicherweise etwas nicht, also denken Sie daran, was fett gedruckt ist)

„Ein Puppenhaus“ von Ibsen – „Drama der Ideen“

Das erste Drama, in dem die neuen Prinzipien am vollständigsten zur Geltung kamen, war A Doll's House. 1879, (das Geburtsjahr des „Dramas der Ideen“, also realistisches sozialpsychologisches Drama mit angespannten ideologischen Auseinandersetzungen).

Die Frage der Frauenrechte wird zum Problem Soziale Ungleichheit im Allgemeinen

Retrospektive Komposition schafft eine Gelegenheit, das wahre Wesen sozialer und moralischer Beziehungen vor neugierigen Blicken zu durchdringen, wenn eine Frau Angst hat, zuzugeben, dass sie zu unabhängigen edlen Taten (Rettung eines kranken Mannes und Schutz eines sterbenden Vaters vor Unruhen) und staatlichen Gesetzen fähig ist und die offizielle Moral qualifiziert diese Handlungen wie ein Verbrechen.

Die gefälschte Unterschrift auf der Rechnung stellt das "geheime" Merkmal von Ibsens Methode dar. Klärung des sozialen und moralischen Wesens dieses "Geheimnis" ist der eigentliche Inhalt des Dramas.

Der Konflikt entstand acht Jahre vor Beginn der Bühnenaktion, wurde aber nicht erkannt. Die Ereignisse, die vor unseren Augen passieren, werden zu einer Klärung des Wesens der Meinungsverschiedenheiten, die in der Vergangenheit entstanden sind. Konflikt offizielle Ansichten und natürliche menschliche Bedürfnisse.

Dennoch, kein Drama-Finale, wie es für die Dramaturgie vor Ibsen typisch war, Lösung des Konflikts: Nora verlässt das Haus ihres Mannes, ohne eine positive Lösung zu finden, aber in der Hoffnung, in Ruhe herauszufinden, was passiert ist, und es zu realisieren. Die Unvollständigkeit der Handlung wird dadurch unterstrichen, dass Helmer, ihr Mann, in Erwartung des „Wunders der Wunder“ verharrt – der Rückkehr von Nora, ihrer gemeinsamen Wiedergeburt.

Unvollständige Aktion, "offenes Ende“ist eine Folge der Tatsache, dass Ibsen nicht mit individuellen Meinungsverschiedenheiten kollidiert, die im Rahmen der dramatischen Zeit beseitigt werden können, sondern der Dramatiker seine Werke in ein Forum verwandelt, in dem die Hauptprobleme diskutiert werden, die nur durch die Bemühungen gelöst werden können der ganzen Gesellschaft und nicht im Rahmen eines Kunstwerks.

Ein retrospektives Drama ist ein Höhepunkt, der nach den Ereignissen, die ihm vorausgegangen sind, entstanden ist, und neue Ereignisse werden ihm folgen.

Ein charakteristisches Merkmal von Ibsens Drama sind von Natur aus soziale Meinungsverschiedenheiten in moralische umzuwandeln und sie in einem psychologischen Aspekt zu lösen. Die Aufmerksamkeit richtet sich darauf, wie Nora ihr Handeln und das Handeln anderer wahrnimmt, wie sich ihre Wahrnehmung der Welt und der Menschen verändert. Ihr Leid und ihre schwere Einsicht werden der Hauptinhalt der Arbeit.

In dem psychologischen Drama von Ibsen wird eine bedeutende Rolle gespielt Symbolismus. Die kleine Frau rebelliert gegen die Gesellschaft, sie will keine Puppe in einem Puppenhaus sein. Symbolisch ist auch der Name des Stücks – „A Doll’s House“.

Das Symbol "Puppenhaus" weist auf die Hauptidee des Dramas hin - die die Verwüstung des Menschen im Menschen.

Der Dramatiker hat erreicht, dass der Zuschauer sein "Co-Autor" wurde, und seine Figuren lösten genau die Probleme, die Zuschauer und Leser beunruhigten.

21. Ibsens Drama Peer Gynt. Der Protagonist und Bauern, Trolle. BIOGRAFIE Henrik Johan Ibsen

die Sprache, in der Bokmål schrieb (dies ist ein norwegischer Typ) Richtungen, in denen er schrieb: Symbolismus, Naturalismus

Heinrich Ibsen stammt aus einer alten und wohlhabenden dänischen Reederfamilie, die um 1720 nach Norwegen zog. Der Vater des Dramatikers, Knud Ibsen, war in einer gesunden Natur tätig; Mutter, gebürtige Deutsche, Tochter eines wohlhabenden Skiener Kaufmanns, war besonders streng, trockenmütig und äußerst fromm.1836 ging Knud Ibsen bankrott, und das Leben einer reichen, gut etablierten Familie änderte sich dramatisch. Ehemalige Freunde und Bekannte entfernten sich allmählich, Klatsch, Spott, allerlei Nöte begannen. Menschliche Grausamkeit wurde vom zukünftigen Dramatiker sehr hart reflektiert. Und so schon von Natur aus ungesellig und wild, begann er nun noch mehr die Einsamkeit zu suchen und verhärtete sich, was Ibsen im 16. Lebensjahr tun musste. als Lehrling in die Apotheke der nahe gelegenen Stadt Grimstadt mit nur 800 Einwohnern einschreiben. I. nachdem er Skien ohne Reue verlassen hatte, kehrte er nie wieder dorthin zurück. In der Apotheke, wo er 5 Jahre blieb, träumte der junge Mann insgeheim von Weiterbildung und Promotion, die revolutionären Ideen von 1848 fanden in ihm einen glühenden Anhänger. In seinem ersten Gedicht, einer begeisterten Ode, besang er die ungarischen Märtyrer-Patrioten. Ibsens Leben in Grimstadt wurde ihm immer unerträglicher. Er hat die öffentliche Meinung der Stadt mit seinen revolutionären Theorien, seinem freien Denken und seiner Härte gegen sich selbst erregt, schließlich Ibsen. entschied sich, die Apotheke zu verlassen und ging nach Christiania, wo er zunächst ein Leben voller Entbehrungen aller Art führen musste. In Christiania traf Ibsen Björnson, der später sein erbitterter Gegner wurde, und freundete sich eng mit ihm an. Zusammen mit Björnson, Vigny und Botten-Hansen gründete Ibsen 1851 die Wochenzeitung Andhrimner, die mehrere Monate bestand. Hier platzierte Ibsen mehrere Gedichte und ein dramatisches satirisches Werk in 3 Akten „Norma.“ Jahre und kehrte 1857 nach Christiania zurück, auch als Direktor des Theaters. Hier blieb er bis 1863. Ibsen heiratete. 1858 und war in seinem Eheleben sehr glücklich. 1864 erhielt Ibsen nach vielen Schwierigkeiten eine Schriftstellerrente vom Storting und nutzte sie, um in den Süden zu reisen. Zunächst ließ er sich in Rom nieder, wo er völlig zurückgezogen lebte, zog dann nach Triest, dann nach Dresden und München, von wo aus er nach Berlin reiste, und war auch bei der Eröffnung des Suezkanals dabei. Die bekanntesten sind romantische Dramen, die auf den Handlungen der skandinavischen Sagen und historischen Stücke basieren, die philosophischen und symbolischen dramatischen Gedichte Brand (1866) und Peer Gynt (1867), die scharf kritischen sozialrealistischen Dramen A Doll's House (Nora, 1879), Ghosts "(1881)," Volksfeind "(1882).

PROTAGONIST Peer Gynt - ein Bild, das Ibsen aus einer Volkssage über einen erfahrenen Entertainer und Schurken Peer Gynt entlehnt hat. Aber nur die Hauptfigur und einige Handlungskollisionen sind der Folklore entnommen. In dem Drama verkörpert Gynt für den Autor alle Züge eines modernen Norwegers, also einer typischen Person der bürgerlichen Gesellschaft. Per wird jeglicher Ganzheit, jeglicher Stabilität im Leben beraubt. Ein mutiger und verwegener Typ, der seine Mutter liebt, der es versteht, die Reichen herauszufordern, verwandelt sich plötzlich in einen Opportunisten, der die Mottos „Sei du selbst“ und „Sei zufrieden mit dir selbst“ bewusst vertauscht. Mit der gleichen Leichtigkeit ändert er sein Aussehen: Mit Trollen ist er bereit, ein Troll zu sein, mit amerikanischen Sklavenhaltern - einem Sklavenhalter, mit Affen - einem Affen usw. Per zeigt oft seine innere Schwäche und Rückgratlosigkeit. Sein Nichts erscheint in grandioser Gestalt. Seine Leere und Leere schaffen eine besondere, "gyntische" Philosophie. Eine kleine Person ist in einem symbolischen Bild von großem Maßstab dargestellt. Per strebt nach Erfolg, träumt von Ruhm, Macht, will König werden. Ibsens gesamtes Stück widmet sich der Aufdeckung dieses Programms. Peer Gynt ist ein rücksichtsloser Egoist, der nur mit seiner eigenen Person beschäftigt ist. Die Saat des Bösen, die die „Trolle“ in seine Seele gesät haben, trägt Früchte: Per geht hartnäckig voran und scheut kein Mittel, um sein Ziel zu erreichen. Allerdings erhält der Egoismus des Protagonisten eine gewisse "philosophische Rechtfertigung". Gynt begeht seine Verbrechen, um seine Individualität, sein eigenes, gyntisches „Ich“, vollständiger zu manifestieren. In einer Szene aus dem Irrenhaus in Kairo wird Gynts Ich-Philosophie gnadenlos verspottet. Ibsens Held erweist sich als weniger tapfer als sein fabelhaftes Vorbild. So entpuppt sich zumindest in der Folge mit der Großen Kurve der fabelhafte Gynt als Sieger, während er im Stück nur dank der Fürsprache seiner Mutter und seiner in ihn verliebten Freundin Solveig gerettet wird. Im Bild von Solveig, die seit vielen Jahren auf ihre Geliebte wartet, schafft die Autorin eine besondere Welt der gehobenen Gefühle, eine Art heiliger reservierter Bereich, in dem der Held des Dramas gerettet wird. Nur manchmal wacht ein Mensch in Gynt auf - bei einem Treffen mit Solveig, in der Todesstunde seiner Mutter. Aber jedes Mal fehlt ihm die Entschlossenheit, die richtige Wahl zu treffen. Im vierten Akt des Stücks wird Per zum Großspekulanten, der sich mit Hilfe der schamlosesten Mittel kapitalistischer Geldraub bereichert hat. Er macht sein Vermögen durch den Handel mit Sklaven, den Verkauf von Idolen an die Chinesen und den Verkauf der Bibel und des Brotes an Missionare, die die Absicht haben, die Chinesen zum Christentum zu bekehren. Per hat vier Weggefährten, unter denen Mr. Cotton, der den englischen Utilitarismus und die Praktikabilität verkörpert, besonders hervorsticht. Die ganze Welt ist für ihn nur ein Spekulationsobjekt, um Profite herauszupressen. Auch das Bild von von Eberkopf ist eindeutig. Eberkopf ist der Träger des preußischen Angriffsgeistes. Trotz der Tatsache, dass Eberkopf mit abstrakter philosophischer Terminologie prahlt, ist er immer zu jeder gewalttätigen Aktion zu seinem eigenen Vorteil bereit. Es ist Eberkopf, der beschließt, den schlafenden Gynt auszurauben und, nachdem er sein Team bestochen hat, seine Yacht zu beschlagnahmen. Das sind Gynts Gefährten, aber eine bessere Umgebung hat er kaum verdient. Ibsen, der über die moralische Erniedrigung des Protagonisten spricht, vergleicht ihn mit einer leeren wilden Zwiebel: „Da ist kein Stück drin. Was ist übrig? Eine Schale. Und doch spricht der Autor Gynt die Möglichkeit der moralischen Läuterung nicht ab. Solveig wartet demütig und geduldig auf seinen Geliebten. Sie ist die Rettung für Per. Das Bild von Solveig verschmilzt im Stück mit dem Bild von Gynts Heimat PEASANTS Dick weiß, was man über sie sagen kann. Gefunden Das Bild der Bauernmenge, das Peer Gynt bei einer Hochzeit in Hägstad begegnet, ähnelt am wenigsten der Darstellung des modernen Bauernlebens, nicht nur in der frühnorwegischen romantischen Dramaturgie von Bjeregaard oder Riis, sondern auch in Björnsons Bauernroman.

Bauernjungen sind neidisch und wütend. Ihr Anführer, Schmied Aslak, ist unhöflich und tyrannisch. Mädchen sind frei von Mitleid und Mitgefühl. Sowohl junge Menschen als auch alte Menschen sind nicht abgeneigt, über einen einsamen und unglücklichen Menschen zu lachen, der nicht wie die anderen ist. Die Jungs machen Per betrunken, um sich über ihn lustig zu machen. Überall dominiert das Verlangen nach Geld, nach Reichtum, nach den gröbsten materiellen Genüssen. Ingrid wird mit einem degenerierten Penner verheiratet, weil seine Eltern reiche Bauern sind. Ebenso unattraktiv ist der Auftritt der Menge im fünften Akt, in der Versteigerungsszene. Armut und Elend, Ehrlosigkeit und zumindest etwas Verständnis für die höheren Aspekte des Lebens – das zeichnet die alten Mas Mon und Aslak aus, Kerle und Schaulustige, die sich um die Auktion drängen. Die verächtliche Würdigung dieser Menge durch Peer Gynt in seinem Gleichnis vom Teufel und dem Schwein ist durchaus berechtigt.

Ebenso gnadenlos geht Ibsen mit den im Stück reichlich vertretenen folkloristischen Motiven und Bildern um. Er benutzt sie auf zwei Arten, um die romantische Ideologie zu kompromittieren.

TROLLE Der Autor führt Per zu den Trollen - fantastische, hässliche menschenfeindliche Kreaturen – und sieht ihn innerlich bereit, ihre Formel – „sei zufrieden mit dir selbst“ – das Gegenteil von Brands Lebensmotto – „sei du selbst“ – fürs Leben zu akzeptieren. Das Motto des Volkes ist ein Ansporn zur Verbesserung des Einzelnen. Die Formel der Trolle ist eine Entschuldigung für Stagnation, spießbürgerliche Selbstgefälligkeit, dumme Unterwerfung unter die Umstände, den Tod des Einzelnen.

Laura Cole / Denkmal für Henrik Ibsen am Norwegischen Nationaltheater in Oslo

Henrik Ibsen ist die erste Assoziation, die entsteht, wenn man über die Literatur Norwegens spricht. Tatsächlich ist das Werk des großen norwegischen Dramatikers längst nicht nur Eigentum der norwegischen, sondern auch der Weltkultur geworden.

Ibsens Leben und Werk sind voller erstaunlicher Widersprüche. Als leidenschaftlicher Apologet der nationalen Befreiung und der Wiederbelebung der nationalen Kultur Norwegens verbrachte er dennoch siebenundzwanzig Jahre im selbst auferlegten Exil in Italien und Deutschland.

Begeistert studiert er nationale Folklore und zerstört in seinen Stücken konsequent den romantischen Heiligenschein der Volkssagen. Die Handlungsstruktur seiner Stücke ist so rigide aufgebaut, dass sie manchmal an Tendenzen grenzt, aber es sind keineswegs skizzenhafte, sondern lebendige und facettenreiche Charaktere.

Der latente moralische Relativismus Ibsens, gepaart mit der „eisernen“ und sogar tendenziösen Logik der Handlungsentwicklung, ermöglicht eine äußerst vielfältige Interpretation seiner Stücke. So wird Ibsen als Dramatiker einer realistischen Richtung anerkannt, aber die Symbolisten betrachten ihn als einen der wichtigsten Begründer ihrer ästhetischen Bewegung.

Gleichzeitig wurde er manchmal als „Freud in der Dramaturgie“ bezeichnet. Die gigantische Kraft des Talents erlaubte es ihm, die unterschiedlichsten, sogar polaren Themen, Ideen, Probleme und künstlerischen Ausdrucksmittel in seinem Werk organisch zu kombinieren.

Geboren am 20. März 1828 in der kleinen norwegischen Stadt Skien in einer wohlhabenden Familie, aber 1837 ging sein Vater bankrott und die Situation der Familie änderte sich. Ein scharfer Übergang in die sozialen Unterschichten wurde für den Jungen zu einem schweren psychischen Trauma, das sich irgendwie in seiner zukünftigen Arbeit widerspiegelte.

Ab seinem 15. Lebensjahr musste er seinen Lebensunterhalt verdienen – 1843 ging er in die kleine Stadt Grimstad, wo er eine Stelle als Apothekerlehrling bekam. Das geradezu ärmliche Leben eines gesellschaftlichen Ausgestoßenen zwang Ibsen, seine Selbstverwirklichung auf einem anderen Gebiet zu suchen: Er schreibt Gedichte, satirische Epigramme über den respektablen Bürger von Grimstad und zeichnet Cartoons.

Das trägt Früchte: 1847 erfreut er sich großer Beliebtheit bei der radikalen Jugend der Stadt. Er war sehr beeindruckt von den revolutionären Ereignissen von 1848, die einen bedeutenden Teil Westeuropas erfassten.

Ibsen ergänzt sein poetisches Werk mit politischen Texten und schreibt auch das erste Theaterstück Catiline (1849), das von tyrannischen Motiven durchdrungen ist. Das Stück hatte keinen Erfolg, bestärkte ihn aber in seinem Entschluss, sich mit Literatur, Kunst und Politik zu beschäftigen.

1850 ging er nach Christiania (seit 1924 - Oslo). Sein Ziel ist es, die Universität zu besuchen, aber der junge Mann wird vom politischen Leben der Hauptstadt gefangen genommen. Er unterrichtet an der Sonntagsschule des Arbeitervereins, beteiligt sich an Protestkundgebungen, arbeitet mit der Presse zusammen - die Arbeiterzeitung, die Zeitschrift des Studentenvereins, beteiligt sich an der Gründung einer neuen sozialliterarischen Zeitschrift "Andhrimner".

Und er schreibt weiterhin Theaterstücke: Bogatyrsky Kurgan (1850, begann in Grimstad), Norma oder Love of Politics (1851), Midsummer Night (1852). Zur gleichen Zeit lernte er den Dramatiker, Theater- und Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens Bjornstjerne Bjornson kennen, mit dem er auf der Grundlage der Wiederbelebung der nationalen Identität Norwegens eine gemeinsame Sprache fand.

Diese stürmische Tätigkeit des Dramatikers führte 1852 zu seiner Einladung zum künstlerischen Leiter des neu geschaffenen ersten norwegischen Nationaltheaters in Bergen. Er blieb auf diesem Posten bis 1857 (er wurde durch B. Bjornson ersetzt).

Diese Wendung in Ibsens Leben kann als außergewöhnlicher Glücksfall gewertet werden. Und nicht nur, dass alle Stücke, die er während der Bergen-Zeit schrieb, sofort auf der Bühne aufgeführt wurden; Das praktische Studium des Theaters "von innen" hilft, viele Berufsgeheimnisse zu enthüllen, was bedeutet, dass es zur Entwicklung der Fähigkeiten des Dramatikers beiträgt. In dieser Zeit entstanden die Stücke Fru Inger of Estrot (1854), Feast at Sulhaug (1855), Olaf Liljekrans (1856).

In ersterem wechselte er in seiner Dramaturgie zunächst zur Prosa; Die letzten beiden sind im Stil norwegischer Volksballaden (der sogenannten "Heldenlieder") geschrieben. Auch diese Stücke waren auf der Bühne nicht besonders erfolgreich, spielten aber eine notwendige Rolle in Ibsens beruflicher Entwicklung.

1857–1862 leitete er das Norwegische Theater in Christiania. Parallel zur Leitung der Theater- und Schauspielarbeit setzt er aktive soziale Aktivitäten fort, die hauptsächlich darauf abzielen, das funktionierende christliche Theater der pro-dänischen Richtung zu bekämpfen (die Truppe dieses Theaters bestand aus dänischen Schauspielern, und die Aufführungen waren auf Dänisch). .

Dieser hartnäckige Kampf war von Erfolg gekrönt, nachdem Ibsen das Theater verlassen hatte: 1863 wurden die Truppen beider Theater vereint, die Aufführungen begannen nur noch auf Norwegisch zu gehen, und das unter seiner aktiven Beteiligung entwickelte Programm wurde zur ästhetischen Plattform des vereinigten Theaters. Zur gleichen Zeit schrieb er die Stücke Die Krieger in Helgeland (1857), Die Komödie der Liebe (1862), Der Kampf um den Thron (1863); sowie das Gedicht On the Heights (1859), das zum Vorläufer des ersten wirklich prinzipiellen dramatischen Erfolgs wurde - des Stücks Brand (1865).

Die vielfältigen Aktivitäten von Ibsen in der norwegischen Zeit waren eher auf einen Komplex höchst komplexer psychologischer Probleme als auf eine prinzipielle öffentliche Position zurückzuführen. Das Hauptproblem war das Problem des materiellen Wohlstands (insbesondere seit er 1858 heiratete und 1859 ein Sohn geboren wurde) und eine würdige soziale Position - seine Kinderkomplexe spielten hier zweifellos eine Rolle.

Dieses Problem verband sich natürlich mit den grundlegenden Fragen der Berufung und Selbstverwirklichung. Nicht ohne Grund wird in fast allen seinen weiteren Stücken auf die eine oder andere Weise der Konflikt zwischen der Lebensposition des Helden und dem realen Leben thematisiert. Und noch ein wichtiger Faktor: Die besten Stücke von Ibsen, die ihm weltweit wohlverdienten Ruhm einbrachten, wurden außerhalb seiner Heimat geschrieben.

1864, nachdem er ein Schreibstipendium vom Storting erhalten hatte, um das er fast anderthalb Jahre lang nachsuchte, brach Ibsen mit seiner Familie nach Italien auf. Die erhaltenen Mittel waren äußerst unzureichend, und er musste sich an Freunde wenden, um Hilfe zu erhalten. In Rom schrieb er zwei Jahre lang zwei Dramen, die alle bisherigen Lebens- und literarischen Erfahrungen aufsaugten - Brand (1865) und Peer Gynt (1866).

In der Theaterwissenschaft und im Ibsenismus ist es üblich, diese Stücke auf komplexe Weise zu betrachten, als zwei alternative Interpretationen desselben Problems - Selbstbestimmung und Verwirklichung der menschlichen Individualität.

Die Hauptfiguren sind polar: der unflexible Maximalist Brand, der bereit ist, sich und seine Lieben für die Erfüllung seiner eigenen Mission zu opfern, und der amorphe Peer Gynt, der sich bereitwillig allen Bedingungen anpasst. Der Vergleich dieser beiden Stücke ergibt ein klares Bild des moralischen Relativismus des Autors. Unabhängig davon wurden sie von Kritikern und Publikum als sehr widersprüchlich angesehen.

Noch paradoxer ist die Situation bei Peer Gynt. In diesem Stück demonstriert Ibsen seinen Bruch mit der Nationalromantik: Darin werden die Figuren der Folklore als hässliche und bösartige Kreaturen dargestellt, die Bauern als grausame und unhöfliche Menschen.

In Norwegen und Dänemark wurde das Stück zunächst sehr negativ, fast schon als Blasphemie wahrgenommen. G. H. Andersen zum Beispiel nannte Peer Gynt das schlechteste Werk, das er je gelesen habe. Doch mit der Zeit kehrte das romantische Flair in dieses Stück zurück – natürlich vor allem dank des Images von Solveig.

Maßgeblich dazu beigetragen hat die Musik von Edvard Grieg, die im Auftrag von Ibsen für die Inszenierung von Peer Gynt geschrieben wurde und später als eigenständiges Musikstück Weltruhm erlangte. Paradoxerweise, aber wahr: Peer Gynt, der in der Interpretation des Autors gegen romantische Tendenzen protestiert, bleibt im kulturellen Bewusstsein immer noch die Verkörperung der norwegischen Volksromantik.

Brand und Peer Gynt wurden für Ibsen zu Übergangsstücken, die ihn in Richtung Realismus und soziale Themen lenkten (alle seine weiteren Arbeiten werden hauptsächlich unter diesem Aspekt betrachtet). Dies sind Säulen der Gesellschaft (1877), Ein Puppenhaus (1879), Geister (1881), Volksfeind (1882), Wildente (1884), Rosmersholm (1886), Frau aus dem Meer (1888), Hedda Gabler (1890), Solness der Baumeister (1892), Little Eyolf (1894), Joon Gabriel Borkman (1896).

Hier griff die Dramatikerin aktuelle Fragen der Gegenwart auf: Heuchelei und weibliche Emanzipation, Auflehnung gegen die bürgerliche Moral, Lügen, gesellschaftliche Kompromisse und Idealtreue. Symbolisten und Philosophen (A. Blok, N. Berdyaev usw.) schätzten neben Brand und Peer Gynt noch viel mehr andere Stücke von Ibsen: der Caesar und die galiläische Dilogie (The Apostasy of Caesar and the Emperor Julian; 1873), Wenn wir, das Erwachen der Toten (1899).

Eine unvoreingenommene Analyse macht es möglich zu verstehen, dass Ibsens Individualität in all diesen Werken dieselbe bleibt. Seine Stücke sind keine tendenziösen sozialen Ephemera und keine abstrakten Symbolkonstruktionen; Sie enthalten voll und ganz soziale Realitäten, eine extrem semantisch aufgeladene Symbolik und eine überraschend facettenreiche, skurrile psychologische Komplexität der Charaktere.

Die formale Unterscheidung von Ibsens Dramaturgie in „soziale“ und „symbolische“ Werke ist eher eine Sache der subjektiven Interpretation, einer voreingenommenen Interpretation des Lesers, Kritikers oder Regisseurs.

1891 kehrte er nach Norwegen zurück. In einem fremden Land hat er alles erreicht, wonach er strebte: Weltruhm, Anerkennung, materielles Wohlergehen. Zu diesem Zeitpunkt wurden seine Stücke auf den Bühnen der Theater auf der ganzen Welt weit verbreitet, die Anzahl der Studien und kritischen Artikel, die seiner Arbeit gewidmet waren, konnte nicht gezählt werden und konnte nur mit der Anzahl der Veröffentlichungen über Shakespeare verglichen werden.

Es scheint, dass all dies das schwere psychische Trauma heilen könnte, das er in seiner Kindheit erlitten hat. Das allerletzte Stück, When We, the Dead, Awaken, ist jedoch voller einer so ergreifenden Tragödie, dass es schwer ist, daran zu glauben.

Henrik Ibseneiner der interessantesten Dramatiker des neunzehnten Jahrhunderts.Sein Drama ist immer im Einklang mit der Gegenwart.Die Liebe zu Ibsen in Norwegen ist, wenn nicht ein angeborenes Gefühl, dann wahrscheinlich in der frühen Kindheit entstanden.

Henrik Johan Ibsen wurde am 20. März 1828 in der norwegischen Kleinstadt Skien in der Familie eines Kaufmanns geboren. Nach der Schule trat Henryk als Lehrling in die Apothekerstadt Grimstadt ein, wo er fünf Jahre arbeitete. Dann zog er nach Christiania (Oslo), wo er ein Medizinstudium begann. In seiner Freizeit las, zeichnete und schrieb er Gedichte.

Ibsen wurde zufällig Dramatiker, als ihm angeboten wurde, als "Autor von Stücken" für das norwegische Theater in der Stadt Bergen zu arbeiten. IN1856 wurde Ibsens erstes Schauspiel erfolgreich am Theater aufgeführt. Im selben Jahr lernte er Susanna Thoresen kennen. Zwei Jahre später heirateten sie, die Ehe war glücklich. 1864 erhielt Ibsen eine Schriftstellerrente. 1852-1857 leitete er das erste norwegische Nationaltheater in Bergen und 1857-1862 das norwegische Theater in Christiania. Nach österreichisch-preußisch-dänischWeltkrieg ging Ibsen mit seiner Familie ins Ausland – er lebte in Rom, Dresden, München. Seine ersten weltberühmten Stücke waren die poetischen Dramen „Brand“ und „Peer Gynt“.
IbsenAls er mit 63 in seine Heimat zurückkehrte, war er bereits weltberühmt. 23. Mai 1906 Ibsengestorbenvon einem Schlaganfall.

Erste ArbeitIbsen- eine Anwendung für die Aussprache des Wortes - das Stück "Catilina". Dieser Charakter der römischen Geschichte,in der landläufigen Meinung als Sinnbild schlimmster Verderbtheit erscheinend, ist er nach dem Bilde Ibsens kein Schurke, sondern im Gegenteil ein edler, tragischer Held. Dieses erste Stück schuf den Weg für Ibsen, den Weg des Individualisten, des Rebellen und des Regelbrechers. Im Gegensatz zu Nietzsche war die Ibsen-Rebellionnicht zur Instinktverherrlichung, sondern zum Sprung zum Geist, zur Übertretung.Ein wichtiger Unterschied zwischen der Position von Ibsen und Nietzsche in Bezug auf Frauen. Die berüchtigten „Du gehst zu einer Frau – nimm eine Peitsche“ und „Ein Mann für den Krieg, eine Frau für einen Mann“ werden sogar von denen zitiert, die weit von der Philosophie entfernt sind. Ibsen hingegen bekennt sich zu einer Art Frauenkult, er glaubt, dass eine Frau die Fesseln der Bewusstlosigkeit vor einem Mann abwerfen wird und dass ihr Weg nicht weniger individuell ist.

Dies spiegelte sich besonders anschaulich in seinen Werken "Frau vom Meer" und "Ein Puppenhaus" wider. Im ersten wird ein erfolgreiches Ehepaar damit konfrontiert, dass der langjährige Liebhaber der Ehefrau „vom Meer“ kommt, der sie mitnehmen will. Dieser Liebhaber ist ein typischer „Instinktmensch“, ein „Barbar“, das genaue Gegenteil ihres intellektuellen Mannes. Die übliche Dynamik solcher Verschwörungen ist in der Regel unangemessen tragisch, und infolgedessen ist die Frau entweder zum Tode verurteilt oder geht mit einem tapferen Eroberer. Ihre Hin- und Herbewegungen, die als Schrecken der Unvermeidlichkeit empfunden werden, entpuppen sich plötzlich als Suche nach ihrer verborgenen Individualität: Sobald der Ehemann bereit ist, ihre Wahl zu akzeptieren und ihr völlige Freiheit zu geben, stellt sich heraus, dass der „Mann von der Meer", also der nicht integrierte Animus, ist nichts weiter als ein Mythos, und sie bleibt bei ihrem Ehemann. Die Handlung, so oberflächlich beschrieben, mag banal erscheinen, aber ihre Überraschung und Widerspenstigkeit liegt darin, dass die Individualität der Frau, die es zu befreien gilt, auf jede erdenkliche Weise betont wird und ihre Möglichkeit, bei ihrem Mann zu bleiben erscheint erst, nachdem er sie bewusst losgelassen hat. Der Schlüssel zum Stück liegt darin, dass er in sich selbst die Kraft findet, den „Patriarchenkomplex“, also seine sozialen und biologischen Eigentümerrechte, zu überwinden, die wie Gift aus osirianischen Äonen sprossen.

„“ (1879) ist eines von Ibsens beliebtesten und interessantesten Stücken. Darin sagt zum ersten Mal eine Frau in der Weltliteratur, dass es neben den Pflichten von Mutter und Ehefrau „andere, ebenso heilige Pflichten“ gibt – „Pflichten gegenüber sich selbst“. Die Hauptfigur Nora erklärte: „Ich kann mich nicht mehr mit dem zufrieden geben, was die Mehrheit sagt und was die Bücher sagen. Ich muss selbst über diese Dinge nachdenken.“ Sie will alles überdenken - sowohl die Religion als auch die Moral. Nora behauptet tatsächlich das Recht eines Individuums, seine eigenen moralischen Regeln und Vorstellungen über das Leben zu schaffen, die sich von den allgemein akzeptierten und traditionellen unterscheiden. Das heißt, Ibsen behauptet die Relativität moralischer Normen.Ibsen ist eigentlich der erste, der die Idee einer freien und individualisierenden Frau vorgebracht hat. Vor ihm gab es nichts dergleichen, und die Frau war fest in den patriarchalischen Kontext der vollständigen biologischen Unterordnung eingeschrieben und lehnte sich praktisch nicht dagegen auf.

Das Stück „Geister“ ist eigentlich ein Familiendrama. Es geht darum, dass sich elterliche Fehler wie in einem Spiegel im Verhalten von Kindern widerspiegeln, und natürlich um Geister. Aber nicht die, die auf dem Dach wohnen, sondern ganz andere. Bei Ibsen sind dies lebende Menschen, die nicht wirklich versuchen zu leben, sondern einfach unter den vorgeschlagenen Umständen existieren.

Die Hauptfigur ist Frau Alving, die Herrin eines großen Hauses, die seit langem in den örtlichen Pfarrer verliebt ist, aber die Erinnerung an ihren Mann, den Kapitän, heilig bewahrt. Und schützt ebenso ernsthaft vor dem großen Gefühl des Sohnes des Künstlers, der von einem hübschen Dienstmädchen ernsthaft hingerissen wird. Die Macht der mütterlichen Liebe wird ihn in dasselbe wie sie selbst verwandeln, in ein lebendiges Gespenst.

« Peer Gynt"eines von Ibsens großen Stückenwas geworden istklassischDanke Grieg.

Mark Sacharow:„Peer Gynt ist eine dramatische Nachricht um die Jahrhundertwende vom 19. zum 20. Jahrhundert, die die Grundlagen des Existentialismus bestätigte. Um das Problem ein wenig zu vereinfachen, sagen wir, dass Peer Gynt nicht mit einzelnen Charakteren interagiert – er interagiert mit dem Universum. Die ganze Welt um ihn herum ist Peer Gynts Hauptpartner, die Welt, die sich ständig verändert, sie greift sein Bewusstsein auf verschiedene Weise an, und er sucht in diesem fröhlichen Strudel nur einen, den einzigen, der ihm gehört.
Ich interessiere mich für Peer Gynt, vielleicht weil ich den „Point of no return“ überschritten habe und wirklich gespürt habe, dass das Leben nicht endlos ist, wie es mir in der Kindheit und sogar nach dem Abschluss des Theaterinstituts schien. Jetzt können Sie Ihr eigenes Leben wie ein Schachbrett betrachten und verstehen, durch welche Felder mein Weg ging, was ich umrundete und worauf ich mich einließ, manchmal bedauern Sie, was später passiert ist. Die Hauptsache ist, richtig zu beginnen und vor allem zu verstehen, wo es ist, Ihr Anfang. Wie erraten Sie Ihren einzig möglichen Weg durch die Labyrinthe der Lebensumstände und Ihrer eigenen Überzeugungen, wenn Sie sie haben ... Und wenn nicht? Finden! Form! Enthüllen Sie aus den Eingeweiden des Unterbewusstseins, fangen Sie die kosmische Dimensionslosigkeit ein. . . Doch manchmal entgleitet das Gefundene den Händen, verlässt die Seele, verwandelt sich in eine Fata Morgana, und dann wartet eine neue schmerzvolle Suche im Chaos der Ereignisse, Hoffnungen, schwelenden Erinnerungen und verspäteten Gebete.
Unser Held wurde manchmal als Träger der Kompromissidee beschrieben. Das ist zu flach und des einzigartigen, gleichzeitig gewöhnlichen und sogar erkennbaren exzentrischen Helden von G. Ibsen unwürdig. In Peer Gynt gibt es nicht nur Unsinn, und er lebt nicht nur von folkloristischen Echos, es gibt Mut und Kühnheit, es gibt Unhöflichkeit und sanfte Demut. G. Ibsen präsentierte der Welt das Bild eines Mannes, von dem es als Tschechow-Held sehr schwierig ist zu sagen, wer er ist.
Ich habe meinen Regieweg begonnen, als der „einfache Mensch“ hoch geschätzt und gelobt wurde. Es scheint, dass jetzt fast alle von uns zusammen mit Dostojewski, Platonow, Bulgakow und anderen Sehern die Wahrheit erkannt haben oder ihr näher gekommen sind - es gibt sehr schwierige Menschen um uns herum, auch wenn sie vorgeben, Zahnräder zu sein, einzellig Kreaturen oder Monster.
Deshalb wollte ich über Peer Gynt und einige andere Menschen sprechen, ohne die sein einzigartiges Leben nicht hätte stattfinden können. Erzähl es einfach auf deine Art, nicht zu ernst, so gut wir können. Und wenn man an die ernstesten Dinge denkt, um den Anspruch auf obligatorische Tiefgründigkeit zu vermeiden ... Die Idee ist gefährlich. Heutzutage ein Stück zu komponieren, ist ein riskantes Geschäft." MARK SACHAROW
1874 hatte der führende norwegische Dramatiker Henrik Ibsen die Idee, ein neues Stück zu inszenieren. Er lud den jungen, aber bereits bekannten Komponisten Edvard Grieg ein, gemeinsam an einer neuen Produktion zu arbeiten. Die Musik für die Aufführung wurde in sechs Monaten geschrieben. Dieses Musikstück besteht aus 27 Teilen. Diese Produktion heißt Peer Gynt.

Bei der Uraufführung 1886 waren Ibsens Drama und Griegs Musik gleichermaßen erfolgreich. Dies war die zweite Geburt von Ibsens Stück. Dann wurde die Musik populärer und ihr eigenes Konzertleben begann.

Peer Gynt ist ein Stück über einen jungen Mann. Per verließ das Haus und seine Freundin und machte sich auf die Suche nach dem Glück. Unterwegs begegnete er vielen Dingen. Er wanderte durch die Welt, begegnete bösen Trollen und frivolen Frauen, seltsamen Buckligen und Räubern, arabischen Zauberern und vielem mehr. Eines Tages betritt Gynt die Höhle des Bergkönigs.Der Autor zeigte in einem einzigen Bild zwei Elemente: den Bergkönig selbst und seine bösen Mächte. Darunter auch die Prinzessin, die mit ihrem Tanz versucht, die Aufmerksamkeit von Per auf sich zu ziehen.

Peer Gynt, der Held unserer Zeit

Peer Gynt ist eine abscheuliche Figur. Ein Grund für Leute, Spaß zu haben und zu klatschen. Jeder hält ihn für einen Faulpelz, einen Lügner und einen Schwätzer. So wird er sogar von seiner Mutter wahrgenommen, die seine erste Musen-Anregerin war (durch ihre Märchen, mit denen sie ihn in der Kindheit überfütterte, gewann Per's Fantasie Freiheit und geht ständig auf und ab):
Peer Gynt unterscheidet kaum Realität von Träumen, Realität ist für ihn bereit, sich jeden Moment in Fiktion zu verwandeln, und Fiktion, um Wahrheit zu werden.

Im Dorf wird Pera gehasst, ausgelacht und gefürchtet (weil sie es nicht verstehen). Manche halten ihn für einen Zauberer, obwohl sie höhnisch darüber sprechen.
Niemand glaubt ihm. Und er prahlt weiter und erzählt Geschichten über sich selbst, die längst allen bekannt sind.
Tatsächlich sind all diese Geschichten von Gynt nur eine freie Darstellung alter Legenden. Aber in dieser "Lüge" manifestiert sich die Wiedergeburtsfähigkeit des Dichters. Wie Hoffmanns Kavalier Gluck (entweder ein Verrückter oder ein Künstler, der sich an das Bild gewöhnt hat), erschafft Gynt Legenden. Er ist nicht nur Zuschauer, Zuhörer oder Performer, sondern ein Erschaffer, der scheinbar toten Bildern und Mythen neues Leben einhaucht. „Die ganze Geschichte der Erde ist ein Traum von mir“, könnte Peer Gynt ausgerufen haben.
So entwickelt sich bei Peer Gynt das traditionelle Problem (gesellschaftliches Missverständnis eines Künstlers, der eine neue Realität schafft und neue kulturelle Formen formt) zu einem Manifest für alle Kunstschaffenden, die ihre Suche über alle Grenzen hinweg zu Ende gehen, Kongresse und Einrichtungen.
Deshalb wurde dieser Text zum Beispiel von Symbolisten so geliebt. Wie Khodasevich in seinem programmatischen Artikel sagte, war Symbolik schließlich „eine Reihe von Versuchen, manchmal wirklich heroisch, eine Verschmelzung von Leben und Kreativität zu finden, eine Art philosophischer Stein der Kunst. Der Symbolismus suchte in seiner Mitte hartnäckig nach einem Genie, das Leben und Kreativität miteinander verschmelzen könnte.
Und gerade deshalb ist Ibsens Peer Gynt bis heute aktuell.

Angst, kreativ zu sein

Andererseits sind es sein Narzissmus und seine Faulheit, die Peer Gynt zu einem universellen und zeitlosen Typ machen. Ibsen schreibt Narzissmus nicht der Natur eines Menschen, sondern eines Trolls zu. Aber der Troll ist ein Symbol. Die konzentrierte Verkörperung von allem Niederen in einem Menschen - Eitelkeit, Egoismus, Lust und andere Laster.
Der 20-jährige Per wandert am Rande seines Dorfes herum, kämpft, trinkt, verführt Mädchen und erzählt Geschichten über seine Abenteuer. Und sobald der Narzissmus von ihm Besitz ergreift, trifft er auf Trolle: die Frau in Grün und den Dovre-Ältesten. Von ihnen lernt er den Unterschied zwischen einem Troll und einem Menschen. Und er bleibt lieber ein Mann – ein Ausgestoßener unter den Menschen und kein König unter den Trollen.
Diese ganze Szene mit den Trollen (und die restlichen Szenen, an denen fabelhafte, mythische Gestalten beteiligt sind) spielt sich in der Vorstellung des Helden ab und nicht in der Außenwelt. Und wenn man im Text ganz deutliche Hinweise darauf bemerkt, dann lässt sich Peer Gynt als ein durchaus realistisches Werk lesen, in dem Trolle, wie andere Fabelwesen, nur verschiedene Funktionen von Gynts Innenwelt darstellen.

Der Haken an der Sache ist, dass Per Gynt nie auf die Idee kommt, seine Tagträume aufzuschreiben. Dies erlaubt es der Literaturkritik, von ihm als Helden zu sprechen, in dem Ibsen, so sagen sie, die ganze Widersprüchlichkeit eines Menschen des 19. Jahrhunderts ausdrückt - eines Menschen, der sein Schicksal vergessen hat. Vergrabenes Talent im Boden.
Peru scheint einfach zu faul zu sein, seine Träume aufzuschreiben. Wobei es eher nicht einmal Faulheit ist, sondern „Angst vor einer weißen Weste“.
Wenn Peer Gynt sieht, wie ihm jemand den Finger abschneidet, um nicht zur Armee zu gehen (also aus Feigheit), kommt er aus dieser Tat in echter Bewunderung heraus (Hervorhebung von Ibsen):
Sie können denken, Sie können wünschen
Aber zu tun? Eine unverständliche Sache...
Das ist der ganze Peer Gynt – er fantasiert, will etwas tun, traut sich aber nicht (oder hat Angst) …
Um jedoch auf den erwähnten Artikel von Chodasevich und den Symbolisten zurückzukommen, kann man Gynt als einen Dichter betrachten, der nicht schreibt, sondern nur seine Poesie lebt. Über den Künstler, der ein Gedicht nicht in seiner Kunst, sondern im Leben schafft. Aus dem gleichen Grund verehrten die Dichter des Silbernen Zeitalters Ibsen als einen ihrer Gurus.
Aber reicht es für einen Künstler, sein eigenes Leben zu erschaffen, ohne andere Werke zu schaffen? Die Antwort auf diese Frage gibt genau Peer Gynt.

Mythologie des Gynt

Solveig verzichtete darauf, mit Peer Gynt zusammen zu sein. Per macht sich auf den Weg, um den königlichen Palast zu bauen, glücklich und stolz auf das Erscheinen von Solveig. Doch plötzlich trifft er auf eine ältere Frau in grünen Lumpen (sie träumt von ihm, offenbar weil er zu stolz auf seinen „Sieg“ über Solveig ist, denn die Trolle tauchen gerade in jenen Momenten auf, in denen Per von Eitelkeit überwältigt wird). Die alte Frau verlangt, dass er Solveig rausschmeißt, präsentiert ihm einen Freak-Sohn als ihre Rechte an seinem Haus, aber er antwortet ihr darauf: „Raus, Hexe!“. Sie verschwindet, und dann beginnt Peer Gynt nachzudenken:

"Bypass!" - Der Krumme hat es mir gesagt. Und, sie-sie
Alles ist richtig. Mein Gebäude ist eingestürzt.
Zwischen mir und dem, der mir schien
Von nun an die Wand. Es gibt keinen Grund zur Aufregung!
Bypass! Du hast keinen Weg mehr
Womit du direkt zu ihr gehen könntest.
Direkt zu ihr? Es gäbe auch einen Weg.
Aber was? Ich habe die Heilige Schrift verloren.
Ich habe vergessen, wie Reue dort interpretiert wird.
Wo bekomme ich Erbauung im Wald?
Gewissensbisse? Jahre werden vergehen,
Solange du gerettet bist. Das Leben wird hässlich.
Brich die Welt in Stücke, die mir unendlich lieb ist,
Und wieder Welten aus Bruchstücken zusammensetzen?
Eine zersprungene Glocke kann man kaum kleben,
Und was blüht, darfst du nicht zertrampeln!
Natürlich ist der Teufel nur eine Vision
Sie verschwand für immer aus dem Blickfeld.
Unter Umgehung des gewöhnlichen Sehvermögens
Ein unreiner Gedanke kam in meine Seele.

So spricht Per sich selbst an, bevor er Solveig bis ins hohe Alter verlässt.
Um die Terminologie des dänischen Philosophen Kierkegaard (dem Ibsen nahestehend) zu verwenden, versucht Per in diesem Moment, von der ästhetischen Stufe der Existenz zur ethischen zu gelangen, Verantwortung zu übernehmen. Und dies ist die Garantie seiner zukünftigen Errettung. Wenn er Solveig wirft, tut er schließlich das einzig Großartige, wozu er fähig ist – für immer „behält er sich in ihrem Herzen“. Dann kann er schon leben, wie es ihm gefällt (was er auch tut). Die Tat seines Lebens ist vollendet. Zweck erfüllt. Das Gedicht ist geschrieben.
Solveig ist die Muse von Peer Gynt, einer Frau, die "während des Wartens lebt" und sich an ihn als jung und gutaussehend erinnert. Große Mutter, Weltseele, ewige Weiblichkeit (sowohl in Goethes als auch in der symbolistischen Bedeutung dieses Mythologems). Sie bewahrte das Bild von Peer Gynt in ihrem Herzen und rettete dadurch Peer am Ende.
Gynt steht immer unter der Schirmherrschaft (unter Deckung) der Ewigen Weiblichkeit. Am Ende des Kampfes mit den Trollen schreit er: "Rette mich Mutter!" Und danach endet das Gespräch mit Crooked mit einer verschwommenen formlosen Stimme aus der Dunkelheit mit den Worten des kaum atmenden Crooked: „Frauen halten ihn; Der Umgang mit ihm ist schwierig."
Die Kurve ist nur ein Symbol für „Faulheit“, „Angst“, „Untätigkeit“ von Per („Die große Kurve gewinnt kampflos“, „Die große Kurve erwartet Siege vom Frieden“). Einerseits ist es eine Funktion der Psyche, andererseits ist es der norwegische Gott des Untergrunds (der Gott der unterirdischen Tiefen, der in der slawischen Mythologie am deutlichsten im Helden von Dostojewskis Aufzeichnungen aus dem Untergrund verkörpert ist , das ist Ovinnik).

Mythologie sprudelte durch Ibsen. Vielleicht dachte er, er schreibe über den Niedergang, in dem sich das heutige Norwegen befand, über die kleineren Norweger (so werden Peer Gynt und andere Ibsen-Texte oft interpretiert). Aber er bekam ein Manifest, um das Christentum zu überwinden und zum Heidentum zurückzukehren. (Symbolik ist ein Sonderfall einer solchen Überwindung.)

Betrachten wir Ibsens Werke als Spiegelbild ihrer Zeit, dann nur in dem Sinne, in dem Carl Gustav Jung in seinem Werk „Psychologie und dichterische Kreativität“ von Werken des visionären Typus gesprochen hat. Solche, in denen (oft am Willen des Autors vorbei) der Zeitgeist zum Ausdruck kam. Beim Schreiben einer visionären Arbeit wird der Autor zu einer Art Sprachrohr des kollektiven Unbewussten, das Informationen aus den zurückhaltendsten Tiefen der menschlichen Erfahrung durch sich selbst weiterleitet.
„Daher ist es durchaus verständlich, wenn der Dichter sich wieder mythologischen Gestalten zuwendet, um einen seiner Erfahrung entsprechenden Ausdruck zu finden. Sich vorzustellen, er arbeite einfach mit diesem Material, das er geerbt hat, würde alles verzerren; Tatsächlich schafft er auf der Grundlage der ersten Erfahrung, deren dunkle Natur mythologische Bilder braucht, und greift daher eifrig nach ihnen als etwas Verwandtem, um sich durch sie auszudrücken “, schreibt Jung.
Zweifellos gehören die Werke von Ibsen (insbesondere Peer Gynt) zu diesem visionären Typus.
Christentum, Heidentum und Nietzscheanismus

Ab dem vierten Akt spielt sich bei Peer Gynt alles auf einer anderen Ebene ab - es gibt keine mythischen Monster und Stimmen aus der Dunkelheit. Peer Gynt (jetzt ein wohlhabender Sklavenhändler), der gereift und äußerlich sesshaft geworden ist, lehrt:

Woher kommt Mut?
Auf unserem Lebensweg?
Ohne zu zucken, musst du gehen
Zwischen den Versuchungen des Bösen und Guten,
Berücksichtigen Sie im Kampf, dass die Tage des Kampfes
Dein Alter ist keineswegs vollendet,
Und der richtige Weg zurück
Speichern Sie für eine späte Rettung
Hier ist meine Theorie!

Er teilt seinen Saufkumpanen mit, dass er König der Welt werden will:

Wenn ich nicht ich selbst geworden wäre, - der Herr
Eine gesichtslose Leiche wird über der Welt liegen.
So ungefähr war der Bund -
Und ich finde es nicht besser!

Und auf die Frage „Was bedeutet es, „ich selbst zu werden“? antwortet: anders sein als irgendjemand, so wie der Teufel anders als Gott ist.
Die Frage, was es heißt, „man selbst zu sein“ quält Peer Gynt, verfolgt ihn. Das ist die zentrale Frage des Stücks. Und am Ende wird darauf eine einfache und erschöpfende Antwort gegeben. Ein Hinweis auf die einzige Möglichkeit für einen Menschen, „er selbst zu sein“ ... (Und die einzige Möglichkeit für einen Künstler, Poesie wirklich mit dem Leben zu verbinden.)

In der Literaturkritik wird Peer Gynt oft einem anderen ibsenischen Helden gegenübergestellt, dem Priester Brand (aus dem gleichnamigen Drama). Und sie sagen, dass es Brand war, der immer „er selbst“ geblieben ist.
Wenn Gynt für die literarische Tradition ein typischer „Weder-Fisch-noch-Fleisch“-Mensch ist, eine Art seltener Egoist, der sein ganzes Leben lang vor seinem Schicksal zurückschreckte, wodurch seine Persönlichkeit (und sein Leben) in Stücke zerbrach, dann Brand Wird der Held von Ibsen normalerweise als Geliebter interpretiert, sehen sie in ihm eine Art Ideal einer Person - ganz und vollständig.
Und tatsächlich quält ihn die Suche nach sich selbst keineswegs, aber bei genauem Hinsehen stellt sich heraus, dass Brand gar keine Person ist. Er ist eine Art übermenschliche seelenlose Funktion. Er drängt alle Schwachen, die ihn umgeben, zu Fall, er ist bereit, sein Leben und das Leben anderer zu opfern, weil ... weil er sich (so entschied er!) für Gottes Auserwählten hält. Diese brandianischen Opfer sind nicht einmal mehr Abrahams Opfer, nicht „Glaube durch die Macht des Absurden“, von dem Kierkegaard sprach, sondern die rationale Entscheidung eines willensstarken, stolzen Mannes. Crowleysche Willkür. Nietzscheanischer Stolz.
Daher ist es logisch, dass Brand im Gegensatz zu Peer Gynt, der völlig christlich ist, wenn auch in einem heidnischen Gefolge, gerettet umkommt.
Diese Erlösung geschieht bereits im fünften Akt, der sich wiederum als von symbolischen Visionen erfüllt erweist. Als Peer Gynt in den Wald (in die Tiefen des Unbewussten) flieht, verschmilzt er so sehr mit der Natur, dass das Element, personifiziert durch die Vorstellungskraft des Dichters, beginnt, ihm seine eigenen Gedanken über sich selbst zu erzählen:

Wir sind Lieder, ihr seid wir
Singe nicht aus vollem Halse
Aber tausendmal
Hat uns hartnäckig zum Schweigen gebracht.
In der Seele deines Rechts
Wir warten auf die Freiheit.
Du hast uns nicht gehen lassen.
Du hast Gift.

Biblisches Gleichnis von den Talenten. Ein Sklave, der sein Talent im Boden vergräbt und den Reichtum seines Herrn nicht mehrt, gerät in Ungnade. Der Knopfmacher (eine mythologische Figur, deren Aufgabe es ist, die Seele von Peer Gynt, die weder der Hölle noch dem Himmel würdig ist) zum Einschmelzen zu nehmen, sagt:

Du selbst zu sein bedeutet zu sein
Die Tatsache, dass der Besitzer in Ihnen offenbart hat.

Per windet sich auf jede erdenkliche Weise, entschuldigt sich, weicht aus. Aber die Anklage (Selbstanklage) sieht ziemlich beeindruckend aus: Er ist ein Mann, der sein Schicksal nicht erfüllt hat, ein Talent im Boden vergraben hat, der nicht einmal wusste, wie man richtig sündigt. Alles, was er geschaffen hat, ist ein hässlicher Troll, der seine eigene Art hervorgebracht hat. Kernschmelze oder Hölle - Bestrafung scheint ohnehin unausweichlich...

Per möchte, dass Solveig ihn verurteilt, da er glaubt, dass er ihr am meisten die Schuld gibt. Doch angesichts von Solveig trifft der Sträfling auf die Vestalin. Solveig nennt Peru den Ort, an dem er immer er selbst geblieben ist:
Im Glauben, in meiner Hoffnung und in Liebe!
Ende. Die Rettung. Der Knopfmacher wartet hinter der Hütte...

„Ich habe oben über den Versuch gesprochen, Leben und Arbeit zusammenzuführen, wie über die Wahrheit der Symbolik“, schreibt Chodasewitsch. - Diese Wahrheit wird bei ihm bleiben, obwohl sie nicht ihm allein gehört. Dies ist die ewige Wahrheit, die nur durch die Symbolik am tiefsten und lebendigsten erfahren wird. Wie Goethes Faust vermeidet Peer Gynt am Ende von Ibsens Drama die Vergeltung, weil die Hauptschöpfung seines Lebens die Liebe war.

Rettete einen hohen Geist vor dem Bösen
Gottes Werk:
"Wessen Leben in Bestrebungen vergangen ist,
Wir können ihn retten."
Und für wen die Liebe selbst
Die Petition friert nicht ein
Er wird eine Familie von Engeln sein
Willkommen im Himmel.

Und als Schlusspunkt:

Alles geht schnell-
Symbol, Vergleich.
Das Ziel ist endlos
Hier ist Leistung.
Hier ist Gebot
Alles Wahrheit.
Ewige Weiblichkeit
Zieht uns zu ihr.

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