Wissenswertes über Gemälde. Unbekannte Fakten über berühmte Künstler Interessante Fakten über die Meisterwerke der Weltmalerei

Es ist kein Geheimnis, dass berühmte Persönlichkeiten häufiger als andere in außergewöhnliche Lebenssituationen und diverse Geschichten geraten, die sich dank Zeitzeugen seit Jahrhunderten in ihre Biografien einprägen. In der Regel sind diese Geschichten anekdotisch lustig, manchmal kurios und nicht sehr angenehm, sowie lehrreich, die in die Kategorie der Parabeln übergegangen sind. Heute werden wir über interessante Fakten aus dem Leben berühmter russischer und europäischer klassischer Künstler sprechen.

Das Autogramm eines Künstlers ist zehnmal mehr wert als das Gemälde selbst

Ilja Jefimowitsch Repin. Einmal kaufte eine gewisse Dame ein Gemälde mit der Signatur „I. Repin“, zahlt 100 Rubel dafür. Als sie nach einiger Zeit in das Atelier des Malers kam, zeigte sie dem Künstler ihre Erwerbung. Repin lachte über den unglücklichen Kunden und schrieb am unteren Rand der Leinwand: „Das ist nicht Repin.“ Danach verkaufte die Dame das Gemälde weiter, aber für tausend Rubel.

Malerei ist unsterblich

Pablo Picasso. Ein ziemlich bekannter Arzt der Ausstellung trat an Picasso heran und sagte wichtig: - Ich kenne die anatomische Struktur des menschlichen Körpers ziemlich gut. Ich kann also sagen, dass die Menschen auf Ihren Leinwänden ein gewisses Bedauern und Verwirrung hervorrufen. „Durchaus möglich“, entgegnete Picasso. - Aber ich kann Ihnen versichern, dass sie viel länger leben werden als Ihre Patienten.

Individualismus der Kinder

Selbstporträts. Pablo Picasso mit 15 und mit 90. Einmal, nachdem er eine Ausstellung mit Kinderzeichnungen besucht hatte, sagte Pablo Picasso nachdenklich: - Als ich in ihrem Alter war, konnte ich malen wie Raffael, aber ich brauchte mein ganzes Leben, um zu lernen, wie man zeichnet. Porträt der Mutter des Künstlers (1896), gemalt von dem 15-jährigen Picasso.

Teure Prüfung

Salvador Dalí. Salvador Dali hatte einen sehr cleveren Trick für Restaurantbesitzer. Als er zum ersten Mal einen Veranstaltungsort besuchte, versammelte er eine große Gruppe von Freunden und Bekannten und verwöhnte jeden den ganzen Abend mit Speisen und Getränken von der Speisekarte. Als es an der Zeit war, die Rechnungen zu bezahlen, stellte der Künstler trotzig einen Scheck über eine riesige Summe aus, und dann ... drehte den Scheck um und schrieb ein paar freundliche Worte aus Dankbarkeit an den Besitzer des Etablissements auf die Rückseite und steckte ihn hinein sein Autogramm. Die Rechnung des Meisters war einfach und problemlos: Mit seinem Ruhm als lebendes Genie war sich Dali sicher, dass der Besitzer des Restaurants es niemals wagen würde, einen Scheck mit der Originalunterschrift von Dali selbst einzulösen! So geschah es normalerweise: Gastronomen verstanden, dass sie mit der Zeit viel mehr Geld für diesen Scheck bekommen konnten als nur den Betrag auf der Rechnung, aber der Meister sparte viel Geld.

Wer ist verrückt?

Salvador Dalí. Einmal sagte Salvador Dali in einem Gespräch mit seinen Freunden, dass ihn alle Umwälzungen in der Natur überhaupt nicht mehr überraschen. Dann begann der Gesprächspartner begeistert ein Beispiel für eine mögliche Situation zu geben: - Nun, so sei es, aber wenn um Mitternacht plötzlich ein Licht am Horizont auftauchte und die Morgendämmerung ankündigte? Du schaust und siehst, dass die Sonne aufgeht. Würde Sie das nicht überraschen? Glaubst du nicht, du bist verrückt geworden? „Ganz im Gegenteil“, sagte Dali ohne zu zögern, „ich hätte gedacht, dass diese Sonne verrückt geworden ist.

Kreative Gewerkschaften

Isaac Levitan./„Herbsttag. Sokolniki. (1879)./ Nikolai Tschechow. Wie Sie wissen, hat sich der Künstler Isaac Levitan nur auf Landschaftsmalerei „spezialisiert“, aber es gibt ein Gemälde in seinem Nachlass, das eine weibliche Figur darstellt, die im Park spazieren geht. „Herbsttag. Sokolniki "- so heißt dieses Bild, das er in seinen Studienjahren geschrieben hat. Der Künstler hat sich nie verpflichtet, Menschen zu zeichnen, und fairerweise sollte angemerkt werden, dass das einzige Bild einer Frau nicht vom Künstler selbst gemalt wurde, sondern von seinem Freund aus der Kunstschule, dem Bruder des berühmten Schriftstellers - Nikolai Tschechow.
Ivan Aivazovsky./ "Puschkin am Meeresufer"./ Ilya Repin. Übrigens war dies nicht die einzige kreative Zusammenarbeit in der Kunstgeschichte. Warum nicht einem befreundeten Künstler helfen, der irgendwie versagt? Nicht viele Menschen wissen, dass die Figur von Puschkin in Aiwasowskis Gemälde „Puschkin am Meeresufer“ von Ilya Repin gemalt wurde.
K. A. Savitsky und I. I. Shishkin. Anfang der 1880er Jahre Foto. / "Morgen in einem Kiefernwald". Und die berühmten Bären in Shishkins Gemälde "Morgen in einem Kiefernwald" wurden vom Künstler Savitsky gemalt. Nun, diese lustigen Tiere haben für den genialen Landschaftsmeister nicht geklappt. Aber die Gebühr von viertausend Rubel aus dem Verkauf dieses Gemäldes wurde brüderlich geteilt, und auf der Leinwand befanden sich ursprünglich zwei Autogramme. Alles ist fair ... Der Besitzer des Gemäldes, Pavel Tretyakov, beschloss jedoch, die Urheberschaft Shishkinin zu überlassen, und löschte Savitskys Unterschrift persönlich.

Ergänzt durch den Buchstaben "B" des Namens des Künstlers vom Kaiser persönlich

Karl und Alexander Brjullow. Bis Anfang des 19. Jahrhunderts existierte der Name Bryullov in Russland nicht. Karl Bryullov, der berühmte russische Künstler, wurde in der Familie des Akademikers der dekorativen Skulptur Pavel Bryullo geboren, dessen Vorfahren aus Frankreich stammten. Der Buchstabe „v“ am Ende des Familiennamens wurde Karl und seinem Bruder Alexander, von Beruf Architekt, durch höchsten kaiserlichen Erlass vor einer Rentnerreise nach Italien zugesprochen.

Ausstellung eines Meisterwerks

Archip Kuindzhi. 1880 ereignete sich ein beispielloses Ereignis in der Welt der russischen Kunst. In St. Petersburg wurde erstmals Archip Kuindzhis Gemälde „Mondnacht auf dem Dnjepr“ der Öffentlichkeit gezeigt. Es war überraschend, dass sie die einzige in der Ausstellung war. Gerüchte über das außergewöhnliche Gemälde verbreiteten sich in der ganzen Stadt, lange bevor es gezeigt wurde, und noch am Tag der Eröffnung schien es, als würde sich die ganze Stadt es ansehen. Viele Kutschen blockierten alle umliegenden Straßen, und die Menschen drängten sich in langen Schlangen vor dem Eingang. Viele besuchten die Ausstellung mehrmals.
"Mondnacht am Dnjepr". Die Öffentlichkeit war fasziniert von dem außergewöhnlichen Realismus des Mondlichts auf dem Bild, viele schlugen vor, dass der Künstler leuchtende Farben verwendete, einige schauten sogar heimlich hinter das Bild und versuchten herauszufinden, ob es eine Lampe gab, die den Mond beleuchtete.

Gelübde von Modigliani

Amedeo Modigliani. Amedeo Modigliani, ein berühmter italienischer Künstler, interessierte sich schon sehr früh für das Zeichnen und Malen. Die endgültige Entscheidung, Künstler zu werden, traf er im Alter von elf Jahren nach einer schweren Rippenfellentzündung, als Amedeo im Delirium lag und beschloss: Wenn er überlebte, würde er sich der Malerei widmen. Und er hat sein Wort gehalten.

Kuindzhi und Vögel

Archip Kuindzhi. Arkhip Kuindzhi liebte Vögel sehr. Er konnte stundenlang auf dem Dach seines Hauses sitzen und mit Tauben und Krähen „reden“. Und er sagte seinen Freunden oft, dass die Vögel seine Worte verstehen und leicht in seine Hände gehen. Na ja, trotzdem .... Immerhin gab der Künstler jeden Monat viel Geld für die Fütterung der Vögel aus, kaufte 60 französische Brötchen, bis zu 10 kg Fleisch und 6 Säcke Hafer. Und einmal veröffentlichte der Illustrator Pavel Shcherbov einen Cartoon, in dem Kuindzhi einem Vogel einen Einlauf macht. Sie sagen, dass Arkhip Ivanovich, der keinen besonderen Sinn für Humor hatte, von seinem Kollegen schrecklich beleidigt war.
Karikatur. Gefiederte Patienten (A.I. Kuindzhi auf dem Dach seines Hauses). Autor: Pavel Shcherbov.

Fünftausend für die Decke

Konstantin Egorowitsch Makowski. / Als Flora verkleidetes Mädchen. Konstantin Makovsky war nicht nur für Salonporträts der Ehefrauen wohlhabender Ehemänner berühmt, sondern auch für ihre exorbitanten Preise. Und der Künstler liebte sehr leckeres Essen, das als wahrer Feinschmecker bezeichnet wird. Aber eines Tages geriet er fast in Schwierigkeiten. Baron Akkurti, der gerade ein luxuriöses Herrenhaus mit von Makovsky bemalten Plafonds gekauft hatte, aber ohne seine Autogramme, lud den beliebtesten Künstler zum Frühstück in ein Restaurant ein. In der Hoffnung, dass der Künstler die Plafonds als Zeichen der Dankbarkeit kostenlos signiert. Es wäre also passiert, wenn nicht ein "aber" gewesen wäre ... Makovsky war in Erwartung eines exquisiten Essens bereits weich und versprach, sofort danach zu gehen und alle drei Plafonds kostenlos zu signieren. Und der geizige Baron bestellte endlich: Er ließ Stint und Brot servieren. "Stint? Ich?«, protestierte Makovsky vor sich hin. Und er sagte laut: "Fünftausend Rubel für eine Unterschrift an jeder Decke!"

Valentin oder Anton Serow

Porträt von Mika Morozov. / Walentin Serow. Freunde und Verwandte namens Valentin Serov Anton. Dieser Name haftete ihm in der Kindheit fest an, als Eltern aus übermäßigen Gefühlen für das Baby den kleinen Valentine Valentosha, Tosha, manchmal Tonya, nannten. Wenig später verwandelte sich Tosha in der Familie Mamontov in Antosha. Und die Briefe, die Ilya Repin an den bereits erwachsenen Serov schrieb, begannen oft mit einem Appell: „Anton, Anton!“.

Kleiner Erpresser

*Mädchen mit Pfirsichen*. Autor: W. Serow. Dass Walentin Serow langsam arbeitete, war vor allem seinen Angehörigen bekannt. Und als der Künstler beschloss, ein Porträt von Savva Mamontovs 11-jähriger Tochter Vera zu malen (und die Leinwand als Geburtstagsgeschenk für Elizabeth Mamontova, die Mutter des Mädchens, konzipiert war), stieß Serov auf einen kategorischen Protest gegen das zukünftige Modell . Vera wurde sofort klar, was ihre Zustimmung gefährdet, für den Künstler zu posieren. Sie war keineswegs in Versuchung, wochenlang in bewegungsloser Pose zu sitzen, anstatt mit ihresgleichen durch die Landschaft zu rennen. Vera war stur und Serov hatte keine andere Wahl, als ihren Bedingungen nicht zuzustimmen: Reiten Sie nach jeder Sitzung mit ihr.
*Mädchen mit Pfirsichen*. Fragment. / Verochka Mamontova.

Anfragetext: "Guten Tag!
Ich mochte Ihr Magazin!
Ich bin „Visualist“, weil ich fotografiere und mich vor allem für visuelle Bilder interessiere. Die semantische Last ist nicht so wichtig.
Wenn Sie lesen, dann interessiere ich mich besonders für alles, was mit der Geschichte der bildenden Kunst zu tun hat, nicht nur für Fotografie. Ich habe große Bildungslücken.
Aber es scheint mir, dass solche Materialien die Richtung und sogar die Anwesenheit Ihrer Zeitschrift verringern würden. Ich bin also sehr zufrieden mit dem, was ich von Ihnen sehe.
Ernsthaft :)"
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Ich glaube nicht, dass ein solcher Beitrag die Besucherzahlen des Magazins schmälern wird :)...
aber einige Fakten sind wirklich sehr interessant - ich rate Ihnen, sie zu lesen

Nicht ganz gewöhnliche Fakten aus dem Leben legendärer Talente.

Sie können eine Vielzahl von Informationen über berühmte Künstler finden - wie sie lebten, wie sie ihre unsterblichen Werke schufen. Viele denken normalerweise nicht über die Merkmale des Charakters und Lebensstils des Künstlers nach. Aber manche Fakten aus der Biografie oder der Entstehungsgeschichte eines bestimmten Bildes sind mitunter sehr unterhaltsam und sogar trotzig.

Pablo Picasso

Gute Künstler kopieren, große Künstler stehlen.

Als Pablo Picasso geboren wurde, dachte die Hebamme, er sei tot geboren. Das Kind wurde von seinem Onkel gerettet, der Zigarren rauchte und das Baby auf dem Tisch liegen sah, ihm Rauch ins Gesicht blies, woraufhin Pablo brüllte. Man kann also sagen, dass das Rauchen Picassos Leben gerettet hat.

Anscheinend wurde Pablo als Künstler geboren - sein erstes Wort war PIZ, kurz für LAPIZ ("Bleistift" auf Spanisch).

In den ersten Jahren seines Lebens in Paris war Picasso so arm, dass er manchmal gezwungen war, mit seinen Bildern statt mit Brennholz zu heizen.

Picasso trug lange Kleider, und er hatte auch lange Haare, was zu dieser Zeit undenkbar war.

Picassos vollständiger Name besteht aus 23 Wörtern: Pablo-Diego-Jose-Francisco-de-Paula-Juan-N epomuseno-Maria de los Remedios-Cypriano-d e-la-Santisima-Trinidad-Martir-Patricio-C Lito -Ruiz- und-Picasso.

Vincent van Gogh

Haben Sie keine Angst, Fehler zu machen. Viele glauben, dass sie gut werden, wenn sie nichts falsch machen.

Die Fülle an gelber Farbe und gelben Flecken in verschiedenen Schattierungen in seinen Gemälden wird vermutlich durch die große Menge an Medikamenten gegen Epilepsie verursacht, die durch den übermäßigen Konsum von Absinth entstanden sind. "Sternennacht", "Sonnenblumen".

Während seines hektischen Lebens besuchte Van Gogh mehr als eine psychiatrische Klinik mit Diagnosen, die von Schizophrenie bis zu manisch-depressiver Psychose reichten. Sein berühmtestes Gemälde, Sternennacht, wurde 1889 in einem Krankenhaus in der Stadt San Remy gemalt.

Selbstmord begangen. Er hat sich in den Bauch geschossen, als er sich auf dem Hof ​​hinter einem Misthaufen versteckte. Er war 37 Jahre alt.

Sein ganzes Leben lang litt Van Gogh unter einem geringen Selbstwertgefühl. Zu seinen Lebzeiten verkaufte er nur eines seiner Werke - Red Vineyard at Arles. Und berühmt wurde er erst nach seinem Tod. Wenn Van Gogh nur wüsste, wie beliebt sein Werk werden würde.

Van Gogh hat sich nicht das ganze Ohr abgeschnitten, sondern nur ein Stück seines Ohrläppchens, was praktisch nicht schmerzhaft ist. Allerdings ist die Legende immer noch weit verbreitet, dass der Künstler sein komplettes Ohr amputierte. Diese Legende spiegelte sich sogar in den Merkmalen des Verhaltens eines Patienten wider, der sich selbst operiert oder auf einer bestimmten Operation besteht - er wurde Van-Gogh-Syndrom genannt.

Leonardo da Vinci

Wer in Angst lebt, stirbt an Angst.

Leonardo war der erste, der erklärte, warum der Himmel blau ist. In dem Buch „Über die Malerei“ schrieb er: „Das Blau des Himmels ist auf die Dicke der beleuchteten Luftpartikel zurückzuführen, die sich zwischen der Erde und der Schwärze darüber befinden.“

Leonardo war beidhändig – er beherrschte seine rechte und linke Hand gleichermaßen. Es wird sogar gesagt, dass er mit verschiedenen Händen gleichzeitig verschiedene Texte schreiben konnte. Die meisten seiner Werke schrieb er jedoch mit der linken Hand von rechts nach links.

Er spielte meisterhaft die Leier. Als Leonardos Fall vor dem Mailänder Gericht verhandelt wurde, trat er dort gerade als Musiker auf und nicht als Künstler oder Erfinder.

Leonardo war der erste Maler, der Leichen zerstückelte, um die Lage und Struktur der Muskeln zu verstehen.

Leonardo da Vinci war strenger Vegetarier und trank nie Kuhmilch, da er sie für Diebstahl hielt.

Salvador Dalí

Wenn ich keine Feinde hätte, wäre ich nicht der, der ich bin. Aber Gott sei Dank gab es genug Feinde.

Als er 1934 in New York ankam, trug er als Accessoire einen zwei Meter langen Laib Brot in den Händen, und beim Besuch einer Ausstellung surrealistischer Kunst in London kleidete er sich in einen Taucheranzug.

Die Leinwand „The Persistence of Memory“ („Soft Clock“) schrieb Dali unter dem Eindruck von Einsteins Relativitätstheorie. Die Idee in El Salvadors Kopf nahm Gestalt an, als er an einem heißen Augusttag ein Stück Camembert-Käse betrachtete.

Salvador Dali schlief oft mit einem Schlüssel in der Hand ein. Auf einem Stuhl sitzend schlief er mit einem schweren Schlüssel zwischen den Fingern ein. Allmählich wurde der Griff schwächer, der Schlüssel fiel herunter und traf einen am Boden liegenden Teller. Die Gedanken, die während des Nickerchens aufkamen, könnten neue Ideen oder Lösungen für komplexe Probleme sein.

Der große Künstler vermachte ihm zu Lebzeiten, ihn zu begraben, damit die Menschen auf dem Grab laufen konnten, und so wurde sein Körper in die Wand des Dali-Museums in Figueres eingemauert. Fotografieren mit Blitz ist in diesem Raum nicht gestattet.

Salvador Dalis Spitzname war „Avida Dollars“, was „leidenschaftlich liebende Dollars“ bedeutet.

Das Chupa Chups-Logo wurde von Salvador Dali entworfen. In leicht modifizierter Form hat es sich bis heute erhalten.

Fast jedes von Dalis Werken hat entweder ein Porträt oder eine Silhouette von ihm.

Henri Matisse

Überall blühen Blumen für alle, die sie nur sehen wollen.

1961 hing Le Bateau von Henri Matisse, ausgestellt im New Yorker Museum of Modern Art, siebenundvierzig Tage lang kopfüber. Das Bild wurde am 17. Oktober in der Galerie aufgehängt, und erst am 3. Dezember sah jemand den Fehler.

Henri Matisse litt unter Depressionen und Schlaflosigkeit, schluchzte manchmal im Schlaf und wachte schreiend auf. Eines Tages hatte er ohne Grund plötzlich Angst, zu erblinden. Und er lernte sogar Geige spielen, um seinen Lebensunterhalt als Straßenmusiker zu verdienen, als er sein Augenlicht verlor.

Viele Jahre lebte Matisse in Armut. Er war ungefähr vierzig, als er endlich alleine für seine Familie sorgen konnte.

Henri Matisse hat nie Felsen, Häuser aus klarem Kristall oder bebaute Felder gemalt.

In den letzten 10 Jahren seines Lebens wurde bei ihm Zwölffingerdarmkrebs diagnostiziert und er musste im Rollstuhl bleiben.

Edward Munch

In meiner Kunst habe ich versucht, mir das Leben und seine Bedeutung zu erklären, ich habe auch versucht, anderen zu helfen, ihr Leben zu erklären.

Munch war erst fünf Jahre alt, als seine Mutter an Tuberkulose starb, dann verlor er seine ältere Schwester. Seitdem taucht das Thema Tod immer wieder in seinem Werk auf und der Lebensweg des Künstlers erklärt sich von den ersten Schritten an zu einem Lebensdrama.

Sein Gemälde „Der Schrei“ ist das teuerste Kunstwerk, das jemals öffentlich versteigert wurde.

Er war von der Arbeit besessen und sprach selbst so darüber: „Schreiben ist für mich eine Krankheit und ein Rausch. Eine Krankheit, die ich nicht loswerden möchte, und ein Rausch, in dem ich sein möchte."

Paul Gauguin

Kunst ist eine Abstraktion, extrahiere sie aus der Natur, fantasiere auf ihrer Grundlage und denke mehr über den Entstehungsprozess als über das Ergebnis nach.

Der Künstler wurde in Paris geboren, verbrachte aber seine Kindheit in Peru. Daher seine Liebe zu den exotischen und tropischen Ländern.

Gauguin änderte leicht Techniken und Materialien. Er liebte auch die Holzschnitzerei. Da er oft in finanzielle Schwierigkeiten geriet, konnte er keine Farbe kaufen. Dann nahm er das Messer und das Holz. Er schmückte die Türen seines Hauses auf den Marquesas mit geschnitzten Tafeln.

Paul Gauguin arbeitete als Arbeiter am Panamakanal.

Stillleben schreibt der Künstler meist ohne Vorlage.

Nachdem er die Bibel gründlich studiert hatte, malte er 1889 vier Leinwände, auf denen er sich im Bild Christi darstellte.

Häufige und Promiskuität mit Mädchen führten dazu, dass Gauguin an Syphilis erkrankte.

Renoir Pierre Auguste

Mit vierzig entdeckte ich, dass Schwarz der König aller Farben ist.

Um 1880 bricht sich Renoir erstmals den rechten Arm. Anstatt sich darüber aufzuregen und zu trauern, nimmt er den Pinsel nach links, und nach einer Weile zweifelt niemand daran, dass er Meisterwerke mit beiden Händen schreiben kann.

Es gelang ihm, in 60 Jahren etwa 6.000 Gemälde zu malen.

Renoir liebte die Malerei so sehr, dass er auch im hohen Alter nicht aufhörte zu arbeiten, an verschiedenen Formen von Arthritis litt und mit einem am Ärmel befestigten Pinsel malte. Eines Tages fragte sein enger Freund Matisse: „Auguste, warum hörst du nicht auf zu malen, du leidest so sehr?“ Renoir beschränkte sich auf die Antwort: „La douleur passe, la beauté reste“ (Der Schmerz vergeht, aber die Schönheit bleibt).

In diesem Abschnitt der Website haben wir versucht, die erstaunlichsten und interessantesten Fakten über die von Künstlern geschaffenen Gemälde zu sammeln.

Eine Betrügerin, die sich Prinzessin Tarakanova nannte

In dem berühmten Gemälde von Flavitsky „Prinzessin Tarakanova“ ist die Heldin vor ihrem Tod während der St. Petersburger Flut von 1777 dargestellt. Der wahre Betrüger, der Prinzessin Tarakanova hieß und vorgab, die Tochter von Elizabeth Petrovna und die Schwester von Emelyan Pugachev zu sein, starb jedoch zwei Jahre zuvor in Gefangenschaft an Schwindsucht.

„Schwarzes Quadrat“ hängt kopfüber in der Tretjakow-Galerie

Untersuchungen von Malewitschs „Schwarzem Quadrat“ mit Hilfe eines Mikroskops und Röntgenaufnahmen ergaben, dass sich darunter gleich zwei frühere, mit farbigen Farben bemalte Werke verbergen – das eine gehört der kubo-futuristischen Schaffensphase des Künstlers an, das zweite der proto-suprematistischer. Außerdem wurde unter einer Farbschicht die Inschrift „Battle of the Negroes at Night“ von Malevich gefunden, die sich auf die absolut schwarze Comic-Leinwand von Alphonse Allais bezieht, die 30 Jahre zuvor gemalt wurde. Und der Ort und die Richtung der Inschrift weisen darauf hin, dass das Bild in der Tretjakow-Galerie verkehrt herum hängt.

Welcher Fälscher wurde so berühmt, dass Fälschungen seiner Fälschungen zum Verkauf auftauchten?

Der in Ungarn geborene Künstler Elmir de Hory wurde als einer der geschicktesten Fälscher berühmter Maler berühmt. Seine „Karriere“ mit der Nachahmung von Picassos Werken beginnend, gelang es de Hory, in seinem Leben Tausende von Fälschungen zu verkaufen, obwohl es im rechtlichen Sinne nicht ganz korrekt ist, sie als Fälschungen zu bezeichnen, da de Hory kein einziges Gemälde mit diesem Namen signierte des Schöpfers des Originals. Seine Beherrschung der Nachahmung ist in der Kunstwelt so berühmt geworden, dass unter de Hory selbst Fälschungen auftauchen. 2014 wurden zwei ihm zugeschriebene Gemälde im Stil von Claude Monet in Neuseeland versteigert, doch ein Experte für die Werke von de Hory konnte die Tatsache einer doppelten Fälschung erkennen.

Wissenschaftler baten Kustodiev, ihr Porträt zu malen, da er noch nicht berühmt war

1921 wandten sich zwei junge Wissenschaftler an den Künstler Boris Kustodiev mit der Bitte, ihr Porträt zu malen. Ihr Argument war, dass Kustodiev nur Prominente zeichnet, und sie sind sich sicher, dass sie auch berühmt werden, auch wenn sie jetzt niemandem besonders bekannt sind. Diese Wissenschaftler waren Pyotr Kapitsa und Nikolai Semyonov, zukünftige Nobelpreisträger für Physik bzw. Chemie. Als Honorar gaben sie dem Künstler einen Sack Hirse und einen Hahn für die Reparatur der Mühle.

Der Titel welches Rembrandt-Gemäldes widerspricht der Intention des Künstlers?

Rembrandts 1642 entstandenes Gemälde „Die Aufführung der Schützenkompanie von Hauptmann Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenbürg“ wurde schließlich besser bekannt als „Nachtwache“. Bei der Restaurierung der Leinwand im Jahr 1947 stellte sich jedoch heraus, dass das Wort "Nacht" hier nicht sehr angebracht ist. Rembrandt bedeckte das Gemälde mit mehreren Schichten dunkler Firnis, und in den langen Jahren ihres Aufenthalts im Amsterdamer Rathaus wurde sie auch ein Opfer des Rußes aus dem Kamin. Die Reinigung der Leinwand, gepaart mit der Analyse der Schatten der Figuren, zeigte, dass die Handlung zwischen 12 und 2 Uhr nachmittags stattfindet.

Warum haben amerikanische Lehrer George Washingtons Verzierungen in dem Gemälde übermalt?

Washington Crossing the Delaware von Emanuel Leutze zeigt eine Rebellentruppe, die während der amerikanischen Revolution in Booten den Fluss überquert. Bei George Washington selbst, der in einer Pose steht und sein rechtes Bein am Knie angewinkelt hat, sieht man zwei abgerundete rote Ornamente, die unter dem Saum des Mieders hervorragen, die ein Detail der Uhrenkette sind. Da das Bild immer wieder in Lehrbüchern für amerikanische Schulen abgedruckt wurde, versuchten viele Lehrer, diese Verzierungen zu übermalen, damit Kinder sie nicht mit den Genitalien in Verbindung brachten.

Nackte Mona Lisa

Einer von Leonardo da Vincis Schülern war ein junger Mann namens Salai. Viele Kunstkritiker sind sich sicher, dass er das Vorbild für Leonardos Gemälde „Johannes der Täufer“ und „Bacchus“ war. Es gibt auch Versionen, in denen Salai, gekleidet in ein Frauenkleid, als Abbild der Mona Lisa selbst diente und dass zwischen dem Schüler und dem Lehrer eine intime Beziehung bestand. Die Werke von Salai selbst sind wenig bekannt, eines davon ist eine nackte Version der Gioconda namens "Monna Vanna".

Welches berühmte russische Gemälde wurde vom Stierkampf inspiriert?

Ilya Repin wurde durch mehrere Ereignisse zu dem Gemälde „Iwan der Schreckliche und sein Sohn Ivan“ inspiriert. Das erste ist die Ermordung Zar Alexanders II. durch eine Bombenexplosion, das zweite ist Repins Besuch bei Rimski-Korsakows Konzert im selben Jahr, wo er von der Musik der Symphonischen Suite Antar beeindruckt war und diese Stimmung auf die Leinwand bringen wollte. Und der letzte Reiz für den Künstler war ein Besuch bei einem Stierkampf in Spanien, woraufhin er in sein Tagebuch schrieb: „Unglück, lebendiger Tod, Mord und Blut sind eine anziehende Kraft ... Und ich, da ich mich wahrscheinlich davon angesteckt habe Blutigkeit, bei der Ankunft zu Hause, begann sofort für die blutige Szene.

Wer hat außer dem Künstler Manet das Gemälde „Frühstück im Gras“ gemalt?

Die Künstler Edouard Manet und Claude Monet sind manchmal verwirrt – schließlich waren sie beide Franzosen, lebten zur gleichen Zeit und arbeiteten im Stil des Impressionismus. Sogar den Namen eines von Manets berühmtesten Gemälden, „Breakfast on the Grass“, entlehnte Monet und schrieb sein „Breakfast on the Grass“.

Warum wurde Gauguins „Bretonisches Dorf im Schnee“ unter dem Namen „Niagarafälle“ verkauft?

Paul Gauguins Gemälde Bretonisches Dorf im Schnee wurde nach seinem Tod versteigert. Der Auktionator hat es fälschlicherweise verkehrt herum aufgehängt und unter dem Namen "Niagara Falls" aufgestellt.

Warum sitzt einer der Kosaken auf dem Bild "Cossacks" ohne Hemd?

In Repins Gemälde "Cossacks" sitzt nur ein Kosak am Tisch, nackt über der Taille. Tatsache ist, dass dieser Charakter ein begeisterter Spieler ist, direkt neben ihm befindet sich ein Deck. Wenn man in Sich um Geld spielte, war es Tradition, die Hemden auszuziehen, damit niemand schummeln konnte, indem er Karten im Ärmel versteckte.

Welcher Künstler platzierte gerne Reproduktionen seiner anderen Gemälde an den Wänden der abgebildeten Räume?

In der oberen linken Ecke von Reshetnikovs Gemälde „Again a deuce“ befindet sich eine Reproduktion seines anderen berühmten Gemäldes „I Arrived on Vacation“. Eine Reproduktion von „Again deuces“ wiederum befindet sich in der oberen linken Ecke des Gemäldes „Re-examination“, für das derselbe Junge posierte. Sein Protagonist sitzt im Sommer in einem Landhaus am Tisch und büffelt, während der Rest der Kinder draußen spielt.

Welcher Multimillionen-Dollar-Deal scheiterte an einem ungeschickten Ellbogenschlag?

Im Jahr 2006 erklärte sich der amerikanische Tycoon Steve Wynn bereit, Pablo Picassos „Der Traum“ für 139 Millionen Dollar zu verkaufen, einen der höchsten Preise in der Geschichte für ein Kunstwerk. Während der Demonstration des Gemäldes wedelte Wynn jedoch zu viel mit den Armen und zerriss die Leinwand mit seinem Ellbogen. Der Besitzer sah dies als Zeichen von oben und entschied sich, das Gemälde nach der Restaurierung nicht zu verkaufen.

Wann hätte Repin sein Gemälde „Iwan der Schreckliche und sein Sohn Ivan“ fast ruiniert?

1913 zerschnitt ein geisteskranker Ikonenmaler Repins Gemälde „Iwan der Schreckliche und sein Sohn Ivan“ mit einem Messer. Dank der rechtzeitigen Arbeit der Restauratoren wurde das Gemälde in seiner ursprünglichen Form wiederhergestellt. Repin selbst kam nach Moskau und malte den Kopf des Schrecklichen in einem unangenehmen lila Maßstab neu, der nicht zum restlichen Maßstab des Bildes passte - die Ansichten des Künstlers über die Malerei haben sich in 20 Jahren stark verändert. Die Restauratoren entfernten diese Korrekturen und brachten das Gemälde auf eine exakte Übereinstimmung mit seinen detaillierten Fotografien. Und Repin, der später das restaurierte Bild sah, bemerkte nichts.

Warum hat Picasso mit seinen Bildern den Ofen angeheizt?

In den ersten Jahren seines Lebens in Paris war Picasso so arm, dass er manchmal gezwungen war, mit seinen Bildern statt mit Brennholz zu heizen.

Welches Gemälde hängt schon lange kopfüber im Museum?

Im New Yorker Museum of Modern Art wurde 1961 das Gemälde „The Boat“ von Henri Matisse ausgestellt. Erst nach 47 Tagen bemerkte jemand, dass das Bild verkehrt herum hing.

Jede Kreation des Künstlers ist einzigartig, in jedem Bild steckt ein Stück Seele seines Schöpfers. Aber wie alles andere hat auch die Malerei ihre eigenen Nuancen, Künstler haben ihre eigenen Tricks. Jedes Bild ist zugeordnet interessante Fakten, am meisten das Kuriose davon stellen wir Ihnen vor.

1. Apelles(370 - 306 v. Chr.) war ein herausragender altgriechischer Künstler, ein Freund von Alexander dem Großen. Mit seinem Namen sind viele interessante Fakten verbunden. Einer der Legenden zufolge veranstaltete Apelles mit einem anderen Künstler einen Wettbewerb um den Realismus des Bildes. Als die Leinwand vom Gemälde des Mitbewerbers entfernt wurde, strömten die Vögel sofort in Scharen zu dem überraschend lebhaften Weinzweig. Dann fingen sie an, den Schleier von Apelles' Gemälde zu entfernen, aber den Assistenten gelang es nicht – der Schleier war auf dem Bild abgebildet!

2. Bei einem der berühmtesten Gemälde Rubens"Das Fest der Götter auf dem Olymp" blieb lange Zeit unbekannt, das Datum der Entstehung. Schließlich sahen sich Astronomen es genauer an und es stellte sich heraus, dass sich die Zeichen genau so befanden, wie sie sich 1602 am Himmel des Planeten befanden.

3. Zu Sowjetzeiten musste jeder Künstler sein Bild durch eine Kommission schicken können, die oft wenig versiert in der bildenden Kunst war. Ich musste die interessantesten und unerwartetsten Züge erfinden. So malte ein Künstler einen völlig unpassenden gelben Hund in die Ecke des Bildes. Dieser gelbe Hund wurde zum Hauptdiskussionsthema der Kommission, die sich um nichts mehr kümmerte. Es wurde ein Urteil gefällt - das Bild zu akzeptieren, nachdem der Hund entfernt wurde.

4. Van Meieren war ein talentierter niederländischer Künstler. Leider wurden seine Werke nicht gewürdigt, aber seine Kopien von Gemälden berühmter Maler erfreuten sich einer beispiellosen Beliebtheit. Diese Kopien verkaufte er an die Nazis. Nach dem Krieg stand er vor einem Dilemma – entweder beschuldigt zu werden, den Nationalschatz verkauft zu haben, oder zu beweisen, dass es sich um Fälschungen handelte. Interessanterweise schuf er in nur wenigen Tagen unter Aufsicht des Gerichts tatsächlich ein neues Bild.

5. Wassili Dmitrijewitsch Polenow(1844-1927) war ein anerkannter Meister der Historienmalerei. Sein Pinsel gehört zu einem interessanten Gemälde mit dem Originaltitel „Christus und der Sünder“. Aber das Bild wurde damals nicht akzeptiert, da der Künstler Christus ohne den obligatorischen Heiligenschein tatsächlich als den gewöhnlichsten Menschen darstellte. Das Bild konnte erst nach der Umbenennung in "Die verlorene Frau" für das Publikum ausgestellt werden.

6. Ein Künstler hat es geschafft, seine Fälschung auf originellste Weise vorzustellen. Er malte ein weiteres Bild auf eine gefälschte Leinwand und brachte alles zum Restaurator. Im Laufe seiner Arbeit entdeckte er diese „doppelte“ interessante Tatsache und es wurde bekannt gegeben, dass er einen „unbekannten“ gefunden hatte Monet“, an deren Echtheit lange keine Zweifel bestanden.

7. Eine andere originelle Möglichkeit ermöglicht es Ihnen, eine Fälschung zu verkaufen. In den Rahmen sind zwei Gemälde eingesetzt, von denen eines echt ist. Dieses ganze „Sandwich“ wird geprüft und erhält ein offizielles Urteil über die Echtheit des Werkes. Danach wird eines der Gemälde herausgenommen und das zweite an einen naiven Käufer verkauft.

8. Bilder Viktor Michailowitsch Wasnezow auf epische Geschichten unter anderen russischen Künstlern waren nicht besonders beliebt, einige nannten sogar "Tot" sein "Nach der Schlacht von Igor Swjatoslawowitsch mit dem Polovtsy" und "Teppich mit Ohren" seinen fabelhaften "Teppichflug".

9. Ein interessantes Geschäft machte eine Dame in einem von Ilya Efimovich Repin signierten Gemälde. Sie hat gerade ein bestimmtes Gemälde für nur 10 Rubel gekauft, aber mit einer stolzen Unterschrift " I. Repin"Die Dame zeigte diese Arbeit Ilya Efimovich nach einiger Zeit. Der Künstler lachte und fügte hinzu: "Das ist nicht Repin", woraufhin die Dame sein Autogramm (natürlich zusammen mit dem Bild) für 100 Rubel verkaufte.

10. Künstler haben sich oft gegenseitig geholfen, weil jeder seine Lieblingsgeschichten hat, aber es gibt auch Schwächen. Verwenden Sie in diesem Fall natürlich die Hilfe eines Freundes - Repin schrieb Puschkin für das Bild Aiwasowski"Puschkin am Meeresufer", Nikolai Tschechow malte eine Dame in Schwarz für das Gemälde "Herbsttag. Sokolniki" Levitan, und die berühmtesten Bären aus Shishkins "Morgen in einem Kiefernwald" geschrieben Savitsky.

Wissenswertes über die Malerei
Einige berühmte Gemälde haben eine sehr interessante und manchmal sogar lustige Entstehungsgeschichte. Die Fakten werden Ihnen sagen, was Sie vielleicht noch nicht über berühmte Künstler und ihre Meisterwerke wussten.

1 Leonardo da Vinci konnte lange Zeit keinen Sitter für das Bild des Judas in „Das letzte Abendmahl“ finden.

Für viele Historiker und Kunsthistoriker ist Leonardo da Vincis Das letzte Abendmahl das größte Werk der Weltkunst. In The Da Vinci Code lenkt Dan Brown die Aufmerksamkeit der Leser auf einige der symbolischen Elemente des Gemäldes, als Sophie Neveu in Lee Teabings Haus erfährt, dass Leonardo möglicherweise ein großes Geheimnis in seinem Meisterwerk verschlüsselt hat.
Das letzte Abendmahl ist ein Fresko an der Wand des Refektoriums des Klosters Santa Maria della Grazie in Mailand. Schon zu Leonardos Zeiten galt sie als sein bestes und berühmtestes Werk. Das Fresko wurde zwischen 1495 und 1497 geschaffen, aber bereits in den ersten zwanzig Jahren seines Bestehens begann es, wie aus den schriftlichen Zeugnissen dieser Jahre hervorgeht, zu verfallen. Seine Abmessungen betragen etwa 15 mal 29 Fuß. Das Fresko wurde mit einer dicken Schicht Eitempera auf Trockenputz gemalt. Unter der Hauptfarbschicht befindet sich eine grobe Kompositionsskizze, eine Studie, die in einer Weise, die die übliche Verwendung von Karton vorwegnimmt, in Rot beschriftet ist. Es ist eine Art vorbereitendes Werkzeug.
Auftraggeber des Gemäldes war bekanntlich der Mailänder Herzog Lodovico Sforza, an dessen Hof Leonardo als großer Maler berühmt wurde, und keineswegs die Mönche des Klosters Santa Maria della Grazie.
Thema des Bildes ist der Moment, in dem Jesus Christus seinen Jüngern verkündet, dass einer von ihnen ihn verraten wird. Pacioli schreibt darüber im dritten Kapitel seines Buches Divine Proportion. Es war dieser Moment – ​​als Christus den Verrat ankündigt – den Leonardo da Vinci eingefangen hat. Um Genauigkeit und Lebensechtheit zu erreichen, studierte er die Körperhaltungen und Gesichtsausdrücke vieler seiner Zeitgenossen, die er später auf dem Bild darstellte. Die Identität der Apostel war immer wieder Gegenstand von Kontroversen, aber nach den Inschriften auf der in Lugano aufbewahrten Kopie des Bildes zu urteilen, sind dies (von links nach rechts): Bartholomäus, Jakobus der Jüngere, Andreas, Judas, Petrus, John, Thomas, James the Elder, Philip, Matthew, Thaddeus und Simon the Zealot.
Viele Kunsthistoriker glauben, dass diese Komposition als ikonografische Interpretation der Eucharistie - Kommunion - zu verstehen ist, da Jesus Christus mit beiden Händen auf den Tisch mit Wein und Brot zeigt.
Fast alle Gelehrten von Leonardos Werk sind sich einig, dass der ideale Ort, um das Gemälde zu betrachten, aus einer Höhe von etwa 13-15 Fuß über dem Boden und in einer Entfernung von 26-33 Fuß davon ist. Es gibt eine – heute umstrittene – Meinung, dass die Komposition und das System ihrer Perspektive auf dem musikalischen Proportionskanon beruhen.
Der einzigartige Charakter des Letzten Abendmahls ergibt sich aus der Tatsache, dass es im Gegensatz zu anderen Gemälden dieser Art die erstaunliche Vielfalt und den Reichtum der Emotionen der Charaktere zeigt, die durch die Worte Jesu verursacht werden, dass einer der Jünger ihn verraten wird. Kein anderes Gemälde, das auf dem Letzten Abendmahl basiert, kann auch nur annähernd an die einzigartige Komposition und Liebe zum Detail in Leonardos Meisterwerk heranreichen.
Welche Geheimnisse konnte der große Künstler also in seiner Kreation entschlüsseln? In The Discovery of the Templers argumentieren Clive Prince und Lynn Picknett, dass mehrere Elemente der Struktur von The Last Supper auf die darin verschlüsselten Symbole hinweisen.
Erstens glauben sie, dass die Figur auf der rechten Seite von Jesus (für den Betrachter auf der linken Seite) nicht Johannes ist, sondern eine bestimmte Frau. Sie trägt ein Gewand, dessen Farbe sich von der Kleidung Christi abhebt, sie ist in die entgegengesetzte Richtung von Jesus geneigt, der in der Mitte sitzt. Der Raum zwischen dieser weiblichen Figur und Jesus ist V-förmig, und die Figuren selbst bilden den Buchstaben M.
Zweitens ist auf dem Bild ihrer Meinung nach eine bestimmte Hand neben Peter zu sehen, die ein Messer drückt. Prince und Picknett argumentieren, dass diese Hand zu keiner der Figuren auf dem Bild gehört.
Drittens, direkt links von Jesus sitzend (rechts - für das Publikum), Thomas, der sich an Christus wandte, hob seinen Finger. Laut den Autoren handelt es sich dabei um eine typische Geste Johannes des Täufers.
Und schließlich gibt es eine Hypothese, dass der Apostel Thaddeus, der mit dem Rücken zu Christus sitzt, tatsächlich ein Selbstporträt von Leonardo selbst ist.

Der Goldene Schnitt von Leonardo da Vinci

Leonardos berühmtestes Werk, das berühmte „Letzte Abendmahl“ im Dominikanerkloster Santa Maria delle Grazie in Mailand, entstand zwischen 1495 und 1497.
Der Pinsel von Leonardo erfasste das letzte gemeinsame Mahl (Abendessen) von Jesus Christus und den zwölf Aposteln am Vorabend des Tages (Karfreitag) des Todes Christi am Kreuz.

Leonardo bereitete sich sorgfältig und lange auf die Mailänder Malerei vor. Er fertigte viele Skizzen an, in denen er die Haltungen und Gesten einzelner Figuren studierte. Das Letzte Abendmahl lockte ihn nicht mit seinem dogmatischen Inhalt, sondern mit der Möglichkeit, vor dem Zuschauer ein großes menschliches Drama zu entfalten, verschiedene Charaktere zu zeigen, die geistige Welt eines Menschen zu enthüllen und seine Erfahrungen genau und klar zu beschreiben. Er nahm das letzte Abendmahl als Szene des Verrats und setzte sich zum Ziel, in dieses traditionelle Bild jenen dramatischen Anfang einzuführen, der ihm einen völlig neuen emotionalen Klang verleiht.

Beim Nachdenken über das Konzept des Letzten Abendmahls fertigte Leonardo nicht nur Skizzen an, sondern schrieb auch seine Gedanken über die Handlungen einzelner Teilnehmer dieser Szene nieder: Blickt seinen Begleiter an, der andere zeigt seine Handflächen, hebt seine Schultern zu seinen Ohren und drückt Überraschung mit seinem Mund aus ... "Die Aufzeichnung gibt die Namen der Apostel nicht an, aber Leonardo hat sich offenbar die Handlungen jedes einzelnen von ihnen und den Platz, den jeder von ihnen in der Gesamtkomposition berufen hat, klar vorgestellt. Indem er Posen und Gesten in den Zeichnungen festlegte, suchte er nach solchen Ausdrucksformen, die alle Figuren in einen einzigen Strudel der Leidenschaften einbeziehen würden. Er wollte lebende Menschen in den Bildern der Apostel festhalten, von denen jeder auf seine Weise auf das Ereignis reagiert.

Das letzte Abendmahl ist Leonardos reifstes und vollständigstes Werk.
Es gibt mehrere Legenden, die von dem großen Meister und seiner Malerei erzählen.

Einer von ihnen zufolge stand Leonardo da Vinci bei der Erstellung des Freskos „Das letzte Abendmahl“ vor einer großen Schwierigkeit: Er musste das Gute darstellen, verkörpert im Bild von Jesus, und das Böse – im Bild von Judas, der sich dafür entschied Verrate ihn bei diesem Essen. Leonardo unterbrach die Arbeit mittendrin und nahm sie erst wieder auf, nachdem er die idealen Modelle gefunden hatte.

Als der Künstler einmal bei einer Choraufführung anwesend war, sah er in einem der jungen Sänger das perfekte Bild Christi und fertigte mehrere Skizzen und Skizzen von ihm an, als er ihn in sein Atelier einlud.
Drei Jahre sind vergangen. Das letzte Abendmahl war fast fertig, aber Leonardo musste noch einen geeigneten Sitter für Judas finden. Der Kardinal, der für die Ausmalung der Kathedrale zuständig war, drängte ihn und forderte, dass das Fresko so schnell wie möglich fertiggestellt werde.
Und nach vielen Tagen der Suche sah der Künstler einen Mann in der Rinne liegen - jung, aber vorzeitig gebrechlich, schmutzig, betrunken und zerlumpt. Für Studien blieb keine Zeit mehr, und Leonardo befahl seinen Assistenten, ihn direkt zur Kathedrale zu bringen, was sie auch taten.
Mit großer Mühe schleppten sie ihn dorthin und stellten ihn auf die Beine. Er verstand nicht wirklich, was geschah, und Leonardo fing auf der Leinwand die Sündhaftigkeit, den Egoismus und die Bosheit ein, die sein Gesicht atmete.
Als er mit der Arbeit fertig war, öffnete der Bettler, der zu diesem Zeitpunkt schon etwas nüchtern war, die Augen, sah die Leinwand vor sich und rief vor Schreck und Angst:
- Ich habe dieses Bild schon einmal gesehen!
- Wenn? fragte Leonardo verwirrt.
„Vor drei Jahren, bevor ich alles verloren habe. Damals, als ich im Chor sang und mein Leben voller Träume war, malte irgendein Künstler Christus von mir.

Einer anderen Legende zufolge forderte der Prior des Klosters, unzufrieden mit der Langsamkeit Leonardos, eindringlich, dass er seine Arbeit so schnell wie möglich beendete. „Es kam ihm seltsam vor, zu sehen, dass Leonardo den ganzen halben Tag in Gedanken versunken war. Er wollte, dass der Künstler die Pinsel nicht loslässt, wie sie im Garten nicht aufhören zu arbeiten. Nicht nur hierauf beschwerte er sich beim Herzog und begann ihn so sehr zu belästigen, dass er gezwungen war, nach Leonardo zu schicken und ihn in zarter Form zu bitten, die Arbeit aufzunehmen, wobei er auf jede erdenkliche Weise deutlich machte, dass er alles tue dies auf Drängen des Priors. Nachdem Leonardo mit dem Herzog ein Gespräch über allgemeine künstlerische Themen begonnen hatte, wies er ihn darauf hin, dass er kurz vor der Vollendung des Gemäldes stehe und nur noch zwei Köpfe zu malen habe – Christus und den Verräter Judas. „Er würde gerne nach diesem letzten Kopf suchen, aber am Ende, wenn er nichts Besseres findet, ist er bereit, den Kopf dieses sehr vorherigen zu verwenden, so aufdringlich und indiskret. Diese Bemerkung amüsierte den Herzog sehr, der ihm sagte, er habe tausendmal recht. Auf diese Weise trieb der arme verlegene Prior die Arbeit im Garten weiter voran und ließ Leonardo allein, der den Kopf des Judas vollendete, der sich als wahre Verkörperung von Verrat und Unmenschlichkeit herausstellte.

2 Es stellt sich heraus, dass der Begriff "Miniatur" nichts mit kleinen Größen zu tun hat. Dieses Wort kommt vom lateinischen "minium" - dem Namen der roten Bleifarbe, die die Farbe von rotem Zinnober hatte. Mit dieser Farbe wurden die Anfangsbuchstaben von Texten geschrieben und kleine Illustrationen in antike und mittelalterliche Bücher gezeichnet.

3 Marcelino Sanz de Sautola, dessen Tochter als erster die Höhlenmalereien in der Höhle von Altamira fand, wurde beschuldigt, die Bilder gefälscht zu haben. Angeblich konnten Naturvölker mit einer so komplexen Komposition kein Meisterwerk schaffen.

4 Forscher kamen nach der Untersuchung von Dutzenden von Gemälden großer Künstler, die zwischen 1000 und 1800 gemalt wurden, zu dem Schluss, dass die Menge der abgebildeten Lebensmittel in diesem Zeitraum um 69 % zugenommen hat.

Diese Schlussfolgerung wurde von Wissenschaftlern gezogen, die die Dynamik von Änderungen in Portionen von Lebensmitteln analysierten, die auf Leinwänden von...

Der moderne Mensch isst doppelt so viel wie sein Vorfahr, der vor tausend Jahren lebte. Diese Schlussfolgerung wurde von amerikanischen Wissenschaftlern gezogen, die die Dynamik von Änderungen in Portionen von Lebensmitteln analysierten, die auf den Leinwänden von Meistern verschiedener Epochen abgebildet sind.

Experten untersuchten 52 Gemälde aus der Serie Letztes Abendmahl, die von 1000 bis 2000 gemalt wurden. Die Forscher verglichen die Größe der auf den Leinwänden abgebildeten Teller mit den Mengen der Essensportionen. Als konstanter Indikator, auf dessen Grundlage der Vergleich durchgeführt wurde, wurden die Größen der Köpfe der Jünger Christi genommen.

Es stellte sich heraus, dass die Menge der auf den Gemälden abgebildeten Lebensmittel von Jahrhundert zu Jahrhundert zunahm. Insbesondere ist in den letzten tausend Jahren der Anteil des Hauptgerichts um 69 % gestiegen, das Stück Brot ist um 25 % größer geworden und die Größe der Teller hat um 66 % zugenommen.

Der moderne Mensch wird nicht nur dick, weil er mehr isst. Die meisten modernen Produkte haben einen hohen Kaloriengehalt und einen niedrigen Nährwert. Neben der Tatsache, dass der moderne Mensch nicht genügend Nährstoffe erhält, kommen Nieren- und Leberzellen mit Konservierungsmitteln, Farbstoffen und Backpulver zurecht, die in heutigen Produkten reichlich vorhanden sind. Dadurch steigt die Belastung dieser Organe und der Stoffwechsel wird gestört.

In letzter Zeit gewinnt die sogenannte Höhlendiät an Popularität. Seine Anhänger glauben, dass Sie, wenn Sie moderne Lebensmittel ablehnen, in 3-4 Monaten 7 bis 18 kg Übergewicht verlieren und gleichzeitig den Körper von Schadstoffen reinigen können.

Die Nahrungsmenge in den Gemälden, die das letzte Abendmahl Christi und der Apostel darstellen, hat in den letzten 1000 Jahren erheblich zugenommen. Wie eine Untersuchung von 52 Meisterwerken der Weltkunst gezeigt hat, entspricht dieser Trend der Entwicklung einer Konsumgesellschaft, die dazu neigt, immer mehr zu essen.

Zwei befreundete Professoren – ein Spezialist für Ernährungspsychologie und Theologe – Brian und Craig Wansinky analysierten gemeinsam die Menge an Essen, die in 52 der berühmtesten Gemälde der biblischen Geschichte des Letzten Abendmahls abgebildet ist. Damals sagte Jesus zu seinen Jüngern: "Wahrlich, ich sage euch, einer von euch wird mich verraten." Darüber hinaus war es das letzte Mahl Christi, das zum Prototyp des Abendmahlsritus wurde, bei dem das Brot den Leib des Herrn verkörpert und der Wein sein Blut ist.

Wissenschaftler haben Gemälde untersucht, die in den letzten tausend Jahren entstanden sind. Sie maß die Größe des abgebildeten Essens und korrelierte sie mit der durchschnittlichen Größe des Apostelkopfes in jedem Gemälde, um unabhängig von der Größe der Leinwand eine bestimmte Größe zu erhalten. Dabei stellte sich eine Kuriosität heraus: Die Größe der Portionen, die Größe der Teller und die Größe der Brotstücke aus der Zeit des 11. Jahrhunderts bis heute hat ständig zugenommen. So stieg die Größe des Hauptgerichts um 69 %, die Größe der Teller um 66 % und die Größe der Brote um 23 %.

Eine Analyse der Gemälde ergab eine Reihe interessanter Punkte. Im Mittelalter wurden die Apostel als Asketen dargestellt. Allerdings war das Mahl, das vor 1498 (das ist das Jahr, in dem das berühmteste letzte Abendmahl der Welt von Leonardo da Vinci gemalt wurde) auf Gemälden zu sehen war, ziemlich reichlich. Das „großzügigste“ Essen war der Künstler des 16. Jahrhunderts, der Manierist Jacopo Tintoretto: Auf seinem Bild sind die Teller am vollsten.

Wissenschaftler glauben, dass die allmähliche Zunahme der Portionsgrößen in den Gemälden den allgemeinen Anstieg des Konsums in der Welt widerspiegelt. Laut den Autoren der wissenschaftlichen Arbeit spiegeln die Gemälde nur das "beeindruckende sozio-historische Wachstum in der Produktion, Verfügbarkeit, Sicherheit, Fülle und Billigkeit von Lebensmitteln" wider.

5 „Schwarzes Quadrat“ war nicht das erste Gemälde in diesem Stil. Lange vor Malewitsch stellte Alle Alphonse in der Galerie Vivienne sein Meisterwerk „Kampf der Neger in einer Höhle in der Totennacht“ aus – eine vollständig schwarze rechteckige Leinwand.

Schwarzes Quadrat" wurde zuerst nicht von Malewitsch geschrieben, sondern vom französischen Dichter Bilo, der das Gemälde "Schlacht der Neger im Tunnel" nannte.

1882 (33 Jahre vor Malewitschs Schwarzem Quadrat) präsentierte der Dichter Paul Bilot auf der Ausstellung Exposition des Arts Incohérents in Paris das Gemälde Combat de nères dans un tunnel (Die Schlacht der Neger im Tunnel). Es war zwar kein Quadrat, sondern ein Rechteck.

Dem französischen Journalisten, Schriftsteller und exzentrischen Humoristen Alphonse Allais gefiel die Idee so gut, dass er sie 1893 entwickelte und sein schwarzes Rechteck „Combat de nègres dans une cave, pendant la nuit“ („Kampf der Neger in einer Höhle der Toten“) nannte Nacht"). Nicht bei dem erzielten Erfolg haltmachend, hängte Alle ein jungfräuliches weißes Blatt Bristol-Papier mit dem Titel "Die erste Kommunion von Mädchen, die an Chlorose in der Schneesaison leiden" auf.

. Sechs Monate später wurde das nächste Bild von Alphonse Allais als eine Art „koloristische Explosion“ wahrgenommen. Die rechteckige Landschaft "Tomatenernte an den Ufern des Roten Meeres durch apoplektische Kardinäle" war ein leuchtend rotes Einfarbengemälde ohne die geringste Spur eines Bildes (1894). Schließlich veröffentlichte Allais 1897 ein Buch mit 7 Gemälden „Album primo-avrilesque“ (Album der Aprilscherze).

So wurde zwanzig Jahre vor den suprematistischen Enthüllungen von Kasimir Malewitsch der ehrwürdige Künstler Alphonse Allais zum „unbekannten Autor“ der ersten abstrakten Gemälde. Berühmt wurde Alphonse Allais auch dadurch, dass er in fast siebzig Jahren unerwartet das berühmte minimalistische Musikstück „4′33″“ von John Cage vorwegnahm, das viereinhalb „Minuten der Stille“ bedeutet. Vielleicht bestand der einzige Unterschied zwischen Alphonse Allais und seinen Anhängern darin, dass er bei der Ausstellung seiner erstaunlich innovativen Arbeiten überhaupt nicht versuchte, wie ein bedeutungsvoller Philosoph oder ernsthafter Entdecker auszusehen.

6 Ein abstraktes Gemälde von Henri Matisse, The Boat, hing 47 Tage lang verkehrt herum im Museum of Modern Art. In dieser Zeit gelang es 116.000 Menschen, es zu sehen.

Dargestellt ist ein segelndes Boot und seine Spiegelung in der Wasseroberfläche)) Und Sie müssen es betrachten, indem Sie es um 90 Grad drehen
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Wash, eine wunderbare Illustration des wahren "Wertes" solcher Kunst.

7 Die Idee, eine weiche Uhr darzustellen, kam Salvador Dali, als er sah, wie Camembert-Käse in der Sonne schmolz.

8 Vincent van Gogh hat in seinem ganzen Leben nur ein Gemälde verkauft.

Das tragische Leben von Vincent van Gogh ist heute beliebt als eine Art heilige Legende, dass die Menschen mehr zu brauchen scheinen als den Glanz seiner Sterne und Sonnenblumen. Ein hungriges, fast bettelarmes Dasein voller Einsamkeit und Verachtung für andere hat sich bereits im 20. Jahrhundert zu einem weltweiten Hype und Interesse entwickelt. Van Gogh verkaufte zu Lebzeiten nur ein einziges Gemälde („Red Vineyards in Arles“), und genau hundert Jahre später wurde sein „Porträt des Dr zwischen Gemälden). Vor dem Hintergrund dieser ungesunden Anbetung geht das Bild des Künstlers selbst verloren, mächtig und verletzlich zugleich, der seine dramatische Reise auf Erden in Verzweiflung und Selbstmord beendete. Van Gogh lebte nur 37 Jahre, von denen nur die letzten siebeneinhalb der Malerei gewidmet waren. Sein kreatives Erbe ist jedoch erstaunlich. Dies sind ungefähr tausend Zeichnungen und fast die gleiche Anzahl von Gemälden, die als Ergebnis kreativer Vulkanausbrüche entstanden sind, als Van Gogh über lange Wochen täglich ein oder zwei Gemälde malte. Van Gogh wurde der letzte wirklich große Künstler der Geschichte, ein unerreichbares Beispiel für andere, dessen selbstlose und heroische Kunst nun wie eine Fackel, wie ein Regenbogen über der Menschheit erstrahlt. Seine Bilder sind ein atemberaubender Dialog voller Liebe und Leid – mit sich selbst, mit Gott, mit der Welt...

9 Edgar Degas malte etwa 1.500 Gemälde von Balletttänzern. .

10 Gemälde von Ivan Aivazovsky „Chaos. Die Erschaffung der Welt“, das auf der Grundlage der Bibel geschrieben wurde, wurde von Papst Gregor XVI. gekauft, der den Künstler mit einer Goldmedaille auszeichnete.

"Italienische" Gemälde von Aivazovsky, die auf Ausstellungen in Neapel und Rom präsentiert wurden, brachten dem Maler Anerkennung und Erfolg. Kritiker schrieben, dass noch nie jemand Licht, Luft und Wasser so lebendig und authentisch dargestellt habe. Der englische Künstler Joseph Mallord William Turner, der eine der Ausstellungen besuchte, in denen die Werke des russischen Malers ausgestellt waren, war von dem, was er sah, so schockiert, dass er ihm ein Gedicht widmete:

Vergib mir, großer Künstler, wenn ich falsch liege,
Nehmen Sie Ihr Bild für die Realität.
Aber deine Arbeit hat mich fasziniert,
Und die Verzückung nahm Besitz von mir.
Deine Kunst ist hoch und monumental,
Denn Genie inspiriert dich.

Weltschöpfung. Chaos. 1841

Das umfangreichste Werk des Meisters in Italien ist „Die Erschaffung der Welt. Chaos“ (1841, Museum der Armenischen Mkhitaristen-Gemeinde, Venedig).

Aivazovsky konzentrierte sich auf das Können von Karl Petrovich Bryullov und schuf eine Leinwand, die in ihrer Ausdruckskraft grandios ist und die Konfrontation und gleichzeitig die Beziehung zweier ursprünglicher Elemente darstellt - Himmel und Wasser, die das göttliche Licht erleuchtet, durchdringt und vereint. Dieses Werk, das auf den Worten aus dem Buch Genesis basiert: „Die Erde war formlos und leer, und Finsternis erfüllte die Tiefe, und der Geist Gottes schwebte über den Wassern“, wurde von Papst Gregor XVI. sehr geschätzt.

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