Διάσημοι άντρες χορευτές μπαλέτου. Pa για όλο τον κόσμο: χορευτές μπαλέτου από τη Ρωσία, γνωστοί σε όλο τον κόσμο

Ανταποκριτής στο Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου Μπολσόι της Λευκορωσίας Naviny . με Έμαθα από πρώτο χέρι τι φορούν οι χορευτές μπαλέτου κάτω από τα καλσόν και γιατί πιστεύεται ότι υπάρχουν πολλοί γκέι ανάμεσά τους.Διαβάστε για την εγκυμοσύνη των μπαλαρινών και μια μέρα άδεια την εβδομάδα στα 10 δεδομένα μας.

Για να καταλάβει ποιες φήμες για το μπαλέτο της Λευκορωσίας είναι αληθινές και ποιες είναι καθαρή μυθοπλασία, στον ανταποκριτή Naviny. μεβοηθός καλλιτέχνης του θεάτρου Γκενάντι Κουλίνκοβιτςμε βοηθούς μπαλαρίνες.

1. Είναι οι χορευτές μπαλέτου εύθραυστοι και χνουδωτές;

Ακρόαση: Σε μια παράσταση, η χορεύτρια μπαλέτου σηκώνει και μεταφέρει περίπου 2 τόνους βάρους.

Είναι αλήθεια: Η σωματική δραστηριότητα είναι πολύ μεγάλη. Στη σκηνή - εξαρτάται φυσικά από την παραγωγή - ένας χορευτής μπαλέτου, ένας άντρας σηκώνει πολλές φορές μια μπαλαρίνα. Στις σύγχρονες παραγωγές, το μόνο που κάνεις είναι να σηκώνεις και να στήνεις, να σηκώσεις και να σετάρεις, να σηκώσεις, να κυκλώσεις, να σετάρεις. Εάν μετρήσετε τον αριθμό των ανελκυστήρων, τότε ναι, δύο τόνοι είναι πραγματικός αριθμός.

Επιπλέον, οι χορευτές μπαλέτου κάνουν πολλές πρόβες και εξασκούνται. Είναι κι αυτό ένα βάρος. Έχουμε πρόβες κάθε μέρα, εκτός από το Σαββατοκύριακο, που είναι μία φορά την εβδομάδα. Συν παραστάσεις.

2. Οι χορευτές μπαλέτου αρρωσταίνουν πιο συχνά

Ακρόαση: Λόγω των βαριών φορτίων και των συνεχών δίαιτων, οι χορευτές μπαλέτου αρρωσταίνουν πιο συχνά από άλλους.

Είναι αλήθεια:Οι αίθουσες προβών μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι της Λευκορωσίας είναι εξοπλισμένες με βακτηριοκτόνες λάμπες, όπως σε νοσοκομείο. Το χειμώνα, όταν αρχίζει η γρίπη και εμφανίζονται άλλοι ιοί, ένας μεμονωμένος εργαζόμενος ανάβει αυτές τις λάμπες για μισή ώρα για να απολυμάνει το δωμάτιο. Είναι πολύ σημαντικό να μην εξαπλωθούν οι ασθένειες: όλοι εργαζόμαστε σε στενή επαφή, προπονούμαστε και κάνουμε πρόβες για πολλές ώρες. Αν κάποιος έφερε την ασθένεια, τότε εξουδετερώνεται.

3. Επαγγελματικές ασθένειες στο μπαλέτο

Ακρόαση: Τα πόδια είναι η πιο επώδυνη θέση στο σώμα ενός χορευτή.

Είναι αλήθεια:Αυτό είναι εν μέρει αλήθεια. Οι επαγγελματικές ασθένειες των χορευτών είναι παθήσεις των αρθρώσεων. Στους χορευτές μπαλέτου, τα οστά στα μεγάλα δάχτυλα των ποδιών προεξέχουν, οι αρθρώσεις φλεγμονώνονται, φυσικά, πονάνε. Οι γυναίκες έχουν επίσης αυτή την ασθένεια, αλλά προκαλείται από άβολα, στενά παπούτσια που παραμορφώνουν το πόδι. Για μπαλέτους - σταθερά φορτία στα δάχτυλα και στο μπροστινό μέρος του ποδιού: πολλές κινήσεις στο μπαλέτο εκτελούνται στα δάχτυλα των ποδιών.

Η δεύτερη κοινή κατηγορία προβλημάτων υγείας είναι η πρόπτωση οργάνων από συνεχή άλμα. Όλα είναι ατομικά, αλλά συχνά πέφτουν τα νεφρά, η καρδιά και άλλα εσωτερικά όργανα, τα οποία στη συνέχεια ασκούν πίεση στην ουροδόχο κύστη.

4. Νέοι συνταξιούχοι

Ακρόαση: Κάποιοι πιστεύουν ότι οι μπαλαρίνες αποσύρονται πολύ νωρίς.

Είναι αλήθεια.Οι χορευτές μπαλέτου συνταξιοδοτούνται νόμιμα μετά από 23 χρόνια εργασιακής εμπειρίας. Η άδεια μητρότητας δεν συνυπολογίζεται στην προϋπηρεσία. Ως αποτέλεσμα, οι χορευτές μπαλέτου γίνονται νέοι συνταξιούχοι. Ωστόσο, πολλοί από αυτούς στην πραγματικότητα δεν ξεκουράζονται επάξια: ανάλογα με την κατάσταση της υγείας, οι συνταξιούχοι χορευτές εργάζονται ως δάσκαλοι, δάσκαλοι, σκηνοθέτες, σκηνοθέτες, ενδυματολόγοι κ.λπ.

Συνομιλητής Naviny. μεΟ Gennady Kulinkovich απέχει δύο χρόνια από τη σύνταξη. Στο μέλλον, ο χορευτής σχεδιάζει επίσης να διδάξει.

5. Μη φυσιολογική λειτουργία

Ακρόαση: Οι καλλιτέχνες του θεάτρου μπαλέτου έχουν δύο μέρες άδεια την εβδομάδα, όπως οι απλοί πολίτες

Είναι αλήθεια.Οι χορευτές μπαλέτου εργάζονται 6 ημέρες την εβδομάδα. Η μόνη ρεπό είναι τη Δευτέρα. Κατά τη διάρκεια του καλοκαιριού, λόγω του γεγονότος ότι το κοινό μεταναστεύει σε εξοχικές κατοικίες και στη θάλασσα, το ρεπό στο θέατρο Μπολσόι μετατίθεται για το Σάββατο. Το γυναικείο μέρος του θιάσου είναι χαρούμενο για αυτό: τέλος, υπάρχει η ευκαιρία να περάσετε χρόνο με την οικογένεια. Οι άντρες γκρινιάζουν: όταν η μέρα είναι ρεπό τη Δευτέρα, μπορείς τουλάχιστον να χαλαρώσεις και να μην κάνεις δουλειές του σπιτιού.

Η εργάσιμη ημέρα για τους δασκάλους μπαλέτου είναι επίσης αφύσικη στην κατανόηση ενός απλού ανθρώπου: από τις 10:00 έως τις 15:00, μετά ένα τρίωρο διάλειμμα, μετά από ένα διάλειμμα, η εργασία συνεχίζεται στις 18:00 σε σχέση με τις βραδινές παραστάσεις. Η επίσημη εργάσιμη ημέρα των εργαζομένων του μπαλέτου λήγει στις 21:00.

Ένα μεγάλο διάλειμμα είναι απαραίτητο ώστε μετά την πρωινή προπόνηση και τις πρόβες το σώμα να έχει χρόνο να ξεκουραστεί και να αναρρώσει πριν από τη βραδινή εργασία.

Για τους νεαρούς χορευτές, αυτό είναι βολικό: μπορείτε να μελετήσετε κατά τη διάρκεια του διαλείμματος. Ο Gennady Kullinkovich, για παράδειγμα, έλαβε μια ανώτερη χορογραφική εκπαίδευση με αυτόν τον τρόπο. Τώρα όμως βλέπει μικρά πλεονεκτήματα σε αυτό το πρόγραμμα.

«Με ένα τέτοιο πρόγραμμα, είναι πολύ δύσκολο να κανονίσεις μια προσωπική ζωή. Κοιτάξτε με: 38 χρονών, χωρίς οικογένεια, χωρίς παιδιά. Όλη η ζωή στο θέατρο- λέει ο Γκενάντι.

6. Είναι ασυμβίβαστα το μπαλέτο και τα παιδιά;

Ακρόαση: Λόγω των απαιτήσεων για εμφάνιση, οι μπαλαρίνες πρέπει να εγκαταλείψουν τη μητρότητα.

Είναι αλήθεια: Είναι πραγματικά πιο δύσκολο για τους χορευτές μπαλέτου να δημιουργήσουν οικογένεια και παιδιά στο απόγειο της καριέρας τους παρά για εκπροσώπους άλλων επαγγελμάτων: το πρόγραμμα εργασίας επηρεάζει επίσης και το γεγονός ότι η ανάκτηση της φόρμας μετά τον τοκετό απαιτεί χρόνο και προσπάθεια. Τα κορίτσια λοιπόν χρησιμοποιούν δύο στρατηγικές: είτε να δημιουργήσουν οικογένεια και παιδιά αμέσως μετά το σχολείο/πανεπιστήμιο, είτε να το αναβάλουν μέχρι να συνταξιοδοτηθούν.

Παρά τις δυσμενείς συνθήκες, υπάρχουν μπαλαρίνες στο Θέατρο Μπολσόι της Λευκορωσίας που έχουν δύο, και μερικές ακόμη και τρία παιδιά.

«Εμείς, όπως οι γιατροί και οι δάσκαλοι, συνδυάζουμε δουλειά και εγκυμοσύνη. Σχεδιάζουμε, πηγαίνουμε άδεια μητρότητας, αναρρώνουμε και δουλεύουμε περαιτέρω. Αυτή είναι η δουλειά του κάθε καλλιτέχνη ξεχωριστά, αλλά κατά τη διάρκεια της εγκυμοσύνης - όσο πιο γρήγορα εγκαταλείψετε τη δραστηριότητα του χορού, τόσο το καλύτερο για εσάς και το αγέννητο παιδί. Αυτό συνδέεται με κινδύνους: εδώ πρέπει να λυγίσεις, να πηδήξεις, να πέσεις και να πληγωθείς.- είπε δικτυακός τόποςΜπαλαρίνες Μπολσόι.

«Είμαστε οι καλύτερες μητέρες, σύζυγοι και ξέρουμε επίσης πώς να χορεύουμε και να πατάμε στις μύτες των ποδιών στην κουζίνα».- αστειεύονται οι μπαλαρίνες απαντώντας σε μια ερώτηση σχετικά με τις ιδιαιτερότητες της οικογενειακής ζωής.

7. Αν χορεύει στο μπαλέτο, τότε είναι γκέι

Ακρόαση: Υπάρχουν πολλοί γκέι ανάμεσα στους χορευτές μπαλέτου.

Είναι αλήθεια: Αυτό είναι ένα κοινό στερεότυπο, λέει ο χορευτής μπαλέτου Gennady Kullinkovich. Δεν απαντάμε πλέον σε αυτό. Έτσι λένε για όλους τους άντρες που χορεύουν. Γεννιέται από μια παρεξήγηση εκ μέρους του θεατή: πώς μπορούν οι άντρες να μένουν αδιάφοροι και ήρεμοι περιτριγυρισμένοι από τόση ομορφιά και γυμνό. Άλλωστε, το κοινό μπαίνει συχνά στα παρασκήνια και οι άντρες σοκάρονται: όλοι αλλάζουν ρούχα εδώ, τα οικεία μέρη των σωμάτων είναι στα άκρα... Και έχουμε ήδη συνηθίσει σε αυτό και αντιδρούμε σαν κάτι φυσιολογικό. Έτσι ο θεατής πιστεύει ότι οι άνδρες στο μπαλέτο είναι ομοφυλόφιλοι.

8. Τι έχει η χορεύτρια κάτω από το καλσόν

Ακρόαση: Οι χορευτές δεν φοράνε σώβρακο.

Φωτογραφία pixabay.com

Είναι αλήθεια: Μιλούν περισσότερο για τα εσώρουχα των ανδρών καλλιτεχνών παρά για τα εσώρουχα των μπαλαρινών: ο θεατής κάτω από το χιόνι-λευκό καλσόν, προς έκπληξή του, δεν βλέπει τα αναμενόμενα περιγράμματα των εσώρουχων.

Ο Gennady Kulinkovich είπε ότι οι χορευτές έχουν τα δικά τους μυστικά. Οι κατασκευαστές ενδυμάτων χορού ανταποκρίνονται στις προσδοκίες των καλλιτεχνών και παράγουν απρόσκοπτα μοντέλα ειδικών εσωρούχων που είναι αόρατα κάτω από το κοστούμι - επιδέσμους. Ειδικά ρούχα για χορευτές πωλούνται από ένα κατάστημα που βρίσκεται κοντά στο Μπολσόι.

9. Κρέας σε παπούτσια πουέντ

Ακρόαση: Οι μπαλαρίνες βάζουν κρέας σε παπούτσια πουέντ για να μειώσουν τον τραυματισμό του ποδιού.

Είναι αλήθεια: Μην βάζετε κρέας. Υπάρχουν πιο σύγχρονοι τρόποι προστασίας των ποδιών. Οι εταιρείες μπαλέτου παράγουν ειδικά μισά παπούτσια που καλύπτουν μόνο τα δάχτυλα. Είναι σιλικόνη. Κάποιος δεν περικλείει τίποτα - είναι ήδη βολικό γι 'αυτόν. Οι επενδύσεις σιλικόνης για παπούτσια pointe δεν παράγονται στη Λευκορωσία, κατασκευάζονται στις ΗΠΑ, την Κίνα και τη Ρωσία.

Φωτογραφία pixabay.com

Για ένα χρόνο, μια μπαλαρίνα φοράει 5-10 ζευγάρια πουέντ, ανάλογα με το φορτίο. Μερικοί καλλιτέχνες έχουν τα δικά τους μαξιλαράκια - ογκομετρικά αντίγραφα ποδιών κατασκευασμένα από πλοιάρχους, σύμφωνα με τα οποία τα παπούτσια pointe κατασκευάζονται κατά παραγγελία.

10. Ο χορός πληρώνει καλά

Ακρόαση: Οι καλλιτέχνες κερδίζουν πολλά.

Είναι αλήθεια: Όλα είναι σχετικά. Οι μισθοί των χορευτών μπαλέτου εξαρτώνται από τη θέση στον θίασο: κορυφαίος σκηνοθέτης, σολίστ ή χορευτής μπαλέτου. Επηρεάζει επίσης τον αριθμό των σκηνών που έχουν επεξεργαστεί σε παραγωγές. Για κάθε έξοδο απονέμονται βαθμοί, οι οποίοι τηρούνται από ειδικό θεατρολόγο. Η αξία των πόντων για κάθε χορό είναι δική του, τυπική για όλους τους καλλιτέχνες, εξαρτάται από την πολυπλοκότητα και τη διάρκεια της παράστασης. Το ποσό των πόντων που λαμβάνεται επηρεάζει το βραβείο. Έτσι, ο μισθός ενός χορευτή μπαλέτου είναι περίπου 120 ρούβλια και το ασφάλιστρο που συγκεντρώνεται για παραστάσεις μπορεί να το υπερβεί αρκετές φορές.

Φωτογραφία του Sergey Balai

Είναι ευάερα, λεπτά, ελαφριά. Ο χορός τους είναι μοναδικός. Ποιες είναι αυτές οι εξαιρετικές μπαλαρίνες του αιώνα μας.

Agrippina Vaganova (1879-1951)

Ένα από τα πιο σημαντικά χρόνια στην ιστορία του ρωσικού μπαλέτου είναι το 1738. Χάρη στην πρόταση του Γάλλου χορευτικού δάσκαλου Jean-Baptiste Lande και την έγκριση του Peter I, άνοιξε στην Αγία Πετρούπολη η πρώτη σχολή χορού μπαλέτου στη Ρωσία, η οποία υπάρχει μέχρι σήμερα και ονομάζεται Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου. ΚΑΙ ΕΓΩ. Βαγκάνοβα. Ήταν η Agrippina Vaganova που συστηματοποίησε τις παραδόσεις του κλασικού αυτοκρατορικού μπαλέτου στη σοβιετική εποχή. Το 1957, το όνομά της δόθηκε στη Χορογραφική Σχολή του Λένινγκραντ.

Μάγια Πλισέτσκαγια (1925)

Μια εξαιρετική χορεύτρια του δεύτερου μισού του 20ου αιώνα, που μπήκε στην ιστορία του μπαλέτου με την εκπληκτική δημιουργική της μακροζωία, η Maya Mikhailovna Plisetskaya γεννήθηκε στις 20 Νοεμβρίου 1925 στη Μόσχα.

Τον Ιούνιο του 1934, η Μάγια μπήκε στη Χορογραφική Σχολή της Μόσχας, όπου σπούδασε διαδοχικά με τους δασκάλους E. I. Dolinskaya, E. P. Gerdt, M. M. Leontieva, αλλά θεωρεί την Agrippina Yakovlevna Vaganova, την οποία γνώρισε ήδη στο Θέατρο Μπολσόι, την καλύτερη δασκάλα της. , όπου και έγινε δεκτός την 1η Απριλίου 1943.

Η Mayai Plisetskaya είναι σύμβολο του ρωσικού μπαλέτου. Ερμήνευσε ένα από τα κύρια μέρη της στο Odette-Odile από τη Λίμνη των Κύκνων στις 27 Απριλίου 1947. Ήταν αυτό το μπαλέτο του Τσαϊκόφσκι που έγινε ο πυρήνας της βιογραφίας της.

Matilda Kshesinskaya (1872-1971)

Γεννήθηκε στην οικογένεια του χορευτή F. I. Kshesinsky, Πολωνού στην εθνικότητα. Το 1890 αποφοίτησε από το τμήμα μπαλέτου της Θεατρικής Σχολής της Αγίας Πετρούπολης. Το 1890-1917 χόρεψε στο θέατρο Μαριίνσκι. Έγινε διάσημη στους ρόλους της Aurora («Ωραία Κοιμωμένη», 1893), της Esmeralda (1899), της Teresa («Cavalry Halt») κ.λπ. Ο χορός της διακρίθηκε από λαμπερή καλλιτεχνία και ευθυμία. Στις αρχές του 1900 ήταν μέλος των μπαλέτων του M. M. Fokine: Evnika, Chopiniana, Eros, το 1911-1912 έπαιξε στο θίασο του ρωσικού μπαλέτου Diaghilev.

Άννα Πάβλοβα (1881-1931)

Γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη. Μετά την αποφοίτησή της από τη Θεατρική Σχολή της Αγίας Πετρούπολης, το 1899 έγινε δεκτή στον θίασο του θεάτρου Μαριίνσκι. Χόρεψε ρόλους στα κλασικά μπαλέτα The Nutcracker, The Little Humpbacked Horse, Raymonda, La Bayadère, Giselle. Τα φυσικά δεδομένα και η συνεχής βελτίωση των ερμηνευτικών δεξιοτήτων βοήθησαν την Πάβλοβα να προχωρήσει το 1906 στους κορυφαίους χορευτές του θιάσου.
Η συνεργασία με τους καινοτόμους μπαλέτους A. Gorsky και, ιδιαίτερα, τον M. Fokin είχε τεράστιο αντίκτυπο στον εντοπισμό νέων ευκαιριών στο ερμηνευτικό στυλ της Pavlova. Η Πάβλοβα ερμήνευσε τους κύριους ρόλους στα μπαλέτα του Fokine Chopiniana, The Pavilion of Armida, Αιγυπτιακές νύχτες και άλλα. ”), που αργότερα έγινε ποιητικό σύμβολο του ρωσικού μπαλέτου του 20ού αιώνα.

Σβετλάνα Ζαχάροβα (1979)

Η Σβετλάνα Ζαχάροβα γεννήθηκε στο Λούτσκ της Ουκρανίας στις 10 Ιουνίου 1979. Σε ηλικία έξι ετών, η μητέρα της την πήγε σε έναν χορογραφικό κύκλο, όπου η Σβετλάνα ασχολούνταν με τον λαϊκό χορό. Σε ηλικία δέκα ετών, μπήκε στη Χορογραφική Σχολή του Κιέβου.

Αφού σπούδασε για τέσσερις μήνες, η Ζαχάροβα εγκατέλειψε το σχολείο, καθώς η οικογένειά της μετακόμισε στην Ανατολική Γερμανία σύμφωνα με το νέο διορισμό του πατέρα της, στρατιωτικού. Επιστρέφοντας έξι μήνες αργότερα στην Ουκρανία, η Ζαχάροβα πέρασε και πάλι τις εξετάσεις στη Χορογραφική Σχολή του Κιέβου και έγινε δεκτή αμέσως στη δεύτερη τάξη. Στη Σχολή του Κιέβου, σπούδασε κυρίως με τη Valeria Sulegina.

Η Σβετλάνα παίζει σε πολλές μεγαλουπόλεις του κόσμου. Τον Απρίλιο του 2008, αναγνωρίστηκε ως η σταρ του διάσημου θεάτρου La Scala του Μιλάνου.

Galina Ulanova (1909-1998)

Η Galina Sergeevna Ulanova γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη στις 8 Ιανουαρίου 1910 (26 Δεκεμβρίου 1909 σύμφωνα με το παλιό στυλ), σε οικογένεια μπαλέτων.

Το 1928, η Ulanova αποφοίτησε από τη Χορογραφική Σχολή του Λένινγκραντ. Πολύ σύντομα εντάχθηκε στο θίασο του Κρατικού Ακαδημαϊκού Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου του Λένινγκραντ (τώρα Mariinsky).

Η αγαπημένη Mariinsky Ulanova έπρεπε να φύγει στα χρόνια της πολιορκίας του Λένινγκραντ. Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, η Ulanova χόρεψε στα θέατρα του Perm, της Alma-Ata, του Sverdlovsk, παίζοντας σε νοσοκομεία μπροστά στους τραυματίες. Το 1944 Η Galina Sergeevna μετακομίζει στο Θέατρο Μπολσόι, όπου παίζει περιοδικά από το 1934.

Το πραγματικό επίτευγμα της Γκαλίνα ήταν η εικόνα της Ιουλιέτας στο μπαλέτο του Προκόφιεφ Ρωμαίος και Ιουλιέτα. Οι καλύτεροι χοροί της είναι επίσης ο ρόλος της Μάσα από τον Καρυοθραύστη του Τσαϊκόφσκι, της Μαρίας από το Συντριβάνι του Μπαχτσισαράι και της Ζιζέλ Άνταμ.

Tamara Karsavina (1885-1978)

Γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη στην οικογένεια του χορευτή του θεάτρου Mariinsky Platon Karsavin, ανιψιού του Alexei Khomyakov, εξέχοντος φιλοσόφου και συγγραφέα του 1ου μισού του 19ου αιώνα, αδελφή του φιλόσοφου Lev Karsavin.

Σπούδασε με τον A. Gorsky στη Θεατρική Σχολή Peturburg, από την οποία αποφοίτησε το 1902. Ενώ ήταν ακόμη μαθήτρια, ερμήνευσε το σόλο μέρος του Έρως στην πρεμιέρα του μπαλέτου Δον Κιχώτης σε σκηνοθεσία Γκόρσκι.

Ξεκίνησε τη δραστηριότητά της στο μπαλέτο την περίοδο της κρίσης του ακαδημαϊσμού και της αναζήτησης διεξόδου από αυτήν. Οι θαυμαστές του ακαδημαϊκού μπαλέτου βρήκαν πολλά ελαττώματα στην απόδοση της Καρσαβίνα. Η μπαλαρίνα βελτίωσε τις ερμηνευτικές της δεξιότητες με τους καλύτερους Ρώσους και Ιταλούς δασκάλους
Το αξιοσημείωτο δώρο της Καρσαβίνα εκδηλώθηκε στις εργασίες για τις παραγωγές του Μ. Φόκιν. Ο Καρσαβίνα ήταν ο πρόγονος των θεμελιωδών νέων τάσεων στην τέχνη του μπαλέτου στις αρχές του 20ού αιώνα, που αργότερα ονομάστηκε «πνευματική τέχνη».

Η ταλαντούχα Καρσαβίνα πέτυχε γρήγορα την ιδιότητα της πρίμα μπαλαρίνας. Έπαιξε πρωταγωνιστικούς ρόλους στα μπαλέτα Καρναβάλι, Ζιζέλ, Λίμνη των Κύκνων, Ωραία Κοιμωμένη, Ο Καρυοθραύστης και πολλά άλλα.

Ulyana Lopatkina (1973)

Η Ulyana Vyacheslavna Lopatkina γεννήθηκε στο Kerch (Ουκρανία) στις 23 Οκτωβρίου 1973. Ως παιδί, σπούδασε σε κύκλους χορού και στο τμήμα γυμναστικής. Με πρωτοβουλία της μητέρας της, μπήκε στην Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου. ΚΑΙ ΕΓΩ. Vaganova στο Λένινγκραντ.

Το 1990, ως φοιτητής, η Lopatkina συμμετείχε στον Δεύτερο Πανρωσικό Διαγωνισμό. ΚΑΙ ΕΓΩ. Vaganova για μαθητές χορογραφικών σχολών και έλαβε το πρώτο βραβείο.

Το 1995, η Ulyana έγινε πρίμα μπαλαρίνα. Το ιστορικό της περιλαμβάνει τους καλύτερους ρόλους σε κλασικές και μοντέρνες παραγωγές.

Ekaterina Maksimova (1931-2009)

Γεννήθηκε στη Μόσχα την 1η Φεβρουαρίου 1939. Από την παιδική ηλικία, η μικρή Katya ονειρευόταν να χορεύει και σε ηλικία δέκα ετών μπήκε στη Χορογραφική Σχολή της Μόσχας. Στην έβδομη τάξη, χόρεψε τον πρώτο της ρόλο - Μάσα στον Καρυοθραύστη. Μετά το κολέγιο, μπήκε στην υπηρεσία στο Θέατρο Μπολσόι και αμέσως, παρακάμπτοντας ουσιαστικά το σώμα του μπαλέτου, άρχισε να χορεύει σόλο μέρη.

Ιδιαίτερη σημασία στο έργο της Maximova ήταν η συμμετοχή σε τηλεοπτικά μπαλέτα, τα οποία αποκάλυψαν μια νέα ποιότητα του ταλέντου της - ένα κωμικό ταλέντο.

Από το 1990, η Maksimova είναι δασκάλα-επαναλήπτης του Θεάτρου Μπαλέτου του Κρεμλίνου. Από το 1998 είναι χορογράφος-επαναλήπτης του θεάτρου Μπολσόι.

Natalya Dudinskaya (1912-2003)

Γεννήθηκε στις 8 Αυγούστου 1912 στο Χάρκοβο.
Το 1923-1931 σπούδασε στη Χορογραφική Σχολή του Λένινγκραντ (μαθήτρια της A.Ya. Vaganova).
Το 1931-1962 ήταν η κορυφαία χορεύτρια του Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου του Λένινγκραντ. ΕΚ. ο Κίροφ. Έπαιξε τους βασικούς ρόλους στα μπαλέτα Λίμνη των Κύκνων και Ωραία Κοιμωμένη του Τσαϊκόφσκι, Σταχτοπούτα του Προκόφιεφ, Ραϊμόντα του Γκλαζούνοφ, Ζιζέλ του Άνταμ κ.ά.

Θαυμάζουμε τη δεξιοτεχνία αυτών των λαμπρών μπαλαρινών. Συνέβαλαν τεράστια στην ανάπτυξη του ρωσικού μπαλέτου!

Η λέξη «μπαλέτο» ακούγεται μαγική. Κλείνοντας τα μάτια, φαντάζεσαι αμέσως να καίνε φωτιές, να διαπερνά τη μουσική, το θρόισμα των πακέτων και τον ελαφρύ κρότο των παπουτσιών πουέντ στο παρκέ. Αυτό το θέαμα είναι αμίμητα όμορφο, μπορεί να ονομαστεί με ασφάλεια ένα μεγάλο επίτευγμα του ανθρώπου στην αναζήτηση της ομορφιάς.

Το κοινό παγώνει κοιτάζοντας τη σκηνή. Οι ντίβες του μπαλέτου εκπλήσσουν με την ελαφρότητα και την πλαστικότητά τους, προφανώς με άνεση εκτελώντας περίπλοκα «πάς».

Η ιστορία αυτής της μορφής τέχνης είναι αρκετά βαθιά. Οι προϋποθέσεις για την εμφάνιση του μπαλέτου εμφανίστηκαν τον 16ο αιώνα. Και από τον 19ο αιώνα, οι άνθρωποι έχουν δει πραγματικά αριστουργήματα αυτής της τέχνης. Τι θα ήταν όμως το μπαλέτο χωρίς τις διάσημες μπαλαρίνες που το έκαναν διάσημο; Η ιστορία μας θα αφορά αυτούς τους πιο διάσημους χορευτές.

Marie Ramberg (1888-1982).Το μελλοντικό αστέρι γεννήθηκε στην Πολωνία, σε μια εβραϊκή οικογένεια. Το πραγματικό της όνομα είναι Sivia Rambam, αλλά αργότερα άλλαξε για πολιτικούς λόγους. Η κοπέλα από μικρή ερωτεύτηκε τον χορό, παραδομένη στο πάθος της με το κεφάλι. Η Marie παίρνει μαθήματα από χορευτές από την παριζιάνικη όπερα και σύντομα ο ίδιος ο Diaghilev παρατηρεί το ταλέντο της. Το 1912-1913, το κορίτσι χόρεψε με το Ρωσικό Μπαλέτο, συμμετέχοντας στις κύριες παραγωγές. Από το 1914, η Marie μετακόμισε στην Αγγλία, όπου συνέχισε να σπουδάζει χορό. Η Μαρία παντρεύτηκε το 1918. Η ίδια έγραψε ότι ήταν περισσότερο για πλάκα. Ωστόσο, ο γάμος ήταν ευτυχισμένος και κράτησε 41 χρόνια. Η Ramberg ήταν μόλις 22 ετών όταν άνοιξε τη δική της σχολή μπαλέτου στο Λονδίνο, την πρώτη στην πόλη. Η επιτυχία ήταν τόσο συντριπτική που η Μαρία οργάνωσε πρώτα τη δική της εταιρεία (1926) και μετά τον πρώτο μόνιμο θίασο μπαλέτου στη Μεγάλη Βρετανία (1930). Οι ερμηνείες της γίνονται πραγματική αίσθηση, γιατί η Ramberg προσελκύει τους πιο ταλαντούχους συνθέτες, καλλιτέχνες, χορευτές στη δουλειά. Η μπαλαρίνα συμμετείχε ενεργά στη δημιουργία του εθνικού μπαλέτου στην Αγγλία. Και το όνομα Marie Ramberg μπήκε για πάντα στην ιστορία της τέχνης.

Άννα Πάβλοβα (1881-1931).Η Άννα γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη, ο πατέρας της ήταν εργολάβος σιδηροδρόμων και η μητέρα της εργαζόταν ως απλή πλύστρα. Ωστόσο, το κορίτσι μπόρεσε να μπει στη σχολή θεάτρου. Αφού αποφοίτησε από αυτό, το 1899 μπήκε στο θέατρο Mariinsky. Εκεί έλαβε ρόλους σε κλασικές παραγωγές - "La Bayadère", "Giselle", "The Nutcracker". Η Πάβλοβα είχε εξαιρετικά φυσικά δεδομένα, εκτός αυτού, αλίευε συνεχώς τις δεξιότητές της. Το 1906, ήταν ήδη η κορυφαία μπαλαρίνα του θεάτρου, αλλά πραγματική φήμη ήρθε στην Άννα το 1907, όταν έλαμψε στη μινιατούρα «The Dying Swan». Η Πάβλοβα επρόκειτο να εμφανιστεί σε μια φιλανθρωπική συναυλία, αλλά ο σύντροφός της αρρώστησε. Κυριολεκτικά μέσα σε μια νύχτα, ο χορογράφος Mikhail Fokin ανέβασε μια νέα μινιατούρα για την μπαλαρίνα στη μουσική του San Sans. Από το 1910, η Πάβλοβα άρχισε να περιοδεύει. Η μπαλαρίνα κερδίζει παγκόσμια φήμη μετά τη συμμετοχή της στις Russian Seasons στο Παρίσι. Το 1913 έπαιξε για τελευταία φορά στο θέατρο Μαριίνσκι. Η Πάβλοβα μαζεύει τον δικό της θίασο και μετακομίζει στο Λονδίνο. Μαζί με τους θαλάμους της, η Άννα περιοδεύει στον κόσμο με κλασικά μπαλέτα των Γκλαζούνοφ και Τσαϊκόφσκι. Η χορεύτρια έγινε θρύλος όσο ζούσε, αφού πέθανε σε περιοδεία στη Χάγη.

Matilda Kshesinskaya (1872-1971).Παρά το πολωνικό της όνομα, η μπαλαρίνα γεννήθηκε κοντά στην Αγία Πετρούπολη και πάντα θεωρούνταν Ρωσίδα χορεύτρια. Από την πρώιμη παιδική ηλικία, δήλωσε την επιθυμία της να χορέψει, κανένας από τους συγγενείς τους δεν σκέφτηκε να παρέμβει μαζί της σε αυτή την επιθυμία. Η Ματίλντα αποφοίτησε άψογα από τη Σχολή Αυτοκρατορικού Θεάτρου, εντάχθηκε στο θίασο μπαλέτου του θεάτρου Μαριίνσκι. Εκεί έγινε διάσημη για τις λαμπρές ερμηνείες της στα μέρη του Καρυοθραύστη, του Μλάντα και άλλων παραστάσεων. Η Kshesinskaya διακρίθηκε για το σήμα κατατεθέν της ρωσικής πλαστικότητας, στην οποία είχαν σφηνωθεί νότες της ιταλικής σχολής. Ήταν η Ματίλντα που έγινε η αγαπημένη του χορογράφου Φόκιν, που τη χρησιμοποίησε στα έργα του «Πεταλούδες», «Έρως», «Εβνίκα». Ο ρόλος της Εσμεράλντα στο ομώνυμο μπαλέτο το 1899 φώτισε ένα νέο αστέρι στη σκηνή. Από το 1904, η Kshesinskaya περιοδεύει στην Ευρώπη. αποκαλείται η πρώτη μπαλαρίνα της Ρωσίας, που τιμάται ως η «γενική του ρωσικού μπαλέτου». Λένε ότι η Kshesinskaya ήταν η αγαπημένη του ίδιου του αυτοκράτορα Νικολάου Β'. Οι ιστορικοί λένε ότι εκτός από ταλέντο, η μπαλαρίνα είχε έναν σιδερένιο χαρακτήρα, μια σταθερή θέση. Είναι αυτή που πιστώνεται με την απόλυση του διευθυντή των Αυτοκρατορικών Θεάτρων, Πρίγκιπα Βολκόνσκι. Η επανάσταση είχε σκληρό αντίκτυπο στην μπαλαρίνα, το 1920 έφυγε από την εξουθενωμένη χώρα. Η Kshesinskaya μετακόμισε στη Βενετία, αλλά συνέχισε να κάνει αυτό που αγαπούσε. Στα 64 της εμφανιζόταν ακόμα στο Covent Garden του Λονδίνου. Και η θρυλική μπαλαρίνα είναι θαμμένη στο Παρίσι.

Agrippina Vaganova (1879-1951).Ο πατέρας της Αγριππίνας ήταν μαέστρος θεάτρου στο Mariinsky. Ωστόσο, κατάφερε να αναγνωρίσει μόνο τη μικρότερη από τις τρεις κόρες του στη σχολή μπαλέτου. Σύντομα ο Yakov Vaganov πέθανε, η οικογένεια είχε μόνο ελπίδα για έναν μελλοντικό χορευτή. Στο σχολείο, η Αγριππίνα αποδείχτηκε σκανδαλώδης, έπαιρνε συνεχώς κακούς βαθμούς για τη συμπεριφορά της. Μετά την αποφοίτησή της, η Vaganova ξεκίνησε την καριέρα της ως μπαλαρίνα. Της έδωσαν πολλούς δευτερεύοντες ρόλους στο θέατρο, αλλά δεν την ικανοποίησαν. Τα σόλο πάρτι παρέκαμψαν την μπαλαρίνα και η εμφάνισή της δεν ήταν ιδιαίτερα ελκυστική. Οι κριτικοί έγραψαν ότι απλά δεν τη βλέπουν σε ρόλους εύθραυστων καλλονών. Ούτε το μακιγιάζ βοήθησε. Η ίδια η μπαλαρίνα υπέφερε πολύ για αυτό. Αλλά με σκληρή δουλειά, η Vaganova πέτυχε δεύτερους ρόλους, άρχισαν να γράφουν για αυτήν περιστασιακά σε εφημερίδες. Τότε η Αγριππίνα ανέτρεψε απότομα τη μοίρα της. Παντρεύτηκε, γέννησε. Επιστρέφοντας στο μπαλέτο, φαινόταν να έχει σηκωθεί στα μάτια των ανωτέρων της. Αν και η Vaganova συνέχισε να εκτελεί τα δεύτερα μέρη, πέτυχε μαεστρία σε αυτές τις παραλλαγές. Η μπαλαρίνα κατάφερε να ξαναβρεί εικόνες που έμοιαζαν να έχουν φθαρεί από γενιές προηγούμενων χορευτών. Μόνο το 1911 η Vaganova έλαβε το πρώτο της σόλο μέρος. Στα 36, η μπαλαρίνα ήταν συνταξιούχος. Δεν έγινε ποτέ διάσημη, αλλά πέτυχε πολλά με τα δεδομένα της. Το 1921 άνοιξε μια σχολή χορογραφίας στο Λένινγκραντ, όπου προσκλήθηκε ως δασκάλα του Βαγκάνοφ. Το επάγγελμα της χορογράφου έγινε το βασικό της μέχρι το τέλος της ζωής της. Το 1934 η Βαγκάνοβα δημοσίευσε το βιβλίο «Βασικές αρχές του κλασικού χορού». Η μπαλαρίνα αφιέρωσε το δεύτερο μισό της ζωής της στη χορογραφική σχολή. Τώρα είναι η Ακαδημία Χορού, που πήρε το όνομά της. Η Agrippina Vaganova δεν έγινε μεγάλη μπαλαρίνα, αλλά το όνομά της μπήκε για πάντα στην ιστορία αυτής της τέχνης.

Yvet Shovire (γεν. 1917).Αυτή η μπαλαρίνα είναι μια πραγματικά εκλεπτυσμένη Παριζιάνα. Από την ηλικία των 10 ετών, άρχισε να ασχολείται σοβαρά με το χορό στη Grand Opera. Το ταλέντο και η ερμηνεία της Yvette σημειώθηκαν από τους σκηνοθέτες. Το 1941, έγινε ήδη η πρώτη μπαλαρίνα στην Όπερα Γκαρνιέ. Οι ντεμπούτο παραστάσεις της έφεραν πραγματικά παγκόσμια φήμη. Μετά από αυτό, ο Shovire άρχισε να λαμβάνει προσκλήσεις για να παίξει σε διάφορα θέατρα, συμπεριλαμβανομένης της ιταλικής Σκάλας. Η μπαλαρίνα δοξάστηκε από το μέρος της Σκιάς στην αλληγορία του Henri Sauge, ερμήνευσε πολλά μέρη που ανέβασε ο Serge Lifar. Από τις κλασικές ερμηνείες ξεχωρίζει ο ρόλος στη Ζιζέλ, που θεωρείται ο βασικός για τον Σοβίρ. Η Υβέτ επί σκηνής επέδειξε αληθινό δράμα, χωρίς να χάσει όλη της την κοριτσίστικη τρυφερότητα. Η μπαλαρίνα έζησε κυριολεκτικά τη ζωή κάθε ηρωίδας της, εκφράζοντας όλα τα συναισθήματα στη σκηνή. Ταυτόχρονα, ο Shovire ήταν πολύ προσεκτικός σε κάθε μικρό πράγμα, κάνοντας πρόβες και ξανακάνοντας πρόβες. Στη δεκαετία του 1960, η μπαλαρίνα ήταν επικεφαλής του σχολείου στο οποίο είχε σπουδάσει η ίδια κάποτε. Και η τελευταία εμφάνιση στη σκηνή Ivet έγινε το 1972. Παράλληλα καθιερώθηκε και βραβείο που πήρε το όνομά της. Η μπαλαρίνα έχει επανειλημμένα πραγματοποιήσει περιοδεία στην ΕΣΣΔ, όπου ερωτεύτηκε το κοινό. Ο ίδιος ο Ρούντολφ Νουρέγιεφ ήταν επανειλημμένα σύντροφός της μετά την φυγή του από τη χώρα μας. Τα πλεονεκτήματα της μπαλαρίνας πριν από τη χώρα ανταμείφθηκαν με το Τάγμα της Λεγεώνας της Τιμής.

Galina Ulanova (1910-1998).Στην Αγία Πετρούπολη γεννήθηκε και αυτή η μπαλαρίνα. Σε ηλικία 9 ετών έγινε μαθήτρια της χορογραφικής σχολής, από την οποία αποφοίτησε το 1928. Αμέσως μετά την παράσταση αποφοίτησης, η Ulanova εντάχθηκε στο θίασο του Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου στο Λένινγκραντ. Οι πρώτες παραστάσεις της νεαρής μπαλαρίνας τράβηξαν την προσοχή των γνώστες αυτής της τέχνης σε αυτήν. Ήδη σε ηλικία 19 ετών, η Ulanova χορεύει το πρωταγωνιστικό μέρος στη Λίμνη των Κύκνων. Μέχρι το 1944, η μπαλαρίνα χόρευε στο θέατρο Κίροφ. Εδώ τη δόξασαν οι ρόλοι της στα «Ζιζέλ», «Ο Καρυοθραύστης», «Το Σιντριβάνι του Μπαχτσισαράι». Το πιο διάσημο όμως ήταν το μέρος της στο Ρωμαίος και Ιουλιέτα. Από το 1944 έως το 1960 η Ulanova ήταν η κορυφαία μπαλαρίνα του θεάτρου Μπολσόι. Πιστεύεται ότι η σκηνή της τρέλας στη Ζιζέλ έγινε το αποκορύφωμα της δουλειάς της. Η Ulanova επισκέφτηκε το 1956 με μια περιοδεία στα Μπολσόι στο Λονδίνο. Λέγεται ότι δεν είχε υπάρξει τέτοια επιτυχία από την εποχή της Άννας Πάβλοβα. Η σκηνική δραστηριότητα της Ulanova τελείωσε επίσημα το 1962. Αλλά για το υπόλοιπο της ζωής της, η Γκαλίνα εργάστηκε ως χορογράφος στο Θέατρο Μπολσόι. Για το έργο της, έλαβε πολλά βραβεία - έγινε ο Λαϊκός Καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ, έλαβε τα βραβεία Λένιν και Στάλιν, δύο φορές έγινε ο Ήρωας της Σοσιαλιστικής Εργασίας και ο νικητής πολλών βραβείων. Η μεγάλη μπαλαρίνα πέθανε στη Μόσχα, θάφτηκε στο νεκροταφείο Novodevichy. Το διαμέρισμά της έγινε μουσείο και ένα μνημείο ανεγέρθηκε στην πατρίδα της Αγία Πετρούπολη Ουλάνοβα.

Alicia Alonso (γεν. 1920).Αυτή η μπαλαρίνα γεννήθηκε στην Αβάνα της Κούβας. Άρχισε να σπουδάζει την τέχνη του χορού σε ηλικία 10 ετών. Εκείνη την εποχή, υπήρχε μόνο μία ιδιωτική σχολή μπαλέτου στο νησί, με επικεφαλής τον Ρώσο ειδικό Νικολάι Γιαβόρσκι. Στη συνέχεια η Alicia συνέχισε τις σπουδές της στις Η.Π.Α. Το ντεμπούτο στη μεγάλη σκηνή έγινε στο Μπρόντγουεϊ το 1938 σε μουσικές κωμωδίες. Στη συνέχεια ο Alonso εργάζεται στο Balle Theatre της Νέας Υόρκης. Εκεί γνωρίζει τη χορογραφία των κορυφαίων χορογράφων του κόσμου. Η Alicia, με τον σύντροφό της Igor Yushkevich, αποφάσισαν να αναπτύξουν το μπαλέτο στην Κούβα. Το 1947 χόρεψε εκεί στη «Λίμνη των Κύκνων» και στο «Apollo Musageta». Ωστόσο, εκείνη την εποχή στην Κούβα δεν υπήρχε παράδοση μπαλέτου, ούτε σκηνή. Και ο κόσμος δεν καταλάβαινε τέτοια τέχνη. Ως εκ τούτου, το έργο της δημιουργίας του Εθνικού Μπαλέτου στη χώρα ήταν πολύ δύσκολο. Το 1948 πραγματοποιήθηκε η πρώτη παράσταση του μπαλέτου Alicia Alonso. Διοικούνταν από ενθουσιώδεις που έβαζαν οι ίδιοι τους αριθμούς τους. Δύο χρόνια αργότερα, η μπαλαρίνα άνοιξε τη δική της σχολή μπαλέτου. Μετά την επανάσταση του 1959, οι αρχές έστρεψαν την προσοχή τους στο μπαλέτο. Η παρέα της Alicia έχει εξελιχθεί στο πολυπόθητο Εθνικό Μπαλέτο της Κούβας. Η μπαλαρίνα έπαιξε πολύ σε θέατρα και ακόμη και πλατείες, πήγε σε περιοδεία, εμφανίστηκε στην τηλεόραση. Μία από τις πιο εντυπωσιακές εικόνες του Alonso είναι το μέρος της Carmen στο ομώνυμο μπαλέτο το 1967. Η μπαλαρίνα ήταν τόσο ζήλος για αυτόν τον ρόλο που απαγόρευσε ακόμη και να ανεβάσει αυτό το μπαλέτο με άλλους ερμηνευτές. Ο Αλόνσο έχει ταξιδέψει σε όλο τον κόσμο, λαμβάνοντας πολλά βραβεία. Και το 1999, έλαβε το μετάλλιο Πάμπλο Πικάσο από την UNESCO για την εξαιρετική της προσφορά στην τέχνη του χορού.

Μάγια Πλισέτσκαγια (γεννήθηκε το 1925).Είναι δύσκολο να αμφισβητηθεί το γεγονός ότι είναι η πιο διάσημη Ρωσίδα μπαλαρίνα. Και η καριέρα της αποδείχτηκε ρεκόρ. Η Μάγια απορρόφησε την αγάπη της για το μπαλέτο ως παιδί, επειδή ο θείος και η θεία της ήταν επίσης διάσημοι χορευτές. Σε ηλικία 9 ετών, ένα ταλαντούχο κορίτσι μπαίνει στη Χορογραφική Σχολή της Μόσχας και το 1943 ένας νεαρός απόφοιτος μπαίνει στο Θέατρο Μπολσόι. Εκεί, η διάσημη Agrippina Vaganova έγινε δασκάλα της. Σε λίγα μόλις χρόνια, η Plisetskaya έγινε σολίστ από το σώμα του μπαλέτου. Σημαντική για εκείνη ήταν η παραγωγή της «Σταχτοπούτας» και ο ρόλος της Φθινοπωρινής Νεράιδας το 1945. Έπειτα υπήρχαν οι ήδη κλασικές παραγωγές των «Ραϊμόντα», «Ωραία Κοιμωμένη», «Δον Κιχώτης», «Ζιζέλ», «Το μικρό αλογάκι με καμπούρα». Η Plisetskaya έλαμψε στο "Σιντριβάνι του Bakhchisarai", όπου μπόρεσε να επιδείξει το σπάνιο δώρο της - κυριολεκτικά κρεμαστεί σε ένα άλμα για μερικές στιγμές. Η μπαλαρίνα συμμετείχε ταυτόχρονα σε τρεις παραγωγές του Σπάρτακου του Χατσατουριανού, ερμηνεύοντας εκεί τα μέρη της Αίγινας και της Φρυγίας. Το 1959, η Πλισέτσκαγια έγινε ο Λαϊκός Καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ. Στη δεκαετία του '60, πιστεύεται ότι η Μάγια ήταν η πρώτη χορεύτρια του θεάτρου Μπολσόι. Η μπαλαρίνα είχε αρκετούς ρόλους, αλλά συσσωρεύτηκε δημιουργική δυσαρέσκεια. Το αποτέλεσμα ήταν το "Carmen Suite", ένα από τα κύρια ορόσημα στη βιογραφία της χορεύτριας. Το 1971, η Plisetskaya έπαιξε επίσης ως δραματική ηθοποιός, παίζοντας στην Άννα Καρένινα. Βασισμένο σε αυτό το μυθιστόρημα, γράφτηκε ένα μπαλέτο, το οποίο έκανε πρεμιέρα το 1972. Εδώ η Μάγια δοκιμάζει τον εαυτό της σε έναν νέο ρόλο - μια χορογράφο, που γίνεται το νέο της επάγγελμα. Από το 1983, η Plisetskaya εργάζεται στην Όπερα της Ρώμης και από το 1987 στην Ισπανία. Εκεί οδηγεί τον θίασο, βάζει τα μπαλέτα της. Η τελευταία παράσταση της Plisetskaya έγινε το 1990. Η μεγάλη μπαλαρίνα πλημμύρισε με πολλά βραβεία όχι μόνο στην πατρίδα της, αλλά και σε Ισπανία, Γαλλία, Λιθουανία. Το 1994 διοργάνωσε διεθνή διαγωνισμό δίνοντάς του το όνομά της. Τώρα το "Maya" δίνει την ευκαιρία να ξεσπάσει σε νεαρά ταλέντα.

Ulyana Lopatkina (γεν. 1973).Η παγκοσμίου φήμης μπαλαρίνα γεννήθηκε στο Κερτς. Ως παιδί, έκανε πολύ όχι μόνο χορό, αλλά και γυμναστική. Σε ηλικία 10 ετών, με τη συμβουλή της μητέρας της, η Ουλιάνα μπήκε στην Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου Vaganova στο Λένινγκραντ. Εκεί, η Natalia Dudinskaya έγινε η δασκάλα της. Σε ηλικία 17 ετών, η Lopatkina κέρδισε τον Πανρωσικό Διαγωνισμό Vaganova. Το 1991, η μπαλαρίνα αποφοίτησε από την ακαδημία και έγινε δεκτή στο θέατρο Mariinsky. Η Ulyana πέτυχε γρήγορα σόλο μέρη για τον εαυτό της. Χόρεψε στους «Δον Κιχώτης», «Ωραία Κοιμωμένη», «Το Σιντριβάνι του Μπαχτσισαράι», «Λίμνη των Κύκνων». Το ταλέντο ήταν τόσο εμφανές που το 1995 η Λοπατκίνη έγινε η πρώτη του θεάτρου της. Κάθε νέος της ρόλος ενθουσιάζει τόσο το κοινό όσο και τους κριτικούς. Ταυτόχρονα, η ίδια η μπαλαρίνα ενδιαφέρεται όχι μόνο για τους κλασικούς ρόλους, αλλά και για το σύγχρονο ρεπερτόριο. Έτσι, ένας από τους αγαπημένους ρόλους της Ουλιάνα είναι το μέρος του Μπανού στον «Θρύλο της Αγάπης» που ανέβασε ο Γιούρι Γκριγκόροβιτς. Το καλύτερο από όλα, η μπαλαρίνα πετυχαίνει τον ρόλο των μυστηριωδών ηρωίδων. Το ιδιαίτερο χαρακτηριστικό του είναι οι εκλεπτυσμένες κινήσεις του, το εγγενές δράμα και το άλμα εις ύψος. Το κοινό πιστεύει τη χορεύτρια, γιατί είναι απολύτως ειλικρινής στη σκηνή. Η Lopatkina είναι βραβευμένη με πολλά εγχώρια και διεθνή βραβεία. Είναι Λαϊκή Καλλιτέχνις της Ρωσίας.

Anastasia Volochkova (γ. 1976).Η μπαλαρίνα θυμάται ότι καθόρισε το μελλοντικό της επάγγελμα σε ηλικία 5 ετών, το οποίο ανακοίνωσε στη μητέρα της. Η Volochkova αποφοίτησε επίσης από την Ακαδημία Vaganova. Η Natalia Dudinskaya έγινε επίσης δασκάλα της. Ήδη στο τελευταίο έτος σπουδών της, η Volochkova έκανε το ντεμπούτο της στα θέατρα Mariinsky και Bolshoi. Από το 1994 έως το 1998, το ρεπερτόριο της μπαλαρίνας περιελάμβανε πρωταγωνιστικούς ρόλους στις παραστάσεις Ζιζέλ, The Firebird, Η Ωραία Κοιμωμένη, Ο Καρυοθραύστης, Δον Κιχώτης, La Bayadère και άλλες παραστάσεις. Με τον θίασο του θεάτρου Mariinsky, η Volochkova ταξίδεψε τον μισό κόσμο. Ταυτόχρονα, η μπαλαρίνα δεν φοβάται να παίξει σόλο, χτίζοντας μια καριέρα παράλληλα με το θέατρο. Το 1998, η μπαλαρίνα έλαβε μια πρόσκληση στο Θέατρο Μπολσόι. Εκεί ερμηνεύει έξοχα το ρόλο της Πριγκίπισσας των Κύκνων στη νέα παραγωγή της Λίμνης των Κύκνων του Βλαντιμίρ Βασίλιεφ. Στο κεντρικό θέατρο της χώρας, η Αναστασία λαμβάνει τους κύριους ρόλους στους La Bayadère, Don Quixote, Raymond, Giselle. Ειδικά για εκείνη, ο χορογράφος Dean δημιουργεί ένα νέο μέρος της νεράιδας Carabosse στην Ωραία Κοιμωμένη. Ταυτόχρονα, η Volochkova δεν φοβάται να εκτελέσει σύγχρονο ρεπερτόριο. Αξίζει να σημειωθεί ο ρόλος της ως το Tsar Maiden στο The Little Humpbacked Horse. Από το 1998, η Volochkova περιοδεύει ενεργά στον κόσμο. Λαμβάνει το βραβείο Golden Lion ως η πιο ταλαντούχα μπαλαρίνα στην Ευρώπη. Από το 2000, η ​​Volochkova έφυγε από το Θέατρο Μπολσόι. Ξεκινά τις εμφανίσεις της στο Λονδίνο, όπου κατέκτησε τους Βρετανούς. Η Volochkova επέστρεψε στα Μπολσόι για λίγο. Παρά την επιτυχία και τη δημοτικότητα, η διοίκηση του θεάτρου αρνήθηκε να ανανεώσει το συμβόλαιο για το συνηθισμένο έτος. Από το 2005, η Volochkova παίζει στα δικά της έργα χορού. Το όνομά της ακούγεται συνεχώς, είναι η ηρωίδα των κουτσομπολίστικων στηλών. Η ταλαντούχα μπαλαρίνα τραγούδησε πρόσφατα και η δημοτικότητά της αυξήθηκε ακόμη περισσότερο μετά τη δημοσίευση γυμνών φωτογραφιών της Volochkova.

Η τέχνη του χορού είναι μια μοναδική μορφή έκφρασης που χρησιμοποιεί μια καθολική γλώσσα του σώματος που όλοι μπορούν να κατανοήσουν. Από το μπαλέτο στον σύγχρονο χορό, από το χιπ χοπ μέχρι τη σάλσα και από τον ανατολίτικο χορό στο φλαμένκο, ο χορός έχει γίνει πρόσφατα μια απόλαυση που είναι ένα είδος αναγέννησης.

Αλλά όταν πρόκειται για μεμονωμένους χορευτές, ποιος έχει τις καλύτερες κινήσεις; Η καλύτερη στάση, δύναμη και ευκρίνεια; Παρακάτω είναι δέκα από τους μεγαλύτερους χορευτές του εικοστού αιώνα - που επιλέχθηκαν για τη φήμη, τη δημοτικότητά τους και την επιρροή τους στην παγκόσμια τέχνη του χορού.

10. Βάσλαβ Νιζίνσκι

Ο Βάσλαβ Νιζίνσκι ήταν ένας από τους πιο ταλαντούχους χορευτές μπαλέτου στην ιστορία, ίσως και ο μεγαλύτερος. Δυστυχώς, δεν υπάρχει ξεκάθαρο υλικό που να αποτυπώνει το απίστευτο ταλέντο του σε κίνηση, που είναι ο κύριος λόγος που κατατάσσεται μόνο στη δέκατη θέση σε αυτή τη λίστα.

Ο Νιζίνσκι ήταν πολύ γνωστός για την εκπληκτική του ικανότητα να αψηφά τη βαρύτητα με τα υπέροχα άλματά του, καθώς και την ικανότητά του να πέφτει πλήρως στον ρόλο που έπαιζε. Είναι επίσης γνωστός για τον χορό en pointe, μια δεξιότητα που δεν συναντάται συχνά στους χορευτές. Ο Nijinsky χόρεψε στους πρωταγωνιστικούς ρόλους σε συνδυασμό με τη θρυλική μπαλαρίνα Anna Pavlova. Τότε η Tamara Karsavina, ιδρύτρια της Royal Academy of Dancing του Λονδίνου, έγινε σύντροφός του. Χαρακτηρίστηκαν με την Καρσαβίνα ως «οι πιο υποδειγματικοί καλλιτέχνες εκείνης της εποχής».

Ο Νιζίνσκι έφυγε από τη σκηνή το 1919, σε σχετικά νεαρή ηλικία είκοσι εννέα ετών. Η συνταξιοδότησή του πιστεύεται ότι οφειλόταν σε νευρικό κλονισμό και επίσης διαγνώστηκε με σχιζοφρένεια. Ο Νιζίνσκι πέρασε τα τελευταία χρόνια της ζωής του σε ψυχιατρεία και άσυλα. Χόρεψε για τελευταία φορά δημόσια τις τελευταίες μέρες του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, εντυπωσιάζοντας μια ομάδα Ρώσων στρατιωτών με τις περίπλοκες χορευτικές του κινήσεις. Ο Νιζίνσκι πέθανε στο Λονδίνο στις 8 Απριλίου 1950.

9 Μάρθα Γκράχαμ


Η Μάρθα Γκράχαμ θεωρείται η μητέρα του σύγχρονου χορού. Δημιούργησε τη μοναδική πλήρως κωδικοποιημένη τεχνική μοντέρνου χορού, χορογράφησε πάνω από εκατόν πενήντα έργα στη διάρκεια της ζωής της ως χορογράφος και είχε βαθιά επίδραση σε όλους τους τομείς του σύγχρονου χορού.

Η απόκλιση της τεχνικής της από το κλασικό μπαλέτο και η χρήση ορισμένων κινήσεων του σώματος όπως η σύσπαση, η απελευθέρωση και οι σπείρες, είχαν βαθιά επίδραση στον κόσμο της τέχνης του χορού. Ο Γκράχαμ μάλιστα έφτασε στο σημείο να δημιουργήσει μια «γλώσσα» κίνησης βασισμένη στις εκφραστικές δυνατότητες του ανθρώπινου σώματος.

Χόρευε και χορογραφούσε για πάνω από εβδομήντα χρόνια. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, έγινε η πρώτη χορεύτρια που εμφανίστηκε στον Λευκό Οίκο. ο πρώτος χορευτής που ταξίδεψε στο εξωτερικό ως πολιτιστικός πρεσβευτής και ο πρώτος χορευτής που έλαβε το υψηλότερο πολιτικό βραβείο, το Προεδρικό Μετάλλιο της Ελευθερίας. Ως μητέρα του σύγχρονου χορού, θα μείνει απαθανατισμένη στη μνήμη των ανθρώπων για τις απίστευτα συναισθηματικές ερμηνείες της, τις μοναδικές χορογραφίες της και ιδιαίτερα την εγχώρια τεχνική χορού της.

8 Josephine Baker


Αν και το όνομα της Josephine Baker συνδέεται κυρίως με την εποχή της τζαζ, ο φλογερός χορός της εξακολουθεί να έχει αντίκτυπο στον κόσμο του χορού, σχεδόν εκατόν δέκα χρόνια μετά τη γέννησή της, όπως ήταν πριν.

Πολλές δεκαετίες πριν από τη Madonna, την Beyoncé, την Janet Jackson, την Britney Spears και την Jennifer Lopez, υπήρχε η Josephine Baker, μια από τις πρώτες διασημότητες στον κόσμο με αφρικανική καταγωγή. Η Josephine πήγε στο Παρίσι το 1925 για να χορέψει στο La Revue Nègre. Έκανε μια μόνιμη εντύπωση στο γαλλικό κοινό με τον τέλειο συνδυασμό εξωτικής γοητείας και ταλέντου της.

Την επόμενη χρονιά εμφανίστηκε στο Folies Bergère και αυτό ήταν το πραγματικό ξεκίνημα της καριέρας της. Εμφανίστηκε με μπανάνα φούστα και ξεσήκωσε το πλήθος με το χορευτικό της στυλ. Αργότερα πρόσθεσε το τραγούδι στις εμφανίσεις της και παρέμεινε δημοφιλής στη Γαλλία για πολλά χρόνια. Η Josephine Baker ανταποκρίθηκε στη λατρεία του γαλλικού λαού με το να γίνει η ίδια Γαλλίδα πολίτης το 1937.

Στη Γαλλία, δεν ένιωθε το ίδιο επίπεδο φυλετικής προκατάληψης που υπήρχε στις Ηνωμένες Πολιτείες εκείνη την εποχή. Προς το τέλος της ζωής της, η Josephine Baker ήλπιζε να δημιουργήσει ένα «παγκόσμιο χωριό» στο κτήμα της στη Γαλλία, αλλά αυτά τα σχέδια κατέρρευσαν λόγω οικονομικών δυσκολιών. Για να συγκεντρώσει χρήματα, επέστρεψε στη σκηνή. Η επιστροφή της ήταν σύντομη, αλλά ήταν ένας θρίαμβος στο Μπρόντγουεϊ τη δεκαετία του 1970 και το 1975 άνοιξε μια αναδρομική παράσταση στο Παρίσι. Πέθανε την ίδια χρονιά από εγκεφαλική αιμορραγία, μια εβδομάδα μετά την έναρξη της παράστασης.

7 Τζιν Κέλι


Ο Τζιν Κέλι ήταν ένας από τους μεγαλύτερους σταρ και τους μεγαλύτερους καινοτόμους κατά τη χρυσή εποχή των μιούζικαλ του Χόλιγουντ. Ο Kelly θεώρησε ότι το δικό του στυλ ήταν κάτι σαν ένα υβρίδιο διαφορετικών προσεγγίσεων στον χορό, παίρνοντας τις κινήσεις του από το σύγχρονο χορό, το μπαλέτο και το βρύση.

Ο Kelly έφερε τον χορό στο θέατρο, χρησιμοποιώντας κάθε ίντσα του σετ του, κάθε επιφάνεια και κάθε ευρεία γωνία κάμερας για να ξεφύγει από τους δισδιάστατους περιορισμούς της ταινίας. Και με αυτόν τον τρόπο, άλλαξε τον τρόπο που οι κινηματογραφιστές βλέπουν τις κάμερές τους. Χάρη στην Kelly, η κάμερα έγινε ζωντανό όργανο, ακόμα και η χορεύτρια που κινηματογράφησε.

Η κληρονομιά της Kelly διαποτίζει τη βιομηχανία των μουσικών βίντεο. Ο φωτογράφος Mike Salisbury φωτογράφισε τον Michael Jackson για το εξώφυλλο του Off The Wall φορώντας «λευκές κάλτσες και ανοιχτόχρωμα δερμάτινα παπούτσια όπως τα μοκασίνια Gene Kelly» - τα οποία έχουν γίνει το σήμα κατατεθέν του σταρ του κινηματογράφου. Ήταν αυτή η εικόνα που μετά από λίγο καιρό έγινε τα αναγνωρίσιμα εμπορικά σήματα του τραγουδιστή.

Η Paula Abdul, αρχικά γνωστή για το χορό και τις χορογραφίες της, έκανε αναφορά στον διάσημο χορό της Kelly με τον Jerry the Mouse στο χυδαίο βίντεο της για το Opposites Attract, το οποίο τελειώνει με ένα χορό κρούσης. Ο Usher ήταν ένας άλλος καλλιτέχνης με κορυφαίες πωλήσεις που απέτισε φόρο τιμής στην κληρονομιά της Kelly. Δεν θα υπάρξει ποτέ άλλος χορευτής σαν την Kelly, και η επιρροή του συνεχίζει να αντηχεί μέσα από γενιές Αμερικανών χορευτών.

6. Sylvie Guillem


Στα σαράντα οκτώ, η Sylvie Guillem συνεχίζει να αψηφά τους νόμους του μπαλέτου και της βαρύτητας. Η Guillem άλλαξε το πρόσωπο του μπαλέτου με τα υπερφυσικά της χαρίσματα, τα οποία χρησιμοποιούσε πάντα με ευφυΐα, ακεραιότητα και ευαισθησία. Η φυσική της περιέργεια και το θάρρος της την οδήγησαν στα πιο τολμηρά μονοπάτια, πέρα ​​από τα συνηθισμένα πλαίσια του κλασικού μπαλέτου.

Αντί να αφιερώσει ολόκληρη την καριέρα της σε «ασφαλείς» παραστάσεις, πήρε τολμηρές αποφάσεις, εξίσου ικανή να παίξει το ρόλο της «Raymonda» (Raymonda) στην Όπερα του Παρισιού ή να συμμετάσχει σε μια καινοτόμο παράσταση χορού βασισμένη στο έργο του Forsythe ( Forsythe) "Στη μέση Κάπως ανυψωμένο". Σχεδόν καμία άλλη χορεύτρια δεν έχει τέτοια εμβέλεια, επομένως δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι έχει γίνει το σημείο αναφοράς για τους περισσότερους χορευτές σε όλο τον κόσμο. Όπως η Μαρία Κάλλας στον κόσμο της όπερας, ο Γκιγίλ μπόρεσε να αλλάξει τη δημοφιλή εικόνα της μπαλαρίνας.

5. Μάικλ Τζάκσον


Ο Μάικλ Τζάκσον ήταν ο άνθρωπος που έκανε τα μουσικά βίντεο τάση και είναι, χωρίς αμφιβολία, αυτός που έκανε τον χορό σημαντικό στοιχείο της σύγχρονης ποπ μουσικής. Οι κινήσεις του Τζάκσον έχουν ήδη γίνει τυπικό λεξιλόγιο στον χορό ποπ και χιπ-χοπ. Τα περισσότερα σύγχρονα pop icons όπως ο Justin Bieber, ο Usher, ο Justin Timberlake παραδέχονται ότι το στυλ του Michael Jackson είχε ισχυρή επιρροή πάνω τους.

Η προσφορά του στην τέχνη του χορού ήταν πρωτότυπη και ασυνήθιστη. Ο Τζάκσον ήταν ένας καινοτόμος που ήταν κυρίως αυτοδίδακτος, σχεδιάζοντας νέες χορευτικές κινήσεις χωρίς τα συχνά εμφανιζόμενα επίσημα εφέ μάθησης που περιορίζουν την πτήση της φαντασίας. Η φυσική του χάρη, η ευελιξία και ο εκπληκτικός ρυθμός του συνέβαλαν στη δημιουργία του «Τυλ Τζάκσον». Οι υπάλληλοί του τον αποκαλούσαν «ο σφουγγάρι». Αυτό το παρατσούκλι του δόθηκε για την ικανότητά του να απορροφά ιδέες και τεχνικές όπου τις έβρισκε.

Οι κύριες εμπνεύσεις του Τζάκσον είναι οι Τζέιμς Μπράουν, Μαρσέλ Μαρσό, Τζιν Κέλι, και ίσως αυτό να εκπλήξει πολλούς ανθρώπους - διάφορους χορευτές κλασικού μπαλέτου. Αυτό που πολλοί από τους θαυμαστές του δεν γνωρίζουν είναι ότι αρχικά προσπάθησε να «πιουτάρει σαν τον Μπαρίσνικοφ» και «να χορέψει σαν τον Φρεντ Αστέρ», αλλά απέτυχε παταγωδώς. Ωστόσο, η αφοσίωσή του στο δικό του μοναδικό στυλ του χάρισε τη φήμη που αναζητούσε, και σήμερα το όνομά του βρίσκεται δίπλα σε άλλους γίγαντες της λαϊκής μουσικής όπως ο Έλβις και οι Beatles, και θεωρείται ένα από τα μεγαλύτερα ποπ εικονίδια όλων των εποχών.

4. Χοακίν Κορτές


Ο Joaquin Cortez είναι ο νεότερος χορευτής σε αυτή τη λίστα, αλλά παρόλο που εξακολουθεί να βρίσκεται στη διαδικασία οικοδόμησης της κληρονομιάς του, είναι ένας από τους λίγους χορευτές στην ιστορία που έγιναν εκπληκτικά σύμβολα του σεξ που αγαπούν οι γυναίκες και οι γυναίκες και οι άνδρες. Η Elle Macpherson το περιέγραψε ως «σεξ με τα πόδια». Η Madonna και η Jennifer Lopez τον έχουν λατρέψει δημοσίως, ενώ η Naomi Campbell και η Mira Sorvino είναι από τις γυναίκες που φημολογείται ότι έχει ραγίσει τις καρδιές τους.

Είναι ασφαλές να πούμε ότι ο Κορτές δεν είναι μόνο ένας από τους μεγαλύτερους χορευτές φλαμένκο όλων των εποχών, αλλά και αυτός που εδραίωσε τη θέση του φλαμένκο στη λαϊκή κουλτούρα. Οι άντρες θαυμαστές του είναι οι Tarantino, Armani, Bertolucci, Al Pacino, Antonio Banderas και Sting. Πολλοί από τους θαυμαστές του τον αποκαλούν Θεό του Φλαμένκο ή απλά Θεό του σεξ και αν έχετε την ευκαιρία να παρακολουθήσετε μια από τις εκπομπές του, θα καταλάβετε γιατί. Ωστόσο, σε ηλικία σαράντα τεσσάρων ετών, ο Κορτές παραμένει εργένης, δηλώνοντας ότι «ο χορός είναι η γυναίκα μου, η μόνη μου γυναίκα».

3. Φρεντ Αστέρ και Τζίντζερ Ρότζερς


Ο Αστέρ και ο Ρότζερς ήταν φυσικά ένα αμίμητο ζευγάρι χορευτών. Λέγεται ότι «της έδωσε γοητεία και εκείνη του έκανε σεξ». Έκαναν τον χορό πολύ πιο ελκυστικό για τις μάζες σε μια μάλλον prim time. Αυτό οφειλόταν εν μέρει στο γεγονός ότι η Rogers χρησιμοποίησε τις υποκριτικές της ικανότητες στο χορό και έδωσε την εντύπωση ότι ο χορός με τον Astaire ήταν η πιο ευτυχισμένη στιγμή της ζωής της.

Η εποχή συνέβαλε επίσης στην άνοδο της δημοτικότητάς τους, κατά τη διάρκεια της μεγάλης ύφεσης, πολλοί Αμερικανοί προσπάθησαν να τα βγάλουν πέρα ​​- και αυτοί οι δύο χορευτές έδωσαν στους ανθρώπους την ευκαιρία να ξεχάσουν την καταθλιπτική πραγματικότητα για λίγο και να διασκεδάσουν.

2. Μιχαήλ Μπαρίσνικοφ


Ο Μιχαήλ Μπαρίσνικοφ είναι ένας από τους μεγαλύτερους χορευτές μπαλέτου όλων των εποχών, που θεωρείται από πολλούς κριτικούς ως ο κορυφαίος. Γεννημένος στη Λετονία, ο Μπαρίσνικοφ σπούδασε μπαλέτο στην Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου Vaganova στην Αγία Πετρούπολη (τότε γνωστή ως Λένινγκραντ) πριν ενταχθεί στο Θέατρο Μαριίνσκι το 1967. Έκτοτε έχει ερμηνεύσει πρωταγωνιστικούς ρόλους σε δεκάδες μπαλέτα. Έπαιξε βασικό ρόλο στην εισαγωγή του μπαλέτου στη λαϊκή κουλτούρα ήδη από τα τέλη της δεκαετίας του 1970 και τις αρχές της δεκαετίας του 80, και υπήρξε επίσης το πρόσωπο της τέχνης για πάνω από δύο δεκαετίες. Ο Μπαρίσνικοφ είναι ίσως ο πιο επιδραστικός χορευτής της εποχής μας.

1. Ρούντολφ Νουρέγιεφ


Ο Μπαρίσνικοφ κέρδισε τις καρδιές των κριτικών και των συναδέλφων χορευτών και ο Ρούντολφ Νουρέγιεφ μπόρεσε να γοητεύσει εκατομμύρια απλούς ανθρώπους σε όλο τον κόσμο. Η ρωσικής καταγωγής χορεύτρια έγινε σολίστ στο θέατρο Μαριίνσκι σε ηλικία 20 ετών. Το 1961, όταν η προσωπική του ζωή τον έκανε αντικείμενο εξέτασης από τις σοβιετικές αρχές, ζήτησε πολιτικό άσυλο στο Παρίσι και αργότερα έκανε περιοδεία με το Grand Ballet du Marquis de Cuevas.

Στη δεκαετία του 1970 εισέβαλε στην κινηματογραφική βιομηχανία. Οι περισσότεροι κριτικοί υποστηρίζουν ότι τεχνικά δεν ήταν τόσο καλός όσο ο Μπαρίσνικοφ, αλλά ο Νουρέγιεφ κατάφερε να αιχμαλωτίσει τα πλήθη με το εκπληκτικό του χάρισμα και τις συναισθηματικές του ερμηνείες. Το μπαλέτο Nureyev και Fonteyn Romeo and Juliet παραμένει μέχρι σήμερα μια από τις πιο δυνατές και συναισθηματικές παραστάσεις ντουέτο στην ιστορία του μπαλέτου.

Δυστυχώς, ο Nureyev ήταν ένα από τα πρώτα θύματα της μόλυνσης από τον ιό HIV και πέθανε από AIDS το 1993. Είκοσι χρόνια μετά, μπορούμε ακόμα να δούμε την απίστευτη κληρονομιά που άφησε πίσω του.

+
Ντόνι Μπερνς


Ο Donnie Burns είναι ένας Σκοτσέζος επαγγελματίας χορευτής αιθουσών χορού που ειδικεύεται στον λάτιν χορό. Αυτός και ο πρώην παρτενέρ του στο χορό Gaynor Fairweather έχουν γίνει επαγγελματίες παγκόσμιοι πρωταθλητές Latin Dance δεκαέξι φορές ρεκόρ. Αυτή τη στιγμή είναι πρόεδρος του Παγκόσμιου Συμβουλίου Χορού και εμφανίστηκε επίσης στη δωδέκατη σεζόν του Dancing with the Stars.

Θεωρείται ως ο μεγαλύτερος χορευτής της αίθουσας χορού όλων των εποχών και οι χοροί του πρωταθλήματος με τη σύντροφό του θεωρούνται πλέον κλασικοί. Όμως τα πράγματα δεν πήγαιναν πάντα τόσο καλά για τον Μπερνς. Κατά τη διάρκεια μιας συνέντευξης στην Daily Sun, παραδέχτηκε: «Ποτέ δεν πίστευα ότι ένα μικρό αγόρι από το Hamilton θα μπορούσε να βιώσει έστω και ένα κλάσμα από αυτά που έχω ζήσει στη ζωή μου. Με κορόιδευαν ανελέητα στο σχολείο και συχνά τσακώνομαι γιατί ήθελα να αποδείξω ότι δεν είμαι «βασίλισσα του χορού».

Είναι ασφαλές να πούμε ότι σήμερα δεν θα είχε αντίρρηση για ένα τέτοιο επίθετο, καθώς ο Donnie Burns θεωρείται πλέον ο «Βασιλιάς του Χορού».

Αν υπάρχει μια τέχνη ικανή να αιχμαλωτίσει την καρδιά όλων ανεξαιρέτως, να διεισδύσει στην ψυχή, να τη γεμίσει με χαρά, ενσυναίσθηση, να την κάνει να χαρεί ή να κλάψει, ενώ αιχμαλωτίζει ολόκληρο το αμφιθέατρο, τότε αυτή είναι η τέχνη του μπαλέτου.
Το κλασικό ρωσικό μπαλέτο δεν είναι μόνο διάσημες μπαλαρίνες και χορευτές, αλλά και συνθέτες που έγραψαν ειδικά για το ρωσικό μπαλέτο. Μέχρι σήμερα, σε όλο τον κόσμο, οι Ρωσίδες μπαλαρίνες θεωρούνται οι καλύτερες, πιο λεπτές, ανθεκτικές, εργατικές.

Η Uliana Lopatkina είναι μια διάσημη πρίμα μπαλαρίνα του θεάτρου Mariinsky. Εμπνευσμένη από το έργο των G. Ulanova και M. Plisetskaya, συνέδεσε για πάντα τη ζωή της με το μπαλέτο και μπήκε στη χορογραφική σχολή. Ωστόσο, κατά την εισαγωγή, της δόθηκε μια πολύ μέτρια αξιολόγηση. Αποκαλύφθηκε πλήρως στο μάθημα πριν το πτυχίο. Όλοι έβλεπαν στον χορό της όχι μόνο άψογη τεχνική μαεστρία του χορού, αλλά και χαρακτήρα, χάρη, κέφι. Ταλέντο ή καρποί σπουδαίας δουλειάς; Αργότερα, σε μια από τις συνεντεύξεις της, παραδέχεται: «Τα αστέρια δεν γεννιούνται!», πράγμα που σημαίνει, τελικά, επιμέλεια και θα καθορίσει την επιτυχία. Έτσι είναι στην πραγματικότητα. Η Uliana Lopatkina είναι μια πολύ εργατική μαθήτρια, μόνο αυτή η ικανότητα της επέτρεψε να γίνει πραγματικός βιρτουόζος στο μπαλέτο.

Η Ulyana Lopatkina είναι μια εντυπωσιακή μπαλαρίνα με ατομικό στυλ ερμηνείας και μια συγκεκριμένη στάση απέναντι στον ήρωα, το κοινό και τον εαυτό της. Ίσως γι' αυτό έχει τώρα το μετάλλιο της Μαρίας Ταγλιόνι, το οποίο κράτησε η σπουδαία Γκαλίνα Ουλάνοβα και μεταφέρθηκε στην Ουλιάνα Λοπατκίνα, σύμφωνα με τη θέλησή της.

Πολλά έχουν ειπωθεί και γραφτεί για την ομορφιά και τη χάρη της Μάγια Πλισέτσκαγια.

Η Μάγια Πλισέτσκαγια θαυμάζεται από όλο τον κόσμο. Συχνά οι κινήσεις των εύκαμπτων χεριών και του σώματός της συγκρίνονται με το πτερυγισμό των φτερών ενός κύκνου που κολυμπά, τη μεταμόρφωση ενός κοριτσιού σε πουλί. Η Odette που ερμήνευσε η Maya Plisetskaya έγινε τελικά παγκόσμιος θρύλος. Μια κριτικός της παρισινής εφημερίδας Le Figaro διαβεβαίωσε ότι τα χέρια της στη Λίμνη των Κύκνων κινούνταν «απάνθρωπα» και ότι «όταν η Πλισέτσκαγια αρχίζει να κυματίζει τα χέρια της, δεν ξέρεις πλέον αν αυτά είναι χέρια ή φτερά ή τα χέρια της γυρίζουν. στην κίνηση των κυμάτων κατά μήκος των οποίων κολυμπάει ο κύκνος.

Ο Βλαντιμίρ Βασίλιεφ δικαίως μπορεί να θεωρηθεί θρύλος του ρωσικού μπαλέτου. Ο μοναδικός χορευτής μπαλέτου που τιμήθηκε με τον τίτλο του «Καλύτερου Χορευτή του Κόσμου» από την Ακαδημία Χορού του Παρισιού και ο οποίος ανακηρύχθηκε από τους κριτικούς ως «ο θεός του χορού», «θαύμα της τέχνης», «τελειότητα». Κάποτε εισήγαγε μια νέα τεχνική, η οποία, σε συνδυασμό με τη βαθιά καλλιτεχνία της χαρακτηριστικής του απόδοσης, εξακολουθεί να θεωρείται το πρότυπο του ανδρικού χορού.

Η Ekaterina Maksimova είναι μια διάσημη σοβιετική μπαλαρίνα, η δουλειά της οποίας έχει πάρει μια άξια θέση ανάμεσα στα αριστουργήματα αυτής της τέχνης. Οι εικόνες της είχαν εκπληκτική ποιότητα: συνδύαζαν την παιδική έμπνευση, την αγνότητα και τις πράξεις ενός ενήλικα. Αυτό το χαρακτηριστικό επιτεύχθηκε με την εξαιρετική ευκολία και χάρη της χορογραφίας της Maximova, το σχέδιο της οποίας χαρακτηριζόταν από τόνους φωτός και χαράς. Κάθε εμφάνιση του χορευτή στη σκηνή ήταν μια ωδή στους στίχους και στα νιάτα. Χάρη στη δασκάλα της χορογραφικής σχολής Ε.Π. Gerdt, Ekaterina Maksimova επικεντρώθηκε όχι μόνο στην άψογη απόδοση του χορού, αλλά και στη μεταφορά ολόκληρης της γκάμας των συναισθημάτων που ενθουσιάζουν την ηρωίδα της. Ο εσωτερικός κόσμος των δημιουργημένων εικόνων μεταφέρθηκε από μια ιδιαίτερη έκφραση προσώπου, ένα ιδιαίτερο υποκριτικό ταλέντο.

Η Natalya Bessmertnova είναι η πιο ρομαντική μπαλαρίνα του 20ου αιώνα.
Μαέστρος του λυρισμού, καθήλωσε όχι με την τεχνική «κατάρρευση» τριάντα δύο φουετών, αλλά με την ατμόσφαιρα (τώρα θα πουν - αύρα) του χορού. Η τέχνη της είναι η πιο δυνατή εντύπωση μιας ζωής. Η ικανότητα να μεταφέρει τον θεατή σε έναν κόσμο όπου δεν υπάρχει τίποτα θνητό για αρκετές ώρες, γι 'αυτό λατρεύτηκε από τους θαυμαστές και τους θαυμαστές.

Οι χορευτικές ικανότητες και η τέχνη της Lyudmila Semenyaka εμφανίστηκαν για πρώτη φορά στον χορογραφικό κύκλο του παλατιού Zhdanov των Pioneers.

Σε ηλικία 10 ετών μπήκε στην Ακαδημαϊκή Χορογραφική Σχολή του Λένινγκραντ. Η Vaganova, στα 12 - έκανε το ντεμπούτο της στη σκηνή του Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου Kirov στο σόλο μέρος της μικρής Marie στο μπαλέτο Ο Καρυοθραύστης.
Το 1969, στον Πρώτο Διεθνή Διαγωνισμό Μπαλέτου στη Μόσχα, της απονεμήθηκε το III βραβείο.
Από το 1970 έως το 1972 εργάστηκε στο Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου Κίροφ. Συνέχισε να σπουδάζει υπό την καθοδήγηση της Irina Kolpakova.
Το 1972, ο Γιούρι Γκριγκόροβιτς την προσκάλεσε στο Θέατρο Μπολσόι. Την ίδια χρονιά, ο καλλιτέχνης έκανε ένα επιτυχημένο ντεμπούτο στην παράσταση του θεάτρου Μπολσόι "Λίμνη των Κύκνων".
Το 1976 κέρδισε το 1ο βραβείο και ένα χρυσό μετάλλιο στον 1ο Διεθνή Διαγωνισμό Μπαλέτου στο Τόκιο και στο Παρίσι ο Serge Lifar της χάρισε το βραβείο Anna Pavlova της Ακαδημίας Χορού του Παρισιού.

Η Σβετλάνα Ζαχάροβα γεννήθηκε στο Λούτσκ στις 10 Ιουνίου 1979. Το 1989 μπήκε στη Χορογραφική Σχολή του Κιέβου. Αφού σπούδασε εκεί για έξι χρόνια, πήρε μέρος στον διαγωνισμό νεαρών χορευτών Vaganova-Prix στην Αγία Πετρούπολη. Έλαβε το δεύτερο βραβείο και μια προσφορά να πάει στο μάθημα αποφοίτησης στην Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου με το όνομα A. Ya. Vaganova. Το 1996, η Ζαχάροβα αποφοίτησε από την ακαδημία, όντας μεταξύ των πρώτων αποφοίτων της Έλενα Εβτέεβα, διάσημης μπαλαρίνας του θεάτρου Μαριίνσκι στο παρελθόν. Την ίδια χρονιά, έγινε δεκτή στο θίασο του θεάτρου Mariinsky και την επόμενη σεζόν πήρε τη θέση της σολίστ.

Τον Απρίλιο του 2008, η Σβετλάνα Ζαχάροβα αναγνωρίστηκε ως το αστέρι του διάσημου θεάτρου La Scala στο Μιλάνο.
Έχει εμφανιστεί σε Μόσχα, Αγία Πετρούπολη, Λονδίνο, Βερολίνο, Παρίσι, Βιέννη, Μιλάνο, Μαδρίτη, Τόκιο, Μπακού, Νέα Υόρκη, Άμστερνταμ κ.α.

Σχετικά με τον M. V. Kondratieva

«Αν η Τερψιχόρη υπήρχε στην πραγματικότητα, η Μαρίνα Κοντρατίεβα θα ήταν η ενσάρκωσή της. Δεν ξέρεις και δεν μπορείς να πιάσεις όταν βυθίζεται στο έδαφος. Τώρα βλέπεις μόνο τα μάτια της, μετά ανάλαφρα χαριτωμένα πόδια, μετά μόνο ένα εκφραστικό χέρι. Μαζί, λένε θαυμάσιες ιστορίες σε πειστική γλώσσα. Αλλά εδώ είναι μια ελάχιστα αισθητή στροφή του ώμου - και δεν είναι εκεί ... και φαίνεται ότι δεν ήταν καθόλου εκεί. Αυτή, σαν ένα πρώιμο ροζ σύννεφο, εμφανίζεται τώρα και μετά λιώνει μπροστά στα μάτια μας.

Kasyan Goleizovsky, χορευτής μπαλέτου, εξαιρετικός Ρώσος χορογράφος

«Ο χορός της μου προκάλεσε συσχετισμούς με την ιαπωνική ζωγραφική, τις πιο λεπτές και εκφραστικές πινελιές, με διαφανείς πινελιές ακουαρέλας».

Lyudmila Semenyaka, Λαϊκός Καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ

«Ο υψηλότερος επαγγελματισμός της Kondratieva απολαμβάνει όχι μόνο στις σόλο παραστάσεις της, αλλά και στα ντουέτα και στα σύνολα με άλλους σολίστ. Το να είσαι αξιόπιστος συνεργάτης είναι επίσης τέχνη. Και το πώς θα το πετύχετε παραμένει μυστικό για πολλούς.

Maris Liepa, Λαϊκός Καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ

«Η αγνότητα και η ελαφρότητα ήταν εγγενείς όχι μόνο στον χορό της, αλλά και στην ψυχή της. Φυσικά, ήταν μια πραγματική Μούσα.

Yaroslav Sekh, χορευτής του θεάτρου Μπολσόι

Υπάρχουν ξεχωριστοί, «πρωταγωνιστές» άνθρωποι στην τέχνη, προικισμένοι, εκτός από ταλέντο, εργατικότητα, γοητεία και δημιουργική δύναμη, και με κάποιου είδους φως, πτήση. Σχετικά με τη Marisa Liepa: είναι σε πτήση, σε άλματα εις μήκος, σαν παρατεταμένος, σε όλο το χώρο της σκηνής. Σαν τεντωμένο ελατήριο. Την ημέρα της παράστασης, το πρωί, ήταν συμπιεσμένος σαν ελατήριο, και ήταν σημαντικό να μην χάσει αυτή την κατάσταση, το ελατήριο δούλευε όταν ανέβαινε η κουρτίνα.

Δεκατριάχρονο σοβαρό αγόρι της Ρίγας: πρώτη συμμετοχή σε διαγωνισμό στη Μόσχα. Το πρώτο pas de deux από τον Καρυοθραύστη. Πρώτη επιτυχία. Μόνο από εκείνη τη στιγμή αποφάσισε ότι το μπαλέτο ήταν το πεπρωμένο του.
Ήταν παθιασμένος, παθιασμένος σε κάθε εκδήλωση. . Ο Λιέπα τρέχει πηδώντας στα μαθήματα για τους μαθητές, ανάλαφρος, δεν διακρίνεται από αυτούς, νέος, μέσα στο πλήθος. Και διδάσκει επίσης εύκολα και με πάθος, πέφτοντας στα γόνατα, φουντώνει και επαινεί, επαινώντας ασυγκράτητα, γιατί ξέρει: το μπαλέτο είναι έργο γιγάντιο.
Έζησε τη ζωή του σαν δάδα ή αστέρι - φούντωσε και βγήκε έξω. Δεν μπορούσε, μάλλον, να επιβιώσει, να ξεθωριάσει. Ήξερε πώς και ήθελε μόνο να ζήσει. «Νιώθω σαν οδηγός αγώνων, συνεχίζω να πετάω και να πετάω και δεν μπορώ να σταματήσω». «Όταν φύγω από τα Μπολσόι, θα πεθάνω». Το Μπολσόι ήταν το μόνο του θέατρο. Ήταν μαξιμαλιστής, ρομαντικός. Και το μπαλέτο ήταν η μόνη του μοίρα.

Φυσικά, αυτά απέχουν πολύ από όλα τα αστέρια του ρωσικού μπαλέτου που έλαμψαν και λάμπουν τώρα σε πολλές σκηνές του κόσμου. Αλλά δεν είναι δυνατόν να πούμε για όλα ταυτόχρονα σε ένα μήνυμα. Ευχαριστώ για την προσοχή.