Οι πιο αγοραστικοί πίνακες σύγχρονων καλλιτεχνών. Πίνακες ζωγραφικής διάσημων σύγχρονων καλλιτεχνών

"Τοπίο Birch Grove road" 120x100
Μαχαίρι παλέτας, λάδι, καμβάς
Κωνσταντίνος Λώρης-Μέλικοφ

Τέχνη του 21ου αιώνα
— παμφάγος,
κυνικός, ειρωνικός-σαρκαστικός, δημοκρατικός - λένε το ηλιοβασίλεμα μιας μεγάλης εποχής.

Οι μεταμοντέρνοι έχουν βρεθεί σε μια κατάσταση όπου όλα έχουν ειπωθεί πριν από αυτούς. Και το μόνο που έχουν να κάνουν είναι να χρησιμοποιήσουν αυτό που έχουν δημιουργήσει, να αναμείξουν στυλ, να δημιουργήσουν, αν όχι νέα, αλλά αναγνωρίσιμη τέχνη…

οι πιο φωτεινές κατευθύνσεις:

1. νεορεαλισμός?


2. Μίνιμαλ τέχνη;


3. Μεταμοντέρνο;


4. Υπερρεαλισμός;


5. εγκατάσταση;


6. Περιβάλλον;


7. Video art;


8. Γκράφιτι;


9. Transavant-garde?


10. Τέχνη σώματος;


11. Κολλισμός;


12. νεοπλαστικισμός;


13. Τέχνη του δρόμου;


14. τέχνη αλληλογραφίας?


15. Καμία τέχνη.

1. ΝΕΟΡΕΑΛΙΣΜΟΣ.
Αυτή είναι η τέχνη της μεταπολεμικής Ιταλίας, που πάλεψε με τον μεταπολεμικό πεσιμισμό.

Το νέο μέτωπο της τέχνης ενώθηκε
αφαιρετικοί και ρεαλιστές και κράτησε μόνο 4 χρόνια. Αλλά από
διάσημοι καλλιτέχνες βγήκαν από αυτό: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto
Treccani. Απεικόνιζαν ζωντανά και εκφραστικά εργάτες και αγρότες.

Παρόμοιες τάσεις έχουν εμφανιστεί και σε άλλες
χωρών, αλλά η σχολή του νεορεαλισμού θεωρείται η λαμπρότερη σχολή, η οποία
εμφανίστηκε στην Αμερική μέσα από τις προσπάθειες του τοιχογράφου Ντιέγκο Ριβέρα.

Παρακολουθήστε: Renato Guttuso

τοιχογραφίες του Ντιέγκο Ριβέρα - Προεδρικό Μέγαρο (Πόλη του Μεξικού, Μεξικό).

Θραύσμα τοιχογραφίας του Ντιέγκο Ριβέρα για το ξενοδοχείο Prado στην Πόλη του Μεξικού "Sunday Dream in Alameda Park", 1948

2. MINIMUM ART.
Αυτή είναι η κατεύθυνση της πρωτοπορίας.
Χρησιμοποιεί απλές φόρμες και αποκλείει τυχόν συσχετισμούς.

Carl Andre, 1964

Αυτή η κατεύθυνση εμφανίστηκε στις ΗΠΑ στο τέλος
δεκαετία του '60. Οι Μινιμαλιστές αποκαλούσαν τον Marcel Duchamp τους άμεσους προκατόχους τους.
(έτοιμο), Piet Mondrian (νεοπλαστικισμός) και Kazimir Malevich
(Σουπρεματισμός), το μαύρο τετράγωνό του το έλεγαν πρώτο έργο
ελάχιστη τέχνη.

Εξαιρετικά απλό και γεωμετρικό
σωστές συνθέσεις - πλαστικά κουτιά, μεταλλικές ράβδοι,
κώνοι - κατασκευάστηκαν σε βιομηχανικές επιχειρήσεις σύμφωνα με τα σκίτσα των καλλιτεχνών.

Κοίτα:

Έργα των Donald Judd, Karl
Andre, Sola Levita — Μουσείο Guggenheim (Νέα Υόρκη, ΗΠΑ), Μουσείο
σύγχρονη τέχνη (Νέα Υόρκη, ΗΠΑ), Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης (Νέα Υόρκη,
ΗΠΑ).

3. ΜΕΤΑΜΟΝΤΕΡΝΟ. Αυτή είναι μια μακρά λίστα με μη ρεαλιστικές τάσεις του τέλους του 20ου αιώνα.

Vanchegi Mutu. Κολάζ "Γενητικά όργανα μιας ενήλικης γυναίκας", 2005

Η κυκλικότητα είναι χαρακτηριστικό της τέχνης, αλλά
το μεταμοντέρνο έγινε το πρώτο παράδειγμα «άρνησης της άρνησης». Αρχικά
ο μοντερνισμός απέρριψε τους κλασικούς και στη συνέχεια ο μεταμοντερνισμός απέρριψε τον μοντερνισμό ως
προηγουμένως είχε απορρίψει τα κλασικά. Οι μεταμοντερνιστές επέστρεψαν σε εκείνες τις μορφές και
στυλ που ήταν πριν από τον μοντερνισμό, αλλά σε υψηλότερο επίπεδο.

Ο μεταμοντερνισμός είναι προϊόν της εποχής
τις τελευταίες τεχνολογίες. Ως εκ τούτου, το χαρακτηριστικό γνώρισμά του είναι ένα μείγμα
στυλ, εικόνες, διαφορετικές εποχές και υποκουλτούρες. Κύριο για μεταμοντέρνους
παρέθεσε, επιδέξια ταχυδακτυλουργούσε με εισαγωγικά.

Παρακολουθήστε: Tate Gallery (Λονδίνο,
UK), Εθνικό Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης Κέντρο Πομπιντού
(Παρίσι, Γαλλία), Μουσείο Guggenheim (Νέα Υόρκη, ΗΠΑ).

ΥΠΕΡΡΕΑΛΙΣΜΟΣ. Τέχνη που μιμείται τη φωτογραφία.

Τσακ Κλείσιμο. "Ρόμπερτ", 1974

Αυτή η τέχνη ονομάζεται επίσης υπερρεαλισμός,
Φωτορεαλισμός, Ριζοσπαστικός Ρεαλισμός ή Ψυχρός Ρεαλισμός. Εμφανίστηκε
κατεύθυνση στην Αμερική τη δεκαετία του '60 και 10 χρόνια αργότερα έγινε ευρέως διαδεδομένη
Ευρώπη.

Υπερρεαλισμός, φωτορεαλισμός, Ντον Έντι,

Καλλιτέχνες αυτής της κατεύθυνσης ακριβώς
αντιγράψτε τον κόσμο όπως τον βλέπουμε στη φωτογραφία. Στα έργα των καλλιτεχνών
διαβάζεται μια ορισμένη ειρωνεία για το τεχνογόνο. Οι καλλιτέχνες απεικονίζουν κυρίως
ιστορίες από τη ζωή μιας σύγχρονης μητρόπολης.

Richard Estes- αγάπη για την εικόνα των αντανακλάσεων της μητρόπολης στις βιτρίνες, στο καπό ενός αυτοκινήτου ή σε πάγκο καφέ

Κοίτα:

έργα των Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes - Metropolitan Museum of Art, Guggenheim Museum (Νέα Υόρκη, ΗΠΑ), Brooklyn Museum (ΗΠΑ).

5. ΕΓΚΑΤΑΣΤΑΣΗ.
Αυτή είναι μια σύνθεση στη γκαλερί, η οποία μπορεί να δημιουργηθεί από οτιδήποτε, το κύριο πράγμα είναι ότι υπάρχει ένα υποκείμενο και μια ιδέα.

Συντριβάνι (Duchamp)

Το πιθανότερο είναι ότι δεν θα ήταν
οδηγίες, αν δεν ήταν το εμβληματικό ουρητήριο του Duchamp. Τα ονόματα του κύριου κόσμου
εγκαταστάτες: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis και Kabakov.

«Τζιμ Ντάιν. Από τη συλλογή του Κέντρου Πομπιντού»

Το κύριο πράγμα στην εγκατάσταση είναι το ίδιο το υποκείμενο και ο χώρος όπου οι καλλιτέχνες συγκρούονται με κοινά αντικείμενα.

Κοίτα:
Tate Modern (Λονδίνο, Ηνωμένο Βασίλειο), Μουσείο Guggenheim (Νέα Υόρκη, ΗΠΑ).

6. ΠΕΡΙΒΑΛΛΟΝ.

Είναι η τέχνη της δημιουργίας μιας τρισδιάστατης σύνθεσης που μιμείται τον πραγματικό κόσμο.

Ως κατεύθυνση στην τέχνη του περιβάλλοντος
εμφανίστηκε τη δεκαετία του 1920. Αρκετές φορές μπροστά από την εποχή του
για δεκαετίες, ο ντανταϊστής καλλιτέχνης, όταν παρουσίαζε στο κοινό τα δικά του
το προϊόν "Merz-building" - μια τρισδιάστατη δομή διαφόρων αντικειμένων και
υλικά, καλά για τίποτε άλλο παρά περίσκεψη.

Έντουαρντ Κίνχολτς

Η ιστορία ως φυτευτής

Μισό αιώνα αργότερα, αυτό το είδος έγινε
δούλεψε και διαδέχτηκε τον Edward Kienholtz και τον George Siegel. Στη δουλειά σου
εισήγαγαν αναγκαστικά ένα συγκλονιστικό στοιχείο παραληρηματικής φαντασίας.

Κοίτα:
έργα των Edward Kienholtz και George Siegel
— Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης (Στοκχόλμη, Σουηδία).

7. VIDEO ART.

Αυτή η κατεύθυνση προέκυψε το τελευταίο τρίτο του 20ού αιώνα λόγω της εμφάνισης φορητών βιντεοκάμερων.

Αυτή είναι μια άλλη προσπάθεια επιστροφής της τέχνης
πραγματικότητα, αλλά τώρα με τη βοήθεια βίντεο και τεχνολογίας υπολογιστών.
Ο Αμερικανός Nam June Paik έκανε ένα βίντεο με τον Πάπα να περνάει από τους δρόμους
Νέα Υόρκη και έγινε ο πρώτος καλλιτέχνης βίντεο.

Τα πειράματα του Nam June Paik επηρέασαν
τηλεόραση, μουσικά βίντεο (στάθηκε στο κάτω μέρος του καναλιού MTV),
εφέ υπολογιστή στον κινηματογράφο. Το έργο του June Paik, ο Bill Viola τα κατάφερε
η κατεύθυνση της τέχνης είναι ένα πεδίο δραστηριότητας για πειραματισμό. Εβαλαν
η αρχή των «βιντεογλυπτών», των «βιντεοεγκαταστάσεων» και των «βίντεο όπερων».

Κοίτα:
video art που κυμαίνονται από ψυχεδελικά έως κοινωνικά
(δημοφιλές στην Κίνα, Chen-che-yen στο Youtube.com)

8. ΓΚΡΑΦΙΤΙ.

Επιγραφές και σχέδια στους τοίχους των σπιτιών που μεταφέρουν ένα τολμηρό μήνυμα.

Εμφανίστηκε για πρώτη φορά τη δεκαετία του '70 στο Northern
Αμερική. Οι γκαλερίστες μιας από τις συνοικίες είχαν σχέση με την εμφάνισή τους
Μανχάταν. Έγιναν προστάτες της δημιουργικότητας όσων έμεναν δίπλα τους.
Πορτορικανοί και Τζαμαϊκανοί. Τα γκράφιτι συνδυάζουν στοιχεία αστικού χαρακτήρα
υποκουλτούρα και εθνοτική.

ιδιοφυΐα της ποπ τέχνης Κιθ Χάρινγκ

Ονόματα από την ιστορία του γκράφιτι: Keith Haring,
Jean-Michel Basquiat, John Matom, Kenny Scharf. διαβόητη προσωπικότητα
Ο Banksy είναι Βρετανός καλλιτέχνης γκράφιτι. Σε όλα υπάρχουν καρτ ποστάλ με τα έργα του
Βρετανικά καταστήματα με σουβενίρ

Κοίτα:
Μουσείο Graffiti (Νέα Υόρκη, ΗΠΑ), έργα του Banksy - στο banksy.co.uk.

9. TRANSAVANGARD.
Μία από τις τάσεις της μεταμοντέρνας ζωγραφικής. Συνδυάζει το παρελθόν, τη νέα ζωγραφική και την εκφραστικότητα.

Έργο του transavant-garde καλλιτέχνη Alexander Roitburd

Ο συγγραφέας του όρου transavant-garde -
ο σύγχρονος κριτικός Bonito Oliva. Με αυτόν τον όρο όρισε τη δημιουργικότητα
5 συμπατριώτες του - Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco
Clemente, Mimmo Paladino, Nicolò de Maria. Το έργο τους χαρακτηρίζεται από:
συνδυασμός κλασικών στυλ, έλλειψη προσκόλλησης στο εθνικό
σχολείο, σκηνικό για αισθητική απόλαυση και δυναμική.

Ο Francesco Clemente στο Schirn (Φρανκφούρτη)

Παρακολουθήστε: Peggy's Collection Museum
Guggenheim (Βενετία, Ιταλία), Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στο Palazzo
(Βενετία, Ιταλία), Πινακοθήκη Μοντέρνας Τέχνης (Μιλάνο, Ιταλία)

10. ΤΕΧΝΗ ΣΩΜΑΤΟΣ.

Μία από τις κατευθύνσεις του ακτιβισμού. Το σώμα λειτουργεί ως καμβάς.

Η τέχνη του σώματος είναι μια από τις εκδηλώσεις της πανκ κουλτούρας της δεκαετίας του '70.
Έχει άμεση σχέση με τη μόδα για τα τατουάζ και τον γυμνισμό που εμφανίστηκε τότε.

Οι ζωντανές εικόνες δημιουργούνται ακριβώς μπροστά
θεατές, καταγράφηκαν σε βίντεο και στη συνέχεια μεταδόθηκαν στη γκαλερί. Μπρους
Ο Naumann που απεικονίζει το ουρητήριο του Duchamp στη γκαλερί. Ντουέτο Gilbert και
Ο Γιώργος είναι ζωντανά γλυπτά. Απεικόνιζαν τον τύπο ενός μέσου Άγγλου.

Δείτε: για παράδειγμα, στον ιστότοπο του καλλιτέχνη Orlan orlan.eu.

11. ΣΤΑΚΙΣΜΟΣ.

Βρετανική καλλιτεχνική ένωση παραστατικής ζωγραφικής. Σε αντίθεση με τους εννοιολογικούς.

Η πρώτη έκθεση ήταν στο Λονδίνο το 2007,
ως διαμαρτυρία κατά της Tate. Σύμφωνα με μια εκδοχή, διαμαρτυρήθηκαν
σύνδεση με την αγορά από την γκαλερί έργων καλλιτεχνών παρακάμπτοντας το νόμο. Θόρυβος
επέστησε την προσοχή στους στοίβες στον Τύπο. Τώρα στον κόσμο υπάρχουν
πάνω από 120 καλλιτέχνες. Το μότο τους είναι: ένας καλλιτέχνης που δεν ζωγραφίζει δεν είναι καλλιτέχνης.

Billy Childish. Η άκρη του δάσους"

Ο όρος stackism προτάθηκε από τον Thomson.
Η καλλιτέχνης Tracey Emin φώναξε στον φίλο της Billy
Παιδικά: η ζωγραφιά σου κόλλησε, κόλλησε, κόλλησε! (Αγγλικά Κολλήθηκε!
Κολλημένος! Σωρός!)

Κοίτα:
στον ιστότοπο stackist stuckism.com.
Έργα των Charlie Thomson και Billy Childish στην Tate Gallery (Λονδίνο, Ηνωμένο Βασίλειο).

12. ΝΕΟΠΛΑΣΤΙΣΜΟΣ.
Αφηρημένη τέχνη. Τομή κάθετων γραμμών 3 χρωμάτων.

Ιδεολόγος της σκηνοθεσίας είναι ο Ολλανδός Πιτ

Mondrian. Θεωρούσε τον κόσμο μια ψευδαίσθηση, οπότε το καθήκον του καλλιτέχνη είναι να ξεκαθαρίσει
ζωγραφική από αισθησιακές μορφές (μεταφορική) στο όνομα της αισθητικής
(αφηρημένες) μορφές.

Ο καλλιτέχνης πρότεινε να γίνει αυτό
όσο το δυνατόν πιο συνοπτικά με τη βοήθεια 3 χρωμάτων - μπλε, κόκκινο και
κίτρινος. Γέμισαν τις θέσεις ανάμεσα στις κάθετες γραμμές.

Piet Mondrian. Κόκκινο, κίτρινο, μπλε και μαύρο

Ο νεοπλαστικισμός εξακολουθεί να εμπνέει σχεδιαστές, αρχιτέκτονες και βιομηχανικούς γραφίστες.

Κοίτα:
έργα των Piet Mondrian και Theo Vanna Doesburg στο Δημοτικό Μουσείο της Χάγης.

13. ΤΕΧΝΗ ΤΟΥ ΔΡΟΜΟΥ.

Τέχνη για την οποία η πόλη είναι έκθεση ή καμβάς

Ο στόχος ενός καλλιτέχνη του δρόμου είναι να εμπλέξει αμέσως έναν περαστικό σε έναν διάλογο με τη βοήθεια της εγκατάστασης, του γλυπτού, της αφίσας ή του στένσιλ του.

Εδώ είναι μια επιλογή από πίνακες ζωγραφικής από ακόμα ελάχιστα γνωστούς, αλλά πολύ ταλαντούχους καλλιτέχνες. Όλα τα παιδιά από τη Ρωσία και οι σύγχρονοί μας. Δείτε, διαβάστε και απολαύστε.

Παιδιά, γράφω εδώ συνέχεια για αρκετά διάσημες και καταξιωμένες προσωπικότητες. Φυσικά, θα ήταν πολύ πιο ενδιαφέρον για μένα να γράψω για εκείνους τους καλλιτέχνες για τους οποίους κανείς δεν γνωρίζει ακόμα, αλλά τι μπορείτε να κάνετε - μπορείτε να γράψετε για οτιδήποτε στο κοινό του VKontakte και μπορείτε μόνο να γράψετε σε ένα blog τι είναι οι άνθρωποι ψάχνετε στο Yandex και στο Google, διαφορετικά κανείς δεν θα πάει εκεί εκτός από εσάς. Αλλά για μια αλλαγή και ευχαρίστηση, αποφάσισα, ωστόσο, να κάνω μια επιλογή από "Λίγο γνωστούς σύγχρονους καλλιτέχνες της Ρωσίας και τους πίνακές τους".

• Τι άλλο έχει ενδιαφέρον; (σύνδεσμοι σε άλλα άρθρα).
• Πίνακες ζωγραφικής του Marchuk, ενός από τους πιο διάσημους σύγχρονους Ουκρανούς καλλιτέχνες
• Ο θρυλικός κοσμήτορας της σχολής γραφικών του διάσημου Repinka.

Μερικοί από αυτούς τους τύπους είναι ακόμη στην αρχή του ταξιδιού τους και κάποιοι έχουν ήδη καθιερωθεί σχετικά και πουλούν με επιτυχία τα έργα τους στο VKontakte ή σε αγορές σαν έκθεση χειροτεχνίας και είναι γνωστοί ακόμη και σε στενούς κύκλους, αλλά όλοι έχουν ένα πράγμα στο κοινά - δεν είναι ακόμα γνωστά στο ευρύ κοινό. Αλλά το άγνωστο δεν σημαίνει ότι στερούμαι ταλέντου, οπότε πιστεύω ότι θα είναι ενδιαφέρον να το ψάξεις. Αποφάσισα να συμπεριλάβω εδώ όχι μόνο τους ίδιους τους συντάκτες, αλλά και αρκετούς γλύπτες.

Ελάχιστα γνωστοί σύγχρονοι Ρώσοι καλλιτέχνες και οι πίνακές τους. Εικονογράφοι και ζωγράφοι.

Ελάχιστα γνωστοί καλλιτέχνες. Έγχρωμο σουρεαλιστικό μοντέρνο στους πίνακες της Μαρίας Σουσαρένκο.

Έμαθα για αυτόν τον καλλιτέχνη όχι πολύ καιρό πριν και σχεδόν αμέσως ερωτεύτηκα τους πίνακές της. Εν μέρει επειδή είναι πολύ κοντά μου στο πνεύμα ως καλλιτέχνης, εν μέρει λόγω του θαυμασμού για την τεχνολογία και της ταραχής της φαντασίας. Η Maria Susarenko είναι ένα γλυκό κορίτσι από την Αγία Πετρούπολη και απόφοιτος του περίφημου St. A.L. Στίγκλιτς. Οι πίνακες της Maria Susarenko είναι μια πληθωρική μίξη Art Nouveau και Surrealism. Φαίνονται πολύ φωτεινά και διακοσμητικά.

Φωτογραφίες ελάχιστα γνωστών καλλιτεχνών. Έργα της Μαρίας Σουσαρένκο

Εκπληκτική λεπτομέρεια!

Ελάχιστα γνωστοί καλλιτέχνες. Σάββατο Ντάσα.

Το αιώνιο μοτίβο του Yuralga είναι οι γάτες.

Αστείος παράξενος. Αυτό είναι το είδος της καρφίτσας που θα φορούσα.

MOAR — https://vk.com/shamancats

Ελάχιστα γνωστοί σύγχρονοι καλλιτέχνες της Ρωσίας. Γλύπτες.

Ακόμα κι αν δεν υπάρχουν πίνακες ζωγραφικής, αλλά διακοσμητικά, είναι τόσο σαγηνευτικά και αγαπησιάρικα που δεν μπορούσα να αντισταθώ. Άλλωστε, ένας γλύπτης είναι και καλλιτέχνης. Ναι, ένας καλλιτέχνης μπορεί να είναι ζωγράφος, γραφίστας, εικονογράφος ή γλύπτης (ο καπετάνιος σας είναι προφανής). Εδώ είναι δύο κορίτσια των οποίων τα κοσμήματα δεν θα ντρόμαζαν τον ίδιο τον René Lalique.

Ελάχιστα γνωστοί καλλιτέχνες. Grimoire της Μαύρης Κότας.

Στο εργαστήριο «Grimoire La poule noire», που σε μετάφραση είναι «Grimoire της μαύρης κότας» (ο καπετάνιος σου είναι προφανής), επικεφαλής είναι η Λέρα Προκόπετς. Η Λέρα είναι μια μινιατούρα γλύπτρια και απλά μια υπέροχη κυρία. Εργάζεται κυρίως με πολυμερή πηλό και πέτρες. Η Lera δημιουργεί εκπληκτικά κοσμήματα σε στυλ που θα ονόμαζα gothic art nouveau. Τέτοια, ελαφρώς μάγισσα, σκοτεινή, αλλά χαριτωμένη ομορφιά. Λοιπόν, ακόμα, είναι ένα "γκριμουρ ενός μαύρου κοτόπουλου".

Ελάχιστα γνωστοί καλλιτέχνες. Πρωτότυπα αρ νουβό κοσμήματα. Φωτογραφία από το εργαστήριο "Grimoire of the Black Hen".

Εκάτη, Ελληνίδα θεά της νύχτας.

Μορφίνη. Λεπτός:) Είτε δαίμονες είτε βρικόλακες με τη γλώσσα τους έξω είναι ένα από τα αγαπημένα μοτίβα της Lera.

Η τέχνη της μοντέρνας ζωγραφικής είναι έργα που δημιουργήθηκαν στην παρούσα εποχή ή στο πρόσφατο παρελθόν. Θα περάσουν ορισμένα χρόνια και αυτοί οι πίνακες θα γίνουν μέρος της ιστορίας. Οι πίνακες που δημιουργήθηκαν την περίοδο από τη δεκαετία του '60 του περασμένου αιώνα έως σήμερα αντικατοπτρίζουν διάφορους τομείς της σύγχρονης τέχνης που μπορούν να ταξινομηθούν ως μεταμοντερνισμός. Στην εποχή της Art Nouveau, το έργο των ζωγράφων αντιπροσωπεύτηκε ευρύτερα και στη δεκαετία του '70 του εικοστού αιώνα υπήρξε μια αλλαγή στον κοινωνικό προσανατολισμό της τέχνης της ζωγραφικής.

Πραγματική τέχνη

Οι καλλιτέχνες της μοντέρνας ζωγραφικής αντιπροσωπεύουν, πρώτα απ 'όλα, τις νέες τάσεις στην καλών τεχνών. Στην πολιτιστική ορολογία, υπάρχει η έννοια της «σύγχρονης τέχνης», η οποία σχετίζεται κάπως με την έννοια της «σύγχρονης ζωγραφικής». Με τον όρο σύγχρονη τέχνη, οι καλλιτέχνες εννοούν τις περισσότερες φορές την καινοτομία, όταν ο ζωγράφος στρέφεται σε υπερμοντέρνα θέματα, ανεξάρτητα από τον προσανατολισμό τους. Η εικόνα μπορεί να ζωγραφιστεί και να απεικονίσει οποιαδήποτε βιομηχανική επιχείρηση. Ή στον καμβά υπάρχει ένα τοπίο με ένα χωράφι με σιτάρι, λιβάδι, δάσος, αλλά ταυτόχρονα, σίγουρα θα σχεδιαστεί μια κομπίνα σε απόσταση. Το στυλ της σύγχρονης ζωγραφικής συνεπάγεται έναν κοινωνικό προσανατολισμό της εικόνας. Ταυτόχρονα, τοπία σύγχρονων καλλιτεχνών χωρίς κοινωνικές προεκτάσεις αποτιμώνται πολύ υψηλότερα.

Επιλογή κατεύθυνσης

Από τα τέλη της δεκαετίας του 1990, οι σύγχρονοι καλλιτέχνες έχουν εγκαταλείψει τα θέματα παραγωγής και μεταφέρουν τη δουλειά τους στο mainstream της καθαρής τέχνης. Υπάρχουν μάστορες της ωραίας προσωπογραφίας, σκηνών τοπίων, νεκρών φύσεων σε στυλ φλαμανδικού σχεδίου. Και σταδιακά, στη μοντέρνα ζωγραφική, άρχισε να εμφανίζεται γνήσια τέχνη, σε καμία περίπτωση κατώτερη από τους πίνακες που δημιουργήθηκαν από εξαιρετικούς καλλιτέχνες του 18ου και 19ου αιώνα, και κατά κάποιο τρόπο ακόμη και ανώτερη από αυτούς. Οι σημερινοί κύριοι του πινέλου βοηθούνται από μια ανεπτυγμένη τεχνική βάση, μια πληθώρα νέων εργαλείων που τους επιτρέπουν να αντικατοπτρίζουν πλήρως τα σχέδιά τους στον καμβά. Έτσι, οι καλλιτέχνες της σύγχρονης ζωγραφικής μπορούν να δημιουργήσουν στο μέγιστο των δυνατοτήτων τους. Φυσικά, η ποιότητα των χρωμάτων ή των πινέλων είναι σημαντική στη διαδικασία της ζωγραφικής, αλλά και πάλι το κύριο πράγμα είναι το ταλέντο.

αφηρημένος εξπρεσιονισμός

Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες ακολουθούν μεθόδους ζωγραφικής που επιτρέπουν τη χρήση μη γεωμετρικών πινελιών που εφαρμόζονται σε μεγάλους αριθμούς σε μεγάλο καμβά. Χρησιμοποιούνται μεγάλα πινέλα, μερικές φορές πινέλα βαφής. Μια τέτοια ζωγραφική δύσκολα μπορεί να ονομαστεί τέχνη με την κλασική έννοια της λέξης, ωστόσο, η αφαίρεση είναι μια συνέχεια του σουρεαλισμού, που εμφανίστηκε το 1920 χάρη στις ιδέες του Andre Breton και βρήκε αμέσως πολλούς οπαδούς, όπως ο Salvator Dali, ο Hans Hofmann, Adolf Gottlieb. Ταυτόχρονα, οι σύγχρονοι καλλιτέχνες κατανοούν τον εξπρεσιονισμό με τον δικό τους τρόπο. Σήμερα, αυτό το είδος διαφέρει από τον προκάτοχό του στο μέγεθος των πινάκων, που μπορεί να φτάσει τα τρία μέτρα σε μήκος.

Pop Art

Το αντίβαρο στην αφαίρεση ήταν η εννοιολογική νέα πρωτοπορία, που προωθεί τις αισθητικές αξίες. Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες έχουν αρχίσει να συμπεριλαμβάνουν στους πίνακές τους εικόνες διάσημων προσωπικοτήτων όπως ο Μάο Τσε Τουνγκ ή η Μέριλιν Μονρόε. Αυτή η τέχνη ονομάστηκε "ποπ αρτ" - μια δημοφιλής, γενικά αναγνωρισμένη τάση στη ζωγραφική. Η μαζική κουλτούρα αντικατέστησε την αφαίρεση και δημιούργησε ένα ιδιαίτερο είδος αισθητικής, που με πολύχρωμο, θεαματικό τρόπο παρουσίαζε στο κοινό αυτό που υπήρχε στα χείλη του καθενός, κάποια πρόσφατα γεγονότα ή εικόνες γνωστών ανθρώπων σε διαφορετικές καταστάσεις ζωής.

Οι ιδρυτές και οπαδοί της ποπ αρτ ήταν οι Andy Warhol, Tom Wesselman, Peter Blake, Roy Lichtenstein.

Φωτορεαλισμός

Η σύγχρονη τέχνη είναι πολύπλευρη, συχνά μια νέα κατεύθυνση εμφανίζεται σε αυτήν, συνδυάζοντας δύο ή περισσότερα είδη καλών τεχνών. Ο φωτορεαλισμός έγινε μια τέτοια μορφή αυτοέκφρασης του καλλιτέχνη. Αυτή η κατεύθυνση στη ζωγραφική εμφανίστηκε στις ΗΠΑ το 1968. Εφευρέθηκε από τον avant-garde καλλιτέχνη Louis Meisel και το είδος παρουσιάστηκε δύο χρόνια αργότερα στο Μουσείο Whitney κατά τη διάρκεια της έκθεσης Twenty-Two Realists.

Η ζωγραφική στο στυλ του φωτορεαλισμού συνδέεται με τη φωτογραφία, η κίνηση του αντικειμένου φαίνεται να έχει παγώσει στο χρόνο. Ο φωτορεαλιστής καλλιτέχνης συλλέγει την εικόνα του, η οποία θα αποτυπωθεί στην εικόνα, με τη βοήθεια φωτογραφιών. Από ένα αρνητικό ή μια διαφάνεια, η εικόνα μεταφέρεται στον καμβά με προβολή ή χρησιμοποιώντας ένα πλέγμα κλίμακας. Στη συνέχεια δημιουργείται μια πλήρης εικόνα χρησιμοποιώντας τεχνολογίες ζωγραφικής.

Η ακμή του φωτορεαλισμού ήρθε στα μέσα της δεκαετίας του '70, στη συνέχεια σημειώθηκε πτώση στη δημοτικότητα και στις αρχές της δεκαετίας του '90 το είδος αναβίωσε ξανά. Οι αξιότιμοι καλλιτέχνες εργάστηκαν κυρίως στις ΗΠΑ, ανάμεσά τους υπήρχαν πολλοί γλύπτες που δημιούργησαν και τα έργα τους χρησιμοποιώντας προβολή εικόνας. Οι πιο διάσημοι δεξιοτέχνες της ζωγραφικής που βασίζεται στον φωτορεαλισμό είναι οι Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson.

Φωτορεαλιστές καλλιτέχνες της νεότερης γενιάς - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

Σύγχρονοι καλλιτέχνες της Ρωσίας

• Serge Fedulov (γεν. 1958), με καταγωγή από το Nevinnomyssk, στην επικράτεια της Σταυρούπολης. Συμμετείχε σε πολλές εκθέσεις στη Λατινική Αμερική και την Ευρώπη. Οι πίνακές του διακρίνονται από ρεαλισμό και χρωματικούς συνδυασμούς.
• Ο Μιχαήλ Γκολούμπεφ (γεν. 1981), αποφοίτησε από το μάθημα τέχνης της Σχολής Ζωγραφικής του Ομσκ. Αυτή τη στιγμή ζει στην Αγία Πετρούπολη. Διακρίνεται από έναν ασυνήθιστο τρόπο δημιουργικότητας, όλα του τα έργα είναι πίνακες αντανακλάσεων με βαθιές φιλοσοφικές αποχρώσεις.
• Dmitry Annenkov (γ. 1965) στη Μόσχα. Αποφοίτησε από το Ινστιτούτο Τέχνης Stroganov. Δημοφιλές στο εξωτερικό, αλλά προτιμά τις ρωσικές εκθέσεις. Η τέχνη του Annenkov είναι ρεαλιστική, ο καλλιτέχνης είναι αναγνωρισμένος δάσκαλος της νεκρής φύσης.

Ρώσοι ιμπρεσιονιστές

• Ο Alexei Chernigin, Ρώσος ιμπρεσιονιστής ζωγράφος (γεν. 1975), είναι γιος του διάσημου ζωγράφου Alexander Chernigin. Σπούδασε ζωγραφική και γραφιστική στη σχολή τέχνης στο Νίζνι Νόβγκοροντ. Αποφοίτησε από το Αρχιτεκτονικό Ινστιτούτο Nizhny Novgorod με πτυχίο στο Design in Industry. Μέλος της Ένωσης Καλλιτεχνών της Ρωσίας από το 1998. Από το 2001 είναι δάσκαλος στο NGASU στο Τμήμα Εσωτερικού Σχεδιασμού.
• Konstantin Lupanov, καλλιτέχνης Krasnodar (γεν. 1977). Αποφοίτησε από τη Βιομηχανική Ακαδημία του Κρατικού Πανεπιστημίου Πολιτισμού και Τεχνών με πτυχίο στη μνημειακή ζωγραφική. Συμμετέχοντας σε πολλές εκθέσεις τέχνης στην Αγία Πετρούπολη. Διακρίνεται από ένα σπάνιο στυλ ελαιογραφίας με στροβιλιζόμενες πινελιές. Οι πίνακες του Lupanov στερούνται εντελώς αντίθετους συνδυασμούς χρωμάτων, οι εικόνες μοιάζουν να ρέουν η μία στην άλλη. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης αποκαλεί τα έργα του "ένα χαρούμενο, ανεύθυνο ντύσιμο", αλλά αυτή η δήλωση περιέχει ένα μερίδιο κοκέτας: οι πίνακες είναι στην πραγματικότητα γραμμένοι αρκετά επαγγελματικά.

Ρώσοι καλλιτέχνες ζωγραφίζουν σε γυμνό στυλ

• Σεργκέι Μαρσέννικοφ (γεν. 1971), ένας από τους πιο διάσημους σύγχρονους Ρώσους καλλιτέχνες. Αποφοίτησε από το Ufa College of Arts. Οι πίνακές του αποτελούν παράδειγμα κραυγαλέα ρεαλισμού. Τα έργα δίνουν την εντύπωση μιας καλλιτεχνικής φωτογραφίας, η σύνθεση είναι τόσο ακριβής και κάθε πινελιά επαληθεύεται. Η σύζυγος του ζωγράφου Natalya λειτουργεί συχνότερα ως μοντέλο και αυτό τον βοηθά στη δημιουργία μιας αισθησιακής εικόνας.
• Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (γεννημένη το 1964), εγγονή του διάσημου τραγουδιστή της όπερας Lavrenty Dmitrievich Donskoy. Ο πιο λαμπρός εκπρόσωπος της σύγχρονης ρωσικής ζωγραφικής. Ζωγραφίζει γυμνό στο στυλ του θέματος. Στη δημιουργική παλέτα του καλλιτέχνη, μπορείτε να βρείτε ομορφιές από το ανατολικό χαρέμι ​​και γυμνά κορίτσια του χωριού στην όχθη του ποταμού τη νύχτα των διακοπών Ivan Kupala, ένα ρωσικό λουτρό με καυτές γυναίκες που βγαίνουν στο χιόνι και κολυμπούν στην τρύπα. Ο καλλιτέχνης ζωγραφίζει πολύ και με ταλέντο.

Οι σύγχρονοι Ρώσοι καλλιτέχνες και το έργο τους παρουσιάζουν αυξανόμενο ενδιαφέρον για τους γνώστες των καλών τεχνών σε όλο τον κόσμο.

Η σύγχρονη ζωγραφική ως παγκόσμια τέχνη

Σήμερα, οι εικαστικές τέχνες έχουν πάρει μορφές που είναι διαφορετικές από εκείνες που ήταν περιζήτητες τον 18ο και τον 19ο αιώνα. Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες του κόσμου έχουν στραφεί στην πρωτοπορία σε μια πιο στενή ερμηνεία, οι καμβάδες έχουν αποκτήσει επιτήδευση και έχουν γίνει πιο ουσιαστικοί. Η κοινωνία σήμερα χρειάζεται μια ανανεωμένη τέχνη, η ανάγκη επεκτείνεται σε όλα τα είδη δημιουργικότητας, συμπεριλαμβανομένης της ζωγραφικής. Πίνακες σύγχρονων καλλιτεχνών, αν είναι φτιαγμένοι σε αρκετά υψηλό επίπεδο, αγοράζονται, γίνονται αντικείμενο διαπραγμάτευσης ή ανταλλαγής. Ορισμένοι καμβάδες περιλαμβάνονται στους καταλόγους με ιδιαίτερα πολύτιμα έργα τέχνης. Πίνακες από το παρελθόν, ζωγραφισμένοι από μεγάλους ζωγράφους, εξακολουθούν να είναι περιζήτητοι, αλλά οι σύγχρονοι καλλιτέχνες κερδίζουν όλο και μεγαλύτερη δημοτικότητα. Το λάδι, η τέμπερα, η ακουαρέλα και άλλες μπογιές τους βοηθούν στη δημιουργικότητά τους και στην επιτυχή υλοποίηση των σχεδίων τους. Οι ζωγράφοι, κατά κανόνα, τηρούν οποιοδήποτε στυλ. Μπορεί να είναι τοπίο, πορτρέτο, σκηνές μάχης ή άλλο είδος. Κατά συνέπεια, για το έργο του, ο καλλιτέχνης επιλέγει ένα συγκεκριμένο είδος χρώματος.

Σύγχρονοι καλλιτέχνες του κόσμου

Οι πιο διάσημοι σύγχρονοι καλλιτέχνες διαφέρουν στον τρόπο γραφής, το πινέλο τους είναι αναγνωρίσιμο, μερικές φορές δεν χρειάζεται καν να κοιτάξετε την υπογραφή στο κάτω μέρος του καμβά. Διάσημοι δάσκαλοι της σύγχρονης ζωγραφικής - Perlstein Philip, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.

Συνηθίζεται να ονομάζουμε σύγχρονη τέχνη όλα τα είδη καλλιτεχνικών κινημάτων που αναπτύχθηκαν στα τέλη του 20ού αιώνα. Στη μεταπολεμική περίοδο, ήταν ένα είδος διεξόδου που έμαθε για άλλη μια φορά τους ανθρώπους να ονειρεύονται και να επινοούν νέες πραγματικότητες ζωής.

Κουρασμένοι από τα δεσμά των σκληρών κανόνων του παρελθόντος, νέοι καλλιτέχνες αποφάσισαν να σπάσουν τα παλιά καλλιτεχνικά πρότυπα. Επιδίωξαν να δημιουργήσουν νέες, άγνωστες μέχρι τώρα πρακτικές. Αντιτιθέμενοι στον μοντερνισμό, στράφηκαν σε νέους τρόπους αποκάλυψης των ιστοριών τους. Ο καλλιτέχνης και η ιδέα πίσω από τη δημιουργία του έχουν γίνει πολύ πιο σημαντικά από το ίδιο το αποτέλεσμα της δημιουργικής δραστηριότητας. Η επιθυμία να απομακρυνθούμε από το ανεγερθέν πλαίσιο οδήγησε στην εμφάνιση νέων ειδών.

Άρχισαν να δημιουργούνται διαφωνίες μεταξύ των καλλιτεχνών για την έννοια της τέχνης και τους τρόπους έκφρασής της. Τι είναι η τέχνη; Με ποια μέσα μπορεί να επιτευχθεί η γνήσια τέχνη; Οι ιδεολογιστές και οι μινιμαλιστές βρήκαν την απάντηση μόνοι τους στη φράση: «Αν η τέχνη μπορεί να είναι τα πάντα, τότε μπορεί να είναι τίποτα». Για αυτούς, η απομάκρυνση από τα συνηθισμένα εικαστικά μέσα είχε ως αποτέλεσμα διάφορες δράσεις, χάπενινγκ και παραστάσεις. Ποια είναι η ιδιαιτερότητα της σύγχρονης τέχνης στον 21ο αιώνα; Για αυτό θα μιλήσουμε στο άρθρο.

Τρισδιάστατα γραφικά στην τέχνη του XXI αιώνα

Η τέχνη του 21ου αιώνα στα τρισδιάστατα γραφικά είναι διάσημη. Με την ανάπτυξη της τεχνολογίας των υπολογιστών, οι καλλιτέχνες έχουν πρόσβαση σε νέα μέσα δημιουργίας της τέχνης τους. Η ουσία των τρισδιάστατων γραφικών είναι η δημιουργία εικόνων μοντελοποιώντας αντικείμενα σε τρισδιάστατο χώρο. Αν λάβουμε υπόψη τις περισσότερες μορφές σύγχρονης τέχνης στον 21ο αιώνα, η δημιουργία τρισδιάστατων εικόνων θα είναι η πιο παραδοσιακή. Τα τρισδιάστατα γραφικά έχουν πολλές πλευρές, με την πραγματική έννοια της λέξης. Χρησιμοποιείται κατά τη δημιουργία προγραμμάτων, παιχνιδιών, εικόνων και βίντεο σε υπολογιστή. Αλλά μπορεί επίσης να δει ακριβώς κάτω από τα πόδια σας - στο πεζοδρόμιο.

Τα τρισδιάστατα γραφικά μετακινήθηκαν στους δρόμους πριν από αρκετές δεκαετίες και έκτοτε παραμένει μια από τις σημαντικότερες μορφές τέχνης του δρόμου. Πολλοί καλλιτέχνες σχεδιάζουν τρισδιάστατες εικόνες στις «εικόνες» τους που μπορούν να εκπλήξουν με τον ρεαλισμό τους. Ο Edgar Müller, ο Eduardo Rolero, ο Kurt Wenner και πολλοί άλλοι σύγχρονοι καλλιτέχνες δημιουργούν σήμερα τέχνη που μπορεί να εκπλήξει τον καθένα.

Η τέχνη του δρόμου του 21ου αιώνα

Προηγουμένως, το επάγγελμα ήταν η κλήρωση των πλουσίων. Για αιώνες ήταν κρυμμένο από τα τείχη ειδικών ιδρυμάτων, όπου η πρόσβαση στους αμύητους ήταν κλειστή. Προφανώς, η μεγαλειώδης δύναμή του δεν μπορούσε να μαραζώσει για πάντα μέσα σε βουλωμένα κτίρια. Τότε ήταν που βγήκε - στους γκρίζους σκοτεινούς δρόμους. Επιλέχθηκε να αλλάξει το ιστορικό σας για πάντα. Αν και στην αρχή δεν ήταν τόσο εύκολο.

Δεν ήταν όλοι ευχαριστημένοι με τη γέννησή του. Πολλοί το θεώρησαν αποτέλεσμα μιας κακής εμπειρίας. Κάποιοι μάλιστα αρνήθηκαν να δώσουν σημασία στην ύπαρξή του. Εν τω μεταξύ, το πνευματικό τέκνο συνέχισε να αναπτύσσεται και να αναπτύσσεται.

Οι καλλιτέχνες του δρόμου αντιμετώπισαν δυσκολίες στην πορεία. Με όλη την ποικιλία των μορφών της, η τέχνη του δρόμου ήταν μερικές φορές δύσκολο να ξεχωρίσει από τον βανδαλισμό.

Όλα ξεκίνησαν τη δεκαετία του '70 του περασμένου αιώνα στη Νέα Υόρκη. Εκείνη την εποχή, η τέχνη του δρόμου ήταν στα σπάργανα. Και στήριξαν τη ζωή του ο Χούλιο 204 και ο Τάκι 183. Άφησαν επιγραφές σε διάφορα σημεία της περιοχής τους, αφού επέκτειναν την περιοχή διανομής. Άλλα παιδιά αποφάσισαν να τους ανταγωνιστούν. Τότε ήταν που άρχισαν τα πιο ενδιαφέροντα. Ο ενθουσιασμός και η επιθυμία για επίδειξη οδήγησαν σε μια μάχη δημιουργικότητας. Όλοι ήταν πρόθυμοι να ανακαλύψουν για τον εαυτό τους και τους άλλους έναν πιο πρωτότυπο τρόπο για να αφήσουν το στίγμα τους.

Το 1981, η τέχνη του δρόμου κατάφερε να διασχίσει τον ωκεανό. Σε αυτό τον βοήθησε ένας καλλιτέχνης του δρόμου από τη Γαλλία BlekleRat. Θεωρείται ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες γκράφιτι στο Παρίσι. Τον αποκαλούν και πατέρα του στένσιλ γκράφιτι. Το χαρακτηριστικό άγγιγμα του είναι σχέδια αρουραίων, που παραπέμπουν στο όνομα του δημιουργού τους. Ο συγγραφέας παρατήρησε ότι μετά την αναδιάταξη των γραμμάτων στη λέξη αρουραίος (αρουραίος), προκύπτει τέχνη (τέχνη). Ο Μπλεκ κάποτε παρατήρησε: «Ο αρουραίος είναι το μόνο ελεύθερο ζώο στο Παρίσι που πηγαίνει παντού, όπως και η τέχνη του δρόμου».

Ο πιο διάσημος καλλιτέχνης του δρόμου είναι ο Banksy, ο οποίος αποκαλεί τον BlekleRat τον κύριο δάσκαλό του. Το επίκαιρο έργο αυτού του ταλαντούχου Βρετανού είναι ικανό να φιμώσει τους πάντες. Στα σχέδιά του, που δημιουργήθηκαν με στένσιλ, καταγγέλλει τη σύγχρονη κοινωνία με τις κακίες της. Ο Banksy τείνει να είναι παραδοσιακός, επιτρέποντάς σας να αφήσετε ακόμα μεγαλύτερη εντύπωση στο κοινό. Ένα ενδιαφέρον γεγονός είναι ότι μέχρι τώρα η ταυτότητα του Banksy καλύπτεται από μυστήριο. Κανείς δεν έχει καταφέρει ακόμα να λύσει το αίνιγμα της προσωπικότητας του καλλιτέχνη.

Εν τω μεταξύ, η τέχνη του δρόμου κερδίζει ραγδαία δυναμική. Μόλις υποβιβάστηκε σε περιθωριακά ρεύματα, η τέχνη του δρόμου έχει ανέβει στο στάδιο των δημοπρασιών. Τα έργα των καλλιτεχνών πωλούνται για υπέροχα ποσά από εκείνους που κάποτε αρνήθηκαν να μιλήσουν για αυτόν. Τι είναι αυτό, η ζωογόνος δύναμη της τέχνης ή οι mainstream τάσεις;

Έντυπα

Μέχρι σήμερα, υπάρχουν αρκετές αρκετά ενδιαφέρουσες εκδηλώσεις της σύγχρονης τέχνης. Επισκόπηση των πιο ασυνήθιστων μορφών σύγχρονης τέχνης θα τεθεί υπόψη σας παρακάτω.

Έτοιμη

Ο όρος έτοιμος προέρχεται από τα αγγλικά, που σημαίνει «έτοιμος». Στην πραγματικότητα, ο στόχος αυτής της σκηνοθεσίας δεν είναι να δημιουργήσει τίποτα υλικό. Η κύρια ιδέα εδώ είναι ότι ανάλογα με το περιβάλλον ενός αντικειμένου, αλλάζει η αντίληψη ενός ατόμου και του ίδιου του αντικειμένου. Πρόγονος του ρεύματος είναι ο Marcel Duchamp. Το πιο γνωστό του έργο είναι το «Συντριβάνι», το οποίο είναι ένα ουρητήριο με αυτόγραφο και ημερομηνία.

Αναμορφώσεις

Αναμορφώσεις ονομάζονται η τεχνική δημιουργίας εικόνων με τέτοιο τρόπο ώστε να είναι δυνατή η πλήρης προβολή τους μόνο από μια συγκεκριμένη γωνία. Ένας από τους πιο λαμπρούς εκπροσώπους αυτής της τάσης είναι ο Γάλλος Bernard Pras. Δημιουργεί εγκαταστάσεις χρησιμοποιώντας ό,τι του έρθει στο χέρι. Χάρη στη δεξιοτεχνία του, καταφέρνει να δημιουργήσει εκπληκτικά έργα, τα οποία όμως φαίνονται μόνο από μια συγκεκριμένη οπτική γωνία.

Βιολογικά υγρά στην τέχνη

Ένα από τα πιο αμφιλεγόμενα ρεύματα της μοντέρνας τέχνης του 21ου αιώνα είναι το σχέδιο, ζωγραφισμένο με ανθρώπινα ρευστά. Συχνά οι οπαδοί αυτής της σύγχρονης μορφής τέχνης χρησιμοποιούν αίμα και ούρα. Το χρώμα των πινάκων σε αυτή την περίπτωση παίρνει συχνά μια ζοφερή, τρομακτική εμφάνιση. Ο Herman Nitsch, για παράδειγμα, χρησιμοποιεί αίμα και ούρα ζώων. Ο συγγραφέας εξηγεί τη χρήση τέτοιων απροσδόκητων υλικών από τη δύσκολη παιδική ηλικία που ήρθε κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου.

Ζωγραφική του XX-XXI αιώνα

Μια σύντομη ιστορία της ζωγραφικής περιέχει πληροφορίες ότι το τέλος του 20ου αιώνα έγινε η αφετηρία για πολλούς καλλιτέχνες της εποχής μας. Στα δύσκολα μεταπολεμικά χρόνια η σφαίρα γνώρισε την αναγέννησή της. Οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να ανακαλύψουν νέες πτυχές των δυνατοτήτων τους.

σουπρεματισμός

Ο Kazimir Malevich θεωρείται ο δημιουργός του Suprematism. Όντας ο κύριος θεωρητικός, διακήρυξε τον σουπρεματισμό ως έναν τρόπο εξαγνισμού της τέχνης από οτιδήποτε περιττό. Απορρίπτοντας τους συνήθεις τρόπους μετάδοσης της εικόνας, οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να απελευθερώσουν την τέχνη από το μη καλλιτεχνικό. Το πιο σημαντικό έργο σε αυτό το είδος είναι το περίφημο «Μαύρο Τετράγωνο» του Μάλεβιτς.

Pop Art

Η ποπ αρτ έχει τις ρίζες της στις Ηνωμένες Πολιτείες. Στα μεταπολεμικά χρόνια, η κοινωνία γνώρισε παγκόσμιες αλλαγές. Οι άνθρωποι μπορούσαν πλέον να αντέξουν οικονομικά περισσότερα. Η κατανάλωση έχει γίνει ουσιαστικό μέρος της ζωής. Οι άνθρωποι άρχισαν να μετατρέπονται σε λατρεία και τα καταναλωτικά προϊόντα - σε σύμβολα. Ο Jasper Johns, ο Andy Warhol και άλλοι οπαδοί του ρεύματος προσπάθησαν να χρησιμοποιήσουν αυτά τα σύμβολα στους πίνακές τους.

Φουτουρισμός

Ο φουτουρισμός ανακαλύφθηκε το 1910. Η κύρια ιδέα αυτής της τάσης ήταν η επιθυμία για ένα νέο, η καταστροφή του πλαισίου του παρελθόντος. Οι καλλιτέχνες απεικόνισαν αυτή την επιθυμία με τη βοήθεια μιας ειδικής τεχνικής. Τα απότομα χτυπήματα, οι εισροές, οι συνδέσεις και οι διασταυρώσεις είναι σημάδια φουτουρισμού. Οι πιο διάσημοι εκπρόσωποι του φουτουρισμού είναι οι Marinetti, Severini, Carra.

Η σύγχρονη τέχνη στη Ρωσία τον 21ο αιώνα

Η σύγχρονη τέχνη στη Ρωσία (21ος αιώνας) έχει ρέει ομαλά από την υπόγεια, «ανεπίσημη» τέχνη της ΕΣΣΔ. Οι νέοι καλλιτέχνες της δεκαετίας του '90 αναζητούσαν νέους τρόπους για να πραγματοποιήσουν τις καλλιτεχνικές τους φιλοδοξίες σε μια νέα χώρα. Εκείνη την εποχή γεννήθηκε ο ακτιονισμός της Μόσχας. Οι οπαδοί του αμφισβήτησαν το παρελθόν και την ιδεολογία του. Η καταστροφή των συνόρων (με την κυριολεκτική και μεταφορική έννοια της λέξης) κατέστησε δυνατή την απεικόνιση της στάσης της νεότερης γενιάς για την κατάσταση στη χώρα. Η σύγχρονη τέχνη του 21ου αιώνα έχει γίνει εκφραστική, τρομακτική, συγκλονιστική. Αυτή από την οποία έκλεισε τόσο καιρό η κοινωνία. Δράσεις του Anatoly Osmolovsky ("Mayakovsky - Osmolovsky", "Against All", "Barricade on Bolshaya Nikitskaya"), του κινήματος "ETI" ("ETI-κείμενο"), του Oleg Kulik ("Το γουρουνάκι μοιράζει δώρα", "Mad Dog or το τελευταίο ταμπού που φυλάσσεται από έναν μοναχικό Κέρβερο»), ο Avdey Ter-Oganyan («Pop Art») άλλαξε για πάντα την ιστορία της σύγχρονης τέχνης.

Νέα γενιά

Ο Slava ATGM είναι ένας σύγχρονος καλλιτέχνης από το Αικατερινούπολη. Κάποια από τα έργα του μπορεί να θυμίζουν το έργο του Banksy. Ωστόσο, τα έργα του Σλάβα φέρουν ιδέες και συναισθήματα οικεία μόνο σε έναν Ρώσο πολίτη. Ένα από τα πιο αξιόλογα έργα του είναι η καμπάνια «Γη των Ευκαιριών». Ο καλλιτέχνης δημιούργησε μια επιγραφή από πατερίτσες στο κτίριο ενός εγκαταλειμμένου νοσοκομείου στο Αικατερινούπολη. Ο Σλάβα αγόρασε δεκανίκια από τους κατοίκους της πόλης, που κάποτε τα χρησιμοποιούσαν. Ο καλλιτέχνης ανακοίνωσε τη δράση στη σελίδα του στο κοινωνικό δίκτυο, συμπληρώνοντάς την με μια έκκληση προς τους συμπολίτες.

Μουσεία μοντέρνας τέχνης

Ίσως, κάποτε, η σύγχρονη εικαστική τέχνη του 21ου αιώνα φαινόταν να είναι ένα περιθωριακό περιβάλλον, αλλά σήμερα όλο και περισσότεροι άνθρωποι προσπαθούν να ενταχθούν σε ένα νέο πεδίο τέχνης. Όλο και περισσότερα μουσεία ανοίγουν τις πόρτες τους σε νέα μέσα έκφρασης. Η Νέα Υόρκη κατέχει το ρεκόρ για τη σύγχρονη τέχνη. Υπάρχουν επίσης δύο μουσεία που είναι από τα καλύτερα στον κόσμο.

Το πρώτο είναι το MoMA, το οποίο είναι ένα αποθετήριο πινάκων των Matisse, Dali, Warhol. Το δεύτερο είναι ένα μουσείο.Η ασυνήθιστη αρχιτεκτονική του κτιρίου γειτνιάζει με τις δημιουργίες του Πικάσο, του Μαρκ Σαγκάλ, του Καντίνσκι και πολλών άλλων.

Η Ευρώπη φημίζεται επίσης για τα υπέροχα μουσεία σύγχρονης τέχνης του 21ου αιώνα. Το μουσείο KIASMA στο Ελσίνκι σας επιτρέπει να αγγίξετε τα αντικείμενα της έκθεσης. Το κέντρο στην πρωτεύουσα της Γαλλίας εντυπωσιάζει με ασυνήθιστη αρχιτεκτονική και έργα σύγχρονων καλλιτεχνών. Το Stedelijkmuseum στο Άμστερνταμ φιλοξενεί τη μεγαλύτερη συλλογή έργων ζωγραφικής του Malevich. στην πρωτεύουσα της Μεγάλης Βρετανίας διαθέτει τεράστιο αριθμό αντικειμένων μοντέρνας τέχνης. Το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Βιέννης έχει έργα του Andy Warhol και άλλων ταλαντούχων σύγχρονων καλλιτεχνών.

Η σύγχρονη τέχνη του 21ου αιώνα (ζωγραφική) - μυστηριώδης, ακατανόητη, μαγευτική, άλλαξε για πάντα τον φορέα ανάπτυξης όχι μόνο μιας ξεχωριστής σφαίρας, αλλά ολόκληρης της ζωής της ανθρωπότητας. Αντικατοπτρίζει και δημιουργεί ταυτόχρονα τη νεωτερικότητα. Αλλάζει συνεχώς, η τέχνη της νεωτερικότητας επιτρέπει σε ένα άτομο που βιάζεται συνεχώς να σταματήσει για μια στιγμή. Κάντε μια παύση για να θυμηθείτε τα συναισθήματα βαθιά μέσα σας. Σταματήστε να ανεβείτε ξανά το ρυθμό και ορμήστε στη δίνη των γεγονότων και των υποθέσεων.

"Καρτοπαίκτες"

Συγγραφέας

Πωλ Σεζάν

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1839–1906
Στυλ μετα-ιμπρεσιονισμός

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη νότια Γαλλία στη μικρή πόλη Aix-en-Provence, αλλά άρχισε να ζωγραφίζει στο Παρίσι. Η πραγματική επιτυχία του ήρθε μετά από μια ατομική έκθεση που διοργάνωσε ο συλλέκτης Ambroise Vollard. Το 1886, 20 χρόνια πριν την αναχώρησή του, μετακόμισε στα περίχωρα της γενέτειράς του. Οι νέοι καλλιτέχνες αποκαλούσαν τα ταξίδια σε αυτόν «προσκύνημα στον Αιξ».

130x97 εκ
1895
τιμή
250 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2012
σε ιδιωτική δημοπρασία

Το έργο του Σεζάν είναι εύκολα κατανοητό. Ο μόνος κανόνας του καλλιτέχνη ήταν η άμεση μεταφορά του θέματος ή της πλοκής στον καμβά, επομένως οι πίνακές του δεν προκαλούν σύγχυση στον θεατή. Ο Σεζάν συνδύασε στην τέχνη του δύο κύριες γαλλικές παραδόσεις: τον κλασικισμό και τον ρομαντισμό. Με τη βοήθεια της πολύχρωμης υφής, έδωσε στη μορφή των αντικειμένων μια εκπληκτική πλαστικότητα.

Μια σειρά από πέντε πίνακες «Τα χαρτοπαίκτες» γράφτηκε το 1890-1895. Η πλοκή τους είναι η ίδια - αρκετοί άνθρωποι παίζουν με ενθουσιασμό πόκερ. Τα έργα διαφέρουν μόνο ως προς τον αριθμό των παικτών και το μέγεθος του καμβά.

Τέσσερις πίνακες φυλάσσονται σε μουσεία της Ευρώπης και της Αμερικής (το Musée d'Orsay, το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, το Ίδρυμα Barnes και το Courtauld Institute of Art) και ο πέμπτος, μέχρι πρόσφατα, ήταν στολίδι της ιδιωτικής συλλογής του Έλληνας δισεκατομμυριούχος εφοπλιστής Γιώργος Εμπειρίκος. Λίγο πριν πεθάνει, τον χειμώνα του 2011, αποφάσισε να το βάλει προς πώληση. Πιθανοί αγοραστές του «δωρεάν» έργου του Σεζάν ήταν ο έμπορος έργων τέχνης William Aquavella και ο παγκοσμίου φήμης γκαλερίστας Larry Gagosian, που πρόσφεραν περίπου 220 εκατομμύρια δολάρια για αυτό. Ως αποτέλεσμα, ο πίνακας πήγε στη βασιλική οικογένεια του αραβικού κράτους του Κατάρ για 250 εκατομμύρια. Η μεγαλύτερη συμφωνία τέχνης στην ιστορία της ζωγραφικής έκλεισε τον Φεβρουάριο του 2012. Αυτό ανέφερε στο Vanity Fair η δημοσιογράφος Alexandra Pierce. Έμαθε το κόστος του πίνακα και το όνομα του νέου ιδιοκτήτη και στη συνέχεια οι πληροφορίες διείσδυσαν στα μέσα ενημέρωσης σε όλο τον κόσμο.

Το 2010, το Αραβικό Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης και το Εθνικό Μουσείο του Κατάρ άνοιξαν στο Κατάρ. Τώρα οι συλλογές τους μεγαλώνουν. Ίσως η πέμπτη έκδοση του The Card Players να αποκτήθηκε από τον σεΐχη για αυτόν τον σκοπό.

Το περισσότεροακριβή εικόναστον κόσμο

Ιδιοκτήτης
Σεΐχης Χαμάντ
μπιν Χαλίφα αλ-Θάνι

Η δυναστεία αλ-Θάνι κυβερνά το Κατάρ για περισσότερα από 130 χρόνια. Πριν από περίπου μισό αιώνα, ανακαλύφθηκαν εδώ τεράστια αποθέματα πετρελαίου και φυσικού αερίου, τα οποία έκαναν αμέσως το Κατάρ μια από τις πλουσιότερες περιοχές στον κόσμο. Χάρη στις εξαγωγές υδρογονανθράκων, αυτή η μικρή χώρα κατέγραψε το μεγαλύτερο κατά κεφαλήν ΑΕΠ. Ο Σεΐχης Χαμάντ μπιν Χαλίφα αλ Θάνι κατέλαβε την εξουσία το 1995, ενώ ο πατέρας του βρισκόταν στην Ελβετία, με την υποστήριξη των μελών της οικογένειας. Η αξία του σημερινού ηγεμόνα, σύμφωνα με τους ειδικούς, βρίσκεται σε μια ξεκάθαρη στρατηγική για την ανάπτυξη της χώρας, δημιουργώντας μια επιτυχημένη εικόνα του κράτους. Το Κατάρ έχει πλέον σύνταγμα και πρωθυπουργό και οι γυναίκες έχουν αποκτήσει δικαίωμα ψήφου στις βουλευτικές εκλογές. Παρεμπιπτόντως, ο Εμίρης του Κατάρ ίδρυσε το ειδησεογραφικό κανάλι Al Jazeera. Οι αρχές του αραβικού κράτους δίνουν μεγάλη σημασία στον πολιτισμό.

2

"Αριθμός 5"

Συγγραφέας

Τζάκσον Πόλοκ

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1912–1956
Στυλ αφηρημένος εξπρεσιονισμός

Jack the Sprinkler - ένα τέτοιο παρατσούκλι δόθηκε στον Pollock από το αμερικανικό κοινό για την ιδιαίτερη τεχνική ζωγραφικής του. Ο καλλιτέχνης εγκατέλειψε το πινέλο και το καβαλέτο και έριχνε το χρώμα στην επιφάνεια του καμβά ή της ινοσανίδας κατά τη διάρκεια συνεχούς κίνησης γύρω και μέσα τους. Από νωρίς λάτρευε τη φιλοσοφία του Τζίντου Κρισναμούρτι, το κύριο μήνυμα της οποίας είναι ότι η αλήθεια αποκαλύπτεται κατά τη διάρκεια μιας ελεύθερης «έκχυσης».

122x244 εκ
1948
τιμή
140 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Sotheby's

Η αξία της δουλειάς του Πόλοκ δεν βρίσκεται στο αποτέλεσμα, αλλά στη διαδικασία. Ο συγγραφέας δεν αποκάλεσε τυχαία την τέχνη του «ζωγραφική δράσης». Με το ελαφρύ του χέρι έγινε το κύριο ατού της Αμερικής. Ο Τζάκσον Πόλοκ ανακάτεψε χρώμα με άμμο, σπασμένο γυαλί και έγραψε με ένα κομμάτι χαρτόνι, ένα μαχαίρι παλέτας, ένα μαχαίρι, ένα φτυάρι. Ο καλλιτέχνης ήταν τόσο δημοφιλής που τη δεκαετία του 1950 υπήρχαν ακόμη και μιμητές στην ΕΣΣΔ. Ο πίνακας «Number 5» αναγνωρίζεται ως ένας από τους πιο περίεργους και ακριβότερους στον κόσμο. Ένας από τους ιδρυτές της DreamWorks, ο David Geffen, το αγόρασε για μια ιδιωτική συλλογή και το 2006 το πούλησε στον Sotheby`s για 140 εκατομμύρια δολάρια στον Μεξικανό συλλέκτη David Martinez. Ωστόσο, το δικηγορικό γραφείο εξέδωσε σύντομα ένα δελτίο τύπου εκ μέρους του πελάτη του στο οποίο ανέφερε ότι ο David Martinez δεν ήταν ο ιδιοκτήτης του πίνακα. Μόνο ένα πράγμα είναι γνωστό με βεβαιότητα: ο Μεξικανός χρηματοδότης έχει πράγματι συλλέξει πρόσφατα έργα σύγχρονης τέχνης. Είναι απίθανο να του έλειπε ένα τόσο «μεγάλο ψάρι» όπως το «Number 5» του Πόλοκ.

3

"Γυναίκα ΙΙΙ"

Συγγραφέας

Willem de Kooning

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1904–1997
Στυλ αφηρημένος εξπρεσιονισμός

Με καταγωγή από την Ολλανδία, μετανάστευσε στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1926. Το 1948 πραγματοποιήθηκε ατομική έκθεση του καλλιτέχνη. Οι κριτικοί τέχνης εκτίμησαν τις περίπλοκες, νευρικές ασπρόμαυρες συνθέσεις, αναγνωρίζοντας στον συγγραφέα τους έναν μεγάλο μοντερνιστή καλλιτέχνη. Το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του υπέφερε από αλκοολισμό, αλλά η χαρά της δημιουργίας νέας τέχνης είναι αισθητή σε κάθε έργο. Ο Ντε Κούνινγκ διακρίνεται από την παρορμητικότητα της ζωγραφικής, τις πλατιές πινελιές, γι' αυτό μερικές φορές η εικόνα δεν χωράει στα όρια του καμβά.

121x171 εκ
1953
τιμή
137 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2006
σε ιδιωτική δημοπρασία

Στη δεκαετία του 1950, γυναίκες με άδεια μάτια, ογκώδες στήθος και άσχημα χαρακτηριστικά εμφανίζονται στους πίνακες του de Kooning. Το «Woman III» ήταν το τελευταίο έργο από αυτή τη σειρά που συμμετείχε στη δημοπρασία.

Από τη δεκαετία του 1970, ο πίνακας φυλάσσεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Τεχεράνης, αλλά μετά την εισαγωγή αυστηρών ηθικών κανόνων στη χώρα, προσπάθησαν να τον ξεφορτωθούν. Το 1994, το έργο βγήκε από το Ιράν και 12 χρόνια αργότερα, ο ιδιοκτήτης του Ντέιβιντ Γκέφεν (ο ίδιος παραγωγός που πούλησε το «Number 5» του Τζάκσον Πόλοκ) πούλησε τον πίνακα στον εκατομμυριούχο Stephen Cohen για 137,5 εκατομμύρια δολάρια. Είναι ενδιαφέρον ότι σε ένα χρόνο ο Geffen άρχισε να πουλά τη συλλογή έργων του. Αυτό προκάλεσε πολλές φήμες: για παράδειγμα, ότι ο παραγωγός αποφάσισε να αγοράσει τους Los Angeles Times.

Σε ένα από τα φόρουμ τέχνης, εκφράστηκε μια άποψη για την ομοιότητα της "Γυναίκας III" με τον πίνακα του Λεονάρντο ντα Βίντσι "Κυρία με ερμίνα". Πίσω από το οδοντωτό χαμόγελο και την άμορφη φιγούρα της ηρωίδας, ο γνώστης της ζωγραφικής διέκρινε τη χάρη ενός ατόμου με βασιλικό αίμα. Αυτό αποδεικνύεται επίσης από το στέμμα που στεφανώνει το κεφάλι μιας γυναίκας με κακή ίχνη.

4

«Πορτρέτο της AdeleBloch-Bauer I"

Συγγραφέας

Γκούσταβ Κλιμτ

Μια χώρα Αυστρία
Χρόνια ζωής 1862–1918
Στυλ μοντέρνο

Ο Gustav Klimt γεννήθηκε στην οικογένεια ενός χαράκτη και ήταν το δεύτερο από τα επτά παιδιά. Τρεις γιοι του Ernest Klimt έγιναν καλλιτέχνες και μόνο ο Gustav έγινε διάσημος σε όλο τον κόσμο. Πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της παιδικής του ηλικίας στη φτώχεια. Μετά το θάνατο του πατέρα του, ήταν υπεύθυνος για όλη την οικογένεια. Ήταν εκείνη τη στιγμή που ο Κλιμτ ανέπτυξε το στυλ του. Πριν από τους πίνακές του, κάθε θεατής παγώνει: κάτω από τις λεπτές πινελιές του χρυσού, ο ειλικρινής ερωτισμός είναι καθαρά ορατός.

138x136 εκ
1907
τιμή
135 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Sotheby's

Η μοίρα του πίνακα, που ονομάζεται «Αυστριακή Μόνα Λίζα», θα μπορούσε εύκολα να γίνει η βάση για ένα μπεστ σέλερ. Το έργο του καλλιτέχνη έγινε η αιτία της σύγκρουσης ολόκληρου του κράτους και μιας ηλικιωμένης κυρίας.

Έτσι, το «Πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer I» απεικονίζει μια αριστοκράτισσα, τη σύζυγο του Ferdinand Bloch. Η τελευταία της θέληση ήταν να μεταφέρει τον πίνακα στην Αυστριακή Κρατική Πινακοθήκη. Ωστόσο, ο Bloch ακύρωσε τη δωρεά στη διαθήκη του και οι Ναζί απαλλοτρίωσαν τον πίνακα. Αργότερα, η γκαλερί δύσκολα αγόρασε τη Χρυσή Αντέλ, αλλά στη συνέχεια εμφανίστηκε η κληρονόμος - η Μαρία Άλτμαν, η ανιψιά του Φέρντιναντ Μπλοχ.

Το 2005 ξεκίνησε η δίκη υψηλού προφίλ «Maria Altman κατά της Δημοκρατίας της Αυστρίας», με αποτέλεσμα η εικόνα να «φύγει» μαζί της στο Λος Άντζελες. Η Αυστρία έλαβε πρωτοφανή μέτρα: διαπραγματεύτηκαν δάνεια, ο πληθυσμός δώρισε χρήματα για να αγοράσει το πορτρέτο. Το καλό ποτέ δεν νίκησε το κακό: Ο Άλτμαν αύξησε την τιμή στα 300 εκατομμύρια δολάρια. Την εποχή της δίκης, ήταν 79 ετών και έμεινε στην ιστορία ως το πρόσωπο που άλλαξε τη διαθήκη του Bloch-Bauer υπέρ προσωπικών συμφερόντων. Ο πίνακας αγοράστηκε από τον Ronald Lauder, ιδιοκτήτη της New Gallery στη Νέα Υόρκη, όπου παραμένει μέχρι σήμερα. Όχι για την Αυστρία, για αυτόν ο Άλτμαν μείωσε την τιμή στα 135 εκατομμύρια δολάρια.

5

"Κραυγή"

Συγγραφέας

Έντβαρντ Μουνκ

Μια χώρα Νορβηγία
Χρόνια ζωής 1863–1944
Στυλ εξπρεσιονισμός

Ο πρώτος πίνακας του Μουνκ, που έγινε γνωστός σε όλο τον κόσμο, «Το άρρωστο κορίτσι» (υπάρχει σε πέντε αντίτυπα) είναι αφιερωμένος στην αδερφή του καλλιτέχνη, που πέθανε από φυματίωση σε ηλικία 15 ετών. Ο Μουνκ ανέκαθεν ενδιαφερόταν για το θέμα του θανάτου και της μοναξιάς. Στη Γερμανία, η βαριά, μανιακή ζωγραφική του προκάλεσε ακόμη και σκάνδαλο. Ωστόσο, παρά τις καταθλιπτικές πλοκές, οι πίνακές του έχουν έναν ιδιαίτερο μαγνητισμό. Πάρτε τουλάχιστον το "Scream".

73,5x91 εκ
1895
τιμή
$119,992 εκατομμύρια
πωλούνται σε 2012
στη δημοπρασία Sotheby's

Το πλήρες όνομα του πίνακα είναι Der Schrei der Natur (μεταφρασμένο από τα γερμανικά ως «η κραυγή της φύσης»). Το πρόσωπο είτε ενός ατόμου είτε ενός εξωγήινου εκφράζει απόγνωση και πανικό - ο θεατής βιώνει τα ίδια συναισθήματα όταν κοιτάζει την εικόνα. Ένα από τα βασικά έργα του εξπρεσιονισμού προειδοποιεί τα θέματα που έχουν γίνει οξυμένα στην τέχνη του 20ού αιώνα. Σύμφωνα με μια εκδοχή, ο καλλιτέχνης το δημιούργησε υπό την επίδραση μιας ψυχικής διαταραχής, την οποία υπέφερε σε όλη του τη ζωή.

Ο πίνακας κλάπηκε δύο φορές από διαφορετικά μουσεία, αλλά επέστρεψε. Ελαφρώς κατεστραμμένο μετά την κλοπή, το The Scream αποκαταστάθηκε και ήταν έτοιμο να παρουσιαστεί ξανά στο Μουσείο Munch το 2008. Για τους εκπροσώπους της ποπ κουλτούρας, το έργο έγινε πηγή έμπνευσης: ο Andy Warhol δημιούργησε μια σειρά από εκτυπώσεις-αντίγραφα του και η μάσκα από την ταινία "Scream" έγινε στην εικόνα και την ομοιότητα του ήρωα της εικόνας.

Για μια πλοκή, ο Μουνκ έγραψε τέσσερις εκδοχές του έργου: αυτή σε μια ιδιωτική συλλογή είναι φτιαγμένη σε παστέλ. Ο Νορβηγός δισεκατομμυριούχος Petter Olsen το έβγαλε σε δημοπρασία στις 2 Μαΐου 2012. Αγοραστής ήταν ο Λέον Μπλακ, ο οποίος δεν γλίτωσε ένα ποσό ρεκόρ για το «Scream». Ιδρυτής της Apollo Advisors, L.P. and Lion Advisors, L.P. γνωστός για την αγάπη του για την τέχνη. Ο Μπλακ είναι θαμώνας του Κολλεγίου Dartmouth, του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης, του Κέντρου Τέχνης Λίνκολν και του Μητροπολιτικού Μουσείου Τέχνης. Διαθέτει τη μεγαλύτερη συλλογή έργων ζωγραφικής από σύγχρονους καλλιτέχνες και κλασικούς δεξιοτέχνες περασμένων αιώνων.

6

"Γυμνό με φόντο ένα μπούστο και πράσινα φύλλα"

Συγγραφέας

Πάμπλο Πικάσο

Μια χώρα Ισπανία, Γαλλία
Χρόνια ζωής 1881–1973
Στυλ κυβισμός

Από την καταγωγή είναι Ισπανός, αλλά ως προς το πνεύμα και τον τόπο διαμονής είναι πραγματικός Γάλλος. Ο Πικάσο άνοιξε το δικό του στούντιο τέχνης στη Βαρκελώνη όταν ήταν μόλις 16 ετών. Μετά πήγε στο Παρίσι και εκεί πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του. Γι' αυτό υπάρχει διπλό άγχος στο επίθετό του. Το στυλ που εφευρέθηκε από τον Πικάσο βασίζεται στην άρνηση της άποψης ότι το αντικείμενο που απεικονίζεται στον καμβά μπορεί να προβληθεί μόνο από μία οπτική γωνία.

130x162 εκ
1932
τιμή
$106,482 εκατομμύρια
πωληθεί το 2010
στη δημοπρασία Christie's

Κατά τη διάρκεια της δουλειάς του στη Ρώμη, ο καλλιτέχνης γνώρισε τη χορεύτρια Olga Khokhlova, η οποία σύντομα έγινε σύζυγός του. Έβαλε τέλος στην αλητεία, μετακόμισε μαζί της σε ένα πολυτελές διαμέρισμα. Μέχρι εκείνη τη στιγμή, η αναγνώριση είχε βρει έναν ήρωα, αλλά ο γάμος καταστράφηκε. Ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο δημιουργήθηκε σχεδόν τυχαία - από μεγάλη αγάπη, η οποία, όπως πάντα με τον Πικάσο, ήταν βραχύβια. Το 1927, άρχισε να ενδιαφέρεται για τη νεαρή Marie-Therese Walter (ήταν 17 ετών, εκείνος 45). Κρυφά από τη γυναίκα του, έφυγε με την ερωμένη του για μια πόλη κοντά στο Παρίσι, όπου ζωγράφισε ένα πορτρέτο που απεικόνιζε τη Μαρί-Τερέζ με την εικόνα της Δάφνης. Ο πίνακας αγοράστηκε από τον Νεοϋορκέζο έμπορο Paul Rosenberg και πουλήθηκε το 1951 στον Sidney F. Brody. Οι Brodys έδειξαν τον πίνακα στον κόσμο μόνο μία φορά, και μόνο επειδή ο καλλιτέχνης ήταν 80 ετών. Μετά τον θάνατο του συζύγου της, η κυρία Μπρόντι έβγαλε το έργο σε δημοπρασία στον οίκο Christie's τον Μάρτιο του 2010. Σε έξι δεκαετίες, η τιμή έχει αυξηθεί πάνω από 5.000 φορές! Ένας άγνωστος συλλέκτης το αγόρασε για 106,5 εκατομμύρια δολάρια. Το 2011 πραγματοποιήθηκε στη Βρετανία μια «έκθεση μίας ζωγραφικής», όπου είδε το φως για δεύτερη φορά, αλλά το όνομα του ιδιοκτήτη είναι ακόμα άγνωστο.

7

"Οκτώ ξωτικά"

Συγγραφέας

Άντι Γουόρχολ

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1928-1987
Στυλ
pop Art

«Το σεξ και τα πάρτι είναι τα μόνα μέρη όπου πρέπει να εμφανιστείς προσωπικά», είπε ο καλτ ποπ καλλιτέχνης, σκηνοθέτης και ένας από τους ιδρυτές του περιοδικού Interview, ο σχεδιαστής Andy Warhol. Συνεργάστηκε με τη Vogue και το Harper's Bazaar, σχεδίασε εξώφυλλα δίσκων και σχεδίασε παπούτσια για τον I.Miller. Στη δεκαετία του 1960, εμφανίστηκαν πίνακες που απεικονίζουν τα σύμβολα της Αμερικής: τη σούπα του Campbell και την Coca-Cola, τον Presley και τη Monroe - που τον έκαναν θρύλο.

358x208 εκ
1963
τιμή
100 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
σε ιδιωτική δημοπρασία

Warhol's 60s - η λεγόμενη εποχή της ποπ αρτ στην Αμερική. Το 1962 εργάστηκε στο Μανχάταν στο Factory Studio, όπου συγκεντρώθηκε όλη η μποέμια της Νέας Υόρκης. Οι πιο λαμπεροί εκπρόσωποί του: ο Μικ Τζάγκερ, ο Μπομπ Ντύλαν, ο Τρούμαν Καπότε και άλλες διάσημες προσωπικότητες στον κόσμο. Ταυτόχρονα, ο Warhol δοκίμασε την τεχνική της μεταξοτυπίας - πολλαπλές επαναλήψεις μιας εικόνας. Χρησιμοποίησε επίσης αυτή τη μέθοδο όταν δημιούργησε το "Eight Elvises": ο θεατής φαίνεται να βλέπει καρέ από μια ταινία όπου το αστέρι ζωντανεύει. Όλα όσα αγάπησε τόσο πολύ ο καλλιτέχνης είναι εδώ: μια κερδοφόρα δημόσια εικόνα, ασημί χρώμα και ένα προαίσθημα θανάτου ως κύριο μήνυμα.

Υπάρχουν δύο έμποροι τέχνης που προωθούν το έργο του Warhol στην παγκόσμια αγορά σήμερα: ο Larry Gagosian και ο Alberto Mugrabi. Ο πρώτος το 2008 ξόδεψε 200 εκατομμύρια δολάρια για να αγοράσει περισσότερα από 15 έργα του Warhol. Ο δεύτερος αγοράζει και πουλάει τους πίνακές του σαν χριστουγεννιάτικες κάρτες, μόνο πιο ακριβά. Αλλά δεν ήταν αυτοί, αλλά ο ταπεινός Γάλλος σύμβουλος τέχνης Philippe Segalo που βοήθησε τον γνώστη της Ρωμαϊκής τέχνης Annibale Berlinghieri να πουλήσει τα Eight Elvises σε έναν άγνωστο αγοραστή για ένα ρεκόρ 100 εκατομμυρίων δολαρίων του Warhol.

8

"Πορτοκάλι,Κόκκινο κίτρινο"

Συγγραφέας

Μαρκ Ρόθκο

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1903–1970
Στυλ αφηρημένος εξπρεσιονισμός

Ένας από τους δημιουργούς της έγχρωμης ζωγραφικής του πεδίου γεννήθηκε στο Dvinsk της Ρωσίας (τώρα Daugavpils, Λετονία), σε μια μεγάλη οικογένεια Εβραίου φαρμακοποιού. Το 1911 μετανάστευσαν στις Η.Π.Α. Ο Ρόθκο σπούδασε στο τμήμα τέχνης του Πανεπιστημίου Γέιλ, έλαβε υποτροφία, αλλά τα αντισημιτικά αισθήματα τον ανάγκασαν να εγκαταλείψει τις σπουδές του. Παρά τα πάντα, οι κριτικοί τέχνης ειδωλοποίησαν τον καλλιτέχνη και τα μουσεία τον κυνηγούσαν σε όλη του τη ζωή.

206x236 εκ
1961
τιμή
86,882 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Christie's

Τα πρώτα καλλιτεχνικά πειράματα του Rothko ήταν σουρεαλιστικού προσανατολισμού, αλλά με την πάροδο του χρόνου απλοποίησε την πλοκή σε χρωματικά σημεία, στερώντας τους κάθε αντικειμενικότητα. Στην αρχή είχαν φωτεινές αποχρώσεις και στη δεκαετία του 1960 γέμισαν με καφέ, μωβ, που πύκνωναν σε μαύρο μέχρι τον θάνατο του καλλιτέχνη. Ο Mark Rothko προειδοποίησε να μην ψάχνει κανένα νόημα στους πίνακές του. Ο συγγραφέας ήθελε να πει αυτό ακριβώς που είπε: μόνο το χρώμα που διαλύεται στον αέρα, και τίποτα περισσότερο. Συνέστησε να βλέπει κανείς τα έργα από απόσταση 45 εκατοστών, ώστε ο θεατής να «σύρεται» στο χρώμα, σαν σε χωνί. Προσοχή: η θέαση σύμφωνα με όλους τους κανόνες μπορεί να οδηγήσει στο αποτέλεσμα του διαλογισμού, δηλαδή σταδιακά έρχεται η επίγνωση του απείρου, πλήρης βύθιση στον εαυτό του, χαλάρωση, κάθαρση. Το χρώμα στους πίνακές του ζει, αναπνέει και έχει έντονη συναισθηματική επίδραση (μερικές φορές λέγεται ότι είναι θεραπευτικό). Ο καλλιτέχνης είπε: «Ο θεατής πρέπει να κλαίει κοιτώντας τους» - και πραγματικά υπήρχαν τέτοιες περιπτώσεις. Σύμφωνα με τη θεωρία του Rothko, αυτή τη στιγμή οι άνθρωποι ζουν την ίδια πνευματική εμπειρία που είχε στη διαδικασία επεξεργασίας της εικόνας. Αν καταφέρατε να το καταλάβετε σε τόσο λεπτό επίπεδο, τότε μην εκπλαγείτε που αυτά τα έργα αφαίρεσης συχνά συγκρίνονται από τους κριτικούς με εικονίδια.

Το έργο «Πορτοκαλί, Κόκκινο, Κίτρινο» εκφράζει την ουσία της ζωγραφικής του Mark Rothko. Το αρχικό του κόστος στη δημοπρασία του Christie's στη Νέα Υόρκη είναι 35-45 εκατομμύρια δολάρια. Ένας άγνωστος αγοραστής πρόσφερε τιμή διπλάσια από την εκτίμηση. Το όνομα του ευτυχισμένου ιδιοκτήτη του πίνακα, όπως συμβαίνει συχνά, δεν αποκαλύφθηκε.

9

"Τρίπτυχο"

Συγγραφέας

Φράνσις Μπέικον

Μια χώρα
Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια ζωής 1909–1992
Στυλ εξπρεσιονισμός

Οι περιπέτειες του Φράνσις Μπέικον, ολόσωμου συνονόματος και, επιπλέον, μακρινός απόγονος του μεγάλου φιλοσόφου, ξεκίνησαν όταν ο πατέρας του τον αποκήρυξε, μη μπορώντας να δεχτεί τις ομοφυλοφιλικές τάσεις του γιου του. Ο Μπέικον πήγε πρώτα στο Βερολίνο, μετά στο Παρίσι και μετά τα ίχνη του μπερδεύονται σε όλη την Ευρώπη. Ακόμη και κατά τη διάρκεια της ζωής του, τα έργα του εκτέθηκαν στα κορυφαία πολιτιστικά κέντρα του κόσμου, όπως το Μουσείο Γκούγκενχαϊμ και η Πινακοθήκη Τρετιακόφ.

147,5x198 cm (το καθένα)
1976
τιμή
86,2 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's

Διάσημα μουσεία προσπάθησαν να κατέχουν πίνακες του Μπέικον, αλλά το αρχέγονο αγγλικό κοινό δεν βιαζόταν να ασχοληθεί με τέτοια τέχνη. Η θρυλική Βρετανίδα πρωθυπουργός Μάργκαρετ Θάτσερ είπε για αυτόν: «Ο άνθρωπος που ζωγραφίζει αυτές τις φρικτές εικόνες».

Την αρχική περίοδο στο έργο του, ο ίδιος ο καλλιτέχνης θεωρούσε τη μεταπολεμική περίοδο. Επιστρέφοντας από την υπηρεσία, ασχολήθηκε ξανά με τη ζωγραφική και δημιούργησε τα κύρια αριστουργήματα. Πριν από τη συμμετοχή του «Τρίπτυχου, 1976» στη δημοπρασία, το πιο ακριβό έργο του Μπέικον ήταν το «Study for a Portrait of Papa Innocent X» (52,7 εκατομμύρια δολάρια). Στο «Τρίπτυχο, 1976» ο καλλιτέχνης απεικόνισε τη μυθική πλοκή της δίωξης του Ορέστη από τις μανίες. Φυσικά, ο Ορέστης είναι ο ίδιος ο Μπέικον και οι μανίες είναι τα μαρτύριά του. Για περισσότερα από 30 χρόνια, ο πίνακας βρισκόταν σε ιδιωτική συλλογή και δεν συμμετείχε σε εκθέσεις. Το γεγονός αυτό του προσδίδει ιδιαίτερη αξία και, κατά συνέπεια, αυξάνει το κόστος. Τι είναι όμως μερικά εκατομμύρια για έναν γνώστη της τέχνης, και μάλιστα γενναιόδωρο στα ρωσικά; Ο Roman Abramovich άρχισε να δημιουργεί τη συλλογή του στη δεκαετία του 1990, σε αυτό επηρεάστηκε σημαντικά από τη φίλη του Dasha Zhukova, η οποία έχει γίνει μοντέρνα γκαλερίστας στη σύγχρονη Ρωσία. Σύμφωνα με ανεπίσημα στοιχεία, ο επιχειρηματίας έχει έργα των Alberto Giacometti και Pablo Picasso, που αγοράστηκαν για ποσά που ξεπερνούν τα 100 εκατομμύρια δολάρια. Το 2008 έγινε ιδιοκτήτης του Τρίπτυχου. Παρεμπιπτόντως, το 2011, αποκτήθηκε ένα άλλο πολύτιμο έργο του Μπέικον - "Τρία σκίτσα για ένα πορτρέτο του Λούσιαν Φρόιντ". Κρυφές πηγές λένε ότι ο Ρομάν Αρκαντίεβιτς έγινε και πάλι ο αγοραστής.

10

"Λίμνη με νούφαρα"

Συγγραφέας

Κλοντ Μονέ

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1840–1926
Στυλ ιμπρεσιονισμός

Ο καλλιτέχνης αναγνωρίζεται ως ο ιδρυτής του ιμπρεσιονισμού, που «κατοχύρωσε» αυτή τη μέθοδο στους καμβάδες του. Το πρώτο σημαντικό έργο ήταν ο πίνακας "Breakfast on the Grass" (η αρχική έκδοση του έργου του Edouard Manet). Στα νιάτα του, σχεδίαζε καρικατούρες και ασχολήθηκε με την πραγματική ζωγραφική κατά τη διάρκεια των ταξιδιών του κατά μήκος της ακτής και στο ύπαιθρο. Στο Παρίσι, οδήγησε έναν μποέμ τρόπο ζωής και δεν τον άφησε ακόμη και μετά την θητεία του στο στρατό.

210x100 εκ
1919
τιμή
80,5 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Christie's

Εκτός από το γεγονός ότι ο Μονέ ήταν μεγάλος καλλιτέχνης, ασχολήθηκε με ενθουσιασμό και με την κηπουρική, λάτρευε την άγρια ​​ζωή και τα λουλούδια. Στα τοπία του, η κατάσταση της φύσης είναι στιγμιαία, τα αντικείμενα μοιάζουν να θολώνουν από την κίνηση του αέρα. Η εντύπωση ενισχύεται από μεγάλες πινελιές, από μια ορισμένη απόσταση γίνονται αόρατες και συγχωνεύονται σε μια ανάγλυφη, τρισδιάστατη εικόνα. Στον πίνακα του αείμνηστου Μονέ, ιδιαίτερη θέση κατέχει το θέμα του νερού και της ζωής σε αυτό. Στην πόλη Giverny, ο καλλιτέχνης είχε τη δική του λίμνη, όπου καλλιεργούσε νούφαρα από σπόρους που έφερε ειδικά από την Ιαπωνία. Όταν άνθισαν τα λουλούδια τους, άρχισε να ζωγραφίζει. Η σειρά Νούφαρα αποτελείται από 60 έργα που ζωγράφισε ο καλλιτέχνης για σχεδόν 30 χρόνια, μέχρι τον θάνατό του. Η όρασή του χειροτέρευε με την ηλικία, αλλά δεν σταμάτησε. Ανάλογα με τον άνεμο, την εποχή και τον καιρό, η θέα της λίμνης άλλαζε συνεχώς και ο Μονέ ήθελε να αποτυπώσει αυτές τις αλλαγές. Μέσα από προσεκτική δουλειά, του ήρθε η κατανόηση της ουσίας της φύσης. Μερικοί από τους πίνακες της σειράς φυλάσσονται στις κορυφαίες γκαλερί του κόσμου: Εθνικό Μουσείο Δυτικής Τέχνης (Τόκιο), Orangerie (Παρίσι). Στα χέρια άγνωστου αγοραστή πήγε η έκδοση του επόμενου «Λιμνούλα με νούφαρα» έναντι ποσού ρεκόρ.

11

Ψεύτικο αστέρι t

Συγγραφέας

Τζάσπερ Τζονς

Μια χώρα ΗΠΑ
Ετος γέννησης 1930
Στυλ pop Art

Το 1949, ο Τζόουνς μπήκε στη σχολή σχεδίου στη Νέα Υόρκη. Μαζί με τους Jackson Pollock, Willem de Kooning και άλλους, αναγνωρίζεται ως ένας από τους κύριους καλλιτέχνες του 20ου αιώνα. Το 2012, έλαβε το Προεδρικό Μετάλλιο της Ελευθερίας, το υψηλότερο πολιτικό βραβείο στις Ηνωμένες Πολιτείες.

137,2x170,8 εκ
1959
τιμή
80 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2006
σε ιδιωτική δημοπρασία

Όπως ο Marcel Duchamp, ο Jones εργάστηκε με πραγματικά αντικείμενα, απεικονίζοντάς τα σε καμβά και γλυπτική σε πλήρη συμφωνία με το πρωτότυπο. Για τα έργα του χρησιμοποίησε απλά και κατανοητά για όλους αντικείμενα: ένα μπουκάλι μπύρας, μια σημαία ή χάρτες. Δεν υπάρχει σαφής σύνθεση στην εικόνα False Start. Ο καλλιτέχνης φαίνεται να παίζει με τον θεατή, συχνά υπογράφοντας «λανθασμένα» τα χρώματα της εικόνας, γυρίζοντας ανάποδα την ίδια την έννοια του χρώματος: «Ήθελα να βρω έναν τρόπο να απεικονίσω το χρώμα, ώστε να μπορεί να προσδιοριστεί από κάποιο άλλο μέθοδος." Ο πιο εκρηκτικός και «ανασφαλής», σύμφωνα με τους κριτικούς, πίνακας του αποκτήθηκε από άγνωστο αγοραστή.

12

«Καθισμένοςγυμνόςστον καναπέ"

Συγγραφέας

Ο Αμεντέο Μοντιλιάνι

Μια χώρα Ιταλία, Γαλλία
Χρόνια ζωής 1884–1920
Στυλ εξπρεσιονισμός

Ο Μοντιλιάνι ήταν συχνά άρρωστος από την παιδική του ηλικία, σε ένα πυρετώδη παραλήρημα, αναγνώρισε το πεπρωμένο του ως καλλιτέχνη. Σπούδασε σχέδιο στο Λιβόρνο, στη Φλωρεντία, στη Βενετία και το 1906 έφυγε για το Παρίσι, όπου η τέχνη του άνθισε.

65x100 εκ
1917
τιμή
68,962 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2010
στη δημοπρασία Sotheby's

Το 1917, ο Modigliani γνώρισε τη 19χρονη Jeanne Hebuterne, η οποία έγινε μοντέλο και αργότερα σύζυγός του. Το 2004, ένα από τα πορτρέτα της πουλήθηκε για 31,3 εκατομμύρια δολάρια, το τελευταίο ρεκόρ πριν από την πώληση του Seated Nude on a Sofa το 2010. Ο πίνακας αγοράστηκε από άγνωστο αγοραστή στη μέγιστη τιμή για τον Modigliani αυτή τη στιγμή. Οι ενεργές πωλήσεις έργων ξεκίνησαν μόνο μετά το θάνατο του καλλιτέχνη. Πέθανε στη φτώχεια, έπασχε από φυματίωση και την επόμενη μέρα, αυτοκτόνησε και η Jeanne Hebuterne, που ήταν έγκυος εννέα μηνών.

13

"Αετός σε πεύκο"

Συγγραφέας

Qi Baishi

Μια χώρα Κίνα
Χρόνια ζωής 1864–1957
Στυλ guohua

Το ενδιαφέρον για την καλλιγραφία οδήγησε τον Qi Baishi να ζωγραφίσει. Σε ηλικία 28 ετών έγινε μαθητής του καλλιτέχνη Hu Qingyuan. Το Υπουργείο Πολιτισμού της Κίνας του απένειμε τον τίτλο του «Μεγάλου Καλλιτέχνη του Κινεζικού Λαού», το 1956 έλαβε το Διεθνές Βραβείο Ειρήνης.

10x26 εκ
1946
τιμή
65,4 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία China Guardian

Ο Qi Baishi ενδιαφέρθηκε για εκείνες τις εκδηλώσεις του γύρω κόσμου, στις οποίες πολλοί δεν δίνουν σημασία, και αυτό είναι το μεγαλείο του. Ένας άνθρωπος χωρίς εκπαίδευση έγινε καθηγητής και ένας εξαιρετικός δημιουργός στην ιστορία. Ο Πάμπλο Πικάσο είπε για αυτόν: «Φοβάμαι να πάω στη χώρα σου, γιατί υπάρχει ο Qi Baishi στην Κίνα». Η σύνθεση "Eagle on a Pine Tree" αναγνωρίζεται ως το μεγαλύτερο έργο του καλλιτέχνη. Εκτός από τον καμβά, περιλαμβάνει δύο ιερογλυφικά ειλητάρια. Για την Κίνα, το ποσό για το οποίο αγοράστηκε το προϊόν είναι ρεκόρ - 425,5 εκατομμύρια γιουάν. Μόνο ο κύλινδρος του αρχαίου καλλιγράφου Huang Tingjian πουλήθηκε για 436,8 εκατομμύρια δολάρια.

14

"1949-A-#1"

Συγγραφέας

Κλίφορντ Στιλ

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1904–1980
Στυλ αφηρημένος εξπρεσιονισμός

Σε ηλικία 20 ετών επισκέφτηκε το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης στη Νέα Υόρκη και απογοητεύτηκε. Αργότερα, εγγράφηκε σε ένα μάθημα φοιτητικού πρωταθλήματος τεχνών, αλλά έφυγε 45 λεπτά μετά την έναρξη του μαθήματος - αποδείχθηκε ότι δεν ήταν "δικό του". Η πρώτη προσωπική έκθεση προκάλεσε απήχηση, ο καλλιτέχνης βρήκε τον εαυτό του και μαζί της και την αναγνώριση

79x93 εκ
1949
τιμή
61,7 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's

Όλα τα έργα του, που είναι περισσότεροι από 800 καμβάδες και 1600 έργα σε χαρτί, κληροδοτήθηκαν ακόμα στην αμερικανική πόλη, όπου θα ανοίξει ένα μουσείο με το όνομά του. Το Ντένβερ έγινε μια τέτοια πόλη, αλλά μόνο η κατασκευή ήταν ακριβή για τις αρχές και τέσσερα έργα βγήκαν σε δημοπρασία για να ολοκληρωθεί. Τα έργα του Still είναι απίθανο να δημοπρατηθούν ξανά, γεγονός που αύξησε την τιμή τους εκ των προτέρων. Ο πίνακας "1949-A-No.1" πωλήθηκε για ένα ποσό ρεκόρ για τον καλλιτέχνη, αν και οι ειδικοί προέβλεψαν την πώληση το πολύ 25-35 εκατομμυρίων δολαρίων.

15

"Συπρεματιστική σύνθεση"

Συγγραφέας

Καζιμίρ Μάλεβιτς

Μια χώρα Ρωσία
Χρόνια ζωής 1878–1935
Στυλ σουπρεματισμός

Ο Μάλεβιτς σπούδασε ζωγραφική στη Σχολή Τέχνης του Κιέβου και μετά στην Ακαδημία Τεχνών της Μόσχας. Το 1913, άρχισε να ζωγραφίζει αφηρημένους γεωμετρικούς πίνακες σε ένα στυλ που ονόμασε Suprematism (από το λατινικό «dominance»).

71 x 88,5 εκ
1916
τιμή
60 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's

Ο πίνακας φυλασσόταν στο μουσείο της πόλης του Άμστερνταμ για περίπου 50 χρόνια, αλλά μετά από μια 17χρονη διαμάχη με τους συγγενείς του Μάλεβιτς, το μουσείο τον έδωσε. Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε αυτό το έργο την ίδια χρονιά με το Μανιφέστο του Σουπρεματισμού, οπότε ο οίκος Sotheby's πριν από τη δημοπρασία ανακοίνωσε ότι δεν θα μπει σε ιδιωτική συλλογή για λιγότερο από 60 εκατομμύρια δολάρια. Και έτσι έγινε. Είναι καλύτερα να το κοιτάξετε από ψηλά: οι φιγούρες στον καμβά μοιάζουν με μια εναέρια άποψη της γης. Παρεμπιπτόντως, λίγα χρόνια νωρίτερα, οι ίδιοι συγγενείς απαλλοτρίωσαν μια άλλη «Σουπρεματιστική σύνθεση» από το Μουσείο ΜοΜΑ για να την πουλήσουν στη Phillips για 17 εκατομμύρια δολάρια.

16

"Λουόμενοι"

Συγγραφέας

Πολ Γκογκέν

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1848–1903
Στυλ μετα-ιμπρεσιονισμός

Μέχρι την ηλικία των επτά ετών, ο καλλιτέχνης έζησε στο Περού, στη συνέχεια επέστρεψε στη Γαλλία με την οικογένειά του, αλλά οι παιδικές αναμνήσεις τον ώθησαν συνεχώς να ταξιδεύει. Στη Γαλλία, άρχισε να ζωγραφίζει, ήταν φίλος με τον Βαν Γκογκ. Πέρασε μάλιστα αρκετούς μήνες μαζί του στην Αρλ, μέχρι που ο Βαν Γκογκ του έκοψε το αυτί κατά τη διάρκεια ενός καβγά.

93,4x60,4 εκ
1902
τιμή
55 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2005
στη δημοπρασία Sotheby's

Το 1891, ο Γκωγκέν κανόνισε μια πώληση των έργων του για να χρησιμοποιήσει τα έσοδα για να πάει βαθιά στο νησί της Ταϊτής. Εκεί δημιούργησε έργα στα οποία μπορεί κανείς να νιώσει τη λεπτή σύνδεση φύσης και ανθρώπου. Ο Γκωγκέν ζούσε σε μια καλύβα με αχυρένια καλύβα και ένας τροπικός παράδεισος άνθισε στους καμβάδες του. Η σύζυγός του ήταν μια 13χρονη Ταϊτινή Τεχούρα, κάτι που δεν εμπόδισε τον καλλιτέχνη να εμπλακεί σε ασωτία. Έχοντας προσβληθεί από σύφιλη, έφυγε για τη Γαλλία. Ωστόσο, ο Γκωγκέν ήταν στριμωγμένος εκεί και επέστρεψε στην Ταϊτή. Αυτή η περίοδος ονομάζεται «δεύτερος Ταϊτής» - ήταν τότε που ζωγραφίστηκε ο πίνακας «Λουόμενοι», ένας από τους πιο πολυτελείς στο έργο του.

17

"Νάρκισσοι και τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ"

Συγγραφέας

Ανρί Ματίς

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1869–1954
Στυλ Φωβισμός

Το 1889, ο Henri Matisse είχε μια κρίση σκωληκοειδίτιδας. Όταν συνήλθε από την επέμβαση, η μητέρα του του αγόρασε μπογιές. Πρώτα, από πλήξη, ο Matisse αντέγραψε έγχρωμες καρτ ποστάλ, μετά - τα έργα μεγάλων ζωγράφων που είδε στο Λούβρο, και στις αρχές του 20ου αιώνα σκέφτηκε ένα στυλ - τον φωβισμό.

65,2x81 εκ
1911
τιμή
46,4 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2009
στη δημοπρασία Christie's

Ο πίνακας «Νάρκισσοι και ένα τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ χρώμα» ανήκε για πολύ καιρό στον Yves Saint Laurent. Μετά τον θάνατο του couturier, ολόκληρη η συλλογή έργων τέχνης του πέρασε στα χέρια του φίλου και εραστή του Pierre Berger, ο οποίος αποφάσισε να τη βγάλει σε δημοπρασία στον οίκο Christie's. Το μαργαριτάρι της συλλογής που πωλήθηκε ήταν ο πίνακας «Νάρκισσοι και ένα τραπεζομάντιλο σε μπλε και ροζ», ζωγραφισμένο σε ένα συνηθισμένο τραπεζομάντιλο αντί για καμβά. Ως παράδειγμα του Φωβισμού, είναι γεμάτο με την ενέργεια του χρώματος, τα χρώματα φαίνονται να εκρήγνυνται και να ουρλιάζουν. Από τη γνωστή σειρά τραπεζομάντιλων ζωγραφικής, σήμερα αυτό το έργο είναι το μόνο που βρίσκεται σε ιδιωτική συλλογή.

18

"Κορίτσι που κοιμάται"

Συγγραφέας

ΡόιΥπήνεμος

χτενστάιν

Μια χώρα ΗΠΑ
Χρόνια ζωής 1923–1997
Στυλ pop Art

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη Νέα Υόρκη και αφού αποφοίτησε από το σχολείο, πήγε στο Οχάιο, όπου πήγε σε μαθήματα τέχνης. Το 1949, το Λιχτενστάιν έλαβε το πτυχίο Master of Fine Arts. Το ενδιαφέρον για τα κόμικς και η ικανότητα να είναι ειρωνικός τον έκαναν καλτ καλλιτέχνη του περασμένου αιώνα.

91x91 εκ
1964
τιμή
44,882 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Sotheby's

Κάποτε, τσίχλα έπεσε στα χέρια του Λιχτενστάιν. Ξανασχεδίασε την εικόνα από το ένθετο στον καμβά και έγινε διάσημος. Αυτή η πλοκή από τη βιογραφία του περιέχει ολόκληρο το μήνυμα της ποπ αρτ: η κατανάλωση είναι ο νέος θεός και δεν υπάρχει λιγότερη ομορφιά σε ένα περιτύλιγμα τσίχλας από τη Μόνα Λίζα. Οι πίνακές του θυμίζουν κόμικς και κινούμενα σχέδια: ο Λίχτενσταϊν απλώς μεγέθυνε την τελειωμένη εικόνα, σχεδίασε ράστερ, χρησιμοποίησε μεταξοτυπία και μεταξοτυπία. Ο πίνακας «Sleeping Girl» ανήκε στους συλλέκτες Beatrice και Philip Gersh για σχεδόν 50 χρόνια, οι κληρονόμοι των οποίων τον πούλησαν σε δημοπρασία.

19

«Νίκη. Boogie Woogie"

Συγγραφέας

Piet Mondrian

Μια χώρα Ολλανδία
Χρόνια ζωής 1872–1944
Στυλ νεοπλαστικισμός

Το πραγματικό του όνομα - Cornelis - ο καλλιτέχνης άλλαξε σε Mondrian όταν μετακόμισε στο Παρίσι το 1912. Μαζί με τον καλλιτέχνη Theo van Doesburg ίδρυσε το νεοπλαστικό κίνημα. Η γλώσσα προγραμματισμού Piet πήρε το όνομά της από τον Mondrian.

27x127 εκ
1944
τιμή
40 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 1998
στη δημοπρασία Sotheby's

Ο πιο «μιούζικαλ» από τους καλλιτέχνες του 20ου αιώνα έβγαζε τα προς το ζην με τις νεκρές φύσεις ακουαρέλας, αν και έγινε διάσημος ως νεοπλαστικός καλλιτέχνης. Μετακόμισε στις ΗΠΑ τη δεκαετία του 1940 και πέρασε το υπόλοιπο της ζωής του εκεί. Τζαζ και Νέα Υόρκη - αυτό τον ενέπνευσε περισσότερο! Ζωγραφική «Νίκη. Το Boogie Woogie είναι το καλύτερο παράδειγμα αυτού. Τα "επώνυμα" τακτοποιημένα τετράγωνα αποκτήθηκαν με τη χρήση κολλητικής ταινίας - το αγαπημένο υλικό του Mondrian. Στην Αμερική τον αποκαλούσαν «ο πιο διάσημος μετανάστης». Στη δεκαετία του '60, ο Yves Saint Laurent παρήγαγε τα παγκοσμίου φήμης φορέματα "Mondrian" με ένα μεγάλο έγχρωμο στάμπα.

20

"Σύνθεση Νο. 5"

Συγγραφέας

ΒασιλικόςΚαντίνσκι

Μια χώρα Ρωσία
Χρόνια ζωής 1866–1944
Στυλ πρωτοπορία

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη Μόσχα και ο πατέρας του ήταν από τη Σιβηρία. Μετά την επανάσταση, προσπάθησε να συνεργαστεί με τις σοβιετικές αρχές, αλλά σύντομα συνειδητοποίησε ότι οι νόμοι του προλεταριάτου δεν δημιουργήθηκαν γι 'αυτόν και μετανάστευσε στη Γερμανία όχι χωρίς δυσκολίες.

275x190 εκ
1911
τιμή
40 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2007
στη δημοπρασία Sotheby's

Ο Καντίνσκι ήταν ένας από τους πρώτους που εγκατέλειψε εντελώς τη ζωγραφική αντικειμένων, για την οποία έλαβε τον τίτλο της ιδιοφυΐας. Κατά τη διάρκεια του ναζισμού στη Γερμανία, οι πίνακές του ταξινομήθηκαν ως «εκφυλισμένη τέχνη» και δεν εκτέθηκαν πουθενά. Το 1939, ο Καντίνσκι πήρε τη γαλλική υπηκοότητα, στο Παρίσι συμμετείχε ελεύθερα στην καλλιτεχνική διαδικασία. Οι πίνακές του «ακούγονται» σαν φούγκες, γι' αυτό πολλοί αποκαλούνται «συνθέσεις» (η πρώτη γράφτηκε το 1910, η τελευταία το 1939). Η «Σύνθεση Νο. 5» είναι ένα από τα βασικά έργα αυτού του είδους: «Η λέξη «σύνθεση» μου φάνηκε σαν προσευχή», είπε ο καλλιτέχνης. Σε αντίθεση με πολλούς ακόλουθους, σχεδίαζε τι θα απεικόνιζε σε έναν τεράστιο καμβά, σαν να έγραφε σημειώσεις.

21

"Μελέτη μιας γυναίκας με μπλε"

Συγγραφέας

Φερνάν Λεζέρ

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1881–1955
Στυλ κυβισμός-μετα-ιμπρεσιονισμός

Ο Leger έλαβε αρχιτεκτονική εκπαίδευση και στη συνέχεια ήταν φοιτητής στη Σχολή Καλών Τεχνών στο Παρίσι. Ο καλλιτέχνης θεωρούσε τον εαυτό του οπαδό του Σεζάν, ήταν απολογητής του κυβισμού και τον 20ο αιώνα είχε επιτυχία και ως γλύπτης.

96,5x129,5 εκ
1912–1913
τιμή
39,2 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's

Ο Ντέιβιντ Νόρμαν, πρόεδρος του Διεθνούς Ιμπρεσιονισμού και Μοντερνισμού του Sotheby's, πιστεύει ότι το τεράστιο ποσό που καταβλήθηκε για την Κυρία με τα Μπλε είναι απολύτως δικαιολογημένο. Ο πίνακας ανήκει στη διάσημη συλλογή Leger (ο καλλιτέχνης ζωγράφισε τρεις πίνακες σε ένα οικόπεδο, ο τελευταίος από αυτούς είναι σήμερα σε ιδιώτες. - Εκδ.), και η επιφάνεια του καμβά έχει διατηρηθεί στην αρχική του μορφή. Ο ίδιος ο συγγραφέας έδωσε αυτό το έργο στην γκαλερί Der Sturm, στη συνέχεια κατέληξε στη συλλογή του Hermann Lang, ενός Γερμανού συλλέκτη του μοντερνισμού, και τώρα ανήκει σε έναν άγνωστο αγοραστή.

22

«Σκηνή του δρόμου. Βερολίνο"

Συγγραφέας

Ερνστ ΛούντβιχΚίρχνερ

Μια χώρα Γερμανία
Χρόνια ζωής 1880–1938
Στυλ εξπρεσιονισμός

Για τον γερμανικό εξπρεσιονισμό, η Kirchner έγινε ένα πρόσωπο ορόσημο. Ωστόσο, οι τοπικές αρχές τον κατηγόρησαν για προσήλωση στην «εκφυλισμένη τέχνη», η οποία επηρέασε τραγικά τη μοίρα των έργων του και τη ζωή του καλλιτέχνη, ο οποίος αυτοκτόνησε το 1938.

95x121 εκ
1913
τιμή
38,096 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2006
στη δημοπρασία Christie's

Αφού μετακόμισε στο Βερολίνο, η Kirchner δημιούργησε 11 σκίτσα με σκηνές δρόμου. Εμπνεύστηκε από τη φασαρία και τη νευρικότητα της μεγαλούπολης. Στον πίνακα, που πουλήθηκε το 2006 στη Νέα Υόρκη, το άγχος του καλλιτέχνη είναι ιδιαίτερα έντονο: οι άνθρωποι σε έναν δρόμο του Βερολίνου μοιάζουν με πουλιά - χαριτωμένα και επικίνδυνα. Ήταν το τελευταίο έργο από τη διάσημη σειρά, που πουλήθηκε σε δημοπρασία, τα υπόλοιπα φυλάσσονται σε μουσεία. Το 1937, οι Ναζί μεταχειρίστηκαν βάναυσα τον Κίρχνερ: 639 έργα του κατασχέθηκαν από γερμανικές γκαλερί, καταστράφηκαν ή πουλήθηκαν στο εξωτερικό. Ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε να επιβιώσει από αυτό.

23

«Ανάπαυσηχορεύτρια"

Συγγραφέας

Έντγκαρ Ντεγκά

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1834–1917
Στυλ ιμπρεσιονισμός

Η ιστορία του Ντεγκά ως καλλιτέχνη ξεκίνησε με το γεγονός ότι εργάστηκε ως αντιγραφέας στο Λούβρο. Ονειρευόταν να γίνει «διάσημος και άγνωστος», και στο τέλος τα κατάφερε. Στο τέλος της ζωής του, κωφός και τυφλός, ο 80χρονος Ντεγκά συνέχισε να παρακολουθεί εκθέσεις και δημοπρασίες.

64x59 εκ
1879
τιμή
$37,043 εκατομμύρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Sotheby's

«Οι μπαλαρίνες ήταν πάντα για μένα απλώς μια δικαιολογία για να απεικονίσω τα υφάσματα και να αποτυπώσω την κίνηση», είπε ο Ντεγκά. Οι σκηνές από τη ζωή των χορευτών μοιάζουν να είναι κρυφές: τα κορίτσια δεν ποζάρουν για τον καλλιτέχνη, αλλά απλώς γίνονται μέρος της ατμόσφαιρας που πιάνεται από το βλέμμα του Ντεγκά. Το Resting Dancer πωλήθηκε για 28 εκατομμύρια δολάρια το 1999 και λιγότερο από 10 χρόνια αργότερα αγοράστηκε για 37 εκατομμύρια δολάρια - σήμερα είναι το πιο ακριβό έργο του καλλιτέχνη που έχει βγει ποτέ σε δημοπρασία. Ο Ντεγκά έδωσε μεγάλη σημασία στα πλαίσια, τα σχεδίασε μόνος του και απαγόρευσε την αλλαγή τους. Αναρωτιέμαι τι πλαίσιο είναι τοποθετημένο στον πίνακα που πωλήθηκε;

24

"Ζωγραφική"

Συγγραφέας

Χουάν Μίρο

Μια χώρα Ισπανία
Χρόνια ζωής 1893–1983
Στυλ αφηρημένη τέχνη

Κατά τη διάρκεια του Ισπανικού Εμφυλίου, ο καλλιτέχνης ήταν στο πλευρό των Ρεπουμπλικανών. Το 1937, κατέφυγε από τη φασιστική εξουσία στο Παρίσι, όπου έζησε στη φτώχεια με την οικογένειά του. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Miro ζωγραφίζει τον πίνακα "Help Spain!", Τραβώντας την προσοχή όλου του κόσμου στην κυριαρχία του φασισμού.

89x115 εκ
1927
τιμή
$36,824 εκατομμύρια
πωληθεί το 2012
στη δημοπρασία Sotheby's

Το δεύτερο όνομα του πίνακα είναι «Μπλε Αστέρι». Ο καλλιτέχνης το έγραψε την ίδια χρονιά όταν ανακοίνωσε: «Θέλω να σκοτώσω τη ζωγραφική» και κορόιδευε αλύπητα τους καμβάδες, ξύνοντας τη μπογιά με καρφιά, κολλώντας φτερά στον καμβά, καλύπτοντας το έργο με σκουπίδια. Στόχος του ήταν να καταρρίψει τους μύθους για το μυστήριο της ζωγραφικής, αλλά, έχοντας αντιμετωπίσει αυτό, ο Miro δημιούργησε τον δικό του μύθο - μια σουρεαλιστική αφαίρεση. Η «Ζωγραφική» του παραπέμπει στον κύκλο των «εικόνων-ονείρων». Τέσσερις αγοραστές πολέμησαν για αυτό στη δημοπρασία, αλλά ένα τηλεφώνημα ινκόγκνιτο έλυσε τη διαφορά και το «Ζωγραφική» έγινε ο πιο ακριβός πίνακας του καλλιτέχνη.

25

"Μπλε τριαντάφυλλο"

Συγγραφέας

Ιβ Κλάιν

Μια χώρα Γαλλία
Χρόνια ζωής 1928–1962
Στυλ μονόχρωμη ζωγραφική

Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε σε μια οικογένεια ζωγράφων, αλλά σπούδασε ανατολίτικες γλώσσες, ναυσιπλοΐα, τέχνη ενός χρυσού κορνίζας, Ζεν Βουδισμό και πολλά άλλα. Η προσωπικότητά του και οι αυθάδειες ατάκες του ήταν πολλές φορές πιο ενδιαφέρουσες από τους μονόχρωμους πίνακες.

153x199x16 εκ
1960
τιμή
36,779 εκατομμύρια δολάρια
πωλήθηκε το 2012
στη δημοπρασία του Christie's

Η πρώτη έκθεση συμπαγών κίτρινων, πορτοκαλί, ροζ έργων δεν προκάλεσε το ενδιαφέρον του κοινού. Ο Klein προσβλήθηκε και την επόμενη φορά παρουσίασε 11 πανομοιότυπους καμβάδες, βαμμένους με ultramarine αναμεμειγμένο με ειδική συνθετική ρητίνη. Κατοχύρωσε μάλιστα αυτή τη μέθοδο. Το χρώμα έμεινε στην ιστορία ως το «International Klein Blue». Ο καλλιτέχνης πούλησε επίσης το κενό, δημιούργησε πίνακες εκθέτοντας χαρτί στη βροχή, βάζοντας φωτιά σε χαρτόνι, δημιουργώντας αποτυπώματα ανθρώπινου σώματος σε καμβά. Με μια λέξη, πειραματίστηκα όσο καλύτερα μπορούσα. Για να δημιουργήσω το «Μπλε Τριαντάφυλλο» χρησιμοποίησα ξηρές χρωστικές ουσίες, ρητίνες, βότσαλα και ένα φυσικό σφουγγάρι.

26

«Ψάχνοντας τον Μωυσή»

Συγγραφέας

Σερ Λόρενς Άλμα-Ταδέμα

Μια χώρα Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια ζωής 1836–1912
Στυλ νεοκλασικισμός

Ο ίδιος ο Sir Lawrence πρόσθεσε το πρόθεμα «alma» στο επώνυμό του για να εμφανίζεται πρώτος στους καταλόγους τέχνης. Στη βικτωριανή Αγγλία, οι πίνακές του ήταν τόσο περιζήτητοι που ο καλλιτέχνης τιμήθηκε με το βραβείο ιππότη.

213,4x136,7 εκ
1902
τιμή
35,922 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's

Το κύριο θέμα του έργου του Alma-Tadema ήταν η αρχαιότητα. Στους πίνακες, προσπάθησε να απεικονίσει την εποχή της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας με την παραμικρή λεπτομέρεια, γι 'αυτό συμμετείχε ακόμη και σε αρχαιολογικές ανασκαφές στη χερσόνησο των Απεννίνων και στο σπίτι του στο Λονδίνο αναπαρήγαγε το ιστορικό εσωτερικό εκείνων των χρόνων. Οι μυθολογικές ιστορίες έγιναν άλλη μια πηγή έμπνευσης για αυτόν. Ο καλλιτέχνης είχε μεγάλη ζήτηση κατά τη διάρκεια της ζωής του, αλλά μετά τον θάνατό του ξεχάστηκε γρήγορα. Τώρα το ενδιαφέρον αναβιώνει, όπως αποδεικνύεται από το κόστος του πίνακα «Αναζητώντας τον Μωυσή», επτά φορές υψηλότερο από την εκτίμηση της προπώλησης.

27

"Πορτρέτο ενός κοιμισμένου γυμνού αξιωματούχου"

Συγγραφέας

Λούσιαν Φρόιντ

Μια χώρα Γερμανία,
Μεγάλη Βρετανία
Χρόνια ζωής 1922–2011
Στυλ εικονιστική ζωγραφική

Ο καλλιτέχνης είναι εγγονός του Σίγκμουντ Φρόιντ, πατέρα της ψυχανάλυσης. Μετά την εγκαθίδρυση του φασισμού στη Γερμανία, η οικογένειά του μετανάστευσε στο Ηνωμένο Βασίλειο. Τα έργα του Φρόιντ βρίσκονται στη συλλογή Wallace στο Λονδίνο, όπου κανένας σύγχρονος καλλιτέχνης δεν έχει εκθέσει στο παρελθόν.

219,1x151,4 εκ
1995
τιμή
33,6 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2008
στη δημοπρασία Christie's

Ενώ οι καλλιτέχνες της μόδας του 20ου αιώνα δημιούργησαν θετικά «χρωματικά σημεία στον τοίχο» και τα πούλησαν για εκατομμύρια, ο Φρόιντ ζωγράφιζε εξαιρετικά νατουραλιστικούς πίνακες και τους πούλησε για ακόμη περισσότερα. «Αιχμαλωτίζω τις κραυγές της ψυχής και τα βάσανα της σάρκας που μαραίνεται», είπε. Οι κριτικοί πιστεύουν ότι όλα αυτά είναι η «κληρονομιά» του Sigmund Freud. Οι πίνακες εκτέθηκαν τόσο ενεργά και πουλήθηκαν με επιτυχία που οι ειδικοί είχαν αμφιβολίες: έχουν υπνωτικές ιδιότητες; Πουλήθηκε σε δημοπρασία, το «Πορτρέτο ενός γυμνού αξιωματούχου που κοιμάται», σύμφωνα με τη Sun, απέκτησε ο γνώστης της ομορφιάς και δισεκατομμυριούχος Ρομάν Αμπράμοβιτς.

28

"Βιολί και κιθάρα"

Συγγραφέας

Χένα gris

Μια χώρα Ισπανία
Χρόνια ζωής 1887–1927
Στυλ κυβισμός

Γεννήθηκε στη Μαδρίτη, όπου αποφοίτησε από τη Σχολή Τεχνών και Χειροτεχνίας. Το 1906 μετακόμισε στο Παρίσι και μπήκε στον κύκλο των πιο σημαντικών καλλιτεχνών της εποχής: Πικάσο, Μοντιλιάνι, Μπρακ, Ματίς, Λεζέρ, δούλεψε επίσης με τον Σεργκέι Ντιαγκίλεφ και τον θίασο του.

5x100 εκ
1913
τιμή
28,642 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2010
στη δημοπρασία Christie's

Ο Γκρις, με τα δικά του λόγια, ασχολούνταν με την «επίπεδη, έγχρωμη αρχιτεκτονική». Οι πίνακές του είναι ακριβώς μελετημένες: δεν άφησε ούτε ένα τυχαίο εγκεφαλικό επεισόδιο, γεγονός που κάνει τη δημιουργικότητα να σχετίζεται με τη γεωμετρία. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε τη δική του εκδοχή του κυβισμού, αν και έτρεφε μεγάλο σεβασμό για τον Πάμπλο Πικάσο, τον ιδρυτή του κινήματος. Ο διάδοχος μάλιστα του αφιέρωσε το πρώτο του κυβιστικό έργο, το Αφιέρωμα στον Πικάσο. Ο πίνακας "Βιολί και Κιθάρα" αναγνωρίζεται ως εξαιρετικός στο έργο του καλλιτέχνη. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Γκρις ήταν γνωστός, ευνοούμενος από κριτικούς και ιστορικούς τέχνης. Τα έργα του εκτίθενται στα μεγαλύτερα μουσεία του κόσμου και φυλάσσονται σε ιδιωτικές συλλογές.

29

"ΠορτρέτοFields of Eluard»

Συγγραφέας

Σαλβαδόρ Νταλί

Μια χώρα Ισπανία
Χρόνια ζωής 1904–1989
Στυλ σουρεαλισμός

«Ο σουρεαλισμός είμαι εγώ», είπε ο Νταλί όταν τον έδιωξαν από την ομάδα των σουρεαλιστών. Με τον καιρό έγινε ο πιο διάσημος σουρεαλιστής καλλιτέχνης. Η δουλειά του Νταλί είναι παντού, όχι μόνο στις γκαλερί. Για παράδειγμα, ήταν αυτός που σκέφτηκε τη συσκευασία για τα Chupa-Chups.

25x33 εκ
1929
τιμή
20,6 εκατομμύρια δολάρια
πωληθεί το 2011
στη δημοπρασία Sotheby's

Το 1929, ο ποιητής Paul Eluard και η Ρωσίδα σύζυγός του Gala ήρθαν να επισκεφτούν τον μεγάλο προβοκάτορα και καβγατζή Dali. Η συνάντηση ήταν η αρχή μιας ιστορίας αγάπης που κράτησε περισσότερο από μισό αιώνα. Ο πίνακας «Πορτρέτο του Πωλ Ελάρ» ζωγραφίστηκε ακριβώς κατά τη διάρκεια αυτής της ιστορικής επίσκεψης. «Ένιωσα ότι μου ανατέθηκε το καθήκον να αποτυπώσω το πρόσωπο του ποιητή, από τον Όλυμπο του οποίου έκλεψα μια από τις μούσες», είπε ο καλλιτέχνης. Πριν γνωρίσει την Gala, ήταν παρθένος και αηδιάστηκε στη σκέψη να κάνει σεξ με μια γυναίκα. Το ερωτικό τρίγωνο υπήρχε μέχρι το θάνατο του Eluard, μετά τον οποίο έγινε το ντουέτο Dali-Gala.

30

"Επέτειος"

Συγγραφέας

Μαρκ Σαγκάλ

Μια χώρα Ρωσία, Γαλλία
Χρόνια ζωής 1887–1985
Στυλ πρωτοπορία

Ο Moishe Segal γεννήθηκε στο Vitebsk, αλλά το 1910 μετανάστευσε στο Παρίσι, άλλαξε το όνομά του και ήρθε κοντά στους κορυφαίους καλλιτέχνες της avant-garde της εποχής. Τη δεκαετία του 1930, όταν οι Ναζί κατέλαβαν την εξουσία, έφυγε για τις Ηνωμένες Πολιτείες με τη βοήθεια ενός Αμερικανού προξένου. Επέστρεψε στη Γαλλία μόλις το 1948.

80x103 εκ
1923
τιμή
$14,85 εκατομμύρια
πωλήθηκε το 1990
στη δημοπρασία του Sotheby's

Ο πίνακας "Jubilee" αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα έργα του καλλιτέχνη. Έχει όλα τα χαρακτηριστικά του έργου του: οι φυσικοί νόμοι του κόσμου διαγράφονται, η αίσθηση ενός παραμυθιού διατηρείται στο σκηνικό της μικροαστικής ζωής και η αγάπη βρίσκεται στο κέντρο της πλοκής. Ο Σαγκάλ δεν αντλούσε τους ανθρώπους από τη φύση, αλλά μόνο από τη μνήμη ή τη φαντασίωση. Ο πίνακας "Jubilee" απεικονίζει τον ίδιο τον καλλιτέχνη με τη σύζυγό του Μπέλα. Ο πίνακας πουλήθηκε το 1990 και έκτοτε δεν έχει γίνει προσφορά. Είναι ενδιαφέρον ότι το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης MoMA διατηρεί ακριβώς το ίδιο, μόνο με την ονομασία «Birthday». Παρεμπιπτόντως, γράφτηκε νωρίτερα - το 1915.

εκπονήθηκε προσχέδιο
Τατιάνα Παλάσοβα
βαθμολογία που καταρτίστηκε
σύμφωνα με τη λίστα www.art-spb.ru
περιοδικό tmn №13 (Μάιος-Ιούνιος 2013)