Σπίτι › Σύστημα καυσίμων › Σύγχρονοι Βέλγοι Καλλιτέχνες. Φλαμανδοί καλλιτέχνες του 17ου αιώνα Πίνακες ζωγραφικής από Βέλγους καλλιτέχνες

Σύγχρονοι Βέλγοι Καλλιτέχνες. Φλαμανδοί καλλιτέχνες του 17ου αιώνα Πίνακες ζωγραφικής από Βέλγους καλλιτέχνες

Η σύγχρονη Βελγίδα καλλιτέχνης Deborah Missoorten γεννήθηκε και ζει ακόμα στην Αμβέρσα του Βελγίου, όπου εργάζεται ως ανεξάρτητη επαγγελματίας καλλιτέχνις. Αποφοίτησε από την Ακαδημία Καλών Τεχνών με πτυχίο στην ενδυματολογία του θεάτρου.

Βέλγοι Σύγχρονοι Καλλιτέχνες. Jean-Claude Dresse

Ο Jean-Claude είναι ένας από τους λίγους σύγχρονους καλλιτέχνες που, αντλώντας από τα σπουδαία παραδείγματα του παρελθόντος, μπόρεσε να τα αναθεωρήσει και να τα επεξεργαστεί σύμφωνα με το προσωπικό του όραμα. Γεμίζει τα έργα του με συναισθήματα με τέτοιο τρόπο που επιστρέφουν τον θεατή στην πηγή αυτής της συναισθηματικότητας, εμπλουτισμένη από τις προσπάθειες του συγγραφέα, προσεκτικά ανεπτυγμένη έννοια της εικόνας, του χρώματος και της αρμονίας. Ο καλλιτέχνης το κάνει αυτό για να μας κάνει να απολαύσουμε την αποκάλυψη των μυστηρίων που περιβάλλουν αυτήν την πηγή.

Προσπαθώ να δείξω το αόρατο. Juan Maria Bolle

Ο Juan Maria Bolle είναι ένας διάσημος Φλαμανδός (Βέλγος) καλλιτέχνης, γεννημένος στο Vilvoorde, κοντά στις Βρυξέλλες, στο Βέλγιο, τον Δεκέμβριο του 1958. Το 1976 αποφοίτησε από το Royal Athenaeum High School της γενέτειράς του. Το 1985 ολοκλήρωσε τις σπουδές του στο Ινστιτούτο Τεχνών St. Lucas στις Βρυξέλλες.

Το πάθος δεν χρειάζεται ταμπέλα. Peter Seminck

Ο Peter Seminck είναι ένας διάσημος Βέλγος καλλιτέχνης, γεννημένος στην Αμβέρσα το 1958. Σπούδασε στην Ακαδημία Τέχνης Schoten, πήρε πρώτα πτυχίο και μετά μεταπτυχιακό στις καλές τέχνες. Δεν περιορίζεται σε θέματα, ζωγραφίζει διάφορους πίνακες, κυρίως σε λάδι σε καμβά. Σήμερα ζει και εργάζεται στο Malle, ένα προάστιο της Αμβέρσας, στο Βέλγιο.

Σύγχρονος Βέλγος καλλιτέχνης. Ντέμπορα Μισόρτεν

Βέλγοι Σύγχρονοι Καλλιτέχνες. Φρεντερίκ Ντιφούρ

σύγχρονος καλλιτέχνηςΟ Frédéric Dufort γεννήθηκε το 1943 στο Tournai του Βελγίου και σπούδασε στο Institut Saint-Luc στο Tournai και αργότερα στην Ακαδημία του Mons. Μετά από ένα μικρό διάλειμμα, γράφτηκε στο στούντιο του Louis Van Lint στο Ινστιτούτο Saint-Luc στις Βρυξέλλες. Από το 1967, μετά την αποφοίτησή του, δίδαξε για 10 χρόνια στο Ινστιτούτο Γραφικών Επικοινωνιών και στη συνέχεια ανέλαβε θέση καθηγητή στο Ινστιτούτο Saint-Luc των Βρυξελλών, όπου εργάστηκε μέχρι τον Δεκέμβριο του 1998.

Moussin Irjan. σύγχρονη ζωγραφική

Musin Irzhan, σύγχρονος καλλιτέχνης, γεννήθηκε στην Άλμα-Άτα του Καζακστάν το 1977. Από το 1992 έως το 1995 σπούδασε στη σχολή τέχνης στην Άλμα-Άτα. Στη συνέχεια εισήλθε και αποφοίτησε με επιτυχία το 1999 από την Ακαδημία Τεχνών του I. E. Repin στην Αγία Πετρούπολη. Μετά από αυτό, για αρκετά χρόνια σπούδασε μοντέρνα ζωγραφικήστη Σχολή Καλών Τεχνών «RHoK» στις Βρυξέλλες και στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Αμβέρσας.
Από το 2002, έχει επανειλημμένα εκθέσει και συμμετάσχει σε διάφορους διαγωνισμούς, στους οποίους έχει κερδίσει βραβεία και βραβεία περισσότερες από μία φορές. Οι πίνακές του βρίσκονται σε ιδιωτικές συλλογές στην Αγγλία, τη Γαλλία, την Ολλανδία, τις ΗΠΑ, την Κολομβία, το Βέλγιο και τη Ρωσία. Σήμερα ζει και εργάζεται στην Αμβέρσα του Βελγίου.

Paul Ledent. Σύγχρονος αυτοδίδακτος καλλιτέχνης. Τοπία και λουλούδια

Το κύριο θέμα των πινάκων αυτού του καλλιτέχνη είναι η άγρια ζωή, τοπίακαι τις εποχές, αλλά ο Παύλος αφιέρωσε πολλή δουλειά στη δύναμη, την ενέργεια και την ομορφιά του ανθρώπινου σώματος.

Paul Ledent. Σύγχρονος αυτοδίδακτος καλλιτέχνης. Ανθρωποι

Ο Paul Legend γεννήθηκε το 1952 στο Βέλγιο. Αλλά δεν ήρθε αμέσως στη ζωγραφική, μόνο το 1989. Ξεκίνησε με τις ακουαρέλες, αλλά γρήγορα κατάλαβε ότι δεν ήταν αυτό που χρειαζόταν, η ελαιογραφία θα ταίριαζε περισσότερο με τον τρόπο σκέψης του.
Το κύριο θέμα των πινάκων του Παύλου είναι η άγρια ζωή, τοπίακαι τις εποχές, αλλά αφιέρωσε πολλά έργα στη δύναμη, την ενέργεια και την ομορφιά του ανθρώπινου σώματος.

Κουκουβάγιες ζώνη Βέλγος καλλιτέχνης. Christiane Vleugels

Stephane Heurion. Σχέδια με ακουαρέλα

Ο Paul Ledent γεννήθηκε το 1952 στο Βέλγιο. Δεν αποφάσισε αμέσως να ασχοληθεί με τη ζωγραφική, αλλά μόνο μετά από αρκετά χρόνια εργασίας ως μηχανικός, το 1989. Ο Paul ξεκίνησε με τις ακουαρέλες, αλλά γρήγορα ένιωσε ότι η ελαιογραφία θα ταίριαζε περισσότερο με τον τρόπο σκέψης του.

Ο Σέντρικ Λέοναρντ νέος σχεδιαστήςαπό το Βέλγιο. Γεννημένος το 1985. Αποφοίτησε από το St. Luc School of the Arts με πτυχίο στις καλές τέχνες. Λίγο μετά άρχισε να εργάζεται σε μια μικρή εταιρεία ως webmaster. Αυτή τη στιγμή εργάζεται ως ελεύθερος επαγγελματίας σχεδιαστής. Ο Σέντρικ αναζητά την πρωτοτυπία σε ό,τι κάνει και πιστεύει στην ελκυστικότητα των σύγχρονων εικαστικών.

Στη διαδρομή υπάρχουν πολλά μουσεία. Σε αυτό το άρθρο θα σας μιλήσω για τα Βασιλικά Μουσεία Καλών Τεχνών στις Βρυξέλλες. Μάλλον, είναι ένα ολόκληρο συγκρότημα που αποτελείται από έξι μουσεία.

Τέσσερα στο κέντρο των Βρυξελλών:

*Μουσείο Αρχαίας Τέχνης.
Μια υπέροχη συλλογή από παλιούς δασκάλους από τον 15ο έως τον 18ο αιώνα.
Το μεγαλύτερο μέρος αυτής της συλλογής αποτελείται από πίνακες ζωγραφικής από Νότιο Ολλανδούς (Φλαμανδούς) καλλιτέχνες. Τα αριστουργήματα δασκάλων όπως οι Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel the Elder, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens και άλλοι…
Η συλλογή δημιουργήθηκε κατά τη Γαλλική Επανάσταση, όταν πολλά έργα τέχνης κατασχέθηκαν από τους εισβολείς. Σημαντικό μέρος μεταφέρθηκε στο Παρίσι και από τα αποθηκευμένα, το μουσείο ιδρύθηκε από τον Ναπολέοντα Βοναπάρτη το 1801. Όλα τα τιμαλφή που κατασχέθηκαν επέστρεψαν από το Παρίσι στις Βρυξέλλες μόνο μετά την κατάθεση του Ναπολέοντα. Από το 1811 το μουσείο έγινε ιδιοκτησία της πόλης των Βρυξελλών. Με την εμφάνιση του Ηνωμένου Βασιλείου της Ολλανδίας υπό τον βασιλιά Γουλιέλμο Α', τα κεφάλαια του μουσείου επεκτάθηκαν σημαντικά.

Ρόμπερτ Κάμπιν. «Ευαγγελισμός», 1420-1440

Jacob Jordanes. Σάτυρος και αγρότες, 1620

*Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης.
Η συλλογή σύγχρονης τέχνης καλύπτει έργα από τα τέλη του 18ου αιώνα έως τις μέρες μας. Η βάση της συλλογής είναι το έργο Βέλγων καλλιτεχνών.
Ο διάσημος πίνακας του Jacques-Louis David - ο θάνατος του Marat μπορεί να δει στο παλιό μέρος του μουσείου. Η συλλογή εικονογραφεί τον βελγικό νεοκλασικισμό και βασίζεται σε έργα αφιερωμένα στη Βελγική Επανάσταση και την ίδρυση της χώρας.
Πλέον παρουσιάζεται στο κοινό με τη μορφή προσωρινών εκθέσεων στη λεγόμενη αίθουσα «Patio». Αυτά επιτρέπουν την τακτική εναλλαγή έργων σύγχρονης τέχνης.
Στο μουσείο στεγάζεται η «Σαλώμη» του Άλφρεντ Στίβενς, του πιο διάσημου εκπροσώπου του βελγικού ιμπρεσιονισμού. Και επίσης παρουσιάζονται διάσημα έργα όπως η "Ρωσική μουσική" του James Ensor και η "Tenderness of the Sphinx" του Fernand Khnopf. Από τους μάστορες του 19ου αιώνα που εκπροσωπούνται στο μουσείο, ξεχωρίζουν τα αριστουργήματα των Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet και Henri Fantin-Latour. Γαλλική ζωγραφική του τέλους του 19ου αιώνα. εκπροσωπείται από το "Portrait of Suzanne Bambridge" του Paul Gauguin, "Spring" του Georges Seurat, "Bay" του Paul Signac, "Two Disciples" του Edouard Vuillard, τοπίο του Maurice Vlaminck και γλυπτική του Auguste Rodin "Caryatid", "Portrait of ένας χωρικός» του Βίνσεντ βαν Γκογκ (1885. ) και Νεκρή φύση με λουλούδια του Λόβις Κόρινθος.

Jean Louis David. «Θάνατος του Μαράτ», 1793

Γκούσταβ Γουάπερς. «Επεισόδιο των ημερών του Σεπτεμβρίου», 1834

* Μουσείο Μαγκρίτ.
Άνοιξε τον Ιούνιο του 2009. Προς τιμήν του Βέλγου σουρεαλιστή ζωγράφου René Magritte (21 Νοεμβρίου 1898 – 15 Αυγούστου 1967). Η συλλογή του μουσείου περιέχει περισσότερα από 200 έργα λαδιού σε καμβά, γκουάς, σχέδια, γλυπτά και ζωγραφικά αντικείμενα, καθώς και διαφημιστικές αφίσες (εργάστηκε για πολλά χρόνια ως αφίσας και διαφημιστικός καλλιτέχνης σε εργοστάσιο χαρτιού), παλιές φωτογραφίες και ταινίες που γυρίστηκαν από τον ίδιο τον Μαγκρίτ.
Στα τέλη της δεκαετίας του 20, ο Μαγκρίτ υπέγραψε συμβόλαιο με την γκαλερί Cento στις Βρυξέλλες και έτσι αφοσιώθηκε ολοκληρωτικά στη ζωγραφική. Δημιούργησε τον σουρεαλιστικό πίνακα «The Lost Jockey», τον οποίο θεωρούσε τον πρώτο επιτυχημένο πίνακα του είδους του. Το 1927 οργανώνει την πρώτη του έκθεση. Ωστόσο, οι κριτικοί το αναγνωρίζουν ως ανεπιτυχές και ο Μαγκρίτ φεύγει για το Παρίσι, όπου συναντά τον Αντρέ Μπρετόν και εντάσσεται στον κύκλο των σουρεαλιστών του. Αποκτά ένα χαρακτηριστικό στυλ που κάνει τους πίνακές του αναγνωρίσιμους. Επιστρέφοντας στις Βρυξέλλες, συνεχίζει τη δουλειά του με νέο στυλ.
Το μουσείο είναι επίσης ένα ερευνητικό κέντρο για την κληρονομιά του σουρεαλιστή καλλιτέχνη.

*Μουσείο του τέλους του αιώνα (Fin de siècle).
Το μουσείο συγκεντρώνει έργα του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα, του λεγόμενου «τέλους του αιώνα», κυρίως με χαρακτήρα avant-garde. Ζωγραφική, γλυπτική και γραφικά από τη μια, αλλά και εφαρμοσμένες τέχνες, λογοτεχνία, φωτογραφία, κινηματογράφος και μουσική από την άλλη.
Αντιπροσωπεύονται ως επί το πλείστον Βέλγοι καλλιτέχνες, αλλά και έργα ξένων καλλιτεχνών που ταιριάζουν στο πλαίσιο. Έργα καλλιτεχνών που ήταν μέλη των μεγάλων προοδευτικών κινημάτων των Βέλγων καλλιτεχνών της εποχής.

Και δύο στα προάστια:

*Μουσείο Wirtz
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - Βέλγος ζωγράφος (1806-1865). Το 1835 ζωγράφισε τον πρώτο του σημαντικό πίνακα, Ο αγώνας των Ελλήνων με τους Τρώες για την κατοχή του πτώματος του Πάτροκλου, ο οποίος δεν έγινε δεκτός για έκθεση στο Παρίσι, αλλά προκάλεσε έντονο ενθουσιασμό στο Βέλγιο. Ακολούθησε: «Ο θάνατος του Αγ. Διονύσιος», το τρίπτυχο «Ο Τάφος» (με τις φιγούρες της Εύας και του Σατανά στα φτερά), «Η φυγή στην Αίγυπτο», «Η εξέγερση των αγγέλων» και το καλύτερο έργο του καλλιτέχνη, «Ο θρίαμβος του Χριστού» . Η πρωτοτυπία της ιδέας και της σύνθεσης, το σφρίγος των χρωμάτων, το τολμηρό παιχνίδι των φωτεινών εφέ και το σαρωτικό χτύπημα του πινέλου έδωσαν στην πλειονότητα των Βέλγων τον λόγο να δουν τον Wirtz ως τον αναβιωτή της παλιάς εθνικής ιστορικής ζωγραφικής τους, ως άμεσο κληρονόμος του Ρούμπενς. Όσο πιο πέρα, τόσο πιο εκκεντρικές γίνονταν οι ιστορίες του. Για τα έργα του, ως επί το πλείστον τεράστιου μεγέθους, καθώς και για πειράματα στην εφαρμογή της ματ ζωγραφικής που εφευρέθηκε από τον ίδιο, η βελγική κυβέρνηση του έχτισε ένα εκτεταμένο εργαστήριο στις Βρυξέλλες. Εδώ ο Wirtz, που δεν πούλησε κανέναν πίνακα του και υπήρχε μόνο ως παραγγελίες πορτρέτων, συγκέντρωσε όλα τα, κατά τη γνώμη του, κεφαλαιουχικά έργα του και τα κληροδότησε, μαζί με το ίδιο το εργαστήριο, ως κληρονομιά στον βελγικό λαό. Τώρα αυτό το εργαστήριο είναι το Μουσείο Wirtz. Αποθηκεύει έως και 42 πίνακες, συμπεριλαμβανομένων των προαναφερθέντων έξι.

*Μουσείο Meunier
Το μουσείο άνοιξε προς τιμήν του Constantin Meunier (1831-1905) που γεννήθηκε και μεγάλωσε σε μια φτωχή οικογένεια μεταναστών από τη βελγική περιοχή εξόρυξης άνθρακα Borinage. Από μικρός ήταν εξοικειωμένος με τη δύσκολη κοινωνική κατάσταση και τη συχνά μίζερη ύπαρξη των μεταλλωρύχων και των οικογενειών τους. Ο Meunier αποτύπωσε τις εντυπώσεις του από τη ζωή της περιοχής εξόρυξης σε πλαστικές μορφές, δείχνοντας έναν άνθρωπο της εργασίας ως μια αρμονικά ανεπτυγμένη προσωπικότητα. Ο γλύπτης έχει αναπτύξει μια τέτοια εικόνα εργάτη, που αντικατοπτρίζει την υπερηφάνεια και τη δύναμή του, και που δεν ντρέπεται για το επάγγελμά του ως φορτωτής ή λιμενεργάτης. Αναγνωρίζοντας κάποια εξιδανίκευση με την οποία ο Meunier δημιούργησε τους ήρωές του, πρέπει επίσης να αναγνωρίσουμε τη μεγάλη ιστορική του αξία στο γεγονός ότι ήταν ένας από τους πρώτους δασκάλους που έκανε έναν άνθρωπο που ασχολείται με σωματική εργασία κεντρικό θέμα του έργου του, ενώ τον έδειξε ως δημιουργό. γεμάτος εσωτερική αξιοπρέπεια.

N. Stepanlin (καλές τέχνες); O. Shvidkovsky, S. Khan-Magomedov (αρχιτεκτονική)

Ήδη την τελευταία δεκαετία του 19ου αιώνα. στην τέχνη του Βελγίου εμφανίζονται τα πρώτα σημάδια απομάκρυνσης από τα δημοκρατικά, λαϊκά θεμέλια που διαμόρφωσαν το έργο του μεγαλύτερου Βέλγου καλλιτέχνη Constantin Meunier. Η ζωντάνια και το μεγαλείο των εικόνων του Meunier ήταν απρόσιτα στους νεότερους συγχρόνους του. Στο μέλλον, η μοίρα της βελγικής τέχνης εξελίσσεται από πολλές απόψεις αντιφατική και δραματική.

Η ρεαλιστική τάση που προέκυψε στη βελγική ζωγραφική τον 19ο αιώνα αναπτύχθηκε από δασκάλους όπως ο Leon Frederic (1856-1940), ο Eugene Larmanet (1864-1940) και άλλοι. Οι απλοί άνθρωποι, η καθημερινότητά τους - αυτό είναι το θέμα των έργων αυτών των δασκάλων, αλλά στην ερμηνεία του ξεφεύγουν από την ηρωική μνημειακότητα, δραστηριότητα και ακεραιότητα, τόσο χαρακτηριστική για τη γλυπτική και τους πίνακες του C. Meunier. Οι άνθρωποι στους καμβάδες του Λ. Φρειδερίκη εμφανίζονται με έναν πολύ πιο συνηθισμένο, καθημερινό τρόπο. Οι μυστικιστικές τάσεις συνδυάζονται στη βελγική τέχνη με στοιχεία νατουραλισμού, φωτογραφικής ακρίβειας στη μεταφορά του τοπίου, τύπου, με ιδιαίτερη απελπισία, οδηγώντας τον θεατή στη σκέψη της αιωνιότητας της τραγικής απελπισίας της παγκόσμιας τάξης. Ακόμη και ένα έργο τόσο σημαντικό στο θέμα του όπως το «Evening of the Strike» του E. Larmans (1894), για να μην αναφέρουμε τον πίνακα «Death» (1904· και οι δύο - Βρυξέλλες, Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης), διακρίνεται από μια διάθεση της απελπισίας και της άσκοπης δράσης.

Το πιο χαρακτηριστικό της ανάπτυξης της βελγικής τέχνης είναι το έργο του Τζέιμς Ένσορ (1860-1949). Από τους ρεαλιστικούς πίνακες του είδους, ο Ensor έρχεται σταδιακά στον συμβολισμό. Οι φανταστικές, απόκοσμες εικόνες αυτού του καλλιτέχνη, η λαχτάρα του για αλληγορίες, η απεικόνιση μάσκες και σκελετών, για προκλητικά φωτεινούς, σχεδόν θορυβώδεις χρωματισμούς, ήταν αναμφίβολα ένα είδος διαμαρτυρίας ενάντια στη μικροαστική στενόμυαλη και χυδαιότητα του αστικού κόσμου. Ωστόσο, η σάτιρα του Ένσορ στερείται συγκεκριμένου κοινωνικού περιεχομένου, φαίνεται να είναι μια σάτιρα για την ανθρώπινη φυλή, και σε αυτές τις ιδιότητες της τέχνης του είναι αδύνατο να μην δούμε το μικρόβιο περαιτέρω φορμαλιστικών αποκλίσεων στην τέχνη του Βελγίου.

Ο J. Ensor κατέχει ξεχωριστή θέση στα γραφικά του Βελγίου. Τα πρωτότυπα, γεμάτα νευρική ενέργεια χαρακτικά του είναι πολύ εκφραστικά, μεταφέρουν μια ατμόσφαιρα εσωτερικής έξαψης και ανησυχίας. Ιδιαίτερα δραματικά είναι τα τοπία «View of Mariakerke» (1887) και «The Cathedral» (1886· και τα δύο στην αίθουσα χαρακτικής της Βασιλικής Βιβλιοθήκης στις Βρυξέλλες), χτισμένα σε μια έντονη και παράδοξη αντίθεση μεταξύ της μεγαλειώδους δημιουργίας του ανθρώπου και του πλήθους. συρρέει σαν ανήσυχη μυρμηγκοφωλιά στους πρόποδες του γοτθικού ναού. Ο συνδυασμός της σάτιρας με τη φαντασία -η εθνική παράδοση της βελγικής τέχνης, που χρονολογείται από τον I. Bosch- βρίσκει εδώ μια νέα και έντονη διάθλαση.

Ο λογοτεχνικός συμβολισμός που σχετίζεται με το όνομα του Maurice Maeterlinck, η εμφάνιση στην αρχιτέκτονα και εφαρμοσμένη τέχνη του Βελγίου νέων υφολογικών φαινομένων που συνδέονται με την τάση της Art Nouveau (αρχιτέκτονας A. van de Velde και άλλοι), έπαιξαν σημαντικό ρόλο στις καλές τέχνες. του Βελγίου. Υπό την επιρροή τους το 1898-1899. σχηματίστηκε η «1η ομάδα Latem» (που πήρε το όνομά της από τον τόπο που εγκαταστάθηκαν οι καλλιτέχνες, το χωριό Latem-Saint-Martin κοντά στη Γάνδη). Επικεφαλής αυτής της ομάδας ήταν ο γλύπτης J. Minnet, περιλάμβανε τους G. van de Wusteine, V. de Sadeler και άλλους. Το έργο τους βασίστηκε στην ιδέα της προτεραιότητας του «ανώτερου» πνευματικού κόσμου έναντι της πραγματικότητας. Ξεπερνώντας τις ιμπρεσιονιστικές τάσεις, αυτοί οι δάσκαλοι προσπάθησαν να απομακρυνθούν "από την επιφάνεια των φαινομένων", "να εκφράσουν την πνευματική ομορφιά των πραγμάτων". Οι Λατέμιοι στράφηκαν στις εθνικές εικονογραφικές παραδόσεις, στους Ολλανδούς πρωτόγονους του 14ου-16ου αιώνα, αλλά στο έργο τους, το οποίο εξέφραζε πλήρως τις ιδέες του συμβολισμού και στη συνέχεια αναπτύχθηκε υπό το σημάδι του ολοένα ισχυρότερου εξπρεσιονισμού, ήταν, στην ουσία, πολύ μακριά από εκείνες τις παραδόσεις στις οποίες αναφέρονταν. II στα αυστηρά, όμορφα τοπία του Valerius de Sadeler (1867-1914) και στα έργα που διαποτίζονται από μυστικισμό του νεότερου μέλους της ομάδας - Gustav van de Wusteine (1881-1947) - δεν υπάρχει θέση για την εικόνα ενός ατόμου.

Στις αρχές του αιώνα, ο πουαντιλισμός έλαβε επίσης μια αρκετά έντονη ανάπτυξη, ο λαμπρότερος εκπρόσωπος του οποίου στο Βέλγιο ήταν ο Theo van Reiselberghe (1862-1926).

Στις αρχές της δεκαετίας του 20. δημιουργήθηκε η «2η ομάδα Latem», που εργάζεται υπό την επίδραση του εξπρεσιονισμού, αν και ο ίδιος ο εξπρεσιονισμός στο Βέλγιο, που συνδέεται με τα τραγικά γεγονότα του Α' Παγκοσμίου Πολέμου, παίρνει ένα ιδιαίτερο χρώμα. Επικεφαλής αυτής της κατεύθυνσης ήταν ο Constant Permeke (1886-1952). Στους μεγάλους, ευρέως ζωγραφισμένους καμβάδες αυτού του δασκάλου, τα οικεία στη βελγική τέχνη θέματα -γη, θάλασσα, εικόνες αγροτών- είναι ζωγραφισμένα σε τόνους τραγωδίας και βαθιάς πνευματικής σύγχυσης. Μέσα από όλη τη σκόπιμη παραμόρφωση, η έμφαση στους πνευματικούς περιορισμούς και την αγένεια των αγροτικών εικόνων του Περμέκε, η συμπάθεια και η συμπάθειά του για τους ανθρώπους που επέτρεψαν στον καλλιτέχνη να δημιουργήσει συναισθηματικά εντυπωσιακές εικόνες ξεπερνά. Ο ζοφερός, θαμπός χρωματισμός, η ασάφεια της δράσης, η ακινησία των ανθρώπινων χαρακτήρων μεταδίδουν τη διάθεση πένθιμων προαισθημάτων και απελπισίας («The Betrothed», 1923· Βρυξέλλες, Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης).

Ο Gustave de Smet (1877-1943), ο Jean Brusselmans (1884-1953) επεξεργάστηκαν ξανά τις αρχές του εξπρεσιονισμού με τον δικό τους τρόπο, ο πρώτος απλοποιώντας τις φόρμες, δίνοντας μεγάλη σημασία στη συνθετική αρμονία των έργων τους, ο δεύτερος αυξάνοντας, φέρνοντας σε μια διαπεραστική δύναμη το χρωματικό σύστημα των τοπίων τους. Το ενδιαφέρον για το χρώμα ως φορέας συναισθηματικής επίδρασης στη ζωγραφική συνέδεσε τους Βρυξέλλες με την ομάδα των Φωβιστών της Μπραμπάντ, η οποία περιλάμβανε τους R. Woutsrs, E. Taitgat και F. Cox. Ιδιαίτερη αξία έχει η τέχνη του Rick Wouters (1882-1916). Το πάθος για έντονα διακοσμητικούς χρωματικούς συνδυασμούς δεν κρύβει για αυτόν τον καλλιτέχνη τις ψυχολογικές ιδιότητες των μοντέλων του. Σε αντίθεση με τους Γάλλους Φωβιστές, ο Wauters αναζητά την πλαστικότητα, τον όγκο των πραγμάτων - όπως είναι το «Μάθημά» του (1912· Βρυξέλλες, Μουσείο Καλών Τεχνών), η αείμνηστη «Αυτοπροσωπογραφία με μαύρο επίδεσμο» (1915· Αμβέρσα , συλλογή L. van Bogart), «Nele in red» (1915, ιδιωτική συλλογή).

Από τη δεκαετία του '30. Ο σουρεαλισμός αναπτύσσεται στο Βέλγιο, δύο εκπρόσωποι του οποίου γίνονται ευρέως γνωστοί - αυτοί είναι ο R. Magritte (γεν. 1898) και ο P. Delvaux (γεν. 1897). Αυτοί οι μάστορες χαρακτηρίζονται από έναν συνδυασμό καθαρά κομμωτικής ομορφιάς με μια αρρωστημένη φαντασία στους ίδιους τους συνδυασμούς μεμονωμένων μερών της σύνθεσης, εμμονικές ιδέες ενός ερωτικού σχεδίου κ.λπ. Ταυτόχρονα, οι «εντιμιστές» καλλιτέχνες Albert van Dyck (1902- 1951), ο Ζακ Μας (γεν. 1905) συνεργάστηκε μαζί τους. ), ο οποίος περιόρισε τη δημιουργικότητά τους στη στενά οικεία ζωγραφική τοπίων και ειδών. Οι ζωγράφοι L. van Lint (γ. 1909) και R. Slabbink (γεν. 1914) συνδέθηκαν για πρώτη φορά με τους «Intimists», οι οποίοι μετακόμισαν στη μεταπολεμική περίοδο και ιδιαίτερα στη δεκαετία του 1950. στην αφηρημένη ζωγραφική, η οποία ήταν ευρέως διαδεδομένη και αναγνωρισμένη στο Βέλγιο.

Λίγοι από τους δεξιοτέχνες της βελγικής ζωγραφικής παραμένουν στον 20ο αιώνα. σε ρεαλιστικές θέσεις. Ο πιο σημαντικός από αυτούς είναι ο Isidore Opsomer (γενν. 1878), ο συγγραφέας αιχμηρών, ζωτικά εκφραστικών και βαθιών ψυχολογικών πορτρέτων (“Portrait of K. Huysmans”, 1927· Antwerp, Royal Museum of Fine Arts). Η Opsomer δημιούργησε μια σειρά από νεκρές φύσεις, πολύ γραφικές, φρέσκες και φωτεινές στο χρώμα.

Τα κοινωνικά θέματα, τα θέματα του αγώνα του βελγικού λαού για τα δικαιώματά του ακούγονται στα έργα των Pierre Polus (γ. 1881) και Kurt Peiser (1887-1962), και ιδιαίτερα του νεαρού προοδευτικού καλλιτέχνη Roger Somville (γεν. 1923) , ο οποίος εργάζεται επίσης στον τομέα της μνημειακής ζωγραφικής, του βιτρό και της τέχνης των χαλιών. Μεγάλοι θεματικοί πίνακες με θέματα του αγώνα του βελγικού λαού δημιουργούνται από τους E. Dubrenfo, L. Deltour, R. Saumville, αυτοί οι καλλιτέχνες εργάζονται σε στενή επαφή με αρχιτέκτονες.

Η σύγχρονη βελγική σχολή γραφικών χαρακτηρίζεται από μια τολμηρή δήλωση νέων θεμάτων και νέων στιλιστικών προβλημάτων. Εκτός από τον ήδη ονομαζόμενο D. Ensor, ο Jules de Breuker (1870-1945) ήταν ο μεγαλύτερος χαράκτης στο Βέλγιο. Τα φύλλα του είναι αφιερωμένα στη ζωή των αστικών παραγκουπόλεων, στις κοινωνικές αντιθέσεις του σύγχρονου καπιταλιστικού κόσμου. Το διαπεραστικό βλέμμα του Breaker βλέπει την τραγικωμική πλευρά της ζωής και, παρά την αναλυτική φύση της δουλειάς του, εμπνέονται από βαθιά συμπόνια για τους ανθρώπους. Υπό αυτή την έννοια, πολλά από τα φύλλα του Breaker ("Death soars over Flanders", 1916) συνδέονται με τις λαϊκές παραδόσεις της βελγικής τέχνης.

Ο πιο εξέχων εκπρόσωπος της σύγχρονης βελγικής γραφικής παράστασης είναι ο Φρανς Μαζερέλ (γενν. 1889), ο οποίος εργάστηκε επίσης στον τομέα της μνημειακής και καβαλέτας ζωγραφικής. Η δημιουργική δραστηριότητα του Maserel είναι άρρηκτα συνδεδεμένη με τα συμφέροντα των προηγμένων κύκλων όχι μόνο της βελγικής, αλλά και της γαλλικής και γερμανικής διανόησης. Ξεκινώντας από τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, όταν ο Maserel κυκλοφόρησε με μια σειρά από αιχμηρά σχέδια αντιμιλιταριστικών εφημερίδων, ισχυρίζεται ότι είναι ένας δάσκαλος που αφιέρωσε ολόκληρο το έργο του στον αγώνα της ανθρωπότητας για υψηλά ανθρωπιστικά ιδανικά. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Maserel συνδέθηκε στενά με κορυφαίους δημοσιογράφους και καλλιτέχνες και ήταν φιλικός με τον Romain Rolland. Ταυτόχρονα, ξεκίνησε το έργο του ως εικονογράφος, δημιουργήθηκαν οι πρώτες σειρές ξυλογραφίας ("The Way of the Cross of a Man", 1918; "My Book of Hours", 1919, κ.λπ.) - Σε αυτές τις σειρές, όπως σε ένα σιωπηλό χρονικό, περνά ο δρόμος της ζωής του σύγχρονου ανθρώπου, ο αγώνας του, η ανάπτυξη της συνείδησής του, οι χαρές και οι λύπες του. Η οξύτητα των αντιθέσεων, η συντομία και η εκφραστικότητα των οπτικών μέσων συχνά φέρνουν τα χαρακτικά του Maserel πιο κοντά στην αφίσα.

Μαζί με τους μεγαλύτερους δασκάλους του σύγχρονου ευρωπαϊκού πολιτισμού, ο F. Mazerel αγωνίζεται για την οργανική ανάπτυξη των παραδόσεων του δημοκρατικού πολιτισμού του 19ου αιώνα, των παραδόσεων του ρεαλισμού και του ουμανισμού και της υψηλής, αποτελεσματικής φιλανθρωπίας. Ταυτόχρονα, ενώ έλυνε τα θεμελιώδη κοινωνικά προβλήματα της εποχής μας στην τέχνη, ο Maserel προσπαθούσε συνεχώς να επεκτείνει τα μέσα της ρεαλιστικής τέχνης, να δημιουργήσει μια νέα ρεαλιστική εικονογραφική γλώσσα, σύμφωνη με τη σύγχρονη κοσμοθεωρία.

Η γλώσσα των χαρακτικών του Maserel χαρακτηρίζεται από συντομία, ευγένεια, κορεσμένη από βαθιές μεταφορικές συνειρμούς. Τα σεντόνια του Mazerel έχουν ένα υποκείμενο· παρ' όλη την εκφραστική τους πιασάρισμα, ξεδιπλώνουν σταδιακά το περιεχόμενό τους. Το βάθος της πρόθεσης του συγγραφέα κρύβεται όχι μόνο σε κάθε φύλλο, αλλά και στην αναλογία των φύλλων κάθε θεματικής σειράς, στη σειρά, στην πλοκή και στη συναισθηματική τους διαφορά και στην ιδεολογική και καλλιτεχνική τους ενότητα. Η γλώσσα της αντίθεσης, χαρακτηριστικό της χαρακτικής, στα χέρια του Maserel γίνεται ένα ευέλικτο όπλο κοινωνικού χαρακτηρισμού, χρησιμεύει για να μεταφέρει τις πιο λεπτές λυρικές εμπειρίες και την άμεση ταραχή.

Μια σειρά από χαρακτικά αφιερωμένα στη σύγχρονη πόλη ("City", 1925) είναι υπέροχη. Η εκφραστικότητα του σχεδίου και η όλη σύνθεση δεν μετατρέπεται ποτέ σε υπερβολική παραμόρφωση, η γλώσσα του Maserel είναι κατανοητή. Ακόμη και καταφεύγοντας στον συμβολισμό (Σειρήνα, 1932), ο καλλιτέχνης δεν αποκλίνει από την εικαστική συγκεκριμένη, προσπαθεί συνειδητά για σαφήνεια, για την ευκαιρία να μιλήσει με τους ανθρώπους με την τέχνη του. Οι νότες αισιοδοξίας είναι ιδιαίτερα έντονες στα τελευταία έργα του Maserel, τις σειρές του «From Black to White» (1939), «Youth» (1948), στους πίνακες του καλλιτέχνη. Εκθέτοντας τις κακίες της σύγχρονης αστικής κοινωνίας, ο Maserel δεν χάνει ποτέ ένα ξεκάθαρο κοινωνικό κριτήριο, πιστεύει στις προοδευτικές δυνάμεις, πιστεύει στην τελική νίκη και το μεγαλείο του ανθρώπου. Βαθιά λαϊκή τέχνη ο Maserel είναι εμποτισμένος με την ιδέα του αγώνα για την ειρήνη, ο Maserel είναι ένα παράδειγμα καλλιτέχνη-μαχητή, υπηρετώντας με την τέχνη του τα υψηλά ιδανικά της δικαιοσύνης. «Δεν είμαι αρκετά εστέτ για να είμαι μόνο καλλιτέχνης», είπε ο Maserel.

Ο L. Spilliart (1881-1946), που σχεδόν δεν βίωσε την επιρροή του εξπρεσιονισμού, είναι κάπως διαφορετικός στα βελγικά γραφικά, δεξιοτέχνης του λυρικού, συγκρατημένος στις έγχρωμες ακουαρέλες (“A Gust of Wind”, 1904, “White Clothes” , 1912).

Η πιο σημαντική μορφή στη βελγική γλυπτική του 20ου αιώνα είναι ο Georges Minnet (1866-1941). Μαθητής του Ροντέν, ο Μιν είχε ελάχιστη σχέση με τις δημιουργικές αρχές του δασκάλου του, η φιλία του με τον Μέτερλινκ είχε πολύ μεγαλύτερη επιρροή στη διαμόρφωση της προσωπικότητάς του. Βασισμένος σε αφηρημένες, γενικές ιδέες, ο Minne δίνει μια κάπως αφηρημένη πνευματικότητα στο έργο του. Αυτός είναι ένας δεξιοτέχνης της λεπτής και ακριβούς μετάδοσης των χειρονομιών. η συνεχής επιθυμία να εκφράσει έννοιες, παρά συγκεκριμένες εκδηλώσεις ανθρώπινων συναισθημάτων, οδηγεί τον γλύπτη σε κάποιες τραβηγμένες εικόνες, παραμόρφωση της πλαστικής μορφής. Τέτοια είναι τα «Μητέρα που θρηνεί το παιδί της» (1886, χάλκινο· Βρυξέλλες, Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης), «Νεαρός στα γόνατα» (1898, μάρμαρο· Έσσεν, Μουσείο Φολκβάνγκ). Το 1908-1912. Ο Minnet στρέφεται προς το παρόν, τα πορτρέτα των Βέλγων εργατών του βασίζονται στην προσεκτική παρατήρηση της φύσης και συνεχίζουν την παράδοση της γλυπτικής του 19ου αιώνα. Στο τέλος της ζωής του, σε σχέδια με θρησκευτικά θέματα, εμφανίζονται ξανά τα συμβολικά και μυστικιστικά χαρακτηριστικά του έργου του Minne.

Γενικά, η σύγχρονη βελγική γλυπτική αναπτύσσεται υπό το πρόσημο των νατουραλιστικών και φορμαλιστικών αναζητήσεων, με εξαίρεση το έργο του Ch. Leple (γενν. 1903), που δημιουργεί συναισθηματικές, όμορφες προτομές πορτρέτων και γλυπτικές συνθέσεις, και του O. Jespers (β. 1887), ένας δάσκαλος που μιμείται σκόπιμα Νέγρους πρωτόγονους.

Η τέχνη των μεταλλίων, παραδοσιακή για αυτή τη χώρα, αναπτύσσεται πολύ στο Βέλγιο. Σύγχρονη βελγική διακοσμητική κεραμική (εργαστήριο στη Ντούρα), διακοσμητική γλυπτική (master P. Kay, γενν. 1912), ζωγραφισμένα διακοσμητικά αγγεία με επιθυμία για διακοσμητική φωτεινότητα, φυσικότητα των μορφών και διακόσμησης, μια οργανική σύνδεση με το μοντέρνο αρχιτεκτονικό εσωτερικό.

Στα τέλη του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα. Στο Βέλγιο παρατηρείται ταχεία ανάπτυξη βιομηχανικών και εμπορικών πόλεων με βάση την εντατική ανάπτυξη των φυσικών πόρων της χώρας (σιδηρομετάλλευμα και άνθρακα) και την ληστρική εκμετάλλευση τεράστιων αφρικανικών αποικιών. Η αυθόρμητη θέση της βιομηχανίας, η ιδιωτική ιδιοκτησία γης και η διοικητική ανεξαρτησία των προαστίων (κοινοτήτων) που χαρακτηρίζουν το Βέλγιο εμπόδισαν την ομαλή ανάπτυξη και ανάπτυξη των μεγάλων πόλεων, οι εργασίες ανοικοδόμησης στις οποίες περιορίζονταν κυρίως στη βελτίωση του κέντρου και στην ανάπτυξη των αστικών συγκοινωνιών. Η επιδείνωση της στεγαστικής κρίσης προκάλεσε διάφορες μορφές κατασκευής κατοικιών «φθηνών» κτιρίων κατοικιών για εργάτες: μετοχικές, συνεταιριστικές και φιλανθρωπικές εταιρείες.

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ξεκίνησε η εκτεταμένη κατασκευή νέων τύπων βιομηχανικών, επιχειρηματικών και δημόσιων κτιρίων στις πόλεις του Βελγίου, αντανακλώντας τόσο την ανάπτυξη της οικονομίας όσο και την εμφάνιση ενός νέου πελάτη, ιδίως, όπως η εργατική τάξη που οργανώθηκε στα συνδικάτα. - την κατασκευή των λεγόμενων λαϊκών σπιτιών σε συνεταιριστική βάση (για παράδειγμα, στις Βρυξέλλες, σχεδιασμένα από τον αρχιτέκτονα V. Horta το 1896-1899), όπου οι εμπορικοί, πολιτιστικοί, εκπαιδευτικοί και γραφειακοί χώροι συνδυάζονταν σε ένα κτίριο.

Στις αρχές της δεκαετίας του 1890 Το Βέλγιο γίνεται ένα από τα κύρια (στην ευρωπαϊκή αρχιτεκτονική) κέντρα πάλης ενάντια στους κανόνες του κλασικισμού και του εκλεκτικισμού (συμπεριλαμβανομένου του λεγόμενου εθνικού ρομαντισμού). Οι Βέλγοι αρχιτέκτονες A. van de Velde, V. Horta, P. Ankar, των οποίων το έργο κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου χαρακτηρίστηκε από την απόρριψη του στυλιστικού εκλεκτικισμού της αρχιτεκτονικής του 19ου αιώνα, ήταν στην αρχή της εμφάνισης ενός νέου «στυλ. ” - European Art Nouveau. και επίμονες προσπάθειες εύρεσης ενός μοντέρνου στυλ που βασίζεται στη χρήση των δυνατοτήτων νέων υλικών, σχεδίων και λαμβάνοντας υπόψη τις νέες λειτουργικές απαιτήσεις για τα κτίρια.

Ο Henri van de Velde (1863-1957) ήταν ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους και ιδεολόγους της ευρωπαϊκής νεωτερικότητας. Αντιτάχθηκε στους κανόνες των κλασικών και της «πρόσοψης», αγωνίστηκε για μια τρισδιάστατη σύνθεση, για μια νέα προσέγγιση στη δημιουργία εσωτερικών χώρων και ειδών οικιακής χρήσης. Ταυτόχρονα, ήταν κατά της εισαγωγής βιομηχανικών μεθόδων μαζικής παραγωγής στις διαδικασίες κατασκευής κτιρίων και κατασκευής ειδών οικιακής χρήσης, υπερασπίστηκε τις βιοτεχνικές μεθόδους παραγωγής οικιακών προϊόντων και υποστήριξε την ατομικότητα κάθε έργου.

Ο δεύτερος μεγαλύτερος υποστηρικτής της Art Nouveau, ο Victor Horta (1861-1947), ήταν ο αρχιτέκτονας που όχι μόνο εφάρμοσε τις δημιουργικές αρχές της Art Nouveau για πρώτη φορά στην πράξη (το αρχοντικό στην οδό Turen στις Βρυξέλλες, 1892-1893), αλλά καθόρισε επίσης σε μεγάλο βαθμό την κατεύθυνση της αναζήτησης του αρχιτεκτονικού ντεκόρ αυτού του "στυλ". Στο γύρισμα της δεκαετίας 1880-1890. Για αρκετά χρόνια ασχολήθηκε με εντατικές εργαστηριακές τυπικές-αισθητικές αναζητήσεις για μια νέα διακόσμηση και ήταν ο πρώτος που χρησιμοποίησε την ελαστική μαιανδρική γραμμή «χτύπημα με μαστίγιο» (γραμμή Horta), η οποία στη συνέχεια έγινε ένα από τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα όλων των διακοσμητικών. Art Nouveau και έγινε πιο διαδεδομένη σε όλες σχεδόν τις ευρωπαϊκές χώρες στα τέλη του 1890- αρχές του 1900.

Σχετικά με την ανάπτυξη δημιουργικών κατευθύνσεων της βελγικής αρχιτεκτονικής της δεκαετίας του 20-30. Το γεγονός ότι πριν από τον πόλεμο το Βέλγιο ήταν ένα από τα κύρια κέντρα για την ανάπτυξη της νεωτερικότητας δεν μπορούσε παρά να έχει αντίκτυπο, και σημαντικοί αρχιτέκτονες όπως ο van de Velde και ο Horta συνέχισαν να εργάζονται εντατικά στα μεταπολεμικά χρόνια, και παρόλο που απομακρύνθηκαν από της ορθόδοξης νεωτερικότητας, αλλά απείχαν πολύ στο έργο τους από τη ριζική καινοτομία. Είναι αλήθεια ότι ο van de Velde προσπάθησε κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου να αναπτύξει τις ορθολογιστικές πτυχές της νεωτερικότητας. Ωστόσο, ουσιαστικά βίωσε στο έργο του ένα στάδιο που, συνολικά, είχε ήδη περάσει από τις ορθολογιστικές τάσεις της ευρωπαϊκής αρχιτεκτονικής στα προπολεμικά χρόνια. Ο Horta, υπό την επίδραση της αμερικανικής αρχιτεκτονικής (ήταν στις ΗΠΑ το 1916-1919), προσπάθησε να διαδώσει τον νεοκλασικισμό στη βελγική αρχιτεκτονική χρησιμοποιώντας μια απλοποιημένη τάξη χωρίς διακοσμητικά στοιχεία (Παλάτι Καλών Τεχνών στις Βρυξέλλες, 1922-1928).

Ορθολογιστική τάση στην αρχιτεκτονική του Βελγίου τη δεκαετία του 20-30. συνδέθηκε κυρίως με το έργο νέων αρχιτεκτόνων, των οποίων το κύριο πεδίο δραστηριότητας ήταν η λεγόμενη «κοινωνική» κατασκευή φθηνών κατοικιών, που πραγματοποιούνταν από δήμους και συνεταιρισμούς με κρατικά δάνεια. Αυτή η κατασκευή, λόγω των εξαιρετικά περιορισμένων κονδυλίων που διατέθηκαν για αυτήν, απαιτούσε από τους αρχιτέκτονες να χρησιμοποιήσουν νέα αποτελεσματικά οικοδομικά υλικά και κατασκευές στα έργα τους, για να δημιουργήσουν μια ορθολογική διάταξη των διαμερισμάτων. Η κατασκευή φθηνών σπιτιών ήταν στην πραγματικότητα εκείνο το δημιουργικό εργαστήριο, όπου οι αρχιτέκτονες, σε συνθήκες λιτότητας, προσπαθώντας να δημιουργήσουν μια σχετικά άνετη κατοικία για τους εργαζόμενους, προσπάθησαν να χρησιμοποιήσουν τις αρχές της τυποποίησης και της επίτευξης των εφαρμοσμένων επιστημών (για παράδειγμα, η απαίτηση της ηλιοφάνειας , δηλαδή φωτισμός με άμεσο ηλιακό φως), εισήγαγε στη μαζική στέγαση σύγχρονο υγειονομικό και τεχνικό εξοπλισμό, κεντρική θέρμανση, ηλεκτρισμό, αγωγούς απορριμμάτων και εντοιχισμένα έπιπλα, και επιδίωξε επίσης να συνδέσει την αρχιτεκτονική εικόνα του κτιρίου με τη νέα λειτουργική και εποικοδομητική του βάση.

Ένα από τα πρώτα σύγχρονα συγκροτήματα κατοικιών όχι μόνο στο Βέλγιο, αλλά και στην Ευρώπη σχεδιάστηκε από τον Victor Bourgeois (1897-1962) κοντά στις Βρυξέλλες το 1922-1925. το χωριό Cite Modern (σύγχρονη πόλη). Εδώ εφαρμόστηκαν νέες τεχνικές σχεδιασμού για εκείνα τα χρόνια: προβλέφθηκαν ειδικοί διαμορφωμένοι χώροι για αναψυχή στις συνοικίες, οργανώθηκαν παιδικές χαρές για παιδιά και τοποθετήθηκαν σπίτια λαμβάνοντας υπόψη τον πιο πλεονεκτικό προσανατολισμό. Επιπλέον, ο Bourgeois ήταν τόσο συνεπής στην επιδίωξη της αρχής του πιο πλεονεκτικού προσανατολισμού των διαμερισμάτων που σχεδίασε μια σειρά από σπίτια που δεν μπορούσαν να τοποθετηθούν στην κατεύθυνση βορρά-νότου για λόγους της γενικής σύνθεσης της διάταξης του χωριού (για παράδειγμα, δημιουργούν έναν κλειστό χώρο της κεντρικής πλατείας), σχεδίασε με προεξοχές (πριονοδόντι σε κάτοψη). Τα διαμερίσματα στα σπίτια του χωριού σχεδιάστηκαν με διασταυρούμενο αερισμό και με υποχρεωτικό φωτισμό όλων των δωματίων με φως ημέρας. Η εξωτερική εμφάνιση των σπιτιών αντανακλούσε χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά του οπλισμένου σκυροδέματος όπως η επίπεδη οροφή, τα γωνιακά και ξαπλωμένα παράθυρα και τα ελαφριά στέγαστρα πάνω από τις εισόδους.

εικ.σελίδα 166

Μεγάλο ενδιαφέρον από την άποψη της ανάπτυξης των ορθολογιστικών τάσεων στη μεταπολεμική βελγική αρχιτεκτονική είναι η σχολική κατασκευή, όπου η αναζήτηση μιας λειτουργικής λύσης στο σχέδιο και την ογκομετρική-χωρική σύνθεση του κτιρίου, λαμβάνοντας υπόψη τις νέες απαιτήσεις του η εκπαιδευτική διαδικασία, διεξήχθη με τον ίδιο τρόπο όπως και στην κατασκευή φθηνών κατοικιών, σε συνθήκες της πιο αυστηρής εξοικονόμησης κόστους.

Νέες τάσεις στον χώρο της αρχιτεκτονικής, αν και με δυσκολία, παρόλα αυτά άνοιξαν τον δρόμο τους στην κατασκευή μοναδικών δημόσιων κτιρίων. Η Διεθνής Έκθεση του 1935 στις Βρυξέλλες έγινε ένα είδος αρένας για την πάλη των ορθολογιστικών τάσεων με τον νεοκλασικισμό και τον εκλεκτικισμό, η παραδοσιακή εμφάνιση πολλών περιπτέρων των οποίων έκρυβε τη σύγχρονη εποικοδομητική βάση τους. Τέτοιο, για παράδειγμα, είναι το Μεγάλο Παλάτι του Αιώνα, χτισμένο σύμφωνα με το σχέδιο του αρχιτέκτονα Jean van Peek. Ο τολμηρός σχεδιασμός της οροφής της τεράστιας αίθουσας του (παραβολικές καμάρες από οπλισμένο σκυρόδεμα) δεν αποκαλύπτεται στην εξωτερική εμφάνιση του κτιρίου, η πρόσοψη του οποίου είναι μια βαθμιδωτή σύνθεση στυλιζαρισμένη στο πνεύμα του νεοκλασικισμού. Ωστόσο, ήδη σε αυτή την έκθεση, σε μια σειρά από περίπτερα (αν και όχι τα κύρια), νέα υλικά και κατασκευές (γυαλί, οπλισμένο σκυρόδεμα) χρησιμοποιήθηκαν με τόλμη για να δημιουργήσουν την εμφάνιση ενός σύγχρονου κτιρίου.

Η καταστροφή που προκλήθηκε από τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο απαιτούσε εκτεταμένες εργασίες αποκατάστασης. Επιπλέον, σε αντίθεση με τις αναστηλωτικές κατασκευές μετά τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, όταν επικράτησε η επιθυμία να αποκατασταθούν πολλά στην προηγούμενη μορφή τους, υπό τις νέες συνθήκες, η αποκατάσταση συνδυάστηκε με εργασίες ανοικοδόμησης, ειδικά σε παλιές περιοχές των πόλεων, όπου ο περίπλοκος σχεδιασμός και τα στενά δρομάκια προκαλούσαν συγκοινωνίες. δυσκολίες. Τα πολεοδομικά σχέδια μετάδοσης, που δημιουργήθηκαν σε μεγάλους αριθμούς στο μεταπολεμικό Βέλγιο, κατέληξαν τελικά σε συγκεκριμένα μέτρα για την απελευθέρωση της κυκλοφορίας στην κεντρική περιοχή των Βρυξελλών, χρονικά να συμπέσουν με τη διοργάνωση της Διεθνούς Έκθεσης του 1958 στις Βρυξέλλες. Προκειμένου να αποφορτιστεί το δίκτυο μεταφορών του κεντρικού τμήματος της πόλης από τη διαμετακομιστική κίνηση επιβατών μεταξύ δύο αδιέξοδων σιδηροδρομικών σταθμών στις Βρυξέλλες, μια διαμπερής σήραγγα συνέδεε τις γραμμές τους με έναν υπόγειο σταθμό στο κέντρο της πόλης.

Η κατασκευή κατοικιών στο μεταπολεμικό Βέλγιο παρουσιάζει μεγάλο ενδιαφέρον. Εδώ μπορούμε να σημειώσουμε την υπέρβαση των παραδόσεων της οικοδόμησης πόλεων με μονοκατοικίες με "κάθετα" διαμερίσματα, μεμονωμένες εγκαταστάσεις των οποίων βρίσκονται σε πολλούς ορόφους και μια αποφασιστική μετάβαση στην κατασκευή σύγχρονων τύπων πολυκατοικιών (τμήμα, γκαλερί , πύργος), συνδυάζονται σε συγκροτήματα κατοικιών, συμπεριλαμβανομένων ορισμένων δημόσιων κτιρίων (κυρίως οικιακών και εμπορικών). Τέτοια συγκροτήματα κατοικιών βρίσκονται συνήθως σε μη ανεπτυγμένες τοποθεσίες: τα συγκροτήματα Kiel στην Αμβέρσα (αρχιτέκτονες R. Brahm, R. Mas και V. Marmans, 1950-1955), στην πλατεία Manevrov στη Λιέγη (έργο από αρχιτέκτονες της ομάδας EGAU, 1956) και άλλοι. Τα συγκροτήματα κατοικιών χτίζονται, κατά κανόνα, με σπίτια πολλών τύπων, και για να αυξηθεί η έκταση της μη ανεπτυγμένης επικράτειας, πολλά σπίτια τοποθετούνται σε στηρίγματα, συχνά σε σχήμα V, που δίνει τη σύνθεση νέων βελγικών συγκροτημάτων κατοικιών χωρικότητα, μια ορισμένη τυπική οξύτητα και πρωτοτυπία.

εικ.σελίδα 168

Σε πυκνοκατοικημένες παλιές περιοχές των πόλεων, όπου σπίτια διαφορετικών εποχών με στενές πολυώροφους προσόψεις στέκονται σε συνεχείς σειρές κατά μήκος των δρόμων, νέα σπίτια πρέπει να χτιστούν σε αυτό το «στρώσιμο κέικ». Επιπλέον, οι Βέλγοι αρχιτέκτονες δεν επιδιώκουν σε αυτές τις περιπτώσεις να μιμηθούν την εξωτερική εμφάνιση γειτονικών σπιτιών, αλλά εισάγουν με τόλμη ένα μοντέρνο κτίριο από σκυρόδεμα και γυαλί σε μια σειρά από σπίτια διαφορετικών εποχών, που δίνει μια ιδιαίτερη γεύση σε ολόκληρο το κτίριο. Αυτά τα νέα κτίρια είναι, κατά κανόνα, κερδοφόρα σπίτια, στο σχεδιασμό των οποίων οι αρχιτέκτονες πρέπει να επιδείξουν πραγματικά δεξιοτεχνική ικανότητα και εφευρετικότητα, καθώς ένα στενό οικόπεδο καθιστά δυνατή τη διευθέτηση ανοιγμάτων παραθύρων μόνο στα σχισμένα του σπιτιού (προς το δρόμο και στην αυλή).

Από το δεύτερο μισό της δεκαετίας του '50. στη βελγική αρχιτεκτονική, η επιρροή της αμερικανικής ποικιλίας του λειτουργισμού, η σχολή του Mies van der Rohe, αυξήθηκε. Πρώτα απ 'όλα, αυτό ισχύει για την κατασκευή κτιρίων γραφείων, ένα από τα οποία είναι το Κτήριο Κοινωνικής Ασφάλισης στις Βρυξέλλες, που χτίστηκε το 1958 σύμφωνα με το έργο του αρχιτέκτονα Hugo van Cuijk. Τοποθετημένο με επιτυχία σε ένα από τα ψηλά σημεία της πόλης, αυτό το κτίριο είναι ένα επίπεδο πρίσμα από ψηλό γυαλί με ορθογώνια βάση, σαν να βγαίνει από έναν ευρύτερο στυλοβάτη. Το κτίριο κλείνει την προοπτική μιας από τις κύριες αρτηρίες της πόλης και είναι το κέντρο σύνθεσης ενός πολύπλοκου αλλά εκφραστικού συνόλου, που περιλαμβάνει τα γύρω πολυχρονικά κτίρια και μια γραφικά σχεδιασμένη σκιερή πλατεία μπροστά από το κτίριο, στην οποία πολλά γλυπτά του Msnier τοποθετούνται σε εξωτερικούς χώρους. Αυτά τα ρεαλιστικά γλυπτά έρχονται σε έντονη αντίθεση με τη μοντέρνα εμφάνιση του κτιρίου, του οποίου ο αστικός χαρακτήρας τονίζεται περαιτέρω από το ρεύμα των αυτοκινήτων που κινούνται με ταχύτητα κατά μήκος του σύγχρονου αυτοκινητόδρομου, που οδηγεί στη σήραγγα κοντά στο κτίριο.

Ένα από τα πιο διάσημα και αναμφίβολα ένα από τα καλύτερα έργα της βελγικής αρχιτεκτονικής της μεταπολεμικής περιόδου είναι το κτίριο του νέου αεροσταθμού των Βρυξελλών, που χτίστηκε σε σχέση με την έκθεση του 1958 από τον αρχιτέκτονα M. Brunfo. Στον σχεδιασμό και τη χωρική σύνθεση αυτού του κτιρίου επιλύονται με επιτυχία τόσο καθαρά χρηστικά όσο και καλλιτεχνικά καθήκοντα. Το εσωτερικό του κυρίως χειρουργείου προκαλεί τη μεγαλύτερη εντύπωση. Η αίθουσα καλύπτεται με πρόβολα αλουμινένια ζευκτά μήκους 50 m, που στηρίζονται σε στηρίγματα σε σχήμα ^. Ένας από τους διαμήκους τοίχους της αίθουσας έχει μετατραπεί σε μια τεράστια γυάλινη οθόνη που βλέπει στο καλοκαιρινό χωράφι.

εικ.σελίδα 169

Σημαντικό γεγονός στην αρχιτεκτονική ζωή του Βελγίου ήταν η Διεθνής Έκθεση των Βρυξελλών το 1958. Βέλγοι αρχιτέκτονες συμμετείχαν άμεσα στη δημιουργία πολλών εκθεσιακών περιπτέρων και άλλων κτιρίων, η κατασκευή των οποίων συνδέθηκε με τα εγκαίνιά της. Μεταξύ αυτών των κτιρίων, μπορεί κανείς να σημειώσει τέτοιες ιδιόμορφες κατασκευές όπως το Atomium (μηχανικός A. Waterkeyn, αρχιτέκτονες A. και J. Polak), που μπορούν να ταξινομηθούν ως συμβολικά μνημεία. περίπτερο "Reinforced Concrete Arrow" - με πρόβολο 80 m (μηχανικός A. Paduard, αρχιτέκτονας J. van Dorselaer), το οποίο κατέδειξε τις κατασκευαστικές δυνατότητες του οπλισμένου σκυροδέματος, καθώς και το περίπτερο του Κέντρου Πληροφοριών που κατασκευάστηκε στο κέντρο των Βρυξελλών , η οροφή του οποίου είναι ένα κέλυφος σε σχήμα σέλας που στηρίζεται σε δύο στηρίγματα από οπλισμένο σκυρόδεμα σε μορφή υπερβολικού παραβολοειδούς, κατασκευασμένο από ξύλινη κολλημένη πλάκα τριών στρώσεων (αρχιτέκτονες L. J. Bochet, J. P. Blondel και O. F. Philippon, μηχανικός R. Sarge) .

Πολιτισμός

Βέλγοι καλλιτέχνες

Η κορύφωση της άνθησης της ζωγραφικής στο Βέλγιο πέφτει στην περίοδο της Βουργουνδικής κυριαρχίας τον 15ο αιώνα. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, οι καλλιτέχνες ζωγράφιζαν πορτρέτα με περίπλοκες λεπτομέρειες. Αυτοί ήταν ζωτικοί και μη εξιδανικευμένοι πίνακες στους οποίους οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να επιτύχουν τον μέγιστο ρεαλισμό και σαφήνεια. Αυτό το στυλ ζωγραφικής εξηγείται από την επιρροή της νέας ολλανδικής σχολής.

Για τη βελγική ζωγραφική, ο 20ός αιώνας ήταν η δεύτερη χρυσή εποχή. Όμως οι καλλιτέχνες έχουν ήδη υποχωρήσει από τις αρχές του ρεαλισμού στη ζωγραφική και έχουν στραφεί στον σουρεαλισμό. Ένας από αυτούς τους καλλιτέχνες ήταν ο Ρενέ Μαγκρίτ.

Η βελγική ζωγραφική έχει μια παλιά παράδοση για την οποία οι Βέλγοι είναι δικαιολογημένα περήφανοι. Το Rubens House Museum βρίσκεται στην Αμβέρσα και το Βασιλικό Μουσείο Καλών Τεχνών βρίσκεται στις Βρυξέλλες. Έγιναν εκδήλωση του βαθύ σεβασμού των Βέλγων για τους καλλιτέχνες τους και τις αρχαίες παραδόσεις στη ζωγραφική.

Φλαμανδοί πρωτογονιστές

Ακόμη και στο τέλος του Μεσαίωνα στην Ευρώπη, δόθηκε προσοχή στη ζωγραφική στη Φλάνδρα και τις Βρυξέλλες. Ο Jan Van Eyck (περίπου 1400-1441) έφερε επανάσταση στη φλαμανδική τέχνη. Ήταν ο πρώτος που χρησιμοποίησε λάδι για να φτιάξει ανθεκτικά χρώματα και να αναμίξει χρώματα σε καμβά ή ξύλο. Αυτές οι καινοτομίες επέτρεψαν να διατηρηθούν οι πίνακες περισσότερο. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, η ζωγραφική σε πάνελ άρχισε να διαδίδεται.

Ο Jan Van Eyck έγινε ο ιδρυτής της φλαμανδικής σχολής του πρωτογονισμού, απεικονίζοντας τη ζωή με έντονα χρώματα και σε κίνηση σε καμβάδες. Στον καθεδρικό ναό της Γάνδης υπάρχει ένας βωμός-πολύπτυχος «Η λατρεία του αρνιού», που δημιουργήθηκε από τον διάσημο καλλιτέχνη και τον αδελφό του.

Ο φλαμανδικός πρωτογονισμός στη ζωγραφική διακρίνεται από τα ιδιαίτερα ρεαλιστικά πορτρέτα, τη σαφήνεια του φωτισμού και την προσεκτική απεικόνιση των ρούχων και τις υφές των υφασμάτων. Ένας από τους καλύτερους καλλιτέχνες που εργάστηκαν προς αυτή την κατεύθυνση ήταν ο Rogierde la Pasture (Rogier van der Weyden) (περίπου 1400-1464). Ένας από τους διάσημους πίνακες του Rogirde la Pasture είναι το Descent from the Cross. Ο καλλιτέχνης συνδύαζε τη δύναμη των θρησκευτικών συναισθημάτων και του ρεαλισμού. Οι πίνακες του Rogierde la Pasture ενέπνευσαν πολλούς Βέλγους καλλιτέχνες που κληρονόμησαν τη νέα τεχνική.

Οι δυνατότητες της νέας τεχνολογίας διευρύνθηκαν από τον Dirk Bouts (1415-1475).

Ο Χανς Μέμλινγκ (περίπου 1433-1494) θεωρείται ο τελευταίος Φλαμανδός πρωτογονιστής, οι πίνακες του οποίου απεικονίζουν τη Μπριζ του 15ου αιώνα. Οι πρώτοι πίνακες που απεικονίζουν βιομηχανικές ευρωπαϊκές πόλεις ζωγραφίστηκαν από τον Joachim Patinir (περίπου 1475-1524).

Δυναστεία Μπρούγκελ

Η βελγική τέχνη στις αρχές του 16ου αιώνα επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από την Ιταλία. Ο ζωγράφος Jan Gossaert (περίπου 1478-1533) σπούδασε στη Ρώμη. Για να ζωγραφίσει εικόνες για την κυρίαρχη δυναστεία των Δούκων της Μπραμπάντ, επέλεξε μυθολογικά θέματα.

Στους 16-17 αιώνες. Η οικογένεια Bruegel είχε τη μεγαλύτερη επιρροή στη φλαμανδική τέχνη. Ένας από τους καλύτερους ζωγράφους της Φλαμανδικής σχολής ήταν ο Πίτερ Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος (περίπου 1525-1569). Ήρθε στις Βρυξέλλες το 1563. Τα πιο διάσημα έργα του είναι καμβάδες που απεικονίζουν κωμικές φιγούρες αγροτών. Παρέχουν την ευκαιρία να βουτήξουμε στον κόσμο του Μεσαίωνα. Ένας από τους διάσημους πίνακες του Pieter Brueghel the Younger (1564-1638), ο οποίος ζωγράφισε καμβάδες με θρησκευτικά θέματα, είναι η Απογραφή στη Βηθλεέμ (1610). Ο Jan Brueghel the Elder (1568-1625), γνωστός και ως Brueghel the Velvet, ζωγράφισε περίπλοκες νεκρές φύσεις που απεικονίζουν λουλούδια με φόντο βελούδινες κουρτίνες. Ο Γιαν Μπρίγκελ ο νεότερος (1601-1678) ζωγράφιζε υπέροχα τοπία και ήταν ζωγράφος της αυλής.

Καλλιτέχνες της Αμβέρσας

Το κέντρο της βελγικής ζωγραφικής τον 17ο αιώνα μετακόμισε από τις Βρυξέλλες στην Αμβέρσα - το κέντρο της Φλάνδρας. Σε μεγάλο βαθμό, αυτό επηρεάστηκε από το γεγονός ότι ένας από τους πρώτους παγκοσμίου φήμης Φλαμανδούς καλλιτέχνες Peter Paul Rubens (1577-1640) έζησε στην Αμβέρσα. Ο Ρούμπενς ζωγράφιζε υπέροχα τοπία, πίνακες με μυθολογική πλοκή και ήταν αυλικός ζωγράφος. Αλλά οι πιο διάσημοι είναι οι καμβάδες του που απεικονίζουν φουσκωμένες γυναίκες. Η δημοτικότητα του Ρούμπενς ήταν τόσο μεγάλη που οι Φλαμανδοί υφαντές δημιούργησαν μια μεγάλη συλλογή από ταπετσαρίες που απεικόνιζαν τους υπέροχους πίνακές του.

Ο μαθητής του Ρούμπενς, ο αυλικός ζωγράφος πορτρέτων Anthony van Dyck (1599-1641), έγινε ο δεύτερος ζωγράφος της Αμβέρσας που απέκτησε παγκόσμια φήμη.

Ο Jan Bruegel ο Πρεσβύτερος εγκαταστάθηκε στην Αμβέρσα και ο γαμπρός του David Teniers II (1610-1690) ίδρυσε την Ακαδημία Καλών Τεχνών στην Αμβέρσα το 1665.

Ευρωπαϊκή επιρροή

Τον 18ο αιώνα, η επιρροή του Ρούμπενς στην τέχνη εξακολουθούσε να παραμένει, επομένως δεν υπήρξαν σημαντικές αλλαγές στην ανάπτυξη της φλαμανδικής τέχνης.

Από τις αρχές του 19ου αιώνα άρχισε να γίνεται αισθητή η έντονη επιρροή άλλων ευρωπαϊκών σχολών στην τέχνη του Βελγίου. Ο François Joseph Navez (1787-1869) πρόσθεσε τον νεοκλασικισμό στη φλαμανδική ζωγραφική. Ο Constantin Meunier (1831-1905) προτιμούσε τον ρεαλισμό. Ο Γκιγιόμ Βόγκελς (1836-1896) ζωγράφισε σε ιμπρεσιονιστικό στυλ. Υποστηρικτής της ρομαντικής τάσης στη ζωγραφική ήταν ο καλλιτέχνης των Βρυξελλών Antoine Wirtz (1806-1865).

Οι ανησυχητικοί, παραμορφωμένοι και θολοί πίνακες του Antoine Wirtz, όπως το έργο «Hasty Cruelty», που εκτελέστηκε γύρω στο 1830, είναι η αρχή του σουρεαλισμού στην τέχνη. Ο Fernand Khnopff (1858-1921), γνωστός για τα τρομακτικά πορτρέτα αμφιβόλου γυναικών του, θεωρείται πρώιμος εκφραστής της βελγικής συμβολιστικής σχολής. Το έργο του επηρεάστηκε από τον Γκούσταβ Κλιμτ, έναν Γερμανό ρομαντικό.

Ο Τζέιμς Ένσορ (1860-1949) ήταν ένας άλλος καλλιτέχνης του οποίου η δουλειά πέρασε από τον ρεαλισμό στον σουρεαλισμό. Μυστηριώδεις και ανατριχιαστικοί σκελετοί απεικονίζονται συχνά στους καμβάδες του. Εταιρεία Καλλιτεχνών "LesVingt" (LesXX) το 1884-1894. διοργάνωσε έκθεση έργων διάσημων ξένων πρωτοποριακών καλλιτεχνών στις Βρυξέλλες, ζωντανεύοντας έτσι την πολιτιστική ζωή στην πόλη.

Σουρεαλισμός

Από τις αρχές του 20ου αιώνα, η επιρροή του Σεζάν έγινε αισθητή στη βελγική τέχνη. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, οι Fauves εμφανίστηκαν στο Βέλγιο, απεικονίζοντας φωτεινά τοπία βουτηγμένα στον ήλιο. Εξέχων εκπρόσωπος του Φωβισμού ήταν ο γλύπτης και καλλιτέχνης Rick Wauters (1882-1916).

Ο σουρεαλισμός εμφανίστηκε στις Βρυξέλλες στα μέσα της δεκαετίας του 20 του 20ού αιώνα. Ο Ρενέ Μαγκρίτ (1898-1967) έγινε εξέχων εκπρόσωπος αυτής της τάσης στην τέχνη. Ο σουρεαλισμός άρχισε να αναπτύσσεται τον 16ο αιώνα. Σε αυτό το στυλ ζωγραφίστηκαν φαντασμαγορικοί πίνακες του Pieter Brueghel the Elder και του Bosch. Δεν υπάρχουν ορόσημα στους καμβάδες του Μαγκρίτ· όρισε το σουρεαλιστικό στυλ του ως «επιστροφή από το οικείο στο εξωγήινο».

Ο Paul Delvaux (1897-1989) ήταν ένας πιο συγκλονιστικός και συναισθηματικός καλλιτέχνης, οι καμβάδες του απεικονίζουν παράξενους, κομψούς εσωτερικούς χώρους με ομιχλώδεις φιγούρες.

Το κίνημα CoBrA το 1948 έκανε εκστρατεία για την αφηρημένη τέχνη. Η αφαίρεση αντικαταστάθηκε από την εννοιολογική τέχνη, με επικεφαλής τον Marcel Brudtaers (1924-1976), έναν τεχνικό εγκατάστασης. Οι Broodtaers απεικόνιζαν οικεία αντικείμενα, όπως μια κατσαρόλα γεμάτη με μύδια.

Ταπετσαρίες και δαντέλες

Οι βελγικές ταπετσαρίες και οι δαντέλες θεωρούνται πολυτέλεια για πάνω από εξακόσια χρόνια. Τον 12ο αιώνα άρχισαν να κατασκευάζονται χειροποίητες ταπετσαρίες στη Φλάνδρα, αργότερα άρχισαν να κατασκευάζονται στις Βρυξέλλες, το Τουρνέ, το Ουντενάρντ και το Μέχελεν.

Από τις αρχές του 16ου αιώνα άρχισε να αναπτύσσεται η τέχνη της δαντέλας στο Βέλγιο. Η δαντέλα ύφαινε σε όλες τις επαρχίες, αλλά η δαντέλα από τις Βρυξέλλες και τη Μπρυζ εκτιμήθηκε περισσότερο. Συχνά οι πιο επιδέξιοι δαντέλες υποστηρίχθηκαν από αριστοκράτες. Για τους ευγενείς, οι όμορφες ταπετσαρίες και η εξαίσια δαντέλα θεωρούνταν σημάδι της θέσης τους. Στους 15-18 αιώνες. Οι δαντέλες και οι ταπισερί ήταν οι κύριες εξαγωγές. Και σήμερα το Βέλγιο θεωρείται η γενέτειρα των καλύτερων ταπισερί και δαντέλας.

Οι φλαμανδικές πόλεις Tournai και Arras (σήμερα βρίσκονται στη Γαλλία) στις αρχές του 13ου αιώνα έγιναν διάσημα ευρωπαϊκά κέντρα υφαντικής. Αναπτύχθηκε η βιοτεχνία και το εμπόριο. Η τεχνική κατέστησε δυνατή την κατασκευή πιο λεπτής και ακριβής δουλειάς· νήματα από πραγματικό ασήμι και χρυσό άρχισαν να προστίθενται στο μαλλί, γεγονός που αύξησε ακόμη περισσότερο το κόστος των προϊόντων.

Η επανάσταση στην κατασκευή ταπετσαριών έγινε από τον Bernard van Orley (1492-1542), ο οποίος συνδύασε τον φλαμανδικό ρεαλισμό και τον ιταλικό ιδεαλισμό στα σχέδια. Αργότερα, οι Φλαμανδοί δάσκαλοι παρασύρθηκαν στην Ευρώπη και μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα, όλη η δόξα των φλαμανδικών ταπετσαριών πέρασε στο παριζιάνικο εργοστάσιο.

Βέλγιο όλο το χρόνο

Το βελγικό κλίμα είναι χαρακτηριστικό της Βόρειας Ευρώπης. Αυτός είναι ο λόγος που οι εορτασμοί μπορούν να πραγματοποιηθούν τόσο στο δρόμο όσο και στο σπίτι. Οι καιρικές συνθήκες επιτρέπουν τέλεια στους καλλιτέχνες της πρωτεύουσας να εμφανιστούν τόσο σε στάδια όσο και σε αρχαία κτίρια. Οι κάτοικοι του Βελγίου ξέρουν πώς να χρησιμοποιούν την αλλαγή των εποχών. Για παράδειγμα, το καλοκαίρι ανοίγει ένα φεστιβάλ λουλουδιών στην πρωτεύουσα. Η Grand Place καλύπτεται με εκατομμύρια λουλούδια κάθε δευτερόλεπτο του Αυγούστου. Τα εγκαίνια της χορευτικής, κινηματογραφικής και θεατρικής σεζόν γίνονται τον Ιανουάριο. Εδώ περιμένουν τους θεατές τους πρεμιέρες από «κινηματογράφους αυτοκινήτων» μέχρι παλιά αβαεία.

Στις Βρυξέλλες, μπορείτε να παρακολουθήσετε το πέρασμα διαφόρων φεστιβάλ όλο το χρόνο. Εδώ μπορείτε να δείτε πολυτελείς, γεμάτες ζωή ιστορικές πομπές. Γίνονται κάθε χρόνο από τα μεσαιωνικά χρόνια. Εδώ παρουσιάζονται οι πιο πρόσφατες πειραματικές τέχνες της Ευρώπης.

Διακοπές

Πρωτοχρονιά - 1 Ιανουαρίου
Πάσχα - κυμαινόμενη ημερομηνία
Καθαρά Δευτέρα - κυμαινόμενη ημερομηνία
Εργατική Πρωτομαγιά - 1 Μαΐου
Ανάληψη - κυμαινόμενη ημερομηνία
Ημέρα Τριάδας - κυμαινόμενη ημερομηνία
Spirits Monday - κυμαινόμενη ημερομηνία
Εθνική Ημέρα του Βελγίου - 21 Ιουλίου
Κοίμηση - 15 Αυγούστου
Ημέρα των Αγίων Πάντων - 1 Νοεμβρίου
Ανακωχή - 11 Νοεμβρίου
Χριστούγεννα - 25 Δεκεμβρίου

Ανοιξη

Καθώς οι μέρες της άνοιξης επιμηκύνονται στο Βέλγιο, η πολιτιστική ζωή αναζωογονείται. Οι τουρίστες αρχίζουν να έρχονται εδώ. Μουσικά φεστιβάλ γίνονται ακριβώς στο δρόμο. Όταν τα πάρκα της πόλης είναι ανθισμένα, τα τροπικά θερμοκήπια του Laiken, τα οποία είναι γνωστά σε όλο τον κόσμο, ανοίγουν για τους επισκέπτες. Οι Βέλγοι σοκολατοποιοί είναι απασχολημένοι με την προετοιμασία κάθε είδους γλυκών για τις σημαντικές διακοπές του Πάσχα.

Διεθνές Φεστιβάλ Ταινιών Φαντασίας (3η και 4η εβδομάδα). Οι λάτρεις των θαυμάτων και των παραξενιών περιμένουν νέες ταινίες στους κινηματογράφους σε όλη την πρωτεύουσα.
Ars Music (μέσα Μαρτίου - μέσα Απριλίου). Αυτές οι διακοπές είναι ένα από τα καλύτερα ευρωπαϊκά φεστιβάλ. Έρχονται διάσημοι ερμηνευτές. Συχνά, οι συναυλίες λαμβάνουν χώρα στο Μουσείο Παλαιών Δασκάλων. Όλοι οι γνώστες της μουσικής είναι παρόντες σε αυτό το φεστιβάλ.
Euroantique (την περασμένη εβδομάδα). Το στάδιο Heysel είναι γεμάτο επισκέπτες και πωλητές που θέλουν να αγοράσουν ή να πουλήσουν αντίκες.
Πάσχα (Κυριακή του Πάσχα). Υπάρχει η πεποίθηση ότι πριν από το Πάσχα, οι καμπάνες των εκκλησιών πετάνε στη Ρώμη. Επιστρέφοντας αφήνουν πασχαλινά αυγά στα χωράφια και στα δάση ειδικά για τα παιδιά. Έτσι, κάθε χρόνο περισσότερα από 1000 βαμμένα αυγά κρύβονται από ενήλικες στο Royal Park και τα παιδιά από όλη την πόλη μαζεύονται για να τα αναζητήσουν.

Απρίλιος

Ανοιξιάτικο μπαρόκ στο Sablon (3η εβδομάδα). Η περίφημη Place de la Grande Sablon συγκεντρώνει νεαρά ταλέντα από το Βέλγιο. Παίζουν μουσική από τον 17ο αιώνα.
Βασιλικά θερμοκήπια στο Laiken (12 ημέρες, οι ημερομηνίες ποικίλλουν). Όταν αρχίζουν να ανθίζουν κάκτοι, καθώς και κάθε λογής εξωτικά φυτά, ανοίγουν ειδικά για το κοινό τα προσωπικά θερμοκήπια της βελγικής βασιλικής οικογένειας. Τα δωμάτια είναι κατασκευασμένα από γυαλί και φινιρισμένα με σίδερο. Ένας μεγάλος αριθμός από διάφορα σπάνια φυτά διατηρείται εδώ από τις κακές καιρικές συνθήκες.
Φεστιβάλ στη Φλάνδρα (μέσα Απριλίου - Οκτώβριος) Αυτό το φεστιβάλ είναι μια μουσική γιορτή που συνδυάζει όλα τα είδη στυλ και κατευθύνσεων. Περισσότερες από 120 διάσημες ορχήστρες και χορωδίες παίζουν εδώ.
«Σκηνές οθόνης». (3η εβδομάδα - τέλος). Ειδικά για το κοινό, καθημερινά παρουσιάζονται νέες ευρωπαϊκές ταινίες.

Εορτασμός της Ημέρας της Ευρώπης (7-9 Μαΐου). Λόγω του ότι οι Βρυξέλλες είναι η ευρωπαϊκή πρωτεύουσα, αυτό τονίζεται για άλλη μια φορά στη γιορτή. Για παράδειγμα, ακόμη και ο Mannequin Pis είναι ντυμένος με ένα μπλε κοστούμι, το οποίο είναι διακοσμημένο με κίτρινα αστέρια.
Kunstin-Festival of Arts (9-31 Μαΐου). Στο φεστιβάλ αυτό συμμετέχουν νέοι ηθοποιοί και χορευτές του θεάτρου.
Διαγωνισμός Queen Elizabeth (Μάιος - μέσα Ιουνίου). Αυτός ο μουσικός διαγωνισμός συγκεντρώνει θαυμαστές των κλασικών. Αυτός ο διαγωνισμός τρέχει για πάνω από σαράντα χρόνια. Εκεί παίζουν νέοι πιανίστες, βιολιστές και τραγουδιστές. Διάσημοι μαέστροι και σολίστ επιλέγουν ανάμεσά τους τους πιο άξιους ερμηνευτές.
Αγώνας 20 χιλιομέτρων στις Βρυξέλλες (την περασμένη Κυριακή). Τρέξιμο στην πρωτεύουσα, στο οποίο συμμετέχουν ενεργά περισσότεροι από 20.000 ερασιτέχνες και επαγγελματίες δρομείς.
Ράλι τζαζ (τελευταία άδεια). Μικρά σύνολα τζαζ εμφανίζουν σε μπιστρό και καφετέριες.

Καλοκαίρι

Τον Ιούλιο, η σεζόν της μεγαλοπρέπειας ανοίγει στο Ommengang. Αυτό είναι ένα αρκετά παλιό έθιμο. Μια τεράστια πομπή κινείται κατά μήκος της Grand Place και των γύρω δρόμων. Αυτή την υπέροχη εποχή του χρόνου, μπορείτε να ακούσετε τη μουσική διαφόρων κατευθύνσεων. Οι ερμηνευτές μπορούν να παίξουν μουσική σε διάφορους χώρους, όπως το τεράστιο στάδιο King Baudouin στο IJsel, ή σε μικρά καφέ-μπαρ. Την Ημέρα της Ανεξαρτησίας, όλοι οι Βέλγοι έρχονται στην έκθεση Midi. Γίνεται στην πλατεία όπου τοποθετούνται οι δίσκοι και κατασκευάζονται μονοπάτια.

Καλοκαιρινό Φεστιβάλ Βρυξελλών (αρχές Ιουνίου - Σεπτεμβρίου). Προγράμματα συναυλιών πραγματοποιούνται σε διάσημα αρχαία κτίρια.
Φεστιβάλ στη Βαλλονία (Ιούνιος - Οκτώβριος). Η διοργάνωση μιας σειράς γκαλά συναυλιών στις Βρυξέλλες και τη Φλάνδρα καθιστά δυνατή την παρουσίαση των πιο ταλαντούχων νεαρών Βέλγων σολίστ και ορχήστρας στο κοινό.
Φεστιβάλ καφέ «Cooler» (την περασμένη εβδομάδα). Για τρεις μέρες πραγματοποιείται ένα πολύ μοδάτο πρόγραμμα στην ανακαινισμένη αποθήκη Tour-e-Taxi. Το κοινό περιμένουν Αφρικανοί ντράμερ, σάλσα, έθνικ μουσική και οξύ τζαζ.
Μουσικό Φεστιβάλ (τελευταία ρεπό). Παροχές και συναυλίες πραγματοποιούνται για δύο συνεχόμενες εβδομάδες σε δημαρχεία και μουσεία αφιερωμένα στην παγκόσμια μουσική.

Ιούλιος

Ommegang (1ο Σαββατοκύριακο Ιουλίου). Τουρίστες έρχονται από όλο τον κόσμο για να παρακολουθήσουν αυτή τη δράση. Αυτό το φεστιβάλ λαμβάνει χώρα στις Βρυξέλλες από το 1549. Αυτή η πομπή (ή, όπως λέγεται, «παράκαμψη») περιφέρεται γύρω από τη Grand Place, όλους τους δρόμους που τη γειτνιάζουν, και κινείται κυκλικά. Περισσότεροι από 2000 συμμετέχοντες συμμετέχουν εδώ. Χάρη στα κοστούμια, μετατρέπονται σε αναγεννησιακούς κατοίκους των πόλεων. Η παρέλαση περνά από υψηλόβαθμους Βέλγους αξιωματούχους. Τα εισιτήρια πρέπει να παραγγελθούν εκ των προτέρων.
Jazz-folk φεστιβάλ «Brosella» (2η μέρα ρεπό). Το φεστιβάλ πραγματοποιείται στο πάρκο Osseghem. Προσελκύει όλους τους διάσημους μουσικούς από την Ευρώπη.
Καλοκαιρινό φεστιβάλ στις Βρυξέλλες (Ιούλιος - Αύγουστος). Αυτή την εποχή του χρόνου, οι μουσικοί παίζουν κλασικά κομμάτια στην Κάτω και την Άνω Πόλη.
Midi Fair (μέσα Ιουλίου - μέσα Αυγούστου). Διεξαγωγή της έκθεσης στον περίφημο σταθμό των Βρυξελλών Gardu-Midi. Αυτή η εκδήλωση διαρκεί για έναν ολόκληρο μήνα. Είναι πολύ δημοφιλές στα παιδιά. Αυτή η έκθεση θεωρείται η μεγαλύτερη στην Ευρώπη.

Ημέρα Βελγίου (21 Ιουλίου). Διεξαγωγή στρατιωτικής παρέλασης προς τιμήν της Ημέρας της Ανεξαρτησίας, η οποία γιορτάζεται από το 1831, μετά την οποία εκτοξεύονται πυροτεχνήματα στο πάρκο των Βρυξελλών.
Open Days στο Βασιλικό Παλάτι (τελευταία εβδομάδα Ιουλίου - 2η εβδομάδα Σεπτεμβρίου). Οι πόρτες του Βασιλικού Παλατιού ανοίγουν για τους επισκέπτες. Αυτή η εκδήλωση πραγματοποιείται για έξι συνεχόμενες εβδομάδες.

Αύγουστος

Maypole (Meiboom) (9 Αυγούστου). Αυτό το φεστιβάλ ξεκίνησε το 1213. Οι συμμετέχοντες αυτής της δράσης ντύνονται με τεράστιες στολές - κούκλες. Η πομπή περνά από την Κάτω Πόλη. Σταματάει στη Grand Place και στη συνέχεια τοποθετείται εκεί ένα Maypole.
Μοκέτα λουλουδιών (μέσα Αυγούστου, κάθε 2 χρόνια). Αυτές οι διακοπές γίνονται κάθε δεύτερο χρόνο. Αυτό είναι ένα αφιέρωμα στην ανθοκομία στις Βρυξέλλες. Ολόκληρη η Grand Place είναι καλυμμένη με φρέσκα λουλούδια. Η συνολική επιφάνεια ενός τέτοιου χαλιού είναι περίπου 2000 m².

Φθινόπωρο

Το φθινόπωρο, η βελγική διασκέδαση μετακινείται κάτω από τη στέγη - σε καφετέριες ή πολιτιστικά κέντρα όπου μπορείτε να ακούσετε σύγχρονη μουσική. Κατά τη διάρκεια των «Ημερών Κληρονομιάς» το κοινό έχει την ευκαιρία να απολαύσει την αρχιτεκτονική επισκεπτόμενος ιδιωτικές κατοικίες που άλλες φορές είναι κλειστές για το κοινό και βλέποντας τις συλλογές που βρίσκονται εκεί.

Σεπτέμβριος

Birthday Mannequin Pis (τελευταία μέρα άδεια).
Το διάσημο γλυπτό ενός τσαντισμένου αγοριού είναι ντυμένο με άλλο κοστούμι, δωρεά κάποιου υψηλόβαθμου ξένου καλεσμένου.

Φεστιβάλ «Happy City» (πρώτη μέρα ρεπό).
Αυτή τη στιγμή, πραγματοποιούνται περίπου 60 συναυλίες σε τρεις δωδεκάδες από τα καλύτερα καφέ των Βρυξελλών.
Βοτανικές Νύχτες (την περασμένη εβδομάδα).
Το γαλλικό πολιτιστικό κέντρο «Les Botaniques», που βρίσκεται στα πρώην θερμοκήπια των Βοτανικών Κήπων, φιλοξενεί μια σειρά από συναυλίες που θα ενθουσιάσουν όλους τους γνώστες της τζαζ μουσικής.
Ημέρες κληρονομιάς (2η ή 3η μέρα άδεια).
Για λίγες μέρες, πολλά προστατευόμενα κτίρια και ιδιωτικές κατοικίες, καθώς και κλειστές συλλογές έργων τέχνης, ανοίγουν τις πόρτες τους στους επισκέπτες.

Οκτώβριος

Audi Jazz Festival (μέσα Οκτωβρίου - μέσα Νοεμβρίου).
Σε όλη τη χώρα ακούγονται οι ήχοι της τζαζ που αραιώνουν τη φθινοπωρινή ανία. Παίζουν ντόπιοι καλλιτέχνες, αλλά ορισμένοι Ευρωπαίοι αστέρες παίζουν συχνά στο Palace of Fine Arts στις Βρυξέλλες.

Χειμώνας

Το χειμώνα, συνήθως βρέχει και χιονίζει στο Βέλγιο, επομένως σχεδόν όλες οι εκδηλώσεις κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου μεταφέρονται σε εσωτερικούς χώρους. Οι γκαλερί τέχνης φιλοξενούν εκθέσεις παγκόσμιας κλάσης και το Φεστιβάλ Κινηματογράφου των Βρυξελλών φιλοξενεί έργα τόσο καταξιωμένων δασκάλων όσο και νέων ταλέντων. Πριν τις γιορτές των Χριστουγέννων, η Κάτω Πόλη φωτίζεται με έντονο φωτισμό και τα Χριστούγεννα τα τραπέζια των Βέλγων στολίζονται με παραδοσιακά πιάτα.

«Sablon's Nocturne» (τελευταία άδεια). Όλα τα καταστήματα και τα μουσεία του Grande Sablon δεν είναι κλειστά μέχρι αργά το βράδυ. Καρότσες με αραγμένα άλογα κυκλοφορούν γύρω από την έκθεση, μεταφέροντας πελάτες, και στην κεντρική πλατεία όλοι μπορούν να δοκιμάσουν πραγματικό ζεστό κρασί.

Δεκέμβριος

Ημέρα του Αγίου Νικολάου (6 Δεκεμβρίου).
Σύμφωνα με το μύθο, αυτή την ημέρα ο προστάτης των Χριστουγέννων Άγιος Βασίλης έρχεται στην πόλη και όλα τα παιδιά του Βελγίου λαμβάνουν γλυκά, σοκολάτα και άλλα δώρα.
Χριστούγεννα (24-25 Δεκεμβρίου).
Όπως και σε άλλες καθολικές χώρες, τα Χριστούγεννα στο Βέλγιο γιορτάζονται το βράδυ της 24ης Δεκεμβρίου. Οι Βέλγοι ανταλλάσσουν δώρα, και την επόμενη μέρα πάνε να επισκεφτούν τους γονείς τους. Κάθε λογής χριστουγεννιάτικα χαρακτηριστικά κοσμούν τους δρόμους της πρωτεύουσας μέχρι τις 6 Ιανουαρίου.

Ιανουάριος

Ημέρα του Βασιλιά (6 Ιανουαρίου).
Την ημέρα αυτή παρασκευάζονται ειδικά «βασιλικά κέικ» αμυγδάλου και όλοι όσοι θέλουν να ψάξουν για τον αρακά που είναι κρυμμένος εκεί. Αυτός που το βρει ανακηρύσσεται βασιλιάς για όλη τη γιορτινή νύχτα.
Φεστιβάλ Βρυξελλών (μέσα - τέλη Ιανουαρίου).
Πρεμιέρα νέων ταινιών με τη συμμετοχή αστέρων του ευρωπαϊκού κινηματογράφου.

Φεβρουάριος

Έκθεση Αντίκες (2η και 3η εβδομάδα).
Το Palace of Fine Arts συγκεντρώνει αντικέρ από όλο τον κόσμο.
Διεθνές Φεστιβάλ Κόμικς (2η και 3η εβδομάδα).
Συγγραφείς και καλλιτέχνες κόμικς έρχονται στην πόλη που είχε ισχυρή επιρροή στην τέχνη του σχεδίου κόμικ για να μοιραστούν εμπειρίες και να παρουσιάσουν νέα δουλειά.

Πιο ποικίλη και πολύχρωμη από τη φλαμανδική αρχιτεκτονική και γλυπτική, η φλαμανδική ζωγραφική του 17ου αιώνα ξεδιπλώνεται στην υπέροχη ανθοφορία της. Ακόμη πιο ξεκάθαρα απ' ό,τι σε αυτές τις τέχνες, ο αιώνια Φλαμανδός αναδύεται εδώ από ένα μείγμα βόρειων και νότιων θεμελίων, ως άφθαρτος εθνικός θησαυρός. Η σύγχρονη ζωγραφική σε καμία άλλη χώρα δεν απαθανάτισε μια τόσο πλούσια και πολύχρωμη περιοχή θεμάτων. Σε νέους ή ανακαινισμένους ναούς, εκατοντάδες γιγάντιοι μπαρόκ βωμοί περίμεναν εικόνες αγίων ζωγραφισμένες σε μεγάλους καμβάδες. Σε παλάτια και σπίτια, οι απέραντοι τοίχοι λαχταρούσαν για μυθολογικούς, αλληγορικούς και ειδυλλιακούς πίνακες καβαλέτο. Ναι, και η προσωπογραφία, που εξελίχθηκε τον 16ο αιώνα σε πορτρέτο σε φυσικό μέγεθος, παρέμεινε μια σπουδαία τέχνη με την πλήρη έννοια της λέξης, συνδυάζοντας τη σαγηνευτική φυσικότητα με την αρχοντιά της έκφρασης.

Δίπλα σε αυτόν τον μεγάλο πίνακα, τον οποίο το Βέλγιο μοιραζόταν με την Ιταλία και τη Γαλλία, άκμασε εδώ, συνεχίζοντας τις παλιές παραδόσεις, πρωτότυπη ζωγραφική σε ντουλάπια, κυρίως σε μικρές ξύλινες ή χάλκινες σανίδες, ασυνήθιστα πλούσια, που αγκαλιάζει όλα όσα απεικονίζονται, χωρίς να παραμελεί θρησκευτικά, μυθολογικά ή αλληγορικά θέματα. προτιμώντας την καθημερινότητα όλων των τάξεων του πληθυσμού, ιδιαίτερα των αγροτών, των οδηγών ταξί, των στρατιωτών, των κυνηγών και των ναυτικών σε όλες τις εκφάνσεις της. Το σχεδιασμένο τοπίο ή τα υπόβαθρα των δωματίων αυτών των μικρών μορφών ζωγραφικής μετατράπηκαν σε ανεξάρτητα τοπία και αρχιτεκτονικούς πίνακες στα χέρια ορισμένων δασκάλων. Αυτή η σειρά συμπληρώνεται με εικόνες λουλουδιών, φρούτων και ζώων. Στα φυτώρια και τα κτηνοτροφεία των αρχιδούκων στις Βρυξέλλες, το υπερπόντιο εμπόριο έφερε θαύματα χλωρίδας και πανίδας. Ο πλούτος των μορφών και των χρωμάτων τους δεν θα μπορούσε να αγνοηθεί από τους καλλιτέχνες που κυριαρχούσαν σε όλα.

Παρ' όλα αυτά, στο Βέλγιο δεν υπήρχε πλέον έδαφος για μνημειώδη τοιχογραφία. Με εξαίρεση τους πίνακες του Ρούμπενς στην εκκλησία των Ιησουιτών της Αμβέρσας και μερικές εκκλησιαστικές σειρές τοπίων, οι μεγάλοι δάσκαλοι του Βελγίου δημιούργησαν τους μεγάλους πίνακές τους σε καμβά, τοιχογραφίες και οροφές για ξένους ηγεμόνες και την παρακμή της τεχνικής ταπετσαρίας των Βρυξελλών. που η συμμετοχή του Ρούμπενς έδωσε μόνο μια προσωρινή άνοδο, κατέστησε τη συμμετοχή περιττή.άλλοι Βέλγοι δάσκαλοι, όπως ο Τζόρντανς και ο Τενιέ. Αλλά οι Βέλγοι δάσκαλοι πήραν μια πολύ γνωστή, αν και όχι τόσο βαθιά όσο οι Ολλανδοί, συμμετοχή στην περαιτέρω ανάπτυξη της χαρακτικής και της χαρακτικής. Οι Ολλανδοί εκ γενετής ήταν ακόμη και οι καλύτεροι χαράκτες πριν από τον Ρούμπενς, και η συμμετοχή των μεγαλύτερων Βέλγων ζωγράφων: του Ρούμπενς, του Τζόρντανς, του Βαν Ντάικς, του Μπρούερς και του Τενιέ στη «ζωγραφική χαρακτική» - χάραξη, είναι εν μέρει μόνο παράπλευρη υπόθεση, εν μέρει ακόμη και αμφίβολη.

Η Αμβέρσα, η πλούσια εμπορική πόλη της Κάτω Γερμανίας στο Scheldt, είναι τώρα, περισσότερο από ποτέ, η πρωτεύουσα της ζωγραφικής της Κάτω Ολλανδίας. Η ζωγραφική των Βρυξελλών, ίσως μόνο στο τοπίο που αναζητούσε ανεξάρτητα μονοπάτια, έγινε κλάδος της τέχνης της Αμβέρσας. Ακόμη και η ζωγραφική των παλαιών φλαμανδικών κέντρων τέχνης, της Μπριζ, της Γάνδης και του Μέχελν, στην αρχή ζούσε μόνο από τη σχέση της με τα εργαστήρια της Αμβέρσας. Αλλά στο βαλλονικό τμήμα του Βελγίου, δηλαδή στο Lüttich, μπορεί κανείς να εντοπίσει μια ανεξάρτητη έλξη για τους Ιταλούς και τους Γάλλους.

Για τη γενική ιστορία της φλαμανδικής ζωγραφικής του 17ου αιώνα, εκτός από τις συλλογές λογοτεχνικών πηγών των Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool και Weyermann, τα λεξικά των Immerseel, Kramm και Wurzbach, ενοποιημένα, μόνο εν μέρει ξεπερασμένα, βιβλία των Michiels, Waagen, Waters, Rigel και Philippi είναι σημαντικά. Δεδομένης της κυρίαρχης σημασίας της τέχνης του Scheldt, μπορεί κανείς να αναφέρει και την ιστορία της τέχνης της Αμβέρσας των Van den Branden και Rooses, η οποία φυσικά απαιτεί προσθήκες και αλλαγές. Το σχετικό κεφάλαιο του συγγραφέα αυτού του βιβλίου στο History of Painting του ίδιου και του Woltmann είναι ήδη ξεπερασμένο λεπτομερώς.

Η φλαμανδική ζωγραφική του 17ου αιώνα πέτυχε πλήρη ελευθερία εικονογραφικής διάταξης και εκτέλεσης, εσωτερική ενότητα σχεδίου και χρωμάτων, το πιο απαλό πλάτος και δύναμη στα δημιουργικά χέρια του μεγάλου δασκάλου της Peter Paul Rubens, ο οποίος έκανε την Αμβέρσα το κεντρικό μέρος για την εξαγωγή πίνακες ζωγραφικής για όλη την Ευρώπη. Δεν έλειψαν, ωστόσο, οι μάστορες που στέκονταν στη μετάβαση μεταξύ των παλαιών και των νέων κατευθύνσεων.

Στους εθνικούς ρεαλιστικούς τομείς, με μικρές φιγούρες με φόντο ένα ανεπτυγμένο τοπίο, μόνο απόηχοι του μεγαλείου και της αμεσότητας του Πίτερ Μπρίγκελ του Πρεσβύτερου ζούσαν ακόμα. Η απόδοση του τοπίου στη μεταβατική εποχή παραμένει στο «σκηνικό στυλ» που δημιούργησε η Giliss Van Coninxloo, με το φουντωτό δέντρο φύλλωμα και παρακάμπτοντας τις δυσκολίες της εναέριας και γραμμικής προοπτικής αναπτύσσοντας ξεχωριστούς, εναλλασσόμενους ο ένας μετά τον άλλον, διαφορετικού χρώματος τόνους. Οι ιδρυτές της σημερινής τοπογραφίας, οι αδελφοί της Αμβέρσας Matthäus και Paul Bril (1550-1584 και 1554-1626), προχώρησαν επίσης από αυτό το στυλ υπό όρους, για την ανάπτυξη του οποίου σχεδόν τίποτα δεν είναι γνωστό. Ο Matthäus Bril εμφανίστηκε ξαφνικά ως ζωγράφος τοιχογραφιών τοπίων στο Βατικανό στη Ρώμη. Μετά τον πρόωρο θάνατό του, ο Paul Bril, φίλος του αδελφού του στο Βατικανό, ανέπτυξε περαιτέρω το τότε νέο ολλανδικό στυλ τοπίου. Λίγοι αυθεντικοί πίνακες του Matthäus έχουν διασωθεί. τα περισσότερα προέρχονταν από τον Παύλο, του οποίου τα εκκλησιαστικά και ανακτορικά τοπία στο Βατικανό, στο Λατερανό και στο παλάτι Rospigliosi στη Santa Cecilia και στη Santa Maria Maggiore στη Ρώμη, έχω αναφέρει σε άλλα μέρη. Μόνο σταδιακά περνούν υπό την επιρροή του πιο ελεύθερου, με μεγαλύτερη ενότητα των εκτελεσμένων τοπίων από τον Annibale Carracci, στο ισορροπημένο μεταβατικό ύφος που αναφέρθηκε παραπάνω. Η περαιτέρω ανάπτυξη του Bril, που αποτελεί μέρος της γενικής ιστορίας της ζωγραφικής τοπίου, αντανακλάται στα πολυάριθμα, εν μέρει σημαδεμένα από χρόνια, μικρά τοπία σε σανίδες (1598 στην Πάρμα, 1600 στη Δρέσδη, 1601 στο Μόναχο, 1608 και 1624 στη Δρέσδη , 1609, 1620 και 1624 - στο Λούβρο, 1626 - στην Αγία Πετρούπολη), συνήθως άφθονα σε δέντρα, σπάνια προσπαθώντας να μεταφέρουν μια συγκεκριμένη περιοχή. Σε κάθε περίπτωση, ο Paul Bril ανήκει στους ιδρυτές του στυλ τοπίου, από το οποίο αναπτύχθηκε η τέχνη του Claude Lorrain.

Στην Ολλανδία, ο Josse de Momper της Αμβέρσας (1564 - 1644), που εκπροσωπήθηκε καλύτερα στη Δρέσδη, ανέπτυξε το σκηνικό στυλ Koninxloo σε όμορφα ζωγραφισμένα ορεινά τοπία, όχι ιδιαίτερα πλούσια σε δέντρα, στα οποία «τρία φόντο», μερικές φορές με την προσθήκη ενός τέταρτο ηλιόλουστο, εμφανίζεται συνήθως σε όλη του την καφέ-πράσινη-γκρι-μπλε ομορφιά.

Η επιρροή των παλαιότερων πινάκων του Μπριλ αντανακλάται στον δεύτερο γιο του Πήτερ Μπρίγκελ του Πρεσβύτερου, Γιαν Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος (1568 - 1625), πριν από την επιστροφή του στην Αμβέρσα, το 1596, ο οποίος εργάστηκε στη Ρώμη και το Μιλάνο. Ο Κριβέλι και ο Μισέλ του αφιέρωσαν ξεχωριστά έργα. Ζωγράφισε ως επί το πλείστον μικρές, μερικές φορές μινιατούρες εικόνες που δίνουν την εντύπωση ενός τοπίου ακόμα και όταν αντιπροσωπεύουν βιβλικά, αλληγορικά θέματα ή θέματα του είδους. Είναι αυτοί που τηρούν σταθερά το στυλ Coninksloo με το φουντωτό φύλλωμα, αν και μεταφέρουν πιο διακριτικά τις αμοιβαίες μεταβάσεις των τριών φόντων. Χαρακτηριστικό της ευελιξίας του Jan Brueghel είναι ότι ζωγράφισε τοπία για ζωγράφους όπως ο Balin, φιγούρες για τοπιογράφους όπως ο Momper, στεφάνια με λουλούδια για δασκάλους όπως ο Rubens. Γνωστός για το πρόσφατα και διακριτικά εκτελεσμένο "Fall" του Μουσείου της Χάγης, στο οποίο ο Ρούμπενς ζωγράφισε τον Αδάμ και την Εύα και τον Γιαν Μπρίγκελ τοπία και ζώα. Τα δικά του τοπία, άφθονα εξοπλισμένα με μια ετερόκλητη λαϊκή ζωή, που δεν είναι ακόμα ιδιαίτερα εκφραστικά στη μεταφορά του ουρανού με τα σύννεφα, είναι κυρίως λοφώδεις περιοχές που ποτίζονται από ποτάμια, πεδιάδες με ανεμόμυλους, δρόμους χωριών με σκηνές ταβέρνες, κανάλια με δασώδεις όχθες, πολυσύχναστους επαρχιακούς δρόμους σε δασώδη ύψη και δασικούς δρόμους με ξυλοκόπους και κυνηγούς, παρατήρησε έντονα και πιστά. Οι πρώιμοι πίνακές του μπορούν να φανούν στην Ambrosiana του Μιλάνου. Εκπροσωπείται καλύτερα στη Μαδρίτη, καλά στο Μόναχο, τη Δρέσδη, την Αγία Πετρούπολη και το Παρίσι. Ιδιαίτερη σημασία στην έννοια της αναζήτησης νέων τρόπων ήταν η ζωγραφική του με λουλούδια, η οποία με τον πιο πειστικό τρόπο μετέφερε όχι μόνο την ομορφιά των μορφών και τη φωτεινότητα των χρωμάτων σπάνιων χρωμάτων, αλλά και τους συνδυασμούς τους. Εικόνες από τα χρώματα του πινέλου του έχουν τη Μαδρίτη, τη Βιέννη και το Βερολίνο.

Από τους συνεργάτες του δεν πρέπει να παραλείψουμε τον Hendrik van Balen (1575 - 1632), του οποίου δάσκαλος θεωρείται ο δεύτερος δάσκαλος του Rubens, ο Adam van Noort. Οι ζωγραφιές του στον βωμό (για παράδειγμα, στην Εκκλησία του Ιακώβ στην Αμβέρσα) είναι αφόρητες. Έγινε διάσημος για τους μικρούς, ομαλά ζωγραφισμένους, ζαχαρωμένους πίνακές του σε σανίδες με περιεχόμενο κυρίως από αρχαίους μύθους, για παράδειγμα, η γιορτή των θεών στο Λούβρο, η Αριάδνη στη Δρέσδη, το Gathering Manna στο Brunswick, αλλά οι πίνακές του αυτού του είδους λείπουν επίσης καλλιτεχνική φρεσκάδα και αμεσότητα.

Το μεταβατικό στυλ τοπίου που περιγράφηκε παραπάνω συνεχίστηκε, ωστόσο, μεταξύ των αδύναμων μιμητών μέχρι τις αρχές του 18ου αιώνα. Εδώ μπορούμε να σημειώσουμε μόνο τους ισχυρότερους δασκάλους αυτής της σκηνοθεσίας, που τη μετέφεραν στην Ολλανδία, τον David Winkboons από το Mecheln (1578 - 1629), ο οποίος μετακόμισε από την Αμβέρσα στο Άμστερνταμ, ζωγράφισε φρέσκες σκηνές δασών και χωριών, μερικές φορές και βιβλικά επεισόδια σε ένα τοπίο. σκηνικό, αλλά πολύ πρόθυμα διακοπές ναού μπροστά στις ταβέρνες του χωριού. Οι καλύτεροι πίνακές του στο Άουγκσμπουργκ, το Αμβούργο, το Μπράουνσβαϊγκ, το Μόναχο, την Αγία Πετρούπολη παρατηρούνται πολύ άμεσα και ζωγραφίζονται με ανθισμένα χρώματα, όχι χωρίς δύναμη. Ο Rellant Savery of Courtrai (1576 - 1639), στον οποίο ο Kurt Erasmus αφιέρωσε μια με αγάπη γραπτή μελέτη, μελέτησε τα γερμανικά δασώδη βουνά στην υπηρεσία του Rudolph II, μετά την οποία εγκαταστάθηκε ως ζωγράφος και χαράκτης, πρώτα στο Άμστερνταμ και μετά στην Ουτρέχτη. Γεμάτο φως, που συγχωνεύει σταδιακά τρία αεροπλάνα, αλλά κάπως στεγνά στην εκτέλεση, ορεινά, βραχώδη και δασικά τοπία, που φαίνονται καλά στη Βιέννη και τη Δρέσδη, εξόπλισε με ζωντανές ομάδες άγριων και ήμερων ζώων σε σκηνές κυνηγιού, σε εικόνες ο παράδεισος και ο Ορφέας. Ανήκει επίσης στους πρώτους ανεξάρτητους ζωγράφους λουλουδιών. Ο Adam Willaerts από την Αμβέρσα (1577, πέθανε μετά το 1649), ο οποίος μετακόμισε στην Ουτρέχτη το 1611, ήταν εκπρόσωπος της θαλασσογραφίας αυτού του μεταβατικού στυλ. Οι παράκτιες και θαλάσσιες απόψεις του (για παράδειγμα, στη Δρέσδη, στο Weber στο Αμβούργο, στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν) εξακολουθούν να είναι στεγνές στο μοτίβο των κυμάτων, ακόμα αγενείς στην απεικόνιση της ζωής του πλοίου, αλλά σαγηνευτικές με την ειλικρίνεια της σχέσης τους με τη φύση. Τέλος, ο Alexander Kerrinx της Αμβέρσας (1600 - 1652), ο οποίος μετέφερε τη φλαμανδική τέχνη του τοπίου στο Άμστερνταμ, εξακολουθεί να ακολουθεί τον Coninxloe στους πίνακες με την υπογραφή του, αλλά στους μεταγενέστερους πίνακες του Brunswick και της Δρέσδης, είναι προφανώς επηρεασμένος από τον καφέ ολλανδικό τόνο του Van Goyen. ζωγραφική.. Ανήκει, λοιπόν, στους μεταβατικούς δασκάλους με την πλήρη έννοια του όρου.

Από τους δασκάλους αυτού του τύπου της Αμβέρσας που παρέμειναν στο σπίτι, ο Sebastian Vranks (1573 - 1647) αποκαλύπτει αναμφισβήτητη επιτυχία ως τοπιογράφος και ζωγράφος αλόγων. Απεικονίζει επίσης το φύλλωμα με τη μορφή τσαμπιών, τις περισσότερες φορές κρεμασμένες σαν σημύδα, αλλά του δίνει μια πιο φυσική σύνδεση, δίνει μια νέα σαφήνεια στον ευάερο τόνο και ξέρει πώς να μεταδίδει έναν ζωτικό χαρακτήρα στις ενέργειες των γραμμένων με αυτοπεποίθηση και συνοχή άλογα και καβαλάρηδες της μάχης του και σκηνές ληστών που μπορεί κανείς να δει. , για παράδειγμα, στο Μπράουνσβαϊγκ, στο Ασχάφενμπουργκ, στο Ρότερνταμ και στο Βέμπερ στο Αμβούργο.

Τέλος, στην αρχιτεκτονική ζωγραφική ήδη από τον 16ο αιώνα, ακολουθώντας τα μονοπάτια του Steenwick the Elder, ανέπτυξε ένα μεταβατικό ύφος, που συνίστατο στη σταδιακή αντικατάσταση του γράμματος που ακολουθεί τη φύση με καλλιτεχνική γοητεία, ο γιος του Gendrik Steenwick the Younger (1580 - 1649). ), ο οποίος μετακόμισε στο Λονδίνο, και δίπλα του, ο κύριος Έτσι, ο Πήτερ Νεφς ο Πρεσβύτερος (1578 - 1656), του οποίου οι εσωτερικές απόψεις εκκλησιών βρίσκονται στη Δρέσδη, τη Μαδρίτη, το Παρίσι και την Αγία Πετρούπολη.

Γενικά, η φλαμανδική ζωγραφική ήταν προφανώς στον πολύ σωστό δρόμο επιστροφής στη μικρή τέχνη, όταν η μεγάλη τέχνη του Ρούμπενς υψώθηκε από πάνω της σαν τον ήλιο και την μετέφερε μαζί της στο βασίλειο του φωτός και της ελευθερίας.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - ο ήλιος γύρω από τον οποίο περιστρέφεται όλη η βελγική τέχνη του 17ου αιώνα, αλλά ταυτόχρονα ένας από τους μεγάλους φωτιστές της πανευρωπαϊκής τέχνης αυτής της περιόδου. Σε αντίθεση με όλους τους Ιταλούς ζωγράφους του Μπαρόκ, είναι ο κύριος εκπρόσωπος του Μπαρόκ στη ζωγραφική. Η πληρότητα των μορφών, η ελευθερία κινήσεων, η κυριαρχία στις μάζες, που δίνει γραφικότητα στο μπαρόκ ύφος της αρχιτεκτονικής, στους πίνακες του Ρούμπενς, απαρνούνται τη βαρύτητα της πέτρας και, με τη μεθυστική πολυτέλεια των χρωμάτων, λαμβάνουν ένα ανεξάρτητο, νέο δικαίωμα. να υπάρχει. Με τη δύναμη των μεμονωμένων μορφών, το μεγαλείο της σύνθεσης, την ανθισμένη πληρότητα του φωτός και των χρωμάτων, το πάθος της ζωής στη μεταφορά ξαφνικών ενεργειών, τη δύναμη και τη φωτιά στη συναρπαστική της σωματικής και πνευματικής ζωής του σαρκώδους αρσενικού και θηλυκού του, ντυμένες και αδέσμευτες φιγούρες, ξεπερνά όλους τους άλλους δασκάλους. Το πολυτελές σώμα των ξανθών γυναικών του με γεμάτα μάγουλα, γεμάτα χείλη και χαρούμενο χαμόγελο λάμπει από λευκότητα. Καμμένο από τον ήλιο, το δέρμα των αρσενικών ηρώων του λάμπει και το τολμηρό κυρτό μέτωπό τους ζωντανεύει από ένα ισχυρό τόξο των φρυδιών. Τα πορτρέτα του είναι τα πιο φρέσκα και υγιή, όχι τα πιο ατομικά και οικεία για την εποχή τους. Κανείς δεν ήξερε πώς να αναπαράγει άγρια και εξημερωμένα ζώα τόσο ζωντανά όσο εκείνος, αν και λόγω έλλειψης χρόνου, στις περισσότερες περιπτώσεις, άφηνε τους βοηθούς του να τα απεικονίζουν στους πίνακές του. Στο τοπίο, την εκτέλεση του οποίου ανέθεσε και σε βοηθούς, είδε, πρώτα απ 'όλα, το γενικό αποτέλεσμα λόγω της ατμοσφαιρικής ζωής, αλλά ο ίδιος ζωγράφιζε, ακόμη και σε μεγάλη ηλικία, εκπληκτικά τοπία. Η τέχνη του αγκάλιασε όλο τον κόσμο των πνευματικών και φυσικών φαινομένων, όλη την πολυπλοκότητα του παρελθόντος και του παρόντος. Πίνακες βωμού και πάλι πίνακες βωμού που ζωγράφισε για την εκκλησία. Ζωγράφιζε πορτρέτα και πορτρέτα κυρίως για τον ίδιο και τους φίλους του. Μυθολογικές, αλληγορικές, ιστορικές εικόνες και σκηνές κυνηγιού δημιούργησε για τους μεγάλους αυτού του κόσμου. Οι πίνακες τοπίων και ειδών ήταν περιστασιακές δευτερεύουσες δουλειές.

Οι παραγγελίες έπεσαν βροχή στον Ρούμπενς. Τουλάχιστον δύο χιλιάδες πίνακες βγήκαν από το ατελιέ του. Η μεγάλη ζήτηση για την τέχνη του προκάλεσε τη συχνή επανάληψη ολόκληρων πινάκων ή μεμονωμένων τμημάτων από τα χέρια των μαθητών και των βοηθών του. Στο ζενίθ της ζωής του, συνήθως άφηνε στους βοηθούς του πίνακες ζωγραφικής στο χέρι. Υπάρχουν όλες οι μεταβάσεις ανάμεσα στα δικά του χειρόγραφα έργα και τους πίνακες του στούντιο, για τους οποίους έδωσε μόνο σκίτσα. Με όλη την ομοιότητα των βασικών μορφών και των βασικών διαθέσεων, οι δικοί του πίνακες αποκαλύπτουν σημαντικές αλλαγές στο ύφος, ίδιες με αυτές πολλών συγχρόνων του, από σκληρό πλαστικό μοντελοποίηση και παχιά, βαριά γραφή έως μια ελαφρύτερη, πιο ελεύθερη, φωτεινή εκτέλεση, έως πιο ζωηρά περιγράμματα, έως πιο απαλά, αέρινα μοντελίσματα και γεμάτα διάθεση, που φωτίζονται από τα λουλουδάτα χρώματα της τονικής ζωγραφικής.

Επικεφαλής της πιο πρόσφατης βιβλιογραφίας για τον Ρούμπενς βρίσκεται το ευρέως σχεδιασμένο σωρευτικό έργο του Μαξ Ρούμπενς: Τα Έργα του Ρούμπενς (1887-1892). Τα καλύτερα και πιο σημαντικά βιογραφικά έργα είναι αυτά των Rooses και Michel. Συλλεκτικά έργα, μετά τον Waagen, εκδόθηκαν επίσης από τους Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg και Wilhelm Bode. Ξεχωριστές ερωτήσεις σχετικά με τον Ρούμπενς αναλύθηκαν από τους Ρούελενς, Βόλτμαν, Ρίγκελ, Γκέλερ φον Ράβενσμπουργκ, Γκρόσμαν, Ρίμανς και άλλους. Ο Ρούμπενς, ως χαράκτης, ασχολήθηκε με το Gimans και το Voorthelm-Schnevogt.

Ο Ρούμπενς γεννήθηκε στο Siegen, κοντά στην Κολωνία, από την αξιοσέβαστη Αμβέρσα και έλαβε την πρώτη του καλλιτεχνική εκπαίδευση στην πόλη των πατέρων του από τον Tobias Verhegt (1561 - 1631), έναν μέτριο τοπιογράφο του μεταβατικού στυλ, στη συνέχεια σπούδασε για τέσσερα χρόνια με τον Adam Van. Noort (1562 - 1641), ένας από τους μέσους δάσκαλους του ήπιου ιταλισμού, όπως είναι σήμερα γνωστό, και στη συνέχεια δούλεψε για άλλα τέσσερα χρόνια με τον Otto Van Ven, έναν πλούσιο σε μυθοπλασία, άδειο σε μορφές ψευδούς κλασικού, στον οποίο πρώτα εντάχθηκε στενά και το 1598 έγινε μάστορας της συντεχνίας. Το 1908, ο Habertzwil αφιέρωσε λεπτομερή άρθρα στους τρεις δασκάλους του Rubens. Είναι αδύνατο να δημιουργηθεί με βεβαιότητα μια ενιαία εικόνα της πρώιμης περιόδου της Αμβέρσας του Ρούμπενς. Από το 1600 έως το 1608 έζησε στην Ιταλία. πρώτα στη Βενετία, μετά κυρίως στην υπηρεσία του Vincenzo Gonzaga στη Μάντοβα. Όμως ήδη το 1601, στη Ρώμη, για τους τρεις βωμούς της εκκλησίας του Santa Croce στη Gerusalemme, ζωγράφισε την εύρεση του σταυρού, την στέψη με αγκάθια και την ύψωση του σταυρού. Αυτοί οι τρεις πίνακες, που τώρα ανήκουν στο παρεκκλήσι ενός νοσοκομείου στο Grasse, στη νότια Γαλλία, αποκαλύπτουν το ύφος της πρώτης του ιταλικής περιόδου, αναζητώντας ακόμα τον εαυτό του, επηρεασμένος ακόμα από αντίγραφα των Tintoretto, Titian και Correggio, αλλά ήδη γεμάτος ανεξάρτητες προσπάθειες. για δύναμη και κίνηση. Το 1603, ο νεαρός κύριος πήγε στην Ισπανία με εντολή του πρίγκιπά του. Από τους πίνακες που ζωγράφισε εκεί, οι μορφές των φιλοσόφων Ηράκλειτου, Δημόκριτου και Αρχιμήδη στο Μουσείο της Μαδρίτης αποκαλύπτουν ακόμη πομπώδεις, εξαρτημένες μορφές, αλλά και έντονη εντύπωση στο ψυχολογικό βάθος. Επιστρέφοντας στη Μάντοβα, ο Ρούμπενς ζωγράφισε ένα μεγάλο τριμερή βωμό, η μεσαία εικόνα του οποίου, με τον φόρο τιμής της οικογένειας Γκονζάγκα στον Αγ. Τριάδα, διατηρήθηκε σε δύο μέρη στη βιβλιοθήκη της Μάντοβα και από τις πλατιές, άφθονες πλαϊνές ζωγραφιές, που έδειχναν τη διαρκώς αυξανόμενη δύναμη των μορφών και των ενεργειών των μαζών, η Βάπτιση του Χριστού κατέληξε στο Μουσείο της Αμβέρσας και η Μεταμόρφωση στην το μουσείο Nancy. Στη συνέχεια, το 1606, ο δάσκαλος ζωγράφισε ξανά στη Ρώμη για την Chiesa Nuova ένα υπέροχο, ήδη γεμάτο ρουμπενσιανή δύναμη στις γεμάτες φως φιγούρες του, τον βωμό της Κοίμησης του Αγίου. Gregory», που τώρα ανήκει στο Μουσείο της Γκρενόμπλ, και στη Ρώμη αντικαταστάθηκε ήδη το 1608 από άλλους τρεις, καθόλου καλύτερους πίνακες του ίδιου δασκάλου. Πιο ξεκάθαρα θυμίζει το στυλ του Καραβάτζιο η θεαματική «Περιτομή του Χριστού» του 1607 στο Sant'Ambrogio της Γένοβας. Ωστόσο, ερευνητές όπως ο Rooses και ο Rosenberg αποδίδουν τον δάσκαλο στην ιταλική περίοδο, όταν αντέγραψε τα έργα των Τιτσιάνο, Τιντορέτο, Κορρέτζιο, Καραβάτζιο, Λεονάρντο, Μιχαήλ Άγγελο και Ραφαήλ, καθώς και μια σειρά από πίνακες ζωγραφικής με το πινέλο του, προφανώς, ωστόσο, γραμμένοι. αργότερα. Μεγάλες αλληγορίες επίδειξης και αρετής στη Δρέσδη, με καταγωγή από τη Μάντοβα, έντονες σε μορφή και χρώμα, αν δεν γράφτηκαν, όπως νομίζει ο Μισέλ μαζί μας, γύρω στο 1608 στη Μάντοβα, τότε μάλλον παραδεχόμαστε, μαζί με τον Μπόντε, ότι εμφανίστηκαν σύμφωνα με επιστροφή του Ρούμπενς στην πατρίδα του παρά με τον Ρούζερς, που γράφτηκαν πριν από το ιταλικό του ταξίδι στην Αμβέρσα. Η με αυτοπεποίθηση σχεδιασμένη και πλαστικά διαμορφωμένη εικόνα του Ιερώνυμου στη Δρέσδη αποκαλύπτει επίσης έναν περίεργο ρουμπενσιανό τρόπο, ίσως και πολύ ανεπτυγμένο για την ιταλική του περίοδο, στην οποία αποδίδουμε τώρα αυτήν την εικόνα. Μετά την επιστροφή του Ρούμπενς το 1608 στην Αμβέρσα, ήδη το 1609 διορίστηκε ζωγράφος της αυλής του Άλμπρεχτ και της Ισαβέλλας και το στυλ του, ήδη ανεξάρτητο, εξελίχθηκε γρήγορα σε μεγαλειώδη δύναμη και μεγαλοπρέπεια.

Ακατάστατο στη σύνθεση, ανήσυχο στο περίγραμμα, ανομοιόμορφο σε εφέ φωτισμού είναι η Προσκύνηση των Μάγων του (1609-1610) στη Μαδρίτη, που χαρακτηρίζεται, ωστόσο, από μια ισχυρή κίνηση. Γεμάτος ζωή και πάθος, ισχυρός στη μυϊκή μοντελοποίηση σωμάτων, η περίφημη τριμερής εικόνα του «Ύψωση του Σταυρού» στον Καθεδρικό Ναό της Αμβέρσας. Πιο δυνατές ιταλικές μνήμες γίνονται αισθητές σε ταυτόχρονες μυθολογικές εικόνες, όπως η Αφροδίτη, ο Έρως, ο Βάκχος και η Δήμητρα στο Κάσελ και ο εύσωμος, αλυσοδεμένος Προμηθέας στο Όλντενμπουργκ. Χαρακτηριστικά παραδείγματα πορτραίτου μεγάλης κλίμακας αυτής της εποχής είναι τα τοπικά πορτρέτα του Άλμπρεχτ και της Ισαβέλλας στη Μαδρίτη και η υπέροχη εικόνα του Μονάχου, που αναπαριστά σε μια κληματαριά τον ίδιο τον κύριο με τη νεαρή σύζυγό του, Ισαβέλλα Μπραντ, που έφεραν πίσω στην πατρίδα του το 1609. , μια ασύγκριτη εικόνα ήρεμης αγνή αγάπης ευτυχίας.

Η τέχνη του Ρούμπενς ανακάλυψε μια περαιτέρω πτήση μεταξύ 1611 και 1614. Ο τεράστιος πίνακας «Κάθοδος από τον Σταυρό» με το μεγαλοπρεπές «Visit Mary Elizabeth» και «Entrance into the Temple» στα φτερά, στον Καθεδρικό Ναό της Αμβέρσας, θεωρείται το πρώτο έργο στο οποίο ο πλοίαρχος έφερε τους τύπους του και τον τρόπο γραφής του. στην πλήρη ανάπτυξη. Υπέροχη είναι η παθιασμένη ζωντάνια των μεμονωμένων κινήσεων, ακόμα πιο υπέροχη η διεισδυτική δύναμη της εικαστικής απόδοσης. Μυθολογικοί πίνακες όπως ο «Ρωμύλος και ο Ρέμος» στην γκαλερί Capitoline, «Faun and Faun» στην γκαλερί Schonborn της Βιέννης ανήκουν επίσης σε αυτά τα χρόνια.

Πίνακες του Ρούμπενς το 1613 και το 1614, με αυτοπεποίθηση στη σύνθεση, με σαφώς καθορισμένες μορφές και χρώματα, είναι μερικοί πίνακες που χαρακτηρίζονται ως εξαίρεση με το όνομά του και το έτος εκτέλεσης. Τέτοιοι είναι οι καθαροί σε μορφή, όμορφοι στα χρώματα πίνακας «Δίας και Καλλιστώ» (1613), γεμάτος μαγικό φως «Flight into Egypt» στο Kassel, «Frozen Venus» (1614) στην Αμβέρσα, αξιολύπητος «Lamentation» (1614) στο Η Βιέννη και η «Σουζάνα» (1614) στη Στοκχόλμη, το σώμα της οποίας είναι αναμφίβολα πιο ευχάριστο και πιο κατανοητό από το υπερβολικά πολυτελές σώμα της προηγούμενης Σουζάνας του στη Μαδρίτη. από άποψη ζωγραφικής, ισχυρές συμβολικές εικόνες του μοναχικού σταυρωμένου Χριστού με φόντο έναν σκοτεινό ουρανό στο Μόναχο και την Αμβέρσα γειτνιάζουν με αυτούς τους πίνακες.

Από εκείνη την εποχή, οι παραγγελίες στο στούντιο του Ρούμπενς συσσωρεύτηκαν σε τέτοιο βαθμό που έδωσε στους βοηθούς του μια πιο εμφανή συμμετοχή στην εκτέλεση των έργων του. Το παλαιότερο, εκτός από τον Jan Brueghel, ανήκει στον εξαιρετικό ζωγράφο ζώων και φρούτων Frans Snyders (1579 - 1657), σύμφωνα με τον ίδιο τον Rubens, ο οποίος ζωγράφισε τον αετό στον πίνακα του Όλντενμπουργκ με τον Προμηθέα που αναφέραμε παραπάνω, και τον ζωηρό τοπιογράφο Jan Wildens ( 1586 - 1653), ο οποίος εργάστηκε από το 1618 για τον Ρούμπενς. Ο πιο αξιόλογος συνεργάτης ήταν ο Anton van Dyck (1599 - 1641), ο οποίος αργότερα έγινε ανεξάρτητη προσωπικότητα. Σε κάθε περίπτωση, έχοντας γίνει κύριος το 1618, ήταν μέχρι το 1620 το δεξί χέρι του Ρούμπενς. Οι πίνακες του ίδιου του Ρούμπενς αυτών των χρόνων συνήθως αντιπαραβάλλουν τη γαλαζωπή μισοφέγγαρα του σώματος με μια κοκκινοκίτρινη κηλίδα φωτός, ενώ οι πίνακες με την ξεκάθαρη συνεργασία του Van Dyck διακρίνονται από ένα ομοιόμορφο ζεστό chiaroscuro και μια πιο νευρική εικαστική μετάδοση. Ανάμεσά τους υπάρχουν έξι μεγάλες, ζωγραφισμένες με ενθουσιασμό εικόνες από τη ζωή του Ρωμαίου προξένου Decius Moussa, στο παλάτι του Λιχτενστάιν στη Βιέννη, τα χαρτόνια των οποίων ο Ρούμπενς έφτιαξε για υφαντά χαλιά το 1618 (τα σωζόμενα αντίγραφα βρίσκονται στη Μαδρίτη) και μεγάλοι διακοσμητικοί πίνακες ζωγραφικής (διατηρούνται μόνο σκίτσα σε διάφορες συλλογές), και μερικά από τα θεαματικά σε σύνθεση, με πολλές μορφές των βωμών αυτής της εκκλησίας, «Το θαύμα του Αγ. Xavier» και «Miracle of St. Ignatius», που σώθηκε από το Μουσείο της Αυλής της Βιέννης. Η συνεργασία του Van Dyck είναι επίσης αναμφισβήτητη στην τεράστια Σταύρωση στην Αμβέρσα, στην οποία ο Longinus, έφιππος, τρυπάει την πλευρά του Σωτήρος με δόρυ, στη Madonna με μετανοούντες αμαρτωλούς στο Κάσελ και σύμφωνα με τον Bode επίσης στην Ημέρα της Τριάδας του Μονάχου και στον Λάζαρο του Βερολίνου, σύμφωνα με τον Rooses και στο δραματικό κυνήγι του λιονταριού και στην όχι λιγότερο δραματική, παθιασμένη και γρήγορη απαγωγή των κορών του Λεύκιππου στο Μόναχο. Όλοι αυτοί οι πίνακες λάμπουν όχι μόνο με την τολμηρή δύναμη της σύνθεσης του Ρούμπενς, αλλά και με τη διεισδυτική λεπτότητα της αίσθησης της ζωγραφικής του Βαν Ντικ. Ανάμεσα στους ζωγραφικούς πίνακες ζωγραφικής στο χέρι, που ζωγράφισε στα κύρια μέρη ο ίδιος ο Ρούμπενς μεταξύ 1615 και 1620, υπάρχουν επίσης οι καλύτεροι θρησκευτικοί πίνακες - γεμάτοι με εξωφρενικές, ταραγμένες μαζικές κινήσεις "The Last Judgment" στο Μόναχο και γεμάτοι εσωτερικά κινούμενα σχέδια "Assumption of Παναγία» στις Βρυξέλλες και στη Βιέννη, καθώς και αριστουργηματικούς μυθολογικούς πίνακες, πολυτελή «βαχανάλια» και εικόνες του «Θιάζου» στο Μόναχο, το Βερολίνο, την Αγία Πετρούπολη και τη Δρέσδη, όπου μεταφράζεται η δύναμη της ξεχειλισμένης αισθησιακής χαράς της ζωής. από τα ρωμαϊκά στα φλαμανδικά, προφανώς φτάνει σε πλήρη έκφραση για πρώτη φορά. Εδώ γειτνιάζει η «Μάχη των Αμαζόνων» στο Μόναχο (1620 περίπου), μια δημιουργία απρόσιτη με την έννοια της γραφικής μετάδοσης της πιο βίαιης συμπλοκής και μάχης, αν και γραμμένη σε μικρό μέγεθος. Έπειτα, υπάρχουν γυμνά παιδιά σε φυσικό μέγεθος, όπως εξαιρετικός στόκος με μια γιρλάντα από φρούτα στο Μόναχο, μετά βίαιες σκηνές κυνηγιού, κυνήγι λιονταριών, από τα οποία το καλύτερο είναι στο Μόναχο, και κυνήγι κάπρου, από τα οποία το καλύτερο κρέμεται στη Δρέσδη. Ακολουθούν οι πρώτοι πίνακες τοπίων με μυθολογικές προσθήκες, για παράδειγμα, η πλήρης διάθεση του Ναυαγίου του Αινεία στο Βερολίνο ή με φυσικό περιβάλλον, όπως το λαμπερό ρωμαϊκό τοπίο με τα ερείπια στο Λούβρο (περίπου 1615) και τα τοπία γεμάτα ζωή «Καλοκαίρι» και «Χειμώνας (περίπου 1620) στο Ουίνδσορ. Με μεγαλοπρέπεια, γραμμένα ευρέως και αληθινά, χωρίς υπαινιγμό των παλαιών μανιερισμών, φωτισμένα από το φως κάθε είδους ουράνιων εκδηλώσεων, στέκονται σαν ορόσημα στην ιστορία της τοπογραφίας.

Ξεκάθαρα, μεγαλοπρεπώς, δυνατά, εμφανίζονται επιτέλους τα πορτρέτα του Ρούμπενς αυτής της πενταετίας. Ένα αριστοτεχνικό έργο της αυτοπροσωπογραφίας του στο Ουφίτσι, η ομάδα πορτρέτων του "Τέσσερις Φιλόσοφοι" στο Παλάτι Πίτι είναι υπέροχο. Στο απόγειο της ομορφιάς της βρίσκεται η σύζυγός του Ισαβέλλα στα ευγενή πορτρέτα του Βερολίνου και της Χάγης. Γύρω στο 1620, ένα εκπληκτικό πορτρέτο της Susanna Fuhrman με ένα καπέλο με φτερό, με το πιο λεπτό chiaroscuro, ζωγραφίστηκε επίσης στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου. Τα διάσημα ανδρικά πορτρέτα του δασκάλου αυτών των χρόνων μπορείτε να τα δείτε στο Μόναχο και στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν. Με πόσο πάθος απεικόνιζε ο Ρούμπενς επεισόδια από την ιερή παγκόσμια ιστορία, σκηνές κυνηγιού, ακόμη και τοπία, ζωγράφισε τις φιγούρες του πορτραίτου εξίσου ήρεμα, όντας σε θέση να μεταδώσει το σωματικό τους κέλυφος με μνημειώδη δύναμη και αλήθεια, αλλά χωρίς να προσπαθεί να πνευματοποιηθεί εσωτερικά, αντιληπτή μόνο γενικά , τα χαρακτηριστικά του προσώπου.

Ο Van Dyck άφησε το Rubens το 1620 και η σύζυγός του Isabella Brant πέθανε το 1626. Μια νέα ώθηση για την τέχνη του ήταν ο εκ νέου γάμος του με την όμορφη νεαρή Helena Furman το 1630. Ωστόσο, τα καλλιτεχνικά και διπλωματικά του ταξίδια στο Παρίσι λειτούργησαν επίσης ως ώθηση (1622, 1623, 1625), Μαδρίτη (1628, 1629) και Λονδίνο (1629, 1630). Από τις δύο μεγάλες ιστορικές σειρές με αλληγορίες, 21 τεράστιοι πίνακες από τη ζωή της Marie de Medici (την ιστορία έγραψε ο Grossman) ανήκουν πλέον στα καλύτερα διακοσμητικά του Λούβρου. Σκιαγραφημένοι από το αριστοτεχνικό χέρι του Ρούμπενς, ζωγραφισμένοι από τους μαθητές του, τελειωμένοι από τον ίδιο, αυτοί οι ιστορικοί πίνακες είναι γεμάτοι με πολλά σύγχρονα πορτρέτα και αλληγορικές μυθολογικές φιγούρες στο πνεύμα του σύγχρονου μπαρόκ και παρουσιάζουν μια τέτοια μάζα από ατομικές ομορφιές και τέτοια καλλιτεχνική αρμονία που θα παραμείνουν για πάντα τα καλύτερα έργα ζωγραφικής του 17ου αιώνα. Από μια σειρά από πίνακες της ζωής του Ερρίκου Δ' της Γαλλίας, δύο μισοτελειωμένοι κατέληξαν στο Ουφίτσι. σκίτσα για άλλους φυλάσσονται σε διαφορετικές συλλογές. Οι εννέα πίνακες που δοξάζουν τον Ιάκωβο Α' της Αγγλίας, με τους οποίους ο Ρούμπενς λίγα χρόνια αργότερα διακόσμησε τα χωράφια της κεντρικής αίθουσας στο White Hall, μαυρισμένα από την αιθάλη του Λονδίνου, είναι αγνώριστοι, αλλά οι ίδιοι δεν ανήκουν στα πιο επιτυχημένα έργα του πλοιάρχου .

Από τους θρησκευτικούς πίνακες που ζωγράφισε ο Ρούμπενς στη δεκαετία του 20, η μεγάλη φλογερή "Λατρεία των Μάγων" στην Αμβέρσα, που ολοκληρώθηκε το 1625, σηματοδοτεί και πάλι μια καμπή στην καλλιτεχνική του ανάπτυξη με το πιο ελεύθερο και ευρύτερο πινέλο, την ελαφρύτερη γλώσσα των μορφών και πιο χρυσή. , αέρινος χρωματισμός.. Η ανάλαφρη, ευάερη «Κοίμηση της Θεοτόκου» του Καθεδρικού Ναού της Αμβέρσας ολοκληρώθηκε το 1626. Ακολουθεί η γραφική, δωρεάν «Προσκύνηση των Μάγων» στο Λούβρο και «Η Εκπαίδευση της Παναγίας» στην Αμβέρσα. Στη Μαδρίτη, όπου ο δάσκαλος σπούδασε και πάλι τον Τιτσιάνο, ο χρωματισμός του έγινε πιο πλούσιος και «ανθισμένος». Η «Μαντόνα» με αγίους να τη λατρεύουν στην εκκλησία των Αυγουστινίων στην Αμβέρσα είναι μια πιο μπαρόκ επανάληψη της Frari Madonna του Τιτσιάνο. Ένα ουσιαστικά αναθεωρημένο μέρος του «Θριάμβου του Καίσαρα» της Mantegna, που βρίσκεται το 1629 στο Λονδίνο (τώρα στην Εθνική Πινακοθήκη), κρίνοντας από την επιστολή της, θα μπορούσε επίσης να εμφανιστεί μόνο μετά από αυτό το διάστημα. Αυτή η δεκαετία είναι ιδιαίτερα πλούσια σε μεγάλα πορτρέτα του πλοιάρχου. Μεγαλύτερη, αλλά ακόμα γεμάτη ζεστασιά, είναι η Isabella Brant σε ένα όμορφο πορτρέτο του Ερμιτάζ. ήδη πιο έντονα χαρακτηριστικά αντιπροσωπεύονται από το πορτρέτο στο Ουφίτσι. Από τα πιο ωραία και πολύχρωμα είναι το διπλό πορτρέτο των γιων του στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν. Το εκφραστικό πορτρέτο του Caspar Gevaert στο γραφείο του στην Αμβέρσα είναι διάσημο. Και ο ίδιος ο ηλικιωμένος κύριος εμφανίζεται μπροστά μας με ένα λεπτό διπλωματικό χαμόγελο στα χείλη του σε ένα όμορφο πορτρέτο προτομής της Αρεμβέργης στις Βρυξέλλες.

Η τελευταία δεκαετία που έπεσε στον κλήρο του Ρούμπενς (1631 - 1640) βρισκόταν κάτω από το αστέρι της αγαπημένης του δεύτερης συζύγου, Έλενας Φούρμαν, την οποία ζωγράφισε σε όλες τις μορφές, και που τον υπηρέτησε ως φύση για θρησκευτικούς και μυθολογικούς πίνακες. Τα καλύτερα πορτρέτα της από τον Ρούμπενς ανήκουν στα πιο όμορφα γυναικεία πορτρέτα στον κόσμο: μισό μήκος, με πλούσιο φόρεμα, καπέλο με φτερό. Σε φυσικό μέγεθος, καθιστή, με ένα πολυτελές φόρεμα ανοιχτό στο στήθος. σε μια μικρή μορφή, δίπλα στον σύζυγό της για μια βόλτα στον κήπο - είναι στο Pinakothek του Μονάχου. γυμνό, μόνο εν μέρει καλυμμένο με γούνινο μανδύα - στο Μουσείο της Αυλής της Βιέννης. σε ένα κοστούμι για περπάτημα στο χωράφι - στο Ερμιτάζ. με το πρωτότοκό της στα φύλλα, αγκαλιά με τον σύζυγό της, και επίσης στο δρόμο, συνοδευόμενη από μια σελίδα - στον βαρόνο Alphonse Rothschild στο Παρίσι.

Τα σημαντικότερα εκκλησιαστικά έργα αυτής της ακμάζουσας, λαμπερής ύστερης εποχής του μαστού είναι η μεγαλειώδης και ήρεμη σύνθεση, που λάμπει με όλα τα χρώματα του ουράνιου τόξου, ο βωμός του Αγ. Ildefons με ισχυρές φιγούρες δωρητών στις πόρτες του Μουσείου της Αυλής της Βιέννης και έναν υπέροχο βωμό στο ταφικό παρεκκλήσι του Ρούμπενς στην Εκκλησία του Ιακώβ στην Αμβέρσα, με αγίους της πόλης ζωγραφισμένους από πρόσωπα κοντά στον πλοίαρχο. Πιο απλά έργα, όπως: St. Η Cecilia στο Βερολίνο και η υπέροχη Bathsheba στη Δρέσδη δεν υστερούν σε τόνους και χρώματα. Μεταξύ των πολύτιμων μυθολογικών εικόνων αυτής της περιόδου είναι οι αστραφτερές κρίσεις του Παρισιού στο Λονδίνο και τη Μαδρίτη. και τι παθιασμένη ζωντάνια αναπνέει το κυνήγι της Νταϊάνα στο Βερολίνο, πόσο παραμυθένια πολυτελή η γιορτή της Αφροδίτης στη Βιέννη, τι μαγικό φως φωτίζει τον Ορφέα και την Ευρυδίκη στη Μαδρίτη!

Προπαρασκευαστικές για αυτού του είδους τους πίνακες είναι μερικές εικόνες του είδους του πλοιάρχου. Έτσι, ο χαρακτήρας του μυθολογικού είδους αποτυπώνει το τολμηρά αισθησιακό, σε φυσικό μέγεθος «Hour of Date» στο Μόναχο.

Τα πρωτότυπα όλων των κοσμικών σκηνών του Watteau είναι οι περίφημοι, με ιπτάμενους θεούς της αγάπης, πίνακες που ονομάζονται «Gardens of Love», με ομάδες πολυτελώς ντυμένων ερωτευμένων ζευγαριών σε ένα φεστιβάλ στον κήπο. Ένα από τα καλύτερα έργα αυτού του είδους ανήκει στον Baron Rothschild στο Παρίσι, το άλλο βρίσκεται στο Μουσείο της Μαδρίτης. Οι πιο σημαντικοί πίνακες του είδους με μικρές φιγούρες από τη λαϊκή ζωή, ζωγραφισμένοι από τον Ρούμπενς, είναι ο μεγαλειώδης και ζωτικής σημασίας, καθαρά ρουμπενσιανός χωρικός χορός στη Μαδρίτη, το τουρνουά μισού τοπίου μπροστά από την τάφρο του κάστρου, στο Λούβρο και η έκθεση. στην ίδια συλλογή, τα κίνητρα της οποίας θυμίζουν ήδη Teniers.

Τα περισσότερα από τα πραγματικά τοπία του Ρούμπενς ανήκουν επίσης στα τελευταία χρόνια της ζωής του: τέτοιο είναι το λαμπερό τοπίο με τον Οδυσσέα στο παλάτι Pitti, τέτοια είναι τα τοπία, νέα στο σχεδιασμό, καλλιτεχνικά εξηγούμενα, με μια απλή και ευρεία εικόνα του περιβάλλοντος , η επίπεδη περιοχή στην οποία βρισκόταν η ντάκα του Ρούμπενς, και με μια μαγευτική, γεμάτη διάθεση μεταφορικών ουρανών. Τα πιο όμορφα είναι το πύρινο ηλιοβασίλεμα στο Λονδίνο και τα τοπία με ουράνιο τόξο στο Μόναχο και την Αγία Πετρούπολη.

Ό,τι κι αν ανέλαβε ο Ρούμπενς, μετέτρεψε τα πάντα σε λαμπερό χρυσάφι. και όποιος ερχόταν σε επαφή με την τέχνη του, ως συνεργάτης ή οπαδός, δεν μπορούσε πλέον να ξεφύγει από τον φαύλο κύκλο του.

Από τους πολυάριθμους μαθητές του Rubens, μόνο ο Anton van Dyck (1599 - 1641) - του οποίου το φως, φυσικά, παραπέμπει στο φως του Rubens, όπως το σεληνιακό φως του ήλιου - φτάνει στους ουρανούς της τέχνης με ένα κεφάλι που φωτίζεται από λαμπρότητα. Αν και ο Μπάλεν θεωρείται ο πραγματικός του δάσκαλος, ο ίδιος ο Ρούμπενς τον αποκάλεσε μαθητή του. Εν πάση περιπτώσει, η νεανική του ανάπτυξη, απ' όσο γνωρίζουμε, ήταν υπό την επιρροή του Ρούμπενς, από τον οποίο δεν παρεκκλίνει ποτέ εντελώς, αλλά, σύμφωνα με την πιο εντυπωσιακή ιδιοσυγκρασία του, ξαναδουλεύει με έναν πιο νευρικό, απαλό και λεπτό τρόπο στη ζωγραφική. και λιγότερο δυνατό στο σχέδιο.. Μια μακρά παραμονή στην Ιταλία τον μετέτρεψε τελικά σε ζωγράφο και δεξιοτέχνη των χρωμάτων. Δεν ήταν δουλειά του να εφεύρει και να επιδεινώσει δραματικά τη ζωντανή δράση, αλλά ήξερε πώς να τοποθετεί φιγούρες στους ιστορικούς πίνακές του σε σαφώς μελετημένες σχέσεις μεταξύ τους και να μεταδίδει στα πορτρέτα του τα λεπτά χαρακτηριστικά της κοινωνικής θέσης, που έγινε ο αγαπημένος ζωγράφος των ευγενών της εποχής του.

Τα τελευταία έργα σύνοψης για τον Van Dyck είναι των Michiels, Giffrey, Kust και Schaeffer. Ξεχωριστές σελίδες της ζωής και της τέχνης του εξήγησαν οι Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti και ο συγγραφέας αυτού του βιβλίου. Ακόμη και τώρα διαφωνούν για τη διάκριση μεταξύ διαφορετικών περιόδων ζωής, που συνδέονταν κυρίως με τα ταξίδια. Σύμφωνα με τις τελευταίες έρευνες, εργάστηκε μέχρι το 1620 στην Αμβέρσα, το 1620 - 1621 στο Λονδίνο, το 1621 - 1627 στην Ιταλία, κυρίως στη Γένοβα, με ένα διάλειμμα από το 1622 έως το 1623, όπως έδειξε ο Rooses, πιθανότατα στο σπίτι, το 1627 - 1628 στην Ολλανδία, μετά ξανά στην Αμβέρσα, και από το 1632 ως αυλικός ζωγράφος του Καρόλου Α' στο Λονδίνο, όπου πέθανε το 1641, και κατά την περίοδο αυτή, το 1634 - 1635 ήταν στις Βρυξέλλες, το 1640 και το 1641 στην Αμβέρσα και το Παρίσι.

Δεν υπάρχουν σχεδόν καθόλου πρώιμα έργα του Van Dyck στα οποία η επιρροή του Rubens δεν θα ήταν αισθητή. Ακόμη και η πρώιμη Αποστολική του σειρά δείχνει ήδη ίχνη του Ρουμπενσιανού τρόπου. Από αυτά, μερικά από τα αρχικά κεφάλια σώζονται στη Δρέσδη, άλλα στο Althorp. Ανάμεσα στους θρησκευτικούς πίνακες που φιλοτέχνησε ο Van Dyck σύμφωνα με το δικό του σχέδιο, με δικό του κίνδυνο και κίνδυνο, από το 1618 έως το 1620, ενώ βρισκόταν στην υπηρεσία του Rubens, ανήκουν στο «Μαρτύριο του Αγ. Sebastian», με την υπερφορτωμένη παλιά σύνθεση «Lamentation of Christ» και «Bathing Susanna» στο Μόναχο. «Ο Θωμάς στην Αγία Πετρούπολη», «Το Χάλκινο Φίδι» στη Μαδρίτη. Κανένας από αυτούς τους πίνακες δεν μπορεί να καυχηθεί για τέλεια σύνθεση, αλλά είναι καλά βαμμένος και ανθισμένος στο χρώμα. Το «Jerome» της Δρέσδης είναι γραφικό και βαθιά αισθητό στην ψυχή, αντιπροσωπεύοντας μια ζωντανή αντίθεση με τον γειτονικό πιο ήρεμο και χονδρικά γραμμένο Jerome Rubens.

Στη συνέχεια ακολουθούν: Η κοροϊδία του Χριστού στο Βερολίνο, ο πιο δυνατός και εκφραστικός από αυτούς τους ημι-Ρούμπενς πίνακες, και όμορφος στη σύνθεση, αναμφίβολα σκιαγραφημένος από τους Rubens, St. Martin» στο Windsor, καθισμένος σε ένα άλογο, απλώνοντας έναν μανδύα σε έναν ζητιάνο. Η απλοποιημένη και πιο αδύναμη επανάληψη αυτού του Μάρτιν στην εκκλησία του Σάβενταμ είναι πιο κοντά στον μεταγενέστερο τρόπο του κυρίου.

Ο Van Dyck είναι ένας σπουδαίος καλλιτέχνης σε αυτήν την εποχή του Rubens, ειδικά στα πορτρέτα του. Μερικά από αυτά, συνδυάζοντας τα γνωστά πλεονεκτήματα και των δύο δασκάλων, αποδόθηκαν στον Ρούμπενς τον 19ο αιώνα, μέχρι που ο Μπόντε τα επέστρεψε στον Βαν Ντικ. Είναι πιο ατομικά σε ατομικά χαρακτηριστικά, πιο νευρικά στην έκφραση, πιο απαλά και βαθύτερα στη γραφή από τα ταυτόχρονα πορτρέτα του Ρούμπενς. Τα παλαιότερα από αυτά τα ημι-Ρούμπενς πορτρέτα του Van Dyck είναι και τα δύο πορτρέτα προτομής ενός ηλικιωμένου παντρεμένου ζευγαριού το 1618 στη Δρέσδη, τα πιο όμορφα είναι οι μισές φιγούρες δύο παντρεμένων ζευγαριών στην γκαλερί του Λιχτενστάιν: μια γυναίκα με χρυσό κορδόνι στο στήθος της , ένας κύριος που τραβάει γάντια και κάθεται μπροστά σε μια κόκκινη κουρτίνα κυρία με ένα παιδί στην αγκαλιά της, στη Δρέσδη. Η υπέροχη Isabella Brant του Ερμιτάζ του ανήκει και από το Λούβρο ένα διπλό πορτρέτο του υποτιθέμενου Jean Grusset Richardeau και του γιου του που στέκεται δίπλα του. Από τα διπλά πορτρέτα, είναι γνωστοί οι σύζυγοι που στέκονται ο ένας δίπλα στον άλλο - το πορτρέτο του Φρανς Σνάιντερς και της συζύγου του με πολύ αναγκαστικές πόζες, ο Γιαν ντε Βάελ και η γυναίκα του στο Μόναχο, είναι το πιο γραφικό. Τέλος, στις νεανικές αυτοπροσωπογραφίες του δασκάλου, με μια στοχαστική, γεμάτη αυτοπεποίθηση ματιά, στην Αγία Πετρούπολη, στο Μόναχο και στο Λονδίνο, η ίδια η ηλικία του, περίπου είκοσι, υποδηλώνει μια πρώιμη περίοδο.

Από θρησκευτικούς πίνακες ζωγραφικής του Van Dyck μεταξύ 1621 - 1627. στην Ιταλία, στο νότο, έμεινε μια όμορφη σκηνή, εμπνευσμένη από τον Τιτσιάνο, με το «Κέρμα του Πέτρου» και τη «Μαρία με το παιδί» σε ένα πύρινο φωτοστέφανο, στο Palazzo Bianco, που θυμίζει Rubens, η «Σταύρωση» στο το βασιλικό παλάτι στη Γένοβα, με τρυφερά γραφικό και πνευματικό τρόπο, ο Τάφος της Πινακοθήκης Μποργκέζε στη Ρώμη, το άτονο κεφάλι της Μαρίας στο Παλάτι Πίτι, η υπέροχη, λαμπερή οικογένεια στην Πινακοθήκη του Τορίνο και η ισχυρή, αλλά μάλλον μορφωμένη βωμός της Madonna del Rosario στο Παλέρμο με επιμήκεις φιγούρες. Από τους κοσμικούς πίνακες, θα αναφέρουμε εδώ μόνο τον όμορφο, στο πνεύμα του Giorgione, τον πίνακα που απεικονίζει τις τρεις εποχές της ζωής στο μουσείο της πόλης στη Vincenza και τον απλό στη σύνθεση, αλλά φλογερό πίνακα "Diana and Endimon" στη Μαδρίτη.

Μια σίγουρη, σταθερή και ταυτόχρονα απαλή μοντελοποίηση σε σκούρο chiaroscuro και ένας βαθύς, πλούσιος χρωματισμός των ιταλικών κεφαλιών που αγωνίζονται για ενότητα της διάθεσης εκδηλώνονται επίσης στα ιταλικά, ειδικά γενουατικά πορτρέτα του. Ζωγραφισμένο σε μια τολμηρή προτομή, σχεδόν στραμμένο προς τον θεατή, το έφιππο πορτρέτο του Antonio Giulio Brignole Sale, κουνώντας το καπέλο του στο δεξί του χέρι ως ένδειξη χαιρετισμού, που βρίσκεται στο Palazzo Rossi στη Γένοβα, ήταν μια πραγματική ένδειξη του νέου μονοπατιού. Noble, με μπαρόκ κολώνες και κουρτίνες στο βάθος, στέκονται τα πορτρέτα της Signora Geronimo Brignole Sale με την κόρη της Paola Adorio με σκούρο μπλε μεταξωτό φόρεμα με χρυσοκέντημα και έναν νεαρό άνδρα με ρούχα ευγενούς, από την ίδια συλλογή. στο απόγειο της απόλυτης τέχνης πορτρέτου. Συνοδεύονται από πορτρέτα της Marchesa Durazzo με ανοιχτό κίτρινο μεταξωτό δαμασκηνό φόρεμα, με παιδιά, μπροστά από μια κόκκινη κουρτίνα, ένα ζωηρό ομαδικό πορτρέτο τριών παιδιών με έναν σκύλο και ένα ευγενές πορτρέτο ενός αγοριού με λευκό φόρεμα, με ένας παπαγάλος, που φυλάσσεται στο Palazzo Durazzo Pallavicini. Στη Ρώμη, η γκαλερί Capitoline έχει ένα πολύ ζωτικής σημασίας διπλό πορτρέτο του Luca και του Cornelis de Wael· στη Φλωρεντία, στο Palazzo Pitti, υπάρχει ένα πνευματικά εκφραστικό πορτρέτο του καρδινάλιου Giulio Bentivoglio. Άλλα πορτρέτα της ιταλικής περιόδου του Van Dyck βρήκαν το δρόμο τους στο εξωτερικό. Ένα από τα καλύτερα ανήκει στον Pierpont Morgan στη Νέα Υόρκη, αλλά μπορούν επίσης να βρεθούν στο Λονδίνο, το Βερολίνο, τη Δρέσδη και το Μόναχο.

Η πενταετία (1627 - 1632) που πέρασε ο πλοίαρχος στην πατρίδα του μετά την επιστροφή από την Ιταλία αποδείχθηκε εξαιρετικά γόνιμη. Μεγάλοι, γεμάτοι κίνηση βωμοί, τι είναι οι ισχυροί Σταυροί στην εκκλησία του Αγ. Το Zhen στο Dendermonde, στην εκκλησία του Michael στη Γάνδη, και στην εκκλησία του Romuald στο Meheln, και το παρακείμενο "Ύψωση του Σταυρού" στην εκκλησία του St. Το Gens in Courtrai δεν τον αντιπροσωπεύει όπως και τα έργα γεμάτα εσωτερική ζωή, στα οποία συμπεριλαμβάνουμε τη Σταύρωση με την επικείμενη στο Μουσείο της Λιλ, το "Rest during the Flight" στο Μόναχο και μεμονωμένες Σταυρώσεις γεμάτες συναίσθημα στην Αμβέρσα, τη Βιέννη και Μόναχο. Αυτοί οι πίνακες μεταφράζουν τις εικόνες του Ρούμπενς από την ηρωική γλώσσα στη γλώσσα του συναισθήματος. Οι πιο όμορφοι πίνακες αυτής της περιόδου περιλαμβάνουν τη Madonna με ένα γονατιστό ζευγάρι δωρητών και αγγέλων που ρίχνουν λουλούδια στο Λούβρο, τη Madonna με το Χριστό Παιδί να στέκεται στο Μόναχο και την πλήρη διάθεση του "Lament over Christ" στην Αμβέρσα, το Μόναχο, το Βερολίνο και Παρίσι. Οι μαντόνες και οι θρήνοι γενικότερα ήταν τα αγαπημένα θέματα του Βαν Ντάικ. Σπάνια έπαιρνε εικόνες παγανιστικών θεών, αν και ο Ηρακλής του στο σταυροδρόμι στο Ουφίτσι, οι εικόνες της Αφροδίτης, του Βουλκάνου, της Βιέννης και του Παρισιού δείχνουν ότι ήταν σε θέση να τους αντιμετωπίσει σε κάποιο βαθμό. Παρέμεινε κυρίως προσωπογράφος. Περίπου 150 πορτρέτα του πινέλου του έχουν διατηρηθεί από αυτή την πενταετία. Τα χαρακτηριστικά του προσώπου τους είναι ακόμη πιο έντονα, σε τυπικά χαριτωμένα, ανενεργά χέρια υπάρχει ακόμη λιγότερη έκφραση από ό,τι σε ιταλικούς πίνακες του ίδιου είδους. Μια κάπως πιο αριστοκρατική ευκολία προστέθηκε στη στάση τους και μια πιο λεπτή γενική διάθεση εμφανίστηκε στον πιο κρύο χρωματισμό. Τα ρούχα συνήθως πέφτουν εύκολα και ελεύθερα, αλλά υλικά. Ανάμεσα στα πιο όμορφα από αυτά, ζωγραφισμένα σε πλήρες μέγεθος, είναι τα χαρακτηριστικά πορτρέτα της ηγεμόνα Ισαβέλλας στο Τορίνο, στο Λούβρο και στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν, του Philippe de Roy και της συζύγου του στη συλλογή Wallace στο Λονδίνο, διπλά πορτρέτα ενός κυρίου και μια κυρία με ένα παιδί στην αγκαλιά τους στο Λούβρο και στο Γοτθικό Μουσείο και μερικά ακόμη πορτρέτα κυρίων και κυριών στο Μόναχο. Ανάμεσα στα πιο εκφραστικά πορτρέτα μέσης και γενιάς συμπεριλαμβάνουμε τα πορτρέτα του επισκόπου Mulderus και του Martin Pepin στην Αμβέρσα, του Adrian Stevens και της συζύγου του στην Αγία Πετρούπολη, του Count Van den Berg στη Μαδρίτη και του Canon Antonio de Tassis στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν. Ο οργανίστας Liberty δείχνει ατημέλητος, ο γλύπτης Colin de Nole, η γυναίκα του και η κόρη τους φαίνονται βαρετοί στην ομάδα πορτρέτων στο Μόναχο. Τα πορτρέτα ενός κυρίου και μιας κυρίας στη Δρέσδη και της Μαρί Λουίζ ντε Τάσις στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν διακρίνονται από μια ευγενή, γραφική στάση. Η επιρροή του Van Dyck σε όλα τα πορτραίτα της εποχής του, ιδιαίτερα στα αγγλικά και στα γαλλικά, ήταν τεράστια. Ωστόσο, σε φυσικά χαρακτηριστικά και εσωτερική αλήθεια, τα πορτρέτα του δεν μπορούν να συγκριθούν με αυτά των συγχρόνων του Velázquez και Frans Hals, για να μην αναφέρουμε άλλα.

Κατά καιρούς, ωστόσο, ο Van Dyck έπιασε και τη βελόνα της χάραξης. Γνωστός για 24 εύκολα και με μεγάλο νόημα εκτελεσμένο φύλλο της δουλειάς του. Από την άλλη πλευρά, ανέθεσε σε άλλους χαράκτες να αναπαράγουν μια μεγάλη σειρά μικρών πορτρέτων διάσημων συγχρόνων που ζωγράφισε ο ίδιος, ζωγραφισμένα σε έναν γκρι τόνο. Στην πλήρη συλλογή αυτή η «Εικονογραφία του Βαν Ντάικ» σε εκατό φύλλα εμφανίστηκε μόνο μετά το θάνατό του.

Ως ζωγράφος της αυλής του Καρόλου Α', ο Βαν Ντάικ ζωγράφισε μικρούς θρησκευτικούς και μυθολογικούς πίνακες τα τελευταία οκτώ χρόνια της ζωής του. Ωστόσο, αρκετοί από τους καλύτερους πίνακες που γράφτηκαν κατά τη σύντομη παραμονή του στην Ολλανδία ανήκουν σε αυτήν την ύστερη εποχή του δασκάλου. Ήταν η τελευταία και πιο γραφική απεικόνιση του "Rest on the Flight in Egypt", με έναν στρογγυλό χορό αγγέλων και πέρδικες που πετούν, τώρα στο Ερμιτάζ, ο πιο ώριμος και ομορφότερος "Θρήνος του Χριστού" στο Μουσείο της Αμβέρσας, όχι μόνο καθαρή, ήρεμη και συγκινητική στη σύνθεση, αλλά μια έκφραση αληθινής θλίψης, αλλά και σε χρώματα, με τις υπέροχες συγχορδίες του μπλε, του λευκού και του σκούρου χρυσού, που αντιπροσωπεύουν ένα αριστοτεχνικό, μαγευτικό έργο. Στη συνέχεια ακολουθούν τα εξαιρετικά πολυάριθμα πορτρέτα της αγγλικής περιόδου. Είναι αλήθεια ότι υπό την επιρροή του τύπου του δικαστηρίου του Λονδίνου, τα κεφάλια του γίνονται όλο και περισσότερο σαν μάσκες, τα χέρια του γίνονται όλο και λιγότερο εκφραστικά. αλλά τα φορέματα είναι πιο εκλεπτυσμένα και πιο υλικά στη γραφή, τα χρώματα, των οποίων ο ασημί τόνος άρχισε σταδιακά να ξεθωριάζει, κερδίζουν όλο και περισσότερο σε τρυφερή γοητεία. Φυσικά, ο Van Dyck δημιούργησε και ένα εργαστήριο στο Λονδίνο με μεγάλη παραγωγή, στο οποίο ασχολούνταν πολυάριθμοι φοιτητές. Το οικογενειακό πορτρέτο στο Windsor, που δείχνει το καθισμένο βασιλικό ζευγάρι με δύο παιδιά και έναν σκύλο, είναι μια μάλλον αδύναμη απεικόνιση. Το έφιππο πορτρέτο του βασιλιά στο ίδιο μέρος μπροστά από την αψίδα του θριάμβου ζωγραφίστηκε με πολύ γούστο, το έφιππο πορτρέτο του στην Εθνική Πινακοθήκη είναι ακόμα πιο γραφικό, το υπέροχο πορτρέτο του βασιλιά με κυνηγετική στολή στο Λούβρο είναι πραγματικά γραφικό . Από τα πορτρέτα της βασίλισσας Henrietta Maria του Van Dyck, αυτό που ανήκει στον Λόρδο Northbrook στο Λονδίνο και απεικονίζει τη βασίλισσα με τους νάνους της σε μια βεράντα κήπου είναι από τα πιο φρέσκα και τα παλαιότερα, και αυτό της γκαλερί της Δρέσδης, με όλη του την αρχοντιά, είναι από τα πιο αδύναμα και τελευταία. Διάσημα είναι διάφορα πορτρέτα των παιδιών του Άγγλου βασιλιά, που ανήκουν στα πιο ελκυστικά αριστουργήματα του Βαν Ντάικ. Το Τορίνο και το Γουίνδσορ έχουν τα καλύτερα πορτρέτα των τριών βασιλικών παιδιών. αλλά το πιο πολυτελές και πιο όμορφο από όλα είναι το πορτρέτο του Windsor με τα πέντε παιδιά του βασιλιά, με ένα μεγάλο και ένα μικρό σκυλί. Από τα άλλα πολυάριθμα πορτρέτα του Van Dyck στο Windsor, το πορτρέτο της Lady Venice Digby, με τις αλληγορικές του προσθήκες με τη μορφή περιστεριών και θεών της αγάπης, προαναγγέλλει μια νέα εποχή και το διπλό πορτρέτο του Thomas Killigrew και του Thomas Carew χτυπά με το απεικονίζονται σχέσεις ζωής που είναι ασυνήθιστες για τον κύριό μας. Το πορτρέτο του Τζέιμς Στιούαρτ, με ένα μεγάλο σκυλί κολλημένο πάνω του, στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης, διακρίνεται από μια ιδιαίτερη χάρη, ένα πορτρέτο του αρραβωνιασμένου, των παιδιών του Γουλιέλμου Β' του Πορτοκάλι και της Χενριέττας Μαρία Στιούαρτ, στο το μουσείο της πόλης στο Άμστερνταμ είναι απολαυστικό. Έχουν διατηρηθεί περίπου εκατό πορτρέτα της αγγλικής περιόδου του δασκάλου.

Ο Βαν Ντάικ πέθανε νέος. Ως καλλιτέχνης μίλησε, προφανώς, όλα. Του λείπει η ευελιξία, η πληρότητα και η δύναμη του μεγάλου δασκάλου του, αλλά ξεπέρασε όλους τους Φλαμανδούς συγχρόνους του στη λεπτότητα μιας καθαρά εικαστικής διάθεσης.

Άλλοι σημαντικοί ζωγράφοι, συνεργάτες και μαθητές του Rubens στην Αμβέρσα πριν και μετά τον Van Dyck, ζουν μόνο απόηχοι της τέχνης του Rubens, ακόμη και οι Abraham Dipepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodor van Thulden (1606 - 1676) , ο Erasmus Quellinus (1607 - 1678), ο αδερφός του μεγάλου γλύπτη, και ο εγγονός του Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) δεν είναι τόσο σημαντικοί για να σταθώ σε αυτούς. Οι εκπρόσωποι διαφόρων ρεαλιστικών τμημάτων του εργαστηρίου Rubens είναι πιο ανεξάρτητοι. Ο Φρανς Σνάιντερς (1579 - 1657) ξεκίνησε με μια νεκρή φύση, την οποία του άρεσε να αποδίδει σε φυσικό μέγεθος, γενικά, ρεαλιστικά και, παρόλα αυτά, διακοσμητικά. Σε όλη του τη ζωή ζωγράφισε μεγάλες, γεμάτες υγιείς εικόνες παρατήρησης προμηθειών κουζίνας και φρούτων, όπως είναι διαθέσιμες στις Βρυξέλλες, το Μόναχο και τη Δρέσδη. Στο εργαστήριο του Ρούμπενς έμαθε επίσης να απεικονίζει ζωηρά και συναρπαστικά, σχεδόν με τη δύναμη και τη φωτεινότητα του δασκάλου του, τον ζωντανό κόσμο, σε φυσικό μέγεθος ζώα σε σκηνές κυνηγιού. Οι μεγάλοι κυνηγετικοί πίνακές του στη Δρέσδη, το Μόναχο, τη Βιέννη, το Παρίσι, το Κάσελ και τη Μαδρίτη είναι κλασικοί με τον τρόπο τους. Μερικές φορές συγχέεται με τον Snyders ο κουνιάδος του Paul de Vos (1590 - 1678), του οποίου οι μεγάλοι πίνακες ζώων δεν μπορούν να ταιριάζουν με τη φρεσκάδα και τη ζεστασιά των πινάκων του Snyders. Το νέο στυλ τοπίου, που αναπτύχθηκε υπό την επιρροή του Ρούμπενς, το οποίο σχεδόν εξάλειψε πλήρως τα παλιά τρίχρωμα σκηνικά φόντα και το παραδοσιακό φύλλωμα δέντρου που μοιάζει με τούφες, εμφανίζεται πιο καθαρά μπροστά μας στους πίνακες και τα χαρακτικά του Lucas van Oudens (1595 - 1672), βοηθός στην ύστερη περίοδο του κυρίου στο τοπίο. Οι πολυάριθμοι αλλά ως επί το πλείστον μικροί πίνακές του, εκ των οποίων οι εννέα κρέμονται στη Δρέσδη, τρεις στην Αγία Πετρούπολη, δύο στο Μόναχο, είναι απλές, φυσικά κατανοητές εικόνες των γοητευτικών τοπικών συνόρων μεταξύ της λοφώδους περιοχής της Μπραμπάντ και της φλαμανδικής πεδιάδας. Η απόδοση είναι πλατιά και προσεγμένη. Τα χρώματά του προσπαθούν να μεταδώσουν όχι μόνο τη φυσική εντύπωση των πράσινων δέντρων και λιβαδιών, της καφετιάς γης και των γαλαζωπών λοφωδών αποστάσεων, αλλά και ενός ελαφρώς συννεφιασμένου, φωτεινού ουρανού. Οι ηλιόλουστες πλευρές των σύννεφων και των δέντρων του συνήθως λάμπουν με κίτρινες κηλίδες φωτός και υπό την επίδραση του Ρούμπενς, μερικές φορές εμφανίζονται επίσης σύννεφα βροχής και ουράνια τόξα.

Η τέχνη του Ρούμπενς προκάλεσε επανάσταση στην ολλανδική χαλκογραφία. Πολλοί χαράκτες, των οποίων το έργο εξέτασε, ήταν στην υπηρεσία του. Ο παλαιότερος από αυτούς, ο Antwerp Cornelis Galle (1576 - 1656) και ο Ολλανδός Jacob Matham (1571 - 1631) και ο Jan Müller, μετέφρασαν ακόμη το ύφος του σε μια παλαιότερη γλώσσα μορφών, αλλά οι χαράκτες της σχολής του Ρούμπενς, μια σειρά από τα οποία ανοίγει ο Peter Southman από το Χάρλεμ (1580 - 1643), και συνεχίζει να λάμπει με ονόματα όπως Lukas Forstermann (γεν. 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius και Schelte. Ο Bolswerth, ο Pieter de Jode ο νεότερος, και πάνω απ' όλα ο μεγάλος χαράκτης chiaroscuro Jan Wittdöck (γεν. 1604) κατάφεραν να εμποτίσουν τα φύλλα τους με δύναμη και κίνηση Ρουμπένσιας. Η νέα τεχνική mezzotint, η οποία τραχύνε την επιφάνεια της πλάκας μέσω μιας αξίνας για να ξύσει ένα σχέδιο πάνω της σε μαλακές μάζες, αν δεν εφευρέθηκε, τότε για πρώτη φορά χρησιμοποιήθηκε ευρέως από τον Vallerand Vaillant από τη Λιλ (1623). - 1677), μαθητής του μαθητή του Rubens, Erasmus Quellinus, ενός διάσημου εξαίρετου προσωπογράφου και πρωτότυπου ζωγράφου νεκρής φύσης. Επειδή, ωστόσο, ο Vaillant σπούδασε αυτή την τέχνη όχι στο Βέλγιο, αλλά στο Άμστερνταμ, όπου μετακόμισε, η ιστορία της φλαμανδικής τέχνης δεν μπορεί παρά να τον αναφέρει.

Ορισμένοι σημαντικοί δάσκαλοι της Αμβέρσας αυτής της περιόδου, που δεν είχαν άμεσες σχέσεις με τον Ρούμπενς ή με τους μαθητές του, που προσχώρησαν στον Καραβάτζιο στη Ρώμη, σχημάτισαν μια ρωμαϊκή ομάδα. Τα καθαρά περιγράμματα, η πλαστική μοντελοποίηση, οι βαριές σκιές του Καραβάτζιο μαλακώνουν μόνο στους μεταγενέστερους πίνακές τους ενός πιο ελεύθερου, πιο ζεστού, ευρύτερου πίνακα που μιλούσε για την επιρροή του Ρούμπενς. Επικεφαλής αυτής της ομάδας βρίσκεται ο Abraham Janssens Van Nuessen (1576 - 1632), του οποίου ο μαθητής Gerard Zegers (1591 - 1651) στους μεταγενέστερους πίνακές του μεταφέρθηκε αναμφίβολα στον δρόμο του Rubens και ο Theodore Rombouts (1597 - 1637) αποκαλύπτει την επιρροή του Ο Καραβάτζιο στο είδος του, σε φυσικό μέγεθος, με μεταλλικά λαμπερά χρώματα και μαύρες σκιές, πίνακες στην Αμβέρσα, τη Γάνδη, την Αγία Πετρούπολη, τη Μαδρίτη και το Μόναχο.

Ο παλαιότερος από τους τότε Φλαμανδούς ζωγράφους που δεν ήταν στην Ιταλία, ο Caspar de Crayer (1582 - 1669), μετακόμισε στις Βρυξέλλες, όπου, ανταγωνιζόμενος τον Rubens, δεν προχώρησε περισσότερο από τον εκλεκτικισμό. Επικεφαλής τους είναι ο Jacob Jordaens της Αμβέρσας (1583 - 1678), επίσης μαθητής και γαμπρός του Adam Van Noort, επικεφαλής των πραγματικά ανεξάρτητων Βέλγων ρεαλιστών της εποχής, ενός από τους πιο σημαντικούς φλαμανδούς εξαιρετικούς ζωγράφους της εποχής. 17ος αιώνας, δίπλα στον Ρούμπενς και τον Βαν Ντάικ. Ο Rooses του αφιέρωσε επίσης ένα εκτενές έργο. Πιο τραχύς από τον Ρούμπενς, είναι πιο άμεσος και πρωτότυπος από αυτόν. Τα σώματά του είναι ακόμη πιο ογκώδη και σαρκώδη από αυτά του Ρούμπενς, τα κεφάλια του είναι πιο στρογγυλά και πιο συνηθισμένα. Οι συνθέσεις του, συνήθως επαναλαμβανόμενες, με μικρές αλλαγές για διαφορετικούς πίνακες, είναι συχνά πιο άτεχνες και συχνά καταπονημένες, το πινέλο του, παρ' όλη την επιδεξιότητά του, είναι πιο στεγνό, πιο λείο, μερικές φορές πιο πυκνό. Παρ' όλα αυτά, είναι ένας υπέροχος, πρωτότυπος χρωματιστής. Στην αρχή γράφει φρέσκα και ζωηρά, μοντελοποιώντας αδύναμα σε κορεσμένα τοπικά χρώματα. Μετά το 1631, παρασυρμένος από τη γοητεία του Ρούμπενς, προχωρά σε πιο ευαίσθητο κιαροσκούρο, σε πιο έντονα ενδιάμεσα χρώματα και σε έναν καφέ τόνο ζωγραφικής, από τον οποίο λάμπουν αποτελεσματικά οι χυμώδεις βαθιοί βασικοί τόνοι. Απεικόνιζε επίσης όλα όσα απεικονίζονται. Οφείλει την καλύτερη επιτυχία του σε πίνακες αλληγορικών και ειδών σε φυσικό μέγεθος, στις περισσότερες περιπτώσεις με θέμα τις λαϊκές παροιμίες.

Ο παλαιότερος γνωστός πίνακας του Jordaens "Crucifixion" το 1617 στην εκκλησία του St. Ο Παύλος στην Αμβέρσα αποκαλύπτει την επιρροή του Ρούμπενς. Ο Jordaens είναι αρκετά ο εαυτός του το 1618 στη «Λατρεία των Ποιμένων» στη Στοκχόλμη και σε μια παρόμοια εικόνα στο Braunschweig, και ειδικά στις πρώτες εικόνες ενός σάτυρου που επισκέπτεται έναν χωρικό, στον οποίο αφηγείται μια απίστευτη ιστορία. Ο πρώτος πίνακας αυτού του είδους ανήκει στον κ. Celst στις Βρυξέλλες. ακολουθούν αντίγραφα στη Βουδαπέστη, το Μόναχο και το Κάσελ. Οι πρώιμοι θρησκευτικοί πίνακες περιλαμβάνουν επίσης τις εκφραστικές εικόνες των Ευαγγελιστών στο Λούβρο και των Μαθητών στον Τάφο του Σωτήρα στη Δρέσδη. Από τους πρώιμους μυθολογικούς πίνακες αξίζει να αναφερθεί ο Μελέαγρος και η Ατλάντα στην Αμβέρσα. Οι παλαιότερες από τις ζωντανές συνθέσεις του από ομάδες οικογενειακών πορτρέτων (περίπου το 1622) ανήκουν στο Μουσείο της Μαδρίτης.

Η ρουμπενσιανή επιρροή είναι και πάλι εμφανής στους πίνακες του Jordaens, που γράφτηκαν μετά το 1631. Στη σάτιρα του για έναν αγρότη στις Βρυξέλλες, μια στροφή είναι ήδη αισθητή. Οι περίφημες απεικονίσεις του του «Βασιλιάς των φασολιών», του οποίου ο Κάσελ κατέχει το παλαιότερο αντίγραφο -άλλες βρίσκονται στο Λούβρο και στις Βρυξέλλες- καθώς και οι αναρίθμητες εικόνες του με την παροιμία «Ό,τι τραγουδούν οι παλιοί, οι μικροί τσιρίζουν», μια Αμβέρσα αντίγραφο του οποίου χρονολογείται το 1638. ακόμη πιο φρέσκα σε χρώματα από τη Δρέσδη, που γράφτηκε το 1641 - άλλα στο Λούβρο και στο Βερολίνο - ανήκουν ήδη στον πιο ομαλό και απαλό τρόπο του πλοιάρχου.

Πριν από το 1642, ζωγραφίστηκαν επίσης οι πρόχειροι μυθολογικοί πίνακες «Πομπή του Βάκχου» στο Κάσελ και «Αριάδνη» στη Δρέσδη, ζωηρά εξαιρετικά πορτρέτα του Jan Wirth και της συζύγου του στην Κολωνία. στη συνέχεια, μέχρι το 1652, πίνακες ζωγραφικής κινούνταν εξωτερικά και εσωτερικά, παρά τις πιο ήρεμες γραμμές, όπως ο St. Ο Ivo στις Βρυξέλλες (1645), ένα υπέροχο οικογενειακό πορτρέτο στο Κάσελ και ένας ζωντανός «Βασιλιάς των φασολιών» στη Βιέννη.

Το 1652, ο πλοίαρχος ήταν σε πλήρη ισχύ με πρόσκληση στη Χάγη για να συμμετάσχει στη διακόσμηση του «Κάστρου του Δάσους», στο οποίο δίνουν οι «Θέωση του Πρίγκιπα Φρίντριχ Χάινριχ» και «Η Νίκη του Θανάτου κατά του Φθόνου» του Τζόρνταενς. το αποτύπωμά του, και το 1661 μια πρόσκληση στο Άμστερνταμ, όπου ζωγράφισε σωζόμενους αλλά πλέον σχεδόν δυσδιάκριτους πίνακες για το νέο δημαρχείο.

Ο καλύτερος και πιο θρησκευτικός πίνακας των τελευταίων χρόνων του είναι ο Ιησούς ανάμεσα στους Γραμματείς (1663) στο Μάιντς. υπέροχα σε χρώματα, η «Είσοδος στον Ναό» στη Δρέσδη και ο «Μυστικός Δείπνος» διαποτισμένος από φως στην Αμβέρσα.

Εάν ο Jordaens είναι πολύ χοντροκομμένος και άνισος για να καταταγεί στους μεγαλύτερους από τους μεγάλους, τότε, ωστόσο, ως ζωγράφος της Αμβέρσας και ζωγράφος των burghers, καταλαμβάνει μια τιμητική θέση δίπλα στον Rubens, πρίγκιπα των ζωγράφων και ζωγράφο των πριγκίπων. Ακριβώς όμως λόγω της πρωτοτυπίας του, δεν δημιούργησε αξιόλογους μαθητές ή οπαδούς.

Ο Cornelis de Vos (1585 - 1651) ήταν ένας δεξιοτέχνης, όπως ο Jordans, ο οποίος συνδέθηκε ανεξάρτητα με το προ-Ρουμπενσιανό παρελθόν της φλαμανδικής τέχνης, ιδιαίτερα εξαιρετικός ως πορτραίτης, αγωνιζόμενος για άτεχνη αλήθεια και ειλικρίνεια με ένα ήρεμο, διεισδυτικό στυλ ζωγραφικής, ένα ιδιότυπο λαμπρότητα στα μάτια των φιγούρων του και γεμάτη ανοιχτόχρωμα. Το καλύτερο οικογενειακό πορτραίτο-ομάδα, με χαλαρή σύνθεση, ανήκει στο Μουσείο των Βρυξελλών και το πιο δυνατό μονό πορτρέτο του συντεχνιακού μάστερ Grapheus ανήκει στην Αμβέρσα. Χαρακτηριστικά είναι και τα διπλά του πορτρέτα του παντρεμένου ζευγαριού και των μικρών του κόρες στο Βερολίνο.

Σε αντίθεση με το καθαρά φλαμανδικό ύφος του, με ιταλική πινελιά, το οποίο διατηρούσε με μικρότερες ή μεγαλύτερες αποκλίσεις η συντριπτική πλειοψηφία των Βέλγων ζωγράφων του 17ου αιώνα, η σχολή Luttich Walloon, που εξερεύνησε ο Gelbier, ανέπτυξε το ρωμαιοβελγικό στυλ. η τάση Poussin ακολουθώντας τη γαλλική. Επικεφαλής αυτής της σχολής είναι ο Gerard Duffet (1594 - 1660), ένας εφευρετικός, εξαιρετικά εκλεπτυσμένος ακαδημαϊκός, πιο γνωστός στο Μόναχο. Ο Gérard Leresse (1641 - 1711), μαθητής του μαθητή του Bartolet Flemalle ή Flemal (1614 - 1675), νωθρός μιμητής του Poussin, που ήδη μετακόμισε στο Άμστερνταμ το 1667, μεταφύτευσε από το Lüttich στην Ολλανδία αυτό το ακαδημαϊκό στυλ που μιμείται το γαλλικό. Ασχολήθηκε όχι μόνο ως ζωγράφος και χαράκτης μυθολογικών θεμάτων, αλλά και με ένα στυλό στο βιβλίο του, το οποίο έχει σημαντικό αντίκτυπο. Ήταν ένας ακραίος αντιδραστικός και κυρίως συνέβαλε στο γύρισμα του αιώνα στη στροφή της υγιούς εθνικής τάσης της ολλανδικής ζωγραφικής στη ρωμανική δίοδο. Ο «Σέλευκος και η Αντιόχεια» στο Άμστερνταμ και ο Σβερίν, ο «Παρνασσός» στη Δρέσδη, η «Αναχώρηση της Κλεοπάτρας» στο Λούβρο δίνουν μια επαρκή ιδέα για αυτόν.

Ο Leres, τέλος, μας επιστρέφει από τη μεγάλη βελγική ζωγραφική στη μικρή. και αυτό το τελευταίο, αναμφίβολα, εξακολουθούσε να βιώνει σε μικρόμορφους πίνακες με τοπίο ή αρχιτεκτονικό υπόβαθρο την ώριμη εθνική ανθοφορία του 17ου αιώνα, που αναπτύχθηκε απευθείας από το χώμα που ετοίμασαν οι μάστορες της μεταβατικής περιόδου, αλλά πέτυχε πλήρη ελευθερία κινήσεων χάρη σε ο παντοδύναμος Ρούμπενς, σε ορισμένα σημεία και χάρη σε νέες επιρροές, γαλλικές και ιταλικές, ή ακόμα και την επίδραση της νεαρής ολλανδικής τέχνης στη Φλαμανδική.

Μια πραγματική εικόνα είδους, και τώρα, όπως και πριν, έπαιξε τον πρώτο ρόλο στη Φλάνδρα. Ταυτόχρονα, παρατηρείται ένα αρκετά αιχμηρό σύνορο μεταξύ των δασκάλων που απεικόνιζαν τη ζωή των ανώτερων τάξεων σε κοσμικές σκηνές ή μικρά ομαδικά πορτρέτα και τους ζωγράφους της λαϊκής ζωής σε ταβέρνες, πανηγύρια και επαρχιακούς δρόμους. Ο Ρούμπενς δημιούργησε παραδείγματα και των δύο γενών. Οι κοσμικοί ζωγράφοι, στο πνεύμα των Κήπων της Αγάπης του Ρούμπενς, απεικονίζουν κυρίες και κύριους με μετάξι και βελούδο, να παίζουν χαρτιά, να κάνουν γλέντι, να παίζουν χαρούμενη μουσική ή να χορεύουν. Ένας από τους πρώτους μεταξύ αυτών των ζωγράφων ήταν ο Κρίστιαν βαν ντερ Λάμεν (1615 - 1661), γνωστός για πίνακες στη Μαδρίτη, στη Γκότα, ιδιαίτερα στη Λούκα. Ο πιο επιτυχημένος μαθητής του ήταν ο Jérôme Janssens (1624 - 1693), ο «Χορευτής» και του οποίου οι χορευτικές σκηνές μπορούν να δουν στο Braungschweig. Πάνω του ως ζωγράφος στέκεται ο Gonzales Kokvets (1618 - 1684), ένας δεξιοτέχνης των αριστοκρατικών πορτρέτων μικρών ομάδων που απεικονίζουν μέλη της οικογένειας ενωμένα στο σπίτι στο Κάσελ, τη Δρέσδη, το Λονδίνο, τη Βουδαπέστη και τη Χάγη. Οι πιο παραγωγικοί Φλαμανδοί εικονιστές της λαϊκής ζωής των κατώτερων τάξεων ήταν οι Τενίερ. Από τη μεγάλη οικογένεια αυτών των καλλιτεχνών ξεχωρίζουν ο Ντέιβιντ Τένιερς ο Πρεσβύτερος (1582 - 1649) και ο γιος του Ντέιβιντ Τένιερς ο νεότερος (1610 - 1690). Ο μεγαλύτερος ήταν μάλλον μαθητής του Ρούμπενς, ο νεότερος μάλλον έδινε φιλικές συμβουλές. Και τα δύο είναι εξίσου δυνατά τόσο στο τοπίο όσο και στο είδος. Ωστόσο, δεν κατέστη δυνατό να διαχωριστούν όλα τα έργα του μεγάλου από τους νεανικούς πίνακες του νεότερου. Αναμφίβολα, στον γέροντα ανήκουν τα τέσσερα μυθολογικά τοπία του Μουσείου της Αυλής της Βιέννης, απασχολημένα ακόμα με τη μετάδοση των «τριών αεροπλάνων», «Ο πειρασμός του Αγ. Anthony» στο Βερολίνο, «Mountain Castle» στο Braunschweig και «Mountain Gorge» στο Μόναχο.

Δεδομένου ότι ο Ντέιβιντ Τένιερς ο νεότερος επηρεάστηκε από τον σπουδαίο Άντριεν Μπράουερ του Όουντεναρντ (1606-1638), δίνουμε προτεραιότητα στον δεύτερο. Ο Brouwer είναι ο δημιουργός και ο λαϊκός των νέων μονοπατιών. Ο Μπόντε ερεύνησε διεξοδικά την τέχνη και τη ζωή του. Από πολλές απόψεις είναι ο μεγαλύτερος από τους Ολλανδούς ζωγράφους της λαϊκής ζωής και ταυτόχρονα ένας από τους πιο εμπνευσμένους Βέλγους και Ολλανδούς τοπιογράφους. Η επιρροή της ολλανδικής ζωγραφικής στη Φλαμανδική τον 17ο αιώνα φάνηκε για πρώτη φορά μαζί του, μαθητή του Φρανς Χαλς στο Χάρλεμ, ήδη πριν από το 1623. Μετά την επιστροφή του από την Ολλανδία, εγκαταστάθηκε στην Αμβέρσα.

Ταυτόχρονα, η τέχνη του αποδεικνύει ότι τα πιο απλά επίθετα από τη ζωή των απλών ανθρώπων μπορούν χάρη στην απόδοσή τους να αποκτήσουν την υψηλότερη καλλιτεχνική αξία. Από τους Ολλανδούς πήρε την αμεσότητα της αντίληψης της φύσης, την εικαστική παράσταση, από μόνη της καλλιτεχνική. Ως Ολλανδός δηλώνει αυστηρή απομόνωση μεταφέροντας στιγμές από διάφορες εκδηλώσεις ζωής, σαν Ολλανδός, με πολύτιμο χιούμορ, αναδεικνύει σκηνές καπνίσματος, τσακωμούς, χαρτοπαιγνίδια και ποτό σε ταβέρνες.

Οι πρώτοι πίνακες που ζωγράφισε στην Ολλανδία, ποτισμός αγροτών, τσακωμοί, στο Άμστερνταμ, αποκαλύπτουν στους τραχείς, θορυβώδεις χαρακτήρες τους τις απαντήσεις της παλιάς φλαμανδικής μεταβατικής τέχνης. Τα αριστουργήματα αυτής της εποχής είναι οι ήδη «Χαρτοπαίκτες» του στην Αμβέρσα και οι σκηνές της ταβέρνας του Ινστιτούτου Städel στη Φρανκφούρτη. Περαιτέρω εξέλιξη προκύπτει απότομα στο "Knife" και το "Village Bath" της Pinakothek του Μονάχου: εδώ η δράση είναι δραματικά ισχυρή ήδη χωρίς περιττές δευτερεύουσες φιγούρες. η εκτέλεση σε όλες τις λεπτομέρειες είναι γραφικά μελετημένη. Από το χρυσό κιαροσκούρο του χρώματος, οι κόκκινοι και κίτρινοι τόνοι εξακολουθούν να λάμπουν. Ακολουθεί η ώριμη όψιμη περίοδος του κυρίου (1633 - 1636), με περισσότερες μεμονωμένες φιγούρες, πιο ψυχρό χρωματικό τόνο, όπου ξεχωρίζουν οι τοπικές βαφές του πράσινου και του μπλε. Αυτά περιλαμβάνουν 12 από τους δεκαοκτώ πίνακές του στο Μόναχο και τους καλύτερους από τους τέσσερις πίνακές του στη Δρέσδη. Ο Schmidt-Degener τους επισύναψε μια σειρά από πίνακες από ιδιωτικές συλλογές στο Παρίσι, αλλά η αυθεντικότητά τους, προφανώς, δεν είναι πάντα ακριβής. Τα καλύτερα τοπία του Brouwer, στα οποία τα πιο απλά μοτίβα της φύσης από τα περίχωρα της Αμβέρσας φουντώνουν με μια ζεστή, λαμπερή μετάδοση αέρα και φωτός φαινομένων, ανήκουν επίσης σε αυτά τα χρόνια. Οι «Dunes» στις Βρυξέλλες, ένας πίνακας με το όνομα του πλοιάρχου, αποδεικνύουν την αυθεντικότητα των άλλων. Έχουν μια πιο μοντέρνα αίσθηση από όλα τα άλλα φλαμανδικά τοπία του. Μεταξύ των καλύτερων είναι το σεληνόφως και το ποιμενικό τοπίο στο Βερολίνο, το τοπίο των αμμόλοφων με κόκκινη οροφή στην γκαλερί Bridgewater και το ισχυρό τοπίο του ηλιοβασιλέματος που αποδίδεται στον Ρούμπενς στο Λονδίνο.

Οι πίνακες του είδους των τελευταίων δύο ετών της ζωής του πλοιάρχου των μεγάλων μεγεθών προτιμούν την ελαφριά, σκιασμένη γραφή και μια σαφέστερη υποταγή των τοπικών χρωμάτων σε έναν γενικό, γκρίζο τόνο. Τραγουδιστές χωρικοί, στρατιώτες που παίζουν ζάρια και το ζευγάρι που φιλοξενεί το ποτό του Πινακοθήκη του Μονάχου ενώνονται με δυνατούς πίνακες που απεικονίζουν επιχειρήσεις στο Ινστιτούτο Staedel και στο Λούβρο "Smoker". Η πρωτότυπη τέχνη του Brouwer είναι πάντα το εντελώς αντίθετο από όλες τις ακαδημαϊκές συμβάσεις.

Ο Ντέιβιντ Τένιερς ο Νεότερος, ο αγαπημένος ζωγράφος του είδους του ευγενούς κόσμου, που προσκλήθηκε το 1651 από τον αυλικό ζωγράφο και διευθυντή της γκαλερί του Αρχιδούκα Λεοπόλδο Βίλχελμ από την Αμβέρσα στις Βρυξέλλες, όπου πέθανε σε μεγάλη ηλικία, δεν μπορεί να συγκριθεί με τον Μπράουβερ στο αμεσότητα της μεταφοράς της ζωής, στη συναισθηματική εμπειρία του χιούμορ, αλλά γι' αυτό τον ξεπερνά με εξωτερική φινέτσα και αστική σχηματοποίηση της λαϊκής ζωής κατανοητή. Του άρεσε να απεικονίζει αριστοκρατικά ντυμένους κατοίκους της πόλης στις σχέσεις τους με τους κατοίκους του χωριού, μερικές φορές ζωγράφιζε κοσμικές σκηνές από τη ζωή της αριστοκρατίας και μετέδιδε ακόμη και θρησκευτικά επεισόδια στο ύφος των πινάκων του είδους, μέσα σε εξαιρετικά διακοσμημένα δωμάτια ή ανάμεσα σε αληθινά παρατηρούμενα, αλλά διακοσμητικά τοπία. Πειρασμός του Αγ. Ο Anthony (σε Δρέσδη, Βερολίνο, Αγία Πετρούπολη, Παρίσι, Μαδρίτη, Βρυξέλλες) ανήκει στα αγαπημένα του θέματα. Πολλές φορές ζωγράφισε επίσης ένα μπουντρούμι με την εικόνα του Πέτρου στο βάθος (Δρέσδη, Βερολίνο). Από τα μυθολογικά θέματα στο ύφος των πινάκων του είδους, θα ονομάσουμε τον «Ποσειδώνα και την Αμφιτρίτη» στο Βερολίνο, τον αλληγορικό πίνακα «Πέντε αισθήσεις» στις Βρυξέλλες, ποιητικά έργα - δώδεκα πίνακες από την «Ελευθερωμένη Ιερουσαλήμ» στη Μαδρίτη. Οι πίνακές του που αντιπροσωπεύουν αλχημιστές (Δρέσδη, Βερολίνο, Μαδρίτη) μπορούν επίσης να ταξινομηθούν ως είδος υψηλής κοινωνίας. Η συντριπτική πλειονότητα των πινάκων του, από τους οποίους υπάρχουν 50 στη Μαδρίτη, 40 στην Αγία Πετρούπολη, 30 στο Παρίσι, 28 στο Μόναχο, 24 στη Δρέσδη, απεικονίζουν το περιβάλλον των χωρικών να διασκεδάζουν τις ώρες του ελεύθερου χρόνου τους. Τους απεικονίζει να γλεντούν, να πίνουν, να χορεύουν, να καπνίζουν, να παίζουν χαρτιά ή ζάρια, σε ένα πάρτι, σε μια ταβέρνα ή στο δρόμο. Η ελαφριά και ελεύθερη στη φυσική της γλώσσα των μορφών, η σαρωτική και ταυτόχρονα απαλή γραφή του γνώρισε αλλαγές μόνο στο χρώμα. Ο τόνος της «Γιορτής του ναού στο μισό φως» του 1641 στη Δρέσδη είναι βαρύς, αλλά βαθύς και ψυχρός. Έπειτα επιστρέφει στον καφέ τόνο των πρώτων χρόνων, ο οποίος γρήγορα εξελίσσεται σε έναν φλογερό χρυσό τόνο σε πίνακες όπως το μπουντρούμι του 1642 στην Αγία Πετρούπολη, το "Guild beer house" το 1643 στο Μόναχο και το "The Prodigal Son" στο Το 1644 στο Λούβρο, φουντώνει πιο έντονα σε όπως ο «Χορός» του 1645 στο Μόναχο και οι «Παίκτες Ζαριών» του 1646 στη Δρέσδη, στη συνέχεια, όπως δείχνουν οι «Καπνιστές» του 1650 στο Μόναχο, σταδιακά γίνεται πιο γκρίζος και, τελικά, το 1651, στον «Γάμο των χωρικών» στο Μόναχο, μετατρέπεται σε εκλεπτυσμένο ασημί τόνο και συνοδεύεται από την ολοένα πιο ελαφριά και ρευστή γραφή που διακρίνει τους πίνακες του Τενιέ της δεκαετίας του '50, όπως η «Φρουρά» του 1657 στα Ανάκτορα του Μπάκιγχαμ. Τελικά, μετά το 1660 Το πινέλο του γίνεται λιγότερο σίγουρο, ο χρωματισμός είναι και πάλι πιο καφέ, στεγνός και θολό. Το Μόναχο έχει έναν πίνακα που αναπαριστά έναν αλχημιστή, με τα χαρακτηριστικά ενός πίνακα ενός ηλικιωμένου δασκάλου του 1680.

Μεταξύ των μαθητών του Brouwer ξεχωρίζει ο Joos van Kreesbeek (1606 - 1654), στους πίνακες του οποίου οι μάχες μερικές φορές καταλήγουν τραγικά. Ο Gillis van Tilborch (περίπου 1625 - 1678) είναι γνωστός από τους μαθητές του Teniers the Younger, ο οποίος ζωγράφισε επίσης οικογενειακά πορτρέτα σε στυλ Kokves. Μαζί τους είναι μέλη της οικογένειας ζωγράφων Rikavert, από τους οποίους ειδικά ο David Rikaert III (1612 - 1661) ανήλθε σε ένα συγκεκριμένο εύρος ανεξαρτησίας.

Δίπλα στην εθνική φλαμανδική μικρομορφή, υπάρχει μια ταυτόχρονη, αν και όχι ισοδύναμη, ιταλοποιητική τάση, οι μάστορες της οποίας εργάστηκαν προσωρινά στην Ιταλία και απεικόνιζαν την ιταλική ζωή σε όλες τις εκφάνσεις της. Ωστόσο, τα μεγαλύτερα από αυτά τα μέλη της ολλανδικής «κοινότητας» στη Ρώμη, που παρασύρθηκαν από τον Ραφαήλ ή τον Μιχαήλ Άγγελο, ήταν οι Ολλανδοί, στους οποίους θα επανέλθουμε παρακάτω. Ο Pieter Van Laer of Gaarlem (1582 - 1642) είναι ο πραγματικός ιδρυτής αυτής της τάσης, ο οποίος επηρέασε εξίσου τόσο τους Ιταλούς τύπου Cherkvozzi όσο και τους Βέλγους του τύπου Jan Mils (1599 - 1668). Λιγότερο ανεξάρτητοι είναι ο Anton Goubau (1616 - 1698), που γέμισε τα ρωμαϊκά ερείπια με πολύχρωμη ζωή, και ο Peter Van Blemen, με το παρατσούκλι Standardaard (1657 - 1720), που προτιμούσε ιταλικές εκθέσεις αλόγων, μάχες ιππικού και σκηνές κατασκήνωσης. Η ιταλική λαϊκή ζωή έχει παραμείνει από την εποχή αυτών των δασκάλων μια περιοχή που προσελκύει κάθε χρόνο πλήθη βορείων ζωγράφων.

Αντίθετα, η τοπογραφία αναπτύχθηκε με το εθνικό φλαμανδικό πνεύμα, με θέματα μάχης και ληστών, γειτονικά με τον Σεμπάστιαν Βρανκς, του οποίου ο μαθητής Πίτερ Σνάερς (1592 - 1667) μετακόμισε από την Αμβέρσα στις Βρυξέλλες. Οι πρώιμοι πίνακες του Sniers, όπως αυτοί στη Δρέσδη, τον δείχνουν σε μια αρκετά γραφική πίστα. Αργότερα, ως ζωγράφος μάχης του Οίκου των Αψβούργων, έδωσε έμφαση στην τοπογραφική και στρατηγική πιστότητα περισσότερο από τη ζωγραφική, όπως δείχνουν οι μεγάλοι πίνακές του στις Βρυξέλλες, τη Βιέννη και τη Μαδρίτη. Ο καλύτερος μαθητής του ήταν ο Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), ένας ζωγράφος μάχης του Λουδοβίκου XIV και καθηγητής στην Ακαδημία του Παρισιού, ο οποίος μεταφύτευσε στο Παρίσι το στυλ του Snyers, το οποίο εξευγενίστηκε από αυτόν σε εναέρια και φωτεινή προοπτική. Στο Παλάτι των Βερσαλλιών και στο Hotel des Invalides στο Παρίσι, ζωγράφισε μεγάλες σειρές τοιχογραφιών, άψογες στις σίγουρες μορφές τους και την εντύπωση ενός γραφικού τοπίου. Οι πίνακές του στη Δρέσδη, τη Βιέννη, τη Μαδρίτη και τις Βρυξέλλες με εκστρατείες, πολιορκίες πόλεων, στρατόπεδα, νικηφόρα είσοδο του μεγάλου βασιλιά ξεχωρίζουν επίσης για τη φωτεινή εικαστική λεπτότητα της αντίληψής τους. Αυτός ο νέος ολλανδικός πίνακας μάχης μεταφέρθηκε στην Ιταλία από τον Cornelis de Wael (1592-1662), ο οποίος εγκαταστάθηκε στη Γένοβα και, έχοντας εδώ ένα πιο τέλειο πινέλο και ζεστό χρώμα, προχώρησε σύντομα στην απεικόνιση της ιταλικής λαϊκής ζωής.

Στη βελγική τοπογραφία, που περιγράφεται λεπτομερέστερα από τον συγγραφέα αυτού του βιβλίου στο The History of Painting (δική του και του Woltmann), μπορεί κανείς να διακρίνει ξεκάθαρα την πρωτότυπη, γηγενή, μόνο ελαφρώς επηρεασμένη από τις νότιες επιρροές τάση από την ψευδοκλασική τάση που συνόδευε το Poussin στην Ιταλία. Η εθνική βελγική ζωγραφική τοπίου διατήρησε, σε σύγκριση με την Ολλανδία, αφήνοντας κατά μέρος τον Rubens και τον Brouwer, ένα χαρακτηριστικό κάπως εξωτερικής διακοσμητικότητας. με αυτό το χαρακτηριστικό, εμφανίστηκε στη διακόσμηση παλατιών και εκκλησιών με διακοσμητικές σειρές ζωγραφικής σε τόση αφθονία όσο πουθενά αλλού. Ο Πωλ Μπριλ της Αμβέρσας ενστάλαξε αυτό το είδος ζωγραφικής στη Ρώμη. Οι αργότερα γαλλισμένοι Βέλγοι Francois Millet και Philippe de Champagne διακοσμούσαν τις παριζιάνικες εκκλησίες με τοπιογράφους. Ο συγγραφέας αυτού του βιβλίου έγραψε ένα ξεχωριστό άρθρο για τα εκκλησιαστικά τοπία το 1890.

Από τους δασκάλους της Αμβέρσας, θα πρέπει πρώτα απ 'όλα να επισημάνουμε τον Caspar de Witte (1624 - 1681), μετά τον Peter Spirincks (1635 - 1711), ο οποίος κατέχει εκκλησιαστικά τοπία που λανθασμένα αποδίδονται στον Peter Risbrak (1655 - 1719) στη χορωδία του Augustinian. εκκλησία στην Αμβέρσα, και ειδικά στον Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), με το παρατσούκλι "Horizonte" για τη σαφήνεια των γαλάζιων βουνών των επιτυχημένων, που θυμίζουν έντονα Duguet, αλλά σκληρούς και ψυχρούς πίνακές του.

Η εθνική βελγική τοπιογραφία αυτής της περιόδου άκμασε κυρίως στις Βρυξέλλες. Πρόγονός του ήταν ο Denis Van Alsloot (περίπου 1570 - 1626), ο οποίος, με βάση το μεταβατικό στυλ, ανέπτυξε μεγάλη δύναμη, σταθερότητα και διαύγεια ζωγραφικής στους ημι-αγροτικούς, ημιαστικούς πίνακές του. Ο μεγάλος του μαθητής Lucas Achtschellingx (1626 - 1699), επηρεασμένος από τον Jacques d'Artois, συμμετείχε στη διακόσμηση βελγικών εκκλησιών με βιβλικά τοπία με καταπράσινα σκούρα πράσινα δέντρα και γαλάζιες λοφώδεις αποστάσεις, με ευρύ, ελεύθερο, κάπως σαρωτικό τρόπο. Ο Jacques d'Artois (1613 - 1683), ο καλύτερος τοπιογράφος των Βρυξελλών, μαθητής του σχεδόν άγνωστου Jan Mertens, διακόσμησε επίσης εκκλησίες και μοναστήρια με μεγάλα τοπία, τις βιβλικές σκηνές των οποίων ζωγράφισαν οι φίλοι του, ιστορικοί ζωγράφοι. Τα τοπία του στο παρεκκλήσι του Αγ. Ο συγγραφέας αυτού του βιβλίου είδε τις συζύγους του καθεδρικού ναού των Βρυξελλών στο σκευοφυλάκιο αυτής της εκκλησίας. Εκκλησιαστικά τοπία ήταν, ούτως ή άλλως, και οι μεγάλοι πίνακές του στο Μουσείο Αυλής και στην Πινακοθήκη του Λιχτενστάιν στη Βιέννη. Με τους πίνακες του μικρών δωματίων του, που αντιπροσωπεύουν την καταπράσινη φύση του περιβάλλοντος των Βρυξελλών, με τα γιγάντια πράσινα δέντρα, τους κίτρινους αμμώδεις δρόμους, τις μπλε λοφώδεις αποστάσεις, τα φωτεινά ποτάμια και τις λίμνες, μπορείτε να γνωρίσετε καλύτερα τη Μαδρίτη και τις Βρυξέλλες, αλλά και τη Δρέσδη. , Μόναχο και Ντάρμσταντ. Με πολυτελή κλειστή σύνθεση, βαθιά, κορεσμένα με έντονα χρώματα, με καθαρό αέρα με σύννεφα, που χαρακτηρίζονται από χρυσοκίτρινες φωτισμένες πλευρές, αποδίδουν τέλεια τον γενικό, αλλά ακόμα μόνο τον γενικό χαρακτήρα της περιοχής. Χρυσός, πιο ζεστός, πιο διακοσμητικός, αν θέλετε, πιο βενετσιάνικο από τον d'Artois, ο καλύτερος μαθητής του Cornelis Huysmans (1648 - 1727), του οποίου το καλύτερο εκκλησιαστικό τοπίο είναι το "Christ at Emmaus" της Εκκλησίας των Αγίων Συζύγων στο Mecheln .

Στην παραθαλάσσια πόλη της Αμβέρσας, μια μαρίνα αναπτύχθηκε επίσης φυσικά. Η επιθυμία για ελευθερία και φυσικότητα του 17ου αιώνα πραγματοποιήθηκε εδώ στους πίνακες που αναπαριστούν τις παράκτιες και θαλάσσιες μάχες των Andries Aartvelt ή Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventura Peters (1614 - 1652) και Hendrik Mindergout (1632 - 1696), που όμως δεν μπορεί να φτάσει τους καλύτερους Ολλανδούς τεχνίτες στον ίδιο κλάδο.

Στην αρχιτεκτονική ζωγραφική, η οποία απεικόνιζε πρόθυμα το εσωτερικό των γοτθικών εκκλησιών, οι Φλαμανδοί δάσκαλοι, όπως ο Πίτερ Νεφς ο νεότερος (1620 - 1675), που σχεδόν δεν ξεπέρασε ένα τραχύ μεταβατικό στυλ, δεν είχαν επίσης την εσωτερική, φωτεινή, γραφική γοητεία των Ολλανδών. εικόνες εκκλησιών.

Όσο περισσότερο θράσος και φωτεινότητα έδιναν οι Βέλγοι στις εικόνες των ζώων, των φρούτων, της νεκρής φύσης και των λουλουδιών. Ωστόσο, ακόμη και ο Jan Fit (1611 - 1661), ζωγράφος προμηθειών κουζίνας και φρούτων, δεν προχώρησε περισσότερο από τον Snyders, ο οποίος εκτέλεσε προσεκτικά και συνδύασε διακοσμητικά όλες τις λεπτομέρειες. Η ζωγραφική λουλουδιών επίσης δεν πήγε στην Αμβέρσα, τουλάχιστον από μόνη της, περισσότερο από τον Γιαν Μπρίγκελ τον Πρεσβύτερο. Ακόμη και ο μαθητής του Brueghel σε αυτόν τον τομέα, ο Daniel Seghers (1590 - 1661), τον ξεπέρασε μόνο στο εύρος και την πολυτέλεια της διακοσμητικής διάταξης, αλλά όχι στην κατανόηση της γοητείας των μορφών και των ιριδίζοντων χρωμάτων μεμονωμένων χρωμάτων. Σε κάθε περίπτωση, τα στεφάνια λουλουδιών του Seghers στις Μαντόνες μεγάλων ζωγράφων και οι σπάνιες, ανεξάρτητες εικόνες λουλουδιών του, σαν ένα ασημένιο βάζο στη Δρέσδη, αποκαλύπτουν το καθαρό κρύο φως της απαράμιλλης εκτέλεσης. Η Αμβέρσα τον 17ο αιώνα είναι ο κύριος τόπος της ολλανδικής ζωγραφικής με λουλούδια και φρούτα, ωστόσο αυτό δεν το οφείλει τόσο στους ντόπιους δασκάλους όσο στον μεγάλο Ουτρέχτη Jan Davids de Gey (1606 - 1684), ο οποίος μετακόμισε στην Αμβέρσα και μεγάλωσε γιος Κορνέλης, ο οποίος γεννήθηκε στο Leiden.de Gay (1631 - 1695), αργότερα επίσης δάσκαλος της Αμβέρσας. Είναι όμως αυτοί, οι σπουδαιότεροι ζωγράφοι λουλουδιών και φρούτων, που διακρίνονται για την απέραντη αγάπη τους για τις λεπτομέρειες και τη δύναμη της ζωγραφικής, ικανοί να συνδυάσουν εσωτερικά αυτές τις λεπτομέρειες, όπως οι μάστορες του Ολλανδού και όχι του Βελγικού τύπου.

Είδαμε ότι υπήρχαν σημαντικές συνδέσεις μεταξύ της φλαμανδικής ζωγραφικής και της ολλανδικής, ιταλικής και γαλλικής τέχνης. Οι Φλαμανδοί μπορούσαν να εκτιμήσουν την άμεση, οικεία αντίληψη των Ολλανδών, την αξιολύπητη κομψότητα των Γάλλων, τη διακοσμητική πολυτέλεια των μορφών και των χρωμάτων των Ιταλών, αλλά, αφήνοντας κατά μέρος τους αποστάτες και τα μεμονωμένα φαινόμενα, παρέμεναν πάντα μόνο το ένα τέταρτο Οι ίδιοι στην τέχνη τους, για το άλλο τέταρτο ήταν εσωτερικά ρομαντισμένοι και εξωτερικά Γερμανοί Ολλανδοί, που μπόρεσαν να συλλάβουν και να αναπαράγουν τη φύση και τη ζωή με έντονο και ορμητικό ενθουσιασμό και με διακοσμητική έννοια με διάθεση.

Δημοφιλή στην κατηγορία: