Φινλανδοί καλλιτέχνες. Μέσα από τις αίθουσες του Μουσείου Ateneum: τα πιο διάσημα και ενδιαφέροντα εκθέματα Φινλανδών καλλιτεχνών στο Ερμιτάζ

Akseli Gallen-Kallela

Sammon pulustus (1896)

Εικονογραφήσεις για την Καλεβάλα. " Άμυνα Σάμπο«.

Sampo(Πτερύγιο. Sampo) - στην καρελιο-φινλανδική μυθολογία, ένα μοναδικό στο είδος του μαγικό αντικείμενο που έχει μαγικές δυνάμεις και είναι πηγή ευτυχίας, ευημερίας και αφθονίας. Στο έπος Kalevala, ο δημιουργός του Elias Lönnrot παρουσίασε το Sampo με τη μορφή ανεμόμυλου.

Ούγκο Σίμπεργκ

χαλά (1895)

χαλά- Αυτό παγωνιά, αν καταλαβαίνω καλά, για παράδειγμα, το καλοκαίρι το βράδυ ή νωρίς το πρωί

Υπό αυτή την έννοια, η εικόνα μεταφέρει καλά την εικόνα.

Helene Schjerfbeck

Τοϊπίλας (1888)

τουπιλάς — αναρρωνύων

Ούγκο Σίμπεργκ

Kuoleman puutarha —κήπος θανάτου

Υπάρχουν πολλές εκδοχές αυτού του πίνακα, αυτό το σχέδιο είναι μια τοιχογραφία από τον καθεδρικό ναό στο Τάμπερε.

Αυτή την εικόνα μου τη σύστησε μια Φινλανδή κοπέλα, όταν παρατήρησα ότι ήταν κάπως θλιβερή ακόμη και για τους μελαγχολικούς Φινλανδούς, μου απάντησε θερμά: «Οι θάνατοι φροντίζουν τα λουλούδια-άνθρωποι στη μέση της ερήμου και όταν αναγκάζονται να κόψουν τους, το κάνουν απαλά, σαν να ζητούν συγχώρεση...»

Ούγκο Σίμπεργκ

Haavoittunut enkeli -Πληγωμένος άγγελος
(1903)

Η πλοκή της εικόνας εκτυλίσσεται σε ένα αναγνωρίσιμο ιστορικό υπόβαθρο: αυτό είναι το πάρκο Eleintarha (φωτ. «ζωολογικός κήπος») και ο κόλπος Töölö στο Ελσίνκι. Στις αρχές του 20ου αιώνα, το πάρκο ήταν δημοφιλής χώρος αναψυχής για τους εργάτες και στέγαζε επίσης φιλανθρωπικά ιδρύματα. Ο δρόμος στον οποίο κινούνται οι χαρακτήρες έχει επιβιώσει μέχρι σήμερα: η πομπή κινείται κατά μήκος του προς το υπάρχον τότε σχολείο τυφλών κοριτσιών και ένα καταφύγιο για άτομα με ειδικές ανάγκες.

Ο πίνακας απεικονίζει δύο αγόρια να κουβαλούν σε ένα φορείο έναν θηλυκό άγγελο με δεμένα μάτια και ένα φτερό που αιμορραγεί. Ένα από τα αγόρια κοιτάζει επίμονα και συνοφρυωμένα κατευθείαν τον θεατή, το βλέμμα του εκφράζει είτε συμπάθεια για τον πληγωμένο άγγελο, είτε περιφρόνηση. Το τοπίο του φόντου είναι σκόπιμα σκληρό και αραιό, αλλά δίνει την εντύπωση της ηρεμίας. Η μη τετριμμένη πλοκή ανοίγει χώρο για ένα ευρύ φάσμα ερμηνειών. Τα τραχιά ρούχα και τα παπούτσια των αγοριών, τα συνοφρυωμένα, σοβαρά πρόσωπά τους έρχονται σε αντίθεση με την εύθραυστη φιγούρα ενός αγγέλου ντυμένου με ένα ελαφρύ φόρεμα, που υποδηλώνει την αντίθεση ζωής και θανάτου, το αίμα στο φτερό του αγγέλου και τα μάτια. σημάδι ευαλωτότητας και εφήμερης ύπαρξης, αλλά στο χέρι του ο άγγελος κρατά ένα μπουκέτο χιονοστιβάδες είναι σύμβολο αναγέννησης και ανάκαμψης. Η ζωή εδώ φαίνεται να είναι κοντά στον θάνατο. Ένα από τα αγόρια στράφηκε προς το κοινό, σπάζοντας τον ερμητικό χώρο της εικόνας, καθιστώντας έτσι σαφές ότι τα ζητήματα της ζωής και του θανάτου σχετίζονται άμεσα με αυτά. Ο ίδιος ο Simberg αρνήθηκε να δώσει οποιαδήποτε ερμηνεία του The Wounded Angel, αφήνοντας τον θεατή να βγάλει τα συμπεράσματά του.

Ο πίνακας είχε τεράστιο αντίκτυπο στη φινλανδική κουλτούρα. Αναφορές σε αυτό βρίσκονται σε πολλά έργα υψηλής και μαζικής τέχνης. Το βίντεο του φινλανδικού metal συγκροτήματος Nightwish για το τραγούδι "Amaranth" παίζει στο μοτίβο του "The Wounded Angel".

Άλμπερτ Έντελφελτ

Pariisin Luxembourgin puistossa — Στους κήπους του Λουξεμβούργου στο Παρίσι.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ja kissa — ηλικιωμένη γυναίκα και γάτα

Στο Gallen-Kallela, γενικά, όλοι οι πίνακες είναι αριστουργήματα, αυτός είναι πραγματικά ένας καλλιτέχνης παγκόσμιας κλάσης.

Αυτή η εικόνα είναι γραμμένη με έναν εμφατικά νατουραλιστικό τρόπο, αλλά, παρ' όλη την αδιακοσμησία της, είναι γεμάτη συμπάθεια και αγάπη για τους πιο απλούς και φτωχούς ανθρώπους.

Ο πίνακας αποκτήθηκε από το Μουσείο Τέχνης Τούρκου το 1895 και υπάρχει μέχρι σήμερα.

Λέξη άκκαΜεταφράζω πάντα με δυσκολία – και «γυναίκα» και «γιαγιά».

Εδώ θα δείξω μια μικρή γεύση και θα προσθέσω μια ακόμη εικόνα Helene Schjerfbeck- στα ρωσικά διαβάζουμε το όνομά της Helena Schjerfbeck.

Και εδώ είναι μια αχτίδα φωτός και ζεστασιάς.

ζωγραφική του 1882, Tansiaiskengat —παπούτσια χορού.

Αυτή είναι ίσως η πιο θλιβερή φινλανδική εικόνα. Τουλάχιστον κατά τη γνώμη μου.

Άλμπερτ Έντελφελτ

Lapsen ruumissaatto — Κηδεία παιδιού(κυριολεκτικά Νεκρική πομπή παιδιού)

Αυτή είναι η πρώτη σύνθεση υπαίθριου είδους στις φινλανδικές εικαστικές τέχνες. Έγινε, σαν να λέγαμε, ένα κομμάτι της πραγματικής ζωής, που είδε και αιχμαλωτίστηκε από τον καλλιτέχνη. Η εικόνα λέει για την ανθρώπινη θλίψη. Ο Έντελφελτ απεικόνισε μια απλή οικογένεια που κουβαλούσε ένα μικρό φέρετρο σε μια βάρκα. Το σκληρό τοπίο αντιστοιχεί στη διάθεση των ανθρώπων που αποχωρούν το παιδί τους στο τελευταίο τους ταξίδι. Στα πένθιμα πρόσωπά τους, συγκρατημένες κινήσεις - σοβαρή θλίψη, που αντηχεί η λευκή ακίνητη επιφάνεια της λίμνης, ο λαμπερός κρύος ουρανός, οι μακρινές χαμηλές ακτές.

«Η κηδεία ενός παιδιού» του έφερε τον τίτλο του ακαδημαϊκού και το έργο αγοράστηκε σε ιδιωτική συλλογή στη Μόσχα. Ταυτόχρονα, οργανώθηκε μια προσωπική έκθεση στο Tsarskoe Selo και ο Έντελφελτ παρουσιάστηκε στον Αλέξανδρο Γ' και τη Μαρία Φεοντόροβνα, που επίσης λάτρευε τη ζωγραφική.

Η εγγύτητα του καλλιτέχνη στο δικαστήριο βοήθησε στη δημοτικότητα της φινλανδικής ζωγραφικής στη Ρωσία. Μπορούμε να πούμε ότι ο Έντελφελτ ήταν ένας από αυτούς που ανακάλυψαν την τέχνη της Φινλανδίας για τη Ρωσία.

Το 1907 ο πίνακας επέστρεψε στη Φινλανδία και τώρα βρίσκεται στο Μουσείο Ateneum του Ελσίνκι.

Ωστόσο, για δικό μου λογαριασμό, θα επέτρεπα να σημειώσω ότι σε αυτήν την εικόνα η στάση των Φινλανδών στον θάνατο μεταφέρεται με μεγάλη ακρίβεια (που, δυστυχώς, είναι ένα μέρος, το τελευταίο μέρος, οποιασδήποτε ζωής). Είναι πολύ αυστηρό και συγκρατημένο, κι εδώ υπάρχει διαφορά από τους Ρώσους. Αλλά αυτή η αυστηρότητα και η εγκράτεια δεν μιλάει για τη μη συναισθηματικότητα τους, απλώς οι Φινλανδοί τα κουβαλούν όλα αυτά βαθιά μέσα τους. Πιο βαθιά από εμάς τους Ρώσους. Αλλά η θλίψη από αυτό δεν παύει να είναι θλίψη για αυτούς.

Πέκκα Χαλόνεν

Tienraivaajia Karjalassa — Οδοποιοί στην Καρελία.

Κυριολεκτικά θα ήταν «καθαριστές δρόμων στην Καρελία».

raivata- καλό ρήμα ανοίξτε το δρόμο
Δεν ξέρω αν έχει κάτι κοινό με τη λέξη raivo — οργή, φρενίτιδα

Αλλά κοιτάζοντας αυτήν την εικόνα - μπορούμε να υποθέσουμε ότι ναι.

Υπάρχει ένα άλλο χαρακτηριστικό των Φινλανδών στην εικόνα - ιστορικά έπρεπε να ζουν σε ένα εξαιρετικά δυσμενές φυσικό περιβάλλον, δηλαδή, μερικές φορές απλώς πολεμούν σκληρά για την ύπαρξή τους, εξ ου και, πιθανώς, αυτή η επιμονή που δείχνουν στην εργασία και τις αντιξοότητες. Τουλάχιστον έτσι ήταν παλιά.

Ούγκο Σίμπεργκ

Μια άλλη φωτογραφία του Hugo Simberg - " Ονειρο«.

Ο Simberg δικαίως θεωρείται συμβολιστής, οι πίνακές του είναι εξαιρετικά ανοιχτοί σε ερμηνείες και ερμηνείες.

Και ταυτόχρονα, υπάρχει πάντα κάτι πολύ εθνικό στους πίνακές του.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ja varis — Το αγόρι και το κοράκι.

(1884) Προσωπικά, παρεμπιπτόντως, μόνο ως ενήλικας το έμαθα κοράκι (ποικίλλει), μιλώντας σχετικά, όχι σύζυγος / γυναίκα κοράκι (κορππη). Στην πραγματικότητα, μια τέτοια σύγχυση συμβαίνει ευτυχώς μόνο στα ρωσικά. Για παράδειγμα, στα Ουκρανικά, ένα κοράκι είναι "απατεώνας" και ένα κοράκι θα είναι "κοράκι". Στα αγγλικά, η λέξη για το κοράκι ακούγεται "κοράκι", και το κοράκι ονομάζεται "κοράκι".

Ο πίνακας βρίσκεται τώρα στο Ateneum.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen είναι — Η μητέρα του Lemminkäinen.
(1897)

Ο πίνακας βρίσκεται στο Ateneum του Ελσίνκι.

Ο πίνακας περιγράφει μια σκηνή από το The Kalevala, όπου ο Lemminkäinen σκοτώνεται και διαμελίζεται και τα μέρη του σώματος ρίχνονται στο σκοτεινό ποτάμι, το Tuonela. Η μητέρα του ήρωα μάζεψε τα μέρη του σώματος του γιου της με μια τσουγκράνα και τα έραψε σε ένα σύνολο. Στην εικόνα, περιμένει μια μέλισσα - οπότε σηκώνει το βλέμμα της - που θα φέρει μαγικό μέλι από τον ανώτερο θεό Ukko, ο οποίος πρέπει να αναστήσει τον Lemminkäinen.

Ιδρύθηκε το 1933 στο Ελσίνκι. Αρχικά, ένωσε 23 καλλιτέχνες διαφόρων ειδικοτήτων, μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του 1930 - περίπου 45. Ο πρώτος πρόεδρος της εταιρείας ήταν ο αρχιτέκτονας και καλλιτέχνης εσωτερικών χώρων L. E. Kurpatov, από το 1934 αυτή τη θέση κατείχε ο E. A. Buman-Kolomiytseva, από το 1935 - Ο βαρόνος R. A. Shtakelberg (εξελέγη επίτιμο μέλος το 1936), από το 1936 - V. P. Shchepansky. Η Εταιρεία φιλοξενούσε ετήσιες εκθέσεις της δουλειάς των μελών της (με χρηματικά έπαθλα) και ετήσιες φιλανθρωπικές μπάλες (συνήθως στο Hotel Grand). υπήρχε ταμείο αμοιβαίου οφέλους, πραγματοποιήθηκαν φιλικές βραδιές και διαβάστηκαν δημόσιες εκθέσεις για την τέχνη. Μεταξύ των εκθέσεων που διαβάζονται σε διάφορα χρόνια: "Ρωσικό θέατρο τα τελευταία 25 χρόνια" του S. M. Veselov (1935), "Ρώσοι ζωγράφοι τοπίων" του V. P. Shchepansky (1936; αφιερωμένο στη μνήμη του καλλιτέχνη M. A. Fedorova), "Πολιτισμός στο σπίτι " L. E. Kurpatova (1936) και άλλοι. Η Εταιρεία συμμετείχε στη διοργάνωση της ετήσιας Ημέρας του Ρωσικού Πολιτισμού, που γιορτάστηκε στα γενέθλια του A. S. Pushkin και το 1937 - σε εκδηλώσεις που σχετίζονται με την εκατονταετηρίδα από το θάνατο του ποιητή. Το 1934, αποφασίστηκε να οργανωθεί ένα εργαστήριο τέχνης και το καλοκαίρι να νοικιάσουμε από κοινού ένα εξοχικό σπίτι για εργασία σε σκίτσα.

Στις εκθέσεις της εταιρείας συμμετείχαν οι: M. Akutina-Shuvalova, N. P. Bely, A. P. Blaznov, N. Blinov, E. A. Buman-Kolomiytseva, P. Varlachev, V. A. Veiner, S. M. Veselov , V. I. Voutilainen-, H. V. Deppel. Shmakov, S. Dobrovolsky, P. S. Zakharov, S. G. Irmanova, I. M. Karpinsky, I. Krasnostovsky, L. Kratz, L L. Kuzmin, N. G. Kuzmina, I. Kurkiranta, L. E. Kurpatov, O. Kurpatova, T. Kurto,, A. Linden P. Lomakin, Baroness M. B. Maidel, M. Milova, M. M. von Mingin, V. Mitinin, M.N. Nemilova, M. Pets-Blaznova, L. Platan, G. Presas, Yu. I. Repin, V. I. Repina, M. Romanov, S. Rumbin, V. P. Semenov-Tyan-Shansky, M. A. Fedorova, T. Schwank, V. Shermanova -Brown, M. N. Shilkin, A. L. von Schultz, G. Schumacher, M. N. Shchepanskaya, V. P. Shchepansky.

Με το ξέσπασμα των εχθροπραξιών κατά της Φινλανδίας το 1939, οι δραστηριότητες της κοινωνίας σταμάτησαν και έγιναν πιο ενεργές μόνο μετά τον πόλεμο. Το 1945 η κοινωνία μετατράπηκε σε Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών στη Φινλανδία, υπό την προεδρία του I. M. Karpinsky. Την επόμενη χρονιά, αυτή η οργάνωση έγινε συλλογικό μέλος της Ρωσικής Πολιτιστικής Δημοκρατικής Ένωσης και το 1947 πραγματοποιήθηκε η πρώτη της έκθεση στο Harhammer Art Salon.

Βιβλιογραφία:	Χρονικό της λογοτεχνικής ζωής των Ρώσων στο εξωτερικό: Φινλανδία (1918–1938) / Συντάχθηκε από: E. Hämäläinen, Yu. A. Azarov // Λογοτεχνικό περιοδικό. Τμήμα Γλώσσας και Λογοτεχνίας της Ρωσικής Ακαδημίας Επιστημών. Ινστιτούτο Επιστημονικής Πληροφόρησης για τις Κοινωνικές Επιστήμες της Ρωσικής Ακαδημίας Επιστημών. – 2006. Αρ. 20. Σ. 271–319.
Συνδέσεις:
Γεωγραφία:
Συντάχθηκε από:
Ημερομηνία εισαγωγής:

Μόνιμη έκθεση του Μουσείου Ateneumκαταλαμβάνει τον τρίτο όροφο του κτιρίου (εκεί οργανώνονται και μικρές θεματικές εκθέσεις) και στον δεύτερο όροφο πραγματοποιούνται προσωρινές εκθέσεις (κάτοψη των αιθουσών). Σε αυτό το σημείωμα, θα μιλήσουμε για μερικούς από τους πιο ενδιαφέροντες και διάσημους πίνακες και γλυπτά της συλλογής Ateneum, καθώς και για τους συγγραφείς τους: τους διάσημους Φινλανδοί ζωγράφοι και γλύπτες. Περισσότερα για την ιστορία του μουσείου Ateneum και την αρχιτεκτονική του κτιρίου του μουσείουμπορεί να διαβαστεί. Παρέχει επίσης χρήσιμες πληροφορίες για τιμές εισιτηρίων, ώρες λειτουργίαςκαι η διαδικασία επίσκεψης στο Μουσείο Ateneum. Προσοχή: όχι πάντα στο μουσείο μπορείτε να δείτε όλα τα διάσημα έργα ταυτόχρονα.

Έργα Φινλανδών γλυπτών

Ας ξεκινήσουμε τη βόλτα μας στο μουσείο Ateneum ακριβώς από την είσοδο.

Στο λόμπι μας υποδέχεται μια μαρμάρινη ομάδα " Ο Απόλλωνας και ο Μαρσύας» (1874) του διάσημου Φινλανδού γλύπτη Walter Runeberg (Walter Magnus Runeberg) (1838-1920), συγγραφέας μνημείων του Johan Runeberg και του αυτοκράτορα Αλέξανδρου Β' στο Ελσίνκι. Ο πατέρας του γλύπτη, ο ποιητής Johan Runeberg, εκπρόσωπος της εθνικής ρομαντικής τάσης στη λογοτεχνία, εισήγαγε τα ιδανικά του ελληνικού και ρωμαϊκού πολιτισμού στη φινλανδική κουλτούρα, συμπεριλαμβανομένης της αξίας του θάρρους και της αφοσίωσης. Ο γιος του συνέχισε να εκφράζει αυτά τα ιδανικά, αλλά μέσω της γλυπτικής. Το 1858-62. Ο Walter Runeberg σπούδασε στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Κοπεγχάγης υπό την καθοδήγηση του Δανό γλύπτη Hermann Wilhelm Bissen, μαθητή του διάσημου Thorvaldsen, ενός διεθνώς αναγνωρισμένου δεξιοτέχνη της νεοκλασικής γλυπτικής. Το 1862-1876. Ο Ρούνεμπεργκ εργάστηκε στη Ρώμη, συνεχίζοντας να μελετά την κλασική κληρονομιά.

Σε αυτή τη γλυπτική ομάδα, ο Runeberg απεικόνισε τον θεό του φωτός, τον Απόλλωνα, να νικάει τον σάτυρο Μαρσύα με την τέχνη του, προσωποποιώντας το σκοτάδι και τη γήινη φύση. Η φιγούρα του Απόλλωνα είναι φτιαγμένη στο πνεύμα των αρχαίων ιδεωδών, ενώ η εικόνα αυτή έρχεται ξεκάθαρα σε αντίθεση με τον μπαρόκ-άγριο βοσκό Μαρσύα. Η σύνθεση αρχικά προοριζόταν να διακοσμήσει το νέο Φοιτητικό Σπίτι του Ελσίνκι και ανατέθηκε από την αδελφότητα, αλλά στη συνέχεια οι κυρίες προφανώς αποφάσισαν ότι υπήρχε πάρα πολύ γυμνό στο γλυπτό του Runeberg. Με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, στο τέλος, το έργο παρουσιάστηκε ως δώρο στην Εταιρεία Τέχνης της Φινλανδίας - και έτσι κατέληξε στη συλλογή του Μουσείου Ateneum.

Στην είσοδο των κεντρικών εκθεσιακών αιθουσών του Ateneum στον τρίτο όροφο, μπορείτε να δείτε μερικά ακόμη ενδιαφέροντα έργα Φινλανδοί γλύπτες. Ιδιαίτερα ελκυστικά είναι μαρμάρινα και μπρούτζινα γλυπτά, κομψά ειδώλια και βάζα κατασκευασμένα από Βιλ Γουόλγκρεν (Βιλ Γουόλγκρεν) (1855–1940).Βιλ Γουόλγκρενήταν ένας από τους πρώτους Φινλανδούς γλύπτες που, αφού έλαβε βασική εκπαίδευση στη Φινλανδία, αποφάσισε να συνεχίσει τις σπουδές του όχι στην Κοπεγχάγη, αλλά στο Παρίσι. Η επιλογή του επηρεάστηκε από τον γνωστό καλλιτέχνη Albert Edelfelt, επίσης με καταγωγή από το Porvoo. Ο Έντελφελτ βοήθησε τον παρορμητικό συμπατριώτη σε άλλα ζητήματα ζωής και επαγγελματικά: για παράδειγμα, με τη βοήθειά του ο Γουόλγκρεν έλαβε παραγγελία να ολοκληρώσει το περίφημο σιντριβάνι Havis Amanda (1908) στη λεωφόρο Esplanade.

Βιλ Γουόλγκρεν, που έζησε στη Γαλλία για σχεδόν 40 χρόνια, είναι περισσότερο γνωστός για τις αισθησιακές γυναικείες του φιγούρες σε στυλ αρ νουβό. Ωστόσο, σε πρώιμο στάδιο της δουλειάς του, συχνά απεικόνιζε νέους άνδρες και ακολούθησε ένα πιο κλασικό στυλ (παραδείγματα είναι ποιητικά μαρμάρινα γλυπτά" Ηχώ" (1887) και " αγόρι παίζει με καβούρι(1884), όπου ο Wallgren συνδέει τους ανθρώπινους χαρακτήρες και τον φυσικό κόσμο).

Στα τέλη του 19ου αιώνα, ο Ville Wallgren κέρδισε παγκόσμια φήμη ως αξιόλογος δεξιοτέχνης των διακοσμητικών ειδωλίων, καθώς και των αγγείων, των νεκρικών δοχείων και των δακρύων, διακοσμημένων με φιγούρες θρηνωδών κοριτσιών που θρηνούν. Αλλά με όχι λιγότερη πειστικότητα, ο bon vivant Wallgren απεικόνισε τις χαρές της ζωής, συμπεριλαμβανομένων των ερωτευμένων και σαγηνευτικών γυναικών, όπως η ίδια Havis Amanda. Εκτός από το προαναφερθέν γλυπτό "Boy Playing with a Crab" (1884), στον τρίτο όροφο του μουσείου Ateneum μπορείτε να δείτε χάλκινα έργα του Wille Wallgren: «Δάκρυ» (1894), «Άνοιξη (Αναγέννηση)» (1895), «Δύο νέοι» (1893) και ένα βάζο (περ. 1894). Αυτά τα εξαιρετικά έργα με τέλεια επεξεργασμένες λεπτομέρειες είναι μικρού μεγέθους, αλλά προκαλούν έντονη συναισθηματική εντύπωση και μένουν στη μνήμη για την ομορφιά τους.

Ο Ville Wallgren έχει διανύσει πολύ δρόμο για την καριέρα του ως γλύπτης, αλλά μόλις βρήκε την σκηνοθεσία του και ζήτησε την υποστήριξη επαγγελματιών, έγινε ένας από τους πιο σεβαστούς και διεθνώς αναγνωρισμένους καλλιτέχνες στην ιστορία. Φινλανδική τέχνη. Για παράδειγμα, ήταν ο μόνος Φινλανδός που έλαβε το μετάλλιο Grand Prix για τη δουλειά του στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι (αυτό συνέβη το 1900). Ο Wallgren τράβηξε για πρώτη φορά την προσοχή συναδέλφων και κριτικών κατά τη διάρκεια της Παγκόσμιας Έκθεσης του 1889, όπου παρουσιάστηκε το ανάγλυφο «Χριστός». Για άλλη μια φορά, ο Φινλανδός γλύπτης έγινε γνωστός κατά τη διάρκεια των συμβολικών παριζιάνικων σαλονιών Rose + Croixτο 1892 και το 1893. Η σύζυγος του Wallgren ήταν η Σουηδή καλλιτέχνης και γλύπτης Antoinette Rostrem ( Αντουανέτα Ράστρομ) (1858-1911).

Χρυσή Εποχή της Φινλανδικής Τέχνης: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

Σε μια από τις μεγαλύτερες αίθουσες στον τρίτο όροφο το Μουσείο Ateneumπαρουσιάζονται κλασικοί πίνακες ζωγραφικής, συμπεριλαμβανομένου του έργου του φίλου Ville Wallgren - Άλμπερτ Έντελφελτ (Άλμπερτ Έντελφελτ) (1854-1905), το πιο ευρέως γνωστό στον κόσμο Φινλανδός καλλιτέχνης.

Η προσοχή του κοινού προσελκύεται αναγκαστικά από την υπέροχη εικόνα " Βασίλισσα Μπλάνκα"(1877) - ένας από τους πιο δημοφιλείς και αγαπημένους πίνακες στη Φινλανδία, ένας πραγματικός ύμνος στη μητρότητα. Έντυπες αναπαραγωγές αυτού του πίνακα και κεντήματα που τον απεικονίζουν βρίσκονται σε χιλιάδες σπίτια σε όλη τη χώρα. Ο Έντελφελτ εμπνεύστηκε από το διήγημα «Οι εννέα αργυροχόοι» του Ζαχαρία Τοπέλιους ( De nio silverpenningarna), στο οποίο η μεσαιωνική βασίλισσα της Σουηδίας και της Νορβηγίας, Μπλάνκα της Ναμούρ, διασκεδάζει με τραγούδια τον γιο της, πρίγκιπα Χάκον Μάγκνουσον, τον μελλοντικό σύζυγο της Μαργαρίτας Α' της Δανίας. Το αποτέλεσμα αυτού του γάμου, οργανωμένος ακριβώς Βασίλισσα Μπλάνκα, έγινε η ένωση της Σουηδίας, της Νορβηγίας και της Δανίας - η Ένωση Kalmar (1397-1453). Η όμορφη Μπλάνκα τραγουδά για όλα αυτά τα μελλοντικά γεγονότα στον μικρό της γιο.

Στην εποχή της δημιουργίας αυτού του καμβά, η ιστορική ζωγραφική θεωρούνταν η πιο ευγενής μορφή τέχνης και ήταν περιζήτητη από τα μορφωμένα τμήματα της φινλανδικής κοινωνίας, καθώς η εθνική ταυτότητα εκείνη την εποχή μόλις άρχιζε να διαμορφώνεται. Ο Albert Edelfelt ήταν μόλις 22 ετών όταν αποφάσισε να δημιουργήσει έναν πίνακα με θέμα τη μεσαιωνική σκανδιναβική ιστορία και η βασίλισσα Μπλάνκα έγινε το πρώτο του σοβαρό έργο. Ο καλλιτέχνης προσπάθησε να ανταποκριθεί στις προσδοκίες του λαού του και να ενσαρκώσει την ιστορική σκηνή όσο πιο ζωντανά και αυθεντικά γινόταν (την εποχή της ζωγραφικής, ο Έντελφελτ ζούσε σε μια στενή σοφίτα στο Παρίσι και, με την επιμονή του δασκάλου του Jean-Leon Gerome, σπούδασε τα κοστούμια εκείνης της περιόδου, διάβασε βιβλία για τη μεσαιωνική αρχιτεκτονική και έπιπλα, επισκέφτηκε το μεσαιωνικό Μουσείο Cluny). Κοιτάξτε τη δεξιοτεχνία με την οποία γράφεται το γυαλιστερό μετάξι του φορέματος της βασίλισσας, το δέρμα της αρκούδας στο πάτωμα και πολλές άλλες λεπτομέρειες (ο καλλιτέχνης νοίκιασε ειδικά το δέρμα της αρκούδας στο πολυκατάστημα). Αλλά το κύριο πράγμα στην εικόνα, τουλάχιστον για τον σύγχρονο θεατή (και για τον ίδιο τον Έντελφελτ, που αγαπούσε τη μητέρα του περισσότερο από οποιονδήποτε στον κόσμο), είναι το ζεστό συναισθηματικό της περιεχόμενο: το πρόσωπο της μητέρας και οι χειρονομίες του παιδιού, που εκφράζουν αγάπη, χαρά και οικειότητα.

Μια όμορφη 18χρονη Παριζιάνα υπηρέτησε ως μοντέλο για τη βασίλισσα Μπλάνκα και ένα όμορφο Ιταλό αγόρι πόζαρε στον Πρίγκιπα. Πίνακας "Βασίλισσα Μπλάνκα"παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό το 1877 στο Σαλόνι του Παρισιού, γνώρισε μεγάλη επιτυχία και επαναλήφθηκε σε γαλλικές εκδόσεις τέχνης. Στη συνέχεια παρουσιάστηκε στη Φινλανδία, μετά την οποία ο καμβάς πουλήθηκε στην Aurora Karamzina. Στη συνέχεια, ο πίνακας κατέληξε στη συλλογή του μεγιστάνα Hjalmar Linder, ο οποίος τον δώρισε το Μουσείο Ateneumτο 1920.

Ένα άλλο παράδειγμα πρώιμης δημιουργικότητας Άλμπερτ Έντελφελτο πένθιμος πίνακας» Κηδεία παιδιού«(«Μεταφορά του φέρετρου») (1879). Έχουμε ήδη πει ότι στα νιάτα του ο Έντελφελτ επρόκειτο να γίνει ζωγράφος ιστορίας. προετοιμάστηκε για αυτό ενώ σπούδαζε στην Αμβέρσα και μετά στο Παρίσι. Αλλά μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του 1870, τα ιδανικά του είχαν αλλάξει, έγινε φίλος με τον Γάλλο καλλιτέχνη Bastien-Lepage και έγινε ιεροκήρυκας της plein air painting. Επόμενα έργα Έντελφελταποτελούν ήδη μια ρεαλιστική αντανάκλαση της αγροτικής ζωής και της ζωντανής ζωής της πατρίδας τους. Αλλά ο πίνακας «Η κηδεία ενός παιδιού» δεν αντικατοπτρίζει απλώς τη σκηνή της καθημερινής ζωής: μεταφέρει ένα από τα θεμελιώδη ανθρώπινα συναισθήματα - τη θλίψη.

Εκείνη τη χρονιά, ο Έντελφελτ επισκέφτηκε για πρώτη φορά τη ντάκα που είχε νοικιάσει η μητέρα του στο κτήμα Haikko κοντά στο Porvoo (αργότερα ο καλλιτέχνης ερχόταν σε αυτά τα όμορφα μέρη κάθε καλοκαίρι). Η εικόνα ήταν ζωγραφισμένη εξ ολοκλήρου στην ύπαιθρο, για την οποία έπρεπε να στερεωθεί ένας μεγάλος καμβάς σε παράκτιους ογκόλιθους για να μην κυματίζει στον άνεμο. «Δεν πίστευα ότι ήταν τόσο δύσκολο να ζωγραφίσεις σε εξωτερικούς χώρους», είπε ο Έντελφελτ σε έναν από τους φίλους του. Ο Έντελφελτ σκιαγράφησε τα ξεπερασμένα πρόσωπα των κατοίκων του αρχιπελάγους Porvoo, βγήκε στη θάλασσα με ψαράδες περισσότερες από μία φορές και μάλιστα τοποθέτησε ειδικά μια πριονισμένη ψαρόβαρκα στο εργαστήριό του για να αναπαράγει με ακρίβεια τις λεπτομέρειες. Έντελφελτ ζωγραφική « Funeral of a Child» εκτέθηκε στο σαλόνι του Παρισιού του 1880 και του απονεμήθηκε μετάλλιο 3ου βαθμού (για πρώτη φορά Φινλανδός καλλιτέχνηςέλαβε μια τέτοια τιμή). Οι Γάλλοι κριτικοί σημείωσαν τα διάφορα πλεονεκτήματα της εικόνας, συμπεριλαμβανομένου του γεγονότος ότι στερείται υπερβολικού συναισθηματισμού, αλλά αντανακλά την αξιοπρέπεια με την οποία οι χαρακτήρες αποδέχονται το αναπόφευκτο.

Η εικόνα είναι εμποτισμένη με μια εντελώς διαφορετική, ηλιόλουστη και ανέμελη διάθεση. Άλμπερτ Έντελφελτ « κήπος του Λουξεμβούργου» (1887). Όταν ο Έντελφελτ ζωγράφισε αυτόν τον καμβά, ήταν ήδη μια πολύ διάσημη φιγούρα στον κόσμο της τέχνης του Παρισιού. Γοητευμένος από τα παριζιάνικα πάρκα με πολλά παιδιά και νταντάδες να απολαμβάνουν τον καλό καιρό, αποφάσισε να απαθανατίσει αυτή την ομορφιά. Μέχρι εκείνη την εποχή, ο ζωγράφος είχε ήδη ζήσει στο Παρίσι για περισσότερα από δέκα χρόνια, και είναι ακόμη περίεργο ότι αυτός ο πίνακας είναι το μόνο σημαντικό έργο του που απεικονίζει τη ζωή των Παρισίων. Αυτό οφείλεται πιθανώς στον έντονο ανταγωνισμό μεταξύ των καλλιτεχνών: ήταν ευκολότερο να ξεχωρίσεις σε αυτό το περιβάλλον, δουλεύοντας σε πιο «εξωτικά» φινλανδικά θέματα. Ο πίνακας «Κήποι του Λουξεμβούργου» είναι επίσης ασυνήθιστος καθώς ο Έντελφελτ χρησιμοποίησε πολλές τεχνικές ιμπρεσιονισμού σε αυτόν. Ταυτόχρονα, σε αντίθεση με τους ιμπρεσιονιστές, δούλεψε σε αυτόν τον καμβά για περισσότερο από ένα χρόνο, τόσο στο ύπαιθρο όσο και στο στούντιο. Η εργασία συχνά επιβραδύνθηκε για κοινότοπους λόγους: λόγω κακοκαιρίας ή καθυστερημένων μοντέλων. Ο αυτοκριτικός Έντελφελτ επανειλημμένα ξαναδούλεψε τον καμβά, κάνοντας αλλαγές μέχρι την τελευταία στιγμή, όταν ήρθε η ώρα να πάει το έργο στην έκθεση.

Ο πίνακας παρουσιάστηκε για πρώτη φορά σε έκθεση στο Galerie Petitτον Μάιο του 1887. Ο ίδιος ο Έντελφελτ δεν ήταν πολύ ικανοποιημένος με το αποτέλεσμα: στο φόντο των χρωματικών εκρήξεων στους πίνακες των Γάλλων ιμπρεσιονιστών, ο καμβάς του φαινόταν, όπως του φαινόταν, αναιμικός, «υγρός». Ωστόσο, το έργο έτυχε θετικής υποδοχής από τους κριτικούς και το κοινό. Στη συνέχεια, αυτός ο πίνακας έγινε ένα είδος συμβόλου των στενών δεσμών της φινλανδικής τέχνης -και ιδιαίτερα του Έντελφελτ- με το Παρίσι, που εκείνη την εποχή ήταν το επίκεντρο του καλλιτεχνικού σύμπαντος.

Εικόνα " Γυναίκες στην εκκλησία στο Ruokolahti» (1887) Άλμπερτ Έντελφελτέγραψε στο καλοκαιρινό του εργαστήρι στο Χάικο - εκεί δημιούργησε σχεδόν όλα τα έργα του με θέμα τη λαϊκή ζωή. Αν και ο πίνακας αντικατοπτρίζει τις εντυπώσεις ενός ταξιδιού στην Ανατολική Φινλανδία, είναι γνωστό ότι γυναίκες από το Haikko ήταν τα πρότυπα για τον πίνακα (διατηρήθηκαν φωτογραφίες που ποζάρουν για τον Έντελφελτ στο ατελιέ του). Όπως και άλλες μεγάλες συνθέσεις, έτσι και αυτή δεν δημιουργήθηκε από τη μια μέρα στην άλλη, πάντα γίνονταν προσεκτικά προκαταρκτικά σκίτσα. Ωστόσο, ο κύριος στόχος του καλλιτέχνη ήταν πάντα η επίτευξη ενός αυθόρμητου, ζωντανού εφέ του «στιγμιότυπου».

Δίπλα στα έργα του Albert Edelfelt στο Μουσείο Ateneum, μπορείτε να δείτε πίνακες ενός άλλου εκπροσώπου της χρυσής εποχής της φινλανδικής τέχνης, Eero Jarnefelta (Eero Järnefelt) (1863-1937). Αφού τελείωσε τις σπουδές του στη Φινλανδία, ο Järnefelt πήγε στο Αγία Πετρούποληόπου σπούδασε Ακαδημία Τεχνώνμε τον θείο του Mikhail Klodt, ήρθε κοντά στον Repin και τον Korovin και στη συνέχεια πήγε να συνεχίσει την εκπαίδευσή του στο Παρίσι. Παρά τις ξένες επιρροές, το έργο του Järnefelt αντικατοπτρίζει την αναζήτηση της εθνικής ταυτότητας, την επιθυμία να τονίσει την ιδιόμορφη φύση της πατρίδας του ( περισσότερα για τη δημιουργικότητα Eero Jarnefeltaανάγνωση ).

Ο Jarnefelt είναι περισσότερο γνωστός ως ζωγράφος πορτρέτων και συγγραφέας των μεγαλοπρεπών τοπίων της περιοχής Koli και των περιχώρων της λίμνης Tuusulanjärvi, όπου βρισκόταν η βίλα-στούντιο του Suviranta (δίπλα ήταν το σπίτι Ainola, όπου ο συνθέτης Sibelius ζούσε με τη σύζυγό του, η αδερφή του Jarnefelt).

Αλλά το πιο σημαντικό και διάσημο έργο του Eero Järnefelt είναι, φυσικά, ο πίνακας "Under the yoke" ("Burning out the forest")(1893) (άλλες παραλλαγές του ονόματος - " Κάμψη πλάτης για χρήματα», « καταναγκαστική εργασία"). Το οικόπεδο του καμβά συνδέεται με την αρχαία μέθοδο καλλιέργειας, η οποία συνίσταται στο κάψιμο του δάσους για την απόκτηση καλλιεργήσιμης γης (η λεγόμενη γεωργία slash-and-burn). Ο πίνακας δημιουργήθηκε το καλοκαίρι του 1893 σε μια φάρμα Rannan Puurulaστο Lapinlahti, στην περιοχή του Βόρειου Σάβο. Εκείνη τη χρονιά ο παγετός κατέστρεψε τη σοδειά για δεύτερη φορά. Ο Järnefelt εργαζόταν στο αγρόκτημα μιας πλούσιας οικογένειας και παρατήρησε τις σκληρές συνθήκες διαβίωσης και εργασίας των ακτήμων εργατών που πληρώνονταν για τη δουλειά τους μόνο αν η σοδειά ήταν καλή. Παράλληλα, ο Järnefelt έκανε σκίτσα ενός φλεγόμενου δασικού τοπίου, μελέτησε τη συμπεριφορά της φωτιάς και του καπνού και κινηματογράφησε επίσης χωρικούς, οι οποίοι τελικά έγιναν οι κύριοι χαρακτήρες της εικόνας του.

Μόνο ένας χαρακτήρας στην εικόνα κοιτάζει απευθείας τον θεατή: αυτό είναι ένα κορίτσι που διέκοψε τη δουλειά για λίγο και μας κοιτάζει με μια έκφραση μομφής. Το στομάχι της ήταν πρησμένο από την πείνα, το πρόσωπο και τα ρούχα της ήταν μαυρισμένα από αιθάλη και γύρω από το κεφάλι της η Jarnefelt απεικόνιζε καπνό που έμοιαζε με φωτοστέφανο. Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε αυτή την εικόνα από ένα 14χρονο κορίτσι που ονομάζεται Johanna Kokkonen ( Johanna Kokkonen), υπηρέτες στο αγρόκτημα. Το πρόσωπο στο προσκήνιο είναι ο Heikki Puurunen ( Heikki Puurunen), ο αδελφός του αγρότη και στο βάθος εικονίζεται ο ιδιοκτήτης της φάρμας.

Κοιτάζοντας την εικόνα, μπορείτε κυριολεκτικά να νιώσετε τη ζέστη της φωτιάς, να ακούσετε τον πνιχτό θόρυβο της φλόγας και το τσούξιμο των κλαδιών. Η εικόνα έχει πολλές ερμηνείες, αλλά το κύριο νόημά της θεωρείται ως σκληρή κριτική του καταπιεσμένου λαού. Το κορίτσι από την εικόνα έχει γίνει μια γενικευμένη εικόνα όλων των φτωχών και πεινασμένων παιδιών, όλων των μειονεκτούντων ανθρώπων της Φινλανδίας. Ο καμβάς παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό το 1897.

Μια ολόκληρη μεγάλη αίθουσα Μουσείο Ateneumαφιερωμένο στο έργο ενός άλλου διάσημου εκπροσώπου της χρυσής εποχής των φινλανδικών καλών τεχνών - Akseli Gallena-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Όπως και άλλοι μεγάλοι Φινλανδοί καλλιτέχνες εκείνης της περιόδου, σπούδασε σε. Ο Gallen-Kallela έλαβε ιδιαίτερη προσοχή από το κοινό του Παρισιού κατά τη διάρκεια της Παγκόσμιας Έκθεσης του 1900, όταν εκτέλεσε μια σειρά από τοιχογραφίες για το φινλανδικό περίπτερο με βάση το φινλανδικό έπος Kalevala.

Στη διάρκεια σπουδές στο ΠαρίσιΟ Gallen-Kallela σκιαγράφησε συχνά σκηνές που παρατηρούσε στους δρόμους και στα καφέ. Παράδειγμα της δημιουργικότητας αυτής της περιόδου είναι η ζωγραφική "Γυμνό" ("Χωρίς μάσκα") (Ντεμασκέ ) (1888) - σχεδόν ο μόνος ερωτικός καμβάς στο έργο του Gallen-Kallela. Είναι γνωστό ότι δημιουργήθηκε από έναν 23χρονο καλλιτέχνη που παρήγγειλε ο Φινλανδός συλλέκτης και φιλάνθρωπος Fridtjof Antell, ο οποίος ήθελε να αναπληρώσει τη συλλογή του από σεξουαλικά σαφείς πίνακες. Ωστόσο, όταν ο Antell είδε τον πίνακα, αρνήθηκε να τον πάρει, θεωρώντας προφανώς τον πίνακα πολύ άσεμνο ακόμα και για το γούστο του.

Ο πίνακας απεικονίζει μια γυμνή Παριζιάνα (προφανώς ιερόδουλη) να κάθεται στο στούντιο του καλλιτέχνη σε έναν καναπέ καλυμμένο με ένα παραδοσιακό φινλανδικό χαλί. Η εικόνα δίνει μια ιδέα για τον μποέμ τρόπο ζωής, αλλά ταυτόχρονα υπονοεί ότι οι χαρές του είναι γεμάτες θάνατο, πτώση. Ο καλλιτέχνης απεικονίζει ένα κρίνο που συμβολίζει την αθωότητα, το οποίο έρχεται σε αντίθεση με ένα εμφατικά αισθησιακό μοντέλο και μια κιθάρα, του οποίου το σχήμα ενισχύει περαιτέρω το ερωτικό συναίσθημα. Η γυναίκα φαίνεται και σαγηνευτική και εκφοβιστική. Σταυρός, άγαλμα του Βούδα και αντίκα φινλανδικό χαλί ρουιού, που απεικονίζεται δίπλα στην αυτάρεσκη γυναικεία σάρκα, παραπέμπουν στη βεβήλωση του αγίου. Ένα κρανίο χαμογέλασε στο τραπέζι στο βάθος - ένα συχνό στοιχείο στους πίνακες του είδους Vanitas, που υπενθυμίζει στον θεατή την αδυναμία των γήινων απολαύσεων και το αναπόφευκτο του θανάτου. καμβάς Ντεμασκέεκτέθηκε για πρώτη φορά στο Μουσείο Ateneumτο 1893.

Πολλά μεταγενέστερα έργα Γκαλένα-Καλέλααφιερωμένο "Kalevale". Όταν απεικονίζει τέτοιους ήρωες του φινλανδικού έπους όπως ο Väinämöinen και ο Lemminkäinen, ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί ένα ιδιαίτερο στυλ, σκληρό και εκφραστικό, γεμάτο αμίμητα φωτεινά χρώματα και στυλιζαρισμένα στολίδια. Από αυτόν τον κύκλο, αξίζει να σημειωθεί η εκπληκτική εικόνα " Η μητέρα του Lemminkäinen» (1897). Αν και ο πίνακας είναι μια εικονογράφηση του έπους, έχει έναν πιο παγκόσμιο, παγκόσμιο ήχο και μπορεί να θεωρηθεί ένα είδος Βόρειας Πιέτας. Αυτό το διαπεραστικό τραγούδι της μητρικής αγάπης είναι ένα από τα πιο εντυπωσιακά έργα της Gallen-Kallela με θέμα " Καλεβάλα».

Η μητέρα του Lemminkäinen- ένας χαρούμενος τύπος, ένας έξυπνος κυνηγός και σαγηνευτής γυναικών - βρίσκει τον γιο του στο μαύρο ποτάμι του Θανάτου (Ποταμός Tuonela), όπου προσπάθησε να πυροβολήσει τον ιερό κύκνο. Ο κύκνος απεικονίζεται στο σκοτεινό νερό στο βάθος, και κρανία και οστά είναι διάσπαρτα στη βραχώδη ακτή και φυτρώνουν λουλούδια του θανάτου. Η Καλεβάλα λέει πώς μια μητέρα χτενίζει το νερό με μια μακριά τσουγκράνα, βγάζει όλα τα κομμάτια και ξαναδιπλώνει τον γιο της από μέσα τους. Με τη βοήθεια ξόρκια και αλοιφές, αναβιώνει το Lemminkäinen. Η εικόνα απεικονίζει τη στιγμή που προηγείται της ανάστασης. Φαίνεται ότι όλα έχουν φύγει, αλλά οι ακτίνες του ήλιου διεισδύουν στο βασίλειο των νεκρών, δίνοντας ελπίδα, και η μέλισσα κουβαλά ένα ζωογόνο θεϊκό βάλσαμο για την ανάσταση του ήρωα. Τα σκοτεινά, σιωπηλά χρώματα ενισχύουν την ακινησία αυτού του κάτω κόσμου, ενώ τα έντονα κόκκινα βρύα στους βράχους, η θανατηφόρα λευκότητα των φυτών και του δέρματος του Lemminkäinen έρχονται σε αντίθεση με το θεϊκό χρυσό χρώμα της μέλισσας και τις ακτίνες που ξεχύνονται από τον ουρανό.

Για αυτόν τον πίνακα, ο καλλιτέχνης πόζαρε η ίδια η μητέρα του. Κατάφερε να δημιουργήσει μια πολύ ρεαλιστική εικόνα με ζωηρό, έντονο βλέμμα (αυτό είναι ένα γνήσιο συναίσθημα: ο Gallen-Kallela μίλησε επίτηδες στη μητέρα του για κάτι θλιβερό, που την έκανε να κλάψει). Ταυτόχρονα, η εικόνα είναι στυλιζαρισμένη, γεγονός που επιτρέπει τη δημιουργία μιας ιδιαίτερης μυθικής ατμόσφαιρας, την αίσθηση ότι τα γεγονότα λαμβάνουν χώρα «στην άλλη πλευρά» της πραγματικότητας. Για να ενισχύσει τη συναισθηματική επίδραση, η Gallen-Kallela χρησιμοποίησε τέμπερα αντί για λαδομπογιές. Απλοποιημένες φόρμες, καθαρά περιγράμματα μορφών και μεγάλα επίπεδα χρώματος βοηθούν στη δημιουργία μιας ισχυρής σύνθεσης. Προκειμένου να αποδώσει καλύτερα τη ζοφερή διάθεση της εικόνας, ο καλλιτέχνης εξόπλισε ένα εντελώς μαύρο δωμάτιο στο σπίτι του στούντιο στο Ruovesi, η μόνη πηγή φωτισμού στο οποίο ήταν ένας φεγγίτης. Επιπλέον, φωτογράφισε τον εαυτό του γυμνό στο πάτωμα και χρησιμοποίησε αυτές τις εικόνες όταν ζωγράφιζε τη φιγούρα του Lemminkäinen.

Με εντελώς διαφορετικό, ειδυλλιακό και σχεδόν επιπόλαιο ύφος, το τρίπτυχο Gallen-Kallela» Θρύλος του Αίνου» (1891). Η σύνθεση είναι αφιερωμένη στην πλοκή από την Καλεβάλα για τη νεαρή κοπέλα Aino και τον γέρο σοφό Väinämöinen. Η Aino, με απόφαση των γονιών της, επρόκειτο να παντρευτεί τον Väinämöinen, αλλά εκείνη τρέχει μακριά του, προτιμώντας να πνιγεί. Στην αριστερή πλευρά του τρίπτυχου φαίνεται η πρώτη συνάντηση ενός ηλικιωμένου άνδρα και μιας κοπέλας ντυμένης με παραδοσιακή στολή της Καρελίας στο δάσος και στη δεξιά πλευρά βλέπουμε τον θλιμμένο Αίνο. Ετοιμαζόμενη να πεταχτεί στο νερό, κλαίει στην ακτή, ακούγοντας τις φωνές των κοριτσιών της θάλασσας που παίζουν στο νερό. Τέλος, ο κεντρικός πίνακας απεικονίζει το τέλος της ιστορίας: ο Väinämöinen παίρνει μια βάρκα στη θάλασσα και πηγαίνει για ψάρεμα. Έχοντας πιάσει ένα μικρό ψάρι, δεν αναγνωρίζει σε αυτό το κορίτσι που πνίγηκε από υπαιτιότητά του και πετάει το ψάρι ξανά στο νερό. Αλλά εκείνη τη στιγμή, το ψάρι μετατρέπεται σε Αίνο - μια γοργόνα που γελάει με τον γέρο που της έλειψε και μετά χάνεται στα κύματα για πάντα.

Αρχές δεκαετίας 1890 Gallen-Kallelaήταν υποστηρικτής του νατουραλισμού και χρειαζόταν οπωσδήποτε γνήσια μοντέλα για όλες τις φιγούρες και τα αντικείμενα της εικόνας. Έτσι, για την εικόνα του Väinämöinen με τη μακριά όμορφη γενειάδα του, ένας κάτοικος ενός από τα χωριά της Καρελίας πόζαρε στον καλλιτέχνη. Επιπλέον, ο καλλιτέχνης στέγνωσε κούρνιες για να πετύχει την πιο ακριβή εικόνα ενός ψαριού που τρόμαξε από έναν γέρο. Ακόμη και το ασημένιο βραχιόλι που λάμπει στο χέρι του Αίνου υπήρχε στην πραγματικότητα: ο Gallen-Kallela παρουσίασε αυτό το κόσμημα στη νεαρή σύζυγό του Mary. Προφανώς υπηρέτησε ως μοντέλο για τον Αίνο. Τα τοπία για το τρίπτυχο σκιαγράφησε ο καλλιτέχνης κατά τη διάρκεια του μήνα του μέλιτος στην Καρελία.

Η σύνθεση πλαισιώνεται από ξύλινο πλαίσιο με στολίδια και αποσπάσματα από την Καλεβάλα γραμμένα από το χέρι του ίδιου του Gallen-Kallela. Αυτό το τρίπτυχο έγινε η αφετηρία του κινήματος Εθνικός ρομαντισμός στη Φινλανδία- Φινλανδική έκδοση του Art Nouveau. Ο καλλιτέχνης έκανε την πρώτη έκδοση αυτού του πίνακα στο Παρίσι το 1888-89. (σήμερα ανήκει στην Τράπεζα της Φινλανδίας). Όταν ο πίνακας παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο Ελσίνκι, αντιμετωπίστηκε με μεγάλο ενθουσιασμό και η Γερουσία αποφάσισε να παραγγείλει μια νέα έκδοση με δημόσια δαπάνη. Μια τέτοια ιδέα φαίνεται αρκετά φυσική στον απόηχο του κινήματος Fennomani, που εξιδανίκευσε και ρομαντικοποίησε το φινλανδικό έθνος. Επιπλέον, η τέχνη έγινε αντιληπτή ως ένα ισχυρό μέσο έκφρασης των φινλανδικών εθνικών ιδεωδών. Ταυτόχρονα, άρχισαν αποστολές καλλιτεχνών στην Καρελία αναζητώντας ένα «πραγματικό φινλανδικό στυλ». Η Καρέλια θεωρήθηκε ως η μόνη ανέγγιχτη γη όπου διατηρήθηκαν τα ίχνη της Καλεβάλα, και ο ίδιος ο Gallen-Kallela αντιλήφθηκε αυτό το έπος ως μια ιστορία για περασμένες εποχές εθνικού μεγαλείου, ως εικόνα ενός χαμένου παραδείσου.

Πίνακας Gallen-Kallela " Κατάρα του Kullervo«(1899) λέει για έναν άλλο ήρωα της Καλεβάλα. Ο Kullervo ήταν ένας νέος με εξαιρετική δύναμη, ένα ορφανό που δόθηκε στη σκλαβιά και το έστειλαν στην έρημο για να βοσκήσει αγελάδες. Η κακιά ερωμένη, η σύζυγος του σιδερά Ilmarinen, του έδωσε ψωμί για το ταξίδι, στο οποίο ήταν κρυμμένη μια πέτρα. Προσπαθώντας να κόψει το ψωμί, ο Kullervo έσπασε το μαχαίρι, τη μοναδική ανάμνηση του πατέρα του. Έξαλλος μαζεύει ένα νέο κοπάδι από λύκους, αρκούδες και λύγκες, που ξεσκίζουν την ερωμένη. Ο Kullervo δραπετεύει από τη σκλαβιά και επιστρέφει στο σπίτι αφού μαθαίνει ότι η οικογένειά του είναι ζωντανή. Ωστόσο, οι περιπέτειες του Kullervo δεν τελειώνουν εκεί. Μια ατελείωτη σπείρα εκδίκησης καταστρέφει όχι μόνο την οικογένεια του που ανακάλυψε, αλλά και τον ίδιο. Πρώτα συναντά και αποπλανεί μια κοπέλα που αποδεικνύεται ότι είναι αδερφή του και εξαιτίας αυτής της αμαρτωλής σχέσης, η αδερφή αυτοκτονεί. Σύντομα όλοι οι συγγενείς του πεθαίνουν. Τότε ο Kullervo αυτοκτονεί ρίχνοντας τον εαυτό του στο σπαθί.

Ο πίνακας του Gallen-Kallela δείχνει ένα επεισόδιο όταν ο Kullervo εξακολουθεί να υπηρετεί ως βοσκός (το κοπάδι του φαίνεται στο βάθος και το ψωμί με μια ψημένη πέτρα απεικονίζεται μπροστά). Ο νεαρός κουνάει τη γροθιά του και ορκίζεται να εκδικηθεί τους εχθρούς του. Ο καλλιτέχνης απεικόνισε τον εξαγριωμένο ήρωα με φόντο ένα ηλιόλουστο τοπίο στις αρχές του φθινοπώρου, αλλά τα σύννεφα μαζεύονται ήδη στο βάθος και η σορβιά χυμένη με κόκκινο χρησιμεύει ως προειδοποίηση, μια προφητεία μελλοντικής αιματοχυσίας. Σε αυτή την εικόνα, η τραγωδία συνδυάζεται με την ομορφιά της Καρελιανής φύσης και ο εκδικητής ήρωας μπορεί, κατά μία έννοια, να θεωρηθεί ως σύμβολο του Φινλανδικού μαχητικού πνεύματος και της αυξανόμενης εθνικής συνείδησης. Από την άλλη, έχουμε μπροστά μας ένα πορτρέτο θυμού και απογοήτευσης, την ανικανότητα ενός ανθρώπου που τον μεγάλωσαν άγνωστοι που εξόντωσαν την οικογένειά του, σε κλίμα βίας και εκδίκησης, και αυτό άφησε τραγικό αποτύπωμα στη μοίρα του.

Περισσότερα για τη δημιουργικότητα Γκαλένα-Καλέλαανάγνωση .

Ολοκληρώνουμε αυτή την ενότητα με μια ιστορία για το έργο ενός άλλου εξέχοντος εκπροσώπου του φινλανδικού εθνικού ρομαντισμού στη ζωγραφική, του διάσημου καλλιτέχνη της Φινλανδικής Χρυσής Εποχής - Pekka Halonen. Πέκκα Χαλόνεν (Πέκκα Χαλόνεν) (1865-1933) αναδείχθηκε στη δεκαετία του 1890, αποδεικνύοντας ότι ήταν τέλειος δάσκαλος του χειμωνιάτικο τοπίο. Ένα από τα αριστουργήματα αυτού του είδους είναι ο πίνακας " Νεαρά πεύκα κάτω από το χιόνι"(1899), θεωρείται παράδειγμα Φινλανδικός Ιαπωνισμόςκαι Art Nouveau στη ζωγραφική. Απαλό χνουδωτό χιόνι που καλύπτει τα σπορόφυτα, παίζοντας με διαφορετικές αποχρώσεις του λευκού, δημιουργεί μια γαλήνια ατμόσφαιρα δασικού παραμυθιού. Ο ομιχλώδης αέρας είναι κορεσμένος με την κρύα χειμωνιάτικη ομίχλη και τα πλούσια στρώματα χιονιού τονίζουν την εύθραυστη ομορφιά των νεαρών πεύκων. Τα δέντρα γενικά ήταν ένα από τα αγαπημένα μοτίβα στη δημιουργικότητα. Pekki Halonena. Σε όλη του τη ζωή, απεικόνιζε με ενθουσιασμό δέντρα σε διαφορετικές εποχές του χρόνου, και αγαπούσε ιδιαίτερα την άνοιξη, αλλά παρόλα αυτά έγινε πιο διάσημος ακριβώς ως κύριος. χειμωνιάτικο τοπίο- Λίγοι ζωγράφοι τόλμησαν να δημιουργήσουν εν ψυχρώ. Ο Πέκκα Χαλόνεν δεν φοβόταν τον χειμώνα και δούλευε σε εξωτερικούς χώρους με οποιονδήποτε καιρό σε όλη του τη ζωή. Υποστηρικτής της δουλειάς του plein air, περιφρονούσε τους καλλιτέχνες που «κοιτούν τον κόσμο από ένα παράθυρο». Στους πίνακες του Halonen, κλαδιά σπάνε από τον παγετό, δέντρα κρεμούν κάτω από το βάρος των καλυμμάτων χιονιού, ο ήλιος ρίχνει μπλε σκιές στο έδαφος και οι κάτοικοι των δασών αφήνουν ίχνη σε ένα απαλό λευκό χαλί.

Τα χειμερινά τοπία έγιναν ένα είδος εθνικού συμβόλου της Φινλανδίας και ο Pekka Halonen έφτιαξε μια ντουζίνα καμβάδες με θέμα τη φινλανδική φύση και τη λαϊκή ζωή για το φινλανδικό περίπτερο στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι το 1900. Αυτός ο κύκλος περιλαμβάνει, για παράδειγμα, τη ζωγραφική « Στην τρύπα"(Washing on Ice") (1900). Το ενδιαφέρον του Halonen για την απεικόνιση του «βόρειου εξωτισμού» προέκυψε όταν σπούδαζε με τον Paul Gauguin στο Παρίσι το 1894.

Τυπικά, καλλιτέχνες η χρυσή εποχή της φινλανδικής ζωγραφικήςπροέρχονταν από την αστική μεσαία τάξη. Ένα άλλο πράγμα είναι ο Pekka Halonen, ο οποίος καταγόταν από μια οικογένεια φωτισμένων αγροτών και τεχνιτών. Γεννήθηκε στο Lapinlahti (Ανατολική Φινλανδία) και πολύ νωρίς άρχισε να ενδιαφέρεται για την τέχνη - όχι μόνο τη ζωγραφική, αλλά και τη μουσική (η μητέρα του καλλιτέχνη ήταν μια ταλαντούχα ερμηνεύτρια καντελών· επίσης ενστάλαξε στον γιο της μια φροντίδα και αγάπη για τη φύση και αργότερα αυτή η αγάπη μετατράπηκε σχεδόν σε θρησκεία ). Ο νεαρός άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική λίγο αργότερα από τους συνομηλίκους του, αλλά μετά από τέσσερα χρόνια σπουδών στη σχολή σχεδίου της Εταιρείας Τέχνης της Φινλανδίας και μια εξαιρετική αποφοίτηση από αυτήν, ο Halonen μπόρεσε να λάβει μια υποτροφία που του επέτρεψε να πάει στο σπουδάζουν στην καλλιτεχνική Μέκκα εκείνης της εποχής. Αρχικά σπούδασε στην Académie Julian και στη συνέχεια, το 1894, άρχισε να παρακολουθεί ιδιαίτερα μαθήματα από Πολ Γκογκένμαζί με τον φίλο του Vyaino Bloomstead. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Halonen γνώρισε τον συμβολισμό, τον συνθετικό, ακόμη και τη θεοσοφία. Ωστόσο, η γνωριμία με τις τελευταίες καλλιτεχνικές τάσεις δεν τον οδήγησε να εγκαταλείψει τον ρεαλιστικό τρόπο και δεν δανείστηκε τη φωτεινή παλέτα του Γκωγκέν, ωστόσο, υπό την επίδραση του Γκωγκέν, ο Χαλόνεν έγινε βαθύς γνώστης της ιαπωνικής τέχνης και άρχισε να συλλέγει αντίγραφα ιαπωνικών χαρακτικών.

Για παράδειγμα, το έργο του συχνά παρουσιάζει ένα κυρτό πεύκο, ένα δημοφιλές μοτίβο στην ιαπωνική τέχνη. Επιπλέον, σε πολλούς πίνακες, ο Halonen δίνει ιδιαίτερη προσοχή στη λεπτομέρεια, στα διακοσμητικά μοτίβα κλαδιών ή σε ένα ειδικό σχέδιο χιονιού και το ίδιο το θέμα των χειμερινών τοπίων δεν είναι ασυνήθιστο στην ιαπωνική τέχνη. Επίσης, το Halonen χαρακτηρίζεται από προτίμηση σε κάθετους στενούς καμβάδες όπως «kakemono», ασύμμετρες συνθέσεις, κοντινά πλάνα και ασυνήθιστες γωνίες. Σε αντίθεση με πολλούς άλλους τοπιογράφους, δεν ζωγράφισε τυπικές πανοραμικές απόψεις από ψηλά. τα τοπία του είναι ζωγραφισμένα βαθιά μέσα στο δάσος, κοντά στη φύση, όπου τα δέντρα κυριολεκτικά περιβάλλουν τον θεατή, προσκαλώντας τον στον σιωπηλό κόσμο του. Ήταν ο Γκωγκέν που ενέπνευσε τον Χαλόνεν να ανακαλύψει το δικό του στυλ στην απεικόνιση της φύσης και τον ενθάρρυνε να αναζητήσει τα θέματά του στις εθνικές ρίζες. Όπως ο Γκωγκέν, ο Χαλόνεν έψαξε να βρει κάτι πρωταρχικό, αρχέγονο, με τη βοήθεια της τέχνης του, αλλά μόνο αν ο Γάλλος έψαχνε το ιδανικό του στα νησιά του Ειρηνικού, τότε ο Φινλανδός καλλιτέχνης έψαχνε να αναβιώσει τον «χαμένο παράδεισο» του φινλανδικού λαού. σε παρθένα δάση, τα ιερά άγρια ​​που περιγράφονται στην Καλεβάλα.

Το έργο του Pekka Halonen διακρινόταν πάντα από την αναζήτηση της ειρήνης και της αρμονίας. Ο καλλιτέχνης πίστευε ότι «η τέχνη δεν πρέπει να ερεθίζει τα νεύρα όπως το γυαλόχαρτο - πρέπει να δημιουργεί μια αίσθηση γαλήνης». Ακόμη και απεικονίζοντας την αγροτική εργασία, ο Halonen πέτυχε ήρεμες, ισορροπημένες συνθέσεις. Στη δουλειά λοιπόν Πρωτοπόροι στην Καρελία» (« Οδοποιία στην Καρελία”) (1900) παρουσίασε τους Φινλανδούς αγρότες ως ανεξάρτητους, ευφυείς εργάτες που δεν χρειαζόταν να κάνουν υπερβολικές προσπάθειες για να ολοκληρώσουν τη δουλειά. Επιπλέον, ο καλλιτέχνης τόνισε ότι προσπαθούσε να δημιουργήσει μια γενική διακοσμητική εντύπωση. Αυτή ήταν η απάντησή του στους συγχρόνους που επέκριναν τη μη ρεαλιστική «γαλήνια κυριακάτικη διάθεση» της φωτογραφίας και εξεπλάγησαν από τα πολύ καθαρά ρούχα των εργαζομένων, τα μικρά ροκανίδια στο έδαφος και την περίεργη εμφάνιση του σκάφους στη μέση του δάσος. Αλλά ο καλλιτέχνης είχε μια εντελώς διαφορετική ιδέα. Ο Pekka Halonen δεν ήθελε να δημιουργήσει μια εικόνα σκληρής, εξαντλητικής εργασίας, αλλά να μεταδώσει τον ήρεμο, μετρημένο ρυθμό της αγροτικής εργασίας.

Ο Χαλόνεν επηρεάστηκε επίσης πολύ από τα ταξίδια του στην Ιταλία (1896-97 και 1904), συμπεριλαμβανομένων των πρώιμων αριστουργημάτων της Αναγέννησης που είδε στη Φλωρεντία. Στη συνέχεια, ο Pekka Halonen με τη σύζυγο και τα παιδιά του (το ζευγάρι είχε οκτώ παιδιά συνολικά) μετακόμισε στη λίμνη Tuusula, το ήσυχο γραφικό περιβάλλον της οποίας χρησίμευσε ως ανεξάντλητη πηγή έμπνευσης και γόνιμης δουλειάς μακριά από το Ελσίνκι, «την πηγή κάθε τι πεζού και άσχημου. " Εδώ, κάνοντας σκι στη λίμνη, ο καλλιτέχνης αναζήτησε ένα μέρος για το μελλοντικό του σπίτι και το 1899 το ζευγάρι αγόρασε ένα οικόπεδο στην ακτή, όπου λίγα χρόνια αργότερα μεγάλωσε το σπίτι στούντιο του Pekka Halonen - μια βίλα με το όνομά του Χαλοσενιέμι (Halosenniemi) (1902). Αυτή η άνετη ξύλινη κατοικία στο εθνικό ρομαντικό πνεύμα σχεδιάστηκε από τον ίδιο τον καλλιτέχνη. Σήμερα, το σπίτι στεγάζει το Μουσείο Pekka Halonen.

Φινλανδοί συμβολιστές

Ένα από τα πιο ενδιαφέροντα τμήματα της συλλογής του Μουσείου Ateneum είναι το μοναδικό έργο του Hugo Simberg και άλλων Φινλανδών συμβολιστών.

Σε μια ξεχωριστή αίθουσα του μουσείου Ateneum, ο διάσημος πίνακας " Πληγωμένος άγγελος» (1903) Φινλανδός καλλιτέχνης Ούγκο Σίμπεργκ. Αυτός ο μελαγχολικός καμβάς απεικονίζει μια παράξενη πομπή: δύο σκυθρωπά αγόρια μεταφέρουν σε ένα φορείο ένα κορίτσι ντυμένο στα λευκά, έναν άγγελο, με δεμένα μάτια και πληγωμένο φτερό. Το φόντο της εικόνας είναι ένα γυμνό τοπίο της πρώιμης άνοιξης. Στο χέρι του αγγέλου είναι ένα μπουκέτο χιονοστιβάδες, τα πρώτα λουλούδια της άνοιξης, σύμβολα θεραπείας και νέας ζωής. . Την πομπή οδηγεί ένα αγόρι ντυμένο στα μαύρα, που μοιάζει με νεκροθάφτη (πιθανόν σύμβολο του Θανάτου). Το βλέμμα ενός άλλου αγοριού στρέφεται προς το μέρος μας, διεισδύοντας κατευθείαν στην ψυχή του θεατή και υπενθυμίζοντάς μας ότι τα θέματα της ζωής και του θανάτου είναι σχετικά με τον καθένα μας. Ο έκπτωτος άγγελος, η αποβολή από τον παράδεισο, σκέψεις για το θάνατο - όλα αυτά τα θέματα απασχολούσαν ιδιαίτερα τους καλλιτέχνες - συμβολιστές. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης αρνήθηκε να προσφέρει οποιεσδήποτε έτοιμες ερμηνείες του πίνακα, αφήνοντας τον θεατή να βγάλει τα συμπεράσματά του.

Ο Hugo Simberg εργάστηκε σε αυτόν τον πίνακα για πολύ καιρό: τα πρώτα σκίτσα βρίσκονται στα άλμπουμ του από το 1898. Ορισμένα σκίτσα και φωτογραφίες αντικατοπτρίζουν μεμονωμένα κομμάτια της σύνθεσης. Μερικές φορές ένας άγγελος οδηγείται σε ένα καρότσι, μερικές φορές όχι αγόρια, αλλά οι μικροί διάβολοι παριστάνονται ως αχθοφόροι, την ίδια στιγμή, η φιγούρα ενός αγγέλου παραμένει πάντα κεντρική και το φόντο είναι ένα πραγματικό τοπίο. Η διαδικασία της εργασίας στον πίνακα διακόπηκε όταν ο Simberg αρρώστησε βαριά: από το φθινόπωρο του 1902 έως την άνοιξη του 1903, ο καλλιτέχνης νοσηλεύτηκε στο νοσοκομείο του Ινστιτούτου Deaconess στο Ελσίνκι ( Helsingin Διακονισσαΐτος) στην περιοχή Κάλλιο. Είχε μια σοβαρή νευρική ασθένεια, που επιδεινώθηκε από σύφιλη (από την οποία ο καλλιτέχνης πέθανε στη συνέχεια).

Είναι γνωστό ότι ο Simberg φωτογράφισε τα μοντέλα του (παιδιά) στο εργαστήριο και στο πάρκο Eleintarcha, που βρίσκεται δίπλα στο προαναφερθέν νοσοκομείο. Το μονοπάτι που απεικονίζεται στην εικόνα υπάρχει ακόμα και σήμερα - τρέχει κατά μήκος της ακτής του κόλπου Töölönlahti. Την εποχή του Simberg, το πάρκο Eleintarcha ήταν μια δημοφιλής περιοχή αναψυχής για την εργατική τάξη. Επιπλέον, πολλά φιλανθρωπικά ιδρύματα βρίσκονταν εκεί, μεταξύ των οποίων ένα παρθεναγωγείο για τυφλούς και ένα ορφανοτροφείο για άτομα με ειδικές ανάγκες. Ο Simberg παρατήρησε επανειλημμένα τους κατοίκους του πάρκου όταν περπάτησε εκεί την άνοιξη του 1903, ξεκινώντας από μια σοβαρή ασθένεια. Προφανώς, κατά τη διάρκεια αυτών των μεγάλων περιπάτων, η ιδέα της εικόνας πήρε σάρκα και οστά. Εκτός από τις φιλοσοφικές ερμηνείες του πίνακα "Ο πληγωμένος άγγελος" (σύμβολο αποβολής από τον παράδεισο, άρρωστη ανθρώπινη ψυχή, αδυναμία ενός ατόμου, σπασμένο όνειρο), ορισμένοι τον βλέπουν ως προσωποποίηση της οδυνηρής κατάστασης του καλλιτέχνη και ακόμη και συγκεκριμένη σωματική συμπτώματα (σύμφωνα με ορισμένες αναφορές, ο Simberg έπασχε επίσης από μηνιγγίτιδα).

Ο πίνακας του Σίμπεργκ Πληγωμένος άγγελοςείχε μεγάλη επιτυχία αμέσως μετά την ολοκλήρωσή του. Η παρουσίαση έγινε στην φθινοπωρινή έκθεση της Εταιρείας Τέχνης της Φινλανδίας το 1903. Αρχικά, ο καμβάς εκτέθηκε χωρίς τίτλο (ακριβέστερα, αντί για τίτλο υπήρχε μια παύλα), γεγονός που υπαινίσσεται την αδυναμία οποιασδήποτε ερμηνείας. Για αυτό το βαθιά ατομικό και συναισθηματικό έργο, ο καλλιτέχνης τιμήθηκε με κρατικό βραβείο το 1904. Η δεύτερη εκδοχή του The Wounded Angel εκτελέστηκε από τον Simberg ενώ διακοσμούσε το εσωτερικό του καθεδρικού ναού του Tampere με τοιχογραφίες, όπου εργάστηκε μαζί με τον Magnus Enckel.

Σύμφωνα με έρευνα που πραγματοποιήθηκε στη Φινλανδία το 2006, « Πληγωμένος άγγελος«αναγνωρίστηκε ως το πιο δημοφιλές έργο στη συλλογή Ateneum, ο πιο αγαπημένος «εθνικός πίνακας» της Φινλανδίας και το καλλιτεχνικό σύμβολο της χώρας.

Ούγκο Σίμπεργκ (Ούγκο Σίμπεργκ) (1873-1917) γεννήθηκε στην πόλη Χαμίνα, στη συνέχεια έζησε και σπούδασε στην, και στη συνέχεια στην, όπου φοίτησε στο σχολείο της Εταιρείας Τέχνης της Φινλανδίας. Περνούσε συχνά τα καλοκαίρια στο οικογενειακό κτήμα στη Niemenlautta (Syakkijärvi) στην ακτή του Φινλανδικού Κόλπου. Ο Simberg ταξίδεψε πολύ στην Ευρώπη, επισκέφθηκε το Λονδίνο και το Παρίσι, επισκέφτηκε την Ιταλία και τον Καύκασο. Ένα σημαντικό στάδιο στην εξέλιξή του ως καλλιτέχνη ήρθε σε μια εποχή που ο Simberg, απογοητευμένος από τη στερεότυπη ακαδημαϊκή εκπαίδευση, άρχισε να παρακολουθεί ιδιαίτερα μαθήματα από τον Akseli Gallen-Kallela σε μια απομακρυσμένη περιοχή στο Ruovesi, όπου ο Gallen-Kallela έχτισε το εργαστήριό του. Ο Gallen-Kallela εκτιμούσε ιδιαίτερα το ταλέντο του μαθητή του και του προέβλεψε ένα μεγάλο μέλλον στον κόσμο της τέχνης, συγκρίνοντας το έργο του Simberg με αληθινά και παθιασμένα κηρύγματα που όλοι έπρεπε να ακούσουν. Ο Simberg επισκέφτηκε το Ruovesi τρεις φορές μεταξύ 1895 και 1897. Εδώ, σε μια ατμόσφαιρα καλλιτεχνικής ελευθερίας, βρήκε γρήγορα τη δική του γλώσσα. Για παράδειγμα, το πρώτο φθινόπωρο της παραμονής του στο Ruovesi έγραψε το περίφημο έργο « Πάγωμα(1895), θυμίζει κάπως το The Scream του Munch. Σε αυτήν την περίπτωση, το καιρικό φαινόμενο, ο φόβος των αγροτών σε όλο τον κόσμο, έχει λάβει μια ορατή ενσάρκωση, πρόσωπο και μορφή: είναι μια θανατηφόρα χλωμή φιγούρα με μεγάλα αυτιά, που κάθεται πάνω σε ένα δέμα και δηλητηριάζει τα πάντα γύρω με τη θανατηφόρα ανάσα του. . Σε αντίθεση με το The Scream του Munch, που ολοκληρώθηκε λίγα χρόνια νωρίτερα, το Frost του Simberg δεν προκαλεί πλήρη φρίκη και απόγνωση, αλλά ένα παράξενο συναίσθημα απειλής και οίκτου ταυτόχρονα.

Σημαντική στιγμή στη ζωή του Σίμπεργκ ήταν η φθινοπωρινή έκθεση του 1898, μετά την οποία έγινε δεκτός στην Ένωση Φινλανδών Καλλιτεχνών. Ο Simberg ταξίδεψε πολύ στην Ευρώπη, δίδαξε και συμμετείχε σε εκθέσεις. Ωστόσο, η κλίμακα του ταλέντου του καλλιτέχνη εκτιμήθηκε πραγματικά μόνο μετά το θάνατό του. Η εστίαση στο ανατριχιαστικό και το υπερφυσικό απείχε πολύ από το να γίνει κατανοητό από όλους τους κριτικούς και τους θεατές εκείνης της εποχής.

Ούγκο Σίμπεργκήταν ένα από τα μεγαλύτερα Φινλανδοί συμβολιστές. Δεν τον έλκυαν οι μπανάλ καθημερινές καταστάσεις - αντίθετα απεικόνιζε κάτι που άνοιγε πόρτες σε μια άλλη πραγματικότητα, άγγιξε το μυαλό και την ψυχή του θεατή. Κατάλαβε την τέχνη «ως μια ευκαιρία να μεταφέρεις έναν άνθρωπο στη μέση του χειμώνα σε ένα όμορφο καλοκαιρινό πρωινό και να νιώσεις πώς η φύση ξυπνά και εσύ ο ίδιος είσαι σε αρμονία μαζί της. Αυτό ψάχνω σε ένα έργο τέχνης. Θα πρέπει να μας μιλάει για κάτι και να μιλάει δυνατά, ώστε να παρασυρθούμε σε έναν άλλο κόσμο.

Ο Simberg άρεσε ιδιαίτερα να απεικονίζει αυτό που μπορεί να δει κανείς μόνο στη φαντασία: αγγέλους, διαβόλους, τρολ και εικόνες του ίδιου του Θανάτου. Ωστόσο, ακόμα και σε αυτές τις εικόνες έδωσε απαλότητα και ανθρωπιά. Ο θάνατος στο Simberg είναι συχνά καλοπροαίρετος και γεμάτος συμπάθεια, εκτελώντας τα καθήκοντά του χωρίς ενθουσιασμό. Εδώ ήρθε με τρία λευκά λουλούδια να πάρει τη γριά. Ωστόσο, ο Θάνατος δεν βιάζεται, έχει την πολυτέλεια να ακούσει το αγόρι να παίζει βιολί. Μόνο το ρολόι στον τοίχο σηματοδοτεί το πέρασμα του χρόνου (" Ο θάνατος ακούει", 1897).

Στη δουλειά " κήπος θανάτου»(1896), που δημιουργήθηκε κατά το πρώτο εκπαιδευτικό ταξίδι στο Παρίσι, ο Simberg, όπως είπε ο ίδιος, απεικόνιζε το μέρος όπου πηγαίνει η ανθρώπινη ψυχή αμέσως μετά τον θάνατο, πριν πάει στον παράδεισο. Τρεις σκελετοί με μαύρες ρόμπες φροντίζουν τρυφερά τις ψυχές των φυτών με την ίδια αγάπη που φροντίζουν οι μοναχοί για τον κήπο του μοναστηριού. Αυτό το έργο είχε μεγάλη σημασία για τον καλλιτέχνη. Σχεδόν δέκα χρόνια αργότερα, ο Simberg το επανέλαβε με τη μορφή μιας μεγάλης τοιχογραφίας στον καθεδρικό ναό του Τάμπερε. Η παράξενη γοητεία αυτού του έργου βρίσκεται στις χαριτωμένες καθημερινές λεπτομέρειες (ένα ποτιστήρι, μια πετσέτα κρεμασμένη από ένα γάντζο), μια γαλήνια ατμόσφαιρα και μια ήπια εικόνα του ίδιου του Θανάτου, που δεν είναι μια δύναμη καταστροφής, αλλά η ενσάρκωση της φροντίδας. Είναι ενδιαφέρον ότι στο παραμύθι του Χανς Κρίστιαν Άντερσεν «The Story of a Mother» βρίσκουμε επίσης μια παρόμοια εικόνα: ο αφηγητής περιγράφει ένα τεράστιο θερμοκήπιο του Θανάτου - ένα θερμοκήπιο, όπου μια ανθρώπινη ψυχή είναι «σταθερή» πίσω από κάθε λουλούδι ή δέντρο. Ο θάνατος αυτοαποκαλείται κηπουρός του Θεού: «Παίρνω τα λουλούδια και τα δέντρα του και τα μεταφυτεύω στον μεγάλο κήπο της Εδέμ, σε μια άγνωστη γη».

Πρώτα εικόνα του θανάτουεμφανίστηκε στο έργο του Simberg " Ο θάνατος και ο αγρότης» (1895). Μια κοντή μαύρη κάπα και ένα κοντό παντελόνι δίνουν στο Death μια ήπια, απογοητευτική εμφάνιση. Αυτή η δουλειά έγινε από τον Simberg στο Ruovesi ενώ σπούδαζε με τον Akseli Gallen-Kallela. Εκείνη την άνοιξη η μικρότερη κόρη του δασκάλου πέθανε από διφθερίτιδα και το «Θάνατος και ο χωρικός» μπορεί να θεωρηθεί ως έκφραση συμπάθειας για έναν άνδρα που έχασε ένα παιδί.

Όπως οι διάβολοι, οι άγγελοι του Hugo Simberg είναι εξανθρωπισμένοι και ως εκ τούτου ευάλωτοι. Προσπαθούν να κατευθύνουν τους ανθρώπους στο μονοπάτι της καλοσύνης, αλλά η πραγματικότητα απέχει πολύ από την ιδανική. δουλειά" Ονειρο"(1900) εγείρει ερωτήματα από τον θεατή. Γιατί μια γυναίκα κλαίει ενώ ένας άγγελος χορεύει με τον άντρα της; Ίσως ο σύζυγος αφήνει τη γυναίκα του για έναν άλλο κόσμο; Ένα άλλο όνομα αυτού του έργου ήταν «Μετάνοια», επομένως μπορεί να ερμηνευτεί με διαφορετικούς τρόπους.

Οι εικόνες των αγγέλων εμφανίστηκαν για πρώτη φορά στο έργο του Simberg το φθινόπωρο του 1895 (το έργο " Ευσέβεια"). Σε αυτό το άτακτο κομμάτι, το προσευχόμενο άγγελο-κορίτσι δεν παρατηρεί ότι ο διπλανός άγγελος έχει κάτι εντελώς διαφορετικό στο μυαλό του. Και πράγματι, τα φτερά αυτού του δεύτερου αγγέλου απέχουν πολύ από το να είναι τόσο λευκά. Υπάρχει ένας αγώνας μεταξύ αισθησιασμού και πνευματικότητας.

Το ανάχωμα στην περιοχή Niemenlautta, όπου ο Simberg περνούσε σχεδόν πάντα το καλοκαίρι του στο σπίτι της οικογένειας, ήταν ένα δημοφιλές σημείο συνάντησης για τους νέους τα καλοκαιρινά βράδια. Ελκυσμένοι από τους ήχους του ακορντεόν, νέοι και νέες πήγαιναν εδώ για να χορέψουν με βάρκα, έστω και από μακριά. Ο Simberg έκανε επανειλημμένα σκίτσα χορευτών. Αλλά στη δουλειά Χορέψτε στην προκυμαία«(1899) τα κορίτσια δεν χορεύουν με τους άντρες, αλλά με τις φιγούρες του Θανάτου, που τόσο συχνά βρίσκονται στο Σίμπεργκ. Μήπως ο Θάνατος αυτή τη φορά δεν ήρθε για μια τρομερή συγκομιδή, αλλά θέλει απλώς να λάβει μέρος στη γενική διασκέδαση; Για κάποιο λόγο το ακορντεόν δεν παίζει.

Οπως βλέπεις Ούγκο Σίμπεργκ- ένας εξαιρετικά πρωτότυπος καλλιτέχνης, του οποίου το έργο δεν στερείται ιδιόμορφης ειρωνείας, αλλά ταυτόχρονα διαποτίζεται από μυστικισμό και εστιάζει στα θέματα του καλού και του κακού, της ζωής και του θανάτου, χαρακτηριστικά της τέχνης συμβολιστές. Στα έργα του Simberg, τα βαθιά φιλοσοφικά ερωτήματα είναι συνυφασμένα με το απαλό χιούμορ και τη βαθιά συμπάθεια. «Ο καημένος διάβολος», ο «πράος θάνατος», ο βασιλιάς των μπράουνι - όλοι αυτοί οι χαρακτήρες ήρθαν στο έργο του από όνειρα και παραμύθια. Χωρίς επιχρυσωμένα πλαίσια και γυαλιστερούς καμβάδες: «Μόνο η αγάπη κάνει τα έργα τέχνης αληθινά. Αν οι πόνοι του τοκετού έρθουν χωρίς αγάπη, τότε το παιδί θα γεννηθεί δυστυχισμένο.

Εκτός από τα έργα του Hugo Simberg, το Μουσείο Ateneum εκθέτει τα έργα του Φινλανδός συμβολιστής ζωγράφος Μάγκνους Ένκελ (Μάγκνους Ένκελ) (1870-1925), όπως ο Simberg, ο οποίος εργάστηκε σε τοιχογραφίες για τον καθεδρικό ναό του Τάμπερε (1907). Ο Ένκελ γεννήθηκε σε οικογένεια ιερέα στην πόλη Χαμίνα, σπούδασε ζωγραφική και το 1891 πήγε στο Παρίσι, όπου συνέχισε την εκπαίδευσή του στην Julian Academy. Εκεί άρχισε να ενδιαφέρεται για τους συμβολισμούς και τις μυστικιστικές ιδέες του Ροδοσταυρού J. Peladan. Από τον τελευταίο, ο Μάγκνους Ένκελ υιοθέτησε το ανδρόγυνο ιδεώδες της ομορφιάς, το οποίο άρχισε να χρησιμοποιεί στα έργα του. Ο Enckel γοητεύτηκε από την ιδέα ενός χαμένου παραδείσου, μιας χαμένης αγνότητας του ανθρώπου και τα πολύ νεαρά αγόρια με την ανδρόγυνη ομορφιά τους αντιπροσώπευαν για τον καλλιτέχνη την πιο αγνή μορφή ανθρώπου. Δεν πρέπει επίσης να ξεχνάμε ότι ο Ένκελ ήταν ομοφυλόφιλος και συχνά ζωγράφιζε γυμνά αγόρια και άνδρες με ειλικρινά ερωτική, αισθησιακή εμφάνιση. Το 1894-95. ο καλλιτέχνης ταξίδεψε σε όλη την Ιταλία και στις αρχές του 20ου αιώνα, υπό την επίδραση της κλασικής ιταλικής τέχνης, καθώς και του μετα-ιμπρεσιονισμού, η παλέτα του γίνεται πολύ πιο πολύχρωμη και ανάλαφρη. Το 1909, μαζί με τους χρωματιστές Werner Thomé και Alfred Finch, ίδρυσε την ομάδα Σεπτέμβριος.

Το πρώιμο έργο του Μάγκνους Ένκελ, αντίθετα, χαρακτηρίζεται από ένα σιωπηλό φάσμα, τον χρωματικό ασκητισμό. Εκείνη την εποχή, η παλέτα του καλλιτέχνη περιοριζόταν στις αποχρώσεις του γκρι, του μαύρου και της ώχρας. Ένα παράδειγμα είναι ο πίνακας Αφύπνιση«(1894), γραμμένο από τον Ένκελ κατά τη δεύτερη επίσκεψη του καλλιτέχνη στο. Ο καμβάς διακρίνεται από τον χρωματικό μινιμαλισμό, μια απλοποιημένη σύνθεση και μια υπογραμμισμένη γραμμή του σχεδίου - όλα αυτά χρησιμοποιούνται για να τονίσουν τη σημασία της εικόνας. Ο νεαρός, που έχει φτάσει στην εφηβεία, έχει ξυπνήσει και κάθεται γυμνός στο κρεβάτι, με το κεφάλι σκυμμένο με μια σοβαρή έκφραση στο πρόσωπό του, βυθισμένος στις σκέψεις του. Η στριμμένη στάση του σώματός του δεν είναι απλώς μια γνώριμη χειρονομία του να σηκωθεί από το κρεβάτι. αυτό το μοτίβο, που συναντάται συχνά στους συμβολιστές καλλιτέχνες, είναι πιο περίπλοκο. Η εφηβεία και η σεξουαλική αφύπνιση/απώλεια αθωότητας ήταν θέματα που προσέλκυσαν πολλούς από τους συγχρόνους του Ένκελ (βλ., για παράδειγμα, τον ανησυχητικό πίνακα του Μουνκ Ωρίμανση (1894/95)). Το ασπρόμαυρο γάμμα τονίζει τη μελαγχολική διάθεση της συνάντησης με τον καταπιεστικό κόσμο.

Αλλο Φινλανδός συμβολιστής ζωγράφος, αν και δεν είναι το πιο γνωστό, είναι Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (Vaino Blomstedt) (1871-1947). Ο Bloomstedt ήταν καλλιτέχνης και σχεδιαστής υφασμάτων και επηρεάστηκε ιδιαίτερα από την ιαπωνική τέχνη. Σπούδασε πρώτα στη Φινλανδία και στη συνέχεια με τον Pekka Halonen. Όπως ήδη γνωρίζουμε, κατά την επίσκεψή τους στο Παρίσι, αυτοί οι Φινλανδοί καλλιτέχνες συνάντησαν τον Γκωγκέν, ο οποίος είχε επιστρέψει πρόσφατα από την Ταϊτή, και άρχισαν να παίρνουν μαθήματα από αυτόν. Ο παρορμητικός Bloomstedt έπεσε αμέσως κάτω από την επιρροή του Gauguin και των χρωματιστών καμβάδων του. Η αναζήτηση του χαμένου παραδείσου στο έργο του Γκωγκέν ήταν πολύ κοντά στον Μπλούμστεντ. Μόνο αν ο Γκωγκέν έψαχνε αυτόν τον παράδεισο σε εξωτικές χώρες, τότε ο Väinö Bloomstedt, όπως πολλοί Φινλανδοί καλλιτέχνες εκείνης της εποχής, στόχευε στην αναζήτηση της καταγωγής της πατρίδας του, της παρθένας γης της Καλεβάλα. Οι ήρωες των πινάκων του Bloomstedt είναι συχνά φανταστικοί ή μυθολογικοί χαρακτήρες.

Αφού γνώρισε τον Γκωγκέν, ο Μπλούμστεντ εγκατέλειψε τη ρεαλιστική ζωγραφική στα μέσα της δεκαετίας του 1890 και στράφηκε στο συμβολισμόςκαι φωτεινό πολύχρωμο συνθετικόςπαλέτα. Σύμφωνα με την ιδεολογία του συμβολισμού, η ρεαλιστική τέχνη που βασίζεται στην οπτική παρατήρηση είναι πολύ περιορισμένη και δεν επιτρέπει σε κάποιον να συλλάβει το πιο σημαντικό πράγμα σε ένα άτομο, τη συναισθηματική και πνευματική του ουσία, το μυστικό της ίδιας της ζωής. Πέρα από την καθημερινή πραγματικότητα βρίσκεται ένας άλλος κόσμος και στόχος των Συμβολιστών είναι να εκφράσουν αυτόν τον κόσμο μέσω της τέχνης. Αντί να προσπαθήσουν να δημιουργήσουν μια τρισδιάστατη ψευδαίσθηση της πραγματικότητας, οι συμβολιστές καλλιτέχνες κατέφυγαν στη στυλιζαρισμό, την απλοποίηση, τη διακοσμητικότητα, αναζήτησαν να βρουν κάτι αγνό και ποιητικό. Εξ ου και το ενδιαφέρον τους για την πρώιμη ιταλική Αναγέννηση, τη χρήση τέμπερας και τεχνικές νωπογραφίας. Ένα από τα πιο ξεκάθαρα παραδείγματα συμβολισμός στο έργο των Φινλανδών καλλιτεχνώνείναι μια εικόνα Väinö Bloomstedt « Φραντσέσκα«(1897), βυθίζοντας τον θεατή στον κόσμο του ύπνου και της λήθης, μια στατική και μαγική ατμόσφαιρα με τη μεθυστική μυρωδιά της παπαρούνας.

Έμπνευση για αυτόν τον πίνακα ήταν η Θεία Κωμωδία του Δάντη, στην οποία ο ποιητής συναντά τη Φραντσέσκα ντα Ρίμινι στην κόλαση και εκείνη του διηγείται την ιστορία του τραγικού της έρωτα για τον Πάολο. Η εικόνα ενός κοριτσιού που θυμίζει τη Madonna, το «αναγεννησιακό» τοπίο με τα σκούρα κυπαρίσσια και την ημιδιαφανή χρωματική επιφάνεια του πίνακα (ο καμβάς λάμπει ξεκάθαρα μέσα από τα χρώματα) υποδηλώνει παλιές τοιχογραφίες σε ιταλικές εκκλησίες. Επιπλέον, λόγω της ειδικής τεχνικής εκτέλεσης, η εικόνα μοιάζει εν μέρει με άθλια ταπισερί. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε από τον Bloomstedt κατά τη διάρκεια ενός ταξιδιού στην Ιταλία. Βλέπει επίσης την επίδραση της τέχνης των Προ-Ραφαηλιτών.

Γυναίκες στην Τέχνη: Φινλανδοί καλλιτέχνες

Μουσείο Ateneumείναι επίσης αξιοσημείωτο για το γεγονός ότι σημαντικό μέρος της συλλογής του αποτελείται από έργα γυναίκες καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένων παγκοσμίου φήμης όπως Φινλανδός καλλιτέχνης Helena Schjerfbeck. Το 2012, το Μουσείο Ateneum φιλοξένησε μια εκτενή έκθεση με τα έργα της Helena Schjerfbeck, αφιερωμένη στα 150 χρόνια από τη γέννησή της. Το Μουσείο Ateneum στεγάζει τη μεγαλύτερη και πληρέστερη συλλογή έργων της Helena Schjerfbeck στον κόσμο (212 πίνακες, σχέδια, σκίτσα).

Helena Schjerfbeck (Helena Schjerfbeck) (1862-1946) γεννήθηκε στο Ελσίνκι, άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική νωρίς και ήδη στα νιάτα της πέτυχε μια αξιοσημείωτη δεξιότητα. Η ζωή της Helena σημαδεύτηκε από έναν σοβαρό τραυματισμό στο ισχίο μετά από μια παιδική πτώση από τις σκάλες. Εξαιτίας αυτού, το κορίτσι έλαβε εκπαίδευση στο σπίτι - δεν πήγε σε κανονικό σχολείο, αλλά είχε πολύ χρόνο να σχεδιάσει και έγινε δεκτή σε μια σχολή τέχνης σε ασυνήθιστα νεαρή ηλικία. (Δυστυχώς, ο τραυματισμός του ισχίου θύμιζε τον εαυτό του με κουτσό για το υπόλοιπο της ζωής του). Αφού σπούδασε στη Φινλανδία, συμπεριλαμβανομένης της ιδιωτικής ακαδημίας του Adolf von Becker, η Schjerfbeck έλαβε υποτροφία και έφυγε για όπου σπούδασε στην Ακαδημία Colarossi. Το 1881 και το 1883-84. εργάστηκε επίσης σε αποικίες καλλιτεχνών στη Βρετάνη (ζωγραφική " Αγόρι που ταΐζει τη μικρή του αδερφή(1881), γραμμένο σε αυτή την περιοχή της Γαλλίας, θεωρείται πλέον ακόμη και η αρχή του φινλανδικού μοντερνισμού). Στη Βρετάνη, γνώρισε έναν άγνωστο Άγγλο καλλιτέχνη και τον παντρεύτηκε, αλλά το 1885 ο αρραβωνιαστικός διέκοψε τον αρραβώνα (η οικογένειά του πίστευε ότι τα προβλήματα στο ισχίο της Helena σχετίζονταν με τη φυματίωση, από την οποία πέθανε ο πατέρας της). Η Helena Schjerfbeck δεν παντρεύτηκε ποτέ.

Τη δεκαετία του 1890, η Schjerfbeck δίδαξε στη Σχολή της Καλλιτεχνικής Εταιρείας, από την οποία είχε αποφοιτήσει και η ίδια. Το 1902, λόγω προβλημάτων υγείας, εγκατέλειψε τη διδασκαλία και μετακόμισε με τη μητέρα της σε μια απομακρυσμένη επαρχία στο Hyvinkää. Χρειαζόμενος σιωπή, ο καλλιτέχνης έζησε μια απομονωμένη ζωή, αλλά συνέχισε να συμμετέχει σε εκθέσεις. Η «ανακάλυψη» του Schjerfbeck για το κοινό έγινε το 1917: η πρώτη ατομική έκθεση της καλλιτέχνιδας πραγματοποιήθηκε στο σαλόνι τέχνης του Ëst Stenman στο Ελσίνκι, η οποία γνώρισε μεγάλη επιτυχία με θεατές και κριτικούς και παραβίασε την απομονωμένη ύπαρξή της. Η επόμενη μεγάλη έκθεση πραγματοποιήθηκε στη Στοκχόλμη το 1937 με διθυραμβικές κριτικές, ακολουθούμενη από μια σειρά από παρόμοιες εκθέσεις σε όλη τη Σουηδία. Το 1935, όταν πέθανε η μητέρα της, η Helena μετακόμισε για να ζήσει στο Tammisaari και πέρασε τα τελευταία της χρόνια στη Σουηδία, σε ένα σανατόριο στο Saltsjöbaden. Στη Φινλανδία, η στάση απέναντι στο έργο της Schjerfbeck ήταν αμφιλεγόμενη για μεγάλο χρονικό διάστημα (το ταλέντο της αναγνωρίστηκε μόλις στο δεύτερο μισό του 20ού αιώνα), ενώ στη Σουηδία η τέχνη της έγινε δεκτή αρκετά νωρίς με μεγάλο ενθουσιασμό. Αλλά η πραγματικά ευρεία διεθνής αναγνώριση της Schjerfbeck ήρθε το 2007, όταν πραγματοποιήθηκαν μεγάλης κλίμακας αναδρομικές εκθέσεις της δουλειάς της στο Παρίσι, το Αμβούργο και τη Χάγη.

Ανάμεσα σε όλους τους πίνακες της Helena Schjerfbeck, οι πιο διάσημοι στον κόσμο είναι πολυάριθμες αυτοκριτικές αυτοπροσωπογραφίες, που καθιστούν δυνατή την ανίχνευση τόσο της εξέλιξης του στυλ της όσο και των αλλαγών στην ίδια την καλλιτέχνιδα, που έφτιαξε ανελέητα το γερασμένο πρόσωπό της. Συνολικά, ο Schjerfbeck έγραψε περίπου 40 αυτοπροσωπογραφίες, η πρώτη σε ηλικία 16 ετών και η τελευταία στα 83. Έξι από αυτά βρίσκονται στη συλλογή Ateneum.

Ίσως όμως ο πιο διάσημος πίνακας Helena Schjerfbeckείναι ο καμβάς αναρρωνύων"(1888), που συχνά αναφέρεται ως στολίδι το Μουσείο Ateneum. Εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από το κοινό, αυτός ο πίνακας του 26χρονου καλλιτέχνη βραβεύτηκε με χάλκινο μετάλλιο στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι το 1889 (όπου αυτός ο καμβάς εκτέθηκε με τον τίτλο "First Green" ( Πρωινό πράσινο) - έτσι ονόμασε αρχικά την εικόνα η ίδια η Schjerfbeck). Το θέμα των άρρωστων παιδιών ήταν κοινό στην τέχνη του 19ου αιώνα, αλλά ο Schjerfbeck δεν απεικονίζει απλώς ένα άρρωστο παιδί, αλλά ένα παιδί που αναρρώνει. Ζωγράφισε αυτή την εικόνα στη γραφική παραλιακή πόλη St. Ives, στην Κορνουάλη, στη νοτιοδυτική Αγγλία, όπου η καλλιτέχνης πήγε μετά από συμβουλή του Αυστριακού φίλου της το 1887-1888 και ξανά το 1889-1890.

Αυτό το έργο αποκαλείται συχνά το τελευταίο παράδειγμα νατουραλιστικής ζωγραφικής με φως στο έργο της Schjerfbeck (αργότερα κινήθηκε προς τον στυλιζαρισμένο μοντερνισμό και τον σχεδόν αφηρημένο εξπρεσιονισμό με ασκητική παλέτα). Εδώ ο καλλιτέχνης δουλεύει επιδέξια με το φως, τραβώντας το βλέμμα του θεατή στο πρόσωπο ενός κοριτσιού που αναρρώνει με ατημέλητα μαλλιά και πυρετωδώς κατακόκκινα μάγουλα, που κρατά μια κούπα με ένα εύθραυστο ανθισμένο κλαδί στα χέρια της - σύμβολο της άνοιξης και της νέας ζωής. Ένα χαμόγελο παίζει στα χείλη του παιδιού, εκφράζοντας την ελπίδα για ανάρρωση. Αυτή η συναρπαστική εικόνα πιάνει τον θεατή, τον κάνει να νιώθει ενσυναίσθηση. Η εικόνα, κατά μία έννοια, μπορεί να ονομαστεί αυτοπροσωπογραφία της καλλιτέχνιδας, η οποία εκείνη την εποχή προσπαθούσε απλώς να συνέλθει από τη διάλυση του αρραβώνα της. Είναι επίσης πιθανό ότι σε αυτή την εικόνα η Schjerfbeck απεικόνισε τον εαυτό της ως παιδί, λέγοντάς μας για το τι ένιωθε η ίδια, συχνά ξαπλωμένη στο κρεβάτι και χαίροντας τα πρώτα σημάδια της άνοιξης.

Σημειώστε ότι αυτή τη στιγμή τα πιο διάσημα έργα της Helena Schjerfbeck βρίσκονται "σε περιοδεία" στη Σουηδία. Η μία έκθεση πραγματοποιείται στη Στοκχόλμη και θα διαρκέσει μέχρι τα τέλη Φεβρουαρίου 2013, η άλλη - στο Γκέτεμποργκ (μέχρι τον Αύγουστο του 2013).

Ενα ακόμα Φινλανδός καλλιτέχνης, το έργο του οποίου βρίσκεται στο Μουσείο Ateneum, είναι Πρόβλημα Shernschanz (Sternshantz)(Beda Stjernschantz) (1867–1910). Παρεμπιπτόντως, μια μεγάλης κλίμακας έκθεση έργων αυτού του καλλιτέχνη έχει προγραμματιστεί για το 2014 στο μουσείο. Η Beda Shernschanz ήταν μια σημαντική εκπρόσωπος της γενιάς Φινλανδοί συμβολιστές καλλιτέχνεςστο γύρισμα του 19ου και του 20ου αιώνα. Γεννήθηκε σε μια αριστοκρατική οικογένεια στην πόλη Porvoo. Το 1886, ο πατέρας της πέθανε και η οικογένεια αντιμετώπισε οικονομικές δυσκολίες. Σε αντίθεση με άλλες γυναίκες καλλιτέχνες, η Shernschantz έπρεπε να εργαστεί για να βγάλει τα προς το ζην. Το 1891, ταυτόχρονα με μια άλλη γνωστή Φινλανδή καλλιτέχνιδα, την Έλεν Τέσλεφ, ήρθε στο Παρίσι και τα κορίτσια γράφτηκαν μαζί στην Ακαδημία Colarossi. Μέντορας της Bede ήταν ο Magnus Enckell, υπό την επιρροή του οποίου απορρόφησε τις ιδέες του συμβολισμού. Οι εκπρόσωποι αυτής της τάσης ήταν πεπεισμένοι ότι η τέχνη δεν πρέπει να αντιγράφει δουλικά τη φύση, αλλά να εξαγνίζεται για χάρη της ομορφιάς, της έκφρασης λεπτών συναισθημάτων και εμπειριών. Λόγω έλλειψης χρημάτων, ο Shernschanz έζησε στο Παρίσι μόνο για ένα χρόνο. Επιστρέφοντας στη Φινλανδία, δεν μπορούσε να βρει ένα μέρος για τον εαυτό της και το 1895 πήγε στο εσθονικό νησί Βόρμσι, όπου υπήρχε ένας παλιός σουηδικός οικισμός που διατήρησε τη γλώσσα, τα έθιμα και τα ρούχα του. Εκεί ο καλλιτέχνης ζωγράφισε την εικόνα Παντού μας καλεί μια φωνή» (1895). Ο τίτλος του πίνακα είναι ένα απόσπασμα από τα διάσημα τότε «Τραγούδια της Φινλανδίας» ( Suomen laulu), τα λόγια στα οποία έγραψε ο ποιητής Emil Kwanten. Όπως μπορείτε να δείτε, όχι μόνο η Καρελία ήταν το μέρος όπου οι Φινλανδοί καλλιτέχνες πήγαιναν αναζητώντας την παρθένα φύση και τους ανθρώπους.

Σε αυτόν τον ποιητικό καμβά, ο καλλιτέχνης απεικόνισε μια ομάδα Σουηδών παιδιών που κατάφεραν να διατηρήσουν τις εθνικές τους παραδόσεις και τη γλώσσα σε ένα ξένο περιβάλλον. Εξαιτίας αυτού, ορισμένοι κριτικοί είδαν ένα πατριωτικό νόημα στην εικόνα, ειδικά επειδή το όργανο καντέλε, που παίζεται από ένα από τα κορίτσια, κατέχει σημαντική θέση στη σύνθεση. Ένα άλλο κορίτσι τραγουδά, και αυτοί οι ήχοι γεμίζουν το ασκητικό τοπίο με ανεμόμυλους. Λόγω των εντελώς στατικών, παγωμένων πόζες και του κενού του γύρω τοπίου, ο θεατής, σαν να λέγαμε, αρχίζει επίσης να ακούει τη μουσική που ηχεί στον καμβά. Φαίνεται ότι ακόμα και ο άνεμος έχει σβήσει, ούτε τα φύλλα, ούτε οι ανεμόμυλοι κινούνται, λες και βρισκόμαστε σε ένα μαγεμένο βασίλειο, ένα μέρος που έπεσε στο χρόνο. Αν προχωρήσουμε από τη συμβολική ερμηνεία της εικόνας, τότε τα ευσεβή και συγκεντρωμένα παιδικά πρόσωπα με φόντο αυτό το μυστικιστικό τοπίο είναι ένας τρόπος να μεταδοθεί η κατάσταση της αθωότητας. Επιπλέον, όπως και σε πολλά άλλα έργα των Συμβολιστών, ειδικός ρόλος αποδίδεται στη μουσική, την πιο αιθέρια και ευγενέστερη από τις τέχνες.

Το 1897-98. Η Beda Shernschanz, έχοντας λάβει επιχορήγηση από τη φινλανδική κυβέρνηση, πήγε να ταξιδέψει σε όλη την Ιταλία, αλλά η δημιουργική της δραστηριότητα μετά από αυτή την περίοδο έφτασε στο μηδέν. Αν και η κληρονομιά της καλλιτέχνιδας είναι μικρή, προσελκύει το ενδιαφέρον των ερευνητών και αναμένονται πολλά συνέδρια και δημοσιεύσεις στο μέλλον, που θα επιτρέψουν να μάθουμε περισσότερα για τη σημασία του έργου της στο διεθνές πλαίσιο της στροφής του αιώνας.

Ένας άλλος ενδιαφέρον Φινλανδός καλλιτέχνης της ίδιας περιόδου είναι Έλιν Ντάνιελσον-Γκαμπόγκι (Έλιν Ντάνιελσον-Γκαμπόγκι) (1861-1919). Έλιν Ντάνιελσον-Γκαμπόγκιανήκε στην πρώτη γενιά των φινλανδικών γυναίκες καλλιτέχνεςπου έλαβαν επαγγελματική εκπαίδευση. Εργάστηκε κυρίως στο είδος του ρεαλιστικού πορτρέτου και τόσο στη ζωή όσο και στη δουλειά της διέφερε από τους συναδέλφους της ως προς τη χειραφέτηση και τον μποέμ τρόπο ζωής της. Επέκρινε τη θέση της γυναίκας στην κοινωνία, φορούσε παντελόνια και κάπνιζε, έκανε μια αντικομφορμιστική ζωή και συνδέθηκε με πολλούς καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένου του Νορβηγού γλύπτη Gustav Vigeland (είχαν μια σχέση το 1895). Οι πίνακές της με γυναίκες σε καθημερινές καταστάσεις θεωρήθηκαν χυδαίοι και απρεπείς από πολλούς κριτικούς.

« αυτοπροσωπογραφία» Η Elin Danielson-Gambogi (1900) ζωγραφίστηκε σε μια εποχή που ο καλλιτέχνης άρχιζε να κερδίζει την αναγνώριση στην Ευρώπη. Η καλλιτέχνης απεικονίζεται στο ατελιέ της, με ένα πινέλο και μια παλέτα στο χέρι, και το φως κυλάει μέσα από την κουρτίνα μπροστά από το παράθυρο, δημιουργώντας ένα φωτοστέφανο γύρω από το κεφάλι της. Το μεγάλο σχήμα του καμβά, η πόζα και το βλέμμα του καλλιτέχνη - όλα αυτά εκφράζουν μια ανεξάρτητη και αυτοπεποίθηση φύση. Για αυτόν τον πίνακα, ο Danielson-Gambogi τιμήθηκε με ασημένιο μετάλλιο στη Φλωρεντία το 1900.

Η Elin Danielson-Gamboji γεννήθηκε σε ένα χωριό κοντά στην πόλη Pori. Το 1871, η οικογενειακή τους φάρμα χρεοκόπησε και ο πατέρας της αυτοκτόνησε ένα χρόνο αργότερα. Παρόλα αυτά, η μητέρα κατάφερε να βρει κεφάλαια έτσι ώστε σε ηλικία 15 ετών η Ελίν μετακόμισε και άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική. Το κορίτσι μεγάλωσε σε μια ελεύθερη ατμόσφαιρα, έξω από αυστηρά κοινωνικά ταμπού. Το 1883, η Danielson-Gambogi έφυγε για, όπου συνέχισε την εκπαίδευσή της στην Ακαδημία Colarossi και το καλοκαίρι σπούδασε ζωγραφική στη Βρετάνη. Στη συνέχεια, η καλλιτέχνης επέστρεψε στη Φινλανδία, όπου επικοινώνησε με άλλους ζωγράφους και δίδαξε σε σχολές τέχνης και το 1895 έλαβε υποτροφία και πήγε στη Φλωρεντία. Ένα χρόνο αργότερα, μετακόμισε στο χωριό Antignano και παντρεύτηκε τον Ιταλό ζωγράφο Raffaello Gamboggi. Το ζευγάρι έχει συμμετάσχει σε πολλές εκθέσεις σε όλη την Ευρώπη. Το έργο τους παρουσιάστηκε στην Παγκόσμια Έκθεση του 1900 στο Παρίσι και στην Μπιενάλε της Βενετίας το 1899. Αλλά στις αρχές του 20ου αιώνα, άρχισαν οικογενειακά προβλήματα και οικονομικές δυσκολίες, προδοσίες και ασθένειες του συζύγου της. Η Έλιν Ντάνιελσον-Γκαμπόγκι πέθανε από πνευμονία και κηδεύτηκε στο Λιβόρνο.

Τέλος, μεταξύ Φινλανδές γυναίκες καλλιτέχνεςδεν μπορεί να κληθεί Έλεν Θέσλεφ (Έλεν Θέσλεφ) (1869-1954). Λίγοι Φινλανδοί συγγραφείς έχουν λάβει τόσο πρώιμη αναγνώριση. Ήδη το 1891, η νεαρή Thesleff πήρε μέρος στην έκθεση της Εταιρείας Τέχνης της Φινλανδίας με το υπέροχο έργο της " Ηχώ» ( Kaiku) (1891) με την κριτική αναγνώριση. Εκείνη την εποχή, είχε μόλις αποφοιτήσει από την ιδιωτική ακαδημία του Gunnar Berndtson ( ΓκούναρBerndtson) και πήγαινε για το πρώτο της ταξίδι, όπου η κοπέλα μπήκε στην Ακαδημία Colarossi με τη φίλη της Beda Shernschanz. Στο Παρίσι γνώρισε τον συμβολισμό, αλλά από την αρχή διάλεξε τον δικό της, ανεξάρτητο δρόμο στην τέχνη. Την περίοδο αυτή άρχισε να δημιουργεί πίνακες ζωγραφικής σε ασκητικά χρώματα.

Η πιο σημαντική πηγή έμπνευσης για την Έλενα Τέσλεφ ήταν η ιταλική τέχνη. Ήδη το 1894 πήγε στην πατρίδα της πρώιμης Αναγέννησης, στη Φλωρεντία. Εδώ η καλλιτέχνις είδε πολλά όμορφα έργα θρησκευτικής ζωγραφικής, συμπεριλαμβανομένων έργων του Μποτιτσέλι, το έργο του οποίου θαύμαζε πίσω στο Λούβρο. Ο Thesleff αντέγραψε επίσης τοιχογραφίες του μοναστηριού. Η επιρροή της πνευματικής ιταλικής ζωγραφικής ενίσχυσε τη λαχτάρα της για ποιητική, εξαιρετική τέχνη και τα επόμενα χρόνια, ο χρωματικός ασκητισμός στο έργο της έλαβε τη μέγιστη έκφραση. Τα χαρακτηριστικά μοτίβα των έργων της είναι αυστηρά, σκουρόχρωμα τοπία και ανθρώπινες φιγούρες, απόκοσμες και μελαγχολικές.

Ένα παράδειγμα των έργων αυτής της περιόδου είναι το μέτριο σε μέγεθος " αυτοπροσωπογραφία» (1894-95) Έλεν Τέσλεφ, ζωγραφισμένη με μολύβι. Αυτή η αυτοπροσωπογραφία, που δημιουργήθηκε στη Φλωρεντία, ήταν το αποτέλεσμα δύο ετών προπαρασκευαστικής εργασίας. Το γεμάτο ψυχή πρόσωπο που αναδύεται από το σκοτάδι μας λέει πολλά για την καλλιτέχνιδα και τα ιδανικά της τότε. Σύμφωνα με τη φιλοσοφία του συμβολισμού, έθεσε τα θεμελιώδη ερωτήματα της ύπαρξης και μελέτησε τα ανθρώπινα συναισθήματα. Σε αυτή την αυτοπροσωπογραφία μπορεί κανείς να δει τη σύγχρονη ενσάρκωση της τέχνης του Λεονάρντο Ντα Βίντσι με τις ερωτήσεις και τα μυστήρια της ζωής του. Ταυτόχρονα, η εικόνα είναι πολύ προσωπική: αντικατοπτρίζει τη θλίψη της Thesleff για τον θάνατο του αγαπημένου της πατέρα, που συνέβη δύο χρόνια νωρίτερα.

Η Thesleff μεγάλωσε σε μια μουσική οικογένεια και από παιδική ηλικία λάτρευε να τραγουδάει και να παίζει μουσική με τις αδερφές της. Ένα από τα πιο συχνά μοτίβα στη δουλειά της ήταν η ηχώ ή η κραυγή - η πιο πρωτόγονη μορφή μουσικής. Συχνά απεικόνιζε επίσης να παίζει βιολί - ένα από τα πιο υπέροχα και πολύπλοκα μουσικά όργανα. Για παράδειγμα, ένα μοντέλο για τη ζωγραφική " παίζει βιολί» («Βιολίστας») (1896) ερμήνευσε η αδερφή του καλλιτέχνη, Tira Elizaveta, η οποία πόζαρε συχνά για εκείνη τη δεκαετία του 1890.

Η σύνθεση διατηρείται σε ζεστούς ημιδιαφανείς, φίλντισι-οπάλ τόνους. Ο βιολιστής απομακρύνθηκε από τον θεατή, συγκεντρωμένος στο παιχνίδι. Το θέμα της μουσικής, που σεβόταν ως η πιο πνευματική, θεϊκή τέχνη, ήταν ένα από τα πιο κοινά στον συμβολισμό, αλλά οι καλλιτέχνες σπάνια απεικόνιζαν γυναίκες μουσικούς.

Όπως και ο φίλος της Magnus Enkkel, σε πρώιμο στάδιο της δουλειάς της, η Ellen Thesleff προτιμούσε τον χρωματικό ασκητισμό. Αλλά μετά άλλαξε το στυλ της. Υπό την επίδραση του Καντίνσκι και του κύκλου του στο Μόναχο, ο καλλιτέχνης έγινε ο πρώτος Φωβιστής στη Φινλανδία και το 1912 προσκλήθηκε να λάβει μέρος στην έκθεση της Φινλανδικής Ένωσης Σεπτέμβριοςπου στάθηκε υπέρ των φωτεινών καθαρών χρωμάτων.

Ωστόσο, η συμμετοχή της δεν ξεπέρασε το εύρος της έκθεσης: η Tesleff δεν εντάχθηκε σε καμία ομάδα, θεωρώντας τη μοναξιά ως μια φυσιολογική κατάσταση μιας ισχυρής προσωπικότητας. Απομακρυνόμενος από την παλιά γκρι-καφέ σειρά, σε μια πιο ώριμη ηλικία, ο Thesleff άρχισε να δημιουργεί πολύχρωμες και πολυεπίπεδες χρωματικές φαντασιώσεις. Επισκέφτηκε επανειλημμένα την Τοσκάνη με την αδερφή και τη μητέρα της, όπου ζωγράφισε ηλιόλουστα ιταλικά τοπία.

Η Τέσλεφ δεν παντρεύτηκε ποτέ, αλλά πήρε τη θέση της ως δημιουργικός άνθρωπος. Ο καλλιτέχνης έζησε μια μακρά ζωή και έλαβε αναγνώριση.

Ξένη τέχνη στο Ateneum

Η συλλογή ξένης τέχνης του Μουσείου Ateneum περιέχει πάνω από 650 πίνακες, γλυπτά και σχέδια που δημιουργήθηκαν από διάσημους δασκάλους όπως οι Cezanne, Wag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn.

Από ξένη συλλογή το Μουσείο Ateneumξεχωρίζουν «Οδός στην Ωβέρ-συρ-Ουάζ» του Βαν Γκογκ(1890). Ο Vincent van Gogh ζωγράφισε αυτόν τον πίνακα λίγο πριν πεθάνει, στη μικροσκοπική πόλη Auvers-sur-Oise ( Auvers-sur-Oise), που βρίσκεται στην κοιλάδα ενός παραπόταμου του Σηκουάνα, περίπου 30 χλμ. βορειοδυτικά του. Ο Βαν Γκογκ, που έπασχε από κρίσεις ψυχικής ασθένειας, πήγε στο Auvers-sur-Oise μετά από συμβουλή του αδελφού του Theo για θεραπεία από τον γιατρό Paul Gachet. Στο Auvers-sur-Oise υπήρχε μια κλινική αυτού του γιατρού - ενός ανθρώπου που δεν είναι αδιάφορος για την τέχνη, εξοικειωμένος με πολλούς Γάλλους καλλιτέχνες και που έγινε επίσης φίλος του Βαν Γκογκ.

Η πόλη Auvers-sur-Oise έγινε τελικά ο τόπος θανάτου του καλλιτέχνη, ο οποίος ένιωθε σαν βάρος για τον αδελφό του και την οικογένειά του. Ο Βαν Γκογκ αυτοπυροβολήθηκε και μετά αιμορραγούσε μέχρι θανάτου. Ο καλλιτέχνης έζησε στο Auvers-sur-Oise τις τελευταίες 70 ημέρες της ζωής του, ολοκληρώνοντας 74 πίνακες σε αυτό το σύντομο διάστημα, ένας από τους οποίους βρίσκεται τώρα στο κεντρικό μουσείο τέχνης στο Ελσίνκι. Είναι πιθανό ο πίνακας να έμεινε ημιτελής (το αστάρι φαίνεται σε ορισμένα σημεία). Η φωτεινότητα του ουρανού αναδεικνύει τον πιο ήρεμο πράσινο τόνο της γης και την κοκκινωπή απόχρωση των κεραμοσκεπών. Φαίνεται ότι όλη η σκηνή βρίσκεται σε πνευματική κίνηση, διαποτισμένη από ανήσυχη ενέργεια.

Μια πολύ ενδιαφέρουσα ιστορία είναι το πώς μπήκε ο πίνακας "Οδός στο Auvers-sur-Oise". Μουσείο Ateneum. Για κάποιο διάστημα μετά το θάνατο του Βαν Γκογκ, ανήκε στον αδερφό του καλλιτέχνη, Theo, και στη συνέχεια στη χήρα του, από την οποία ο Julien Leclerc αγόρασε τον καμβά ( Julien Leclercq) είναι Γάλλος ποιητής και κριτικός τέχνης. Είναι γνωστό ότι το 1900 ο Leclerc απέκτησε τουλάχιστον 11 πίνακες του Βαν Γκογκ από τη χήρα του Theo. Ένα χρόνο αργότερα, οργάνωσε την πρώτη αναδρομική έκθεση του Βαν Γκογκ, αλλά σύντομα πέθανε απροσδόκητα. Η σύζυγος του Leclerc ήταν η πιανίστα Fanny Flodin ( ΦάνιFlodin), αδελφή της Φινλανδής καλλιτέχνιδας και γλύπτριας Hilda Flodin ( Χίλντα Φλόντιν). Το 1903, η Fanny πούλησε έναν πίνακα του Βαν Γκογκ στους εκπροσώπους του συλλέκτη Fridtjof Antell, ο οποίος αναφέρθηκε επανειλημμένα παραπάνω, για 2.500 μάρκα (περίπου 9.500 ευρώ σε σημερινά χρήματα). Αυτός ο καμβάς έχει γίνει ο πρώτος πίνακας της παλιάς εκκλησίας του Wag Gogh

Albert Gustav Aristide Edelfelt (1854–1905)

Ο Άλμπερτ Έντελφελτ γεννήθηκε το 1854 στη Φινλανδία κοντά στο Πόρβο. Ο πατέρας του ήταν αρχιτέκτονας. Από τον πατέρα του υιοθέτησε αγάπη για τη μουσική και το σχέδιο. Ωστόσο, η μητέρα ήταν το πιο κοντινό άτομο στον μελλοντικό καλλιτέχνη. Ο Albert Edelfelt ήταν από πολλές απόψεις το δημιούργημα της φιλόδοξης μητέρας του.

Πορτρέτο της μητέρας του καλλιτέχνη. 1883

Το αγόρι έλαβε τα πρώτα του μαθήματα ζωγραφικής στο σχολείο της Φινλανδικής Εταιρείας Τέχνης στο Ελσίνκι. Αποφασίζοντας να αφοσιωθεί στη ζωγραφική, μπαίνει στην Ακαδημία Καλών Τεχνών της Αμβέρσας, αλλά ένα χρόνο αργότερα μετακομίζει στο Παρίσι, όπου παίρνει μαθήματα από τον L. Jerome.

Ρεαλιστής εκπρόσωπος. Βίωσε την επιρροή του ιμπρεσιονισμού. Ο συγγραφέας ιστορικών καμβάδων, πινάκων από τη λαϊκή ζωή, τοπίων, πορτρέτων, που χαρακτηρίζονται από την ελευθερία και την εκφραστικότητα της καλλιτεχνικής μορφής, τη λεπτή μετάδοση του φωτός-αέρα περιβάλλοντος, τη γιορτινή φωτεινότητα του χρώματος.

Ήδη σε ηλικία είκοσι τριών ετών, ο Έντελφελτ έγινε η πιο εξέχουσα προσωπικότητα στη φινλανδική ζωγραφική και ηγήθηκε του αγώνα της νεότερης γενιάς καλλιτεχνών για ρεαλισμό και έργο από τη φύση. Ο Άλμπερτ αρχικά σκόπευε να γίνει ζωγράφος ιστορίας. Πατριωτικές ζωγραφιές αναμένονταν από αυτόν. Ο πιο διάσημος πίνακας αυτού του σχεδίου ήταν η βεβήλωση των υπολειμμάτων του Κ. Φλέμινγκ (1878) του Δούκα Καρλ. Αυτή η ιστορία υπογραμμίζει τον αγώνα για την εξουσία στη Φινλανδία που εκτυλίχθηκε στα τέλη του 16ου αιώνα.

Βεβήλωση του Δούκα Καρόλου πάνω από τα λείψανα του Κ. Φλέμινγκ. 1878

Ένα υπέροχο παιχνίδι χρωμάτων και φρεσκάδας της νεότητας προσελκύει τον πίνακα «Βασίλισσα Μπλάνκα με ένα παιδί» (1877).

Σταδιακά όμως η ζωντανή ζωή της πατρίδας του τον ελκύει όλο και περισσότερο. Τα επόμενα έργα του ζωγράφου δημιουργήθηκαν ήδη με το στυλ μιας ρεαλιστικής απεικόνισης της λαϊκής ζωής. Στο σπίτι, ο Άλμπερτ ταξίδεψε με ψαράδες στην ανοιχτή θάλασσα περισσότερες από μία φορές και στη συνέχεια στο στούντιο στο Heiko έστησε ειδικά ένα πριονισμένο ψαροκάικο για την ακριβή εκτέλεση των λεπτομερειών. Η επιτυχία του πίνακα «Η κηδεία ενός παιδιού» (1879), καθώς και η πραγματική επιτυχία του πίνακα «Στη θάλασσα» (1883), έκαναν τον Έντελφελτ αναγνωρισμένο δάσκαλο στην πατρίδα του.

Κηδεία παιδιού. 1879

Στην θάλασσα. 1883

Η φήμη του A. Edelfelt ως εθνικού καλλιτέχνη επιβεβαιώθηκε από τους πίνακές του από τη ζωή των απλών ανθρώπων στη Φινλανδία: "Boys by the Water" (1884), "Girl with a Rake" (1886), "Women from Ruoholahti" ( 1887).

Ο Ρώσος κριτικός V.V. Ο Στάσοφ έγραψε: «Ο καλύτερος από όλους τους Φινλανδούς τους, φυσικά, είναι ο Έντελφελτ, και έχει την πιο αξιοσημείωτη εικόνα της Πλυντρωτής (1889), γεμάτη υγιή, φρέσκο ​​ρεαλισμό και ζωή. Αυτή η εικόνα παρέμεινε στη Ρωσία και από το 1930 βρίσκεται στο Ερμιτάζ.

πλυστρινες. 1889

Την προσοχή του κοινού τραβάει πάντα ο πραγματικά «Παρισινός πνεύμα» πίνακας «Στους κήπους του Λουξεμβούργου» (1887). Στα plein air έργα αυτών των χρόνων, ο A. Edelfelt δίνει μεγάλη σημασία στα προβλήματα του φωτός και των χρωμάτων.

Στους κήπους του Λουξεμβούργου. 1887

Έχοντας κάνει ένα ταξίδι στην Ευρώπη, ο Έντελφελτ σταμάτησε για αρκετή ώρα στην Αγία Πετρούπολη. Στην Αγία Πετρούπολη ήρθε για πρώτη φορά το 1881. Οι Ρώσοι καλλιτέχνες και η κοινωνία υποδέχτηκαν με ενθουσιασμό τον Α. Έντελφελτ.Το 1881, ο νεαρός Φινλανδός ζωγράφος παρουσίασε τα έργα του στην αυλή της Ακαδημίας της Αγίας Πετρούπολης. Είχε μεγάλη επιτυχία: του απονεμήθηκε ο τίτλος του ακαδημαϊκού και οργάνωσε μια ατομική έκθεση στο Tsarskoye Selo. Ο Έντελφελτ παρουσιάστηκε στη βασιλική οικογένεια. Κατόπιν αιτήματος του Τσάρου Αλέξανδρου Γ', έφτιαξε ένα αντίγραφο του πίνακα "Στη θάλασσα" και έφτιαξε μια σειρά από έργα που παρήγγειλαν. Την ίδια περίοδο, ο καλλιτέχνης δημιουργεί πορτρέτα πολλών ειδών, από τα οποία το πιο δημοφιλές ήταν το πορτρέτο της αδερφής του καλλιτέχνη Berta με έναν σκύλο σε μια ντάκα στο Heiko.

Καλοί φίλοι. 1881

Με τον τίτλο «Καλοί φίλοι» (1881), αντίγραφα αυτού του πίνακα φυλάσσονται στο Ateneum και στο Γκέτεμποργκ. Ο πίνακας "In the Nursery" (1885), με κοντινό χαρακτήρα, αγοράστηκε από τον Αλέξανδρο Γ' για το παλάτι Γκάτσινα. Το Athenium εκθέτει επίσης ένα πορτρέτο της Sophie Manzey που δημιουργήθηκε αυτά τα χρόνια.

Πορτρέτο της Sophie Manzey.

Χάρη στη δημοτικότητα και την εξουσία του A. Edelfelt, η τέχνη της Φινλανδίας κέρδισε την αναγνώριση στη Ρωσία. Στην Αγία Πετρούπολη, ο Έντελφελτ συνάντησε τις νεαρές φιγούρες της νέας ρωσικής τέχνης, Σεργκέι Ντιαγκίλεφ και Αλεξάντερ Μπενουά: «Κρεμαστήκαμε κυριολεκτικά στον Έντελφελτ, στα μάτια μας το κεφάλι του περιβαλλόταν από ένα φωτοστέφανο της Παριζιάνικης αναγνώρισης», έγραψε αργότερα ο Μπενουά. Η εγγύτητα Φινλανδών και Ρώσων καλλιτεχνών χαρακτηρίστηκε από πολλές κοινές εκθέσεις. Το μεγαλύτερο από αυτά ήταν το 1898 στο μουσείο της σχολής του Βαρώνου Στίγκλιτς. Τα έργα νέων καλλιτεχνών εκείνη την εποχή παρουσιάστηκαν εκεί: Serov, Repin, Vrubel - από τα ρωσικά. και M. Enkel, Gallen-Kallela, Yarnefeld - από τη φινλανδική πλευρά. Η έκθεση προκάλεσε μεγάλο ενδιαφέρον για τον φινλανδικό πολιτισμό και την ίδια τη Φινλανδία στο ρωσικό κοινό.

Όμως η κύρια μορφή δημιουργικότητας για τον Α. Έντελφελτ στα ώριμα χρόνια του ήταν η ζωγραφική πορτρέτων. Ο Έντελφελτ εργάστηκε εκτενώς και με επιτυχία στο είδος του πορτρέτου. Πγια την εντολή της κυβέρνησης της Γαλλίας, έγραψεπορτρέτο του Λουί Παστέρ (1885). Στις δεκαετίες του 1880 και του 1890, ο Έντελφελτ εργάστηκε εκτενώς με εντολή της ρωσικής βασιλικής αυλής. Εκτός όμως από τα επίσημα πορτρέτα, δημιούργησε όμορφες δημιουργίες: «Πορτρέτο μιας μητέρας», «Παραμυθάς Larin Paraske», πορτρέτα των μεγάλων Φινλανδών ηθοποιών Aine Akte και Ida Aalberg.

Το τοπίο καταλαμβάνει σχετικά μικρό χώρο στο έργο του Έντελφελτ. Ωστόσο, στο Ερμιτάζ υπάρχουν έργα του: «Άποψη του Πόρβο», ακουαρέλα «Άποψη της λίμνης στο Καούκολα», χαρακτικό «Πεύκο στο χιόνι». Το Ερμιτάζ έχει επίσης μια σειρά από σχέδια και εικονογραφήσεις από τον αξιόλογο Φινλανδό δάσκαλο.

Ένα σκίτσο του έργου του Έντελφελτ θα ήταν ελλιπές χωρίς να αναφερθεί το τελευταίο του έργο: Το 1900-1904, ο καλλιτέχνης ήταν απασχολημένος με τη δημιουργία ενός μνημειώδους πίνακα στην αίθουσα συνελεύσεων του Πανεπιστημίου του Ελσίνκι με θέμα: «Τα εγκαίνια του πανεπιστημίου στο Τούρκου το 1640 ." Η σύνθεση έγινε με τη μορφή μιας πομπής παρέλασης με φορεσιές του 17ου αιώνα.

Μεγάλο άνοιγμα του πανεπιστημίου στο Τούρκου το 1640 1902 (με δυνατότητα κλικ)

Ο Άλμπερτ Έντελφελτ πέθανε ξαφνικά σε μια ντάκα κοντά στο Πόρβο τον Αύγουστο του 1905. Ήταν ένα πλήγμα για τη φινλανδική τέχνη. Αλλά και οι πίνακές του είναι ενδιαφέρουσες και κατανοητές για εμάς, καθώς ήταν κοντά στους συγχρόνους του.

Βλαντιμίρ Λόσεφ

Νεαρή γυναίκα στο μπουντουάρ. 1879

Στα Ηλύσια Πεδία. 1886

Πορτρέτο της αδερφής του καλλιτέχνη Bertha Edelfelt. 1884

Πορτρέτο της μητέρας του καλλιτέχνη. 1902

Γυναίκα κάτω από μια ομπρέλα. 1886

Παιδιά του Τσάρου Αλέξανδρου Γ'

Παριζιάνικο μοντέλο. 1885

Μαρία Μαγδαληνή. 1891

Αλίμονο. 1894

Φινλανδοί ψαράδες. 1898

Χριστός και Μαρία Μαγδαληνή. 1890

Πορτρέτο του Λουί Παστέρ. 1885

Αγόρια που παίζουν στην παραλία. 1884

Μικρή βάρκα. 1884

Γυναίκα σε μια βάρκα. 1886

Οι γείτονες κάθονται δίπλα στην εκκλησία μετά τη λειτουργία. 1887

Καρελιανές γυναίκες. 1887

Κορίτσι που πλέκει μια κάλτσα. 1886

Φράουλα.

Στοχαστική γυναίκα στην εκκλησία. 1893

Solveig

Λατρεία στο αρχιπέλαγος Uusimaa.

Επιστροφή από τη βάπτιση.

Πορτρέτο μιας νεαρής γυναίκας. 1891

Διαβάζοντας Παριζιάνικο. 1880

Πορτρέτο της Μαντάμ Βαλερί Ράντο. 1888

Ο πολιτισμός και η τέχνη είναι κληρονομιά και ιδιοκτησία κάθε κράτους. Η «Χώρα των Χιλίων Λιμνών» δεν είναι μόνο ένας παράδεισος για σκι και ψάρεμα για ταξιδιώτες και τουρίστες, αλλά και ένα μέρος για διάφορους ιστορικούς τέχνης και απλούς γνώστες της δημιουργικότητας. Η τέχνη είναι πολύ ανεπτυγμένη στη Φινλανδία, ιδιαίτερα η ζωγραφική. Πολλές γκαλερί τέχνης, μουσεία και εκθέσεις θα ενθουσιάσουν ακόμη και τους πιο εκλεπτυσμένους γνώστες των καλών τεχνών.

Καλλιτέχνες από τη χώρα Suomi, οι οποίοι έλαβαν ευρωπαϊκή εκπαίδευση τον δέκατο ένατο αιώνα, έγιναν ο κύριος και κινητήριος παράγοντας που έδωσε ώθηση στην ανάπτυξη των καλών τεχνών στη Φινλανδία. Πριν αρχίσουμε να εξοικειωνόμαστε με τους εκπροσώπους της φινλανδικής ζωγραφικής, ας γνωρίσουμε το έργο του «πατέρα της φινλανδικής τέχνης και ζωγραφικής» Robert Ekman.

Robert Wilhelm Ekman

Γεννημένος το 1808, ο καλλιτέχνης στους πίνακές του απεικόνιζε τη ζωή των απλών Φινλανδών αγροτών, όλες τις δυσκολίες της ζωής τους, εστίασε την προσοχή της κοινωνίας στην κοινωνική πολιτική του φινλανδικού κράτους σε σχέση με τους απλούς. Όταν ο Ρόμπερτ ήταν 16 ετών, πήγε στη Στοκχόλμη για να σπουδάσει στη Σουηδική Ακαδημία Τεχνών. Ως νέος και λαμπρό ταλέντο, ο Ekman έλαβε μια σουηδική υποτροφία για το ταλέντο του και αργότερα η επαγγελματική του δραστηριότητα ως καλλιτέχνης συνέβαλε στο γεγονός ότι πήγε για σπουδές στην Ιταλία και τη Γαλλία και στη συνέχεια στην Ολλανδία. Σε αυτές τις χώρες, ο κύριος της βούρτσας πέρασε επτά ολόκληρα χρόνια από το 1837 έως το 1844.

Επιστρέφοντας στη χώρα Suomi, ο Robert Wilhelm εγκαταστάθηκε στην πόλη Turku, όπου άρχισε να ζωγραφίζει τον τοπικό καθεδρικό ναό με τις τοιχογραφίες και τα σχέδιά του. Μετά από αυτό, ίδρυσε μια σχολή σχεδίου στην πόλη, της οποίας ηγήθηκε μέχρι το 1873. Περιέγραψε πολύ ξεκάθαρα την άβυσσο που βρισκόταν μεταξύ των ευγενών και των αγροτών. Οι πίνακες του ζωγράφου συγκλόνισαν τους πάντες με τον μοναδικό και όχι επινοημένο ρεαλισμό τους. Ο «πατέρας της φινλανδικής ζωγραφικής και τέχνης» πέθανε το 1873.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Ο Akseli Gallen Kallela γεννήθηκε στη μικρή φινλανδική πόλη Bjorneborg (σημερινή ονομασία Pori) τον Απρίλιο του 1863. Αγωνιστής για την ανεξαρτησία της Φινλανδίας, ο καλλιτέχνης στο έργο του έκανε ό,τι μπορούσε για να απεικονίσει ένα κάλεσμα προς το έθνος να αγωνιστεί για την ανεξαρτησία της χώρας του. Ο μοντερνισμός που ενυπάρχει στον ζωγράφο επέτρεψε στον Axel Gallen Kallela να δημιουργήσει πολύ ρεαλιστικούς πίνακες. Μετά το τέλος του Φινλανδικού Εμφυλίου Πολέμου (1918), ο καλλιτέχνης ασχολήθηκε με την εραλδική και το σχέδιο σημαιών. Στα μέσα του εικοστού αιώνα, ο καλλιτέχνης έζησε και εργάστηκε για κάποιο διάστημα στις Ηνωμένες Πολιτείες της Αμερικής, όπου πραγματοποίησε με επιτυχία εκθέσεις των έργων του. Ο ζωγράφος πέθανε το 1931 στη Στοκχόλμη, πέθανε από πνευμονία.

Όσκαρ Κλάινε

Ο πιο διάσημος Φινλανδός ζωγράφος θαλάσσιου τοπίου γεννήθηκε τον Σεπτέμβριο του 1846 στην πρωτεύουσα της Φινλανδίας. Οι γερμανικές ρίζες του Όσκαρ «ήρθαν στη διάσωση», γεγονός που του επέτρεψε να σπουδάσει στη Γερμανία, συγκεκριμένα στο Ντίσελντορφ. Αργότερα, ο Kleinech συνέχισε τις σπουδές του στην Αγία Πετρούπολη και την Καρλσρούη. Τη μεγαλύτερη δημοτικότητα του θαλάσσιου ζωγράφου έφεραν πίνακες που απεικονίζουν θαλάσσιες νεκρές φύσεις και τοπία, το έργο ενός συγγραφέα εκτίθεται ακόμη και στο Ερμιτάζ της Αγίας Πετρούπολης. Ο καλλιτέχνης πέθανε στη γενέτειρά του, το Ελσίνκι, το 1919.