Ένας καλλιτέχνης που δεν έχει πίνακες αλλά νταμπλ. Αριστουργήματα ή νταμπλ; Πίνακες αξίας δεκάδων εκατομμυρίων δολαρίων είναι ψεύτικοι! Αποτελεσματικότητα Δημοσίων Σχέσεων: «Λαμπρές» μούφες

Εξακολουθώ να πιστεύω ότι η έννοια του αριστουργήματος δεν μπορεί να είναι γενική για όλους. Δεν είναι περίεργο που υπάρχει ένα ρητό «η γεύση και το χρώμα, δεν υπάρχουν σύντροφοι». Ένα σημαντικό μέρος του κόσμου θα κοιτάξει την εικόνα στην αρχή της ανάρτησης και θα πει - κουβέντα, το άλλο μέρος του κόσμου θα κοιτάξει τη «La Gioconda» του Ντα Βίντσι και θα πει - μια συνηθισμένη θεία, τι φταίει αυτό. Αυτό είναι γενικά φυσιολογικό, αλλά αν ναι, τότε τι είδους αριστουργήματα είναι αυτά. Ένα αριστούργημα μπορεί να είναι κάτι τόσο παγκοσμίως αναγνωρισμένο που κανείς δεν θα τολμήσει να το υποτιμήσει ή να πει ότι δεν είναι κουλ! Λοιπόν, ας πούμε. Ή ίσως κάτι τέτοιο και γενικά αναγνωρισμένο δεν υπάρχει καθόλου ή θα εμφανιστεί κάποια μέρα, αλλά τώρα συχνά αρκούμαστε σε τοπικά αριστουργήματα για μια συγκεκριμένη ομάδα ανθρώπων.

Για παράδειγμα, εγώ που θεωρώ αριστουργήματα, πάντα με ενδιέφερε πώς γεννιούνται τέτοια αριστουργήματα όπως η πρώτη φωτογραφία στην ανάρτηση.

Αυτό όμως είναι...

... το απόγειο της «Σύνθεσης VII. 1913» του Βασίλι Καντίνσκι. Φανταστείτε τις αρχές του 20ου αιώνα - την εποχή των αλλαγών σε όλους τους τομείς της ζωής και της τέχνης. Ούτε η ζωγραφική έμεινε στην άκρη. Οι καλλιτέχνες αναζητούσαν νέες μορφές έκφρασης στις εικαστικές τέχνες. Η αφαίρεση έγινε μια λογική συνέχεια του κυβισμού και του φουτουρισμού. Kandinsky και έγινε ένας από τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους αυτής της τάσης

Ο Βασίλι Καντίνσκι στη δουλειά, 1936

Προσωπικά, μου φαίνεται ότι ο καμβάς απεικονίζει μόνο λεκέδες και λεκέδες. Ωστόσο, ήμουν περίεργος να μάθω ότι πριν αρχίσει να ζωγραφίζει τον πίνακα, ο καλλιτέχνης έκανε πολλές προπαρασκευαστικές εργασίες. Έκανε πάνω από τριάντα σκίτσα με μολύβι, λάδι και ακουαρέλα. Ο ίδιος ο καμβάς ζωγραφίστηκε από τον Καντίνσκι σε τέσσερις ημέρες από τις 25 έως τις 28 Νοεμβρίου 1913.

Ο Βασίλι Καντίνσκι στο καβαλέτο, 1936

Οι ειδικοί λένε για τον καλλιτέχνη ότι ήταν ένας συναισθητικός που αντιλαμβανόταν τον κόσμο με τον δικό του τρόπο. Έβλεπε ήχους, άκουγε χρώματα. "Σύνθεση VII" - αυτά είναι χρωματικά θραύσματα διαφορετικής έντασης, διάσπαρτα με οξείς γωνιακούς και ομαλούς συνδυασμούς. Μελετώντας τα αρχεία του καλλιτέχνη, οι ιστορικοί τέχνης κατέληξαν στο συμπέρασμα ότι ο Βασίλι Βασίλιεβιτς απεικόνισε πολλά θέματα στην εικόνα του: την Ανάσταση από τους νεκρούς, την Ημέρα της Κρίσης, την Πλημμύρα και τον Κήπο της Εδέμ. Δεν ξέρω καν πώς να νιώσω γι' αυτό. Είτε αυτό μπορεί να θεωρηθεί κάποιου είδους γεγονός, είτε είναι όλα εφευρεμένα και «ρουφημένα από τον αέρα» για όσους ακόμα δεν καταλαβαίνουν τίποτα γι' αυτό.

Λοιπόν, κάτι σαν αυτό:

ή έτσι

Ο ίδιος ο συγγραφέας περιέγραψε τη δημιουργία ως εξής: «Ροζ και άσπρος αφρός ώστε να φαίνονται να βρίσκονται έξω από το επίπεδο του καμβά ή κάποιο άλλο, ιδανικό επίπεδο. Αντίθετα, επιπλέουν στον αέρα και μοιάζουν σαν να είναι τυλιγμένα σε ατμό. Μια παρόμοια έλλειψη επιπέδου και αβεβαιότητα των αποστάσεων μπορεί να παρατηρηθεί, για παράδειγμα, στο ρωσικό ατμόλουτρο. Ένα άτομο που στέκεται στη μέση του ατμού δεν είναι ούτε κοντά ούτε μακριά, είναι κάπου. Η θέση του κύριου κέντρου - "κάπου" - καθορίζει τον εσωτερικό ήχο ολόκληρης της εικόνας. Δούλεψα σκληρά σε αυτό το κομμάτι μέχρι που έφτασα σε αυτό που στην αρχή ήταν μόνο η αόριστη επιθυμία μου, και μετά έγινα όλο και πιο ξεκάθαρος εσωτερικά.

Θέλατε καιρό να δοκιμάσετε τις δυνάμεις σας στη ζωγραφική, αλλά δεν μπορούσατε να αποφασίσετε να πάρετε ένα πινέλο και μια παλέτα και να σταθείτε στο καβαλέτο; Πιστεύουν όλοι γύρω σας ότι οι δημιουργικές σας προσπάθειες είναι αξιολύπητες; Άρα είσαι χαμένος! Έτσι, μια επιλογή από πίνακες του Καναδού καλλιτέχνη Kim Dorland (Kim Dorland) θα σας χρησιμεύσει ως μια καλή παρηγοριά. Ή ίσως και έμπνευση.

Οι ειδικοί αποκαλούν το έργο του Ντόρλαντ "αφελή τέχνη", οι μοχθηροί κριτικοί - απρόσεκτοι μαρτυρίες και οι λάτρεις του πρωτότυπου ταλέντου πιστεύουν ότι οι πίνακες που δημιουργεί η Κιμ είναι ψυχολογικά και στυλιστικά απροσδόκητοι. Και αυτό είναι αλήθεια - κανείς δεν περιμένει αντί για τα υποσχόμενα τοπία και πορτρέτα να δει έναν καμβά σοβατισμένο με μπογιά, στον οποίο, επιπλέον, ο συγγραφέας δεν άφησε προσεγμένες πινελιές και γραμμές, αλλά τραχιά αυλάκια. Σαν ένα τρακτέρ οδήγησε μέσα από ένα γονιμοποιημένο και υγρό χωράφι ...

Η αρχή με την οποία ο Kim Dorland σχεδιάζει τους πρωτότυπους πίνακές του μπορεί να περιγραφεί με μια σύντομη φράση: «το κύριο πράγμα είναι να μην περιποιηθείς τη ζωγραφική». Άλλωστε, αν κοιτάξετε καλά, οι πίνακες είναι κυριολεκτικά γδαρμένοι σε ένα παχύ στρώμα λαδιού, με το οποίο ο συγγραφέας αλείφει απλόχερα τους καμβάδες του. Αποδεικνύεται ότι οι εικόνες δεν είναι ζωγραφισμένες, αλλά καλουπωμένες - σαν να ήταν γλυπτά.

Και ο καλλιτέχνης δεν προσπαθεί για ακρίβεια και ρεαλισμό. Δημιουργεί με ιδιαίτερο ύφος, ένα είδος παιδικής αφαίρεσης, αδιαφορώντας για τη διατήρηση των αναλογιών ή την παροχή όγκου στις εικόνες ή την αισθητική των καμβάδων. Φαίνεται ότι το κύριο καθήκον του συγγραφέα είναι όσο το δυνατόν πιο περιστασιακά, με το αριστερό του χέρι από κάτω από το δεξί γόνατο, να ρίξει μπογιά στον καμβά, να βάλει ένα λεκέ - αυτό είναι ζωγραφική!
Αν και, μπορεί κάλλιστα, μόνο σε εμάς, τους κατοίκους της πόλης, φαίνεται ότι είναι εύκολο και απλό να σχεδιάσουμε με αυτόν τον τρόπο. Εξάλλου, με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, και ο Kim Dorland συμμετέχει αρκετά συχνά σε εκθέσεις, οι πίνακές του παρουσιάζονται στις γκαλερί του Τορόντο, όπου ζει και εργάζεται και πουλάει με επιτυχία τα έργα του τόσο στον Καναδά όσο και στο εξωτερικό.

Αποτελεσματικότητα Δημοσίων Σχέσεων: «Λαμπρές» μούφες

Αν πιάσω ένα πινέλο και ζωγραφίσω κάποιο τοπίο ή πορτρέτο στον καμβά, τότε οποιοσδήποτε, κοιτάζοντας τη δουλειά μου, μπορεί να πει με ασφάλεια: τι χαζό! Και θα είναι σωστό, γιατί δεν μπορώ να σχεδιάσω. Ωστόσο, το ντύσιμό μου θα μπορούσε να πουληθεί για εκατομμύρια δολάρια αν είχα τη φήμη του μεγάλου καλλιτέχνη. Θεωρητικά, είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ότι οι άβαφτες, αλλά όχι λιγότερο τρομερές φωτογραφίες μου θα μπορούσαν να προωθηθούν ως μεγάλα έργα τέχνης και να πουληθούν για «τρελά λεφτά». Αλλά στην πραγματική ζωή, αυτό συνέβη περισσότερες από μία φορές - το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα και ολόκληρος ο 20ός αιώνας είναι ένας συνεχής θρίαμβος του ντόμπινγκ στην τέχνη.

Από τη στιγμή που γεννήθηκε η σύγχρονη ζωγραφική, πατέρας του οποίου θεωρείται ο Ιταλός Giotto di Bondone (1267-1337), και τους επόμενους αιώνες, η ικανότητα του καλλιτέχνη να εμφανίζει την πραγματικότητα σε οποιαδήποτε επιφάνεια κατάλληλη για σχέδιο (καμβάς, τοίχος ή μαυροπίνακας). ). Φωτογραφία δεν υπήρχε τότε, αλλά πολλοί ήθελαν να έχουν το δικό τους πορτρέτο ή μια εικόνα των συγγενών τους. Εκτιμήθηκαν επίσης η θέα στα γύρω δάση και τα χωράφια. Εξακολουθούμε να μας αρέσει να κρεμάμε αναπαραγωγές διαφόρων πινάκων στα διαμερίσματά μας και σε όποιον το επιτρέπει η υλική κατάσταση, μετά τα ίδια τα πρωτότυπα. Στο Μεσαίωνα, στους πλούσιους άρεσε επίσης να διακοσμούν τους τοίχους των σπιτιών και των κάστρων με πίνακες ζωγραφικής, και μερικοί από τους πλούσιους συγκέντρωναν τεράστιες συλλογές. Κάποιος το έκανε από αγάπη για τη ζωγραφική, άλλοι - για να βελτιώσει την κατάστασή τους.

Εκτός από τους πλούσιους, η εκκλησία χρειαζόταν και έργα τέχνης. Η Εκκλησία δεν χρειαζόταν πίνακες που απεικόνιζαν την πραγματική ζωή - χρειαζόταν βιβλικές σκηνές που θα έμοιαζαν με αληθινές - σαν φωτογραφίες πραγματικών γεγονότων (αν και τότε δεν είχαν ιδέα για φωτογραφίες). Οι άνθρωποι έπρεπε να πιστεύουν στον Χριστό, τη Μαρία, τους αποστόλους και άλλες θρησκευτικές προσωπικότητες, και για αυτό οι βιβλικοί χαρακτήρες έπρεπε να μοιάζουν με ζωντανούς ανθρώπους.

Ποια ήταν τα αιτήματα των πελατών - τέτοιες ήταν οι εικόνες. Τρελές ιδέες σκιαγραφημένες στον καμβά από ένα ανίκανο χέρι δεν ωφελούσαν κανέναν. Κανείς δεν θα αγόραζε ένα πορτρέτο του εαυτού του που δεν θα έμοιαζε με το πρωτότυπο, και πολύ περισσότερο ένα που, καταρχήν, δεν έμοιαζε με την εικόνα ενός ατόμου. Εκείνες τις μέρες, για να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο, χρειαζόταν ένας καλλιτέχνης που κατείχε την τέχνη του ζωγράφου. Μη όντας επαγγελματίας, δεν μπορούσες να πουλάς πίνακες και να βγάλεις τα προς το ζην. Εκείνοι που συνέλεγαν πίνακες δεν χρειάζονταν απλώς εκμαγεία πραγματικότητας - ήθελαν να αποκτήσουν αποκλειστικά πράγματα που κανείς δεν θα μπορούσε να επαναλάβει. Δηλαδή, ο καλλιτέχνης έπρεπε να προσθέσει κάτι δικό του σε μια ρεαλιστική εικόνα - ένα συγκεκριμένο μοναδικό στυλ, έτσι ώστε η εικόνα του να ξεχωρίζει ανάμεσα στον όγκο των προϊόντων χειροτεχνίας υψηλής ποιότητας. Θα μπορούσε να είναι μια μοναδική τεχνική όπως ο Leonardo da Vinci, μια καινοτόμος χρήση φωτός και σκιάς όπως ο Van Eyck, φανταστικές εικόνες όπως η Bosch ...

15-17 αιώνες στην Ευρώπη είναι η ακμή της παγκόσμιας ζωγραφικής. Μέχρι εκείνη τη στιγμή, στα οικονομικά ανεπτυγμένα κράτη της Ευρώπης (Βενετία, Φλωρεντία, Ολλανδία, Φλάνδρα, Γερμανία), εμφανίστηκε επαρκής αριθμός πελατών για πίνακες ζωγραφικής - χάρη σε αυτό, λάβαμε έναν ολόκληρο γαλαξία εξαιρετικών καλλιτεχνών, των οποίων τα έργα εξακολουθούν να κοσμούν τα πιο διάσημα μουσεία στον κόσμο. Μαζί με τέτοιους παγκοσμίως αναγνωρισμένους μεγάλους ζωγράφους της Αναγέννησης όπως ο Leonardo da Vinci, ο Raphael και ο Michelangelo Buonarroti, δούλεψαν πολλές δεκάδες ακόμη εξίσου εξαιρετικοί καλλιτέχνες: οι Ολλανδοί Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul. Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, οι Ιταλοί Giorgione, Titian, Correggio, Caravaggio, οι Γερμανοί Albrecht Dürer, Hans Holbein Jr., ο Ισπανός Diego Velazquez... Όλοι τους είχαν έναν πρωτότυπο τρόπο απεικόνισης της πραγματικότητας, αλλά στο Ταυτόχρονα τους ένωνε το γεγονός ότι όλοι έγραψαν εξαιρετικά αποκλειστικά ρεαλιστικές εικόνες. Ρεαλιστικό όχι σύμφωνα με την πλοκή - οι ίδιες βιβλικές εικόνες δεν ήταν ποτέ έτσι. Ρεαλιστικό - από την ομοιότητα που απεικονίζεται με την πραγματική ζωή. Κανείς δεν ζωγράφισε κανέναν κύβο ή τετράγωνο - υποτίθεται ότι έτσι βλέπει τον κόσμο, αφού «αριστουργήματα» σε παρόμοιο στυλ δεν θα έβρισκαν τον αγοραστή τους. Οι πελάτες των πινάκων εκείνη την εποχή ήταν απλοί άνθρωποι - όπως ο δικός μας Νικήτα Χρουστσόφ. Υπάρχει μια ιστορία που ρώτησε κάποτε για έναν από τους πίνακες σε μια έκθεση αφαιρετικών: «Τι γάιδαρος είναι αυτός;». Σημειώνω ότι όσον αφορά τους πίνακες του Ραφαήλ ή του Κορρέτζιο, κανείς δεν είπε ποτέ κάτι τέτοιο, συμπεριλαμβανομένου του Χρουστσόφ - όποιος έχει όραση καταλαβαίνει τι απεικονίζεται πάνω τους: Μαντόνες με τη μορφή όμορφων γυναικών και όχι κάποιες τρομερές και ακατανόητες πλάσματα όπως στους πίνακες του Πικάσο . Κάθε εξαιρετικός καλλιτέχνης ήταν καινοτόμος κατά κάποιο τρόπο, αλλά όλες οι καινοτόμες τεχνικές στη ζωγραφική είχαν νόημα μόνο εάν ο καλλιτέχνης μπορούσε να απεικονίσει επαρκώς τη ζωή σε όλες τις εκφάνσεις της. Η καινοτομία στην εικόνα χρησιμοποιήθηκε για χάρη του ρεαλισμού και όχι από μόνη της. Μπορούμε να πούμε ότι οι ζωγράφοι προσπάθησαν να εργαστούν σαν οικοδόμοι - κάθε σπίτι πρέπει να έχει θεμέλιο, τοίχους και στέγη, και όλα τα πειράματα επιτρέπονταν μόνο σε αυτό το πλαίσιο.

Ως επαγγελματίες, οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης έφτασαν στην κορυφή της ζωγραφικής. Και μπορούμε να πούμε με ασφάλεια ότι είναι αδύνατο να ξεπεράσουμε τον Ραφαέλ ή τον Βαν Άικ - μπορούν μόνο να επαναληφθούν. Ή δημιουργήστε κάτι δικό σας, το οποίο γίνεται όλο και πιο δύσκολο με τα χρόνια. Ήδη τον 17ο αιώνα υπήρχαν λιγότεροι εξαιρετικοί καλλιτέχνες από τον 16ο αιώνα και τον 18ο μπορούν να μετρηθούν στα δάχτυλα. Στο φόντο των δασκάλων της Αναγέννησης, είναι εξαιρετικά δύσκολο να ξεχωρίσεις - αυτό είναι το υψηλότερο επίπεδο δεξιοτήτων, το οποίο, κατ 'αρχήν, μόνο λίγοι μπορούν να επιτύχουν.

Και σε ένα τέτοιο υπόβαθρο, όταν υπάρχουν πολλοί τεχνίτες και υπάρχουν λίγοι εξαιρετικοί δάσκαλοι, μια πραγματική επανάσταση λαμβάνει χώρα στον κόσμο της τέχνης - "μεγάλοι καλλιτέχνες" άρχισαν να δημιουργούνται τεχνητά. Αυτό ήταν δύσκολο να γίνει στον Μεσαίωνα.- χωρίς τα μέσα ενημέρωσης, οι τεχνολογίες δημοσίων σχέσεων είναι αναποτελεσματικές, καθώς οι πληροφορίες πρέπει να μεταδίδονται μέσω φημών που τις διαστρεβλώνουν. Ειδικά όταν πρόκειται για τη διάδοση πληροφοριών σε μεγάλες αποστάσεις. Μόνο τα ΜΜΕ μπορούν γρήγορα και αποτελεσματικά να δημιουργήσουν και να εισάγουν στη μαζική συνείδηση ​​την εικόνα οποιουδήποτε αντικειμένου (προϊόντος, μάρκας) ως ιδανικό και απαραίτητο στη ζωή. Δεν είναι τυχαίο ότι όταν, στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, ο Τύπος άρχισε να διαδραματίζει όλο και πιο σημαντικό ρόλο στη ζωή των κρατών της Δυτικής Ευρώπης, που είχαν ήδη εισέλθει στην εποχή της βιομηχανικής επανάστασης, τότε «μεγάλοι καλλιτέχνες νέου τύπου» άρχισε να εμφανίζεται. Με άλλα λόγια - muffins.

Ποιος ανακατευθύνει συγκεκριμένα τους αγοραστές ζωγραφικής σε άμεσες επιχρίσματα; Υπάρχουν πολλά από αυτά. Βασικά, πρόκειται για ανθρώπους που ασχολούνταν με την κριτική τέχνης στα ΜΜΕ, καθώς και για εκείνους που διοργάνωσαν εκθέσεις. Για παράδειγμα, ο κριτικός Roger Fry «ξέπλυνε» τους μετα-ιμπρεσιονιστές, ο Γάλλος Guillaume Apollinaire προωθούσε τα προϊόντα του Matisse και του Picasso στους καταναλωτές. Αλλά ακόμα πιο σημαντικό για την αγορά ζωγραφικής ήταν το γεγονός ότι όλο και περισσότεροι πλούσιοι συλλέκτες εμφανίζονταν στον κόσμο - ειδικά στο δεύτερο μισό του 20ού αιώνα. Σε συνθήκες που πραγματικά εξαιρετικά έργα τέχνης βρίσκονται σε κρατικά μουσεία ή ανήκουν σε εκκλησίες που δεν πωλούν τα αριστουργήματά τους για κανένα χρήμα, γιατί να συλλέγουμε συλλογές; - Από ό,τι θεωρείται μόδα. Ό,τι έγινε μόδα το απέκτησαν οι αγοραστές.

Και πώς δημιουργήθηκε η μόδα για αυτόν ή τον άλλον «ζωγράφο»; Βασικά, όλα ξεκίνησαν με ένα σκάνδαλο. Στα τέλη του 19ου αιώνα, η απλή επίδειξη μιας τρομερής μπουτονιέρας στο κοινό υπό το πρόσχημα των έργων τέχνης σήμαινε δημόσιο σκάνδαλο. Ήταν μια πραγματική πρόκληση για την κοινωνία. Οι άνθρωποι, βλέποντας "τέτοια", ήταν αγανακτισμένοι, όλα αυτά αναβλήθηκαν στον Τύπο και τα μποέμ μέρη, η φήμη του συγγραφέα και των έργων του μεγάλωσε - και έτσι εμφανίστηκε η μόδα για αυτόν ή τον άλλο χαρακτήρα. Πρώτα, σε στενούς κύκλους, και μετά, αν είστε τυχεροί, τότε το ευρύ κοινό έμαθε για την εμφάνιση ενός νέου «μεγάλου ζωγράφου». "Αν μιλούν για σένα, τότε υπάρχεις" - αυτός είναι ο βασικός κανόνας του PR. Αν γίνεις διάσημος, τότε τουλάχιστον κάποιος θα αγοράσει τους πίνακές σου - ανεξάρτητα από την καλλιτεχνική τους αξία. Μόλις οι μέτριοι άνθρωποι σε ένα μποέμ περιβάλλον κατάλαβαν αυτό το πάνελ - αυτό είναι επίσης ένα καυτό εμπόρευμα, έτσι τέτοιοι πίνακες κυριολεκτικά σάρωσαν την αγορά. Πολλά υπέροχα μούφες στο μέλλον ξεκίνησαν με ρεαλιστικούς πίνακες, αλλά μετατράπηκαν σε επίχρισμα με τον καιρό. Και μερικοί δεν χρειαζόταν να αλλάξουν τίποτα - αρχικά δεν ήξεραν πως να ζωγραφίσω.

Σε διαφορετικές περιόδους, υπήρχε μια μόδα για μια καλλιτεχνική κατεύθυνση, μετά για μια άλλη - ιμπρεσιονισμός, μετα-ιμπρεσιονισμός, αφαιρετικότητα, κυβισμός, εξπρεσιονισμός .... Και η μόδα είναι η κύρια μηχανή του εμπορίου. Μόλις ο «καλλιτέχνης» έγινε επωνυμία - από τότε ό,τι παρήχθη με αυτό το εμπορικό σήμα «πουλήθηκε σαν ζεστά κέικ». Δεν είχε σημασία τι ακριβώς ζωγράφισε αυτός ή εκείνος ο «καλλιτέχνης» - η βιομηχανία της μόδας λειτουργεί σύμφωνα με διαφορετικούς νόμους από τη βιοτεχνία. Η μόδα για αυτό ή εκείνο το μούφα, φυσικά, δεν προέκυψε αμέσως και στην αρχή οι «δάφνες» με τη μορφή τεράστιων χρημάτων δεν πήγαν στους ίδιους τους καλλιτέχνες, αλλά στους αγοραστές έργων ζωγραφικής. Τα τρελά χρήματα που άρχισαν να πληρώνονται για μοντέρνα νταμπλ σε δημοπρασίες εμφανίστηκαν μόλις στα τέλη του δεύτερου μισού του 20ου αιώνα. Ένας τεράστιος αριθμός ανθρώπων με εύκολο χρήμα που αποκτήθηκε στις παγκόσμιες χρηματοπιστωτικές αγορές, καθώς και κατά τη λεηλασία της κρατικής περιουσίας στη Ρωσία, απλά δεν ήξεραν πού να τους βάλουν - ως αποτέλεσμα, τυχόν περιττώματα αλειμμένα σε καμβά έγιναν ένα εξαιρετικά καυτό εμπόρευμα .

Με ποιον ξεκίνησε ο θρίαμβος του νταμπινγκ στην τέχνη;

Τον δρόμο για τους ιμπρεσιονιστές και τους κυβιστές άνοιξε ο Άγγλος Τζόζεφ Τέρνερ, ο οποίος «δημιούργησε» στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα. Η μόνη του αξία ως καλλιτέχνης ήταν ότι δεν ήταν πολύ καλός στη ζωγραφική τοπίων. Είχε επίσης σχεδόν καλούς πίνακες, αλλά έγινε γνωστός για τις ειλικρινείς επιχρίσεις, όπως ο καμβάς «Πλέοντας στη Βενετία». Εάν η Βενετία ήταν η ίδια όπως στην εικόνα του, τότε σχεδόν κανείς δεν θα είχε πλεύσει σε αυτήν καθόλου ... Ο Τέρνερ κάποτε απλά συγκλόνισε το κοινό, χάρη στο οποίο έγινε διάσημος. Υπάρχει μια καρικατούρα του - ο Turner στέκεται μπροστά σε έναν πίνακα με ένα πινέλο (το οποίο χρησιμοποιήθηκε για να ζωγραφίσει φράχτες εκείνη την εποχή) και ζωγραφίζει κάτι ...

Ο Γάλλος Edgar Degas πήρε τη σκυτάλη στη συνέχεια - ήξερε να σχεδιάζει και μερικές φορές έκανε υπέροχες εικόνες, αλλά για κάποιο λόγο ο Edgar σχεδιάστηκε για να ζωγραφίσει τις πιο άσχημες γυμνές γυναίκες που ετοιμάζονταν να πλυθούν, να πλυθούν ή απλώς να τελειώσουν τις διαδικασίες νερού. .. - Για τέτοια σχέδια, αποβάλλονται από 1 μάθημα σχολής τέχνης λόγω ανικανότητας, αλλά ο Ντεγκά έγινε δημοφιλής σε μεγάλο βαθμό χάρη σε αυτά.

Στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα, ο αριθμός των μάφιν άρχισε να αυξάνεται δραματικά.

Αυτή την περίοδο δημιουργούν οι «μεγάλοι ιμπρεσιονιστές» Κλοντ Μονέ (που δεν πρέπει να συγχέεται με τον διάσημο καλλιτέχνη Εντουάρ Μανέ) και ο Ογκίστ Ρενουάρ. Ο Ρενουάρ ήξερε πώς να ζωγραφίζει, αλλά αυτός, όπως και ο Ντεγκά, συχνά τον έφερναν σε απροκάλυπτη διαμάχη. Ο Μονέ αρχικά προσπάθησε επίσης να γίνει πραγματικός καλλιτέχνης, αλλά συνειδητοποίησε ότι δεν θα τα καταφέρει - ως αποτέλεσμα, μπορεί να ονομαστεί ένας από τους πιο εντυπωσιακούς συνεχιστές του έργου του Τζόζεφ Τέρνερ - τα τοπία του Μονέ είναι σχεδόν εξίσου τρομερά με αυτά του προκατόχου του.

Το κύριο «αριστούργημά» του είναι το «Καθεδρικός Ναός της Ρουέν, δυτική πρόσοψη στο φως του ήλιου» - ένα τυπικό παιδικό νταμπλ. Ο Μονέ καθήλωσε πολλά έργα σε αυτό το «στυλ» και όλα εξακολουθούν να είναι δημοφιλή: τα «Νούφαρα» (χωρίς όνομα δεν αναγνωρίζετε αμέσως ότι αυτά είναι κρίνα στο νερό ...) βγήκε σε δημοπρασία για 36,7 εκατομμύρια δολάρια (2007. ), Γέφυρα Waterloo (φωτογραφία παρακάτω) πωλήθηκε για 35,9 εκατομμύρια δολάρια (2007),

«Λίμνη με νούφαρα…» (σε σύγκριση με τη «Γέφυρα του Βατερλό» μπορεί να ονομαστεί ακόμη και πίνακας) - για 33 εκατομμύρια δολάρια (1998). Η εφημερίδα Times το 2009 διεξήγαγε μια έρευνα μεταξύ των αναγνωστών, τα αποτελέσματα της οποίας καθόρισαν τους πιο δημοφιλείς καλλιτέχνες του 20ου αιώνα - ο Claude Monet πήρε την 4η θέση!

Στο γύρισμα του αιώνα, οι μετα-ιμπρεσιονιστές ασχολήθηκαν επίσης: Βίνσεντ βαν Γκογκ, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Ποιος από αυτούς ήταν ο «μεγαλύτερος» ή, με άλλα λόγια, ο πιο μοδάτος καλλιτέχνης της εποχής μας; Ο Σεζάν έχει τουλάχιστον έναν πίνακα που μπορεί να χαρακτηριστεί «ενδιαφέρων» - τον ζωγράφισε σε ηλικία 27 ετών. Έπειτα όλα πήγαν πολύ χειρότερα - χωρίς διαφωτισμό, ταμποναριστά μετά από ταμπλό. Σίγουρα πάντως δεν είναι ο «μεγαλύτερος». Οι τιμές για μερικούς από τους πίνακές του ανέρχονται σε δεκάδες εκατομμύρια δολάρια (το πιο ακριβό από αυτά - το "Still Life with a Jug and Drapery" αγοράστηκε για 60,5 εκατομμύρια δολάρια (!), Αλλά η δημοτικότητα των έργων του μεταξύ των συλλεκτών είναι ξεκάθαρα κατώτερο από τη δημοτικότητα των έργων του Γκογκέν, και ακόμη περισσότερο του Βαν Γκογκ Αλλά οι αναγνώστες των Times έβαλαν τον Σεζάν στη 2η θέση μεταξύ των καλλιτεχνών του 20ου αιώνα!

Ο ψυχικά άρρωστος Βαν Γκογκ ζωγράφιζε ως ένα άτακτο αγόρι 5-7 ετών που δεν μεγάλωσε ποτέ. Κάποτε νοσηλευόταν σε ψυχιατρική κλινική, αλλά αυτό δεν βοήθησε και σε ηλικία 40 ετών αυτοκτόνησε. Η βιογραφία του μοιάζει περισσότερο με βιογραφία ενός «μεγάλου καλλιτέχνη». Αυτό αποδεικνύεται από τις τιμές των έργων του - 40,3 εκατομμύρια δολάρια για ένα τρομερό πορτρέτο της Madame Ginoux, 40,5 εκατομμύρια δολάρια για τα «Ηλιοτρόπια», 47,5 εκατομμύρια δολάρια για την «Χωρική με ψάθινο καπέλο», 53, 9 εκατομμύρια δολάρια για τις Ίριδες, 57 δολάρια εκατομμύρια για το Cypress Wheat Field, 71 εκατομμύρια δολάρια για μια αυτοπροσωπογραφία και 82,5 εκατομμύρια δολάρια για τον Dr. Gachet. Αυτός ο Gachet, παρεμπιπτόντως, φρόντιζε τον Βαν Γκογκ λίγο πριν την αυτοκτονία του - μάλλον, ο «καλλιτέχνης» αποφάσισε να εκδικηθεί τον γιατρό για το έργο του με το χαρακτηριστικό πορτρέτο του.

Ο εραστής του Βαν Γκογκ, Γκωγκέν, ζωγράφιζε ως αγόρι λίγο μεγαλύτερο από το αγόρι του Βαν Γκογκ. Αυτό είναι ένα ξεκάθαρο μείον για τον ίδιο ως «μεγάλο καλλιτέχνη». Επιπλέον, ο Γκωγκέν δεν ήταν τόσο τρελός όσο ο Βαν Γκογκ, αν και υπάρχει ένα υπέροχο επεισόδιο στη βιογραφία του όταν ήρθε να επισκεφτεί τον Βαν Γκογκ και τελικά του έκοψε το αυτί - αυτός είναι πραγματικά ένας βαρύς ισχυρισμός για το «μεγαλείο»! Ωστόσο, η ζήτηση για τους πίνακες του Γκογκέν δεν είναι τόσο μεγάλη όσο για τον Βαν Γκογκ - μόνο μερικοί από τους πίνακές του έχουν πουληθεί για περισσότερα από 30 εκατομμύρια δολάρια.

Ο σχεδόν νάνος Τουλούζ-Λωτρέκ τρελαινόταν για τις άσχημες Γαλλίδες πόρνες, τις οποίες ενσάρκωσε στους όχι λιγότερο άσχημους πίνακές του.Αν κοιτάξετε την παρακάτω εικόνα με το υπό όρους όνομα "whores on inspection", θα έχετε μια ιδέα για τον δημιουργικό τρόπο του Toulouse-Lautrec.

Ήταν μάλλον μάστορας του σκίτσου, αλλά ποτέ δεν μπήκε στον κόπο να γράψει μια ολοκληρωμένη εικόνα. Σε σύγκριση με τον Γκωγκέν και τον Βαν Γκογκ, ο Τουλούζ-Λωτρέκ είναι εντελώς αντιδημοφιλής και ο Νορβηγός Μουνκ σαφώς δεν εξαρτάται από αυτούς, αν και η βιογραφία του είναι πολύ προσωπική: υπέφερε συνεχώς από τρομερή κατάθλιψη και υποβλήθηκε σε θεραπεία αρκετές φορές για ψυχικές διαταραχές. Αρκετοί από τους πίνακές του εμφανίζονται στη λίστα με τους «100 πιο ακριβούς πίνακες στην ιστορία», αλλά αυτό είναι όλο.

Αλλά ο Αυστριακός Gustav Klimt είναι πραγματικά ο μεγαλύτερος μετα-ιμπρεσιονιστής. Είναι τόσο δημοφιλής όσο ο Βαν Γκογκ και ο πιο ακριβός πίνακας του αγοράστηκε για 135 εκατομμύρια δολάρια! Και αυτό που προκαλεί έκπληξη για τον μεγάλο καλλιτέχνη του 20ου αιώνα - η εικόνα δείχνει μια γυναίκα με ανθρώπινο πρόσωπο! Όλος ο υπόλοιπος χώρος καταλαμβάνεται από ένα τυπικό ντύσιμο, αλλά το πρόσωπο αποδείχθηκε ρεαλιστικό. Και άλλοι πίνακες του Klimt, όπου απεικονίζονται άνθρωποι, είναι παρόμοιοι με αυτήν την εικόνα - τα ίδια πρόσωπα μεταξύ των "μετα-ιμπρεσιονιστών" νταμπλ.

Ο κόσμος σέβεται και τον Κλιμτ -3η θέση στους καλύτερους καλλιτέχνες του 20ου αιώνα- μόνο ο Πικάσο και ο Σεζάν είναι μπροστά.

Ας περάσουμε στον 20ο αιώνα. Όπως έγραψε η Wendy Beckett στο History of Painting, «δύο βασιλεύουν στην τέχνη του 20ου αιώνα - ο Henri Matisse και ο Pablo Picasso». Είναι δύσκολο να πει κανείς γιατί ακριβώς αυτά τα δύο, γιατί υπήρχαν εκατοντάδες τέτοιες μούφες, αλλά οι τρόποι της μόδας είναι ανεξιχνίαστοι. Ο Pablo, παρεμπιπτόντως, και σύμφωνα με δημοσκόπηση αναγνωστών των Times, κατέλαβε την 1η θέση.

Ο Ισπανός Πάμπλο Πικάσο ήξερε να σχεδιάζει, αλλά δεν ήθελε. Ήταν πολύ μακριά από το επίπεδο του Ντα Βίντσι (που δεν πιστεύει - κοιτάξτε τον πρώιμο πίνακα του "Boy with a Pipe" - όχι κακός, αλλά όχι εξαιρετικός), αλλά απλώς οι καλοί πίνακες ήταν ήδη άσχετοι στον 20ο αιώνα. Το Daubing γινόταν ολοένα και πιο μοντέρνο και ο Pablo αποφάσισε να πλεύσει κατ' εντολή των κυμάτων. Και τα κατάφερε υπέροχα!

Το 1907, ζωγράφισε τον πίνακα "Τα κορίτσια της Αβινιόν" - έγινε το πρώτο έργο στο κυβιστικό είδος. Στην αρχή, ο καλλιτέχνης ντρεπόταν να δείξει αυτό το ντύσιμο σε αγνώστους, κάτι που, γενικά, είναι κατανοητό: πέντε απολύτως τρομερά πλάσματα σε κοιτούν από την εικόνα και το να δείχνεις τέτοιες ανοησίες σε άλλους είναι σαν να λες δημόσια: Είμαι τρελός! Είμαι πλήρης ψυχολόγος! Ωστόσο, ο Πάμπλο τόλμησε να αποκαλύψει το «αριστούργημα» τουκαι δεν μάντεψε. Κανείς δεν τον έκρυψε σε νοσοκομείο και ο Πικάσο συνέχιζε να χαλάει τους καμβάδες. Εφάρμοσε στην πράξη το αξίωμα του διαλεκτικού υλισμού: η ποσότητα εξελίσσεται σε ποιότητα. Σε αυτή την περίπτωση, η φήμη. Ο Πικάσο ζωγράφιζε για περίπου 70 χρόνια και δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι έγινε ο πιο δημοφιλής μούφας της εποχής μας.

Το Portrait of Dora Maar (αγοράστηκε για 95,2 εκατομμύρια δολάρια σε δημοπρασία το 2006, φωτογραφία παραπάνω), Woman Seated in a Garden (49,5 εκατομμύρια δολάρια το 1999), Όνειρο (48,4 εκατομμύρια δολάρια το 1997), «Nude in a black chair» (45,1 εκατομμύρια δολάρια το 1999) - μπήκε στο «χρυσό ταμείο» του νταμπλ του 20ού αιώνα.

Υπήρχαν πολλοί ένδοξοι ζωγράφοι στον 20ο αιώνα - πολύ περισσότεροι από μεγάλοι καλλιτέχνες στην Αναγέννηση, κάτι που δεν προκαλεί έκπληξη: να σπάσει - να μην χτίσει, να χαλάσει καμβάδες - να μην ζωγραφίσει. Σε αυτόν τον τομέα σημειώθηκαν επίσης οι δικοί μας Vasya Kandinsky και Kazimir Malevich - αν και είναι εξαιρετικοί, δεν είναι σπουδαίοι μούφες για τα παγκόσμια πρότυπα. Φυσικά, οι Ρώσοι έχουν τη δική τους ιδιαίτερη πνευματικότητα, αλλά στο ντύσιμο, δεν εκδηλώθηκε και πολύ. Στα μέσα του 20ου αιώνα, ο Αμερικανός Pollack και ο Ολλανδός de Kooning, «αφηρημένοι εξπρεσιονιστές», άρχισαν να δίνουν τον τόνο σε αυτό.

Τα πάντα στον κόσμο μας είναι σχετικά και με φόντο τον Pollack και τα αδέρφια του, ακόμα και ο Monet ή ο Gauguin μοιάζουν με καλοί καλλιτέχνες. Οι κριτικοί τέχνης έχουν αποκαλέσει αυτόν τον υψηλότερο βαθμό επικάλυψης «αφηρημένο εξπρεσιονισμό» και θα έλεγα ότι αυτό είναι εντελώς παραφροσύνη! Οι πιο επιφανείς εκπρόσωποί της δεν ήταν μόνο οι προαναφερθέντες Willem de Kooning και Jackson Pollack, αλλά και ο Mark Rothko, Αμερικανός ρωσικής καταγωγής. Αυτά τα τρία είναι απλώς το απόγειο του μαραφέτι του 20ου αιώνα!

Αφηρημένος εξπρεσιονιστής είναι ένα άτομο που, καταρχήν, δεν σχεδιάζει. Ο Βαν Γκογκ ζωγράφιζε τουλάχιστον στο επίπεδο ενός 5χρονου παιδιού, αλλά ο Πόλακ δεν μπορούσε να φτάσει ούτε σε αυτό το επίπεδο. Για να παραθέσω το The History of Painting της Wendy Beckett: «Ο Πόλακ ήταν ο πρώτος που εγκατέλειψε το πινέλο, την παλέτα και όλες τις συμβάσεις της πλοκής. Χόρευε εκστασιασμένος στους καμβάδες απλωμένους στο πάτωμα, εντελώς βυθισμένος στη δημιουργικότητα, πιτσιλίζοντας και ρίχνοντας μπογιές υπό απόλυτο έλεγχο. «Η ζωγραφική», είπε, «έχει τη δική της ζωή. Προσπαθώ να την αφήσω». Δεν υπάρχει καν τίποτα να σχολιάσω εδώ - ο άντρας ήταν πολύ, πολύ άρρωστος. Η φωτογραφία του πίνακα του το επιβεβαιώνει.

Ο Mark Rothko είναι ακόμα χειρότερος καλλιτέχνης από τον Pollack. Θα πείτε ότι αυτό δεν μπορεί να είναι έτσι - εξάλλου, μόλις είπα ότι ο Pollak δεν μπορούσε να τραβήξει. Μπορεί! Οι πίνακες του Pollack έμοιαζαν τουλάχιστον με χαοτική ταπετσαρία, του Rothko είναι απλώς καμβάδες ζωγραφισμένοι με διαφορετικά χρώματα - για παράδειγμα, το πάνω μέρος είναι μαύρο και το κάτω μέρος είναι γκρι. Ή ακόμα πιο "εξαιρετική δουλειά" - στο κάτω μέρος είναι βυσσινί, στην κορυφή - κάποιο είδος σκούρου κίτρινου και στη μέση - λευκό.

Ο πίνακας ονομάζεται "White Center" και αγοράστηκε από τον Sotheby's το 2007. έναντι 72,8 εκατομμυρίων δολαρίων. - σχεδόν 73 εκατομμύρια για έναν κατεστραμμένο καμβά! Και αυτή, παρεμπιπτόντως, είναι η 12η θέση στη λίστα με τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο! Όμως ο πιο ακριβός πίνακας στον κόσμο σήμερα (2010) ανήκει στον Τζάκσον Πόλακ και ονομάζεται «Νο. 5» - πωλήθηκε το 2006 στον οίκο Sotheby's για 140 εκατομμύρια δολάρια! Ο δυτικός κόσμος δεν είναι μόνο γεμάτος με τρελούς καλλιτέχνες - υπάρχει ένας τεράστιος αριθμός τρελών εκατομμυριούχων. Οι απλοί άνθρωποι, παρεμπιπτόντως, δεν είναι επίσης πολύ υγιείς στη Δύση - σε δημοσκόπηση της εφημερίδας Times, ο Pollack κατέλαβε την 7η θέση μεταξύ των πιο δημοφιλών καλλιτεχνών του 20ου αιώνα.

Ο, όπως λένε, «αιώνιος αντίπαλος» του Βίλεμ ντε Κούνινγκ σε αυτή τη δημοσκόπηση έγινε 9ος. Θα τον έλεγα τον πιο αστείο από όλες τις μούφες. Ο πιο ακριβός πίνακας του Κούνινγκ, η Γυναίκα Νο. 3 (αγοράστηκε το 2006 για 137,5 εκατομμύρια δολάρια!) θα κάνει κάθε υγιή άνθρωπο να γελάσει δυνατά. Ακόμα πιο αστείο είναι η Γυναίκα με ποδήλατο.

Νομίζω ότι ο Willem είχε κάποια προβλήματα με τις γυναίκες, οπότε τις εκδικήθηκε διακριτικά.

Στο παράδειγμα των Pollack, Kooning και Rothko, βλέπουμε ξεκάθαρα σε τι έχει φτάσει η αγορά τέχνης σήμερα. Αν ζούσε ο Χρουστσόφ, θα έλεγε: μέχρι τέρας!

Έτσι, χάρη στη μαγική δύναμη του Pu blic σχέσεις Οι στολές ορισμένων ψυχικά διαταραγμένων ατόμων αναγνωρίστηκαν ως εξαιρετικά έργα τέχνης και ίσα ίσα με τους καμβάδες των μεγάλων καλλιτεχνών της Αναγέννησης. Για πρώτη φορά, η δύναμη του PR εκδηλώθηκε τόσο ξεκάθαρα ακριβώς στην προώθηση των μούφες. Μέχρι τον 19ο αιώνα PR ενήργησε αποτελεσματικά μόνο στην πολιτική (η ιστορία και η θρησκεία εξυπηρετούσαν επίσης πολιτικούς στόχους και δεν μπορούν να θεωρηθούν μεμονωμένα από την πολιτική). Στην περίπτωση της αναγγελίας μέτριων μούφες ως λαμπρών καλλιτεχνών, συναντάμε φαινόμενο όταν PR διακρίθηκε στον χώρο της μόδας. Και ήταν τόσο αποτελεσματικό και διαρκές που ακόμη και τώρα, περισσότερο από έναν αιώνα αφότου μπήκε στη μόδα το πλήγμα των μέτριων ψυχοπαθών, συναντάμε πολλούς ανθρώπους που πιστεύουν ειλικρινά ότι ο Βαν Γκογκ είναι ένας σπουδαίος καλλιτέχνης. Ακόμη περισσότερα εκατομμύρια γνωρίζουν ποιος είναι ο Βαν Γκογκ. Αρκετές εκατοντάδες πλούσιοι αδρανείς που δεν ξέρουν τι να κάνουν με τα χρήματά τους αγοράζουν μοντέρνα στολίδια σε δημοπρασίες. Όλοι οι άλλοι ακούνε για μια αγορά πολλών εκατομμυρίων δολαρίων νταμπλ και μετά για μια άλλη. Λοιπόν, δεν μπορούν να πληρώσουν 30 εκατομμύρια δολάρια για ειλικρινή περιττώματα, έτσι δεν είναι; - έτσι υποστηρίζει ο λαϊκός. - Μπορούν, ακόμα και όπως μπορούν... Το κυριότερο είναι να είναι της μόδας.