Αυτή η αφηρημένη τέχνη αξίζει εκατομμύρια δολάρια. Θαυμάστε αυτή την ομορφιά! Οι πιο ακριβοί πίνακες στον κόσμο ή βάψιμο; Πίνακες ζωγραφικής σε στυλ νταμπλ
Σκάνδαλο στους καλλιτεχνικούς κύκλους των ΗΠΑ! Δεκάδες πίνακες που θεωρήθηκαν πρόσφατα αριστουργήματα της αφηρημένης ζωγραφικής αποδείχθηκαν ψεύτικοι. Τι είναι αυτό - ένα μοιραίο λάθος των ειδικών ή ένα απίστευτο ταλέντο απατεώνων;
Ή απλώς μια αντικειμενική επιβεβαίωση ότι στην πραγματικότητα τα πρωτότυπα αυτών των «αριστουργημάτων» είναι απλώς ένα δημοσιευμένο ντεμπούτο, το οποίο είναι απλά εύκολο να αντιγραφεί;
Το κλείσιμο του Κέντρου Εικαστικού Πολιτισμού στην Ακαδημία Mohyla όχι μόνο οδήγησε σε έντονη διαμάχη στην κοινωνία. Αλλά με έκανε να σκεφτώ και τι πραγματικά είναι όλα όσα προσφέρονται με το πρόσχημα των έργων τέχνης.
Σκάνδαλο στους καλλιτεχνικούς κύκλους των ΗΠΑ! Δεκάδες πίνακες που θεωρήθηκαν πρόσφατα αριστουργήματα της αφηρημένης ζωγραφικής αποδείχθηκαν ψεύτικοι. Τι είναι αυτό - ένα μοιραίο λάθος των ειδικών ή ένα απίστευτο ταλέντο απατεώνων; Ή απλώς μια αντικειμενική επιβεβαίωση ότι στην πραγματικότητα τα πρωτότυπα αυτών των «αριστουργημάτων» είναι απλώς ένα δημοσιευμένο ντεμπούτο, το οποίο είναι απλά εύκολο να αντιγραφεί;
Πριν από σχεδόν 17 χρόνια, μια ελάχιστα γνωστή έμπορος έργων τέχνης από το Long Island (Νέα Υόρκη) Glafira Rosales μπήκε στις πολυτελείς εγκαταστάσεις της γκαλερί της Knoedler & Company, μεταφέροντας έναν πίνακα που, σύμφωνα με την ίδια, ζωγράφισε ο καλλιτέχνης Mark Rothko (κορυφαίος εκπρόσωπος της καλλιτεχνικής διεύθυνσης). .n αφηρημένος εξπρεσιονισμός - περ.).
Έδειξε έναν μικρό πίνακα με δύο μαύρα σύννεφα σε φόντο χλωμό ροδακινί στην Αν Φρίντμαν, τη νέα πρόεδρος της Knoedler, της παλαιότερης γκαλερί τέχνης της Νέας Υόρκης.
«Αμέσως, με την πρώτη ματιά, αυτό το έργο με ενδιέφερε», θυμάται αργότερα η κυρία Φρίντμαν. Ήταν τόσο παθιασμένη που κατέληξε να αποκτήσει τη δουλειά για τον εαυτό της.
Τα επόμενα δέκα χρόνια, η κυρία Rosales σύχναζε στην έπαυλη Knoedler Gallery με την πλούσια διακοσμημένη οροφή της, μεταφέροντας έργα γνωστών μοντερνιστών καλλιτεχνών όπως οι Jackson Pollock, Willem de Kooning και Robert Motherwell.
Όλα πρωτοεμφανίστηκαν στην αγορά. Όλα, είπε, ανήκαν σε έναν συλλέκτη τον οποίο η κ. Rosales αρνήθηκε να κατονομάσει.
Οι πίνακες έγιναν δεκτοί με ενθουσιασμό τόσο από την Knoedler Gallery όσο και από την Ann Friedman: τουλάχιστον είκοσι έργα μεταπωλήθηκαν, ένα από τα οποία πωλήθηκε για 17 εκατομμύρια δολάρια.
.
Σήμερα, αρκετοί ειδικοί αποκαλούν αυτά τα έργα παραποίηση. Το ένα σημείωσε επίσημα «ψεύτικο» με δικαστική απόφαση, ενώ άλλοι ερευνώνται από το FBI. Η Knoedler Gallery, μετά από 165 χρόνια στην επιχείρηση, έκλεισε τις πόρτες της και μηνύει έναν πελάτη που αγόρασε έναν από τους πίνακες της Rosales (η γκαλερί λέει ότι το κλείσιμο ήταν μια επιχειρηματική απόφαση που σχετίζεται με τη μήνυση). Σε αυτή τη μήνυση εμφανίζεται και η κυρία Φρίντμαν, η οποία εξακολουθεί να ισχυρίζεται ότι οι πίνακες είναι αληθινοί.
Υπήρξαν λίγα γεγονότα τα τελευταία χρόνια που συγκλόνισαν την αγορά τέχνης όπως αυτή η μυστηριώδης ιστορία για το πώς ένας σκοτεινός έμπορος τέχνης μπόρεσε να ανακαλύψει έναν εκπληκτικό αριθμό σκοτεινών θησαυρών ζωγραφικής που δημιουργήθηκαν από τους τιτάνες του αφηρημένου εξπρεσιονισμού. Κάθε μία από τις πιθανές εξηγήσεις φέρει το βάρος του απίθανου.
Εάν οι πίνακες είναι πραγματικοί, τότε γιατί η μπογιά σε μερικούς από αυτούς περιέχει χρωστικές ουσίες που δεν είχαν εφευρεθεί ακόμη τη στιγμή που δημιουργήθηκαν;
Αν είναι ψεύτικοι, τότε ποιοι είναι αυτοί οι υπερφυσικά ταλαντούχοι παραχαράκτες που μπόρεσαν να παραπλανήσουν τους ειδικούς;
Και αν οι πίνακες είναι αληθινοί αλλά κλεμμένοι, γιατί δεν εμφανίστηκαν οι ιδιοκτήτες τους μετά τη δημοσιοποίηση της ιστορίας;
Δυστυχώς, η μόνη που μπόρεσε να λύσει αυτό το μυστήριο, η κυρία Ροζάλες, αρνείται να μιλήσει, τουλάχιστον δημόσια. Ωστόσο, μερικές λεπτομέρειες «διέρρευσαν» από δικαστικά έγγραφα και συνεντεύξεις με άλλους συμμετέχοντες σε αυτή την υπόθεση. Και είναι αρκετά για να περιγράψουν αυτό που συνέβη.
Η Dame Rosales, 55, μια χαρισματική και μορφωμένη γυναίκα μεξικανικής καταγωγής, και ο σύζυγός της, Jose Carlos Bergantinos Diaz, με καταγωγή από την Ισπανία, διατηρούσαν κάποτε μια μικρή γκαλερί, King Fine Arts, που βρισκόταν στο Μανχάταν στη West 19th Street. Το ζευγάρι, που είχε λογαριασμούς στις κορυφαίες δημοπρασίες των Sotheby's και Christie's, είπε σε μαρτυρίες του δικαστηρίου ότι κατείχαν ή πουλούσαν πίνακες διάσημων καλλιτεχνών, συμπεριλαμβανομένου του Andy Warhol, τον οποίο ο κ. Bergantinos περιέγραψε ως φίλο.
Με βάση αυτά τα δεδομένα, φαίνεται περίεργο ότι η κα Rosales επικοινώνησε με μεσάζοντες όπως η Knoedler Gallery, των οποίων οι προμήθειες «τσίμπησαν ένα κομμάτι» στις δικές της προμήθειες. Μέρος της απάντησης σε αυτό μπορεί να βρίσκεται στην απόσταση μεταξύ της Rosales και της θέσης του Friedman στον κόσμο της τέχνης.
Ψηλή, πολύ αδύνατη και με μεγάλη αυτοπεποίθηση, η κυρία Φρίντμαν διηύθυνε μια από τις πιο σεβαστές γκαλερί στις Ηνωμένες Πολιτείες. Συναντήθηκε στο πρωινό με συλλέκτες υψηλών προδιαγραφών, αγοραστές που, χωρίς να χτυπήσουν το βλέφαρο, έβαλαν πολλά εκατομμύρια για έναν πίνακα. Αυτή και ο σύζυγός της, ο επιχειρηματίας ακινήτων Ρόμπερτ Φρίντμαν, ήταν οι ίδιοι συλλέκτες.
Οι δύο γυναίκες παρουσιάστηκαν από τον υπάλληλο της γκαλερί Jaime Andrade, ο οποίος διασταυρώθηκε με την κυρία Rosales σε ένα κοκτέιλ πάρτι. Σύμφωνα με την Ann Friedman, στην αρχή η Rosales της είπε μόνο ότι εκπροσωπούσε τα συμφέροντα του φίλου της, ο οποίος έχει ακίνητα στην Πόλη του Μεξικού και τη Ζυρίχη, και του οποίου το όνομα ανέλαβε να κρατήσει μυστικό. Αυτό δεν εξέπληξε κανέναν, εξήγησε ο Friedman, οι ιδιώτες συλλέκτες συχνά προτιμούν να παραμένουν ανώνυμοι. Ωστόσο, με την πάροδο του χρόνου, εμφανίστηκαν περισσότερες λεπτομέρειες για τον ιδιοκτήτη. Η Rosales της είπε ότι είχε κληρονομήσει τον πίνακα από τον πατέρα της, ο οποίος συνέλεξε τους πίνακες με τη βοήθεια του David Herbert, ενός αντιπροσώπου της Νέας Υόρκης που πέθανε το 1995.
Ο Χέρμπερτ φέρεται να σχεδίαζε να δημιουργήσει μια νέα γκαλερί βασισμένη σε αυτά τα έργα, η οποία θα χρηματοδοτούνταν από τον ιδιοκτήτη της συλλογής. Όμως οι δύο ιδρυτές τράπηκαν σε φυγή και, στο τέλος, οι πίνακες κατέληξαν στο υπόγειο του συλλέκτη, όπου φυλάσσονταν μέχρι τον θάνατό του.
Η κ. Rosales έχει πράγματι ένα πορτρέτο του Herbert από τον Ellsworth Kelly, το οποίο ήταν πρόσφατα μέρος μιας έκθεσης στο Μουσείο του Μπρούκλιν. Αυτό που δεν έχει είναι κανένα αρχείο ιδιοκτησίας των πάνω από δύο δωδεκάδων μοντερνιστικών πινάκων που έχει κυκλοφορήσει στην αγορά.
Η πώληση έργων γνωστού καλλιτέχνη χωρίς απόδειξη προέλευσης είναι μια σπάνια περίπτωση. Αντιμετωπίζοντας πίνακες χωρίς έγγραφα που, θεωρητικά, όπως είπε ένας δικηγόρος, θα μπορούσαν να είχαν ζωγραφιστεί «στο γκαράζ της κυρίας Rosales», η Ann Friedman, είπε, εστίασε σε αυτό που πραγματικά είχε σημασία - την ποιότητα.
Και ήταν εξαιρετικοί», είπε ο Φρίντμαν. Κάλεσε αρκετούς ειδικούς να ελέγξουν τις δικές της εντυπώσεις από πίνακες των Rothko, Pollock, Barnett Newman, Clifford Stills και άλλων - καμβάδες που παρέχονται από τον έμπορο Rosales. Ο Claude Cernuchi, ο οποίος είναι ο συγγραφέας του βιβλίου για τον Pollock, έχει επικυρώσει την αυθεντικότητα του μικρού πίνακα "Untitled, 1950" με την υπογραφή "J. Πόλοκ. Η Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, η οποία διαθέτει μια ισχυρή συλλογή έργων του Rothko σε χαρτί, είπε ότι δύο από τους πίνακες του Rothko ήταν πραγματικοί.
Πριν από το 2000, η κυρία Friedman είχε αγοράσει η ίδια τρεις από τις προτάσεις της Rosales: Rothko από την πρώτη τους συνάντηση, Untitled 1959 για 200.000 $, Pollock για $ 300.000 και Motherwell για $ 20.000. «Αν η Ann Friedman είχε οποιεσδήποτε αμφιβολίες για αυτά τα έργα, αυτή και ο σύζυγός της δεν θα είχαν επενδύσει εκατοντάδες χιλιάδες δολάρια σε αυτά», είπε ο δικηγόρος της σε αυτή την περίπτωση.
Τα σύννεφα άρχισαν να μαζεύονται το 2003, όταν ένα ανώτερο στέλεχος της επενδυτικής τράπεζας Goldman Sachs θέλησε να πιστοποιήσει την αυθεντικότητα ενός (υποτίθεται) πίνακα του Pollock, Untitled 1949, τον οποίο αγόρασε από την Knoedler Gallery. Έδωσε τον Cortin στο Διεθνές Ίδρυμα Καλλιτεχνικών Ερευνών, έναν ανεξάρτητο μη κερδοσκοπικό οργανισμό. Και μετά την ανάλυση, η ανώνυμη επιτροπή αρνήθηκε να επιβεβαιώσει την αυθεντικότητα του πίνακα, θέτοντας υπό αμφισβήτηση το στυλ και την προέλευσή του.
Ο αγοραστής ζήτησε επιστροφή χρημάτων. Η κυρία Φρίντμαν του έδωσε αμέσως δύο εκατομμύρια δολάρια και αγόρασε η ίδια τον καμβά με λευκά, μαύρα και κόκκινα λεκέδες σε συνεργασία με την γκαλερί και τον συνάδελφό της καναδικό ιμπρεσάριο του θεάτρου Ντέιβιντ Μίρβις. Ο κ. Mirvish, ο ίδιος πρώην έμπορος έργων τέχνης, είπε ότι δεν τον ενδιαφέρουν οι ανώνυμες βαθμολογίες (αυτός και ο Knoedler επένδυσαν επίσης σε δύο άλλα έργα του Pollock που παρείχε η Rosales).
Ωστόσο, εκτιμήσεις ελήφθησαν και από άλλες πηγές. Ο Mirvis το 2006 έφερε στην γκαλερί τον καλλιτέχνη Frank Stella, ο οποίος ήταν σύγχρονος των Αφηρημένων Εξπρεσιονιστών. Αφού εξέτασε αρκετούς καμβάδες που προήλθαν από τη Rosales, η Στέλλα είπε: «Καθένας από αυτούς είναι πολύ καλός για να είναι αληθινός, αλλά όταν τους βλέπεις σε ένα γενικό πλαίσιο, ως ομάδα, καταλαβαίνεις ότι είναι αληθινοί» - τουλάχιστον έτσι Τη συνομιλία κατέθεσε στο δικαστήριο η Ann Friedman.
Το πιο εντυπωσιακό είναι ότι οι πίνακες Rosales έχουν επιβεβαιωθεί στην αγορά. Η κα Friedman πιστοποίησε ότι πούλησε 15 ή 16 συνολικά έργα μέσω της Knoedler Gallery, συνολικού ύψους μεταξύ 27 και 37 εκατομμυρίων δολαρίων.
Ο πιο ακριβός πίνακας ήταν το "Untitled 1950", σύμφωνα με τους ισχυρισμούς του Pollock, ο οποίος αγοράστηκε μέσω ενός μεσάζοντα το 2007 από έναν διευθυντή hedge fund του Λονδίνου ονόματι Pierre Lagrange. Η γκαλερί, μαζί με τον κ. Mirvish, είχαν αγοράσει έναν πίνακα με ένα συνονθύλευμα μαύρων, κόκκινων και λευκών γραμμών σε φωτεινό ασημί φόντο για 2 εκατομμύρια δολάρια λίγα χρόνια νωρίτερα. Ο Λαγκράνζ πλήρωσε 17 εκατομμύρια.
Αυτός είναι ο πραγματικός Πόλοκ. Και από τη στιγμή που οι ειδικοί δεν παρατήρησαν αμέσως πόσο αυτές οι γραμμές που αλείφονται στον καμβά είναι ανώτερες από τις γραμμές που λερώνονται στον παραποιημένο καμβά;
Λίγες μέρες μετά τη συμφωνία με τον Lagrange, η κυρία Friedman κάλεσε αρκετούς υπαλλήλους του μη κερδοσκοπικού ιδρύματος Daedalus, που δημιούργησε ο Robert Motherwell για να προστατεύσει την καλλιτεχνική κληρονομιά της νεωτερικότητας, στην Knoedler Gallery. Ήθελε να δουν την τελευταία της Μάδεργουελ.
Ήταν ο έβδομος πίνακας που ο έμπορος έργων τέχνης Rosales είχε πουλήσει είτε στον Friedman είτε σε άλλον έμπορο της Νέας Υόρκης, τον Julian Weisman, μέσα σε οκτώ χρόνια. Ο πίνακας, με μεγάλες μαύρες πινελιές και κηλίδες διάσπαρτες στον καμβά, φαίνεται ότι ανήκε στη διακεκριμένη σειρά της Μάδεργουελ, γνωστή ως Ισπανικές Ελεγείες. Το προσωπικό του ιδρύματος έχει ήδη δει αρκετές από αυτές τις νέες «ελεγείες» και τις έχει αναγνωρίσει ως γνήσιες.
Όμως λίγες εβδομάδες μετά την επίσκεψη στην γκαλερί Knoedler, κατά τη διάρκεια μιας συνεδρίασης της επιτροπής του ιδρύματος, ορισμένα από τα μέλη του άρχισαν να αμφισβητούν τη γνησιότητα των υπογραφών και το ύφος των νεοανακαλυφθέντων «ελεγειών». Ο πρόεδρος του Ιδρύματος Τζακ Φλαμ είπε ότι σύντομα έμαθε ότι άλλα έργα «από τη Ροζάλες» που αποδίδονται στον Πόλοκ και τον Ρίτσαρντ Ντίμενκορν έγιναν δεκτά με σκεπτικισμό.
Δεν αποφάσισαν όλοι στο ίδρυμα ότι έπρεπε να κηρύξουν συναγερμό. Η Joan Banach, προσωπική βοηθός του Motherwell και βετεράνος υπάλληλος του ιδρύματος, είπε ότι ο Flam έκανε ισχυρισμούς χωρίς επιφύλαξη σχετικά με την αυθεντικότητα των πινάκων και ως εκ τούτου παραβίασε τις διαδικασίες αξιολόγησης ζωγραφικής του ιδρύματος. Στη συνέχεια μήνυσε το ίδρυμα, ισχυριζόμενη ότι απολύθηκε λόγω κριτικής στον κ. Φλεμ (το ίδρυμα το αρνείται).
«Πιθανότερο από όχι», είναι ο τρόπος με τον οποίο η κυρία Μπάναχ εκτίμησε την αυθεντικότητα των πινάκων του Μάδεργουελ, που απέκτησε η Γκαλερί Knoedler μέσω της Rosales, στα δικαστικά έγγραφα.
Αλλά ο πρόεδρος του ιδρύματος, Τζακ Φλαμ, ήταν αποφασισμένος να αποδείξει ότι αυτοί οι πίνακες ήταν πλαστογραφημένοι. Προσέλαβε έναν ιδιωτικό ντετέκτιβ για να ερευνήσει τις δραστηριότητες της Rosales και του συζύγου της και επέμεινε σε μια σειρά ιατροδικαστικών εξετάσεων.
Ένα δροσερό απόγευμα του Ιανουαρίου του 2009, ο Flem και ο Friedman συναντήθηκαν για να συζητήσουν τα αποτελέσματα. Κάθισαν στη λάθος αίθουσα όπου κρέμονταν δύο «ελεγείες», εκ των οποίων η μία ήταν της κυρίας Φρίντμαν. Ο ιατροδικαστής κατέληξε στο συμπέρασμα ότι και οι δύο περιείχαν χρωστικές ουσίες που εφευρέθηκαν δέκα χρόνια μετά το 1953 και το 1955 - οι ημερομηνίες που αναγράφονται στους καμβάδες.
Η Ann Friedman διαφώνησε με αυτά τα ευρήματα. Συχνά δόθηκαν στους καλλιτέχνες νέες χρωστικές ουσίες για να πειραματιστούν, ακόμη και πριν κατοχυρωθούν με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας και διατεθούν στην αγορά. Αλλά το Ίδρυμα Daedalus στάθηκε στη θέση του: ο έμπορος έργων τέχνης Rosales επιβεβαιώθηκε αργότερα στα δικαστικά έγγραφα ότι ήταν «το πρόσωπο-κλειδί που έφερε στην αγορά μια σειρά από επτά ψεύτικες «ισπανικές ελεγείες».
Η διαμάχη για τους πίνακες της Μάδεργουελ έφτασε σύντομα στο FBI, το οποίο άνοιξε έρευνα. Ο δικηγόρος του Rosales αναγνώρισε ότι η πελάτισσά του ήταν υπό έρευνα και πρόσθεσε ότι «ποτέ δεν πούλησε εν γνώσει του πίνακες γνωρίζοντας ότι ήταν ψεύτικοι».
Η Ann Friedman έλαβε ένταλμα από το FBI τον Σεπτέμβριο του 2009, αν και ο δικηγόρος της λέει ότι το FBI δεν θεωρεί ότι είναι αντικείμενο έρευνας. Αποσύρθηκε από τη γκαλερί τον επόμενο μήνα. Τόσο ο Friedman όσο και η γκαλερί υποστηρίζουν ότι η έρευνα δεν είχε καμία σχέση με την απόλυσή της, η οποία οφειλόταν στην απροθυμία του Friedman να συγχωνεύσει την Knoedler Gallery με μια άλλη γκαλερί.
Ωστόσο, ήταν πολύ πιο δύσκολο να απομακρυνθούμε από τα προβλήματα με τους πίνακες της Ροζάλες. Πέρυσι, ένα από τα «ελεγεία» έγινε η βάση για μήνυση ιρλανδικής γκαλερί που αγόρασε αυτόν τον πίνακα και, μετά από ένα σκάνδαλο, ζήτησε την επιστροφή 650.000 δολαρίων σε αυτόν.
Το Ίδρυμα Δαίδαλου ενεπλάκη σε αυτή τη μήνυση γιατί, μετά από ιατροδικαστικούς ελέγχους, ήταν εκείνος που δήλωσε πλαστές όλες τις «ελεγείες» που έλαβε μέσω της Ροζάλες. Συμπεριλαμβανομένων εκείνων που προηγουμένως είχε αναγνωρίσει ανεπίσημα ως αυθεντικά - και ανάμεσά τους ήταν ο πίνακας που πουλήθηκε στους Ιρλανδούς.
Η δίκη έκλεισε τον Οκτώβριο. Ο Ροζάλες συμφώνησε να πληρώσει το μεγαλύτερο μέρος του κόστους και των νομικών εξόδων του πίνακα και ο ίδιος ο πίνακας, κατόπιν αιτήματος του Ιδρύματος Δαίδαλου, σφραγίστηκε στο πίσω μέρος με μια σφραγίδα μελανιού "Ψεύτικο" που δεν μπορούσε να αφαιρεθεί. Ο Δαίδαλος μια φορά δήλωσε ότι ο πίνακας ήταν πραγματικός και μια άλλη φορά ότι ήταν ψεύτικος. Παρόλα αυτά, η άλλη πλευρά, μέσω των δικηγόρων της, εξακολουθεί να ισχυρίζεται ότι ο πίνακας είναι γνήσιος.
Λίγες εβδομάδες αργότερα, μια άλλη φωτογραφία έγινε η αιτία της διαμάχης. Ο Pierre Lagrange χώριζε τη γυναίκα του και ήθελαν να πουλήσουν το Untitled 1950. Αλλά οι δημοπρασίες Sotheby's και Christie's αρνήθηκαν να ασχοληθούν με αυτόν τον πίνακα λόγω της αμφιβολίας της προέλευσής του και της απουσίας του στον πλήρη κατάλογο των έργων του Pollock. Ο Lagrange ζήτησε από την Knoedler Gallery να πάρει πίσω τον πίνακα και διέταξε τη δική του ιατροδικαστική εξέταση του καμβά.
Στις 29 Νοεμβρίου, ήρθαν τα αποτελέσματα της ανάλυσης: οι δύο κίτρινες χρωστικές που χρησιμοποιήθηκαν στον πίνακα εφευρέθηκαν μόνο μετά τον θάνατο του Πόλοκ το 1956. Το συμπέρασμα στάλθηκε στην γκαλερί Knoedler. Την επόμενη μέρα ανακοίνωσε το κλείσιμό της.
Τον Δεκέμβριο, η Rosales και ο Friedman συναντήθηκαν ξανά - αλλά αυτή τη φορά η συνάντηση πραγματοποιήθηκε στο ομοσπονδιακό περιφερειακό δικαστήριο του Μανχάταν, όπου κλήθηκαν με τη μήνυση του κ. Lagrange. Ήθελε πίσω τα 17 εκατομμύρια του.
Αυτός ο πίνακας της Μάδεργουελ είναι πλέον μόνιμα σφραγισμένος «πλαστός» στην πλάτη. Την ίδια στιγμή, το ίδιο ταμείο τέχνης που επέμενε στην εμφάνιση αυτής της μάρκας, πριν από αυτό, επιβεβαίωσε την αυθεντικότητα του πίνακα. Φωτογραφία: Robert Caplin για τους New York Times
Οι δύο γυναίκες είπαν εν συντομία γεια, και μετά η Rosales στράφηκε στην πέμπτη τροποποίηση του συντάγματος των ΗΠΑ, η οποία δίνει σε έναν πολίτη το δικαίωμα να μην αυτοενοχοποιείται. Έκτοτε δεν έχουν επικοινωνήσει, σύμφωνα με τους δικηγόρους τους.
Είναι αδύνατο να πούμε τώρα αν ένα δικαστήριο ή μια ποινική έρευνα θα μπορέσει να δώσει μια πειστική απάντηση για το μυστήριο αυτών των έργων.
Η αυθεντικότητα είναι δύσκολο να επιβεβαιωθεί. Η χρονολόγηση με χρωστική θεωρείται γενικά μια αξιόπιστη μέθοδος, αλλά αυτό δεν είναι απαραίτητα το αποφασιστικό επιχείρημα. Για παράδειγμα, ο διευθύνων σύμβουλος της Golden Artist Colors, Mark Golden, του οποίου ο πατέρας Sam δημιούργησε πειραματικά χρώματα για καλλιτέχνες όπως ο Pollock, έχει δηλώσει την πεποίθησή του ότι ο πατέρας του δεν έφτιαξε ποτέ τα κίτρινα στον αμφίβολο πίνακα. Ωστόσο, σημείωσε ότι μεμονωμένα συστατικά αυτών των χρωστικών υπήρχαν πράγματι στα τέλη της δεκαετίας του 1940.
Σε ποινικές υποθέσεις, ο πήχης είναι ακόμη υψηλότερος. Η εισαγγελία πρέπει να αποδείξει ότι τα έργα της Rosales είναι πλαστά - και αυτό είναι όταν ακόμη και ειδικοί δεν συμφωνούν σε αυτό. Και αν είναι ψεύτικα, οι αρχές πρέπει να αποδείξουν ότι η κ. Rosales είχε εμπλακεί σε απάτη και δεν παραπλανήθηκε με τον ίδιο τρόπο.
Εν τω μεταξύ, ο πίνακας στο επίκεντρο της πολιτικής αγωγής, «Χωρίς τίτλο 1950», δεν υπερηφανεύεται πλέον για τη θέση του στον τοίχο στο σαλόνι του κυρίου Lagrange. Ο πίνακας 15" επί 28" έχει μείνει ορφανός στον κόσμο της τέχνης και βρίσκεται σε ένα είδος καλλιτεχνικής κόλασης. Και την περιμένει είτε να την ανεβάσουν στους ουρανούς ως αριστούργημα, είτε να τη δυσφημήσουν ως ψεύτικη.
Patricia Cohen, The New York Times
Μετάφραση από το πρωτότυπο στα ουκρανικά:ΚΕΙΜΕΝΑ , πρωτότυπο"Κατάλληλο για μήνυση" Από PATRICIA COHEN Δημοσίευση: 22 Φεβρουαρίου 2012
Σήμερα, υπάρχουν πολλοί περίεργοι άνθρωποι που δίνουν δεκάδες εκατομμύρια δολάρια για κάτι που σε έναν συνηθισμένο άνθρωπο σαν εμένα φαίνεται ξεκάθαρο σκαρίφημα). Σε κάθε περίπτωση, προτείνω να γνωριστούμε με τους δέκα πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο αυτή τη στιγμή!
Σε κάποιον θα αρέσουν, σε κάποιον δεν θα καταλάβει τέτοια τέχνη, αλλά το ότι υπήρξαν άνθρωποι που ήταν έτοιμοι να δώσουν πολλά χρήματα γι' αυτούς είναι αδιαμφισβήτητο γεγονός.
Οπότε το νούμερο 10 στη λίστα οι πιο ακριβοί πίνακεςΈχουμε το δεύτερο πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer του Gustav Klimt, που πουλήθηκε για 89,1 εκατομμύρια δολάρια. Λίγο ιστορία. Το 1912, ο Αυστριακός καλλιτέχνης Gustav Klimt ζωγράφισε ένα πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer II - της συζύγου του Ferdinand Bloch-Bauer, ενός πλούσιου βιομήχανου εκείνης της εποχής που χορηγούσε διάφορα είδη τέχνης, συμπεριλαμβανομένου του ίδιου του Gustav Klimt. Η Adele Bloch-Bauer ήταν η Το μόνο μοντέλο που ζωγράφισε ο Κλιμτ δύο φορές - εμφανίζεται επίσης στο Πρώτο Πορτρέτο της Αντέλ Μπλοχ-Μπάουερ. Προφανώς ο Ferdinand υποστήριξε καλά τον καλλιτέχνη.)
9η θέση - μια αυτοπροσωπογραφία του Βίνσεντ Βαν Γκογκ, για την οποία πληρώθηκαν 90,1 εκατομμύρια δολάρια στη δημοπρασία. Γενικά, στον Δανό Βαν Γκογκ άρεσε να ζωγραφίζει αυτοπροσωπογραφίες - και όλα μαζί με τα περίφημα "Ηλιοτρόπια", είναι δημοφιλείς και είναι οι πιο διάσημοι πίνακές του. Συνολικά, ζωγράφισε περισσότερες από 12 αυτοπροσωπογραφίες από το 1886 έως το 1889.
Στην 8η θέση - ο πίνακας "Dora Maar με ένα γατάκι" του Pablo Picasso, η τιμή του οποίου ήταν 97 εκατομμύρια δολάρια. Ο πίνακας, ζωγραφισμένος το 1941, απεικονίζει την Κροάτη ερωμένη του Πικάσο, Ντόρα Μάαρ, καθισμένη σε μια καρέκλα, με ένα γατάκι στον ώμο της (αν και μοιάζει περισσότερο σαν το γατάκι να περπατά ακόμα στην πλάτη της καρέκλας). Όταν είδα αυτή την εικόνα, ξαφνικά συνειδητοποίησα ότι τα γατάκια του Πικάσο ήταν τα καλύτερα))
Την 7η θέση καταλαμβάνει και πάλι ένας πίνακας του Βαν Γκογκ, μόνο που αυτή τη φορά δεν είναι αυτοπροσωπογραφία) Ο αγοραστής έπρεπε να πληρώσει 97,5 εκατομμύρια δολάρια για τον πίνακα "Irises", αλλά τουλάχιστον μοιάζει λίγο πολύ με πίνακα - εγώ Δεν θα μετανιώσω ούτε 10 δολάρια για αυτό! Πρόκειται για ένα από τα πρώτα έργα του Βαν Γκογκ, που έγραψε ο ίδιος κατά την παραμονή του στο νοσοκομείο του St. Paul de Mousol στη γαλλική επαρχία Sanremo ένα χρόνο πριν από το θάνατό του το 1890
Στην 6η γραμμή - Πάλι ο Πικάσο) Φαίνεται ότι αποφάσισαν να «μετρήσουν» με τον Βαν Γκογκ =) Σε κάθε περίπτωση, για τον πίνακα του Πάμπλο Πικάσο «Αγόρι με σωλήνα» από την προσωπική συλλογή του Τζον Χέι Γουίτνεϊ στη δημοπρασία του Sotheby's στη Νέα Υόρκη, 5 Μαΐου 2004, έδωσε 104,1 εκατομμύρια δολάρια σε τιμή εκκίνησης 70 εκατομμύρια δολάρια. Ωστόσο, πολλοί ιστορικοί τέχνης πιστεύουν ότι μια τόσο υψηλή τιμή ήταν πιο πιθανό να συνδεθεί με το μεγάλο όνομα του καλλιτέχνη παρά με την πραγματική ιστορική αξία της ζωγραφικής του.
5η θέση, θα λέγαμε, ο ισημερινός της λίστας οι πιο ακριβοί πίνακες, καταλαμβάνεται από τον Pierre-August Renoir με τον πίνακα “Ball at Montmartre”. Την εποχή της πώλησης, αυτός ο πίνακας, μαζί με το «Πορτρέτο του Δρ. Γκασέ» του Βαν Γκογκ, ήταν ο πιο ακριβός πίνακας που πουλήθηκε ποτέ - και οι δύο ανήκαν στον Ιάπωνα βιομήχανο Σάιτο. Μια ενδιαφέρουσα ιστορία συνδέεται μαζί του - γεγονός είναι ότι ο Σάιτο κληροδότησε μετά τον θάνατό του (και συνέβη το 1991) να αποτεφρώσει αυτούς τους δύο πίνακες μαζί του, γεγονός που προκάλεσε ένα κύμα αγανάκτησης σε όλο τον κόσμο. Ωστόσο, οι σύντροφοί του αποφάσισαν να κάνουν διαφορετικά και, αντιμέτωποι με την απειλή της χρεοκοπίας, πούλησαν τον Renoir στον Sotheby's για 122,8 εκατομμύρια δολάρια - ο αγοραστής ήθελε να παραμείνει ανώνυμος, αλλά υποτίθεται ότι ο πίνακας βρίσκεται τώρα στην Ελβετία.
Στην 4η θέση - πάλι ο Βαν Γκογκ, με το προαναφερθέν "Πορτρέτο του γιατρού Γκασέ". Στην πραγματικότητα, υπάρχουν δύο εκδοχές αυτού του πίνακα, και οι δύο ζωγραφισμένες το 1890, τους τελευταίους μήνες της ζωής του καλλιτέχνη - και στις δύο ο γιατρός κάθεται στο τραπέζι, ακουμπώντας το κεφάλι του στο δεξί του χέρι, αλλά η διαφορά μεταξύ τους μπορεί να φαίνεται ακόμη και με γυμνό μάτι. Αυτός ο πίνακας πουλήθηκε για 129,7 εκατομμύρια δολάρια.
Αναφέραμε ήδη τον πίνακα, ο οποίος βρίσκεται στο "χάλκινο", τρίτο βήμα της λίστας μας στην αρχή - αυτό είναι το "Πρώτο πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer" του Gustav Klimt. Όπως μπορείτε να δείτε, αυτό το πορτρέτο αποδείχθηκε καλύτερο και πιο ακριβό) Ζωγραφίστηκε το 1907 και, σύμφωνα με πληροφορίες από εξειδικευμένες πηγές, πουλήθηκε το 2006 στον ιδιοκτήτη της γκαλερί της Νέας Υόρκης Neue Galerie Ronald Lauder για 135 εκατομμύρια δολάρια, το οποίο έκανε τον πίνακα τον πιο ακριβό ποτέ ή πούλησε εκείνη την εποχή
Στη δεύτερη θέση είναι ένα παντελώς ακατανόητο για μένα ντύσιμο που ονομάζεται «Γυναίκα 3» από τον αφηρημένο εξπρεσιονιστή Willem de Kooning, αν και αν κοιτάξετε τον ίδιο τον καλλιτέχνη και τους άλλους πίνακές του, μπορείτε βασικά να πείτε ότι αυτό είναι το στέμμα του. έργο))) "Γυναίκα 3" είναι ένας από τους έξι πίνακες του καλλιτέχνη, στους οποίους το κεντρικό θέμα είναι, παραδόξως, μια γυναίκα) Ο καμβάς 170 επί 121 εκ. ζωγραφίστηκε το 1953 και τον Νοέμβριο του 2006 πουλήθηκε από τον David Geffen στον Ο δισεκατομμυριούχος Stephen Cohen για 137,5 εκατομμύρια δολάρια, καθιστώντας τον τον δεύτερο πιο ακριβό πίνακα στον κόσμο που πωλήθηκε ποτέ.
Πρώτος στη λίστα λοιπόν “Οι πιο ακριβοί πίνακες στον κόσμο”αυτή τη στιγμή είναι το «Νο. 5, 1948», γραμμένο από τον Τζάκσον Πόλοκ, έναν Αμερικανό καλλιτέχνη που συνέβαλε σημαντικά στο κίνημα του αφηρημένου εξπρεσιονισμού. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε σε ένα φύλλο ινοσανίδας 2,5 x 1,2 μέτρων εφαρμόζοντας μια μικρή ποσότητα καφέ και κίτρινων πιτσιλιών στην κορυφή, που έκαναν τον πίνακα να μοιάζει με μια τεράστια φωλιά. Αυτό το αριστούργημα του Πόλοκ πουλήθηκε για το ρεκόρ των 142,7 εκατομμυρίων δολαρίων.
lifeglobe.net/entry/1228
Βλέποντας μερικούς από τους πίνακες που πωλούνται σε δημοπρασία σήμερα, θέλω να κλάψω. Κλάψε, γιατί αυτοί οι καμβάδες μοιάζουν με παιδικό μαντρί, αλλά στέκονται σαν βίλα στο Μαϊάμι. Ήρθε η ώρα να παρουσιάσουμε τα πιο ακριβά παράλογα αριστουργήματα που έχουν αποχωρήσει από τη δημοπρασία για εκατομμύρια δολάρια.
«Πράσινο και Λευκό» του Έλσγουορθ Κέλι - 1,6 εκατομμύρια δολάρια
blogspotΑυτός δεν είναι απλώς ένας οδοντωτός πράσινος κύκλος σε λευκό φόντο. Αυτό είναι ένα παράδειγμα ζωγραφικής, όπου το κύριο αντικείμενο είναι το ίδιο το χρώμα. Αυτή η δημιουργία αγοράστηκε σε δημοπρασία Christie's στη Νέα Υόρκη το 2008.
Στην πραγματικότητα, στους υπόλοιπους πίνακες του καλλιτέχνη δεν θα βρείτε περίπλοκα μοτίβα και ρεαλιστικά τοπία - μόνο τις πιο απλές φιγούρες σε λευκό, μαύρο ή φωτεινό φόντο.
The Blue Fool, Christopher Wool - 5 εκατομμύρια δολάρια
pinterest Ο πίνακας βγήκε από τη δημοπρασία στον οίκο Christie's (Νέα Υόρκη) το 2010. Ο σύγχρονος Αμερικανός καλλιτέχνης Κρίστοφερ Γουλ προχώρησε πιο μακριά από τους συναδέλφους του και, εκτός από το «μπούκωμα» και το «σκαρίφημα», άρχισε να τοποθετεί επιγραφές με μεγάλα γράμματα σε καμβάδες.
Υπάρχει μεγάλη ειρωνεία στο γεγονός ότι ένα από τα πιο ακριβά έργα αυτής της σειράς ήταν ένας καμβάς με την επιγραφή "FOOL" (Fool).
«Η έννοια του χώρου. Waiting, Lucio Fontana — 12,8 εκατομμύρια δολάρια
πηγή: forbes Ο καμβάς με λευκή σχισμή πουλήθηκε στον οίκο Sotheby's του Λονδίνου το 2015. Ο καλλιτέχνης Lucio Fontana είναι γνωστός για τη «βάρβαρη» στάση του απέναντι στους καμβάδες του – τους έκοψε και τους τρύπησε αλύπητα. Αλλά το έκανε με τέτοιο τρόπο που αργότερα θα μπορούσε να δείξει την «ακρωτηριασμένη» εικόνα στον θεατή.
Για τον κύριο, οι κουλοχέρηδες του προσωποποιούσαν το ίδιο το άπειρο. «Όταν κάθομαι μπροστά σε μια από τις σχισμές μου και αρχίζω να το συλλογίζομαι, ξαφνικά νιώθω ότι το πνεύμα μου ελευθερώνεται. Νιώθω σαν ένα άτομο που έχει ξεφύγει από τα δεσμά της ύλης, ανήκοντας στην απέραντη έκταση του παρόντος και του μέλλοντος», είπε η Fontana.
Ζωγραφική «Περιστέρι αστέρι του Joan Miró 36,9 εκατομμύρια δολάρια
karenruimy Μία από τις πιο ακριβές παρτίδες της δημοπρασίας του Sotheby's, που πραγματοποιήθηκε στη βρετανική πρωτεύουσα το 2012. Αυτός είναι ο πρώτος πίνακας στη λίστα μας που φαίνεται να έχει ζωγραφιστεί. Τι ακριβώς;
Ο καμβάς δημιουργήθηκε από τον Ισπανό σουρεαλιστή καλλιτέχνη Joan Miro. Κάποτε, ο ζωγράφος λιμοκτονούσε, γι' αυτό και συχνά παρατηρούσε παραισθήσεις στους τοίχους. Ο δημιουργός μετέφερε τις εικόνες που είδε στους πίνακες. Τώρα οι πίνακές του πωλούνται για εκατομμύρια δολάρια.
Sleeping Girl του Roy Lichtenstein - 44,8 εκατομμύρια δολάρια
nytimes Το Sleeping Girl βγήκε στο σφυρί το 2012 στον οίκο Sotheby's στη Νέα Υόρκη. Για το έργο του Lichtenstein, που κάποτε αποκαλούνταν «ο χειρότερος καλλιτέχνης στην Αμερική» σήμερα δίνουν υπέροχα χρήματα.
Ο Roy Lichtenstein είναι γνωστός για τη δημιουργία πινάκων βασισμένων σε κόμικ: ο καλλιτέχνης απλά πήρε και ξανασχεδιάζει έργα άλλων, προσθέτοντας κάτι δικό του. Για αυτό έπρεπε να αντέξει τις επιθέσεις των κριτικών, αλλά αυτό τον έκανε και διάσημο. Πίνακες του Λιχτενστάιν εμφανίζονται συνεχώς στις λίστες με τους πιο ακριβούς πίνακες.
Χωρίς τίτλο, Cy Twombly - 69,6 εκατομμύρια δολάρια
gazeta Ο πίνακας πουλήθηκε στη δημοπρασία της Νέας Υόρκης του οίκου δημοπρασιών Christie's το 2014. Όταν ένα παιδί το ζωγραφίζει αυτό, είναι σκαρίφημα. Αλλά όταν το κάνει ένας καλλιτέχνης, είναι ένα αριστούργημα για το οποίο αξίζει να πληρώσεις τρελά χρήματα. Άλλα έργα του Twombly είναι όλα τα ίδια σκαριφήματα και είναι εξίσου απρεπώς ακριβά.
«Black Fire» του Μπάρνετ Νιούμαν - 84,2 εκατομμύρια δολάρια
bloomberg Αυτό το αριστούργημα πουλήθηκε στον οίκο Christie's στη Νέα Υόρκη το 2014. Υπογραφή Barnett Newman - κάθετες γραμμές, οι οποίες έχουν το παρατσούκλι "κεραυνός".
Άλλοι πίνακες του πλοιάρχου διαφέρουν από αυτόν που παρουσιάζεται παραπάνω, εκτός ίσως από το χρώμα, αλλά στο πλάτος αυτών των κεραυνών. Οι τιμές για τους πίνακες του καλλιτέχνη αυξάνονται από δημοπρασία σε δημοπρασία.
«Πορτοκαλί, Κόκκινο, Κίτρινο» του Μάρκο Ρόθκο - 86,9 εκατομμύρια δολάρια
Αποτελεσματικότητα Δημοσίων Σχέσεων: «Λαμπρές» μούφες
Αν πιάσω ένα πινέλο και ζωγραφίσω κάποιο τοπίο ή πορτρέτο στον καμβά, τότε οποιοσδήποτε, κοιτάζοντας τη δουλειά μου, μπορεί να πει με ασφάλεια: τι χαζό! Και θα είναι σωστό, γιατί δεν μπορώ να σχεδιάσω. Ωστόσο, το ντύσιμό μου θα μπορούσε να πουληθεί για εκατομμύρια δολάρια αν είχα τη φήμη του μεγάλου καλλιτέχνη. Θεωρητικά, είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ότι οι άβαφτες, αλλά όχι λιγότερο τρομερές φωτογραφίες μου θα μπορούσαν να προωθηθούν ως μεγάλα έργα τέχνης και να πουληθούν για «τρελά λεφτά». Αλλά στην πραγματική ζωή, αυτό συνέβη περισσότερες από μία φορές - το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα και ολόκληρος ο 20ός αιώνας είναι ένας συνεχής θρίαμβος του ντόμπινγκ στην τέχνη.
Από τη στιγμή που γεννήθηκε η σύγχρονη ζωγραφική, πατέρας του οποίου θεωρείται ο Ιταλός Giotto di Bondone (1267-1337), και τους επόμενους αιώνες, η ικανότητα του καλλιτέχνη να εμφανίζει την πραγματικότητα σε οποιαδήποτε επιφάνεια κατάλληλη για σχέδιο (καμβάς, τοίχος ή μαυροπίνακας). ). Φωτογραφία δεν υπήρχε τότε, αλλά πολλοί ήθελαν να έχουν το δικό τους πορτρέτο ή μια εικόνα των συγγενών τους. Εκτιμήθηκαν επίσης η θέα στα γύρω δάση και τα χωράφια. Εξακολουθούμε να μας αρέσει να κρεμάμε αναπαραγωγές διαφόρων πινάκων στα διαμερίσματά μας και σε όποιον το επιτρέπει η υλική κατάσταση, μετά τα ίδια τα πρωτότυπα. Στο Μεσαίωνα, στους πλούσιους άρεσε επίσης να διακοσμούν τους τοίχους των σπιτιών και των κάστρων με πίνακες ζωγραφικής, και μερικοί από τους πλούσιους συγκέντρωναν τεράστιες συλλογές. Κάποιος το έκανε από αγάπη για τη ζωγραφική, άλλοι - για να βελτιώσει την κατάστασή τους.
Εκτός από τους πλούσιους, η εκκλησία χρειαζόταν και έργα τέχνης. Η Εκκλησία δεν χρειαζόταν πίνακες που απεικόνιζαν την πραγματική ζωή - χρειαζόταν βιβλικές σκηνές που θα έμοιαζαν με αληθινές - σαν φωτογραφίες πραγματικών γεγονότων (αν και τότε δεν είχαν ιδέα για φωτογραφίες). Οι άνθρωποι έπρεπε να πιστεύουν στον Χριστό, τη Μαρία, τους αποστόλους και άλλες θρησκευτικές προσωπικότητες, και για αυτό οι βιβλικοί χαρακτήρες έπρεπε να μοιάζουν με ζωντανούς ανθρώπους.
Ποια ήταν τα αιτήματα των πελατών - τέτοιες ήταν οι εικόνες. Τρελές ιδέες σκιαγραφημένες στον καμβά από ένα ανίκανο χέρι δεν ωφελούσαν κανέναν. Κανείς δεν θα αγόραζε ένα πορτρέτο του εαυτού του που δεν θα έμοιαζε με το πρωτότυπο, και πολύ περισσότερο ένα που, καταρχήν, δεν έμοιαζε με την εικόνα ενός ατόμου. Εκείνες τις μέρες, για να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο, χρειαζόταν ένας καλλιτέχνης που κατείχε την τέχνη του ζωγράφου. Μη όντας επαγγελματίας, δεν μπορούσες να πουλάς πίνακες και να βγάλεις τα προς το ζην. Εκείνοι που συνέλεγαν πίνακες δεν χρειάζονταν απλώς εκμαγεία πραγματικότητας - ήθελαν να αποκτήσουν αποκλειστικά πράγματα που κανείς δεν θα μπορούσε να επαναλάβει. Δηλαδή, ο καλλιτέχνης έπρεπε να προσθέσει κάτι δικό του σε μια ρεαλιστική εικόνα - ένα συγκεκριμένο μοναδικό στυλ, έτσι ώστε η εικόνα του να ξεχωρίζει ανάμεσα στον όγκο των προϊόντων χειροτεχνίας υψηλής ποιότητας. Θα μπορούσε να είναι μια μοναδική τεχνική όπως ο Leonardo da Vinci, μια καινοτόμος χρήση φωτός και σκιάς όπως ο Van Eyck, φανταστικές εικόνες όπως η Bosch ...
15-17 αιώνες στην Ευρώπη είναι η ακμή της παγκόσμιας ζωγραφικής. Μέχρι εκείνη τη στιγμή, στα οικονομικά ανεπτυγμένα κράτη της Ευρώπης (Βενετία, Φλωρεντία, Ολλανδία, Φλάνδρα, Γερμανία), εμφανίστηκε επαρκής αριθμός πελατών για πίνακες ζωγραφικής - χάρη σε αυτό, λάβαμε έναν ολόκληρο γαλαξία εξαιρετικών καλλιτεχνών, των οποίων τα έργα εξακολουθούν να κοσμούν τα πιο διάσημα μουσεία στον κόσμο. Μαζί με τέτοιους παγκοσμίως αναγνωρισμένους μεγάλους ζωγράφους της Αναγέννησης όπως ο Leonardo da Vinci, ο Raphael και ο Michelangelo Buonarroti, δούλεψαν πολλές δεκάδες ακόμη εξίσου εξαιρετικοί καλλιτέχνες: οι Ολλανδοί Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul. Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, οι Ιταλοί Giorgione, Titian, Correggio, Caravaggio, οι Γερμανοί Albrecht Dürer, Hans Holbein Jr., ο Ισπανός Diego Velazquez... Όλοι τους είχαν έναν πρωτότυπο τρόπο απεικόνισης της πραγματικότητας, αλλά στο Ταυτόχρονα τους ένωνε το γεγονός ότι όλοι έγραψαν εξαιρετικά αποκλειστικά ρεαλιστικές εικόνες. Ρεαλιστικό όχι σύμφωνα με την πλοκή - οι ίδιες βιβλικές εικόνες δεν ήταν ποτέ έτσι. Ρεαλιστικό - από την ομοιότητα που απεικονίζεται με την πραγματική ζωή. Κανείς δεν ζωγράφισε κανέναν κύβο ή τετράγωνο - υποτίθεται ότι έτσι βλέπει τον κόσμο, αφού «αριστουργήματα» σε παρόμοιο στυλ δεν θα έβρισκαν τον αγοραστή τους. Οι πελάτες των πινάκων εκείνη την εποχή ήταν απλοί άνθρωποι - όπως ο δικός μας Νικήτα Χρουστσόφ. Υπάρχει μια ιστορία που ρώτησε κάποτε για έναν από τους πίνακες σε μια έκθεση αφαιρετικών: «Τι γάιδαρος είναι αυτός;». Σημειώνω ότι όσον αφορά τους πίνακες του Ραφαήλ ή του Κορρέτζιο, κανείς δεν είπε ποτέ κάτι τέτοιο, συμπεριλαμβανομένου του Χρουστσόφ - όποιος έχει όραση καταλαβαίνει τι απεικονίζεται πάνω τους: Μαντόνες με τη μορφή όμορφων γυναικών και όχι κάποιες τρομερές και ακατανόητες πλάσματα όπως στους πίνακες του Πικάσο . Κάθε εξαιρετικός καλλιτέχνης ήταν καινοτόμος κατά κάποιο τρόπο, αλλά όλες οι καινοτόμες τεχνικές στη ζωγραφική είχαν νόημα μόνο εάν ο καλλιτέχνης μπορούσε να απεικονίσει επαρκώς τη ζωή σε όλες τις εκφάνσεις της. Η καινοτομία στην εικόνα χρησιμοποιήθηκε για χάρη του ρεαλισμού και όχι από μόνη της. Μπορούμε να πούμε ότι οι ζωγράφοι προσπάθησαν να εργαστούν σαν οικοδόμοι - κάθε σπίτι πρέπει να έχει θεμέλιο, τοίχους και στέγη, και όλα τα πειράματα επιτρέπονταν μόνο σε αυτό το πλαίσιο.
Ως επαγγελματίες, οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης έφτασαν στην κορυφή της ζωγραφικής. Και μπορούμε να πούμε με ασφάλεια ότι είναι αδύνατο να ξεπεράσουμε τον Ραφαέλ ή τον Βαν Άικ - μπορούν μόνο να επαναληφθούν. Ή δημιουργήστε κάτι δικό σας, το οποίο γίνεται όλο και πιο δύσκολο με τα χρόνια. Ήδη τον 17ο αιώνα υπήρχαν λιγότεροι εξαιρετικοί καλλιτέχνες από τον 16ο αιώνα και τον 18ο μπορούν να μετρηθούν στα δάχτυλα. Στο φόντο των δασκάλων της Αναγέννησης, είναι εξαιρετικά δύσκολο να ξεχωρίσεις - αυτό είναι το υψηλότερο επίπεδο δεξιοτήτων, το οποίο, κατ 'αρχήν, μόνο λίγοι μπορούν να επιτύχουν.
Και σε ένα τέτοιο υπόβαθρο, όταν υπάρχουν πολλοί τεχνίτες και υπάρχουν λίγοι εξαιρετικοί δάσκαλοι, μια πραγματική επανάσταση λαμβάνει χώρα στον κόσμο της τέχνης - "μεγάλοι καλλιτέχνες" άρχισαν να δημιουργούνται τεχνητά. Αυτό ήταν δύσκολο να γίνει στον Μεσαίωνα.- χωρίς τα μέσα ενημέρωσης, οι τεχνολογίες δημοσίων σχέσεων είναι αναποτελεσματικές, καθώς οι πληροφορίες πρέπει να μεταδίδονται μέσω φημών που τις διαστρεβλώνουν. Ειδικά όταν πρόκειται για τη διάδοση πληροφοριών σε μεγάλες αποστάσεις. Μόνο τα ΜΜΕ μπορούν γρήγορα και αποτελεσματικά να δημιουργήσουν και να εισάγουν στη μαζική συνείδηση την εικόνα οποιουδήποτε αντικειμένου (προϊόντος, μάρκας) ως ιδανικό και απαραίτητο στη ζωή. Δεν είναι τυχαίο ότι όταν, στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, ο Τύπος άρχισε να διαδραματίζει όλο και πιο σημαντικό ρόλο στη ζωή των κρατών της Δυτικής Ευρώπης, που είχαν ήδη εισέλθει στην εποχή της βιομηχανικής επανάστασης, τότε «μεγάλοι καλλιτέχνες νέου τύπου» άρχισε να εμφανίζεται. Με άλλα λόγια - muffins.
Ποιος ανακατευθύνει συγκεκριμένα τους αγοραστές ζωγραφικής σε άμεσες επιχρίσματα; Είναι πολλά από αυτά. Βασικά, πρόκειται για ανθρώπους που ασχολούνταν με την κριτική τέχνης στα ΜΜΕ, καθώς και για εκείνους που διοργάνωσαν εκθέσεις. Για παράδειγμα, ο κριτικός Roger Fry «ξέπλυνε» τους μετα-ιμπρεσιονιστές, ο Γάλλος Guillaume Apollinaire προωθούσε τα προϊόντα του Matisse και του Picasso στους καταναλωτές. Αλλά ακόμα πιο σημαντικό για την αγορά ζωγραφικής ήταν το γεγονός ότι όλο και περισσότεροι πλούσιοι συλλέκτες εμφανίζονταν στον κόσμο - ειδικά στο δεύτερο μισό του 20ού αιώνα. Σε συνθήκες που πραγματικά εξαιρετικά έργα τέχνης βρίσκονται σε κρατικά μουσεία ή ανήκουν σε εκκλησίες που δεν πωλούν τα αριστουργήματά τους για κανένα χρήμα, γιατί να συλλέγουμε συλλογές; - Από ό,τι θεωρείται μόδα. Ό,τι έγινε μόδα το απέκτησαν οι αγοραστές.
Και πώς δημιουργήθηκε η μόδα για αυτόν ή τον άλλον «ζωγράφο»; Βασικά, όλα ξεκίνησαν με ένα σκάνδαλο. Στα τέλη του 19ου αιώνα, η απλή επίδειξη μιας τρομερής μπουτονιέρας στο κοινό υπό το πρόσχημα των έργων τέχνης σήμαινε δημόσιο σκάνδαλο. Ήταν μια πραγματική πρόκληση για την κοινωνία. Οι άνθρωποι, βλέποντας "τέτοια", ήταν αγανακτισμένοι, όλα αυτά αναβλήθηκαν στον Τύπο και τα μποέμ μέρη, η φήμη του συγγραφέα και των έργων του μεγάλωσε - και έτσι εμφανίστηκε η μόδα για αυτόν ή τον άλλο χαρακτήρα. Πρώτα, σε στενούς κύκλους, και μετά, αν είστε τυχεροί, τότε το ευρύ κοινό έμαθε για την εμφάνιση ενός νέου «μεγάλου ζωγράφου». "Αν μιλούν για σένα, τότε υπάρχεις" - αυτός είναι ο βασικός κανόνας του PR. Αν γίνεις διάσημος, τότε τουλάχιστον κάποιος θα αγοράσει τους πίνακές σου - ανεξάρτητα από την καλλιτεχνική τους αξία. Μόλις οι μέτριοι άνθρωποι σε ένα μποέμ περιβάλλον κατάλαβαν αυτό το πάνελ - αυτό είναι επίσης ένα καυτό εμπόρευμα, έτσι τέτοιοι πίνακες κυριολεκτικά σάρωσαν την αγορά. Πολλά υπέροχα μούφες στο μέλλον ξεκίνησαν με ρεαλιστικούς πίνακες, αλλά μετατράπηκαν σε επίχρισμα με τον καιρό. Και μερικοί δεν χρειαζόταν να αλλάξουν τίποτα - αρχικά δεν ήξεραν πως να ζωγραφίσω.
Σε διαφορετικές περιόδους, υπήρχε μια μόδα για μια καλλιτεχνική κατεύθυνση, μετά για μια άλλη - ιμπρεσιονισμός, μετα-ιμπρεσιονισμός, αφαιρετικότητα, κυβισμός, εξπρεσιονισμός .... Και η μόδα είναι η κύρια μηχανή του εμπορίου. Μόλις ο «καλλιτέχνης» έγινε επωνυμία - από τότε ό,τι παρήχθη με αυτό το εμπορικό σήμα «πουλήθηκε σαν ζεστά κέικ». Δεν είχε σημασία τι ακριβώς ζωγράφισε αυτός ή εκείνος ο «καλλιτέχνης» - η βιομηχανία της μόδας λειτουργεί σύμφωνα με διαφορετικούς νόμους από τη βιοτεχνία. Η μόδα για αυτό ή εκείνο το μούφα, φυσικά, δεν προέκυψε αμέσως και στην αρχή οι «δάφνες» με τη μορφή τεράστιων χρημάτων δεν πήγαν στους ίδιους τους καλλιτέχνες, αλλά στους αγοραστές έργων ζωγραφικής. Τα τρελά χρήματα που άρχισαν να πληρώνονται για μοντέρνα νταμπλ σε δημοπρασίες εμφανίστηκαν μόλις στα τέλη του δεύτερου μισού του 20ου αιώνα. Ένας τεράστιος αριθμός ανθρώπων με εύκολο χρήμα που αποκτήθηκε στις παγκόσμιες χρηματοπιστωτικές αγορές, καθώς και κατά τη λεηλασία της κρατικής περιουσίας στη Ρωσία, απλά δεν ήξεραν πού να τους βάλουν - ως αποτέλεσμα, τυχόν περιττώματα αλειμμένα σε καμβά έγιναν ένα εξαιρετικά καυτό εμπόρευμα .
Με ποιον ξεκίνησε ο θρίαμβος του νταμπινγκ στην τέχνη;Τον δρόμο για τους ιμπρεσιονιστές και τους κυβιστές άνοιξε ο Άγγλος Τζόζεφ Τέρνερ, ο οποίος «δημιούργησε» στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα. Η μόνη του αξία ως καλλιτέχνης ήταν ότι δεν ήταν πολύ καλός στη ζωγραφική τοπίων. Είχε επίσης σχεδόν καλούς πίνακες, αλλά έγινε γνωστός για τις ειλικρινείς επιχρίσεις, όπως ο καμβάς «Πλέοντας στη Βενετία». Εάν η Βενετία ήταν η ίδια όπως στην εικόνα του, τότε σχεδόν κανείς δεν θα είχε πλεύσει σε αυτήν καθόλου ... Ο Τέρνερ κάποτε απλά συγκλόνισε το κοινό, χάρη στο οποίο έγινε διάσημος. Υπάρχει μια καρικατούρα του - ο Turner στέκεται μπροστά σε έναν πίνακα με ένα πινέλο (το οποίο χρησιμοποιήθηκε για να ζωγραφίσει φράχτες εκείνη την εποχή) και ζωγραφίζει κάτι ...
Ο Γάλλος Edgar Degas πήρε τη σκυτάλη στη συνέχεια - ήξερε να σχεδιάζει και μερικές φορές έκανε υπέροχες εικόνες, αλλά για κάποιο λόγο ο Edgar σχεδιάστηκε για να ζωγραφίσει τις πιο άσχημες γυμνές γυναίκες που ετοιμάζονταν να πλυθούν, να πλυθούν ή απλώς να τελειώσουν τις διαδικασίες νερού. .. - Για τέτοια σχέδια, αποβάλλονται από 1 μάθημα σχολής τέχνης λόγω ανικανότητας, αλλά ο Ντεγκά έγινε δημοφιλής σε μεγάλο βαθμό χάρη σε αυτά.
Στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα, ο αριθμός των μάφιν άρχισε να αυξάνεται δραματικά.
Αυτή την περίοδο δημιουργούν οι «μεγάλοι ιμπρεσιονιστές» Κλοντ Μονέ (που δεν πρέπει να συγχέεται με τον διάσημο καλλιτέχνη Εντουάρ Μανέ) και ο Ογκίστ Ρενουάρ. Ο Ρενουάρ ήξερε πώς να ζωγραφίζει, αλλά αυτός, όπως και ο Ντεγκά, συχνά τον έφερναν σε απροκάλυπτη διαμάχη. Ο Μονέ αρχικά προσπάθησε επίσης να γίνει πραγματικός καλλιτέχνης, αλλά συνειδητοποίησε ότι δεν θα τα καταφέρει - ως αποτέλεσμα, μπορεί να ονομαστεί ένας από τους πιο εντυπωσιακούς συνεχιστές του έργου του Τζόζεφ Τέρνερ - τα τοπία του Μονέ είναι σχεδόν εξίσου τρομερά με αυτά του προκατόχου του.
Το κύριο «αριστούργημά» του είναι το «Καθεδρικός Ναός της Ρουέν, δυτική πρόσοψη στο φως του ήλιου» - ένα τυπικό παιδικό νταμπλ. Ο Μονέ καθήλωσε πολλά έργα σε αυτό το «στυλ» και όλα εξακολουθούν να είναι δημοφιλή: τα «Νούφαρα» (χωρίς όνομα δεν αναγνωρίζετε αμέσως ότι αυτά είναι κρίνα στο νερό ...) βγήκε σε δημοπρασία για 36,7 εκατομμύρια δολάρια (2007. ), Γέφυρα Waterloo (φωτογραφία παρακάτω) πωλήθηκε για 35,9 εκατομμύρια δολάρια (2007),
«Λίμνη με νούφαρα…» (σε σύγκριση με τη «Γέφυρα του Βατερλό» μπορεί να ονομαστεί ακόμη και πίνακας) - για 33 εκατομμύρια δολάρια (1998). Η εφημερίδα Times το 2009 διεξήγαγε μια έρευνα μεταξύ των αναγνωστών, τα αποτελέσματα της οποίας καθόρισαν τους πιο δημοφιλείς καλλιτέχνες του 20ου αιώνα - ο Claude Monet πήρε την 4η θέση!
Στο γύρισμα του αιώνα, οι μετα-ιμπρεσιονιστές ασχολήθηκαν επίσης: Βίνσεντ βαν Γκογκ, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Ποιος από αυτούς ήταν ο «μεγαλύτερος» ή, με άλλα λόγια, ο πιο μοδάτος καλλιτέχνης της εποχής μας; Ο Σεζάν έχει τουλάχιστον έναν πίνακα που μπορεί να χαρακτηριστεί «ενδιαφέρων» - τον ζωγράφισε σε ηλικία 27 ετών. Έπειτα όλα πήγαν πολύ χειρότερα - χωρίς διαφωτισμό, ταμποναριστά μετά από ταμπλό. Σίγουρα πάντως δεν είναι ο «μεγαλύτερος». Οι τιμές για μερικούς από τους πίνακές του ανέρχονται σε δεκάδες εκατομμύρια δολάρια (το πιο ακριβό από αυτά - το "Still Life with a Jug and Drapery" αγοράστηκε για 60,5 εκατομμύρια δολάρια (!), Αλλά η δημοτικότητα των έργων του μεταξύ των συλλεκτών είναι ξεκάθαρα κατώτερο από τη δημοτικότητα των έργων του Γκογκέν, και ακόμη περισσότερο του Βαν Γκογκ Αλλά οι αναγνώστες των Times έβαλαν τον Σεζάν στη 2η θέση μεταξύ των καλλιτεχνών του 20ου αιώνα!
Ο ψυχικά άρρωστος Βαν Γκογκ ζωγράφιζε ως ένα άτακτο αγόρι 5-7 ετών που δεν μεγάλωσε ποτέ. Κάποτε νοσηλευόταν σε ψυχιατρική κλινική, αλλά αυτό δεν βοήθησε και σε ηλικία 40 ετών αυτοκτόνησε. Η βιογραφία του μοιάζει περισσότερο με βιογραφία ενός «μεγάλου καλλιτέχνη». Αυτό αποδεικνύεται από τις τιμές των έργων του - 40,3 εκατομμύρια δολάρια για ένα τρομερό πορτρέτο της Madame Ginoux, 40,5 εκατομμύρια δολάρια για τα «Ηλιοτρόπια», 47,5 εκατομμύρια δολάρια για την «Χωρική με ψάθινο καπέλο», 53, 9 εκατομμύρια δολάρια για τις Ίριδες, 57 δολάρια εκατομμύρια για το Cypress Wheat Field, 71 εκατομμύρια δολάρια για μια αυτοπροσωπογραφία και 82,5 εκατομμύρια δολάρια για τον Dr. Gachet. Αυτός ο Gachet, παρεμπιπτόντως, φρόντιζε τον Βαν Γκογκ λίγο πριν την αυτοκτονία του - μάλλον, ο «καλλιτέχνης» αποφάσισε να εκδικηθεί τον γιατρό για το έργο του με το χαρακτηριστικό πορτρέτο του.
Ο εραστής του Βαν Γκογκ, Γκωγκέν, ζωγράφιζε ως αγόρι λίγο μεγαλύτερο από το αγόρι του Βαν Γκογκ. Αυτό είναι ένα ξεκάθαρο μείον για τον ίδιο ως «μεγάλο καλλιτέχνη». Επιπλέον, ο Γκωγκέν δεν ήταν τόσο τρελός όσο ο Βαν Γκογκ, αν και υπάρχει ένα υπέροχο επεισόδιο στη βιογραφία του όταν ήρθε να επισκεφτεί τον Βαν Γκογκ και τελικά του έκοψε το αυτί - αυτός είναι πραγματικά ένας βαρύς ισχυρισμός για το «μεγαλείο»! Ωστόσο, η ζήτηση για τους πίνακες του Γκογκέν δεν είναι τόσο μεγάλη όσο για τον Βαν Γκογκ - μόνο μερικοί από τους πίνακές του έχουν πουληθεί για περισσότερα από 30 εκατομμύρια δολάρια.
Ο σχεδόν νάνος Τουλούζ-Λωτρέκ τρελαινόταν για τις άσχημες Γαλλίδες πόρνες, τις οποίες ενσάρκωσε στους όχι λιγότερο άσχημους πίνακές του.Αν κοιτάξετε την παρακάτω εικόνα με το υπό όρους όνομα "whores on inspection", θα έχετε μια ιδέα για τον δημιουργικό τρόπο του Toulouse-Lautrec.
Ήταν μάλλον μάστορας του σκίτσου, αλλά ποτέ δεν μπήκε στον κόπο να γράψει μια ολοκληρωμένη εικόνα. Σε σύγκριση με τον Γκωγκέν και τον Βαν Γκογκ, ο Τουλούζ-Λωτρέκ είναι εντελώς αντιδημοφιλής και ο Νορβηγός Μουνκ σαφώς δεν εξαρτάται από αυτούς, αν και η βιογραφία του είναι πολύ προσωπική: υπέφερε συνεχώς από τρομερή κατάθλιψη και υποβλήθηκε σε θεραπεία αρκετές φορές για ψυχικές διαταραχές. Αρκετοί από τους πίνακές του εμφανίζονται στη λίστα με τους «100 πιο ακριβούς πίνακες στην ιστορία», αλλά αυτό είναι όλο.
Αλλά ο Αυστριακός Gustav Klimt είναι πραγματικά ο μεγαλύτερος μετα-ιμπρεσιονιστής. Είναι τόσο δημοφιλής όσο ο Βαν Γκογκ και ο πιο ακριβός πίνακας του αγοράστηκε για 135 εκατομμύρια δολάρια! Και αυτό που προκαλεί έκπληξη για τον μεγάλο καλλιτέχνη του 20ου αιώνα - η εικόνα δείχνει μια γυναίκα με ανθρώπινο πρόσωπο! Όλος ο υπόλοιπος χώρος καταλαμβάνεται από ένα τυπικό ντύσιμο, αλλά το πρόσωπο αποδείχθηκε ρεαλιστικό. Και άλλοι πίνακες του Klimt, όπου απεικονίζονται άνθρωποι, είναι παρόμοιοι με αυτήν την εικόνα - τα ίδια πρόσωπα μεταξύ των "μετα-ιμπρεσιονιστών" νταμπλ.
Ο κόσμος σέβεται και τον Κλιμτ -3η θέση στους καλύτερους καλλιτέχνες του 20ου αιώνα- μόνο ο Πικάσο και ο Σεζάν είναι μπροστά.
Ας περάσουμε στον 20ο αιώνα. Όπως έγραψε η Wendy Beckett στο History of Painting, «δύο βασιλεύουν στην τέχνη του 20ου αιώνα - ο Henri Matisse και ο Pablo Picasso». Είναι δύσκολο να πει κανείς γιατί ακριβώς αυτά τα δύο, γιατί υπήρχαν εκατοντάδες τέτοιες μούφες, αλλά οι τρόποι της μόδας είναι ανεξιχνίαστοι. Ο Pablo, παρεμπιπτόντως, και σύμφωνα με δημοσκόπηση αναγνωστών των Times, κατέλαβε την 1η θέση.
Ο Ισπανός Πάμπλο Πικάσο ήξερε να σχεδιάζει, αλλά δεν ήθελε. Ήταν πολύ μακριά από το επίπεδο του Ντα Βίντσι (που δεν πιστεύει - κοιτάξτε τον πρώιμο πίνακα του "Boy with a Pipe" - όχι κακός, αλλά όχι εξαιρετικός), αλλά απλώς οι καλοί πίνακες ήταν ήδη άσχετοι στον 20ο αιώνα. Το Daubing γινόταν ολοένα και πιο μοντέρνο και ο Pablo αποφάσισε να πλεύσει κατ' εντολή των κυμάτων. Και τα κατάφερε υπέροχα!
Το 1907, ζωγράφισε τον πίνακα "Τα κορίτσια της Αβινιόν" - έγινε το πρώτο έργο στο κυβιστικό είδος. Στην αρχή, ο καλλιτέχνης ντρεπόταν να δείξει αυτό το ντύσιμο σε αγνώστους, κάτι που, γενικά, είναι κατανοητό: πέντε απολύτως τρομερά πλάσματα σε κοιτούν από την εικόνα και το να δείχνεις τέτοιες ανοησίες σε άλλους είναι σαν να λες δημόσια: Είμαι τρελός! Είμαι πλήρης ψυχολόγος! Ωστόσο, ο Πάμπλο τόλμησε να αποκαλύψει το «αριστούργημα» τουκαι δεν μάντεψε. Κανείς δεν τον έκρυψε σε νοσοκομείο και ο Πικάσο συνέχιζε να χαλάει τους καμβάδες. Εφάρμοσε στην πράξη το αξίωμα του διαλεκτικού υλισμού: η ποσότητα εξελίσσεται σε ποιότητα. Σε αυτή την περίπτωση, η φήμη. Ο Πικάσο ζωγράφιζε για περίπου 70 χρόνια και δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι έγινε ο πιο δημοφιλής μούφας της εποχής μας.
Το Portrait of Dora Maar (αγοράστηκε για 95,2 εκατομμύρια δολάρια σε δημοπρασία το 2006, φωτογραφία παραπάνω), Woman Seated in a Garden (49,5 εκατομμύρια δολάρια το 1999), Όνειρο (48,4 εκατομμύρια δολάρια το 1997), «Nude in a black chair» (45,1 εκατομμύρια δολάρια το 1999) - μπήκε στο «χρυσό ταμείο» του νταμπλ του 20ού αιώνα.
Υπήρχαν πολλοί ένδοξοι ζωγράφοι στον 20ο αιώνα - πολύ περισσότεροι από μεγάλοι καλλιτέχνες στην Αναγέννηση, κάτι που δεν προκαλεί έκπληξη: να σπάσει - να μην χτίσει, να χαλάσει καμβάδες - να μην ζωγραφίσει. Σε αυτόν τον τομέα σημειώθηκαν επίσης οι δικοί μας Vasya Kandinsky και Kazimir Malevich - αν και είναι εξαιρετικοί, δεν είναι σπουδαίοι μούφες για τα παγκόσμια πρότυπα. Φυσικά, οι Ρώσοι έχουν τη δική τους ιδιαίτερη πνευματικότητα, αλλά στο ντύσιμο, δεν εκδηλώθηκε και πολύ. Στα μέσα του 20ου αιώνα, ο Αμερικανός Pollack και ο Ολλανδός de Kooning, «αφηρημένοι εξπρεσιονιστές», άρχισαν να δίνουν τον τόνο σε αυτό.
Τα πάντα στον κόσμο μας είναι σχετικά και με φόντο τον Pollack και τα αδέρφια του, ακόμα και ο Monet ή ο Gauguin μοιάζουν με καλοί καλλιτέχνες. Οι κριτικοί τέχνης έχουν αποκαλέσει αυτόν τον υψηλότερο βαθμό επικάλυψης «αφηρημένο εξπρεσιονισμό» και θα έλεγα ότι αυτό είναι εντελώς παραφροσύνη! Οι πιο επιφανείς εκπρόσωποί της δεν ήταν μόνο οι προαναφερθέντες Willem de Kooning και Jackson Pollack, αλλά και ο Mark Rothko, Αμερικανός ρωσικής καταγωγής. Αυτά τα τρία είναι απλώς το απόγειο του μαραφέτι του 20ου αιώνα!
Αφηρημένος εξπρεσιονιστής είναι ένα άτομο που, καταρχήν, δεν σχεδιάζει. Ο Βαν Γκογκ ζωγράφιζε τουλάχιστον στο επίπεδο ενός 5χρονου παιδιού, αλλά ο Πόλακ δεν μπορούσε να φτάσει ούτε σε αυτό το επίπεδο. Για να παραθέσω το The History of Painting της Wendy Beckett: «Ο Πόλακ ήταν ο πρώτος που εγκατέλειψε το πινέλο, την παλέτα και όλες τις συμβάσεις της πλοκής. Χόρευε εκστασιασμένος στους καμβάδες απλωμένους στο πάτωμα, εντελώς βυθισμένος στη δημιουργικότητα, πιτσιλίζοντας και ρίχνοντας μπογιές υπό απόλυτο έλεγχο. «Η ζωγραφική», είπε, «έχει τη δική της ζωή. Προσπαθώ να την αφήσω». Δεν υπάρχει καν τίποτα να σχολιάσω εδώ - ο άντρας ήταν πολύ, πολύ άρρωστος. Η φωτογραφία του πίνακα του το επιβεβαιώνει.
Ο Mark Rothko είναι ακόμα χειρότερος καλλιτέχνης από τον Pollack. Θα πείτε ότι αυτό δεν μπορεί να είναι έτσι - εξάλλου, μόλις είπα ότι ο Pollak δεν μπορούσε να τραβήξει. Μπορεί! Οι πίνακες του Pollack έμοιαζαν τουλάχιστον με χαοτική ταπετσαρία, του Rothko είναι απλώς καμβάδες ζωγραφισμένοι με διαφορετικά χρώματα - για παράδειγμα, το πάνω μέρος είναι μαύρο και το κάτω μέρος είναι γκρι. Ή ακόμα πιο "εξαιρετική δουλειά" - στο κάτω μέρος είναι βυσσινί, στην κορυφή - κάποιο είδος σκούρου κίτρινου και στη μέση - λευκό.
Ο πίνακας ονομάζεται "White Center" και αγοράστηκε από τον Sotheby's το 2007. έναντι 72,8 εκατομμυρίων δολαρίων. - σχεδόν 73 εκατομμύρια για έναν κατεστραμμένο καμβά! Και αυτή, παρεμπιπτόντως, είναι η 12η θέση στη λίστα με τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο! Όμως ο πιο ακριβός πίνακας στον κόσμο σήμερα (2010) ανήκει στον Τζάκσον Πόλακ και ονομάζεται «Νο. 5» - πωλήθηκε το 2006 στον οίκο Sotheby's για 140 εκατομμύρια δολάρια! Ο δυτικός κόσμος δεν είναι μόνο γεμάτος με τρελούς καλλιτέχνες - υπάρχει ένας τεράστιος αριθμός τρελών εκατομμυριούχων. Οι απλοί άνθρωποι, παρεμπιπτόντως, δεν είναι επίσης πολύ υγιείς στη Δύση - σε δημοσκόπηση της εφημερίδας Times, ο Pollack κατέλαβε την 7η θέση μεταξύ των πιο δημοφιλών καλλιτεχνών του 20ου αιώνα.
Ο, όπως λένε, «αιώνιος αντίπαλος» του Βίλεμ ντε Κούνινγκ σε αυτή τη δημοσκόπηση έγινε 9ος. Θα τον έλεγα τον πιο αστείο από όλες τις μούφες. Ο πιο ακριβός πίνακας του Κούνινγκ, η Γυναίκα Νο. 3 (αγοράστηκε το 2006 για 137,5 εκατομμύρια δολάρια!) θα κάνει κάθε υγιή άνθρωπο να γελάσει δυνατά. Ακόμα πιο αστείο είναι η Γυναίκα με ποδήλατο.
Νομίζω ότι ο Willem είχε κάποια προβλήματα με τις γυναίκες, οπότε τις εκδικήθηκε διακριτικά.
Στο παράδειγμα των Pollack, Kooning και Rothko, βλέπουμε ξεκάθαρα σε τι έχει φτάσει η αγορά τέχνης σήμερα. Αν ζούσε ο Χρουστσόφ, θα έλεγε: μέχρι τέρας!
Έτσι, χάρη στη μαγική δύναμη του Pu blic σχέσεις Οι επιχρώσεις ορισμένων ψυχικά διαταραγμένων ατόμων αναγνωρίστηκαν ως εξαιρετικά έργα τέχνης και ίσα ίσα με τους καμβάδες των μεγάλων καλλιτεχνών της Αναγέννησης. Για πρώτη φορά, η δύναμη του PR εκδηλώθηκε τόσο ξεκάθαρα ακριβώς στην προώθηση των μούφες. Μέχρι τον 19ο αιώνα PR ενήργησε αποτελεσματικά μόνο στην πολιτική (η ιστορία και η θρησκεία εξυπηρετούσαν επίσης πολιτικούς στόχους και δεν μπορούν να θεωρηθούν μεμονωμένα από την πολιτική). Στην περίπτωση της αναγγελίας μέτριων μούφες ως λαμπρών καλλιτεχνών, συναντάμε φαινόμενο όταν PR διακρίθηκε στον χώρο της μόδας. Και ήταν τόσο αποτελεσματικό και διαρκές που ακόμη και τώρα, περισσότερο από έναν αιώνα αφότου μπήκε στη μόδα η μανία των μέτριων ψυχοπαθών, συναντάμε πολλούς ανθρώπους που πιστεύουν ειλικρινά ότι ο Βαν Γκογκ είναι ένας σπουδαίος καλλιτέχνης. Ακόμα περισσότερα εκατομμύρια γνωρίζουν ποιος είναι ο Βαν Γκογκ. Αρκετές εκατοντάδες πλούσιοι αδρανείς που δεν ξέρουν τι να κάνουν με τα χρήματά τους αγοράζουν μοντέρνα στολίδια σε δημοπρασίες. Όλοι οι άλλοι ακούνε για μια αγορά πολλών εκατομμυρίων δολαρίων νταμπλ και μετά για μια άλλη. Λοιπόν, δεν μπορούν να πληρώσουν 30 εκατομμύρια δολάρια για ειλικρινή περιττώματα, έτσι δεν είναι; - έτσι υποστηρίζει ο λαϊκός. - Μπορούν, ακόμα και όπως μπορούν... Το κυριότερο είναι να είναι της μόδας.
Θέλατε καιρό να δοκιμάσετε τις δυνάμεις σας στη ζωγραφική, αλλά δεν μπορούσατε να αποφασίσετε να πάρετε ένα πινέλο και μια παλέτα και να σταθείτε στο καβαλέτο; Πιστεύουν όλοι γύρω σας ότι οι δημιουργικές σας προσπάθειες είναι αξιολύπητες; Άρα είσαι χαμένος! Έτσι, μια επιλογή από πίνακες του Καναδού καλλιτέχνη Kim Dorland (Kim Dorland) θα σας χρησιμεύσει ως μια καλή παρηγοριά. Ή ίσως και έμπνευση.
Οι ειδικοί αποκαλούν το έργο του Ντόρλαντ "αφελή τέχνη", οι μοχθηροί κριτικοί - απρόσεκτοι μαρτυρίες και οι λάτρεις του πρωτότυπου ταλέντου πιστεύουν ότι οι πίνακες που δημιουργεί η Κιμ είναι ψυχολογικά και στυλιστικά απροσδόκητοι. Και αυτό είναι αλήθεια - κανείς δεν περιμένει αντί για τα υποσχόμενα τοπία και πορτρέτα να δει έναν καμβά σοβατισμένο με μπογιά, στον οποίο, επιπλέον, ο συγγραφέας δεν άφησε προσεγμένες πινελιές και γραμμές, αλλά τραχιά αυλάκια. Σαν ένα τρακτέρ οδήγησε μέσα από ένα γονιμοποιημένο και υγρό χωράφι ...
Η αρχή με την οποία ο Kim Dorland σχεδιάζει τους πρωτότυπους πίνακές του μπορεί να περιγραφεί με μια σύντομη φράση: «το κύριο πράγμα είναι να μην περιποιηθείς τη ζωγραφική». Άλλωστε, αν κοιτάξετε καλά, οι πίνακες είναι κυριολεκτικά γδαρμένοι σε ένα παχύ στρώμα λαδιού, με το οποίο ο συγγραφέας αλείφει απλόχερα τους καμβάδες του. Αποδεικνύεται ότι οι εικόνες δεν είναι ζωγραφισμένες, αλλά καλουπωμένες - σαν να ήταν γλυπτά.
Και ο καλλιτέχνης δεν προσπαθεί για ακρίβεια και ρεαλισμό. Δημιουργεί με ιδιαίτερο ύφος, ένα είδος παιδικής αφαίρεσης, αδιαφορώντας για τη διατήρηση των αναλογιών ή την παροχή όγκου στις εικόνες ή την αισθητική των καμβάδων. Φαίνεται ότι το κύριο καθήκον του συγγραφέα είναι όσο πιο περιστασιακά γίνεται, με το αριστερό του χέρι κάτω από το δεξί του γόνατο, να ρίξει μπογιά στον καμβά, να βάλει ένα λεκέ - αυτό είναι ζωγραφική!
Αν και, μπορεί κάλλιστα, μόνο σε εμάς, τους κατοίκους της πόλης, φαίνεται ότι είναι εύκολο και απλό να σχεδιάσουμε με αυτόν τον τρόπο. Εξάλλου, με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, και ο Kim Dorland συμμετέχει αρκετά συχνά σε εκθέσεις, οι πίνακές του παρουσιάζονται στις γκαλερί του Τορόντο, όπου ζει και εργάζεται και πουλάει με επιτυχία τα έργα του τόσο στον Καναδά όσο και στο εξωτερικό.
