Gambar dan biografi Chardin Jean Baptiste. Chardin, teknik Lukisan Jean Baptiste Simeon dan mata pelajaran baru

Jean-Baptiste Lamarck (1744-1829) naturalis, memperkenalkan istilah "biologi" Dalam segala hal yang dikerjakan alam, ia tidak melakukan apa-apa

Pierre Teilhard de Chardin (1881-1955), filsuf, teolog Mau tak mau, manusia kembali pada dirinya sendiri dan dalam segala hal yang dilihatnya, dia menganggap dirinya sendiri. Tidak ada masa depan bagi manusia, yang diharapkan sebagai hasil evolusi, di luar persatuannya dengan orang lain, kita mengenal diri kita sendiri dan

Teilhard de Chardin Pierre (1881-1955) - naturalis Prancis, anggota ordo Jesuit (1899), pendeta (sejak 1911), pemikir dan mistikus. Keturunan Voltaire, yang merupakan paman buyut dari ibu T. Penulis konsep "evolusionisme Kristen". Guru Besar Departemen Geologi

Jean Baptiste Simeon Chardin - seniman Prancis hebat abad ke-18. Ia menjadi terkenal sebagai master lukisan benda mati dan genre yang tak tertandingi. Karya Chardin memiliki pengaruh besar pada berkembangnya realisme di abad ke-18.

Pelukis Perancis Jean Baptiste Simeon Chardin lahir pada tahun 1699. Dia menjalani seluruh hidupnya di Paris, di kawasan Saint-Germain-des-Pres. Guru artis adalah Pierre Jacques Kaz (1676-1754) dan Noel Nicolas Coypel (1690-1734). Ia menjadi terkenal setelah "Pameran Debutan" pada tahun 1728, di mana ia mempresentasikan beberapa lukisannya. Kemudian dia diterima di Akademi sebagai "pelukis bunga, buah-buahan, dan adegan bergenre". Sezaman seniman, serta penikmat seni lukis di tahun-tahun berikutnya, selalu mengagumi kemampuan Chardin untuk melihat esensi objek dan menyampaikan warna dan corak yang lengkap. Ciri seniman ini memungkinkannya membuat kanvas yang sangat realistis dan dalam. Lukisannya bercirikan kehalusan emosional, elaborasi detail, kejelasan gambar, harmoni dan kekayaan warna. Tokoh utama potretnya adalah orang-orang biasa dari kelas tiga, yang sibuk dengan urusan sehari-hari.

Pada 1728, Jean-Baptiste Siméon Chardin diterima di Akademi Seni Paris. Dari 1737 dia menjadi peserta tetap di Salon Paris. Pada 1743 ia menjadi penasihat Akademi Seni, dan pada 1750 menjadi bendahara Akademi. Sejak 1765 ia menjadi anggota Akademi Ilmu Pengetahuan, Sastra, dan Seni Ruen Rouen. Artis Prancis yang hebat meninggal pada 6 Desember 1779. Setelah dirinya sendiri, Jean Baptiste Simeon Chardin meninggalkan warisan yang kaya. Lukisannya ada di museum besar di seluruh dunia, termasuk di St. Petersburg.

Apakah Anda seorang florist atau florist profesional? Semua aksesori yang diperlukan untuk pekerjaan Anda, Anda bisa. Banyak pilihan produk berkualitas dan beragam.

Lukisan Jean Baptiste Siméon Chardin dengan judul

Potret diri

Atribut seni dan penghargaan yang sesuai dengannya

Prasmanan

Pengasuh

Gadis membersihkan sayuran

Gadis dengan raket dan kok

Kenari

Rumah Kartu II

Anak laki-laki seks di ruang bawah tanah

Doa sebelum makan malam

Gelembung

Masih hidup dengan atribut seni

Masih hidup dengan anggur dan delima

Masih hidup dengan hewan buruan dan anjing pemburu

Penatu

penjaja

Pelayan yang Peduli

Juru gambar

Mangkuk perak

piala perak

ibu pekerja keras

Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) - Pelukis Prancis, salah satu seniman paling terkenal abad XVIII dan salah satu pewarna terbaik dalam sejarah seni lukis, terkenal dengan karyanya di bidang lukisan alam benda dan genre lukisan.

Biografi Jean Baptiste Siméon Chardin

Seorang murid dari Pierre-Jacques Caza dan Noel Coypel, Chardin lahir dan menghabiskan seluruh hidupnya di kawasan Paris Saint-Germain-des-Pres. Tidak ada bukti bahwa dia pernah bepergian ke luar ibu kota Prancis. Membantu Kuapel menampilkan aksesori dalam lukisannya, dia memperoleh seni luar biasa dalam menggambarkan segala jenis benda mati dan memutuskan untuk mengabdikan dirinya secara eksklusif pada reproduksinya.

Kreativitas Chardin

Dia dikenal sejak awal oleh publik Paris sebagai ahli benda mati yang luar biasa. Ini sebagian besar disebabkan oleh "pameran debutan" Paris, yang berlangsung di Place Dauphine. Maka, pada tahun 1728, ia mempersembahkan beberapa kanvas di sana, di antaranya adalah "Scat" yang masih hidup. Lukisan itu mengesankan Nicolas de Largillière, anggota kehormatan Akademi Seni Lukis dan Patung Prancis, sedemikian rupa sehingga ia mengundang seniman muda itu untuk memamerkan karya-karyanya di dalam tembok akademi.

Selanjutnya, pelukis itu bersikeras agar Chardin bersaing untuk mendapatkan tempat di Akademi. Sudah pada bulan September, pencalonannya diterima, dan dia terdaftar sebagai "penggambaran bunga, buah, dan adegan bergenre".

Menguasai dengan sempurna pengetahuan tentang hubungan warna, Chardin secara halus merasakan interkoneksi objek dan orisinalitas strukturnya.

Diderot mengagumi keahlian artis membuat Anda merasakan gerakan jus di bawah kulit buah. Dalam warna objek, Chardin melihat banyak corak dan menyampaikannya dengan guratan kecil. Warna putihnya ditenun dari corak serupa. Nada abu-abu dan coklat yang dimiliki Chardin sangat banyak. Menembus kanvas, sinar cahaya memberikan kejernihan dan kejernihan subjek.

Lukisan-lukisan lukisan bergenre, dibedakan oleh kesederhanaan kontennya yang naif, kekuatan dan keharmonisan warna, kelembutan dan kekayaan kuas, bahkan lebih dari karya-karya Chardin sebelumnya, menempatkannya di depan sejumlah seniman kontemporer dan memperkuat salah satunya. tempat terkemuka dalam sejarah lukisan Prancis. Pada 1728 ia ditugaskan ke Akademi Seni Paris, pada 1743 ia terpilih menjadi penasihatnya, pada 1750 ia menjabat sebagai bendahara; selain itu, sejak 1765 ia menjadi anggota Akademi Ilmu Pengetahuan, Sastra, dan Seni Ruen Rouen.

Dalam karya-karya dari tahun yang berbeda dan genre yang berbeda, seperti Laundress (1737), Jar of Olives (1760) atau Attributes of the Arts (1766), Chardin selalu tetap menjadi juru gambar dan pewarna yang hebat, seorang seniman dari "kehidupan yang tenang", seorang kehidupan sehari-hari penyair; tatapan dan tatapannya yang lembut membuat objek yang paling duniawi menjadi spiritual.

Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, Chardin beralih ke pastel dan menciptakan beberapa potret yang luar biasa (potret diri, 1775), di mana ia menunjukkan kehalusan emosional yang melekat, tetapi juga kemampuan analisis psikologis.

Ahli ensiklopedis melakukan banyak hal untuk menyebarkan ketenaran Chardin, yang membandingkan seni "borjuis" -nya dengan seniman istana yang "tercerabut dari rakyat" - ahli sketsa erotis dan pastoral dalam semangat rococo.

Diderot membandingkan keahliannya dengan ilmu sihir:

“Oh, Chardin, bukan cat putih, merah, dan hitam yang Anda giling di palet Anda, tetapi inti dari objek; Anda mengambil udara dan cahaya di ujung kuas Anda dan meletakkannya di atas kanvas!

Karya seniman

• Nyonya Chardin
• Masak membersihkan lobak
• Wanita tukang cuci
• kunci kartu
• Doa sebelum makan malam
• gadis membaca surat
• Atribut seni
• Masih hidup dengan kalkun
• Masih hidup dengan buah
• Masih hidup
• Tangki air tembaga
• ibu pekerja keras

Di kepala Chardin, galaksi master memasuki seni abad ke-18, menentang cerita yang tulus dan sederhana tentang sifat lukisan Rococo seremonial istana. Chardin bukan hanya pencipta benda mati dan pemandangan sehari-hari yang memuliakannya, tetapi juga salah satu pendiri konsep potret baru dalam lukisan Pencerahan Eropa. Dia adalah salah satu seniman Prancis pertama yang beralih ke jenis genre potret, yang merupakan tahapan penting dalam perkembangan seni lukis abad ke-18, seperti halnya genre realistik sehari-hari.

Karya Chardin, yang merupakan kebanggaan museum Eropa dan Amerika, memikat dengan kesederhanaan alam yang istimewa, kehangatan dan kemanusiaan yang disampaikan oleh senimannya. Kata-kata Chardin, dikatakan kepada salah satu orang sezamannya: “Siapa yang memberitahumu bahwa mereka melukis dengan cat? Mereka menggunakan warna, tetapi menulis dengan perasaan”, mengungkapkan pemahaman emosionalnya yang mendalam terhadap gambar (orang atau objek). Berkat ini, pemirsa ditarik ke dalam bidang penglihatan alam oleh seniman, yang diilhami oleh perasaannya. Tidak seperti yang lain, Chardin mampu mengungkapkan kepekaan yang meningkat dari zaman Pencerahan dalam kemampuan menemukan seluk-beluk dalam hal-hal yang paling umum. Dia adalah master pada masanya, yang motonya adalah kata-kata Denis Diderot bahwa seseorang harus "melihat ke dalam kenyataan dan tidak mencoba menghiasinya".

Ayah artis adalah seorang ahli tukang kayu, dan Chardin dibesarkan di lingkungan semi-artisan, semi-artistik. Saat belajar di studio pelukis terkenal (di mana, mungkin, dia hanya seorang asisten), P.Zh. Casa, N.N. Kuapel, J.B. Vanloo Chardin diperhatikan dan diundang untuk berpartisipasi dalam pemulihan mural Istana Kerajaan di Fontainebleau di bawah arahan Vanloo. Hampir bersamaan, dia melukis tanda yang ditugaskan oleh seorang ahli bedah Paris, yang menggambarkan kerumunan penonton jalanan berdiri di sekitar pria yang terluka itu. Adegan bergenre dengan kelucuannya menarik penonton yang melihatnya di pameran. Dua lukisan alam benda awal Chardin, Skate dan Buffet (keduanya 1728, Paris, Louvre), juga dicatat, di mana ia diterima sebagai anggota Akademi Seni Kerajaan Paris pada 1728. Dalam kedua lukisan tersebut, keindahan hal-hal sederhana tersampaikan secara puitis - peralatan ikan dan dapur berwarna perak dengan latar belakang kehijauan, dan piring-piring yang terbuat dari kaca gelap berdiri di atas taplak meja putih yang dikelilingi oleh buah-buahan yang berserakan. Unsur hiburan diperkenalkan oleh kucing yang mengintai ikan dan anjing menggonggong di meja dengan piring, seperti pada lukisan master Flemish dan Belanda. Namun, tidak seperti kehidupan barok seniman utara ini, sifat Chardin tidak terlihat begitu mengesankan dan diatur secara menguntungkan. Tentu saja, sang seniman sangat memikirkan setiap nuansa dalam penataannya, dan setiap kehidupan diam Chardin membuat Anda merasakan anugerah istimewanya dalam arti objektivitas dunia.

Seniman itu menghabiskan seluruh hidupnya di Paris, tanpa pergi kemana-mana. Pada 1724 ia menerima gelar kehormatan anggota Akademi Romawi St. Luke. Saat ini dia sudah dikenal sebagai ahli benda mati. Pada 1731, Chardin menikah dengan Françoise Marguerite Saintard, dan pada tahun yang sama putranya lahir. Dia tinggal di Paris, lebih suka menggambarkan orang-orang dari lingkarannya, tidak suka membuat karya atas perintah resmi, meskipun Frederick II, Catherine II, Gustav III, dan banyak perwakilan dari aristokrasi Eropa yang brilian berusaha untuk mendapatkan karyanya. Dari tahun 1730-an, Chardin beralih ke lukisan pemandangan sehari-hari dan potret bergenre, menciptakan banyak kanvas terbaiknya pada periode 1730-1740: Kembali dari Pasar (1739, Paris, Louvre), The Governess (1738, Ottawa , Galeri Nasional), "The Cook (Wanita Mengupas Sayuran)" (1738, Washington, Galeri Seni Nasional), "Ibu Pekerja Keras", "Doa Sebelum Makan Malam" (keduanya - 1740, Paris, Louvre). Chardin selalu mendatangi mereka dari gambaran motif kehidupan nyata, memberikan makna, memimpin cerita santai tentang peristiwa sehari-hari, tentang benda-benda yang berhubungan dengan lingkungan seseorang. Ketertarikan seniman pada karya-karya master Belanda abad ke-17 wajar dalam pencarian interpretasi alam yang hidup dan alami. Chardin sering mengulang adegan yang menggambarkan ibu membesarkan anak atau melakukan pekerjaan rumah tangga, sehingga banyak museum dan koleksi pribadi memiliki versi lukisan ini. Dalam memberikan kejujuran pada adegan, peran interior sangat bagus. Kuas master benda mati melukis sayuran, piring di atas meja, benda-benda berserakan di lorong. Mereka menceritakan tentang cara hidup warga negara biasa, orang-orang dari golongan ketiga, tempat seniman itu sendiri berada. Berbeda dengan warna cerah bercahaya pelukis genre Belanda, warna coklat, hijau, biru, dan putih yang mendominasi kanvas Chardin menambah pewarnaan yang tersembunyi.

Konsentrasi serius dalam melakukan sesuatu (membaca, bermain kartu atau pergi ke sekolah, meniup gelembung sabun, menggambar, menulis surat) juga dipanggil untuk menekankan objek yang mengelilingi model dalam potret bergenre ("House of Cards", 1741, "Young Guru", sekitar tahun 1740, keduanya - Washington, Galeri Seni Nasional; "Boy with a Spinning Top" (1738, Paris, Louvre), Chardin sangat suka menggambarkan anak-anak, yang gambarnya dia tertarik dengan keaktifan dan spontanitas batin. Modelnya yang sering adalah putra dari pembuat perhiasan Godefroy - Jr Auguste-Gabriel, ditangkap dalam lukisan "Boy with a Spinning Top", dan Charles yang berusia sepuluh tahun ("Potret Charles Godefroy", 1738, Paris, Louvre). Chardin tidak terpikat oleh pengungkapan ekspresi perasaan yang sekilas atau kompleksitas psikologis dari citra seorang anak, tetapi oleh sebuah cerita tentang seseorang di lingkungannya.Dan potret setiap anak yang dibuat oleh seniman, seolah-olah merupakan bagian dari pemandangan sehari-hari. Semua ini memberi pesona liris yang luar biasa pada gambar anak-anak Chardin.

Sejak 1737, artis tersebut telah menjadi peserta tetap di salon Paris, yang dibuka kembali setelah lama istirahat. Marchand dan kritikus menyukai karya-karyanya, mereka sering direproduksi dalam ukiran oleh master terkenal. Diderot, memperhatikan orisinalitas karyanya, dengan antusias menulis: "Chardin adalah seorang seniman cerdas yang sangat mampu berbicara tentang seninya"; "Itu yang tahu bagaimana menciptakan harmoni warna dan chiaroscuro!" - dia berseru dengan kagum tentang warna Chardin.

Keterampilan melukis artis meningkat selama bertahun-tahun. Bunyi tonal terpadu melodi bunga dalam mahakarya Chardin seperti "Still Life with a Pipe" (1737, Paris, Louvre) atau "Cut Melon" (1760, Paris, koleksi pribadi) sangat mencolok dalam kelembutan dan keragamannya. Dia menyusun komposisinya yang tenang dan seimbang dalam benda mati dari barang-barang dapur, hewan buruan, buah-buahan, alat musik, atribut lukisan, patung, arsitektur, dan sains. Pemilihan objek di setiap kanvas ditentukan oleh tugas-tugas pewarnaan, tetapi selain itu, ia selalu membawa makna batin yang dalam, sama-sama menyairkan dunia aktivitas sehari-hari yang sederhana, seperti "dapur" yang masih hidup, atau memberikan suara alegoris pada benda-benda itu. cerita tentang kecenderungan intelektual seseorang abad Pencerahan (Atribut Sains, 1731, Paris, Museum Jacquemart-André). Keindahan bentuk anggun dari setiap objek ditekankan pada kanvas dengan pilihan benda yang sangat indah Masih hidup dengan pipa. Kotak tembakau terbuka dengan pipa bersandar padanya, kendi gerabah putih dan cangkir yang menyerap banyak pantulan warna menceritakan tentang mode dan kehidupan zaman ketika merokok tembakau di luar negeri menjadi kebiasaan di negara-negara Eropa.

Cita-cita era pemikiran pencerahan diungkapkan oleh seniman dalam kanvas bertema "Masih hidup dengan atribut seni", variannya milik Louvre, Museum Jacquemart-André, Hermitage, Museum Seni Rupa Negara. . SEBAGAI. pushkin. Kanvas Pertapaan (1766) dieksekusi oleh Chardin atas perintah Catherine II untuk Akademi Seni, tetapi tetap berada di apartemen Permaisuri. Ekspresi emosional dari warna benda mati dicatat oleh Diderot, yang menulis: “Betapa rosario massa! Bagaimana satu hal tercermin dalam hal lain! Anda tidak tahu persis apa pesona itu, karena itu tumpah di mana-mana ... ”Dalam ritme yang jelas, sang seniman mengatur objeknya - sosok Merkurius, folder dengan gambar, kotak untuk cat dan palet, gulungan gambar dan persiapan, buku. Dengan warna merah-coklat yang hangat, lukisan bagian bawah dicat lega dengan guratan padat dari semua objek ini, diterangi oleh cahaya lembut. Pemilihan objek, termasuk urutan salib St. Michael pada pita dan medali sebagai simbol karya berjasa seniman, seperti dalam semua alegori Pencerahan, tanpa kerumitan menceritakan tentang profesi seniman, tentang kebebasan barunya yang istimewa status yang diberikan kepadanya oleh waktu.

Dekade terakhir karya seniman dibayangi oleh pengunduran dirinya di Akademi, penglihatan yang melemah, dan perhatian publik yang kurang. Namun, karya-karya yang diciptakan selama periode ini menjadi karya seni lukis Perancis abad ke-18 yang luar biasa. Chardin beralih ke pastel, menciptakan mahakarya asli dalam teknik ini - Potret Diri dengan Visor Hijau (1775, Paris, Louvre) dan Potret Seorang Istri (1776, Chicago, Institut Seni). Diderot juga berbicara dengan kekaguman atas "Potret Diri" pastelnya tahun 1771 (Paris, Louvre) dan, ingin mendukung artis yang sudah tua, menulis tentang hal-hal yang diperlihatkan di Salon tahun 1771: "Semua tangan percaya diri yang sama dan mata yang sama , terbiasa melihat alam". Potret selanjutnya menandai tahap baru tidak hanya dalam seninya, tetapi juga dalam potret Eropa abad ke-18. Motif genre sekarang dikecualikan oleh artis. Dia beralih ke bentuk baru potret kamar, menggantikan narasi liris tentang seorang pria dari kelas tiga dengan generalisasi yang lebih dalam. Dalam gambar Marguerite, istri artis, terungkap karakter wanita yang hidupnya dihabiskan dalam kecemasan dan kepedulian terhadap tetangganya. Gaun rias berbahan satin dan topi yang dipasang dengan canggung tidak mengurangi penampilan mulia seorang wanita cantik di masa lalu.

Seniman tersebut juga menampilkan dirinya dalam pakaian rumah dalam Potret Diri dengan Visor Hijau. Perban di kepala, di mana pelindung dipasang, dan syal diikat dengan simpul longgar, adalah atribut dari pakaian profesional yang lama dan nyaman. Tampilan yang tenang dan berwawasan dari bawah pelindung juga merupakan ciri dari profesi ini. Kemungkinan karakterisasi yang intim digunakan secara maksimal dalam potret Chardin selanjutnya, yang mengantisipasi penemuan di masa depan dalam karya master besar seperti O. Fragonard dan J.L. Daud.

Elena Fedotova

Abad ke-18 adalah masa berkembang pesatnya budaya Prancis. Prancis pra-revolusioner bagi seluruh Eropa adalah penentu tren mode dan selera yang tak terbantahkan, hobi sastra dan filosofis, gaya hidup. Semua ini tersapu oleh revolusi tahun 1789. Pada masa itu, ada pepatah: siapa yang tidak tinggal di Prancis sebelum revolusi, dia tidak tahu apa itu kehidupan nyata. Semua jenis kesenangan dimaksudkan - estetika dan lainnya, yang mencapai kecanggihan khusus pada periode pra-revolusioner.

Tingkat seni profesional yang tinggi didemonstrasikan setiap tahun di pameran yang disebut Salon, yang karya-karyanya dipilih oleh juri akademis yang ketat. Dekorasi interior yang aneh berkembang menjadi gaya Rococo, yang mencakup berbagai jenis dan genre seni rupa dan terapan yang termasuk dalam ansambel dekorasi interior. Dalam keragaman dan kecemerlangan ini, tidak sulit untuk tersesat bahkan untuk seorang master komposisi akademik yang luar biasa. Tetapi Chardin, yang tidak pernah melukis lukisan sejarah, potret formal, atau adegan gagah rocaille, membatasi dirinya pada genre "terendah" - kehidupan diam dan kehidupan sehari-hari, tidak hanya tidak tersesat, tetapi ternyata lebih tinggi dan lebih penting dari semuanya. perada akademis rococo dan salon yang brilian ini , menjadi tokoh sentral lukisan Prancis abad XVIII dan salah satu seniman Eropa Barat paling terkemuka.

Chardin berasal dari latar belakang pengrajin Paris, ayahnya adalah seorang pengrajin yang berspesialisasi dalam pembuatan meja biliar. Lingkungan ini dibedakan dengan moral dan ketekunan yang ketat, suami bangun pagi dan dari pagi hingga malam menyiapkan produk untuk dipesan atau dijual, mencapai kualitas terbaik, dan istri bertanggung jawab atas rumah tangga. Mereka hidup menyenangkan, dalam penghematan, hemat dan sadar, bijaksana dan rajin, dan seluruh hidup mereka diwarnai oleh cinta untuk perapian, orang yang dicintai, tradisi keluarga, kesedihan martabat manusia yang tinggi, yang dimanifestasikan dalam kerendahan hati dan kerja saleh tidak kurang dari dalam duel aristokrat dan eksploitasi militer.

Lingkungan kerajinan seperti ini akan menjadi subjek citra Chardin dan semangat yang memberi makan karyanya dan membentuk gayanya yang menakjubkan. Ayah artis itu merobek-robek dirinya, dengan rajin menggiling permukaan meja biliar, ketidakrataan sekecil apa pun mengubahnya menjadi meja dapur murah yang tidak sebanding dengan bahan yang dihabiskan. Dengan ketekunan dan semangat yang sama, Chardin mempelajari foto-foto kecilnya dari masa muda hingga kematiannya di usia lanjut. Dia menulisnya untuk waktu yang lama, dengan penuh kasih, rajin dan hati-hati.

Setelah dilatih oleh pelukis akademis, ahli lukisan sejarah Vanloo dan Kuapel, Chardin, bagaimanapun, menahan diri untuk tidak menulis lukisan sejarah. Sepanjang hidupnya dia menyesali bahwa dia tidak memiliki pendidikan yang layak, tidak mengetahui mitologi, sejarah dan sastra, dan karena itu tidak dapat secara kompeten mengambil plot sejarah. Oleh karena itu, dia melukis apa yang dia ketahui dengan baik - benda-benda yang mengelilingi pedagang Paris, interior nyaman tempat dia tinggal.

Karya pertama seniman adalah benda mati, dapur, dan piala berburu (bukan tanpa pengaruh Vanloo), di mana ia mencoba untuk berdiri "berjinjit" dalam genre yang lebih rendah dari alam mati, memberinya karakter berburu aristokrat, kemudian berlimpah. barok, jika ini adalah barang dapur. Kanvas awalnya berhasil di lingkungan profesional, dan, setelah tinggal sebentar di Akademi St. Luke kecil yang sederhana, Chardin yang berusia dua puluh sembilan tahun pada tahun 1628 diterima di akademi seni kerajaan dengan spesialisasi " sifat mati". Di Akademi, Chardin, sebagai orang yang sederhana, teliti, dan baik hati, mengakar dan menjadi bendahara tetap dan ketua rapat. Dari pernyataannya, himbauan tetap terjaga: “Lebih lembut, Tuan-tuan, lebih lembut,” kata mereka, tidak perlu saling mengkritik, kerajinan seniman itu sangat sulit, jarang ada yang belajar selama puluhan tahun. sukses, banyak yang tidak pernah menjadi seniman, meninggalkannya adalah pekerjaan yang sulit, menjadi tentara atau aktor; bahkan di balik gambar yang biasa-biasa saja terdapat penelitian selama beberapa dekade dan kerja keras selama bertahun-tahun di kanvas ini. Namun, dengan kelembutan seperti itu, Chardin tidak sepenuhnya tidak berbahaya. Pada eksposisi Salon, dia bisa menggantungkan foto-foto akademisi yang kontras dengan kekurangan mereka secara diam-diam; tetapi dalam ucapannya dia sangat berhati-hati dan baik hati.

Perhatian khusus harus dibuat dari Salon. Ini adalah review tahunan dari karya terbaik yang diciptakan oleh seniman terbaik Prancis, yang karya-karyanya dipilih dengan bantuan juri yang kompeten. Pameran semacam itu dengan pilihan yang menarik dan berkualitas merupakan syarat penting bagi perkembangan seni: jika hanya pelanggan yang menilai seni, maka seni tidak akan pernah melampaui potret serupa, lanskap manis, dan lukisan altar yang konsisten secara ideologis. Mempertahankan tingkat profesional yang tinggi dan melayani salon. Karya-karya yang dipilih oleh juri, tidak peduli seberapa akademis dan "salon" mereka, memiliki satu keunggulan penting - karya-karya yang ahli dan profesional. Dan seorang amatir berbakat dapat berkembang, memiliki level salon ini sebagai garpu tala untuk aktivitasnya. Produksi "jenius" membutuhkan lingkungan profesional biasa-biasa saja yang kuat.

Menjadi seorang akademisi dan menerima pesanan rutin yang menguntungkan, Chardin berkembang dalam sekali dan untuk semua genre yang dipilih. Dia melukis benda mati, di mana, mencapai kesempurnaan bergambar, dia beralih dari komposisi bersuku kata banyak awal ke produksi yang semakin sederhana dan sederhana dari tiga hingga lima objek paling umum yang dia pindahkan dari benda mati ke benda mati - gelas, botol bengkok dari kaca gelap, lesung tembaga , mangkuk tanah liat, terkadang kendi porselen muncul; ke peralatan dia menambahkan seikat anggur dan delima yang pecah, dan lebih sering apel, kentang, bawang, beberapa telur, lalat dan kecoa, tetap di interior dapur. Semakin sederhana pementasan objek yang paling biasa, semakin sulit lukisan dan komposisinya. Sebuah komposisi bukanlah sebuah produksi, Anda dapat mengenakan benda-benda paling mewah, dekorasi arsitektur paling rumit dan pengasuh terindah dan banyak dalam berbagai kostum mahal, dan komposisi dari produksi mewah ini bisa menjadi primitif, dangkal, membosankan, dan bukannya rumit, tapi berderak. Sebaliknya, dengan kumpulan objek yang paling sederhana, komposisinya, seperti lukisan, bisa menjadi yang paling rumit dan sempurna. Komposisi bukanlah sebuah aransemen, sebagaimana istilah latin ini terkadang kurang tepat dipahami dan diterjemahkan, melainkan “juxtaposition”, yaitu korelasi, menjalin keterkaitan dalam sebuah karya antara unsur-unsurnya, mencapai kesatuan dan keharmonisan bagian-bagian.

Namun tidak bisa dikatakan bahwa benda sederhana adalah bahan yang tidak seberapa bagi seorang pelukis. Anda dapat melakukan perjalanan keliling dunia, atau Anda dapat melakukan perjalanan di sepanjang permukaan apel; Anda dapat melihat dunia astronomi melalui teleskop, atau Anda dapat melihat sel tumbuhan melalui mikroskop dan dalam kedua kasus membuat penemuan, membuat teori ilmiah yang signifikan dalam beberapa hal. Begitu pula dalam seni. Bukan naturalisme yang mencapai Chardin; ya, dia berjuang untuk ilusi, mengintip ke dalam tangki tembaga miring, tetapi sesuatu yang lebih diperoleh - indah, dan kekayaan plastik, bahasa lukisan yang sempurna dikembangkan. Banyak pelukis meraih kesuksesan berkat plot yang menarik, dan orang dapat memahami karya mereka hanya dengan menyapu lapisan luar ini, mencari subteks terenkripsi. Chardin, sebaliknya, karena "ketidaktahuannya", awalnya langsung dan selamanya menolak "plot yang menarik", dan lukisan itu sendiri tetap menjadi plot yang paling menarik baginya. Ini adalah salah satu pelukis paling "murni" dalam sejarah seni. Serupa lainnya dapat disebut kecuali Cezanne.

“Siapa yang memberitahumu bahwa mereka menulis dengan cat? Mereka menulis dengan perasaan, tetapi mereka hanya menggunakan cat! - Seruan Chardin seperti itu diketahui. Tidak mempercayai penalaran tentang seni dan peraturan sekolah, Chardin lebih suka mengandalkan intuisi, mempercayai mata cerdas seniman, merasakan subjek gambar dan menulis ketika semua kekuatan jiwa berada di ujung kuas. Chardin tidak merumuskan teori, tidak mencoba mengungkapkan dengan kata-kata ciri-ciri metode kreatifnya. Dia di atas semua teori pada zamannya, kata-kata kasar dari Rubensis dan Poussinis. Dia mengerti betapa sulitnya mencapai hasil artistik yang layak, dan tidak membuang waktu untuk berbicara.

Cara hidup yang ketat dan spiritual dari pengrajin yang terampil, yang mendasari kepribadian dan seni Chardin, juga menjadi subjek dari gambarnya. Ia menciptakan sejumlah lukisan bergenre yang dibangun dengan cara yang sama seperti benda mati - adegan interior: makan, permainan anak-anak, memasak, mencuci pakaian, ibu dan anak. Chardin menikah dengan bahagia. Ketika istri pertamanya meninggal, setelah sepuluh tahun menjanda, dia menikahi seorang wanita tua kaya yang menghormati suaminya, seorang pekerja dan orang yang layak, dihormati oleh semua orang, dan mengelilingi usia tuanya dengan perhatian dan perhatian. Chardin dengan ketat mengikuti cara hidup yang dianut ayahnya, seorang tukang kayu, kakeknya, seorang pengrajin, dan semua kelas ini. Dia hidup dengan nyaman, dalam kelimpahan, tanpa kecemerlangan eksternal, yang terkadang dicita-citakan oleh seniman modis yang kaya, meniru karakter aristokrat dari potret mereka.

Ciri khasnya adalah nama salah satu lukisan bergenre Chardin - "Doa sebelum makan malam": seorang ibu mengajari anak-anak untuk berterima kasih kepada Tuhan sebelum makan dan mengingat bahwa manusia tidak hidup dari roti saja.

"Laundress" adalah salah satu mahakarya Chardin, senimannya umumnya sangat merata, di hampir setiap karyanya ia mencapai hasil artistik yang tinggi. Tapi gambar ini masih sangat bagus. Di ruangan semi-gelap - ruang utilitas tempat tinggal orang Paris biasa, seorang pelayan mencuci di bak, dan seorang bayi duduk di lantai dan terlibat dalam bisnis yang mengasyikkan - dia meniup gelembung sabun dengan konsentrasi. Seorang wanita yang sibuk dengan cucian memandangi si kecil dengan senang hati dan persetujuan, merawatnya. Di kedalaman yang gelap - pintu terbuka ke ruangan lain yang terang, tempat pencucian juga dilakukan; cahaya keemasan "menyelimuti" sosok wanita tukang cuci yang berdiri di sana, bangku dan palung.

Menceritakan plotnya saja berarti tidak mengatakan apa-apa atau hampir tidak mengatakan apa-apa tentang Chardin. Bagaimana benda-benda yang seimbang secara klasik didistribusikan - seperti benda mati di atas meja, pot dan mangkuk, jadi di lantai ruangan ada figur dan perabot; bagaimana cahaya merenggut dari kedalaman gelap hanya apa yang memberi komposisi prinsip pengorganisasian tambahan; sebagai warna yang memberi warna lokal pada objek dan karakteristik warna pada pencahayaan, membentuk sistem warna dengan penetrasi warna primer dan sekunder di mana-mana; bagaimana ilusi tekstur kayu, kain dari varietas yang berbeda, permukaan tubuh dibuat - dan pada saat yang sama sistem warna yang ditata dengan baik dan tertata dengan baik dibangun.

Jika kita membandingkan lukisan alam benda dan lukisan sehari-hari Chardin dengan lukisan Belanda dan Flemish abad ke-17, di mana seluruh pasukan seniman berspesialisasi dalam genre ini dan, bersaing dan bersaing, mencapai kecemerlangan dan kesempurnaan di dalamnya, ternyata yang sederhana Chardin di sebelah mereka lebih kompleks dan meyakinkan daripada orang Belanda dengan semua piala perhiasan dan faience Delft mereka, buah-buahan eksotis yang berlimpah, hewan buruan dan ikan laut yang aneh, mereka terlihat lebih samar dan lebih miskin daripada simfoni warna-warni Chardin yang ditulis tentang kentang yang belum dikupas.

Berkenaan dengan Chardin, sangat sulit untuk membandingkan idenya dengan pernyataan dan teori para filsuf Pencerahan. Dia, seolah-olah, secara terprogram "anti-intelektual", menekankan kurangnya pendidikan dan menghindari segala macam teori. Namun hubungannya yang dalam dengan budaya Pencerahan terletak pada metode kreatifnya, yang ia rumuskan dengan kuas, dan bukan dengan kata-kata. Dan ketika Anda membandingkan karyanya dengan idola kehidupan intelektual abad ke-18, para ensiklopedis dan pencerahan Prancis, karya Chardin tampaknya tidak kalah pentingnya, dalam dan intelektual daripada karya para filsuf dan penulis Diderot, Voltaire dan Rousseau.

Chardin yang "Tidak Dipelajari" adalah salah satu puncak dari budaya Pencerahan Prancis yang hebat.