rumah › Uji Kecelakaan Otomatis › Opera paling terkenal di dunia. Sejarah genre Opera karya komposer Rusia abad ke-19

Opera paling terkenal di dunia. Sejarah genre Opera karya komposer Rusia abad ke-19

Penulis esai adalah N. V. Tumanina

Opera Rusia adalah kontribusi paling berharga bagi perbendaharaan teater musikal dunia. Lahir di era kejayaan klasik opera Italia, Prancis, dan Jerman, opera Rusia di abad ke-19. tidak hanya mengejar sekolah opera nasional lainnya, tetapi juga melampaui mereka. Sifat multilateral dari perkembangan teater opera Rusia pada abad ke-19. berkontribusi pada pengayaan seni realistik dunia. Karya-karya komposer Rusia membuka area baru kreativitas opera, memperkenalkan konten baru ke dalamnya, prinsip-prinsip baru untuk membangun dramaturgi musik, mendekatkan seni opera ke jenis kreativitas musik lainnya, terutama simfoni.

Sejarah opera klasik Rusia terkait erat dengan perkembangan kehidupan sosial di Rusia, dengan perkembangan pemikiran Rusia yang maju. Opera dibedakan oleh koneksi ini pada abad ke-18, muncul sebagai fenomena nasional di tahun 70-an, era perkembangan pencerahan Rusia. Pembentukan sekolah opera Rusia dipengaruhi oleh ide-ide pencerahan, yang diekspresikan dalam keinginan untuk menggambarkan kehidupan masyarakat secara jujur.

Dengan demikian, opera Rusia sejak langkah pertamanya terbentuk sebagai seni demokrasi. Plot opera Rusia pertama sering mengedepankan ide-ide anti-perbudakan, yang juga menjadi ciri khas teater drama Rusia dan sastra Rusia pada akhir abad ke-18. Namun, kecenderungan ini belum berkembang menjadi sistem integral, mereka diekspresikan secara empiris dalam adegan-adegan dari kehidupan petani, dalam menunjukkan penindasan mereka oleh tuan tanah, dalam penggambaran satir kaum bangsawan. Begitulah plot dari opera Rusia pertama: "Kemalangan dari Kereta" oleh V. A. Pashkevich (c. 1742-1797), libretto oleh Ya. B. Kniazhnin (posting, pada 1779); "Coachmen on a setup" E.I. Fomina (1761-1800). Dalam opera "The Miller - seorang penyihir, penipu dan pencari jodoh" dengan teks oleh A. O. Ablesimov dan musik oleh M. M. Sokolovsky (dalam versi kedua - E. I. Fomina), gagasan tentang kebangsawanan dari karya seorang petani diekspresikan dan kesombongan yang mulia diejek. Dalam opera M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor", seorang rentenir dan penerima suap digambarkan dalam bentuk satir.

Opera Rusia pertama dimainkan dengan episode musikal selama aksi. Adegan percakapan sangat penting di dalamnya. Musik opera pertama terkait erat dengan lagu-lagu rakyat Rusia: para komposer memanfaatkan melodi lagu-lagu rakyat yang ada secara ekstensif, mengolahnya kembali, menjadikannya dasar opera. Dalam "Melnik", misalnya, semua ciri khas karakter diberikan dengan bantuan lagu daerah yang sifatnya berbeda. Dalam opera "St. Petersburg Gostiny Dvor", upacara pernikahan rakyat direproduksi dengan sangat akurat. Dalam "Coachmen on a Frame", Fomin menciptakan contoh pertama dari opera paduan suara rakyat, dengan demikian meletakkan salah satu Tradisi khas dari opera Rusia selanjutnya.

Opera Rusia berkembang dalam perjuangan untuk identitas nasionalnya. Kebijakan istana kerajaan dan puncak masyarakat bangsawan, yang menggurui rombongan asing, ditujukan untuk melawan demokrasi seni Rusia. Tokoh-tokoh opera Rusia harus mempelajari keterampilan opera dengan contoh-contoh opera Eropa Barat dan pada saat yang sama mempertahankan kemerdekaan arah nasionalnya. Perjuangan selama bertahun-tahun ini menjadi syarat keberadaan opera Rusia, mengambil bentuk baru di tahapan baru.

Seiring dengan opera-komedi di abad XVIII. genre opera lainnya juga muncul. Pada tahun 1790, sebuah pertunjukan berlangsung di istana dengan judul "Oleg's Initial Administration", teks yang ditulis oleh Permaisuri Catherine II, dan musiknya disusun bersama oleh komposer K. Canobbio, J. Sarti dan V. A. Pashkevich. pertunjukannya tidak bersifat opera seperti oratorio, dan sampai batas tertentu dapat dianggap sebagai contoh pertama dari genre musik-sejarah, yang begitu tersebar luas di abad ke-19. Dalam karya komposer Rusia terkemuka D. S. Bortnyansky (1751-1825), genre opera diwakili oleh opera liris The Falcon and The Rival Son, yang musiknya, dalam hal pengembangan bentuk dan keterampilan opera, dapat dimainkan. setara dengan contoh modern opera Eropa Barat.

Gedung opera digunakan pada abad ke-18. popularitas besar. Lambat laun, opera dari ibu kota merambah ke teater perkebunan. Teater benteng pada pergantian abad ke-18 dan ke-19. memberikan contoh individu yang sangat artistik dari pertunjukan opera dan peran individu. Penyanyi dan aktor Rusia berbakat dinominasikan, seperti penyanyi E. Sandunova, yang tampil di panggung ibu kota, atau aktris budak dari Teater Sheremetev P. Zhemchugova.

Prestasi artistik opera Rusia abad ke-18. memberi dorongan pada perkembangan pesat teater musikal di Rusia pada kuartal pertama abad ke-19.

Hubungan teater musikal Rusia dengan ide-ide yang menentukan kehidupan spiritual pada zaman itu terutama diperkuat selama Perang Patriotik tahun 1812 dan selama tahun-tahun gerakan Desembris. Tema patriotisme yang tercermin dalam plot sejarah dan kontemporer menjadi dasar dari banyak pertunjukan drama dan musik. Gagasan humanisme, protes terhadap ketimpangan sosial menginspirasi dan menyuburkan seni teater.

Di awal abad XIX. seseorang belum dapat berbicara tentang opera dalam arti sebenarnya. Genre campuran memainkan peran penting dalam teater musikal Rusia: tragedi dengan musik, vaudeville, opera komik, balet opera. Sebelum Glinka, opera Rusia tidak mengenal karya yang dramaturginya hanya mengandalkan musik tanpa episode lisan.

O. A. Kozlovsky (1757-1831), yang menciptakan musik untuk tragedi Ozerov, Katenin, Shakhovsky, adalah seorang komposer luar biasa dari "tragedi musik". Komposer A. A. Alyabyev (1787-1851) dan A. N. Verstovsky (1799-1862) berhasil menggarap genre vaudeville, yang menggubah musik untuk sejumlah vaudeville yang berisi konten humor dan satir.

Opera dari awal abad ke-19 mengembangkan tradisi periode sebelumnya. Fenomena yang khas adalah pertunjukan sehari-hari yang diiringi lagu daerah. Contoh dari jenis ini adalah pertunjukan: "Yam", "Gathering", "Girlfriend", dll., Musik yang ditulis oleh komposer amatir A.N. Titov (1769-1827). Tapi ini jauh dari menghabiskan kehidupan teater yang kaya pada zaman itu. Kecenderungan kecenderungan romantisme yang khas pada masa itu diekspresikan dalam antusiasme masyarakat terhadap pertunjukan dongeng-fantastis. Putri Duyung Dnieper (Lesta), yang memiliki beberapa bagian, menikmati kesuksesan tertentu. Musik untuk opera-opera ini, yang seolah-olah membentuk bab-bab dari novel, ditulis oleh komposer S. I. Davydov, K. A. Kavos; musik dari komposer Austria Cauer sebagian digunakan. "The Dnieper Mermaid" tidak meninggalkan panggung untuk waktu yang lama, bukan hanya karena plot yang menghibur, yang dalam fitur utamanya mengantisipasi plot "Mermaid" karya Pushkin, tidak hanya berkat produksi yang mewah, tetapi juga berkat musik melodi, sederhana dan mudah diakses.

Komposer Italia K. A. Kavos (1775-1840), yang bekerja di Rusia sejak usia muda dan berusaha keras untuk mengembangkan pertunjukan opera Rusia, melakukan upaya pertama untuk menciptakan opera sejarah-heroik. Pada tahun 1815, ia mementaskan opera Ivan Susanin di St. Petersburg, di mana, berdasarkan salah satu episode perjuangan rakyat Rusia melawan invasi Polandia pada awal abad ke-17, ia mencoba menciptakan patriotik nasional pertunjukan. Opera ini menanggapi mood masyarakat yang selamat dari perang pembebasan melawan Napoleon. Opera Kavos dibedakan dengan baik di antara karya-karya modern dengan keterampilan musisi profesional, ketergantungan pada cerita rakyat Rusia, keaktifan aksi. Namun demikian, itu tidak naik di atas level banyak "opera penyelamat" dari komposer Prancis, berbaris di panggung yang sama; Kavos tidak dapat membuat di dalamnya epik rakyat-tragis yang dibuat Glinka dua puluh tahun kemudian, menggunakan plot yang sama.

Komposer terbesar sepertiga pertama abad XIX. A. N. Verstovsky, yang disebut-sebut sebagai penulis musik untuk vaudeville, harus diakui. Operanya "Pan Tvardovsky" (diposting tahun 1828), "Kuburan Askold" (diposting tahun 1835), "Vadim" (diposting tahun 1832) dan lainnya merupakan tahap baru dalam perkembangan opera Rusia sebelum Glinka. Ciri khas romantisme Rusia tercermin dalam karya Verstovsky. Zaman kuno Rusia, tradisi puitis Kievan Rus, dongeng, dan legenda menjadi dasar opera-operanya. Peran penting di dalamnya dimainkan oleh elemen magis. Musik Verstovsky, yang berakar dalam, berdasarkan seni lagu rakyat, telah menyerap asal-usul rakyat dalam arti luas. Karakternya khas kesenian rakyat. Menjadi ahli dramaturgi opera, Verstovsky menciptakan adegan romantis penuh warna dengan konten fantastis. Contoh gayanya adalah opera "Askold's Grave", yang bertahan dalam repertoar hingga saat ini. Itu menunjukkan fitur terbaik Verstovsky - hadiah melodi, bakat dramatis yang luar biasa, kemampuan untuk membuat gambar karakter yang hidup dan khas.

Karya-karya Verstovsky termasuk dalam periode praklasik opera Rusia, meskipun signifikansi historisnya sangat besar: karya-karya tersebut merangkum dan mengembangkan semua kualitas terbaik dari periode sebelumnya dan kontemporer dalam perkembangan musik opera Rusia.

Dari 30-an. abad ke-19 Opera Rusia memasuki periode klasiknya. Pendiri opera klasik Rusia M. I. Glinka (1804-1857) menciptakan opera sejarah dan tragis "Ivan Susanin" (1830) dan epik yang luar biasa - "Ruslan dan Lyudmila" (1842). Opera ini meletakkan dasar bagi dua tren terpenting dalam teater musikal Rusia: opera sejarah dan epik magis. Prinsip kreatif Glinka diterapkan dan dikembangkan oleh generasi komposer Rusia berikutnya.

Glinka berkembang sebagai seorang seniman di era yang dibayangi oleh ide-ide Desembrisme, yang memungkinkannya untuk mengangkat konten ideologis dan artistik dari opera-operanya ke ketinggian baru yang signifikan. Dia adalah komposer Rusia pertama, yang karyanya citra orang-orang, digeneralisasikan dan dalam, menjadi pusat dari keseluruhan karya. Tema patriotisme dalam karyanya tidak dapat dipisahkan dengan tema perjuangan rakyat untuk kemerdekaan.

Opera Rusia periode sebelumnya mempersiapkan penampilan opera Glinka, tetapi perbedaan kualitatifnya dari opera Rusia sebelumnya sangat signifikan. Dalam opera Glinka, realisme pemikiran artistik tidak memanifestasikan dirinya dalam aspek pribadinya, tetapi bertindak sebagai metode kreatif holistik yang memungkinkan kita memberikan generalisasi musik dan dramatis dari ide, tema, dan plot opera. Glinka memahami masalah kebangsaan dengan cara baru: baginya itu tidak hanya berarti perkembangan musik dari lagu-lagu daerah, tetapi juga refleksi yang mendalam dan beraneka segi dalam musik tentang kehidupan, perasaan dan pikiran orang-orang, pengungkapan ciri-ciri khas. dari penampilan spiritualnya. Sang komposer tidak membatasi dirinya untuk merefleksikan kehidupan rakyat, tetapi mewujudkan dalam musik ciri-ciri khas pandangan dunia rakyat. Opera Glinka adalah karya musik dan drama yang tidak terpisahkan; mereka tidak memiliki dialog lisan, isinya diungkapkan melalui musik. Alih-alih nomor solo dan paduan suara opera komik yang terpisah dan belum berkembang, Glinka menciptakan bentuk opera yang besar dan mendetail, mengembangkannya dengan keterampilan simfoni yang asli.

Dalam "Ivan Susanin" Glinka menyanyikan masa lalu Rusia yang heroik. Dengan kebenaran artistik yang luar biasa, gambaran khas rakyat Rusia diwujudkan dalam opera. Perkembangan drama musikal didasarkan pada pertentangan berbagai ranah musik nasional.

"Ruslan dan Lyudmila" adalah sebuah opera yang menandai dimulainya opera Rusia epik rakyat. Arti penting "Ruslan" untuk musik Rusia sangat besar. Opera berdampak tidak hanya pada genre teater, tetapi juga pada genre simfoni. Keagungan heroik dan magis misterius, serta gambar-gambar oriental penuh warna dari "Ruslan" memelihara musik Rusia untuk waktu yang lama.

Glinka diikuti oleh A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), tipikal seniman era 40-50-an. abad ke-19 Glinka memiliki pengaruh besar pada Dargomyzhsky, tetapi pada saat yang sama, kualitas baru muncul dalam karya terakhir, lahir dari kondisi sosial baru, tema baru yang masuk ke seni Rusia. Simpati hangat untuk orang yang terhina, kesadaran akan kerusakan ketidaksetaraan sosial, sikap kritis terhadap tatanan sosial tercermin dalam karya Dargomyzhsky yang terkait dengan gagasan realisme kritis dalam sastra.

Jalan Dargomyzhsky sebagai komposer opera dimulai dengan penciptaan opera "Esmeralda", setelah V. Hugo (diposting pada tahun 1847), dan karya opera sentral komposer harus dianggap "Mermaid" (berdasarkan drama oleh A. S. Pushkin), dipentaskan pada tahun 1856 Dalam opera ini, bakat Dargomyzhsky terungkap sepenuhnya dan arah karyanya ditentukan. Drama ketidaksetaraan sosial antara putri-putri pengasih dari tukang giling Natasha dan Pangeran menarik perhatian sang komposer dengan relevansi temanya. Dargomyzhsky memperkuat sisi dramatis plot dengan meremehkan elemen fantastisnya. Rusalka adalah opera lirik-psikologis sehari-hari Rusia yang pertama. Musiknya sangat folk; atas dasar lagu, komposer menciptakan gambaran hidup para pahlawan, mengembangkan gaya deklamasi di bagian karakter utama, mengembangkan adegan ansambel, secara signifikan mendramatisirnya.

Opera terakhir Dargomyzhsky, The Stone Guest, setelah Pushkin (diposting pada tahun 1872, setelah kematian komposernya), termasuk dalam periode berbeda dalam perkembangan opera Rusia. Dargomyzhsky menetapkan tugas untuk menciptakan bahasa musik realistis yang mencerminkan intonasi ucapan. Komposer meninggalkan bentuk opera tradisional di sini - arias, ansambel, paduan suara; bagian vokal dari opera menang atas bagian orkestra, The Stone Guest meletakkan dasar untuk salah satu arah periode berikutnya dari opera Rusia, yang disebut opera resitatif kamar, yang kemudian dipersembahkan oleh Mozart dan Salieri karya Rimsky-Korsakov, karya Rachmaninov Ksatria Pelit dan lainnya. Keunikan dari opera ini adalah bahwa semuanya didasarkan pada teks lengkap "tragedi kecil" Pushkin yang tidak diubah.

Di tahun 60-an. Opera Rusia telah memasuki tahap baru perkembangannya. Karya komposer dari lingkaran Balakirev ("The Mighty Handful") dan Tchaikovsky tampil di panggung Rusia. Di tahun yang sama, karya A. N. Serov dan A. G. Rubinshtein terungkap.

Karya opera A. N. Serov (1820-1871), yang menjadi terkenal sebagai kritikus musik, tidak dapat digolongkan di antara fenomena teater Rusia yang sangat signifikan. Namun, operanya pernah memainkan peran positif. Dalam opera "Judith" (post, pada tahun 1863), Serov menciptakan sebuah karya yang bersifat heroik-patriotik berdasarkan cerita alkitabiah; dalam opera Rogneda (disusun dan dipentaskan pada tahun 1865), ia beralih ke era Kievan Rus, ingin melanjutkan garis Ruslan. Namun, opera itu tidak cukup dalam. Yang sangat menarik adalah opera ketiga Serov, The Enemy Force, berdasarkan drama A. N. Ostrovsky Don't Live As You Want (diposting tahun 1871). Komposer memutuskan untuk membuat opera lagu, yang musiknya harus didasarkan pada sumber primer. Namun, opera tidak memiliki satu pun konsep dramatis, dan musiknya tidak mencapai ketinggian generalisasi yang realistis.

A. G. Rubinshtein (1829-1894), sebagai komposer opera, memulai dengan menggubah opera sejarah The Battle of Kulikovo (1850). ia menciptakan lirik opera Theramors dan opera romantis Children of the Steppes. Opera terbaik Rubinstein, The Demon after Lermontov (1871), bertahan dalam repertoar. Opera ini adalah contoh opera liris Rusia, di mana halaman-halaman paling berbakat dikhususkan untuk mengungkapkan perasaan para karakter. Adegan bergenre The Demon, di mana komposer menggunakan musik rakyat Transcaucasia, menghadirkan cita rasa lokal. Opera The Demon sukses di antara orang-orang sezaman yang melihat protagonis dalam citra seorang pria tahun 1940-an dan 1950-an.

Karya opera komposer The Mighty Handful dan Tchaikovsky terkait erat dengan estetika baru tahun 1960-an. Kondisi sosial baru mengedepankan tugas baru bagi seniman Rusia. Masalah utama zaman itu adalah masalah refleksi dalam karya seni kehidupan rakyat dengan segala kerumitan dan ketidakkonsistenannya. Pengaruh ide-ide kaum demokrat revolusioner (kebanyakan Chernyshevsky) tercermin dalam bidang kreativitas musik dengan ketertarikan pada tema dan plot yang signifikan secara universal, orientasi humanistik dari karya-karya tersebut, dan pemuliaan kekuatan spiritual yang tinggi dari rakyat. Yang sangat penting saat ini adalah tema sejarah.

Ketertarikan pada sejarah rakyatnya pada tahun-tahun itu tidak hanya khas bagi para komposer. Ilmu sejarah sendiri berkembang luas; penulis, penyair, dan penulis naskah beralih ke tema sejarah; perkembangan lukisan sejarah. Era kudeta, pemberontakan petani, gerakan massa adalah yang paling menarik. Tempat penting ditempati oleh masalah hubungan antara rakyat dan kekuasaan kerajaan. Opera sejarah M. P. Mussorgsky dan N. A. Rimsky-Korsakov dikhususkan untuk topik ini.

Opera oleh M. P. Mussorgsky (1839-1881), Boris Godunov (1872) dan Khovanshchina (diselesaikan oleh Rimsky-Korsakov pada tahun 1882) termasuk dalam cabang opera klasik Rusia yang bersejarah dan tragis. Komposer menyebutnya "drama musik rakyat", karena orang-orang menjadi pusat dari kedua karya tersebut. Gagasan utama "Boris Godunov" (berdasarkan tragedi dengan nama yang sama oleh Pushkin) adalah konflik: tsar - rakyat. Ide ini adalah salah satu yang paling penting dan akut di era pasca reformasi. Mussorgsky ingin menemukan analogi dengan masa kini dalam peristiwa masa lalu Rus. Kontradiksi antara kepentingan rakyat dan kekuasaan otokratis ditunjukkan dalam adegan-adegan gerakan rakyat yang berubah menjadi pemberontakan terbuka. Pada saat yang sama, sang komposer menaruh perhatian besar pada "tragedi hati nurani" yang dialami oleh Tsar Boris. Citra multifaset dari Boris Godunov adalah salah satu pencapaian tertinggi opera dunia.

Drama musikal kedua Mussorgsky, Khovanshchina, didedikasikan untuk pemberontakan Streltsy di akhir abad ke-17. Elemen gerakan rakyat dengan segala kekuatannya yang meriah diekspresikan secara luar biasa oleh musik opera, berdasarkan pemikiran ulang kreatif seni lagu rakyat. Musik "Khovanshchina", seperti musik "Boris Godunov", ditandai dengan tragedi yang tinggi. Dasar dari jarak melodi dari kedua opera tersebut adalah sintesis dari lagu dan permulaan deklamasi. Inovasi Mussorgsky, lahir dari kebaruan konsepsinya, dan solusi yang sangat orisinal untuk masalah dramaturgi musik membuat kami menempatkan kedua operanya di antara pencapaian tertinggi teater musikal.

Opera oleh A. P. Borodin (1833-1887) "Pangeran Igor" juga berdampingan dengan kelompok karya musik sejarah (plotnya adalah "The Tale of Igor's Campaign"). Ide cinta tanah air, ide bersatu di hadapan musuh diungkapkan oleh komposer dengan drama hebat (adegan di Putivl). Komposer menggabungkan dalam opera monumentalitas genre epik dengan permulaan liris. Dalam perwujudan puitis kubu Polovtsian, sila Glinka diimplementasikan; pada gilirannya, gambar-gambar musik Borodin tentang Timur menginspirasi banyak komposer Rusia dan Soviet untuk membuat gambar-gambar oriental. Karunia melodi Borodin yang luar biasa terwujud dalam gaya nyanyian opera yang luas. Borodin tidak punya waktu untuk menyelesaikan opera; Pangeran Igor diselesaikan oleh Rimsky-Korsakov dan Glazunov dan dipentaskan dalam versi mereka pada tahun 1890.

Genre drama musikal sejarah juga dikembangkan oleh N. A. Rimsky-Korsakov (1844-1908). Orang-orang bebas Pskov yang memberontak melawan Ivan the Terrible (opera The Woman of Pskov, 1872) digambarkan oleh sang komposer dengan kemegahan yang epik. Citra raja penuh dengan drama asli. Elemen liris opera, yang diasosiasikan dengan pahlawan wanita - Olga, memperkaya musik, memperkenalkan ciri-ciri kelembutan dan kelembutan yang luhur ke dalam konsep tragis yang agung.

P. I. Tchaikovsky (1840-1893), yang paling terkenal dengan opera lirik-psikologisnya, adalah penulis dari tiga opera sejarah. Opera Oprichnik (1872) dan Mazepa (1883) didedikasikan untuk peristiwa dramatis dalam sejarah Rusia. Dalam opera The Maid of Orleans (1879), sang komposer beralih ke sejarah Prancis dan menciptakan citra pahlawan wanita Prancis nasional Joan of Arc.

Ciri opera sejarah Tchaikovsky adalah kekerabatannya dengan opera lirisnya. Komposer mengungkapkan di dalamnya ciri-ciri khas dari era yang digambarkan melalui nasib individu orang. Gambar para pahlawannya dibedakan oleh kedalaman dan kebenaran transmisi dunia batin seseorang yang kompleks.

Selain drama musikal sejarah rakyat di opera Rusia abad XIX. tempat penting ditempati oleh opera dongeng rakyat, yang diwakili secara luas dalam karya N. A. Rimsky-Korsakov. Opera dongeng terbaik Rimsky-Korsakov adalah The Snow Maiden (1881), Sadko (1896), Kashchei the Immortal (1902) dan The Golden Cockerel (1907). Sebuah tempat khusus ditempati oleh opera The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia (1904), berdasarkan legenda rakyat tentang invasi Tatar-Mongol.

Opera oleh Rimsky-Korsakov memukau dengan keragaman interpretasi genre cerita rakyat. Entah ini interpretasi puitis dari gagasan rakyat kuno tentang alam, yang diekspresikan dalam dongeng indah tentang Perawan Salju, atau gambaran kuat Novgorod kuno, atau gambaran Rusia di awal abad ke-20. dalam gambar alegoris kerajaan Kashcheev yang dingin, lalu satire nyata tentang sistem otokratis yang busuk dalam gambar populer dongeng ("The Golden Cockerel"). Dalam berbagai kasus, metode penggambaran musik karakter dan teknik dramaturgi musik Rimsky-Korsakov berbeda. Namun, dalam semua operanya orang dapat merasakan penetrasi kreatif yang mendalam dari sang komposer ke dalam dunia gagasan rakyat, kepercayaan rakyat, ke dalam pandangan dunia masyarakat. Dasar musik operanya adalah bahasa lagu daerah. Ketergantungan pada kesenian rakyat, karakterisasi aktor melalui penggunaan berbagai genre rakyat adalah ciri khas Rimsky-Korsakov.

Puncak dari karya Rimsky-Korsakov adalah epik agung tentang patriotisme rakyat Rus dalam opera The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia, di mana komposernya mencapai generalisasi musik dan simfoni yang sangat tinggi. tema.

Di antara varietas opera klasik Rusia lainnya, salah satu tempat utama adalah milik opera liris-psikologis, yang permulaannya diletakkan oleh Rusalka Dargomyzhsky. Perwakilan terbesar dari genre ini dalam musik Rusia adalah Tchaikovsky, penulis karya brilian yang termasuk dalam repertoar opera dunia: Eugene Onegin (1877-1878), The Enchantress (1887), The Queen of Spades (1890), Iolanta (1891) ). Inovasi Tchaikovsky dikaitkan dengan arah karyanya, didedikasikan untuk ide-ide humanisme, protes terhadap penghinaan terhadap manusia, keyakinan akan masa depan yang lebih baik bagi umat manusia. Dunia batin orang-orang, hubungan mereka, perasaan mereka terungkap dalam opera Tchaikovsky dengan menggabungkan keefektifan teater dengan perkembangan musik simfoni yang konsisten. Karya opera Tchaikovsky adalah salah satu fenomena terbesar seni musik dan teater dunia abad ke-19.

Sejumlah kecil karya diwakili dalam karya opera komedi komposer Rusia. Namun, beberapa sampel ini dibedakan berdasarkan identitas nasionalnya. Tidak ada hiburan ringan, komedi di dalamnya. Sebagian besar didasarkan pada cerita Gogol dari Evenings on a Farm dekat Dikanka. Setiap opera-komedi mencerminkan karakteristik individu penulisnya. Dalam opera Tchaikovsky "Cherevichki" (1885; dalam versi pertama - "Blacksmith Vakula", 1874) elemen liris berlaku; dalam "May Night" oleh Rimsky-Korsakov (1878) - fantastis dan ritual; di Mussorgsky's Sorochinskaya Fair (70-an, belum selesai) - murni komedi. Opera-opera ini adalah contoh keterampilan refleksi realistis dari kehidupan masyarakat dalam genre karakter komedi.

Sejumlah fenomena paralel yang disebut dalam teater musikal Rusia berdampingan dengan opera klasik Rusia. Yang kami maksud adalah karya para komposer yang tidak menciptakan karya dengan makna yang bertahan lama, meskipun mereka memberikan kontribusinya sendiri pada perkembangan opera Rusia. Di sini perlu untuk menyebutkan opera Ts.A.Cui (1835-1918), seorang anggota lingkaran Balakirev, seorang kritikus musik terkemuka tahun 60-70-an. Opera Cui "William Ratcliffe" dan "Angelo", yang tidak meninggalkan gaya romantis konvensional, tidak memiliki drama dan, terkadang, musik yang ceria. Dukungan Cui selanjutnya kurang penting ("Putri Kapten", "Mademoiselle Fifi", dll.). Mengiringi opera klasik adalah karya konduktor dan direktur musik opera yang luar biasa di St. Petersburg, E. F. Napravnik (1839-1916). Yang paling terkenal adalah opera "Dubrovsky", yang disusun dalam tradisi opera liris Tchaikovsky.

Dari para komposer yang tampil pada akhir abad ke-19. di panggung opera, kita harus menyebut A. S. Arensky (1861-1906), penulis opera Dream on the Volga, Raphael dan Nal dan Damayanti, serta M. M. Ippolitov-Ivanov (1859-1935), yang opera Asya, setelah I. S. Turgenev, ditulis dengan gaya liris Tchaikovsky. Itu menonjol dalam sejarah opera Rusia "Oresteia" oleh S. I. Taneyev (1856-1915), menurut Aeschylus, yang dapat digambarkan sebagai oratorio teatrikal.

Pada saat yang sama, S. V. Rachmaninov (1873-1943) bertindak sebagai komposer opera, yang pada akhir konservatori (1892) menggubah onera satu babak "Aleko", yang dipertahankan dalam tradisi Tchaikovsky. Opera Rachmaninov selanjutnya - Francesca da Rimini (1904) dan The Miserly Knight (1904) - ditulis dalam bentuk kantata opera; di dalamnya aksi panggung dikompres secara maksimal dan permulaan musik dan simfoni sangat berkembang. Musik dari opera-opera ini, berbakat dan cemerlang, memiliki jejak orisinalitas gaya kreatif pengarangnya.

Tentang fenomena seni opera yang kurang signifikan di awal abad ke-20. sebut saja opera oleh A. T. Grechaninov (1864-1956) "Dobrynya Nikitich", di mana ciri khas opera klasik yang luar biasa epik digantikan oleh lirik roman, serta opera oleh A. D. Kastalsky (1856-1926) "Clara Milic ", di mana unsur naturalisme dipadukan dengan lirik yang mengesankan dan tulus.

Abad XIX - era opera klasik Rusia. Komposer Rusia telah menciptakan mahakarya dalam berbagai genre opera: drama, epik, tragedi heroik, komedi. Mereka menciptakan drama musikal inovatif yang lahir terkait erat dengan konten opera yang inovatif. Peran penting dan menentukan dari adegan rakyat massal, karakterisasi karakter yang beragam, interpretasi baru bentuk opera tradisional, dan penciptaan prinsip baru kesatuan musik dari seluruh karya adalah ciri khas opera klasik Rusia.

Opera klasik Rusia, yang berkembang di bawah pengaruh pemikiran filosofis dan estetika progresif, di bawah pengaruh peristiwa-peristiwa dalam kehidupan publik, menjadi salah satu aspek luar biasa dari budaya nasional Rusia abad ke-19. Seluruh jalur perkembangan opera Rusia pada abad terakhir berjalan paralel dengan gerakan pembebasan besar rakyat Rusia; komposer terinspirasi oleh ide-ide tinggi humanisme dan pencerahan demokratis, dan karya mereka bagi kita adalah contoh bagus dari seni yang benar-benar realistis.

Namun, sejarah opera di negara kita sebagai genre musik dan drama yang berasal dari Barat dimulai jauh sebelum produksi Glinka's Life for the Tsar (Ivan Susanin), opera klasik Rusia pertama, yang ditayangkan perdana pada 27 November 1836.

Jika Anda mencobanya, permulaan opera Rusia dapat ditemukan di zaman kuno, karena unsur musik dan drama melekat dalam ritual rakyat Rusia, seperti upacara pernikahan, tarian keliling, serta pertunjukan gereja Rus abad pertengahan, yang dapat dilakukan. dianggap sebagai prasyarat munculnya opera Rusia. Dengan alasan yang lebih besar, orang dapat melihat kelahiran opera Rusia dalam pertunjukan spiritual rakyat abad ke-16 dan ke-17, dalam drama sekolah akademi Kyiv dan Moskow tentang topik-topik alkitabiah. Semua elemen musik dan sejarah ini akan tercermin dalam karya komposer opera Rusia masa depan.

Pada tanggal 17 Oktober 1672, pertunjukan pertama "Esther" ("Act of Artaxerxes") oleh Johann Gottfried Gregory berlangsung, yang berlangsung selama sepuluh jam, hingga pagi hari. Musik terlibat dalam aksi tersebut - sebuah orkestra orang Jerman dan orang-orang halaman yang memainkan "organ, biola, dan instrumen lainnya", mungkin paduan suara dari "petugas penyanyi yang berdaulat" juga berpartisipasi dalam drama tersebut. Tsar terpesona, semua peserta pertunjukan diperlakukan dengan baik, diberi penghargaan dengan murah hati dan bahkan diizinkan untuk mencium tangan tsar - "mereka berada di tangan penguasa yang agung", beberapa menerima pangkat dan gaji, Gregory sendiri menerima empat puluh musang untuk satu ratus rubel (ukuran perbendaharaan bulu).

Drama berikut oleh Gregory sudah dimainkan di Moskow di kamar Kremlin, penontonnya dekat dengan raja: bangsawan, bundaran, bangsawan, juru tulis; ada tempat khusus untuk ratu dan putri, sering dipagari dengan jeruji sehingga tidak terlihat oleh publik. Pertunjukan dimulai pukul 10 malam dan berlangsung hingga pagi hari. Jika dalam "Act of Artaxerxes" partisipasi musik agak tidak disengaja, maka pada tahun 1673 sebuah drama yang sangat mirip dengan opera muncul di atas panggung. Kemungkinan besar, itu adalah pengerjaan ulang libretto opera Rinuccini "Eurydice", yang merupakan salah satu opera pertama dan didistribusikan secara luas ke seluruh Eropa dalam berbagai adaptasi.

Johann Gregory bahkan mendirikan sekolah teater pada tahun 1673, di mana 26 anak filistin belajar "komedi". Namun, pada tahun 1675, Gregory jatuh sakit dan pergi ke tanah Jerman untuk berobat, tetapi segera meninggal di kota Merserburg, tempat ia dimakamkan, dan sekolah teater ditutup. Setelah kematian Tsar Alexei Mikhailovich pada tahun 1676, Tsar Fyodor Alekseevich yang baru tidak menunjukkan minat pada teater, pelindung utama Artamon Matveev dikirim ke pengasingan di Pustozersk, teater dibongkar. Tontonan berhenti, tetapi tetap ada pemikiran bahwa itu diperbolehkan, karena sultan sendiri terhibur dengan ini.

Setelah menjalani sebagian besar hidupnya di Rusia, Gregory tertinggal di belakang tren teater modern dan komedi yang dipentaskannya sudah ketinggalan zaman, namun, awal dari seni drama dan opera di Rusia telah diletakkan. Banding berikutnya ke teater dan kebangkitannya terjadi dua puluh lima tahun kemudian, pada masa Peter I.

Empat abad telah berlalu sejak itu, tetapi opera masih dianggap sebagai salah satu genre musik paling populer. Pemahaman tentang musik opera dapat diakses oleh semua orang, ini dibantu oleh kata-kata dan aksi panggung, dan musik meningkatkan kesan drama, mengungkapkan dengan singkatnya apa yang terkadang sulit untuk disampaikan dengan kata-kata.

Saat ini, publik Rusia tertarik dengan opera S. M. Slonimsky, R. K. Shchedrin, L. A. Desyatnikov, V. A. Kobekin, A. V. Tchaikovsky - meskipun sulit, Anda dapat menontonnya dengan membeli tiket Teater Bolshoi. Teater paling terkenal dan populer di negara kita, tentu saja, adalah Teater Bolshoi - salah satu simbol utama negara kita dan budayanya. Setelah Anda mengunjungi Bolshoi, Anda dapat sepenuhnya mengalami penyatuan musik dan drama.

Pada tanggal 9 Desember 1836 (27 November, gaya lama), pemutaran perdana opera A Life for the Tsar karya Mikhail Ivanovich Glinka berlangsung di panggung Teater Bolshoi St. .

Dengan opera ini, jalur perintis dari komposer klasik Rusia pertama dimulai, mendorongnya ke tingkat dunia. Kami akan berbicara tentang penemuan musik Glinka yang paling signifikan.

Opera Nasional Pertama

M. I. Glinka menyadari sepenuhnya tujuan sebenarnya selama perjalanannya di Eropa. Jauh dari tanah airnya, sang komposer memutuskan untuk membuat opera Rusia asli dan mulai mencari plot yang cocok untuknya. Atas saran Zhukovsky, Glinka menetapkan kisah patriotik - sebuah legenda tentang prestasi Ivan Susanin, yang memberikan nyawanya atas nama menyelamatkan tanah airnya.

Untuk pertama kalinya dalam musik opera dunia, pahlawan seperti itu muncul - yang berasal dari sederhana dan dengan fitur terbaik dari karakter nasional. Untuk pertama kalinya dalam karya musik sebesar ini, tradisi terkaya dari cerita rakyat nasional, penulisan lagu Rusia terdengar. Penonton menerima opera dengan keras, pengakuan dan ketenaran datang ke komposer. Dalam sepucuk surat kepada ibunya, Glinka menulis:

“Tadi malam keinginan saya akhirnya terpenuhi, dan kerja keras saya dimahkotai dengan kesuksesan yang paling cemerlang. Penonton menerima opera saya dengan antusiasme yang luar biasa, para aktor kehilangan kesabaran dengan semangat… kaisar-daulat… berterima kasih kepada saya dan berbicara dengan saya untuk waktu yang lama…”.

Opera tersebut sangat diapresiasi oleh para kritikus dan tokoh budaya. Odoevsky menyebutnya "awal dari elemen baru dalam Seni - periode musik Rusia".

Epik dongeng datang ke musik

Pada tahun 1837, Glinka mulai mengerjakan sebuah opera baru, kali ini beralih ke puisi A.S. Pushkin Ruslan dan Lyudmila. Ide untuk memasukkan epik dongeng ke dalam musik datang ke Glinka selama kehidupan penyair, yang seharusnya membantunya dengan libretto, tetapi kematian Pushkin mengganggu rencana ini.

Penayangan perdana opera berlangsung pada tahun 1842 - pada tanggal 9 Desember, tepat enam tahun setelah Susanin, tetapi, sayangnya, tidak membawa kesuksesan besar yang sama. Masyarakat aristokrat, yang dipimpin oleh keluarga kekaisaran, menghadapi produksi dengan permusuhan. Kritikus dan bahkan pendukung Glinka bereaksi terhadap opera tersebut dengan ambigu.

“Di akhir babak ke-5, keluarga kekaisaran meninggalkan teater. Ketika tirai diturunkan, mereka mulai memanggil saya, tetapi mereka bertepuk tangan dengan sangat tidak ramah, sementara mereka mendesis dengan bersemangat, dan terutama dari panggung dan orkestra, ”

kenang sang komposer.

Alasan reaksi ini adalah inovasi Glinka, yang dengannya dia mendekati penciptaan Ruslan dan Lyudmila. Dalam karya ini, komposer menggabungkan motif dan gambar yang sangat berbeda yang sebelumnya tampak tidak sesuai dengan pendengar Rusia - liris, epik, cerita rakyat, oriental, dan fantastis. Selain itu, Glinka meninggalkan bentuk sekolah opera Italia dan Prancis yang akrab bagi penonton.

Epik luar biasa yang belakangan ini diperkuat dalam karya Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky, Borodin. Namun saat itu, publik sama sekali belum siap dengan revolusi musik opera semacam ini. Opera Glinka sudah lama dianggap bukan karya panggung. Salah satu pembelanya, kritikus V. Stasov, bahkan menyebutnya sebagai "martir di zaman kita".

Awal dari musik simfoni Rusia

Setelah kegagalan Ruslan dan Lyudmila, Glinka pergi ke luar negeri, di mana dia terus berkreasi. Pada tahun 1848, "Kamarinskaya" yang terkenal muncul - sebuah fantasi dengan tema dua lagu Rusia - pernikahan dan tarian. Musik simfoni Rusia berasal dari Kamarinskaya. Seingat sang komposer, dia menulisnya dengan sangat cepat, itulah sebabnya dia menyebutnya fantasi.

“Saya dapat meyakinkan Anda bahwa saat membuat karya ini, saya dibimbing oleh satu-satunya perasaan musik batin, tidak memikirkan tentang apa yang terjadi di pesta pernikahan, bagaimana orang Ortodoks kita berjalan”,

kata Glinka kemudian. Sangat menarik bahwa "para ahli" yang dekat dengan Permaisuri Alexandra Feodorovna menjelaskan kepadanya bahwa di salah satu tempat kerja orang dapat dengan jelas mendengar bagaimana "seorang pria mabuk mengetuk pintu gubuk".

Jadi, melalui dua lagu Rusia terpopuler, Glinka menyetujui jenis musik simfoni baru dan meletakkan dasar untuk pengembangan selanjutnya. Tchaikovsky mengomentari karya tersebut sebagai berikut:

“Seluruh sekolah simfoni Rusia, seperti seluruh pohon ek di dalam perut, terkandung dalam fantasi simfoni “Kamarinskaya”.

Isi artikel

OPERA RUSIA. Sekolah opera Rusia - bersama dengan Italia, Jerman, Prancis - memiliki kepentingan global; Ini terutama menyangkut sejumlah opera yang dibuat pada paruh kedua abad ke-19, serta beberapa karya abad ke-20. Salah satu opera paling populer di panggung dunia pada akhir abad ke-20. - Boris Godunov M.P. Mussorgsky, sering juga disebut Ratu Sekop P.I. Tchaikovsky (jarang opera lainnya, terutama Eugene Onegin); menikmati ketenaran besar Pangeran Igor A.P. Borodin; dari 15 opera oleh N.A. Rimsky-Korsakov secara teratur muncul Ayam Jantan Emas. Di antara opera abad ke-20. repertoar terbanyak Malaikat Api S.S. Prokofiev dan Lady Macbeth dari Distrik Mtsensk D.D. Shostakovich. Tentu saja hal ini tidak menguras kekayaan sekolah opera nasional.

Munculnya opera di Rusia (abad ke-18).

Opera adalah salah satu genre Eropa Barat pertama yang mengakar di tanah Rusia. Sudah pada tahun 1730-an, sebuah opera pengadilan Italia diciptakan, yang ditulis oleh musisi asing, yang bekerja di Rusia pada paruh kedua abad ini, pertunjukan opera publik muncul; opera juga dipentaskan di teater benteng. Opera Rusia pertama dipertimbangkan Melnik - seorang penyihir, penipu dan mak comblang Mikhail Matveyevich Sokolovsky ke teks oleh A.O. Ablesimov (1779) adalah komedi sehari-hari dengan nomor musik yang bersifat lagu, yang meletakkan dasar bagi sejumlah karya populer dari genre ini - sebuah opera komik awal. Di antara mereka, opera oleh Vasily Alekseevich Pashkevich (c. 1742–1797) menonjol ( Pelit, 1782; St. Petersburg Gostiny Dvor, 1792; Masalah dari gerbong, 1779) dan Evstigney Ipatovich Fomin (1761–1800) ( Kusir di pangkalan, 1787; orang Amerika, 1788). Dalam genre opera seria, dua karya komposer terhebat pada periode ini, Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751–1825), ditulis ke libretto Prancis - Elang(1786) dan Putra Saingan, atau Stratonik Modern(1787); ada eksperimen menarik dalam genre melodrama dan musik untuk pertunjukan dramatis.

Opera sebelum Glinka (abad ke-19).

Di abad berikutnya, popularitas genre opera di Rusia semakin meningkat. Opera adalah puncak aspirasi komposer Rusia abad ke-19, dan bahkan mereka yang tidak meninggalkan satu karya pun dalam genre ini (misalnya, M.A. Balakirev, A.K. Lyadov), selama bertahun-tahun merenungkan proyek opera tertentu. Alasannya jelas: pertama, opera, seperti dicatat Tchaikovsky, adalah genre yang memungkinkan untuk "berbicara dalam bahasa massa"; kedua, opera memungkinkan untuk menerangi secara artistik masalah utama ideologis, sejarah, psikologis, dan masalah lain yang memenuhi pikiran orang Rusia pada abad ke-19; Terakhir, dalam budaya profesional muda terdapat daya tarik yang kuat terhadap genre yang mencakup, bersama dengan musik, kata, gerakan panggung, dan lukisan. Selain itu, tradisi tertentu telah berkembang - warisan yang tersisa dalam genre musik dan teater abad ke-18.

Pada dekade pertama abad ke-19 pengadilan dan teater swasta layu, monopoli terkonsentrasi di tangan negara. Kehidupan musik dan teater di kedua ibu kota sangat meriah: kuartal pertama abad ini adalah masa kejayaan balet Rusia; pada tahun 1800-an, ada empat rombongan teater di St. Petersburg - Rusia, Prancis, Jerman, dan Italia, di mana tiga di antaranya mementaskan drama dan opera, yang terakhir - satu-satunya opera; beberapa rombongan juga bekerja di Moskow. Perusahaan Italia ternyata yang paling stabil - bahkan di awal tahun 1870-an, Tchaikovsky muda, yang bertindak di bidang kritis, harus berjuang untuk mendapatkan posisi yang layak dari opera Rusia Moskow dibandingkan dengan opera Italia; Raek Mussorgsky, di salah satu episodenya, hasrat publik St. Petersburg dan kritik terhadap penyanyi terkenal Italia diejek, juga ditulis pada pergantian tahun 1870-an.

Boildieu dan Cavos.

Di antara komposer asing yang diundang ke St. Petersburg pada periode ini, nama penulis Prancis terkenal Adrien Boildieu menonjol ( cm. BUALDIEU, FRANCOIS ADRIENE) dan Caterino Cavos Italia (1775–1840) , yang pada tahun 1803 menjadi konduktor opera Rusia dan Italia, pada tahun 1834-1840 ia hanya mengepalai opera Rusia (dan dalam kapasitas ini berkontribusi pada produksi Hidup untuk raja Glinka, meskipun pada tahun 1815 ia menggubah opera sendiri di plot yang sama, yang sukses besar), adalah inspektur dan direktur semua orkestra teater kekaisaran, banyak menulis tentang plot Rusia - seperti dongeng ( Pangeran Gaib Dan Ilya sang pahlawan ke libretto oleh I.A. Krylov, Svetlana ke libretto oleh V.A. Zhukovsky dan lainnya), dan patriotik ( Ivan Susanin ke libretto oleh A.A. Shakhovsky, Penyair Cossack ke libretto oleh penulis yang sama). Opera paling populer di kuartal pertama abad ini, opera paling populer di kuartal pertama Lesta, atau Putri Duyung Dnieper Kavos dan Stepan Ivanovich Davydov (1777–1825). Pada 1803, Singspiel Wina dipentaskan di St. putri duyung Danube Ferdinand Cauer (1751-1831) dengan nomor musik tambahan oleh Davydov - dalam terjemahan Putri duyung Dnieper; pada tahun 1804, bagian kedua dari singspiel yang sama muncul di St. Petersburg dengan memasukkan nomor Kavos; kemudian disusun - oleh Davydov saja - sekuel Rusia. Campuran rencana fantastis, nyata-nasional, dan badut bertahan lama di teater musikal Rusia (dalam musik Eropa Barat, opera romantis awal K.M. Weber dapat berfungsi sebagai analogi - penembak bebas Dan Oberon, milik jenis singspiel dongeng yang sama).

Sebagai baris terdepan kedua dari kreativitas opera pada dekade pertama abad ke-19. komedi rumah tangga dari kehidupan "rakyat" menonjol - juga merupakan genre yang dikenal dari abad terakhir. Ini termasuk, misalnya, opera satu babak Yam, atau Stasiun Pos(1805), Pertemuan, atau konsekuensi dari Yam (1808), Devishnik, atau pernikahan Filatkin(1809) oleh Alexei Nikolaevich Titov (1769–1827) menjadi libretto oleh A.Ya. Opera disimpan dalam repertoar untuk waktu yang lama. Waktu Natal kuno Czech Franz Blima pada teks sejarawan A.F. Malinovsky berdasarkan ritual rakyat; opera "lagu" Daniil Nikitich Kashin (1770–1841) berhasil Natalya, putri boyar(1803) berdasarkan novel karya N.M. Karamzin, direvisi oleh S.N. Glinka dan Olga si Cantik(1809) ke libretto oleh penulis yang sama. Baris ini berkembang pesat selama perang tahun 1812. Pertunjukan musik dan patriotik, yang disusun dengan tergesa-gesa dan menggabungkan dasar plot "topikal" yang sangat sederhana dengan tarian, nyanyian, dan percakapan (namanya khas: Milisi, atau Cinta Tanah Air, Cossack di London, Liburan di kamp tentara sekutu di Montmartre, Relawan Cossack dan Prusia di Jerman, Kembalinya milisi), menandai dimulainya pengalihan sebagai genre musik dan teater khusus.

Verstovsky.

Komposer opera Rusia terhebat sebelum Glinka adalah A.N. Verstovsky (1799–1862) ( cm. VERSTOVSKY, ALEXEY NIKOLAEVICH). Secara kronologis, era Verstovsky bertepatan dengan era Glinka: meskipun opera pertama oleh komposer Moskow adalah Pan TVardovsky(1828) muncul lebih awal Hidup untuk raja, yang paling populer Makam Askold- di tahun yang sama dengan opera Glinka, dan opera terakhir Verstovsky, Petir(1857), setelah kematian Glinka. Keberhasilan besar (walaupun sebagian besar murni Moskow) dari opera Verstovsky dan "kemampuan bertahan" dari yang paling sukses di antara mereka - Makam Askold- karena daya tarik bagi orang-orang sezaman dari plot yang dibangun di atas motif "legenda Rusia-Slavia paling kuno" (tentu saja, ditafsirkan dengan sangat bersyarat), dan musik, dalam struktur intonasional yang merupakan nasional Rusia, Slavia Barat, dan Moldavia-Gipsi intonasi sehari-hari beraneka ragam. Jelas bahwa Verstovsky tidak menguasai bentuk opera besar: di hampir semua operanya, "angka" musik bergantian dengan adegan percakapan yang panjang (upaya komposer untuk menulis resitatif dalam karya selanjutnya tidak mengubah banyak hal), fragmen orkestra biasanya tidak menarik dan tidak bergambar, bagaimanapun, opera dari komposer ini, dalam kata-kata seorang kontemporer, "terdengar sesuatu yang familiar", "asli yang menyenangkan". "Perasaan mulia cinta tanah air" yang ditimbulkan oleh opera-opera "legendaris" ini bisa dibandingkan dengan kesan publik terhadap novel Zagoskin, pustakawan tetap sang komposer.

Glinka.

Meski musik era pra-Glinka kini telah dipelajari dengan cukup detail, kemunculan Mikhail Ivanovich Glinka (1804–1857) tak henti-hentinya tampak seperti keajaiban. Kualitas mendasar dari pemberiannya adalah intelektualisme yang dalam dan seni yang halus. Glinka segera mendapatkan ide untuk menulis "opera Rusia yang hebat", yang berarti ini adalah karya bergenre tragis yang luhur. Awalnya (tahun 1834), tema prestasi Ivan Susanin, yang ditunjukkan kepada komposer oleh V.A. Zhukovsky, berupa oratorio panggung tiga lukisan: desa Susanin, bentrokan dengan Polandia, kemenangan. Namun, kemudian Hidup untuk raja(1836) menjadi opera nyata dengan permulaan paduan suara yang kuat, yang sesuai dengan tradisi budaya nasional dan sebagian besar telah menentukan jalur masa depan opera Rusia. Glinka adalah penulis Rusia pertama yang memecahkan masalah pidato musik panggung, dan untuk "angka" musikal, mereka, yang ditulis dalam bentuk solo tradisional, ansambel, paduan suara, ternyata diisi dengan konten intonasi baru yang diasosiasikan dengan Model Italia atau lainnya diatasi. Selain itu, di Hidup untuk raja keragaman gaya opera Rusia sebelumnya diatasi, ketika adegan bergenre ditulis "dalam bahasa Rusia", liris arias "dalam bahasa Italia", dan momen dramatis "dalam bahasa Prancis" atau "Jerman". Namun, banyak musisi Rusia dari generasi berikutnya, yang menghormati drama heroik ini, masih lebih menyukai opera kedua Glinka - Ruslan dan Ludmila(menurut Pushkin, 1842), melihat dalam karya ini arah yang benar-benar baru (dilanjutkan oleh N.A. Rimsky-Korsakov dan A.P. Borodin). Tugas opera Ruslana- sama sekali berbeda dari karya Pushkin: penciptaan kembali pertama dari semangat Rusia kuno dalam musik; Timur yang "asli" dalam berbagai penyamarannya - "lesu" dan "militan"; fantasi (Naina, Kastil Chernomor) benar-benar orisinal dan sama sekali tidak kalah dengan fantasi orang-orang sezaman Glinka yang paling maju - Berlioz dan Wagner.

Dargomyzhsky.

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813–1869) memulai karirnya sebagai komposer opera cukup muda, pada paruh kedua tahun 1830-an, ketika, terinspirasi oleh pemutaran perdana Hidup untuk raja, mulai menulis musik untuk libretto Prancis oleh V. Hugo Esmeralda.

Plot opera berikutnya muncul bahkan sebelum produksi Esmeralda(1841), dan itu milik Pushkin Putri duyung, yang, bagaimanapun, muncul di atas panggung hanya pada tahun 1856. Putri duyung juga ternyata dekat dengan kehidupan musik modern. Tidak seperti instrumentasi virtuoso Glinka, orkestra Dargomyzhsky sederhana, paduan suara rakyat yang indah Putri duyung sifatnya cukup tradisional, dan konten dramatis utama terkonsentrasi pada bagian solo dan terutama dalam ansambel yang megah, dan dalam pewarnaan melodi, elemen Rusia yang tepat digabungkan dengan Slavia - Rusia Kecil dan Polandia. Opera terakhir Dargomyzhsky, tamu batu(menurut Pushkin, 1869, dipentaskan pada tahun 1872), sebuah karya yang benar-benar inovatif, bahkan eksperimental dalam genre "opera percakapan" (dialog opera). Komposer mengelola di sini tanpa mengembangkan bentuk vokal seperti aria (satu-satunya pengecualian adalah dua lagu Laura), tanpa orkestra simfoni, dan sebagai hasilnya, sebuah karya yang luar biasa halus muncul, di mana frase melodi terpendek atau bahkan satu konsonan dapat memperoleh ekspresi yang hebat dan mandiri.

Serov.

Lebih lambat dari Dargomyzhsky, tetapi lebih awal dari Kuchkist dan Tchaikovsky, Alexander Nikolaevich Serov (1820–1871) membuat dirinya dikenal dalam genre opera. Opera pertamanya Judith(1863), muncul ketika pengarangnya sudah berusia lebih dari empat puluh tahun (sebelum itu, Serov telah mendapatkan ketenaran yang cukup besar sebagai kritikus musik, tetapi sebagai seorang komposer dia tidak menciptakan sesuatu yang luar biasa). Drama oleh P. Giacometti (ditulis khusus untuk aktris tragis terkenal Adelaide Ristori, yang dalam peran ini membuat heboh di St. Petersburg dan Moskow) berdasarkan kisah alkitabiah tentang seorang pahlawan wanita yang menyelamatkan rakyatnya dari perbudakan, sepenuhnya sesuai dengan kegembiraan keadaan masyarakat Rusia pada pergantian tahun 1860-an. Kontras warna-warni antara Yudea dan Asyur yang tenggelam dalam kemewahan juga menarik. Judith termasuk dalam genre "grand opera" jenis Meyerbeer, yang juga baru di panggung Rusia; ia memiliki permulaan oratorio yang kuat (adegan paduan suara mendetail yang paling sesuai dengan semangat legenda alkitabiah dan didukung dalam gaya oratorio klasik tipe Handel) dan pada saat yang sama teatrikal dan dekoratif (pengalihan dengan tarian). Mussorgsky menelepon Judith yang pertama setelah Glinka "menafsirkan dengan serius" opera di panggung Rusia. Didorong oleh sambutan hangat, Serov segera mulai mengerjakan opera baru, sekarang di plot sejarah Rusia, - Rogned. "Libretto sejarah" menurut kronik menyebabkan banyak tuduhan tidak masuk akal, distorsi fakta, "cap", kepalsuan bahasa yang dianggap umum, dll.; musik, terlepas dari banyaknya "tempat umum", berisi fragmen-fragmen spektakuler (di antaranya tempat pertama, tentu saja, ditempati oleh balada Varang Rogneda - masih ditemukan dalam repertoar konser). Setelah Rognedy(1865) Serov berbelok sangat tajam, beralih ke drama dari kehidupan modern - drama oleh A.N. Ostrovsky Jangan hidup seperti yang Anda inginkan dan dengan demikian menjadi komposer pertama yang berani menulis "opera dari modernitas" - Kekuatan Musuh (1871).

"Gunung Perkasa".

Kemunculan opera terbaru Dargomyzhsky dan Serov hanya sedikit lebih cepat dari waktu produksi opera pertama oleh komposer The Mighty Handful. Opera Kuchkist memiliki beberapa fitur "umum", yang dimanifestasikan dalam artis yang berbeda seperti Mussorgsky, Rimsky-Korsakov dan Borodin: preferensi untuk tema Rusia, terutama sejarah dan dongeng-mitologis; perhatian besar tidak hanya pada pengembangan plot yang "dapat diandalkan", tetapi juga pada fonetik dan semantik kata, dan secara umum pada garis vokal, yang selalu berada di latar depan, bahkan dalam kasus orkestra yang sangat berkembang; peran paduan suara yang sangat signifikan (paling sering - "rakyat"); Jenis dramaturgi musik "melalui" dan bukan "bernomor".

Mussorgsky.

Opera, seperti genre lain yang terkait dengan intonasi vokal, merupakan bagian utama dari warisan Modest Petrovich Mussorgsky (1839–1881): sebagai seorang pemuda, ia memulai perjalanannya dalam musik dari rencana opera (opera yang belum terealisasi). Gan orang Islandia menurut V. Hugo) dan meninggal dunia, meninggalkan dua opera yang belum selesai - Khovanshchina Dan Pameran Sorochinskaya(yang pertama benar-benar selesai di clavier, tetapi hampir tanpa instrumentasi; yang kedua, adegan utama disusun).

Karya besar pertama Mussorgsky muda di paruh kedua tahun 1860-an adalah opera Salambo(menurut G. Flaubert, 1866; tetap belum selesai; dalam dokumen otobiografi selanjutnya, karya tersebut ditetapkan bukan sebagai "opera", tetapi sebagai "adegan", dan dalam kapasitas inilah karya tersebut dipertunjukkan hari ini). Gambar Timur yang sepenuhnya orisinal telah dibuat di sini - bukan "Kartago" yang eksotis seperti Rusia-Alkitabiah, yang memiliki kesejajaran dalam lukisan ("sketsa alkitabiah" oleh Alexander Ivanov) dan dalam puisi (misalnya, Alexei Khomyakov). Arah "anti-romantis" yang berlawanan diwakili oleh opera awal kedua Mussorgsky yang belum selesai - Pernikahan(menurut Gogol, 1868). Ini, menurut definisi penulis, "belajar untuk ujian kamar" melanjutkan kalimatnya tamu batu Dargomyzhsky, tetapi mempertajamnya sebanyak mungkin dengan memilih prosa daripada puisi, plot yang benar-benar "nyata", dan terlebih lagi, "modern", sehingga memperbesar skala genre opera eksperimen "panggung romansa" itu. Dargomyzhsky melakukan ( Penasihat Tituler, Cacing dll.) dan Mussorgsky sendiri.

Boris Godunov

(Edisi pertama - 1868-1869; edisi ke-2 - 1872, dipentaskan pada tahun 1874) memiliki subtitle "menurut Pushkin dan Karamzin", ini didasarkan pada tragedi Pushkin, tetapi dengan sisipan yang signifikan oleh komposernya. Sudah di versi opera pertama yang lebih kamar, berfokus pada drama kepribadian sebagai drama "kejahatan dan hukuman" ( Boris Godunov– kontemporer Kejahatan dan hukuman F. M. Dostoevsky), Mussorgsky menyimpang sangat jauh dari kanon opera mana pun - baik dari segi intensitas dramaturgi dan ketajaman bahasanya, maupun dalam interpretasi plot sejarah. Bekerja pada edisi kedua Boris Godunov, yang mencakup "tindakan Polandia" yang agak lebih tradisional dan adegan pemberontakan populer yang tidak biasa dalam sebuah opera ("Di Bawah Kromy"), Mussorgsky mungkin telah mengingat perkembangan lebih lanjut dari preseden Masa Kesulitan - the Pemberontakan Razin, kerusuhan Streltsy, perpecahan, Pugachevshchina , mis. plot yang mungkin dan hanya sebagian yang terwujud dari opera masa depan mereka - kronik musik-sejarah Rusia. Dari program ini, hanya drama perpecahan yang dilakukan - Khovanshchina, yang dimulai Mussorgsky segera setelah selesainya edisi kedua Boris Godunov, bahkan bersamaan dengan penyelesaiannya; pada saat yang sama, gagasan tentang "drama musik dengan partisipasi Volga Cossack" muncul dalam dokumen, dan kemudian Mussorgsky menandai rekaman lagu daerahnya "Untuk opera terakhir Pugachevshchina».

Boris Godunov, terutama pada edisi pertama, merepresentasikan jenis opera dengan perkembangan aksi musikal, di mana fragmen yang diselesaikan hanya muncul jika dikondisikan oleh situasi panggung (paduan suara pujian, ratapan sang putri, polonaise di pesta dansa). di istana, dll). DI DALAM Khovanshchina Mussorgsky menetapkan tugas untuk menciptakan, dalam kata-katanya, melodi yang "bermakna / dibenarkan", dan lagu itu menjadi dasarnya, yaitu. tidak bersifat instrumental (seperti dalam aria klasik), tetapi struktur strofik, variabel bebas - dalam bentuk "murni" atau dalam kombinasi dengan elemen resitatif. Keadaan ini sangat menentukan bentuk opera, yang, sambil mempertahankan kesinambungan dan kelancaran aksi, memasukkan lebih banyak angka "selesai", "bulat" - dan paduan suara ( Khovanshchina ke tingkat yang jauh lebih besar dari Boris Godunov, opera paduan suara - "drama musik rakyat"), dan solo.

Tidak seperti Boris Godunov, yang tampil di panggung Teater Mariinsky selama beberapa tahun dan diterbitkan selama masa penulisnya, Khovanshchina pertama kali dibawakan dalam edisi Rimsky-Korsakov satu setengah dekade setelah kematian penulisnya, pada akhir tahun 1890-an dipentaskan di Moscow Private Russian Opera oleh S.I. di Teater Mariinsky Khovanshchina muncul, berkat upaya Chaliapin yang sama, pada tahun 1911, hampir bersamaan dengan pertunjukan opera di Paris dan London oleh perusahaan Diaghilev (tiga tahun sebelumnya, produksi Diaghilev di Paris meraih kesuksesan yang sensasional Boris Godunov). Di abad ke-20 upaya berulang kali dilakukan untuk membangkitkan dan menyelesaikan pernikahan Dan Pameran Sorochinskaya dalam edisi yang berbeda; untuk yang kedua, rujukannya adalah rekonstruksi V.Ya.Shebalin.

Rimsky-Korsakov.

Warisan Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844–1908) mewakili banyak genre musik utama, tetapi pencapaian terbesarnya, seperti Mussorgsky, dikaitkan dengan opera. Itu melewati seluruh hidup komposer: dari tahun 1868, awal komposisi opera pertama ( Pskovityanka), hingga 1907, penyelesaian opera kelima belas yang terakhir ( Ayam Jantan Emas). Rimsky-Korsakov bekerja sangat intens dalam genre ini sejak pertengahan 1890-an: selama satu setengah dekade berikutnya, ia menciptakan 11 opera. Hingga pertengahan 1890-an, semua pemutaran perdana opera Rimsky-Korsakov berlangsung di Teater Mariinsky; Belakangan, dari pertengahan 1890-an, kolaborasi komposer dengan Moscow Private Russian Opera oleh S.I. Mamontov, di mana sebagian besar opera terakhir Korsakov, dimulai dengan Sadko. Kerja sama ini memainkan peran khusus dalam pembentukan jenis desain baru dan keputusan penyutradaraan pertunjukan musik (serta dalam pengembangan kreatif seniman lingkaran raksasa seperti K.A. Korovin, V.M. Vasnetsov, M.A. Vrubel).

Kegiatan editorial Rimsky-Korsakov benar-benar unik: berkat dia, untuk pertama kalinya, Khovanshchina Dan Pangeran Igor, yang tetap belum selesai setelah kematian Mussorgsky dan Borodin (versi opera Borodino dibuat bersama dengan A.K. Glazunov); dia instrumen tamu batu Dargomyzhsky (dan dua kali: untuk pemutaran perdana pada tahun 1870 dan lagi pada tahun 1897-1902) dan diterbitkan pernikahan Mussorgsky; dalam edisinya mendapatkan ketenaran di seluruh dunia Boris Godunov Mussorgsky (dan meskipun versi penulis semakin disukai, versi Korsakov terus diputar di banyak bioskop); akhirnya, Rimsky-Korsakov (bersama dengan Balakirev, Lyadov dan Glazunov) dua kali menyiapkan partitur opera Glinka untuk diterbitkan. Jadi, dalam kaitannya dengan genre opera (serta sejumlah aspek lainnya), karya Rimsky-Korsakov merupakan semacam inti musik klasik Rusia, yang menghubungkan era Glinka dan Dargomyzhsky dari abad ke-20.

Di antara 15 opera Rimsky-Korsakov, tidak ada genre dengan jenis yang sama; bahkan opera dongengnya dalam banyak hal berbeda satu sama lain: Gadis Salju(1882) - "kisah musim semi", Kisah Tsar Saltan(1900) - "hanya dongeng", Koschei yang Abadi(1902) - "Kisah Musim Gugur", Ayam Jantan Emas(1907) - "fiksi di wajah." Daftar ini bisa berlanjut: Pskovityanka(1873) - kronik opera, Mlada(1892) - balet opera, malam Natal(1895) - menurut definisi penulis, "carol story", Sadko(1897) - opera epik, Mozart dan Salieri(1898) - ruang "adegan dramatis", Legenda kota Kitezh yang tak terlihat dan gadis Fevronia(1904) - opera-tale (atau "drama liturgi"). Jenis opera yang lebih tradisional termasuk komedi liris. Mei malam(setelah Gogol, 1880), drama liris di plot sejarah Rusia pengantin kerajaan(menurut L.A. May, 1899; dan prolog opera ini Boyarina Vera Sheloga, 1898) dan dua opera yang kurang terkenal (dan memang kurang berhasil) dari pergantian abad ke-19 dan ke-20. - Gubernur pan(1904) pada motif Polandia dan Servilia(1902) berdasarkan drama Mei, berlatar abad pertama Masehi Roma.

Intinya, Rimsky-Korsakov mereformasi genre opera pada skala kreativitasnya sendiri dan tanpa memproklamasikan slogan teoretis apa pun. Reformasi ini dikaitkan dengan ketergantungan pada pola sekolah Rusia yang sudah mapan (di Ruslana dan Lyudmila Glinka dan prinsip-prinsip estetika Kuchkism), kesenian rakyat dalam manifestasinya yang paling beragam dan bentuk pemikiran manusia yang paling kuno - mitos, epik, dongeng (keadaan terakhir tidak diragukan lagi membawa komposer Rusia lebih dekat dengan orang sezamannya yang lebih tua - Richard Wagner, meskipun ke parameter utama dari Rimsky-Korsakov-nya sendiri sampai pada konsep opera sendiri, sebelum berkenalan dengan tetralogi dan opera Wagner selanjutnya). Ciri khas opera "mitologis" Rimsky-Korsakov yang terkait dengan kultus matahari Slavia ( Mei malam, malam Natal, Mlada, opera dongeng), adalah "multi-dunia": aksi terjadi di dua atau lebih "dunia" (manusia, elemen alam dan personifikasinya, dewa pagan), dan setiap "dunia" berbicara dengan bahasanya sendiri, yang sesuai dengan penilaian diri Rimsky-Korsakov sebagai komposer gudang "objektif". Untuk opera periode tengah, dari Mei malam sebelum Malam sebelum Natal, kejenuhan aksi musik dengan adegan ritual dan ritual (terkait dengan hari libur kalender petani kuno - secara umum, seluruh tahun pagan tercermin dalam opera Rimsky-Korsakov); dalam karya-karya selanjutnya, ritualisme, "statuta" (termasuk Kristen Ortodoks, dan seringkali merupakan sintesis dari kepercayaan rakyat "lama" dan "baru") muncul dalam bentuk yang lebih tidak langsung dan halus. Meskipun opera komposer secara teratur dilakukan pada abad ke-19, mereka menerima apresiasi nyata hanya pada pergantian abad ke-19 dan ke-20. dan kemudian, di Zaman Perak, yang paling selaras dengan master ini.

Borodin.

Maksud Pangeran Igor Alexander Porfiryevich Borodin (1833–1877) berasal dari era yang sama dengan rencananya Boris Godunov, Khovanshchina Dan Orang Pskov, yaitu pada akhir tahun 1860-an - awal tahun 1870-an, namun, karena berbagai keadaan, opera tersebut belum sepenuhnya selesai bahkan pada saat kematian pengarangnya pada tahun 1886, dan penayangan perdananya (sebagaimana direvisi oleh Rimsky-Korsakov dan Glazunov) berlangsung hampir bersamaan dengan Ratu Sekop Tchaikovsky (1890). Merupakan karakteristik bahwa, tidak seperti orang-orang sezamannya, yang beralih ke peristiwa dramatis pemerintahan Ivan yang Mengerikan, Boris Godunov dan Peter yang Agung untuk plot opera sejarah, Borodin mengambil monumen epik tertua sebagai dasar - Sepatah kata tentang resimen Igor. Menjadi ilmuwan alam terkemuka, ia menerapkan pendekatan ilmiah pada opera libretto, mengambil interpretasi tempat-tempat sulit di monumen, mempelajari era aksi, mengumpulkan informasi tentang orang-orang nomaden kuno yang disebutkan dalam Kata. Borodin memiliki pandangan yang seimbang dan realistis tentang masalah bentuk opera dan tidak berusaha mengubahnya sepenuhnya. Hasilnya adalah penampilan sebuah karya yang tidak hanya cantik secara umum dan detail, tetapi juga, di satu sisi, ramping dan seimbang, dan di sisi lain, orisinal yang luar biasa. Dalam musik Rusia abad ke-19. sulit untuk menemukan reproduksi cerita rakyat petani yang lebih "asli" daripada di Paduan Suara Poselyan atau Ratapan Yaroslavna. Prolog paduan suara opera, di mana intonasi "skazka" dari adegan Rusia kuno Glinka Ruslana, mirip dengan lukisan dinding abad pertengahan. Motif Timur Pangeran Igor("Bagian Polovtsian") dalam hal kekuatan dan keaslian pewarnaan "stepa" tidak tertandingi dalam seni dunia (penelitian baru-baru ini menunjukkan betapa sensitifnya Borodin terhadap cerita rakyat Timur, bahkan dari sudut pandang etnografi musik). Dan keaslian ini digabungkan dengan cara yang paling alami dengan penggunaan bentuk aria besar yang cukup tradisional - karakteristik pahlawan (Igor, Konchak, Yaroslavna, Vladimir Galitsky, Konchakovna), duet (Vladimir dan Konchakovna, Igor dan Yaroslavna ) dan lainnya, serta dengan unsur-unsur yang diperkenalkan ke dalam gaya Borodin dari musik Eropa Barat (misalnya, "Schumanisme", setidaknya dalam aria Yaroslavna yang sama).

Cui.

Dalam ulasan opera Kuchkist, nama Caesar Antonovich Cui (1835–1918) juga harus disebutkan sebagai penulis hampir dua lusin opera tentang berbagai topik (dari tahanan bule berdasarkan puisi Pushkin dan Angelo oleh Hugo sebelumnya Mademoiselle Fifi menurut G. de Maupassant), yang muncul dan dipentaskan di atas panggung selama setengah abad. Sampai saat ini, semua opera Cui benar-benar dilupakan, tetapi pengecualian harus dibuat untuk karya dewasa pertamanya dalam genre ini - William Ratcliff menurut G.Heine. Ratcliff menjadi opera pertama dari lingkaran Balakirev yang melihat panggung (1869), dan di sini untuk pertama kalinya impian generasi baru drama opera terwujud.

Chaikovsky.

Seperti Rimsky-Korsakov dan Mussorgsky, Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) memiliki ketertarikan yang kuat pada genre opera (dan juga, tidak seperti Kuchkists, pada balet) sepanjang hidupnya: opera pertamanya, Gubernur(menurut A.N. Ostrovsky, 1869), merujuk pada awal dari aktivitas kreatif independen; pemutaran perdana terakhir Iolanta, terjadi kurang dari setahun sebelum kematian mendadak sang komposer.

Opera Tchaikovsky ditulis dalam berbagai subjek - sejarah ( Oprichnik, 1872; Pembantu Orleans, 1879; Mazepa, 1883), komik ( Pandai Besi Vakula, 1874, dan versi penulis kedua dari opera ini - Cherevichki, 1885), lirik ( Eugene Onegin, 1878; Iolanta, 1891), liris-tragis ( Penyihir, 1887; Ratu Sekop, 1890) dan sesuai dengan temanya memiliki tampilan yang berbeda. Namun, dalam pemahaman Tchaikovsky, semua plot yang dia pilih memperoleh pewarnaan psikologis yang personal. Dia relatif sedikit tertarik pada warna lokal, penggambaran tempat dan waktu tindakan - Tchaikovsky memasuki sejarah seni Rusia terutama sebagai pencipta drama musik liris. Tchaikovsky, seperti kaum Kuchkist, tidak memiliki satu pun konsep opera universal, dan dia dengan bebas menggunakan semua bentuk yang diketahui. Meskipun gaya tamu batu selalu tampak "berlebihan" baginya, ia agak dipengaruhi oleh gagasan dialog opera, yang tercermin dalam preferensi untuk dramaturgi musik dari pidato nyanyian lagu yang terus menerus dan melodi daripada resitatif "formal" (di sini Tchaikovsky, namun, datang tidak hanya dari Dargomyzhsky, tetapi bahkan lebih dari Glinka, terutama dari yang sangat dihormati olehnya Hidup untuk raja). Pada saat yang sama, Tchaikovsky, jauh lebih besar daripada warga Petersburg (dengan pengecualian Borodin), dicirikan oleh kombinasi kontinuitas aksi musik dengan kejelasan dan pembedahan bentuk internal dari setiap adegan - dia tidak melakukannya meninggalkan arias tradisional, duet, dan hal-hal lain, dengan mahir memiliki bentuk ansambel "terakhir" yang kompleks (yang tercermin dalam hasrat Tchaikovsky pada seni Mozart pada umumnya dan opera-operanya pada khususnya). Tidak menerima plot Wagnerian dan berhenti dengan kebingungan di hadapan bentuk opera Wagnerian, yang menurutnya tidak masuk akal, Tchaikovsky, bagaimanapun, semakin dekat dengan komposer Jerman dalam interpretasi orkestra opera: bagian instrumental dipenuhi dengan perkembangan simfoni yang kuat dan efektif ( dalam pengertian ini, opera yang terlambat sangat luar biasa, pertama-tama Ratu Sekop).

Dalam dekade terakhir hidupnya, Tchaikovsky menikmati ketenaran komposer opera Rusia terbesar, beberapa operanya dipentaskan di teater asing; Balet Tchaikovsky selanjutnya juga memiliki pemutaran perdana yang penuh kemenangan. Namun, kesuksesan dalam teater musikal tidak segera datang ke komposer daripada di genre instrumental. Secara konvensional, dalam warisan musik dan teater Tchaikovsky, tiga periode dapat dibedakan: awal, Moskow (1868–1877) - Gubernur, Oprichnik, Pandai Besi Vakula, Eugene Onegin Dan Danau Angsa; sedang, hingga akhir tahun 1880-an - tiga opera tragis besar: Pembantu Orleans, Mazepa Dan Penyihir(serta modifikasi Pandai Besi Vakula V Cherevichki, yang secara signifikan mengubah tampilan opera awal ini); terlambat - Ratu Sekop, Iolanta(Satu-satunya opera kamar satu babak "kecil" dari Tchaikovsky) dan balet putri Tidur Dan Alat pemecah buah keras. Kesuksesan besar pertama yang nyata disertai dengan pemutaran perdana di Moskow Eugene Onegin oleh mahasiswa konservatori pada Maret 1879, pemutaran perdana opera ini di St. Petersburg pada tahun 1884 menjadi salah satu puncak jalur kreatif komposer dan awal dari popularitas kolosal karya ini. Puncak kedua, dan bahkan lebih tinggi, adalah pemutaran perdana Ratu Sekop pada tahun 1890.

Anton Rubinstein.

Di antara fenomena yang tidak sesuai dengan arah utama perkembangan teater musikal Rusia pada abad ke-19, opera Anton Grigorievich Rubinstein (1829–1894) dapat disebut: 13 opera proper dan 5 opera-oratorios sakral. Karya musik dan teater terbaik dari komposer dihubungkan dengan tema "timur": opera oratorio dekoratif-monumental Makabe(1874, dipentaskan tahun 1875), lirik Daemon(1871, disampaikan pada tahun 1875) dan Shulamith (1883). Daemon(menurut Lermontov) adalah puncak mutlak dari warisan opera Rubinstein dan salah satu opera lirik Rusia terbaik dan terpopuler.

Blaramberg dan Napravnik.

Di antara penulis opera lain pada era yang sama, komposer Moskow Pavel Ivanovich Blaramberg (1841–1907) dan komposer St. Petersburg Eduard Frantsevich Napravnik (1839–1916), konduktor opera Rusia yang terkenal dan tak tergantikan di Teater Mariinsky, menonjol. selama setengah abad. Blaramberg belajar sendiri dan mencoba mengikuti ajaran lingkaran Balakirev, setidaknya dalam pemilihan mata pelajaran, terutama bahasa Rusia (melodrama sejarahnya menikmati kesuksesan terbesar). Tushintsy dari Masa Kesulitan, 1895). Tidak seperti Blaramberg, Napravnik adalah seorang profesional kelas atas dan tidak diragukan lagi menguasai teknik mengarang; opera pertamanya Nizhny Novgorod pada tema nasional-patriotik (1868) muncul di atas panggung sedikit lebih awal dari opera sejarah Kuchkist pertama - Boris Godunov Dan Orang Pskov dan sebelum pemutaran perdana mereka menikmati beberapa kesuksesan; Opera Napravnik berikutnya, Harold(1885), dibuat di bawah pengaruh yang jelas dari Wagner, sementara yang paling sukses dan terkadang masih ditemukan dalam repertoar teater dari opera penulis ini Dubrovsky(setelah Pushkin, 1894) terinspirasi oleh karya Tchaikovsky, komposer Rusia favorit Napravnik (dia memimpin sejumlah pemutaran perdana opera dan simfoni Tchaikovsky).

Tanev.

Di akhir abad ke-19 satu-satunya opera (opera-trilogi) oleh Sergei Ivanovich Taneyev (1856–1915) lahir orestea(pada plot Aeschylus, 1895). Libretto opera, secara umum, menyimpang jauh dari sumber kuno, dalam arti "psikologisme" yang tidak biasa untuk zaman kuno, dalam interpretasi romantis dari citra sentral perempuan. Meski demikian, ciri utama gaya opera ini membuatnya terkait dengan tradisi klasik, khususnya tragedi musik liris Gluck. Nada karya Taneyev yang tegas dan terkendali, yang diciptakan di ambang abad baru, membawanya lebih dekat ke manifestasi selanjutnya dari arah neoklasik (misalnya, ke opera-oratorio Oedipus Rex I.F. Stravinsky).

Pergantian abad 19-20

Dalam satu setengah dekade terakhir abad ke-19. dan dalam dekade pertama abad berikutnya, yaitu. pada periode setelah kematian Mussorgsky, Borodin, Tchaikovsky (dan pada saat yang sama selama masa kejayaan karya opera Rimsky-Korsakov), sejumlah komposer opera baru diajukan, terutama di Moskow: M.M. Ippolitov-Ivanov (1859– 1935) ( Rut menurut legenda alkitabiah, 1887; Asya menurut Turgenev, 1900; Pengkhianatan, 1910; Ole dari Nordland; 1916), A.S. Arensky (1861–1906) ( Tidur di Volga menurut Ostrovsky, 1888; Raphael, 1894; Nal dan Damayanti, 1903), V.I. Rebikov (1866–1920) ( Dalam badai petir, 1893; pohon Natal, 1900 dan lainnya), S.V. Rakhmaninov (1873–1943) ( Aleko menurut Pushkin, 1892; Ksatria kikir menurut Pushkin dan Francesca da Rimini menurut Dante, 1904), A.T. Grechaninov (1864–1956) ( Nikitich, 1901; Suster Beatrice menurut M. Maeterlinck, 1910); mencoba genre opera juga Vas.S. Kalinnikov (1866–1900/1901) (prolog opera Pada tahun 1812, 1899) dan A.D. Kastalsky (1856–1926) ( Clara Milic menurut Turgenev, 1907). Karya para penulis ini sering dikaitkan dengan aktivitas perusahaan swasta Moskow - pertama Opera Rusia Swasta Moskow oleh S. Mamontov, dan kemudian Opera oleh S.I. Zimin; opera baru sebagian besar termasuk dalam genre liris kamar (beberapa di antaranya adalah satu babak). Beberapa karya yang tercantum di atas bersebelahan dengan tradisi Kuchkist (misalnya, epik Nikitich Grechaninov, sampai batas tertentu juga Rut Ippolitova-Ivanov, ditandai dengan orisinalitas cita rasa oriental, dan opera Kastalsky, di mana sketsa musik kehidupan sehari-hari paling sukses), tetapi pada tingkat yang lebih besar, penulis generasi baru dipengaruhi oleh gaya opera liris. Tchaikovsky (Arensky, Rebikov, opera pertama Rachmaninov), serta tren baru di gedung opera Eropa saat itu.

Opera pertama Stravinsky Bulbul(menurut dongeng oleh H.K. Andersen, 1914) diciptakan atas perintah perusahaan Diaghilev dan secara gaya terhubung dengan estetika Dunia Seni, serta dengan jenis drama musikal baru yang muncul di Pelleas dan Melisande C. Debussy. Opera keduanya Maura(Oleh Rumah di Kolomna Pushkina, 1922), di satu sisi, adalah anekdot musik (atau parodi) yang jenaka, dan di sisi lain, gaya romansa perkotaan Rusia di era Pushkin. opera ketiga, Oedipus Rex(1927), sebenarnya, bukanlah opera melainkan oratorio panggung neoklasik (walaupun prinsip komposisi dan gaya vokal opera seria Italia digunakan di sini). Opera terakhir komposer Petualangan Rake, ditulis lama kemudian (1951) dan tidak ada hubungannya dengan fenomena opera Rusia.

Shostakovich.

Dua opera oleh Dmitri Dmitrievich Shostakovich (1906–1975), yang ditulis olehnya pada akhir 1920-an dan awal 1930-an, juga mengalami nasib yang sulit: Hidung(menurut Gogol, 1929) dan Lady Macbeth dari Distrik Mtsensk(menurut Leskov, 1932, edisi ke-2 1962). Hidung, sebuah karya yang sangat cemerlang dan tajam, di akhir abad ke-20. menikmati popularitas besar di Rusia dan di Barat, secara gaya dikaitkan dengan teater ekspresionis dan didasarkan pada prinsip parodi yang paling tajam, mencapai sindiran yang merusak dan kejam. Edisi pertama Nyonya Macbeth dalam arti tertentu, merupakan kelanjutan dari gaya tersebut hidung, dan tokoh utama opera ini menimbulkan asosiasi dengan tokoh-tokoh seperti Maria in Wozzecke A. Berg dan bahkan Salome dalam opera dengan nama yang sama oleh R. Strauss. Seperti diketahui, memang demikian Nyonya Macbeth, yang sukses besar pada pemutaran perdana, menjadi "objek" artikel program surat kabar Pravda Kekacauan alih-alih musik(1934), yang sangat memengaruhi nasib Shostakovich dan situasi musik Soviet saat itu. Dalam versi opera kedua yang jauh lebih baru, penulis membuat mitigasi yang signifikan - baik dramatis maupun gaya musikal, sebagai akibatnya karya tersebut mengambil bentuk yang agak mirip dengan yang klasik untuk teater opera Rusia, tetapi hilang integritasnya.

Secara umum, masalah opera cukup akut selama periode budaya musik Rusia Soviet. Karena genre ini dianggap salah satu yang paling "demokratis" dan sekaligus paling "ideologis", otoritas yang mengarahkan seni biasanya mendorong komposer untuk bekerja di bidang ini, tetapi pada saat yang sama mengontrolnya dengan ketat. Pada 1920-an dan awal 1930-an, budaya opera di Rusia berada dalam keadaan cemerlang: produksi repertoar klasik yang luar biasa muncul di Moskow dan Leningrad, karya Barat terbaru dipentaskan secara luas; Eksperimen di bidang teater musikal dilakukan oleh sutradara terbesar, dimulai dengan K.S. Stanislavsky dan V.E. Meyerhold dan lainnya.Selanjutnya, perolehan ini sebagian besar hilang. Waktu percobaan di gedung opera berakhir pada awal tahun 1930-an (biasanya, bersama dengan produksi opera oleh Prokofiev dan Shostakovich, opera berdasarkan plot "revolusioner" oleh L.K. Knipper (1898–1974), V.V. (1889–1955), A.F. Pashchenko (1883–1972) dan lainnya; sekarang semuanya telah tenggelam terlupakan). Pada pertengahan 1930-an, konsep yang disebut "opera lagu" sebagai "dapat diakses oleh rakyat" mengemuka: standarnya adalah Pendiam Don(menurut M. Sholokhov, 1935) I.I.Dzerzhinsky (1909–1978); opera oleh T.N. Khrennikov (b. 1913), yang populer pada masanya, termasuk dalam varietas yang sama Ke dalam badai(1939) dan D.B.Kabalevsky (1904–1987) keluarga Tara(1950). Benar, opera "normal" yang kurang lebih berhasil muncul pada periode yang sama, misalnya Menjinakkan Tikus(1957) V.Ya.Shebalin (1902–1963), Desembris(1953) Yu.A.Shaporina (1887–1966). Sejak 1960-an, ada periode kebangkitan di gedung opera; kali ini ditandai dengan munculnya berbagai genre "hibrida" (opera-balet, opera-oratorio, dll); genre opera kamar, dan terutama opera mono, yang dilupakan dalam beberapa dekade sebelumnya, berkembang luas. Pada 1960-an-1990-an, banyak penulis beralih ke opera, termasuk yang berbakat (di antara komposer yang aktif bekerja di teater musikal, dapat disebut R.K. Shchedrin (lahir 1932), A.P. Petrov (lahir 1930), S.M. Slonimsky (lahir 1932), opera yang menarik diciptakan oleh N. N. Karetnikov (1930–1994) dan E. V. Denisov (1929–1996), opera oleh Yu. ), G.I. Banshchikov (lahir 1943) dan lain-lain. genre ini sebagai yang terdepan dalam budaya musik Rusia belum dipulihkan, dan karya-karya modern (baik domestik maupun asing) muncul di poster-poster gedung opera besar hanya secara sporadis.Beberapa pengecualian adalah rombongan kecil dari berbagai kota, yang segera menampilkan opera baru , namun, mereka jarang berada di repertoar untuk waktu yang lama.

Opera Rusia- kontribusi paling berharga untuk perbendaharaan teater musikal dunia. Lahir di era kejayaan klasik opera Italia, Prancis, dan Jerman, opera Rusia di abad ke-19. tidak hanya mengejar sekolah opera nasional lainnya, tetapi juga melampaui mereka. Sifat multilateral dari perkembangan teater opera Rusia pada abad ke-19. berkontribusi pada pengayaan seni realistik dunia. Karya-karya komposer Rusia membuka area baru kreativitas opera, memperkenalkan konten baru ke dalamnya, prinsip-prinsip baru untuk membangun dramaturgi musik, mendekatkan seni opera ke jenis kreativitas musik lainnya, terutama simfoni.

Gbr.11

Dengan demikian, opera Rusia sejak langkah pertamanya terbentuk sebagai seni demokrasi. Plot opera Rusia pertama sering mengedepankan ide-ide anti-perbudakan, yang juga menjadi ciri khas teater drama Rusia dan sastra Rusia pada akhir abad ke-18. Namun, kecenderungan ini belum berkembang menjadi sistem integral, mereka diekspresikan secara empiris dalam adegan-adegan dari kehidupan petani, dalam menunjukkan penindasan mereka oleh tuan tanah, dalam penggambaran satir kaum bangsawan. Ini adalah plot dari opera Rusia pertama: "Kemalangan dari Gerbong" oleh V. A. Pashkevich, "Coachmen on a Setup" oleh E. I. Fomin. Dalam opera "The Miller - seorang dukun, penipu dan mak comblang" dengan teks oleh A. O. Ablesimov dan musik oleh M. M. Sokolovsky (dalam versi kedua - E. I. Fomina), gagasan bangsawan dari buruh seorang petani diungkapkan dan kesombongan yang mulia diejek. Dalam opera M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "St. Petersburg Gostiny Dvor", seorang rentenir dan penerima suap digambarkan dalam bentuk satir.

Opera Rusia berkembang dalam perjuangan untuk identitas nasionalnya. Kebijakan istana kerajaan dan puncak masyarakat bangsawan, yang menggurui rombongan asing, ditujukan untuk melawan demokrasi seni Rusia. Tokoh-tokoh opera Rusia harus mempelajari keterampilan opera pada model-model opera Eropa Barat dan pada saat yang sama mempertahankan kemerdekaan arah nasional mereka. Perjuangan selama bertahun-tahun ini menjadi syarat keberadaan opera Rusia, mengambil bentuk baru di tahapan baru.

Seiring dengan opera-komedi di abad XVIII. genre opera lainnya juga muncul. Pada tahun 1790, sebuah pertunjukan berlangsung di istana dengan judul "Oleg's Initial Administration", teks yang ditulis oleh Permaisuri Catherine II, dan musiknya disusun bersama oleh komposer K. Canobbio, J. Sarti dan V. A. Pashkevich. pertunjukannya tidak bersifat opera seperti oratorio, dan sampai batas tertentu dapat dianggap sebagai contoh pertama dari genre musik-sejarah, yang begitu tersebar luas di abad ke-19. Dalam karya komposer Rusia terkemuka D. S. Bortnyansky, genre opera diwakili oleh opera lirik The Falcon and The Rival Son, yang musiknya, dalam hal pengembangan bentuk dan keterampilan opera, dapat disejajarkan dengan contoh modern opera Eropa Barat.

Prestasi artistik opera Rusia abad ke-18. memberi dorongan pada perkembangan pesat teater musikal di Rusia pada kuartal pertama abad ke-19.

Drama musikal Mussorgsky "Khovanshchina" (Gbr. 12) didedikasikan untuk pemberontakan panahan di akhir abad ke-17. Elemen gerakan rakyat dengan segala kekuatannya yang meriah diekspresikan secara luar biasa oleh musik opera, berdasarkan pemikiran ulang kreatif seni lagu rakyat. Musik "Khovanshchina", seperti musik "Boris Godunov", ditandai dengan tragedi yang tinggi. Dasar dari jarak melodi dari kedua opera tersebut adalah sintesis dari lagu dan permulaan deklamasi. Inovasi Mussorgsky, lahir dari kebaruan konsepsinya, dan solusi yang sangat orisinal untuk masalah dramaturgi musik membuat kami menempatkan kedua operanya di antara pencapaian tertinggi teater musikal.

Gbr.12

Abad ke-19 adalah era opera klasik Rusia. Komposer Rusia telah menciptakan mahakarya dalam berbagai genre opera: drama, epik, tragedi heroik, komedi. Mereka menciptakan drama musikal inovatif yang lahir terkait erat dengan konten opera yang inovatif. Peran penting dan menentukan dari adegan rakyat massal, karakterisasi karakter yang beragam, interpretasi baru bentuk opera tradisional, dan penciptaan prinsip baru kesatuan musik dari seluruh karya adalah ciri khas opera klasik Rusia. Neyasova, I.Yu. Opera sejarah Rusia abad ke-19. Hlm.63.

3.1 Petrovich Mussorgsky yang sederhana

Petrovich Mussorgsky yang sederhana - salah satu komposer Rusia paling cemerlang di abad ke-19, anggota "Mighty Handful". Karya inovatif Mussorgsky jauh di depan pada masanya.

Lahir di provinsi Pskov. Seperti banyak orang berbakat, sejak kecil ia menunjukkan bakat dalam musik, belajar di St. Petersburg, menurut tradisi keluarga, adalah seorang militer. Peristiwa menentukan yang menentukan bahwa Mussorgsky dilahirkan bukan untuk dinas militer, tetapi untuk musik, adalah pertemuannya dengan M.A. Balakirev dan bergabung dengan "Mighty Handful". Mussorgsky hebat karena dalam karya-karyanya yang megah - opera "Boris Godunov" dan "Khovanshchina" (Gbr. 13) ia menangkap tonggak dramatis sejarah Rusia dalam musik dengan kebaruan radikal yang tidak diketahui musik Rusia sebelumnya, ditampilkan dalam mereka kombinasi adegan rakyat massal dan beragam jenis, karakter unik orang Rusia. Opera ini, dalam banyak edisi oleh penulis dan komposer lain, adalah salah satu opera Rusia paling populer di dunia. Danilova, G.I. Seni. Hlm.96.

3.2 Karakteristik opera Mussorgsky "Khovanshchina"

"Khovamshchina"(drama musik rakyat) - sebuah opera dalam lima babak oleh komposer Rusia M. P. Mussorgsky, dibuat menurut libretto-nya sendiri selama beberapa tahun dan tidak pernah diselesaikan oleh pengarangnya; pekerjaan itu diselesaikan oleh N. A. Rimsky-Korsakov.

Khovanshchina lebih dari sebuah opera. Mussorgsky tertarik pada hukum tragis sejarah Rusia, perpecahan abadi, sumber penderitaan dan darah, pertanda abadi perang saudara, kebangkitan abadi dari lututnya, dan keinginan naluriah yang sama untuk kembali ke postur biasanya.

Mussorgsky menetaskan ide "Khovanshchina" dan segera mulai mengumpulkan materi. Semua ini dilakukan dengan partisipasi aktif V. Stasov, yang pada tahun 70-an. menjadi dekat dengan Mussorgsky dan merupakan salah satu dari sedikit orang yang benar-benar memahami keseriusan niat kreatif sang komposer. V. V. Stasov menjadi inspirasi dan asisten terdekat Mussorgsky dalam penciptaan opera ini, di mana ia bekerja dari tahun 1872 hingga hampir akhir hayatnya. "Saya mendedikasikan untuk Anda seluruh periode hidup saya ketika Khovanshchina akan dibuat ... Anda yang memulainya," tulis Mussorgsky kepada Stasov pada 15 Juli 1872.

Gbr.13

Sang komposer kembali tertarik dengan nasib rakyat Rusia di titik balik sejarah Rusia. Peristiwa pemberontakan di akhir abad ke-17, perjuangan tajam antara boyar tua Rus' dan Rusia muda Peter I yang baru, kerusuhan para pemanah dan gerakan skismatis memberi Mussorgsky kesempatan untuk membuat drama musik rakyat baru. Penulis mendedikasikan "Khovanshchina" untuk V.V. Stasov. Danilova, G.I. Seni. P.100.

Bekerja pada "Khovanshchina" sulit - Mussorgsky beralih ke materi yang jauh melampaui cakupan pertunjukan opera. Namun, ia menulis secara intensif (“Pekerjaan sedang berjalan lancar!”), meskipun dengan interupsi yang lama karena berbagai alasan. Saat ini, Mussorgsky sedang mengalami disintegrasi lingkaran Balakirev, mendinginnya hubungan dengan Cui dan Rimsky-Korsakov, kepergian Balakirev dari aktivitas musik dan sosial. Ia merasa masing-masing telah menjadi seniman mandiri dan telah menempuh jalannya sendiri. Layanan birokrasi hanya menyisakan jam malam dan malam untuk menggubah musik, dan ini menyebabkan kerja berlebihan yang parah dan depresi yang semakin berkepanjangan. Namun, terlepas dari segalanya, daya kreatif sang komposer selama periode ini sangat mencolok dalam kekuatan dan kekayaan ide artistiknya.

“Khovanshchina adalah opera Rusia yang kompleks, serumit jiwa Rusia. Tapi Mussorgsky adalah komposer yang luar biasa sehingga dua operanya dipentaskan di berbagai opera di seluruh dunia hampir setiap tahun.” Abdrazakov, RIA Novosti.

Opera mengungkapkan seluruh lapisan kehidupan rakyat dan menunjukkan tragedi spiritual rakyat Rusia pada titik balik dari sejarah dan cara hidup tradisional mereka.

3.3 Opera Mussorgsky "Khovanshchina" di teater

Skala epik yang megah - dalam format inilah Alexander Titel lebih suka berbicara dalam beberapa tahun terakhir, mementaskan "War and Peace" oleh Sergei Prokofiev, "Boris Godunov" oleh Mussorgsky, dan terakhir, kanvas sejarah yang besar - "Khovanshchina" . Tidak perlu diingatkan tentang relevansi hari ini dari ciptaan Mussorgsky ini, yang menyerap semua benturan tragis antara "Rusia" - pecahnya kekuasaan dan rakyat, perpecahan agama, intrik politik, idealisme fanatik, pencarian terus menerus untuk " jalan", garpu dari Eurasia. Relevansinya ada di permukaan, dan bukan kebetulan bahwa "Khovanshchina" di musim lalu "poros" berada di panggung Eropa - di Wina, Stuttgart, Antwerp, Birmingham. Penampilan Titel hampir dengan kesedihan mengembalikan rekan senegaranya ke tema Mussorgsky ini.

Fakta bahwa teater mendekati pernyataan "historis" dengan intensitas khusus dibuktikan dengan buklet yang disiapkan untuk pemutaran perdana dengan potongan-potongan dari dokumen dan biografi nyata dari prototipe Khovanshchina, dan eksposisi bertepatan dengan rilis pertunjukan di Atrium teater dengan pameran temuan arkeologi dari zaman "Khovanshchina "- pecahan senjata yang ditemukan di bawah gedung teater. Tentunya suasana pementasan dengan rombongan seperti itu seharusnya semakin "asli". Namun penonton tidak disambut oleh menara dan menara Kremlin di atas panggung, tetapi oleh kotak papan sederhana seperti gudang tempat epik kelam kehidupan Rusia terungkap selama lebih dari tiga jam. Alexander Lazarev mengatur nada musik, memilih orkestrasi Dmitri Shostakovich, penuh nada metalik, terputus, seolah-olah menjadi jurang kemerduan, lonceng berat, yang terdengar dalam interpretasinya tentang keahlian yang hampir tak henti-hentinya, dengan marcato timah yang berat menghancurkan bahkan ditarik -keluar lagu liris. Pada beberapa saat orkestra memudar dan kemudian paduan suara keluar "ke luar": "Ayah, ayah, keluarlah kepada kami!" yang terkenal terdengar seperti mahakarya, doa skismatis yang tenang. Masol, L.M., Aristova L.S. Seni musik. P.135.

Gbr.14

Latar belakang orkestra yang keras cocok dengan aksi ingar-bingar gelap di atas panggung. Ekstra besar - ratusan orang berpakaian seragam, merah - streltsy (Gbr. 14) atau putih - "rakyat". Para pangeran memiliki kaftan sederhana dengan kancing kecil, tanpa bulu biasa dan sulaman yang berharga. Ekstra ini berpartisipasi dalam makan di meja kayu panjang, keluar dalam kerumunan dengan ikon, bergaul, memegangi bahu mereka, di sekitar Bati Khovansky. Namun penonton di atas panggung tidak "hidup", melainkan mengilustrasikan plotnya.

Gbr.15

Tapi plot utama terungkap "di atas" - di antara para pangeran dan bangsawan, yang menenun konspirasi, mendikte kecaman, memperjuangkan kekuasaan. Pertama, Shaklovity (Anton Zaraev) dengan marah mendikte Podyachy (Valery Mikitsky), menakutinya dengan siksaan dan penyiksaan, laporan kepada tsar Peter dan Ivan tentang ayah dan anak Khovansky, kemudian Pangeran Golitsyn (Nazhmiddin Mavlyanov) menjalin intrik melawan pihak berwenang dengan Khovansky (Dmitry Ulyanov) dan Dosifey (Denis Makarov) - dengan panik, di ambang perkelahian. Di sini, Khovansky yang lebih muda (Nikolai Erokhin), dengan kegilaan yang persis sama, secara erotis mengejar wanita Jerman Emma (Elena Guseva), dan Martha yang skismatis (Ksenia Dudnikova) - dengan dendam menyeret Andrei yang putus asa untuk bunuh diri di skete. Pahlawan Mussorgsky ada dalam drama itu seolah-olah setiap kata mereka akan menjungkirbalikkan dunia. Mereka berteriak dalam arias sampai serak, mereka memukul-mukul meja. Marfa menebak-nebak, mengepalkan tinjunya ke dalam air dan seolah-olah memeras sesuatu yang hidup dari ember seng. Para pemanah meletakkan kepala mereka di atas kaftan merah untuk dieksekusi, dan Khovansky Sr. mengangkat rok orang Persia. Di atas panggung, duduk Armenia terdengar melankolis - nomor yang dimasukkan ke dalam pertunjukan. Benar, mengapa ini lebih relevan daripada tarian Persia biasa tidak sepenuhnya jelas. Juga, sayangnya, bagaimana tidak jelas tentang apa pertunjukan itu, diakhiri dengan gambar kerumunan skismatis yang berdiri terjun ke dalam kegelapan, yang diperdebatkan oleh para pahlawan dengan begitu panik, memecah suara mereka, meledak histeris selama tiga jam dalam sebuah baris, apa sebenarnya yang ingin mereka sampaikan dari pengalaman mereka , kecuali gambaran Rus yang suram. Termasuk, dan karena kata-kata dalam pementasannya hampir tidak bisa dibedakan. Teks dari garis lari dalam bahasa Inggris, dan hanya ada sedikit penikmat libretto di aula. Sementara itu, Mussorgsky sendiri bukanlah kebetulan yang mengucapkan setiap kata. Dia menciptakan "Khovanshchina" sebagai drama politik saat ini, dan mungkin berharap pengalaman cerita ini akan membantu mengubah sesuatu di masa sekarang.

Populer dalam kategori: