Penulis drama Inggris salah satu pelopor Shakespeare. William Shakespeare - Penulis drama yang brilian

WORKSHOP 1 Topik: “Teater Inggris era Adrazhennia. Kreativitas W. Shakespeare” 1. Karakteristik tangkas perkembangan seni teater Inggris era Adragen. 2. Kreativitas W. Shakespeare. Penulis drama kreatif Periyadyzatsyya (aptymystychny, tragis, romantis). 3. Drama Shakespeare adalah seni yang paling berani dan berani dari semuanya. Drama Shakespeare tentang Shakespeare di panggung teater Eropa. 4. Fenomena Shakespeare dalam keterampilan teatrikal yang sesungguhnya. Mencoba aўtarstvo creatў. 5. Teater "Globe": sejarah dan masa kini. Adegan Pabudova, peralatan panggung, master akting.

Teater Renaisans. teater Inggris

Teater Renaisans Inggris lahir dan berkembang di alun-alun pasar, yang menentukan cita rasa dan demokrasi nasional Inggrisnya. Genre paling populer di panggung areal adalah moralitas dan lelucon. Selama masa pemerintahan Elizabeth Tudor, misteri itu dilarang. Sejak awal abad ke-16, seni teater Inggris mendekati tahap baru - awal perkembangan drama humanistik, yang mulai terbentuk dengan latar belakang pergulatan politik antara kekuasaan kerajaan dan Gereja Katolik.

Kritik tajam dan propaganda ideologi humanistik baru terdengar dari atas panggung, mengenakan pakaian selingan dan moralitas yang biasa. Dalam lakon humanis John Rastell "Interlude on the Nature of the Four Elements" (1519), selain tokoh-tokoh tradisional moralitas, terdapat tokoh-tokoh berikut: Haus akan Pengetahuan, Sifat Wanita, Pengalaman, dan sebagai oposisi bagi mereka - Iblis Ketidaktahuan dan pelacur Haus akan kesenangan. Perjuangan yang tidak dapat didamaikan dari karakter-karakter ini dalam drama tersebut berakhir dengan kemenangan pencerahan atas obskurantisme dan ketidaktahuan.

John Bale - seorang tokoh terkemuka dalam Reformasi Inggris dan seorang penulis terkenal, penulis lakon "King John". Dengan menambahkan tema sosial pada moralitas, ia meletakkan dasar dramaturgi dalam genre kronik sejarah.

Teater baru lahir dari lelucon abad pertengahan. Penyair pengadilan, musisi dan penyelenggara tontonan warna-warni, John Gaywood, mengembangkan lelucon dengan menulis selingan satir. Di dalamnya, dia mencemooh penipuan para biksu dan penjual indulgensi, intrik para pendeta, rakus akan keuntungan, tipu muslihat licik para pendeta, yang menutupi dosa-dosa mereka dengan kesalehan yang mencolok. Selain karakter utama - bajingan - dan karakter negatif - pendeta - rakyat jelata yang berpikiran sederhana dan baik hati berpartisipasi dalam adegan pendek sehari-hari. Selingan satir di awal abad ke-16 menjadi penghubung antara teater lucu abad pertengahan dan teater dramatis yang baru muncul.

Pengenalan orang Inggris ke budaya dan seni Italia berkontribusi pada persepsi aktif dan mempopulerkan budaya kuno dan pencapaian peradaban kuno. Studi intensif bahasa Latin dan karya Seneca dan Plautus menghasilkan terjemahan tragedi dan komedi kuno ke dalam bahasa Inggris. Pertunjukan berdasarkan terjemahan ini menjadi sangat populer di kalangan bangsawan dan lingkungan universitas.

Pada saat yang sama, para bangsawan dan masyarakat yang tercerahkan mengagumi soneta Petrarch dan puisi Ariosto. Novel Boccaccio dan Bandello dikenal di masyarakat raznochin. Di istana kerajaan, penyamaran diperkenalkan sebagai acara hiburan yang menghibur, di mana adegan-adegan dari pastoral Italia dimainkan.

Contoh pertama komedi dan tragedi nasional muncul di atas panggung pada pertengahan abad ke-16. Nicholas Udol, penulis komedi Inggris pertama, Ralph Royster Doyster (c. 1551), adalah penyelenggara hiburan pengadilan yang berpendidikan dan mencoba mengajari orang "aturan hidup yang baik" melalui karya-karyanya.

Drama Gorboduk (1562) oleh Thomas Norton dan Thomas Sequile pertama kali dipertunjukkan di istana Ratu Elizabeth dan dianggap sebagai tragedi Inggris pertama. Ini jelas menunjukkan tiruan dari tragedi Romawi: pembagian drama menjadi 5 babak, nyanyian paduan suara dan monolog para pembawa pesan, kejahatan berdarah, tetapi plotnya didasarkan pada fakta sejarah dari sejarah abad pertengahan. Moral dari tragedi itu ada dalam pantomim alegoris dan selingan yang dilakukan para aktor di antara babak, menjelaskan alur cerita yang tidak terduga.

Setelah misteri lelucon dan lelucon primitif, berdasarkan dramaturgi kuno dan Italia, lahirlah dramaturgi Inggris baru, di mana terdapat dasar komposisi, proporsionalitas bagian, logika dalam pengembangan aksi dan karakter.

Dramawan generasi baru hampir semuanya berpendidikan universitas dan berasal dari lingkungan yang demokratis. Setelah bersatu dalam kelompok kreatif bernama "University Minds", dalam karya-karyanya mereka mencoba mensintesis budaya humanistik tinggi bangsawan dan kearifan rakyat dengan cerita rakyatnya.

Pendahulu W. Shakespeare - penulis drama Inggris terkenal John Lily (c. 1554-1606) - adalah seorang penyair istana. Dalam komedi paling menariknya "Alexander and Campaspe" (1584), yang ditulis menurut kisah sejarawan Yunani Pliny, ia menunjukkan kemurahan hati Alexander Agung, yang melihat cinta temannya, artis Apelles, untuk tawanan Campaspe, menyerah pada temannya. Jadi, dalam pertarungan antara kewajiban dan perasaan, kewajiban menang. Citra Alexander yang diidealkan dalam lakon itu ditentang oleh sosok skeptis filsuf Diogenes, yang kebijaksanaan rakyat dan akal sehatnya menang atas kepercayaan diri dan kesombongan raja dan rombongannya.

John Lily meletakkan dasar untuk apa yang disebut komedi romantis. Dia memperkenalkan elemen liris ke dalam aksi dramatis, memberikan pidato prosa rasa puitis yang cerah. Dia menunjukkan jalan untuk perpaduan dua genre komedi di masa depan - romantis dan lucu.

Nenek moyang sebenarnya dari drama Renaisans Inggris adalah Christopher Marlowe (1564-1593), seorang penulis drama terkenal, penulis karya-karya konten filosofis dan ateistik. Putra seorang pembuat sepatu, yang meraih gelar Master of Science karena ketekunannya, dia dibedakan oleh keberanian dan pemikiran bebasnya. K. Marlo lebih memilih karya seorang aktor dalam rombongan teater daripada karir seorang pendeta yang dibuka sebelum dia setelah lulus dari universitas di Cambridge. Karya dramatis pertamanya, Tamerlane the Great, penuh dengan gagasan ateistik. Karya monumental ini ditulis dalam dua bagian selama dua tahun (bagian I tahun 1587 dan bagian II tahun 1588). "Tamerlane the Great" adalah biografi yang didramatisasi dari penakluk Timur yang terkenal di akhir abad XIV, Timur. Marlo memberi pahlawannya kekuatan dan penampilan pahlawan legendaris. Dan, yang paling penting, dia menjadikan tuan feodal yang mulia, siapa Timur sebenarnya, seorang "gembala kelas rendah", yang hanya dengan kekuatan kemauan, energi dan pikirannya yang melampaui penguasa yang sah.

Lakon K. Marlo "Kisah Tragis Dokter Faust" (1588) mengungkap sisi lain kehidupan manusia. Penolakan terhadap prinsip-prinsip pertapa dan penyerahan tanpa syarat kepada otoritas tertinggi demi kehausan akan pengetahuan dan kegembiraan hidup dibungkus olehnya dalam citra Dr. Faust yang ateis. Drama kesadaran Dr. Faust yang terbebaskan dan kesepian yang mengikutinya menuntunnya pada pertobatan, sekaligus menyoroti energi yang sangat besar dari perjuangan untuk kebebasan berpikir.

Tragedi terakhir K. Marlo "Edward II", yang ditulis di atas bahan kronik sejarah, menjadi dasar drama Inggris, yang berhasil dikembangkan oleh W. Shakespeare dalam karya-karyanya.

Bersamaan dengan lakon K. Marlowe, lakon oleh penulis naskah lain dari kelompok University Minds dipentaskan di atas panggung: Thomas Kyd - "The Spanish Tragedy" (1587) dan Robert Greene - "Monk Bacon and Monk Bongay", "James IV " dan "George Green , penjaga lapangan Weckfield "(1592).

Komunitas kreatif penulis drama dari kelompok University Minds mendahului tahap baru dalam perkembangan drama nasional - lahirnya tragedi dan komedi Renaisans. Lambat laun, citra pahlawan baru muncul - berani dan berani, mengabdi pada cita-cita humanistik.

Pada akhir abad ke-16, teater rakyat Inggris mengumpulkan banyak sekali orang untuk pertunjukan mereka, menyerap semua ide revolusioner dan meniru para pahlawan pemberani yang mempertahankan martabat kemanusiaan mereka dalam perjuangan. Jumlah rombongan teater terus bertambah, pertunjukan dari pekarangan hotel dan alun-alun kota dipindahkan ke teater yang dibangun khusus untuk tujuan ini.

Pada tahun 1576, di London, James Burbage membangun teater pertama yang diberi nama “Teater”. Disusul dengan pembangunan beberapa gedung teater sekaligus: "Curtain", "Blackfriars", "Rose" dan "Swan". Terlepas dari kenyataan bahwa dewan kota dengan perintahnya melarang pertunjukan teater di London sendiri pada tahun 1576, teater tersebut terletak di tepi selatan Sungai Thames, di daerah yang berada di luar kekuasaan dewan umum.

Sebagian besar aktor teater London, tidak termasuk yang terkenal, yang menikmati perlindungan para bangsawan, adalah orang-orang berpenghasilan rendah dan kehilangan haknya. Keputusan kerajaan menyamakan seniman dengan gelandangan tunawisma dan menetapkan hukuman bagi rombongan yang tidak memiliki pelindung kaya. Terlepas dari sikap keras terhadap teater dari pihak berwenang, popularitas mereka meningkat dari tahun ke tahun dan jumlahnya meningkat.

Bentuk organisasi kelompok teater pada masa itu ada dua jenis: kemitraan berbagi aktor dengan pemerintahan sendiri dan perusahaan swasta yang dipimpin oleh seorang pengusaha yang memiliki alat peraga dan membeli hak pementasan lakon dari penulis naskah. Pengusaha swasta dapat menyewa rombongan apa pun, membuat para aktor terikat pada keinginannya.

Komposisi kuantitatif rombongan tidak lebih dari 10-14 orang, yang dalam repertoar teater harus memainkan beberapa peran. Peran wanita dimainkan oleh pria muda yang cantik, mencapai penampilan yang andal dengan gerakan plastisitas dan lirik suara. Cara umum akting para aktor sedang melalui tahap transisi dari gaya epik dan kesedihan luhur ke bentuk drama internal yang terkendali. Aktor terkemuka dari genre tragis di era W. Shakespeare adalah Richard Burbage dan Edward Alleyn.

William Shakespeare lahir pada tanggal 23 April 1564 di kota kecil Stratford-upon-Avon (Bahasa Inggris Stratford-upon-Avon). Ayahnya, John Shakespeare, adalah seorang pembuat sarung tangan, dan pada tahun 1568 dia terpilih sebagai walikota kota tersebut. Ibunya, Mary Shakespeare dari keluarga Arden, berasal dari salah satu keluarga Inggris tertua. Diyakini bahwa Shakespeare belajar di "sekolah tata bahasa" Stratford, di mana dia mempelajari bahasa Latin, dasar-dasar bahasa Yunani dan menerima pengetahuan tentang mitologi kuno, sejarah, dan sastra, yang tercermin dalam karyanya. Pada usia 18 tahun, Shakespeare menikah dengan Anne Hathaway, dari siapa lahir seorang putri Susanna dan si kembar Hamnet dan Judith. Antara 1579 dan 1588 biasa disebut "tahun-tahun yang hilang", karena. tidak ada informasi pasti tentang apa yang dilakukan Shakespeare. Sekitar tahun 1587, Shakespeare meninggalkan keluarganya dan pindah ke London, di mana dia melakukan kegiatan teater.

Kami menemukan penyebutan pertama Shakespeare sebagai penulis pada tahun 1592 dalam pamflet penulis drama Robert Greene yang sekarat "Untuk satu sen pikiran yang dibeli untuk sejuta penyesalan", di mana Greene berbicara tentang dia sebagai pesaing yang berbahaya ("pemula", " gagak memamerkan bulu kita). Pada tahun 1594, Shakespeare terdaftar sebagai salah satu pemegang saham rombongan Richard Burbage "Servants of the Lord Chamberlain" (ChamberlainЂЂЂs Men), dan pada tahun 1599 Shakespeare menjadi salah satu pemilik bersama Teater Globe yang baru. Pada saat ini, Shakespeare menjadi pria yang cukup kaya, membeli rumah terbesar kedua di Stratford, menerima hak atas lambang keluarga dan gelar bangsawan seorang pria. Selama bertahun-tahun Shakespeare terlibat dalam riba, dan pada 1605 ia menjadi petani persepuluhan gereja. Pada 1612 Shakespeare meninggalkan London dan kembali ke Stratford asalnya. Pada tanggal 25 Maret 1616, sebuah surat wasiat dibuat oleh seorang notaris dan pada tanggal 23 April 1616, pada hari ulang tahunnya, Shakespeare meninggal dunia.

Minimnya informasi biografis dan banyak fakta yang tidak bisa dijelaskan memunculkan cukup banyak orang yang dinominasikan untuk peran penulis karya Shakespeare. Hingga saat ini, ada banyak hipotesis (pertama kali dikemukakan pada akhir abad ke-18) bahwa lakon Shakespeare ditulis oleh orang yang sama sekali berbeda. Selama lebih dari dua abad keberadaan versi-versi ini, berbagai pelamar telah diajukan untuk "peran" penulis drama ini - dari Francis Bacon dan Christopher Marlo hingga bajak laut Francis Drake dan Ratu Elizabeth. Ada versi yang disembunyikan oleh seluruh tim penulis dengan nama Shakespeare. Saat ini sudah ada 77 calon penulis. Namun, siapa pun dia - dan dalam banyak perselisihan tentang kepribadian penulis drama dan penyair hebat, intinya tidak akan segera dijelaskan, mungkin tidak pernah - kreasi jenius Renaisans saat ini masih menginspirasi sutradara dan aktor di seluruh dunia.

Seluruh karier Shakespeare - periode dari 1590 hingga 1612. biasanya dibagi menjadi tiga atau empat periode.

Sejak akhir tahun 80-an abad ke-16, dramaturgi Renaisans Inggris memasuki masa keterampilan yang matang. Setiap penulis baru, hampir setiap karya baru memperkaya drama dengan ide dan bentuk artistik baru.

Kreativitas dramaturgi menjadi profesional. Galaksi penulis drama, yang dijuluki "pemikiran universitas", muncul. Seperti namanya, mereka adalah orang-orang dengan pendidikan universitas dan gelar lanjutan. Mereka menerima pendidikan liberal klasik, banyak membaca sastra Yunani dan Romawi, dan mengetahui tulisan-tulisan humanis Italia dan Prancis. Robert Greene dan Christopher Marlo menerima gelar BA dan MA dari Cambridge. John Lily, Thomas Lodge, George Peel menerima gelar dari Oxford. Hanya Thomas Kidd yang tidak menyelesaikan universitasnya, tetapi dia belajar di salah satu sekolah terbaik di London. Pada saat ini, humanisme telah menjadi doktrin yang sepenuhnya terbentuk, dan mereka hanya perlu menerimanya.

Tetapi Oxford dan Cambridge mempersiapkan siswa mereka hanya untuk karir pendeta. Paling-paling, mereka bisa menjadi guru. Tapi bukan itu alasan mereka membaca Plautus dan Seneca, Boccaccio dan

Ariosto mengikuti jalan ini. Setelah menerima diploma, mereka bergegas ke London. Masing-masing penuh dengan ide-ide baru dan aspirasi kreatif. Segera mesin cetak ibu kota mulai mengerjakannya. Tetapi sulit untuk hidup dari pendapatan sastra. Puisi, novel, pamflet lebih terkenal daripada uang. Para "jenius badai" pada masa itu, yang merintis jalan baru dalam sastra dan teater, hidup kelaparan di bagian paling bawah London, tertatih-tatih dengan kedai minum dan pencuri, meringkuk di penginapan dan melarikan diri dari sana ketika tidak ada yang harus dibayar pemiliknya. . Mereka juga kebetulan masuk ke salon pelindung puisi yang mulia dan kaya, tetapi di sini mereka tidak mengakar.

Mereka didorong ke teater karena kecintaan mereka pada seni dan pencarian pekerjaan. Dengan Robert Green, misalnya, terjadi seperti ini. Suatu hari dia berkeliaran di jalanan tanpa sepeser pun di sakunya dan bertemu dengan seorang kenalan lama yang memukulnya dengan jas mewahnya. Penasaran dari mana temannya menjadi begitu kaya, Green mendengar bahwa dia telah menjadi seorang aktor. Aktor tersebut, setelah mengetahui bahwa Green menulis puisi, mengundangnya untuk menulis untuk teater.

Lily datang ke penulisan drama dengan cara yang berbeda. Dia mengajar bahasa Latin kepada anak laki-laki paduan suara. Ketika paduan suara lain membawakan penampilan aktor laki-laki dengan sukses besar, dia memutuskan untuk menulis sebuah drama dan memerankannya bersama murid-muridnya.

Tapi, betapapun kebetulan alasan yang menarik "pemikiran universitas" ke teater, kedatangan mereka di sana pada dasarnya wajar. Teater ternyata menjadi platform terbaik untuk ide-ide mereka, bidang di mana mereka bisa menunjukkan bakat seni mereka.

Sebagian besar "pemikiran universitas" menulis untuk teater rakyat. Hanya Lily sejak awal yang dibimbing oleh publik bangsawan istana yang "terpilih".

Peru John Lily (1553 - 1606) memiliki delapan drama: "Alexander and Campaspe" (1584), "Sappho and Phaon" (1584), "Galatea" (1588), "Endymion, or Man in the Moon" (1588), " Midas" (1589 - 1590), "Mother Bomby" (c. 1590), "Metamorfosis Cinta" (c. 1590), "Wanita di Bulan" (c. 1594).

Bukan tanpa alasan Lily mempelajari penulis kuno. Dia kecanduan cerita dan mitos kuno. Tapi dramanya sama sekali bukan latihan akademis meniru penulis kuno. Dramaturgi Lili cukup modern, terlepas dari nama pahlawan dan pahlawan wanita dalam bahasa Yunani. Meminjam plot dari sejarah dan mitologi kuno, mengisinya dengan unsur-unsur pastoral dalam semangat humanisme Italia, Lily memberikan gambaran alegoris tentang masyarakat istana Elizabeth dalam komedi-komedinya. Di hampir setiap komedinya, dengan satu nama atau lainnya, Ratu Elizabeth ditampilkan, dimuliakan sebagai model dari semua kebajikan. Lily's Athens mengingatkan pada London, dan padang rumput Arcadian bersifat Inggris.

Komedi Lily didominasi oleh tema cinta, hanya di "Midas" ada unsur sindiran politik pada Raja Spanyol Philip II dan di "Mother Bombie" - fitur sindiran sehari-hari. Sebagai aturan, aksi Lily berlangsung dalam suasana bersyarat. Karakternya setengah fiksi, setengah nyata. Mereka berbicara dalam jargon sekuler yang sangat aneh.

Lily adalah pencipta gaya khusus "eufuisme", yang namanya diambil dari novel Lily "Euphues, atau Anatomy of wit" (1579). Gaya bicara yang dikembangkan Lili sangat erat kaitannya dengan konsep ideologis yang melandasi seluruh karyanya.

Lily adalah perwakilan dari humanisme istana-bangsawan. Sepenuhnya mendukung sistem yang ada, ia percaya bahwa humanisme harus dibatasi pada tugas mendidik pria ideal yang diberkahi dengan budaya eksternal dan internal. Berdasarkan risalah penulis Italia Castiglione "The Courtier", Lily, dalam citra pahlawan novelnya, Eufues, berusaha menghadirkan perwujudan nyata dari cita-citanya. Kecerdasan tinggi dan kepekaan yang baik harus berjalan seiring dengan sopan santun. Dengan novelnya, Lily ingin memberikan contoh kegagahan kepada para bangsawan di zaman Elizabeth. Nyatanya, novelnya di tanah Inggris adalah salah satu contoh paling awal dari gaya "tepat" itu, yang kemudian mendapat perkembangan yang begitu signifikan dalam bahasa Prancis. sastra mulia abad ke-17 dan diejek dengan kejam oleh Molière.

Ciri khas gaya euphuistik: retorika, banyak metafora dan perbandingan, antitesis, paralelisme, referensi ke mitologi kuno. Tidak hanya novel Lily yang ditulis dengan bahasa yang mirip, tapi juga lakonnya. Dalam komedi Endymion Lily, sang pahlawan berbicara tentang kekasihnya: "O Cynthia yang cantik! Mengapa orang lain menyebutmu berubah-ubah ketika aku menemukanmu tidak berubah? Waktu yang merusak, moral yang kejam, orang-orang yang tidak baik, melihat keteguhan yang tak tertandingi dari kekasihku yang cantik, menjulukinya berubah, tidak setia Apakah mungkin untuk menyebut orang yang tidak stabil yang selalu menempuh jalannya sendiri, sejak lahir tanpa mengubah arahnya sesaat pun?kuncup tidak berharga sampai mereka memberi warna, dan warna - sampai menghasilkan buah yang matang, dan haruskah kita menyebutnya dapat berubah karena dari biji muncul tunas, dari tunas muncul kuncup, dari kuncup muncul bunga?”

Euphuisme berdampak signifikan pada bahasa sastra pada zaman itu, termasuk bahasa karya drama. Pada tahap tertentu, ia memainkan peran positif, berkontribusi pada pengayaan dan pemuliaan bahasa. Namun, aristokrasi yang ditekankan dan kepalsuan gaya ini tidak dapat tidak menimbulkan reaksi dari para penulis yang dipandu oleh bahasa rakyat yang hidup. Shakespeare, yang pertama kali memberikan penghormatan tertentu pada eufuisme, kemudian berulang kali memparodikan gaya ini. Saat Falstaff dan Pangeran Henry (Henry IV, Bagian 1) menggelar pertemuan antara raja dan pangeran, kesatria gendut, yang sepanjang adegan ini memparodikan sejumlah karya dramatis pada zaman itu, meniru gaya eupuistik sebagai berikut:

"Harry, aku terkejut tidak hanya dengan hobimu, tetapi juga dengan masyarakat tempatmu tinggal. Meskipun chamomile tumbuh lebih cepat semakin diinjak-injak, kemudaan semakin cepat habis semakin disalahgunakan. Bahwa kamu adalah anakku , ini sebagian saya Saya yakin dengan jaminan ibumu, sebagian pendapat saya sendiri, tetapi terutama tatapan nakal di mata Anda dan bibir bawah Anda yang terkulai bodoh ... Perusahaan Anda menodai seseorang. Saya katakan ini, Harry, bukan dari mata mabuk, tetapi dengan air mata berlinang, tidak bercanda tetapi berduka, tidak hanya dengan kata-kata, tetapi dengan hati yang sakit." Pidato Polonius di Hamlet juga bersifat eufuistik. Tapi di sini ada parodi dan karakterisasi karakter: begitulah selera lingkungan pengadilan.

Namun, seiring dengan artifisial, dalam komedi Lily ada kecerdasan yang sangat hidup. Contohnya adalah dialog Plato, Aristoteles dan Diogenes dalam "Alexander and Campaspe", percakapan para pelayan dalam komedi lainnya. Hanya ada satu langkah dari sini menuju kecerdasan komedi Shakespeare.

Lily adalah pencipta komedi "tinggi". Dia adalah orang pertama yang membawa komedi melampaui lelucon. Dengan kemungkinan pengecualian dari "Mother Bombie", di mana ada unsur lelucon, dia melukis situasi romantis di mana-mana, membangun aksi di atas benturan nafsu yang tinggi. Dalam hal ini juga, dia adalah pendahulu langsung dari Shakespeare. Tetapi moralitas yang terkandung dalam komedi-komedinya benar-benar berlawanan dengan prinsip-prinsip etika Shakespeare dan, secara umum, dari drama rakyat. Dalam komedi Lily, konflik sangat sering terjadi, yang timbul dari fakta bahwa dua orang mencintai satu wanita ("Alexander dan Campaspe", "Sappho dan Faon", dll.). Salah satunya harus merelakan cintanya. Lily menegaskan disiplin moral yang ketat, menekankan perlunya menekan nafsunya, dan dalam pengertian ini puritanisme tidak asing baginya. Drama rakyat sama sekali tidak memupuk penindasan tabah terhadap nafsu, perasaan, dan keinginan. Sebaliknya, seluruh kesedihannya adalah dalam menggambarkan kekuatan dan keindahan nafsu yang kuat, dalam menegaskan legitimasi hak seseorang untuk memuaskan aspirasinya, dalam perjuangan prinsip-prinsip baik kodrat manusia melawan yang buruk.

Perwakilan utama dari drama rakyat sebelum Shakespeare adalah Green, Kid dan Marlo.

Robert Green (1558 - 1592) adalah penduduk asli Norwich. Dia belajar di Universitas Cambridge, di mana dia menerima gelar sarjana pada tahun 1578 dan gelar master pada tahun 1583. Sebagai bujangan, dia bepergian ke Spanyol dan Italia. Aktivitas kesusastraan Green dimulai di Cambridge, yang menjadi sumber utama mata pencahariannya setelah tahun 1583, ketika ia menetap di London. Delapan sembilan tahun hidup Green di ibu kota adalah periode paling bergejolak dan berbuah dalam hidupnya. Green menulis dalam berbagai genre: puisi, puisi, novel, pamflet satir, dan drama. Pekerjaan yang intens, bergaji rendah, periode kebutuhan penuh, ketika Green benar-benar kelaparan, dan bulan-bulan kemakmuran berikutnya, ketika dia bersenang-senang, menyia-nyiakan bayarannya - semua ini merusak kesehatannya. Dia jatuh sakit dan meninggal di suatu penginapan, berhutang kepada pemiliknya dan bahkan tidak menyisakan uang untuk pemakaman.

Pengalaman dramatis pertama Greene, "Alphonse, King of Aragon" (1587), adalah sebuah drama yang menggambarkan prestasi luar biasa dan kemenangan muluk dari seorang pahlawan yang memenangkan mahkota dan cinta seorang gadis cantik. Dramatisasi "Furious Roland" (1588) juga memiliki dasar romantisme. Plot puisi Ariosto memberi Green kesempatan untuk memuaskan kecintaan publik akan aksi yang ceria dan menghibur dan menampilkan para pahlawan yang diberkahi dengan hasrat yang besar.

Monk Bacon dan Monk Bongay (1589), seperti Faust karya Marlowe, mencerminkan fenomena karakteristik pada zaman itu - keinginan untuk mengetahui rahasia alam dan menaklukkannya dengan bantuan sains. Seperti Marlo, Green tidak memisahkan sains dari sihir. Pahlawannya, biksu Bacon, adalah seorang penyihir dengan kemampuan membuat keajaiban. Namun, permainan Greene sama sekali tidak memiliki perasaan tragis yang dimiliki permainan Marlowe. Tidak ada titanisme dalam karakter Green, dan keseluruhan plot diberi warna romantis. Pangeran Wales dan punggawanya, Lacey, mencari cinta putri penjaga hutan, Marguerite yang cantik. Persaingan antara dua pesulap, Bacon dan Bongay, seolah menjadi latar komik dari kisah cinta ini.

Elemen penting dari lakon ini adalah hubungannya dengan cerita rakyat. Plotnya berakar pada legenda rakyat Inggris tentang ilmuwan abad pertengahan Roger Bacon (abad XIII), yang menemukan kacamata dan memperkuat prinsip membangun teleskop. Dalam drama itu, dia memiliki "gelas ajaib" yang memungkinkannya melihat jauh. Beberapa adegan dibangun berdasarkan fakta bahwa Bacon melihat melalui kaca ini, dan apa yang dia lihat, dilihat oleh penonton.

Monk Bacon dan Monk Bongay adalah salah satu drama paling populer di teater rakyat. Itu dijiwai dengan demokrasi yang tak terbantahkan. Tokoh utama lakon Margarita adalah seorang gadis dari masyarakat yang berperan sebagai perwujudan cita-cita kecantikan, kesetiaan dan cinta, sebagai pembawa perasaan bebas. "Baik raja Inggris, maupun penguasa seluruh Eropa," katanya, "tidak akan membuatku berhenti mencintai orang yang kucintai."

Sikap Green terhadap sains juga dijiwai dengan demokrasi. Biksu Bacon menggunakan kekuatan magisnya bukan untuk tujuan pribadi, tetapi untuk membantu orang. Di akhir drama, dia mengucapkan ramalan tentang masa depan Inggris, yang, setelah melewati wadah perang, akan mencapai kehidupan yang damai:

Mars Pertama akan menguasai ladang, Kemudian akhir badai militer akan datang: Kuda akan merumput tanpa rasa takut di lapangan, Kekayaan akan mekar di tepian, Yang pemandangannya pernah dikagumi Brutus, Dan kedamaian akan turun dari surga ke semak-semak ...

Dalam "James IV" (1591) Green, seperti penulis drama lain pada zaman itu, menggunakan plot sejarah untuk menafsirkan masalah politik. Green adalah pendukung "monarki yang tercerahkan". Seperti Shakespeare kemudian, dia mengajukan pertanyaan tentang kepribadian raja, percaya bahwa itu tergantung pada apakah pemerintah akan adil atau tidak adil. Raja Skotlandia James IV digambarkan dalam drama itu sebagai perwujudan tipikal kesewenang-wenangan monarki. Karena cintanya pada Ida, putri Countess of Arran, yang bertindak atas dorongan punggawa Atekin yang berbahaya, James IV memerintahkan pembunuhan istrinya Dorothea, putri raja Inggris. Diperingatkan tentang konspirasi, ratu bersembunyi. Berita tentang kematiannya sampai ke ayahnya, Henry VII, yang menyerang Skotlandia dengan pasukan. Dorothea muncul bersembunyi. James IV bertobat, dan semuanya berakhir dengan damai.

Lakon ini, seperti karya Green lainnya, bercirikan perpaduan antara tema sosial politik dengan konflik personal. Raja James yang jahat menentang Raja Inggris Henry VII, yang bertindak sebagai penjaga keadilan dan legalitas. Untuk memahami semangat umum dari lakon ini, episode di mana pengacara, pedagang, dan pendeta berbicara tentang penyebab bencana sosial sangatlah penting. Hijau menjadikan pendeta sebagai juru bicara untuk pandangan yang paling adil. "Apa nama perintah di mana orang miskin selalu kalah dalam kasus mereka, tidak peduli seberapa adilnya itu?" Pendeta itu marah. dan mereka akan menggunakan bantuan Anda, Anda akan melepaskan utas terakhir dari mereka dan membiarkan mereka berkeliling dunia dengan anak-anak mereka. Sekarang perang telah dimulai; orang-orang yang dirampok khawatir; kami dirampok bahkan tanpa musuh; kehancuran kami sendiri dan hukuman pada saat yang sama: di masa damai, hukum tidak mengampuni kami, sekarang kami akan menghancurkannya pada gilirannya."

Pahlawan dari lakon "George Greene, Weckfield Field Watchman" (1592) adalah seorang rakyat, seorang yeoman, bangga menjadi orang biasa, dan menolak gelar bangsawan, yang diinginkan raja untuk dia terima. George Green memusuhi tuan feodal, dia menangkap tuan pemberontak yang memberontak melawan Edward III. Arah politik dari drama tersebut sesuai dengan posisi kaum humanis borjuis, yang melihat penguatan monarki absolut sebagai sarana untuk menekan keinginan sendiri para baron feodal. Gagasan persatuan rakyat dan raja dalam perjuangan melawan tuan-tuan feodal mengalir di seluruh drama. Pandangan Greene seperti itu, tentu saja, adalah ilusi yang muncul pada tahap perkembangan sosial Inggris itu, ketika monarki absolut mengandalkan perjuangannya melawan tuan-tuan feodal dengan dukungan kaum borjuasi dan rakyat.

Seperti dalam "The Monk Bacon", dalam "Weckfield Field Watchman" orang dapat dengan jelas merasakan hubungan antara drama dan cerita rakyat Greene. Belum lagi salah satu tokoh dalam lakon itu adalah pahlawan balada rakyat Robin Hood, citra George Green juga dipinjam pengarang dari lagu-lagu rakyat. Simpati demokratis penulis juga tercermin dalam citra warga kota Weckfield, dalam penggambaran kehidupan orang biasa yang penuh kasih dan dalam humor rakyat yang mewarnai sejumlah episode lakon itu.

Seringai sama sekali tidak seperti ciri kesedihan tragis. Biasanya, dramanya memiliki akhir yang bahagia. Unsur komik di dalamnya sangat signifikan, yang secara organik dihubungkan oleh Green dengan alur utama plot. Green suka membangun intrik yang rumit dan memimpin aksi paralel.

Ciri-ciri dramaturgi Green ini telah dengan mantap memasuki praktik teater Renaisans Inggris.

Thomas Kidd adalah salah satu tokoh Renaisans Inggris yang paling menarik dan sekaligus paling misterius. Bahkan tanggal lahir dan kematiannya tidak diketahui secara pasti: diasumsikan bahwa ia lahir pada tahun 1557 dan meninggal pada tahun 1595. Kami hanya tahu bahwa sebelum menjadi penulis naskah, dia adalah seorang juru tulis. Beberapa lakonnya diterbitkan tanpa nama pengarangnya, yang lain hanya ditandai dengan inisial. Sumber utama untuk menentukan kepenulisan Kid adalah buku akun pengusaha teater Philip Genslo, yang mencatat pembayaran royalti kepada penulis drama tersebut.

Menurut peneliti, Kid adalah penulis lima drama. Yang pertama adalah "Tragedi Spanyol", yang popularitasnya dapat dinilai dari fakta bahwa selama satu dekade diterbitkan empat kali (edisi pertama - tanpa tanggal, 2 - 1594, 3 - 1599, 4 - 1602). Meskipun nama pengarangnya tidak disebutkan pada edisi mana pun, semua peneliti menganggap afiliasi lakon ini dengan Kid tidak dapat disangkal. Diasumsikan bahwa Kid menulis bagian pertama dari tragedi "Jeronimo", yang menggambarkan peristiwa sebelum "tragedi Spanyol".

Kid selanjutnya dikreditkan dengan kepengarangan drama tersebut, judul panjangnya berbunyi: "Tragedi Soliman dan Persis, di mana keteguhan dalam cinta digambarkan, ketidakkekalan takdir, dan tawar-menawar kematian." Dengan pasti, seseorang dapat berbicara tentang kepenulisan Kid dalam kaitannya dengan tragedi "Pompeii yang Agung dan Cornelia yang Cantik", karena namanya tertera di halaman judul. Ia juga menyatakan bahwa lakon itu adalah terjemahan dari sebuah tragedi oleh penyair Prancis Robert Garnier. Terakhir, diyakini bahwa Kyd adalah penulis tragedi Hamlet pra-Shakespeare, yang diketahui dipentaskan di atas panggung pada 1587-1588, meskipun teksnya belum sampai kepada kita.

Yang paling luar biasa dari semua drama ini adalah "Tragedi Spanyol", yang menandai dimulainya genre "drama berdarah". Ini dimulai dengan munculnya hantu Andrea, menangis untuk membalas dendam atas kematiannya di tangan Portugis Balthazar. Tugas ini diambil alih oleh teman almarhum, Horatio, yang menangkap Balthazar dan membawanya ke Spanyol. Tapi di sini Balthazar berhasil berteman dengan putra Duke of Castile - Lorenzo. Dengan bantuannya, Balthazar akan menikahi pengantin mendiang Andrea, Belimperia yang cantik. Tapi Belimperia menyukai Horatio. Untuk melenyapkan sang rival, Balthazar dan temannya Lorenzo membunuh Horatio. Mereka menggantung tubuh pria yang terbunuh di pohon di depan rumahnya. Ayah Horatio, Hieronimo, menemukan mayat itu dan bersumpah untuk menemukan pembunuhnya untuk membalas dendam pada mereka. Bunda Horatio, yang dikejutkan oleh kesedihan, bunuh diri. Setelah mengetahui siapa penyebab semua kemalangannya, Jeronimo membuat rencana balas dendam. Ia mengundang para pembunuh putranya untuk ikut serta dalam pementasan drama tersebut pada perayaan pernikahan dalam rangka pernikahan Balthazar dan Belimperia. Semua karakter utama terlibat dalam drama ini. Dalam permainan ini, Hieronimo harus membunuh Lorenzo dan Balthazar, yang dilakukannya. Belimperia bunuh diri, ayah Lorenzo tewas, dan balas dendam Jeronimo dilakukan. Ketika raja memerintahkan penangkapan Hieronimo, dia menggigit lidahnya dan memuntahkannya agar tidak mengungkapkan rahasianya. Hieronimo kemudian menusuk dirinya sendiri dengan belati.

"Tragedi Spanyol" - sebuah drama intrik pengadilan dan balas dendam yang kejam - sangat menarik baik dalam fitur artistiknya maupun dalam orientasi ideologisnya.

Menolak plot yang sudah jadi yang berasal dari kuno atau abad pertengahan, Kid sendiri yang menemukan plot tragedinya, yang terjadi di Spanyol kontemporer, di tahun 80-an abad ke-16. Dia mengisi drama itu dengan hasrat yang keras, peristiwa yang berkembang pesat, dan pidato yang menyedihkan. Dengan terampil membangun aksi, ia memimpin beberapa intrik paralel pada saat yang sama, mengejutkan penonton dengan kebetulan yang tak terduga dan perubahan tajam dalam nasib para karakter. Karakternya digariskan dengan guratan yang tajam dan ekspresif. Temperamen digabungkan di dalamnya dengan tujuan, dengan tekanan kemauan yang sangat besar. Dia menciptakan gambar penjahat yang tidak mengenal batas penipuan dan kekejaman. Rasa haus Jeronimo akan balas dendam berubah menjadi obsesi yang mendekati kegilaan.

Untuk mencocokkan seluruh warna tragedi dan citra perempuan, khususnya tokoh utama dalam lakon Belimperiya, yang tidak kalah dengan laki-laki dalam semangat, energi, tekad. Karakter anak-anak mencurahkan perasaan mereka dalam pidato yang penuh dengan emosi yang intens, seruan badai, hiperbola yang berani. Dalam hal ini, tragedi Kid mirip dengan banyak karya dramatis lainnya pada zaman itu. Tetapi ada fitur dalam "Tragedi Spanyol" yang membedakan lakon ini dari produksi drama massal modern. Ini adalah sandiwara dan penampilan panggungnya yang luar biasa. Tidak seperti banyak drama, di mana sebagian besar aksinya terjadi di luar panggung, di Kid semuanya terjadi di atas panggung, di depan penonton. Setelah mengatasi skema drama sastra, "akademis", Kid, seolah-olah, menghidupkan kembali unsur-unsur visualisasi dan tontonan yang efektif, yang menjadi ciri khas teater misteri, atas dasar baru. Permainan anak-anak menciptakan tontonan yang mengasyikkan, peristiwa yang disajikan di dalamnya menimbulkan rasa kasihan dan iba, atau ketakutan dan kengerian. Sepanjang aksi "Tragedi Spanyol" terjadi delapan pembunuhan dan bunuh diri yang masing-masing dilakukan dengan caranya sendiri; selain itu, penonton diperlihatkan gantung diri, gila, menggigit lidah dan hal-hal buruk lainnya. Pahlawan Kid tidak hanya berpidato, tetapi melakukan banyak tindakan berbeda, dan semua ini membutuhkan teknik akting baru untuk saat itu, pengembangan ekspresi wajah, gerak tubuh, dan gerakan panggung. Di antara elemen inovatif dari dramaturgi Kid, orang juga harus mencatat pengenalannya tentang "panggung di atas panggung" - perangkat yang berisi kemungkinan panggung yang kaya dan kemudian digunakan oleh Shakespeare berulang kali.

Inovasi dramatis Kid bukanlah tujuan akhir. Mereka terkait erat dengan orientasi ideologis karyanya. Horor dan kejahatan, yang disajikan secara melimpah dalam "Tragedi Spanyol", mencerminkan persepsi tragis khas Kidu tentang realitas.

Tumpukan kengerian dan kekejaman dalam drama berdarah itu merupakan cerminan dari pesta pora keinginan diri individualistis dan runtuhnya semua ikatan feodal dalam kondisi masyarakat borjuis yang baru muncul. Pelanggaran norma moral lama diekspresikan dalam hilangnya prinsip-prinsip pengekangan. Kemarahan, tipu daya, pengkhianatan, pemangsaan, kekerasan, pembunuhan dan fenomena serupa lainnya yang terekam dalam drama berdarah bukanlah ciptaan penulis naskah, melainkan cerminan dari fakta realitas. Bukan tanpa alasan, dalam genre drama berdarah itulah sejumlah besar karya diciptakan berdasarkan materi modern, dan bukan pada plot sastra atau sejarah pinjaman.

Sebagian besar tragedi berdarah menggambarkan kehidupan lapisan atas masyarakat, istana dan bangsawan. Orientasi demokrasi dari genre tersebut tercermin dari fakta bahwa pada intinya drama berdarah selalu mengutuk amoralitas dan kekejaman masyarakat kelas atas.

Tempat khusus di antara drama berdarah ditempati oleh karya penulis tak dikenal "Arden from Feversham" (c. 1590). Perbedaan mendasar lakon ini dari karya lain bergenre ini adalah bahwa aksi di dalamnya tidak terjadi di istana dan bukan di kalangan bangsawan, tetapi dalam kehidupan orang-orang berpangkat sederhana. Ini adalah drama keluarga borjuis pertama di teater Inggris. Sumber plotnya adalah peristiwa nyata yang terjadi pada tahun 1551.

Drama tersebut menggambarkan kisah pembunuhan burgess Arden oleh istrinya Alice dan kekasihnya Mosby. Tidak dapat menahan nafsunya, Alice memutuskan untuk menyingkirkan suaminya yang tidak dicintainya, tetapi implementasi rencananya selalu menemui hambatan, dan Arden berhasil menghindari jebakan yang disiapkan untuknya berulang kali.

Memimpin aksi dengan keterampilan tinggi, penulis drama itu membuka di hadapan penonton gambar-gambar kehidupan provinsi dan metropolitan dari orang-orang kelas menengah, pekerja dan sampah masyarakat. Keahlian dramatis yang terungkap dari cerita tersebut telah membuat para peneliti berspekulasi bahwa Shakespeare atau The Kid bisa jadi adalah penulis drama anonim ini. Asumsi ini, bagaimanapun, tidak memiliki dasar yang serius.

Pendahulu terbesar Shakespeare adalah Christopher Marlowe (1564-1593). Putra seorang pembuat sepatu Canterbury, yang menyelesaikan kursus sains penuh di Universitas Cambridge, Marlow menerima gelar master seni liberal pada tahun 1587. Setelah menetap di London, ia terlibat dalam aktivitas puitis dan dramatis, mementaskan drama untuk teater umum.

Saat tinggal di London, Marlowe bergabung dengan lingkaran pemikir bebas, dipimpin oleh Walter Raleigh, salah satu tokoh paling cemerlang dari Renaisans Inggris; Raleigh adalah seorang pejuang, navigator, penyair, filsuf, sejarawan. Terhubung secara ideologis dengan Raleigh, Marlo secara terbuka mengakui ateisme dan pandangan republik. Banyak kecaman terhadap Marlo telah dipertahankan, yang diajukan oleh agen polisi rahasia. Investigasi dilakukan terhadap kasus pemikiran bebasnya. Tetapi pihak berwenang memutuskan untuk melakukannya tanpa prosedur hukum yang biasa: Marlo dibunuh oleh agen pemerintah di sebuah penginapan di kota Deptford, dan kemudian dibuat versi bahwa penyebab kematian penyair itu adalah perkelahian karena seorang gadis kedai minuman. Faktanya, seperti yang telah didokumentasikan oleh para peneliti, penulis drama tersebut menjadi korban teror polisi dari pemerintahan Elizabethan.

Drama pertama Marlo muncul pada tahun 1587, dan lima tahun kemudian dia sudah meninggal. Meski aktivitasnya singkat, Marlo meninggalkan warisan dramatis yang sangat signifikan.

Tragedi pertama Marlowe benar-benar mengejutkan orang-orang sezamannya. Tidak ada satu pun karya panggung sampai saat itu yang berhasil seperti yang jatuh ke tangan "Tamerlane" (bagian pertama - 1587, bagian kedua - 1588). Pahlawan tragedi itu adalah seorang gembala sederhana yang menjadi komandan dan menaklukkan banyak kerajaan di Timur.

Tamerlane adalah kepribadian yang sangat besar: dia berjuang untuk dominasi tanpa batas atas dunia. Ini adalah pria dengan ambisi besar, haus kekuasaan yang tak kenal lelah, energi yang tak tergoyahkan. Dia tidak percaya pada takdir dan Tuhan, dia adalah takdirnya sendiri dan tuhannya sendiri. Dia sangat yakin bahwa semua yang diinginkan dapat dicapai, Anda hanya perlu benar-benar menginginkan dan mencapainya.

Keyakinan pada kekuatan pikiran dan kehendak manusia diungkapkan oleh Marlo dalam monolog Tamerlane:

Kita diciptakan dari empat unsur, Berperang keras di antara mereka sendiri. Alam mengajarkan pikiran kita untuk melambung Dan untuk mengetahui dengan jiwa yang tak terpuaskan Arsitektur dunia yang indah, Untuk mengukur jalur rumit benda-benda langit Dan berjuang untuk pengetahuan yang tak terbatas...

Setelah mencapai salah satu kemenangan militer pertamanya, Tamerlane menangkap Zenocrate yang cantik, putri Sultan Mesir. Dia jatuh cinta padanya dengan semua kekuatan nafsu yang melekat pada sifatnya. Zenocrate pada awalnya takut akan kegigihan Tamerlane, dan kemudian, ditundukkan oleh energi heroiknya, dia memberikan hatinya padanya. Tamerlane melakukan penaklukannya, ingin menempatkan seluruh dunia di bawah kaki wanita tercintanya. Di akhir bagian pertama, Tamerlane bertempur dengan ayah Zenocrates, sultan Mesir. Zenocrate mengalami perpecahan perasaan antara cinta untuk Tamerlane dan ayahnya. Tamerlane menangkap Sultan, tetapi mengembalikan kebebasannya, dan dia memberkati pernikahannya dengan Zenocrates.

Jika bagian pertama menggambarkan penaklukan Timur oleh Tamerlane, maka di bagian kedua kita melihat Tamerlane menyebarkan penaklukannya ke Barat. Dia mengalahkan raja Hongaria Sigismund.

Zenocrate, yang berhasil memberi Tamerlane tiga putra, meninggal. Kesedihan Tamerlane tidak terbatas. Dia membakar kota tempat Zenocrate meninggal. Ditemani oleh ketiga putranya, Tamerlane, seperti angin puyuh kematian, menyapu dengan pasukannya melalui semua negara baru yang dia taklukkan. Dia menaklukkan Babel dan Turki. Di sini dia memerintahkan Alquran untuk dibakar. Episode ini merupakan tantangan bagi agama ateis Marlo, tidak sulit bagi orang-orang sezaman untuk menebak bahwa ia juga merujuk pada kitab suci agama Kristen. Tamerlane meninggal, memerintahkan untuk dimakamkan di sebelah Zenocrates dan mewariskan kepada putranya untuk melanjutkan penaklukan tanah baru.

"Tamerlane" oleh Marlo adalah pendewaan dari kepribadian yang kuat, himne energi manusia. Pahlawan tragedi itu mewujudkan semangat era ketika emansipasi individu dari belenggu feodal terjadi. Tamerlane tidak diragukan lagi memiliki ciri-ciri individualisme borjuis. Aspirasi tertingginya adalah kekuasaan tak terbatas atas dunia dan manusia. Dia membuang prinsip moral lama dan percaya bahwa satu-satunya hukum adalah kehendaknya.

Tapi ada juga dasar yang sangat demokratis dalam citra Tamerlane. Marlo memilih sebagai pahlawan drama seorang pria yang bangkit dari paling bawah ke puncak kekuasaan dan kekuatan. Penonton rakyat saat itu seharusnya terkesan dengan gembala ini, yang mengalahkan raja dan membuat mereka melayaninya. Tamerlane memaksa salah satu raja yang ditangkap untuk menggambarkan langkah di kaki singgasananya, dia mengikat raja lain ke kereta dan mengendarainya, menempatkan raja lain di dalam sangkar dan membawanya di belakangnya untuk menunjukkan kekuatannya.

Penonton yang demokratis, tentu saja, dengan gembira memuji tontonan dari begitu banyak raja yang digulingkan ini, dikalahkan oleh seorang gembala sederhana. "Tamerlane" merupakan tantangan bagi dunia lama, para penguasanya. Marlowe, seolah-olah, menyatakan dalam permainannya bahwa penguasa baru dunia akan datang; dia tidak memiliki gelar, tidak memiliki leluhur, tetapi dia kuat, cerdas, energik, dan sebelum kehendaknya, tahta dan altar akan jatuh menjadi debu. Begitulah, pada intinya, ide dari drama tersebut, dan inilah kesedihannya, yang begitu memikat orang-orang sezaman.

Tantangan yang sama terkandung dalam The Tragic History of Doctor Faust (1588 - 1589). Di sini sang pahlawan juga merupakan kepribadian titanic. Tetapi jika Tamerlane ingin mencapai kekuasaan tak terbatas atas dunia melalui eksploitasi militer, maka Faust berjuang untuk tujuan yang sama melalui pengetahuan. Meminjam plot dari buku rakyat Jerman tentang penyihir Dr. Faust, Marlo menciptakan karya khas Renaisans yang mencerminkan ciri terpenting zaman itu - munculnya ilmu baru.

Faust menolak skolastik dan teologi abad pertengahan, yang tidak berdaya untuk memahami alam dan menemukan hukumnya; mereka hanya mengikat orang tersebut. Pemberontakan melawan teologi abad pertengahan dan penolakan agama terwujud dalam aliansi yang dibuat Faust dengan iblis. Marlo yang tidak bertuhan dan ateis di sini melampiaskan kebenciannya terhadap agama. Pahlawannya menemukan lebih banyak keuntungan bagi dirinya sendiri dalam persekutuan dengan iblis - Mephistopheles daripada mematuhi dogma agama.

Dalam tragedi Marlowe orang merasakan dorongan yang kuat untuk pengetahuan, keinginan yang kuat untuk menaklukkan alam dan membuatnya melayani manusia. Di Faust, keinginan akan pengetahuan ini diwujudkan. Para pencari jalan baru dalam sains adalah orang-orang pemberani yang dengan gagah berani memberontak melawan prasangka agama abad pertengahan, dengan berani menanggung penganiayaan terhadap gereja dan penganiayaan terhadap kaum obskurant, yang mempertaruhkan nyawa mereka atas nama mencapai tujuan besar mereka.

Orang yang begitu heroik adalah Faust, yang bahkan setuju untuk menjual jiwanya kepada iblis untuk menguasai rahasia alam dan menaklukkannya. Faust menyusun himne yang antusias untuk pengetahuan:

Oh, dunia yang luar biasa, dunia kebijaksanaan dan manfaat, Kehormatan, kemahakuasaan, dan kekuatan Terbuka bagi mereka yang mengabdikan diri pada sains! Segala sesuatu yang terletak di antara kutub yang sunyi Tunduk pada saya.

Pengetahuan bukanlah tujuan akhir bagi Faust. Baginya, cara yang sama untuk menaklukkan seluruh dunia untuk dirinya sendiri, yang bagi Tamerlane adalah pedangnya. Sains harus memberinya kekayaan dan kekuasaan.

Namun, ada perbedaan antara Faust dan Tamerlane. Tamerlane adalah orang yang utuh. Dia tidak mengenal keraguan dan keraguan. Lakon tentang dirinya sebenarnya bukanlah sebuah tragedi, melainkan sebuah drama heroik, karena dari awal hingga akhir penonton melihat kemenangan yang kokoh dari sang pahlawan. Faust berbeda. Di sini, sejak awal, kami merasakan dualitas sang pahlawan. Dia memiliki dua jiwa. Faust sangat membutuhkan, meskipun jangka pendek, tetapi masih memiliki kekuatan nyata atas dunia dan siap mengorbankan jiwanya yang "abadi" untuk ini. Tetapi ketakutan juga tinggal di dalam dirinya, ketakutan akan "jiwanya" ini, yang pada akhirnya harus membayar pelanggaran tatanan abadi.

Di akhir tragedi itu, Faust siap meninggalkan dirinya sendiri, "membakar buku-bukunya". Apa itu - pengakuan penulis atas kekalahan pahlawannya? Penolakan keinginan untuk kebebasan tanpa batas dan kekuasaan atas dunia, rekonsiliasi dengan segala sesuatu yang pertama kali ditinggalkan Faust?

Tidak boleh dilupakan bahwa dalam menciptakan tragedi Marlowe bergantung pada sumbernya dan harus mengikuti jalannya peristiwa dalam legenda Faust. Selain itu, Marlowe terpaksa memperhitungkan sudut pandang yang berlaku dan tidak dapat mementaskan drama tersebut jika Faust tidak dihukum karena meninggalkan agama. Namun selain keadaan eksternal yang memainkan perannya, ada juga alasan internal yang mendorong Marlo untuk menulis akhir dari tragedi tersebut. Faust mencerminkan dualitas cita-cita orang bebas, yang diperjuangkan Marlowe. Pahlawannya adalah orang kuat yang membebaskan dirinya dari kekuasaan Tuhan dan negara feodal, tetapi dia juga seorang egosentris, menginjak-injak institusi sosial dan hukum moral.

"Faust" adalah ciptaan Marlowe yang paling tragis, karena mengungkapkan kebuntuan yang dimasuki seseorang, menolak semua norma moral dalam perjuangannya untuk kebebasan.

"The Maltese Jew" (1592) menunjukkan tahap baru dalam perkembangan pandangan dunia Marlo. Berbeda dengan dua drama pertama yang mengagungkan individu, di sini Marlo mengkritik individualisme.

Tragedi itu terjadi di Malta. Ketika sultan Turki menuntut upeti dari para ksatria Malta, komandan ordo menemukan jalan keluar yang mudah. Dia mengambil uang dari orang Yahudi yang tinggal di pulau itu dan membayar orang Turki. Kesewenang-wenangan ini membuat marah Barabas Yahudi yang kaya, yang menolak memberikan uang dan menyembunyikannya di rumahnya. Kemudian mereka merampas hartanya dan mengubah rumahnya menjadi biara. Untuk menyimpan uang yang disembunyikan di sana, Barabas memaksa putrinya untuk menyatakan pertobatannya menjadi Kristen dan menjadi seorang biarawati. Namun alih-alih membantu ayahnya, Abigail, putri Barabas, malah menjadi seorang Kristen yang tulus. Kemudian Barabas meracuninya. Sementara itu, Malta dikepung oleh Turki. Barabas pergi ke sisi mereka dan membantu mereka mengambil alih benteng. Sebagai hadiah untuk ini, orang-orang Turki mengangkatnya sebagai gubernur dan menyerahkan para ksatria yang dibenci ke tangannya. Ingin mempertahankan jabatan gubernur, tetapi menyadari bahwa untuk ini ia perlu mendapat dukungan dari penduduk, Barabas menawarkan kebebasan kepada para ksatria yang ditangkap dan berjanji untuk menghancurkan Turki dengan syarat para ksatria kemudian menyerahkan pengelolaan pulau di tangannya dan membayarnya seratus ribu pound. Barabas mengatur palka, di mana dia meletakkan kuali dengan resin mendidih. Para pemimpin militer Turki yang diundang olehnya harus jatuh ke dalam palka ini. Tetapi mantan gubernur pulau itu, yang berdedikasi pada masalah tersebut, mengatur agar Barabas jatuh ke dalam palka, yang terbakar dalam tar yang mendidih.

Dalam citra Barabas, Marlo, sebagai seorang humanis, mencap keserakahan dan keserakahan kaum borjuis. Marlowe adalah orang pertama yang menciptakan tipe borjuis predator dalam drama Renaisans Inggris.

Jika dalam dua dramanya yang pertama kekayaan digambarkan oleh Marlo sebagai salah satu alat untuk memenuhi kebutuhan manusia, maka dalam The Maltese Jew penulis drama tersebut menunjukkan efek merugikan dari emas pada karakter ketika kekayaan menjadi tujuan akhir. Citra Barabas mewujudkan ciri khas kaum borjuis di era akumulasi modal primitif. Dia mendirikan kekayaannya dengan riba. Sekarang dia adalah seorang pedagang, mengirim kapalnya dengan barang ke berbagai negara. Dia mengubah hasilnya menjadi perhiasan. Dengan semangat seorang pemburu harta karun, tercekik kegirangan, dia berbicara tentang harta karunnya:

Tas opal, safir dan batu kecubung, Topas, zamrud dan eceng gondok, Ruby, berlian berkilau, Batu mulia, besar, Dan masing-masing beratnya banyak karat. Bagi mereka saya akan dapat, jika perlu, untuk menebus raja-raja besar dari penawanan, - Terdiri dari kekayaan saya Dan inilah yang, saya percaya, perlu untuk mengubah Pendapatan dari perdagangan; Harga mereka akan meningkat setiap saat, Dan dalam sebuah kotak kecil Anda akan menyimpan Harta Karun dalam jumlah tak terbatas.

Semua alam, menurut Barabas, harus melayani tujuan peningkatan kekayaan, di mana dia melihat kebaikan tertinggi, karena, seperti yang dia katakan: "Orang hanya dihargai untuk kekayaan." Adapun hati nurani dan kehormatan, Barabas memiliki pendapatnya sendiri tentang hal ini:

Orang-orang malang yang memiliki hati nurani, Ditakdirkan untuk hidup dalam kemiskinan selamanya.

Oleh karena itu, ketika hartanya disita dari Barabas, dalam keputusasaan dia mengucapkan monolog penuh semangat:

Saya kehilangan semua emas, semua kekayaan! Ya Tuhan, apakah aku pantas menerima ini? Mengapa Anda memutuskan, para bintang, untuk menjerumuskan saya ke dalam keputusasaan dan kemiskinan?

Setelah menjadi gubernur, Barabas berupaya menggunakan kekuasaan untuk keuntungannya; pada saat yang sama, dia mengungkapkan sikap borjuis yang khas terhadap kekuasaan:

Saya akan menjaga kekuatan yang diperoleh dengan pengkhianatan dengan tangan yang kuat. Tanpa untung, saya tidak akan berpisah dengannya. Dia yang, memiliki kekuasaan, tidak mendapatkan Teman atau karung penuh emas, seperti Keledai dalam dongeng Aesop: Dia membuang kopernya dengan roti dan anggur Dan mulai menggerogoti onak kering.

Mengutuk pemangsaan Barabas yang kejam, Marlo yang ateis tetap tidak gagal untuk mengeluarkan kata-kata yang mengungkap agama munafik orang Kristen:

Buah dari iman mereka yang saya tahu adalah: Penipuan dan kedengkian, kesombongan yang tak terkira, - Dan ini tidak sesuai dengan ajaran mereka.

Barabas ditentang sebagai karakter positif oleh penguasa Malta, Farnese. Dalam pidatonya kita mendengar kecaman terhadap riba dan metode akumulasi borjuis lainnya. Ketika Barabas menyebut upeti uang yang dikenakan kepadanya oleh penguasa sebagai pencurian, Farnese keberatan:

Tidak, kami mengambil kekayaan Anda, Untuk menyelamatkan banyak orang dengan ini. Demi kebaikan semua, biarkan satu menderita, Dari semua yang lain bertahan untuk satu.

Jadi, Marlo menentang prinsip kebaikan bersama dengan individualisme.

Dari segi kedalaman wawasan sosial, "Orang Yahudi Malta" Marlo mendekati "Pedagang Venesia" dan "Timon Athena" karya Shakespeare.

"Edward II" (1593) adalah kronik sejarah yang sarat dengan muatan politik. Edward II adalah raja yang berkemauan lemah, dimanjakan, budak nafsu, keinginan, keinginannya. Kekuasaan melayaninya hanya sebagai alat untuk memuaskan keinginannya sendiri. Berkemauan lemah dan bertubuh lunak, dia patuh pada antek-anteknya, terutama salah satunya, Gaveston, yang perilakunya yang kurang ajar menyebabkan kemarahan umum.

Raja yang lemah ditentang oleh Mortimer yang energik dan ambisius, yang memberontak untuk merebut kekuasaan di tangannya sendiri. Dia berpura-pura menjadi penjaga kepentingan bersama. Intinya, dia melihat dalam kekuasaan hanya kepuasan dari egoismenya. Setelah melenyapkan raja dengan membunuh dan menjadi penguasa de facto negara, dia juga menyebabkan ketidakpuasan dengan pemerintahannya dan menjadi korban pemberontakan yang mulia.

"Edward II" adalah drama anti-monarki dan anti-bangsawan. Marlo menyangkal keilahian kekuasaan kerajaan dan menunjukkan gambaran negara tempat kesewenang-wenangan dan kekerasan berkuasa. Drama ini melanjutkan kritik terhadap individualisme yang terjadi di The Maltese Jew. Kelemahan Edward dan kekuatan Mortimer saling bertentangan seperti dua sisi keegoisan. Edward Epicurean dan Mortimer yang ambisius hanyalah dua sisi individualisme.

Pembantaian Paris (1593) memiliki plot peristiwa Malam Bartholomew. Di sini Marlo menunjukkan konsekuensi dari intoleransi agama dan menggunakan ini untuk kritiknya yang terus-menerus terhadap agama. Karya terakhir Marlo - "The Tragedy of Dido, Queen of Carthage" (1593) - masih belum selesai. Ditulis oleh Thomas Nash.

Dramaturgi Marlowe adalah salah satu perkembangan paling signifikan dalam perkembangan drama Renaisans Inggris. Dari semua pendahulu Shakespeare, dialah yang paling berbakat. Kematian dini mengganggu aktivitasnya di puncaknya, tetapi apa yang berhasil dilakukan Marlowe memperkaya teater pada masanya.

Dalam tragedi tersebut, Marlo mengungkapkan kesedihan dalam menegaskan kepribadian yang terbebas dari ikatan dan batasan feodal abad pertengahan. Pemuliaan kekuatan manusia, keinginannya akan pengetahuan dan kekuasaan atas dunia, penolakan agama dan moralitas patriarkal digabungkan dalam pahlawan Marlowe dengan penolakan terhadap landasan etis apa pun. Individualisme para pahlawannya yang perkasa memiliki karakter anarkis.

Dimulai dengan gagasan untuk menegaskan kepribadian di Tamerlane, Marlo sudah di Faust sampai pada pemahaman parsial tentang kontradiksi individualisme, kritik yang menjadi motif utama Yahudi Malta. Pada saat yang sama, tentu saja, seseorang juga harus memperhitungkan perbedaan tujuan para pahlawan: untuk Tamerlane - ini adalah kekuatan, untuk Faust - pengetahuan, untuk Barabas - kekayaan. Oleh karena itu, Faust menonjol sebagai pahlawan dengan aspirasi yang benar-benar positif untuk semua individualismenya. Meski dalam lakon Marlo ada upaya untuk menciptakan karakter positif (Zenocrates di Tamerlane, Farnese di The Maltese Jew), namun Marlo tidak menciptakan citra yang secara ideologis dan artistik dapat sepenuhnya menolak pahlawan individualistisnya. Karenanya ketidakkonsistenan dan satu sisi yang menjadi ciri khas dramaturgi Marlowe. Tugas menciptakan karakter titanic yang mengusung aspirasi sosial positif dilakukan oleh Shakespeare yang menggantikan Marlo yang banyak berhutang budi kepada pendahulunya.

Marlo memberikan kontribusi yang signifikan bagi perkembangan drama, mengangkat bentuk artistiknya ke ketinggian yang luar biasa. Ia mencontohkan konstruksi aksi dramatis yang lebih sempurna, yang ia berikan kesatuan batinnya, membangun perkembangan plot seputar kepribadian dan nasib tokoh sentral. Dalam karyanya, konsep tragis juga mendapat perkembangan yang lebih dalam. Sebelum Marlowe, tragis dipahami secara lahiriah sebagai gambaran dari semua jenis kejahatan, menyebabkan ketakutan dan kengerian. Marlo sendiri berdiri di posisi ini, menciptakan "Tamerlane" dan "Maltese Jew". "Faust" karya Marlowe melampaui kedua drama ini dalam pemahaman yang lebih dalam tentang tragis, yang diekspresikan di sini tidak begitu banyak di luar, melainkan dalam konflik internal dalam jiwa pahlawan, yang berpuncak pada akhir drama tersebut. Citra Faust, sesuai dengan pemahaman Aristoteles tentang tragis, menimbulkan ketakutan dan kasih sayang. Pada saat yang sama, perlu dicatat bahwa realisme Marlowe semakin dalam dari permainan ke permainan, mencapai kebenaran psikologis terbesar dalam Edward II.

Kelebihan Marlo juga merupakan pengenalan ayat kosong ke dalam drama. Syair putih memiliki kebebasan yang diperlukan untuk memberikan kealamian pada tuturan para tokoh. Dari semua pendahulu Shakespeare, Marlowe adalah penyair paling berbakat. Gayanya dibedakan oleh kesedihan, perbandingan yang berani, metafora yang jelas, hiperbola yang melimpah, dan dengan cara terbaik sesuai dengan perasaan para pahlawan raksasa Marlowe. Energi dan kekuatan emosional yang besar dari pidato dramatis Marlowe kemudian memberi Ben Jonson alasan penuh untuk berbicara tentang "syair yang kuat" dari Marlowe.

Artikel utama:Drama Elizabethan

Di era Shakespeare, bersama dengan Teater Globe yang sukses di London, ada beberapa teater terkenal lainnya yang bersaing satu sama lain. Teater "Rose" (The Rose, 1587-1605), dibangun oleh pengusaha Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616). Teater Swan (The Swan, 1595-1632), yang dibangun oleh toko perhiasan dan pedagang Francis Langley (Francis Langley, 1548-1602), Teater Fortune, yang pembangunannya dimulai pada tahun 1600, dan lain-lain. Salah satu penulis drama Shakespeare yang paling terkenal adalah penyair berbakat Christopher Marlowe (1564-1593), yang di bawah pengaruhnya Shakespeare tidak diragukan lagi jatuh di awal karyanya, dan semua dramanya kemudian dipentaskan di Teater Rose. Dia adalah salah satu penulis naskah - "akademisi" yang memiliki diploma Oxford atau Cambridge, termasuk Robert Greene (Robert Greene, 1558-1592), John Lyly (John Lyly, 1554-1606), Thomas Nashe (Thomas Nashe, 1567- 1601 ), George Peele (1556-1596) dan Thomas Lodge (Thomas Lodge, 1558-1625). Bersama mereka, penulis lain, yang tidak memiliki pendidikan universitas, bekerja, yang tulisannya entah bagaimana memengaruhi karya Shakespeare. Ini adalah Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594), yang menulis drama sebelumnya tentang Hamlet, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (Henry Porter, m. 1599), penulis drama "Two tikus dari Abingdon" (The Two Angry Women of Abingdon), yang menjadi dasar pembuatan komedi Shakespeare "The Merry Wives of Windsor" (The Merry Wives of Windsor, 1597-1602).

[sunting] Teknik teater di era William Shakespeare

Artikel utama:Teknik teater di zaman Shakespeare

Teknik teatrikal di era Shakespeare - Teater Shakespeare tidak diragukan lagi sesuai dengan sistem lakonnya, yang awalnya dipentaskan oleh kelompok komedian keliling di penginapan dan pekarangan hotel; pekarangan hotel ini biasanya terdiri dari sebuah bangunan yang dikelilingi di lantai dua oleh balkon tingkat terbuka, di mana kamar dan pintu masuk berada. Rombongan pengembara, setelah memasuki halaman seperti itu, mengadakan adegan di dekat salah satu persegi panjang temboknya; penonton duduk di halaman dan di balkon. Panggung ditata dalam bentuk panggung kayu di atas kambing, sebagian keluar ke pelataran terbuka, dan sebagian lagi, bagian belakang, tetap berada di bawah balkon. Tirai jatuh dari balkon. Maka, tiga platform segera terbentuk: yang depan - di depan balkon, yang belakang - di bawah balkon di belakang tirai, dan yang atas - balkon di atas panggung. Prinsip yang sama mendasari bentuk peralihan teater Inggris pada abad ke-16 dan awal abad ke-17. Teater stasioner publik pertama dibangun di London (atau lebih tepatnya di luar London, di luar batas kota, karena teater tidak diizinkan di dalam kota) pada tahun 1576 oleh keluarga akting Burbage. Pada tahun 1599, Teater Globe diciptakan, yang terkait dengan sebagian besar karya Shakespeare. Teater Shakespeare belum mengenal auditorium, tetapi mengenal halaman sebagai kenang-kenangan dari halaman hotel. Auditorium terbuka tanpa atap seperti itu dikelilingi oleh satu atau dua galeri. Panggung ditutupi dengan atap dan mewakili tiga platform yang sama dari halaman hotel. Bagian depan panggung terjepit hampir sepertiga ke dalam auditorium - parter berdiri (sehingga secara harfiah menjalankan namanya "par terre" - di tanah). Bagian penonton yang demokratis, yang memenuhi parter, juga mengelilingi panggung dengan ring yang rapat. Bagian penonton yang lebih istimewa dan aristokrat duduk - berbaring dan di atas bangku - di atas panggung itu sendiri di sepanjang tepinya. Sejarah teater kali ini mencatat permusuhan dan pertengkaran yang terus-menerus, terkadang bahkan berubah menjadi perkelahian, antara kedua kelompok penonton ini. Permusuhan kelas para pengrajin dan pekerja melawan aristokrasi memiliki efek yang agak ribut di sini. Secara umum, keheningan itu, yang diketahui oleh auditorium kami, tidak ada di teater Shakespeare. Bagian belakang panggung dipisahkan oleh tirai geser. Adegan intim biasanya dilakukan di sana (misalnya, di kamar tidur Desdemona), mereka juga bermain di sana ketika diperlukan untuk segera memindahkan aksi ke tempat lain dan menampilkan karakter di posisi baru (misalnya, dalam drama Marlo "Tamerlane" di sana adalah catatan: "tirai ditarik ke belakang, dan Zenocrate berbaring di tempat tidur, Tamerlane duduk di sampingnya", atau dalam "The Winter's Tale" karya Shakespeare: "Pauline menarik tirai dan memperlihatkan Hermione, berdiri dalam bentuk patung" ). Platform depan adalah panggung utama, juga digunakan untuk prosesi, yang kemudian menjadi favorit di teater, untuk pertunjukan anggar, yang sangat populer saat itu (adegan di babak terakhir Hamlet). Badut, pemain sulap, pemain akrobat juga tampil di sini, menghibur penonton di antara adegan-adegan drama utama (tidak ada jeda di teater Shakespeare). Selanjutnya, selama pemrosesan sastra drama Shakespeare selanjutnya, beberapa selingan badut dan ucapan badut ini dimasukkan ke dalam teks cetak. Setiap pertunjukan harus diakhiri dengan "jiga" - jenis lagu khusus dengan tarian yang dibawakan oleh badut; adegan penggali kubur di Hamlet pada masa Shakespeare adalah sebuah badut, kemudian diisi dengan kesedihan. Di teater Shakespeare masih belum ada perbedaan tajam antara aktor drama dan akrobat, pelawak. Benar, perbedaan ini sudah dikembangkan, dirasakan, sedang dibuat. Tapi ujung-ujungnya belum terhapus. Tautan yang menghubungkan aktor Shakespeare dengan badut, histrion, juggler, "setan" badut dari misteri abad pertengahan, dengan badut lucu, belum diputuskan. Cukup bisa dimengerti mengapa pembuat ketel dari "The Taming of the Shrew" pada kata "komedi" pertama-tama mengingat trik-trik pemain sulap. Adegan atas digunakan ketika aksi harus digambarkan dengan logika peristiwa di atas, misalnya di dinding benteng ("Coriolanus"), di balkon Juliet ("Romeo dan Juliet"). Dalam kasus seperti itu, skrip memiliki komentar "di atas". Misalnya, tata letak seperti itu dipraktikkan - bagian atas menggambarkan tembok benteng, dan tirai platform belakang ditarik ke belakang di bagian bawah berarti pada saat yang sama gerbang kota terbuka di depan pemenang. Sistem teater seperti itu juga menjelaskan struktur drama Shakespeare, yang masih belum mengenal pembagian aksi (pembagian ini dilakukan setelah kematian Shakespeare, dalam edisi 1623), baik historisisme yang tepat, maupun realisme bergambar. Paralelisme plot dalam lakon yang satu dan sama, yang menjadi ciri khas penulis drama Elizabethan, baru-baru ini dijelaskan oleh struktur panggung yang khas, terbuka untuk penonton dari tiga sisi. Apa yang disebut hukum "kontinuitas sementara" mendominasi adegan ini. Perkembangan satu plot memungkinkan yang lain untuk melanjutkan, seolah-olah, "di belakang layar", yang mengisi interval "waktu teatrikal" yang sesuai di antara segmen plot ini. Dibangun di atas episode bermain aktif singkat, aksi dipindahkan dari satu tempat ke tempat lain dengan kecepatan relatif. Hal ini juga tercermin dalam tradisi adegan misteri. Jadi jalan keluar baru dari orang yang sama, atau bahkan hanya beberapa langkah di sepanjang panggung dengan penjelasan tekstual yang sesuai, sudah menunjukkan tempat baru. Misalnya, dalam Much Ado About Nothing, Benediktus memberi tahu anak laki-laki itu: "Saya punya buku di jendela kamar saya, bawa ke sini ke taman" - ini berarti aksi terjadi di taman. Kadang-kadang dalam karya Shakespeare, tempat atau waktu diindikasikan tidak begitu sederhana, tetapi dengan deskripsi puitis yang utuh. Ini adalah salah satu trik favoritnya. Misalnya, dalam "Romeo and Juliet", dalam gambar setelah adegan malam yang diterangi cahaya bulan, Lorenzo masuk berkata: "Senyum jernih dari fajar kelabu bermata suram sudah mengendarai malam dan menyepuh awan di timur dengan garis-garis cahaya ...” Atau kata-kata dari prolog babak pertama “Henry V”: “ ... Bayangkan dataran dua kerajaan terbentang luas di sini, yang pantainya, Bersandar begitu dekat satu sama lain, Memisahkan samudra Perkasa yang sempit tapi berbahaya. Beberapa langkah Romeo dengan teman-temannya berarti dia pindah dari jalan ke rumah. Untuk menunjuk suatu tempat, "judul" juga digunakan - tablet dengan tulisan. Kadang-kadang pemandangan itu menggambarkan beberapa kota sekaligus, dan prasasti dengan namanya sudah cukup untuk mengarahkan penonton dalam aksi. Dengan berakhirnya adegan, para karakter meninggalkan panggung, bahkan terkadang tetap tinggal - misalnya, tamu yang menyamar berjalan di jalan menuju rumah Capulet ("Romeo dan Juliet") tidak meninggalkan panggung, dan penampilan antek-antek dengan serbet berarti mereka sudah tiba dan berada di kamar Capulets. Drama saat ini tidak dilihat sebagai "sastra". Penulis drama tidak mengejar kepenulisan, dan itu tidak selalu memungkinkan. Tradisi drama anonim datang dari Abad Pertengahan melalui rombongan keliling dan terus beroperasi. Jadi nama Shakespeare muncul di bawah judul lakonnya hanya pada tahun 1593. Apa yang ditulis oleh penulis naskah teater itu, dia tidak bermaksud untuk diterbitkan, tetapi hanya memikirkan teater. Sebagian besar penulis naskah era Elizabethan terikat pada teater tertentu dan berusaha membawakan repertoar ke teater ini. Persaingan rombongan menuntut banyak permainan. Untuk periode 1558 hingga 1643, jumlah mereka di Inggris diperkirakan lebih dari 2.000 nama. Sangat sering permainan yang sama digunakan oleh sejumlah rombongan, mengerjakan ulang masing-masing dengan caranya sendiri, menyesuaikannya dengan rombongan. Kepengarangan anonim mengesampingkan plagiarisme sastra, dan kami hanya dapat berbicara tentang metode kompetisi "bajak laut", ketika sebuah drama dicuri oleh telinga, menurut perkiraan rekaman, dll. Dan dalam karya Shakespeare kami mengetahui sejumlah drama yang digunakan plot dari drama yang sudah ada sebelumnya. Seperti misalnya Hamlet, King Lear dan lain-lain. Publik tidak menuntut nama penulis lakon itu. Hal ini, pada gilirannya, mengarah pada fakta bahwa lakon tertulis hanyalah "dasar" untuk pertunjukan, teks penulis diubah selama latihan dengan cara apa pun. Pertunjukan para badut sering dilambangkan dengan ucapan "kata si badut", yang memberikan konten adegan badut ke teater atau improvisasi dari badut itu sendiri. Penulis menjual manuskripnya ke teater dan kemudian tidak mengklaim klaim hak cipta atau hak apa pun atas naskah tersebut. Pekerjaan bersama dan dengan demikian sangat cepat dari beberapa penulis dalam satu lakon sangat umum, misalnya, beberapa mengembangkan intrik dramatis, yang lain - bagian komik, kejenakaan para pelawak, yang lain lagi menggambarkan semua jenis efek "mengerikan", yang sangat populer saat itu, dll.e Pada akhir zaman, di awal abad ke-17, drama sastra sudah mulai naik ke atas panggung. Keterasingan antara penulis "terpelajar", "amatir" sekuler, dan penulis drama profesional semakin berkurang. Penulis sastra (misalnya, Ben Jonson) mulai bekerja untuk teater, penulis drama teater, pada gilirannya, semakin mulai diterbitkan.

[sunting] Soal periodisasi

Peneliti karya Shakespeare (kritikus sastra Denmark G. Brandes, penerbit karya lengkap Rusia Shakespeare S. A. Vengerov) pada akhir abad ke-19 - awal abad ke-20, berdasarkan kronologi karya, mempresentasikan evolusi spiritualnya dari "suasana hati yang ceria", keyakinan akan kemenangan keadilan , cita-cita humanistik di awal jalan menuju kekecewaan dan penghancuran semua ilusi di akhir. Namun, dalam beberapa tahun terakhir ada anggapan bahwa kesimpulan tentang kepribadian pengarang berdasarkan karya-karyanya adalah sebuah kesalahan.

Pada tahun 1930, sarjana Shakespeare E. K. Chambers mengusulkan kronologi karya Shakespeare berdasarkan genre, kemudian dikoreksi oleh J. McManway. Ada empat periode: yang pertama (1590-1594) - awal: kronik, komedi Renaisans, "tragedi horor" ("Titus Andronicus"), dua puisi; yang kedua (1594-1600) - komedi Renaisans, tragedi dewasa pertama ("Romeo dan Juliet"), kronik dengan unsur tragedi, tragedi kuno ("Julius Caesar"), soneta; yang ketiga (1601-1608) - tragedi besar, tragedi kuno, "komedi gelap"; yang keempat (1609-1613) - drama dongeng dengan awal yang tragis dan akhir yang bahagia. Beberapa sarjana Shakespeare, termasuk A. A. Smirnov, menggabungkan periode pertama dan kedua menjadi satu periode awal.

[sunting] Periode pertama (1590-1594)

Periode pertama kira-kira 1590-1594 bertahun-tahun.

Menurut metode sastra itu bisa disebut periode peniruan: Shakespeare masih sepenuhnya bergantung pada belas kasihan para pendahulunya. Dengan suasana hati periode ini ditentukan oleh para pendukung pendekatan biografi untuk mempelajari karya Shakespeare sebagai periode keyakinan idealis pada aspek terbaik kehidupan: "Shakespeare muda dengan antusias menghukum kejahatan dalam tragedi sejarahnya dan dengan antusias menyanyikan perasaan yang tinggi dan puitis - persahabatan , pengorbanan diri, dan terutama cinta" (Vengerov) .

Dalam tragedi itu Titus Andronicus» Shakespeare sepenuhnya menghormati tradisi penulis drama kontemporernya untuk menjaga perhatian penonton dengan memaksakan nafsu, kekejaman, dan naturalisme. Kengerian "Titus Andronicus" adalah cerminan langsung dan langsung dari kengerian drama Kid dan Marlowe.

Mungkin drama pertama Shakespeare adalah tiga bagian dari Henry VI. Kronik Holinshed berfungsi sebagai sumber untuk ini dan kronik sejarah selanjutnya. Tema yang menyatukan semua kronik Shakespeare adalah perubahan dari serangkaian penguasa yang lemah dan tidak mampu yang memimpin negara itu ke dalam perselisihan sipil dan perang saudara dan pemulihan ketertiban dengan aksesi dinasti Tudor. Seperti Marlowe dalam Edward II, Shakespeare tidak sekadar mendeskripsikan peristiwa sejarah, tetapi mengeksplorasi motif di balik tindakan para tokohnya.

« Komedi Kesalahan"- awal, komedi "pelajar", komedi posisi. Menurut kebiasaan pada masa itu, lakon itu dikerjakan ulang oleh seorang penulis Inggris modern, yang sumbernya adalah komedi Plautus Menechmas, yang menggambarkan petualangan saudara kembar. Tindakan tersebut terjadi di Efesus, yang memiliki sedikit kemiripan dengan kota Yunani kuno: penulis memindahkan tanda-tanda Inggris kontemporer ke latar antik. Shakespeare menambahkan alur cerita pelayan ganda, sehingga semakin membingungkan aksinya. Merupakan karakteristik bahwa dalam karya ini sudah ada campuran komik dan tragis, yang biasa terjadi pada Shakespeare: lelaki tua Egeon, yang tanpa disadari melanggar hukum Efesus, diancam akan dieksekusi, dan hanya melalui rangkaian kebetulan yang luar biasa. , kesalahan yang tidak masuk akal, pada akhirnya, keselamatan datang kepadanya. Menyela plot tragis dengan adegan komik, bahkan dalam karya tergelap Shakespeare, adalah pengingat, yang berakar pada tradisi abad pertengahan, kedekatan kematian dan, pada saat yang sama, aliran kehidupan yang tak henti-hentinya dan pembaruannya yang konstan.

Drama " Menjinakkan Tikus”, dibuat dalam tradisi komedi lucu. Ini adalah variasi plot, populer di teater London pada tahun 1590-an, tentang pengamanan seorang istri oleh suaminya. Dalam duel yang mengasyikkan, dua kepribadian luar biasa bertemu dan wanita itu dikalahkan. Penulis memproklamirkan tatanan yang tidak dapat diganggu gugat, di mana kepala keluarga adalah laki-laki.

Dalam drama berikutnya, Shakespeare menjauh dari perangkat komedi eksternal. " Usaha cinta yang sia-sia"- sebuah komedi yang dibuat di bawah pengaruh drama Lily, yang dia tulis untuk dipentaskan di teater topeng di istana kerajaan dan di rumah bangsawan. Dengan plot yang cukup sederhana, lakon itu adalah turnamen berkelanjutan, kompetisi karakter dalam dialog jenaka, permainan verbal yang rumit, mengarang puisi dan soneta (saat ini Shakespeare sudah menguasai bentuk puisi yang sulit). Bahasa "Love's Labour's Lost" - sok, berbunga-bunga, yang disebut euphuisme - adalah bahasa elit aristokrat Inggris saat itu, yang menjadi populer setelah novel Lily "Euphues, atau Anatomy of Wit" diterbitkan.

[sunting] Periode kedua (1594-1600)

Romeo dan Juliet. Lukisan oleh F. Dixie (1884)

Sekitar tahun 1595, Shakespeare menciptakan salah satu tragedi paling terkenalnya - "Romeo dan Juliet", - sejarah perkembangan kepribadian manusia dalam perjuangan dengan keadaan eksternal untuk hak untuk mencintai. "Untuk Romeo dan Juliet versinya, Shakespeare mungkin menggunakan pengerjaan ulang teks lama yang ditinggalkan oleh 'akademisi' (lingkaran penulis drama yang memiliki gelar universitas)." tentang nasib menyedihkan Romeo dan Juliet (1524) dipilih oleh penulis Italia lainnya (Bandello, Bolderi, Groto) dan selanjutnya menyebar dalam literatur Eropa. Di Inggris, plot terkenal itu diletakkan oleh Arthur Brooke sebagai dasar puisi "The Tragic Story of Romeus and Juliet" (Arthur Brooke . Sejarah tragis Romeus dan Juliet, 1562)." Mungkin, karya Brooke berfungsi sebagai sumber untuk Shakespeare. Dia memperkuat lirik dan drama aksi, memikirkan kembali dan memperkaya karakter karakter, menciptakan monolog puitis yang mengungkapkan pengalaman batin karakter utama, sehingga mengubah karya biasa menjadi Renaisans. puisi cinta. Ini adalah jenis tragedi khusus, liris , optimis, meskipun kematian karakter utama di final. Nama mereka telah menjadi nama rumah tangga untuk puisi gairah tertinggi.

Sekitar tahun 1596, salah satu karya Shakespeare yang paling terkenal berasal dari masa lalu - "Pedagang dari Venesia". Shylock, seperti drama Yahudi Elizabethan terkenal lainnya - Barabas ("Jew of Malta" oleh Marlo), merindukan balas dendam. Tapi, tidak seperti Barabas, Shylock yang tetap berkarakter negatif jauh lebih sulit. Di satu sisi, ini adalah perampas yang rakus, licik, bahkan kejam, di sisi lain, orang yang tersinggung yang pelanggarannya menimbulkan simpati. Monolog Shylock yang terkenal tentang identitas orang Yahudi dan orang lain mana pun "Tapi bukankah orang Yahudi punya mata?.."(babak III, adegan 1) dianggap oleh beberapa kritikus sebagai pidato terbaik dalam membela kesetaraan Yahudi di semua literatur. Drama tersebut mengontraskan kekuatan uang atas seseorang dan kultus persahabatan - bagian integral dari keharmonisan hidup.

Terlepas dari "masalah" lakon dan drama alur cerita Antonio dan Shylock, dalam suasananya "The Merchant of Venice" dekat dengan lakon dongeng seperti " Tidur di malam musim panas"(1596). Drama magis itu mungkin ditulis untuk perayaan pada acara pernikahan salah satu bangsawan Elizabethan. Untuk pertama kalinya dalam sastra, Shakespeare menganugerahi makhluk fantastis dengan kelemahan dan kontradiksi manusia, menciptakan karakter. Seperti biasa, dia melapisi adegan dramatis dengan komik: pengrajin Athena, sangat mirip dengan pekerja Inggris, dengan rajin dan kikuk mempersiapkan pernikahan Theseus dan Hippolyta, drama "Pyramus and Thisbe", yang merupakan kisah cinta yang tidak bahagia, diceritakan dalam sebuah bentuk parodi. Para peneliti terkejut dengan pilihan plot untuk drama "pernikahan": plot eksternalnya - kesalahpahaman antara dua pasang kekasih, diselesaikan hanya berkat niat baik Oberon dan sihir, ejekan tingkah wanita (hasrat Titania yang tiba-tiba untuk Yayasan ) - mengungkapkan pandangan cinta yang sangat skeptis. Namun, "salah satu karya paling puitis" ini memiliki konotasi yang serius - peninggian perasaan yang tulus, yang memiliki landasan moral.

Falstaff dengan kendi besar anggur dan piala. Lukisan oleh E. von Grützner (1896)

S. A. Vengerov melihat transisi ke periode kedua “di ketiadaan mainan puisi masa muda, yang menjadi ciri khas periode pertama. Para pahlawan masih muda, tapi mereka sudah menjalani kehidupan yang layak dan hal utama bagi mereka dalam hidup adalah kesenangan. Porsinya mengasyikkan, hidup, tetapi pesona lembut gadis-gadis dari Dua Veron, dan terlebih lagi Juliet, sama sekali tidak ada di dalamnya.

Pada saat yang sama, Shakespeare menciptakan jenis yang abadi dan paling menarik, yang sampai sekarang tidak memiliki analogi dalam sastra dunia - Sir John Falstaff. Keberhasilan kedua bagian Henry IV”Yang tidak kalah pentingnya adalah kelebihan dari karakter paling mencolok dalam kronik ini, yang segera menjadi populer. Karakternya tidak diragukan lagi negatif, tetapi dengan karakter yang kompleks. Seorang materialis, seorang egois, seorang pria tanpa cita-cita: kehormatan bukanlah apa-apa baginya, seorang skeptis yang jeli dan berwawasan luas. Dia menyangkal kehormatan, kekuasaan, dan kekayaan: dia membutuhkan uang hanya sebagai alat untuk mendapatkan makanan, anggur, dan wanita. Namun inti dari komik tersebut, inti dari citra Falstaff bukan hanya kecerdasannya, tetapi juga tawa ceria pada dirinya sendiri dan dunia di sekitarnya. Kekuatannya ada pada pengetahuan tentang sifat manusia, segala sesuatu yang mengikat seseorang menjijikkan baginya, dia adalah personifikasi dari kebebasan jiwa dan ketidaktahuan. Seorang lelaki dari zaman yang lewat, dia tidak dibutuhkan di mana negara berkuasa. Menyadari bahwa karakter seperti itu tidak pada tempatnya dalam drama tentang penguasa yang ideal, di " Henry V Shakespeare menghapusnya: penonton hanya diberi tahu tentang kematian Falstaff. Menurut tradisi, diyakini bahwa atas permintaan Ratu Elizabeth, yang ingin melihat Falstaff di atas panggung lagi, Shakespeare membangkitkannya di " Para Istri Merry of Windsor". Tapi ini hanya salinan pucat dari mantan Falstaff. Dia kehilangan pengetahuannya tentang dunia di sekitarnya, tidak ada lagi ironi yang sehat, menertawakan dirinya sendiri. Hanya bajingan puas diri yang tersisa.

Yang jauh lebih sukses adalah upaya untuk kembali ke tipe Falstaff di permainan terakhir periode kedua - "Malam Kedua Belas". Di sini, dalam pribadi Sir Toby dan rombongannya, kami seolah-olah memiliki edisi kedua dari Sir John, meskipun tanpa kecerdasannya yang cemerlang, tetapi dengan kesopanan yang baik dan menular yang sama. Itu juga sangat cocok dengan kerangka periode "Falstaffian", sebagian besar, ejekan kasar terhadap wanita di "Menjinakkan Tikus".

[sunting] Periode ketiga (1600-1609)

Hamlet dan Horatio di kuburan. Lukisan oleh E. Delacroix (1839)

Periode ketiga aktivitas artistiknya, kira-kira meliputi 1600-1609 Bertahun-tahun, para pendukung pendekatan biografi subjektivis terhadap karya Shakespeare menyebut periode "kegelapan spiritual yang dalam", mengingat kemunculan karakter melankolis Jacques dalam komedi sebagai tanda perubahan pandangan dunia "Seperti kamu menyukainya" dan memanggilnya hampir pendahulu Hamlet. Namun, beberapa peneliti percaya bahwa Shakespeare, dalam citra Jacques, hanya diejek melankolis, dan periode dugaan kekecewaan dalam hidup (menurut pendukung metode biografi) sebenarnya tidak dikonfirmasi oleh fakta biografi Shakespeare. Saat penulis naskah menciptakan tragedi terbesar bertepatan dengan berkembangnya kekuatan kreatifnya, penyelesaian kesulitan materi dan pencapaian posisi tinggi dalam masyarakat.

Sekitar 1600 Shakespeare menciptakan "Dukuh", menurut banyak kritikus, adalah karyanya yang terdalam. Shakespeare mempertahankan plot tragedi balas dendam yang terkenal, tetapi mengalihkan semua perhatiannya ke perselisihan spiritual, drama batin sang protagonis. Jenis pahlawan baru telah diperkenalkan ke dalam drama balas dendam tradisional. Shakespeare mendahului zamannya - Hamlet bukanlah pahlawan tragis biasa yang melakukan balas dendam demi keadilan Ilahi. Sampai pada kesimpulan bahwa tidak mungkin memulihkan harmoni dengan satu pukulan, dia mengalami tragedi keterasingan dari dunia dan membuat dirinya sendiri kesepian. Menurut definisi L. E. Pinsky, Hamlet adalah pahlawan sastra dunia "reflektif" pertama.

Cordelia. Lukisan oleh William F. Yaman (1888)

Pahlawan dari "tragedi besar" Shakespeare adalah orang-orang luar biasa yang mencampurkan kebaikan dan kejahatan. Menghadapi ketidakharmonisan dunia di sekitar mereka, mereka membuat pilihan yang sulit - bagaimana hidup di dalamnya, mereka menciptakan takdir mereka sendiri dan memikul tanggung jawab penuh untuk itu.

Pada saat yang sama, Shakespeare menciptakan drama " Ukur untuk ukuran". Terlepas dari kenyataan bahwa dalam Folio Pertama tahun 1623 diklasifikasikan sebagai komedi, hampir tidak ada komik dalam karya serius tentang hakim yang tidak adil ini. Namanya mengacu pada ajaran Kristus tentang belas kasihan, dalam tindakan salah satu pahlawan dalam bahaya fana, dan akhir cerita dapat dianggap bahagia bersyarat. Karya bermasalah ini tidak cocok dengan genre tertentu, tetapi ada di ambang genre: kembali ke moralitas, diarahkan ke tragikomedi.

Misantropi sejati hanya muncul di "Timon dari Athena"- kisah tentang seorang pria yang murah hati dan baik hati, dirusak oleh orang-orang yang dia bantu dan menjadi orang yang salah. Drama tersebut meninggalkan kesan yang menyakitkan, meskipun Athena yang tidak tahu berterima kasih setelah kematian Timon menderita hukuman. Menurut para peneliti, Shakespeare mengalami kegagalan: drama tersebut ditulis dalam bahasa yang tidak rata dan, seiring dengan kelebihannya, memiliki kerugian yang lebih besar. Tidak terkecuali bahwa lebih dari satu Shakespeare mengerjakannya. Karakter Timon sendiri gagal, terkadang terkesan karikatur, karakter lain hanya pucat. Transisi ke jalur baru kreativitas Shakespeare dapat dipertimbangkan "Antonius dan Cleopatra". Dalam "Antony and Cleopatra", yang berbakat, tetapi tidak memiliki landasan moral apa pun, predator dari "Julius Caesar" dikelilingi oleh lingkaran cahaya yang benar-benar puitis, dan Cleopatra yang setengah pengkhianat sebagian besar menebus dosa-dosanya dengan kematian heroik.

[sunting] Periode keempat (1609-1612)

Prospero dan Ariel. Lukisan oleh William Hamilton (1797)

Periode keempat, dengan pengecualian lakon "Henry VIII" (beberapa peneliti percaya bahwa itu ditulis bekerja sama dengan John Fletcher), hanya mencakup tiga atau empat tahun dan empat lakon - yang disebut "drama romantis" atau tragikomedi. Dalam lakon periode terakhir, cobaan berat menekankan kegembiraan pembebasan dari bencana. Fitnah ditangkap, kepolosan dibenarkan, kesetiaan dihargai, kegilaan kecemburuan tidak memiliki konsekuensi yang tragis, kekasih bersatu dalam pernikahan yang bahagia. Optimisme karya-karya tersebut dianggap oleh para kritikus sebagai tanda rekonsiliasi pengarangnya. "Pericles", sebuah lakon yang sangat berbeda dari semua yang ditulis sebelumnya, menandai munculnya karya-karya baru. Kenaifan yang berbatasan dengan keprimitifan, tidak adanya karakter dan masalah yang kompleks, kembali ke konstruksi aksi yang menjadi ciri khas drama Renaisans Inggris awal - semuanya menunjukkan bahwa Shakespeare sedang mencari bentuk baru. "Winter's Tale" adalah fantasi yang aneh, sebuah cerita "tentang yang luar biasa, di mana segala sesuatu mungkin terjadi". Kisah tentang seorang pria pencemburu yang menyerah pada kejahatan, menderita siksaan mental dan pantas mendapatkan pengampunan melalui pertobatannya. Pada akhirnya, kebaikan mengalahkan kejahatan, menurut beberapa peneliti, menegaskan keyakinan pada cita-cita humanistik, menurut yang lain, kemenangan moralitas Kristen. The Tempest adalah drama terakhir yang paling sukses dan, dalam arti tertentu, akhir dari karya Shakespeare. Alih-alih perjuangan, semangat kemanusiaan dan pengampunan berkuasa di sini. Gadis-gadis puitis dibuat sekarang - Marina dari "Pericles", Loss dari "The Winter's Tale", Miranda dari "The Tempest" - ini adalah gambar putri cantik dalam kebajikan mereka. Para peneliti cenderung melihat di adegan terakhir The Tempest, di mana Prospero meninggalkan sihirnya dan pensiun, perpisahan Shakespeare dengan dunia teater.

[sunting] Puisi dan puisi

Artikel utama:Puisi dan Puisi William Shakespeare

Edisi pertama Soneta (1609)

Secara umum, puisi Shakespeare tentu saja tidak bisa dibandingkan dengan drama briliannya. Tapi diambil sendiri, mereka memiliki jejak bakat yang luar biasa, dan jika mereka tidak tenggelam dalam kemuliaan Shakespeare sang penulis naskah, mereka bisa saja menyampaikan dan benar-benar memberikan ketenaran yang luar biasa kepada penulis: kita tahu bahwa sarjana Mires melihat di Shakespeare penyair Ovid kedua. Namun, selain itu, ada sejumlah review dari orang-orang sezaman lainnya yang berbicara tentang "Catullus baru" dengan sangat antusias.

[sunting] puisi

Puisi "Venus dan Adonis" diterbitkan pada tahun 1593, ketika Shakespeare sudah dikenal sebagai penulis drama, tetapi penulisnya sendiri menyebutnya sebagai anak sulung sastra, dan oleh karena itu sangat mungkin puisi itu dikandung, atau bahkan sebagian ditulis kembali. di Stretford. Ada juga anggapan bahwa Shakespeare menganggap puisi (sebagai lawan dari drama untuk teater publik) sebagai genre yang layak mendapat perhatian pelindung yang mulia dan karya seni tinggi. Gema tanah air jelas membuat diri mereka terasa. Citarasa Inggris Tengah lokal terasa jelas di lanskap, tidak ada yang selatan di dalamnya, seperti yang dipersyaratkan oleh plot, sebelum pandangan spiritual penyair, tidak diragukan lagi ada gambar asli dari ladang damai Warwickshire dengan nada lembut dan ketenangannya kecantikan. Seseorang juga merasakan dalam puisi itu seorang ahli kuda yang hebat dan seorang pemburu yang hebat. Plot sebagian besar diambil dari Metamorphoses karya Ovid; selain itu, banyak yang dipinjam dari Lodge's Scillaes Metamorphosis. Puisi itu dikembangkan dengan segala kesombongan Renaisans, tetapi tetap tanpa kesembronoan. Dan inilah yang terutama memengaruhi bakat pengarang muda, selain fakta bahwa puisi itu ditulis dalam syair yang nyaring dan bergambar. Jika upaya Venus untuk mengobarkan hasrat di Adonis menyerang pembaca selanjutnya dengan keterusterangannya, maka pada saat yang sama tidak memberikan kesan sinis dan tidak layak untuk dideskripsikan secara artistik. Di hadapan kita ada hasrat, nyata, hiruk pikuk, menggelapkan pikiran dan karenanya sah secara puitis, seperti segala sesuatu yang cerah dan kuat.

Jauh lebih sopan adalah puisi kedua, Lucretia, diterbitkan pada tahun berikutnya (1594) dan didedikasikan, seperti yang pertama, untuk Earl of Southampton. Dalam puisi baru, tidak hanya tidak ada yang tak terkendali, tetapi sebaliknya, semuanya, seperti dalam legenda kuno, berputar pada pemahaman yang paling halus tentang konsep kehormatan wanita yang sepenuhnya konvensional. Dihina oleh Sextus Tarquinius, Lucretia tidak menganggap mungkin untuk hidup setelah kehormatan perkawinannya dicuri dan mengungkapkan perasaannya dalam monolog terpanjang. Metafora, alegori, dan antitesis yang brilian, tetapi agak tegang menghilangkan monolog ini dari perasaan nyata dan membuat keseluruhan puisi menjadi retoris. Namun, keagungan saat menulis puisi ini sangat populer di kalangan publik, dan Lucretia sesukses Venus dan Adonis. Penjual buku, yang sendirian pada saat itu mendapat untung dari kesuksesan sastra, karena properti sastra untuk pengarang belum ada, dicetak edisi demi edisi. Selama masa hidup Shakespeare, "Venus dan Adonis" melewati 7 edisi, "Lucretia" - 5.

Dua puisi lagi dikaitkan dengan Shakespeare, salah satunya, "The Complaint of a Lover", mungkin ditulis oleh Shakespeare di masa mudanya. Puisi "The Passionate Pilgrim" diterbitkan pada tahun 1599, ketika Shakespeare sudah dikenal. Kepengarangannya dipertanyakan: ada kemungkinan bahwa tiga belas dari sembilan belas puisi tidak ditulis oleh Shakespeare. Pada 1601, dalam koleksi "Love's Martyr, atau Rosalind's Complaint", yang disiapkan di bawah arahan penyair yang kurang dikenal Robert Chester, puisi alegoris Shakespeare "The Phoenix and the Dove" diterbitkan, yang merupakan bagian dari siklus karya oleh penyair lain dengan karakter yang sama.

[sunting] Soneta

Artikel utama:Soneta oleh William Shakespeare

Yang disebut "potret Chandos" dari orang tak dikenal, di mana Shakespeare secara tradisional terlihat

Soneta adalah puisi yang terdiri dari 14 baris. Dalam soneta Shakespeare, sajak berikut diadopsi: abab cdcd efef gg, yaitu, tiga syair untuk sajak silang, dan satu bait (jenis yang diperkenalkan oleh penyair Earl of Surrey, yang dieksekusi di bawah Henry VIII).

Secara total, Shakespeare menulis 154 soneta, dan kebanyakan dibuat pada tahun 1592-1599. Mereka pertama kali dicetak tanpa sepengetahuan penulisnya pada tahun 1609. Dua di antaranya diterbitkan pada tahun 1599 dalam koleksi The Passionate Pilgrim. Ini adalah soneta 138 Dan 144 .

Seluruh siklus soneta dibagi menjadi beberapa kelompok tematik yang terpisah:

Soneta yang didedikasikan untuk seorang teman: 1 -126

Nyanyian seorang teman: 1 -26

Ujian Persahabatan: 27 -99

Pahitnya perpisahan: 27 -32

Kekecewaan pertama pada seorang teman: 33 -42

Kerinduan dan ketakutan: 43 -55

Tumbuh keterasingan dan melankolis: 56 -75

Persaingan dan kecemburuan terhadap penyair lain: 76 -96

"Musim Dingin" pemisahan: 97 -99

Perayaan persahabatan baru: 100 -126

Soneta yang didedikasikan untuk kekasih berkulit gelap: 127 -152

Kesimpulan - kegembiraan dan keindahan cinta: 153 -154

Sonet 126 melanggar kanon - hanya memiliki 12 baris dan pola rima yang berbeda. Kadang-kadang dianggap sebagai bagian antara dua bagian bersyarat dari siklus - soneta yang didedikasikan untuk persahabatan (1-126) dan ditujukan kepada "wanita gelap" (127-154). Sonet 145 ditulis dalam tetrameter iambik, bukan pentameter dan gayanya berbeda dari yang lain; kadang-kadang dikaitkan dengan periode awal dan pahlawan wanita diidentifikasi dengan istri Shakespeare Anna Hathaway (yang nama belakangnya, mungkin sebagai permainan kata "benci" disajikan dalam soneta).

Publikasi pertama

Diperkirakan setengah (18) dari drama Shakespeare diterbitkan dengan satu atau lain cara selama masa hidup penulis naskah. Publikasi paling penting dari warisan Shakespeare dianggap sebagai folio tahun 1623 (yang disebut "Folio Pertama"), diterbitkan oleh Edward Blount dan William Jaggard sebagai bagian dari apa yang disebut. "Koleksi Chester"; printer Worrall dan Col. Edisi ini mencakup 36 drama Shakespeare - semuanya kecuali "Pericles" dan "Two Noble Kinsmen". Edisi inilah yang mendasari semua penelitian di bidang Shakespeare.

Proyek ini dimungkinkan melalui upaya John Heminge dan Henry Condell (1556-1630 dan Henry Condell, d.1627), teman dan kolega Shakespeare. Buku ini diawali dengan pesan kepada pembaca atas nama Heminge dan Condell, serta dedikasi puitis untuk Shakespeare - Untuk mengenang kekasihku, Penulis - oleh penulis naskah Ben Jonson (Benjamin Jonson, 1572-1637), yang pada saat yang sama adalah lawan sastra, kritikus dan temannya yang berkontribusi pada penerbitan Folio Pertama, atau disebut juga - "The Great Folio" (The Great Folio of 1623).

VIII. PRECURSOR

Dramaturgi baru, yang menggantikan teater Abad Pertengahan - misteri, moralitas alegoris, dan lelucon rakyat primitif, berkembang secara bertahap.

Kembali ke tiga puluhan abad keenam belas, Uskup Bayle, seorang Protestan yang bersemangat, menulis sebuah drama yang ditujukan untuk melawan Katolik. Dia mengilustrasikan pemikirannya dengan contoh dari sejarah Inggris - perjuangan Raja John the Landless (memerintah dari 1199 hingga 1216) melawan Paus. Pada kenyataannya, raja ini adalah orang yang tidak penting, tetapi dia sangat disayangi oleh uskup Protestan karena dia bermusuhan dengan paus. Bayle menulis moralitas di mana kebajikan dan keburukan yang dipersonifikasikan bertindak. Tokoh sentral dari lakon itu disebut Kebajikan. Tetapi pada saat yang sama disebut Raja John. Di antara tokoh-tokoh suram yang mempersonifikasikan kejahatan, nama salah satunya adalah Kekuasaan yang Direbut Secara Ilegal, dia juga Paus; nama yang lain adalah hasutan untuk memberontak, dia juga wakil dari Paus. "King John" karya Bayle adalah sejenis drama di mana alegori moralitas abad pertengahan lama digabungkan dengan genre sejarah baru, yang kemudian berkembang dalam drama sejarah Shakespeare. "King John" karya Bayle dibandingkan oleh sejarawan sastra dengan kepompong: ia bukan lagi ulat, tetapi belum menjadi kupu-kupu.

Pada saat yang sama, pada tahun tiga puluhan abad ke-16, apa yang disebut drama "sekolah" mulai berkembang di Inggris. Disebut demikian karena dibuat di dalam tembok universitas dan sekolah: lakon ditulis oleh profesor dan guru, dibawakan oleh siswa dan anak sekolah. Tapi bisa juga disebut drama "sekolah" dalam artian para penulis drama yang menciptakannya sendiri masih belajar menulis lakon dengan mempelajari penulis kuno dan meniru mereka. Pada tiga puluhan abad keenam belas komedi pertama dalam bahasa Inggris, Ralph Royster-Deuster, ditulis; penulisnya adalah seorang guru terkenal saat itu, Nicholas Youdl, direktur Sekolah Eton. Pada tahun lima puluhan, pengacara terpelajar Sackville dan Norton menulis tragedi pertama dalam bahasa Inggris - Gorboduk.

Tapi semua ini hanya "sekolah". Karya dramatis yang nyata dan penuh kehidupan hanya muncul ketika orang-orang dari universitas - "pemikiran universitas" - mulai memberikan permainan mereka kepada aktor profesional. Ini terjadi pada tahun delapan puluhan abad XVI.

Pada tahun 1586, muncul dua lakon yang patut mendapat perhatian khusus. Penulis yang pertama adalah Thomas Kidd (yang juga menulis lakon pertama tentang Hamlet, yang sayangnya belum sampai kepada kita).

Permainan anak-anak adalah "tragedi guntur dan darah" yang khas, seperti yang mereka katakan saat itu. Judulnya sendiri fasih - "Tragedi Spanyol". Ini adalah upaya, masih primitif, untuk menggambarkan kekuatan perasaan manusia. Sosok Revenge yang mengerikan muncul di atas panggung, mengingatkan pada citra moralitas lama. Segera Roh Andrea yang terbunuh keluar, yang mengeluh tentang para pembunuh keji, memanggil rekannya yang mengerikan. Aksi dimulai. Pemuda Horatio mencintai gadis cantik Belimperia, dan dia mencintainya. Namun Belimperia juga dicintai oleh Balthazar, putra raja Portugis. Balthasar dibawa untuk membantu saudara laki-laki Belimperia - penjahat Lorenzo. Pada malam bulan purnama, ketika orang-orang muda, yang duduk di taman, menyatakan cinta mereka satu sama lain, pembunuh bertopeng naik ke atas panggung dan membunuh Horatio dengan belati. Di panggung Inggris saat itu, mereka suka menggambarkan pembunuhan dan "kengerian" lainnya: seorang aktor meletakkan sebotol cuka merah di bawah jubah putih; belati menembus gelembung, dan bintik-bintik merah muncul di jubah putih. Setelah menikam Horatio dengan belati, para pembunuh menggantung mayatnya di pohon - rupanya, untuk lebih jelas menunjukkan kepada penonton mayat yang berlumuran darah. Para pembunuh kemudian secara paksa mengambil Belimperia. Ayah Horatio, Jeronimo tua, berlari ke teriakannya - dengan satu baju, dengan pedang di tangannya. Melihat mayat putranya tergantung di pohon, dia mengucapkan monolog yang menggelegar, menyerukan balas dendam ... Segala sesuatu yang terjadi di atas panggung diamati oleh Balas Dendam dan Roh Andrea yang terbunuh, yang bersukacita, sedang menunggu balas dendam, karena pembunuh Horatio juga pembunuhnya. Tapi Jeronimo tua ragu-ragu: tidak mudah membalas dendam pada putra raja. Orang tua yang malang itu berpikir dengan penuh kerinduan tentang kehidupan. "Wahai dunia! serunya. "Tidak, bukan dunia, tapi kumpulan kejahatan!" Dia membandingkan dirinya dengan seorang musafir kesepian yang tersesat di malam bersalju... Semangat Andrea diliputi kecemasan. Dia menoleh ke Vengeance, tetapi melihat bahwa dia sedang tidur. "Bangun, balas dendam!" serunya putus asa. Balas dendam sedang bangkit. Dan kemudian sebuah pikiran menyerang Jeronimo tua. Untuk mencapai tujuannya, dia berencana untuk mementaskan drama di pengadilan (pembaca telah melihat beberapa kesamaan antara tragedi ini dan Hamlet karya Shakespeare; kita ingat sekali lagi bahwa Kidd adalah penulis drama pertama tentang Hamlet). Dalam penampilan yang dipentaskan oleh Jeronimo, Belimperia, memprakarsai rencananya, serta Balthazar dan Lorenzo ikut serta. Dalam perjalanannya, para karakter harus saling membunuh. Old Jeronimo membuatnya sehingga alih-alih pembunuhan "teater", pembunuhan yang sebenarnya terjadi. Pertunjukan berakhir, tetapi para aktor tidak bangkit dari tanah. Raja Spanyol menuntut penjelasan dari Jeronimo. Hieronimo menolak untuk menjawab dan, sebagai konfirmasi atas penolakannya, menggigit lidahnya sendiri dan meludahkannya. Kemudian raja memerintahkan untuk memberinya pena agar dia menulis penjelasan. Hieronimo meminta dengan tanda untuk memberinya pisau untuk mengasah penanya, dan menusuk dirinya sendiri dengan pisau ini. Balas dendam yang meriah muncul di atas tumpukan mayat berlumuran darah, yang menunjukkan bahwa pembalasan yang sebenarnya belum datang: itu dimulai di neraka.

Segala sesuatu dalam lakon ini bersifat teatrikal, bersyarat, melodramatis terus menerus. "Tragedi Spanyol" karya Thomas Kidd adalah nenek moyang dari tren "romantis" dalam dramaturgi era Shakespeare, yang memunculkan tragedi seperti, misalnya, "The White Devil" atau "The Duchess of Malfi" oleh kontemporer Shakespeare - Webster.

Pada tahun yang sama, 1586, sebuah drama dengan jenis yang sama sekali berbeda ditulis. Judulnya adalah "Arden dari kota Feversham" (penulisnya tidak kami ketahui). Ini adalah drama keluarga. Ini menceritakan bagaimana seorang wanita muda, Alice Arden, dan kekasihnya Moseby membunuh suami Alice. Pembunuhan itu sendiri digambarkan dengan kekuatan besar, ketika Alice mencoba dengan sia-sia untuk menghilangkan noda darah (motif ini dikembangkan dengan kekuatan luar biasa oleh Shakespeare dalam adegan terkenal di mana Lady Macbeth mengembara dalam keadaan setengah tertidur, dikuasai oleh ingatan). Segala sesuatu dalam drama ini sangat penting, realistis. Dan plotnya sendiri dipinjam oleh pengarang dari kehidupan nyata. Dalam epilog, penulis meminta penonton untuk memaafkannya karena tidak ada "hiasan" dalam lakon itu. Menurut penulis, "kebenaran sederhana" sudah cukup untuk seni. Lakon ini bisa disebut sebagai nenek moyang dari tren dramaturgi era Shakespeare, yang berusaha menggambarkan kehidupan sehari-hari, seperti drama indah Thomas Heywood "A Woman Killed by Kindness". Karya Shakespeare menggabungkan kedua arus - romantis dan realistis.

Itu prolognya. Peristiwa nyata dimulai dengan penampilan di panggung London dari drama Christopher Marlowe. Marlowe lahir, seperti Shakespeare, pada tahun 1564 dan hanya dua bulan lebih tua darinya. Tanah air Marlo adalah kota kuno Canterbury. Ayah Christopher Marlo memiliki toko sepatu. Orang tua mengirim putra mereka ke Universitas Cambridge, berharap menjadikannya seorang pendeta. Namun, setelah lulus dari universitas, alih-alih altar gereja, Marlo berakhir di panggung panggung London. Tapi dia tidak ditakdirkan untuk menjadi seorang aktor. Menurut legenda, kakinya patah dan harus berhenti berakting. Kemudian dia mulai menulis drama. Epik muluknya dalam dua bagian dan sepuluh babak "Tamerlane the Great" muncul pada 1587-1588. Dalam epik ini, Marlo menceritakan tentang kehidupan, perang, dan kematian komandan terkenal abad XIV.

"Gembala Scythian", "perampok dari Volga" disebut Tamerlane dalam permainan Marlo oleh raja-raja timur, yang dia gulingkan dari tahta, merebut kerajaan mereka. Pasukan Tamerlane, menurut Marlo, terdiri dari "anak desa sederhana". Marlo menggambarkan Tamerlane sebagai raksasa berotot. Ini adalah pria dengan kekuatan fisik yang fenomenal, kemauan yang tidak dapat dihancurkan, dan temperamen dasar. Itu menyerupai sosok perkasa yang diciptakan oleh pahat Michelangelo. Motif pemuliaan kehidupan duniawi, begitu khas Renaisans, bergema lantang dalam epik dramatis yang megah ini; kata-kata terdengar dari atas panggung: "Saya pikir kesenangan surgawi tidak dapat dibandingkan dengan kegembiraan kerajaan di bumi!"

Tamerlane, seperti Marlo sendiri, adalah pemikir bebas yang bersemangat. Dalam salah satu monolognya yang bergemuruh, dia mengatakan bahwa tujuan manusia adalah "selamanya untuk bangkit menuju pengetahuan tanpa batas dan untuk selamanya bergerak, seperti bola langit yang tidak mengenal istirahat." Pahlawan yang luar biasa ini penuh dengan kekuatan yang berlebihan. Dia naik ke atas panggung dengan kereta, di mana alih-alih kuda, raja-raja yang dia tawan dimanfaatkan. "Hei, kamu cerewet Asia manja!" dia berteriak, mendesak mereka dengan cambuknya.

Drama Marlo berikutnya adalah Sejarah Tragis Dokter Faust. Itu adalah adaptasi dramatis pertama dari legenda terkenal itu. Drama Marlo mencerminkan keinginan manusia untuk menaklukkan kekuatan alam, yang menjadi ciri khas Renaisans. Faust menjual jiwanya ke Mephistopheles untuk "mendapatkan hadiah emas pengetahuan" dan "menembus perbendaharaan alam". Dia bermimpi untuk menutup kampung halamannya dengan tembok tembaga dan membuatnya tidak dapat diakses oleh musuh, mengubah aliran sungai, membuat jembatan melintasi Samudra Atlantik, mengisi Gibraltar dan menghubungkan Eropa dan Afrika menjadi satu benua ... "Betapa megahnya itu semuanya!" - kata Goethe, yang menggunakan beberapa ciri tragedi Marlo untuk Faust-nya.

Cakupan fantasi yang megah, tekanan kekuatan yang kuat, seolah dengan susah payah, menjadi ciri karya Marlo. "Syair yang kuat dari Marlo," tulis Ben Jonson. Shakespeare juga berbicara tentang "pepatah yang kuat" dari Marlowe.

Kaum Puritan, yang menciptakan kode moralitas borjuis baru, marah pada pemikir bebas yang bersemangat yang secara terbuka mengkhotbahkan pandangannya. Satu demi satu, kecaman datang ke Dewan Penasihat Ratu. Dan bahkan orang awam, meskipun drama Marlowe sukses besar di antara mereka, terkadang melihat apa yang terjadi di atas panggung bukan tanpa rasa takut takhayul. Bahkan ada rumor seperti itu di London. Suatu ketika, setelah penampilan Faust, ternyata aktor yang berperan sebagai Mephistopheles itu sakit dan tidak pergi ke teater. Lalu, siapa yang memerankan Mephistopheles hari itu? Para aktor bergegas ke ruang ganti, dan baru kemudian, dengan bau belerang, mereka menebak bahwa iblis itu sendiri yang tampil di panggung London hari itu.

Marlo menulis beberapa lakon lagi (permainan terbaiknya dalam hal keaktifan potret manusia yang ia ciptakan adalah kronik sejarah "Raja Edward II"). Tapi bakatnya yang luar biasa tidak ditakdirkan untuk terungkap dengan kekuatan penuh. Pada tanggal 30 Mei 1593, Christopher Marlowe, di usianya yang ketiga puluh tahun, terbunuh di sebuah bar. Kaum Puritan bersukacita. “Tuhan menanam anjing yang menggonggong ini pada kait pembalasan,” tulis salah satu dari mereka.

Banyak legenda berkembang seputar kematian Marlo. Beberapa legenda mengatakan bahwa Marlo meninggal dalam perkelahian mabuk, setelah bertengkar dengan pembunuhnya karena seorang pelacur; yang lain bahwa dia jatuh membela kehormatan seorang gadis lugu. Legenda ini disimak dengan serius hingga saat ini. Dan baru pada tahun 1925, profesor Amerika Leslie Hotson berhasil menemukan dokumen di arsip Inggris yang menjelaskan keadaan kematian Marlo (penemuan Hotson dituangkan dalam buku: Leslie Hotson. Kematian Cristopher Marlowe, 1925). Dan ternyata pembunuhan Marlo adalah ulah Dewan Penasihat Ratu Elizabeth; pada pembunuhan Marlo, ada Field tertentu - seorang agen Dewan Penasihat.

Demikianlah meninggal, tanpa sepenuhnya mengungkapkan kekuatan kreatifnya, "bapak drama Inggris" Christopher Marlowe. Dan tepat di tahun itu, ketika bintangnya, yang menyala dengan kecemerlangan yang cerah, penuh gairah, dan tidak merata, terbenam, bintang William Shakespeare mulai terbit di langit teater London. Tidak seperti pendahulunya, yang berpendidikan universitas, "pemikiran universitas", penulis drama baru ini hanyalah seorang aktor.

Kami hanya menyebutkan beberapa pendahulu Shakespeare. Kenyataannya, Shakespeare memanfaatkan secara ekstensif seluruh masa lalu sastra di tanah airnya. Dia banyak meminjam dari Chaucer (misalnya, puisi Shakespeare "Lucretia" dengan akar plotnya membawa kita ke "Legends of Good Women" karya Chaucer; gambar Theseus dan Hippolyta dalam komedi "A Midsummer Night's Dream" mungkin terinspirasi oleh " The Knight's Tale" dari Canterbury Tales karya Chaucer yang terkenal, puisi Chaucer Troilus dan Cressida memengaruhi komedi Shakespeare dengan nama yang sama, dll.). Shakespeare berutang banyak kepada Edmund Spenser, penulis The Faerie Queene, dan penyair lain di sekolahnya. Dari "Arcadia" oleh Philip Sidney, Shakespeare meminjam plot, yang dia wujudkan dalam gambar Gloucester, dikhianati oleh putranya Edmund ("King Lear") - Shakespeare juga memberikan penghormatan kepada euphuisme. Terakhir, di antara pendahulu Shakespeare, narator balada rakyat Inggris yang tidak disebutkan namanya harus disebutkan. Dalam balada rakyat Inggris lahirlah drama aksi tragis, yang sangat khas dari karya Shakespeare dan orang-orang sezamannya. Banyak pemikiran dan perasaan yang telah lama ada di kalangan masyarakat dan tercermin dalam balada dan lagu rakyat telah menemukan perwujudan artistik yang cemerlang dalam karya Shakespeare. Akar dari kreativitas ini masuk jauh ke dalam tanah rakyat.

Dari karya sastra asing, Shakespeare terutama dipengaruhi oleh cerita pendek Italia Boccaccio dan Bandello, yang darinya Shakespeare meminjam sejumlah plot untuk dramanya. Kumpulan cerita pendek Italia dan Prancis yang diterjemahkan ke dalam bahasa Inggris, berjudul The Hall of Delights, adalah buku pegangan Shakespeare. Untuk "tragedi Romawi" ("Julius Caesar", "Coriolanus", "Antony and Cleopatra"), Shakespeare mengambil plot dari Lives of Famous People Plutarch, yang dia baca dalam terjemahan bahasa Inggris North. Di antara buku-buku favoritnya juga ada Metamorphoses karya Ovid dalam terjemahan bahasa Inggris oleh Golding.

Karya Shakespeare telah disiapkan oleh banyak penyair, penulis, dan penerjemah.

Dari buku Charlemagne pengarang Levandovsky Anatoly Petrovich

Bab pertama. Pendahulu Di bawah serangan "orang barbar" Anda harus mulai dari jauh, dan untuk mendekati kaisar abad ke-9, Anda harus mengingat kerajaan lain, jauh lebih kuno. Selama lebih dari dua belas abad, Roma kuno mendominasi, pada awalnya dalam kecil

Dari buku Master of SERF Russia pengarang Safonov Vadim Andreevich

FORECESSORS DAN FROLOV Kuzma Frolov menghabiskan seluruh umur panjang berikutnya di tambang Zmeinogorsk. Di sinilah bakatnya yang dalam sebagai mekanik memanifestasikan dirinya secara keseluruhan. Dipaksa oleh keadaan untuk melakukan penggantian luas tenaga manusia dengan energi air

Dari buku oleh William Harvey. Kehidupan dan aktivitas ilmiahnya pengarang Engelgardt Mikhail Alexandrovich

Bab II. Pendahulu Harvey Fisiologi orang dahulu. - Erazistrat. - Galen. - Kesimpulan akhir dari fisiologi kuno. - Jatuhnya ilmu pagan. - Doktrin "ilmu palsu dunia" dan pengaruhnya. - Abad Pertengahan. - Kebangkitan ilmu pengetahuan. - Penghambaan sains Eropa sebelumnya

Dari buku oleh James Watt. Kehidupan dan kegiatan ilmiah dan praktisnya pengarang Kamensky Andrey Vasilievich

BAB IV. PRECURSOR WATT Orang sudah mengenal tenaga uap sejak lama. Bahkan di buku mereka menulis tentang itu di zaman kuno. Sudah ilmuwan Aleksandria Heron, 120 tahun SM, menggambarkan apa yang disebut bola Aeolian, yang berputar ketika dipanaskan pada sumbu horizontalnya.

Dari buku Nechaev: Pencipta Kehancuran pengarang Lurie Felix Moiseevich

PRECURSOR Sementara Nechaev melintasi lautan dan negara-negara yang jauh, mari kita tinggalkan pahlawan kita untuk sementara waktu dan beralih ke mereka yang membuka jalan baginya dalam gerakan revolusioner. Nechaev tidak muncul dari awal - mari berkenalan dengan para pendahulunya. Sebuah novel karya F. M. Dostoevsky

Dari buku Passion for Tchaikovsky. Percakapan dengan George Balanchine pengarang Volkov Solomon Moiseevich

Pendahulu dan sezaman Balanchine: Tchaikovsky dipuja. Mozart. Rakyat

Dari kitab Herodotus pengarang Surikov Igor Evgenievich

Pendahulu Tidak setiap orang kuno memiliki ilmu sejarah (orang Yunani dengan tegas memegang telapak tangan di sini), namun demikian mereka semua memiliki satu atau lain bentuk kesadaran sejarah, ingatan sejarah. Bagaimanapun, kehidupan di masa sekarang tidak mungkin

Dari buku Alexander Agung penulis Fort Paul

Orang Yunani - pendahulu Alexander Dapat dikatakan bahwa jika invasi Kekaisaran Persia ternyata menjadi masalah yang relatif mudah, maka ini tidak hanya disebabkan oleh fakta bahwa pelancong, diplomat, dokter, dan pedagang dari setidaknya

Dari buku MATISSE pengarang Alpatov Mikhail Vladimirovich

Dari buku Jan Hus pengarang Kratochvil Milos Vaclav

BAB 4 PRECEDER DAN GURU HUS Kami mencoba menyajikan kepada pembaca gambaran masyarakat Ceko dan Praha pada awal abad ke-15, berkenalan dengan bagian-bagian penyusunnya, menentukan minat dan kekuatan ekonomi mereka; dan sebelum kita kontradiksi terungkap dan

Dari kitab Arafah pengarang Konzelman Gerhard

10. Pendahulu Arafat dalam kepemimpinan PLO

Dari buku The Hanssen Case. "Tahi Lalat" di AS pengarang Kolpakidi Alexander Ivanovich

BAB LIMA Pendahulu Hanssen Merekrut agen di NSA, CIA, dan di dinas khusus Angkatan Darat dan Angkatan Laut AS, intelijen Soviet tidak pernah melupakan dinas khusus tertua di Amerika, Biro Investigasi Federal. Menyusup FBI, yang bertanggung jawab atas internal

Dari Luther Burbank pengarang Molodchikov A.I.

I. HALAMAN DARI MASA LALU (Pelopor Burbank.) 1. "Rahasia Alam" oleh Konrad Sprengel Manusia telah membudidayakan tanaman sejak dahulu kala. Dan, tidak diragukan lagi, bahkan petani primitif, yang dahan hangus menggantikan semua alat pertanian, tercapai

Dari buku Kode Mandelstam pengarang Lifshits Galina Markovna

Pendahulu Tidak diragukan lagi bahwa sebuah karya seni memiliki jejak kepribadian dan aktivitas penciptanya, selain itu, dalam setiap kasus dengan caranya masing-masing, pengaruh para penyair pendahulu juga ikut serta dalam konstruksi sebuah karya puisi.

Dari buku Perjalanan keliling dunia pertama oleh James Cook

Dari buku Ilmuwan dan Penemu Amerika oleh Wilson Mitchell

Pendahulu Wright Pelopor sebenarnya dari penerbangan yang lebih berat dari udara adalah Sir George Cayley (1773–1857), yang, dalam kata-kata Orville Wright, "tahu lebih banyak tentang prinsip-prinsip aeronautika daripada para pendahulunya, dan sebanyak sebagai salah satu penerusnya." ". Dalam hal itu

William Shakespeare dianggap sebagai penyair dan penulis drama yang brilian tidak hanya di Inggris, tetapi di seluruh dunia. Secara umum diterima bahwa karya-karyanya adalah semacam ensiklopedia hubungan manusia, mereka seperti cermin di mana orang-orang, besar dan kecil, disajikan dalam esensinya. Dia menulis 17 komedi, 11 tragedi, 10 kronik, 5 puisi, dan 154 soneta. Mereka dipelajari di sekolah, lembaga pendidikan tinggi. Tidak ada penulis drama yang mampu mencapai kehebatan seperti yang diberikan Shakespeare setelah kematiannya. Hingga saat ini, para ilmuwan dari berbagai negara berusaha memecahkan pertanyaan bagaimana pencipta seperti itu bisa muncul di abad ke-16, yang karyanya 400 tahun kemudian masih relevan.

Tidak ada konsensus tentang asal usul Shakespeare. Tanggal pasti kelahirannya tidak diketahui. Menurut informasi yang diterima secara umum, dia lahir di Stratford-upon-Avon, dekat Birmingham, dan dibaptis di sana pada tanggal 26 April 1564. Ayahnya adalah seorang pedagang daging, memiliki dua rumah, dan terpilih sebagai walikota. Tetapi dalam keluarga Shakespeare, tidak ada yang berurusan dengan masalah sastra, sejarah, dan terlebih lagi, tidak menyukai teater. Tidak ada lingkungan di Stratford yang dapat memunculkan penulis naskah masa depan.

William muda pergi ke sekolah untuk anak-anak yang tidak terlalu kaya, yang mengajar secara gratis. Pada usia 14 tahun ia lulus darinya, dan pada usia 18 tahun ia dipaksa menikahi putri seorang petani kaya - konon keluarganya mengalami situasi keuangan yang sulit. Istrinya, Anne Hathaway, 8 tahun lebih tua dari William.

Shakespeare, tampaknya, kecewa dengan pernikahannya dan pergi bekerja ke London. Ada bukti bahwa dia bergabung dengan sekelompok aktor keliling. Di London dia mulai menulis puisi, puisi, mendedikasikannya untuk orang-orang berpengaruh. Kemungkinan besar dengan melakukan itu dia menarik perhatian orang kaya. Dia direkomendasikan untuk pergi ke teater. Benar, dia tidak diterima sebagai aktor, tapi ditawari untuk melayani kuda pengunjung. Dia setuju. Kemudian dia mencoba dirinya sendiri sebagai pembisik. Dia menunjukkan kemampuan sastra, dan berbagai lakon mulai diberikan kepadanya untuk direvisi: drama, komedi. Bisa jadi, perkenalan dengan karya-karya tersebut, penampilan para aktor di atas panggung membuatnya ingin menjajal dirinya sendiri sebagai pengarang. Dan pada usia 25 tahun dia menulis lakon pertamanya tentang perang antara dua dinasti. Di belakangnya, yang lain dan yang lain. Beberapa diterima untuk produksi, dan mereka sukses dengan publik.

Shakespeare menulis untuk Teater Globe, yang dibangun pada tahun 1599 dengan mengorbankan para aktor, termasuk Shakespeare. Di pedimen bangunan itu ada pepatah dari penulis Romawi Petronius the Arbiter: "Seluruh dunia adalah teater, semua orang di dalamnya adalah aktor." Bangunan itu dihancurkan oleh api pada 29 Juni 1613.

Drama Shakespeare berbeda dari drama tradisional dalam kontennya yang dalam. Dia, tidak seperti siapa pun sebelumnya, memperkenalkan intrik yang menarik dan mendemonstrasikan bagaimana situasi yang berubah mengubah orang. Dia menunjukkan bahwa orang hebat dalam situasi baru dapat bertindak rendah dan sebaliknya, orang yang tidak penting dapat naik ke perbuatan besar. Dia mengungkapkan esensi moral dari karakter, ketika plot berkembang, masing-masing menunjukkan karakternya sendiri, dan penonton berempati dengan apa yang terjadi di atas panggung. Karya dramatis Shakespeare ternyata memiliki kesedihan moral yang tinggi.

Tetapi dia tidak dapat melakukannya tanpa kesulitan: dengan dramanya dia merampas penghasilan penulis lain, publik menginginkan Shakespeare, mereka pergi ke dramanya. Dia meminjam cerita dari penulis kuno, menggunakan kronik sejarah. Untuk pinjaman ini, dia dijuluki "burung gagak di bulu orang lain".

Drama memberi teater penghasilan yang bagus, dan Shakespeare sendiri menjadi kaya. Dia membeli rumah di tanah airnya di Stratford, lalu membeli rumah di London, memberi uang dengan bunga. Dia adalah seorang penulis yang makmur dan bahkan dianugerahi lambang bangsawan yang menggambarkan elang dengan tombak.

Shakespeare hidup untuk kesenangan, dan diyakini bahwa dia meninggal setelah pesta meriah bersama teman-temannya.

Orang-orang yang dekat dengan Shakespeare, orang-orang sezamannya, menghargai karya favorit mereka - mereka meramalkan kehidupan abadinya di dunia teater. Dan begitulah yang terjadi. Kejeniusan Shakespeare juga dibicarakan bertahun-tahun setelah kematiannya, ketika dramanya memasuki repertoar teater terkemuka dunia.

Pahlawannya telah menjadi simbol situasi kehidupan yang tragis: Romeo dan Juliet - cinta tanpa pamrih, Lady Macbeth - kriminalitas, Iago dan Othello - penipuan dan mudah tertipu, Falstaff - pengecut dan membual, Hamlet - melempar antara perasaan dan kewajiban.

Shakespeare terlahir sebagai penulis drama, dia membantu penonton untuk melihat dirinya dan dunia dengan segar.