Romanticismartists dari sekolah romantis. Apa itu romantisme? Era romantisme

1.1 Fitur utama romantisme

Romantisme - (romantisme Prancis, dari novel roman Prancis abad pertengahan) - suatu arah dalam seni, terbentuk dalam gerakan sastra umum pada pergantian abad ke-18 hingga ke-19. di Jerman. Ini telah tersebar luas di semua negara Eropa dan Amerika. Puncak romantisme tertinggi jatuh pada kuartal pertama abad ke-19.

Kata Prancis romantisme kembali ke romansa Spanyol (pada Abad Pertengahan, romansa Spanyol disebut demikian, dan kemudian romansa kesatria), romantisme Inggris, yang berubah menjadi abad ke-18. di romantique dan kemudian berarti "aneh", "fantastis", "indah". Di awal abad XIX. romantisme menjadi penunjukan arah baru, berlawanan dengan klasisisme.

Memasuki antitesis "klasisisme" - "romantisisme", arah tersebut mengambil oposisi dari tuntutan aturan klasik terhadap kebebasan romantis dari aturan. Pusat dari sistem artistik romantisme adalah individu, dan konflik utamanya adalah antara individu dan masyarakat. Prasyarat yang menentukan untuk perkembangan romantisme adalah peristiwa Revolusi Prancis. Munculnya romantisme dikaitkan dengan gerakan anti pencerahan, yang penyebabnya terletak pada kekecewaan pada peradaban, pada kemajuan sosial, industri, politik dan ilmiah, yang mengakibatkan kontras dan kontradiksi baru, pemerataan dan kehancuran spiritual individu.

Pencerahan memberitakan masyarakat baru sebagai yang paling "alami" dan "masuk akal". Pemikir terbaik Eropa memperkuat dan meramalkan masyarakat masa depan ini, tetapi kenyataannya ternyata berada di luar kendali "nalar", masa depan - tidak dapat diprediksi, tidak rasional, dan tatanan sosial modern mulai mengancam sifat manusia dan miliknya. kebebasan pribadi. Penolakan masyarakat ini, protes terhadap kurangnya spiritualitas dan keegoisan sudah tercermin dalam sentimentalisme dan pra-romantisisme. Romantisme mengungkapkan penolakan ini dengan sangat tajam. Romantisisme juga menentang Pencerahan pada tingkat verbal: bahasa karya romantis, berjuang untuk menjadi alami, "sederhana", dapat diakses oleh semua pembaca, adalah sesuatu yang berlawanan dengan karya klasik dengan tema-tema luhur dan "luhur", khas, misalnya, untuk tragedi klasik.

Di kalangan romantisme Eropa Barat belakangan, pesimisme dalam hubungannya dengan masyarakat memperoleh proporsi kosmik, menjadi "penyakit abad ini". Pahlawan dari banyak karya romantis dicirikan oleh suasana keputusasaan, keputusasaan, yang memperoleh karakter universal. Kesempurnaan hilang selamanya, dunia diperintah oleh kejahatan, kekacauan kuno bangkit kembali. Tema "dunia yang mengerikan", karakteristik dari semua sastra romantis, paling jelas diwujudkan dalam apa yang disebut "genre hitam" (dalam "novel Gotik" pra-romantis - A. Radcliffe, C. Maturin, dalam " drama rock", atau "tragedi rock", - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), serta dalam karya Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe dan N. Hawthorne.

Pada saat yang sama, romantisme didasarkan pada gagasan yang menantang "dunia yang mengerikan" - terutama gagasan tentang kebebasan. Kekecewaan romantisme adalah kekecewaan pada kenyataan, tetapi kemajuan dan peradaban hanyalah satu sisi saja. Penolakan sisi ini, kurangnya kepercayaan pada kemungkinan peradaban memberikan jalan lain, jalan menuju yang ideal, menuju yang abadi, menuju yang absolut. Jalan ini harus menyelesaikan semua kontradiksi, mengubah hidup sepenuhnya. Ini adalah jalan menuju kesempurnaan, "menuju tujuan, yang penjelasannya harus dicari di sisi lain yang terlihat" (A. De Vigny). Bagi beberapa romantisme, kekuatan yang tidak dapat dipahami dan misterius mendominasi dunia, yang harus dipatuhi dan tidak mencoba mengubah takdir (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Bagi yang lain, "kejahatan global" memprovokasi protes, menuntut balas dendam, perjuangan (A.S. Pushkin awal). Hal yang umum adalah bahwa mereka semua melihat pada manusia satu kesatuan, yang tugasnya sama sekali tidak direduksi menjadi penyelesaian masalah biasa. Sebaliknya, tanpa menyangkal kehidupan sehari-hari, kaum romantisme berusaha mengungkap misteri keberadaan manusia, beralih ke alam, mempercayai perasaan religius dan puitis mereka.

Pahlawan romantis adalah orang yang kompleks dan penuh gairah, yang dunia batinnya luar biasa dalam, tanpa akhir; itu adalah seluruh alam semesta yang penuh dengan kontradiksi. Orang romantis tertarik pada semua nafsu, baik tinggi maupun rendah, yang saling bertentangan. Gairah tinggi - cinta dalam segala manifestasinya, rendah - keserakahan, ambisi, iri hati. Praktik asmara material yang rendah bertentangan dengan kehidupan roh, terutama agama, seni, dan filsafat. Ketertarikan pada perasaan yang kuat dan hidup, nafsu yang menguras tenaga, pada gerakan rahasia jiwa adalah ciri khas romantisme.

Anda dapat berbicara tentang romansa sebagai tipe kepribadian khusus - seseorang dengan hasrat yang kuat dan aspirasi yang tinggi, tidak sesuai dengan dunia sehari-hari. Keadaan luar biasa menyertai sifat ini. Fantasi, musik rakyat, puisi, legenda menjadi menarik bagi romantisme - segala sesuatu yang selama satu setengah abad dianggap sebagai genre minor, tidak layak untuk diperhatikan. Romantisisme dicirikan oleh penegasan kebebasan, kedaulatan individu, peningkatan perhatian pada individu, keunikan manusia, kultus individu. Keyakinan akan harga diri seseorang berubah menjadi protes terhadap nasib sejarah. Seringkali pahlawan sebuah karya romantis menjadi seniman yang mampu secara kreatif memahami realitas. "Peniruan alam" klasik bertentangan dengan energi kreatif seniman yang mengubah realitas. Itu menciptakan dunianya sendiri yang istimewa, lebih indah dan nyata daripada realitas yang dirasakan secara empiris. Kreativitas itulah makna keberadaan, ia mewakili nilai tertinggi alam semesta. Romantics dengan penuh semangat membela kebebasan kreatif artis, imajinasinya, percaya bahwa kejeniusan artis tidak mematuhi aturan, tetapi menciptakannya.

Orang romantis beralih ke era sejarah yang berbeda, mereka tertarik dengan orisinalitasnya, tertarik dengan negara dan keadaan yang eksotis dan misterius. Ketertarikan pada sejarah menjadi salah satu penaklukan abadi dari sistem artistik romantisme. Ia mengekspresikan dirinya dalam penciptaan genre novel sejarah yang pendirinya adalah W. Scott, dan secara umum novel yang memperoleh posisi terdepan di era yang sedang dipertimbangkan. Romantis secara akurat dan akurat mereproduksi detail sejarah, latar belakang, warna era tertentu, tetapi karakter romantis diberikan di luar sejarah, mereka biasanya berada di atas keadaan dan tidak bergantung padanya. Pada saat yang sama, romantisme memandang novel sebagai sarana untuk memahami sejarah, dan dari sejarah mereka menembus rahasia psikologi, dan, karenanya, modernitas. Ketertarikan pada sejarah juga tercermin dalam karya sejarawan aliran romantisme Prancis (O. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).

Di era Romantisisme itulah penemuan budaya Abad Pertengahan terjadi, dan kekaguman terhadap zaman kuno, ciri khas era lampau, juga tidak melemah di akhir XVIII - awal. abad ke-19 Keragaman karakteristik nasional, historis, individu juga memiliki makna filosofis: kekayaan satu kesatuan dunia terdiri dari totalitas fitur-fitur individu ini, dan studi tentang sejarah setiap orang secara terpisah memungkinkan untuk melacak, dalam kata-kata dari Burke, kehidupan tanpa gangguan melalui generasi baru yang mengikuti satu demi satu.

Era Romantisisme ditandai dengan maraknya sastra yang salah satu ciri khasnya adalah kecintaan terhadap masalah sosial dan politik. Mencoba memahami peran manusia dalam peristiwa sejarah yang sedang berlangsung, penulis romantisme condong ke arah akurasi, konkret, dan keandalan. Pada saat yang sama, aksi karya mereka sering terungkap dalam lingkungan yang tidak biasa bagi orang Eropa - misalnya, di Timur dan Amerika, atau, bagi orang Rusia, di Kaukasus atau di Krimea. Jadi, penyair romantis sebagian besar adalah penyair liris dan penyair alam, dan oleh karena itu dalam karya mereka (namun, seperti banyak penulis prosa) tempat yang signifikan ditempati oleh lanskap - pertama-tama, laut, gunung, langit, elemen badai. , yang dengannya sang pahlawan dikaitkan dengan hubungan yang kompleks. Alam bisa mirip dengan sifat penuh gairah dari seorang pahlawan romantis, tetapi juga bisa melawannya, berubah menjadi kekuatan bermusuhan yang terpaksa dia lawan.

Gambaran alam, kehidupan, kehidupan, dan adat istiadat yang tidak biasa dan jelas dari negara dan masyarakat yang jauh juga menginspirasi romantisme. Mereka mencari ciri-ciri yang menjadi landasan fundamental semangat kebangsaan. Identitas nasional diwujudkan terutama dalam kesenian rakyat lisan. Karenanya minat pada cerita rakyat, pengolahan karya cerita rakyat, penciptaan karya sendiri berdasarkan kesenian rakyat.

Perkembangan genre novel sejarah, cerita fantasi, puisi liris-epik, balada adalah keunggulan romantisme. Inovasi mereka juga terwujud dalam lirik, khususnya dalam penggunaan polisemi kata, pengembangan asosiatif, metafora, penemuan di bidang syair, meteran, dan ritme.

Romantisisme dicirikan oleh sintesis genera dan genre, interpenetrasinya. Sistem seni romantis didasarkan pada sintesis seni, filsafat, dan agama. Misalnya, untuk pemikir seperti Herder, penelitian linguistik, doktrin filosofis, dan catatan perjalanan berfungsi sebagai pencarian cara pembaruan budaya secara revolusioner. Sebagian besar pencapaian romantisme diwarisi oleh realisme abad ke-19. - kegemaran akan fantasi, aneh, campuran tinggi dan rendah, tragis dan lucu, penemuan "manusia subyektif".

Di era romantisme, tidak hanya sastra yang berkembang, tetapi juga banyak ilmu: sosiologi, sejarah, ilmu politik, kimia, biologi, doktrin evolusi, filsafat (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, filsafat alam, esensi dari yang bermuara pada fakta bahwa alam adalah salah satu pakaian Tuhan, "pakaian hidup dari Dewa").

Romantisisme adalah fenomena budaya di Eropa dan Amerika. Di berbagai negara, nasibnya memiliki ciri khas tersendiri.

1.2 Romantisisme di Rusia

Pada awal dekade kedua abad ke-19, romantisme menempati tempat kunci dalam seni Rusia, mengungkapkan identitas nasionalnya kurang lebih sepenuhnya. Sangat berisiko untuk mengurangi orisinalitas ini menjadi beberapa fitur atau bahkan jumlah fitur; apa yang kita miliki di hadapan kita lebih merupakan arah proses, serta kecepatannya, keterpaksaan - jika kita membandingkan romantisme Rusia dengan "romantisme" sastra Eropa yang lebih tua.

Kami telah mengamati perkembangan paksa ini dalam prasejarah romantisme Rusia - dalam dekade terakhir abad ke-18. - pada tahun-tahun pertama abad ke-19, ketika ada jalinan yang sangat erat antara kecenderungan pra-romantis dan sentimental dengan kecenderungan klasisisme.

Penaksiran nalar yang berlebihan, hipertrofi kepekaan, kultus alam dan manusia alami, melankolis elegi dan epikureanisme dipadukan dengan unsur sistematisme dan rasionalitas, yang terutama terlihat di bidang puisi. Gaya dan genre disederhanakan (terutama oleh upaya Karamzin dan para pengikutnya), ada perjuangan melawan metafora yang berlebihan dan hiasan ucapan demi "akurasi harmonis" (definisi Pushkin tentang ciri khas sekolah yang didirikan oleh Zhukovsky dan Batyushkov).

Pesatnya perkembangan meninggalkan jejaknya pada tahap romantisme Rusia yang lebih matang. Kepadatan evolusi artistik juga menjelaskan fakta bahwa sulit untuk mengenali tahapan kronologis yang jelas dalam romantisme Rusia. Sejarawan sastra membagi romantisme Rusia ke dalam periode-periode berikut: periode awal (1801 - 1815), periode kedewasaan (1816 - 1825) dan periode perkembangan pasca Oktober. Ini adalah skema yang patut dicontoh, karena. setidaknya dua dari periode ini (pertama dan ketiga) secara kualitatif heterogen dan setidaknya tidak memiliki kesatuan relatif prinsip-prinsip yang membedakan, misalnya, periode romantisme Jena dan Heidelberg di Jerman.

Gerakan Romantis di Eropa Barat - terutama dalam sastra Jerman - dimulai dengan tanda kelengkapan dan keutuhan. Segala sesuatu yang terpecah belah berjuang untuk sintesis: dalam filsafat alam, dan dalam sosiologi, dan dalam teori pengetahuan, dan dalam psikologi - pribadi dan sosial, dan, tentu saja, dalam pemikiran artistik, yang menyatukan semua dorongan ini dan, seolah-olah. , memberi mereka kehidupan baru. .

Manusia berusaha menyatu dengan alam; kepribadian, individu - dengan keseluruhan, dengan orang-orang; pengetahuan intuitif - dengan logika; elemen bawah sadar dari jiwa manusia - dengan bidang refleksi dan nalar tertinggi. Meskipun rasio momen-momen berlawanan kadang-kadang tampak bertentangan, kecenderungan penyatuan memunculkan spektrum emosional khusus romantisme, beraneka warna dan beraneka ragam, dengan dominasi nada utama yang cerah.

Hanya secara bertahap sifat konflik dari unsur-unsur tersebut tumbuh menjadi antinomi mereka; gagasan sintesis yang diinginkan dilarutkan ke dalam gagasan keterasingan dan konfrontasi, suasana hati utama yang optimis digantikan oleh perasaan kecewa dan pesimisme.

Romantisme Rusia akrab dengan kedua tahap proses - baik awal maupun akhir; namun, dengan melakukan itu, dia memaksakan gerakan umum. Bentuk akhir muncul sebelum bentuk awal berkembang; yang menengah kusut atau jatuh. Dengan latar belakang sastra Eropa Barat, romantisme Rusia pada saat yang sama tampak kurang dan lebih romantis: romantisme Rusia lebih rendah dari mereka dalam hal kekayaan, percabangan, luasnya gambaran keseluruhan, tetapi melampaui kepastian beberapa hasil akhir.

Faktor sosial politik terpenting yang mempengaruhi pembentukan romantisme adalah Desembrisme. Pembiasan ideologi Desembris ke dalam bidang kreasi artistik merupakan proses yang sangat kompleks dan panjang. Namun, janganlah kita melupakan fakta bahwa ia memperoleh ekspresi artistik yang tepat; bahwa dorongan Desembris dibungkus dalam bentuk sastra yang cukup konkret.

Seringkali, "Desembrisme sastra" diidentikkan dengan keharusan tertentu di luar kreativitas artistik, ketika semua sarana artistik berada di bawah tujuan ekstraliterer, yang pada gilirannya berasal dari ideologi Desembris. Tujuan ini, "tugas" ini diduga diratakan atau bahkan disingkirkan oleh "tanda suku kata atau tanda genre". Pada kenyataannya, semuanya jauh lebih rumit.

Sifat spesifik romantisme Rusia terlihat jelas dalam lirik kali ini, yaitu. dalam hubungan liris dengan dunia, dalam nada utama dan perspektif posisi pengarang, dalam apa yang biasa disebut "citra pengarang". Mari kita lihat puisi Rusia dari sudut pandang ini, untuk membentuk setidaknya gagasan sepintas tentang keragaman dan kesatuannya.

Puisi romantis Rusia telah mengungkap "gambaran pengarang" yang cukup luas, terkadang mendekati, terkadang, sebaliknya, berpolemik dan kontras satu sama lain. Tetapi "citra pengarang" selalu merupakan kondensasi emosi, suasana hati, pikiran, atau detail sehari-hari dan biografi ("sisa-sisa" dari garis keterasingan pengarang, yang lebih terwakili sepenuhnya dalam puisi, masuk ke dalam karya liris) , yang mengikuti dari oposisi terhadap lingkungan. Hubungan antara individu dan keseluruhan telah terputus. Semangat konfrontasi dan ketidakharmonisan berhembus di atas penampilan penulis bahkan ketika itu sendiri tampak jelas dan utuh tanpa kerumitan.

Pra-romantisme pada dasarnya mengenal dua bentuk pengungkapan konflik dalam lirik, yang bisa disebut oposisi liris - bentuk elegiac dan epicurean. Puisi romantis telah mengembangkannya menjadi rangkaian yang lebih kompleks, dalam, dan dibedakan secara individual.

Namun, betapapun pentingnya bentuk-bentuk yang disebutkan di atas itu sendiri, mereka, tentu saja, tidak menghabiskan semua kekayaan romantisme Rusia.

Romantisme dalam seni visual sebagian besar didasarkan pada gagasan para filsuf dan penulis. Dalam lukisan, seperti dalam bentuk seni lainnya, romantisme tertarik oleh segala sesuatu yang tidak biasa, tidak diketahui, apakah itu negara yang jauh dengan adat istiadat dan kostum eksotis mereka (Delacroix), dunia penglihatan mistis (Blake, Friedrich, Pra-Raphael) dan magis. mimpi (Runge) atau alam bawah sadar yang suram (Goya, Fusli). Sumber inspirasi bagi banyak seniman adalah warisan artistik masa lalu: Timur Kuno, Abad Pertengahan, dan Proto-Renaisans (Nazarene, Pra-Raphael).

Berbeda dengan klasisisme, yang mengagungkan kekuatan pikiran yang jernih, romantisme menyanyikan perasaan penuh gairah dan badai yang menangkap seluruh pribadi. Tanggapan paling awal terhadap tren baru adalah potret dan lanskap, yang menjadi genre lukisan romantis favorit.

masa kejayaan genre potret dikaitkan dengan minat romantisme pada individualitas manusia yang cerah, keindahan dan kekayaan dunia spiritualnya. Kehidupan roh manusia mendominasi potret romantis di atas minat pada kecantikan fisik, pada plastisitas gambar yang sensual.

Dalam potret romantis (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) keunikan setiap orang selalu terungkap, dinamika, detak kehidupan batin yang intens, hasrat memberontak tersampaikan.

Para romantisme juga tertarik dengan tragedi jiwa yang hancur: orang yang sakit jiwa sering menjadi pahlawan karya (Gericault "Gila, kecanduan judi", "Pencuri anak", "Gila, membayangkan dirinya seorang komandan").

Pemandangan dikandung oleh romantisme sebagai perwujudan jiwa alam semesta; alam, seperti jiwa manusia, muncul dalam dinamika, variabilitas konstan. Lanskap yang tertata dan mulia yang menjadi ciri klasisisme digantikan oleh gambaran sifat spontan, bandel, kuat, dan selalu berubah, sesuai dengan kebingungan perasaan para pahlawan romantis. Orang romantis sangat suka menulis badai, badai petir, letusan gunung berapi, gempa bumi, bangkai kapal yang dapat menimbulkan dampak emosional yang kuat pada penonton (Gericault, Friedrich, Turner).

Puitisisasi malam, karakteristik romantisme - dunia aneh dan surealis yang hidup menurut hukumnya sendiri - menyebabkan berkembangnya "genre malam", yang menjadi favorit dalam lukisan romantis, terutama di kalangan seniman Jerman.

Salah satu negara pertama dalam seni visual yang mengembangkan romantisme adalahJerman .

Pengaruh nyata terhadap perkembangan genre lanskap romantis memiliki kreativitasCaspar David Friedrich (1774-1840). Warisan artistiknya didominasi oleh lanskap yang menggambarkan puncak gunung, hutan, laut, pantai laut, serta reruntuhan katedral tua, biara yang ditinggalkan, biara ("Salib di pegunungan", "Katedral", "Biara di antara pohon ek ”). Mereka biasanya memiliki perasaan sedih yang tidak berubah dari kesadaran akan kehilangan tragis seseorang di dunia.

Sang seniman menyukai keadaan alam yang paling sesuai dengan persepsi romantisnya: pagi hari, matahari terbenam sore, bulan terbit ("Dua merenungkan bulan", "Pemakaman biara", "Pemandangan dengan pelangi", "Bulan terbit di atas laut", " Batu kapur di pulau Rügen", "Di atas perahu layar", "Pelabuhan di malam hari").

Karakter konstan dari karyanya adalah pemimpi yang kesepian, tenggelam dalam kontemplasi alam. Melihat ke jarak yang sangat jauh dan ketinggian yang tak berujung, mereka bergabung dengan rahasia abadi alam semesta, mereka terbawa ke dunia mimpi yang indah. Friedrich menyampaikan dunia yang indah ini dengan bantuan cahaya yang bersinar secara ajaib.- matahari yang bersinar atau bulan yang misterius.

Karya Friedrich dikagumi oleh orang-orang sezamannya, termasuk I. W. Goethe dan W. A. Zhukovsky, berkat siapa banyak lukisannya diperoleh Rusia.

Pelukis, seniman grafis, penyair, dan ahli teori seniPhilip Otto Runge (1777-1810), terutama mengabdikan dirinya pada genre potret. Dalam karya-karyanya, ia puitis gambar orang biasa, seringkali orang yang dicintainya ("Kami bertiga" - potret diri dengan pengantin dan saudara laki-laki, belum dilestarikan; "Anak-anak dari keluarga Hülzenbeck", "Potret orang orang tua artis", "Potret diri"). Religiusitas Runge yang dalam diekspresikan dalam lukisan seperti "Kristus di tepi Danau Tiberias" dan "Beristirahat dalam Penerbangan ke Mesir" (belum selesai). Sang seniman menyimpulkan refleksinya tentang seni dalam risalah teoretis "The Color Sphere".

Keinginan untuk menghidupkan kembali fondasi religius dan moral dalam seni Jerman dikaitkan dengan aktivitas kreatif para seniman sekolah Nazarene (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sutter,P. von Kornelius). Setelah bersatu dalam semacam persaudaraan religius ("Persatuan St. Lukas"), "orang Nazaret" tinggal di Roma dengan model komunitas monastik dan melukis gambar tentang topik agama. Mereka menganggap lukisan Italia dan Jerman sebagai model pencarian kreatif mereka.XIV - XVabad (Perugino, awal Raphael, A. Durer, H. Holbein yang Lebih Muda, L.cranach). Dalam lukisan "Kemenangan Agama dalam Seni", Overbeck langsung meniru "Sekolah Athena" Raphael, dan Cornelius dalam "The Horsemen of the Apocalypse" - ukiran Durer dengan nama yang sama.

Anggota persaudaraan menganggap kebajikan utama seniman sebagai kemurnian spiritual dan keyakinan yang tulus, percaya bahwa "hanya Alkitab yang membuat Raphael menjadi jenius." Memimpin kehidupan menyendiri di sel-sel biara yang ditinggalkan, mereka meningkatkan pelayanan mereka pada seni ke dalam kategori pelayanan spiritual.

"Nazarenes" tertarik pada bentuk-bentuk monumental yang besar, mencoba mewujudkan cita-cita tinggi dengan bantuan teknik fresco yang baru dihidupkan kembali. Beberapa lukisan dieksekusi oleh mereka bersama-sama.

Pada tahun 1820-an dan 30-an, anggota persaudaraan tersebar di seluruh Jerman, menerima posisi terdepan di berbagai akademi seni. Hanya Overbeck yang tinggal di Italia sampai kematiannya, tanpa mengubah prinsip artistiknya. Tradisi terbaik dari "Nazarenes" dilestarikan dalam lukisan sejarah untuk waktu yang lama. Pencarian ideologis dan moral mereka berdampak pada Pra-Raphael Inggris, serta pada karya master seperti Schwind dan Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), kelahiran Austria, bekerja di Munich. Dalam karya kuda-kuda, ia terutama menggambarkan penampilan dan kehidupan kota-kota provinsi Jerman kuno dengan penduduknya. Itu dilakukan dengan puisi dan lirik yang bagus, dengan cinta untuk karakternya.

Carl Spitzweg (1808-1885) - Pelukis Munich, seniman grafis, juru gambar brilian, kartunis, juga bukan tanpa sentimentalitas, tetapi dengan humor yang bagus menceritakan tentang kehidupan perkotaan ("Penyair Miskin", "Kopi Pagi").

Schwind dan Spitzweg biasanya dikaitkan dengan tren budaya Jerman yang dikenal sebagai Biedermeier.Biedermeier - ini adalah salah satu gaya paling populer pada zaman itu (terutama di bidang kehidupan sehari-hari, tetapi juga dalam seni) . Dia mengedepankan para burghers, orang biasa di jalanan. Tema sentral lukisan Biedermeier adalah kehidupan sehari-hari seseorang, mengalir erat hubungannya dengan rumah dan keluarganya. Ketertarikan Biedermeier bukan pada masa lalu, tetapi pada masa sekarang, bukan pada yang besar, tetapi pada yang kecil, berkontribusi pada pembentukan tren seni lukis yang realistis.

Sekolah Romantis Prancis

Sekolah romantisme paling konsisten dalam seni lukis berkembang di Prancis. Itu muncul sebagai oposisi terhadap klasisisme, merosot menjadi akademisisme yang dingin dan rasional, dan mengedepankan para master hebat yang menentukan pengaruh dominan sekolah Prancis selama seluruh abad ke-19.

Seniman romantis Prancis tertarik pada plot yang penuh drama dan kesedihan, ketegangan internal, jauh dari "kehidupan sehari-hari yang redup". Dalam mewujudkannya, mereka mereformasi cara bergambar dan ekspresif:

Kesuksesan romantisme pertama yang cemerlang dalam lukisan Prancis dikaitkan dengan namanyaTheodora Gericault (1791-1824), yang, lebih awal dari yang lain, mampu mengungkapkan perasaan romantis murni tentang konflik dunia. Sudah dalam karya pertamanya, terlihat keinginan untuk menunjukkan peristiwa dramatis di zaman kita. Jadi, misalnya, lukisan "Petugas penembak berkuda sedang menyerang" dan "Cuirassier yang terluka" mencerminkan romansa era Napoleon.

Lukisan Gericault "The Raft of the Medusa", yang didedikasikan untuk peristiwa kehidupan modern baru-baru ini - kematian sebuah kapal penumpang karena kesalahan perusahaan pelayaran, memiliki resonansi yang sangat besar. . Géricault membuat kanvas raksasa berukuran 7x5 m yang menggambarkan momen ketika orang-orang di ambang kematian melihat sebuah kapal penyelamat di cakrawala. Ketegangan ekstrim ditekankan oleh skema warna yang keras dan suram, komposisi diagonal. Lukisan ini telah menjadi simbol Géricault France modern, yang, seperti orang yang melarikan diri dari kapal karam, mengalami harapan dan keputusasaan.

Tema lukisan besar terakhirnya - "Race at Epsom" - seniman yang ditemukan di Inggris. Ini menggambarkan kuda terbang seperti burung (gambar favorit Géricault, yang menjadi pengendara hebat saat remaja). Kesan kecepatan diperkuat dengan teknik tertentu: kuda dan joki ditulis dengan sangat hati-hati, dan latar belakangnya lebar.

Setelah kematian Géricault (dia meninggal secara tragis, di puncak kehidupan dan bakat), teman mudanya menjadi pemimpin romantisme Prancis yang diakui.Eugene Delacroix (1798-1863). Delacroix sangat berbakat, memiliki bakat musik dan sastra. Buku hariannya, artikel tentang seniman adalah dokumen paling menarik di zaman itu. Studi teoretisnya tentang hukum warna berdampak besar pada para Impresionis masa depan dan terutama pada W. Van Gogh.

Lukisan pertama Delacroix, yang membuatnya terkenal, adalah "Dante and Virgil" ("Dante's Boat"), yang ditulis di plot "Divine Comedy". Dia menyerang orang-orang sezamannya dengan kesedihan yang penuh gairah, kekuatan warna yang suram.

Puncak karya artis adalah "Freedom on the Barricades" ("Freedom Leading the People"). Kredibilitas fakta nyata (gambar itu dibuat di tengah Revolusi Juli 1830 di Prancis) menyatu di sini dengan mimpi romantis tentang kebebasan dan simbolisme gambar. Seorang wanita muda yang cantik menjadi simbol revolusi Perancis.

Tanggapan terhadap peristiwa modern adalah lukisan sebelumnya "Massacre on Chios", yang didedikasikan untuk perjuangan rakyat Yunani melawan pemerintahan Turki. .

Setelah mengunjungi Maroko, Delacroix menemukan dunia eksotis Arab Timur, tempat dia mengabdikan banyak lukisan dan sketsa. Dalam "Wanita Aljazair", dunia harem Muslim disajikan kepada penonton Eropa untuk pertama kalinya.

Sang seniman juga membuat serangkaian potret perwakilan dari inteligensia kreatif, banyak di antaranya adalah teman-temannya (potret N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, dll.)

Di periode selanjutnya dari karya kreatifnya, Delacroix condong ke arah tema sejarah, bekerja sebagai muralis (mural di Kamar Deputi, Senat), dan sebagai seniman grafis (ilustrasi untuk karya Shakespeare, Goethe, Byron).

Nama-nama pelukis Inggris era romantisme - R. Benington, J. Constable, W. Turner - dikaitkan dengan genre lanskap. Di bidang ini, mereka benar-benar membuka halaman baru: alam asli menemukan dalam karya mereka refleksi yang begitu luas dan penuh kasih yang tidak diketahui negara lain saat itu.

John Polisi (1776-1837) salah satu yang pertama dalam sejarah lanskap Eropa mulai melukis sketsa sepenuhnya dari alam, beralih ke pengamatan langsung terhadap alam. Lukisannya memiliki motif sederhana: desa, pertanian, gereja, sebidang sungai atau pantai laut: Haycart, Lembah Detham, Katedral Salisbury dari Taman Uskup. Karya-karya Constable berfungsi sebagai pendorong untuk pengembangan lanskap realistis di Prancis.

William Turner (1775-1851) - pelukis laut . Dia tertarik oleh badai laut, hujan deras, badai petir, banjir, tornado: "Pelayaran terakhir kapal" Berani "," Badai Petir di atas Piazzetta. Pencarian warna yang berani, efek pencahayaan yang langka terkadang mengubah lukisannya menjadi tontonan fantasi yang bersinar: "Api Parlemen London", "Badai Salju. Kapal meninggalkan pelabuhan dan memberikan sinyal marabahaya, menghantam perairan dangkal. .

Turner memiliki gambar lukisan pertama dari lokomotif uap yang berjalan di atas rel - simbol industrialisasi. Dalam Hujan, Uap, dan Kecepatan, sebuah lokomotif uap melaju di sepanjang Sungai Thames melewati kabut hujan yang berkabut. Semua objek material tampaknya menyatu menjadi gambar fatamorgana, yang dengan sempurna menyampaikan perasaan kecepatan.

Studi unik Turner tentang efek cahaya dan warna dalam banyak hal mengantisipasi penemuan pelukis Impresionis Prancis.

Pada tahun 1848 di Inggris munculPersaudaraan pra-Raphael (dari bahasa Latin prae - "sebelum" dan Raphael), yang menyatukan seniman yang tidak menerima masyarakat kontemporer dan seni sekolah akademis. Mereka melihat cita-cita mereka dalam seni Abad Pertengahan dan Renaisans Awal (karena itulah namanya). Anggota utama persaudaraan -William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Pada karya awal mereka, para seniman ini menggunakan singkatan RV sebagai pengganti tanda tangan. .

Dengan romantisme Pra-Raphael, kecintaan pada zaman kuno terkait. Mereka beralih ke subjek alkitabiah (“The Light of the World” dan “The Unfaithful Shepherd” oleh W. H. Hunt; “The Childhood of Mary” dan “The Annunciation” oleh D. G. Rossetti), plot dari sejarah Abad Pertengahan dan drama oleh W. Shakespeare (“Ophelia” oleh Millais ).

Untuk melukis figur dan objek manusia dalam ukuran aslinya, Pra-Raphael memperbesar ukuran kanvas, sketsa lanskap dibuat dari kehidupan. Karakter dalam lukisan mereka memiliki prototipe di antara orang sungguhan. Misalnya, D. G. Rossetti memerankan Elizabeth Siddal yang dicintainya di hampir semua karyanya, melanjutkan, seperti seorang ksatria abad pertengahan, untuk tetap setia kepada kekasihnya bahkan setelah kematiannya yang terlalu dini ("Gaun Sutra Biru", 1866).

Ideolog dari Pra-Raphael adalahJohn Ruskin (1819-1900) - Penulis Inggris, kritikus seni dan ahli teori seni, penulis seri buku terkenal "Modern Artists".

Karya Pra-Raphael secara signifikan memengaruhi banyak seniman dan menjadi pertanda simbolisme dalam sastra (W. Pater, O. Wilde) dan seni rupa (O. Beardsley, G. Moreau, dll.).

julukan "Nazarene" mungkin berasal dari nama kota Nazareth di Galilea, tempat kelahiran Yesus Kristus. Menurut versi lain, itu muncul dengan analogi dengan nama komunitas agama Yahudi kuno Nazir. Mungkin juga nama grup tersebut berasal dari nama tradisional gaya rambut "Alla Nazarena", yang umum di Abad Pertengahan dan diketahui dari potret diri A. Dürer: cara memakai rambut panjang, dibelah dalam tengah, diperkenalkan kembali oleh Overbeck.

Biedermeier(Jerman "Meyer pemberani", filistin) - nama belakang karakter fiksi dari kumpulan puisi penyair Jerman Ludwig Eichrodt. Eichrodt membuat parodi dari orang sungguhan - Samuel Friedrich Sauter, seorang guru tua yang menulis puisi naif. Eichrodt, dalam karikaturnya, menekankan keprimitifan filistin dari pemikiran Biedermeier, yang menjadi semacam simbol parodi pada zaman itu. Sapuan sapuan warna hitam, cokelat, dan kehijauan menunjukkan amukan badai. Tatapan penonton seolah berada di tengah pusaran air, kapal tampak seperti mainan ombak dan angin.

Awal abad XIX - masa kebangkitan budaya dan spiritual di Rusia. Jika dalam perkembangan ekonomi dan sosial-politik Rusia tertinggal dari negara-negara Eropa yang maju, maka dalam pencapaian budaya ia tidak hanya mengimbangi mereka, tetapi seringkali melampaui mereka. Perkembangan budaya Rusia pada paruh pertama abad ke-19 didasarkan pada transformasi masa sebelumnya. Penetrasi elemen hubungan kapitalis ke dalam ekonomi meningkatkan kebutuhan akan orang-orang yang terpelajar dan berpendidikan. Kota menjadi pusat budaya utama.

Strata sosial baru ditarik ke dalam proses sosial. Budaya berkembang dengan latar belakang kesadaran diri nasional rakyat Rusia yang terus meningkat dan, dalam hal ini, memiliki karakter nasional yang nyata. Pengaruh signifikan pada sastra, teater, musik, seni visual Perang Patriotik tahun 1812 yang pada tingkat yang belum pernah terjadi sebelumnya mempercepat pertumbuhan kesadaran diri nasional rakyat Rusia, konsolidasinya. Ada pemulihan hubungan dengan orang Rusia dari orang lain di Rusia.

Awal abad ke-19 memang tepat disebut sebagai zaman keemasan seni lukis Rusia. Saat itulah seniman Rusia mencapai tingkat keahlian yang menempatkan karya mereka setara dengan contoh terbaik seni Eropa.

Tiga nama membuka lukisan Rusia abad ke-19 - Kiprensky , Tropinin , Venetsianov. Setiap orang memiliki asal yang berbeda: pemilik tanah tidak sah, budak, dan keturunan pedagang. Setiap orang memiliki aspirasi kreatifnya sendiri - romantis, realis, dan "penulis lirik desa".

Terlepas dari minat awalnya pada lukisan sejarah, Kiprensky dikenal terutama sebagai pelukis potret yang luar biasa. Kita dapat mengatakannya pada awal abad XIX. ia menjadi pelukis potret Rusia pertama. Para empu tua, yang menjadi terkenal pada abad ke-18, tidak dapat lagi bersaing dengannya: Rokotov meninggal pada tahun 1808, Levitsky, yang bertahan selama 14 tahun, tidak lagi melukis karena penyakit mata, dan Borovikovsky, yang tidak hidup sedikit pun. bulan sebelum pemberontakan Desembris, bekerja sangat sedikit.

Kiprensky cukup beruntung menjadi penulis sejarah artistik pada masanya. "Sejarah di wajah" dapat dianggap sebagai potretnya, yang menggambarkan banyak peserta dalam peristiwa bersejarah itu, di mana dia adalah seorang kontemporer: para pahlawan perang tahun 1812, perwakilan dari gerakan Desembris. Teknik menggambar pensil sangat berguna, pelatihannya mendapat perhatian serius di Akademi Seni. Kiprensky pada dasarnya menciptakan genre baru - potret bergambar.

Kiprensky menciptakan banyak potret tokoh budaya Rusia, dan, tentu saja, yang paling terkenal di antaranya adalah karya Pushkin. Itu ditugaskan Delviga, seorang teman bacaan penyair, pada tahun 1827. Orang-orang sezaman mencatat kemiripan potret yang menakjubkan dengan aslinya. Citra penyair dibebaskan oleh seniman dari ciri-ciri sehari-hari yang melekat pada potret Pushkin karya Tropinin, yang dilukis pada tahun yang sama. Alexander Sergeevich ditangkap oleh seniman pada saat inspirasi, ketika dia dikunjungi oleh seorang muse puitis.

Kematian menimpa sang artis selama perjalanan keduanya ke Italia. Dalam beberapa tahun terakhir, banyak hal yang tidak berjalan baik dengan pelukis terkenal itu. Kemerosotan kreatif dimulai. Sesaat sebelum kematiannya, hidupnya dibayangi oleh peristiwa tragis: menurut orang-orang sezaman, artis itu dituduh melakukan pembunuhan dan takut meninggalkan rumah. Bahkan menikahi murid Italianya tidak mencerahkan hari-hari terakhirnya.

Sedikit yang berduka atas pelukis Rusia yang meninggal di negeri asing. Di antara sedikit orang yang benar-benar memahami master seperti apa yang telah hilang dari budaya nasional adalah seniman Alexander Ivanov, yang saat itu berada di Italia. Di hari-hari sedih itu, dia menulis: Kiprensky "adalah orang pertama yang membuat nama Rusia dikenal di Eropa."

Tropinin memasuki sejarah seni Rusia sebagai pelukis potret yang luar biasa. Dia berkata: "Potret seseorang dilukis untuk mengenang orang-orang yang dekat dengannya, yang mencintainya." Menurut orang sezaman, Tropinin melukis sekitar 3.000 potret. Sulit untuk mengatakan apakah ini benar. Di salah satu buku tentang artis, ada daftar 212 wajah yang diidentifikasi dengan tepat yang digambarkan oleh Tropinin. Ia juga memiliki banyak karya berjudul "Portrait of an Unknown (Tidak Diketahui)". Tropinin diajukan oleh pejabat negara, bangsawan, pejuang, pengusaha, pejabat kecil, budak, intelektual, dan tokoh budaya Rusia. Diantaranya: sejarawan Karamzin, penulis Zagoskin, kritikus seni Odoevsky, pelukis Bryullov dan Aivazovsky, pematung Vitali, arsitek Gilardi, komposer Alyabyev, aktor Shchepkin dan Mo-chalov, penulis naskah Sukhovo-Kobylin.

Salah satu karya terbaik Tropinin adalah potret putranya. Saya harus mengatakan bahwa salah satu "penemuan" seni Rusia abad XIX. ada potret seorang anak. Pada Abad Pertengahan, anak dipandang sebagai orang dewasa kecil yang belum dewasa. Anak-anak bahkan mengenakan pakaian yang tidak berbeda dengan orang dewasa: di pertengahan abad ke-18. gadis-gadis mengenakan korset ketat dan rok lebar dengan fijma. Baru pada awal abad XIX. mereka melihat seorang anak di dalam seorang anak. Seniman termasuk yang pertama melakukan ini. Ada banyak kesederhanaan dan kealamian dalam potret Tropinin. Anak laki-laki itu tidak berpose. Tertarik pada sesuatu, dia berbalik sejenak: mulutnya terbuka, matanya bersinar. Penampilan anak itu ternyata menawan dan puitis. Rambut acak-acakan keemasan, wajah montok kekanak-kanakan yang terbuka, tatapan mata cerdas yang hidup. Orang bisa merasakan betapa cintanya sang seniman melukis potret putranya.

Tropinin menulis potret diri dua kali. Di kemudian hari, bertanggal 1846, artis itu berusia 70 tahun. Dia menggambarkan dirinya dengan palet dan kuas di tangannya, bersandar pada mastabl - tongkat khusus yang digunakan oleh pelukis. Di belakangnya adalah panorama megah Kremlin. Di masa mudanya, Tropinin memiliki kekuatan heroik dan semangat yang baik. Dilihat dari potret dirinya, dia mempertahankan kekuatan tubuhnya bahkan di usia tua. Wajah bulat dengan kacamata memancarkan sifat baik. Seniman itu meninggal 10 tahun kemudian, tetapi citranya tetap mengenang keturunannya - pria hebat dan baik hati yang memperkaya seni Rusia dengan bakatnya.

Venetsianov menemukan tema petani dalam lukisan Rusia. Dia adalah yang pertama di antara seniman Rusia yang menunjukkan keindahan alam asalnya di kanvasnya. Genre lanskap tidak disukai di Akademi Seni. Dia menempati tempat kedua dari belakang yang penting, meninggalkan yang lebih tercela - setiap hari. Hanya sedikit master yang melukis alam, lebih memilih lanskap Italia atau imajiner.

Dalam banyak karya Venetsianov, alam dan manusia tidak dapat dipisahkan. Mereka terhubung sedekat petani dengan tanah, pemberiannya. Karya-karyanya yang paling terkenal - "Pembuatan jerami", "Di tanah subur. Musim semi", "Saat panen. Musim panas" - dibuat oleh seniman di tahun 20-an. Itu adalah puncak kreativitasnya. Tak seorang pun dalam seni Rusia yang mampu menunjukkan kehidupan petani dan karya para petani dengan cinta dan puitis seperti Venetsianov. Dalam lukisan "Di tanah subur. Musim semi" seorang wanita sedang menggaru ladang. Kerja keras dan melelahkan ini terlihat luhur di kanvas Venetsianov: seorang wanita petani dengan gaun malam dan kokoshnik yang elegan. Dengan wajah cantik dan tubuh lentur, dia menyerupai dewi kuno. Memimpin dengan kekang dua kuda patuh yang diikat ke garu, dia tidak berjalan, tetapi tampaknya melayang di atas lapangan. Kehidupan di sekitar mengalir dengan tenang, terukur, damai. Pepohonan langka berubah menjadi hijau, awan putih melayang melintasi langit, ladang tampak tak berujung, di tepinya duduk seorang bayi menunggu ibunya.

Lukisan "In the Harvest. Summer" sepertinya melanjutkan lukisan sebelumnya. Panen sudah matang, ladang adalah bulir tunggul emas - saatnya panen. Di latar depan, mengesampingkan sabit, seorang wanita petani sedang menyusui seorang anak. Langit, lapangan, orang-orang yang mengerjakannya tidak dapat dipisahkan bagi senimannya. Tapi tetap saja, subjek utama perhatiannya selalu seseorang.

Venetsianov menciptakan seluruh galeri potret petani. Ini baru untuk lukisan Rusia. Di abad XVIII. orang-orang dari rakyat, dan terlebih lagi budak, tidak begitu tertarik pada seniman. Menurut sejarawan seni, Venetsianov adalah orang pertama dalam sejarah lukisan Rusia yang "menangkap dan menciptakan kembali tipe rakyat Rusia". "Reapers", "Girl with cornflowers", "Girl with a calf", "Sleeping Shepherd" adalah gambaran indah dari para petani yang diabadikan oleh Venetsianov. Tempat khusus dalam karya seniman ditempati oleh potret anak-anak petani. Betapa bagusnya "Zakharka" - anak laki-laki bermata besar, berhidung pesek, berbibir besar dengan kapak di bahunya! Zakharka tampaknya mempersonifikasikan sifat petani yang energik, terbiasa bekerja sejak kecil.

Alexey Gavrilovich meninggalkan kenangan indah tentang dirinya tidak hanya sebagai seniman, tetapi juga sebagai guru yang luar biasa. Dalam salah satu kunjungannya ke St. Selama seperempat abad, sekitar 70 pemuda berbakat telah melewatinya. Venetsianov mencoba menebus seniman budak dari penahanan dan sangat khawatir jika ini tidak berhasil. Muridnya yang paling berbakat - Grigory Soroka - tidak pernah mendapatkan kebebasannya dari pemilik tanahnya. Dia hidup untuk melihat penghapusan perbudakan, tetapi, didorong oleh keputusasaan oleh kemahakuasaan pemilik sebelumnya, bunuh diri.

Banyak siswa Venetsianov tinggal di rumahnya dengan gaji penuh. Mereka memahami rahasia lukisan Venesia: kepatuhan yang kuat pada hukum perspektif, perhatian yang dekat pada alam. Di antara murid-muridnya terdapat banyak master berbakat yang meninggalkan jejak nyata dalam seni Rusia: Grigory Soroka, Alexei Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov. "Orang Venesia" - dengan penuh kasih memanggil hewan peliharaannya.

Dengan demikian, dapat dikatakan bahwa pada sepertiga pertama abad ke-19 terjadi peningkatan pesat dalam perkembangan budaya Rusia dan kali ini disebut sebagai zaman keemasan seni lukis Rusia.

Seniman Rusia telah mencapai tingkat keahlian yang menempatkan karya mereka setara dengan contoh terbaik seni Eropa.

Pemuliaan prestasi rakyat, gagasan kebangkitan spiritual mereka, kecaman terhadap tulah feodal Rusia - ini adalah tema utama seni rupa abad ke-19.

Dalam potret, ciri-ciri romantisme - kemandirian kepribadian manusia, individualitasnya, kebebasan mengungkapkan perasaan - sangat berbeda.

Banyak potret tokoh budaya Rusia, potret anak-anak telah dibuat. Tema petani, lanskap, yang menunjukkan keindahan alam asli, menjadi mode.

Abstrak ujian

Subjek: "Romantisisme sebagai tren dalam seni".

Dilakukan siswa 11 "B" kelas sekolah menengah No. 3

Boiprav Anna

Guru seni dunia

budaya Butsu T.N.

Brest, 2002

1. Perkenalan

2. Penyebab Romantisisme

3. Fitur utama romantisme

4. pahlawan romantis

5. Romantisisme di Rusia

a) Sastra

b) Lukisan

c) Musik

6. Romantisme Eropa Barat

sebuah lukisan

b) Musik

7. Kesimpulan

8. Referensi

1. PERKENALAN

Jika Anda melihat ke dalam kamus penjelasan bahasa Rusia, Anda dapat menemukan beberapa arti dari kata "romantisisme": 1. Tren sastra dan seni pada kuartal pertama abad ke-19, yang ditandai dengan idealisasi masa lalu, isolasi dari kenyataan, kultus kepribadian dan manusia. 2. Arah dalam sastra dan seni, dijiwai dengan optimisme dan keinginan untuk menunjukkan dalam gambaran yang hidup tujuan manusia yang tinggi. 3. Keadaan pikiran yang dijiwai dengan idealisasi realitas, perenungan melamun.

Terlihat dari definisinya, romantisme merupakan fenomena yang terwujud tidak hanya dalam seni, tetapi juga dalam tingkah laku, busana, gaya hidup, psikologi masyarakat dan terjadi pada saat-saat kritis dalam hidup, sehingga tema romantisme masih relevan hingga saat ini. . Kita hidup di pergantian abad, kita berada pada tahap transisi. Sehubungan dengan itu, dalam masyarakat terdapat ketidakpercayaan akan masa depan, ketidakpercayaan pada cita-cita, ada keinginan untuk lepas dari realitas sekitarnya ke dunia pengalamannya sendiri dan sekaligus memahaminya. Ciri-ciri inilah yang menjadi ciri khas seni romantik. Itu sebabnya saya memilih topik “Romantisisme sebagai tren seni” untuk penelitian.

Romantisme adalah lapisan yang sangat besar dari berbagai jenis seni. Tujuan karya saya adalah untuk menelusuri kondisi munculnya dan penyebab munculnya romantisme di berbagai negara, menyelidiki perkembangan romantisme dalam bentuk seni seperti sastra, lukisan dan musik, serta membandingkannya. Tugas utama saya adalah menyoroti ciri-ciri utama romantisme yang menjadi ciri khas semua jenis seni, untuk menentukan pengaruh apa yang dimiliki romantisme terhadap perkembangan tren seni lainnya.

Saat mengembangkan tema, saya menggunakan buku teks tentang seni, penulis seperti Filimonova, Vorotnikov, dan lainnya, publikasi ensiklopedis, monograf yang didedikasikan untuk berbagai penulis di era romantisme, bahan biografi penulis seperti Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova, dan lainnya.

2. ALASAN ASAL ROMANTISISME

Semakin dekat kita dengan modernitas, semakin pendek rentang waktu dominasi satu atau beberapa gaya. Periode waktu akhir sepertiga ke-18 hingga ke-1 abad ke-19. dianggap sebagai era romantisme (dari Romantique Prancis; sesuatu yang misterius, aneh, tidak nyata)

Apa yang memengaruhi munculnya gaya baru?

Ini adalah tiga peristiwa utama: Revolusi Besar Prancis, Perang Napoleon, kebangkitan gerakan pembebasan nasional di Eropa.

Gemuruh Paris bergema di seluruh Eropa. Slogan "Kebebasan, Kesetaraan, Persaudaraan!" memiliki daya tarik yang luar biasa bagi seluruh bangsa Eropa. Dengan terbentuknya masyarakat borjuis, kelas pekerja mulai bertindak melawan sistem feodal sebagai kekuatan independen. Perjuangan yang berlawanan dari tiga kelas - bangsawan, borjuasi dan proletariat - menjadi dasar perkembangan sejarah abad ke-19.

Nasib Napoleon dan perannya dalam sejarah Eropa selama 2 dekade, 1796-1815, memenuhi pikiran orang-orang sezaman. "Penguasa pikiran" - A.S. berbicara tentang dia. pushkin.

Bagi Prancis, ini adalah tahun-tahun kebesaran dan kejayaan, meski dengan mengorbankan nyawa ribuan orang Prancis. Italia melihat Napoleon sebagai pembebasnya. Orang Polandia menaruh harapan besar padanya.

Napoleon bertindak sebagai penakluk yang bertindak untuk kepentingan borjuasi Prancis. Bagi para raja Eropa, dia bukan hanya lawan militer, tetapi juga perwakilan dari dunia borjuis yang asing. Mereka membencinya. Pada awal Perang Napoleon, ada banyak peserta langsung dalam revolusi dalam "Tentara Besar" -nya.

Kepribadian Napoleon sendiri juga fenomenal. Pemuda Lermontov menanggapi peringatan 10 tahun kematian Napoleon:

Dia adalah orang asing bagi dunia. Segala sesuatu tentang dia adalah misteri.

Hari permuliaan - dan jatuhnya jam!

Misteri ini secara khusus menarik perhatian para romantisme.

Sehubungan dengan perang-perang napoleon dan pematangan kesadaran diri bangsa, periode ini ditandai dengan bangkitnya gerakan pembebasan nasional. Jerman, Austria, Spanyol berperang melawan pendudukan Napoleon, Italia - melawan kuk Austria, Yunani - melawan Turki, di Polandia mereka berperang melawan tsarisme Rusia, Irlandia - melawan Inggris.

Perubahan yang menakjubkan terjadi di depan mata satu generasi.

Prancis paling mendidih: ulang tahun kelima Revolusi Prancis yang penuh gejolak, kebangkitan dan kejatuhan Robespierre, kampanye Napoleon, pelepasan pertama Napoleon, kepulangannya dari pulau Elba ("seratus hari") dan yang terakhir

kekalahan di Waterloo, peringatan 15 tahun rezim restorasi yang suram, Revolusi Juli 1860, Revolusi Februari 1848 di Paris, yang menyebabkan gelombang revolusioner di negara lain.

Di Inggris, akibat revolusi industri pada paruh kedua abad ke-19. produksi mesin dan hubungan kapitalis didirikan. Reformasi parlementer tahun 1832 membuka jalan bagi borjuasi menuju kekuasaan negara.

Di tanah Jerman dan Austria, penguasa feodal mempertahankan kekuasaan. Setelah jatuhnya Napoleon, mereka menghadapi oposisi dengan keras. Tetapi bahkan di tanah Jerman, lokomotif uap, yang dibawa dari Inggris pada tahun 1831, menjadi faktor kemajuan borjuis.

Revolusi industri, revolusi politik mengubah wajah Eropa. “Kaum borjuasi, dalam waktu kurang dari seratus tahun dominasi kelasnya, menciptakan kekuatan produktif yang lebih banyak dan megah daripada gabungan semua generasi sebelumnya,” tulis sarjana Jerman Marx dan Engels pada tahun 1848.

Jadi, Revolusi Prancis Hebat (1789-1794) menandai tonggak sejarah khusus yang memisahkan era baru dari Zaman Pencerahan. Tidak hanya bentuk negara, struktur sosial masyarakat, penyelarasan kelas berubah. Seluruh sistem gagasan, yang diterangi selama berabad-abad, terguncang. Para pencerahan secara ideologis mempersiapkan revolusi. Tetapi mereka tidak dapat meramalkan semua konsekuensinya. "Kerajaan nalar" tidak terjadi. Revolusi, yang memproklamasikan kebebasan individu, memunculkan tatanan borjuis, semangat keserakahan dan keegoisan. Begitulah dasar sejarah perkembangan budaya seni, yang mengedepankan arah baru - romantisme.

3. FITUR UTAMA ROMANTISIKA

Romantisme sebagai metode dan arahan dalam budaya artistik merupakan fenomena yang kompleks dan kontroversial. Di setiap negara dia memiliki ekspresi nasional yang cerah. Tidak mudah menemukan ciri-ciri sastra, musik, lukisan dan teater yang menyatukan Chateaubriand dan Delacroix, Mickiewicz dan Chopin, Lermontov dan Kiprensky.

Romantis menduduki berbagai posisi sosial dan politik dalam masyarakat. Mereka semua memberontak melawan hasil revolusi borjuis, tetapi memberontak dengan cara yang berbeda, karena masing-masing memiliki cita-citanya sendiri. Namun dengan banyaknya wajah dan keragaman, romantisme memiliki ciri yang stabil.

Kekecewaan di zaman modern memunculkan hal yang spesial kepentingan di masa lalu: ke formasi sosial pra-borjuis, ke zaman kuno patriarkal. Banyak romantisme dicirikan oleh gagasan bahwa eksotisme gambar negara-negara selatan dan timur - Italia, Spanyol, Yunani, Turki - adalah kontras puitis dengan kehidupan sehari-hari borjuis yang membosankan. Di negara-negara ini, yang saat itu masih sedikit dipengaruhi oleh peradaban, orang-orang romantis mencari karakter yang cerah dan kuat, cara hidup yang orisinal dan penuh warna. Ketertarikan pada masa lalu nasional memunculkan banyak karya sejarah.

Dalam upaya entah bagaimana untuk mengatasi prosa keberadaan, untuk membebaskan kemampuan individu yang beragam, untuk akhirnya mewujudkan diri dalam kreativitas, romantisme menentang formalisasi seni dan pendekatan yang lugas dan masuk akal terhadapnya, karakteristik klasisisme. Mereka semua berasal penolakan Pencerahan dan kanon klasisisme rasionalistik, yang membelenggu inisiatif kreatif seniman Dan jika klasisisme membagi segalanya dalam garis lurus, menjadi baik dan buruk, menjadi hitam dan putih, maka romantisme tidak membagi apa pun dalam garis lurus. Klasisisme adalah sebuah sistem, tetapi romantisme bukan. Romantisme memajukan kemajuan zaman modern dari klasisisme ke sentimentalisme, yang menunjukkan kehidupan batin seseorang yang selaras dengan dunia luas. Dan romantisme menentang harmoni dengan dunia batin. Dengan romantisme itulah psikologi sejati mulai muncul.

Tugas utama romantisme adalah gambar dunia batin, kehidupan spiritual, dan ini bisa dilakukan pada bahan cerita, mistisisme, dll. Itu perlu untuk menunjukkan paradoks kehidupan batin ini, irasionalitasnya.

Dalam imajinasi mereka, romantisme mengubah realitas yang tidak menarik atau masuk ke dunia pengalaman mereka. Kesenjangan antara mimpi dan kenyataan, pertentangan fiksi indah dengan kenyataan objektif, terletak di jantung seluruh gerakan romantisme.

Romantisme untuk pertama kalinya menimbulkan masalah bahasa seni. “Seni adalah bahasa yang sangat berbeda dari alam; tetapi itu juga mengandung kekuatan ajaib yang sama yang secara diam-diam dan tidak dapat dipahami mempengaruhi jiwa manusia ”(Wackenroder dan Tieck). Seniman adalah penafsir bahasa alam, perantara antara dunia roh dan manusia. “Berkat para seniman, kemanusiaan muncul sebagai individualitas yang utuh. Seniman melalui modernitas menyatukan dunia masa lalu dengan dunia masa depan. Mereka adalah organ spiritual tertinggi di mana kekuatan vital dari kemanusiaan luar mereka bertemu satu sama lain, dan di mana kemanusiaan batin pertama-tama memanifestasikan dirinya” (F. Schlegel).

Namun, romantisme bukanlah tren yang homogen: perkembangan ideologisnya berjalan ke arah yang berbeda. Di antara romantisme adalah penulis reaksioner, penganut rezim lama, yang menyanyikan tentang monarki feodal dan agama Kristen. Di sisi lain, romantisme dengan pandangan progresif menyatakan protes demokratis terhadap feodal dan segala macam penindasan, mewujudkan dorongan revolusioner rakyat untuk masa depan yang lebih baik.

Romantisisme meninggalkan seluruh era dalam budaya artistik dunia, perwakilannya adalah: dalam sastra V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz, dan lain-lain; dalam seni rupa E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky dan lainnya; dalam musik F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin dan lain-lain Mereka menemukan dan mengembangkan genre baru, memperhatikan nasib kepribadian manusia, mengungkapkan dialektika baik dan jahat, mengungkapkan nafsu manusia dengan ahli, dll.

Bentuk seni kurang lebih disamakan signifikansinya dan menghasilkan karya seni yang luar biasa, meskipun romantisme mengutamakan musik di tangga seni.

4. PAHLAWAN ROMANTIS

Siapa pahlawan romantis dan seperti apa dia?

Ini adalah seorang individualis. Seorang superman yang telah hidup melalui dua tahap: sebelum bertabrakan dengan kenyataan, dia hidup dalam keadaan 'merah muda', dia dirasuki oleh keinginan untuk berprestasi, perubahan dunia; setelah bertabrakan dengan kenyataan, dia terus menganggap dunia ini vulgar dan membosankan, tetapi dia tidak menjadi skeptis, pesimis. Dengan pemahaman yang jelas bahwa tidak ada yang bisa diubah, keinginan untuk berprestasi merosot menjadi keinginan akan bahaya.

Orang romantis dapat memberikan nilai yang abadi dan bertahan lama pada setiap hal kecil, pada setiap fakta konkret, pada segala sesuatu yang tunggal. Joseph de Maistre menyebutnya "jalan Providence", Germaine de Stael - "pangkuan yang subur dari alam semesta yang abadi." Chateaubriand dalam "Genius of Christianity", dalam sebuah buku tentang sejarah, secara langsung menunjuk kepada Tuhan sebagai permulaan waktu sejarah. Masyarakat muncul sebagai ikatan yang tak tergoyahkan, "benang kehidupan yang menghubungkan kita dengan nenek moyang kita dan yang harus kita berikan kepada keturunan kita". Hanya hati seseorang, dan bukan pikirannya, yang dapat memahami dan mendengar suara Sang Pencipta, melalui keindahan alam, melalui perasaan yang dalam. Alam itu ilahi, itu adalah sumber keharmonisan dan kekuatan kreatif, metaforanya sering ditransfer oleh romantisme ke dalam leksikon politik. Bagi romantisme, pohon menjadi simbol keluarga, perkembangan spontan, persepsi jus tanah air, simbol persatuan bangsa. Semakin polos dan sensitif sifat seseorang, semakin mudah dia mendengar suara Tuhan. Seorang anak, seorang wanita, seorang pemuda yang mulia lebih sering melihat keabadian jiwa dan nilai kehidupan kekal daripada yang lain. Rasa haus romantisme akan kebahagiaan tidak terbatas pada keinginan idealis akan Kerajaan Tuhan setelah kematian.

Selain cinta mistis kepada Tuhan, seseorang membutuhkan cinta duniawi yang nyata. Tidak dapat memiliki objek hasratnya, pahlawan romantis menjadi martir abadi, ditakdirkan untuk menunggu pertemuan dengan kekasihnya di akhirat, "karena cinta yang besar layak untuk keabadian jika itu mengorbankan nyawa seseorang."

Tempat khusus dalam karya romantisme ditempati oleh masalah perkembangan dan pendidikan individu. Masa kanak-kanak tidak memiliki hukum, dorongan sesaatnya melanggar moralitas publik, mematuhi aturan permainan kekanak-kanakan sendiri. Pada orang dewasa, reaksi serupa menyebabkan kematian, penghukuman jiwa. Dalam mencari kerajaan surga, seseorang harus memahami hukum kewajiban dan moralitas, baru setelah itu dia dapat berharap untuk hidup yang kekal. Karena tugas didikte oleh orang-orang romantis dengan keinginan mereka untuk memperoleh hidup yang kekal, pemenuhan tugas memberikan kebahagiaan pribadi dalam manifestasinya yang terdalam dan paling kuat. Untuk tugas moral ditambahkan tugas perasaan yang dalam dan minat yang tinggi. Tanpa mencampurkan manfaat dari jenis kelamin yang berbeda, romantisme menganjurkan kesetaraan perkembangan spiritual pria dan wanita. Dengan cara yang sama, cinta kepada Tuhan dan lembaga-lembaganya mendikte tugas sipil. Perjuangan pribadi menemukan penyelesaiannya dalam tujuan bersama, dalam perjuangan seluruh bangsa, seluruh umat manusia, seluruh dunia.

Setiap budaya memiliki pahlawan romantisnya masing-masing, tetapi Byron, dalam karyanya Charld Harold, memberikan representasi khas dari pahlawan romantis. Dia memakai topeng pahlawannya (dia mengatakan bahwa tidak ada jarak antara pahlawan dan penulis) dan berhasil mematuhi kanon romantis.

Semua karya romantis dicirikan oleh ciri-ciri khas:

Pertama, dalam setiap karya romantis tidak ada jarak antara sang pahlawan dan pengarangnya.

Kedua, penulis pahlawan tidak menghakimi, tetapi bahkan jika sesuatu yang buruk dikatakan tentang dia, plotnya dibuat sedemikian rupa sehingga pahlawan tidak bisa disalahkan. Plot dalam karya romantis biasanya bersifat romantis. Orang romantis juga membangun hubungan khusus dengan alam, mereka menyukai badai, badai petir, bencana alam.

5. ROMANTISISME DI RUSIA.

Romantisme di Rusia berbeda dari Eropa Barat dalam mendukung latar sejarah yang berbeda dan tradisi budaya yang berbeda. Revolusi Prancis tidak dapat dihitung sebagai salah satu penyebab kemunculannya, lingkaran orang yang sangat sempit memiliki harapan untuk transformasi dalam perjalanannya. Dan hasil revolusi benar-benar mengecewakan. Pertanyaan tentang kapitalisme di Rusia pada awal abad ke-19. tidak berdiri. Oleh karena itu, tidak ada alasan seperti itu. Alasan sebenarnya adalah Perang Patriotik tahun 1812, di mana semua kekuatan inisiatif rakyat terwujud. Namun setelah perang usai, rakyat tidak mendapatkan wasiat tersebut. Bangsawan terbaik, tidak puas dengan kenyataan, pergi ke Lapangan Senat pada bulan Desember 1825. Tindakan ini juga meninggalkan jejak pada inteligensia kreatif. Tahun-tahun pascaperang yang bergejolak menjadi lingkungan di mana romantisme Rusia terbentuk.

Romantisme, dan terlebih lagi, Rusia kita, berkembang dan dibentuk menjadi bentuk aslinya, romantisme bukanlah sastra sederhana, tetapi fenomena kehidupan, seluruh era perkembangan moral, era yang memiliki warna tersendiri, dilakukan secara khusus. pandangan hidup ... Biarkan tren romantis datang dari luar, dari kehidupan Barat dan sastra Barat, ia menemukan di alam Rusia tanah yang siap untuk persepsinya, dan karena itu tercermin dalam fenomena yang sepenuhnya orisinal, seperti penyair dan kritikus Apollon Grigoriev dinilai - ini adalah fenomena budaya yang unik, dan karakterisasinya menunjukkan kompleksitas esensial dari romantisme , dari lubuk hati Gogol muda keluar dan dengan siapa dia dikaitkan tidak hanya di awal karir menulisnya, tetapi sepanjang hidupnya.

Apollon Grigoriev secara akurat menentukan sifat dampak aliran romantisme pada sastra dan kehidupan, termasuk prosa pada masa itu: bukan pengaruh atau pinjaman sederhana, tetapi kehidupan yang khas dan kuat serta tren sastra yang memberikan fenomena yang sepenuhnya orisinal dalam sastra Rusia muda.

a) Sastra

Romantisme Rusia biasanya dibagi menjadi beberapa periode: awal (1801-1815), dewasa (1815-1825) dan periode perkembangan pasca-Desembris. Namun, dalam kaitannya dengan periode awal, konvensionalitas skema ini sangat mencolok. Karena fajar romantisme Rusia dikaitkan dengan nama Zhukovsky dan Batyushkov, penyair yang karya dan pandangan dunianya sulit untuk disandingkan dan dibandingkan dalam periode yang sama, tujuan, aspirasi, dan temperamen mereka sangat berbeda. Dalam puisi kedua penyair, pengaruh masa lalu yang angkuh, era sentimentalisme, masih terasa, tetapi jika Zhukovsky masih mengakar kuat di dalamnya, maka Batyushkov lebih dekat dengan tren baru.

Belinsky dengan tepat mencatat bahwa karya Zhukovsky dicirikan oleh "keluhan tentang harapan yang tidak sempurna yang tidak memiliki nama, kesedihan karena kebahagiaan yang hilang, yang entah terdiri dari apa." Memang, dalam diri Zhukovsky, romantisme masih mengambil langkah pertama yang malu-malu, memberi penghormatan pada kerinduan sentimental dan melankolis, kerinduan hati yang samar dan nyaris tak terlihat, singkatnya, pada rangkaian perasaan kompleks yang dalam kritik Rusia adalah disebut "romantisisme Abad Pertengahan".

Suasana yang sama sekali berbeda menguasai puisi Batyushkov: kegembiraan karena, sensualitas yang jujur, himne untuk kesenangan.

Zhukovsky dianggap sebagai perwakilan terkemuka dari humanisme estetika Rusia. Asing dari nafsu yang kuat, Zhukovsky yang berpuas diri dan lemah lembut berada di bawah pengaruh nyata dari gagasan Rousseau dan romantisme Jerman. Mengikuti mereka, dia sangat mementingkan sisi estetika dalam agama, moralitas, dan hubungan sosial. Seni memperoleh makna religius dari Zhukovsky, dia berusaha untuk melihat dalam seni sebuah "wahyu" dari kebenaran yang lebih tinggi, itu "sakral" baginya. Biasanya romantisme Jerman mengidentifikasi puisi dan agama. Kami menemukan hal yang sama di Zhukovsky, yang menulis: "Puisi adalah Tuhan dalam mimpi suci bumi." Dalam romantisme Jerman, dia sangat dekat dengan ketertarikan pada segala sesuatu di luar, ke "sisi malam jiwa", ke alam dan manusia yang "tak terlukiskan". Alam dalam puisi Zhukovsky dikelilingi oleh misteri, pemandangannya seperti hantu dan hampir tidak nyata, seperti pantulan di air:

Betapa dupa menyatu dengan kesejukan tumbuhan!

Betapa manisnya dalam kesunyian di pantai jet yang memercik!

Betapa tenangnya angin marshmallow di perairan

Dan pohon willow yang fleksibel bergetar!

Jiwa Zhukovsky yang peka, lembut, dan melamun tampaknya membeku dengan manis di ambang "cahaya misterius ini". Penyair, dalam ungkapan yang tepat dari Belinsky, "mencintai dan merasakan penderitaannya", tetapi penderitaan ini tidak menyengat hatinya dengan luka yang kejam, karena bahkan dalam kesedihan dan kesedihan kehidupan batinnya tenang dan tenteram. Oleh karena itu, ketika dalam sebuah pesan kepada Batyushkov, "putra kebahagiaan dan kesenangan", dia menyebut penyair Epicurean "relatif terhadap Muse", sulit untuk mempercayai hubungan ini. Sebaliknya, kami percaya Zhukovsky yang bajik, yang dengan ramah menasihati penyanyi kesenangan duniawi: "Tolak kegairahan, mimpi itu fatal!"

Batyushkov adalah sosok yang berlawanan dengan Zhukovsky. Dia adalah seorang pria dengan hasrat yang kuat, dan kehidupan kreatifnya terpotong 35 tahun lebih awal dari keberadaan fisiknya: sebagai seorang pria yang sangat muda, dia terjun ke dalam jurang kegilaan. Dia mengabdikan dirinya dengan kekuatan dan hasrat yang sama untuk suka dan duka: dalam hidup, serta dalam pemahaman puitisnya, dia - tidak seperti Zhukovsky - asing bagi "cara emas". Meskipun puisinya juga dicirikan oleh pujian atas persahabatan murni, kegembiraan dari "sudut yang sederhana", tetapi syairnya sama sekali tidak sederhana dan tenang, karena Batiushkov tidak dapat membayangkannya tanpa kebahagiaan yang lesu dari kesenangan yang penuh gairah dan keracunan hidup. Kadang-kadang, penyair begitu terbawa oleh kegembiraan sensual sehingga dia siap untuk dengan sembrono menolak kebijaksanaan sains yang menindas:

Apakah itu dalam kebenaran sedih

Orang tabah yang suram dan orang bijak yang membosankan,

Duduk di gaun pemakaman,

Antara puing-puing dan peti mati

Akankah kita menemukan manisnya hidup kita?

Dari mereka, saya melihat kegembiraan

Ia terbang seperti kupu-kupu dari semak berduri.

Bagi mereka tidak ada pesona dalam pesona alam,

Para gadis tidak bernyanyi untuk mereka, terjalin dalam tarian melingkar;

Bagi mereka, seperti bagi orang buta,

Musim semi tanpa kegembiraan dan musim panas tanpa bunga.

Tragedi sejati jarang terdengar dalam puisinya. Hanya di akhir kehidupan kreatifnya, ketika ia mulai menunjukkan tanda-tanda penyakit mental, salah satu puisi terakhirnya direkam di bawah dikte, di mana motif kesia-siaan keberadaan duniawi terdengar jelas:

Apakah Anda ingat apa yang Anda katakan

Mengucapkan selamat tinggal pada hidup, Melkisedek berambut abu-abu?

Manusia terlahir sebagai budak

Akan berbaring sebagai budak di kuburan,

Dan kematian hampir tidak akan memberitahunya

Mengapa dia berjalan melalui lembah air mata yang menakjubkan,

Menderita, menangis, bertahan,

Di Rusia, romantisme sebagai tren sastra berkembang pada usia dua puluhan abad kesembilan belas. Asal-usulnya adalah penyair, penulis prosa, penulis, dan mereka menciptakan romantisme Rusia, yang berbeda dari "Eropa Barat" dalam karakter asli nasionalnya. Romantisme Rusia dikembangkan oleh para penyair pada paruh pertama abad ke-19, dan setiap penyair membawa sesuatu yang baru. Romantisme Rusia berkembang luas, memperoleh ciri-ciri khas, dan menjadi tren independen dalam sastra. Dalam "Ruslan dan Lyudmila" A.S. Pushkin ada kalimat: "Ada semangat Rusia, itu berbau Rusia." Hal yang sama dapat dikatakan tentang romantisme Rusia. Pahlawan karya romantis adalah jiwa puitis yang berjuang untuk "tinggi" dan cantik. Tetapi ada dunia yang bermusuhan yang tidak memungkinkan Anda merasakan kebebasan, yang membuat jiwa-jiwa ini tidak dapat dipahami. Dunia ini kasar, jadi jiwa puitis melarikan diri ke dunia lain, di mana ada cita-cita, berjuang untuk yang "abadi". Romantisisme didasarkan pada konflik ini. Tetapi para penyair bereaksi berbeda terhadap situasi ini. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, berangkat dari satu hal, membangun hubungan pahlawan mereka dan dunia di sekitar mereka dengan cara yang berbeda, oleh karena itu pahlawan mereka memiliki jalan yang berbeda menuju cita-cita.

Realitas itu mengerikan, kasar, kurang ajar dan egois, tidak ada tempat di dalamnya untuk perasaan, impian, dan keinginan penyair, pahlawannya. "Benar" dan abadi - di dunia lain. Karenanya konsep dua dunia, penyair berjuang untuk salah satu dunia ini untuk mencari cita-cita.

Posisi Zhukovsky bukanlah posisi orang yang bergumul dengan dunia luar, yang menantangnya. Itu adalah jalan melalui kesatuan dengan alam, jalan harmoni dengan alam, di dunia yang abadi dan indah. Zhukovsky, menurut banyak peneliti (termasuk Yu.V. Mann), mengungkapkan pemahamannya tentang proses persatuan ini dalam The Inexpressible. Persatuan adalah pelarian jiwa. Keindahan yang mengelilingi Anda memenuhi jiwa Anda, itu ada di dalam diri Anda, dan Anda berada di dalamnya, jiwa terbang, tidak ada waktu maupun ruang, tetapi Anda ada di alam, dan saat ini Anda hidup, Anda ingin bernyanyi tentang keindahan ini , tetapi tidak ada kata-kata untuk mengungkapkan keadaan Anda, hanya ada perasaan harmoni. Anda tidak terganggu oleh orang-orang di sekitar Anda, jiwa prosa, lebih terbuka untuk Anda, Anda bebas.

Pushkin dan Lermontov mendekati masalah romantisme ini secara berbeda. Tidak diragukan lagi bahwa pengaruh yang diberikan oleh Zhukovsky pada Pushkin tidak dapat tidak tercermin dalam karya yang terakhir. Karya awal Pushkin dicirikan oleh romantisme "sipil". Di bawah pengaruh "Penyanyi di Kamp Prajurit Rusia" Zhukovsky dan karya Griboyedov, Pushkin menulis syair untuk "Liberty", "To Chaadaev". Yang terakhir, dia memanggil:

"Temanku! Mari kita persembahkan jiwa kita ke Tanah Air dengan dorongan yang luar biasa ...". Ini adalah keinginan yang sama untuk cita-cita yang dimiliki Zhukovsky, hanya Pushkin yang memahami cita-cita dengan caranya sendiri, oleh karena itu jalan menuju cita-cita berbeda untuk penyair. Dia tidak mau dan tidak bisa berjuang untuk cita-cita sendirian, penyair memanggilnya. Pushkin memandang realitas dan cita-cita secara berbeda. Anda tidak bisa menyebutnya sebagai pemberontakan, ini adalah cerminan dari unsur-unsur pemberontak. Ini tercermin dalam ode "Laut". Inilah kekuatan dan kekuatan laut, laut bebas, telah mencapai cita-citanya. Manusia juga harus bebas, jiwanya harus bebas.

Pencarian cita-cita adalah ciri utama romantisme. Itu memanifestasikan dirinya dalam karya Zhukovsky, dan Pushkin, dan Lermontov. Ketiga penyair itu mencari kebebasan, tetapi mereka mencarinya dengan cara yang berbeda, mereka memahaminya secara berbeda. Zhukovsky sedang mencari kebebasan yang dikirim oleh "pencipta". Setelah menemukan harmoni, seseorang menjadi bebas. Bagi Pushkin, kebebasan jiwa itu penting, yang harus terwujud dalam diri seseorang. Bagi Lermontov, hanya pahlawan pemberontak yang bebas. Pemberontakan untuk kebebasan, apa yang lebih indah? Sikap terhadap cita-cita ini dipertahankan dalam lirik cinta para penyair. Menurut pendapat saya, hubungan ini karena waktu. Meski mereka semua bekerja hampir dalam periode yang sama, waktu kerja mereka berbeda, peristiwa berkembang dengan kecepatan luar biasa. Karakter para penyair juga sangat mempengaruhi hubungan mereka. Zhukovsky yang tenang dan Lermontov yang memberontak benar-benar berlawanan. Tetapi romantisme Rusia berkembang justru karena sifat para penyair ini berbeda. Mereka memperkenalkan konsep baru, karakter baru, cita-cita baru, memberikan gambaran lengkap tentang apa itu kebebasan, apa itu kehidupan nyata. Masing-masing mewakili jalannya sendiri menuju cita-cita, ini adalah hak pilihan untuk setiap individu.

Munculnya romantisme sangat mengganggu. Individualitas manusia sekarang berdiri di pusat seluruh dunia. "Aku" manusia mulai ditafsirkan sebagai dasar dan makna dari semua keberadaan. Kehidupan manusia mulai dianggap sebagai karya seni, seni. Romantisme sangat meluas di abad ke-19. Namun tidak semua penyair yang menyebut diri mereka romantisme menyampaikan esensi dari tren ini.

Nah, di penghujung abad ke-20, kita sudah bisa mengklasifikasikan romantisme abad lalu atas dasar ini menjadi dua kelompok. Satu dan mungkin kelompok yang paling luas adalah kelompok yang menyatukan romantisme "formal". Sulit untuk mencurigai ketidaktulusan mereka, sebaliknya, mereka dengan sangat akurat menyampaikan perasaan mereka. Diantaranya adalah Dmitry Venevitinov (1805-1827) dan Alexander Polezhaev (1804-1838). Penyair ini menggunakan bentuk romantisme, menganggapnya paling cocok untuk mencapai tujuan artistiknya. Jadi, D. Venevitinov menulis:

Saya merasakannya terbakar dalam diri saya

Api suci inspirasi

Tapi semangat membumbung tinggi menuju tujuan gelap...

Apakah saya akan menemukan tebing yang dapat diandalkan,

Di mana saya bisa mengistirahatkan kaki saya yang kokoh?

Ini adalah puisi romantis yang khas. Ini menggunakan kosakata romantis tradisional - ini adalah "nyala inspirasi" dan "semangat yang melonjak". Jadi, penyair menggambarkan perasaannya. Tapi tidak lagi. Penyair terikat oleh kerangka romantisme, “penampilan verbalnya”. Semuanya disederhanakan menjadi beberapa perangko.

Perwakilan dari kelompok romantisme abad ke-19 lainnya, tentu saja, adalah A.S. Pushkin dan M. Lermontov. Para penyair ini, sebaliknya, mengisi bentuk romantisme dengan isinya sendiri. Masa romantis dalam kehidupan A. Pushkin singkat, sehingga ia hanya memiliki sedikit karya romantis. "Prisoner of the Caucasus" (1820-1821) adalah salah satu puisi romantis paling awal oleh A.S. pushkin. Sebelum kita adalah versi klasik dari sebuah karya romantis. Penulis tidak memberi kita potret pahlawannya, kita bahkan tidak tahu namanya. Dan ini tidak mengherankan - semua pahlawan romantis mirip satu sama lain. Mereka masih muda, cantik... dan tidak bahagia. Plot karyanya juga romantis klasik. Seorang tahanan Rusia dengan orang Sirkasia, seorang wanita muda Sirkasia jatuh cinta padanya dan membantunya melarikan diri. Tapi dia putus asa mencintai yang lain... Puisi itu berakhir dengan tragis - wanita Sirkasia menceburkan dirinya ke dalam air dan mati, dan orang Rusia itu, yang dibebaskan dari penahanan "fisik", jatuh ke penahanan lain yang lebih menyakitkan - penahanan jiwa. Apa yang kita ketahui tentang masa lalu sang pahlawan?

Jalan panjang mengarah ke Rusia ...

.....................................

Di mana dia memeluk penderitaan yang mengerikan,

Dimana kehidupan sibuk hancur

Harapan, kegembiraan dan keinginan.

Dia datang ke stepa untuk mencari kebebasan, mencoba melarikan diri dari kehidupan masa lalunya. Dan sekarang, ketika kebahagiaan tampak begitu dekat, dia harus lari lagi. Tetapi dimana? Kembali ke dunia tempat dia "merangkul penderitaan yang mengerikan".

Pengkhianat cahaya, sahabat alam,

Dia meninggalkan tanah kelahirannya

Dan terbang ke negeri yang jauh

Dengan hantu kebebasan yang ceria.

Tapi "hantu kebebasan" tetap hanya hantu. Dia akan selamanya menghantui pahlawan romantis itu. Puisi romantis lainnya adalah "Gipsi". Di dalamnya, penulis kembali tidak memberikan potret sang pahlawan kepada pembaca, kita hanya tahu namanya - Aleko. Dia datang ke kamp untuk mengetahui kesenangan sejati, kebebasan sejati. Demi dia, dia meninggalkan semua yang mengelilinginya. Apakah dia bebas dan bahagia? Tampaknya Aleko mencintai, tetapi dengan perasaan ini hanya kesialan dan penghinaan yang menimpanya. Aleko, yang sangat merindukan kebebasan, tidak bisa mengenali keinginan orang lain. Dalam puisi ini, ciri khas lain dari pandangan dunia pahlawan romantis terwujud - keegoisan dan ketidakcocokan total dengan dunia luar. Aleko tidak dihukum mati, tapi lebih buruk - kesepian dan perdebatan. Dia sendirian di dunia tempat dia melarikan diri, tetapi di dunia lain, yang sangat diinginkan, dia ditinggalkan sendirian lagi.

Sebelum menulis The Prisoner of the Caucasus, Pushkin pernah berkata: "Saya tidak cocok menjadi pahlawan puisi romantis"; namun, pada saat yang sama, pada tahun 1820, Pushkin menulis puisinya "Cahaya padam ...". Di dalamnya Anda dapat menemukan semua kosakata yang melekat dalam romantisme. Ini adalah "pantai terpencil", dan "lautan yang suram", dan "kegembiraan dan kerinduan", yang menyiksa penulisnya. Refrein mengalir di seluruh puisi:

Gelombang di bawahku, samudra cemberut.

Ia hadir tidak hanya dalam gambaran alam, tetapi juga dalam gambaran perasaan sang pahlawan.

... Tapi bekas luka hati,

Luka cinta yang dalam, tidak ada yang sembuh...

Kebisingan, kebisingan, layar patuh,

Khawatir di bawahku, lautan yang suram …

Artinya, alam menjadi karakter lain, pahlawan liris puisi lainnya. Belakangan, pada tahun 1824, Pushkin menulis puisi "To the Sea". Pahlawan romantis di dalamnya, seperti dalam "Cahaya padam ...", kembali menjadi pengarangnya sendiri. Di sini Pushkin menyebut laut sebagai simbol kebebasan tradisional. Laut adalah elemen yang berarti kebebasan dan kebahagiaan. Namun, Pushkin membuat puisi ini secara tidak terduga:

Anda menunggu, Anda menelepon... Saya dirantai;

Di sini jiwaku tercabik-cabik:

Terpesona oleh nafsu yang kuat,

Aku tinggal di pantai...

Bisa dibilang puisi ini melengkapi masa romantis dalam hidup Pushkin. Itu ditulis oleh seorang pria yang mengetahui bahwa setelah mencapai apa yang disebut kebebasan "fisik", pahlawan romantis tidak menjadi bahagia.

Di hutan, di gurun sunyi

Saya akan mentransfer, penuh dengan Anda,

Batumu, telukmu...

Saat ini, Pushkin sampai pada kesimpulan bahwa kebebasan sejati hanya bisa ada dalam diri seseorang dan hanya itu yang bisa membuatnya benar-benar bahagia.

Varian romantisme Byron hidup dan terasa dalam karyanya yang pertama dalam budaya Rusia Pushkin, kemudian Lermontov. Pushkin memiliki bakat untuk memperhatikan orang, namun puisi romantis paling romantis dalam karya penyair besar dan penulis prosa tidak diragukan lagi adalah The Fountain of Bakhchisarai.

Puisi "The Fountain of Bakhchisaray" masih melanjutkan pencarian Pushkin dalam genre puisi romantis. Dan pasti kematian penulis besar Rusia mencegah hal ini.

Tema romantis dalam karya Pushkin mendapat dua pilihan berbeda: ada pahlawan romantis heroik ("tawanan", "perampok", "buronan"), dibedakan oleh kemauan yang kuat, yang menjalani ujian kejam dari nafsu kekerasan, dan ada seorang pahlawan yang menderita yang pengalaman emosionalnya yang halus tidak sesuai dengan kekejaman dunia luar ("pengasingan", "tahanan"). Awal pasif dalam karakter romantis kini memperoleh kedok feminin di Pushkin. Air Mancur Bakhchisaray justru mengembangkan aspek pahlawan romantis ini.

Dalam "Prisoner of the Caucasus" semua perhatian diberikan pada "tahanan" dan sangat sedikit pada "Circassian", sekarang sebaliknya - Khan Girey tidak lebih dari sosok yang tidak dramatis, dan memang karakter utamanya adalah seorang wanita, bahkan dua - Zarema dan Maria. Solusi untuk dualitas pahlawan yang ditemukan dalam puisi sebelumnya (melalui gambar saudara yang dirantai) juga digunakan oleh Pushkin di sini: permulaan pasif digambarkan di hadapan dua karakter - Zarema yang cemburu dan penuh cinta dan yang sedih , kehilangan harapan dan cinta Mary. Keduanya adalah dua nafsu yang saling bertentangan yang bersifat romantis: kekecewaan, keputusasaan, keputusasaan dan pada saat yang sama semangat spiritual, intensitas perasaan; kontradiksi diselesaikan secara tragis dalam puisi itu - kematian Maria juga tidak membawa kebahagiaan bagi Zarema, karena mereka dihubungkan oleh ikatan misterius. Jadi dalam The Robber Brothers, kematian salah satu bersaudara selamanya membayangi kehidupan saudara lainnya.

Namun, B.V. Tomashevsky dengan tepat mencatat, "isolasi liris puisi itu juga menentukan beberapa kekurangan konten ... Kemenangan moral atas Zarema tidak mengarah pada kesimpulan dan refleksi lebih lanjut ... "Tawanan Kaukasus" memiliki kelanjutan yang jelas dalam Karya Pushkin: baik Aleko maupun Eugene Onegin mengizinkan ... pertanyaan yang diajukan dalam puisi selatan pertama. "Air Mancur Bakhchisarai" tidak memiliki kelanjutan seperti itu ... "

Pushkin meraba-raba dan mengidentifikasi titik paling rentan dalam posisi romantis seseorang: dia menginginkan segalanya hanya untuk dirinya sendiri.

Puisi Lermontov "Mtsyri" juga tidak sepenuhnya mencerminkan ciri khas romantisme.

Ada dua pahlawan romantisme dalam puisi ini, oleh karena itu, jika ini adalah puisi romantis, maka sangat aneh: pertama, pahlawan kedua disampaikan oleh pengarang melalui sebuah prasasti; kedua, penulis tidak berhubungan dengan Mtsyri, sang pahlawan memecahkan masalah keinginan sendiri dengan caranya sendiri, dan Lermontov di sepanjang puisi hanya berpikir untuk memecahkan masalah ini. Dia tidak menilai pahlawannya, tetapi dia juga tidak membenarkannya, tetapi dia mengambil posisi tertentu - pengertian. Romantisme dalam budaya Rusia ternyata menjelma menjadi refleksi. Ternyata romantisme dari segi realisme.

Dapat dikatakan bahwa Pushkin dan Lermontov tidak berhasil menjadi romantis (meskipun Lermontov pernah berhasil mematuhi hukum romantis - dalam drama 'Masquerade'). Melalui eksperimen mereka, para penyair menunjukkan bahwa di Inggris posisi individualis bisa berbuah, tetapi tidak di Rusia. Meskipun Pushkin dan Lermontov gagal menjadi romantisme, mereka membuka jalan bagi perkembangan realisme. Pada tahun 1825, karya realistis pertama diterbitkan: "Boris Godunov", lalu "The Captain's Daughter", "Eugene Onegin", "A Hero of Our Time" dan banyak lainnya.

b) Lukisan

Dalam seni visual, romantisme memanifestasikan dirinya paling jelas dalam lukisan dan grafik, kurang ekspresif dalam seni pahat dan arsitektur. Pelukis romantis Rusia adalah perwakilan romantisme terkemuka dalam seni visual. Dalam kanvasnya mereka mengungkapkan semangat cinta kebebasan, aksi aktif, dengan penuh semangat dan temperamental mengimbau manifestasi humanisme. Kanvas sehari-hari pelukis Rusia dibedakan oleh relevansi dan psikologi, ekspresi yang belum pernah terjadi sebelumnya. Lanskap yang spiritual dan melankolis sekali lagi merupakan upaya romantisme yang sama untuk menembus dunia manusia, untuk menunjukkan bagaimana seseorang hidup dan bermimpi di dunia sublunar. Lukisan romantis Rusia berbeda dari lukisan asing. Ini ditentukan oleh situasi sejarah dan tradisi.

Fitur lukisan romantis Rusia:

Ideologi pencerahan melemah tetapi tidak runtuh, seperti di Eropa. Karena itu, romantisme tidak diucapkan.

Romantisme berkembang secara paralel dengan klasisisme, seringkali terjalin dengannya.

Lukisan akademis di Rusia belum habis dengan sendirinya.

Romantisme di Rusia bukanlah fenomena yang stabil, romantisme tertarik pada akademisisme. Pada pertengahan abad XIX. tradisi romantis hampir mati.

Karya-karya yang berkaitan dengan romantisme mulai muncul di Rusia pada tahun 1790-an (karya Feodosy Yanenko "Travelers Caught in a Storm" (1796), "Self-Portrait in a Helmet" (1792). Prototipe terlihat jelas di dalamnya - Salvator Rosa, sangat populer pada pergantian abad ke-18 dan 19. Belakangan, pengaruh seniman proto-romantis ini akan terlihat dalam karya Alexander Orlovsky. Perampok, adegan api unggun, pertempuran mengiringi seluruh kariernya. Seperti di negara lain , seniman yang tergabung dalam romantisme Rusia memperkenalkan potret, lanskap, dan pemandangan bergenre suasana emosional yang sama sekali baru.

Di Rusia, romantisme mulai terwujud pertama kali di lukisan potret. Pada sepertiga pertama abad ke-19, sebagian besar, dia kehilangan kontak dengan aristokrasi berpangkat tinggi. Tempat penting mulai ditempati oleh potret penyair, seniman, pelindung seni, citra petani biasa. Tren ini secara khusus diucapkan dalam karya O.A. Kiprensky (1782 - 1836) dan V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Vasily Andreevich Tropinin berjuang untuk karakterisasi seseorang yang hidup dan santai, yang diekspresikan melalui potretnya. Potret seorang putra (1818), "Potret A.S. Pushkin" (1827), "Potret Diri" (1846) memukau bukan dengan potret yang mirip dengan aslinya, tetapi dengan penetrasi halus yang tidak biasa ke dunia batin seseorang.

Potret seorang putra- Arsenia Tropinina adalah salah satu yang terbaik dalam karya masternya. Indah, warna emas lembut mengingatkan pada lukisan valerie abad XVIII. Namun, dibandingkan dengan tipikal potret anak-anak dalam romantisme abad ke-18. di sini desain yang tidak memihak sangat mencolok - anak ini berpose sangat kecil. Pandangan Arseny meluncur melewati penonton, dia berpakaian santai, gerbangnya seolah-olah tidak sengaja dibuka. Kurangnya keterwakilan terletak pada fragmentasi komposisi yang luar biasa: kepala memenuhi hampir seluruh permukaan kanvas, gambar terpotong sampai ke tulang selangka, dan dengan demikian wajah anak laki-laki itu secara otomatis digerakkan ke arah penonton.

Sejarah penciptaan yang luar biasa menarik "Potret Pushkin". Seperti biasa, untuk kenalan pertama dengan Pushkin, Tropinin datang ke rumah Sobolevsky di taman bermain anjing, tempat tinggal penyair itu. Seniman itu menemukannya di kantornya sedang mengutak-atik anak anjing. Pada saat yang sama, tampaknya, itu ditulis menurut kesan pertama, yang sangat dihargai Tropinin, sebuah penelitian kecil. Untuk waktu yang lama dia tidak terlihat oleh para pengejarnya. Hampir seratus tahun kemudian, pada tahun 1914, diterbitkan oleh P.M. Shchekotov, yang menulis bahwa dari semua potret Alexander Sergeevich, dia “paling menyampaikan fitur-fiturnya ... mata biru penyair dipenuhi dengan kecemerlangan khusus di sini, pergantian kepala cepat, dan fitur wajah ekspresif dan mobile . Tidak diragukan lagi, di sini terekam ciri-ciri sebenarnya dari wajah Pushkin, yang secara individu kita temui di salah satu potret yang sampai kepada kita. Masih bingung,” tambah Shchekotov, “mengapa sketsa menawan ini tidak mendapat perhatian yang semestinya dari penerbit dan penikmat penyair.” Hal ini dijelaskan oleh kualitas sketsa kecil itu sendiri: tidak ada kecemerlangan warna, atau keindahan sapuan kuas, atau "bundaran" yang ditulis dengan ahli di dalamnya. Dan Pushkin di sini bukanlah "vitia" yang populer, bukan "jenius", tetapi, di atas segalanya, seorang pria. Dan hampir tidak dapat menerima analisis mengapa konten manusia yang begitu hebat terkandung dalam skala hijau keabu-abuan monokromatik, dalam skala zaitun yang terburu-buru, seolah-olah sapuan acak dari etude yang tampak hampir tidak mencolok. Mengenang seumur hidup dan potret Pushkin berikutnya, penelitian ini, dalam hal kekuatan kemanusiaan, hanya dapat ditempatkan di sebelah sosok Pushkin, yang dipahat oleh pematung Soviet A. Matveev. Tapi ini bukanlah tugas yang Tropinin tentukan sendiri, ini bukanlah jenis Pushkin yang ingin dilihat temannya, meskipun dia memerintahkan untuk memerankan penyair dalam bentuk yang sederhana dan sederhana.

Dalam penilaian artis, Pushkin adalah "penyair tsar". Tapi dia juga seorang penyair rakyat, dia miliknya sendiri dan dekat dengan semua orang. "Kemiripan potret dengan aslinya sangat mencolok," tulis Polevoy di bagian akhir, meskipun ia mencatat kurangnya "kecepatan penglihatan" dan "ekspresi wajah yang hidup", yang mengubah dan menghidupkan kembali Pushkin dengan setiap kesan baru. .

Dalam potret, semuanya dipikirkan dan diverifikasi hingga detail terkecil, dan pada saat yang sama tidak ada yang disengaja, tidak ada yang diperkenalkan oleh senimannya. Bahkan cincin yang menghiasi jari penyair disorot sedemikian rupa sehingga Pushkin sendiri menganggapnya penting dalam hidup. Di antara wahyu Tropinin yang indah, potret Pushkin memukau dengan kemerduan jangkauannya.

Romantisme Tropinin dengan jelas mengungkapkan asal-usul sentimentalistik. Tropinin-lah yang menjadi pendiri genre, potret yang agak diidealkan tentang seorang pria dari rakyat ("The Lacemaker" (1823)). “Baik penikmat maupun bukan penikmat,” tulis Svinin tentang "Pembuat Lace" -- datang ke kekaguman ketika melihat gambar ini, yang benar-benar menghubungkan semua keindahan seni bergambar: kesenangan kuas, pencahayaan yang tepat, bahagia, warnanya jernih, alami, apalagi, potret ini mengungkapkan jiwa keindahan dan itu pandangan licik keingintahuan yang dia lemparkan pada seseorang yang masuk pada saat itu. Lengannya, telanjang di siku, berhenti dengan pandangannya, pekerjaan berhenti, desahan keluar dari payudara perawan, ditutupi dengan syal muslin - dan semua ini digambarkan dengan kebenaran dan kesederhanaan sehingga gambar ini dapat dengan mudah salah. untuk karya tersukses dari Impian yang mulia. Barang-barang sekunder, seperti bantal renda dan handuk, disusun dengan karya seni yang hebat dan dikerjakan dengan finalitas ... ”

Pada awal abad ke-19, Tver merupakan pusat budaya penting Rusia. Semua orang terkemuka Moskow telah berada di sini untuk malam sastra. Di sini, Orest Kiprensky muda bertemu A.S. Pushkin, yang potretnya, dilukis kemudian, menjadi mutiara seni potret dunia, dan A.S. Pushkin akan mendedikasikan puisi untuknya, di mana dia akan memanggilnya "favorit mode bersayap ringan". Potret Pushkin sikat O. Kiprensky adalah personifikasi hidup dari seorang jenius puitis. Dalam pergantian kepala yang tegas, dengan lengan disilangkan dengan penuh semangat di dada, seluruh penampilan penyair mengungkapkan rasa kemandirian dan kebebasan. Tentang dia itulah Pushkin berkata: "Saya melihat diri saya seperti di cermin, tetapi cermin ini menyanjung saya." Dalam karya potret Pushkin, Tropinin dan Kiprensky bertemu untuk terakhir kalinya, meskipun pertemuan ini tidak terjadi secara pribadi, tetapi bertahun-tahun kemudian dalam sejarah seni, di mana, sebagai aturan, dua potret penyair Rusia terbesar dibandingkan, dibuat secara bersamaan, tetapi di tempat yang berbeda - satu di Moskow. Lain di St. Petersburg. Sekarang ini adalah pertemuan para master yang sama pentingnya bagi seni Rusia. Meskipun pengagum Kiprensky mengklaim bahwa keunggulan artistik ada di sisi potret romantisnya, di mana penyair disajikan tenggelam dalam pikirannya sendiri, sendirian dengan muse, kebangsaan dan demokrasi gambar pasti ada di sisi Tropininsky's Pushkin.

Jadi, kedua potret tersebut mencerminkan dua bidang seni Rusia, yang terkonsentrasi di dua ibu kota. Dan kritikus selanjutnya akan menulis bahwa Tropinin untuk Moskow sama seperti Kiprensky untuk St.

Ciri khas dari potret Kiprensky adalah bahwa potret tersebut menunjukkan pesona spiritual dan kemuliaan batin seseorang. Potret seorang pahlawan, pemberani dan berperasaan kuat, seharusnya mewujudkan kesedihan dari suasana hati yang mencintai kebebasan dan patriotik dari orang Rusia yang maju.

di depan “Potret E.V. Davydov”(1809) menunjukkan sosok seorang perwira yang secara langsung mewujudkan ekspresi kultus kepribadian yang kuat dan berani, yang begitu khas untuk romantisme tahun-tahun itu. Pemandangan yang ditampilkan secara terpisah, di mana seberkas cahaya bergumul dengan kegelapan, mengisyaratkan kecemasan spiritual sang pahlawan, tetapi di wajahnya ada pantulan kepekaan yang melamun. Kiprensky sedang mencari "manusia" dalam diri seseorang, dan cita-cita tidak mengaburkan ciri-ciri pribadi dari karakter model darinya.

Potret Kiprensky, jika Anda melihatnya dengan mata pikiran, menunjukkan kekayaan spiritual dan alami seseorang, kekuatan intelektualnya. Ya, dia memiliki cita-cita kepribadian yang harmonis, seperti yang dibicarakan oleh orang-orang sezamannya, tetapi Kiprensky tidak berusaha untuk benar-benar memproyeksikan cita-cita ini ke dalam citra artistik. Dalam menciptakan citra artistik, ia berangkat dari alam, seolah-olah mengukur seberapa jauh atau dekat dengan cita-cita tersebut. Nyatanya, banyak dari mereka yang digambarkan olehnya menjelang cita-cita, diarahkan ke arahnya, sedangkan cita-cita itu sendiri, menurut gagasan estetika romantisme, hampir tidak dapat dicapai, dan semua seni romantisme hanyalah jalan menuju itu.

Memperhatikan kontradiksi dalam jiwa para pahlawannya, menunjukkannya pada saat-saat cemas dalam hidup, ketika nasib berubah, ide-ide lama runtuh, masa muda pergi, dll., Kiprensky tampaknya mengalami bersama modelnya. Karenanya keterlibatan khusus pelukis potret dalam interpretasi gambar artistik, yang memberikan sentuhan intim pada potret tersebut.

Di masa awal kreativitas di Kiprensky Anda tidak akan melihat wajah-wajah yang terinfeksi skeptisisme, analisis yang menggerogoti jiwa. Ini akan datang nanti, ketika waktu romantis akan bertahan pada musim gugurnya, digantikan oleh suasana hati dan perasaan lain, ketika harapan akan kemenangan cita-cita kepribadian yang harmonis runtuh. Dalam semua potret tahun 1800-an dan potret yang dieksekusi di Tver, Kiprensky menunjukkan kuas yang tebal, dengan mudah dan bebas membangun sebuah bentuk. Kompleksitas teknik, sifat sosok berubah dari pekerjaan ke pekerjaan.

Patut dicatat bahwa Anda tidak akan melihat kegembiraan heroik di wajah para pahlawannya, sebaliknya, sebagian besar wajah agak sedih, mereka menikmati refleksi. Tampaknya orang-orang ini mengkhawatirkan nasib Rusia, mereka lebih memikirkan masa depan daripada masa kini. Dalam gambar perempuan yang mewakili istri, saudara perempuan dari peserta dalam acara penting, Kiprensky juga tidak berusaha untuk kegembiraan heroik yang disengaja. Perasaan nyaman, kealamian menang. Pada saat yang sama, di semua potret ada begitu banyak kemuliaan jiwa yang sejati. Citra wanita menarik dengan martabatnya yang sederhana, integritas alam; di wajah laki-laki orang bisa menebak pemikiran ingin tahu, kesiapan untuk asketisme. Gambar-gambar ini bertepatan dengan ide-ide etika dan estetika Desembris yang semakin matang. Pikiran dan aspirasi mereka kemudian dibagikan oleh banyak orang (penciptaan perkumpulan rahasia dengan program sosial dan politik tertentu jatuh pada periode 1816-1821), seniman mengetahui tentang mereka, dan oleh karena itu dapat dikatakan bahwa potretnya tentang peserta dalam peristiwa 1812-1814, gambar petani , dibuat pada tahun yang sama - semacam kesejajaran artistik dengan konsep Desembrisme yang muncul.

Segel cerah dari cita-cita romantis ditandai "Potret V.A. Zhukovsky"(1816). Seniman, yang membuat potret yang ditugaskan oleh S.S. Uvarov, memutuskan untuk menunjukkan kepada orang-orang sezamannya tidak hanya citra penyair, yang terkenal di kalangan sastra, tetapi juga untuk menunjukkan pemahaman tertentu tentang kepribadian penyair romantis. Di hadapan kami adalah tipe penyair yang mengungkapkan tren romantisme Rusia yang filosofis dan melamun. Kiprensky memperkenalkan Zhukovsky pada saat inspirasi kreatif. Angin telah mengacak-acak rambut sang penyair, pohon-pohon berguguran di dahan-dahannya di malam hari, reruntuhan bangunan kuno nyaris tak terlihat. Beginilah seharusnya pencipta balada romantis. Warna gelap memperburuk suasana misterius. Atas saran Uvarov, Kiprensky tidak menyelesaikan lukisan fragmen individu dari potret tersebut, sehingga "kelengkapan yang berlebihan" tidak memadamkan semangat, temperamen, dan emosi.

Banyak potret yang dilukis oleh Kiprensky di Tver. Selain itu, ketika dia melukis Ivan Petrovich Vulf, seorang pemilik tanah dari Tver, dia memandang dengan emosi pada gadis yang berdiri di depannya, cucunya, calon Anna Petrovna Kern, yang kepadanya salah satu karya lirik paling menawan dipersembahkan - A.S. puisi “Aku ingat saat yang indah... Asosiasi penyair, seniman, musisi seperti itu menjadi manifestasi dari tren baru dalam seni - romantisme.

"Young Gardener" (1817) oleh Kiprensky, "Italian Noon" (1827) oleh Bryullov, "Reapers" atau "Reaper" (1820-an) oleh Venetsianov adalah karya dari seri tipologi yang sama. Mereka berfokus pada alam dan ditulis dengan jelas menggunakan itu Namun, tugas masing-masing seniman - untuk mewujudkan kesempurnaan estetika alam sederhana - mengarah pada idealisasi penampilan, pakaian, situasi tertentu demi menciptakan gambar-metafora.Mencermati kehidupan, alam, seniman memikirkannya kembali , puitis yang terlihat Dalam kombinasi alam dan imajinasi yang secara kualitatif baru ini dengan pengalaman para master kuno dan Renaisans, memunculkan gambar-gambar yang tidak dikenal seni sebelumnya, dan merupakan salah satu ciri romantisme di paruh pertama abad ke-19. Sifat metaforis, yang umumnya menjadi ciri khas karya-karya Venetsianov dan Bryullov ini, adalah salah satu ciri terpenting romantisme ketika seniman Rusia masih kurang mengenal potret romantisme Eropa Barat . "Potret seorang ayah (A. K. Schwalbe)"(1804) ditulis oleh Orest Kiprensky seni dan khususnya genre potret.

Pencapaian paling signifikan dari romantisme Rusia adalah karya dalam genre potret. Contoh Romantisisme yang paling cemerlang dan terbaik adalah dari periode awal. Jauh sebelum perjalanannya ke Italia, pada tahun 1816, Kiprensky, yang dalam hati siap untuk inkarnasi romantis, melihat dengan mata baru lukisan para empu tua. Warna-warna gelap, sosok-sosok yang disorot oleh cahaya, warna-warna membara, dramaturgi yang intens berdampak kuat padanya. "Potret Seorang Ayah" tidak diragukan lagi dibuat di bawah kesan Rembrandt. Tetapi seniman Rusia hanya mengambil teknik eksternal dari orang Belanda yang hebat itu. "Portrait of a Father" adalah karya yang benar-benar mandiri, memiliki energi internal dan kekuatan ekspresi artistiknya sendiri. Ciri khas potret lanskap adalah keaktifan penampilannya. Tidak ada gambar di sini - transfer seketika dari apa yang dilihatnya ke kertas menciptakan kesegaran ekspresi grafis yang unik. Oleh karena itu, orang-orang yang digambarkan dalam gambar tersebut tampak dekat dan dapat dimengerti oleh kami.

Orang asing menyebut Kiprensky the Russian Van Dyck, potretnya ada di banyak museum di seluruh dunia. Penerus karya Levitsky dan Borovikovsky, pendahulu L. Ivanov dan K. Bryullov, Kiprensky, dengan karyanya, membuat sekolah seni Rusia terkenal di Eropa. Dalam kata-kata Alexander Ivanov, "dia adalah orang pertama yang membawa nama Rusia ke Eropa ...".

Meningkatnya minat pada kepribadian seseorang, ciri khas romantisme, telah menentukan mekarnya genre potret pada paruh pertama abad ke-19, di mana potret diri menjadi fitur yang dominan. Biasanya, pembuatan potret diri bukanlah episode acak. Seniman berulang kali menulis dan menggambar diri mereka sendiri, dan karya-karya ini menjadi semacam buku harian yang mencerminkan berbagai keadaan pikiran dan tahapan kehidupan, dan pada saat yang sama menjadi manifesto yang ditujukan kepada orang-orang sezaman. Potret diri bukan genre khusus, artis menulis untuk dirinya sendiri, dan di sini, lebih dari sebelumnya, dia menjadi bebas dalam ekspresi diri. Pada abad ke-18, seniman Rusia jarang melukis gambar orisinal, hanya romantisme, dengan kultus individu, yang luar biasa, yang berkontribusi pada kebangkitan genre ini. Variasi jenis potret diri mencerminkan persepsi seniman tentang diri mereka sendiri sebagai kepribadian yang kaya dan beragam. Mereka muncul dalam peran pencipta yang biasa dan alami ("Potret diri dalam baret beludru" oleh A. G. Varnek, 1810-an), lalu mereka terjun ke masa lalu, seolah mencobanya sendiri ("Potret diri dengan helm dan baju besi” oleh F. I. Yanenko , 1792), atau, paling sering, muncul tanpa atribut profesional apa pun, menegaskan signifikansi dan harga diri setiap orang, terbebaskan dan terbuka terhadap dunia, mencari dan bergegas, seperti, misalnya, F. A. Bruni dan O. A. Orlovsky dalam potret diri tahun 1810-an. Kesiapan untuk berdialog dan keterbukaan, ciri solusi figuratif karya-karya tahun 1810-1820-an, berangsur-angsur digantikan oleh kelelahan dan kekecewaan, pencelupan, penarikan diri ("Potret diri" oleh M. I. Terebenev). Kecenderungan ini tercermin dalam perkembangan genre potret secara keseluruhan.

Potret diri Kiprensky muncul, yang patut dicatat, di saat-saat kritis kehidupan, mereka bersaksi tentang naik turunnya kekuatan mental. Melalui karya seninya, seniman memandang dirinya sendiri. Namun, dia tidak menggunakan, seperti kebanyakan pelukis, cermin; dia melukis dirinya sendiri terutama menurut idenya, dia ingin mengekspresikan semangatnya, tetapi bukan penampilannya.

“Potret diri dengan kuas di belakang telinga” dibangun di atas penolakan, dan yang jelas-jelas demonstratif, dalam pemuliaan eksternal citra, normativitas klasiknya, dan konstruksi idealnya. Fitur wajah diuraikan kira-kira, secara umum. Lampu samping jatuh di wajah, hanya menyoroti fitur samping. Pantulan cahaya yang terpisah jatuh pada sosok seniman, padam pada tirai yang nyaris tak terlihat, yang mewakili latar belakang potret tersebut. Segala sesuatu di sini tunduk pada ekspresi kehidupan, perasaan, suasana hati. Ini adalah melihat seni romantisme melalui seni potret diri. Keterlibatan seniman dalam rahasia kreativitas diekspresikan dalam "sfumato abad ke-19" romantisme misterius. Nada kehijauan yang khas menciptakan suasana khusus dunia artistik, yang di tengahnya adalah seniman itu sendiri.

Hampir bersamaan dengan potret diri ini, dan tertulis “Potret diri dengan syal merah muda”, di mana gambar lain diwujudkan. Tanpa indikasi langsung dari profesi seorang pelukis. Citra seorang pemuda diciptakan kembali, merasa nyaman, alami, bebas. Permukaan bergambar kanvas dibangun dengan halus. Kuas artis dengan percaya diri mengoleskan cat. Meninggalkan goresan besar dan kecil. Pewarnaan dikembangkan dengan luar biasa, warnanya tidak cerah, mereka berpadu secara harmonis satu sama lain, pencahayaannya tenang: cahaya dengan lembut mengalir ke wajah pemuda itu, menguraikan fitur-fiturnya, tanpa ekspresi dan deformasi yang tidak perlu.

Pelukis luar biasa lainnya adalah Venetsianov. Pada tahun 1811 ia menerima gelar akademisi dari Akademi, ditunjuk untuk "Potret Diri" dan "Potret K.I. Golovachevsky dengan tiga murid Akademi Seni." Ini adalah karya yang luar biasa.

Venetsianov menyatakan dirinya sebagai ahli sejati "Potret diri" 1811. Itu ditulis berbeda dari seniman lain yang melukis diri mereka sendiri pada waktu itu - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek dan bahkan budak V. Tropinin. Mereka semua biasa membayangkan diri mereka dalam lingkaran cahaya romantis, potret diri mereka adalah semacam konfrontasi puitis dalam kaitannya dengan lingkungan. Eksklusivitas sifat artistik diwujudkan dalam pose, gerak tubuh, dalam kostum yang dikandung secara khusus. Dalam "Potret diri" oleh Venetsianov, para peneliti mencatat, pertama-tama, ekspresi tegas dan intens dari orang yang sibuk ... Efisiensi yang tepat, yang berbeda dari "kelalaian artistik" yang mencolok, yang ditunjukkan dengan gaun rias atau genit menggeser topi artis lain. Venitsianov memandang dirinya sendiri dengan tenang. Seni baginya bukanlah dorongan yang diilhami, tetapi di atas segalanya hal yang membutuhkan konsentrasi dan perhatian. Berukuran kecil, hampir monokrom dalam pewarnaan nada zaitunnya, ditulis dengan sangat akurat, sederhana dan kompleks pada saat bersamaan. Tidak tertarik dengan sisi luar lukisan itu, dia berhenti dengan pandangannya. Pelek tipis yang ideal dari bingkai emas tipis kacamata tidak menyembunyikan, tetapi lebih menekankan ketajaman mata yang tajam, tidak terlalu fokus pada alam (seniman menggambarkan dirinya dengan palet dan kuas di tangannya), tetapi dalam kedalaman pikirannya sendiri. Dahi lebar yang besar, sisi kanan wajah, diterangi oleh cahaya langsung, dan bagian depan kemeja putih membentuk segitiga cahaya, pertama-tama menarik perhatian penonton, yang pada saat berikutnya, mengikuti gerakan kanan tangan memegang kuas tipis, meluncur ke bawah ke palet. Untaian rambut bergelombang, bingkai mengkilap, dasi longgar di kerah, garis bahu yang lembut dan, terakhir, setengah lingkaran lebar palet membentuk sistem bergerak dari garis-garis halus dan mengalir, di dalamnya terdapat tiga titik utama. : silau kecil pupil, dan ujung tajam bagian depan kemeja, hampir tertutup dengan palet dan kuas. Perhitungan yang hampir matematis dalam konstruksi komposisi potret memberikan gambaran ketenangan batin sebagian dan memberikan alasan untuk berasumsi bahwa penulis memiliki pikiran analitis, cenderung berpikir ilmiah. Dalam "Potret Diri" tidak ada jejak romantisme yang kemudian begitu sering terjadi dalam penggambaran seniman itu sendiri. Ini adalah potret diri seniman-peneliti, seniman-pemikir, dan pekerja keras.

Pekerjaan lain - potret Golovachevsky- dipahami sebagai semacam komposisi plot: generasi master Akademi yang lebih tua dalam pribadi inspektur tua memberikan instruksi kepada talenta yang berkembang: pelukis (dengan folder gambar. Arsitek dan pematung. Tetapi Venetsianov tidak melakukannya izinkan bahkan bayangan dari kepalsuan atau didaktisisme apa pun dalam gambar ini: lelaki tua yang baik hati Golovachevsky dengan ramah menafsirkan kepada remaja beberapa halaman yang dibaca dalam sebuah buku Ketulusan ekspresi menemukan dukungan dalam struktur gambar yang indah: itu selaras, halus dan indah nada warna-warni menciptakan kesan damai dan keseriusan.Wajah-wajahnya dicat dengan indah, penuh makna batin.Potret itu adalah salah satu pencapaian tertinggi lukisan potret Rusia.

Dan dalam karya Orlovsky tahun 1800-an, karya potret muncul, kebanyakan dalam bentuk gambar. Pada 1809, lembaran potret yang kaya secara emosional seperti "Potret diri". Dieksekusi dengan sapuan sanguin dan arang yang menarik (dengan sorotan kapur), "Potret Diri" Orlovsky menarik dengan integritas artistik, karakterisasi gambar, dan kesenian pertunjukan. Pada saat yang sama, ini memungkinkan seseorang untuk membedakan beberapa aspek aneh dari seni Orlovsky. "Potret diri" Orlovsky, tentu saja, tidak bertujuan untuk mereproduksi secara akurat penampilan khas seniman pada tahun-tahun itu. Sebelum kita - dalam banyak hal disengaja. Penampilan "seniman" yang berlebihan, menentang "aku" -nya sendiri dengan kenyataan di sekitarnya, dia tidak peduli dengan "kesopanan" penampilannya: sisir dan sikat tidak menyentuh rambutnya yang subur, di bahunya ada ujungnya. jas hujan kotak-kotak tepat di atas kemeja rumah dengan kerah terbuka. Pergantian kepala yang tajam dengan tampilan "suram" dari bawah alis yang bergeser, potongan potret yang dekat, di mana wajah digambarkan dari dekat, kontras cahaya - semua ini bertujuan untuk mencapai efek utama penentangan orang yang digambarkan ke lingkungan (dan dengan demikian ke pemirsa).

Kesedihan dalam menegaskan individualitas - salah satu ciri paling progresif dalam seni pada masa itu - membentuk nada ideologis dan emosional utama dari potret tersebut, tetapi muncul dalam aspek aneh yang hampir tidak pernah ditemukan dalam seni Rusia pada masa itu. Penegasan kepribadian tidak begitu banyak dengan mengungkapkan kekayaan dunia batinnya, tetapi dengan cara yang lebih eksternal menolak segala sesuatu yang ada di sekitarnya. Citra pada saat yang sama tentu saja terlihat terkuras, terbatas.

Solusi semacam itu sulit ditemukan dalam seni potret Rusia saat itu, di mana di pertengahan abad ke-18 motif sipil dan humanistik terdengar lantang dan kepribadian seseorang tidak pernah memutuskan ikatan yang kuat dengan lingkungan. Memimpikan tatanan sosial demokratis yang lebih baik, orang-orang terbaik Rusia pada masa itu sama sekali tidak terlepas dari kenyataan, mereka secara sadar menolak kultus individualistis dari "kebebasan pribadi" yang tumbuh subur di tanah Eropa Barat, yang dilonggarkan oleh revolusi borjuis. . Ini jelas terwujud sebagai cerminan faktor nyata dalam seni potret Rusia. Seseorang hanya perlu membandingkan "Potret Diri" Orlovsky dengan yang simultan "Potret diri" Kiprensky (misalnya, 1809), sehingga perbedaan internal yang serius antara kedua pelukis potret itu langsung menarik perhatian.

Kiprensky juga "heroik" kepribadian seseorang, tetapi dia menunjukkan nilai-nilai batinnya yang sebenarnya. Di hadapan artis, penonton membedakan ciri-ciri pikiran yang kuat, karakter, kemurnian moral.

Seluruh penampilan Kiprensky ditutupi dengan kemuliaan dan kemanusiaan yang luar biasa. Dia mampu membedakan antara "baik" dan "jahat" di dunia sekitarnya dan, menolak yang kedua, mencintai dan menghargai yang pertama, mencintai dan menghargai orang yang berpikiran sama. Pada saat yang sama, di hadapan kita, tidak diragukan lagi, individualitas yang kuat, bangga dengan kesadaran akan nilai kualitas pribadinya. Konsep gambar potret yang persis sama mendasari potret heroik terkenal D. Davydov oleh Kiprensky.

Orlovsky, dibandingkan dengan Kiprensky, serta beberapa pelukis potret Rusia lainnya pada masa itu, secara lebih terbatas, lebih lugas, dan lahiriah menyelesaikan citra "kepribadian yang kuat", sambil dengan jelas berfokus pada seni Prancis borjuis. Saat Anda melihat "Potret Diri" -nya, potret A.Gro, Gericault tanpa sadar muncul di benak Anda. Profil Orlovsky "Potret diri" tahun 1810, dengan kultus "kekuatan batin" individualistisnya, bagaimanapun, sudah kehilangan bentuk "sketsa" tajam dari "Potret diri" tahun 1809 atau "Potret Duport". Dalam yang terakhir, Orlovsky, seperti dalam Potret Diri, menggunakan pose "heroik" yang spektakuler dengan gerakan kepala dan bahu yang tajam dan hampir berselang-seling. Ia menekankan struktur wajah Duport yang tidak beraturan, rambutnya yang acak-acakan, dengan tujuan untuk menciptakan gambar potret yang mandiri dalam karakternya yang unik dan acak.

"Lanskap harus menjadi potret," tulis K. N. Batyushkov. Sebagian besar seniman yang beralih ke genre tersebut menganut setting ini dalam karya mereka. lanskap. Di antara pengecualian yang jelas, yang mengarah ke lanskap yang fantastis, adalah A. O. Orlovsky ("Pemandangan Laut", 1809); A. G. Varnek ("Pemandangan di sekitar Roma", 1809); P. V. Basin ("Langit Saat Matahari Terbenam di Pinggiran Roma", "Pemandangan Malam", keduanya - tahun 1820-an). Menciptakan jenis tertentu, mereka mempertahankan kesegeraan sensasi, kekayaan emosional, mencapai suara monumental dengan teknik komposisi.

Orlrovsky muda melihat di alam hanya kekuatan raksasa, tidak tunduk pada keinginan manusia, yang mampu menyebabkan malapetaka, bencana. Perjuangan seorang pria dengan elemen laut yang mengamuk adalah salah satu tema favorit artis di masa romantisnya yang "memberontak". Itu menjadi isi dari gambar, cat air, dan lukisan minyaknya tahun 1809-1810. Adegan tragis ditampilkan dalam gambar "Kecelakaan kapal"(1809(?)). Dalam kegelapan pekat yang telah jatuh ke tanah, di antara amukan ombak, para nelayan yang tenggelam dengan panik memanjat bebatuan pantai tempat kapal mereka jatuh. Dipertahankan dalam nada merah yang parah, warna tersebut meningkatkan perasaan cemas. Mengerikan adalah serangan ombak yang dahsyat, pertanda badai, dan di gambar lain - “Di tepi laut”(1809). Itu juga memainkan peran emosional yang sangat besar di langit badai, yang menempati sebagian besar komposisi. Meskipun Orlovsky tidak menguasai seni perspektif udara, transisi rencana secara bertahap diselesaikan di sini dengan lebih harmonis dan lembut. Warnanya menjadi lebih terang. Bermain indah dengan latar belakang coklat kemerahan, bintik-bintik merah pada pakaian para nelayan. Elemen laut gelisah dan cemas dalam cat air "Perahu layar"(c.1812). Dan meski angin tidak mengguncang layar dan tidak membuat riak permukaan air, seperti pada cat air “Pemandangan laut dengan kapal”(c. 1810), penonton tidak meninggalkan firasat bahwa badai akan mengikuti ketenangan.

Dengan semua drama dan emosi perasaan, bentang laut Orlovsky bukanlah buah dari pengamatannya terhadap fenomena atmosfer, tetapi hasil dari peniruan langsung seni klasik. Secara khusus, J. Vernet.

Bentang alam S. F. Shchedrin memiliki karakter yang berbeda. Mereka dipenuhi dengan keharmonisan koeksistensi manusia dan alam ("Teras di tepi pantai. Cappuccini dekat Sorrento", 1827). Banyak pemandangan Napoli dan sekitarnya kuasnya menikmati kesuksesan dan popularitas yang luar biasa.

Penciptaan citra romantis St. Petersburg dalam lukisan Rusia dikaitkan dengan karya M. N. Vorobyov. Di kanvasnya, kota itu tampak diselimuti kabut St. Petersburg yang misterius, kabut lembut malam putih dan atmosfer yang dipenuhi kelembapan laut, di mana kontur bangunan terhapus, dan sinar bulan melengkapi sakramen. Awal liris yang sama membedakan pandangan lingkungan St. Petersburg yang dilakukan olehnya ("Matahari Terbenam di Pinggiran St. Petersburg", 1832). Tetapi ibu kota utara juga dilihat oleh para seniman dengan nada yang berbeda dan dramatis, sebagai arena benturan dan perebutan unsur-unsur alam (V. E. Raev, Kolom Alexander selama Badai Petir, 1834).

Lukisan brilian I. K. Aivazovsky dengan gamblang mewujudkan cita-cita romantisme yang memabukkan dengan perjuangan dan kekuatan kekuatan alam, stamina jiwa manusia, dan kemampuan berjuang sampai akhir. Namun demikian, tempat besar dalam warisan master ditempati oleh pemandangan laut malam yang didedikasikan untuk tempat-tempat tertentu di mana badai memberi jalan bagi keajaiban malam, waktu yang, menurut pandangan romantisme, diisi dengan kehidupan batin yang misterius, dan di mana pencarian gambar artis diarahkan untuk mengekstraksi efek pencahayaan yang luar biasa ( "Pemandangan Odessa di malam bulan purnama", "Pemandangan Konstantinopel di bawah sinar bulan", keduanya - 1846).

Tema elemen alam dan manusia yang terkejut, tema favorit seni romantis, ditafsirkan secara berbeda oleh seniman tahun 1800-1850-an. Karya-karya tersebut didasarkan pada peristiwa nyata, tetapi makna dari gambar tersebut tidak dalam penceritaan kembali secara objektif. Contoh tipikal adalah lukisan karya Pyotr Basin "Gempa bumi di Rocca di Papa dekat Roma"(1830). Ini dikhususkan bukan untuk mendeskripsikan peristiwa tertentu melainkan untuk menggambarkan ketakutan dan kengerian seseorang yang dihadapkan pada manifestasi elemen.

Tokoh-tokoh lukisan Rusia pada era ini adalah K.P. Bryullov (1799-1852) dan A.A. Ivanov (1806 - 1858). Pelukis dan juru gambar Rusia K.P. Bryullov, saat masih menjadi mahasiswa Akademi Seni, menguasai keterampilan menggambar yang tiada tara. Karya Bryullov biasanya dibagi menjadi sebelum "Hari Terakhir Pompeii" dan sesudahnya. Apa yang diciptakan sebelumnya ....?!

"Italian Morning" (1823), "Ermilia with the Shepherds" (1824) berdasarkan puisi karya Torquatto Tasso "The Liberation of Jerusalem", "Italian Noon" ("Italian Woman Harvesting Grapes", 1827), "Horsewoman" ( 1830), "Batsyeba" (1832) - semua lukisan ini dijiwai dengan kegembiraan hidup yang cerah dan tak terselubung. Karya-karya semacam itu selaras dengan puisi-puisi epikurean awal Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. Cara lama, berdasarkan peniruan dari para guru besar, tidak memuaskan Bryullov, dan dia menulis "Pagi Italia", "Siang Italia", "Batsyeba" di udara terbuka.

Saat mengerjakan potret, Bryullov hanya melukis kepala dari kehidupan. Segala sesuatu yang lain sering kali ditentukan oleh imajinasinya. Buah dari improvisasi kreatif bebas seperti itu adalah "Pengendara". Hal utama dalam potret tersebut adalah kontras dari hewan yang memanas dan melonjak dengan lubang hidung bengkak dan mata berbinar dan penunggang kuda wanita yang anggun dengan tenang menahan energi hiruk pikuk seekor kuda (menjinakkan hewan adalah tema favorit pematung klasik, Bryullov memecahkannya dalam lukisan) .

DI DALAM "Batsyeba" sang seniman menggunakan cerita alkitabiah sebagai dalih untuk memperlihatkan tubuh telanjang di udara terbuka dan menyampaikan permainan cahaya dan refleks pada kulit yang cerah. Dalam "Batsyeba" dia menciptakan citra seorang wanita muda, penuh kegembiraan dan kebahagiaan. Tubuh telanjang bersinar dan bersinar dikelilingi oleh tanaman zaitun, pakaian ceri, reservoir transparan. Bentuk tubuh yang lembut dan elastis dipadukan dengan indah dengan kain pemutih dan warna cokelat dari wanita Arab yang melayani Batsyeba. Garis tubuh yang mengalir, kolam, dan kain memberikan komposisi gambar ritme yang halus.

Lukisan telah menjadi kata baru dalam seni lukis "Hari terakhir Pompeii"(1827-1833). Dia menjadikan nama artis itu abadi dan sangat terkenal selama hidupnya.

Plotnya, tampaknya, dipilih di bawah pengaruh saudaranya Alexander, yang secara intensif mempelajari reruntuhan Pompeian. Tapi alasan untuk menulis gambarnya lebih dalam. Gogol memperhatikan hal ini, dan Herzen mengatakan secara langsung bahwa di Hari Terakhir Pompeii mereka menemukan tempat mereka, mungkin, refleksi pikiran dan perasaan seniman yang tidak disadari, yang disebabkan oleh kekalahan pemberontakan Desembris di Rusia. Bukan tanpa alasan, di antara para korban elemen amukan di Pompeii yang sekarat, Bryullov menempatkan potret dirinya dan memberikan ciri-ciri kenalan Rusia-nya kepada karakter lain dalam gambar tersebut.

Rombongan Italia Bryullov juga berperan, yang dapat memberitahunya tentang badai revolusioner yang melanda tanah Italia pada tahun-tahun sebelumnya, tentang nasib menyedihkan Carbonari selama tahun-tahun reaksi.

Gambaran megah kematian Pompeii dijiwai dengan semangat historisisme, hal itu menunjukkan perubahan dari satu era sejarah ke era lainnya, penindasan terhadap paganisme kuno dan permulaan iman Kristen yang baru.

Seniman memandang perjalanan sejarah secara dramatis, perubahan zaman sebagai kejutan bagi umat manusia. Di tengah komposisi, seorang wanita yang jatuh dari kereta dan hancur sampai mati, tampaknya, melambangkan kematian dunia kuno. Namun di dekat tubuh sang ibu, sang artis meletakkan bayi yang masih hidup. Menggambarkan anak-anak dan orang tua, seorang pemuda dan seorang ibu tua, anak laki-laki dan seorang ayah jompo, sang seniman menunjukkan generasi tua memudar ke dalam sejarah dan generasi baru datang menggantikan mereka. Kelahiran era baru di atas reruntuhan dunia lama yang runtuh adalah tema sebenarnya dari lukisan Bryullov. Apa pun perubahan yang dibawa sejarah, keberadaan umat manusia tidak berhenti, dan kehausannya akan kehidupan tetap tidak memudar. Ini adalah ide utama di balik The Last Day of Pompeii. Gambar ini adalah himne keindahan umat manusia, yang tetap abadi dalam semua siklus sejarah.

Kanvas tersebut dipamerkan pada tahun 1833 di Pameran Seni Milan, yang menimbulkan banyak tanggapan yang antusias. Italia yang lapuk ditaklukkan. Murid Bryullov G. G. Gagarin bersaksi: “Pekerjaan hebat ini membangkitkan antusiasme yang tak terbatas di Italia. Kota-kota tempat lukisan itu dipamerkan mengatur resepsi khusyuk untuk senimannya, puisi dipersembahkan untuknya, dia dibawa ke jalan-jalan dengan musik, bunga dan obor ... Di mana-mana dia diterima dengan hormat sebagai seorang jenius yang terkenal dan berjaya, dimengerti dan dihargai oleh semua orang.

Penulis Inggris Walter Scott (perwakilan sastra romantis, terkenal dengan novel sejarahnya) menghabiskan satu jam di studio Bryullov, di mana dia mengatakan bahwa ini bukanlah sebuah gambar, tetapi sebuah puisi utuh. Akademi seni Milan, Florence, Bologna, dan Parma memilih pelukis Rusia sebagai anggota kehormatan mereka.

Kanvas Bryullov menimbulkan tanggapan antusias dari Pushkin dan Gogol.

Vesuvius zev terbuka - asap menyembur dalam nyala api

Dikembangkan secara luas seperti spanduk pertempuran.

Bumi khawatir - dari kolom yang mengejutkan

Berhala jatuh!..

Pushkin menulis di bawah kesan lukisan itu.

Dimulai dengan Bryullov, titik balik dalam sejarah telah menjadi subjek utama lukisan sejarah Rusia, yang menggambarkan pemandangan rakyat yang megah, di mana setiap orang adalah peserta dalam drama sejarah, di mana tidak ada yang utama dan sekunder.

"Pompeii", secara umum, milik klasisisme. Seniman tersebut dengan terampil mengungkap plastisitas tubuh manusia di atas kanvas. Semua gerakan spiritual orang ditransmisikan oleh Bryullov, terutama dalam bahasa plastisitas. Tokoh-tokoh terpisah, yang diberikan dalam gerakan badai, dikumpulkan dalam kelompok-kelompok yang seimbang dan beku. Kilatan cahaya menekankan bentuk tubuh dan tidak menciptakan efek gambar yang kuat. Namun komposisi lukisan yang memiliki terobosan kuat di tengah di kedalaman yang menggambarkan peristiwa luar biasa dalam kehidupan Pompeii ini diilhami oleh romantisme.

Romantisisme sebagai pandangan dunia ada di Rusia pada gelombang pertamanya dari akhir abad ke-18 hingga tahun 1850-an. Garis romantisme dalam seni Rusia tidak berhenti di tahun 1850-an. Tema keadaan, yang ditemukan oleh kaum Romantik untuk seni, kemudian dikembangkan oleh para seniman Mawar Biru. Pewaris langsung dari Romantik tidak diragukan lagi adalah para Simbolis. Tema romantis, motif, perangkat ekspresif memasuki seni dengan gaya, arah, asosiasi kreatif yang berbeda. Pandangan dunia romantis atau pandangan dunia ternyata menjadi salah satu yang paling hidup, ulet, berbuah.

Romantisme sebagai sikap umum yang menjadi ciri khas anak muda, sebagai keinginan akan kebebasan yang ideal dan kreatif, masih terus hidup dalam dunia seni rupa.

c) Musik

Romantisme dalam bentuknya yang paling murni adalah fenomena seni Eropa Barat. Musik Rusia abad ke-19. dari Glinka hingga Tchaikovsky, ciri-ciri klasisisme digabungkan dengan ciri-ciri romantisme, unsur utamanya adalah prinsip nasional yang cerah dan orisinal. Romantisme di Rusia memberikan kebangkitan yang tidak terduga ketika tren ini tampaknya sudah berlalu. Dua komposer abad ke-20, Scriabin dan Rachmaninov, menghidupkan kembali ciri-ciri romantisme seperti pelarian fantasi yang tak terkendali dan lirik yang penuh perasaan. Oleh karena itu, abad ke-19 disebut zaman musik klasik.

Waktu (1812, pemberontakan Desembris, reaksi yang mengikutinya) meninggalkan jejaknya pada musik. Genre apa pun yang kami ambil - romansa, opera, balet, musik kamar - di mana-mana komposer Rusia mengucapkan kata baru mereka.

Musik Rusia, dengan semua keanggunan salon dan kepatuhan ketat pada tradisi penulisan instrumental profesional, termasuk penulisan simfoni sonata, didasarkan pada pewarnaan modal yang unik dan struktur ritmis cerita rakyat Rusia. Beberapa sangat bergantung pada lagu sehari-hari, yang lain pada bentuk asli pembuatan musik, dan yang lainnya pada modalitas kuno mode petani Rusia kuno.

Awal abad ke-19 - ini adalah tahun-tahun berbunga pertama dan cerah dari genre romansa. Lirik tulus yang sederhana tetap terdengar dan menyenangkan pendengarnya. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Dia menulis roman ke ayat-ayat banyak penyair, tetapi yang abadi "Bulbul" ke ayat-ayat Delvig, "Jalan musim dingin", "Aku mencintaimu" pada puisi Pushkin.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) menulis musik untuk pertunjukan dramatis, tetapi kami lebih mengenalnya dari roman terkenal "Gaun malam merah", "Jangan bangunkan aku saat fajar", "Layar tunggal memutih".

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- komposer, pianis, pemain biola dan guru, dia memiliki romansa seperti "Bel berbunyi monoton", "Pada fajar pemuda berkabut" dan sebagainya.

Tempat paling menonjol di sini ditempati oleh romansa Glinka. Belum ada orang lain yang mencapai perpaduan musik yang begitu alami dengan puisi Pushkin, Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- seorang kontemporer Pushkin (5 tahun lebih muda dari Alexander Sergeevich), seorang sastra klasik Rusia, menjadi pendiri musik klasik. Karyanya adalah salah satu puncak budaya musik Rusia dan dunia. Ini secara harmonis menggabungkan kekayaan musik rakyat dan pencapaian tertinggi dari keterampilan komposer. Karya realistis Glinka yang sangat rakyat mencerminkan berkembangnya budaya Rusia yang kuat pada paruh pertama abad ke-19, terkait dengan Perang Patriotik tahun 1812 dan gerakan Desembris. Cahaya, karakter yang meneguhkan hidup, harmoni bentuk, keindahan melodi yang ekspresif dan merdu, variasi, kecemerlangan, dan kehalusan harmoni adalah kualitas paling berharga dari musik Glinka. Di opera terkenal "Ivan Susanin"(1836) menerima ekspresi cemerlang dari gagasan patriotisme populer; Keagungan moral rakyat Rusia juga diagungkan dalam opera dongeng “ Ruslan dan Ludmila". Karya orkestra oleh Glinka: "Fantasi Waltz", "Malam di Madrid" dan terutama "Kamarinskaya", membentuk dasar simfoni klasik Rusia. Luar biasa dalam hal kekuatan ekspresi dramatis dan kecemerlangan karakteristik musik untuk tragedi tersebut "Pangeran Kholmsky". Lirik vokal Glinka (roman "Saya ingat saat yang indah", "Keraguan") adalah perwujudan puisi Rusia yang tak tertandingi dalam musik.

6. ROMANTISIKA EROPA BARAT

sebuah lukisan

Jika Prancis adalah nenek moyang klasisisme, maka “untuk menemukan akar dari ... aliran romantisme,” tulis salah satu orang sezamannya, “kita harus pergi ke Jerman. Dia lahir di sana, dan di sana romantisme Italia dan Prancis modern membentuk selera mereka.

terfragmentasi Jerman tidak tahu kebangkitan revolusioner. Banyak romantisme Jerman asing dengan pathos dari ide-ide sosial yang maju. Mereka mengidealkan Abad Pertengahan. Mereka menyerah pada dorongan spiritual yang tidak bertanggung jawab, berbicara tentang pengabaian kehidupan manusia. Seni banyak dari mereka bersifat pasif dan kontemplatif. Mereka menciptakan karya terbaiknya di bidang lukisan potret dan lanskap.

Pelukis potret yang luar biasa adalah Otto Runge (1777-1810). Potret master ini, dengan ketenangan lahiriah, memukau dengan kehidupan batin yang intens dan intens.

Citra penyair romantis dilihat oleh Runge di "Potret diri". Dia dengan hati-hati memeriksa dirinya sendiri dan melihat seorang pemuda berambut hitam, bermata gelap, serius, penuh energi, bijaksana, introspektif, dan berkemauan keras. Artis romantis ingin mengenal dirinya sendiri. Cara eksekusi potretnya cepat dan menyapu, seolah-olah energi spiritual pencipta harus sudah tersampaikan dalam tekstur karya; dalam rentang warna gelap, kontras terang dan gelap muncul. Kontras adalah teknik bergambar khas dari master romantis.

Untuk menangkap permainan suasana hati seseorang yang berubah-ubah, untuk melihat ke dalam jiwanya, seorang seniman gudang romantis akan selalu mencoba. Dan dalam hal ini, potret anak-anak akan menjadi bahan subur baginya. DI DALAM potret anak-anak Hülsenbeck(1805) Runge tidak hanya menyampaikan keaktifan dan kesegeraan karakter seorang anak, tetapi juga menemukan penerimaan khusus untuk suasana hati yang cerah, yang menyenangkan bukaan plein-air di lantai 2. abad ke-19 Latar belakang dalam gambar adalah lanskap, yang bersaksi tidak hanya tentang hadiah warna artis, mengagumi sikap terhadap alam, tetapi juga munculnya masalah baru dalam reproduksi ahli hubungan spasial, nuansa cahaya objek di udara terbuka. Seorang master romantis, yang ingin menggabungkan "Aku" -nya dengan bentangan Alam Semesta, berusaha untuk menangkap penampakan alam yang nyata secara sensual. Namun dengan sensualitas gambar ini, ia lebih suka melihat simbol dunia besar, "gagasan seniman".

Runge, salah satu seniman Romantis pertama, menetapkan tugas untuk mensintesis seni: lukisan, patung, arsitektur, musik. Bunyi ansambel seni seharusnya mengungkapkan kesatuan kekuatan ketuhanan dunia, yang setiap partikelnya melambangkan kosmos secara keseluruhan. Sang seniman berfantasi, memperkuat konsep filosofisnya dengan ide-ide pemikir terkenal Jerman di lantai 1. abad ke-17 Jacob Boehme. Dunia adalah sejenis keseluruhan mistik, yang setiap partikelnya mengekspresikan keseluruhan. Ide ini terkait dengan romantisme seluruh benua Eropa. Dalam bentuk puitis, penyair dan pelukis Inggris William Blake mengatakannya seperti ini:

Lihat keabadian dalam satu saat

Dunia besar - di cermin pasir,

Dalam satu genggam - tak terhingga

Dan langit ada di dalam secangkir bunga.

Siklus Runge, atau, sebagaimana dia menyebutnya, "puisi musik yang fantastis" "Waktu hari ini"- pagi, siang, malam - ekspresi dari konsep ini. Dia meninggalkan puisi dan prosa penjelasan tentang model konseptualnya tentang dunia. Gambar seseorang, lanskap, cahaya dan warna adalah simbol dari siklus kehidupan alam dan manusia yang selalu berubah.

Pelukis romantis Jerman luar biasa lainnya, Caspar David Friedrich (1774-1840), lebih menyukai lanskap daripada semua genre lain dan hanya melukis gambar alam selama tujuh puluh tahun hidupnya. Motif utama karya Friedrich adalah gagasan tentang kesatuan manusia dan alam.

“Dengarkan suara alam yang berbicara di dalam diri kita,” sang seniman menginstruksikan murid-muridnya. Dunia batin seseorang melambangkan ketidakterbatasan alam semesta, oleh karena itu, setelah mendengar dirinya sendiri, seseorang dapat memahami kedalaman spiritual dunia.

Posisi mendengarkan menentukan bentuk utama "komunikasi" seseorang dengan alam dan citranya. Inilah keagungan, misteri atau pencerahan alam dan keadaan sadar pengamat. Benar, seringkali Friedrich tidak mengizinkan sosok itu untuk "memasuki" ruang lanskap lukisannya, tetapi dalam penetrasi halus struktur figuratif dari bentangan yang luas, kehadiran perasaan, pengalaman seseorang dirasakan. Subjektivisme dalam penggambaran lanskap menjadi seni hanya dengan karya romantisme, yang menandakan pengungkapan liris alam oleh para master lantai 2. abad ke-19 Peneliti mencatat dalam karya Friedrich "perluasan repertoar" motif lanskap. Penulis tertarik pada laut, pegunungan, hutan, dan berbagai corak keadaan alam pada waktu dan hari yang berbeda sepanjang tahun.

1811-1812 ditandai dengan terciptanya rangkaian lanskap gunung sebagai hasil perjalanan seniman ke pegunungan. "Pagi di pegunungan" dengan indah mewakili realitas alam baru, lahir di bawah sinar matahari terbit. Nada merah muda-ungu menyelimuti dan menghilangkan volume dan gravitasi materialnya. Tahun-tahun pertempuran dengan Napoleon (1812-1813) mengubah Friedrich menjadi tema patriotik. Ilustrasi, terinspirasi oleh drama Kleist, tulisnya "Makam Arminius"- pemandangan dengan kuburan pahlawan Jerman kuno.

Friedrich adalah ahli bentang laut yang halus: "Zaman", "Bulan terbit di atas Laut", "Kematian" Nadezhda "di dalam es".

Karya terakhir seniman - "Istirahat di lapangan", "Rawa Besar" dan "Kenangan Pegunungan Raksasa", "Pegunungan Raksasa" - serangkaian pegunungan dan bebatuan di latar depan menjadi gelap. Ini, tampaknya, kembali ke perasaan yang dialami akan kemenangan seseorang atas dirinya sendiri, kegembiraan naik ke "puncak dunia", keinginan untuk ketinggian yang tak terkalahkan. Perasaan seniman dengan cara khusus menyusun massa gunung ini, dan sekali lagi gerakan dari kegelapan langkah pertama ke cahaya masa depan terbaca. Puncak gunung di latar belakang disorot sebagai pusat aspirasi spiritual sang guru. Gambarannya sangat asosiatif, seperti karya romantika lainnya, dan melibatkan berbagai tingkat pembacaan dan interpretasi.

Friedrich sangat akurat dalam menggambar, harmonis secara musikal dalam konstruksi ritmis lukisannya, di mana ia mencoba berbicara melalui emosi warna dan efek cahaya. “Banyak yang diberi sedikit, sedikit yang diberi banyak. Setiap orang membuka jiwa alam dengan cara yang berbeda. Oleh karena itu, tidak ada yang berani mentransfer pengalaman dan aturannya kepada orang lain sebagai hukum tanpa syarat yang mengikat. Tidak ada yang mengukur semua. Setiap orang membawa ukuran hanya untuk dirinya sendiri dan untuk kodrat yang kurang lebih sama dengan dirinya sendiri, ”refleksi sang master ini membuktikan integritas luar biasa dari kehidupan batin dan kreativitasnya. Keunikan seniman hanya terlihat dalam kebebasan karyanya - Friedrich yang romantis berdiri di atasnya.

Tampaknya yang lebih formal adalah pelepasan seniman - "klasik" - perwakilan klasisisme dari cabang lukisan romantis lainnya di Jerman - Nazarene. Didirikan di Wina dan menetap di Roma (1809-1810), "Union of St. Luke" menyatukan para master dengan gagasan untuk menghidupkan kembali seni monumental dari masalah agama. Abad Pertengahan adalah periode sejarah favorit bagi kaum Romantik. Namun dalam pencarian artistik mereka, Nazarene beralih ke tradisi lukisan Renaisans awal di Italia dan Jerman. Overbeck dan Geforr adalah penggagas aliansi baru, yang kemudian diikuti oleh Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

Gerakan Nazarene ini sesuai dengan bentuk oposisi mereka sendiri terhadap akademisi klasik di Prancis, Italia, dan Inggris. Misalnya, di Prancis, yang disebut seniman "primitif" muncul dari bengkel David, dan di Inggris, Pra-Raphael. Dalam semangat tradisi romantisme, mereka menganggap seni sebagai “ekspresi waktu”, “semangat rakyat”, tetapi preferensi tematik atau formal mereka, yang pada awalnya terdengar seperti slogan penyatuan, setelah beberapa saat berubah. ke dalam prinsip doktriner yang sama dengan yang ada di Akademi, yang mereka tolak.

Seni Romantisisme di Perancis dikembangkan dengan cara-cara tertentu. Hal pertama yang membedakannya dari gerakan serupa di negara lain adalah karakternya yang aktif ofensif ("revolusioner"). Penyair, penulis, musisi, seniman mempertahankan posisinya tidak hanya dengan menciptakan karya baru, tetapi juga dengan berpartisipasi dalam kontroversi majalah dan surat kabar, yang dicirikan oleh peneliti sebagai "pertempuran romantis". V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz yang terkenal, dan banyak penulis, komposer, dan jurnalis Prancis lainnya "mengasah bulu mereka" dalam kontroversi romantis.

Lukisan romantis di Prancis muncul sebagai penentangan terhadap sekolah klasik David, seni akademis, yang disebut sebagai "sekolah" pada umumnya. Tetapi ini harus dipahami dalam arti yang lebih luas: ini adalah oposisi terhadap ideologi resmi zaman reaksioner, sebuah protes terhadap batasan-batasan borjuis kecilnya. Oleh karena itu sifat menyedihkan dari karya romantis, kegugupan mereka, ketertarikan pada motif eksotis, plot sejarah dan sastra, pada segala sesuatu yang dapat menjauhkan dari "kehidupan sehari-hari yang redup", karenanya permainan imajinasi ini, dan terkadang, sebaliknya, melamun dan kurangnya aktivitas.

Perwakilan dari "sekolah", para akademisi, memberontak terutama terhadap bahasa romantisme: pewarnaan panas mereka yang bersemangat, pemodelan bentuk mereka, bukan yang "klasik", patung-plastik, tetapi dibangun di atas kontras yang kuat bintik-bintik warna; desain ekspresif mereka, dengan sengaja menolak presisi dan klasisisme; komposisi mereka yang berani, terkadang kacau, tanpa keagungan dan ketenangan yang tak tergoyahkan. Ingres, musuh bebuyutan romantisme, sampai akhir hayatnya mengatakan bahwa Delacroix "menulis dengan sapu gila", dan Delacroix menuduh Ingres dan semua seniman "sekolah" dingin, rasionalitas, kurang bergerak, bahwa mereka jangan menulis, tapi "lukis" lukisan mereka. Tapi ini bukanlah benturan sederhana dari dua kepribadian yang cerdas dan sangat berbeda, ini adalah pertarungan antara dua pandangan dunia artistik yang berbeda.

Perjuangan ini berlangsung selama hampir setengah abad, romantisme dalam seni tidak menang dengan mudah dan tidak segera, dan seniman pertama dari tren ini adalah Theodore Gericault (1791-1824) - seorang ahli bentuk-bentuk monumental heroik, yang menggabungkan dalam karyanya baik klasik maupun klasik. fitur dan fitur romantisme itu sendiri, dan, akhirnya, awal realistis yang kuat, yang berdampak besar pada seni realisme di pertengahan abad ke-19. Namun semasa hidupnya ia hanya dihargai oleh beberapa teman dekatnya saja.

Nama Theodore Zhariko dikaitkan dengan kesuksesan romantisme pertama yang cemerlang. Sudah dalam lukisan awalnya (potret militer, gambar kuda), cita-cita kuno surut sebelum persepsi langsung tentang kehidupan.

Di salon tahun 1812 Géricault menunjukkan sebuah gambar "Petugas penjaga kuda kekaisaran selama penyerangan." Itu adalah tahun puncak kejayaan Napoleon dan kekuatan militer Prancis.

Komposisi gambar menghadirkan pengendara dalam perspektif yang tidak biasa dari momen "tiba-tiba" ketika kuda berdiri, dan pengendara, memegang posisi kuda yang hampir vertikal, menoleh ke penonton. Gambar momen ketidakstabilan seperti itu, ketidakmungkinan postur meningkatkan efek gerakan. Kuda itu memiliki satu titik penyangga, ia harus jatuh ke tanah, mengacaukan pertarungan yang membawanya ke keadaan seperti itu. Banyak yang menyatu dalam karya ini: keyakinan tanpa syarat Gericault pada kemungkinan seseorang memiliki kekuatannya sendiri, kecintaan yang penuh gairah untuk menggambarkan kuda dan keberanian seorang master pemula dalam menunjukkan apa yang sebelumnya hanya dapat disampaikan oleh musik atau bahasa puisi - kegembiraan dari pertempuran, awal serangan, tekanan terakhir dari makhluk hidup. Penulis muda membangun citranya di atas transmisi dinamika gerakan, dan penting baginya untuk mengatur pemirsa untuk "berpikir", melukis dengan "penglihatan batin", dan perasaan tentang apa yang ingin dia gambarkan.

Prancis praktis tidak memiliki tradisi dinamika narasi bergambar romansa seperti itu, kecuali mungkin di relief kuil Gotik, karena ketika Gericault pertama kali datang ke Italia, dia terpana oleh kekuatan tersembunyi dari komposisi Michelangelo. “Saya gemetar,” tulisnya, “Saya meragukan diri saya sendiri dan untuk waktu yang lama tidak dapat pulih dari pengalaman ini.” Namun Stendhal menunjuk Michelangelo sebagai cikal bakal tren gaya baru dalam seni bahkan lebih awal dalam artikel polemiknya.

Lukisan Gericault mengumumkan tidak hanya lahirnya bakat artistik baru, tetapi juga memberikan penghormatan kepada hasrat dan kekecewaan pengarang terhadap ide-ide Napoleon. Ada beberapa karya lain yang terkait dengan topik ini: Petugas Carabinieri", "Petugas Cuirassier sebelum penyerangan", "Potret carabinieri", "Cuirassier yang terluka".

Dalam risalah “Refleksi keadaan seni lukis di Prancis”, ia menulis bahwa “kemewahan dan seni telah menjadi ... kebutuhan dan, seolah-olah, makanan untuk imajinasi, yang merupakan kehidupan kedua orang yang beradab . .. Bukan sebagai kebutuhan utama, seni hanya muncul ketika kebutuhan esensial terpenuhi dan ketika kelimpahan datang. Seorang pria, terbebas dari kekhawatiran sehari-hari, mulai mencari kesenangan untuk menghilangkan kebosanan yang mau tidak mau akan menyusulnya di tengah kepuasan.

Pemahaman tentang peran pendidikan dan humanistik seni ditunjukkan oleh Gericault setelah kembali dari Italia pada tahun 1818 - ia mulai terlibat dalam litografi, mereplikasi berbagai topik, termasuk kekalahan Napoleon ( “Kembali dari Rusia”).

Pada saat yang sama, sang seniman beralih ke penggambaran tenggelamnya fregat Meduza di lepas pantai Afrika yang membuat heboh masyarakat saat itu. Bencana terjadi karena kesalahan seorang kapten yang tidak berpengalaman, yang diangkat ke pos di bawah perlindungan. Penumpang kapal yang selamat, ahli bedah Savigny dan insinyur Correar, berbicara secara rinci tentang kecelakaan itu.

Kapal yang sekarat berhasil membuang rakit, yang ditumpangi oleh segelintir orang yang diselamatkan. Selama dua belas hari mereka dibawa menyusuri lautan yang mengamuk sampai mereka bertemu dengan keselamatan - kapal "Argus".

Gericault tertarik pada situasi ketegangan tertinggi dari kekuatan spiritual dan fisik manusia. Lukisan itu menggambarkan 15 penumpang yang selamat di atas rakit ketika mereka melihat Argus di cakrawala. “Rakit Medusa” adalah hasil dari kerja persiapan panjang seniman. Dia membuat banyak sketsa tentang amukan laut, potret orang-orang yang diselamatkan di rumah sakit. Awalnya, Gericault ingin menunjukkan perjuangan orang-orang di atas rakit satu sama lain, namun kemudian ia memilih perilaku heroik para pemenang elemen laut dan kelalaian negara. Orang-orang dengan berani menanggung kemalangan, dan harapan keselamatan tidak meninggalkan mereka: setiap kelompok di atas rakit memiliki ciri khasnya masing-masing. Dalam konstruksi komposisinya, Gericault memilih sudut pandang dari atas, yang memungkinkannya menggabungkan cakupan panorama ruang (jarak laut terlihat) dan penggambaran, membawa semua penghuni rakit sangat dekat ke latar depan. Gerakan ini dibangun di atas kontras sosok-sosok yang terbaring tak berdaya di latar depan dan kelompok yang terburu-buru memberi isyarat kepada kapal yang lewat. Kejernihan ritme pertumbuhan dinamika dari kelompok ke kelompok, keindahan tubuh telanjang, warna gelap gambar memberi catatan tertentu pada konvensionalitas gambar. Tetapi ini bukanlah poin bagi pemirsa yang memahami, yang bahkan konvensionalitas bahasa membantu untuk memahami dan merasakan hal utama: kemampuan seseorang untuk bertarung dan menang. Laut mengaum. Layarnya mengerang. Tali berdering. Rakit berderak. Angin menggerakkan ombak dan mencabik-cabik awan hitam.

Bukankah Prancis sendiri, didorong oleh badai sejarah? pikir Eugene Delacroix, berdiri di dekat lukisan itu. “Rakit Medusa mengejutkan Delacroix, dia menangis dan, seperti orang gila, melompat keluar dari bengkel Gericault yang sering dia kunjungi.

Gairah seperti itu tidak mengenal seni David.

Tetapi kehidupan Gericault berakhir secara tragis lebih awal (dia sakit parah setelah jatuh dari kuda), dan banyak dari rencananya masih belum selesai.

Inovasi Géricault membuka peluang baru untuk menyampaikan gerakan yang mengkhawatirkan romantisme, perasaan yang mendasari seseorang, ekspresi tekstur gambar yang berwarna.

Pewaris Géricault dalam pencariannya adalah Eugene Delacroix. Benar, Delacroix diizinkan dua kali lebih lama dari masa hidupnya, dan dia berhasil tidak hanya membuktikan kebenaran romantisme, tetapi juga memberkati arah baru dalam melukis lantai 2. abad ke-19 - impresionisme.

Sebelum mulai menulis sendiri, Eugene belajar di sekolah Lerain: dia melukis dari kehidupan, menyalin Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian yang hebat di Louvre ... Artis muda itu bekerja 10-12 jam sehari. Dia ingat kata-kata Michelangelo yang agung: "Melukis adalah nyonya yang cemburu, itu menuntut seluruh pribadi ..."

Delacroix, setelah pertunjukan demonstrasi oleh Géricault, sangat menyadari bahwa saat pergolakan emosional yang kuat telah tiba dalam seni. Pertama, ia mencoba memahami era baru baginya melalui plot sastra terkenal. Lukisannya "Dante dan Virgil", disajikan di salon tahun 1822, adalah upaya melalui gambaran asosiatif sejarah dari dua penyair: zaman kuno - Virgil dan Renaisans - Dante - untuk melihat kuali yang mendidih, "neraka" di zaman modern. Suatu kali dalam "Komedi Ilahi" Dante mengambil tanah Virgil sebagai pendamping di semua bidang (surga, neraka, api penyucian). Dalam karya Dante, dunia renaisans baru muncul dengan mengalami ingatan zaman kuno di Abad Pertengahan. Simbol romantisme sebagai sintesis zaman kuno, Renaisans, dan Abad Pertengahan muncul dalam "kengerian" penglihatan Dante dan Virgil. Tetapi alegori filosofis yang kompleks ternyata merupakan ilustrasi emosional yang baik dari era pra-Renaisans dan mahakarya sastra yang abadi.

Delacroix akan mencoba menemukan tanggapan langsung di hati orang-orang sezamannya melalui sakit hatinya sendiri. Orang-orang muda saat itu, yang terbakar oleh kebebasan dan kebencian terhadap para penindas, bersimpati dengan perang pembebasan Yunani. Penyair romantis Inggris, Byron, pergi ke sana untuk bertarung. Delacroix melihat makna era baru dalam penggambaran peristiwa sejarah yang lebih spesifik - perjuangan dan penderitaan Yunani yang mencintai kebebasan. Dia memikirkan plot kematian penduduk pulau Yunani Chios, yang direbut oleh Turki. Di Salon tahun 1824, Delacroix menunjukkan sebuah lukisan "Pembantaian di pulau Chios". dengan latar belakang bentangan medan perbukitan yang tak berujung. Masih menjerit dari asap api dan pertempuran yang tak henti-hentinya, sang seniman menampilkan beberapa kelompok wanita dan anak-anak yang terluka dan kelelahan. Mereka memiliki menit-menit terakhir kebebasan sebelum musuh mendekat. Orang Turki di atas kuda pemeliharaan di sebelah kanan tampak menggantung di latar depan dan banyak penderita yang ada di sana. Tubuh indah, wajah orang terpikat. Ngomong-ngomong, Delacroix nantinya akan menulis bahwa patung Yunani diubah oleh seniman menjadi hieroglif yang menyembunyikan keindahan wajah dan sosok Yunani yang sebenarnya. Namun, mengungkapkan "keindahan jiwa" di wajah orang-orang Yunani yang kalah, pelukis mendramatisir peristiwa-peristiwa tersebut sedemikian rupa sehingga untuk mempertahankan satu laju ketegangan yang dinamis, ia beralih ke deformasi sudut-sudut sosok itu. "Kesalahan" ini telah "diselesaikan" oleh karya Gericault, tetapi Delacroix sekali lagi menunjukkan keyakinan romantis bahwa lukisan bukanlah "kebenaran situasi, tetapi kebenaran perasaan".

Pada tahun 1824, Delacroix kehilangan teman dan gurunya, Géricault. Dan dia menjadi pemimpin lukisan baru itu.

Tahun-tahun berlalu. Satu per satu, gambar muncul: "Yunani di reruntuhan Missalunga", "Kematian Sardanapalus" dan lain-lain Seniman menjadi orang buangan di kalangan seni lukis resmi. Tetapi Revolusi Juli 1830 mengubah situasi. Dia menyulut artis dengan romansa kemenangan dan pencapaian. Dia melukis gambar "Kebebasan di Barikade".

Pada tahun 1831, di Salon Paris, orang Prancis pertama kali melihat lukisan karya Eugene Delacroix "Kebebasan di Barikade", yang didedikasikan untuk "tiga hari mulia" Revolusi Juli 1830. Kanvas membuat kesan yang menakjubkan pada orang-orang sezaman dengan kekuatan, demokrasi, dan keberanian keputusan artistik. Menurut legenda, seorang borjuis terhormat berseru: “Kamu bilang - kepala sekolah? Ceritakan lebih baik - kepala pemberontakan! Setelah Salon ditutup, pemerintah, yang ketakutan dengan daya tarik yang mengancam dan menginspirasi yang terpancar dari gambar tersebut, segera mengembalikannya kepada penulisnya. Selama revolusi tahun 1848, itu kembali dipajang di depan umum di Istana Luxembourg. Dan kembali lagi ke artis. Baru setelah kanvas dipamerkan di Pameran Dunia di Paris pada tahun 1855, kanvas itu berakhir di Louvre. Salah satu kreasi terbaik romantisme Prancis disimpan di sini hingga hari ini - kisah saksi mata yang diilhami dan monumen abadi perjuangan rakyat untuk kebebasan mereka.

Bahasa artistik apa yang ditemukan oleh pemuda romantis Prancis untuk menggabungkan dua prinsip yang tampaknya berlawanan ini - generalisasi yang luas dan mencakup segalanya dan realitas konkret yang kejam dalam ketelanjangannya?

Paris pada hari-hari Juli yang terkenal 1830. Udara jenuh dengan asap abu-abu dan debu. Kota yang indah dan megah, menghilang dalam kabut bubuk. Di kejauhan, hampir tidak terlihat, tetapi menara Katedral Notre Dame dengan bangga menjulang - simbol sejarah, budaya, dan semangat rakyat Prancis. Dari sana, dari kota berasap, melewati reruntuhan barikade, melewati mayat rekan-rekan yang mati, para pemberontak dengan keras kepala dan tegas maju. Masing-masing dari mereka bisa mati, tetapi langkah para pemberontak tidak tergoyahkan - mereka diilhami oleh keinginan untuk menang, menuju kebebasan.

Kekuatan yang menginspirasi ini diwujudkan dalam citra seorang wanita muda yang cantik, dalam ledakan gairah yang memanggilnya. Dengan energi yang tak habis-habisnya, kecepatan gerak yang bebas dan awet muda, dia seperti dewi Yunani

Nick menang. Sosoknya yang kuat mengenakan gaun chiton, wajahnya dengan fitur yang sempurna, dengan mata yang membara, menoleh ke pemberontak. Di satu sisi dia memegang spanduk tiga warna Prancis, di sisi lain - pistol. Di kepala ada topi Frigia - simbol kuno pembebasan dari perbudakan. Langkahnya cepat dan ringan - begitulah langkah para dewi. Pada saat yang sama, citra seorang wanita itu nyata - dia adalah putri orang Prancis. Dia adalah kekuatan penuntun di belakang pergerakan kelompok di barikade. Dari situ, seperti dari sumber cahaya di pusat energi, sinar memancar, mengisi dengan rasa haus dan keinginan untuk menang. Mereka yang berada di dekatnya, masing-masing dengan caranya sendiri, mengungkapkan keterlibatan mereka dalam panggilan yang menginspirasi dan menginspirasi ini.

Di sebelah kanan adalah seorang anak laki-laki, seorang gamen Paris, mengacungkan pistol. Dia paling dekat dengan Kebebasan dan, seolah-olah, dinyalakan oleh antusiasme dan kegembiraannya akan dorongan bebas. Dalam gerakan yang cepat dan tidak sabar seperti anak laki-laki, dia bahkan sedikit di depan pemberi inspirasinya. Ini adalah pendahulu dari Gavroche yang legendaris, yang digambarkan dua puluh tahun kemudian oleh Victor Hugo di Les Misérables: “Gavroche, penuh inspirasi, berseri-seri, mengambil sendiri tugas untuk menggerakkan semuanya. Dia bergegas bolak-balik, dia naik, dia turun

turun, bangkit kembali, berdesir, berbinar gembira. Tampaknya dia datang ke sini untuk menghibur semua orang. Apakah dia punya motif untuk ini? Ya, tentu saja, kemiskinannya. Apakah dia punya sayap? Ya, tentu saja, keceriaannya. Itu semacam angin puyuh. Tampaknya mengisi udara dengan dirinya sendiri, hadir di mana-mana pada saat yang sama ... Barikade besar terasa di tulang punggungnya.

Gavroche dalam lukisan Delacroix adalah personifikasi masa muda, sebuah "dorongan yang indah", penerimaan yang menggembirakan atas gagasan cemerlang tentang Kebebasan. Dua gambar - Gavroche dan Liberty - tampaknya saling melengkapi: satu adalah api, yang lainnya adalah obor yang menyala darinya. Heinrich Heine menceritakan betapa tanggapan yang hidup yang ditimbulkan oleh sosok Gavroche di antara orang Paris. "Brengsek! seru seorang penjual kelontong, “Anak-anak itu berkelahi seperti raksasa!”

Di sebelah kiri adalah seorang siswa dengan senjata. Sebelumnya, itu dilihat sebagai potret diri sang seniman. Pemberontakan ini tidak secepat Gavroche. Gerakannya lebih terkendali, lebih terkonsentrasi, bermakna. Tangan dengan percaya diri meremas laras senjata, wajah mengekspresikan keberanian, tekad kuat untuk berdiri sampai akhir. Ini adalah gambaran yang sangat tragis. Siswa menyadari kerugian yang tak terhindarkan yang akan diderita para pemberontak, tetapi para korban tidak membuatnya takut - keinginan untuk kebebasan lebih kuat. Di belakangnya berdiri seorang pekerja yang sama pemberani dan tegas dengan pedang. Terluka di kaki Kebebasan. Dia bangkit dengan susah payah untuk sekali lagi memandang Kebebasan, untuk melihat dan merasakan dengan sepenuh hati keindahan yang untuknya dia sekarat. Sosok ini menghadirkan awal yang sangat dramatis pada suara kanvas Delacroix. Jika gambar Gavroche, Liberty, pelajar, pekerja - hampir simbol, perwujudan dari keinginan pejuang kemerdekaan yang tak terhindarkan - menginspirasi dan memanggil penonton, maka pria yang terluka itu menyerukan belas kasih. Manusia mengucapkan selamat tinggal pada Kebebasan, mengucapkan selamat tinggal pada kehidupan. Dia masih merupakan dorongan, sebuah gerakan, tetapi sudah menjadi dorongan yang memudar.

Sosoknya transisi. Tatapan penonton, masih terpesona dan terbawa oleh tekad revolusioner para pemberontak, turun ke kaki barikade, ditutupi dengan tubuh para prajurit yang mati mulia. Kematian dihadirkan oleh seniman dengan segala ketelanjangan dan bukti faktanya. Kami melihat wajah biru orang mati, tubuh telanjang mereka: perjuangan tanpa ampun, dan kematian adalah pendamping yang tak terhindarkan dari para pemberontak seperti halnya Inspirator Freedom yang indah.

Tapi tidak persis sama! Dari pemandangan mengerikan di tepi bawah gambar, kami kembali mengangkat mata dan melihat sosok muda yang cantik - tidak! hidup menang! Gagasan tentang kebebasan, yang diwujudkan secara kasat mata dan nyata, begitu terfokus pada masa depan sehingga kematian atas namanya tidak mengerikan.

Seniman itu hanya menggambarkan sekelompok kecil pemberontak, hidup dan mati. Tapi para pembela barikade tampak sangat banyak. Komposisi dibangun sedemikian rupa sehingga kelompok pejuang tidak dibatasi, tidak tertutup dengan sendirinya. Dia hanyalah bagian dari longsoran manusia yang tak ada habisnya. Sang seniman seolah-olah memberikan bagian dari kelompok: bingkai gambar memotong sosok dari kiri, kanan, dan bawah.

Biasanya warna pada karya Delacroix memperoleh suara yang emosional, berperan dominan dalam menciptakan efek dramatis. Warnanya, terkadang mengamuk, terkadang memudar, teredam, menciptakan suasana tegang. Dalam Liberty at the Barricades, Delacroix menyimpang dari prinsip ini. Sangat akurat, memilih cat dengan jelas, mengaplikasikannya dengan sapuan lebar, sang seniman menyampaikan suasana pertempuran.

Namun rentang warna tertahan. Delacroix berfokus pada pemodelan bentuk bantuan. Ini diperlukan oleh solusi figuratif dari gambar. Lagi pula, untuk menggambarkan peristiwa tertentu kemarin, sang seniman juga membuat monumen untuk peristiwa ini. Oleh karena itu, figurnya hampir seperti pahatan. Oleh karena itu, setiap karakter, sebagai bagian dari satu kesatuan gambar, juga merupakan sesuatu yang tertutup dengan sendirinya, mewakili simbol yang dituangkan ke dalam bentuk yang lengkap. Oleh karena itu, warna tidak hanya memengaruhi perasaan penonton secara emosional, tetapi juga membawa beban simbolis. Di sana-sini, tiga serangkai warna merah, biru, putih berkedip di ruang abu-abu coklat - warna panji Revolusi Prancis tahun 1789. Pengulangan berulang dari warna-warna ini mendukung akord yang kuat dari bendera tiga warna yang berkibar di atas barikade.

Lukisan Delacroix "Freedom on the Barricades" adalah karya yang kompleks dan megah dalam cakupannya. Di sini keaslian fakta yang terlihat langsung dan simbolisme gambar digabungkan; realisme, mencapai naturalisme brutal, dan keindahan ideal; kasar, mengerikan dan luhur, murni.

Lukisan "Liberty at the Barricades" mengkonsolidasikan kemenangan romantisme dalam lukisan Prancis. Di tahun 30-an, dua lukisan bersejarah lagi: "Pertempuran Poitiers" Dan "Pembunuhan Uskup Liege".

Pada tahun 1822 sang seniman mengunjungi Afrika Utara, Maroko, Aljazair. Perjalanan itu memberikan kesan yang tak terhapuskan padanya. Di tahun 50-an, lukisan muncul dalam karyanya, terinspirasi dari kenangan perjalanan ini: "Berburu singa", "Maroko membebani kuda" dan lain-lain Warna kontras yang cerah menciptakan suara romantis pada lukisan-lukisan ini. Di dalamnya, teknik pukulan lebar muncul.

Delacroix, sebagai seorang romantis, merekam keadaan jiwanya tidak hanya dalam bahasa gambar bergambar, tetapi juga dalam bentuk sastra pemikirannya. Dia menggambarkan dengan baik proses karya kreatif seniman romantis, eksperimennya dalam warna, refleksi tentang hubungan antara musik dan bentuk seni lainnya. Buku hariannya menjadi bacaan favorit para seniman generasi selanjutnya.

Sekolah romantis Prancis membuat kemajuan yang signifikan di bidang seni pahat (Rud dan relief Marseillaise-nya), lukisan pemandangan (Camille Corot dengan gambar-gambar udara ringannya tentang alam Prancis).

Berkat romantisme, visi subjektif pribadi artis berbentuk hukum. Impresionisme akan sepenuhnya menghancurkan penghalang antara seniman dan alam, menyatakan seni sebagai kesan. Romantika berbicara tentang fantasi artis, "suara perasaannya", yang memungkinkannya untuk berhenti bekerja ketika sang master menganggapnya perlu, dan tidak seperti yang disyaratkan oleh standar kelengkapan akademik.

Jika fantasi Gericault berfokus pada transmisi gerakan, Delacroix pada kekuatan magis warna, dan Jerman menambahkan "semangat melukis" tertentu ke dalamnya, maka Orang Spanyol Romantisme dalam pribadi Francisco Goya (1746-1828) menunjukkan asal-usul gaya cerita rakyat, karakternya yang fantastik dan aneh. Goya sendiri dan karyanya terlihat jauh dari kerangka gaya apa pun, terutama karena sang seniman sangat sering harus mengikuti hukum materi pertunjukan (ketika, misalnya, ia membuat lukisan untuk karpet anyaman terali) atau persyaratan pelanggan.

Phantasmagoria-nya terungkap dalam seri etsa “Capricho” (1797-1799),"Bencana Perang" (1810-1820),“Disparantes (“Kebodohan”)(1815-1820), mural "House of the Deaf" dan Gereja San Antonio de la Florida di Madrid (1798). Penyakit serius pada tahun 1792. menyebabkan ketulian total artis. Seni sang master setelah menderita trauma fisik dan spiritual menjadi lebih terkonsentrasi, bijaksana, dinamis secara internal. Dunia luar, tertutup karena tuli, mengaktifkan kehidupan spiritual batin Goya.

Dalam etsa “Capricho” Goya mencapai kekuatan luar biasa dalam penyampaian reaksi seketika, perasaan terburu nafsu. Performa hitam-putih, berkat kombinasi bintik-bintik besar yang berani, tidak adanya karakteristik linearitas grafis, memperoleh semua properti lukisan.

Mural Gereja St. Anthony di Madrid Goya tampaknya diciptakan dalam satu nafas. Temperamen guratannya, lakonisme komposisinya, ekspresifitas ciri-ciri karakternya, yang tipenya diambil Goya langsung dari keramaian, sungguh menakjubkan. Seniman tersebut menggambarkan keajaiban Anthony dari Florida, yang membuat pria yang terbunuh itu bangkit dan berbicara, yang menamai pembunuhnya dan dengan demikian menyelamatkan orang yang tidak bersalah dari eksekusi. Dinamika kerumunan yang bereaksi cerah disampaikan oleh Goya baik dalam gerak tubuh maupun ekspresi wajah dari wajah-wajah yang digambarkan. Dalam skema komposisi distribusi lukisan di ruang gereja, pelukis mengikuti Tiepolo, tetapi reaksi yang ditimbulkannya pada penonton bukanlah barok, tetapi murni romantis, memengaruhi perasaan setiap penonton, memanggilnya untuk berpaling. diri.

Yang terpenting, tujuan ini dicapai dalam lukisan Conto del Sordo ("Rumah Tunarungu"), tempat tinggal Goya sejak tahun 1819. Dinding kamar ditutupi dengan lima belas komposisi yang fantastis dan bersifat alegoris. Mempersepsi mereka membutuhkan empati yang mendalam. Gambar muncul sebagai semacam penglihatan tentang kota, wanita, pria, dll. Warna, berkedip, menarik satu sosok, lalu sosok lainnya. Lukisan secara keseluruhan berwarna gelap, didominasi oleh bintik-bintik putih, kuning, merah jambu, kilatan perasaan yang mengganggu. Ukiran seri "Berbeda" .

Goya menghabiskan 4 tahun terakhir di Prancis. Tidak mungkin dia tahu bahwa Delacroix tidak berpisah dengan "Caprichos" -nya. Dan dia tidak dapat meramalkan bagaimana Hugo dan Baudelaire akan terbawa oleh lukisan ini, betapa besar pengaruh lukisannya terhadap Manet, dan bagaimana di tahun 80-an abad XIX. V. Stasov akan mengundang seniman Rusia untuk mempelajari "Bencana Perang" -nya

Tapi kami, mengingat hal ini, tahu betapa besar pengaruh seni "tanpa gaya" dari seorang realis yang berani dan romantisme yang menginspirasi ini terhadap budaya artistik abad ke-19 dan ke-20.

Dunia mimpi yang fantastis juga diwujudkan dalam karya seniman romantis Inggris William Blake (1757-1827). Inggris adalah negara klasik sastra romantis. Byron. Shelley menjadi panji gerakan ini jauh melampaui "Albion yang berkabut". Di Prancis, dalam kritik majalah tentang masa "pertempuran romantis", orang Romantis disebut "Shakespeare". Ciri utama seni lukis Inggris selalu menjadi ketertarikan pada kepribadian manusia, yang memungkinkan genre potret berkembang dengan subur. Romantisme dalam seni lukis sangat erat kaitannya dengan sentimentalisme. Minat Romantis di Abad Pertengahan melahirkan literatur sejarah yang besar. Master yang diakui adalah V. Scott. Dalam seni lukis, tema Abad Pertengahan menentukan kemunculan yang disebut Peraphaelites.

William Blake adalah tipe romantisme yang luar biasa di kancah budaya Inggris. Dia menulis puisi, mengilustrasikan bukunya sendiri dan buku lainnya. Bakatnya berusaha merangkul dan mengekspresikan dunia dalam kesatuan holistik. Karyanya yang paling terkenal adalah ilustrasi untuk "Book of Job" alkitabiah, "The Divine Comedy" oleh Dante, "Paradise Lost" oleh Milton. Dia mengisi komposisinya dengan tokoh-tokoh pahlawan raksasa, yang sesuai dengan lingkungan mereka dari dunia yang tidak nyata tercerahkan atau fantasi. Rasa kebanggaan atau harmoni yang memberontak, sulit diciptakan dari disonansi, menguasai ilustrasinya.

Ukiran lanskap untuk "Pastoral" dari penyair Romawi Virgil tampak agak berbeda - lebih indah romantis daripada karya mereka sebelumnya.

Romantisme Blake berusaha menemukan formula artistiknya sendiri dan bentuk keberadaan dunia.

William Blake, setelah menjalani kehidupan yang sangat miskin dan tidak dikenal, setelah kematiannya menduduki peringkat di antara pembawa acara seni klasik Inggris.

Dalam karya pelukis lanskap Inggris awal abad XIX. hobi romantis dipadukan dengan pandangan alam yang lebih objektif dan bijaksana.

Bentang alam yang ditinggikan secara romantis diciptakan oleh William Turner (1775-1851). Dia suka menggambarkan badai petir, hujan deras, badai di laut, matahari terbenam yang cerah dan berapi-api. Turner sering membesar-besarkan efek pencahayaan dan mengintensifkan suara warna bahkan saat dia melukis keadaan alam yang tenang. Untuk efek yang lebih besar, ia menggunakan teknik cat air dan mengaplikasikan cat minyak pada lapisan yang sangat tipis dan melukis langsung di tanah, menghasilkan luapan warna-warni. Contohnya adalah gambar “Hujan, uap, dan kecepatan”(1844). Tetapi bahkan kritikus terkenal saat itu, Thackeray, tidak dapat memahami dengan benar, mungkin, gambaran paling inovatif baik dalam desain maupun eksekusi. “Hujan ditandai dengan noda dempul kotor,” tulisnya, “terciprat ke kanvas dengan pisau palet, sinar matahari dengan kilauan kusam menerobos gumpalan krom kuning kotor yang sangat tebal. Bayangan disampaikan oleh nuansa dingin dari kraplak merah dan bintik-bintik cinnabar dengan nada yang diredam. Dan meskipun api di tungku lokomotif tampak merah, saya tidak berani menyatakan bahwa itu tidak dicat dengan warna kabalt atau kacang. Kritikus lain menemukan pewarnaan Turner dengan warna "telur orak-arik dan bayam". Warna mendiang Turner umumnya tampak sama sekali tidak terpikirkan dan fantastis bagi orang-orang sezaman. Butuh lebih dari satu abad untuk melihat butir-butir pengamatan nyata di dalamnya. Tetapi seperti dalam kasus lain, itu ada di sini. Sebuah kisah aneh tentang seorang saksi mata, atau lebih tepatnya, saksi kelahiran "Hujan, uap, dan kecepatan", telah disimpan. Seorang Nyonya Simone sedang menumpang di kompartemen Western Express dengan seorang pria tua duduk di seberangnya. Dia meminta izin untuk membuka jendela, menjulurkan kepalanya ke tengah hujan lebat, dan tetap dalam posisi itu selama beberapa waktu. Ketika dia akhirnya menutup jendela. Air menetes darinya dalam aliran, tetapi dia menutup matanya dengan bahagia dan bersandar, jelas menikmati apa yang baru saja dilihatnya. Seorang wanita muda yang ingin tahu memutuskan untuk merasakan perasaannya pada dirinya sendiri - dia juga menjulurkan kepalanya ke luar jendela. Juga basah. Tapi saya mendapat kesan yang tak terlupakan. Bayangkan keterkejutannya ketika, setahun kemudian, di sebuah pameran di London, dia melihat Hujan, Uap, dan Kecepatan. Seseorang di belakangnya berkomentar dengan kritis, “Sangat tipikal Turner, benar. Tidak ada yang pernah melihat campuran absurditas seperti itu. Dan dia, tidak bisa menahan diri, berkata: "Saya melihat."

Mungkin ini gambar pertama kereta api dalam lukisan. sudut pandang diambil dari suatu tempat di atas, yang memungkinkan untuk memberikan cakupan panorama yang luas. Western Express terbang di atas jembatan dengan kecepatan yang benar-benar luar biasa pada waktu itu (melebihi 150 km per jam). Selain itu, ini mungkin upaya pertama untuk menggambarkan cahaya melalui hujan.

Seni Inggris pada pertengahan abad ke-19. berkembang ke arah yang sama sekali berbeda dari lukisan Turner. Meskipun keahliannya diakui secara umum, tidak ada pemuda yang mengikutinya.

Turner telah lama dianggap sebagai cikal bakal Impresionisme. Tampaknya seniman Prancislah yang seharusnya mengembangkan lebih jauh pencarian warna dari cahaya. Tapi bukan itu masalahnya sama sekali. Pada dasarnya, pengaruh Turner pada kaum Impresionis kembali ke From Delacroix to Neo-Impressionism karya Paul Signac, yang diterbitkan pada tahun 1899, di mana dia menggambarkan bagaimana "pada tahun 1871, selama mereka tinggal lama di London, Claude Manet dan Camille Pissarro menemukan Turner. Mereka mengagumi kualitas warnanya yang percaya diri dan magis, mereka mempelajari karyanya, mereka menganalisis tekniknya. Pada awalnya mereka kagum dengan penggambarannya tentang salju dan es, terkejut dengan cara dia bisa menyampaikan rasa putihnya salju, yang mereka sendiri tidak bisa, dengan bercak putih keperakan yang rata dengan sapuan kuas yang lebar. . Mereka melihat bahwa kesan ini tidak dapat dicapai dengan kapur saja. Dan banyak sapuan multi-warna. Menimbulkan satu di samping yang lain, yang menimbulkan kesan ini, jika Anda melihatnya dari jauh.

Selama tahun-tahun ini, Signac mencari ke mana-mana untuk konfirmasi teori pointilismenya. Tetapi tidak satu pun lukisan Turner yang dapat dilihat oleh seniman Prancis di Galeri Nasional pada tahun 1871, ada teknik pointillisme yang dijelaskan oleh Signac, juga tidak ada "bintik-bintik kapur yang luas". Nyatanya, pengaruh Turner terhadap Prancis tidak lebih kuat di 1870 -e, dan pada tahun 1890-an.

Turner dipelajari dengan sangat hati-hati oleh Paul Signac - tidak hanya sebagai pelopor impresionisme, yang dia tulis dalam bukunya, tetapi juga sebagai seniman inovatif yang hebat. Tentang lukisan akhir Turner "Rain, Steam and Speed", "Exile", "Morning" dan "Evening of the Flood", Signac menulis kepada temannya Angrand: arti kata yang indah."

Penilaian antusias Signac menandai awal dari pemahaman modern tentang pencarian bergambar Turner. Tetapi dalam beberapa tahun terakhir, kadang-kadang terjadi bahwa mereka tidak memperhitungkan subteks dan kerumitan arah pencariannya, secara sepihak memilih contoh dari "underpaintings" Turner yang benar-benar belum selesai, mencoba menemukan dalam dirinya pendahulu impresionisme.

Dari artis terbaru, semuanya secara alami menunjukkan perbandingan dengan Monet, yang mengakui pengaruh Turner padanya. Bahkan ada satu plot yang sangat mirip di keduanya - yaitu portal barat Katedral Rouen. Tetapi jika Monet memberi kita studi tentang penerangan matahari bangunan, dia tidak memberi kita Gotik, tetapi semacam model telanjang, di Turner Anda mengerti mengapa artis, yang sepenuhnya terserap di alam, menjadi tertarik pada topik ini - dalam karyanya gambar justru kombinasi dari kemegahan yang luar biasa dari keseluruhan dan ketidakterbatasan yang memukau berbagai detail yang membawa kreasi seni Gotik lebih dekat dengan karya alam.

Sifat khusus budaya Inggris dan seni romantik membuka kemungkinan munculnya seniman plein air pertama, yang meletakkan dasar bagi citra alam di abad ke-19, John Constable (1776-1837). Polisi Inggris memilih lanskap sebagai genre utama lukisannya: “Dunia ini hebat; tidak ada dua hari yang sama, bahkan dua jam pun tidak sama; Sejak penciptaan dunia, tidak ada dua daun yang sama pada satu pohon, dan semua karya seni sejati, seperti ciptaan alam, berbeda satu sama lain,” katanya.

Polisi melukis sketsa minyak besar di udara terbuka dengan pengamatan halus keadaan alam yang berbeda... Di dalamnya, dia mampu menyampaikan kompleksitas kehidupan batin alam dan kehidupan sehari-harinya. (“Pemandangan Highgate dari Perbukitan Hempstead”, OKE. 1834; "gerobak jerami" 1821; “Detham Valley”, ca. 1828) mencapai ini dengan bantuan teknik penulisan. Ia melukis dengan sapuan yang bergerak, terkadang tebal dan kasar, terkadang lebih halus dan lebih transparan. Kaum Impresionis akan sampai pada hal ini hanya pada akhir abad ini. Lukisan inovatif Constable memengaruhi karya Delacroix, serta seluruh perkembangan lanskap Prancis.

Seni Constable, serta banyak aspek karya Gericault, menandai munculnya tren realistik dalam seni Eropa abad ke-19, yang awalnya berkembang seiring dengan romantisme. Belakangan, jalan mereka menyimpang.

Romantisme membuka dunia jiwa manusia, individu, tidak seperti orang lain, tetapi tulus dan karenanya dekat dengan semua visi sensual dunia. Gambaran instan dalam lukisan, seperti yang dikatakan Gelacroix, dan bukan konsistensinya dalam pertunjukan sastra, menentukan fokus seniman pada transmisi gerakan yang paling kompleks, yang karenanya solusi formal dan warna baru ditemukan. Romantisme meninggalkan warisan paruh kedua abad XIX. semua masalah dan individualitas artistik ini dibebaskan dari aturan akademisi. Simbol, yang di antara kaum Romantik seharusnya mengungkapkan kombinasi esensial antara ide dan kehidupan, dalam seni paruh kedua abad ke-19. larut dalam polifoni gambar artistik, menangkap keragaman ide dan dunia sekitarnya.

b) Musik

Gagasan sintesis seni menemukan ekspresi dalam ideologi dan praktik romantisme. Romantisisme dalam musik terbentuk pada tahun 20-an abad ke-19 di bawah pengaruh sastra romantisme dan berkembang dalam hubungannya yang erat dengannya, dengan sastra pada umumnya (beralih ke genre sintetik, terutama opera, lagu, miniatur instrumental, dan pemrograman musik). Daya tarik dunia batin seseorang, karakteristik romantisme, diekspresikan dalam kultus subjektif, keinginan untuk intens secara emosional, yang menentukan keunggulan musik dan lirik dalam romantisme.

Musik paruh pertama abad ke-19. berkembang pesat. Bahasa musik baru muncul; dalam musik instrumental dan vokal kamar, miniatur mendapat tempat khusus; orkestra terdengar dengan spektrum warna yang beragam; kemungkinan piano dan biola terungkap dengan cara baru; musik romantisme sangat virtuoso.

Romantisme musik memanifestasikan dirinya dalam banyak cabang berbeda yang terkait dengan budaya nasional yang berbeda dan dengan gerakan sosial yang berbeda. Jadi, misalnya, gaya romantisme Jerman yang intim dan liris dan kesedihan sipil "oratoris", yang menjadi ciri khas karya komposer Prancis, berbeda secara signifikan. Pada gilirannya, perwakilan dari sekolah nasional baru yang muncul atas dasar gerakan pembebasan nasional yang luas (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), serta perwakilan dari sekolah opera Italia, terkait erat dengan gerakan Risorgimento (Verdi, Bellini), dalam banyak hal berbeda dari orang-orang sezaman di Jerman, Austria atau Prancis, khususnya, kecenderungan untuk melestarikan tradisi klasik.

Namun demikian, semuanya ditandai oleh beberapa prinsip artistik umum yang memungkinkan kita berbicara tentang satu struktur pemikiran romantis.

Karena kemampuan khusus musik untuk mengungkapkan secara mendalam dan menembus dunia pengalaman manusia yang kaya, itu ditempatkan di tempat pertama di antara seni lainnya oleh estetika romantis. Banyak romantisme menekankan awal yang intuitif pada musik, menghubungkannya dengan properti untuk mengekspresikan yang "tidak dapat diketahui". Karya komposer romantis yang luar biasa memiliki dasar realistis yang kuat. Ketertarikan pada kehidupan orang biasa, kepenuhan hidup dan kebenaran perasaan, ketergantungan pada musik kehidupan sehari-hari menentukan realisme karya perwakilan terbaik dari romantisme musik. Kecenderungan reaksioner (mistisisme, pelarian dari kenyataan) hanya melekat pada sejumlah kecil karya romantisme. Mereka muncul sebagian dalam opera Euryanta oleh Weber (1823), dalam beberapa drama musikal oleh Wagner, oratorio Christ oleh Liszt (1862), dll.

Pada awal abad ke-19, studi fundamental tentang cerita rakyat, sejarah, sastra kuno muncul, legenda abad pertengahan, seni gotik, dan budaya Renaisans yang telah dilupakan dibangkitkan. Pada saat itulah banyak aliran nasional dari jenis khusus berkembang dalam karya komposer Eropa, yang ditakdirkan untuk memperluas batas-batas budaya umum Eropa secara signifikan. Rusia, yang segera mengambil, jika bukan yang pertama, maka salah satu tempat pertama dalam kreativitas budaya dunia (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), Polandia (Chopin, Moniuszko), Ceko (Krim Asam, Dvorak), Hongaria ( Daftar), lalu Norwegia (Grieg), Spanyol (Pedrel), Finlandia (Sibelius), Inggris (Elgar) - semuanya, bergabung ke arus utama kreativitas komposer di Eropa, sama sekali tidak menentang tradisi kuno yang sudah mapan . Sebuah lingkaran gambar baru muncul, mengungkapkan ciri-ciri nasional yang unik dari budaya nasional tempat sang komposer berada. Struktur intonasi karya tersebut memungkinkan Anda untuk langsung mengenali dengan telinga milik sekolah nasional tertentu.

Komposer terlibat dalam bahasa musik umum Eropa perubahan intonasi dari cerita rakyat lama, terutama cerita rakyat petani di negara mereka. Mereka, seolah-olah, membersihkan lagu rakyat Rusia dari opera yang dipernis, mereka memperkenalkan ke dalam sistem intonasi kosmopolitan pergantian lagu abad ke-18 dari genre rakyat sehari-hari. Fenomena paling mencolok dalam musik romantisme, yang secara khusus terlihat jelas jika dibandingkan dengan bidang kiasan klasisisme, adalah dominasi prinsip liris-psikologis. Tentu saja ciri khas seni musik pada umumnya adalah pembiasan fenomena apapun melalui lingkup perasaan. Musik dari semua era tunduk pada pola ini. Tetapi romantisme melampaui semua pendahulu mereka dalam nilai permulaan liris dalam musik mereka, dalam kekuatan dan kesempurnaan dalam menyampaikan kedalaman dunia batin seseorang, nuansa suasana hati yang paling halus.

Tema cinta menempati tempat dominan di dalamnya, karena keadaan pikiran inilah yang paling komprehensif dan sepenuhnya mencerminkan semua kedalaman dan nuansa jiwa manusia. Namun sangat khas bahwa tema ini tidak terbatas pada motif cinta dalam arti harfiahnya, tetapi diidentikkan dengan fenomena yang paling luas. Pengalaman liris murni para karakter terungkap dengan latar belakang panorama sejarah yang luas. Cinta seseorang untuk rumahnya, untuk tanah airnya, untuk bangsanya mengalir seperti benang melalui karya semua komposer romantis.

Tempat yang sangat besar diberikan dalam karya musik bentuk kecil dan besar untuk citra alam, terkait erat dan tak terpisahkan dengan tema pengakuan liris. Seperti citra cinta, citra alam melambangkan keadaan jiwa sang pahlawan, sehingga seringkali diwarnai oleh rasa ketidakharmonisan dengan kenyataan.

Tema fantasi seringkali bersaing dengan gambaran alam, yang mungkin ditimbulkan oleh keinginan untuk lepas dari tawanan kehidupan nyata. Ciri khas romantisme adalah pencarian yang indah, berkilau dengan kekayaan warna dunia, berlawanan dengan kehidupan sehari-hari yang kelabu. Selama tahun-tahun inilah sastra diperkaya dengan dongeng, balada penulis Rusia. Di antara para komposer sekolah romantis, gambar-gambar yang luar biasa dan fantastis memperoleh pewarnaan unik nasional. Balada diilhami oleh penulis Rusia, dan berkat ini, karya rencana fantastis yang fantastis dibuat, melambangkan, seolah-olah, sisi iman yang salah, berjuang untuk membalikkan gagasan ketakutan akan kekuatan jahat.

Banyak komposer romantis juga berperan sebagai penulis dan kritikus musik (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, dll.). Karya teoretis perwakilan romantisme progresif memberikan kontribusi yang sangat signifikan bagi perkembangan isu-isu terpenting seni musik. Romantisme juga terekspresikan dalam seni pertunjukan (pemain biola Paganini, penyanyi A. Nurri, dan lain-lain).

Makna progresif Romantisisme pada periode ini terutama terletak pada aktivitasnya Franz Liszt. Karya Liszt, terlepas dari pandangan dunia yang kontradiktif, pada dasarnya progresif, realistis. Salah satu pendiri dan musik klasik Hongaria, artis nasional yang luar biasa.

Tema nasional Hongaria tercermin secara luas dalam banyak karya Liszt. Komposisi virtuoso romantis Liszt memperluas kemungkinan teknis dan ekspresif dari permainan piano (konser, sonata). Signifikan adalah koneksi Liszt dengan perwakilan musik Rusia, yang karyanya dia promosikan secara aktif.

Di saat yang sama, Liszt berperan besar dalam perkembangan seni musik dunia. Setelah Liszt, "segalanya menjadi mungkin untuk pianoforte." Ciri khas musiknya adalah improvisasi, kegembiraan perasaan romantis, melodi ekspresif. Liszt dihargai sebagai komposer, pemain, tokoh musik. Karya-karya utama komposer: opera “ Don Sancho atau kastil cinta”(1825), 13 puisi simfoni” Tasso ”, ” Prometheus ”, “Dukuh” dan lainnya, karya untuk orkestra, 2 konser untuk piano dan orkestra, 75 roman, paduan suara, dan karya lain yang sama-sama terkenal.

Salah satu perwujudan romantisme pertama dalam musik adalah kreativitas Franz Schubert(1797-1828). Schubert memasuki sejarah musik sebagai pendiri romantisme musik terbesar dan pencipta sejumlah genre baru: simfoni romantis, miniatur piano, lagu lirik-romantis (romansa). Yang terpenting dalam pekerjaannya adalah lagu, di mana dia menunjukkan banyak kecenderungan inovatif. Dalam lagu-lagu Schubert, dunia batin seseorang terungkap paling dalam, hubungannya yang khas dengan musik rakyat paling terlihat, salah satu ciri terpenting dari bakatnya paling jelas terlihat - variasi, keindahan, pesona melodi yang menakjubkan. Lagu-lagu terbaik periode awal adalah “ Margarita di roda pemintal ”(1814) , “raja hutan". Kedua lagu tersebut ditulis dengan kata-kata Goethe. Yang pertama, gadis terlantar itu mengingat kekasihnya. Dia kesepian dan sangat menderita, lagunya sedih. Melodi yang sederhana dan tulus hanya digaungkan oleh dengungan angin sepoi-sepoi yang monoton. "The Forest King" adalah karya yang rumit. Ini bukan lagu, melainkan adegan dramatis di mana tiga karakter muncul di hadapan kita: seorang ayah yang menunggang kuda melewati hutan, seorang anak yang sakit yang dia bawa bersamanya, dan seorang raja hutan yang tangguh yang menampakkan diri kepada seorang anak laki-laki yang sedang demam. igauan. Masing-masing memiliki bahasa melodi sendiri. Lagu Schubert "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" tidak kalah terkenal dan dicintai. Ditulis pada tahun-tahun berikutnya, lagu-lagu ini luar biasa karena melodinya yang sangat sederhana dan ekspresif serta warna-warna segar.

Schubert juga menulis dua siklus lagu - “ tukang giling cantik"(1823), dan" jalur musim dingin”(1872) - menurut kata-kata penyair Jerman Wilhelm Müller. Di masing-masing lagu tersebut disatukan oleh satu plot. Lagu-lagu dari siklus "The Beautiful Miller's Woman" menceritakan tentang seorang anak laki-laki. Mengikuti aliran sungai, dia memulai perjalanan untuk mencari kebahagiaannya. Sebagian besar lagu dalam siklus ini memiliki karakter yang ringan. Suasana siklus "Jalan Musim Dingin" sangat berbeda. Seorang pemuda miskin ditolak oleh seorang pengantin kaya. Dalam keputusasaan, dia meninggalkan kampung halamannya dan pergi menjelajahi dunia. Teman-temannya adalah angin, badai salju, burung gagak yang berkaok-kaok.

Beberapa contoh yang diberikan di sini memungkinkan kita untuk berbicara tentang ciri-ciri penulisan lagu Schubert.

Schubert suka menulis musik pianika. Untuk instrumen ini, dia menulis banyak sekali karya. Seperti lagu, karya pianonya mirip dengan musik sehari-hari dan sesederhana serta dapat dimengerti. Genre favorit dari komposisinya adalah tarian, pawai, dan di tahun-tahun terakhir hidupnya - dadakan.

Waltz dan tarian lainnya biasanya muncul di bola Schubert, di jalan desa. Di sana dia mengimprovisasinya, dan merekamnya di rumah.

Jika kita membandingkan karya piano Schubert dengan lagu-lagunya, kita bisa menemukan banyak kesamaan. Pertama-tama, ini adalah ekspresi melodi yang luar biasa, keanggunan, penjajaran warna-warni dari mayor dan minor.

Salah satu yang terbesar Perancis komposer paruh kedua abad ke-19 Georges Bizet, pencipta ciptaan abadi untuk teater musikal - opera “Carmen”dan musik yang indah untuk drama oleh Alphonse Daudet“ Arlesia ”.

Karya Bizet bercirikan keakuratan dan kejernihan pemikiran, kebaruan dan kesegaran sarana ekspresif, kelengkapan dan keanggunan bentuk. Bizet dicirikan oleh ketajaman analisis psikologis dalam memahami perasaan dan tindakan manusia, yang menjadi ciri khas karya rekan-rekan komposer yang hebat - penulis Balzac, Flaubert, Maupassant. Tempat sentral dalam karya Bizet, beragam genre, adalah milik opera. Seni opera sang komposer muncul di tanah nasional dan dipupuk oleh tradisi gedung opera Prancis. Bizet menganggap tugas pertama dalam karyanya untuk mengatasi batasan genre yang ada dalam opera Prancis, yang menghambat perkembangannya. Baginya, opera "besar" adalah genre yang mati, opera liris menjengkelkan dengan air mata dan pikiran sempit borjuis kecilnya, komik layak mendapat perhatian lebih dari yang lain. Untuk pertama kalinya dalam opera Bizet, adegan domestik dan massa yang menarik dan hidup muncul, mengantisipasi kehidupan dan adegan yang hidup.

Musik Bizet untuk drama Alphonse Daudet “Arlesian” dikenal terutama untuk dua suite konser yang terdiri dari nomor-nomor terbaiknya. Bizet menggunakan beberapa melodi Provençal otentik : “Pawai Tiga Raja” Dan "Tarian kuda lincah".

Opera Bizet Carmen” adalah drama musikal yang terungkap di hadapan penonton dengan kejujuran yang meyakinkan dan dengan kekuatan artistik yang menawan, kisah cinta dan kematian para pahlawannya: prajurit Jose dan Carmen yang gipsi. Opera Carmen dibuat atas dasar tradisi teater musikal Prancis, tetapi pada saat yang sama juga memperkenalkan banyak hal baru. Berdasarkan pencapaian terbaik opera nasional dan mereformasi elemen terpentingnya, Bizet menciptakan genre baru - drama musikal yang realistis.

Dalam sejarah gedung opera abad ke-19, opera Carmen menempati salah satu tempat pertama. Sejak 1876, prosesi kemenangannya dimulai di panggung gedung opera Wina, Brussel, dan London.

Manifestasi hubungan pribadi dengan lingkungan diekspresikan oleh penyair dan musisi, pertama-tama, dalam kesegeraan, "keterbukaan" emosional dan hasrat ekspresi, dalam upaya meyakinkan pendengar dengan bantuan intensitas nada yang tiada henti. pengakuan atau pengakuan.

Tren baru dalam seni ini memiliki pengaruh yang menentukan pada kemunculannya opera lirik. Itu muncul sebagai antitesis dari "agung" dan opera komik, tetapi tidak dapat melewati penaklukan dan pencapaian mereka di bidang dramaturgi opera dan sarana ekspresi musik.

Ciri khas dari genre opera baru adalah interpretasi liris dari setiap plot sastra - dengan tema sejarah, filosofis, atau modern. Para pahlawan opera liris diberkahi dengan ciri-ciri orang biasa, tanpa eksklusivitas dan hiperbolisasi, ciri khas opera romantis. Artis paling signifikan di bidang opera lirik adalah Charles Gunod.

Di antara warisan opera Gounod yang cukup banyak, opera “ Faust" menempati tempat khusus dan, bisa dikatakan, luar biasa. Ketenaran dan popularitasnya di seluruh dunia tidak tertandingi oleh opera Gounod lainnya. Signifikansi historis dari opera Faust sangat besar karena itu bukan hanya yang terbaik, tetapi pada dasarnya yang pertama di antara opera dari arah baru, yang ditulis oleh Tchaikovsky: “Tidak mungkin untuk menyangkal bahwa Faust ditulis, jika tidak dengan jenius, kemudian dengan keterampilan luar biasa dan tanpa identitas yang signifikan.” Dalam citra Faust, ketidakkonsistenan yang tajam dan "percabangan" kesadarannya, ketidakpuasan abadi yang disebabkan oleh keinginan untuk mengetahui dunia, dihaluskan. Gounod tidak bisa menyampaikan semua keserbagunaan dan kerumitan citra Goethe's Mephistopheles, yang mewujudkan semangat kritik militan pada zaman itu.

Salah satu alasan utama popularitas "Faust" adalah karena ia memusatkan fitur-fitur terbaik dan fundamental baru dari genre muda opera liris: transfer individu yang langsung secara emosional dan jelas dari dunia batin para karakter opera. Makna filosofis yang dalam dari Goethe's Faust, yang berusaha mengungkap takdir sejarah dan sosial seluruh umat manusia dengan contoh konflik tokoh utama, diwujudkan oleh Gounod dalam bentuk drama liris yang manusiawi Marguerite dan Faust.

Komposer Prancis, konduktor, kritikus musik Hector Berlioz memasuki sejarah musik sebagai komposer romantis terbesar, pencipta simfoni program, inovator di bidang bentuk musik, harmoni dan khususnya instrumentasi. Dalam karyanya, mereka menemukan perwujudan nyata dari ciri-ciri kesedihan dan kepahlawanan revolusioner. Berlioz akrab dengan M. Glinka, yang musiknya sangat dia hargai. Dia bersahabat dengan para pemimpin "Mighty Handful", yang dengan antusias menerima tulisan dan prinsip kreatifnya.

Dia menciptakan 5 karya panggung musik, termasuk opera “ Benvenuto Cillini ”(1838), “ Trojan ”,”Beatrice dan Benediktus(berdasarkan komedi Shakespeare Much Ado About Nothing, 1862); 23 karya vokal dan simfoni, 31 roman, paduan suara, ia menulis buku "Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration" (1844), "Evenings in the Orchestra" (1853), "Through Songs" (1862), "Musical Curiosities" ( 1859), "Memoirs" (1870), artikel, ulasan.

Jerman komposer, konduktor, dramawan, humas Richard Wagner memasuki sejarah budaya musik dunia sebagai salah satu pencipta musik terbesar dan pembaru utama seni opera. Tujuan dari reformasinya adalah untuk menciptakan karya simfoni vokal terprogram yang monumental dalam bentuk dramatis, yang dirancang untuk menggantikan semua jenis musik opera dan simfoni. Karya semacam itu adalah drama musikal, di mana musik mengalir dalam aliran yang berkelanjutan, menggabungkan semua mata rantai yang dramatis. Menolak nyanyian yang sudah selesai, Wagner menggantinya dengan semacam resitatif yang kaya secara emosional. Tempat yang luas dalam opera Wagner ditempati oleh episode orkestra independen, yang merupakan kontribusi berharga bagi musik simfoni dunia.

Tangan Wagner milik 13 opera:“ The Flying Dutchman”(1843),”Tannhäuser”(1845),“Tristan dan Isolde”(1865), “Emas dari Rhine”(1869) dan sebagainya.; paduan suara, karya piano, romansa.

Komposer, konduktor, pianis, guru, dan tokoh musik Jerman luar biasa lainnya adalah Felix Mendelssohn-Bartholdy. Sejak usia 9 tahun ia mulai tampil sebagai pianis, pada usia 17 tahun ia menciptakan salah satu mahakarya - pembukaan komedi " C dia di malam musim panas" Shakespeare. Pada tahun 1843 ia mendirikan konservatori pertama di Jerman di Leipzig. Dalam karya Mendelssohn, "klasik di antara romantisme", fitur romantis digabungkan dengan sistem pemikiran klasik. Musiknya bercirikan melodi yang cerah, demokrasi ekspresi, moderasi perasaan, ketenangan pikiran, dominasi emosi yang cerah, suasana liris, bukannya tanpa sedikit sentuhan sentimentalitas, bentuk yang sempurna, keahlian yang brilian. R. Schumann memanggilnya "Mozart abad ke-19", G. Heine - "keajaiban musik".

Penulis simfoni lanskap romantis ("Skotlandia", "Italia"), tawaran konser program, konser biola populer, siklus potongan untuk pianoforte "Lagu Tanpa Kata"; opera Camacho's Marriage Dia menulis musik untuk drama dramatis Antigone (1841), Oedipus in Colon (1845) oleh Sophocles, Atalia oleh Racine (1845), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1843) dan lain-lain; oratorios "Paul" (1836), "Elia" (1846); 2 concerto untuk piano dan 2 untuk biola.

DI DALAM Italia budaya musik tempat khusus milik Giuseppe Verdi - seorang komposer, konduktor, organis yang luar biasa. Bidang utama karya Verdi adalah opera. Dia bertindak terutama sebagai juru bicara perasaan heroik-patriotik dan gagasan pembebasan nasional rakyat Italia. Di tahun-tahun berikutnya, dia memperhatikan konflik dramatis yang ditimbulkan oleh ketidaksetaraan sosial, kekerasan, penindasan, dan mencela kejahatan dalam opera-operanya. Ciri khas karya Verdi: musik rakyat, temperamen dramatis, kecerahan melodi, pemahaman hukum panggung.

Dia menulis 26 opera: “ Nabucco", "Macbeth", "Troubadour", "La Traviata", "Othello", "Aida" dan sebagainya . , 20 roman, ansambel vokal .

Muda Norwegia komposer Edvard Grieg (1843-1907) bercita-cita untuk perkembangan musik nasional. Ini diungkapkan tidak hanya dalam karyanya, tetapi juga dalam promosi musik Norwegia.

Selama bertahun-tahun di Kopenhagen, Grieg menulis banyak musik: “ Gambar Puitis” Dan "Humoresque", sonata untuk piano dan sonata biola pertama, lagu. Dengan setiap karya baru, citra Grieg sebagai komposer Norwegia semakin jelas. Dalam liris halus "Poetic Pictures" (1863), ciri-ciri nasional masih dengan malu-malu menerobos. Sosok ritmis sering ditemukan dalam musik rakyat Norwegia; itu menjadi ciri khas banyak melodi Grieg.

Karya Grieg sangat luas dan beragam. Grieg menulis karya dari berbagai genre. Piano Concerto and Ballades, tiga sonata untuk biola dan piano dan sonata untuk cello dan piano, kuartet ini membuktikan keinginan Grieg yang terus-menerus akan bentuk yang besar. Pada saat yang sama, minat sang komposer pada miniatur instrumental tetap tidak berubah. Pada tingkat yang sama dengan pianoforte, sang komposer tertarik dengan miniatur vokal kamar - sebuah roman, sebuah lagu. Jangan menjadi yang utama dengan Grieg, bidang kreativitas simfoni ditandai dengan mahakarya seperti suite " Per Gounod ”, “Dari zaman Holberg". Salah satu ciri khas karya Grieg adalah pengolahan lagu dan tarian daerah: berupa karya piano sederhana, suite cycle untuk piano empat tangan.

Bahasa musik Grieg sangat orisinal. Individualitas gaya penggubah sebagian besar ditentukan oleh hubungannya yang dalam dengan musik rakyat Norwegia. Grieg banyak menggunakan ciri genre, struktur intonasi, formula ritmis lagu daerah dan melodi tari.

Penguasaan Grieg yang luar biasa dalam pengembangan variasi dan varian melodi berakar pada tradisi rakyat pengulangan berulang melodi dengan perubahannya. "Saya merekam musik rakyat negara saya." Di balik kata-kata ini terletak sikap hormat Grieg terhadap kesenian rakyat dan pengakuan atas perannya yang menentukan bagi kreativitasnya sendiri.

7. KESIMPULAN

Berdasarkan hal tersebut di atas, dapat ditarik kesimpulan sebagai berikut:

Munculnya romantisme dipengaruhi oleh tiga peristiwa utama: Revolusi Prancis, Perang Napoleon, kebangkitan gerakan pembebasan nasional di Eropa.

Romantisme sebagai metode dan arahan dalam budaya artistik merupakan fenomena yang kompleks dan kontroversial. Di setiap negara dia memiliki ekspresi nasional yang cerah. Romantis menduduki berbagai posisi sosial dan politik dalam masyarakat. Mereka semua memberontak melawan hasil revolusi borjuis, tetapi memberontak dengan cara yang berbeda, karena masing-masing memiliki cita-citanya sendiri. Tetapi dengan banyak wajah dan keragaman, romantisme memiliki ciri-ciri yang stabil:

Semuanya berasal dari penolakan Pencerahan dan kanon klasisisme rasionalistik, yang membelenggu inisiatif kreatif seniman.

Mereka menemukan prinsip historisisme (para pencerahan menilai masa lalu secara anti-historis bagi mereka ada yang "masuk akal" dan "tidak masuk akal"). Kami melihat karakter manusia di masa lalu, dibentuk oleh zamannya. Ketertarikan pada masa lalu nasional memunculkan banyak karya sejarah.

Ketertarikan pada kepribadian kuat yang menentang dirinya sendiri terhadap seluruh dunia di sekitarnya dan hanya mengandalkan dirinya sendiri.

Perhatian pada dunia batin manusia.

Romantisisme berkembang luas baik di negara-negara Eropa Barat maupun di Rusia. Namun, romantisme di Rusia berbeda dari Eropa Barat karena latar sejarah dan tradisi budaya yang berbeda. Alasan sebenarnya munculnya romantisme di Rusia adalah Perang Patriotik tahun 1812, di mana semua kekuatan inisiatif rakyat terwujud.

Fitur romantisme Rusia:

Romantisisme tidak menentang Pencerahan. Ideologi pencerahan melemah, tetapi tidak runtuh, seperti di Eropa. Cita-cita seorang raja yang tercerahkan belum habis dengan sendirinya.

Romantisme berkembang secara paralel dengan klasisisme, seringkali terjalin dengannya.

Romantisme di Rusia memanifestasikan dirinya dengan cara yang berbeda dalam berbagai jenis seni. Dalam arsitektur, itu tidak dibaca sama sekali. Dalam lukisan, itu mengering pada pertengahan abad ke-19. Dia hanya muncul sebagian dalam musik. Mungkin hanya dalam sastra romantisme memanifestasikan dirinya secara konsisten.

Dalam seni visual, romantisme memanifestasikan dirinya paling jelas dalam lukisan dan grafik, kurang ekspresif dalam seni pahat dan arsitektur.

Romantisme membuka dunia jiwa manusia, individu, tidak seperti orang lain, tetapi tulus dan karenanya dekat dengan semua visi sensual dunia. Gambaran seketika dalam lukisan, seperti yang dikatakan Delacroix, dan bukan konsistensinya dalam pertunjukan sastra, menentukan fokus seniman pada transmisi gerakan yang paling kompleks, yang karenanya solusi formal dan warna baru ditemukan. Romantisme meninggalkan warisan paruh kedua abad XIX. semua masalah dan individualitas artistik ini dibebaskan dari aturan akademisi. Simbol, yang di antara kaum Romantik seharusnya mengungkapkan kombinasi esensial antara ide dan kehidupan, dalam seni paruh kedua abad ke-19. larut dalam polifoni gambar artistik, menangkap keragaman ide dan dunia sekitarnya. Romantisme dalam seni lukis sangat erat kaitannya dengan sentimentalisme.

Berkat romantisme, visi subjektif pribadi artis berbentuk hukum. Impresionisme akan sepenuhnya menghancurkan penghalang antara seniman dan alam, menyatakan seni sebagai kesan. Romantika berbicara tentang fantasi artis, "suara perasaannya", yang memungkinkannya untuk berhenti bekerja ketika sang master menganggapnya perlu, dan tidak seperti yang disyaratkan oleh standar kelengkapan akademik.

Romantisme meninggalkan seluruh era dalam budaya artistik dunia, perwakilannya adalah: dalam sastra Rusia Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, dan lainnya; dalam seni rupa E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin dan lainnya; dalam musik F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin dan lain-lain Mereka menemukan dan mengembangkan genre baru, memperhatikan nasib kepribadian manusia, mengungkapkan dialektika baik dan jahat, mengungkapkan nafsu manusia dengan ahli, dll.

Bentuk seni kurang lebih disamakan signifikansinya dan menghasilkan karya seni yang luar biasa, meskipun romantisme mengutamakan musik di tangga seni.

Romantisisme sebagai pandangan dunia ada di Rusia pada gelombang pertamanya dari akhir abad ke-18 hingga tahun 1850-an. Garis romantisme dalam seni Rusia tidak berhenti di tahun 1850-an. Tema keadaan, yang ditemukan oleh kaum Romantik untuk seni, kemudian dikembangkan oleh para seniman Mawar Biru. Pewaris langsung dari Romantik tidak diragukan lagi adalah para Simbolis. Tema romantis, motif, perangkat ekspresif memasuki seni dengan gaya, arah, asosiasi kreatif yang berbeda. Pandangan dunia romantis atau pandangan dunia ternyata menjadi salah satu yang paling hidup, ulet, berbuah.

Romantisme sebagai sikap umum yang menjadi ciri khas anak muda, sebagai keinginan akan kebebasan yang ideal dan kreatif, masih terus hidup dalam dunia seni rupa.

8. REFERENSI

1. Aminskaya A.M. Alexey Gavrilovich Vnetsianov. -- M: Pengetahuan, 1980

2. Atsarkina E.N. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: Seni, 1971.

3. Belinsky V.G. Bekerja. A.Pushkin. - M: 1976.

4. Ensiklopedia Soviet yang Hebat (Kepala redaksi Prokhorov A.M.).- M: Ensiklopedia Soviet, 1977.

5. Vainkop Yu., Gusin I. Kamus biografi singkat komposer. - L: Musik, 1983.

6. Tropiin Andreevich dengan mudah (di bawah redaksi M.M. Rakovskaya). -- M: Seni rupa, 1982.

7. Vorotnikov A.A., Gorshkovoz O.D., Yorkina O.A. Sejarah seni. - Mn: Sastra, 1997.

8. Zimenko V. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: Rumah Penerbitan Seni Rupa Negara, 1951.

9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. Hidup dan seni. - M: 1989.

10. Sastra musik dari luar negeri (di bawah keredaksian B. Levik).- M: Musik, 1984.

11. Nekrasova E.A. Tukang bubut. -- M: Seni Rupa, 1976.

12. Ozhegov S.I. Kamus bahasa Rusia. - M: Rumah penerbit kamus asing dan Rusia, 1953.

13. Orlova M. J. Polisi. -- M: Seni, 1946.

14. Seniman Rusia. A.G. Venetsianov. - M: Rumah Penerbitan Seni Rupa Negara, 1963.

15. Sokolov A.N. Sejarah sastra Rusia abad ke-19 (paruh pertama). - M : Sekolah Tinggi, 1976.

16. Turchin V.S. Orest Kiprensky. -- M: Pengetahuan, 1982.

17. Turchin V.S. Theodore Gericault. -- M: Seni rupa, 1982.

18. Filimonova S.V. Sejarah budaya seni dunia.-- Mozyr: White wind, 1997.

Romantisme sebagai tren seni lukis terbentuk di Eropa Barat pada akhir abad ke-18. Romantisme mencapai puncaknya dalam seni sebagian besar negara Eropa Barat pada 1920-an dan 1930-an. abad ke-19.

Istilah "romantisisme" sendiri berasal dari kata "novel" (pada abad ke-17, karya sastra yang ditulis bukan dalam bahasa Latin, tetapi dalam bahasa turunannya - Prancis, Inggris, dll.) Disebut novel. Belakangan, segala sesuatu yang tidak bisa dipahami dan misterius mulai disebut romantis.

Sebagai fenomena budaya, romantisme terbentuk dari pandangan dunia khusus yang dihasilkan oleh Revolusi Prancis. Kecewa dengan cita-cita Pencerahan, kaum Romantik, berjuang untuk harmoni dan integritas, menciptakan cita-cita estetika dan nilai-nilai artistik baru. Objek utama perhatian mereka adalah karakter yang luar biasa dengan semua pengalaman dan keinginan mereka untuk kebebasan. Pahlawan karya romantis adalah orang luar biasa yang, atas kehendak takdir, menemukan dirinya dalam keadaan hidup yang sulit.

Meskipun romantisme muncul sebagai protes terhadap seni klasisisme, dalam banyak hal ia mirip dengan yang terakhir. Romantika sebagian adalah perwakilan klasisisme seperti N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.

Romantisme memperkenalkan ciri-ciri asli nasional ke dalam lukisan, yaitu sesuatu yang kurang dalam seni klasik.
Perwakilan romantisme Prancis terbesar adalah T. Gericault.

Theodore Gericault

Theodore Gericault, pelukis, pematung, dan seniman grafis Prancis yang hebat, lahir pada 1791 di Rouen dari sebuah keluarga kaya. Bakat artis terwujud dalam dirinya cukup awal. Seringkali, alih-alih menghadiri kelas di sekolah, Géricault duduk di kandang dan menggambar kuda. Meski begitu, dia berusaha tidak hanya untuk mentransfer ciri-ciri luar hewan ke kertas, tetapi juga untuk menyampaikan watak dan karakter mereka.

Setelah lulus dari Lyceum pada tahun 1808, Géricault menjadi murid pelukis terkenal Carl Vernet, yang terkenal karena kemampuannya menggambarkan kuda di atas kanvas. Namun, artis muda itu tidak menyukai gaya Vernet. Segera dia meninggalkan bengkel dan pergi belajar dengan pelukis lain yang tidak kalah berbakat dari Vernet, P. N. Guerin. Saat belajar dengan dua seniman terkenal, Gericault tetap tidak melanjutkan tradisinya dalam seni lukis. J. A. Gros dan J. L. David mungkin harus dianggap sebagai gurunya yang sebenarnya.

Karya-karya awal Gericault dibedakan oleh fakta bahwa mereka sedekat mungkin dengan kehidupan. Lukisan seperti itu sangat ekspresif dan menyedihkan. Mereka menunjukkan suasana hati penulis yang antusias saat menilai dunia di sekitarnya. Contohnya adalah lukisan berjudul "Petugas Penjaga Kuda Kekaisaran selama Serangan", dibuat pada tahun 1812. Kanvas ini pertama kali dilihat oleh pengunjung Salon Paris. Mereka menerima karya seniman muda itu dengan kekaguman, menghargai bakat tuan muda itu.

Karya itu diciptakan selama periode sejarah Prancis itu, ketika Napoleon berada di puncak kejayaannya. Orang-orang sezaman mengidolakannya, kaisar agung, yang berhasil menaklukkan sebagian besar Eropa. Dengan suasana hati seperti itu, di bawah kesan kemenangan pasukan Napoleon, lukisan itu dilukis. Kanvas itu menunjukkan seorang prajurit berlari kencang di atas kuda. Wajahnya mengungkapkan tekad, keberanian, dan keberanian dalam menghadapi kematian. Seluruh komposisi
luar biasa dinamis dan emosional. Penonton merasa bahwa dia sendiri menjadi peserta nyata dalam peristiwa yang digambarkan di kanvas.

Sosok prajurit pemberani akan muncul lebih dari satu kali dalam karya Géricault. Di antara gambar-gambar tersebut, yang menarik adalah para pahlawan lukisan "Petugas Carabinieri", "Petugas Cuirassier sebelum penyerangan", "Potret Carabinieri", "Cuirassier Terluka", dibuat pada tahun 1812-1814. Karya terakhir ini luar biasa karena dipresentasikan pada pameran berikutnya yang diadakan di Salon di tahun yang sama. Namun, ini bukanlah keunggulan utama dari komposisi tersebut. Lebih penting lagi, ini menunjukkan perubahan yang terjadi pada gaya kreatif artis. Jika perasaan patriotik yang tulus tercermin dalam kanvas pertamanya, maka dalam karya-karya yang berasal dari tahun 1814, kesedihan dalam penggambaran pahlawan digantikan oleh drama.

Perubahan mood artis yang serupa kembali dikaitkan dengan peristiwa yang terjadi saat itu di Prancis. Pada tahun 1812, Napoleon dikalahkan di Rusia, sehubungan dengan itu dia, yang pernah menjadi pahlawan yang brilian, memperoleh kemuliaan dari orang-orang sezamannya sebagai pemimpin militer yang gagal dan orang yang sombong dan sombong. Géricault mewujudkan kekecewaannya pada cita-cita dalam lukisan "The Wounded Cuirassier". Kanvas tersebut menggambarkan seorang prajurit yang terluka yang mencoba meninggalkan medan perang secepat mungkin. Dia bersandar pada pedang - senjata yang, mungkin, hanya beberapa menit yang lalu dia pegang, mengangkatnya tinggi-tinggi.

Ketidakpuasan Géricault dengan kebijakan Napoleon yang menentukan masuknya dia ke dalam pelayanan Louis XVIII, yang mengambil tahta Prancis pada tahun 1814. Fakta bahwa setelah perebutan kekuasaan kedua di Prancis oleh Napoleon (periode Seratus Hari), artis muda itu meninggalkannya negara asal bersama dengan Bourbon. Tapi di sini juga, kekecewaan menunggunya. Pemuda itu tidak bisa dengan tenang menyaksikan bagaimana raja menghancurkan semua yang dicapai pada masa pemerintahan Napoleon. Selain itu, di bawah Louis XVIII terjadi intensifikasi reaksi feodal-Katolik, negara mundur semakin cepat, kembali ke sistem negara lama. Ini tidak dapat diterima oleh orang muda yang berpikiran progresif. Segera, pemuda itu, yang kehilangan kepercayaan pada cita-citanya, meninggalkan pasukan yang dipimpin oleh Louis XVIII, dan kembali mengambil kuas dan cat. Tahun-tahun ini tidak bisa disebut cerah dan sesuatu yang luar biasa dalam karya senimannya.

Pada tahun 1816, Gericault melakukan perjalanan ke Italia. Setelah mengunjungi Roma dan Florence dan mempelajari mahakarya para master terkenal, sang seniman menyukai lukisan monumental. Lukisan dinding Michelangelo, yang menghiasi Kapel Sistina, sangat menyita perhatiannya. Pada saat ini, karya-karya Géricault diciptakan, dalam skala dan keagungannya, dalam banyak hal mengingatkan pada kanvas para pelukis Renaisans Tinggi. Diantaranya, yang paling menarik adalah "Penculikan Nimfa oleh Centaur" dan "Pria yang Melempar Banteng".

Ciri-ciri yang sama dari gaya para empu tua juga terlihat pada lukisan "Berlari kuda bebas di Roma", dilukis sekitar tahun 1817 dan mewakili kompetisi penunggang kuda di salah satu karnaval yang berlangsung di Roma. Keunikan dari komposisi ini adalah disusun oleh seniman dari gambar alam yang dibuat sebelumnya. Selain itu, sifat sketsa sangat berbeda dari gaya keseluruhan karya. Jika yang pertama adalah adegan yang menggambarkan kehidupan orang Romawi - seniman sezaman, maka dalam komposisi keseluruhan ada gambar pahlawan kuno yang berani, seolah-olah mereka keluar dari narasi kuno. Dalam hal ini, Gericault mengikuti jalan J.L. David, yang, untuk memberikan citra kesedihan heroik, mendandani pahlawannya dalam bentuk kuno.

Segera setelah melukis gambar ini, Gericault kembali ke Prancis, di mana ia menjadi anggota lingkaran oposisi yang dibentuk di sekitar pelukis Horace Vernet. Setibanya di Paris, artis tersebut sangat tertarik dengan grafik. Pada tahun 1818, ia membuat serangkaian litograf dengan tema militer, di antaranya yang paling signifikan adalah "Kembali dari Rusia". Litograf tersebut melambangkan prajurit yang kalah dari tentara Prancis yang berkeliaran di lapangan yang tertutup salju. Sosok orang lumpuh dan lelah perang digambarkan dengan cara yang hidup dan jujur. Tidak ada kesedihan dan kepahlawanan dalam komposisi, yang merupakan ciri khas karya awal Gericault. Seniman tersebut berusaha untuk mencerminkan keadaan sebenarnya, semua bencana yang harus ditanggung oleh tentara Prancis yang ditinggalkan oleh komandan mereka di negeri asing.

Dalam karya "Return from Russia" untuk pertama kalinya terdengar tema perjuangan manusia melawan kematian. Namun, di sini motif tersebut belum diungkapkan sejelas pada karya-karya Géricault selanjutnya. Contoh kanvas semacam itu bisa berupa lukisan berjudul "The Raft of the Medusa". Itu ditulis pada tahun 1819 dan dipamerkan di Paris Salon pada tahun yang sama. Kanvas tersebut menggambarkan orang-orang yang berjuang melawan elemen air yang mengamuk. Seniman itu tidak hanya menunjukkan penderitaan dan siksaan mereka, tetapi juga keinginan untuk tampil sebagai pemenang dalam perang melawan kematian dengan segala cara.

Plot komposisi ditentukan oleh sebuah peristiwa yang terjadi pada musim panas tahun 1816 dan menggemparkan seluruh Prancis. Fregat "Medusa" yang terkenal saat itu menabrak terumbu karang dan tenggelam di lepas pantai Afrika. Dari 149 orang yang berada di kapal, hanya 15 yang berhasil melarikan diri, di antaranya adalah ahli bedah Savigny dan insinyur Correard. Setibanya di tanah air, mereka menerbitkan sebuah buku kecil yang menceritakan tentang petualangan mereka dan penyelamatan bahagia. Dari ingatan inilah orang Prancis mengetahui bahwa kemalangan terjadi karena kesalahan kapten kapal yang tidak berpengalaman, yang naik ke kapal berkat perlindungan seorang teman bangsawan.

Gambar-gambar yang dibuat oleh Gericault sangat dinamis, plastik, dan ekspresif, yang dicapai oleh seniman melalui karya yang panjang dan melelahkan. Untuk benar-benar menggambarkan peristiwa mengerikan di atas kanvas, untuk menyampaikan perasaan orang yang sekarat di laut, sang seniman bertemu dengan saksi mata tragedi tersebut, untuk waktu yang lama ia mempelajari wajah pasien kurus yang dirawat di salah satu rumah sakit di Paris. , serta para pelaut yang berhasil melarikan diri dari bangkai kapal. Saat ini, pelukis menciptakan banyak sekali karya potret.

Laut yang mengamuk juga sarat dengan makna yang dalam, seolah berusaha menelan rakit kayu yang rapuh bersama manusia. Gambar ini sangat ekspresif dan dinamis. Itu, seperti sosok orang, diambil dari alam: sang seniman membuat beberapa sketsa yang menggambarkan laut saat badai. Mengerjakan komposisi yang monumental, Gericault berulang kali beralih ke sketsa yang telah disiapkan sebelumnya untuk mencerminkan sifat elemen sepenuhnya. Itulah mengapa gambar tersebut memberikan kesan yang sangat besar pada penontonnya, meyakinkannya tentang realisme dan kebenaran dari apa yang terjadi.

"The Raft of the Medusa" menghadirkan Géricault sebagai ahli komposisi yang luar biasa. Untuk waktu yang lama, sang seniman berpikir tentang bagaimana menyusun figur-figur dalam gambar agar dapat mengungkapkan maksud pengarang secara maksimal. Beberapa perubahan dilakukan selama pengerjaan. Sketsa-sketsa sebelum lukisan itu menunjukkan bahwa awalnya Gericault ingin menggambarkan perjuangan orang-orang di atas rakit satu sama lain, tetapi kemudian meninggalkan interpretasi peristiwa tersebut. Dalam versi terakhir, kanvas mewakili momen ketika orang-orang yang sudah putus asa melihat kapal Argus di cakrawala dan mengulurkan tangan ke sana. Tambahan terakhir pada gambar itu adalah sosok manusia yang ditempatkan di bawah, di sisi kanan kanvas. Dialah yang merupakan sentuhan terakhir dari komposisi tersebut, yang setelah itu memperoleh karakter yang sangat tragis. Patut dicatat bahwa perubahan ini dilakukan saat lukisan itu sudah dipajang di Salon.

Dengan monumentalitas dan emosi yang tinggi, lukisan Gericault dalam banyak hal mengingatkan pada karya master Renaisans Tinggi (kebanyakan The Last Judgment karya Michelangelo), yang ditemui seniman saat bepergian di Italia.

Lukisan "The Raft of the Medusa", yang menjadi mahakarya lukisan Prancis, sukses besar di kalangan oposisi, yang melihatnya sebagai cerminan cita-cita revolusioner. Untuk alasan yang sama, karya itu tidak diterima di kalangan bangsawan tertinggi dan perwakilan resmi seni rupa Prancis. Itu sebabnya saat itu kanvas tidak dibeli oleh negara dari pengarangnya.

Kecewa dengan sambutan yang diberikan atas kreasinya di rumah, Gericault pergi ke Inggris, di mana dia mempresentasikan karya favoritnya ke pengadilan Inggris. Di London, penikmat seni menerima kanvas terkenal itu dengan sangat antusias.

Gericault mendekati seniman Inggris, yang memenangkannya dengan kemampuan mereka untuk menggambarkan realitas dengan tulus dan jujur. Gericault mengabdikan siklus litograf untuk kehidupan dan kehidupan ibu kota Inggris, di antaranya karya-karya yang mendapat gelar "The Great English Suite" (1821) dan "The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery" (1821) adalah kepentingan terbesar. Yang terakhir, sang seniman menggambarkan gelandangan London, yang mencerminkan kesan yang diterima pelukis dalam proses mempelajari kehidupan orang-orang di kawasan kelas pekerja kota.

Siklus yang sama termasuk litograf seperti "The Flanders Smith" dan "At the Gates of the Adelphin Shipyard", yang menyajikan kepada pemirsa gambaran tentang kehidupan orang biasa di London. Yang menarik dari karya-karya ini adalah gambar kuda, berat dan kelebihan berat badan. Mereka sangat berbeda dari hewan anggun dan anggun yang dilukis oleh seniman lain - sezaman dengan Géricault.

Berada di ibu kota Inggris, Gericault terlibat dalam pembuatan tidak hanya litograf, tetapi juga lukisan. Salah satu karya paling mencolok pada periode ini adalah kanvas "Race at Epsom", yang dibuat pada tahun 1821. Dalam gambar tersebut, sang seniman menggambarkan kuda-kuda yang berlari dengan kecepatan penuh, dan kaki mereka sama sekali tidak menyentuh tanah. Teknik licik ini (foto membuktikan bahwa kuda tidak dapat memiliki posisi kaki seperti itu saat berlari, ini adalah fantasi artis) digunakan oleh master untuk memberikan dinamisme pada komposisi, untuk memberikan kesan petir kepada penonton- gerakan kuda yang cepat. Perasaan ini diperkuat dengan transfer plastisitas (pose, gerak tubuh) yang akurat dari sosok manusia, serta penggunaan kombinasi warna yang cerah dan kaya (merah, teluk, kuda putih; biru tua, merah tua, putih-biru dan emas- joki jaket kuning).

Tema pacuan kuda yang telah lama menarik perhatian pelukis dengan ekspresi khususnya diulang lebih dari satu kali dalam karya-karya yang dibuat oleh Géricault setelah selesainya pengerjaan Pacuan Kuda di Epsom.

Pada tahun 1822, sang seniman meninggalkan Inggris dan kembali ke negara asalnya, Prancis. Di sini ia terlibat dalam pembuatan kanvas besar, mirip dengan karya para master Renaisans. Diantaranya adalah "Perdagangan Negro", "Membuka pintu penjara Inkuisisi di Spanyol". Lukisan-lukisan ini masih belum selesai - kematian menghalangi Gericault untuk menyelesaikan pekerjaannya.

Yang menarik adalah potret, kreasi yang oleh sejarawan seni dikaitkan dengan periode 1822 hingga 1823. Sejarah tulisan mereka patut mendapat perhatian khusus. Faktanya, potret-potret ini dipesan oleh seorang teman artis, yang bekerja sebagai psikiater di sebuah klinik di Paris. Mereka seharusnya menjadi semacam ilustrasi yang menunjukkan berbagai penyakit mental seseorang. Jadi potret "Wanita tua gila", "Gila", "Gila, membayangkan dirinya seorang komandan" dilukis. Bagi ahli seni lukis, penting untuk tidak menunjukkan tanda dan gejala eksternal penyakit, tetapi untuk menyampaikan keadaan mental batin orang yang sakit. Gambar-gambar tragis orang muncul di kanvas di depan penonton, yang matanya dipenuhi rasa sakit dan kesedihan.

Di antara potret Géricault, tempat khusus ditempati oleh potret seorang Negro, yang saat ini menjadi koleksi Museum Rouen. Orang yang bertekad dan berkemauan keras memandang penonton dari kanvas, siap bertarung sampai akhir dengan kekuatan yang memusuhi dia. Gambarnya luar biasa cerah, emosional, dan ekspresif. Pria dalam gambar ini sangat mirip dengan pahlawan berkemauan keras yang sebelumnya ditampilkan Gericault dalam komposisi besar (misalnya, di kanvas "Rakit Medusa").

Gericault bukan hanya ahli melukis, tetapi juga pematung yang hebat. Karya-karyanya dalam bentuk seni ini di awal abad ke-19 adalah contoh pertama patung romantis. Di antara karya-karya semacam itu, komposisi ekspresif yang tidak biasa "Nymph and Satyr" menjadi perhatian khusus. Gambar yang membeku dalam gerakan secara akurat menyampaikan plastisitas tubuh manusia.

Théodore Gericault meninggal secara tragis pada tahun 1824 di Paris, jatuh dari kuda. Kematiannya yang dini merupakan kejutan bagi semua orang sezaman dengan artis terkenal itu.

Karya Gericault menandai babak baru dalam perkembangan seni lukis tidak hanya di Prancis, tetapi juga di dunia seni - periode romantisme. Dalam karyanya, sang master mengatasi pengaruh tradisi klasik. Karya-karyanya sangat berwarna dan mencerminkan keanekaragaman alam. Dengan memperkenalkan figur manusia ke dalam komposisi, sang seniman berusaha untuk mengungkapkan perasaan dan emosi batin seseorang secara utuh dan sejelas mungkin.

Setelah kematian Gericault, tradisi seni romantiknya diambil oleh seniman kontemporer yang lebih muda, E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, seniman dan seniman grafis Prancis terkenal, penerus tradisi romantisme yang berkembang dalam karya Géricault, lahir pada tahun 1798. Tanpa menyelesaikan pendidikannya di Imperial Lyceum, pada tahun 1815 Delacroix belajar dengan master Guerin yang terkenal. Namun, metode artistik pelukis muda tersebut tidak memenuhi persyaratan gurunya, sehingga setelah tujuh tahun pemuda tersebut meninggalkannya.

Belajar dengan Guerin, Delacroix mencurahkan banyak waktunya untuk mempelajari karya David dan master lukisan Renaisans. Ia menganggap budaya kuno, tradisi yang juga diikuti David, menjadi fundamental bagi perkembangan seni dunia. Oleh karena itu, cita-cita estetika Delacroix adalah karya-karya penyair dan pemikir Yunani kuno, di antaranya sang seniman secara khusus mengapresiasi karya-karya Homer, Horace dan Marcus Aurelius.

Karya pertama Delacroix adalah kanvas yang belum selesai, di mana pelukis muda itu berusaha untuk mencerminkan perjuangan orang Yunani melawan Turki. Namun, sang seniman kurang memiliki keterampilan dan pengalaman untuk membuat gambar yang ekspresif.

Pada tahun 1822, Delacroix memamerkan karyanya di Salon Paris dengan judul Dante dan Virgil. Kanvas ini, sangat emosional dan berwarna cerah, dalam banyak hal menyerupai karya Géricault "The Raft of the Medusa".

Dua tahun kemudian, lukisan lain karya Delacroix, Pembantaian di Chios, dipersembahkan kepada penonton Salon. Di dalamnya rencana lama sang seniman diwujudkan untuk menunjukkan perjuangan orang Yunani dengan Turki. Komposisi gambar secara keseluruhan terdiri dari beberapa bagian yang membentuk kelompok orang yang ditempatkan secara terpisah, masing-masing memiliki konflik dramatisnya sendiri. Secara umum, karya tersebut memberikan kesan tragedi yang mendalam. Rasa ketegangan dan dinamisme diperkuat dengan perpaduan garis-garis halus dan tajam yang membentuk sosok tokoh-tokohnya, yang berujung pada perubahan proporsi orang yang digambarkan oleh senimannya. Namun, justru karena inilah gambaran tersebut memperoleh karakter yang realistis dan kredibilitas kehidupan.

Metode kreatif Delacroix, yang sepenuhnya diekspresikan dalam "Pembantaian Chios", jauh dari gaya klasik yang kemudian diterima di kalangan resmi Prancis dan di antara perwakilan seni rupa. Karenanya, foto artis muda itu mendapat kritik tajam di Salon.

Meski gagal, pelukis tetap setia pada cita-citanya. Pada tahun 1827, muncul karya lain yang dikhususkan untuk tema perjuangan rakyat Yunani untuk kemerdekaan - "Yunani di atas reruntuhan Missolonghi". Sosok wanita Yunani yang teguh dan bangga yang digambarkan di atas kanvas melambangkan Yunani yang tak terkalahkan di sini.

Pada tahun 1827, Delacroix menampilkan dua karya yang mencerminkan pencarian kreatif sang master di bidang sarana dan metode ekspresi artistik. Ini adalah kanvas "Kematian Sardanapalus" dan "Marino Faliero". Yang pertama, tragedi situasi disampaikan dalam pergerakan sosok manusia. Hanya citra Sardanapal sendiri yang statis dan tenang di sini. Dalam komposisi "Marino Faliero" hanya sosok tokoh utama yang dinamis. Para pahlawan lainnya tampak membeku ketakutan memikirkan apa yang akan terjadi.

Di usia 20-an. abad ke-19 Delacroix menampilkan sejumlah karya yang plotnya diambil dari karya sastra terkenal. Pada tahun 1825 sang seniman mengunjungi Inggris, tempat kelahiran William Shakespeare. Pada tahun yang sama, di bawah kesan perjalanan ini dan tragedi penulis drama terkenal Delacroix, litograf "Macbeth" dibuat. Pada periode 1827 hingga 1828, ia menciptakan litograf "Faust", yang didedikasikan untuk karya Goethe dengan nama yang sama.

Sehubungan dengan peristiwa yang terjadi di Prancis pada tahun 1830, Delacroix menampilkan lukisan "Liberty Leading the People". Prancis Revolusioner ditampilkan dalam citra seorang wanita muda, kuat, angkuh, tegas, dan mandiri, dengan berani memimpin kerumunan, di mana sosok pekerja, pelajar, tentara yang terluka, gamen Paris menonjol (gambaran yang diantisipasi Gavroche, yang kemudian muncul di Les Misérables oleh V. Hugo ).

Karya ini sangat berbeda dengan karya serupa oleh seniman lain yang hanya tertarik pada transmisi peristiwa yang sebenarnya. Kanvas yang dibuat oleh Delacroix dicirikan oleh kesedihan heroik yang tinggi. Gambar-gambar di sini adalah simbol umum kebebasan dan kemerdekaan rakyat Prancis.

Dengan berkuasanya Louis Philippe - kepahlawanan raja-borjuis dan perasaan luhur yang diberitakan oleh Delacroix, tidak ada tempat dalam kehidupan modern. Pada tahun 1831 sang seniman melakukan perjalanan ke negara-negara Afrika. Dia melakukan perjalanan ke Tangier, Meknes, Oran dan Aljazair. Pada saat yang sama, Delacroix mengunjungi Spanyol. Kehidupan Timur benar-benar memesona seniman dengan alirannya yang cepat. Dia membuat sketsa, gambar, dan sejumlah karya cat air.

Setelah mengunjungi Maroko, Delacroix melukis kanvas yang didedikasikan untuk Timur. Lukisan-lukisan, di mana seniman menunjukkan pacuan kuda atau pertempuran orang Moor, sangat dinamis dan ekspresif. Dibandingkan dengan mereka, komposisi "wanita Aljazair di kamar mereka", yang dibuat pada tahun 1834, tampak tenang dan statis. Itu tidak memiliki dinamisme dan ketegangan yang melekat pada karya-karya seniman sebelumnya. Delacroix muncul di sini sebagai ahli warna. Skema warna yang digunakan oleh pelukis secara keseluruhan mencerminkan keragaman palet yang cerah, yang diasosiasikan oleh pemirsa dengan warna-warna Timur.

Kanvas "Pernikahan Yahudi di Maroko", yang ditulis kira-kira pada tahun 1841, dicirikan oleh kelambatan dan pengukuran yang sama. Suasana oriental yang misterius tercipta di sini berkat penggambaran orisinalitas interior nasional yang akurat oleh sang seniman. Komposisinya tampak sangat dinamis: pelukis menunjukkan bagaimana orang menaiki tangga dan memasuki ruangan. Cahaya yang masuk ke dalam ruangan membuat gambar menjadi realistis dan meyakinkan.

Motif timur masih ada dalam karya Delacroix sejak lama. Nah, pada pameran yang diselenggarakan di Salon tahun 1847 itu, dari enam karya yang dihadirkannya, lima di antaranya dikhususkan untuk kehidupan dan kehidupan Timur.

Di usia 30-40-an. Pada abad ke-19, tema-tema baru muncul dalam karya Delacroix. Saat ini, sang master menciptakan karya-karya bertema sejarah. Diantaranya, kanvas "Protes Mirabeau menentang pembubaran Jenderal Serikat" dan "Boissy d'Angles" patut mendapat perhatian khusus. Sketsa yang terakhir, ditampilkan pada tahun 1831 di Salon, adalah contoh nyata dari komposisi bertema pemberontakan rakyat.

Lukisan "The Battle of Poitiers" (1830) dan "The Battle of Taybur" (1837) dikhususkan untuk citra rakyat. Dengan semua realisme, dinamika pertempuran, pergerakan orang, kemarahan, kemarahan, dan penderitaan mereka ditampilkan di sini. Seniman berusaha menyampaikan emosi dan hasrat seseorang yang diliputi oleh keinginan untuk menang dengan segala cara. Tokoh-tokoh masyarakatlah yang menjadi pemeran utama dalam menyampaikan sifat dramatis peristiwa tersebut.

Sangat sering dalam karya Delacroix, pemenang dan yang kalah sangat bertentangan satu sama lain. Ini terutama terlihat jelas pada kanvas "Penangkapan Konstantinopel oleh Tentara Salib", yang ditulis pada tahun 1840. Sekelompok orang yang diliputi kesedihan ditampilkan di latar depan. Di belakang mereka ada pemandangan yang menyenangkan dan mempesona dengan keindahannya. Sosok pengendara yang menang juga ditempatkan di sini, yang siluetnya yang tangguh kontras dengan sosok sedih di latar depan.

"The Capture of Constantinople by the Crusaders" menampilkan Delacroix sebagai pewarna yang luar biasa. Namun, warna-warna cerah dan jenuh tidak memperkuat awal yang tragis, yang diekspresikan oleh sosok-sosok sedih yang terletak di dekat penonton. Sebaliknya, palet yang kaya menciptakan perasaan liburan yang diatur untuk menghormati para pemenang.

Yang tak kalah berwarna adalah komposisi "Justice of Trajan", yang dibuat pada tahun 1840 yang sama. Orang-orang sezaman seniman mengakui gambar ini sebagai salah satu yang terbaik di antara semua kanvas pelukis. Yang menarik adalah fakta bahwa selama bekerja master bereksperimen di bidang warna. Bahkan bayang-bayang mengambil berbagai corak darinya. Semua warna komposisi sesuai persis dengan alam. Pengerjaan karya tersebut didahului dengan observasi panjang pelukis terhadap perubahan corak alam. Artis itu memasukkannya ke dalam buku hariannya. Kemudian, menurut catatan para ilmuwan menegaskan bahwa penemuan Delacroix di bidang nada suara sepenuhnya sesuai dengan doktrin warna yang lahir saat itu, yang pendirinya adalah E. Chevreul. Selain itu, sang seniman membandingkan penemuannya dengan palet yang digunakan oleh sekolah Venesia, yang merupakan contoh keterampilan melukis baginya.

Potret menempati tempat khusus di antara lukisan Delacroix. Sang master jarang beralih ke genre ini. Dia hanya melukis orang-orang yang sudah lama dia kenal, yang perkembangan spiritualnya terjadi di depan seniman. Oleh karena itu, gambar dalam potret tersebut sangat ekspresif dan dalam. Ini adalah potret Chopin dan George Sand. Kanvas yang didedikasikan untuk penulis terkenal (1834) menggambarkan seorang wanita bangsawan dan berkemauan keras yang menyenangkan orang-orang sezamannya. Potret Chopin, dilukis empat tahun kemudian, pada tahun 1838, mewakili citra puitis dan spiritual dari komposer hebat itu.

Potret yang menarik dan luar biasa ekspresif dari pemain biola dan komposer terkenal Paganini, dilukis oleh Delacroix sekitar tahun 1831. Gaya musik Paganini dalam banyak hal mirip dengan metode melukis sang seniman. Karya Paganini bercirikan ekspresi yang sama dan emosi yang intens yang menjadi ciri khas karya pelukis.

Bentang alam menempati tempat kecil dalam karya Delacroix. Namun, ternyata sangat signifikan bagi perkembangan seni lukis Prancis di paruh kedua abad ke-19. Bentang alam Delacroix ditandai oleh keinginan untuk secara akurat menyampaikan kehidupan alam yang ringan dan sulit dipahami. Contoh nyata dari hal ini adalah lukisan "Langit", di mana rasa dinamika tercipta berkat awan seputih salju yang melayang di langit, dan "Laut, terlihat dari pantai Dieppe" (1854), di mana pelukis dengan mahir menyampaikan luncuran perahu layar ringan di permukaan laut.

Pada tahun 1833, sang seniman menerima perintah dari raja Prancis untuk mengecat aula di Istana Bourbon. Pengerjaan penciptaan karya monumental berlangsung selama empat tahun. Saat memenuhi pesanan, pelukis dipandu terutama oleh fakta bahwa gambarnya sangat sederhana dan ringkas, dapat dimengerti oleh penonton.
Karya terakhir Delacroix adalah lukisan kapel Malaikat Suci di gereja Saint-Sulpice di Paris. Itu dibuat pada periode 1849 hingga 1861. Menggunakan warna-warna cerah dan kaya (merah muda, biru cerah, ungu, ditempatkan pada latar belakang abu-biru dan kuning-coklat), sang seniman menciptakan suasana gembira dalam komposisi, menyebabkan penonton merasakan kegembiraan yang luar biasa. Pemandangan yang termasuk dalam lukisan "The Expulsion of Iliodor from the Temple" sebagai semacam latar belakang, secara visual menambah ruang komposisi dan bangunan kapel. Di sisi lain, seolah mencoba menekankan isolasi ruang, Delacroix memasukkan tangga dan langkan ke dalam komposisi. Sosok orang yang ditempatkan di belakangnya tampak seperti siluet yang hampir datar.

Eugene Delacroix meninggal pada tahun 1863 di Paris.

Delacroix adalah yang paling terpelajar di antara para pelukis pada paruh pertama abad ke-19. Banyak subjek lukisannya diambil dari karya sastra master pena terkenal. Fakta yang menarik adalah paling sering seniman melukis karakternya tanpa menggunakan model. Inilah yang ingin dia ajarkan kepada para pengikutnya. Menurut Delacroix, melukis adalah sesuatu yang lebih kompleks daripada penyalinan garis secara primitif. Seniman percaya bahwa seni terutama terletak pada kemampuan untuk mengekspresikan suasana hati dan niat kreatif sang master.

Delacroix adalah penulis beberapa karya teoretis tentang masalah warna, metode, dan gaya seniman. Karya-karya ini menjadi mercusuar bagi para pelukis generasi berikutnya dalam mencari sarana artistik mereka sendiri yang digunakan untuk membuat komposisi.