rumah › Transmisi (kotak roda gigi) › Teater sebagai bentuk seni, dan perbedaan mendasarnya dari bentuk seni lainnya. Sejarah teater: kemunculan dan perkembangan seni teater, fakta hiburan Daftar sumber yang digunakan

Teater sebagai bentuk seni, dan perbedaan mendasarnya dari bentuk seni lainnya. Sejarah teater: kemunculan dan perkembangan seni teater, fakta hiburan Daftar sumber yang digunakan

KLASIFIKASI SENI

Seni (refleksi kreatif, reproduksi realitas dalam gambar artistik.) ada dan berkembang sebagai sistem jenis yang saling terkait, keragaman yang disebabkan oleh keserbagunaan itu sendiri (dunia nyata, ditampilkan dalam proses penciptaan artistik.

Jenis-jenis seni adalah bentuk-bentuk kegiatan kreatif yang dibentuk secara historis yang memiliki kemampuan untuk secara artistik mewujudkan isi kehidupan dan berbeda dalam cara perwujudan materialnya (kata dalam sastra, suara dalam musik, bahan plastik dan warna dalam seni rupa, dll.) .

Dalam literatur sejarah seni modern, skema dan sistem klasifikasi seni tertentu telah berkembang, meskipun masih belum ada satu pun dan semuanya relatif. Skema yang paling umum adalah pembagiannya menjadi tiga kelompok.

Yang pertama termasuk seni spasial atau plastik. Untuk kelompok seni ini, konstruksi spasial dalam pengungkapan citra artistik sangat penting - Seni Rupa, Seni Dekoratif dan Terapan, Arsitektur, Fotografi.

Kelompok kedua termasuk seni temporer atau dinamis. Di dalamnya, komposisi yang terungkap dalam waktu sangat penting - Musik, Sastra Kelompok ketiga diwakili oleh jenis spatio-temporal, yang juga disebut seni sintetik atau spektakuler - Koreografi, Sastra, Seni Teater, Sinematografi.

Adanya berbagai jenis kesenian disebabkan karena tidak satupun dari kesenian tersebut dengan caranya sendiri dapat memberikan gambaran artistik yang komprehensif tentang dunia. Gambaran seperti itu hanya dapat diciptakan oleh seluruh budaya artistik umat manusia secara keseluruhan, yang terdiri dari jenis-jenis seni tersendiri.

TEATER

Teater adalah bentuk seni yang secara artistik menguasai dunia melalui aksi dramatis yang dilakukan oleh tim kreatif.

Dasar dari teater adalah dramaturgi. Sifat sintetik dari seni teater menentukan sifat kolektifnya: pertunjukan tersebut menggabungkan upaya kreatif dari seorang penulis naskah, sutradara, artis, komposer, koreografer, aktor.

Pertunjukan teater dibagi menjadi beberapa genre:

Tragedi;

Komedi;

Musikal, dll.

Seni teater berakar pada zaman kuno. Elemen terpentingnya sudah ada dalam ritus primitif, dalam tarian totemik, dalam meniru kebiasaan binatang, dll.

Teater adalah seni kolektif (Zahava)

Hal pertama yang menghentikan perhatian kita ketika kita memikirkan tentang kekhususan teater adalah fakta esensial bahwa sebuah karya seni teater - sebuah pertunjukan - diciptakan bukan oleh satu seniman, seperti kebanyakan seni lainnya, tetapi oleh banyak peserta dalam kreatif. proses. Dramawan, aktor, sutradara, penata rias, dekorator, musisi, iluminator, perancang kostum, dll. Setiap orang menyumbangkan karya kreatif mereka untuk tujuan bersama. Oleh karena itu, pencipta sejati dalam seni teater bukanlah individu, melainkan tim - ansambel kreatif. Tim secara keseluruhan adalah penulis karya seni teater yang sudah jadi - sebuah pertunjukan. Sifat teater menuntut agar seluruh pertunjukan dijiwai dengan pemikiran kreatif dan perasaan yang hidup. Mereka harus jenuh dengan setiap kata lakon, setiap gerakan aktor, setiap mise-en-scene yang diciptakan oleh sutradara. Semua ini adalah manifestasi dari kehidupan organisme hidup yang tunggal, integral, yang lahir melalui upaya kreatif dari seluruh tim teater, berhak disebut sebagai karya seni teater yang sebenarnya - sebuah pertunjukan. Kreativitas masing-masing seniman yang terlibat dalam penciptaan pertunjukan tidak lain adalah ekspresi aspirasi ideologis dan kreatif dari seluruh tim secara keseluruhan. Tanpa tim yang bersatu, kompak secara ideologis, bersemangat dengan tugas kreatif bersama, tidak akan ada kinerja yang utuh. Kreativitas teater yang lengkap mengandaikan kehadiran tim yang memiliki pandangan dunia yang sama, aspirasi ideologis dan artistik yang sama, metode kreatif yang sama untuk semua anggotanya dan tunduk pada disiplin yang paling ketat. "Kreativitas kolektif," tulis K. S. Stanislavsky, "yang menjadi dasar seni kita, tentu membutuhkan ansambel, dan mereka yang melanggarnya melakukan kejahatan tidak hanya terhadap rekan-rekan mereka, tetapi juga terhadap seni yang mereka layani." Tugas mendidik seorang aktor dalam semangat kolektivisme, yang muncul dari hakikat seni teater, menyatu dengan tugas pendidikan komunis, yang mengandaikan berkembangnya rasa pengabdian pada kepentingan kolektif dengan segala cara yang memungkinkan, dan perjuangan paling pahit melawan semua manifestasi individualisme borjuis.

Teater adalah seni sintetik. Aktor - pembawa spesifikasi teater

Dalam hubungan paling dekat dengan prinsip kolektif dalam seni teater adalah ciri khusus lain dari teater: sifat sintetiknya. Teater adalah sintesis dari banyak seni yang saling berinteraksi. Ini termasuk sastra, lukisan, arsitektur, musik, seni vokal, seni tari, dll. Di antara seni-seni ini ada yang hanya dimiliki oleh teater. Ini adalah seni aktor. Aktor tidak dapat dipisahkan dari teater, dan teater tidak dapat dipisahkan dari aktornya. Itulah mengapa kita dapat mengatakan bahwa aktor adalah pembawa kekhasan teater. Sintesis seni dalam teater - kombinasi organiknya dalam pertunjukan - hanya mungkin jika masing-masing seni tersebut menampilkan fungsi teater tertentu. Saat melakukan fungsi teatrikal ini, karya seni mana pun memperoleh kualitas teater baru untuknya. Untuk lukisan teatrikal tidak sama dengan lukisan belaka, musik teater tidak sama dengan musik belaka, dan seterusnya. Hanya akting yang bersifat teatrikal. Tentu saja, nilai lakon untuk pertunjukan tersebut tidak sebanding dengan nilai pemandangannya. Pemandangan dipanggil untuk memainkan peran tambahan, sedangkan lakon adalah landasan ideologis dan artistik dari pertunjukan masa depan. Padahal lakon tidak sama dengan puisi atau cerita, meski ditulis dalam bentuk dialog. Apa perbedaan paling signifikan (dalam arti yang menarik minat kami) antara lakon dan puisi, pemandangan dari lukisan, konstruksi panggung dari struktur arsitektural? Puisi, gambar memiliki makna tersendiri. Penyair, pelukis berbicara langsung kepada pembaca atau pemirsa. Pengarang lakon sebagai karya sastra juga dapat menyapa pembacanya secara langsung, tetapi hanya di luar teater. Namun, dalam teater, penulis drama, sutradara, dekorator, dan musisi berbicara kepada penonton melalui aktor atau dalam hubungannya dengan aktor. Memang, apakah perkataan penulis naskah yang dibunyikan di atas panggung, yang tidak diisi oleh pengarang dengan kehidupan, tidak menjadikannya kata-katanya sendiri, dianggap hidup? Bisakah instruksi sutradara secara formal dilakukan atau mise-en-scene yang diajukan oleh sutradara tetapi tidak dialami oleh aktor ternyata meyakinkan penonton? Tentu saja tidak! Tampaknya situasinya berbeda dengan dekorasi dan musik. Bayangkan pertunjukan dimulai, tirai dibuka, dan meskipun tidak ada satu aktor pun di atas panggung, auditorium memuji pemandangan luar biasa yang diciptakan oleh seniman. Ternyata artis tersebut menyapa penonton secara langsung, dan tidak melalui aktor sama sekali. Tapi di sini para aktor keluar, muncul dialog. Dan Anda mulai merasakan bahwa saat aksi terungkap, kekesalan yang tumpul perlahan-lahan menumpuk di dalam diri Anda terhadap pemandangan yang baru saja Anda kagumi. Anda merasa itu mengalihkan perhatian Anda dari aksi panggung, menghalangi Anda untuk memahami akting. Anda mulai memahami bahwa ada semacam konflik internal antara set dan akting: baik aktor tidak berperilaku sebagaimana mestinya dalam kondisi yang terkait dengan set ini, atau set tersebut salah mencirikan adegan. Yang satu tidak setuju dengan yang lain, tidak ada sintesis seni, yang tanpanya tidak ada teater. Seringkali penonton yang dengan antusias bertemu pemandangan ini atau itu di awal aksi, memarahinya saat aksi selesai. Artinya, masyarakat menilai positif karya senimannya, terlepas dari pertunjukan tersebut, sebagai karya seni lukis, tetapi tidak menerimanya sebagai pemandangan teatrikal, sebagai elemen pertunjukan. Artinya pemandangan belum memenuhi fungsi teatrikalnya. Untuk memenuhi tujuan teatrikalnya, ia harus tercermin dalam akting, dalam tingkah laku para tokoh di atas panggung. Jika seniman memasang latar belakang megah di belakang panggung yang menggambarkan laut dengan sempurna, dan para aktor berperilaku di atas panggung seperti perilaku orang-orang di ruangan, dan bukan di pantai, latar belakang akan tetap mati. Bagian mana pun dari pemandangan, objek apa pun yang diletakkan di atas panggung, tetapi tidak dianimasikan oleh sikap penghapus yang diekspresikan melalui aksi, tetap mati dan harus disingkirkan dari panggung. Suara apa pun yang dibunyikan atas kehendak sutradara atau musisi, tetapi tidak dirasakan oleh aktor dengan cara apa pun dan tidak tercermin dalam perilaku panggungnya, harus dibungkam, karena ia tidak memperoleh kualitas teater. Makhluk teatrikal untuk semua yang ada di atas panggung, kata sang aktor. Segala sesuatu yang diciptakan dalam teater untuk menerima kepenuhan hidup seseorang melalui aktor adalah teater. Segala sesuatu yang mengklaim signifikansi independen, makhluk mandiri, adalah anti-teater. Ini adalah tanda yang membedakan lakon dari puisi atau cerita, pemandangan dari lukisan, konstruksi panggung dari struktur arsitektural.

Teater adalah seni kolektif

Teater adalah seni sintetik. Aktor pembawa kekhususan teater

Aksi adalah bahan utama seni teater

Dramaturgi adalah komponen utama teater

Kreativitas aktor adalah bahan utama seni penyutradaraan

Penonton adalah komponen kreatif dari teater ZAKHAVA!!!

TEATER(dari teater Yunani - tempat tontonan, tontonan), jenis utama seni spektakuler. Konsep umum teater dibagi menjadi beberapa jenis seni teater: teater drama, opera, balet, teater pantomim, dll. Asal usul istilah ini terkait dengan teater antik Yunani kuno, di mana tempat-tempat di auditorium disebut demikian (dari kata kerja Yunani "teaomai" - saya lihat). Namun, saat ini arti istilah ini sangat beragam. Ini juga digunakan dalam kasus-kasus berikut:

1. Teater adalah bangunan yang dibangun atau diadaptasi khusus untuk pertunjukan pertunjukan ("Teater sudah penuh, kotak-kotaknya bersinar" A.S. Pushkin).

2. Lembaga, perusahaan yang bergerak di bidang pertunjukan, serta seluruh tim karyawannya yang menyediakan persewaan pertunjukan teater (Teater Mossovet; tur Teater Taganka, dll.).

3. Serangkaian karya drama atau panggung yang disusun menurut satu atau lain prinsip (teater Chekhov, teater Renaisans, teater Jepang, teater Mark Zakharov, dll.).

4. Dalam arti yang sudah usang (hanya dipertahankan dalam bahasa gaul profesional teater) - panggung, panggung ("Kemiskinan yang mulia hanya baik di teater" A.N. Ostrovsky).

5. Dalam arti kiasan - tempat dari setiap peristiwa yang sedang berlangsung (teater operasi militer, teater anatomi).

Seni teater memiliki kekhasan yang membuat karyanya unik, tak tertandingi dalam genre dan jenis seni lainnya.

Pertama-tama, itu adalah sifat sintetik dari teater. Karya-karyanya dengan mudah mencakup hampir semua seni lainnya: sastra, musik, seni rupa (lukisan, patung, grafik, dll.), vokal, koreografi, dll.; dan juga menggunakan berbagai prestasi dari berbagai macam ilmu dan bidang teknologi. Jadi, misalnya, perkembangan keilmuan psikologi menjadi dasar akting dan kreativitas pengarahan, serta penelitian di bidang semiotika, sejarah, sosiologi, fisiologi, dan kedokteran (khususnya dalam pengajaran pidato panggung dan gerak panggung). Perkembangan berbagai cabang teknologi memungkinkan untuk meningkatkan dan pindah ke tingkat mesin panggung yang baru; ekonomi suara dan kebisingan teater; peralatan penerangan; munculnya efek panggung baru (misalnya, asap di atas panggung, dll.). Mengutip pepatah terkenal Moliere, kita dapat mengatakan bahwa teater "mengambil kebaikannya di mana ia menemukannya".

Karenanya - ciri khusus seni teater berikut ini: kolektivitas proses kreatif. Namun, hal-hal yang tidak begitu sederhana di sini. Ini bukan hanya tentang kerja sama dari banyak staf teater (dari pemeran pertunjukan hingga perwakilan bengkel teknis, yang pekerjaannya terkoordinasi dengan baik sangat menentukan "kemurnian" pertunjukan). Dalam karya seni teater apa pun, ada rekan penulis lain yang lengkap dan paling penting - penonton, yang persepsinya mengoreksi dan mengubah pertunjukan, menempatkan aksen dengan cara yang berbeda dan terkadang secara radikal mengubah makna dan gagasan umum pertunjukan. . Pertunjukan teater tanpa penonton tidak mungkin - nama teater dikaitkan dengan kursi penonton. Persepsi penonton terhadap sebuah pertunjukan adalah sebuah karya kreatif yang serius, terlepas dari apakah penonton menyadarinya atau tidak.

Oleh karena itu, ciri seni teater selanjutnya adalah sifatnya yang sesaat: setiap pertunjukan hanya ada pada saat reproduksinya. Fitur ini melekat pada semua jenis seni pertunjukan. Namun, ada beberapa keanehan di sini.

Jadi, dalam sirkus, ketika kesenian peserta pertunjukan dibutuhkan, kemurnian teknis trik tetap menjadi faktor fundamental: pelanggarannya membahayakan nyawa seniman sirkus, terlepas dari ada atau tidaknya penonton. Pada prinsipnya, penulisan bersama yang aktif dengan penonton, mungkin, hanya satu artis sirkus - seorang badut. Dari sinilah berkembang salah satu jenis teater, teatrikal badut, yang berkembang menurut hukum yang mirip dengan sirkus, tetapi tetap berbeda: teater umum.

Seni pertunjukan musik dan vokal, dengan perkembangan teknologi perekaman audio, memperoleh kemungkinan fiksasi dan reproduksi ganda lebih lanjut, identik dengan aslinya. Tetapi rekaman video yang memadai dari sebuah pertunjukan teater pada prinsipnya tidak mungkin: aksi sering kali berkembang secara bersamaan di berbagai bagian panggung, yang memberikan volume pada apa yang terjadi dan membentuk keseluruhan nada dan seminada suasana panggung. Dengan pengambilan gambar close-up, nuansa kehidupan panggung secara umum tetap berada di belakang layar; rencana umum terlalu kecil dan tidak dapat menyampaikan semua detail. Bukan kebetulan bahwa hanya penyutradaraan, versi penulis televisi atau sinematografi dari pertunjukan teater yang dibuat menurut hukum lintas budaya menjadi kesuksesan kreatif. Ini seperti terjemahan sastra: fiksasi kering dari pertunjukan teater pada film mirip dengan interlinear: semuanya tampak benar, tetapi keajaiban seni menghilang.

Setiap ruang kosong bisa disebut panggung kosong. Manusia bergerak

di luar angkasa, seseorang menatapnya, dan ini sudah cukup untuk sebuah teater

tindakan. Namun, ketika kita berbicara tentang teater, biasanya kita mengartikan hal lain. Merah

tirai, lampu sorot, ayat kosong, tawa, kegelapan - semua ini tercampur secara acak

pikiran kita dan menciptakan gambaran buram, yang kita tetapkan dalam semua kasus

dalam sebuah kata. Kami mengatakan bahwa bioskop membunuh teater, artinya teater itu

ada pada saat munculnya bioskop, yaitu teater dengan box office, foyer, lipat

kursi berlengan, lampu kaki, perubahan adegan, jeda dan musik, seolah-olah kata itu sendiri

"teater" menurut definisi berarti hanya itu dan hampir tidak ada yang lain.

Saya akan mencoba membagi kata ini dalam empat cara dan menyoroti empat kata berbeda.

artinya, jadi saya akan berbicara tentang Teater Mati, Teater Suci, Teater Kasar.

dan tentang teater seperti itu. Terkadang keempat teater ini ada di lingkungan sekitar

West End di London atau dekat Times Square di New York. Terkadang mereka dipisahkan oleh ratusan

mil, dan terkadang pembagian ini bersyarat, karena dua di antaranya digabungkan menjadi

satu malam atau satu babak. Terkadang untuk sesaat keempat teater -

Suci, Kasar, Mati dan teater seperti itu bergabung menjadi satu. P.Anak sungai"Ruang kosong"

1. TEATER DAN KEBENARAN Oscar Remez "Penguasaan Sutradara"

Jika benar bahwa "sandiwara" dan "kebenaran" ituutamakomponen dari pertunjukan dramatis, sama benarnyaDANfakta bahwa perjuangan kedua prinsip ini adalah sumber pembangunanekspresifberarti dalam seni teater. Pertarungan ini mudahtebakketika kita mensurvei masa lalu teater, dan banyak lagilebih sulitterungkap saat mempertimbangkan materi iklan yang hidupprosesberkembang di depan mata kita.

3. SIKLUS SEJARAH TEATER

Membandingkan masa lalu yang terkenal dan masa kini yang muncul, orang dapat sampai pada kesimpulan tentang pola khusus perubahan tren teater, siklus khusus era teater yang diukur secara ketat.

Putri Turandot digantikan oleh kriteria baru kebenaran panggung - metode tindakan fisik. Tradisi teater baru dilanjutkan dalam karya M. Kedrov. Pada saat yang sama dan dengan nada yang sama, teater A. Popov dan A. Lobanov bekerja. Selanjutnya, "vitalitas" panggung yang semakin ketat dan konsisten digantikan oleh sandiwara romantis N. Okhlopkov. Sintesis dari dua prinsip, puncak teater di akhir tahun 40-an - "The Young Guard", sebuah drama oleh N. Okhlopkov, yang paling banyak mengungkapkan realitas melalui bahasa artistik modern. Di pertengahan 50-an - gelombang baru - kejayaan metode analisis efektif: karya M. Knebel, kelahiran Sovremennik, penampilan G. A. Tovstonogov.

Seperti yang Anda lihat, setiap arah teater berkembang pada awalnya, seolah-olah, secara laten, sering matang di kedalaman arah sebelumnya (dan, ternyata kemudian, kutub), muncul secara tak terduga, berkembang dalam konflik dengan tradisi dan melewati jalan yang dikondisikan oleh dialektika - pendakian, ekspresi kepenuhan, krisis kreatif. Setiap periode sejarah teater memiliki pemimpinnya masing-masing. Mereka mengikutinya, mereka menirunya, mereka berdebat sengit dengannya, sebagai aturan, dari dua sisi - mereka yang tertinggal, dan mereka yang berada di depan.

Tentu saja, jalur pendakian menuju sintesis teatrikal sangat rumit. Titik balik seni teater tidak serta merta dikaitkan dengan nama sutradara yang disebutkan di sini. Pembagian pekerja teater yang berlebihan menjadi "kelompok", "arus", "kamp" juga hampir tidak bisa dibenarkan. Jangan lupa - selama periode sintesis teatrikal tahun 20-an, tidak lain adalah K. S. Stanislavsky yang menciptakan pertunjukan di mana tren kemenangan diekspresikan dengan paling lengkap dan jelas - "Hot Heart" (1926) dan "The Marriage of Figaro" ( 1927) . Dalam karya-karya inilah sandiwara brilian dipadukan dengan perkembangan psikologis yang dalam.

Kelanjutan dari tradisi semacam ini di Teater Seni adalah pertunjukan seperti The Pickwick Club (1934), yang dipentaskan oleh sutradara V. Ya Stanitsyn.

Orang mungkin mendapat kesan bahwa teater itu berulang, mengikuti satu lingkaran yang telah ditentukan sebelumnya. Sebuah konsep yang sangat dekat dengan pemahaman semacam ini (dengan beberapa pergeseran dan ambiguitas terminologi) pernah dikemukakan oleh J. Gassner dalam bukunya “Form and Idea in Modern Theatre”.

Namun, konsep perkembangan teater tertutup secara sikliskeliru. Gambaran obyektif tentang perkembangan sejarah teater -pergerakan, dilakukan secara spiralpenting, Apa yang terjadisetiap rumahpada giliran barunya, teater menampilkan hal-hal baru yang fundamentalkriteria kebenaran dan teatrikal yang memahkotai masing-masing, dari siklus perkembangan, sintesis muncul setiap saat dengan dasar yang berbeda. Pada saat yang sama, teatrikal baru tidak bisa tidak menguasai (walaupun ada kontroversi) pengalaman sebelumnya, dan ini adalah prasyaratnya. tidak bisa dihindari di masa depan keseimbangan dinamis. Dengan demikian, pergulatan teatrikal dan kebenaran menjadi isi sejarah pengarahan sarana ekspresif, sumber perkembangan bentuk-bentuk teatrikal baru yang modern.

1. Teater sebagai bentuk seni bersifat sintetik. Pertunjukan teater mencakup kemungkinan ekspresif, berarti hampir semua jenis seni (sastra, musik, seni rupa, koreografi, dll.). Pada saat yang sama, tidak ada bentuk seni yang akan memainkan peran utama. Sintesis teater saat ini dicapai melalui pemanfaatan perkembangan ilmu pengetahuan dan teknologi modern (psikologi, semiotika, teknologi).

2. Teater adalah proses kreatif kolektif. Ini bukan hanya tentang kreativitas bersama dari anggota rombongan, tetapi tentang interaksi, penulisan bersama dari penonton. Persepsi penonton dapat mengoreksi dan memodifikasi pertunjukan. Pertunjukan tidak mungkin dilakukan tanpa penonton. Persepsi penonton adalah karya intelektual yang serius, kreatif, bahkan jika penonton sendiri tidak menyadarinya.

3. Teater hadir sebagai pertunjukan sesaat. Setiap pertunjukan hanya ada pada saat reproduksinya. Ini memberikan pemahaman tentang gagasan kesejarahan dalam persepsi teater. Di teaterlah penonton memiliki akses langsung, keterlibatan dalam karya. Terlepas dari era apa yang dimainkan para aktor.

4. Sebuah karya teater tidak dilestarikan karena momen, ia hanya ada pada momen saat ini. Transfer apa pun ke film hanya memungkinkan untuk memperbaiki tindakan. Dalam hal ini, keajaiban seni menghilang.

5. Teater, seperti halnya seni apa pun, tunduk pada waktu artistik tertentu, peristiwa di atas panggung (lahirnya suatu karya) berlangsung bersamaan dengan tindakan persepsi oleh penonton. Di teater, yang disebut. waktu panggung - selama pertunjukan berlangsung. Saat ini pertunjukannya adalah 2,5-3 jam, tetapi beberapa produksi menyarankan durasi 5-10 jam. Terkadang butuh beberapa hari.

6. Pembawa utama ide teatrikal, aksi adalah aktornya. Citra aktor diciptakan dalam kerangka ide yang diletakkan oleh lakon, interpretasinya oleh sutradara, tetapi, meskipun demikian, aktor tetap menjadi seniman yang secara mandiri mewujudkan citra hidup di atas panggung.

7. Teater sebagai bentuk seni tunduk pada interpretasi. Masalah interpretasi muncul dalam kaitannya tidak begitu banyak dengan teks-teks dramaturgi modern melainkan dengan teks-teks klasik. Tafsir dalam teater adalah varian dari bacaan baru dari sebuah karya terkenal, di mana seseorang dapat melacak posisi filosofis, politik, moral pengarang.

Dalam teater, interpretasi memungkinkan untuk mengkorelasikan masalah hari ini dengan fakta sejarah di masa lalu.

Dalam analisis interpretasi teatrikal, peran penting dimainkan oleh pemahaman tentang sikap sutradara, pandangan dunianya, serta klarifikasi beberapa masalah abadi yang berkaitan dengan esensi manusia. Penonton, yang melihat sebuah karya klasik di teater, berdialog tidak begitu banyak dengan penulisnya, tetapi dengan sutradara, yang memungkinkan Anda untuk mengungkapkan esensi konflik masyarakat modern. Namun pada saat yang sama, penonton berdialog dengan era di mana karya itu diciptakan. Sutradara beralih ke karya klasik, menafsirkannya, karena. di dalamnya konflik tidak terselesaikan, itu abadi. Sutradara dalam keadaan "daya tarik interpretatif" (W. Eco). Interpretasi dalam teater dimungkinkan, dimungkinkan pada level penulis naskah, pada level sutradara, aktor, penonton, kritikus teater (Anatoly Smenlyansky, A.V. Protashevich).

Tulis esai tentang topik: Apa persamaan antara teater dan patung? 1 halaman

TEATER (Teater Yunani - tempat tontonan) - suatu bentuk seni yang didasarkan pada refleksi artistik kehidupan, dilakukan melalui aksi dramatis yang dilakukan oleh para aktor di depan penonton. Seni teater adalah sekunder. Dasar dari seni panggung adalah drama, yang memperoleh kualitas baru dalam perwujudan teatrikal - teatrikal, citra teatrikal. Perkembangan teater sangat erat kaitannya dengan perkembangan drama dan sarana drama monolog dan dialog yang dramatis dan ekspresif. Karya utama seni teater adalah pertunjukan, aksi yang terorganisir secara artistik, spektakuler, dan menyenangkan. Pertunjukan tersebut merupakan hasil dari upaya tim kreatif. Pada saat yang sama, pertunjukannya dibedakan oleh kesatuan figuratif. Struktur kiasan pertunjukan diciptakan oleh kesatuan semua elemen aksi permainan, di bawah satu tugas artistik - "tugas super", dan tujuan panggung tunggal yang mengatur aksi panggung dalam ruang dan waktu, "melalui aksi ”.

Esensi main teater berubah secara historis. Muncul dari ritual, sistem pengaruh spektakuler secara keseluruhan dipertahankan pada semua tahap perkembangan teater - transformasi aktor, yang menggunakan data psikofisiknya untuk menciptakan citra orang lain - karakter kata. dan plastisitas adalah syarat utama untuk melibatkan penonton dalam aksinya. Teater modern mengenal berbagai bentuk organisasi aksi lakon. Dalam teater pengalaman psikologis yang realistis, prinsip refleksi kehidupan dalam bentuk kehidupan itu sendiri menyiratkan prinsip "dinding keempat", seolah-olah memisahkan penonton dari panggung dan menciptakan ilusi realitas. Dalam teater pertunjukan - "teater epik", prinsip permainan mungkin tidak sesuai dengan kebenaran keadaan hidup dan menyarankan solusi figuratif, metaforis, dan puitis yang digeneralisasikan.

Teater adalah seni kolektif (lihat). Dalam proses evolusi sejarah, prinsip ansambel ditetapkan. Dalam teater modern, peran penyelenggara aksi panggung dan upaya kreatif tim menjadi milik sutradara, yang bertanggung jawab atas interpretasi panggung dari basis dramatis. Dengan bantuan sarana figuratif dan ekspresif seperti mise-en-scene, tempo-rhythm, komposisi, sutradara menciptakan citra artistik dari pertunjukan tersebut.

Sesuai sifatnya, seni teater itu sintetik (lihat). Sifat sintesis dalam sejarah seni teater berubah, balet menonjol, teater musikal menjadi mandiri. Teater kontemporer cenderung menggabungkan bentuk seni yang paling beragam. Pengorganisasian sintesis spektakuler sangat bergantung pada partisipasi komposer, perancang kostum, perancang pencahayaan, dan yang terpenting, perancang set. Lingkungan material yang diciptakan oleh sarana perancang panggung mungkin memiliki fungsi yang berbeda, tetapi selalu, sesuai dengan konteks keseluruhan, pelaku, pembawa kebenaran psikologis, mengatur perhatian pemirsa.

Seni teater dirancang untuk persepsi kolektif. Penonton, reaksinya adalah komponen dari aksi. Teater tidak akan ada tanpa reaksi langsung dari penonton. Pertunjukan yang dilatih tetapi tidak diperlihatkan kepada penonton bukanlah karya seni. Penontonlah yang diberi hak untuk membedakan antara makna alat ekspresif yang dipilih oleh pemain dan penggunaannya. Penonton teater modern dipengaruhi oleh banyak bentuk spektakuler yang memperluas pergaulannya dan mengubah kesukaannya. Teater tidak bisa tidak memperhitungkan perubahan ini dalam perkembangannya, meningkatkan peran dan signifikansi bentuk teater, memperkuat hubungan antara aksi panggung dan penonton.

Seni teater adalah bentuk kesadaran sosial, sarana pengetahuan dan pendidikan artistik. Kekhususan teater terletak pada refleksi konflik dan karakter yang signifikan yang mempengaruhi minat dan kebutuhan penonton modern. Orisinalitas teater sebagai bentuk seni terletak pada modernitas ini, yang menjadikannya faktor penting dalam pendidikan.

2. Seni teater

Seni teater adalah salah satu seni yang paling kompleks, paling efektif dan tertua. Apalagi itu heterogen, sintetis. Sebagai komponen, seni teater meliputi arsitektur, lukisan dan pahatan (pemandangan), dan musik (terdengar tidak hanya dalam musik, tetapi seringkali dalam pertunjukan dramatis), dan koreografi (sekali lagi, tidak hanya dalam balet, tetapi juga dalam drama). ) , dan sastra (teks tempat pertunjukan dramatis dibangun), dan seni akting, dll. Di antara semua hal di atas, seni akting adalah yang utama, yang menentukan teater. Sutradara terkenal Soviet A. Tairov menulis, "... dalam sejarah teater, ada periode yang lama ketika teater itu ada tanpa drama, ketika itu tanpa pemandangan apa pun, tetapi tidak ada satu momen pun ketika teater itu tanpa seorang aktor " Tairov A.Ya , Catatan Sutradara. Artikel. Percakapan. Pidato. Surat. M., 1970, hal. 79. .

Aktor dalam teater adalah seniman utama yang menciptakan apa yang disebut gambar panggung. Lebih tepatnya, aktor dalam teater sekaligus adalah seniman-pencipta, dan materi kreativitas, dan hasilnya adalah gambar. Seni seorang aktor memungkinkan kita untuk melihat dengan mata kepala sendiri tidak hanya gambar dalam ekspresi akhirnya, tetapi juga proses penciptaan dan pembentukannya. Aktor menciptakan gambar dari dirinya sendiri, dan pada saat yang sama menciptakannya di hadapan penonton, di depan matanya. Ini mungkin kekhususan utama dari panggung, gambar teater - dan inilah sumber kesenangan artistik khusus dan unik yang diberikannya kepada penonton. Penonton di teater, lebih dari di mana pun dalam seni, terlibat langsung dalam keajaiban penciptaan.

Seni teater, tidak seperti seni lainnya, adalah seni yang hidup. Itu terjadi hanya pada jam pertemuan dengan pemirsa. Itu didasarkan pada kontak emosional dan spiritual yang sangat diperlukan antara panggung dan penonton. Tidak ada kontak seperti itu, artinya tidak ada tontonan yang hidup menurut hukum estetikanya sendiri.

Merupakan siksaan yang hebat bagi seorang aktor untuk tampil di depan aula kosong, tanpa satu pun penonton. Keadaan seperti itu sama saja dengan berada di ruang tertutup dari seluruh dunia. Pada saat pertunjukan, jiwa aktor diarahkan ke penonton, seperti halnya jiwa penonton diarahkan ke aktor. Seni teater hidup, bernafas, menggairahkan, dan menangkap penonton di saat-saat bahagia ketika, melalui kabel transmisi tegangan tinggi yang tak terlihat, ada pertukaran aktif dari dua energi spiritual, yang saling bercita-cita satu sama lain - dari aktor ke penonton , dari penonton menjadi aktor.

Membaca buku, berdiri di depan lukisan, pembaca, penonton tidak melihat penulis, pelukis. Dan hanya di teater seseorang bertemu langsung dengan seorang seniman kreatif, bertemu dengannya pada saat penciptaan. Dia menebak kemunculan dan pergerakan hatinya, hidup bersamanya semua perubahan peristiwa yang terjadi di atas panggung.

Pembaca sendirian, sendirian dengan buku berharga itu, dapat mengalami saat-saat yang mengasyikkan dan membahagiakan. Dan teater tidak membiarkan penontonnya sendirian. Segala sesuatu di teater didasarkan pada interaksi emosional yang aktif antara mereka yang menciptakan sebuah karya seni di atas panggung malam itu dan mereka yang diciptakan untuknya.

Penonton datang ke pertunjukan teater bukan sebagai pengamat luar. Dia tidak bisa tidak mengungkapkan sikapnya terhadap apa yang terjadi di atas panggung. Ledakan tepuk tangan yang menyetujui, tawa ceria, ketegangan, keheningan yang tidak terganggu, desahan lega, kemarahan yang sunyi - keterlibatan penonton dalam proses aksi panggung dimanifestasikan dalam variasi yang paling kaya. Suasana meriah muncul di teater ketika keterlibatan, empati seperti itu mencapai intensitas tertinggi ...

Inilah yang dimaksud dengan seni hidup. Seni, di mana detak jantung manusia terdengar, gerakan jiwa dan pikiran yang paling halus ditangkap secara sensitif, di mana seluruh dunia perasaan dan pikiran manusia, harapan, impian, keinginan tertutup.

Tentunya ketika kita berpikir dan berbicara tentang seorang aktor, kita memahami betapa pentingnya bagi teater bukan hanya seorang aktor, tetapi ansambel aktor, persatuan, interaksi kreatif para aktor. “Teater yang sesungguhnya,” tulis Chaliapin, “bukan hanya kreativitas individu, tetapi juga aksi kolektif yang membutuhkan keharmonisan total dari semua bagian.”

Teater, seolah-olah, adalah seni kolektif ganda. Penonton mempersepsikan sebuah produksi teater, sebuah aksi panggung tidak sendirian, tetapi secara kolektif, “merasakan siku tetangga”, yang sebagian besar meningkatkan kesan, penularan artistik dari apa yang terjadi di atas panggung. Pada saat yang sama, kesan itu sendiri tidak berasal dari satu orang aktor, tetapi dari sekelompok aktor. Baik di atas panggung maupun di auditorium, di kedua sisi tanjakan, mereka hidup, merasakan dan bertindak - bukan individu yang terpisah, tetapi orang, masyarakat orang, terhubung satu sama lain untuk sementara waktu dengan perhatian, tujuan, tindakan bersama .

Untuk sebagian besar, justru inilah yang menentukan peran sosial dan pendidikan teater yang sangat besar. Seni yang diciptakan dan dipersepsikan bersama menjadi sekolah dalam arti sebenarnya. “Teater,” tulis penyair Spanyol terkenal Garcia Lorca, “adalah sekolah air mata dan tawa, platform gratis tempat orang dapat mencela moralitas yang ketinggalan zaman atau salah dan menjelaskan, menggunakan contoh hidup, hukum abadi hati manusia dan hukum manusia. merasa."

Seseorang beralih ke teater sebagai cerminan dari hati nuraninya, jiwanya - dia mengenali dirinya sendiri di teater, waktu dan hidupnya. Teater membuka di hadapannya peluang luar biasa untuk pengetahuan diri spiritual dan moral.

Dan biarlah teater, dengan sifat estetisnya, seni bersyarat, seperti seni lainnya, di atas panggung muncul di hadapan penonton bukan realitas itu sendiri, tetapi hanya refleksi artistiknya. Tetapi ada begitu banyak kebenaran dalam refleksi itu sehingga dirasakan dalam semua kemutlakannya, sebagai kehidupan yang paling asli dan sejati. Penonton mengenali realitas yang lebih tinggi dari keberadaan karakter panggung. Goethe yang hebat menulis: "Apa yang lebih alami daripada orang-orang Shakespeare!"

Di teater, dalam komunitas yang hidup dari orang-orang yang berkumpul untuk pertunjukan panggung, segalanya mungkin: tawa dan air mata, kesedihan dan kegembiraan, kemarahan yang tak terselubung dan kegembiraan yang hebat, kesedihan dan kebahagiaan, ironi dan ketidakpercayaan, penghinaan dan simpati, keheningan yang waspada dan persetujuan keras - singkatnya, semua kekayaan manifestasi emosional dan pergolakan jiwa manusia.

Pengaruh Keluarga Radziwill pada Pembentukan Kebudayaan Belarusia

Kehidupan kedua dari hal-hal yang tidak perlu. Pemulihan dan modernisasi barang-barang lama dengan mencetak bagian-bagiannya pada printer 3D dari berbagai bahan

Di negara kita, semakin banyak diskusi tentang proyek pengembangan budaya masyarakat. Semua orang tahu bahwa fenomena ini merupakan antusiasme terhadap semacam analisis filosofis tentang kecenderungan mendalam masyarakat ...

budaya yunani kuno

Budaya spiritual dalam konteks historisisme

Orang Yunani kuno menyebut seni sebagai "kemampuan untuk menciptakan sesuatu sesuai dengan aturan tertentu". Selain arsitektur dan patung, mereka menyebut seni sebagai kerajinan tangan, dan aritmatika, dan secara umum bisnis apa pun ...

Asal Usul Teater Yunani Kuno

Teater mungkin merupakan hadiah terbesar yang ditinggalkan Yunani kuno untuk Eropa baru. Sejak kelahirannya, ciptaan jenius Yunani yang benar-benar orisinal ini dianggap bukan hiburan, tetapi tindakan sakral ...

Budaya Belarusia pada paruh kedua abad ke-19 dan awal abad ke-20

budaya Rusia

Seni Rusia kuno - lukisan, patung, musik - juga mengalami perubahan nyata dengan adopsi agama Kristen. Pagan Rus tahu semua jenis seni ini, tetapi dalam ekspresi rakyat yang murni kafir. Pemahat kayu kuno...

Masalah moral dan filosofis dalam karya Mark Zakharov

Pada abad ke-19, seni teater berkembang pesat karena beberapa faktor: pembukaan teater baru, kreativitas generasi baru penulis drama, munculnya profesi teater khusus, perkembangan tren sastra ...

Budaya Arab-Muslim abad pertengahan

Arsitektur Arab abad pertengahan menyerap tradisi negara-negara yang ditaklukkan - Yunani, Roma, Iran, Spanyol. Seni di negara-negara Islam pun berkembang, berinteraksi dengan agama secara kompleks. Masjid...

masyarakat abad pertengahan

Pandangan dunia gereja-agama memiliki pengaruh yang menentukan pada perkembangan seni abad pertengahan. Gereja melihat tugasnya dalam memperkuat perasaan religius orang percaya ...

Seni Teater Abad ke-20: Mencari Cara Berdialog

Ketika sebuah garis ditentukan oleh perasaan - Ini mengirim seorang budak ke atas panggung Dan di sini seni berakhir Dan tanah dan takdir bernafas. B. Pasternak Ide dialog, percakapan terhubung dalam pikiran kita dengan bidang bahasa, dengan ucapan lisan, dengan komunikasi ...

PERTANYAAN 1

Teater sebagai bentuk seni. Kekhususan kreativitas teater.

Teater sebagai bentuk seni.

Teater adalah seni kolektif ganda. Penonton mempersepsikan sebuah produksi teater, sebuah aksi panggung tidak sendirian, tetapi secara kolektif, “merasakan siku tetangga”, yang sebagian besar meningkatkan kesan, penularan artistik dari apa yang terjadi di atas panggung. Pada saat yang sama, kesan itu sendiri tidak berasal dari satu orang aktor, tetapi dari sekelompok aktor. Baik di atas panggung maupun di auditorium, di kedua sisi tanjakan, mereka hidup, merasakan dan bertindak - bukan individu yang terpisah, tetapi orang, masyarakat orang, terhubung satu sama lain untuk sementara waktu dengan perhatian, tujuan, tindakan bersama .

^ Kekhususan kreativitas teater.

Setiap seni, yang memiliki pengaruh khusus, dapat dan harus memberikan kontribusinya pada sistem umum pendidikan estetika.

Teater, tidak seperti bentuk seni lainnya, memiliki "kapasitas" terbesar. Ia menyerap kemampuan sastra untuk menciptakan kembali kehidupan dalam sebuah kata dalam manifestasi eksternal dan internalnya, tetapi kata ini bukanlah naratif, tetapi terdengar hidup, langsung efektif. Pada saat yang sama, tidak seperti sastra, teater menciptakan kembali realitas bukan di benak pembaca, tetapi sebagai gambaran kehidupan (pertunjukan) yang ada secara objektif yang terletak di ruang angkasa. Dan dalam hal ini, teater sangat dekat dengan seni lukis. Tetapi aksi teatrikal terus bergerak, berkembang dalam waktu - dan ini dekat dengan musik. Perendaman dalam dunia pengalaman pemirsa mirip dengan keadaan yang dialami pendengar musik, tenggelam dalam dunianya sendiri dari persepsi suara yang subjektif.

Tentu saja, teater bukanlah pengganti bentuk seni lainnya. Kekhususan teater adalah bahwa ia membawa "sifat-sifat" sastra, lukisan, dan musik melalui citra seorang aktor yang hidup. Materi langsung manusia untuk bentuk seni lainnya ini hanyalah titik awal kreativitas. Bagi teater, "alam" tidak hanya berfungsi sebagai material, tetapi juga dilestarikan dalam kelincahannya yang langsung. Seperti yang dicatat oleh filsuf G. G. Shpet: “Aktor menciptakan dari dirinya sendiri dalam dua arti: 1) seperti artis mana pun, dari imajinasi kreatifnya; dan 2) secara khusus memiliki bahan dari mana gambar artistik dibuat.

Seni teater memiliki kemampuan luar biasa untuk menyatu dengan kehidupan. Pertunjukan panggung, meskipun berlangsung di sisi lain tanjakan, pada saat-saat ketegangan tinggi mengaburkan batas antara seni dan kehidupan dan dianggap oleh penonton sebagai kenyataan itu sendiri. Daya tarik teater terletak pada kenyataan bahwa "kehidupan di atas panggung" dengan bebas menegaskan dirinya dalam imajinasi penonton.

Pergantian psikologis semacam itu terjadi karena teater tidak hanya diberkahi dengan ciri-ciri realitas, tetapi dengan sendirinya merupakan realitas yang diciptakan secara artistik. Realitas teatrikal, yang menciptakan kesan realitas, memiliki hukum khususnya sendiri. Kebenaran teater tidak bisa diukur dengan kriteria kelayakan hidup. Beban psikologis yang diambil oleh pahlawan drama itu sendiri tidak dapat ditanggung oleh seseorang dalam kehidupannya, karena di teater terdapat pemadatan yang ekstrim dari seluruh siklus peristiwa. Pahlawan dalam drama tersebut sering mengalami kehidupan batinnya sebagai sekumpulan nafsu dan konsentrasi pikiran yang tinggi. Dan semua ini diterima begitu saja oleh penonton. "Luar biasa" menurut norma realitas objektif sama sekali bukan tanda seni yang tidak bisa diandalkan. Dalam teater, “kebenaran” dan “ketidakbenaran” memiliki kriteria yang berbeda dan ditentukan oleh hukum pemikiran figuratif. “Seni dialami sebagai realitas dengan kepenuhan “mekanisme” mental kita, tetapi pada saat yang sama seni dievaluasi dalam kualitas spesifiknya sebagai permainan buatan manusia “tidak nyata”, seperti yang dikatakan anak-anak, penggandaan realitas yang ilusif. ”

Pengunjung teater menjadi penonton teater ketika ia merasakan aspek ganda dari aksi panggung ini, tidak hanya melihat aksi konkret yang vital di depannya, tetapi juga memahami makna batin dari aksi tersebut. Apa yang terjadi di atas panggung dirasakan baik sebagai kebenaran hidup maupun sebagai rekreasi kiasannya. Pada saat yang sama, penting untuk dicatat bahwa penonton, tanpa kehilangan rasa nyata, mulai hidup di dunia teater. Hubungan antara realitas nyata dan teater agak rumit. Ada tiga fase dalam proses ini:

1. Realitas realitas yang ditampilkan secara objektif, ditransformasikan oleh imajinasi penulis naskah menjadi sebuah karya drama.

2. Sebuah karya dramatis yang diwujudkan oleh teater (sutradara, aktor) dalam kehidupan panggung - sebuah pertunjukan.

3. Kehidupan panggung, dirasakan oleh penonton dan menjadi bagian dari pengalaman mereka, menyatu dengan kehidupan penonton dan, dengan demikian, kembali ke kenyataan.

Tetapi "kembalinya" tidak dianalogikan dengan sumber aslinya, sekarang diperkaya secara spiritual dan estetis. "Sebuah karya seni dibuat untuk hidup - untuk hidup hampir secara harfiah

Kata ini, mis. masuk, seperti peristiwa yang dialami dalam kehidupan nyata,

Dalam pengalaman spiritual setiap orang dan seluruh umat manusia.

Persilangan dua jenis imajinasi aktif - aktor dan penonton - memunculkan apa yang disebut "keajaiban teater". Keunggulan seni teater terletak pada kenyataan bahwa ia mewujudkan imajiner menjadi aksi langsung yang berlangsung di atas panggung dengan kejelasan dan kekonkretan. Dalam seni lain, dunia imajiner muncul dalam imajinasi manusia, seperti dalam sastra dan musik, atau digambarkan di atas batu atau di atas kanvas, seperti dalam seni pahat atau lukisan. Di teater, penonton melihat imajiner. "Setiap pertunjukan mengandung beberapa elemen fisik dan objektif yang tersedia untuk semua penonton" .

Seni panggung pada dasarnya mengandaikan tidak pasif, tetapi antusiasme aktif bagi penonton, karena tidak ada seni lain yang memiliki ketergantungan proses kreatif pada persepsinya seperti di teater. Di G.D. Gachev, penontonnya “seperti bidadari, seperti Argus bermata seribu<...>memicu aksi di atas panggung<...>karena dunia panggung itu sendiri muncul, muncul, tetapi pada tingkat yang sama adalah karya penonton.

Hukum dasar teater - keterlibatan internal penonton dalam peristiwa yang berlangsung di atas panggung - melibatkan kegairahan imajinasi, kemandirian, kreativitas internal di setiap penonton. Ketertarikan pada aksi ini membedakan penonton dari pengamat yang acuh tak acuh, yang juga ditemukan di ruang teater. Penonton, berbeda dengan aktor, seniman aktif, adalah seniman kontemplatif.

Imajinasi aktif penonton sama sekali bukan properti spiritual khusus dari pecinta seni pilihan. Tentu saja, cita rasa artistik yang dikembangkan sangat penting, tetapi ini adalah masalah perkembangan prinsip-prinsip emosional yang melekat pada setiap orang. “Rasa artistik membuka jalan bagi pembaca, pendengar, pemirsa dari bentuk luar ke dalam dan dari itu ke isi karya. Agar jalan ini berhasil dilalui, partisipasi imajinasi dan ingatan, kekuatan emosional dan intelektual jiwa, kemauan dan perhatian, dan akhirnya, keyakinan dan cinta, yaitu kompleks mental integral yang sama dari kekuatan spiritual yang melaksanakan tindakan kreatif, diperlukan.

Kesadaran akan realitas artistik dalam proses persepsi semakin dalam, semakin penuh penikmatnya terbenam dalam lingkup pengalaman, semakin banyak seni berlapis memasuki jiwa manusia. Di persimpangan dua bidang inilah - pengalaman bawah sadar dan persepsi seni sadar bahwa imajinasi ada. Itu melekat dalam jiwa manusia pada awalnya, secara organik, dapat diakses oleh setiap orang dan dapat dikembangkan secara signifikan selama akumulasi pengalaman estetika.

Persepsi estetika adalah kreativitas pemirsa, dan dapat mencapai intensitas yang tinggi. Semakin kaya sifat penampilnya sendiri, semakin berkembang rasa estetiknya, semakin lengkap pengalaman artistiknya, semakin aktif imajinasinya dan semakin kaya kesan teatrikalnya.

Estetika persepsi sebagian besar diarahkan pada pemirsa yang ideal. Pada kenyataannya, proses sadar mendidik budaya teater mungkin akan memajukan penonton untuk mendapatkan pengetahuan tentang seni dan menguasai keterampilan persepsi tertentu. Pemirsa yang berpendidikan mungkin:

Ketahui teater dalam hukumnya sendiri;

Kenali teater dalam proses modernnya;

Mengenal teater dalam perkembangan sejarahnya.

Pada saat yang sama, orang harus menyadari bahwa pengetahuan yang terlipat secara mekanis di kepala pemirsa bukanlah jaminan persepsi yang utuh. Proses pembentukan budaya spektator sampai batas tertentu bersifat “kotak hitam”, di mana momen-momen kuantitatif tidak selalu tersusun dalam garis lurus menjadi fenomena kualitatif tertentu.

Teater adalah seni yang luar biasa. Kalau saja karena selama seabad terakhir dia diprediksi beberapa kali kematian yang akan segera terjadi. Dia diancam oleh Keheningan Hebat, yang telah menemukan pidato - tampaknya bioskop bersuara akan menghilangkan semua penonton dari teater. Kemudian ancaman datang dari televisi, ketika tontonan datang langsung ke rumah, kemudian penyebaran video dan internet yang dahsyat mulai ditakuti.

Namun, jika kita fokus pada kecenderungan umum keberadaan seni teater di dunia, maka tidak mengherankan jika pada awal abad ke-21 teater tidak hanya mempertahankan dirinya, tetapi mulai dengan jelas menekankan non- karakter massa dan, dalam arti tertentu, "elitisme" seninya. Tetapi dalam pengertian yang sama, seseorang dapat berbicara tentang elitisme seni rupa atau musik klasik, jika kita membandingkan jutaan penonton yang dikumpulkan oleh artis populer dengan sejumlah kecil orang di konservatori.

Dalam teater sintetik zaman modern, korelasi tradisional dari prinsip-prinsip dominan - kebenaran dan fiksi - muncul dalam semacam kesatuan yang tak terpisahkan. Sintesis ini terjadi baik sebagai tindakan pengalaman (persepsi tentang kebenaran hidup) maupun sebagai tindakan kenikmatan estetis (persepsi puisi teater). Kemudian penonton tidak hanya menjadi partisipan psikologis dalam aksi tersebut, yaitu orang yang "menyerap" nasib sang pahlawan dan memperkaya dirinya secara spiritual, tetapi juga menjadi pencipta yang melakukan aksi kreatif dalam imajinasinya, bersamaan dengan apa yang terjadi. diatas panggung. Momen terakhir ini sangat penting, dan dalam pendidikan estetika penonton, momen ini menempati tempat sentral.

Tentu saja, setiap penonton dapat memiliki idenya sendiri tentang penampilan yang ideal. Tetapi dalam semua kasus itu didasarkan pada "program" persyaratan seni tertentu. “Pengetahuan” semacam ini mengandaikan kematangan tertentu dari budaya penonton.

Budaya penonton sebagian besar bergantung pada sifat seni yang ditawarkan kepada penonton. Semakin sulit tugas yang diberikan kepadanya - estetika, etika, filosofis, semakin tegang pemikirannya, semakin tajam pengalamannya, semakin halus perwujudan selera pemirsa. Karena apa yang kami sebut budaya pembaca, pendengar, pemirsa berhubungan langsung dengan perkembangan kepribadian seseorang, bergantung pada pertumbuhan spiritualnya dan memengaruhi pertumbuhan spiritualnya lebih lanjut.

Arti penting dari tugas yang diajukan teater kepada penonton dalam istilah psikologis terletak pada kenyataan bahwa citra artistik, dengan segala kerumitan dan ketidakkonsistenannya, pada awalnya dianggap oleh penonton sebagai karakter yang nyata dan ada secara objektif, dan kemudian, saat mereka terbiasa dengan gambar dan merenungkan tindakannya, mengungkapkan (seolah-olah secara mandiri) esensi batinnya, makna generalisasinya.

Dari segi estetika, kompleksitas tugas terletak pada kenyataan bahwa penonton memandang citra panggung tidak hanya menurut kriteria kebenaran, tetapi juga tahu bagaimana (belajar) menguraikan makna metaforis puitisnya.

Jadi, kekhasan seni teater adalah orang yang hidup, sebagai pahlawan yang mengalami langsung dan sebagai seniman-seniman yang langsung menciptakan, dan hukum teater yang paling penting adalah dampak langsung pada penonton.

"Efek teater", kejernihannya ditentukan tidak hanya oleh martabat seni itu sendiri, tetapi juga oleh martabat, budaya estetika auditorium. Penonton sebagai salah satu pencipta pertunjukan yang wajib paling sering ditulis dan dibicarakan oleh praktisi teater itu sendiri (sutradara dan aktor): “Tidak ada pertunjukan teater tanpa partisipasi publik, dan lakon itu hanya memiliki peluang sukses jika penonton itu sendiri "kalah" permainan, yaitu ... menerima aturannya dan memainkan peran sebagai orang yang berempati atau menarik diri.

Namun, kebangkitan seniman dalam penampil hanya terjadi jika penampil dapat sepenuhnya memahami konten yang melekat dalam pertunjukan, jika ia mampu memperluas jangkauan estetika dan belajar melihat yang baru dalam seni, jika tetap setia pada gaya artistik favoritnya, ternyata dia tidak tuli dan arah kreatif lainnya, jika dia mampu melihat bacaan baru dari sebuah karya klasik dan mampu memisahkan ide sutradara dari implementasinya oleh para aktor ... Ada masih banyak lagi yang "jika" seperti itu. Oleh karena itu, agar penonton terlibat dalam kreativitas, sehingga seniman terbangun di dalam dirinya, pada tahap perkembangan teater kita saat ini, diperlukan peningkatan budaya artistik penonton secara umum.

Populer dalam kategori: